first impressions

Green Book

noreply@blogger.com (Alessia Carmicino) — Wed, 06 Mar 2019 13:11:00 +0000

Green Book era il film perfetto per portarsi a casa la statuetta e non a torto: un ottimo compromesso fra impegno e intrattenimento, americano nel profondo nel saper essere severo con la storia della sua Nazione quanto affettuoso con coloro che hanno contribuito a forgiarne il cuore più ottimista e generoso, gli anni 60' che già avevano portato fortuna a Guillermo Del Toro l'anno scorso e che tornano prepotenti con il loro sgargiante spettro di colori, eleganza, sonorità e contraddizioni.

Si attraversa l'America della segregazione (sull'itinerario c'è anche Jackson, l'infame città di The Help), stereotipi culturali e razziali si scontrano e si rovesciano a contatto con l'italianità sfacciata e spassosissima di Viggo Mortensen (a cui come italiota non avremmo dato 2 lire, e invece), si resta commossi e ammirati dalla compostezza dolorosa di Mahershala Ali il cui Oscar non può non dirsi meritatissimo.

Un road movie di 130 minuti che sfrecciano via leggeri leggeri, di quelli che ti fanno bene mescolando risate e riflessioni a brevissima distanza e ti fanno viaggiare lontano, per poi riportarti a casa al calore del cuore che si, un po' retorico lo è, ma ne hai lo stesso un gran bisogno, e soprattutto la storia di un'amicizia maschile con due protagonisti agli antipodi che imparano a rispettarsi e comprendersi e che pur non dicendo nulla di nuovo funziona benissimo così.

Ok, la pasta con le vongole era visibilmente scotta, ma ti mette addosso così tanta voglia di pollo fritto del Kentucky Fried Chicken che vabbè, per stavolta passi.

Top Ten 2018. Let's start again!

noreply@blogger.com (Alessia Carmicino) — Tue, 01 Jan 2019 14:01:00 +0000

I miei 10 film dell'anno ormai passato (in base all'uscita italiana, che la stagione dell'uscita in sala per il pubblico è L'UNICA che conti davvero e non mi piace bluffare). Niente Roma e niente Dogman giusto perchè non li ho ancora visti, Niente Lady Bird perchè l'ho odiato come poche altre robe vendute come capolavori assoluti, poche recensioni in un anno vissuto pericolosamente ma con la speranza di tornare a scrivere di più fra una battaglia quotidiana e l'altra. Mi raccomando 2019, comportati bene.

1) First Man, Damien Chazelle

2) Phantom Thread, Paul Thomas Anderson

3) Three Billboards outside Ebbing, Missouri, Martin McDonagh

4) The Shape of Water, Guillermo Del Toro

5)I, Tonya, Graig Gillespie

6)The Post, Steven Spielberg

7)Sulla mia pelle, Alessio Cremonini

8)Mary Magdalene, Garth Davis

9)Bohemian Rhapsody, brian Singer/Dexter Fletcher

10)Call me by your name, Luca Guadagnino

First Man

noreply@blogger.com (Alessia Carmicino) — Sat, 03 Nov 2018 09:45:00 +0000

"I don't know what space exploration will uncover, but I don't think it'll be exploration just for the sake of exploration. I think it'll be more the fact that it allows us to see things. That maybe we should have seen a long time ago. But just haven't been able to until now."

"Here's to the ones who dream, crazy as they may seem": i sognatori di Damien Chazelle ci piacciono così, sempre forti di quella determinazione un po' cieca e un po' incosciente che ti mantiene dritto sulla via dell'obiettivo, non importa quanti tagli e cicatrici ci vorranno e quanto possa essere alto il prezzo domandato, che sia la fine di un amore, il trincerarsi in una gabbia di vetro dove nessuno potrà mai raggiungerli o addirittura la vita stessa, con la morte di tanti colleghi e un'elevata probabilità di seguire il medesimo tragico destino; non per la notorietà, non per la gloria, ma perché solo una volta toccate le stelle sedare il dolore e trovare pace diverrà finalmente possibile.

C'è tanto del romanticismo di La La Land e del sangue e delle batterie di Whiplash nel viaggio del First Man Neil Armstrong, il più classico dei Ryan Gosling, pilota taciturno e imperscrutabile reso ancora più schivo da una tragedia personale per la quale non esistono parole: sostenuto con coraggio dalla paziente moglie (una battaglia di primi piani sugli occhi azzurri della bravissima Claire Foy) e dagli amici più stretti ma egualmente solo e sempre altrove, incastrato nelle anguste postazioni di comando coi suoi fantasmi in attesa che questi possano volare via, liberi nel silenzio dello spazio infinito.

Avrebbe dovuto essere un'avventura, di quelle che accendono lo sguardo dei bambini e vendono bene il prestigio delle Nazioni, ma alla fine altro non è che il grande balzo di un uomo che non appartiene davvero al suo tempo ne all'umanità intera(pochissimi e poco approfonditi gli accenni agli anni 60' e al valore politico e patriottico dell'impresa) ma allo sguardo del suo autore e di chi ha provato a condividerne passioni e tormenti, le ore e ore di addestramento in condizioni proibitive e i tanti lutti e assenze lungo la strada, toccando da vicino il sogno ma anche le sue ombre più crudeli.

Così, quando torni coi piedi per terra dopo aver ballato e tremato e ruotato e rimbalzato in un gioco di prospettive da maestro che ti piazza a un palmo dai controlli impazziti e traballanti e ti costringe a guardare il finestrino infuocarsi e ghiacciarsi, sei lieto che Chazelle ti abbia raccontato ancora una volta quella storia alla quale non sa e non intende resistere: lo spettacolo visivo e musicale che per farsi perfezione e leggerezza deve nascere dalla disponibilità al sacrificio più grande, ma soprattutto uscire incolume dall'estenuante centrifuga delle percussioni. E quanto sono belle le lavatrici sonore di Chazelle.

Mary Magdalene

noreply@blogger.com (Alessia Carmicino) — Fri, 06 Apr 2018 14:31:00 +0000

Quando cresci in Italia ci fai l'abitudine, più che altrove: i film a sfondo religioso te li somministrano sempre, a scuola o al catechismo, nelle giornate di festa che naturalmente li richiamano, perché le immagini facciano la loro parte nel dare corpo a una fede trasparente che i più fortunati riescono a preservare nonostante le domande bussino sempre alla porta, impertinenti.

Un pentolone ingombro e curioso dove puoi trovare fiction anni 90' e grandi produzioni d'autore, il classicismo dorato e la pompa magna della vecchia Hollywood, profanazioni pop e scandalosi spunti da best seller agitati e mescolati a quel po' di anarchia che la santità richiede in tutta la sua anomalia; questa volta, a risorgere nel racconto cinematografico è la bistrattata ma sempre ben monetizzata figura di Maria Maddalena, riabilitata pienamente da Papa Francesco solo nel 2016 e ora assolta anche dal grande schermo grazie al film diretto da Garth Davis con protagonista Rooney Mara.

Con tale nobile consapevolezza, Mary Magdalene (Maria Maddalena) lavora sempre dalla parte della sua eroina, disegnando il ritratto di una giovane prigioniera di un tempo che vuole la donna proprietà prima del padre e poi del marito, a cui si impedisce di recarsi in Sinagoga per pregare Dio in solitudine e senza permesso, considerata posseduta dal demonio per aver osato ribellarsi alla volontà della famiglia: la luce arriva, nella forma carismatica del Cristo di Joaquin Phoenix, per condurre Maria ad una vita itinerante che le impone di rinunciare ad ogni cosa, donandole così la libertà d' azione e di spirito tanto agognata.

Una rilancio in chiave moderna e femminista col quale si empatizza facilmente ma che inciampa nella sua stessa purezza d'intenti: aver pagato di essere conosciuta come una prostituta redenta era forse già abbastanza, ma una figura più sfumata avrebbe di certo aiutato a rendere il suo cuore più sentito e più vero.

Contro le originali aspettative, ad essere più interessante rimane il percorso delle controparti maschili: Pietro invidioso e impaziente di imporre la propria guida e la propria visione, Cristo consapevole di doversi scontrare con un mondo sordo e che ben conosce la rabbia e la frustrazione, fino al più sorprendente di tutti, un Giuda dalla devozione assoluta e pur distrutto dal bisogno di vedere realizzarsi la promessa di salvezza celeste ripetutamente rinnovata dal suo Maestro; nessun santino, nessun malvagio preso fra le grinfie di Satana, solo uomini che lottano contro la propria fragilità e umanità, in alcuni casi fallendo miseramente.

Pur senza macchia e turbamento, Maria affascina e ci fa innamorare della sua dolcezza quanto della freschezza della sua determinazione, ben incarnate dalla luminosa e leggera presenza di Rooney Mara: attraverso i suoi occhi presenti e testimoni scorgiamo le embrionali manifestazioni di un primo cristianesimo di anarchia e insubordinazione, ma già in grado di raccogliere l'atavico desiderio di salvezza dell'uomo facile a trasformarsi nel morboso bisogno di afferrare e divorare il mistero di ciò che non conosciamo.

Un Dio imperscrutabile ma che senza dubbio abita il film di Garth Davis, nel sole che filtra attraverso le reti da pesca e la pace delle acque, nel silenzio e nella calura della terra che il Trapanese porta con sè ispirando una viandanza senza tempo, ma anche nelle musiche essenziali e scroscianti di Jóhann Jóhannsson, recentemente scomparso.

Irish Film Festa 11, My Astonishing Self: Gabriel Byrne on George Bernard Shaw

noreply@blogger.com (Alessia Carmicino) — Sun, 25 Mar 2018 14:23:00 +0000

Gli Italiani hanno Leonardo Da Vinci, gli Inglesi William Shakespeare, gli Irlandesi George Bernard Shaw: è stato lo stesso drammaturgo a pronunciare queste parole, con la sua solita istrionica consapevolezza, sotto i baffi della lunga barba che aveva sempre portato e che l'aveva aiutato a costruire una maschera efficace e familiare per tutti gli spettatori dei suoi lavori: a lui, nato a Dublino ma Londinese di adozione dopo aver lasciato la patria a 20 anni e aver conquistato fama e fortuna nella capitale britannica, Gabriel Byrne ha dedicato il documentario "My Astonishing Self: Gabriel Byrne on George Bernard Shaw", trasmesso dal canale irlandese RTE e dalla BBC e presentato alla Casa del cinema di Roma nell'ambito dell'Irish Film Festa, per riscoprire vita passioni e oscurità di un autore che pur godendo di facile riconoscibilità presso gli irlandesi non è riuscito ottenere la stessa popolarità di altri conterranei.

Eppure è la stessa vita di Shaw ad eleggerlo a simbolo della più pura e tradizionale parabola irlandese: nato nella povertà di una famiglia infelice, vessato da bullismo in una scuola dal rigido classismo sociale e religioso, schiacciato dalla solitudine che ogni spirito avventuroso non può non avvertire su un'Isola che gli rigetta addosso tutta la sua timidezza, il Giovane Shaw passa il mare e cerca in Inghilterra il riscatto tanto atteso, preparandosi a vivere la sua vita da straniero in terra straniera; visibilmente toccato da sentimenti con lui condivisi, Gabriel Byrne ci conduce nei luoghi dell'infanzia di Shaw e lo segue a Londra fin dentro la British Library, testimoniando la costruzione ad hoc del suo stesso personaggio e la sua formazione culturale e ideologica, la stessa che gli ha dato la forza di vincere ogni riservatezza per tirare fuori estro e humour.

Così nasce il George Bernard Shaw più amato, l'omino graffiante che non dormiva mai consapevole di dover farsi da sè in ogni senso, capace di parlare al pubblico sposando il riso ad una critica sociale aspra ed efficace che scandalizzò l'Inghilterra vittoriana, ponendo il seme dell' idea che chiunque debba formare senza condizionamenti la propria opinione ed esaltando chi lottava per far sentire la propria voce, operai e suffragette: volti del calibro di Ralph Fiennes, Gemma Arterton e Nicholas Hytner raccontano il loro amore per l'autore e come abbiano devotamente lavorato all'interpretazione dei suoi personaggi, vivaci e moderni ben oltre i tempi ancora incerti in cui vivevano.

Oltre la celebrazione e l'affetto per Shaw, la visita della sua casa museo e del piccolo casotto girevole dove tentava di inseguire il sole per scrivere al meglio e il più possibile c'è spazio anche per ombre e delusioni: la voce calma di Byrne si sofferma sulle simpatie del drammaturgo verso Mussolini e Hitler, la dittatura esaltata come mezzo per riportare in vita il socialismo che amava e che sembrava morire ogni giorno di più, imponendo decisioni e cambiamenti e uccidendo la formazione delle coscienze che tanto aveva difeso in passato.

Una macchia che ha contaminato la genuinità del personaggio e il rispetto di molti, ma che non può cancellare i meriti dell'uomo che ha scritto Santa Giovanna e Pigmalione: un irlandese che ha tratto dal suo essere irlandese le sue qualità migliori, uno spirito anticonformista che ha dovuto lasciare il suo paese per iniziare davvero a respirare per poi ritrovarlo nella maturità; come lo stesso Gabriel Byrne, come un vero irlandese.

