Keeping Track

Conheça Colomy, trio que acaba de assinar com a Universal Music Brasil

noreply@blogger.com (Jhonatan Oliveira) — Tue, 10 Mar 2026 14:52:00 +0000

Sebastião Reis, Eduardo Schuler e Pedro Lipatin formam o trio Colomy! Três jovens apaixonados por música brasileira, rock progressivo e toda criação estética com raízes nos anos 1970. Com tanta história reunida, eles trazem juntos a criatividade e a paixão pela música.

O trio surgiu de forma independente, lançando seu primeiro EP "Vem" em 2021. Trouxeram singles como "Sendo Como Sou" e "Pássaro Livre" ao longo de sua jornada musical e ainda fizeram uma releitura de “Dona”, hit do grupo Roupa Nova. Em 2023, eles lançaram seu álbum de estreia, “Jaú”, nome da cidade do interior de São Paulo em que a banda foi concebida. Lá eles encontraram as terras férteis para suas mentes férteis da composição!

Pedro Lipatin (guitarras e vocais) e Eduardo Schuler (bateria) são gaúchos que chegaram a São Paulo com a banda Doris Encrenqueira. Os músicos conheceram Sebastião Reis (violões e vocais) nos processos de produção do primeiro disco de Beto Bruno, ex-vocalista da banda Cachorro Grande. Os três se uniram neste projeto cheio de sentimentos e muita autenticidade, que já possui três composições assinadas por Pedro Alexandre e Sebastião Reis - atualmente integrante da banda de seu pai, Nando Reis.

O trajeto musical dos três é acompanhado de muitas inspirações artísticas, raízes que infiltram a criatividade de cada um e transbordam nos arranjos e composições. Com essa união eles garantiram a oportunidade de assinar seu primeiro contrato com a Universal Music Brasil. Essa foi, segundo eles, uma missão histórica para a banda, que os permitiu realizar sonhos e alcançar novos espaços. A assinatura ocorreu em São Paulo, com a companhia brilhante de Nando Reis e do produtor musical Duda Lima. Eles foram recebidos por Paulo Lima, presidente da companhia, Claudio Vargas (vice-presidente comercial), Miguel Afonso (gerente de A&R), Gabriela Paranhos (head digital sales) e colaboradores.

Colomy agora entra em um novo mundo, seguem amadurecendo seu processo criativo. Os músicos prometem abraçar toda sua paixão musical e encantar o Brasil em busca da abertura essencial para experimentarem a música como um elo universal. Se você ama MPB, com nuances do rock progressivo e raízes que trazem inpirações dos anos 1970, merece conhecer Colomy!

Bangers Open Air 2026: tudo o que você precisa saber sobre o festival

noreply@blogger.com (Maria Eloisa Barbosa) — Sat, 07 Mar 2026 17:11:00 +0000

O Bangers Open Air, maior festival de metal da América Latina, está chegando! Celebrando diferentes vertentes do rock e metal, a quarta edição do antigo Summer Breeze acontecerá nos dias 25 e 26 de abril, no Memorial da América Latina, em São Paulo. Confira tudo que você precisa saber abaixo:

Line-up e horários

Assim como todos os anos, o festival abrange uma diversidade de bandas dentro da música pesada. Há artistas orientados ao death metal, heavy metal, metalcore, power metal e muito mais.

Dentre os destaques, está o Angra, que realizará um show especial ao lado dos ex-integrantes Edu Falaschi (voz) e Kiko Loureiro (guitarra). A performance também marcará a despedida do vocalista Fabio Lione e a estreia de Alírio Netto.

Também vale mencionar o Arch Enemy, que virá pela primeira vez ao país com a nova frontwoman Lauren Hart.

Veja o line-up completo dividido por dias, palcos e horários:

25 de Abril (sábado)

Abertura dos portões: 11h

Hot Stage

13h00 – 14h00: Evergrey
15h20 – 16h20: Jinjer
17h50 – 19h05: Black Label Society
20h40 – 21h55: Arch Enemy

Ice Stage

12h00 – 12h50: Korzus
14h10 – 15h10: Fear Factory
16h30 – 17h40: Killswitch Engage
19h15 – 20h30: In Flames

Sun Stage

12h00 – 13h00: Lucifer
14h00 – 15h00: Violator
15h40 – 16h40: Feuerschwanz
17h20 – 18h20: Crypta
19h00 – 20h15: Tankard
20h55 – 21h55: Onslaught

Waves Stage

12h00 – 12h50: School of Rock
13h20 – 14h00: vencedor do concurso New Blood
14h30 – 15h20: Engineered Society Project
15h50 – 16h40: Marenna
17h10 – 18h10: Ozzy Tribute
18h40 – 19h40: Seven Spires
20h10 – 21h10: Hangar
21h40 – 22h40: Overdose

26 de Abril (domingo)

Abertura dos portões: 11h

Hot Stage

12h50 – 13h40: Primal Fear
14h55 – 15h55: Amaranthe
17h15 – 18h15: Smith/Kotzen
19h45 – 22h00: Angra

Ice Stage

12h00 – 12h40: Project46
13h50 – 14h45: Nevermore
16h05 – 17h05: Winger
18h25 – 19h40: Within Temptation

Sun Stage

12h00 – 13h00: Visions of Atlantis
13h40 – 14h40: Roy Khan
15h20 – 16h20: Crazy Lixx
17h00 – 17h50: Noturnall
18h30 – 19h30: Krisiun
20h15 – 21h45: Dirkschneider

Waves Stage

12h00 – 12h50: School of Rock
13h20 – 14h00: Clash Bulldog’s
14h30 – 15h20: Chaos Synopsys
15h50 – 16h40: Malvada
17h10 – 18h10: Trovão
18h40 – 19h40: Silver Dust
20h10 – 21h10: Paradise in Flames
21h40 – 22h40: Ambush

Mapa

Ingressos

Os ingressos estão à venda no site do Clube do Ingresso. Desconsiderando taxas, as principais modalidades são as seguintes:

Bangers Card (pista comum válida para um dia): R$ 759 (meia-entrada), R$ 789 (social; sob doação de 1kg de alimento) ou R$ 1518 (inteira)
Lounge Card (upgrade para área vip e front row do festival com open bar e open food. Necessário adquirir o ingresso de acesso ao evento separadamente): R$ 1188
Banger Pass (pista comum válida para os dois dias): R$ 1448

Outras atividades

Para além das apresentações, o evento traz inúmeros diferenciais. Nos anos anteriores, o festival proporcionou sessões de autógrafos com bandas nacionais e internacionais da programação. Já para quem queria curtir com a família inteira, um espaço kids, com atividades para crianças, esteve disponível. Além disso, há inúmeras opções de merchandise, alimentação e muito mais.

Itens proibidos

Armas de fogo ou armas brancas de qualquer tipo
Cadeiras/banquinhos
Guarda-chuvas
Objetos pontiagudos
Objetos perfurantes ou cortantes (tesoura, estiletes, pinças, cortadores de unha)
Fogos de artifício, dispositivos explosivos, sinalizadores e aparatos incendiários de qualquer espécie
Objetos de vidro, plástico ou metal (perfumes, cosméticos, inclusive desodorantes de qualquer tipo, pasta ou escova de dente)
Bebidas (em qualquer tipo de recipiente)
Skate, bicicleta ou qualquer tipo de veículo motorizado ou não
Isopor, cooler ou qualquer tipo de utensílio para armazenagem
Bastão de selfie (extensor para tirar auto-retrato)
Itens que possam ser utilizados para marketing de emboscada
Substâncias venenosas e/ou tóxicas, incluindo drogas ilegais
Bandeiras, faixas ou cartazes contendo mensagens ou símbolos com divulgações comerciais
Máquinas fotográficas e filmadoras profissionais, além de drones de qualquer tipo
Malas de viagem, banners, panfletos, cartazes grandes e laser pointers.

Relembre as edições passadas

Primeira edição - 2023 (primeiro e segundo dia)
Segunda edição - 2024 (primeiro dia, segundo dia, terceiro dia)
Terceira edição - 2025 (primeiro dia, segundo dia, terceiro dia)

Joji transforma esgotamento emocional em composições viscerais com "Piss In The Wind"

noreply@blogger.com (Gabriel Bonani) — Tue, 10 Feb 2026 22:47:00 +0000

Uma obra profunda em sua composição e pungente em sua musicalidade. Piss In The Wind consolida Joji como um dos artistas mais audaciosos da música alternativa atual. Entre texturas de melancolia e introspecção, o disco acerta em cheio ao propor uma experiência imersiva, quase cinematográfica.

O quarto álbum do cantor japonês funciona como uma viagem terapêutica por suas vulnerabilidades, contradições e obsessões emocionais. Ao longo dessa jornada, somos confrontados com a repetição de ciclos afetivos, o desgaste de insistir, de se iludir, e a sensação constante de iniciar uma batalha contra o invencível. O que torna disso tão interessante é ver que Joji não tenta organizar o caos. Ele o veste como um manto.

O próprio título é a chave conceitual de toda a obra. A expressão piss in the wind significa fazer algo mesmo sabendo que será inútil. Um esforço que não só não muda nada, como volta contra você. No universo de Joji, essa imagem se transforma em metáfora para relacionamentos e apego emocional. É um disco sobre amar demais, insistir demais e perceber tarde demais. É um eterno dilema de autossabotagem emocional.

Em “PIXELATED KISSES”, “If It Only Gets Better” e “Love You Less”, Joji explora o território da doação afetiva unilateral. São músicas que falam sobre entrega excessiva e a frustração de perceber que não há um retorno com a mesma intensidade. E não conseguir recuperar o controle da situação é sua maior prisão.

Essa sensação de aprisionamento ganha contornos mais explícitos em “Hotel California”. Quanto mais ele tenta entender ou dominar o cenário ao redor, mais clara fica a dificuldade de romper o ciclo de dependência emocional.

Desse sentimento também temos derivações em “Past Won’t Leave My Bed”, “Piece of You” e “Last of a Dying Breed”, faixas tomadas por uma melancolia silenciosa, quase apática, de alguém que agora já aceitou a perda. A luta chegou ao fim. Não porque houve vitória, mas porque não resta tanta força para continuar tentando. São ondas de conformismo que se chocam na rigidez das rochas que antes tentavam desafiar o impossível.

Já “Silhouette Man” aprofunda sua busca por identidade, após entender que tem que achar seu norte dentro de si mesmo. Apesar de curta, a faixa é um dos pontos altos do disco.

Há um cansaço explícito nessas últimas faixas. Mas porque não dançar conforme o ritmo do vento? É o que a animada “Sojourn” sugere. É uma faixa apaixonante sobre encontrar a sua força de ter esperança e simplesmente viver a vida com todas as suas cores e intensidade. Um dos momentos mais solares e necessários.

Por fim, com Piss In The Wind, Joji entrega um álbum profundamente humano, que encontra beleza no desgaste emocional, na repetição e na aceitação amarga de certas derrotas inevitáveis. É um disco sobre amadurecer emocionalmente e continuar tentando evoluir diante das complexidades da vida e suas relações.

Os 25 Melhores Álbuns de 2025

noreply@blogger.com (Alícia Araújo) — Wed, 31 Dec 2025 18:52:00 +0000

2025 chegou ao fim! E foram muitas as obras do mundo da música que conquistaram o nosso coração ao longo do ano. Pensando nisso, a equipe do Keeping Track se reuniu para destacar os álbuns que marcaram esse período, atravessando diferentes gêneros, cenas e atmosferas: do aconchego quase terapêutico do mais recente lançamento de Rubel, ao experimentalismo emocional de Hayley Williams em Ego Death at a Bachelorette Party; do som revolucionário de Rosalía em Lux ao pop performático de Marina Sena em Coisas Naturais. Foram vários momentos emblemáticos que não podemos deixar passar batido. Vem com a gente relembrar ou conhecer cada preciosidade dessa lista!

Confira a seguir:

As Cores, As Curvas e as Dores do Mundo - Lagum

(texto por Alícia Araújo)

“Eu quero mais da vida / Eu quero a paz de estar em paz”. É assim que a banda mineira Lagum encerra a primeira faixa do álbum As Cores, As Curvas e as Dores do Mundo. Um disco relativamente curto, com apenas 10 canções, mas que encapsula muito bem a sensação de ser um jovem adulto, que quer conquistar o mundo na mesma medida em que sente que não consegue desacelerar e viver o agora. Refrões cativantes, produção que mistura pop, rock e reggae, e estética que abraça a beleza e a poesia do cotidiano fazem do quinto álbum da banda uma celebração do simples ato de respirar fundo e apreciar a paisagem. E se “a cidade sem você não é igual”, eu garanto que você também não será o mesmo depois de escutar esse marco da música brasileira.

Beleza. Mas agora a gente faz o que com isso? - Rubel

(texto por Dandara Piedade)

É tudo MUITO bom em Beleza. Mas agora a gente faz o que com isso?, o quarto álbum de Rubel. Com 9 faixas e 34 minutos de duração, ele aposta numa sutileza que acolhe, quase como um aconchego. A combinação de arranjos delicados, temas sensíveis e inerentes a nós com a voz entorpecente do artista cria uma escuta íntima e especial.

E essa sensação não ficou só no disco, tá? Para deixar tudo ainda mais acolhedor, Rubel levou a turnê do novo álbum para todos os cantos do Brasil. Literalmente. O seu show voz e violão passou por todos os estados do país, levando toda a beleza e delicadeza da obra para os palcos.

Coisas Naturais - Marina Sena

(texto por Laura Araújo)

Em 2025, não dá para falar de melhores álbuns sem falar de Coisas Naturais. O terceiro disco de Marina Sena mostra o quanto ela é ARTISTA em letras maiúsculas. Além de apresentar um dos melhores álbuns do ano, ela definitivamente apresentou um dos melhores shows (quem foi vai concordar).

Lançado em março, o trabalho possui 13 faixas e já coleciona alguns hits como “Numa Ilha”, “Lua Cheia” e “Desmitificar”. A potência da música brasileira está aqui e a artista é prova disso.

DeBÍ TiRAR MáS FOToS - Bad Bunny

(texto por Thaís Vieira)

Para os fãs, logo no primeiro mês do ano, Bad Bunny já havia lançado o melhor disco de 2025. DeBÍ TiRAR MáS FOToS carrega a tradição e o respeito por Porto Rico, mas fez com que toda a América Latina se sentisse representada.

O álbum ainda tornou Benito o artista mais ouvido do mundo no Spotify e um dos favoritos ao prêmio de "Álbum do Ano" na próxima edição do Grammy. Não dava pra ficar de fora dessa lista e vale o seu play.

Divina Casca - Rachel Reis

(texto por Laura Araújo)

Divina Casca é o segundo disco de Rachel Reis e é o retrato mais potente da artista (até agora). Neste trabalho, ouvimos uma mulher que está numa jornada de autoconhecimento como ser humano, como mulher e como artista. São 15 faixas que empodera quem escuta com composições que dá pra se identificar e uma sonoridade tropical. O álbum mostra o amadurecimento musical da baiana e reafirma o potencial que já dava pistas em seu primeiro disco, Meu Esquema.

Dominguinho - João Gomes, Jota.pê e Mestrinho

(texto por Laura Araújo)

Um encontro inesperado de bom! Nunca imaginei esses três juntos e o resultado foi uma agradável surpresa. Lançado em abril, acho que podemos dizer que o disco conquistou o Brasil. Foi perfeito pra escutar não só durante o São João, como pelo resto do ano.

Com 12 faixas, Dominguinho mistura MPB, forró e piseiro, contando com regravações de músicas de João Gomes, Jota.pê e Mestrinho, além de releituras como “Pontes Indestrutíveis” de Charlie Brown Jr. Definitivamente, um dos melhores do ano!

