tag:blogger.com,1999:blog-7961286132926556250Fri, 27 Sep 2024 03:52:44 +0000chantsmelodiemusiquemusiquesrythmhttp://lamusiquesoavina.blogspot.com/noreply@blogger.com (soavina)Blogger1125tag:blogger.com,1999:blog-7961286132926556250.post-558055315858187254Wed, 28 Mar 2018 22:03:00 +00002014-09-11T09:45:11.327-07:00chantsmelodiemusiquemusiquesrythm<div dir="ltr" style="text-align: left;" trbidi="on"> <div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none;"> <br /></div> <div style="text-align: justify;"> La musique est une pratique comportant à harmoniser et composer des sons et quiétudes au cours des siècles : la cadence est le pilier de cette composition dans le passé, la sublimité celle de l’accord dans les fréquences, etc. Dans certaines situations, le concours de l'incertain a néanmoins contesté l'intégral de l’aspect voulu à la composition. Le&nbsp;terme vient de μουσική grec (mousikf), "(art) des Muses".</div> <div style="text-align: justify;"> La musique est un style, comme dans la légende grecque. La musique est donc à la fois une œuvre (un talent), une reproduction, et également une manière de correspondance. Elle emploie des authentiques coutumes ou principes d’arrangement, des plus élémentaires aux plus compliqués (les notes de musique, les éventails, ...). Elle peut user des outils divers, la personne, la voix, mais aussi des outils de musiques créés particulièrement.</div> <div style="text-align: justify;"> <br /></div> <div style="text-align: justify;"> La musique est fugitive : elle ne subsiste que dans le moment de sa sensation qui doit en replacer son "harmonie" dans le temps.</div> <div style="text-align: justify;"> <br /></div> <div style="text-align: justify;"> <div class="" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"> <script type="text/javascript"> <div class="" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"> <script type="text/javascript"> stify;"> <br /></div> <div style="border-bottom: medium none; border-left: medium none; border-right: medium none; border-top: medium none; text-align: justify;"> </div> <div style="text-align: justify;"> <br /></div> <div style="text-align: justify;"> <br /></div> <div style="text-align: justify;"> La musique a aussi vécu chez toutes les sociétés humaines, depuis la préhistoire. La musique est à la fois figure de vocable humaine particulière (surtout l'expression des émotions), source de peuple communautaire et de l’allégresse (cérémonie, air, danse), image d'une société ou d'un peuple (chant religieuse, chant guerrier...).</div> <div style="text-align: justify;"> La création, la performance, l'importance et même la définition de la musique se diffèrent selon la tradition et la situation sociale; à travers la musique de gammes à partir des arrangements bien structurés et la performance; à travers la musique d'invention à des styles incertains. La musique peut être scindée en groupes et sous-groupes, même si les lignes de divisions et les liens entre les styles musicaux sont fréquemment délicats, quelquefois entrouverts à des explications personnelles, et parfois contredites. Avec "les arts", la musique peut être rangée comme un art d' éclaircissement, un art, et l'art tonnant.</div> <div style="text-align: justify;"> Pour beaucoup de gens dans d’innombrables traditions, la musique est indispensable à leur style de vie. Les philosophes grecs et anciens philosophes indiens de la musique établissent la musique comme des appels rangés horizontalement et verticalement de la mélodie et de l’ harmonie.On peut décéler cela à travers les dictons tels que «l'harmonie des sphères» et «c'est de la musique dans mes oreilles" lesquels veulent dire la musique est généralement arrangée et convenable à écouter. Cependant, en XXe siècle, le compositeur John Cage a raisonné que toute tonalité peut être de la musique, en parlant, par exemple, “Il n'y a pas de bruit, uniquement le son”. D’après le musicologue Jean-Jacques Nattiez, "la limite entre la musique et le bruit est perpétuellement traditionellement déterminée, ce qui engage que, même à l’intérieur d'une même société, cette ligne ne va pas constamment dans la même direction, ainsi, il existe à peine un accord dans tous les cas, parce qu’il n'y a pas de pensée singulière , mondiale et intertraditionnelle pour définir ce que pourrait être la musique , sauf que la musique est "excellente à travers les époques".</div> <div style="text-align: justify;"> La musique ancienne ne peut être pas analysée par les savants, basée sur les synthèses d'une suite de explorations paléolithiques, comme les os où les trous latéraux ont été transpercés: ce sont courament reconnus comme des flûtes, soufflé à un bout; comme le shakuhachi japonais. Instruments, flûte à sept trous ; et différentes sortes d'instruments à cordes ont été retrouvés dans la vallée d'Indus. L'Inde a l'une des plus vieilles us musicaux dans le monde; des indications à la musique classique indienne (marga) peut se situer dans les anciennes graphismes de la tradition hindoue, la quête des Védas. La plus vieille tradition et le plus important instruments préhistoriques musicaux a été découvert en Chine et vieille de 7000 à 6600 ans avant JC. </div> <div style="text-align: justify;"> </div> <div style="text-align: justify;"> Les chercheurs de la musique et du théâtre fouillant l'histoire et l'anthropologie du sémitisme et de la tradition judéo-chrétienne, ont identiquement décelé des liaisons collectifves entre les activités théâtrales et musicales dans les cultures traditionnelles des Hébreux avec ceux des us plus tard, des Grecs et des Romains. La zone collective de la presentation se place dans un “ fait social nommé litanie, une figure de prière constituée d'une suite d'invocations ou des supplications. Le journal The Journal of Religion and Theatre écrit que, dans les premiers aspects de litanie, “litanie hébraïque était suivie d'une riche coutume musicale”.Alors