Irish Film Festa 11: Maze, Stephen Burke

noreply@blogger.com (Alessia Carmicino) — Sun, 25 Mar 2018 10:03:00 +0000

Una griglia di fratture e microfratture, fratello contro fratello e Dio contro Dio, fino a un cessate il fuoco a lungo sospirato ma incapace di guarire fino in fondo le ferite che hanno scavato solchi nella sensibilità e nel malessere di un paese intero: questa la storia dell'Irlanda del Nord, l'Ulster che a scuola tendiamo a confondere con l'Eire con tanta leggerezza e che invece si porta dietro l'eredità conflittuale di una lotta nobile e antica, ma combattuta con le armi della paura e del terrorismo da una parte e con ferma repressione dall'altra; così si gioca il rimbalzo delle responsabilità, le bombe dell'IRA nei pub e nei locali pubblici con gli innocenti che pagano il prezzo più alto, la risposta britannica che si accanisce reprimendo con la violenza proteste pacifiche e spargendo sangue sulla strada, processi senza attenuanti e una risposta carceraria di durezza non comune, nel carcere di massima sicurezza più imponente e inespugnabile d'Europa che si presenta come un labirinto profondo di alienazione e annullamento.

Da qui riparte Maze di Stephen Burke, presentato nel corso dell'Irish Film Festa presso la Casa del Cinema di Roma dedicato all' evasione che coinvolse ben 38 terroristi dell'IRA, sfuggiti in modo rocambolesco dalla fortezza dell'HM Prison Maze (conosciuta anche come Long Kesh) nel settembre '83, per essere per lo più riacciuffati subito o uccisi qualche anno dopo; una grande fuga degna di Steve McQueen, preparata e studiata con altrettanta cura dalla mente Larry Marley, sopravvissuto al terrificante sciopero della fame che si portò via tanti detenuti determinati a veder riconoscere i propri diritti di prigionieri politici in nome dell'Irlanda per cui avevano combattuto, magra consolazione per tutte le famiglie che non li hanno mai più visti tornare a casa.

L'idea di Marley non è priva di intuizione: fallito lo sciopero senza ottenere validi risultati, una fuga dal Labirinto risveglierà le coscienze e manterrà viva la causa indipendentista, ormai esasperata dalle tante morti che l'hanno insanguinata, in un'azione dimostrativa senza precedenti che sarà possibile solo lavorando a stretto contatto con le guardie carcerarie che provano per lui solo disprezzo e diffidenza. Sullo sfondo, le frange unioniste che all'interno della stessa ala del carcere disprezzano e contrastano la loro stessa esistenza, risse e avvertimenti che si riveleranno un ottimo catalizzatore: a dare un importante e inconsapevole contributo sarà Gordon Close, guardia carceraria altrettanto esasperato dalle maglie del labirinto e dall'asprezza delle gerarchie, oltre che da una vita personale che sotto la pressione della minaccia terroristica incombente inizierà a vacillare improvvisamentre.

Il più grande rischio che si possa correre trattando un argomento tanto delicato è cadere nella trappola della faziosità e non concedere alle parti in causa pari opportunità di difesa e spiegazione, incarnando il buono e il cattivo in un unico e intoccabile paradigma: non è questo il caso del film di Burke, che pur facendoci simpatizzare col destino dei carcerati e sospirare in ogni singola tesissima fase del Big Day mantiene egualmente il distacco necessario sfumando al meglio la problematica figura di Marley (eccellente l'imperturbabile Tom Vaughan Lawlor), convinto militante dell'Ira ma non al punto di sacrificare la sua unica possibilità di ritornare dalla sua famiglia: l'interesse per il destino di Gordon(ottimo Barry Ward, dall'altra parte della barricata anni dopo la sua interpretazione in Jimmy's Hall di Ken Loach) non è sincero, ma non è chiaro fino in fondo dove finisca la menzogna e inizi l'empatia che dall'altra parte risponde a una sincera e incompresa disposizione a cambiare le cose. Come trovare la pace se anche il minimo cedimento si traduce in una nuova escalation? Ci sarebbero voluti ancora molti anni e tante morti (lo stesso Marley venne ucciso dagli unionisti poco dopo essere uscito di prigione) per arrivare agli accordi del Venerdì Santo e alla deposizione delle armi, ma alla vigilia di una Brexit voluta dal governo centrale e che rischia di mettere in seria discussione il futuro irlandese le domande senza risposta che tormentano il paese sono ancora tante, forse troppe.

A futura memoria di quegli anni così difficili in cui tutto e niente sembrava possibile ci resta un film asciutto, girato con inquadrature grezze nelle spente profondità dei rami della prigione come nella gola di un mostro soffocante che tutto e tutti divora: il fantasma di un mondo che era ieri ma che in fondo è ancora qui, troppo inquieto per trovare finalmente la sua pace.

Irish Film Festa 11, dal 21 marzo alla Casa del Cinema di Roma

noreply@blogger.com (Alessia Carmicino) — Tue, 20 Mar 2018 16:45:00 +0000

Giunge all’11a edizione IRISH FILM FESTA, il festival interamente dedicato al cinema irlandese che quest’anno si terrà dal 21 al 25 marzo 2018, come di consueto alla Casa del Cinema di Roma; un'occasione unica per innamorarsi e riscoprire il cinema irlandese e i titoli più interessanti e promettenti che questo ha da offrire, in uno spirito unitario che guarda con interesse e soddisfazioni sia a lavori prodotti nell'Eire che nel Nord Irlanda, in una manifestazione che il direttore artistico Susanna Pellis ha sempre giustamente definito "All Ireland".

IRISH FILM FESTA dedica, come sempre, ampio spazio ai cortometraggi: alla sezione concorso nata nel 2010 e che quest’anno comprende sedici opere, si affianca Making Shorts, un panel di approfondimento sul settore del cortometraggio nell’industria cinematografica irlandese e nordirlandese al quale parteciperanno registi, distributori e professionisti del settore. Fuori concorso sarà inoltre presentato il cortometraggio d’animazione in gaelico An Béal Bocht (The Poor Mouth) di Tom Collins, tratto dall’omonimo racconto di Flann O’Brien e premiato al Galway Film Fleadh 2017.

Tra i lungometraggi in programma troviamo invece Song of Granite di Pat Collins, originale biopic dedicato al cantante irlandese Joe Heaney (1919 – 1984), e soprattutto Maze di Stephen Burke, sull’evasione di 38 detenuti repubblicani dal carcere di Long Kesh nel 1983. Saranno al festival il regista, la produttrice Jane Doolan e il protagonista Barry Ward (lo ricordiamo in Jimmy’s Hall di Ken Loach). Maze ha ottenuto un grande successo di pubblico in Irlanda (è al momento il film irlandese ad aver incassato di più nel primo fine settimana in sala, record precedentemente detenuto da Room di Lenny Abrahamson.

In anteprima italiana vedremo Kissing Candice, film d’esordio della regista di videoclip musicali Aoife McArdle appena passato al Toronto Film Festival e alla Berlinale, film adolescenziale del tutto fuori dagli schemi con l’attore nordirlandese John Lynch nel ruolo del padre del protagonista.

Altro titolo degno di nota è Handsome Devil, scritto e diretto da John Butler (The Stag – Se sopravvivo mi sposo) un delicato racconto di formazione ambientato in collegio, fra studio, rugby e importanti prese di coscienza. A fianco dei due giovani protagonisti Fionn O’Shea e Nicholas Galitzine, spiccano Andrew Scott e Moe Dunford nel ruolo degli insegnanti.

Non si interrompe il legame tra IRISH FILM FESTA e Cartoon Saloon, lo studio d’animazione con sede a Kilkenny sempre più apprezzato a livello internazionale: dopo The Secret of Kells (2009) e Song of the Sea (La canzone del mare, 2014), al festival sarà proiettato The Breadwinner di Nora Twomey. Accolto con entusiasmo nel circuito dei festival e candidato agli Oscar 2018, The Breadwinner è tratto dal romanzo omonimo della canadese Deborah Ellis (pubblicato in Italia da BUR col titolo Sotto il burqa) e vede protagonista Parvana, una ragazzina afghana che vive sotto il regime talebano. Il film che ha coinvolto nella produzione anche Angelina Jolie è un’ode al potere delle storie e dell’immaginazione, portata sullo schermo attraverso un approfondito lavoro di ricerca sulla cultura visiva e favolistica dell’Afghanistan.

Nell’ambito della nuova sezione #IFFbooks, dedicata alla letteratura irlandese, IRISH FILM FESTA presenterà infine My Astonishing Self: Gabriel Byrne on George Bernard Shaw, un documentario realizzato da Gerry Hoban per RTÉ (la televisione pubblica irlandese) e BBC in cui il celebre attore Gabriel Byrne guida gli spettatori alla scoperta della vita e delle opere di Shaw. A Gabriel Byrne, che proprio quest’anno ha ricevuto il premio IFTA alla carriera, si lega anche la scelta dell’Irish Classic, Into the West (Tir-na-nOg – È vietato portare cavalli in città, 1992): scritto da Jim Sheridan e diretto da Mike Newell, il film è una fiaba moderna ambientata nel mondo dei Traveller, l’etnia nomade irlandese. Nel cast, oltre a Byrne, anche Ellen Barkin, Colm Meaney e Brendan Gleeson.

#IFFbooks prevede poi un incontro con il pluripremiato scrittore irlandese Paul Lynch, autore di tre romanzi: Red Sky in Morning (Cielo rosso al mattino, 2013), già pubblicato in Italia dalla casa editrice 66thand2nd, The Black Snow (2014) e Grace (2017). Lo stile di Lynch, paragonato a quello di Seamus Heaney e Cormac McCarthy, ha ricevuto apprezzamenti da affermati scrittori irlandesi come Sebastian Barry e Colm Tóibín (Brooklyn).

Mi raccomando, non mancate e Slán go fóill!

The Shape of Water

noreply@blogger.com (Alessia Carmicino) — Tue, 13 Mar 2018 19:49:00 +0000

"Unable to perceive the shape of You, I find You all around me. Your presence fills my eyes with Your love, It humbles my heart, For You are everywhere..."

"Tale as old as time" cantava la canzone di Alan Menken mentre la Bella e la Bestia volteggiavano nel salone da ballo vestiti di tutto punto, decorosamente abbottonati nei loro dorati abiti finto settecenteschi: il mito della bella fanciulla innamorata di una creatura mostruosa è vecchio come il tempo e impresso nella carne dell'uomo quanto nella sua immaginazione e fantasia, forte nella consolazione dell'idea che l'amore possa prescindere dall'aspetto esteriore in nome di un oltre che anche il più cinico e disilluso non può fare a meno di bramare, nel silenzio delle notti in cui nessuno potrà mai disturbare o criticare i suoi desideri più segreti.

Un mito che non ci stanca mai e dribbla facilmente il sapore di già visto e già sentito e che ci regala un sollievo sempreverde, ma ha anche bisogno di nuova linfa per riuscire a emozionare davvero e non stagnare in una mera resurrezione del canonico, vivido e magico come lo è sempre stato sin dalle prime immagini che ci hanno trovato nell'infanzia: fra le mani di Guillermo Del Toro, guardiano di tante creature mostruose, fantasmi, freaks reietti e incompresi da un mondo che sa essere più gore e spaventoso di loro stessi, il rispetto per la diversità dei personaggi e l'importanza del messaggio sono rispettati alla lettera e non solo in The Shape of Water ( in Italia La Forma dell'Acqua), favola moderna che contrappone il suo cuore ai verdognoli Stati Uniti dei primi anni 60' e di una Guerra Fredda le cui dinamiche risultano a volte tanto assurde da sfiorare l'ilarità involontaria.

Un'esperienza non inedita per Del Toro, che ha dato il meglio di sé nello sposare il fantastico alla causa di un periodo storico e di un paese distorti con il meraviglioso Labirinto del Fauno e ancor prima ne La Spina del Diavolo, ambientati entrambi nella pasionaria Spagna durante e dopo la fine della Guerra Civile e il trionfo del Franchismo: la scena desolante di una sconfitta annunciata dove l'innocenza dei bambini offre il solo barlume di speranza possibile per continuare a combattere e andare avanti, alla ricerca di una salvezza sempre più fioca ma non ancora perduta.

Nessun sogno di bambino a portare luce nelle vite tristi e solitarie dei personaggi di The Shape of Water, ma un qualcosa di altrettanto potente e non meno incantato e misterioso: la leggerezza di una giovane donna, privata con violenza della voce da bambina e così restituita dalle acque del fiume dove era stata gettata non si sa da chi ne perchè, una principessa senza voce che respinge il pallore delle sua vita allagando d'acqua i suoi sogni e che a quell'acqua che così tanto le aveva tolto desidera tornare, attratta da una connessione mentale e sessuale che non ha bisogno di troppe spiegazioni.