Ego Death at a Bachelorette Party - Hayley Williams

(texto por Maria Eloisa Barbosa)

Não é exagero dizer que Hayley Williams lançou um dos discos mais geniais do ano com Ego Death at a Bachelorette Party. Com um forte storytelling que engloba o complicado fim de um relacionamento e os medos internos da artista, além de críticas a respeito da realidade política dos Estados Unidos em músicas como a faixa-título, a vocalista do Paramore conseguiu colocar os ouvintes dentro de sua própria mente.

A artista não só trouxe composições recheadas de detalhes pessoais, como criou uma verdadeira experiência para os fãs, que puderam entender profundamente a realidade da ídola ao longo das faixas. Para isso, a estrela liberou, num primeiro momento, cada música do álbum isoladamente e sem ordem, para que os admiradores montassem a própria história e tirassem as próprias conclusões. Seja trazendo uma abordagem mais experimental na sonoridade em "Glum" ou um rock mais carregado em "Mirtazapine", o trabalho cresce a cada ouvida. São tantos detalhes e referências, inclusive ao próprio Brasil nas canções "Parachute" e "Zissou", que é impossível não ficar imerso e obcecado.

Every Dawn’s a Mountain - Tamino

(texto por Guilherme Santana)

Em Every Dawn’s a Mountain, Tamino consolida sua posição como uma das vozes mais singulares de sua geração ao transformar o luto e a transitoriedade em beleza. Criado entre quartos de hotel, o álbum é um exercício de dualidade: enquanto reverencia sua herança egípcia em faixas como “Raven”, o cantor mergulha em um indie folk que dialoga com o desapego e o renascimento. Entre o simbolismo de “Sanpaku” e a participação de Mitski em “Sanctuary”, o disco funciona como uma cartografia emocional, provando que, para Tamino, cada amanhecer é um desafio monumental, mas também a chance de expurgar o passado e encarar o futuro com uma esperança, ainda que melancólica, renovada.

Everyone’s a Star! - 5 Seconds of Summer

(texto por Maria Eloisa Barbosa)

Desde que estourou na indústria em 2014, o 5 Seconds of Summer sofre críticas por colocar-se como uma banda de pop rock/pop punk. Parte do público acreditava que o grupo era "pop demais" e que parecia uma boy band, visto que todos os quatro integrantes cantam. Naquela época, ainda muito jovens, os músicos até podiam ficar incomodados, mas, agora, aproveitaram-se dos estereótipos com os quais são associados da melhor maneira possível. Em Everyone's a Star!, o 5SOS brinca com a fama e com o olhar do público acerca de sua própria carreira, em letras muito mais irônicas, soltas e divertidas, que não só atraem os fãs das antigas, como têm grande potencial para conquistar novos admiradores. Aqui, os integrantes, com uma sonoridade muito mais fresh e caprichada, explicitam suas habilidades como músicos, compositores e vocalistas - com destaque para, além do cantor principal Luke Hemmings, o baixista Calum Hood, que, em faixas como "Chest", parece ter atingido o seu auge.

Idols - Yungblud
(texto por Gabriel Bonani)

Como um cometa, Idols marcou um ponto de virada decisivo na carreira de Yungblud. O disco carrega grandiosidade não apenas na produção ou nos arranjos, mas na confiança artística de quem finalmente entende o próprio lugar na história do rock. O jovem britânico equilibra referências clássicas com um olhar moderno e pungente, fazendo essa obra soar atemporal do início ao fim. Idols não apenas consolida Yungblud como um dos nomes mais fortes da nova geração do rock, como também sinaliza, com clareza, o início de um legado igualmente promissor e necessário.

I Quit - Haim
(texto por Gabriel Bonani)

Em meio aos destaques de 2025, o trio de irmãs HAIM acerta em cheio em seu quarto álbum de estúdio. Uma atmosfera californiana e cinematográfica ganha forma com arranjos contidos, guitarras suaves e composições sinceras que orbitam o pós-término. A maturidade guia o grupo por uma jornada libertadora de clareza emocional e confiança, resultando em algumas das melhores canções de sua carreira. I Quit é destemido, coeso e muito bem resolvido. Um grande acerto que torna o repeat praticamente inevitável.

It's Not That Deep - Demi Lovato

(texto por Beatriz Amorim)

Depois de lançar os álbuns Holy Fvck e Revamped, marcados pelo retorno às suas raízes no pop rock, Demi Lovato estreou em outubro o aclamado It’s Not That Deep. O disco inaugura uma nova era ao apostar no pop eletrônico, com faixas dançantes e uma energia mais leve e animada.

E não se engane pelo título: Demi já afirmou que não quis ser “tão profunda” neste projeto e que o objetivo era, acima de tudo, se divertir. Ainda assim, o álbum passeia por momentos vulneráveis e pessoais em faixas como “Sorry To Myself”, “Before I Knew You” e “Ghost”. Para quem quer apenas dançar e se jogar nas festas, o som eletrizante aparece em músicas como “Kiss”, “Frequency” e “Fast”, que já são algumas das favoritas do fãs.

KPop Demon Hunters (Interpretado por Vários Artistas)

(texto por Alícia Araújo)

Você até pode não ser fã de K-pop, mas é impossível negar que “Golden”, do filme KPop Demon Hunters, foi um dos maiores hits de 2025. Pois é, mas saiba que não é apenas essa faixa que é boa, já que toda a trilha sonora é recheada por músicas com melodias que grudam na primeira ouvida. “How It's Done”, “Takedown”, “Soda Pop” e “What It Sounds Like” são algumas das músicas que merecem a sua ouvida, então bora deixar o receio de lado, porque às vezes tudo o que a gente precisa é de um pop farofa pra chamar de seu!

Lux - Rosalía
(texto por Gabriel Bonani)

Em Lux, Rosalía rompe mais uma vez qualquer expectativa previsível e entrega um álbum que existe fora de rótulos e fórmulas convencionais. Exalando autenticidade, o disco nos apresenta um lugar onde pop, música clássica, eletrônica, espiritualidade e vanguarda podem coexistir de forma inusitada e arrojada. Ao longo do álbum, Rosalía atravessa temas como amor, fé, dor e desejo, cantando em 13 idiomas diferentes, incluindo o português, e explora camadas de emoção, grandiosidade e ambição. Sua voz assume múltiplas formas e deixa evidente por que a artista é considerada uma das mais visionárias de seu tempo.

Man's Best Friend - Sabrina Carpenter

(texto por Thaís Vieira)

Da capa contestada até a tracklist, não dá pra negar: Man's Best Friend exala a personalidade de Sabrina Carpenter. O álbum é divertido, debochado e merece figurar nesta lista.

A forma como ela divide as próprias experiências amorosas é como se um jantarzinho, com amigas reunidas e taças de vinho, ganhasse vida. Afinal, quem não tem uma ou várias histórias para contar sobre moleques estúpidos, lerdos ou inúteis?

Music For People Who Believe In Love - Joe Jonas

(texto por Beatriz Amorim)

Mesmo com a turnê de sucesso ao lado dos irmãos, Joe Jonas lançou esse ano seu segundo disco solo da carreira: o Music For People Who Believe In Love, que revela um lado ainda mais frágil, sentimental e íntimo do cantor.

“É a música mais pessoal que eu já fiz, repleta de partes bagunçadas, bonitas, confusas e esperançosas do amor e da vida”, contou ele. Com 14 faixas no total, o disco conta com a participação especial da cantora Luísa Sonza, na música “What We Are” que traz aquele pop romântico com uma pitada de bossa nova, misturando os idiomas inglês e português. Vale a pena dar um play no álbum e conhecer mais sobre o coração e a mente de Joe Jonas.

Nenhuma Estrela - Terno Rei
(texto por Gabriel Bonani)

Em Nenhuma Estrela, o Terno Rei reafirma sua força justamente ao transformar simplicidade em profundidade. O álbum se constrói como poesia cotidiana, onde a melancolia ecoa de forma sensível e autêntica, sem nunca pesar. Tudo flui com suavidade em uma obra reconfortante, intimista e envolvente, que valoriza o minimalismo, sons mais sutis de guitarras e letras honestas sobre afeto, tempo e amadurecimento. Um verdadeiro tesouro da cena alternativa nacional.

No Escuro, Quem É Você? - Carol Biazin

(texto por Dandara Piedade)

Quem acompanha a Carol Biazin desde “Beijo de Judas” sabe que talento nunca faltou, mas ouvindo No Escuro, Quem É Você, fica ainda mais claro que o alcance que ela tem hoje é resultado de tudo o que ela vem construindo desde então. Com uma sonoridade madura e letras mais profundas e honestas, as 22 faixas apresentam a nossa versão favorita da cantora.

“Te Amo Sem Culpa” virou um verdadeiro hino de liberdade e aceitação. “Menina do Interior” faz a gente viajar no tempo com a Carol e admirar ainda mais tudo o que ela é e conquistou até aqui. “Amor Traumatizado” ganhou o Brasil inteiro (e o topo dos charts). Mas o melhor de tudo é que esse é um disco que dialoga com quem sempre esteve ali, fazendo dessa troca com os fãs uma parte essencial da própria obra.

Portal - Balu Brigada

(texto por Guilherme Santana)

Em Portal, os irmãos Henry e Pierre Beasley consolidam Balu Brigada como um dos nomes mais autênticos do alt-pop em 2025 ao fundir o brilho do indie pop com o rock alternativo. Construído ao longo de três anos entre a energia maníaca de Nova York, o pulso rítmico de Berlim e a serenidade rural da Nova Zelândia, o álbum é um exercício de dualidade: enquanto faixas como “So Cold” e “Backseat” entregam um groove assertivo, o encerramento com “Butterfly Boy” revela uma vulnerabilidade crua e introspectiva. Inteiramente auto produzido e pontuado por detalhes íntimos, o disco funciona como um registro sensorial da transição da dupla para o cenário global, provando que o "groove-pop" dos Beasley é sofisticado e humano.

The Art of Loving - Olivia Dean

(texto por Beatriz Amorim)

Se você ainda não conhece o trabalho de Olivia Dean, chegou a hora de conhecer! A cantora britânica, lançou seu segundo álbum de estúdio, The Art Of Loving em setembro, que chegou sendo aclamado pelo público e pela crítica. Com uma mistura de pop, soul e jazz, o disco explora e celebra as múltiplas faces do amor como o amor romântico, o amor próprio e até aqueles que terminam. Impossível não se apaixonar pela voz doce, sensível, mas potente da cantora. O sucesso do álbum, levou Olivia a ser indicada como “Artista Revelação” no Grammy 2026 e o hit mundial “Man I Need”, rapidamente entrou para o top 5 da Billboard Hot 100. Grandes destaques para os singles “Nice to Each Other” e So Easy (To Fall in Love) que são baladas que exploram seus reais sentimentos e vão te fazer querer cantar bem alto.

The Dream - The Favors

(texto por Guilherme Santana)

Estreando o projeto “The Favors”, FINNEAS e Ashe entregam em The Dream uma celebração nostálgica e tecnicamente impecável ao pop setentista. Gravado de forma orgânica, com vocais ao vivo e um entrosamento raro, o álbum resgata o calor das harmonias clássicas para emoldurar letras profundas. Entre o teatro musical de “The Hudson” e o folk melancólico de “Lake George”, a dupla (acompanhada por David Marinelli e Ricky Gourmet) constrói um refúgio sonoro que é, simultaneamente, aconchegante e devastador. É o tipo de disco que pede audição completa, transformando dramas cotidianos em hinos atemporais de amor e perda.

The Life of a Showgirl - Taylor Swift

(texto por Alícia Araújo)

Às vezes tudo o que a gente precisa é de um bom álbum para celebrar a vida do jeitinho que ela é! E é isso que Taylor Swift entrega com o álbum The Life of a Showgirl. Criado durante a leg europeia da The Eras Tour, o projeto encapsula muito bem o frenesi de enxergar o mundo como um mar de possibilidades, seja para amar, se reinventar ou simplesmente viver! Com melodias extremamente grudentas e produção radiofônica, Taylor, Shellback e Max Martin provam mais uma vez que o trio é especialista em integrar hinos instantâneos do pop. E para a gente só nos resta reconhecer o legado espetacular da cantora, afinal se até ela mesma canta “But I'm immortal now, baby dolls”, quem somos nós pra negar, não é mesmo?

Virgin - Lorde
(texto por Gabriel Bonani)

Após a maré tranquila, solar e contemplativa de Solar Power, Lorde nos surpreendeu com um disco mais urbano, moderno e deliberadamente ousado, marcado por inquietação e contraste. O álbum soa impulsivo e audacioso ao longo de sua jornada, percorrendo sem medo pela complexidade caótica de seus sentimentos aos lapsos mais introspectivos de sua persona. Através de versos diretos e reveladores, Virgin reafirma, acima de tudo, que a cantora neozelandesa está sempre em movimento e renovação constante, sempre transformando maravilhosamente seu desconforto em linguagem artística.

West End Girl - Lily Allen

(texto por Alícia Araújo)

Fofoca já é bom, agora fofoca musical é melhor ainda! O comeback da britânica Lily Allen trouxe tudo o que fez a cantora ser o que é: sinceridade visceral, ironia e deboche contra um homem médio. West End Girl tem como plano de fundo o divórcio com o ator David Harbour, passando pelo desgaste do casamento, a proposta de um relacionamento aberto e traições em série.

As situações narradas ao longo das 14 faixas intrigam, mas talvez o que mais chame a atenção seja a jornada em si. As micro agressões, as desconfianças, a manipulação e o cair da ficha levam por um caminho que te deixa tão devastada e irritada quanto a própria Lily Allen. O final pode até não ter aquele gostinho de volta por cima como desejamos, mas definitivamente foi um livramento!

Will You Haunt Me, With That Same Patience - Bury Tomorrow

(texto por Maria Eloisa Barbosa)

Will You Haunt Me, With That Same Patience, oitavo álbum de estúdio do Bury Tomorrow, traz o típico metalcore da banda britânica responsável por consagrá-la. Porém, em comparação, o disco soa muito mais honesto e profundo do que os antecessores. Produzido por Carl Bown, que já trabalhou com o Sleep Token e Bullet for My Valentine, o álbum traz temas envolvendo saúde mental, relacionamentos problemáticos e batalhas internas, envoltos por uma produção orgânica que mostra o melhor da dinâmica entre os vocalistas Daniel Winter-Bates e Tom Prendergast, parte da formação desde 2021. Inclusive, Dani, que cuida dos "unclean vocals", saiu da zona de conforto e quis arriscar em vocais "limpos" em faixas como "Found No Throne", "What If I Burn" e "Silence Isn't Helping Us". Diante de tais fatores, o disco, como publicado pelo artista, conseguiu uma recepção positiva do público e vendeu consideravelmente mais do que o anterior "The Seventh Sun" (2023).

Menções Honrosas

Por fim, mas não menos importante, deixamos também algumas menções honrosas para você que gostaria de se aprofundar ainda mais nos melhores discos do ano:

Addison - Addison Rae

Afim - Zé Ibarra

Assaltos e Batidas - FBC

Better Days - Yellowcard

Big Ole Album, Vol. 1 - A Day to Remember

CARO Vapor II - Don L

Caminhos Selvagens - Catto

Carranca - Urias

claraboia - ANAVITÓRIA

dois trabalhos - Juia

Essex Honey - Blood Orange

EUSEXUA - FKA Twigs

Everybody Scream - Florence and the Machine

Everest - Halestorm

Fancy That - PinkPantheress

For Melancholy Brunettes - Japanese Breakfast

I WANT MY LOVED ONES TO GO WITH ME - Noah Cyrus

Kicking My Feet - Ruel

km2 - Ebony

LOVED - Parcels

lost americana - mgk

Maravilhosamente Bem - Julia Mestre

Midnight Sun - Zara Larsson

Never Enough - Turnstile

private music - Deftones

Rock Doido - Gaby Amarantos

SABLE, fABLE - Bon Iver

Son Of Spergy - Daniel Caesar

That's Showbiz Baby - Jade

The Crux - Djo

Volume 1 - Jovens Ateus

Willoughby Tucker, I'll Always Love You - Ethel Cain

Lou Garcia e a Vibe Noturna do seu novo álbum "Literalmente Devaneios"!

noreply@blogger.com (Letícia Franca) — Wed, 19 Nov 2025 02:02:00 +0000

E aí, galera do Keeping Track! Começamos mais um bate-papo exclusivo por aqui e, olha, o papo de hoje foi daqueles que a gente ama: cheio de conceito, autenticidade e muita alma. Tivemos o prazer de conversar com a Lou Garcia, que acabou de lançar o álbum "Literalmente Devaneios" que está simplesmente incrível!