que la Genèse 4,21 Jubal reconnaît comme le “ père de tous ceux qui tâtent à la harpe et la pipe », la Pentateuque est quasi muette sur l’usage et l'enseignement de la musique au commencement de la vie d'Israël. Et, dans I Samuel 10 et les textes qui accompagnent, une chose étonnante se produit. “On trouve dans le texte biblique”, note Alfred Sendrey, "un accroissement inopiné et inexpliqué de grands choeurs et orchestres, composé de groupes musicaux bien structurés et arrangés, qui serait quasiment invraisemblable sans longues, système de composition”. Cela a dirigé certains chercheurs à estimer que le prophète Samuel était le leader d'une école qui éduque pas exclusivement les prophètes et les saints, mais aussi les musiciens sacrés et les rites traditionnels. Cette école de musique de tout le monde, peut-être la première dans l'histoire consignée, n'a pas été gardée à une classe d’élites - qui est la manière dont le jeune berger David se présente sur la scène comme un troubadour du roi Saül. </div> <div style="text-align: justify;"> La musique était un substance important de la vie traditionnelle et sociale dans la Grèce antique: les chœurs mélangés, exécutés pour le délassement, la fête et des cérémonies spirituelles; les musiciens et les chanteurs ont une place de premier plan dans le théâtre grec antique. Au 9ème siècle, le savant arabe Al-Farabi a consigné un livre sur la musique qui a pour titre Kitab al-Musiqi al-Kabir “Grand livre de la musique”. Il a joué et a creé une multitude d'instruments de musique et prévu la règle de tonalité d’organisation de hauteur de la musique arabe, qui est encore employé dans la culture arabe actuellement.</div> <div style="text-align: justify;"> </div> <div style="text-align: justify;"> <div class="" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"> </div> <div style="text-align: justify;"> &nbsp;Pendant l'ère de la musique médiévale (500-1400), l’unique archive Européen qui a survécu depuis près de 800ans est l’air liturgique monophonique de l'Eglise catholique romaine, la coutume de la centrale qui a été dénommée chant grégorien. A côté de ces us du sacré et la musique de l’église, il y avait une tradition réelle de la romance profane. Les compositeurs de cette période était Léonin, Pérotin et Guillaume de Machaut. Durant l’époque de la musique de la Renaissance (1400-1600), la grosse partie des restes de la musique du 14ème siècle en Europe est laïque. Au milieu du 15ème siècle, les compositeurs et chanteurs ont employé une polyphonie sans heurt pour l’interprétation de la musique sacrée. L'invention de l'imprimerie commerciale a aidé à éparpiller les styles de musique plus rapidement et à travers une large zone. Les éminents compositeurs de cette époque étaient Giovanni Pierluigi da Palestrina, Thomas Morley et Orlande de Lassus.</div> <div style="text-align: justify;"> <br /></div> <div style="text-align: justify;"> L'époque de la musique baroque (1600-1750) a débuté quand les premiers opéras ont été archivés et où la musique contrapuntique est devenue préponderant. Le compositeur baroque allemand a écrit pour de petits ensembles, y compris cordes, cuivres et instruments à anche, ainsi que les chorales, orgue, clavecin et clavicorde. Pendant la période baroque, plusieurs figures majeures de musique ont été établies, qui a duré pendant la période plus tard quand la musique a été élargis et a évolué, y compris la fugue, l'invention, la sonate et le concerto. Le compositeurs de l'époque baroque étaient notamment Johann Sebastian Bach , George Frideric Handel, et Georg Philipp Telemann. La musique de la période classique (1750-1800) se définit par une texture homophonique, avec souvent un chant de premier plan avec une suite. Ces nouvelles mélodies avaient une mode à être près de la voix-aimer et chantante. Maintenant, la musique instrumentale populaire a été asservie par la modification ultérieure des formes musicales conçues pendant l'ére baroque: la sonate, et le concerto, avec l'association de la récente forme, la symphonie. Joseph Haydn et Wolfgang Amadeus Mozart figurent parmi les figures primordiales de la période traditionnelle.</div> <div style="text-align: justify;"> </div> <div style="text-align: justify;"> <div class="" style="clear: left; cssfloat: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"> <object height="344" width="425"><param name="movie" value="http://www.youtube.com/v/lkbiB0QfU3s&hl=en_US&fs=1&autoplay=1&color1=0xe1600f&color2=0xfebd01"></param> <param name="allowFullScreen" value="true"></param> <param name="allowscriptaccess" value="always"></param> <embed src="http://www.youtube.com/v/lkbiB0QfU3s&hl=en_US&fs=1&autoplay=1&color1=0xe1600f&color2=0xfebd01" type="application/x-shockwave-flash" allowscriptaccess="always" allowfullscreen="true" width="425" height="344"></embed></object></div> </div> <div style="text-align: justify;"> En 1800, l'ére romantique (1800-années 1890) de la musique élaborée, avec Ludwig van Beethoven et Franz Schubert en tant que compositeurs de transition qui ont introduit un plus : le dramatique, la forme expressive. Durant cette période, les genres existants, des formes et fonctions de la musique ont été soignés, et les qualités émotionnelles et expressives de la musique venaient de prendre le pas sur la procédé et la tradition. Pour Beethoven, de motifs développés organiquement sont venus à remplacer la mélodie de l'unité de composition les plus significatives. La fin du 19e siècle a vu une explosion spectaculaire de la taille de l'orchestre, et sur la place de spéctacle dans le cadre de la société urbaine. Plus tard, des compositeurs romantiques comme Piotr Ilitch Tchaïkovski et de Gustav Mahler ont inventé des œuvres complexes et souvent beaucoup plus de musique. Ils ont utilisé des accords plus complexes et dissonance plus corsés pour créer une tension de musique plus dramatique.