Conosciamo Elisa e il suo caschetto nero, il look curato e la passione per le scarpe che lucida con cura ogni mattina, l'amore per i vecchi musical e lo scalpitare dei suoi piedi a colpi di tip tap prima di uscire di casa, lo sguardo dolce e assente che si perde attraverso i vetri bagnati dell'autobus che ogni giorno la porta nel laboratorio di massima sicurezza dove fa le pulizie, una fra le tante donne in grembiule verde invisibili e insignificanti agli occhi dei pezzi grossi della struttura; quasi un'Amelie Poulain di Baltimora, con tanto di amico pittore a farle da vicino di casa e confidente(via la colazione dei canottieri di Renoir e avanti con la pubblicità di famiglie bianche felici e gelatine perché questa è l'America dei sixties), immersa in un acquario interiore ricchissimo ma molto meno infantile della sua cugina francese, dimostrando sempre grande maturità e risolutezza su cosa serva alla sua felicità quanto al suo corpo.

È questo uno dei più grandi pregi dell'ultimo lavoro del regista messicano, avere avuto l'ardire di sporcare la purezza della fiaba di pulsioni sconvenienti, andare oltre il romanticismo garbato che tanto ci piace quando ciò che comanda la passione è il coraggio di esplorare la sintonia irresistibile, il groviglio inappagato di sogni e fantasie che dobbiamo seppellirci dentro e che di rado ci viene concesso di rivelare e consumare: se sono le pulsioni che ci fanno sentire vivi, la retorica e la prurigine che vorrebbero la bella abbandonarsi alla Bestia solo dopo la trasformazione in principe azzurro possono finalmente farsi da parte, mostrandoci un'eroina che si masturba quotidianamente e che si abbandona del tutto all'attrazione per il mostro perché si, la carne vuole la sua parte e a volte è meglio togliere i vestiti piuttosto che stringerli accuratamente in attesa del gran ballo.

Una storia che conosce l'attrazione e pur cedendo a qualche battuta ironica inevitabile(se ironizzare sul sesso è parte della nostra quotidianità è giusto che lo sia anche per i personaggi) riesce comunque a usarla a naturale completamento di un amore nato senza bisogno di parole, come da copione, concedendoci persino un numero musicale che superata la riluttanza inizial non risultà nemmeno così insolito, ripensando a trascorsi disneyani e non solo: con un'espressività pazzesca ben oltre quanto richiesto dal ruolo la Elisa di Sally Hawkins è la migliore principessa che potessimo desiderare, mentre la creatura interpretata da Doug Jones (alla sua ottava collaborazione con Del Toro) ci ammalia subito con le sue sfumature di verde e azzurro e una figura maschile possente , un contrasto riuscito e avvolgente con quella piccola e esile della sua amata.

Intorno a loro, un'America ossessionata dalla paura del comunismo e dalla ricerca della supremazia scientifica e militare, dall'appartenenza a una frangia sociale elitaria che si compra con beni di lusso inappaganti e dal suo stesso indisponente ottimismo: il rifiuto istituzionalizzato di ogni segno di cedimento e debolezza incarnato alla perfezione dal personaggio di Michael Shannon, colonnello implacabile e padre glaciale di una famiglia che per lui non ha alcun peso ne valore se non quello che il suo prestigioso incarico possa comprare; un figlio del suo tempo, come lo era lo spietato Capitano Vidal del Labirinto e come lui destinato alla menomazione fisica e alla deformazione, nel manifestarsi di un orrore interiore alimentato dallo spirito della Nazione.

Eppure, oltre le contraddizioni e la delusione nei confronti di una Terra che vende sorrisi smaglianti e libertà ma dietro il bancone prepara torte disgustose quanto l'ipocrisia, il razzismo e l'omofobia che troppo spesso la infestano, qualcosa di buono e del tutto americano rimane: per Del Toro, messicano acclamato ma pur sempre straniero oltre la frontiera il collante è il cinema con le sue meraviglie, il grande schermo che sotto la polvere dorata della nuova e vecchia Hollywood trova il modo di farci sospirare e intenerire anche dinanzi alla più inflazionato dei topoi narrativi, ambasciatore a vita di inclusione e comprensione anche quando il mondo vorrebbe non vedere e non sentire.

Merito di un creatura strana, questo The Shape of Water, a cui piace immergersi in un genere per poi tuffarsi subito in un altro per incasellare citazioni su citazioni, fino a chiudere il cerchio portando i due stessi innamorati in una sala cinematografica e diventando così un grande omaggio a sé stesso: un sogno leggerissimo che neanche te accorgi, come quando ci blocchiamo a guardare le gocce di pioggia incollate al finestrino incantati dalla bellezza di quelle forme piene di luci e trasparenze infinite, o come quando ritroviamo la pace sognando di essere senza peso ne pensieri, a fluttuare nel nostro appartamento, divenuto all'improvviso più morbido e accogliente sotto una montagna d'acqua.

Oscarometro:
Per quanto annunciato da una sfilza di nomination il trionfo di The Shape of Water agli ultimi Academy Awards è stato per molti versi una vera sorpresa: nessun dubbio sulla Vittoria del comparto tecnico, di Alexandre Desplat per la colonna sonora (non una delle sue migliori ma comunque delicata e "zampillante" al punto giusto da meritarsi il premio) e Guillermo Del Toro alla regia, ma la vittoria per il miglior film tenendo presenti le tendenze e i favori che tradizionalmente investono l'Academy è stata in effetti abbastanza sorprendente. Una statuetta meritata? Certo che si, per quanto a farne le spese siano stati altri film nettamente superiori come Three Billboards outside Ebbing Missouri, altro grande favorito, e Phantom Thread, il mio preferito della tornata ma con zero possibilità. Nessuna remora per la mancata statuetta a Octavia Spencer (personaggio simpatico, ma praticamente uguale ad almeno altri due già interpretati e lodati ampiamente).

Menzione a parte, se pur non coperta da alcuna nomination, per il bellissimo personaggio interpretato da Michael Stuhlbarg, spia russa più devota alla scienza e alla sua nobiltà d'animo che alla causa comunista.

Three Billboards outside Ebbing, Missouri

noreply@blogger.com (Alessia Carmicino) — Sat, 17 Feb 2018 16:11:00 +0000

"Because through love comes calm, and through calm comes thought. And you need thought to detect stuff sometimes, Jason. It's kinda all you need. You don't even need a gun. And you definitely don't need hate. Hate never solved nothing, but calm did. And thought did. Try it. Try it just for a change. No one'll think you're gay. And if they do, arrest 'em for homophobia! Won't they be surprised! Good luck to you, Jason. You're a decent man, and yeah you've had a run of bad luck, but things are gonna change for you. I can feel it."

Benvenuti a Ebbing, Missouri! Se avete deciso di intraprendere un viaggio on the road per conoscere gli States senza lasciarvi distrarre dal caos brulicante delle città della costa Est, Ebbing è certamente il posto che fa per voi: come resistere a questo delizioso centro abitato dove la vita scorre sempre uguale da generazioni, le casette di legno stanno piantate nel bel mezzo del nulla e non si vede un'anima per miglia a meno che non si sia persa imbucando la statale sbagliata, un luogo ameno dove conigli, scoiattoli e cerbiatti scorrazzano felicemente finchè qualcuno non li ammazza e li trasforma in stufato o bistecca (c'è anche un fornitissimo negozio di souvenir, se volete portarvi via qualche ricordino), mentre gli abitanti si dibattono come animali in gabbia lottando ogni giorno per non impazzire, laddove abbiano avuto la sfortuna di non riuscire ad andarsene, preparandosi a convivere con la spenta desolazione e di ciò che li circonda e che sono diventati per tutto il resto delle loro vite aggrappandosi a qualunque pezzo di felicità disponibile.

Un ritratto decisamente poco idilliaco quello di Three Billboards outside Ebbing Missouri (Tre Manifesti a Ebbing, Missouri), ultima fatica di Martin McDonagh dopo i fasti dell'incredibile In Bruges e Seven Psychopaths, ironico e crudele al punto da strizzare un sorriso fra i denti anche quando non sembrerebbe corretto (aiutato dai contrasti della sempre splendida colonna sonora di Carter Burwell), ma autentico fino in fondo e disposto a mettere le carte in tavola senza zuccherare una realtà che ci fa sempre bene dimenticare: è questo il volto della vera America, il paese che ha votato Trump convinto che avrebbe finalmente dato voce alle sue pretese razziste e bigotte, figlie di un isolamento agorafobico che cresce bene cullato da lande sterminate e vuoti esistenziali.

Un Purgatorio che i personaggi di McDonagh respirano sin dalla nascita e che offre ben poche opportunità di riscatto o scappatoia senza neppure i maledetti cigni che in in Bruges rendevano agrodolce la pena dei due criminali da strapazzo, schiacciati dalla loro povera umanità dinanzi alla bellezza dei luoghi da favola della città belga: Ebbing non è il punto di arrivo di una condanna da espiare, ma il luogo di tortura immanente di chi porta lo stigma di essere nato e cresciuto nel posto sbagliato perchè il codice che ci rende belle o pessime persone è scritto dalle circostanze quanto dal libero arbitrio, ancora più difficile a esercitarsi quanto corroso dal dolore.

É così che si sporca l'archetipo, scollando la patina dolciastra che nella storia di una madre coraggio che lotta contro il sistema per trovare l'assassino della figlia non sarebbe stata una sorpresa, per ritrovare una madre sì coraggiosa e determinata ma altrettanto dura e sgradevole, una vittima che altro non era che una normalissima ragazza scontrosa e sboccata e non un impalpabile santino, uno sceriffo pieno di buone intenzioni ma inconcludente premiato dal destino con un male infame per la sua rispettabilità e correttezza, mentre al più razzista e disadattato dei poliziotti del distretto è concesso tentare di riscattarsi dalla sua ignoranza anche se con metodi ben lontani da quanto auspicherebbe la società civile; tutti esseri umani imperfetti ne buoni ne cattivi, tutti decisi a fare la loro parte a modo loro nella bizzarra e tragicomica farsa che è la vita e a non rimanere inerti dinanzi all'orrore che la governa e che non risparmia nessuno, nemmeno i padri di famiglia adorati o chi prova davvero a essere buono e gentile per finire deriso e mai compreso: tutti figli del grande cinema di McDonagh.

Oscarometro:
Il duo Frances McDormand/Sam Rockwell è in uno stato di grazia tale che una mancata premiazione sembra inconcepibile. Woody Harrelson meriterebbe altrettanto, ma la prova di Rockwell è un unicum, non si discute. Senza la nomination alla regia la vittoria a miglior film diventa piuttosto difficile, ma mai dire mai, considerando che in un'annata che più che mai ha posto l'accento sulla donna e la sua lotta contro violenze e abusi di potere la sensibilità scatenata dalla trama potrebbe giocare a suo favore. Premiando un grande film, si capisce.

Oíche mhaith, Dolores.

noreply@blogger.com (Alessia Carmicino) — Tue, 16 Jan 2018 15:00:00 +0000

Io senza musica non ci so proprio stare: lo so che il silenzio è importante, che bisogna fermarsi ad ascoltare i rumori del mondo, il traffico cittadino, i gabbiani che starnazzano, tutte quelle cose lì che fanno tanto essere umano ispirato che apprezza il creato senza coperture che magari chissà, la coppia che litiga nel marciapiede di fronte potrà offrirmi uno spunto utile per il mio primo debutto letterario, ma il silenzio proprio non fa per me, è inutile.

Sarà che capitano dei momenti nel romanzo della vita in cui ti senti solo, così disperatamente solo e spaventato da tutto e da tutti, che quel cazzo di silenzio preferisci spegnerlo mettendoci sopra una canzone e allora impari a ripararti le orecchie, quando i rumori che dovresti stare a sentire con tanta attenzione urlano solo rifiuto, disappunto, incapacità di convivere col non essere accettati, compresi, perdonati per le cazzate che si fanno e che lievitano come macigni sotto i quali finisci seppellito nel parco archeologico delle tue piccole grandi speranze; altre volte sono le canzoni stesse che ti vengono in aiuto, inserendosi al momento giusto, insistendo con un battito che ti resta dentro anche se non le ricordi bene perchè all'epoca in cui le hai sentite la prima volta youtube non l'avevano ancora inventato, innestate nella tua storia così in profondità che certi eventi riescono a prendere forma dal tuo passato solo non appena le rispolveri dall'archivio.

Lo so, l'adolescenza fa schifo quasi sempre e per sfuggire all'incantesimo devi essere molto fortunato, non sto dicendo nulla di nuovo o che altri non abbiano altrettanto sperimentato e condiviso nelle ultime ore, ma per la mia generazione, quella che cerca disperatamente una risposta nel passato non così passato ma che sembra 100 anni fa, perchè non sa come imparare a nuotare in questo presente con poco da offrire e che si muove troppo velocemente per stare davvero al passo, la nostalgia è un po' una professione non dichiarata e redditizia (c'è anche chi ne ha fatto un business economico da milioni di dollari, ma solo perchè siamo noi very normal people a nutrirla all'ennesima potenza)ma dal guadagno emotivo impareggiabile: vedere pezzi di quel passato morire diventa così uno strappo di cuore amplificato che riesce a farti tornare subito piccolo e arrabbiato, effetto ratatouille ma con un misto di malinconia e occhi salati più doloroso e straniante di quello che dovrebbe essere, col terreno che ti manca sotto i piedi perchè gli amici che sono stati lì per te, sempre vigili e presenti anche senza saperlo, se ne sono andati.