Trocamos uma ideia super descontraída com a artista sobre o novo trabalho, o crescimento do pop nacional e como é meter a mão na massa em cada detalhe da produção. Se liga nos melhores momentos dessa entrevista que está imperdível!

O Nascimento de um "Filho": Superando o Bloqueio Criativo.

A primeira coisa que fizemos, e com razão, foi parabenizar a Lou pelo álbum. E a gente sabe: não é só mais um disco. Quando perguntada sobre o significado desse trabalho, a Lou revelou que ele surgiu de uma fase de bloqueio criativo.

"Ver ele pronto assim, é como se eu realmente tivesse parido um filho." contou Lou.

A artista celebra a boa recepção e a chegada de um público novo, um fenômeno que ela atribui à natureza mais abrangente do pop. Ainda assim, ela faz questão de manter a bandeira: apesar do flerte com o pop nacional, a essência alternativa que a acompanha desde o "KARUMA" está mais do que presente neste novo trabalho.

Vibe Noturna e Devaneio: As Referências de Lou

Se você acompanha a Lou, sabe que ela adora um conceito. Entretanto, a artista nos surpreendeu ao dizer que não houve uma referência artística específica. O processo foi mais orgânico, um "devaneio" noturno no estúdio, guiado pela vibe etérea e misteriosa da noite.

Inspirações Musicais: Ela mencionou artistas que curte, como Caroline Polachek e sua banda favorita, The Neighbourhood (que, inclusive, está em comeback!).

O Conceito é o Sentimento: A verdadeira inspiração foi o mood , a busca por músicas que transmitissem o sentimento através dos arranjos, sintetizadores e instrumentais. O objetivo era criar algo que fosse sentido, não apenas escutado.

A Frase que Virou História: Solidão com Vista Pro Mar

Um dos elementos mais intrigantes do álbum é o uso de um verso de Marina Lima logo na abertura: "Tudo que eu posso te dar é solidão com vista pro mar."

Lou contou que a frase a atingiu de forma inesperada. Ela se identificou com a melodia e, a partir dali, viu uma oportunidade de criar uma narrativa complexa:

"Eu pensei, tá, o que a gente pode fazer então? E se essa frase for uma frase da Lua falando, me respondendo pro que eu tô falando."

Essa ideia deu origem a uma história de triângulo amoroso entre o Sol e a Lua, o claro e o escuro, criando o tom dos opostos que permeia todo o disco.

A Saga do Controle Total: "Gente, o que é isso? Você é louca?"

A Lou não é só a voz: ela é a mente por trás de tudo! Ela revelou a necessidade de estar envolvida "em tudo, absolutamente tudo", desde a sonoridade até os conceitos visuais, para garantir que o resultado seja 100% autêntico.

Esse controle gerou muitos "recalls" (mudanças e refações). O álbum, inclusive, quase foi lançado só em janeiro! Mas a paixão pela produção e o toque final foram essenciais.

A artista revelou que é super sagitariana e muda muito, então quando perguntada: como a Lu do presente avaliaria a Lou do início do processo? A resposta é hilária:

"Eu acho que ela falaria, gente, o que é isso? (...) Gostei. Ao mesmo tempo que ia ter aquela coisa, tipo assim, que isso? Você é louca? Eu amo!"

Um mix de autocrítica e orgulho que só uma artista que se transforma constantemente pode ter!

A Essência Baiana Encontra o Pop

O álbum é uma obra de fusão musical, unindo R&B, indie pop, funk e ritmos nordestinos. A razão é simples: Lou é de Salvador!

"Eu cresci, assim, escutando o barzinho de esquina, tocando piseiro, tocando arrocha (...) Eu pensei... Como que eu não vou trazer isso, só que do meu jeito?"

Ela sentiu que era o momento de trazer essa essência baiana que nunca havia explorado em trabalhos anteriores. O resultado é o pagode baiano alternativo em "Escandalizar" e a mistura de piseiro com pop dos anos 2000 em "Magia". Uma prova de que regionalismos e referências globais podem (e devem!) andar juntos.

Pop Nacional: Tem Espaço Pra Todo Mundo!

O papo ficou mais sério quando trouxemos a dor dos novos artistas no pop nacional, que muitas vezes sofrem com a falta de abertura do público, que centraliza tudo em "gigantes". Lou foi enfática ao lamentar a falta de receptividade do público com novos nomes.

"A galera não aceita que tem pessoas novas... É até como se o fato de existir pessoas novas fosse tirar alguém de algum pedestal. Ou, ah, eu tenho minha favorita. Essa é minha favorita do pop. Então, não pode surgir alguma outra do pop que vai ocupar esse espaço, porque eu já tenho essa favorita. E isso faz com que não se abram para escutar pessoas novas."

Ela lembrou que o mainstream se nutre de artistas menores e que o Brasil, com sua diversidade, tem espaço para todos. O apelo é claro: abram-se para o novo! E para os artistas que estão começando, a mensagem é de resiliência: não desistam.

Próximos Passos: "Magia" e a Turnê que Vai Rodar o Brasil!

Para fechar, a pergunta que não quer calar: qual a música que a representa agora? A resposta é "Magia", uma faixa que ela coescreveu com seu namorado e que se tornou um guilty pleasure pessoal.

E sim! Os fãs podem esperar a turnê! A equipe já está organizando os shows para levar o álbum "para o mundo".

Agradecemos imensamente a Lou pela disponibilidade e pela conversa tão rica! O álbum está um sucesso, e desejamos que essa fase de "mudar e amar a própria loucura" continue inspirando a todos!

E aí, você já escutou o álbum? Qual a faixa que mais te pegou? Deixe seu comentário e compartilhe essa matéria com os amigos!

Power trio feminino INOUTSIDE lança clipe da música “Whose blood is that?”

noreply@blogger.com (Dandara Piedade) — Sun, 17 Aug 2025 02:00:00 +0000

As meninas do Inoutside lançaram o videoclipe do single “Whose blood is that?”, que faz uma crítica à opressão policial. Gravado na Fábrica de Tecidos São João Evangelista, em Juiz de Fora (MG), o clipe traz cenas da banda de rock performando o single, que está no álbum de estreia “Dare The Night”, lançado em 2022.

“Whose blood is that?” trata, principalmente, sobre a violência policial seletiva e a impunidade a favor da elite, e de como a mídia aborda e reforça essa discrepância. “A faixa ‘Whose blood is that?’ é um protesto, mas, acima de tudo, é um desabafo de quem se sente impotente diante de um sistema tão cruel e fortemente consolidado e protegido. Entretanto, a banda e a canção reconhecem que nós, como coletivo, temos um papel crucial para que haja qualquer mudança nessa cultura que culmina em um genocídio normalizado. Como sociedade que perpetua essa barbárie de alguma forma, também temos nossas mãos sujas de sangue”, compartilha Mariana Campello, voz e guitarra no grupo que também assina a produção e direção do vídeo.

Inoutside é um grupo de rock alternativo autoral composto Mariana Campello (guitarra e voz), Leticya (bateria) e Bruna Odas (baixo e voz), todas mulheres LGBTQIA+. Com uma sonoridade intensa e visceral, o trio apresenta letras que abordam temas sociais, culturais, desigualdade, preconceitos, feminismo e o próprio ser artista em meio ao capitalismo. Fundada em 2012, na cidade de Vitória (ES), o grupo migrou para Juiz de Fora (MG) e hoje é referência na cidade por ser a única banda de rock autoral formada apenas por mulheres.

Confira o clipe de "Whose blood is that?":

Avantasia, W.A.S.P., Kerry King e mais: veja como foi o último dia de Bangers Open Air

noreply@blogger.com (Maria Eloisa Barbosa) — Mon, 05 May 2025 01:42:00 +0000

Créditos: Marcos Hermes | MHermes Arts | Bangers Open Air

O Bangers Open Air 2025 chegou ao fim. Neste domingo (4), ocorreu no Memorial da América Latina, em São Paulo, o terceiro e último dia do festival, descrito como o maior voltado ao metal da América Latina.

Além das apresentações, o evento trouxe sessões de autógrafos com algumas atrações, uma exposição de terror e diversas lojas temáticas, incluindo até um estúdio de tatuagem, proporcionando uma experiência completa para o público. E atenção: a edição de 2026 já está confirmada para os dias 25 e 26 de abril.

Confira a seguir um resumo das principais performances!

Paradise Lost

O Paradise Lost teve a difícil missão de manter o público engajado sob um sol intenso. Ainda assim, a banda entregou um show poderoso, destacando-se especialmente nas últimas músicas do setlist. O repertório incluiu o clássico cover de "Smalltown Boy", do Bronski Beat, "The Last Time", que levou os músicos de volta a 1995, como destacou o vocalista Nick Holmes, e "No Hope in Sight", ironicamente descrita pelo cantor como uma faixa para trazer "energia positiva".

"É um prazer estar de volta a São Paulo. Esperamos vê-los novamente", declarou antes da saideira "Say Just Words", que fez a plateia bater palmas em sincronia.

Kamelot

Após tocar seus maiores sucessos no sábado (3), o Kamelot voltou ao palco devido ao cancelamento do I Prevail. Desta vez, no entanto, o grupo trouxe um setlist diferente, com "lados B" de sua discografia, conforme anunciado.

Em partes, a apresentação não contou com tantas diferenças. Por exemplo, o bumbo da bateria continuou ostentando a bandeira brasileira, enquanto o vocalista Tommy Karevik também começou a apresentação mascarado - ressaltando o sol, que, para ele, como sueco, era incomum. Certas faixas apareceram novamente, incluindo "Insomnia", "New Babylon", "March of Mephisto", com pedidos de mosh-pits, e "Forever", com trechinho de "We Will Rock You", clássico do Queen. Mas, desta vez, a cantora feminina de apoio Adrienne Cowan participou do set, dividindo o posto com Melissa Bonny - que, apesar de ter entrado antes da hora em uma das faixas, entregou novamente uma performance impecável . Além disso, de modo geral, os elementos teatrais ficaram mais de lado.

Sobretudo, o setlist pareceu muito mais fluido do que o anterior, principalmente pela inclusão de canções como "Phantom Divine (Shadow Empire)", "The Human Stain" e "Center of the Universe", que, nas palavras de Tommy, os fãs brasileiros com certeza conheciam.

"Não sou muito bom falando português, mas vou tentar", disse o cantor antes de "Rule the World", pronunciando em português "façam barulho para o Kamelot". "Se você nasceu nesse lindo pais, nasceu pra ir a shows de metal", repetiu assim como na noite passada. A instrumental "Continuum" nas caixas de som, com os membros jogando baquetas e até o setlist, encerrou com maestria a participação do Kamelot no Bangers Open Air.

Kerry King

Kerry King, lendário guitarrista do Slayer, fez sua estreia como artista solo no Brasil. Ao lado de uma banda de peso — Paul Bostaph (bateria), Mark Osegueda (vocal), Phil Demmel (guitarra) e Kyle Sanders (baixo) — alternou entre músicas do primeiro álbum solo "From Hell I Rise" (2024) e clássicos do grupo que o consolidou, estampados nas camisetas de vários fãs.

"Diablo", nas caixas de som, preparou o terreno para a entrada dos músicos. Sem dúvida, a presença imponente de Kerry, com sua já conhecida barba, tatuagens e correntes na calça de couro, impactou todos os presentes.

Apesar de uma pequena falha no microfone de Mark em "Rage", segunda faixa, o show transcorreu sem maiores problemas. Logo, o artista pronunciou um "obrigado" em português e descreveu a plateia como "brilhante pra caralh*", agradecendo a energia e paixão. "Esse é o nosso primeiro show no Brasil, vamos fazer história".

"Disciple", com o público cantando junto e recebendo elogios do vocalista, trouxe o primeiro grande momento do set. Posteriormente, em tributo ao Paul Di'Anno, primeiro cantor do Iron Maiden que recentemente nos deixou, o grupo tocou "Killers", da Donzela de Ferro, seguida de "Shrapnel", descrita como uma música sobre guerra.

Mosh-pits em absolutamente todas as áreas, sinalizadores e uma energia completamente caótica marcaram então "Raining Blood", clássico do Slayer, entremeado ainda com "Black Magic". Provavelmente, a performance mais insana de todo festival. "Nós voltaremos", prometeu Mark, antes de pedir para o chão tremer na saideira "From Hell I Rise", com direito a muitas palhetas e baquetas jogadas ao fim.

Blind Guardian

Atração da primeira edição do Bangers Open Air em 2023, o Blind Guardian, que entrou de última hora no lineup, voltou ao festival no que foi sua primeira apresentação de 2025. Gigantes do power metal, Hansi Kürsch (voz), André Olbrich (guitarra), Marcus Siepen (guitarra), Frederik Ehmke (bateria), Johan van Stratum (baixo) e Michael Schüren (teclados) lotaram o Hot Stage, com inúmeros fãs ostentando camisetas da banda.

"Não esperava voltar ao Brasil tão cedo", brincou Hansi. "O que vocês não sabem é que hoje é uma festa de aniversário. Tecnicamente, o aniversário dele foi ontem", disse a respeito de André, que completou 58 anos no último sábado (3). Pouco depois, o cantor, carismático, prometeu uma noite muito especial, com "canções especiais", e, ao dizer que tocariam uma musica que não costuma aparecer com frequência, ouviu gritos entusiasmados da plateia com o anúncio de "Mordred's Song", sumida dos repertórios desde 2020, segundo o Setlist.fm.

"Vocês são loucos pra caralh*, São Paulo", disse em meio ao set, elogiando a dedicação dos brasileiros e sempre fazendo uma pequena introdução falada antes de cada música. Por exemplo, para elogiar a capital paulista, disse que a plateia tinha "Bright Eyes".

"The Bard's Song - In the Forest", com parte dos fãs cantando a letra sozinhos, atuou como a protagonista do set, ao lado de "Valhalla", com o público entoando a letra por cima do instrumental ao final. Sobretudo, o repertório contou ainda com faixas como "Mirror Mirror", "And The Story Ends" e "Time Stand Still (At The Iron Hill)".

W.A.S.P

Com "The End", do The Doors, e um remix de sucessos, Blackie Lawless (voz e guitarra), Doug Blair (guitarra), Mike Duda (baixo) e o brasileiro Aquiles Priester (bateria) já entraram com o pé na porta executando "I Wanna Be Somebody", que deu uma prévia do que estava por vir: o grupo, de fato, executou seu álbum de estreia homônimo de 1984 na íntegra. Lawless, com a cabeleira preta, botas de cano alto brancas com franjas e uma camiseta da própria banda, foi o tempo inteiro tratado como entidade pelos fãs, independente das bases pré-gravadas.

Aumentando a conexão, antes de "B.A.D.", o músico contou uma pequena história sobre como no início da carreira entrou em contato com vários promotores, que pareciam não acreditar em sua visão. Assim, deixou claro que as pessoas podem não crer em você, mas que "milagres podem acontecer".

Prestes a entoar "On Your Knees" (com Mike também protagonizando vocais), o artista aparentemente deu uma bronca em alguém que estava na grade, perguntando se a pessoa em questão havia comprado ingresso para estar no festival porque não deveria estar ali. Apesar do "climão", o setlist seguiu normalmente, passando para "Tormentor" com cenas do clipe da faixa no grande telão posicionado ao fundo do palco, retiradas da participação no longa-metragem “The Dungeonmaster” (1984).