</div> <div style="text-align: justify;"> <br /></div> <div style="text-align: justify;"> La musique traditionnelle indienne est l'une des plus anciennes traditions musicales dans le monde. La civilisation de la vallée de l'Indus a des sculptures qui montrent la danse et des instruments de musiques anciennes, comme la flûte sept perforée. Les différents types d'instruments à cordes et des tambours ont été récupérés à partir de Harappa et Mohenjo Daro par les fouilles dirigées par Sir Mortimer Wheeler. Le Rig-Veda a des éléments de la musique actuelle indienne, avec une notation musicale pour indiquer le mètre et le mode de chants. la musique classique indienne marga est monophonique, et basée autour d'une ligne mélodique simple ou raga rythmiquement organisés par Talas. La musique carnatique est en grande partie de dévotion, la totalité des chansons sont adressées aux divinités hindoues. Il y a beaucoup de mélodies en parlant de l'amour et autres questions sociales. La musique hindoustani a aussi été attirée par les pratiques performance des perse les Moghols en Afghanistan. </div> <div style="text-align: justify;"> </div> <div style="text-align: justify;"> <div class="" style="clear: right; cssfloat: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"> <script type="text/javascript"> <div style="text-align: justify;"> La musique asiatique couvre les cultures musicales de l'Arabie, l'Asie centrale, Asie de l'Est, Asie du Sud et Asie du Sud. La musique classique chinoise, l'art classique ou musique de cour de la Chine, a une histoire qui s'étale sur de 2900 ans. Il a son propre système de notation musicale, ainsi que de la musique de réglage et de pitch, instruments de musique et de styles ou genres musicaux. La musique chinoise est pentatonique-diatonique, ayant une échelle de douze notes de l'octave (5 +7 = 12) comme l’influence fait par la musique européenne. </div> <div style="text-align: justify;"> <br /></div> <div style="text-align: justify;"> La musique de la Grèce faisait partie d’une importante théâtre grec antique. Dans la Grèce antique, des chœurs mixtes, sont faits pour le divertissement, la célébration et des rites spirituels. Les instruments inclus l'aulos double anche et l'instrument à cordes pincées, la lyre, en particulier le type spécial appelé cithare. La musique est une partie importante de l'éducation dans la Grèce antique, et les garçons ont appris la musique dès l'âge de 6 ans. La culture musicale grecque a créé une conception d’épanouissement au développement, de cette musique grecque y compris les modes musicales grecques, par la suite devenue la base pour la musique religieuse occidentale et la musique classique. Plus tard, les influences de l'Empire romain, l'Europe orientale et l'Empire byzantin ont influencé la musique grecque. </div> <div style="text-align: justify;"> Au 20e siècle, il ya eu une forte expansion de l'écoute musicale que la radio a gagné en popularité et les phonographes ont été usées pour rejouer et de distribuer la musique. L'accent de la musique savante a été défini par l'exploration de nouveaux rythmes, des styles et des sons. Igor Stravinsky, Arnold Schoenberg, et John Cage étaient tous des compositeurs opérants dans la musique du 20e siècle.</div> <div style="text-align: justify;"> <br /></div> <div style="text-align: justify;"> La performance est l'expression physique de la musique. Souvent, une œuvre musicale est exécutée une fois que sa structure et l'instrumentation sont approuvées par ses créateurs; mais, puisqu'elle n'est effectuée, elle peut évoluer et changer. Un spectacle peut être refait ou imaginées.La création est une idée musicale inventée sans préméditation, alors que la répétition de répétition est forte d'une idée jusqu'à ce qu'il ait atteint la cohérence. Les musiciens vont parfois additionner l'improvisation à une idée bien répété pour créer un spectacle unique.</div> <div style="text-align: justify;"> De nombreuses cultures sont de solides traditions de soliste et de performance, comme la musique classique indienne, et dans la tradition de l'art la musique occidentale. D'autres cultures, comme à Bali, incluent une longue tradition de performance du groupe. Toutes les cultures sont un mélange des deux, et les performances vont de mai improvisée jouer en solo pour son exercice à très planifié et organisé des rituels de performance tels que le concert classique et moderne, les processions religieuses, les festivals de musique ou de concours de musique. La musique de chambre, qui est la musique pour un petit assemblé de gens avec seulement un petit nombre de chaque type d'instrument, est souvent considérée comme plus intime que les œuvres symphoniques.</div> <div style="text-align: justify;"> <br /></div> <div style="text-align: justify;"> Le détail explicitement incluse dans la notation musicale varie entre les genres et périodes historiques. En général, la notation musicale art du 17ème au 19ème siècle requis des artistes interprètes ou exécutants d'avoir une grande connaissance du contexte sur l'exécution des styles. Par exemple, dans le 17ème et 18ème siècle, la musique écrite pour les artistes solo ont en général montré une mélodie simple et sans ornement, mais, il était prévu que les artistes sachent comment ajouter le style approprié à des ornements tels que des trilles et des virages. Au 19e siècle, la musique d'art pour les artistes solo peut donner une instruction générale de nature à jouer de la musique expressive, sans décrire en détail comment l'artiste doit le faire. Il était prévu que l'interprète ne sait comment utiliser les variations de tempo, accentuation, et les pauses (parmi d'autres appareils) pour obtenir ce "style" expressive performance. Au 20e siècle, la notation musicale art évoluait souvent plus explicite et utilisait une série de marquages et des annotations pour indiquer aux artistes comment ils doivent jouer ou de chanter le morceau.Dans la musique populaire et le