Eccoci qui allora, a riascoltare le canzoni dei Cranberries e la voce di Dolores O' Riordan, con l'audio pulito pulito che spotify ci concede e che batte il cd ormai graffiato e rovinato del best of così come le cassette che registravo dalla radio, nel tentativo di ricomporre una compilation anche se l'inizio e la fine erano sempre rovinati dalla voce degli speaker: penso al doppio cd del Festivalbar compilation rossa, a quando I can't be with you sul pulman in gita scolastica tentava di farmi accettare che il ragazzo che amavo non mi avrebbe mai ricambiata, a quando affondando la testa nel cuscino fra le lacrime cantavo please dont' stand in my way pregando di non essere più ferita dalle sciabolate altrui, a quando strillavo Delilah o salvation su e giù per la casa sbattendo da una parete all'altra, a quando ho realizzato Loud and Clear che people are stranger e allora vaffanculo, I Hope the sun beats down on you and skin youself alive, a quando con un nodo alla gola che sembrava non sciogliersi mai, tesa come una corda di violino e sicura che le cose non sarebbero mai andate meglio ho strizzato un altro pianto dentro Daffodil Lament passata in radio, a quando vedendo per la prima volta the Devil's Own ho riconosciuto la canzone di apertura registrandolo e rimettendolo a ripetizione nel registratore, in nome di Dio e dell'Irlanda. Tristezza si, ma anche speranza e fiducia, perchè a fine playlist ti ricordi che a certi mali di vivere sei sopravvissuto e magari puoi sopravvivere anche alla vita vera, quella che prova a metterti i piedi in testa ogni giorno in modo ben peggiore e che di fantasia per farti incazzare ne ha sempre da vendere: perchè my life is changing everyday, In every possible way, perchè ai Dreams che abbiamo imparato a fare ci crediamo ancora e chissà, magari finirà davvero così, You and me Forever be, Eternally it will always be you and me.

Oíche mhaith, Dolores.

10 film per il 2018

noreply@blogger.com (Alessia Carmicino) — Fri, 12 Jan 2018 14:18:00 +0000

10 film per il 2018. In ordine sparso, alcuni voluti fortissimamente, altri inseriti più per casualità e curiosità che per sincero amore, mentre altri non si sa se li vedremo mai ma le vie della distribuzione sono infinite. Boni con le asce, che ancora li devo vedere tutti.

-I Tonya

-The Shape of Water

-Lady Bird

-Three Billboards outside Ebbing, Missouri

-Phantom Thread

-The Post

-Darkest Hour

-Call me by your Name

-All the Money in the World

-Mary Shelley

Giovedì al cinema! Conversazione a tre sui film in sala

noreply@blogger.com (Alessia Carmicino) — Thu, 11 Jan 2018 13:45:00 +0000

Giornata storica oggi per il nostro caro blog first impressions! In occasione delle uscite al cinema di questa settimana sono stata invitata dagli illustri Cannibal Kid di Pensieri Cannibali e Mr James Ford di White Russian ad analizzare da vicino i titoli in arrivo. Tenere testa a due blogger duellanti di tale levatura non è stato facile credetemi, ma ce l'abbiamo fatta ed è stato un onore (che poi le cose a tre hanno sempre il loro fascino, ma non lo diciamo che poi rischio di perdere tutta la mia aristocratica reputazione :D) . Pronti a vedere e sbeffeggiare con noi i film della settimana? Let's go!

Tre manifesti a Ebbing, Missouri

Alessia: Tre manifesti in una cittadina nel bel mezzo del nulla per dire a Cannibal di smettere di scrivere? Dopo anni di storica rivalità, da Ford mi aspettavo quanto meno un un duello di pistola alla Sergio Leone, non queste soluzioni politically correct!
Già accolto meravigliosamente e premiato a Venezia, fresco fresco di Golden Globes arriva al cinema il nuovo film di Martin McDonagh (regista irlandese che aveva fatto scintille col bellissimo e strampalatissimo In Bruges), sulla storia di una madre coraggio coi contro bip decisa a scoprire l'identità dell'uomo che ha violentato e ucciso la figlia diciannovenne. Capolavoro o robetta radical chic piazzata ad hoc per guidare una stagione dei premi dove l'affermazione della donna la farà da padrone?

Cannibal Kid: Ford, in effetti anche io mi aspettavo qualcosa di più estremo e violento da te, che non degli “innocui” manifesti. Che poi saranno così innocui? Si direbbe proprio di no a guardare il film, che ho già visto e di cui prossimamente scriverò. Sempre che i manifesti di Ford non facciano davvero effetto e mi impediscano di continuare a scrivere. Per la gioia del mondo.

Ford: a dire il vero, da buon wrestler, attaccherò i manifesti su tre cartelli di legno che sarò felice di fracassare sulla zucca di Cannibal per inaugurare nel miglior modo possibile il duemiladiciotto. Per quanto riguarda il film, che dovrei vedere in questi giorni, penso si tratti di un'ottima proposta fordiana perfetta per iniziare bene l'anno, in barba ad Alessia che gufa senza ritegno una cannibalata radical chic.

Benedetta follia

Alessia: Che Verdone sia ormai un autore stanco e vicino all'ebollizione sembra trovare d'accordo anche i nostri agguerritissimi eroi. Questo film, in cui un pio e virtuosissimo proprietario di un negozio di articoli sacri prende a lavorare come commessa una giovane e prorompente venticinquenne, potrebbe essere il trionfo dello stereotipo verdoniano più grigio e insopportabile quanto un lavoro decente e una buona rimessa in carreggiata. Siamo nelle mani di Dio, per rimanere in tema.

Cannibal Kid: È vero che negli ultimi tempi Verdone pare bollito quasi quanto Ford, però non riesco comunque a volergli male e, per quanto sembra rifare sempre lo stesso film come un Woody Allen de' noantri, il trailer di questo suo “nuovo” lavoro mi ispira una certa simpatia. E quindi mi sa che finirò per dargli un'occhiata, daje!

Ford: Verdone mi è sempre stato simpatico, anche se la grinta dei tempi d'oro è da un pezzo in pensione. Non credo vedrò questo film, ma nel dubbio, attenderò di capire che ne pensa Cannibal per fare esattamente il contrario.

The Midnight Man

Alessia: Un'ombra si aggira minacciosa nella soffitta della nonna... lo vedo, è lui, è Cannibal! Per tentare di sfuggire all'ennesimo giro di tombola natalizia si è rifugiato lì in attesa di tempi migliori, o semplicemente per sfuggire alle domande/interrogatorio della prozia. Non amo particolarmente gli horror (perchè da brava donna coraggiosa finisco sempre a vederli con un cuscino sugli occhi buttando via i soldi del biglietto), ma questa sorta di antiJumanji in cui un gruppo di giovincelli si mette a fare un gioco da tavola che risveglia i loro incubi peggiori potrebbe essere interessante. Poi c'è anche sua maestà Robert Englund, mica bruscolini.

Cannibal Kid: L'intuito da detective d'altri tempi stile signora in giallo di Alessia c'ha quasi preso. È vero che mi sono rifugiato in soffitta, ma per sfuggire a Ford, non a qualche prozia. Quanto al film, spero che si riveli un horrorino teen scemo abbastanza da potermi piacere, anche se dal trailer sembra prendersi più sul serio di Ford in uno qualunque dei suoi post. Bene così: cosa c'è di più spaventoso?
Ford: gli horrorini teen, di norma, o mi fanno il solletico o incazzare più di Cannibal, che appena troverò nella sua piccola soffitta passerà davvero momenti di paura. L'unica cosa che pare essere interessante di questo The Midnight Man pare essere Robert Englund, sperando che non sia bollito come tanti altri miti che con l'età hanno deciso di prendere la via del non ritorno. Un po' come il Cannibale.

Cannibal Kid: Ford, stai quindi dicendo che sono un mito? :)

Leo Da Vinci – Missione Monna Lisa

Alessia: Con Coco che si prepara a far vincere l'ennesimo Oscar alla Disney Pixar, questi tentativi dell'animazione italiana di trovarsi un posticino nel mercato mi fanno sempre una gran tenerezza: perplessità massime su questo lungometraggio dedicato al giovane Leonardo Da Vinci, pronto a fregare il tesoro dell'isola di Montecristo al poro Edmond Dantes con qualche secolo di anticipo. Se va tutto bene sarà un'innocua bambinata, ma ho la sensazione che anche i fordini si annoierebbero parecchio.

Cannibal Kid: A me invece, più che tenerezza, questi film fanno una gran pena. E penso pure ai Fordini. A Ford padre invece no. Lui è pronto a spacciare qualunque innocua bambinata animata come Coco e come questa per un capolavoro assoluto.

Ford: proprio stasera ho visto il trailer insieme al Fordino, che non mi è parso particolarmente interessato, se non all'ambientazione vagamente piratesca. Fortunatamente, ha ancora negli occhi quel gioiellino di Coco. E va bene così.

Wonder Wheel

noreply@blogger.com (Alessia Carmicino) — Sat, 06 Jan 2018 15:55:00 +0000

"When it comes to love we all turn out to be our own worst enemy."

La vita è una tragicommedia dal finale irrisolto in cui siamo attori e spettatori, prigionieri di ruoli troppo ben interpretati e unici veri responsabili della nostra infelicità e caduta: Dio, le Parche e il Fato potranno anche metterci lo zampino e fare rimbalzare gli anelli sulla balaustra giusta al momento giusto, ma la macchina non si metterebbe mai in moto se ogni nostra azione non avesse una conseguenza e ogni sincera volontà di cambiare non fosse sciacquata via con grande facilità, vinta da una marea di nevrosi e tormenti nella quale forse non sguazziamo poi così male.

Nonostante l'età avanzata e una produttività inarrestabile quanto pericolosa per la qualità stessa del lavoro (un film all'anno sarebbe uno standard difficile da mantenere per qualunque regista più fresco) Woody Allen sa bene quale storia vuole raccontare e come raccontarla, trovando ancora una volta un modo stimolante di rappresentare il dramma in più atti che l'umanità non smette di recitare dalla notte dei tempi e che con l'età sembra occupare con sempre maggiore insistenza i suoi pensieri: assecondando il monito del protagonista del suo precedente Cafè Society che con un sorriso di rassegnazione si riferiva alla vita come a una commedia scritta da un sadico autore, a dare cuore e anima a Wonder Wheel( in Italia, La Ruota delle Meraviglie) è il teatro coi suoi trucchi e meccanismi più amati e familiari, sotto le luci del palcoscenico vintage di giostre sgangherate e vestiti sgargianti della Coney Island degli anni 50', per mettere in scena il fallimento di una donna che per nevrosi e mal di testa non può che rivaleggiare coi personaggi alleniani migliori.

Un narratore invadente e opportunamente silenziato per lasciare il pubblico libero di trarre da solo le proprie conclusioni sugli eventi, una solare ninfetta facile a sacrificarsi sull'altare della gelosia, un marito non malvagio ma zotico e alcolizzato, un ragazzino ossessionato dal fuoco senza un apparente perché se non quello di creare scompiglio, o cercare attenzione da una madre e da un intreccio che vorrebbero al più presto dimenticarlo: tutti entrano ed escono dalla scena seguendo come da copione e con una precisione da teatro greco, mentre la fotografia di Vittorio Storaro punta su di loro la luce dei suoi riflettori dai colori saturi e intermittenti; un'alternanza di aranci, rossi e azzurri, l'irrealtà meravigliosa che respira nell'umore lieto o devastato dell'unica vera protagonista, una Kate Winslet fragile e appassionata che pagherà la sua incapacità di fare pace con gli errori del passato perdendo del tutto il contatto con la realtà e con la felicità che questa avrebbe forse potuto offrirle.

D'altronde, se i sogni sono solo sogni, quale destino dovrebbe attendere tutti quelli che non sanno mettere un freno alle loro fantasie imparando a convivere con la malinconia di ciò che è stato e che non sarà mai? La tragedia di uno sguardo che si spegne e inizia a fissare il vuoto che lo attende, giorno dopo giorno e un mal di testa dopo l'altro, nell'attesa che cali il sipario.