Surpreendendo, Aquiles, que entregou um show à parte, também foi à frente para discursar, agradecendo a "cada um que mantém a chama do metal acesa" e ao festival por organizar uma noite "tão especial", afirmando que escolheu falar com o “seu povo” em vez de fazer um solo de bateria: “Assim como vocês, eu também tinha sonhos. Foi assim que eu conheci o W.A.S.P., quando eles estavam fazendo uma excursão com o Iron Maiden, então eu estar em cima desse palco, tocando para todos vocês, com essas lendas do metal, é um grande sonho que se torna realidade e vocês são responsáveis por isso também”.

Avantasia

Outro conhecido do festival que retornou é o Avantasia. Como divulgado, o projeto de Tobias Sammet realizaria neste domingo (4), pela primeira vez, um show “full set” e com produção completa na América Latina. E realmente: o palco impressionou, com o telão ao fundo composto por diferentes animações, um aparato de luzes de LED, além de um cenário com muros e um portão.

Uma das marcas da banda é a participação de vocalistas convidados, além do líder e das cantoras de apoio Chiara Tricarico e Adrienne Cowan. Sendo assim, subiram também ao palco Tommy Karevik (do Kamelot), Eric Martin (do Mr. Big) e Ronnie Atkins (do Pretty Maids).

Rolou até mesmo um encontro inédito com Jeff Scott Solo, conhecido pelo trabalho com nomes como Yngwie Malmsteen, Talisman e Journey. Depois de anos tentando viabilizar tal parceria, o cantor, que já tinha uma série de compromissos agendados no Brasil, entoou ao lado dos colegas “Shelter from the Rain” e “Farewell”.

Ao fim, depois de reunir todos nos palco de maneira emocionante, o Avantasia fechou o Bangers Open Air ao transmitir a simples e impactante mensagem no telão: "obrigado Brasil".

Sabaton, Saxon e mais: tudo que aconteceu no segundo dia de Bangers Open Air

noreply@blogger.com (Maria Eloisa Barbosa) — Sun, 04 May 2025 13:46:00 +0000

Créditos: Rapha Garcia | MHermes Arts | Bangers Open Air

O segundo dia do Bangers Open Air 2025, realizado neste sábado (3), no Memorial da América Latina, em São Paulo, foi marcado por grandes apresentações. Com direito à pirotecnia, discursos emocionados e fãs de diferentes gerações, o line-up trouxe desde lendas do heavy metal até novos representantes do power metal.

Confira um resumo das principais apresentações abaixo!

Sonata Arctica

Uma verdadeira multidão se aglomerava no Hot Stage quando Tony Kakko (vocal), Elias Viljanen (guitarra), Pasi Kauppinen (baixo), Henrik Klingenberg (teclado) e Tommy Portimo (bateria) subiram ao palco pontualmente às 15h20. Mesmo sob um sol escaldante, os músicos pareciam não se incomodar — especialmente Tommy, que vestia uma regata do Kiss nas cores verde e amarela.

Logo após Tony declarar o quanto era bom estar de volta ao Brasil, a banda protagonizou um dos momentos mais marcantes de todo o festival com “I Have a Right”, que incluiu até um trecho a capela. A emoção se repetiu em “Replica”, com os integrantes tirando uma foto juntos antes da execução e Tony cantando o início sentado, e também em “FullMoon”, com o público entoando toda a primeira parte sozinho porque “soaria lindo”, segundo o vocalista. E realmente soou.

Aproveitando a recepção calorosa, Tony fez um discurso importante. Ao agradecer ao público por adquirir ingressos para o evento, prestou homenagem às gerações passadas — “sem elas, nada disso seria possível” — e pediu que a plateia “apoie esse local de shows, aproveitem música ao vivo, continuem mantendo a música ao vivo viva”.

“Don't Say a Word”, com o vocalista explorando expressões faciais, e a divertida “Vodka” encerraram aquela que já pode ser considerada uma das melhores apresentações do Bangers Open Air. Ao som do tema da série “Irmãos de Guerra”, o Sonata Arctica fez uma despedida quase cinematográfica, com reverências na frente do palco e a promessa de que querem voltar ao Brasil.

Kamelot

Escalado para dois dias do Bangers Open Air após o cancelamento do I Prevail, o Kamelot garantiu que apresentaria os maiores sucessos de sua carreira neste sábado (3) — e cumpriu a promessa.

Famosa por sua teatralidade, a banda apostou em diversos elementos cênicos. O vocalista Tommy Karevik iniciou “Veil of Elysium” encapuzado, revelando o rosto apenas na segunda música. Em “Center of the Universe”, usou uma máscara; já em “New Babylon”, mulheres com capas vermelhas subiram ao palco para compor o cenário. Em “One More Flag in the Ground”, Karevik ainda empunhou uma bandeira do Brasil, também estampada no bumbo da bateria.

“Vocês estão aqui para festejar. Se você nasceu em São Paulo, nasceu para ir a shows de metal”, brincou o cantor, sempre elogiando a plateia. Em algumas músicas, a banda contou com o reforço da vocalista de apoio Melissa Bonny, ovacionada pelo público diante de sua impressionante potência vocal.

Para animar ainda mais os fãs, houve um solo de bateria enquanto “Tom Sawyer”, clássico do Rush, tocava nas caixas de som. Também com uma saída digna de cinema, a instrumental “Continuum” fechou a apresentação, com palhetas distribuídas à plateia.

Saxon

Ícones da New Wave of British Heavy Metal (NWOBHM), o Saxon entregou exatamente o que os fãs esperavam: um show lendário. Biff Byford (vocais), Nigel Glockler (bateria), Brian Tatler (guitarra), Doug Scarratt (guitarra) e Nibbs Carter (baixo) demonstraram por que continuam sendo um dos nomes mais relevantes do gênero, independentemente da idade.

Diante de um dos maiores públicos do Hot Stage, a banda apostou em um setlist poderoso (apesar de curto devido ao tempo limitado), com faixas como “Hell, Fire and Damnation”, “Power and the Glory”, “Madame Guillotine” e “Heavy Metal Thunder”. Repetidas vezes, Biff perguntou como a plateia estava e, em uma das interações mais marcantes do festival, recebeu dois coletes com patches de fãs — usoando um deles, com referências a bandas como AC/DC e Accept, durante “Denim and Leather”. Ao vivo, a canção soa ainda mais intensa, com o público assumindo parte dos vocais e elevando a energia.

Ao fim da faixa, o vocalista assinou a peça de roupa e o devolveu ao admirador, arrancando risadas. Mais perto do fim, em “Wheels of Steel”, filmou a plateia com seu celular e deixou uma promessa: “Vamos ver vocês de novo muito em breve”.

Powerwolf

Formado em 2003, o Powerwolf provou seu impacto após duas décadas de carreira. Na espera pelo show, era possível ver desde um garoto de cerca de 10 anos colado à grade lateral com o avô até um homem fantasiado com uma máscara de lobo, apelidado de “lobinho” pelo público, ansioso pela performance.

Sem dúvida, o grupo trouxe um dos palcos mais imponentes do festival: plataformas inspiradas na arquitetura gótica, um pedestal em forma de adaga com cruz, além de um escudo posicionado nas laterais. Ao som de “Bless ’em With the Blade”, Attila Dorn (vocais), Falk Maria Schlegel (teclados), Markus Pohl (substituindo Matthew Greywolf na guitarra), Charles Greywolf (baixo) e Roel van Helden (bateria) entraram em cena com pinturas faciais e roupas escuras.

Não demorou para que Attila agradecesse à recepção calorosa e mencionasse que essa era apenas a segunda passagem do grupo pelo país e que queriam “celebrar o sagrado heavy metal”. “São Paulo é louca e totalmente possuída pelo heavy metal”, brincou.

Para além da posição de tecladista, Schlegel era quase um animador de plateia. Fazia gracinhas, pulava, dançava com o vocalista, pegava bandeira e gesticulava com o público ao longo de todo set.

Tanto “Armata Strigoi” quanto “Werewolves of Armenia” tiveram dinâmicas legais com o público, que pôde cantar partes específicas da letra junto ao grupo e obedecer os comandos do cantor. Em “Dancing With the Dead”, o vocalista pediu até para que os fãs “mexessem os quadris um pouco” porque era a hora de dançar.

Diante de tanta empolgação e da quantidade de gente amontoada em todas as áreas só para ver o Powerwolf, Dorn prometeu que voltarão. Finalizando, “Wolves Against the World” nas caixas de som deixou um gostinho de quero mais, mesmo após 1h15 de apresentação.

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Sabaton

Headliner do dia, o Sabaton trouxe um grande espetáculo para o Bangers Open Air. Joakim Brodén (voz), Chris Rörland (guitarra), Tommy Johansson (guitarra), Pär Sundström (baixo) e Hannes Van Dahl (bateria) entraram com suas características calças com estampa militar e executaram “Ghost Division”, a primeira do set, com fogos saindo do palco. Num geral, a performance inteira contou com muita pirotecnia: chamas, fumaças e até o que pareciam sinalizadores em “Night Witches”.

“Acho que deveríamos tocar aqui com mais frequência. É muito bom estar de volta na América Latina. Sentimos falta de vocês. Todas as vezes que viemos para cá, fico impressionado. É sempre melhor, mais feroz e mais louco”, pronunciou o vocalista em diferentes momentos. Apesar da pose tida como “temível” para alguns, o cantor fez inúmeras gracinhas, desde deixando palhetas na careca em “Bismarck” até pegando uma guitarra cor de rosa da Hello-Kitty para tocar o riff de “Master of Puppets”, do Metallica, entremeado com “Resist and Bite”.

Sobrou espaço para “Stormtroopers”, descrita como uma “música mais rápida”, “Carolus Rex”, cantada em sueco, e “Soldier of Heaven”, uma das partes favoritas do show para Brodén, segundo o próprio. “Christmas Truce” teve ainda o público ligando as lanternas, proporcionando emoção ao repertório, encerrado com “To Hell and Back”.

Bangers Open Air: confira tudo o que rolou no primeiro dia de festival

noreply@blogger.com (Maria Eloisa Barbosa) — Sat, 03 May 2025 14:09:00 +0000

Créditos: Diego Padilha | MHermes Arts | Bangers Open Air

Começou oficialmente o Bangers Open Air 2025. Anteriormente chamado de Summer Breeze Brasil, o festival deu largada nesta sexta-feira (2), com uma espécie de “esquenta” no Memorial da América Latina, em São Paulo.

Por se tratar de um warm-up, a programação iniciou às 15h e não contou com atrações nos palcos Sun Stage e Waves Stage. Ainda assim, o lineup trouxe grandes nomes e já deu um gostinho do que esperar nos próximos dias. Ao longo da tarde, a organização chegou a confirmar a edição de 2026 por meio dos telões.

Kissin’ Dynamite e Dogma ficaram responsáveis por abrir as atividades. Então, pontualmente às 17h10, o Armored Saint subiu ao palco Ice Stage.

John Bush (voz), Phil Sandoval e Jeff Duncan (guitarras), Joey Vera (baixo) e Gonzo Sandoval (bateria) fizeram no evento um dos poucos compromissos que terão no ano, já que o foco da banda é a gravação do próximo disco de estúdio, sucessor de "Punching The Sky" (2020). Inclusive, o próprio vocalista mencionou durante a performance que o grupo prepara seu primeiro álbum em seis anos, previsto para o ano que vem.

Apesar de problemas com o som, John não deixou de sorrir para a plateia em nenhum momento e fez questão de interagir sempre que possível. Usando uma camiseta do Funkadelic, chamou o Brasil de “lindo país”, perguntou se o público estava animado com a “pré-festa” do festival, pronunciou muitos “obrigado” em português e ainda incentivou os fãs a mostrarem suas habilidades de dança em “The Pillar”, dizendo: “Vocês são dançarinos na América do Sul, todos têm alma em seu país e continente”.

Entre os maiores destaques estiveram “Left Hook From Right Field”, que rendeu uma troca de risadas entre o vocalista e Jeff nos primeiros minutos, “Standing on the Shoulders of Giants”, tocada pela primeira vez no país, e “Can U Deliver”, com John descendo para o meio do público e sendo literalmente abraçado pela galera.

Pouco depois, foi a vez do Pretty Maids fazer sua estreia no Brasil. Ronnie Atkins (voz), Ken Hammer (guitarra), Chris Laney (guitarra e teclado), René Shades (baixo) e Allan Tschicaja (bateria) entraram como se já fossem velhos conhecidos do público brasileiro, ao som da intro de “Mother of All Lies”.

Logo de cara, era impossível não reparar na cartola de René, na característica maquiagem de Ronnie ou na camiseta de Allan, do festival Copenhell, e em sua bandana. Não demorou para que o vocalista arriscasse um “boa noite, São Paulo, tudo bem?” em português e elogiasse: “É fantástico estar no Brasil. Em 43 anos, nunca tínhamos tocado nesse lindo país”.

“Please Don't Leave Me”, dedicada a John Sykes, foi um dos momentos mais emocionantes da noite, assim como “Little Drops of Heaven”, que deu uma desacelerada no ritmo, e a icônica “Future World”, que Ronnie já havia adiantado que o público reconheceria pela introdução. Afirmando que os fãs eram “muito altos”, prometeu que a banda voltará “o mais rápido possível”.

Depois, foi a vez da Metal Queen agitar o Bangers Open Air: Doro. Apostando em clássicos do Warlock, banda que integrou na década de 1980, a rainha alemã do metal incendiou o local com faixas como “I Rule the Ruins”, “Earthshaker Rock”, “Metal Racer”, “Hellbound” e “Burning Witches”. Era possível ver mosh pits na pista e uma plateia totalmente engajada durante o set.

Além do repertório poderoso, a cantora também conquistou pelo carisma e simpatia — especialmente falando em português — e pelo visual característico, sempre balançando a cabeleira loira e sorrindo. Ainda houve espaço para uma homenagem com o clássico do Judas Priest, “Breaking the Law”.

Por fim, Glenn Hughes — que, ao que tudo indica, em breve dará início à turnê de despedida "The Chosen Years" — fechou o warm-up com chave de ouro. Conhecido por ter registrado os álbuns "Burn (1974), "Stormbringer" (1974) e "Come Taste the Band" (1975), do Deep Purple, o baixista e vocalista dedicou o set exclusivamente a canções da banda, com longos trechos instrumentais, deixando de lado sua trajetória no Black Sabbath, Trapeze e outros projetos. E, claro, ninguém reclamou: como não curtir “Burn” e “Stormbringer”, ainda mais com a potência vocal do artista aos 73 anos?

De certa forma, a apresentação parecia marcar um recomeço: o novo visual imponente e sóbrio do músico — sem os cabelos longos, usando óculos escuros e roupas pretas — adotado recentemente, sinaliza um novo capítulo. Ao mesmo tempo, foi também o fim de uma era, já que, segundo o próprio músico no palco, os próximos shows não terão mais foco na discografia do Deep Purple.

Bangers Open Air 2025: tudo que você precisa saber sobre o festival

noreply@blogger.com (Maria Eloisa Barbosa) — Wed, 09 Apr 2025 15:35:00 +0000

O Bangers Open Air, maior festival de metal da América Latina, está chegando! Celebrando diferentes vertentes do rock e metal, a terceira edição do antigo Summer Breeze acontecerá nos dias 2 (Warm-Up), 3 e 4 de maio, no Memorial da América Latina, em São Paulo. Confira tudo que você precisa saber abaixo:

Mudança de nome

Como mencionado, anteriormente, o festival era chamado de Summer Breeze Brasil. Porém, no início de setembro, a organização divulgou a mudança para Bangers Open Air. Um comunicado explicou à época:

"Essa decisão foi tomada após uma análise cuidadosa de metadados sobre o mercado de entretenimento mundial e considerações estratégicas sobre a presença da marca em territórios internacionais, mas asseguramos a todos que a essência do festival, suas raízes europeias, seu compromisso com a qualidade e sua dedicação aos fãs de metal permanecem inalteradas."

Line-up e horários

Assim como todos os anos, o festival abrange uma diversidade de bandas dentro da música pesada. Há artistas orientados ao hard rock, metalcore, power metal, thrash metal e muito mais. Veja o line-up completo dividido por dias, palcos e horários:

2 de maio (sexta-feira)

Abertura dos portões: 15h

Ice Stage

15h10: Kissin’ Dynamite
17h10: Armored Saint
19h25: Doro

Hot Stage

16h10: Dogma
18h15: Pretty Maids
20h35: Glenn Hughes

3 de maio (sábado)

Abertura dos portões: 10h

Ice Stage

12h10: Burning Witches
14h30: Municipal Waste
16h30: Kamelot
18h50: Powerwolf

Sun Stage

12h10: Viper
14h10: Dynazty
15h50: Matanza Ritual
17h20: Ensiferum
19h: Dark Angel
20h30: Lacrimosa

Waves Stage

12h: School of Rock
13h20: New Blood
14h30: Gloria Perpetua
15h40: Válvera
16h50: Malefactor
18h10: Pressive
19h30: Carro Bonba
20h50: Dream Spirit

Hot Stage

13h: H.E.A.T.
15h20: Sonata Arctica
17h40: Saxon
20h15: Sabaton

4 de maio (domingo)

Abertura dos portões: 10h

Ice Stage

11h50: Beyond The Black
14h05: Paradise Lost
16h25: Kerry King
18h45: WASP

Sun Stage

12h: Black Pantera
13h30: Dorsal Atlântica
15h: Vader
16h30: Haken
18h10: Nile
20h15: Destruction

Waves Stage

12h: School of Rock
13h20: HatefulMurder
14h30: RJD Tribute
15h40: Ready To Be Hated
17h: Hibria
18h20: Maestrick
19h40: Warshipper
20h50: The Heathen Scythe

Hot Stage

12h55: Lord of The Lost
15h15: I Prevail
17h30: Blind Guardian
20h10: AVANTASIA

Ingressos

Os ingressos estão à venda no site do Clube do Ingresso. Desconsiderando taxas, as principais modalidades são as seguintes:

Warm-Up (válido para o esquenta no dia 2): R$ 445 (meia-entrada), R$ 495 (social) ou R$ 890 (inteira)
Bangers Card (válido para um dia): R$ 575 (meia-entrada), R$ 625 (social) ou R$ 1150 (inteira)
Banger Pass (válido para os três dias): R$ 1425 (meia-entrada), R$ 1475 (social) ou R$ 2850 (inteira)

Outras atividades

Relembre as edições passadas

Primeira edição - 2023 (primeiro e segundo dia)
Segunda edição - 2024 (primeiro dia, segundo dia, terceiro dia)

EXCLUSIVO: confira o faixa a faixa do álbum de estreia de Coisa Nossa, duo formado por João Mantuano e RAYA!

noreply@blogger.com (Gabriel Bonani) — Thu, 05 Dec 2024 20:58:00 +0000

Coisa Nossa, álbum de estreia da dupla formada por João Mantuano e RAYA, mistura folk, marchinha e ritmos brasileiros em uma viagem sonora que celebra encontros, raízes e a busca pela brasilidade. O disco, que sai pelo selo Toca Discos, traz 11 faixas compostas a partir da afinidade entre os dois artistas, e a produção que junta referências musicais diversas com uma pegada intimista e expansiva ao mesmo tempo. Para celebrar esse lançamento tão especial, exploramos cada música e os tesouros escondidos por trás deste projeto. Vem com a gente!

Confira o faixa a faixa:

1. Coisa Nossa

A faixa-título abre o disco com um olhar sobre a intimidade e a simplicidade do encontro entre duas pessoas. A canção celebra a beleza das pequenas coisas e o poder de um relacionamento que, ao se fortalecer, expande seus horizontes e conecta mais pessoas. A sonoridade é uma fusão do clássico samba de João Gilberto com o frescor e a energia dos Novos Baianos, criando uma atmosfera de acolhimento e brasilidade.

2. Diferentes Semelhanças

A primeira composição conjunta de João Mantuano e RAYA fala sobre as oposições que, ao mesmo tempo, unem os indivíduos. É uma música que propõe uma reflexão sobre como as diferenças podem ser abraçadas e como elas, no fundo, se encontram em semelhanças. “Diferentes Semelhanças” é quase um manifesto sobre o olhar empático, inspirado pela ideia de que, como dois lados de um rio, a diversidade é fonte de riqueza.

3. Ouro

A canção mais política do álbum, “Ouro” traz um recado crítico sobre os desafios enfrentados pelos artistas em busca de reconhecimento e autenticidade. Com toques de ironia, a música faz uma reflexão sobre o preço do sucesso e a busca por brilho, muito inspirada na irreverência e espírito de resistência dos Mutantes. A letra alerta sobre as armadilhas de se deixar seduzir pelas aparências e pelas promessas fáceis do mercado.

4. Arrebol

“Arrebol” é uma declaração de amor e pertencimento. Interpretada por João Mantuano, a música tem uma pegada folk americana, mas com forte base no ritmo brasileiro, combinando o pandeiro e o derbak para criar uma sonoridade única. A letra fala da conexão profunda entre dois indivíduos, de como esse encontro se alimenta da energia da terra, do céu e do amor compartilhado.

5. Rouxinol

Em resposta a "Arrebol", RAYA canta "Rouxinol", uma música que segue a mesma linha de amor, mas com uma perspectiva feminina. Suavemente melancólica, a canção é uma continuação da exploração do encontro entre dois seres, trazendo uma sensibilidade mais introspectiva. A presença do "rouxinol" é uma metáfora para a beleza do amor que se desabrocha, como um canto suave ao vento.

6. Cidade Alta

Inspirada pelo bairro carioca de Santa Teresa, onde João Mantuano mora, “Cidade Alta” reflete sobre a visão privilegiada de quem observa a cidade de cima. A música tem um toque de melancolia, mas também de esperança, como quem sabe que, por mais que a vida seja cheia de subidas e descidas, sempre há espaço para os reencontros e as descobertas, especialmente naquelas ruas que nos são queridas.

7. Love Livre

A energia do carnaval carioca se faz presente nesta marchinha que celebra a liberdade do amor nas ruas, no samba e na folia. Com um ritmo de ska e a guitarra baiana marcando presença, "Love Livre" é uma verdadeira explosão de alegria e festa, trazendo a leveza e o espírito livre dos blocos de rua, onde todos são bem-vindos e podem expressar-se com intensidade.

8. Mata Escura

Com uma sonoridade mais introspectiva, “Mata Escura” fala sobre a esperança de um futuro melhor, inspirado pela pureza de um olhar inocente e uma visão renovadora da vida. A canção tem algo de delicado e acolhedor, como um abraço que oferece segurança e uma visão positiva do amanhã, como o nascimento de uma nova consciência.

9. Pétala Branca

“Pétala Branca” é uma ode à delicadeza do amor e da natureza. Com pouco mais de dois minutos de duração, a faixa traça um retrato sensível e simples sobre a fragilidade do afeto, abordando o amor como algo puro e misterioso, comparando-o a uma pétala que cai suavemente sobre a terra. A leveza da melodia se alinha à mensagem de apreço pelas pequenas coisas que fazem a vida mais bonita.

10. Aqui Eu Permaneço

Como uma resposta à música "Vou-me embora", de Paulo Diniz, "Aqui Eu Permaneço" é uma canção de resistência. Ela fala sobre a importância de se manter enraizado no seu lugar de origem, celebrando a riqueza cultural da América Latina e a necessidade de resistir ao impulso de partir. A música mescla influências da música popular brasileira com sons do Pantanal e dos Andes, criando uma sensação de pertencimento profundo e de identidade cultural.

11. Se For Cantar por Amor

A última faixa do álbum é um verdadeiro canto de união. "Se For Cantar por Amor" reforça a ideia de que o canto, quando é genuíno e vem do coração, tem o poder de reunir as pessoas e criar uma harmonia coletiva. Ao vivo, essa música tem a capacidade de transformar o público em parte do show, tornando-se um coro compartilhado que celebra o amor e a união. Uma verdadeira celebração de comunidade e resistência, encerrando o disco com um toque de esperança e intensidade emocional.

Coisa Nossa é um álbum que nos leva a uma jornada sensível entre diferentes sonoridades, temas e atmosferas, mas que sempre mantém o olhar voltado para a brasilidade, o amor e a conexão entre os seres humanos. Cada faixa do álbum representa uma faceta dessa viagem, onde a intimidade e a resistência se encontram em cada acorde e verso. O disco, que será lançado no dia 6 de dezembro de 2024, promete conquistar corações e deixar sua marca na música brasileira contemporânea.

Ouça Coisa Nossa nas plataformas digitais e prepare-se para uma experiência sonora rica e transformadora!

U2 lança novo álbum, "How To Re-Assamble an Atomic Bomb"

noreply@blogger.com (Maria Eloisa Barbosa) — Tue, 26 Nov 2024 18:59:00 +0000

O U2 resolveu relançar o seu décimo primeiro álbum de estúdio, "How To Dismantle an Atomic Bomb" (2004). Na sexta-feira (22), a banda disponibilizou a nova versão complementar chamada "How To Re-Assamble an Atomic Bomb" em comemoração ao aniversário de 20 anos do material.

O projeto inclui, ao todo, 10 faixas. Quatro delas são totalmente inéditas e compostas na mesma época: "Treason", "Evidence Of Life", "Country Mile"e "Happiness". O tracklist ainda conta com "Luckiest Man In The World", que nada mais é do que o resultado final de uma demo já vazada anos atrás chamada "Mercy".

"'How To Re-Assemble An Atomic Bomb' é uma coleção de dez músicas retiradas das sessões de gravação originais de 'How To Dismantle An Atomic Bomb', recentemente redescobertas no arquivo da banda e agora lançadas pela primeira vez como um álbum", diz comunicado.

Por fim, aparecem as remasterizadas "Picture Of You (X+W)", "Don't Wanna See You Smile", "Are We Gonna Wait Forever?", "Theme From The Batman" e "All Because Of You 2". The Edge, guitarrista, revelou em nota os bastidores do lançamento e do processo criativo:

"As sessões de 'How To Dismantle An Atomic Bomb' marcaram um período muito criativo para a banda. Estávamos explorando muitas ideias de músicas no estúdio. Fomos inspirados a revisitar nossas primeiras influências musicais e foi um momento de profunda introspecção pessoal para Bono, que estava tentando processar a morte de seu pai.

Para esta edição de aniversário, fui ao meu arquivo pessoal para ver se havia alguma joia inédita e acertei na loteria. Escolhemos dez músicas que realmente nos representam.

Neste álbum complementar, você verá aquela energia bruta de descoberta, o impacto visceral da música, uma narrativa sonora, um momento no tempo, a exploração e interação de quatro músicos tocando juntos em uma sala... este é o puro U2."

Organizada pela Apple Music e Universal Music, uma audição antecipada aconteceu nesta quinta-feira (21), no Cine Marquise, em São Paulo. Com qualidade Dolby Atmos, os fãs puderam ouvir o disco em primeira mão. The Edge até mesmo enviou uma mensagem de voz, agradecendo aos fãs pelo carinho e ressaltando o quanto os ama verdadeiramente. Ao fim, o pessoal levantou das cadeiras e dançou ao som de "Vertigo".

Tracklist:

Picture Of You (X+W)
Evidence Of Life
Luckiest Man In The World
Treason
I Don't Wanna See You Smile
Country Mile
Happiness
Are We Gonna Wait Forever?
Theme From The Batman
All Because Of You 2

IVYSON, em entrevista, revela a trajetória e os bastidores de "AFINCO"

noreply@blogger.com (Guilherme Santana) — Tue, 26 Nov 2024 15:40:00 +0000

O cantor pernambucano revela os desafios, inspirações e amadurecimento artístico por trás do álbum que mistura pop, R&B e poesia. "Eu preciso ter força, eu não posso parar aqui. Tem muita gente olhando para mim, e se espelhando no que eu faço".

IVYSON, cantor e compositor pernambucano, se mudou para São Paulo em 2022, focado no trabalho musical e no crescimento como artista e, após o sucesso nas redes com “Girassol”, o EP “Retalhos” e o seu álbum de estreia, “O Outro Lado do Rio”, IVYSON explora novos territórios com “AFINCO”.

O álbum, “AFINCO” tem abordagens amorosas e explora uma linguagem pop que foi construída por IVYSON e influenciada por diversos gêneros e cantores, sendo o cantor e produtor inglês Labrinth uma das inspirações.

Conversamos com IVYSON sobre seu novo projeto “AFINCO”, os processos criativos, dificuldades e os planos futuros. O cantor nos contou como ele vê a evolução artística da sua carreira desde o início até o lançamento de “AFINCO”. “Então, a coisa mais importante que mudou foi minha visão sobre a arte e enxergar isso como um trabalho mesmo e não só como uma coisa que eu gostava de fazer ocasionalmente, fazer dentro do meu quarto, do meu jeito. E enxergar isso como um mercado e uma forma de viver mesmo. Antes de escrever e começar a produzir o "AFINCO" eu tinha uma noção muito pequena sobre o que é o todo, o que é o mercado musical e o que eu precisava fazer para me inserir de alguma forma nesse mercado.” diz o cantor. “O 'AFINCO' realmente é um retrato de um amadurecimento que eu tive nesses 3 últimos anos. Mudou muita coisa desde o começo e principalmente essa visão e poder enxergar arte como um trabalho e não só como um hobby.” elabora.

IVYSON conta que o processo criativo de produção de “AFINCO” “Foi bem natural. Eu gosto muito de compor, eu sou compositor há uns bocadinhos de anos já e é uma das coisas que eu mais gosto de fazer e eu sempre estou escrevendo música, acumulando meu catálogo de músicas para mim mesmo, sabe? Tipo, eu gosto de escrever meio que como um diário de momentos que eu estou vivendo. E quando a gente decidiu fazer o “AFINCO", eu já tinha algumas músicas que tinham uma cara parecida assim, que eu queria contar uma história de um jeito e tem umas músicas já meio que prontas”, comenta. “E o processo foi bem fluido, demorou um pouco por causa da minha agenda e a da agenda do produtor também, que a gente tinha uma certa dificuldade para se encontrar. Demorou todo uns 8 meses, mas foi bem fluido, bem leve, foi um processo que eu pude explorar bastante de várias áreas da música, da minha música, do canto, do do meu lado mais músico mesmo, do meu lado compositor.” completa IVYSON.

Além do processo criativo, IVYSON comentou também sobre as dificuldades durante a produção. “A gente trabalha muito contra o tempo, né? Quando vai produzir. Eu lembro que comecei a produzir o álbum em fevereiro de 2023. E eu não tinha muita pretensão de tipo ‘Ah tem um prazo para lançar’, sabe? Mas chega um tempo que você diz, ‘Não, agora eu preciso terminar.’ Porque eu só estava lá aproveitando, fazendo as músicas, produzindo… E a maior dificuldade é o tempo, definir o prazo para lançar, porque senão a gente fica lá, criando e criando".

A faixa “AFINCO” é uma música que fala um pouco sobre perseverança. Questionamos o cantor como essa palavra tem definido a sua trajetória como artista e IVYSON responde que “Perseverar é uma palavra que tem me regido porque para quem sai de onde eu saí, para quem veio de onde eu vim, para quem tem as características que eu tenho, é sempre muito mais difícil. A gente tem que trabalhar no mínimo 5 vezes mais para ter o mesmo reconhecimento ou algo do tipo e é só sobre acreditar. Eu tenho a graça de ter pessoas do meu lado que acreditam em mim, mas acredito que se fosse só por mim mesmo eu não teria essa força toda, sabe? Eu devo aos meus fãs também por acreditar no meu trabalho. Mas a gente tem que ter muita força de vontade para conseguir fazer alguma coisa, para conseguir sair do lugar"

“E a palavra afinco sempre bate de frente comigo, de tipo quando eu estou quase 'Meu Deus do céu, não quero fazer isso mais porque eu tô me desgastando demais. Eu posso fazer outra coisa que seja um pouco mais leve para a minha mente e tal…', mas eu me vejo nesse momento e falo 'Eu preciso ter força, eu não posso parar aqui'. Tem muita gente olhando para mim, e se espelhando no que eu faço. Eu não faço só por mim, eu faço por quem vai vir depois, sabe? Esse é o meu lema e o legado que eu quero deixar, quero deixar uma marca para a galera galgar a mesma coisa que eu fiz”, completa.

Por outro lado, a faixa “AMAR ATÉ MORRER” tem uma letra introspectiva e emocional, IVYSON reflete sobre a sua vulnerabilidade nas músicas. “É uma faixa que fala muito sobre vários momentos que eu passo até hoje e ainda não ultrapassei esse momento. Eu vivo rodeado de pessoas que gostam de falar o que é para fazer e dando pitaco sem entender muitas vezes, sabe? E é bem ruim. Eu falo sempre em entrevistas ou nas lives que eu faço. Eu gosto de seguir conforme que está acontecendo no momento e aprender com cada decisão que eu faço, mesmo que eu acerte, mesmo que eu erre, mas eu não suporto opiniões aleatórias sem embasamento e nada, sabe? E “AMAR ATÉ MORRER” eu falo muito sobre isso. Tem uma frase até que eu, sempre que eu canto, eu lembro de toda a trajetória que falo, “insistem em me dizer coisas que eu já sei, me vi querer, tanto sonhei.”

“Eu sonhava tanto com isso que eu fiz de alguma forma conseguir realizar, né? Consegui, como eu falei no começo, me inserir no que eu precisava me inserir. E eu gosto de contar essas histórias, essas verdades que eu passo para ter uma identificação com outras pessoas, provavelmente, mas também um desabafo, porque a música também é pra mim, não é só pro público, faço a música pra mim, primeiramente, e em seguida, para o público. E “AMAR ATÉ MORRER” retrata bastante isso da trajetória”, desenvolve IVYSON.

Em turnê, levando o álbum para os palcos, IVYSON comenta: “O que mais me surpreendeu no “AFINCO”, foi que é um álbum bem pessoal, mas também é um álbum bem pop, que alcança vários públicos diferentes, porque eu pude explorar nesse álbum várias vertentes da música, vários gêneros musicais. E o que me assusta sempre é ver a galera cantando, com as músicas na ponta da língua, por exemplo, “SERENA” é uma das músicas mais fortes do álbum de longe e aconteceu um fato muito engraçado em um show que o meu microfone parou, eu fui pra frente (do palco) e pedi só pra galera cantar e eles cantaram uma música inteira e foi muito legal. E ter essa confiança no público que eles sabem e vão lá no meu perfil, leem as letras, aprendem e tal é a coisa que mais me surpreende. E ver reverberar em cada canto do país e até fora do país também é muito legal. O “AFINCO” sempre tem me surpreendido, desde o primeiro dia que eu lancei.”

O cantor comenta que para a produção do álbum “queria muito pegar uma vibe meio gringa, não uma vibe, mas alguns elementos que eu não tinha explorado tanto nas minhas músicas, por exemplo, coro vocal, elementos de sintetizadores... Coisas bem específicas mesmo. Eu ouvi bastante Labrinth, ouvi muito uma cantora também, que se chama Olivia Dean. Eu vi algumas coisas gringas, mas também houve muita coisa brasileira” diz IVYSON. “Eu queria realmente fazer uma coisa bem pop, pop de popular mesmo, assim de alcançar vários públicos com gêneros diferentes, mas eu estava embasando muito no R&B, tanto no brasileiro quanto no americano e foi bem legal, porque realmente eu consegui botar essa minha vertente da poesia, minha vertente do rap, do MPB, de tudo um pouco e misturar com esses esses elementos” completa.

Para os projetos futuros, IVYSON diz “já estou começando a compor o próximo projeto. Eu não sou muito de esperar, eu não gosto de deixar para última hora. E gosto de ter músicas para compor esse catálogo e depois é só escolher o que eu preciso e o que eu quero falar de acordo com o conceito do álbum, algo assim. Mas para os próximos meses tem bastante show em várias cidades, várias que ainda não fui, principalmente”, comenta o cantor. “tem clipe de música do “AFINCO” ainda para sair. A gente vai trabalhar bastante ainda no álbum. Não posso parar. Preciso me movimentar. Eu gosto” completa.

KIAZ se joga no estilo romântico e casual com seu álbum de estreia “P.A”

noreply@blogger.com (Beatriz Amorim) — Tue, 26 Nov 2024 15:27:00 +0000

O cantor carioca KIAZ está conquistando seu espaço no cenário musical brasileiro, se destacando como uma das grandes promessas do R&B no país. Recentemente, ele lançou de forma independente o álbum "P.A", um projeto repleto de colaborações musicais que explora uma rica mistura de ritmos.

Transitando por subgêneros como R&B, Afrobeat, MPB, acústico, jersey e trap, KIAZ apresenta uma sonoridade com melodias envolventes e muita ousadia, mostrando sua versatilidade como artista. Esse lançamento marca o início de sua jornada musical em grande estilo.

O músico ganhou reconhecimento com sucessos como "Não Tem Mais Nós Dois", "Vê Se Não Demora" e "Pode Ficar” e agora quer dar um novo passo na carreira, fazendo uma referência à intensidade de uma "amizade colorida" e ao que esse tipo de relação representa.

O álbum “P.A” já está disponível em todas plataformas digitais!

Day Limns entrega conceito em novo capítulo do projeto "VÊNUSNETUNO II"

noreply@blogger.com (Beatriz Amorim) — Tue, 19 Nov 2024 17:39:00 +0000

A cantora Day Limns está de volta com um novo EP intitulado "VÊNUSNETUNO II", trazendo mais uma vez uma proposta ousada, intensa e um convite para o público explorar um novo equilíbrio, um lugar onde forças opostas não se anulam, mas coexistem e se fortalecem mutuamente.

Depois de lançar a 1ª parte do projeto no ano passado, Day retorna com uma experiência ainda mais imersiva e profunda com 6 faixas e 1 bônus track. Inspirado na carta de tarot “O Carro”, símbolo de movimento e superação, o EP é uma viagem introspectiva que desafia a polarização. “Estamos num momento onde o mundo tenta separar e categorizar tudo — mas eu acredito que a força está na integração. Este trabalho é meu manifesto por um mundo mais conectado e expansivo”, comenta DAY. “Ao invés de perpetuar a divisão, quero mostrar que é possível criar uma nova realidade — um lugar onde tecnologia e natureza, espiritualidade e ação, futuro e tradição se encontram e coexistam”.

Para trazer o universo e os visuais de “VÊNUSNETUNO II” a vida, a cantora se junta com ERØ e a Veludo (Academia de Filmes) que usam a tecnologia de virtual production para criar ambientes digitais únicos. Os cenários, construídos do zero, refletem essa fusão de real e virtual.

“VÊNUSNETUNO II” já está disponível em todas as plataformas digitais, vem conferir com a gente:

PeLanza faz retorno promissor da carreira solo com o single “Te Espero”

noreply@blogger.com (Beatriz Amorim) — Tue, 19 Nov 2024 17:17:00 +0000

Após o sucesso da turnê de reencontro com a banda Restart, PeLanza retoma sua carreira solo com força total e anuncia o lançamento de seu mais novo single, "Te Espero". Para celebrar essa nova jornada, o cantor fará um show especial de lançamento na terça-feira (19), no City Lights, em São Paulo.

Em seu instagram, o cantor abriu seu coração e compartilhou com os fãs os detalhes da composição da música “Te Espero”, escrita em parceria com Thominhas (Restart) e Pierro, vocalista do Big Up. “Te Espero é uma música que eu e meu mano @thominhas compusemos lá no auge dos nossos 20 anos e que acabou por nunca fazer parte de nenhum trabalho que lançamos com a Restart”.

“Em 2016, num rolê nortuno pela cidade de SP, conheci meus irmãos da @Bigupoficial. Esses caras são um ponto muito importante para minha reconexão comigo mesmo e com meu propósito de vida. Entre muitas cervejas e boas companhias, essa é a primeira (de muitas) canetadas nossas que virão nesse futuro breve, oxalá!”.

Os ingressos do show de lançamento estão disponíveis no site Sympla.

Em entrevista, Leif Vollebekk revela por que "Revelation" é diferente de qualquer outro álbum de sua carreira!

noreply@blogger.com (Gabriel Bonani) — Fri, 15 Nov 2024 23:11:00 +0000

Em entrevista, Leif Vollebekk reflete sobre a unicidade de seu novo álbum: “sei que nunca mais farei um disco como esse”.

O cantor canadense Leif Vollebekk trouxe, em seu álbum “Revelation”, faixas que são ao mesmo tempo espiritual e realista. É um álbum inspirado em uma exploração que começou com o texto baseado no ancestral “I Ching” de Carl Jung e continuou com a ciência da alquimia. O resultado dessa produção é, ao mesmo tempo orgânico, terrestre e celestial - com temas relacionados à natureza e moralidade que se entrelaçam em uma reflexão sobre viver em um presente de constantes mudanças, com dúvidas existenciais e a busca por um poder superior.

Batemos um bate papo com Vollebekk sobre o álbum “Revelation”, seus processos de composição e seus planos futuros. Para começar, iniciamos a conversa com uma pergunta bastante curiosa, questionamos o quão especial foi o processo por trás do álbum “Revelation".

“Foi totalmente diferente dos outros discos. Eu tinha muito tempo livre e foi a primeira vez que não estava em turnê e meu telefone não estava tocando”, diz Leif. “Comecei a escrevê-lo durante a pandemia e não estava sendo constantemente chamado para fazer coisas ou ir a lugares… Então, eu aproveitava isso e todos os dias eu tinha a regra de não poder olhar a internet ou o celular até o meio-dia, então eu acordava e tudo o que eu fazia era pintar, escrever, tocar música ou ler algo de Carl Jung - ou algo sobre a história da alquimia. Eu tinha todo esse tempo livre porque as turnês foram canceladas e escrevi todas essas músicas naquela época.”, relata o cantor. Vollebekk finaliza: “Não sei se algum dia poderei fazer outro disco como esse, porque foi completamente silencioso. Foi como refletir sobre o que é estar vivo nos anos 2020, 2021 e 2022”.

O álbum “Revelation” foi fortemente inspirado pela obra “I Ching”, de Carl Jung. “É um livro muito especial. É uma perspectiva diferente sobre tudo. Ele fala sobre equilíbrio. Basicamente, o equilíbrio de tudo no universo, e isso me fez pensar sobre o sol, a lua, a chuva e coisas realmente básicas, mas está tudo lá.” comenta Leif. “Todo símbolo tem um significado. O livro faz você pensar metaforicamente sobre tudo em sua vida e é basicamente um livro e metáforas. Eu ‘roubei’ muito desse livro”.

Leif nos contou, também, sobre a conexão do álbum com os ouvintes: “Espero que eles gostem do som. Foi uma coisa realmente intencional - tentei fazer com que esse disco soasse o mais aconchegante possível.”, diz Leif quando questionado sobre a conexão dos ouvintes com o álbum. “Eu só espero que as pessoas possam sentir algo diferente, porque eu fazia essa busca todos os dias e nós (Leif e seus engenheiros de som) tentávamos fazer com que as coisas soassem o mais aconchegante possível para que você pudesse sentir algo. Espero que isso faça as pessoas pensarem sobre o que precisam pensar, porque é isso que acontece quando ouço música - adoro que ela me leve para a minha própria vida.”

Vollebekk nos explicou como foi um pouco do processo de gravação e conta como conseguiu produzir um álbum que seja orgânico e celestial ao mesmo tempo. “Não sei se consegui (risos), mas gosto que você diga isso. Posso lhe dizer que fizemos o seguinte: eu escrevi todas as músicas ao longo de cerca de dois anos e as tocava todos os dias e deixava que as letras viessem até mim à medida que surgiam. É um disco muito lento, então acho que as letras vêm de um lugar onde eu não vou com tanta frequência.”, Leif relata. “E depois gravamos takes ao vivo, então há algo realmente ‘selvagem’ em fazer um take ao vivo, é uma sensação de loucura, sabe? Se você ouvir 'Purple Rain' do Prince ou 'Hey Jude' dos Beatles, como uma apresentação ao vivo, é etéreo e terreno, nunca acontece de novo, é como a teoria do 'I Ching', na verdade, é apenas o que acontece naquele momento. Algumas pessoas chamam isso de sincronicidade ou o que quer que seja, mas é apenas o momento e a vida. Não dá para ter conversas uma segunda vez. Portanto, acho que talvez o importante seja ter um registro ao vivo com o qual as pessoas se importem”.

Em “Revelation”, Vollebekk nos convida à uma reflexão profunda, o artista explora, neste trabalho, temas como espiritualidade, natureza e a busca por significado e, quando questionado sobre qual mensagem ou sentimento Leif espera que os ouvintes levem consigo depois de ouvir o álbum, o artista diz: “Honestamente, só espero que as músicas se conecte com elas. Espero que elas sintam que estão viajando um pouco no tempo”.

Com o recente lançamento de “Revelation”, Leif conta os planos futuros: “Estou em turnê então isso me mantém bastante ocupado. Não tenho mais muito tempo pra ficar filosofando e divagando… Na maior parte do tempo, estou apenas tentando descobrir como vou afinar meu violão a tempo para o show, mas espero que no próximo ano possamos fazer algo diferente, mas definitivamente sei que nunca mais farei um disco como esse”.

Escrito por: Guilherme Santana

Confira a lista com os indicados do GRAMMY 2025!

noreply@blogger.com (Gabriel Bonani) — Fri, 08 Nov 2024 17:02:00 +0000

A lista de indicados ao Grammy 2025 foi anunciada, trazendo grandes surpresas e reconhecimentos para alguns dos maiores nomes da música atual. Entre os destaques, estão Beyoncé com seu álbum Cowboy Carter, Taylor Swift e o trabalho intenso de The Tortured Poets Department, e Sabrina Carpenter com o projeto Short N' Sweet, que tem conquistado fãs e críticos.

A premiação será realizada no dia 2 de fevereiro, reunindo performances e aguardadas colaborações que prometem marcar a noite. Confira a seguir alguns dos principais indicados e, para a lista completa, acesse o site oficial do Grammy.

Álbum do ano

New Blue Sun – Andre 3000

Cowboy Carter – Beyoncé

Short n’ Sweet – Sabrina Carpenter

Brat – Charli XCX

Djesse Vol. 4 – Jacob Collier

Hit Me Hard and Soft – Billie Eilish

The Rise and Fall of a Midwest Princess – Chappell Roan

The Tortured Poets Department – Taylor Swift

Música do ano

A Bar Song (Tipsy) – Shaboozey

Birds of a Feather – Billie Eilish

Die With a Smile – Lady Gaga e Bruno Mars

Fortnight – Taylor Swift e Post Malone

Good Luck, Babe! – Chappell Roan

Not Like Us – Kendrick Lamar

Please Please Please – Sabrina Carpenter

Texas Hold’em – Beyoncé

Gravação do ano

Now And Then – The Beatles

TEXAS HOLD ‘EM – Beyoncé

Espresso – Sabrina Carpenter

360 – Charli XCX

BIRDS OF A FEATHER – Billie Eilish

Not Like Us – Kendrick Lamar

Good Luck, Babe! – Chappell Roan

Fortnight – Taylor Swift and Post Malone

Artista revelação

Benson Boone

Sabrina Carpenter

Doechii

Raye

Khruangbin

Chappell Roan

Shaboozey

Teddy Swims

Melhor álbum pop latino

Funk Generation – Anitta

El Viaje – Luis Fonsi

GARCÍA – Kany García

Las Mujeres Ya No Lloran – Shakira

ORQUÍDEAS – Kali Uchis

Melhor performance pop solo

Beyoncé – Bodyguard

Sabrina Carpenter – Espresso

Charli XCX – Apple

Billie Eilish – Birds of a Feather

Chappell Roan – Good Luck, Babe!

Melhor álbum pop vocal

Short n’ Sweet – Sabrina Carpenter

HIT ME HARD AND SOFT – Billie Eilish

eternal sunshine – Ariana Grande

The Rise And Fall Of A Midwest Princess – Chappell Roan

THE TORTURED POETS DEPARTMENT -Taylor Swift

Melhor performance pop em duo ou grupo

Gracie Abrams e Taylor – Us

Beyoncé e Post Malone – Leviis Jeans

Charli xcx e Billie Eilish – Guess

Ariana Grande e Brandy – The Boy is Mine

Lady Gaga e Bruno Mars – Die With a Smile

Melhor clipe

Tailor Swif – A$AP Rocky

Fortnight – Taylor Swift and Post Malone

360 – Charli xcx

Houdini – Eminem

Not Like Us – Kendrick Lamar

Melhor gravação pop dance

Make You Mine – Madison Beer

Von Dutch – Charli xcx

L’AMOUR DE MA VIE [OVER NOW EXTENDED

EDIT] – Billie Eilish

yes, and? – Ariana Grande

Got Me Started – Troye Sivan

Melhor álbum dance/eletrônica

Charli xcx – “BRAT”

Four Tet – “Three”

Justice – “Hyperdrama”

KAYTRANADA – “Timeless”

Zedd – “Telos”

Melhor álbum de R&B

11:11 (Deluxe) – Chris Brown

Vantablack – Lalah Hathaway

Revenge – Muni Long

Algorithm – Lucky Daye

Coming Home – Usher

Melhor performance de R&B

Guidance – Jhené Aiko

Residuals – Chris Brown

Here We Go (Uh Oh) – Coco Jones

Made For Me (Live On BET) – Muni Long

Saturn – SZA

Melhor música de R&B

After Hours – Kehlani

Burning – Tems

Here We Go (Uh Oh) – Coco Jones

Ruined Me – Muni Long

Saturn – SZA

Melhor performance de rap melódico

KEHLANI – Jordan Adetunji Featuring Kehlani

SPAGHETTII – Beyoncé, Linda Martell & Shaboozey

We Still Don’t Trust You – Future & Metro Boomin Featuring The Weeknd

Big Mama – Latto

3:AM – Rapsody and Erykah Badu

Melhor música de rap

Asteroids – Rapsody and Hit-Boy

Carnival – ¥$ (Kanye West & Ty Dolla $ign), Rich The Kid & Playboi Carti

Like That – Future, Metro Boomin & Kendrick Lamar

Not Like Us – Kendrick Lamar

Yeah Glo! – GloRilla

Melhor álbum de rap

Might Delete Later – J. Cole

The Auditorium, Vol. 1 – Common & Pete Rock

Alligator Bites Never Heal – Doechii

The Death Of Slim Shady (Coup De Grâce) – Eminem

We Don’t Trust You – Future & Metro Boomin

Melhor álbum de rock

Happiness Bastards – The Black Crowes

Romance – Fontaines D.C.

Saviors – Green Day

TANGK – IDLES

Dark Matter – Pearl Jam

Hackney Diamonds – The Rolling Stones

No Name – Jack White

Melhor álbum de música alternativa

Neon Pill — Cage the Elephant

Song of the Lake — Nick Cave & the Bad Seeds

Starburster — Fontaines D.C.

Bye Bye — Kim Gordon

Flea — St. Vincent

Melhor performance de música africana

Tomorrow – Yemi Alade

MMS – Asake & Wizkid

Sensational – Chris Brown, Davido & Lojay

Higher – Burna Boy

Love Me JeJe – Tems

Melhor álbum country

COWBOY CARTER – Beyoncé

F-1 Trillion – Post Malone

Deeper Well – Kacey Musgraves

Higher – Chris Stapleton

Whirlwind – Lainey Wilson

Melhor performance solo de country

16 CARRIAGES – Beyoncé

I Am Not Okay – Jelly Roll

The Architect – Kacey Musgraves

A Bar Song (Tipsy) – Shaboozey

It Takes A Woman – Chris Stapleton

Melhor álbum de reggae

Take It Easy – Collie Buddz

Party With Me – Vybz Kartel

Never Gets Late Here – Shenseea

Bob Marley: One Love – Music Inspired By The Film

Evolution – The Wailers

Compositor não-clássico do ano

Jessi Alexander

Amy Allen

Edgar barrera

Jessie Jo Dillon

Raye

Produtor não-clássico do ano

Alissia

Dernst “D’Mile” Emile II

Ian Fitchuk

Mustard

Daniel Nigro

Melhor música composta para mídia visual

Ain’t No Love In Oklahoma – Luke Combs

Better Place – *NSYNC & Justin Timberlake

Can’t Catch Me Now – Olivia Rodrigo

It Never Went Away – Jon Batiste

Love Will Survive – Barbra Streisand

Melhor trilha sonora para mídia visual

American Fiction

Challengers

The Color Purple

Dune: Part Two

Shōgun

Melhor álbum de jazz alternativo

Night Reign — Arooj Afta

New Blue Sun — André 3000

Code Derivation — Robert Glasper

Foreverland — Keyon Harrold

No More Water: The Gospel Of James Baldwin — Meshell Ndegeocello

Melhor álbum americano

The Other Side — T Bone Burnett

$10 Cowboy — Charley Crockett

Trail Of Flowers — Sierra Ferrell

Polaroid Lovers — Sarah Jarosz

No One Gets Out Alive — Maggie Rose

Tigers Blood — Waxahatchee

Esses são os indicados ao Grammy deste ano. Cada categoria promete uma disputa acirrada, refletindo a diversidade e a inovação na indústria musical.

Jerry Cantrell: o que esperar do show do guitarrista do Alice in Chains em São Paulo?

noreply@blogger.com (Maria Eloisa Barbosa) — Fri, 08 Nov 2024 16:51:00 +0000

Jerry Cantrell tornou-se uma das figuras mais importantes do grunge como membro do Alice in Chains. Aliás, além da banda, o guitarrista também mantém uma carreira solo de sucesso desde a década de 1990. Finalmente, para a alegria dos fãs brasileiros, o músico apresentará pela primeira vez esse seu outro lado fora do grupo em território nacional.

O artista realizará um show único por aqui no próximo dia 12 de novembro, na Audio, em São Paulo. Ainda há poucos ingressos à venda no site da Eventim.

Inclusive, a passagem do músico ocorre em divulgação ao seu quarto álbum de estúdio, “I Want Blood”. Com lançamento ocorrido no último dia 18 de outubro, o material conta com a colaboração de nomes como Duff McKagan (baixista do Guns N’ Roses) e Robert Trujillo (baixista do Metallica).

Sendo assim, muitas músicas do vindouro projeto devem aparecer no setlist. Considerando os repertórios mais recentes, as novas canções "Vilified", "Off the Rails", "Afterglow", "I Want Blood", "Held Your Tongue" e "It Comes" podem marcar presença - ou seja, quase todas as nove canções do projeto.

O instrumentista também não deixa de fora músicas de sua banda, costumamente representadas por "Them Bones", "Would?", "Man In The Box" e "Rooster". Por fim, outras de suas faixas mais famosas, incluindo "Cut You In", são aguardadas.

Vale destacar que Jerry é acompanhado de competentes músicos no palco. Aliás, Roy Mayorga, conhecido por intergrar o Ministry e Stone Sour, está a cargo da bateria no momento.

Serviço – Jerry Cantrell em São Paulo

Data: 12 de novembro

Horário de abertura da casa: 19h

Local: Audio – Av. Francisco Matarazzo, 694 – Água Branca, São Paulo

Ingressos: http://eventim.com.br/jerrycantrell

Bilheteria oficial: ESPAÇO UNIMED – Endereço: Rua Tagipuru, 795 – Barra Funda – São Paulo/ SP

Funcionamento: Terça a Sábado – das 10h00 às 17h00 | Não há funcionamento aos domingos e feriados.

Entrevista com Water From Your Eyes, a banda indie pop que vai muito além do óbvio!

noreply@blogger.com (Gabriel Bonani) — Thu, 07 Nov 2024 13:03:00 +0000

A dupla Water From Your Eyes, composta por Nate e Rachel, está prestes a desembarcar no Brasil para o Balaclava Fest e um sideshow na capital paulista. Antes dos shows, tivemos a oportunidade de conversar sobre a banda, projetos mais recentes e muito mais.

Nesse bate-papo descontraído, eles revelaram como funciona a dinâmica entre

eles e como a música ganha vida dentro do duo. Confira a entrevista completa a seguir:

Keeping Track:
É um prazer falar com vocês, Nate e Rachel. Sou da Keeping Track, aqui no Brasil. Para começar, gostaria de saber um pouco mais sobre como a banda foi formada. Como duas almas tão diferentes na música se conectaram para criar o som único de Water From Your Eyes?

Nate:
Bem, acho que tudo começou quando eu mostrei New Order para a Rachel, e fizemos uma espécie de EP pastiche de New Order, só para nos divertir. A princípio, era para ser só isso, mas alguém escreveu sobre o trabalho, e acabamos continuando com a banda.

Rachel:
Sim, começamos sem perceber que estávamos realmente começando. Fizemos música e simplesmente nunca paramos.

Keeping Track:
Parece ter sido algo bem espontâneo então?

Rachel:
Exatamente. Nós dois já tínhamos nossos próprios projetos musicais, então não foi algo planejado. Mas, de certa forma, a banda evoluiu com o tempo. Cada álbum tem uma sonoridade diferente, e até a maneira como fazemos a música mudou.

Nate:
Sim, acho que a banda começou mesmo a ganhar forma em 2019 ou 2020, mas estávamos fazendo música desde 2016. Foram uns três anos de experimentação até sentirmos que éramos uma banda de verdade, pronta para se apresentar ao vivo.

Keeping Track:
E se compararmos o último álbum com o primeiro, quais são as principais diferenças?

Rachel:
As semelhanças são poucas, na verdade.

Nate:
O primeiro EP foi uma coisa mais simples, tentávamos recriar algo no estilo de New Order, mais como uma diversão de verão. No álbum mais recente, o foco foi outro, e tentamos fazer algo mais maduro, embora ainda mantendo a nossa essência, claro.

Keeping Track:
Agora, me conta, se vocês tivessem que descrever o som de Water From Your Eyes como uma receita, o que estaria nela?

Nate:
Não sei, o que você acha, Rachel?

Rachel:
Eu diria que os shows ao vivo são bem diferentes dos álbuns, mas tem uma descrição engraçada que um cara bêbado na Inglaterra nos deu. Ele disse que soávamos como New Order e Sonic Youth brigando debaixo d’água.

Nate:
Sim, essa foi a descrição mais precisa que alguém já deu sobre o som da banda, embora a situação tenha sido um pouco absurda. Mas, para ser sincero, se você trancar essa ideia em uma sala por três anos, é mais ou menos o que somos hoje.

Keeping Track:
E sobre as suas influências, como King Crimson e Stereolab, como elas se encaixam na música de vocês?

Nate:
Eu acho que o truque é se alimentar de boa música como ouvinte e, quando for criar, não tentar emular nada de forma direta. O importante é deixar a música fluir naturalmente, sem a pressão de seguir um estilo específico. A ideia é colocar combustível interessante no tanque e depois deixar o caminho se desenrolar sem pressa.

Rachel:
Eu escrevo as letras e o Nate compõe a música, mas o processo sempre parece orgânico, sabe? Este projeto não se prende a um estilo ou gênero específico, ele simplesmente acontece.

Keeping Track:
Acho que o que chama a atenção na banda é essa abordagem bem casual nas letras. Vocês conseguem falar sobre temas profundos de uma maneira simples e irônica. Como isso funciona para vocês?

Nate:
Somos cronicamente casuais, acho que não conseguimos ser formais sobre nada. Por que fazer isso? Colocar terno e gravata e falar sobre nossos sentimentos como se fôssemos doutores?

Keeping Track:
Eu acho que fica muito melhor assim. E quando vocês colocam algo pessoal nas músicas, é difícil fazer isso? Ou é algo natural?

Rachel:
Na verdade, hoje em dia é muito fácil para mim colocar minha vida pessoal nas músicas. Chega a ser um diário aberto. Talvez eu precise de um filtro mais forte, mas depois de um tempo, não vejo problema em compartilhar meus sentimentos com os outros.

Nate:
É, você chega a um ponto em que não fica mais envergonhado, então qualquer coisa é válida. Não há mais mistério.

Keeping Track:
Agora que vocês estão vindo para o Brasil, o que os fãs podem esperar dos shows de Water From Your Eyes por aqui?

Nate:
Nosso show ao vivo é mais enérgico e agressivo do que as pessoas esperam se conhecerem só as faixas dos álbuns. É bastante caótico, mas de um jeito que faz sentido. Eu diria que o show ao vivo é uma interpretação diferente do que está no disco, mas ainda assim é completamente fiel à essência da banda.

Keeping Track:
Estamos ansiosos para sentir esse caos aqui. Muito obrigado pela conversa, Nate e Rachel. Tenho certeza de que os fãs brasileiros vão adorar o show!

Rachel:
Mal podemos esperar para estar aí. Vai ser incrível!

Nate:
Obrigado! Estamos ansiosos! Até logo!

Daparte lança o potente terceiro álbum de estúdio “baterias de emergência”

noreply@blogger.com (Alícia Araújo) — Thu, 24 Oct 2024 14:58:00 +0000

Com muita ousadia e reflexão, os mineiros da Daparte estão de volta com o terceiro álbum de estúdio, o Baterias de Emergência! E é claro que o Keeping Track traz todos os detalhes desse projeto pra vocês (além de um bate-papo super bacana com a banda).

Após quase três anos do lançamento do último álbum, a Daparte retorna aos holofotes com um alvo em mente. Você anda se sentindo um pouco perdido, com amigos saindo da faculdade e outros casando, pensando que talvez a vida não seja tão colorida assim ou que está tudo bem não ser importante para todo mundo? Então Baterias de Emergência é perfeito pra você!

Se em Fugadoce a banda deu foco nas nuances das relações amorosas, o novo projeto traz uma veia mais existencialista e filosófica, ideal para quem está passando pela crise dos 20 e tantos anos, como explica o vocalista Juliano Rosa. “A gente quis falar sobre as dificuldades da vida e coisas que acontecem com a gente no nosso cotidiano, nessa vida de 25 anos. A gente é meio adulto e jovem ao mesmo tempo. Tem pessoas que estão mais perdidas, outras nem tanto. Então é uma fase da vida que a gente se encontra em um turbilhão de dúvidas e receios”.

E quando falamos que a banda enveredou para a filosofia, não estamos brincando, já que a literatura teve forte influência nas composições do projeto. “Eu sempre gosto de trazer coisas do mundo literário também. Eu tava lendo Dostoiévski, Tolstói, que são escritores russos, né? Quando você traduz para português é sempre esquisito e gera umas frases estranhas. E é lindo! Pensando bem, o tradutor que eu não sei quem é, também influenciou na minha escrita”, conta João Ferreira, vocalista da Daparte.

Diferente dos primeiros dois álbuns da banda, a produção do Baterias de Emergência flerta muito mais com o rock eletrônico e psicodélico, com direito a muito sintetizador e recado. Artistas como The Strokes, David Bowie, Daft Punk, The Last Shadow Puppets e Temples são só alguns dos citados por João e Juliano como fortes inspirações para o projeto. E o mais legal disso tudo? Pela primeira vez a banda assinou a produção de um disco!

“A gente adora o Fugadoce, mas a gente entende que esse disco talvez converse mais com o que a gente é agora. E eu vejo que foi natural [o amadurecimento]. E a gente teve esses anos todos para entender e trabalhar o que mostrar para o público, com um som um pouco mais maduro, gringo, indie e inovador também”, explica Juliano.

E parte da motriz dessa liberdade partiu da mudança no processo criativo da banda, quando o João decidiu se mudar para a capital paulista. “Lá em São Paulo e eu não tendo os meninos, comecei a escrever e estudar muito produção, escrever já produzindo músicas. Então, por exemplo, “Baterias de Emergência”, a faixa do álbum foi uma das que eu mandei para os meninos já com uma demo”.

“Teve o processo contrário também! Acho que quatro faixas do disco (“Lâmina Cega”, “Ultravioleta”, “Invisível” e “Meus Poucos Amigos”), a gente trabalhou elas e mandou pro João. A gente teve que começar do zero a criar o arranjo com a banda. Então, também foi um jeito novo de trabalhar, [mostra que] você pode começar uma música tanto no computador sozinho quanto com uma banda, todo mundo com instrumento na mão e depois você leva para o computador”, Juliano explica citando a dinâmica dos integrantes que permaneceram em BH.

Além de muita música boa, a mudança do João ainda rendeu a única parceria no álbum, com a Ana Caetano, do Anavitória, na faixa “Belo Horizonte”. “Eu conheci ela em 2019, quando a gente escreveu ‘Tenta Acreditar’, que é uma faixa do álbum COR. E quando eu mudei pra São Paulo, ela foi uma pessoa que me acolheu muito [...] Um dia eu estava trabalhando com ela e mostrei várias demos que a gente já tinha. ‘Belo Horizonte’ era uma. Eu lembro quando eu botei, ela levantou da cadeira e falou ‘Nossa, isso aí tem que ser o single do disco’. Aí quando a gente foi gravar e escolheu que ela estaria no disco de fato, eu falei com os meninos [da parceria]. Mandei para ela a ideia e ela ‘Nossa, animo demais’. Ela veio para BH, gravou a voz e depois a gente marcou de gravar o clipe. Eu fiquei muito feliz!”.

Baterias de Emergência conta com 10 faixas que exploram os desafios no fato de simplesmente existirmos, sem nunca deixar o ouvinte se dispersar, apenas aumentando ou diminuindo a velocidade da viagem. E se você escutar com atenção, vai perceber que as faixas carregam trechos de demos, e momentos nos bastidores, deixando tudo ainda mais intimista.

Agora que você conheceu um pouco dos bastidores do processo criativo, bora pro álbum?

O projeto começa com a contagiante “Notas sobre o mal humor”, que envolve o ouvinte desde os primeiros segundos. Com um ritmo marcado e uma atmosfera sensual, a canção fala sobre desejar alguém, mesmo em meio à monotonia do cotidiano. A cósmica “Ultravioleta” é uma forte candidata a ser a queridinha dos fãs, e com razão, já que sua produção é uma das mais interessantes e inovadoras do projeto.

Referências à cidade de São Paulo e um refrão sem letra fazem de “Baterias de Emergência”, a faixa-título, um ótimo exemplo da proposta sonora do novo álbum. Fortíssima candidata a ser a nova música de abertura dos shows (e considerada pela banda como meia irmã da canção “O Farol”), a faixa “Lâmina Cega” chega com os dois pés na porta. Potente, sensual e barulhenta, ela narra a devoção e o desejo que o eu lírico sente por alguém.

“Invisível” traz uma atmosfera melancólica e sonhadora ao abordar a falta de sentido que as pessoas enfrentam ao longo da vida, ainda que ao final o eu lírico prometa que é possível enxergar o outro lado da moeda. A review completa das faixas “Meus Poucos Amigos” e “Belo Horizonte” você confere clicando aqui!

Definitivamente a faixa mais existencialista é “Fila do Pão”! Com um som mais acústico, a canção narra a melancolia que pode ser tentar encontrar um sentido na vida, principalmente quando as pessoas ao redor parecem já ter decifrado o código.

“Templos” usa e abusa de sintetizadores ao falar sobre a conexão que sentimos com alguém ao simplesmente trocar um olhar. O encerramento fica por conta da faixa “O Vazio”, que ao longo de 4 minutos passa por todas as fases que o eu lírico enfrentou ao longo do projeto, como ansiedade e incerteza, terminando na aceitação e reconciliação consigo mesmo.

Com Baterias de Emergência, a banda Daparte mostra que até as partes mais espinhosas da vida podem ser inspiradoras, e que até o som mais incomum pode ser uma sinfonia para os ouvidos. Agora é ficar de olho pra não perder a chance de curtir esse projeto ao vivo, que já conta com datas em SP (19/11), Belo Horizonte (29/11) e Rio de Janeiro (01/12)!

Explorando a criatividade sem medo, Lukete lança seu primeiro álbum

noreply@blogger.com (Jhonatan Oliveira) — Thu, 24 Oct 2024 14:50:00 +0000

Lukete é um jovem multiartista que faz música, poesia e ainda atua! Com belos jogos de palavras, ele traz seu primeiro álbum Lukete Me, misturando suas vivências, amores e humores. O artista também acabou de lançar seu no clipe "TETRIS" acompanhando a nova era.

Jovem paraibano, ele vem conquistando sua carreira na rima, mas também ficou conhecido por interpretar o Palmito na novela Rancho Fundo, ao participar das esquetes de próximos capítulos. Só de ouvir suas canções, vemos que Lukete é muito inventivo e abusa de sua imaginação para rimar. Suas canções trazem leveza aos sentimentos, unem amor e humor de uma forma bastante acolhedora.

Com composições modernas e cheias de referências, ele explora metáforas que deixa suas canções divertidas. Rap, Pop, Baladas, Reggae e Beats delineiam e conduzem sua escrita. Seu novo álbum Lukete Me traz 10 faixas que contam um pouquinho de cada versão dele. Os estilos passeiam em diferentes ambientes, uma mistura de rap-groove, pop, um pouco de batidas mais eletrônicas, um pouco de elemntos reggae... é um passeio multicultural através da sonoridade. O próprio artista conta:

E no fim de tudo, Lukete expôs toda criatividade para depois perceber que ele falava sobre amor em todas as faixas. A bela surpresa mostra em 10 faixas diferentes formas de expressar o amor. Destacamos "Jerimum", "Beijo Café" e "Movimento de Transação" que contemplam diferentes amores românticos em letras cheias de metáforas um tanto quanto divertidas de se entender.

Aproveitando o lançamento da nova era, ele também lançou o clipe de "TETRIS" que traz um jogo de palavras com o jogo e até com Djavan. A música tem uma pegada mais para cima e o clipe tem um jeito nostálgico de anos 1990 que reflete uma lembrança da infância e adolescência de Lukete.

O álbum Lukete Me já está disponível em todas as plataformas digitais e você pode ir conferir toda criatividade de Lukete em cada pedacinho das composições!

Daparte dá início à nova com era com “Meus Poucos Amigos” e “Belo Horizonte”

noreply@blogger.com (Alícia Araújo) — Thu, 10 Oct 2024 23:44:00 +0000

A banda mineira Daparte está de volta com os dois primeiros singles de seu terceiro álbum de estúdio. Seguindo uma linha mais minimalista e uma composição reflexiva, o grupo surpreende ao abraçar as nuances das relações humanas nas canções "Meus Poucos Amigos" e "Belo Horizonte".

Após o encerramento da era Fugadoce, que foi recheada de faixas pop rock no melhor estilo "dançar chorando", os mineiros da Daparte voltaram abordando tópicos muito presentes na geração atual de jovens: a sensação de incerteza com o futuro, o medo, as frustrações e o grande dilema de sentir que não está aproveitando a vida. Quem se identifica, levanta a mão o/

Com uma produção mais minimalista e lenta, "Meus Poucos Amigos" é aquele tipo de música que te cativa pela mensagem, como um conselho que você não sabia que precisava ouvir. No incômodo provocado pela monotonia, a banda acalma o ouvinte ao dizer que está tudo bem viver dias iguais e ainda relembra que a amizade pode – e muitas vezes é – um forte pilar para lidar com esse dilema do cotidiano, como nos versos iniciais: "Deitar, dormir e acordar / Eu sei, eu já decorei / Já tá tudo bem / No mais a vida até que vai / Meus poucos amigos me amam / E acho que eu também".

A ideia é reforçada quando chegamos no refrão, que canta: "Eu durmo mas não sonho com ninguém / E até me sinto bem / Os meus infernos também vão dançar / De alguma forma eu sei". E, por mais estranho que possa soar, saber que os seus infernos também vão se divertir faz com que a vida pareça muito mais leve, mesmo que seja um dia difícil.

A faixa "Belo Horizonte" relembra a cidade de origem da banda e ainda conta com a participação especial da cantora Ana Caetano, integrante do duo ANAVITÓRIA.

A produção é um pouco mais agitada, com um ritmo mais marcado e um refrão que grita, que é exatamente o que o nosso personagem deseja fazer ao cantar: "Eu quero é gritar de graça / E fazer a festa / Sem ter motivo algum / Se eu não for morrer de pressa / Isso é o que me resta / É viver essa vida comum".

Refletindo sobre a “pequenez” do ser humano vivendo em um mundo tão amplo e agitado, a canção aborda a sensação de vazio e isolamento que sentimos em diversas situações da vida. A verdade é que todo mundo já se sentiu assim em algum momento, e que se pudesse trocaria de lugar imediatamente com alguém para fugir dessa sensação inquietante. E não é a toa que o próprio eu lírico deseja isso ao cantar "Eu só queria por / Alguém no meu lugar / Belo Horizonte não tem graça nessa chuva / Quem sabe algum ator / Queira me interpretar / Essa semana dura um ano e nunca acaba".

Com esse gostinho do terceiro álbum, a banda Daparte mostra que é possível evoluir de forma natural, sem perder a sua essência. Agora, só nos resta aguardar o terceiro álbum de estúdio, intitulado Baterias de Emergência, que sai no dia 17/10!

Entrevista: Trio Make U Sweat revela todo o processo do novo single “Unfolds” e os planos para a carreira

noreply@blogger.com (Beatriz Amorim) — Thu, 12 Sep 2024 23:32:00 +0000

Na última sexta-feira (6), o trio de música eletrônica “Make U Sweat” formado por Pedro Almeida, Dudu Linhares e Guga Guizelini lançou seu mais novo single “Unfolds”, primeira faixa do grupo feita com ajuda de Inteligência Artificial. O trio de DJs já tem mais de 10 anos de carreira e contam com diversas parcerias de sucesso, como Lulu Santos, Toni Garrido, Tiago Abravanel, Digão do Raimundos e muito mais.

Em entrevista ao Keeping Track, o grupo contou sobre a construção de “Unfolds”, o significado da música, os planos e sonhos que querem seguir e mais!

Vem conferir:

KT: Queria começar falando sobre o lançamento da música “Unfolds”, a primeira de vocês feita com ajuda da Inteligência Artificial. Como surgiu essa ideia e como foi a construção dessa música?

Pedro: Depois que eu tive a inspiração sobre o tema da música, nós decidimos usar pela primeira vez um site de inteligência artificial. Então colocamos como inspiração: jogar menos tênis e estar mais presente em casa. Em estilo, colocamos: guitarras funkeadas dos anos 70 com riff poderoso, num vocal masculino bem pop. Já com a base pronta, jogamos a música para outro software de inteligência artificial, para separar a música em pistas, baixo, bateria e guitarra. Depois disso, fomos para a base, usamos uma bateria bem house, baixos e esses horns, riff poderoso de guitarra, synths e chords. O resultado foi esse que vocês estão vendo, achamos que ficou bem legal.

KT: Vi que a música tem o jogo de tênis como pano de fundo, pode nos contar um pouquinho sobre essa conexão e relação do jogo com a letra da música?

Pedro: Um dia desses eu tive um pequeno desentendimento com a minha esposa, ela reclamou que eu estava saindo muito para jogar tênis e ficava pouco em casa com ela, então neste momento de reflexão eu resolvi criar uma música que tivesse esse plano de fundo. A letra é uma história de amor que fala exatamente sobre isso: ficar em casa é melhor do que sair para jogar tênis.

KT: A estética dos clipes de vocês é sempre muito divertida com colagens e imagens que chamam a atenção. Vocês também participam de todo esse processo do design? Como que funciona?

Make: Participamos sim, nós temos uma equipe muito boa que vem com ideias, sugestões, mas nós gostamos de participar de todo o processo, acompanhamos sempre cada detalhe.

KT: A Inteligência Artificial se tornou muito evidente nos últimos tempos. Vocês pretendem fazer mais músicas com a ajuda da IA? Já tem alguma em mente?

Pedro: Acreditamos que a IA estará nos ajudando cada vez mais nós, seres humanos, em diversas frentes. E na produção musical não será diferente. Isso é apenas um começo. Os softwares ainda tem muito para evoluir, acreditamos que isso pode ser muito proveitoso para os produtores e com certeza diversas novidades na área irão surgir.

KT: Vocês já fizeram muitas parcerias incríveis na carreira, como Lulu Santos, Toni Garrido, Digão do Raimundos e muitos outros. Quais outras parcerias vocês querem muito fazer ainda?

Make: Tem tanta gente boa por aí que eleger apenas uma seria impossível. Mas, estamos sempre com novas parcerias e pretendemos continuar gravando com novos artistas.

KT: Quais sonhos e planos o trio Make U Sweat ainda quer muito conquistar na carreira?

Make: Esses mais de 10 anos de trajetória têm sido incrivelmente emocionantes e repletos de aprendizado. Mas muita coisa ainda está por vir e estamos muito animados. Além do lançamento de “Unfolds”, estamos trabalhando em novas músicas que buscam inovar e levar nossa paixão pela música eletrônica para as pistas de dança.

KT: Para finalizar pessoal, o que a faixa “Unfolds” significa na vida de vocês?

Make: Podemos dizer que a faixa funciona como uma virada de chave para nós, já que foi a primeira vez que utilizamos IA em uma produção. Há muito ainda para explorar.

Budah explora sedução, paixão e poder em novo single "Linha de Frente"

noreply@blogger.com (Jhonatan Oliveira) — Fri, 06 Sep 2024 18:02:00 +0000

Revelação na cena musical brasileira, Budah é uma rapper capixaba em ascensão. A artista acumula mais de 3,2 milhões ouvintes no Spotify Brasil e mais de 25 milhões de visualizações no seu canal do YouTube. Em breve ela lança seu álbum de estreia e acaba de trazer o novo single "Linha de Frente".

Budah teve um marco na sua carreira ao participar do Poesia Acústica 12 - Pra Sempre. Além disso, ela já colaborou com outros grandes nomes da música como Djonga, Lourena, Cynthia Luz, Dennis DJ, MC Cabelinho, Tz da Coronel, e Yunk Vino, consolidando-se como uma das vozes mais promissoras da nova geração do R&B e rap nacional.

"Linha de Frente" é o primeiro single do seu aguardado álbum de estreia. A canção traz uma narrativa que envolve um jogo de sedução e poder, entrelaçando a paixão, sensualidade e o desapego. Ao ouvir a letra dá pra perceber essa sedução exposta em uma entrega ao prazer e liberdade, sem que se precise de explicações e rótulos.

O álbum de estreia vai compor uma rica sonoridade refletindo um lado mais emocional de Budah, além de expressar suas diversas influências musicais. O projeto contará com feats de grandes nomes e será capaz de mostrar a versatilidade artística dela para a música brasileira.

A faixa "Linha de Frente" já está disponível em todas as plataformas digitais e o videoclipe oficial você confere na íntegra.