jazz, la notation musicale montre quasiment toujours que le cadre général de la mélodie, l'harmonie, ou une approche de performance, les musiciens et les chanteurs sont supposés connaître les accords de performance et de styles associés à des musiques précises et les morceaux. Par exemple, la “feuille de plomb” pour un air de jazz peut indiquert uniquement la mélodie et les changements d'accords. Les interprètes de l'ensemble de jazz sont censés connaître la manière d’ “étoffer” cet arrangement de base en additionnant des ornements, de la musique improvisée, et de l'accompagnement harmonique. </div> <div style="text-align: justify;"> <br /></div> <div style="text-align: justify;"> La musique est composée et jouée à de nombreux buts, allant du plaisir esthétique, religieux ou rituels, ou comme un produit de divertissement pour le marché. Les musiciens amateurs arrangent et interprétent de la musique à leurs guises, et ils ne tirent pas de revenus de la musique. Les musiciens professionnels sont embauchés par une série d'institutions et d'organisations, y compris les forces armées, des églises et des synagogues, des orchestres symphoniques, de la radiodiffusion ou de sociétés de production cinématographique, et les écoles de musique. Les musiciens professionnels comme pigistes travaillent parfois en sollicitant des clauses et des engagements dans une variété de contextes. Il y a souvent de nombreux liens entre les musiciens amateurs et professionnels. Le musiciens amateurs apprennent des cours de musique avec des musiciens professionnels au début. Dans les milieux communautaires, les musiciens amateurs avancés jouent avec des musiciens professionnels dans une variété d'ensembles et des orchestres. Dans certaines situations, les musiciens amateurs atteignent un niveau de compétence professionnelle, et ils sont capables d'exécuter les paramètres de performance professionnelle. Une distinction est fréquemment faite entre la musique jouée au profit d'un public et de la musique qui est effectué dans le but d'être enregistré et distribué par l'intermédiaire du système de vente de musique ou le système de radiodiffusion. Mais, il y a aussi de nombreux occasion où une performance en direct devant l’auditoire est enregistrée et distribuée ou diffusée.</div> <div style="text-align: justify;"> <br /></div> <div style="text-align: justify;"> La "Composition" de la musique est souvent rangée comme la création et l'enregistrement de la musique via un moyen par lequel les autres peuvent l'interpréter (par exemple le papier ou le son). De nombreuses traditions servent au moins une partie de l’idée de pre-concevoir matériau musical, ou sa composition, comme étant disposés à la musique classique occidentale. Même lorsque la musique est notée avec exactitude, il existe encore de nombreuses décisions qu'un artiste doit effectuer. Ce qu’on appelle l'interprétation c’est le mécanisme d'un artiste interprète ou exécutant de trancher comment interpréter de la musique qui a déjà été composée et notée. Les différentes interprétations des artistes de la musique peut même varier largement. Les compositeurs et les auteurs-compositeurs qui exposent leur propre musique sont l'interprétation, tout autant que ceux qui produisent la musique des autres ou de la musique folk. Le corps standard de choix et les techniques contemporaines à un moment donné et un endroit donné sont considérés en tant que pratique de la performance, tandis que l'interprétation est habituellement adopté pour indiquer soit les choix individuels d'un artiste, ou un aspect de la musique qui n'est pas clair, et a donc un « règle ».</div> <div style="text-align: justify;"> <br /></div> <div style="text-align: justify;"> Dans certains styles musicaux, tels que le jazz et le blues, encore plus de liberté est donnée à l'artiste de se livrer à l'improvisation sur un cadre de l’assise mélodique, harmonique ou rythmique. La plus grande latitude de la msique est donnée à l'interprète dans un style de spectacle d'improvisation appelé libre, ce qui est matériel et qui est instinctivement "pensé" (imaginaire), tout en étant accompli, et non préconçue. La musique improvisée est habituellement stylistique ou les conventions du genre et même l’«entièrement composé» comprend certains textes franchement choisis. La composition ne veut pas toujours l' emploi de la notation, ou le auteur seul sait. La musique peut aussi être déterminée en décrivant un «processus» qui peut créer des sons musicaux: exemple les carillons éoliens, ce sont les programmes informatiques qui sélectionnent le son. La musique qui contient des éléments choisis au hasard qu'on dénomme la musique aléatoire et est associée avec des compositeurs tels que John Cage, Morton Feldman, et Witold Lutoslawski.La musique peut être composée pour des performances reproduites ou il peut être improvisée et composée sur place. La musique peut être réalisé complètement à partir de la mémoire, à partir d'un système consigne de la notation musicale, ou une association des deux. L’Étude de la composition a toujours été commandée par l'examen des procédés et la pratique de la musique classique occidentale, néanmoins la définition de la composition est particulièrement large pour inclure spontanément les improvisés des ouvrages comme ceux des artistes qui interprètent le free-jazz et les tambours africains, tels que les batteurs Ewe.Ce qui est important dans l’entendement de la composition d'un morceau est de distinguer ses éléments. Une bonne compréhension des éléments intégraux de la musique peut être nécessaire pour déchiffrer exactement comment une pièce est fondée. Un élément universel de la musique est de savoir comment les sons se produisent dans le temps, en mentionnant le rythme d'un morceau de musique. Quand une pièce s’avère avoir un temps dans la sensation de changements, la musique est considérée alors être en temps de rubato, une expression italienne qui montre que le tempo de la pièce change en fonction de l' esprit expressif de l'interprète. La place incertaines de sons aléatoires, qui produit dans un montage de musique, se provoque dans une sorte de temps, et le sert ainsi comme un élément musical.</div> <div style="text-align: justify;"> <br /></div> <div style="text-align: justify;"> La notation est l'expression consignée des notes de musique et les rythmes sur papier aux moyens de symboles. Quand la musique est écrite, les emplacements et le rythme de la musique est notée, ainsi que des instructions sur la façon de jouer de la musique. L'étude de la manière de lire la notation découle la théorie musicale, l'harmonie, l'étude de la pratique d'exécution et, dans certains cas, une compréhension des façons de performance historique. La notation écrite varie avec style et l' ère de la musique. Dans l’Art de la musique occidentale, les types les plus communs de la notation sont des notes écrites, qui comprennent tous les éléments de la musique comme un orchestre, et les pièces,en etant la notation musicale pour les artistes individuels ou des chanteurs. Dans la musique populaire, le jazz et le blues, la notation musicale standard est la feuille de plomb, qui stocke la mélodie, des accords, des paroles s'il s'agit d'un morceau de chant, et la structure de la musique. Les partitions et les pièces sont aussi utilisées dans la musique populaire et le jazz, en particulier dans les grands ensemblés du jazz de «big bands».</div> <div style="text-align: justify;"> Dans la musique populaire, les guitaristes et les bassistes électriques lisent souvent la musique écrite en tablature abrégée en "tab", ce qui souligne l'emplacement des notes à jouer sur l'instrument de l'aide d'un diagramme de la guitare ou une touche de la basse. La Tabulature a aussi été exploitée à l'époque baroque pour noter la musique pour le luth. La musique écrite est produite comme des partitions. Pour interpréter de la musique de la notation, il faut comprendre à la fois des rythmes et des éléments de l’espace consacrés dans les symboles et les pratiques d'exécution qui sont associées avec un morceau de musique.</div> <div style="text-align: justify;"> <br /></div> <div style="text-align: justify;"> L'improvisation musicale est la création musicale instinctive. L'improvisation de la musique est souvent considérée comme un acte de la composition instantanée par des artistes, où les techniques de composition sont employées avec ou sans préparation. L'improvisation de la musique est une partie importante de certains types de musique, comme le blues, le jazz et le jazz fusion, dans lesquels les artistes inventent des instruments solos et des lignes de mélodies. Dans l’art de la musique traditionnelle occidentale, l'improvisation de la musique est une qualité importante à l'époque baroque et au cours de la période classique; les solistes et chanteurs improvisaient les cadences virtuoses pendant les spéctacles de musiques. Malgré cela, aux 20ème et 21ème siècles, l'improvisation a joué un rôle affaibli dans l'Art de la musique occidentale.</div> <div style="text-align: justify;"> La Théorie de la musique comprend la nature et la mécanique de la musique. Elle implique souvent la recherche des schémas qui dirigent les techniques de compositeurs et d'étudier la langue et la notation de la musique. En un sens, la musique distille la théorie et analyse les paramètres ou les éléments de la musique - rythme, l'harmonie (fonction harmonique), mélodie, structure, la forme et la texture. Globalement, la théorie musicale peut être toutes les déclarations, de croyance, ou la conception de la musique. Les gens qui étudient ces propriétés sont les théoriciens de la musique. Certains ont demandé l'acoustique, la physiologie humaine et la psychologie à l'explication du comment et pourquoi la musique est perçue. La musique a beaucoup de différents fondamentaux ou éléments: le ton, le battement ou le pouls, le rythme, la mélodie, l'harmonie, la texture, la répartition des voix, le timbre ou la couleur, les qualités expressives (dynamique et l'articulation), et la forme ou la structure. </div> <div style="text-align: justify;"> Le ton de la musique est une sensation subjective, ce qui reflète habituellement la bassesse ou Altesse d'un son. Le rythme de la musique est l'agencement de sons et de silences dans le temps. Le meter de la musique anime le temps dans les groupements pouls réguliers, qu’on appelle les mésures ou les bars. Une mélodie est une série de notes de résonnance dans la succession. Les notes d'une mélodie sont classiquement conçues par rapport à la hauteur des systèmes tels que des échelles ou des modes. L’harmonie de la musique est l'étude des sonorités verticale dans la musique. La sonorité verticale de la musique se rappelle à l'examen des relations entre les emplacements qui se produisent habituellement ensemble et en même temps, bien que l'harmonie puisse également être implicite par une mélodie qui décrit une structure harmonique. Les notes peuvent être classées en différents degrés et modes. La Théorie de la musique occidentale se divise généralement à l'octave en une série de douze notes qui pourraient être inclus dans un morceau de musique. Dans la musique écrite en utilisant, le système tonal majeur-mineur, la clé d'une pièce détermine l'échelle utilisée. La texture musicale est le son d'ensemble d'un morceau de musique communément décrite selon le nombre et la relation entre les pièces ou les lignes de la musique: monophonie, hétérophonie, la polyphonie, homophonie, ou monodie. Le timbre de la musique, parfois désigné "Couleur" ou "la tonalité des couleurs” est la qualité ou le son d'une voix ou un instrument . Les qualités expressives de la musique sont ces éléments dans la musique qui créent des changements dans la musique qui ne sont pas liées à la hauteur de rythme ou de timbre. Ils comprennent le dynamisme et l'articulation. La forme est une facette de la théorie de la musique qui traverse le concept de la syntaxe musicale, à un niveau local et mondial. Exemple: les formes communes de la musique occidentale comprennent la fugue, l'invention, le sonate allegro, le Canon, le strophique, le thème et variations, et le rondo. La musique de masse utilise souvent de style strophique souvent en assemblage avec Twelve Bar Blues. L'analyse est l'effort de décrire et d'expliquer la musique. </div> <div style="text-align: justify;"> <br /></div> <div style="text-align: justify;"> <br /></div> <div style="text-align: justify;"> Le champ de la cognition musicale comprend l'étude de nombreux apparences de la musique, y compris la manière dont la musique est reçue par le public. Plutôt que d'admettre les pratiques standard de l'analyse, la composition et l'interprétation de musique comme une donnée, de nombreuses recherches en cognition musicale cherchent plutôt à discerner les processus mentaux qui sous-tendent ces pratiques. Aussi, la recherche dans le domaine de la musique concerne à découvrir des points communs entre les traditions musicales de cultures différentes et les "contraintes" possible qui limitent ces systèmes musicaux. Les questions touchant l'innéité de musique, et les réponses émotionnelles à la musique sont également des domaines majeurs de la recherche dans ce domaine. Les personnes sourdes peuvent connaître la musique en ressentant les vibrations dans leur corps, un mécanisme qui peut être modernisée si la personne détient un objet de la résonance creuse. Le musicien sourd bien connu est le compositeur Ludwig van Beethoven, qui a composé plusieurs œuvres classiques, même après avoir complètement perdu l'ouïe. Parmi les exemples récents de musiciens sourds Evelyn Glennie, percussionniste très réputé qui a été sourd depuis l'âge de douze ans, et Chris Buck, un violoniste virtuose. Cette question est pertinente car elle indique que la musique est un processus plus profond cognitifs que non examinée d'expressions comme l’"agréable à l'oreille" ne le suggère. Beaucoup de recherches en cognition musicale cherche à découvrir ces processus mentaux complexes engagés dans l'écoute de la musique, qui peut intuitivement paraître simple, pourtant beaucoup plus consistant et complexe.</div> <div style="text-align: justify;"> <br /></div> <div style="text-align: justify;"> La musique est vécue par les individus dans une série de paramètres sociaux, qu'il s'agisse d'être les seuls à assister à un grand concert. Les spectacles musicaux prennent des formes différentes selon les cultures et les milieux socio-économiques. En Europe et en Amérique du Nord, il y a souvent un fossé entre les types de musique considérés comme une «culture haute» et «culture populaire». La «Haute culture» est les types de musique qui comprennent habituellement la musique savante occidentale tels que baroque, classique, romantique et moderne de l'ère symphonies, concertos et des œuvres en solo, et sont habituellement entendus dans les concerts formel, dans les salles de concert et les églises, avec les spectateurs assis paisiblement dans les sièges. D'autres types de musique, y compris, mais sans s'y limiter, le jazz, le blues, la soul et le country... sont souvent joués dans les bars, les discothèques et les théâtres, où le public peut être en mesure de boire, de danser, et de s'exprimer par des acclamations. Jusqu'à la fin du 20ème siècle, la separation entre «haut» et «faible» formes musicales a été suffisamment admise comme une distinction valable qui sépare de la "musique savante" de meilleure qualité, plus avancée et de la musique styles populaires entendue dans les bars et dancings. Néanmoins, dans les années 1980 et 1990, les musicologues apprennent ce fossé perçu entre «haut» et «faible»; les genres musicaux ont fait valoir que cette distinction n'est pas élaborée sur la valeur musicale ou la qualité des différents types de musique. Au contraire, ils ont soutenu que cette distinction de la musique était fondée en grande partie sur la socio-économie ou la classe sociale des artistes-interprètes ou de l'auditoire des différents types de musique. À titre d’ exemple, alors que le public des concerts classiques symphoniques ont généralement des revenus supérieurs à la moyenne, l'audience d’un concert de rap dans un quartier du centre-ville peut avoir des revenus inférieurs à la moyenne. Même si les artistes interprètes ont un statut socio-économique inférieure, et jouent dans le lieu du non-"art" de la musique, la musique effectuée, comme le blues, rap, punk, funk, ska peut être très complexe et sophistiquée. </div> <div style="text-align: justify;"> Lorsque les compositeurs introduisent des styles de musique qui brisent avec les traités, il peut y avoir une forte résistance des experts académiques de musique et de la culture populaire. Late-quatuors à cordes de Beethoven période, des dizaines de ballet de Stravinsky, le sérialisme, bebop-jazz era, hip hop, punk-rock, electronica ont tous été considérés comme la non-musique par certains critiques quand ils ont d'abord été transformés. Ces thèmes sont observés en sociologie de la musique. L'étude sociologique de la musique, parfois appelé Sociologie de la musique, est souvent conduite dans les départements de sociologie, études des médias, ou la musique est strictement attachée au domaine de l'ethnomusicologie.</div> <div style="text-align: justify;"> <br /></div> <div style="text-align: justify;"> <br /></div> <div style="text-align: justify;"> La musique que les compositeurs produisent peut être entendue à travers plusieurs médias, à la façon la plus classique est de l'entendre en direct, en la présence, ou comme l'un des musiciens. La musique en direct peut aussi être diffusée à la radio, la télévision ou l'Internet. Certains styles musicaux se concentrent sur la production d'un son pour un spectacle, tandis que d'autres se concentrent sur la production d'un enregistrement qui se mélange ensemble des sons qui n'ont jamais joué "live". Même si de styles de musique sont essentiellement en direct, L'enregistrement utilise souvent la possibilité de modifier et d'épissage pour produire des disques qui sont considérés comme mieux que la performance réelle. </div> <div style="text-align: justify;"> Comme les images parlant se sont émergées au début du 20e siècle, avec leurs pistes musicales pré-enregistrées, un nombre croissant de musiciens de l’orchestre Moviehouse se sont retrouvés sans travail. Durant les années 1920, des spectacles musicaux en direct par des orchestres, pianistes et organistes de théâtre étaient fréquents. Avec l'avènement du cinéma parlant, ces spectacles présentés ci-dessus avaient été totalement disparus. L'American Federation of Musicians (AFM) a fait des annonces à la presse pour protester contre le remplacement des musiciens jouant en direct avec des dispositifs mécaniques. En 1929, une annonce parue dans la presse Pittsburgh dispose d'une image d'une boîte étiquetée "Canned Music, Big Noise Marque,” garanti pour produire aucun réaction intellectuelle ou émotionnelle quelconque. </div> <div style="text-align: justify;"> Depuis l’introduction de la législation pour aider à protéger les artistes interprètes, compositeurs, éditeurs et producteurs, dont la Audio Home Recording Act de 1992 aux États-Unis, et dont la Convention de 1979 révisée de Berne pour la protection des œuvres littéraires et dont artistiques du Royaume-Uni, des enregistrements et des spectacles en direct sont également devenus plus abordables grâce à des ordinateurs et Internet dans un format qui est couramment appelée Music-On-Demand. </div> <div style="text-align: justify;"> Dans de nombreuses us, il y a moins de distinction entre la scène et écouter de la musique. Car, presque tout le monde est impliqué dans une sorte d'activité musicale, souvent collectif. Dans les pays industrialisés, l'écoute de la musique via un formulaire enregistré, comme l'enregistrement sonore ou regarder une vidéo de musique, est devenu banal lequel connaît le spectacle vivant, à peu près au milieu du 20e siècle. </div> <div style="text-align: justify;"> Parfois, des spectacles intègrent des sons préenregistrés. Par exemple, un disque-jockey utilise des enregistrements sur les disques pour le grattage, et quelques œuvres du 20e siècle ont un solo d'un instrument ou la voix qui se fait avec la musique qui est préenregistré sur une cassette. Les ordinateurs et de nombreux claviers peuvent être programmées pour produire et jouer Musical Instrument Digital Interface (MIDI) de la musique. Les spectateurs peuvent également devenir des artistes en participant au karaoké, un divertissement d'origine japonaise qui se détache autour d'un dispositif qui joue la voix-éliminé les versions de chansons connues. La plupart des machines de karaoké ont également des écrans vidéo qui montrent les paroles des chansons exercées; les artistes ne peuvent suivre les paroles en chantant sur les pistes instrumentales.</div> <div style="text-align: justify;"> <br /></div> <div style="text-align: justify;"> L'avènement de l'Internet a modifié l'expérience de la musique, en partie par la facilité accrue d'accès à la musique et le plus grand choix. Chris Anderson, dans son livre The Long Tail: Why the Future of Business est Selling Less of More, suggère que le modèle économique de l'offre et de la demande explique la rareté, le modèle de vente au détail, l’Internet est basé sur l'abondance. Le frais de stockages numériques sont bas, une entreprise peut se permettre de faire l'ensemble de son inventaire en ligne disponibles, donnant aux clients le plus grand choix possible. Il est ainsi devenu économiquement viable d'offrir des produits que très peu de gens se sont intéressés par les résultats de prise de la conscience des consommateurs et de plus, de choix dans une association plus étroite entre les goûts d'écouter, de l'identité sociale, et la création de milliers de marchés. </div> <div style="text-align: justify;"> Un autre effet de l'Internet se pose avec les communautés en ligne comme YouTube et MySpace. MySpace a fait des réseaux sociaux avec d'autres musiciens plus facile, et facilite grandement la distribution de leur musique. YouTube a également une grande communauté de musiciens amateurs et professionnels qui poste des vidéos et commentaires. Les musiciens professionnels aussi servent YouTube comme un éditeur gratuit de matériel promotionnel. Les utilisateurs de YouTube, par exemple, ne téléchargent uniquement et écoutent des MP3, mais également créent activement les leurs. Selon Don Tapscott et Anthony D. Williams, dans leur livre “Wikinomics”, il y a eu un passage d'un rôle traditionnel de consommateurs pour devenir ce qu'ils appellent une prosumer , à un consommateur qui crée et consomme. Les manifestations de cette musique en comprennent la production de masse, remixes et vidéos musicales par des fans . L'industrie musicale se réfléchit à l'industrie du développement attachés à la création et la vente de musique. Il se compose de maisons de disques, labels et éditeurs qui distribuent des produits de musique enregistrée au niveau international et que le contrôle souvent les droits sur ces produits. Certains labels sont «indépendants», alors que d'autres sont des filiales de grandes entreprises ou des entités internationales des groupes de médias. Dans les années 2000, la popularité progressive de l'écoute de la musique sous forme de fichiers de musique numérique sur des lecteurs MP3, iPods, ou les ordinateurs, et de musique de la négociation sur des sites de partage de fichier ou de l'acheter en ligne sous forme de fichiers numériques a eu un impact majeur sur l’entreprise traditionnelle de la musique. Beaucoup de petits magasins de CD indépendants ont cessé leurs activités comme les acheteurs de musique ont diminué leurs achats de CDs, et beaucoup d'étiquettes avaient baissé leurs ventes de CD. Certaines entreprises se sont illustrées avec le passage à un format numérique, comme iTunes et Apple, une boutique en ligne qui vend des fichiers numériques contenant des chansons sur Internet. </div> <div style="text-align: justify;"> <br /></div> <div style="text-align: justify;"> L'incorporation de la formation musicale du préscolaire à l'enseignement postsecondaire est commun en Amérique du Nord et en Europe.L’implication dans la musique est pensée pour enseigner les compétences de base telles que la concentration, de comptage, d'écoute, et la coopération tout en favorisant la compréhension de la langue, l'amélioration de la capacité de se rappeler de l'information, et créer un environnement plus propice à l'apprentissage dans d'autres domaines. Dans les écoles élémentaires, les enfants s’initient souvent à jouer des instruments comme la flûte à bec, chanter dans des petits chorales , et apprendre l'histoire de l’Art de la musique occidentale. Les élèves des écoles secondaires ont la possibilité d'effectuer un certain type de musiques ensembles, dans certains systèmes scolaires, les classes de musique sont disponibles. Certains élèves suivent aussi des leçons privées de musique avec un professeur. Les musiciens amateurs apprennent généralement des leçons des rudiments de musique et débutent au niveau intermédiaire de techniques musicales. Au niveau universitaire, les étudiants dans la plupart des programmes d'arts et sciences humaines peuvent recevoir des crédits pour des cours de musique, qui prennent habituellement la forme d'un cours aperçu sur l'histoire de la musique, ou un cours d'appréciation de la musique qui met l'accent sur l'écoute de la musique et l'apprentissage des différentes styles musicaux. En outre, la plupart des universités nord-américaines et européennes ont un certain type de musiques d'ensembles que les non-étudiants en musique sont en mesure de participer. L'étude de la musique occidentale en dehors l’Amérique du Nord et en Europe est de plus en plus courante, tels que l'Institut indonésien des arts à Yogyakarta, en Indonésie, ou les programmes de musique classique qui sont disponibles dans les pays asiatiques comme la Corée du Sud, le Japon et la Chine. Dans le même temps, les universités occidentales et les collèges ont élargit leur programme pour y inclure la musique de cultures non occidentales, telles que la musique d'Afrique ou de Bali (par exemple la musique de gamelan). </div> <div style="text-align: justify;"> <br /></div> <div style="text-align: justify;"> Résumons.La musicologie est l'étude du sujet de la musique. Les définitions plus tôt définissent trois sous-disciplines: la musicologie systématique, de la musicologie historique et la musicologie comparée ou l'ethnomusicologie. Dans l'érudition contemporaine, on est plus susceptible d’apercevoir une dichotomie de la discipline dans la théorie musicale, histoire de la musique et ethnomusicologie. Des recherches en musicologie ont souvent été enrichi par la Croix-travail disciplinaire, par exemple dans le domaine de la psychoacoustique. L'étude de la musique de tradition non occidentales, et l'étude didactique de la musique, sont appelées l'ethnomusicologie. </div> <div style="text-align: justify;"> Le musicologie des animaux est l'étude de la musique des animaux non humains, ou les aspects musicaux de sons produits par les animaux non-humains. Comme George Herzog (1941) a demandé: “Les animaux ont-music?" François-Bernard Mâche's Musique, mythe, nature, ou Les Dauphins d'Arion (1983), une étude de "ornitho-musicologie" en utilisant une technique de Nicolas Ruwet propre langue, musique, poésie (1972) analyse de segmentation paradigmatiques, montre que les chants d'oiseaux sont organisées selon un principe de répétition de transformation. Jean-Jacques Nattiez (1990), fait valoir qu ' "en dernière analyse, il est un être humain qui décide de ce qui est et n'est pas de musique, même si le son n'est pas d'origine humaine. Si nous reconnaissons que le son n'est pas organisé et conceptualisées (c'est fait pour former la musique), simplement par son producteur, mais par l'esprit qui le perçoit, puis la musique est uniquement de l'homme. " </div> <div style="text-align: justify;"> La théorie de la musique est l'étude de la musique, généralement de manière très technique en dehors des autres disciplines. Plus généralement il s'agit de toute étude de la musique, classiquement liée à une forme quelconque avec les préoccupations de composition, peut et introduire les mathématiques, la physique et l'anthropologie. Les lignes directrices pour écrire dans le style de la période de pratique courante, ou la musique tonale sont le plus fréquemment apprises dans les classes au début de théorie musicale. La théorie, qui étudie la musique de la période de pratique courante, peut prendre de nombreuses autres formes. La théorie des ensembles de musique est l'application de la théorie mathématique exposée à la musique, d'abord appliquée à la musique atonale. La théorie de la musique spéculative, en contraste avec la théorie musicale analytique, est usitée à l'analyse et la synthèse des textes musicaux, par exemple au point les systèmes, communément en tant que préparation pour la composition. </div> <div style="text-align: justify;"> Mais, ce que je vous montre ici, ce sont toutes les musiques qui ont marqué ma vie d'adolescence jusqu'à l'age adulte,....</div> <br /> <div style="text-align: justify;"> </div> <div style="text-align: justify;"> </div> <div style="text-align: justify;"> </div> GSMW47NVR5E6http://lamusiquesoavina.blogspot.com/2010/03/la-musique-est-une-pratique-comportant.htmlnoreply@blogger.com (soavina)0Daun Penh, Cambodia11.577589985684696 104.9205708503723111.576275985684696 104.91874685037232 11.578903985684697 104.92239485037231