La Top! I miei 10 film del 2017

noreply@blogger.com (Alessia Carmicino) — Mon, 01 Jan 2018 11:26:00 +0000

10 film per salutare il 2017: un anno fatto di pochi film, poche recensioni ultimate e un numero di bozze sospese sempre crescente ma mai abbandonate, con la speranza che davvero, per quanto i problemi ci mettano sempre lo zampino nel 2018 riusciremo a scrivere di più; un anno difficile che non si è fatto mancare delusioni, lacrime, stress, caduta e risalita ma anche un anno di cose belle, belle persone e bei momenti che ci teniamo stretti stretti, per portarli con noi sempre, anche nei passaggi più capricciosi e più "ma anche no". Perchè in fondo, quale anno non si impegna per incasinarti la vita? L'importante è mettere i guantoni e combattere :P

ps: come sempre, la top comprende solo ed esclusivamente film usciti al cinema in Italia nel 2017. Perchè trovo sia più corretto così, perchè fare i bravi cinefili da sala is better. Happy New Year!

10-Hacksaw Ridge

9-The Beguiled

8-A Monster Calls

7- Jackie

6-Loving Vincent

5-Wonder Wheel

4-La La Land

3- Borg McEnroe

2-Dunkirk

1-Arrival

Menzioni speciali:

Lady Macbeth- Elle- Wonder- Get Out

Fuori classifica perchè non ancora visionati:

Personal Shopper- The Greatest Showman- Coco- Moonlight- Logan- Detroit- The Founder- Silence

Happy 2018!!!!!!

Murder on The Orient Express (2017)

noreply@blogger.com (Alessia Carmicino) — Fri, 29 Dec 2017 17:14:00 +0000

I have seen the fracture of the human soul. So many broken lives, so much pain and anger, giving way to the poison of deep grief, until one crime became many. I have always wanted to believe that man is rational and similised. My very existence depends upon this hope, upon order and methods and the little grey cells, but now perhaps I am asked to listen instead to my heart. I have understood in this case that the scales of justice cannot always be evenly weighed and I must learn for once to live with the imbalance.

Il vagone ristorante e il bar sono uno spettacolo: con le stoviglie apparecchiate al centimetro della precisione maniacale dei grandi palazzi, i calici di cristallo tintinnanti e brillanti di champagne e i dessert deliziosi che sfilano sui tavoli facendoti venire l'acquolina in bocca, Assassinio sull'Orient Express (Murder on the Orient Express) di Kenneth Branagh introduce l'eponimo treno con tutto lo sfarzo e la raffinatezza che l'occhio vorrebbe vedere, simbolo del glamour di quell'Europa che sospesa fra le due Guerre era ancora convinta di viaggiare ben salda sui binari della civiltà e dell'ordine.

Stupire e conquistare con una confezione che giustificasse l'esistenza di un nuovo adattamento per il grande schermo dopo il classico di Lumet del 1974 sembrava essere sin dall'inizio la parola d'ordine per Branagh, deciso a puntare sulla sfilata di grandi star permessa dal copione e su un virtuosismo della macchina da presa da sempre amato e ostentato nelle lunghe carrellate sul treno ma soprattutto nei voli fra montagne innevate e saturi tramonti che la geografia del percorso ha da offrire, prediletti a tal punto da sfruttare ogni occasione utile per sfuggire ai vagoni e indugiare al freddo: tutto giusto e tutto collaudato per viaggiare su binari sicuri e a prova di slavina, ma incapace di lasciar sfrecciare con la giusta cura e velocità un intreccio che ha fatto scuola e insegnato a lettori e spettatori di ogni età il fascino di un'indagine condotta con pazienza e senza intermezzi rocamboleschi, da una personalità curiosa e non particolarmente empatica ma talmente iconica da rimanere scolpita nella nostra memoria indipendentemente dalle numerose incarnazioni che l'hanno liberata dalla pagina.

Ben oltre i tanto vituperati baffi asburgici e il fisico slanciato che poco hanno a che vedere con le caratteristiche fisiche del personaggio (nessuno ha mai fatto troppo caso alla mancata somiglianza del Commissario Montalbano televisivo col personaggio immaginato da Camilleri, ma di esempi ne potremmo fare a bizzeffe) il Poirot di Branagh è un action hero mancato con una background story dolorosa e mai del tutto approfondita, miscelato con ingredienti utili per uno svecchiamento auspicato ma portato a termine con poco sentimento e un unico vero obiettivo: lo slancio nell'universo del franchise di un altro detective a modo suo supereroistico dal cui grande potere derivino grandi responsabilità e con un appuntamento sul Nilo già fissato per un successivo capitolo della Saga.

Una traversata commerciale in cui a pagare il prezzo più alto è il giallo e il suo straordinario potenziale, con una carrellata di personaggi interessanti divenuti figurine cartonate in alcuni casi abbozzate a malapena e pochissimo riguardo per coloro che non conoscono la soluzione al mistero, errore fatale per ogni adattamento del genere: una pioggia di stelle che lavori bene con quanto concesso dal look e dallo script (Michelle Pfeiffer la migliore del gruppo) e alcune soluzioni creative notevoli ("l'ultima cena" finale è davvero un bel colpo) sono pur sempre un bel vedere, ma Assassinio sull'Orient Express avrebbe potuto essere qualcosa di più di un discreto pacchetto da blockbuster o della premessa all'ennesimo franchise: un film disposto a lasciarci osservare invece di limitarci al vedere, come ci ammoniscono i più grandi detective.

The Beguiled

noreply@blogger.com (Alessia Carmicino) — Fri, 03 Nov 2017 13:33:00 +0000

Non è poi tanto difficile capire cosa passi per la testa di John McBurney, caporale dell'esercito nordista scampato per caso alla fine grazie al soccorso di un sparuto gruppo di donne, insegnanti ed educande dimenticate in un collegio del Sud nel bel mezzo della Guerra Civile: quale fantasia avrebbe potuto essere più eccitante per un soldato, ferito e braccato dal nemico e da un conflitto che ha già sottratto tanti uomini al calore di una donna, dell'avere intorno tante vergini carine e indifese pronte a guardare con curiosità e interesse all'affamato avventuriero a cui hanno fatto salva la vita, ancelle di un tempio pagano protette dal mondo in subbuglio unicamente dal fitto del bosco e dalla monotonia delle giornate.

In The Beguiled(L'Inganno) di Sofia Coppola, secondo adattamento dell'omonimo romanzo dopo l'epocale film di Don Siegel con Clint Eastwood (in Italiano La notte brava del soldato Jonathan), le differenze fra i sessi imposte da convenzioni sociali e culturali vecchie quanto l'umanità stessa si abbattono ineluttabili sulle signorine dell''800 quanto sui nostri occhi di spettatori moderni e allenati; mentre l'uomo è libero di arginare convenzioni e buone maniere e dare libero sfogo a quegli stessi impulsi che il gentil sesso è costretto a reprimere entro i lacci di camiciole e corsetti, sulle Donne ricade il dovere di proteggere la propria virtù in attesa che un marito rispettabile acquisti il diritto unilaterale di goderne: sempre sotto una campana di vetro, sempre tenute in piedi da stecche di disciplina e autocontrollo, finché la pressione non diventa insopportabile al punto da voler strappare via a morsi perle e bottoni.

L'attenzione all'universo femminile e ai suoi mal compresi conflitti e sofferenze resta il punto più alto del film della Coppola, che piega la storia alle esigenze del suo cinema per raccontare come il gineceo di ninfe compiacenti e vendicative verso il malcapitato soldato nasconda una sorellanza di ancelle dal grido silenzioso, sole con sé stesse e una condanna alla nascita di perenne inferiorità subordinazione e sorrisi, messe alla prova dal brivido del tocco del petto bagnato di un uomo o anche dalla sua semplice vicinanza, costringendoci a domandarci chi sia davvero la vittima e chi il carnefice.

Un lavoro di cesellatura accurato che a rimette a fuoco le motivazioni dei personaggi epurandoli di gran parte delle loro caratteristiche più inquietanti e sgradevoli, le stesse che avevano riempito di morbosità e passione la pellicola di Siegel e delle quali è difficile non sentire la mancanza, spingendo il suo cugino più giovane a un confronto impari a e un rischioso corto circuito nelle intenzioni: nel conflitto fra il contegno imposto al suo sesso e la romantica speranza di una vita diversa priva di desolazione e isolamento, indissolubilmente legata all'attrazione carnale per il bel caporale, un personaggio "coppoliano" come Edwina (non per niente affidato all'attrice feticcio di Sofia, Kirsten Dunst) non può che trarre giovamento dal tocco inconfondibile e fortemente femminile della regista; ad uscirne malconce sono piuttosto la Miss Martha di Nicole Kidman e la Alicia di Elle Fanning, ombre appena abbozzate delle amazzoni sensuali e travolgenti che rendevano splendido il film del 71' mostrandone tutto lo sporco e la perversione, più che all'altezza della loro controparte maschile.

Un inganno che non inganna chiarendo sin dall'inizio di voler restituire un ritratto più empatico e meno goticheggiante, ma non necessariamente onesto rispetto all'essenza della storia, di un universo femminile strozzato con puntualità secolare da quello maschile, nella gabbia di un immacolato purgatorio dove il silenzio e il vuoto scandiscono il tempo sin dai titoli di apertura (al font pop dai colori sgargianti che aveva segnato il tono postmoderno di film come Marie Antoniette si preferisce un raffinato corsivo in rosa pastello), con la fotografia cristallina di Philippe Le Sourd a rischiarare la vetrina; quando il composto lampadario della forma si frantuma finalmente in mille pezzi, a finire sulla strada è il cadavere di un sogno infranto e prontamente buttato via, in un sacco cucito con mano meticolosa come la sofferenza di una donna: per riuscire ad andare avanti, mantide o angelo che sia, senza venire mai meno a sé stessa e alla propria forza, in un mondo che forse non smetterà mai di essere del tutto cieco e sordo.

A Ghost Story

noreply@blogger.com (Alessia Carmicino) — Mon, 23 Oct 2017 19:07:00 +0000

Ci piace pensare che le storie di fantasmi debbano essere sempre creepy e spaventose, di quelle che ti fanno saltare in aria davanti allo schermo quando un amico ti pizzica scherzosamente o che non ti fanno dormire la notte, facendoti sussultare al primo crepitio quando vedi gli armadi dischiudersi con fare sinistro e gli oggetti sembrano finire a terra senza un perché, come se la gravità si accanisse su di loro per il mero piacere di farvi arrabbiare.

Difficilmente nel brivido del momento troviamo però il tempo e la voglia di soffermarci davvero su quali storie si nascondano sotto il lenzuolo bianco o fra le maglie delle catene di questi spiriti inquietanti e incaponiti, soli con sé stessi e il proprio abisso senza che nessuno possa vederli né sentirli se non per fuggire via in preda allo sconcerto e al terrore, un'eternità di silenzio da affrontare fra quelle mura che un tempo raccoglievano felicità, discussioni e briciole di una vita intera e che adesso sono solo lo scheletro di ciò che è stato, l'ultima rocca a cui aggrapparsi per non sparire del tutto dal ricordo di chi li ha amati tanto ma non può fare a meno di andare avanti.

A Ghost Story è un film piccolo girato quasi del tutto in una stanza, con la camera puntata su quella cucina/sala da pranzo dove la quotidianità fa il suo giro giorno dopo giorno nella buona e nella cattiva sorte, che si prende una bella dose di rischio nell'usare due attori di calibro come Rooney Mara e Casey Affleck giusto per una manciata di scene prima di annullarli nel flusso atemporale degli eventi (sotto al lenzuolo del marito defunto potrebbe esserci chiunque), semplici archetipi che non hanno neppure bisogno di un nome completo per raccontarci la loro storia: la storia di una partita con la morte persa in partenza eppure vinta con l'amore, l'unica ragione per cui continuiamo ad alzarci la mattina pur consapevoli che i figli dei nostri figli affronteranno lo stesso identico percorso di inizio e fine di ogni cosa, l'unico modo per combattere la paura del nulla quando spegniamo la luce a tarda notte e affidiamo i nostri sogni al buio, sperando che la nostra memoria non si sbricioli nel tempo senza che rimanga più nulla di ciò che abbiamo avuto.

A Ghost Story sta tutto lì, nel racconto di una vita che è finita e che nei suoi lunghi silenzi si ingozza di torte mangiate controvoglia con le lacrime e si strazia di malinconia e solitudine, ma che si ritrova senza faccende in sospeso una volta compreso che anche se per poco e a dispetto di un destino bastardo vale sempre la pena di esistere: eccolo il lascito dell'affetto che doniamo agli altri e che loro prima o poi loro si porteranno via, nelle briciole che gli lasciamo nel cuore e che ci permetteranno di vivere altre vite che non vedremo, nascoste in una canzone o nel passaggio di un libro che raccontava di noi e delle piccole cose che ci rendevano felici, o in un pezzo di carta incastrato in una crepa nel muro della casa che ci ha protetto dai pericoli del mondo finchè ha potuto, abbastanza da permetterci di abbandonare il lenzuolo e affrontare finalmente l'ignoto.

L'Assedio - Troppi nemici per Giovanni Falcone

noreply@blogger.com (Alessia Carmicino) — Mon, 02 Oct 2017 07:13:00 +0000

Statue agli ingressi delle scuole e murales più o meno elaborati sparsi per le strade di Palermo, sugli edifici e nei musei, la foto della Proclamazione che campeggia piena di speranza e soddisfazione sul cortile della facoltà di Giurisprudenza e persino quel che resta della macchina con le sue lamiere scomposte e accartocciate, la violenza dell'esplosione messa sotto vetro a fotografia imperitura dell'orrore scritto col sangue sul calendario di un infausto 1992: i cenotafi dedicati a Giovanni Falcone vegliano sul Capoluogo siciliano perchè nessuno possa permettersi il lusso di dimenticare, presenti allo sguardo degli uomini e delle donne che hanno vissuto loro malgrado la giovinezza in una città pronta a trasformarsi con regolare e terribile frequenza nel set di uno spietato western metropolitano, ma anche delle nuove generazioni di ragazzi troppo piccoli all'epoca dei fatti o nati dopo quegli anni terribili.

La linea che corre fra la lealtà al ricordo e la beatificazione è tanto sottile quanto pericolosa nell'avanzare con insistenza martellante un'unica domanda: chi era davvero l'uomo alla cui memoria cerchiamo disperatamente di aggrapparci? Come si è potuto lasciare che rimanesse tanto solo da finire nella rete degli uomini che stava cercando con ogni mezzo di combattere e dov'erano lo stato, i colleghi, gli amici che avrebbero dovuto supportarlo e proteggerlo? è un viaggio doloroso ma necessario, descritto con finezza di dettaglio e coraggiosa sagacia, quello che Giovanni Bianconi compie ne L'Assedio- troppi nemici per Giovanni Falcone, cronaca di una Guerra lunga e insidiosa che ha visto in fine i migliori servitori dello stato cadere sotto i colpi di cannone della criminalità organizzata, aprendo brecce sulla mura che avrebbero dovuto proteggerli e che si sono fatte fragili sotto il peso di invidie e gelosie o semplicemente della mancanza della lungimiranza necessaria nel guardare oltre la linea dell'orizzonte, al di là del Panorama di cavilli, burocrazia e corruzione proposto dal Regno D'Italia e dai suoi capi palesi e occulti.

Giovanni Falcone combatte nello stato che gli ha conferito poteri e titoli, convive con le spirali politiche che cercano di accaparrarsi il suo favore e di denigrarne onore e onestà liquidandoli come una farsa continua e ben orchestrata, lotta costantemente per difendersi dai colleghi che dovrebbero appoggiarlo e che preferiscono vederlo come una Primadonna desiderosa di farsi bella agli occhi di Popolino e Istituzioni: persino intellettuali e scrittori, Leonardo Sciascia incluso, non ci vanno leggeri e insistono senza tregua, dimenticando con facilità che il biglietto della notorietà ha una sola permanente destinazione, premiata con tutti gli onori da una lapide di marmo più grossa delle altre.

Il Giudice però continua a combattere e non arrendersi, prova a riprendersi le piccole cose che rendono un'esistenza umana degna di essere vissuta (la permanenza a Roma che gli consente il lusso di andare a cena fuori o semplicemente di uscire a comprare scopa e secchio per pulire il suo nuovo appartamento), si tiene stretti i pochi alfieri che gli sono sempre stati leali, mentre fuori dalle Mura altri cospirano per abbatterlo con la stoica pazienza di cattivi da romanzo; l'assedio cambia volto e si trasforma nella cronaca di un viaggio verso la morte che pagina dopo pagina non possiamo arrestare, mentre le punte di diamante di Cosa Nostra si incontrano per discutere il da farsi con toni spesso surreali, lontani dall'immagine solenne inventata dal Padrino cinematografico e per questo ancora più letali nella loro spietata e ignorante furbizia, fino al terrificante momento in cui il tritolo prende forma e trova il suo posto sulla strada.

In un turbinio di nomi e volti più o meno conosciuti, sovrani, giullari o semplici comparse nella ballata tragica di un Reame Repubblicano che non c'è più, L'Assedio giunge al suo epilogo raccogliendo i frutti amari di un Paese che non ha voluto proteggere i suoi figli migliori, ma che è ancora in tempo per cambiare le cose e scrivere un lieto fine alla sua triste storia: perchè nel maggio 1992 è andata così, ma non dovrà andare così mai più.

The Light Between Oceans

noreply@blogger.com (Alessia Carmicino) — Fri, 05 May 2017 12:55:00 +0000

"We can't rightly talk about the future if you think about it. We can only talk about what we imagine or wish for. It's not the same thing."

Metti un romantico faro su un'isoletta ritirata e tranquilla al largo della costa australiana, con tramonti mozzafiato su un panorama da cartolina e il solo rumore delle onde a fare da sottofondo, metti che il guardiano del faro sia un uomo tormentato dal ricordo assordante delle trincee della Grande Guerra e che abbia il volto di Michael Fassbender, metti una ragazza anche lei provata dal Conflitto e ansiosa di formare una nuova famiglia con un infinito tappeto d'acqua e d'amore a far da barriera contro il dolore del mondo, metti che questa fanciulla abbia i tratti dolci e testardi della piccola Alicia Vikander, che sembrerebbe essersi innamorata del Fassbender proprio sul set di questo film perchè in certe circostanze a giocare a moglie e marito è difficile rimanere indifferenti: il biglietto da visita di The Light Between Oceans (La Luce fra gli Oceani) è infiocchettato abbastanza bene da spingerti a salire a bordo senza tante storie, per venderti una love story dal pedigree impeccabile con due protagonisti belli e bravi, una splendida cornice paesaggistica a riempirti gli occhi e una dose massiccia di lacrimoni per farteli bruciare.

L'unica condizione è accostarsi alla visione consapevoli che questo è tutto ciò che otterremo: tratto dal bestseller di M.L. Stedman, The Light Between Oceans è un bel melodrammone della nonna con prove attoriali sopra le righe e profondità scarna laddove si sarebbe potuto calcare un po' di più la mano e concedere meno spazio al silenzio laddove questo non è abbastanza, per capire lo strazio di Tom e di una generazione distrutta dalla Guerra ma soprattutto quello di Isabel, decisa ad essere madre e disposta a tutto pur di raggiungere lo scopo: la tragedia di una maternità voluta e negata, un istinto naturale che la natura a volte si ostina a non concedere a chi sembrerebbe meritarselo non è sempre facile da comprendere quando corre pericolosamente sul filo dell'egoismo e dell'ossessione, ma forse a ragione di un canovaccio che non ha nessun interesse a scartare la confezione, l'interpretazione di Alicia Vikander non riesce ad andare oltre il nervosismo e l'antipatia ed a esserci di particolare d'aiuto.

Apprezzabile ma non incisivo il lavoro sul percorso parallelo del personaggio di Rachel Weitz, privata del diritto di avere la figlia e l'amore per cui aveva tanto lottato non dalla crudeltà del destino ma dal disperato egoismo di un'altra madre, in un gioco di simmetrie retto a prova dell'universalità dell'amore e delle piccole quotidianità che lo contengono e che ci riempiono la vita sottovoce ogni giorno: tutto sul pelo dell'acqua e a misura di Kleenex, ma con le giuste aspettative comunque dignitoso.

Thirteen Reasons Why

noreply@blogger.com (Alessia Carmicino) — Mon, 01 May 2017 14:50:00 +0000

"I had all and then most of you

Some and now none of you

Take me back to the night we met

I don't know what I'm supposed to do

Haunted by the ghost of you

Oh, take me back to the night we met"

(Lord Huron, The Night We Met)

Come ci insegna il Bardo guardando con onestà sorprendente a quegli scavezzacollo sconsiderati di Romeo e Giulietta, gli adolescenti non sono molto bravi ad accettare mezze misure e compromessi, pulcini incapaci come sono di liberarsi del tutto dei frammenti accoglienti del loro guscio per spiccare finalmente il volo verso il futuro, anche a costo di sbattere a più riprese contro un ostacolo per ripartire ogni volta più forti di prima. Che la vita sia una battaglia e che la felicità non sia un assoluto è un'ovvietà che impari presto, ma a quattordici anni la fame di quell'esistere così pieno e sconosciuto è talmente grande che non puoi che scegliere deliberatamente di non sentire: varchi per la prima volta il cancello delle superiori con la certezza che o sarà tutto meraviglioso o finirà in un disastro totale, cerchi disperatamente di farti accettare da coetanei che ogni giorno sembrano stare lì solo per dirti che saranno sempre più sicuri, più belli e più in gamba di te, riesci a ritagliarti un piccolo spazio nel girone infernale della scuola ma basta una mezza parola o un banale fraintendimento per sentirsi dire che è finita, l'affronto che hai fatto è troppo grande per poter essere perdonato e dimenticato, torna pure nel tuo eremo di solitudine che a nessuno importa niente di te e mai importerà.

Ti butti sui libri con tutta l'energia che riesci a trovare o li abbandoni del tutto, alla ricerca di qualcosa che possa rendere giustizia alla persona che vorresti essere ma non ce la fai, perchè una cattiveria dopo l'altra la linfa che dovrebbe nutrire l'adulto che diventerai viene succhiata via e divorata da un dolore che sembra insostenibile, il tarlo del niente che nulla vede e nulla ascolta, neppure l'amore e la disponibilità della famiglia che ti ha sempre amato; solo un piccolo assaggio di una maturità di sofferenza da cui non hai ancora i mezzi per difenderti e dinanzi alla quale il bambino che è in te reagisce nell'unico modo che conosce: diventare egoista e scappare via per non provare più dolore, smettere di remare e lasciarsi inghiottire dalle onde, se necessario, anche verso la fine.

La vera forza di Thirteen Reasons Why(Tredici), nuova serie cult di Netflix capace di macinare consensi e scatenare polemiche e perplessità senza alcuna barriera generazionale non è soltanto la scelta di scoperchiare un vaso di Pandora scomodo come quello del suicidio di una sedicenne, analizzandone cause e conseguenze fra apparenti banalità adolescenziali e traumi indelebili, ma soprattutto il riuscire ad aprire una breccia nell'animo travagliato di giovani e non più giovani con l'onestà e il cuore di chi non ha paura di sporcare la patina del teen drama tradizionale in nome di un racconto più vero.

Hanna, Clay, Jessica e gli altri ragazzi della Liberty High School non sono belli e dannati figli di ricconi che nascondono la propria infelicità nelle ville di lusso della California, non hanno la parlantina interminabile degli abitanti di Capeside ne la stessa instancabile e filosofica capacità d'analisi e non vivono situazioni familiari al limite del paradosso con fratellastri e matrigne pronti a saltare fuori all'occorrenza per non restare a corto di intrighi: ad attraversare i tredici episodi con l'ineluttabilità dei Dieci Piccoli Indiani di Agatha Christie aspettando con terrore che venga sentenziata la loro parte di colpa nella fine di Hanna Baker sono ragazzi normalissimi con volti normali e mai prorompenti, figli fortunati (con un giusto un paio d'eccezioni) e amati da padri e madri che non riescono a vedere il loro disagio perchè i problemi della vita sono ben altri e tutto si può superare: perchè gli adulti sanno che il liceo prima o poi finisce e per questo amano dimenticare il buio di ciò che è stato, assorbiti da una quotidianità di lavoro, conti e pensieri che ha tutto il diritto di stare lì, ma che finisce facilmente per condizionare la loro capacità di ascoltare e accettare che anche la più piccola delle delusioni può avviare il domino del disastro.

La macchina narrativa è ambiziosa e le forzature e i difetti non mancano, con la povera Hanna che diventa suo malgrado un paradigma di sventure, un intreccio che domanda pazienza e non è esente da vistosi cali di ritmo e un cattivo senza redenzione che avrebbe meritato maggiori sfaccettature e che diventa piuttosto il simbolo di un male nazionale che persiste e non arretra, al sicuro in quell'alcova di privilegio tutta sport, denaro e competizione che gli States hanno sempre incoraggiato a discapito di sensibilità individuale e delicatezza; eppure, la fotografia scattata da Thirteen Reasons Why resta potente e preziosa, tanto nei momenti di straziante insicurezza e romanticismo dei suoi protagonisti quanto nei passaggi di riflessione brutale e violenta, per andare fino in fondo anche a costo di alzare un polverone e sconcertare l'innocenza di chi guarda: i genitori che certe cose non vorrebbero sentirle, i figli che demoliscono con facilità i compagni certi che una parola non possa ferire quanto il taglio di una lametta sulla pelle o che si abbandonano alla fantasia negativa del suicidio immaginando che sia una dolce soluzione, per svegliarsi con uno schiaffo e scoprire quanto tutto sia dannatamente atroce, sgradevole, sporco e spaventoso.

Beauty and The Beast

noreply@blogger.com (Alessia Carmicino) — Thu, 13 Apr 2017 13:41:00 +0000

Oltre i confini del sequel e del prequel, del remake e del revival, un'altra inquietante creatura figlia del nostro tempo ha trovato terreno fertile e battuto cassa come non mai fra le braccia di Mamma Disney: l'adattamento live action dei classici dell'animazione del passato, la resurrezione delle opere che tutti conosciamo pressoché a memoria dopo anni di rewatch in cassetta e in dvd, con qualche piccolo splash di revisione e ampliamento narrativo e un'imponente apparato di scenografie e costumi che non badi a spese, per vedere realizzata la fantasia di avere attori in carne e ossa che abbiano le caratteristiche giuste per dare vita ai personaggi che hanno popolato la nostra infanzia.

Non che nella nostalgia ci sia qualcosa di sbagliato: il mito dell'età dell'oro è la ricerca di un rifugio dall'oppressione quotidiana che ci piace sempre tanto e che da qualche anno a questa parte è stato pompato come non mai(come se ormai si fosse raggiunto un limite alle cose che possano essere create, scoperte, esplorate), ma quando la riscoperta si traduce in un copycat senz'anima del tutto dipendente dal ricordo di ciò che è stato e in grado di contribuire poco o niente a un arricchimento della storia, qual dovrebbe essere l'utilità ha l'intera operazione?

Conti alla mano, accanirsi è però un po' come sparare sulla Croce Rossa: la Major conosce bene il suo pubblico e sa che non direbbe mai di no alla rispolvero di prodotti familiari e rassicuranti, per non parlare delle nuove generazioni di pulcini che non hanno fatto in tempo a recuperare gli originali e che non saranno mai troppo fiscali su eventuali differenze di tono e qualità.

Con buona pace di ogni perplessità e interrogativo e senza che la ruota abbia una qualche speranza di interrompersi, tanto vale provare a godersi la corsa senza aspettarsi nulla e riservarsi l'opportunità di essere sorpresi piacevolmente, ma come nel caso della Cinderella di Kenneth Branagh e del Maleficent con Angelina Jolie anche il Beauty And The Beast di Bill Condon non è riuscito a scrollarsi di dosso la patina di plastica insapore che sembra infestare tutti i suoi precedessori.

Non si può dire che al film manchino sfarzo e colore: ci sono i costumi e le scenografie, una CGI ben curata che non disdegna il gotico e il romantico quanto lo spettacolo più sfavillante (il numero di Be My Guest, ma anche l'essenziale scena del ballo), coreografie che provano ad allontanarsi dal cartonato per seguire i binari del musical. Il luccichio del comparto tecnico non è però un alibi sufficiente per due protagonisti privi di qualunque chimica e carisma, con una Emma Watson (fortemente voluta dagli Studios in quanto perfetta incarnazione della ragazza sensibile e studiosa dopo l'esperienza potteriana) rigida e impacciata e un Dan Stevens poco ferino e passionale a fronte della splendida controparte del cartone; gallerie di oggetti animati e pure dal character design discutibile a parte, ad azzeccare davvero il tono sono solo il nemico numero uno Gaston, grazie a un Luke Evans parecchio divertito, e il Le Tont di Josh Gad, usato ad hoc per alzare un gran polverone quando i riferimenti all'omosessualità tanto chiacchierati sono così blandi da passare facilmente inosservati agli occhi di un bambino.

La scelta di ritradurre i testi storici delle canzoni per consentire al labiale degli attori di sincronizzarsi maggiormente col doppiaggio è una novità disorientante, ma il bisogno di approfittare del nuovo mezzo per ampliare e arricchire si rivela il prezzo da pagare più alto, con le background story dei protagonisti annaffiate di clichè che finiscono per oscurare le intuizioni migliori: va bene regalare un passato ai nostri eroi, ma il bisogno di dover sempre giustificare l'imperfezione schermandola dietro a un trauma o a una delusione e impedendo ai protagonisti di essere ciò che sono senza giustificazioni a oltranza può fare un gran male.

Scarlett Johansson: fra talento e sensualità, il mistero della Vedova Nera

noreply@blogger.com (Alessia Carmicino) — Mon, 03 Apr 2017 12:27:00 +0000

Occhi grandi e verdi che non si abbassano mai, orgogliosi di un incantesimo duraturo e pericoloso al quale non puoi e non vuoi sfuggire, le labbra carnose e sensuali leggermente dischiuse pronte a bisbigliarti un segreto che aspetta da troppo tempo, la dolcezza di un sorriso accennato che dovrebbe scontrarsi col resto e che invece è chiaramente nel suo elemento: la ragazza con l'orecchino di perla di Johannes Vermeer non poteva trovare alter ego migliore in Scarlett Johansson, l'attrice americana che ha saputo trovare la sua strada nella grande marea di Hollywood diventando uno dei volti più popolari e richiesti degli ultimi anni.

Nata il 22 novembre 1984 con un nome che tradisce origini scandinave, Scarlett Johansson nasce a New York da un architetto di Copenaghen, Karster Johansson, e dalla produttrice ebrea del Bronx Melanie Sloan. I genitori si separano quando è ancora piccola, ma il difficile momento familiare non la distoglie mai dalla sua più grande ambizione: sin dall'età di quattro anni Scarlett dimostra velleità artistiche e desidera diventare un'attrice, incoraggiata dalla madre che inizia subito a portarla ai provini per fare spot pubblicitari, puntando però ad una carriera nel cinema e nel teatro(solo recentemente è sbucato in rete il video del provino della bambina per il ruolo di Judith nel film Jumanji, poi andato a Kirsten Dunst): a soli 8 anni, Scarlett viene scelta per recitare sul palcoscenico nella piece Sofistry, insieme a Ethan Hawke.

Le piccole parti al cinema iniziano a susseguirsi con Genitori Cercasi, diretto da Rob Reiner e con Elijah Wood e Bruce Willis, La Giusta Causa, dove interpreta la figlia di Sean Connery, e Mamma ho preso il morbillo, sequel apocrifo della serie diretta da Chris Columbus.

La prima vera consacrazione arriva nel 1998, grazie a L'uomo che sussurrava ai cavalli di Robert Redford: a 14 anni, Scarlett interpreta l'adolescente Grace, abile cavallerizza rimasta vittima di un terribile incidente che l'ha lasciata senza una gamba, distrutta nella carne quanto nello spirito.

Nel 2001 seguiranno L'uomo che non c'era, dove lavora per la prima volta coi fratelli Coen, e Ghost World, tratto dal fumetto di Daniel Clowes, dove veste i panni dell'adolescente annoiata Rebecca al fianco dell'allora assai più nota Thora Birch: il film non fa faville al botteghino, ma viene riscoperto come un cult alcuni anni dopo e viene considerato dai più il ruolo che diede una scossa definitiva alla carriera attoriale della Johansson.

Il 2003 è un anno fondamentale: al fianco di un attore del calibro di Bill Murray Scarlett interpreta Charlotte, ventenne neolaureata smarritasi nel caos di Tokyo e di un matrimonio sbagliato, nel celeberrimo Lost in Traslation di Sofia Coppola, primo vero ruolo "adulto" della sua carriera: il film è un successo di critica e pubblico e frutta all'attrice un Premio BAFTA e una nomination ai Golden Globe. Nello stesso periodo esce in sala La Ragazza con l'orecchino di perla, tratto dal bestseller di Tracy Chevalier, dove interpreta Griet, serva nella casa del pittore (interpretato da un solenne Colin Firth) capace di guardare oltre le apparenze e di far battere in silenzio il cuore del suo Padrone. Dotata di una somiglianza straordinaria con la giovane ritratta nell'omonimo dipinto, Scarlett è una pennellata di grazia nei meravigliosi quadri riprodotti dal film di Peter Webber: la sua performance è considerata l'anima del film e le fa ottenere nuove nomination ai BAFTA e ai Golden Globes.

L'anno successivo torna al film in costume con Le Seduttrici (A Good Woman), tratto da Il Ventaglio di Lady Windermere di Oscar Wilde: il film riceve diverse recensioni negative ed è un flop al botteghino, ma la Johansson resta una splendida Meg Windermere, dolce e luminosa nell'adattamento che sposta con raffinatezza il tempo dell'azione nell'Amalfi degli anni 30'; migliori risultati ottengono invece il thriller The Perfect Score, l'indie Una Canzone per Bobby Long (film con John Travolta fortemente voluto dall'attrice)e In Good Company, gradevolE commedia di Paul Weitz con Topher Grace e Dennis Quaid.

Eccezion fatta per il disastro di The Island, Sci-fi diretto da Michael Bay dove uno spunto interessante e attuale finisce soffocato dalla caotica trama action marchio di fabbrica del regista, il 2005 è un anno eccellente grazie a Match Point di Woody Allen, thriller sofisticato dove Scarlett interpreta la conturbante Nola Rice, attrice dilettante che fa perdere la testa al parvenu Jonathan Rhys Meyers; seguiranno il più leggero e alleniano Scoop, con Hugh Jackman, e The Prestige di Christopher Nolan, considerato ad oggi il manifesto del regista e il suo lavoro migliore, dove ritrova l'attore australiano e interpreta la sensuale assistente e amante dell'Alfred Borden di Christian Bale. Nello stesso anno interpreta un'altra donna affascinante e misteriosa e nel noir Black Dahlia di Brian De Palma dove lavora con Josh Hartnett, con cui ha anche una relazione.

Nel 2007 Scarlett si concede un po' di leggerezza con Il Diario di Una Tata, dove interpreta la neolaureata in economia e appassionata in antropologia Annie Braddock, finita a fare la tata per un bambino dell'Upper East Side nell'attesa di scoprire cosa fare della sua vita: sul set trova Chris Evans, col quale avrebbe lavorato in seguito nei film del Marvel Cinematic Universe.

Nel 2008 è la volta di L'altra donna del re, film in costume tratto dal romanzo di Philippa Gregory, dove ha il ruolo della mite Maria Bolena, sorella della famigerata Anna (Natalie Portman) e con lei in competizione per conquistare il letto e il favore di Enrico VIII; seguono Vicky Cristina Barcelona di Woody Allen, dove interpreta l'intraprendente Vicky, The Spirit di Frank Miller, nei panni della Femme Fatale Silken Floss e la commedia corale La verità è che non gli piaci abbastanza.

L'anno seguente, Scarlett approda al ruolo che le ha regalato maggiore notorietà, amato dagli adulti quanto dai giovanissimi: per la prima volta in Ironman 2 appare nel ruolo di Natasha Romanoff/Vedova Nera, che riprenderà nuovamente e con grande successo ne Gli Avengers(2012), Capitan America: il soldato d'inverno(2014), Avengers: Age of Ultron (2015), Capitan America: Civil War (2016) e l'atteso Infinity War (2018): l'ingresso del MCU non le impedisce di partecipare a progetti dal tono completamente diverso come La mia vita è uno Zoo di Cameron Crowe e Hitchcock di Sasha Gervasi, dove interpreta con ottima verosimiglianza l'attrice Janet Leigh nel periodo delle riprese di Psycho; nello stesso anno segue anche Don Jon, debutto dietro la macchina da presa di Joseph Gordon Levitt, dove interpreta la sexy e volgare fidanzata del protagonista, ossessionata dalle fintissime commedie romantiche come il protagonista dalla pornografia.

Nel 2013 la sua immagine di Sex Symbol viene consacrata definitivamente con un ruolo inusuale: in Her di Spike Jonze la Johansson è Samantha, voce del sistema operativo che accompagna le giornate di Theodore, lasciato col cuore spezzato e un'esistenza solitaria dall'abbandono della moglie: la voce melliflua dell'attrice (che fra l'altro non ha mai disdegnato la sua passione e interesse per un'eventuale carriera musicale) è perfetta per accendere le fantasie e i sentimenti di Theodore quanto quelli dello spettatore e sono stati in molti a lamentare la mancanza di una nomination di pregio per la parte, negata proprio in quanto etichettata come semplice lavoro di doppiaggio; nello stesso anno esce Under the Skin, dove si misura per la prima volta con scene di nudo integrale. Nel 2014, oltre al ritorno di Capitan America, la troviamo nella commedia Chef con Jon Favreau e nel nuovo lavoro di Luc Besson, Lucy.

Nel 2016 mette nuovamente a servizio a la sua voce interpretando il serpente Kaa ne Il Libro della Giungla di Jon Favreau e in Sing, film d'animazione che vede impegnati anche Matthew McConaughey e Reese Witherspoon; nello stesso anno torna a lavorare coi fratelli Coen nel divertente Ave Cesare!, dove interpreta la diva degli spettacoli acquatici DeeAnna Moran.

Quali nuove sfide attendono adesso l'attrice di New York? Ghost in The Shell, suo ultimo lavoro tratto dall'omonimo manga e in uscita in questi giorni ha destato non poche critiche e accuse di Whitewashing, ma l'attesa per la sua performance resta alta: difficile trovare un'occasione in cui, qualunque fosse la natura del progetto e l'opinione di Pubblico e Critica, Scarlett non ci abbia colpiti con la sua presenza e interpretazione, prigionieri del magnetismo di quegli occhi verdi e nell'enigma ammaliante di quel volto con ancora tante storie da raccontare, sulla tela sempre in movimento che chiamiamo cinema.

Leggi su cinefilos.it: Scarlett Johansson: fra talento e sensualità, il mistero della Vedova Nera

Frantz

noreply@blogger.com (Alessia Carmicino) — Sun, 19 Mar 2017 15:32:00 +0000

"Les sanglots longs
Des violons
De l'automne
Blessent mon coeur
D'une langueur
Monotone.
Tout suffocant
Et blême, quand
Sonne l'heure,
Je me souviens
Des jours anciens
Et je pleure

Et je m'en vais
Au vent mauvais
Qui m'emporte
Deçà, delà,
Pareil à la
Feuille morte."
(Chanson d'automne, Paul Verlaine)

Una ragazza porta tutti i giorni i fiori sulla tomba del fidanzato: il corpo del suo amato non appartiene a quella terra, sepolto senza nome in qualche campo francese ancora insanguinato da una Guerra che si è portata via tutta la giovinezza delle Nazioni che l'hanno scatenata lasciandosi dietro solo fantasmi; il mondo che li circonda è in bianco e nero, gli unici colori concessi dal lutto e dal dolore di chi finge di poter ricominciare ma ha perso per strada troppi pezzi: la cartolina che presenta Frantz di François Ozon è di quelle che potresti trovare nei romanzi di Stefan Zweig, con la Mitteleuropa reduce dal Primo Conflitto Mondiale incapace di riappacificarsi con lo straniero quanto con sé stessa e la sua arroganza, la stessa che avrebbe riportato il mondo sull'orlo del baratro vent'anni dopo aver lavato via dagli scarponi le croste di fango delle trincee.

Di quello studente con la passione del violino che ha pagato con la vita l'insistente patriottismo dell'autorità paterna ed è partito senza mai più tornare non rimane che il nome, il gelo dell'assenza che tiene il suo piccolo paese prigioniero di ricordi che iniziano a sbiadire lentamente nella sacralità confusa e intoccabile del mito: a infrangere l'incantesimo arriva Adrien, un amico francese di Frantz dei tempi di Parigi che prova a dare un po' di sollievo alla famiglia del ragazzo e alla fidanzata Anna, la ragazza che doveva sposarsi in autunno e che adesso vive come una figlia adottiva nella casa dei genitori del suo promesso; il viaggio di rinascita che ne consegue passa attraverso un'oculata rete di bugie, dolci ma necessarie e ben più catartiche della verità, che il poliedrico regista francese costruisce con la grazia di chi conosce bene il genere e sa come gestirlo senza strafare, favorito dalla scelta di mantenere a portata d'orecchio le differenze linguistiche fra Francesi e Tedeschi aumentando il senso di alienazione dei personaggi quanto quello dello spettatore.

Mai timoroso di sperimentare, Ozon si tiene ben alla larga dall'esasperato (nei toni quanto nei colori)Angel, pregevolissimo ma saturo melodramma confezionato anni fa, per raccontare una storia di flebili bagliori che pur privata consapevolmente del colore ben oltre la scelta stilistica(in perfetto stile Pleasantville, l'abbandono del grigio viene concesso solo a pochi minuti di ricordi per non ripetersi mai più) ci scalda il cuore e ci fa scalpitare e disperare sulla poltrona come si conviene a un bel romanzo del Periodo, mai urlato, delicato, nutrito da sguardi nascosti e parole non dette: basta l'emaciata tristezza di Pierre Niney, la stessa che potresti trovare nella vecchia foto di un parente sbiadita e dimenticata in soffitta e che ti guarda restituendo al mittente una lunga serie di domande senza risposta, ma soprattutto la grazia dell'emergente Paula Beer, bella e luminosa come una Madonna rinascimentale coi suoi occhi pieni di malinconia e speranza, anche con tutto il bianco e nero.

Arrival

noreply@blogger.com (Alessia Carmicino) — Sun, 05 Mar 2017 14:43:00 +0000

"Despite knowing the journey and where it leads... I embrace it. And I welcome every moment of it."

Una finestra di pace che guarda sul mare, incorniciata su un tramonto azzurro con l'acqua che tutto lava e tutto ritorna, una bambina che nasce e che cresce imparando ad amare il mondo e la vita che ha ricevuto, sotto gli occhi felici della mamma che non l'avrebbe mai lasciata: più che ai classici della fantascienza, le prime immagini di Arrival di Denis Villeneuve sembrano guardare a La Sottile Linea Rossa e The Tree of Life di Terrence Malick, decodificandone la struggente bellezza visiva in un film che ne raccoglie il messaggio con straordinaria sincerità e candore, ma senza inciampare nella trappola di autocompiacimento di cui soffrono meccanismi autoriali ormai consolidati.

Di codificazione di linguaggi e schemi universali si parla d'altronde nel lavoro di Villeneuve, tratto da uno dei racconti della serie Storie della tua vita di Ted Chiang e deciso a trattare l'invasione aliena della Terra come il più classico scontro di lingue e culture, dal quale è possibile uscire vincenti solo abbracciando la bandiera della comunicazione e cooperazione fra i popoli del Pianeta.

Niente cieco desiderio di morte e distruzione, mastodontiche astronavi con esplosioni atomiche di metropoli statunitensi o eroismi spicci d'occasione: qui si viene per parlare e capirsi, imparare a leggere un modo di esprimersi e di pensare completamente diverso dal nostro che coi suoi sprazzi d'inchiostro sembra comunque fatto apposta per toccare le corde dell'umile intelligenza umana, indagare sul perché mai creature provenienti da tanto lontano si siano scomodate a fare la strada.

La lingua come strumento per plasmare ciò che siamo o che potremmo diventare, ma anche il cinema e la sua capacità di riscrivere il nostro modo di vedere giocando con la nostra percezione del tempo e dello spazio e costruendo la tensione su un ribaltamento ben orchestrato, maschera di un messaggio semplice ma mai urlato, retorico o ansioso di stupire: attraverso il verde e l'azzurro dei grandi spazi aperti che filtrano dalla pulitissima camera del regista si torna all'uomo e alla sua capacità di amare, l'unicum che qualunque creatura aliena potrebbe invidiarci e che condiziona tutte le sue scelte, ben oltre la razionalità e il controllo che questa ci impone.

È nella solitudine malinconica e consapevole di Amy Adams, perno emotivo del film senza il cui sguardo limpido di meraviglia e commozione Arrival non avrebbe mai avuto la stessa forza stellare che mostra sino alla straziante sequenza finale, che si raccoglie il sacrificio che l'umanità intera compie ogni giorno: un'altra rossa dagli occhi di cielo, come la Jessica Chastain di The Tree of Life, per ricordarci che senza amore la nostra vita passerà in un lampo.

Note:

Jeremy Renner: Il ruolo di Jeremy Renner nel film è privo di sfumature particolari e funzionale unicamente alla quest personale del personaggio di Amy Adams. Dispiace un po', ma la resa generale non ne risente affatto, scusa Jeremy.

Oscarometro: Arrival è al momento il mio film degli Oscar 2017, ma le sue probabilità di vittoria erano praticamente sotto lo zero. Plus, NON MI AVETE NOMINATO AMY ADAMS E QUINDI SIETE ESSERI INDEGNI.

La La Land

noreply@blogger.com (Alessia Carmicino) — Fri, 03 Mar 2017 14:49:00 +0000

"...And here’s to the fools
who dream
Crazy, as they may seem
Here’s to the hearts that break
Here’s to the mess we make."

La cosa più grande che tu possa imparare è amare e lasciarti amare, ma non al prezzo di un sogno troppo grande per rischiare di rimanere chiuso nel cassetto: i versi di Nature Boy che erano divenuti il motto del Moulin Rouge di Baz Lurhmann avrebbero potuto trovare terreno fertile anche in La La Land di Damien Chazelle, seconda prova di pregio del trentaduenne regista dopo Whiplash e film musicale nel genere quanto nell'ambientazione, se solo non fosse stato lontano anni luce dalla riproduzione di un archetipo che ponesse le basi per una romantica e appassionata fantasia d'amore come era invece accaduto nel film di Lurhmann; torna prepotente piuttosto il tema della prioritaria realizzazione delle proprie ambizioni, parecchio caro a Chazelle per ragioni che non escludiamo essere prettamente autobiografiche, rivestito di un approccio di cuore più soft che lascia indietro gli schizzi di sudore e sangue rimasti sulla batteria di Miles Teller ma non per questo rinuncia a spezzarci il cuore e a farci soffrire.

La love story fra Mia, attrice in erba che lavora nella caffetteria degli Studios inseguendo un provino dietro l'altro e Sebastian, pianista Jazz con un'anima antica in un mondo troppo accelerato per riuscire ad apprezzare ancora il sound di Charlie Parker e Miles Davis, è il classico incontro/scontro fra due anime sognanti capaci di riconoscere l'incanto che le contraddistingue e che lega il loro ritmo all'unisono, a dispetto di un destino che insiste per allontanarli portandoli continuamente fuori tempo: è l'amore che ti fa saltellare per la strada in punta di piedi e che ti lascia a volteggiare senza peso, lift us up where we belong, nel cielo blu di cartapesta di quella Città delle Stelle dove ogni giorno può essere un Giorno di Sole, finché non arriva la realtà, quella vera, pronta come sempre a complicare la semplicità delle cose e a costringerti a chiederti cosa sia davvero importante, riportandoti coi piedi per terra e lasciando del blu intenso che ti avvolgeva solo un timido e malinconico bagliore; siamo tutti sognatori spezzati dalla vita e dal peso delle nostre scelte, dai frame dei film che non abbiamo vissuto e che ci passano davanti con la consapevolezza di ciò che poteva essere e non è stato perché lui, perché lei, perché loro, andiamo avanti con un sorriso amaro sul volto grati per quello che abbiamo avuto e per la luce azzurra di un ricordo che ci scalda nella solitudine.

È la dura legge del jazz, le note della nostalgia che musicano un'esistenza fatta di cose belle perché anche un po' tristi, un lietmotiv recentemente ascoltato nel Cafè Society di Woody Allen ma orchestrato con più freschezza e meno polvere dal team di Chazelle, deciso a omaggiare la tradizione del musical hollywoodiano passando dai colori e dalle geometrie degli anni '50 e '60 alle scatenate coreografie degli '80 (la spettacolare sequenza di Another Day of Sun grida Fame ad ogni singolo passo), creando un clash spietato fra le luci dorate della fiaba e il grigio di un presente che con ogni bolletta non pagata e ogni biglietto non staccato annebbia lentamente amore e passione.

Un omaggio al cinema e alla sua capacità di distrarci dal dolore e restituirci la meraviglia del possibile, curato nei dettagli anche grazie a citazioni collaterali a cui è impossibile non voler bene all'istante: ci sono Casablanca e Vacanze Romane, ma soprattutto la zia parigina di Mia Dolan, folle come la Catherine del Jules e Jim di Francois Truffaut nel suo lanciarsi nella Senna solo per avvertirne l'ebbrezza.

In una narrazione che procede per quadri assecondando le stagioni, la mano sicura di Damien Chazelle ci concede lunghi campi di colore e spettacolo, mettendo alla prova la coppia d'oro Emma Stone/Ryan Gosling con canzoni e passi di danza di cui non sembrano avere assoluta padronanza, ma che rende ancora più tangibile la loro normalità nella fossa dei leoni Losangelina: il canto ruvido di lui e la sua dolcezza sulla tastiera fanno bene la loro parte, ma è la leggerezza della Stone a conquistare la scena, insieme a quell'assolo appassionato di Audition che vorrebbe essere quasi una risposta positiva all'I dreamed a Dream di Anne Hathaway in Les Miserables; sullo sfondo, vigile e sempre presente, la bella Los Angeles che fiorisce e distrugge speranze, la Città delle Stelle assediata dal traffico e dalla presunzione degli attori di Hollywood ma altrettanto capace di regalare tramonti mozzafiato e panorami da favola.

La battaglia che sul web ha visto fan e detrattori insultarsi a vicenda per avere l'ultima parola su La La Land ha consumato le energie di molti, ma alla fine dei giochi resta solo il film e ciò che sia stato in grado di lasciarci: brindiamo dunque ai sognatori, ai pasticci che combinano, agli errori che commettono e con i quali dovranno convivere tutta la vita, in un nome di un obiettivo scintillante che richiede tenacia e sacrificio, con un romanticismo che forse non pagherà tutti i conti alla fine del mese ma fa comunque bene alla salute.

Note
1)Oscarometro:
Delle ben 14 nomination ricevute, La La Land ha conquistato ben sei statuette, tutte meritate: Emma Stone andava premiata soltanto per la sequenza di Audition, anche se potendo scegliere avrei dato la statuetta alla Natalie Portman di Jackie, o se fosse stata in gara alla Amy Adams (!) di Arrival, mio film preferito in assoluto della rosa dei candidati ma con possibilità di vincere sotto zero.
La malafigura poraccia dell'errore per il miglior film è ormai storia: no, come detto La La Land per me non era comunque il miglior film e Moonlight non l'ho ancora visto, ma la scena è stata talmente crudele e la brutta figura così poraccia da avermi fatto passare la voglia vita natural durante, SHAME SHAME SHAME.

2) Il momento migliore della serata degli Oscar è stata l'esibizione di John Legend con City Of Stars e Audition, vedere per credere: