Planet Music

Reformulando o Blog...

2015-06-01T00:00:00.000-03:00

Criamos uma enquete para você leitor do Blog Planet Music decidir se o blog deverá continuar falando só de música ou das artes em geral, a enquete se encontra no final do blog.

Enquete 1: Além de música, o blog também deve falar sobre outros tipos de artes?

Responda sim ou não.

Enquete 2: Quais dos 11 tipos de arte o blog também deveria conter?

Música

Dança

Pintura

Escultura

Teatro

Literatura

Cinema

Fotografia

Quadrinhos

Vídeo Games

Arte Digital

Na 2ª enquete você poderá marcar mais de uma opção.

Dê sua opinião, caso queira dar alguma sugestão, entre em contato conosco através do box de contato no final do blog.

Estamos aguardando sua opinião!

Férias

2015-01-17T00:00:00.000-02:00

Olá,

Estamos de férias, mas, em breve voltaremos com mais postagens.

Aguarde

Marlon Loppes

Feliz Ano Novo

2015-01-01T00:00:00.000-02:00

É tempo de refazer planos, reconsiderar os equívocos e retomar o caminho para uma vida cada vez mais feliz. Teremos outras 365 novas oportunidades de dizer à vida, que de fato queremos ser plenamente felizes. Que queremos viver cada dia, cada hora e cada minuto em sua plenitude, como se fosse o último. Que queremos renovação e buscaremos os grandes milagres da vida a cada instante.

Todo Ano Novo é hora de renascer, de florescer, de viver de novo. Aproveite este ano que está chegando para realizar todos os seus sonhos!

Feliz Ano Novo!!!

Reflita na letra dessa música e tenha um Feliz 2015!!!

Feliz Natal

2014-12-24T23:00:00.000-02:00

Um momento doce e cheio de significado para as nossas vidas. É tempo de repensar valores, de ponderar sobre a vida e tudo que a cerca. É momento de deixar nascer essa criança pura, inocente e cheia de esperança que mora dentro de nossos corações. É sempre tempo de contemplar aquele menino pobre, que nasceu numa manjedoura, para nos fazer entender que o ser humano vale por aquilo que é e faz, e nunca por aquilo que possui.

Noite cristã, onde a alegria invade nossos corações trazendo a paz e a harmonia.

O Natal é um dia festivo e espero que o seu olhar possa estar voltado para uma festa maior, a festa do nascimento de Cristo dentro de seu coração. Que neste Natal você e sua família sintam mais forte ainda o significado da palavra amor, que traga raios de luz que iluminem o seu caminho e transformem o seu coração a cada dia, fazendo que você viva sempre com muita felicidade.

Feliz Natal!!!

Neste natal, reflita na letra dessas duas canções:

Feliz Dia do Músico

2014-11-22T00:00:00.000-02:00

A você músico que canta e encanta

com a mágica de criar um som,

de tocar os corações, de unir almas,

a nossa singela homenagem!

Cante, Toque e Encante

22 de Novembro – Dia do Músico

Vocalistas e Extensões Vocais

2014-05-14T19:55:00.000-03:00

Na música, um vocalista ou cantor é um músico que canta, ou seja, usa a voz como seu instrumento musical. Um cantor principal, ou solista, é aquele que canta a voz primária de uma música, enquanto o cantor der a solistas vocais, os solistas, ordinariamente, podem também cantar a parte do coro quando os solistas não têm partes separadas. Em textos de programas, ou de gravações, o termo "vocal" se refere à parte instrumental que um cantor executa; assim como podemos encontrar o termo, baixo, para quem toca o contrabaixo; percussão, para quem toca a percussão, e assim por diante.

Na música, as vozes são tratadas tal como instrumentos musicais.

Extensão vocal

Extensão vocal refere-se ao conjunto de todas as notas que um cantor consegue articular, independente da qualidade dessa articulação. A extensão tem, portanto, uma abrangência maior que a tessitura. Enquanto que a extensão representa todas as notas fisicamente realizáveis, a tessitura refere-se às notas mais apropriadamente realizadas no que tange a qualidade da emissão. Sendo assim, um cantor poderá articular notas fora de sua tessitura, mas jamais realizará notas fora de sua extensão vocal. Principais vozes:

Escalas com as extensões vocálicas

Femininas

Soprano

Mezzo-soprano (meio-soprano)

Mezzo-contralto (meio-contralto)

Contralto

Masculinas

Sopranista

Contratenor

Haute-contre

Tenor

Baritenor

Barítono

Baixo-barítono

Baixo

Outras Classificações

Buffos

Vozes brancas

Vozes raras

Vocal gutural

Extensão das principais vozes

Tenor ligeiro: voz pouco forte; alcança notas agudas.

Tenor lírico: voz mais forte; timbre suave.

Tenor dramático: voz forte; timbre metálico.

Barítono lírico: voz intermediária entre agudo e grave.

Barítono dramático: voz mais forte e timbre metálico.

Baixo cantante: voz grave, timbre suave.

Baixo profundo: voz bem grave e mais forte que a anterior.

Soprano ligeiro: voz agudíssima; timbre fraco, de grande agilidade.

Soprano dramático: voz forte; timbre doce.

Mezzo-soprano: voz intermediária entre agudo e grave.

Contralto: voz feminina mais grave, timbre escuro.

Dia Mundial da Voz 2014

2014-04-16T08:00:00.000-03:00

16 de Abril é o dia Mundial da Voz.

Proposto em 2002 e comemorado pela primeira vez em 2003. Pode-se afirmar que o seu objetivo foi alcançado – dar visibilidade à voz.

É unanimemente reconhecido que a população em geral está muito mais alerta às alterações da voz, e que tem permitido o diagnóstico precoce de novas doenças.

Mas importa salientar que a par do diagnóstico precoce, promovem-se também a Prevenção enquanto multiplicam agressões que podem comprometer a voz, o nosso principal meio de comunicação.

Ao longo destes doze anos, têm sido inúmeras as ações destinadas a promover a saúde vocal – rastreios, folhetos, entrevistas, reportagens nos media, conferências, jornadas, workshops, espetáculos, dinamização de festa de Voz nas escolas e a criação do prémio Voz/Montepio entre outros. Este site que procura contribuir para a divulgação dos principais cuidados que a voz exige, inclui textos e imagens sobre anatomia e fisiologia, sistematizando os cuidados que se deve ter com a voz, descrevendo as principais doenças que a podem afetar.

São ainda referidas iniciativas que têm sido organizadas e que podem servir de estímulo para novas ideias e propostas.

Fonte: http://www.diamundialdavoz.com/site_dmv/home.asp

As Pregas Vocais

2014-04-07T08:00:00.000-03:00

As duas pregas vocais formam com um tecido musculoso as cordas vocais, situadas no interior da laringe. O expulsar do ar por elas as fazem vibrar produzindo o som pelo qual nos comunicamos. As pregas são fibras elásticas que se distendem ou se relaxam pela ação dos músculos da laringe com isso modulando e modificando o som e permitindo todos os sons que produzimos enquanto falamos ou cantamos.

Todo o ar inspirado e expirado passa pela laringe e as pregas, estando relaxadas, não produzem qualquer som, pois o ar passa entre elas sem vibrar. Quando falamos ou cantamos, o cérebro envia mensagens pelos nervos até os músculos que controlam as cordas vocais que fazem a aproximação das cordas de modo que fique apenas um espaço estreito entre elas. Quando o diafragma e os músculos do tórax empurram o ar para fora dos pulmões, isso produz a vibração das cordas vocais e consequentemente o som. O controle da altura do som se faz aumentando-se ou diminuindo-se a tensão das cordas vocais.

Extensão Vocal

A frequência natural da voz humana é determinada pelo comprimento das cordas vocais. Assim mulheres que têm as pregas mais curtas possuem voz mais aguda que os homens com pregas mais longas. É por esse mesmo motivo que as vozes das crianças são mais agudas do que as dos adultos. A mudança de voz costuma ocorrer na puberdade que é provocada pela modificação das pregas que de mais finas mudam para uma espessura mais grossa. Este fato é especialmente relevante nos indivíduos do sexo masculino. O comprimento e a espessura das cordas vocais determinam, tanto para o sexo masculino, como para o feminino, a extensão vocal.

A laringe e as pregas vocais não são os únicos órgãos responsáveis pela fonação. Os lábios, a língua, os dentes, o véu palatino e a boca concorrem também para a formação dos sons.

Funções das Pregas Vocais

A fonação é apenas uma das funções exercidas pelas pregas vocais, além de fonar elas apresentam as seguintes atividades:

Proteção das vias aéreas superiores. Assim como a epiglote, toda vez que deglutimos as pregas vocais se fecham.
Selamento laríngeo.

A Voz Humana

2014-04-04T08:00:00.000-03:00

A voz humana consiste em 69 cordas vocais no som produzido pelo ser humano usando suas cordas vocais para falar, cantar, gargalhar, chorar, gritar, etc. Sua frequência varia entre 50 e 3400 Hz. De modo geral, o mecanismo para gerar a voz humana pode ser subdividido em três partes: os pulmões, as pregas vocais dentro da laringe e os articuladores (lábios, língua, dentes, palato duro, véu palatar e mandíbula).

O pulmão produz um fluxo de ar, que funciona como um combustível para a voz, que é expulso pelo diafragma e passa para as pregas vocais, que vibram e transformam esse ar em pulsos sonoros, formadores da fonte de som do nervo laríngeo. Os músculos da laringe ajustam a duração e a tensão das pregas vocais para adequar a altura e o tom. Os articuladores articulam e filtram o som emanado pela laringe e até certo ponto podem interagir com o fluxo de ar para fortalecê-lo ou enfraquecê-lo como a fonte do som.

As pregas vocais, juntamente com os articuladores, são capazes de produzir sons altamente intrincados. O tom da voz pode ser modificado para sugerir emoções como raiva, surpresa e felicidade. Cantores usam a voz humana como um instrumento para criar música.

Produção

A voz é produzida quando o ar respiratório (vindo dos pulmões) passa pelas pregas vocais, e por nosso comando neural, por meio de ajustes musculares, faz pressões de diferentes graus na região abaixo das pregas vocais, fazendo-as vibrarem. Esse mecanismo se assemelha ao balão, quando o secamos apertando sua "boca", provocando um ruído agudo, fruto da vibração da borracha.

O ar expiratório, que fez as pregas vocais vibrarem, vai sendo modificado e os sons vão sendo articulados (vogais e consoantes). Depois, emitidos pela boca, criam a onda sonora que vai atingir a cóclea do ouvinte. Então a voz é ouvida.

As pregas vocais vibram muito rapidamente. Nos homens, esse número de ciclos vibratórios fica em torno de 125 vezes em um segundo. Na mulher, que tem voz, geralmente, mais aguda, o número aumenta para 250 vezes por segundo. A essa característica damos o nome de frequência. As pregas vocais do homem têm mais massa e são menos esticadas que as da mulher (como no violão, as cordas mais esticadas são mais agudas e vibram mais que as cordas mais graves).

Voz e Comunicação

A voz é uma característica humana intimamente relacionada com a necessidade do homem de se agrupar e se comunicar. Ela é produto da sua evolução, um trabalho em conjunto do sistema nervoso, respiratório e digestivo, e de músculos, ligamentos e ossos, atuando harmoniosamente para que se possa obter uma emissão eficiente. As pregas vocais (ou cordas vocais), primordialmente, não foram feitas para o uso da voz. Esta foi uma função na qual a laringe (local onde se encontram as pregas vocais) se especializou, mas estes músculos foram desenvolvidos, em primeiro lugar, para as funções de respiração, alimentação e esfincteriana.

A voz está associada à fala, na realização da comunicação verbal, e pode variar quanto à intensidade, altura, inflexão, ressonância, articulação e muitas outras características.

Eufonia e Disfonia

À emissão de uma voz saudável damos o nome de eufonia. A uma voz doente, ou seja, com uma ou mais de suas características alterada, damos o nome de disfonia. A disfonia pode ser orgânica, funcional ou mista (orgânica-funcional). Ela não é uma doença, mas o sintoma, uma manifestação de um mau funcionamento de um dos sistemas ou estruturas que atuam na produção da voz.

A disfonia pode ser tratada. O profissional habilitado e responsável pela intervenção das disfonias é o fonoaudiólogo, e geralmente este profissional trabalha em conjunto (no caso da voz) com o otorrinolaringologista ou o laringologista. Pode, ainda, trabalhar com o professor de canto. A voz sofre muita influência de hormônios e de nossas emoções. É comum ouvir pessoas que estão muito tristes ou nervosas, roucas. A rouquidão é um tipo de disfonia.

A incapacidade de produzir a voz é chamada de afonia.

Timbre

O timbre da voz humana depende das várias cavidades que vibram em ressonância com as pregas vocais. Aí se incluem as cavidades ósseas, cavidades nasais, a boca, a garganta, a traqueia e os pulmões, bem como a própria laringe.

Frequência

A mais baixa frequência que pode dar a audibilidade a um ser humano é mais ou menos a de 20 hertz (vibrações por segundo), enquanto a mais alta se encontra entre 10.000 e 20.000 hertz, o que depende da idade do ouvinte (quanto mais idoso, menores as frequências máximas ouvidas). A frequência comum de um piano é de 40 a 4.000 hertz e a da voz humana se encontra entre 50 e 3.400 hertz.

O recorde de registro (tessitura) de voz mais alta pertence à Georgia Brown, que possui o registro de exatas oito oitavas (G2 à G10), o que é mais alto do que qualquer nota de piano.

Voltamos...

2014-04-03T13:51:00.002-03:00

Da última vez que falei que estávamos de volta, fiquei quase um ano sem postar.

Mas, agora estamos de volta de verdade, este tempo que estive fora eu me aprofundei mais no mundo da música.

Estamos com várias partituras para postar, vamos voltar com a série explicando os instrumentos em detalhes, teremos várias curiosidades, etc.

E pra começar, vamos fazer uma série sobre a Voz Humana, dando dicas de como cuidar da voz, falando sobre as extensões vocálicas, etc.

Aguardo à visita de vocês!!!

Marlon Loppes

Estamos de Volta...

2013-04-26T23:00:00.000-03:00

Estamos de volta depois de um longo período de férias.

Nesta nova fase do blog, continuaremos com a história dos instrumentos, teremos partituras, algumas curiosidades e muito mais.

Agora também estamos no Facebook, curta a nossa página http://www.facebook.com/planetmusicbr

Marlon Loppes

Firework

2012-12-31T23:30:00.003-02:00

Que em 2013, você solte os fogos de artifício que tem dentro de você.

Firework

Katy Perry

Do you ever feel
Like a plastic bag
Drifting through the wind
Wanting to start again

Do you ever feel,
Feel so paper thin
Like a house of cards
One blow from caving in

Do you ever feel
Already buried deep
Six feet under screams
But no one seems to hear a thing

Do you know that there's
Still a chance for you
Cause there's a spark in you

You just gotta
Ignite the light
And let it shine
Just own the night
Like the 4th of July

Cause baby you're a firework
Come on show 'em what you're worth
Make 'em go "Ah, ah, ah!"
As you shoot across the sky "Ah, ah!"

Baby you're a firework
Come on let your colors burst
Make 'em go "Ah, ah, ah!"
You're gonna leave them all in "awe, awe, awe"

You don't have to feel
Like a wasted space
You're original,
Cannot be replaced

If you only knew
What the future holds
After a hurricane
Comes a rainbow

Maybe a reason why
All the doors are closed
So you could open one that leads
You to the perfect road

Like a lightning bolt,
Your heart will glow
And when it's time, you'll know

You just gotta
Ignite the light
And let it shine
Just own the night
Like the 4th of July

Cause baby you're a firework
Come on show 'em what you're worth
Make 'em go "Ah, ah, ah!"
As you shoot across the sky "Ah, ah!"

Baby you're a firework
Come on let your colors burst
Make 'em go "Ah, ah, ah!"
You're gonna leave them all in "awe, awe, awe"

Boom, boom, boom
Even brighter than the moon, moon, moon
It's always been inside of you, you, you
And now it's time to let it through

Cause baby you're a firework
Come on show 'em what you're worth
Make 'em go "Ah, ah, ah!"
As you shoot across the sky "Ah, ah!"

Baby you're a firework

Come on let your colors burst
Make 'em go "Ah, ah, ah!"
You're gonna leave them all in "awe, awe, awe"

Boom, boom, boom
Even brighter than the moon, moon, moon
Boom, boom, boom
Even brighter than the moon, moon, moon

Fonte: http://letras.mus.br/katy-perry/1731882/

Feliz 2013!

2012-12-31T00:00:00.000-02:00

Os fogos anunciam a chegada de um ano novo! É hora de refazer seus sonhos ainda não realizados e acreditar que irá concretizá-los. Soltar um olhar solidário e acalantador para os seus amigos e bocejar para os inimigos. Aprender com os erros do ano já ido e brindar o ano bem vindo com um sorriso. Correr ao encontro daquele amor ainda não perdido ou surpreender mais uma vez o amor já conquistado. Desejo a você um ano repleto de luz, amor, saúde e prosperidade.

Feliz Ano Novo! Feliz 2013!

Marlon Loppes

Tenha um Feliz, Feliz Natal

2012-12-24T00:00:00.000-02:00

Hoje resolvemos juntar as palavras para te dar um feliz Natal, desejamos que você seja muito feliz, que busque e alcance seus sonhos, que nessa noite mágica a sua vida seja repleta de alegria e que tudo dê certo para você. Seja feliz neste Natal e em todos os outros, que todas as boas surpresas se revelem nessa noite de paz, para que você sinta orgulho de ser feliz, de ser essa pessoa especial que você é, que a cada presente, cada abraço, você venha a sentir o carinho das pessoas que tanto te consideram, por isso, estamos aqui para te dizer: seja feliz, fique em paz e tenha o melhor Natal, você merece e nós desejamos a você, todos os votos de saúde, amor, prosperidade e alegria.

Feliz Natal!!!

Marlon Loppes

A Harpa

2012-12-22T00:00:00.001-02:00

Segundo uma lenda, a harpa foi inventada pelo povo egípcio para tocar as melodias que agradavam seus deuses. Mas segundo a Bíblia, seu fundador foi Jubal. Gênesis 4:21.*

A Harpa é um dos instrumentos de existência mais remota. Ela tem a forma de um triângulo e suas cordas, de extensões distintas, estão posicionadas em um patamar perpendicular à tampa da caixa de ressonância. Elas são atadas por cravelhas – peça em que se enrola a ponta superior das cordas de um instrumento para que elas sejam tensionadas.

Este instrumento provavelmente procede dos ancestrais arcos utilizados para caçar alimentos; o homem primitivo percebeu, aos poucos, o som que era produzido quando suas mãos tocavam levemente as cordas da arma improvisada. Seu próprio formato remete à forma deste artefato.

Sabe-se de sua ancestralidade pelas referências que são feitas à harpa em fabulações que narram epopéias, nos poemas antigos e em variadas obras de arte. Desta forma é possível deduzir que este instrumento já existia antes mesmo da vinda de Cristo, em regiões como a Babilônia e a Mesopotâmia.

Em monumentos históricos, como a cripta do faraó egípcio Ramsés III, que viveu de 1198 a 1166 a.C., ou em esculturas gregas da era antiga e em cavernas iraquianas, que remontam a 2900 a.C., foram descobertas imagens de harpas. Já a versão portátil se origina indubitavelmente de terras irlandesas; ela é inclusive o símbolo heráldico da Irlanda.

Há duas espécies de harpas: as de caixilho, espécie de moldura de madeira ou metal, e as abertas. A primeira tem um traço distintivo, a presença de uma coluna simples que conecta a região da caixa de ressonância à consola, esfera superior recurva deste instrumento; a segunda, por não apresentar o pilar, tem uma configuração curvada – é o caso da lira e da harpa africana.

No período em que o Islã se desenvolveu, no século VIII, a harpa disseminou-se do norte da África até a Espanha, difundindo-se velozmente por todo o continente europeu. Em meados de 1720 elaborou-se a harpa com pedais, um estágio significativo na história deste instrumento.

Parece que Celestin Hochbrücker foi o responsável pela criação da harpa, a qual foi posteriormente burilada pelo francês Érard, em 1810. Hoje a harpa sinfônica é composta por 46 ou 47 cordas paralelas e sete pedais; quatro destes são correspondentes ao pé direito e três são manuseados pelo pé esquerdo.

A harpa desenvolve um som inebriante, impossível de se traduzir verbalmente, daí seu intenso poder de sedução. Vários harpistas se destacaram ao longo da história, entre eles Nicolas Bochsa, Harpo Marx, Gabriel Cavalcante, e Orla Fallon, do grupo Celtic Woman. A banda germânica Haggard, que produz música folk metalizada, também usa a harpa em alguns de seus espetáculos.

Ela é tocada por meio de um método denominado dedilho, ou seja, a sonoridade é elaborada através da vibração das cordas quando elas são ativadas pelos dedos dos instrumentistas.

O Violino

2012-06-19T15:00:00.000-03:00

O violino é um instrumento musical, classificado como instrumento de cordas friccionadas. É o menor e mais agudo dos instrumentos de sua família (que ainda possui a viola, o violoncelo, correspondendo ao Soprano da voz humana). O violino possui quatro cordas, com afinação da mais aguda à mais grave: Mi5, Lá4, Ré4 e Sol3. O timbre do violino é agudo, brilhante e estridente, mas dependendo do encordamento utilizado, podem-se produzir timbres mais aveludados. O som geralmente é produzido pela acção de friccionar as cerdas de um arco de madeira sobre as cordas. Também pode ser executado beliscando ou dedilhando as cordas (pizzicato), pela fricção da parte de madeira do arco (col legno), ou mesmo por percussão com os dedos ou com a parte de trás do arco.

Assim como outros instrumentos de cordas, os violinos também podem ser amplificados eletronicamente. A sua utilização mais comum é nos naipes de cordas das orquestras. O género mais comum é a música erudita. Existem no entanto diversos músicos que o utilizam na música folclórica, jazz, rock e outros géneros populares.

Esticada na parte inferior do arco estão as cerdas, que são feitas de vários fios de crina de cavalo, ou de material sintético.

A extensão do violino é do Sol2 (mais grave e a última corda solta), ao Sol6 (3 notas antes da mais aguda que se pode ouvir).

História do violino

A palavra violino vem do latim médio, vitula, que significa instrumento de cordas. Sua origem vem de instrumentos trazidos do Oriente Médio e do Império Bizantino. Os primeiros violinos foram feitos na Itália entre os meados do fim do século XVI e o início do século XVII. A sua criação é atribuída ao italiano Gasparo de Salò. Toda a invenção do violino foi conduzida pelas raízes do instrumento milenar chinês erhu, as raízes deste instrumento foram os instrumentos de cordas friccionados por arco mais antigos já descobertos.

O violino propriamente dito manteve-se inalterado por duzentos anos. A partir do século XIX modificou-se apenas a espessura das cordas, o uso de um cavalete mais alto e um braço mais inclinado. Inclusive, a forma do arco consolidou-se aproximadamente nessa época. Originalmente com um formato côncavo, o arco agora tem uma curvatura convexa, o que lhe permite suportar uma maior tensão das crinas, graças às mudanças feitas pelo fabricante de arcos François Tourte, a pedido do virtuose Giovanni Battista Viotti, em 1782.

O violino tem longa história na execução de músicas de raiz popular, que vem desde os seus antecessores. A sua utilização tornou-se mais expressiva a partir da segunda metade do século XV.

Construção

Como outros instrumentos de cordas, os violinos são construídos por luthiers. Tradicionalmente são instrumentos puramente acústicos, cujo som é amplificado naturalmente pela caixa de ressonância de madeira. No entanto, existem instrumentos amplificados eletronicamente, através de captadores ou microfones. Assim como as guitarras eléctricas, os violinos electrificados não necessitam de caixa de ressonância. Alguns possuem corpo maciço e outros nem possuem corpo, mas apenas molduras para a sustentação das cordas.

Partes do Violino

O violino é guardado, normalmente, num estojo cuja forma e material podem variar. Esse estojo contém necessariamente o violino, o arco, a resina, a almofada (ou espaleira), uma surdina, uma flanela para limpeza e cordas sobressalentes. Pode conter, esporadicamente, dependendo do caso, partituras, um outro arco, um metrónomo, um higrómetro, um humidificador, um diapasão, giz para conservação das cravelhas.

Ouvidos, Efes ou Aberturas acústicas são os orifícios que permitem aos sons (vibrações), amplificados pelo corpo do instrumento, atingir o espaço externo e finalmente os nossos ouvidos.

Cravelhas são as peças de madeira, onde se fixam as cordas, e são usadas para afinar o instrumento girando-as em sentido horário ou anti-horário, a fim de retesar ou afrouxar as cordas. Os violinos desafinam com facilidade, especialmente com mudanças de temperatura, ou em viagens longas. Um violino precisa ser afinado muitas vezes até que as cordas novas se acomodem.

Cavalete é a peça na qual se apoiam as 4 cordas distendidas. A parte inferior do cavalete – dois pequenos pés – fica apoiada no plano harmónico do violino (tampo superior – o inferior chama-se fundo). Pequenas ranhuras no cavalete mantêm as cordas no lugar. O cavalete transforma as vibrações horizontais em verticais e depois transmite as vibrações das cordas para o corpo do violino.

Cordas são de aço cromado ou de material sintético, revestidas com uma fita metálica de alumínio, níquel, ou, as melhores, de prata. A afinação padrão para as cordas seguindo por ordem de espessura é Mi (1ª corda, a mais aguda), Lá (2ª corda), Ré (3ª) e Sol (a 4ª corda, a mais grave).

Estandarte é uma peça aproximadamente triangular que fixa as cordas na extremidade oposta ao braço.

Fixo é um pequeno acessório metálico que se prende no estandarte, no furo correspondente às cordas. Possui um parafuso que ao girá-lo, permite precisão na afinação da corda.

Queixeira: Peça anatómica que serve para o violinista acomodar de maneira mais confortável o violino ao queixo.

O Arco é feito de madeira, fios de crina de cavalo (ou de plástico tipo nylon) são ajustados às duas extremidades desta peça de madeira, longa e curva, com cerca de 75 cm de comprimento. A crina de cavalo dá uma maior qualidade ao som e o ajuste da sua tensão é feito por um parafuso colocado no talão, a parte segurada pela mão direita do violinista. A outra extremidade do arco denomina-se ponta. O arco do violino é como a respiração para os cantores ou instrumentistas de sopro. Os seus movimentos e sua articulação constituem a dicção dos sons e a articulação das células rítmicas e melódicas. Todas as nuances sonoras, colorido e dinâmica musical do violino estão intimamente ligadas à relação existente entre a condução do arco e a precisão dos movimentos sincronizados da mão esquerda junto com a mão direita.

A espaleira é um acessório utilizado para apoiar o violino ao ombro do músico. Não é um acessório obrigatório, é utilizado apenas quando o músico não consegue apoiar o violino ao ombro.

Cuidados

· Mantenha o violino afastado do sol, pois o calor pode fazer a madeira rachar ou descolar.

· Passar regularmente uma flanela no violino, pois a poeira além de desgastar o violino, diminui o tempo de duração das cordas.

· Sempre limpar as mãos antes de manusear o violino.

· Passar sempre que necessário a resina nas cerdas do arco, se tocar.

· Afrouxar as cerdas do arco antes de guardar o instrumento, recorrendo ao parafuso-sem-fim. Este ponto é de grande importância dado que a vara do arco (parte da madeira) tem uma curvatura ideal para produzir o som, quando a tensão das cerdas se mantém exagerada por longos períodos de tempo, esta curvatura tende a desaparecer e o arco fica então inutilizado.

Execução

A execução mais comum é a fricção do arco nas cordas. Antes de tocar o instrumento, o violinista passa sobre as cerdas uma resina chamada breu, que tem o efeito de produzir o atrito entre as cerdas e as cordas, gerando o som. O som produzido pelas cordas é transmitido ao corpo oco do violino, denominado caixa de ressonância, pela alma, um cilindro de madeira que fica dentro do corpo do violino, mais ou menos abaixo do lado direito do cavalete. A alma liga, mecânica e acusticamente, o tampo superior ao inferior do violino, fazendo com que o som vibre por todo o seu corpo.

Posição Correta

Corpo erecto e busto para frente. As pernas devem ficar um pouco abertas para estabilizar o equilíbrio do corpo. Motivo: Quando o movimento do arco for rápido, o braço direito terá maior facilidade para executar as notas. O peso do corpo deve ficar apoiado nas duas pernas. Porém, em passagens mais aceleradas, pode-se jogar o peso só no pé esquerdo.

Posição do violino no corpo

O violino deve ser colocado em cima da clavícula esquerda e apoiado de leve no ombro esquerdo.

O braço esquerdo deve estar na mesma direcção do pé esquerdo.

Inclinar o violino para o lado direito. Puxar a queixeira e encostá-la no queixo, para manter o violino horizontalmente. Não levantar nem baixar o ombro esquerdo; deixá-lo solto. A técnica do violino é muito delicada. Forçando-se o ombro, o movimento dos braços será impedido. Se o ombro for baixo, usar almofada (Espaleira) , para não forçar o pescoço nem o ombro. A almofada serve para adaptar o instrumento ao corpo do aluno. A queixeira deve ser adequada a cada pessoa para que o violinista fique bem à vontade.

Quando segurar o violino a posição tem de ser natural, isto é, sentir o violino como se fosse uma parte do corpo. Observadas as posições acima explicadas e o arco tocado com leveza, liberdade, harmonia de movimentos e perpendicular em relação à corda, é mais fácil tocar o instrumento.

Como usar a mão esquerda

O cotovelo esquerdo deve situar-se por baixo do tampo do violino, inclinado para a direita. Para facilitar a movimentação dos dedos esquerdos, o pulso deve estar na mesma direcção do antebraço e completamente relaxado.

A conjuntura dos dedos esquerdos deve estar na altura das cordas. Os 4 dedos (indicador, médio, anelar e mínimo) devem estar encurvados. Colocá-los na direcção da corda, para depois pousá-los.

O polegar deve estar apoiado ao de leve no braço do violino, na direcção entre os dois primeiros dedos (indicador e médio). O polegar deve estar assim para que os 4 dedos restantes se apoiem com a mesma força nas cordas. Se alguém tiver o polegar maior, este sobressairá para cima do braço do violino junto à corda sol.

Quando as cordas forem abaixadas pelos dedos, cuidado para não endurecer as falanges dos dedos, nem o cotovelo. Os dedos devem ser colocados sem força, de modo leve sobre as cordas. Quando os dedos não estão sendo usados, deixá-los na posição natural, isto é, encurvados.

Como pegar o arco

Deixar o braço direito solto, como se estivesse a andar. Pegar no arco com a mão direita livre, sem modificar sua posição. Isto facilitará a movimentação do arco nas cordas.

(Deixar todo o peso do braço sobre o arco, como se o braço estivesse morto).

Forma igual à anterior, com as duas falanges do polegar um pouco curvadas. A extremidade do polegar deve estar na extremidade do talão, deixando o polegar metade para a madeira do arco e metade para o talão. O polegar deve estar perpendicular em relação ao arco.

Segurar o arco entre a 1ª e 2ª falanges do indicador e na 1ª falange do médio; deixar o dedo mínimo na forma arredondada, perto do botão do arco, e segurando pela ponta. O dedo anelar é deixado naturalmente. O polegar deve estar no meio do dedo indicador e do médio, só que do outro lado do arco.

Segurar o arco corretamente é muito importante para uma boa execução. O indicador direito controla a pressão do arco nas cordas, o que afeta o volume e o timbre do instrumento. O violinista precisa manter todo o corpo relaxado, à vontade.

É importante dizer que o dedo indicador e o dedo mínimo promovem funções importantes na intensidade do som obtido. Estas funções são chamadas de pronação e supinação,que são feitos através da “rotação” do “antebraço”.

Pronação

A pronação é o movimento de pressionar o dedo indicador no arco (rodar o antebraço para o lado esquerdo gerando pressão no dedo indicador), aliviando a pressão exercida pelo dedo mínimo (mindinho). Este movimento, juntamente com a velocidade com que o violinista fricciona o arco nas cordas, acarretará uma maior intensidade do som.

Supinação

A supinação é o movimento de pressionar o dedo mínimo no arco (rodar o antebraço para o lado direito) aliviando a pressão do dedo indicador, fazendo com que o som seja menos intenso. NOTA: Não é necessário fazer pressão com o dedo mínimo, pois o próprio peso do talão é suficiente para a intensidade do som.

Observação: Ponta do arco = Pronação. Talão do arco = Supinação.

Técnicas do Violino

Pizzicato (beliscado)[produzido pela mão direita]: Os violinistas nem sempre usam o arco quando tocam. O pizzicato consiste em tocar as cordas com os dedos, dando pequenos puxões ou beliscadas.

Vibrato (vibrado) [produzido pela mão esquerda]: Uma das importantes técnicas de instrumentos de cordas. Existem 3 tipos de vibrato: o de dedo, o de punho e o de braço. Consiste em fazer o som vibrar, formando uma flutuação mínima na afinação da nota, para cima e para baixo. O vibrato de dedo é para passagens mais rápidas. O de punho é o mais comum, e o de braço é para expressar com certa força, paixão, drama um trecho. É usado sobretudo em notas longas.

Corda dupla[técnica de arco]: Significa tocar, ao mesmo tempo, em duas, três cordas ou até mesmo quatro cordas, e consequentemente duas, três ou quatro notas (sob a forma de acordes), de uma só vez. É possível tocar três ou quatro cordas simultaneamente, sob a forma de acordes, porém pode-se sustentar apenas duas adjacentes.

Harmónico ou Flautado [produzido pela mão esquerda]: Notas suaves produzidas pelo toque muito leve com a polpa dos dedos em pontos estratégicos sobre a corda. Assemelham-se às notas da flauta e são usadas com mais frequência na música moderna.

Glissando (deslizando)[produzido pela mão esquerda]: O violinista escorrega o dedo sobre a corda, tocando todas as notas dentro do intervalo tocado, o que permite que todos os sons interpostos sejam ouvidos.

Sul ponticello (sobre o cavalete)[técnica de arco]: Indica que o violinista deve passar o arco próximo ao cavalete, o que origina um som de timbre brilhante e estridente.

Sul tasto (sobre o espelho) [técnica de arco]: Indica que o violinista deve tanger o arco próximo ao espelho, o que origina um timbre velado e mais suave.

Coll Legno - Termo italiano que significa Com a Madeira. Este golpe de arco consiste na rotação da vara de modo a percutir as cordas com a madeira da mesma.

A Guitarra Clássica

2012-06-18T15:00:00.000-03:00

Guitarra clássica – no Brasil conhecida como violão e em Portugal como viola. É uma guitarra acústica com cordas de nylon ou aço, concebida inicialmente para a interpretação de peças de música erudita. O corpo é oco e chato, em forma de oito, e feito de várias madeiras diferentes. O braço possui trastes que a tornam um instrumento temperado. As versões mais comuns possuem seis cordas de nylon, mas há violões com outras configurações, como o violão de sete cordas e o violão baixo, com 4 cordas, afinadas uma oitava abaixo das 4 cordas mais graves do violão.

Características gerais

A sua configuração moderna e desenho foram confeccionados na Espanha. Presente hoje em quase todos os géneros musicais populares, sua abrangência só se compara à do piano. Ao longo do tempo este instrumento sofreu grandes evoluções e, hoje em dia, possui uma grande variedade de formatos e tamanhos, cada qual mais apropriado a um estilo de execução. Entre os géneros que mais utilizam a guitarra clássica estão a música erudita, o flamenco espanhol, o vals peruano, a cumbia colombiana, o joropo venezuelano, as rancheras mexicanas, a MPB, o fado portugués, a modinha, a morna, o choro, a bossa nova, as gaitas, entre outros.

Sobre o nome

Na língua portuguesa, o nome "guitarra" se aplica ao instrumento acústico ou elétrico indistintamente. No Brasil e em Cabo Verde manteve-se a designação mais comum violão para a guitarra clássica. Acredita-se que o nome derive diretamente do termo "viola", que designa as violas portuguesas, da qual a viola caipira brasileira é uma evolução. Embora possua várias diferenças de timbre e de número de cordas, a viola é muito semelhante em formato à guitarra, apenas menor. É compreensível que, para um leigo, uma guitarra seja apenas uma viola grande. Assim, apesar de referir-se ao mesmo instrumento que a guitarra, a origem linguística do nome "violão" foi o termo "viola", acrescido da desinência de grau "ão".

Mesmo originando-se de um equívoco, o nome violão hoje faz parte do vocabulário de todos os brasileiros e designa de forma inequívoca a guitarra clássica. Muitos compositores e estudiosos tentaram, sem sucesso, fazer com que o termo guitarra voltasse a ser utilizado no Brasil para unificar a nomenclatura a todas as outras línguas. Apenas no século XX o nome guitarra retornou ao vocabulário corrente dos brasileiros, mas apenas para designar a versão eletrificada (guitarra elétrica).

Uso na música popular

Diversas características do violão o tornam propício ao acompanhamento do canto. Entre elas, a extensão, o volume sonoro, a relativa riqueza harmônica, o baixo custo e o peso reduzido. Isso também o torna o instrumento preferido de alguns intérpretes. Como é fácil de transportar, é comum ver grupos de pessoas reunidas em torno de um violão em festas, bares, praias, estádios, estações de trem ou outros locais ou situações em que as pessoas se agrupam. A execução puramente harmônica para o acompanhamento do canto é facilmente dominada e as revistas com cifras e tablaturas dos sucessos musicais do momento são facilmente encontráveis em qualquer quiosque de jornais. Poucos instrumentos são tão presentes no cotidiano, executados por músicos amadores tanto quanto por profissionais.

No Brasil, apresentações com "um banquinho e um violão", em pequenos espaços, com um cantor se acompanhando ao violão são comuns na bossa nova e na MPB.

Em Cabo Verde, o violão é o instrumento-rei para acompanhar géneros musicais locais, tais como a coladeira, a mazurca e a morna, e pode ocasionalmente ser usada em outros géneros. Para além de instrumento de acompanhamento é também utilizado como instrumento solista.

Em Portugal, para além de ser usado em vários géneros musicais, é o principal instrumento de acompanhamento para o fado (sendo, neste caso, chamado pelos músicos de "viola"), onde a parte melódica é feita na guitarra portuguesa e o baixo feito no violão baixo.

Construção

A guitarra clássica possui diversas características em comum com todas as outras guitarras. A principal diferença em relação às outras é o fato de usar cordas de nylon, a cabeça possuir carrilhões em vez de cravelhas, o braço é mais largo e o tipo de madeiras usadas. A guitarra clássica pode ser eletrificada mediante o uso de microfones externos ou colocados junto às cordas. A figura abaixo mostra as partes de uma guitarra clássica.

1 Cabeça, mão, paleta ou Headstock

2 Pestana, capotraste ou Nut

3 Cravelha, tarraxas ou carrilhões

4 Trastes

6 Elementos decorativos

7 Braço

8 Tróculo

9 Corpo (caixa de ressonância)

12 Cavalete

14 Fundo

15 Tampo dianteiro

16 Lateral, faixas ou ilhargas

17 Abertura ou boca

18 Cordas

19 Rastilho

20 Escala

Cabeça, braço e escala

A cabeça (1) da guitarra clássica é geralmente feita da mesma madeira do braço e em alguns casos é entalhada no mesmo bloco de madeira. É fixada na extremidade do braço formando um pequeno ângulo para facilitar o posicionamento das cordas sobre a pestana.

O braço (7) do violão é mais largo que o de outras guitarras acústicas. É composto basicamente de uma barra maciça e rígida de madeira fixada ao corpo. Madeiras de grande resistência à tração são preferíveis, as mais usadas são o mogno e o cedro. O braço é colado ao corpo com o auxílio de um reforço estrutural, o tróculo (8), em geral entalhado na mesma peça do braço, mas que também pode ser uma parte separada e colada ao braço e ao corpo.

Feita de uma madeira diferente do resto do braço, a escala (20) é montada sobre o braço para fixar os trastes e servir de apoio aos dedos do executante. As guitarras clássicas geralmente não apresentam elementos decorativos sobre a escala. Os violões modernos são construídos com os trastes posicionados para proporcionar intervalos iguais em todos os semitons (temperamento igual).

Corpo

Em todos os tipos de violão o corpo (9) tem as funções de caixa de ressonância e de fixação das cordas. A combinação de madeiras utilizadas não é meramente decorativa. Cada madeira é escolhida devido às suas características físicas, tais como flexibilidade, resistência à tração e absorção de umidade. As características combinadas de cada madeira permitem construir instrumentos com a sonoridade desejada, bem como garantem que o instrumento terá afinação e timbre estáveis em condições diferentes de temperatura, umidade e tensão das cordas.

Faixas laterais (16)

Feitas de madeiras resistentes à tração. A madeira preferida para esta parte do corpo é o jacarandá da Bahia. Como esta árvore está em risco de extinção, outra alternativa é o jacarandá da Índia. As finas lâminas, de no máximo 3 mm de espessura e com cerca de 3 a 5 cm de largura, são molhadas e moldadas no formato desejado do instrumento com a ajuda de moldes de madeira e grampos. Após alguns dias as faixas adquirem a forma definitivamente. Várias peças de madeira em forma de "L" são coladas ao longo de toda a parte interna das faixas. Estas peças servirão para colar o fundo e o tampo.

Fundo (14)

Construído da mesma madeira que as faixas, o fundo também é uma lâmina fina de madeira, cortada para preencher exatamente o contorno definido pelas faixas. Na verdade, não é constituído de uma única chapa, mas de duas partes simétricas fixadas no meio a um estrutura que se estende longitudinalmente ao corpo. O resultado é um fundo que não é plano, mas levemente curvo em direção ao exterior. Essa montagem permite a dilatação e faz com que alterações da madeira decorrentes de variações de temperatura ou umidade sejam absorvidas sem danos às lâminas.

Tampo (15)

Esta é a principal parte do corpo do violão. Como as cordas são fixadas ao tampo, quando elas vibram todo o tampo vibra solidariamente. Este efeito é responsável pela maior parte da amplificação acústica. Como deve agir como uma membrana, o tampo deve ser construído de uma lâmina fina (em geral menos espessa que o fundo e laterais) de uma madeira altamente flexível, mas ainda assim resistente o suficiente para suportar a tração ocasionada pelas cordas. Assim como o fundo, o tampo é obtido de uma única chapa de pinho dividida em duas metades unidas ao meio e colado aos suportes em "L". No ponto de junção entre as faixas e o tampo, um friso é colado como elemento decorativo e também como reforço estrutural do conjunto.

Aproximadamente no centro do tampo, uma abertura, a boca (17) serve para permitir a passagem do ar em vibração. Em geral, um mosaico feito em marchetaria decora e protege as bordas das aberturas. O desenho utilizado é característico de cada luthier.

Na parte interna do tampo, uma complexa estrutura de barras ou ripas de madeira é construída para "disciplinar" a vibração do tampo. Chamada de leque, esta estrutura é fundamental para permitir o reforço de determinados harmônicos e a absorção de ruídos indesejáveis.

Abaixo da boca é colado o cavalete (12), usado para fixar as cordas ao corpo. O cavalete possui furos para a fixação das cordas e sobre ele é montado o rastilho (19), uma barra que serve para apoiar e distanciar as cordas do corpo e da escala, além de transmitir a vibração das cordas ao tampo.

Encordoamento

As guitarras clássicas utilizam exclusivamente cordas (18) de nylon; a construção deste tipo de instrumento não suporta a tensão maior proporcionada pelas cordas de aço.

As cordas mais finas, chamadas de primas ou agudas, são feitas de polímero monofilamento (um fio único), de nylon ou compostos utilizando carbono e titânio. As mais grossas, chamadas de bordões ou baixos, consistem de um núcleo composto por multifilamentos de fios de nylon, enrolados em espiral por um fio metálico. Este fio é feito geralmente de cobre (puro ou suas ligas), cobre banhado a prata, ou mesmo de prata pura, tratado com revestimento antioxidante. Esta construção permite maior resistência à tração, maior estabilidade de afinação e maior flexibilidade do que seria possível caso se usassem fios de cobre também nas cordas mais grossas.

Execução

Música clássica

Este instrumento originou um ramo da música clássica composta por obras escritas especialmente para tirar partido das possibilidades expressivas do violão, geralmente prelúdios, sonatas e concertos, embora qualquer forma de composição musical possa ser utilizada. O violão é tocado sem o uso de palhetas, utilizando-se as unhas. As unhas devem estar bem polidas para um som mais perfeito. Já Francisco Tárrega, preconiza que o toque seja realizado pela mão direita com a parte "macia" do dedo, ou seja, a unha não deveria ser utilizada. O toque nas cordas pode ser sem apoio ou com apoio. No último, o dedo, após ferir a corda descansa na corda imediatamente acima. Ao contrário da música popular a execução mais frequente é de uma linha melódica tocada nas cordas agudas e linhas de baixo, escalas e arpejos são tocados simultaneamente à melodia principal.

Música popular

Na música popular as guitarras clássicas são utilizadas para acompanhamento do canto e a execução frequentemente é harmônica. Os acordes são montados com a mão esquerda e com os dedos da mão direita ou palhetas, são feitos diversos tipos de ritmos ou arpegios. Alguns géneros musicais permitem a utilização de linhas melódicas em introduções e solos. No jazz podem ser utilizadas técnicas mais elaboradas como o tapping e a execução com harmônicos. Na música popular é comum a amplificação das guitarras clássicas com microfones dinâmicos. Os amplificadores permitem ajustes de tonalidade e mesmo algumas leves distorções são toleráveis as vezes em alguns estilos populares.

Soneto de Amor

2012-06-12T12:00:00.000-03:00

Amor é fogo que arde sem se ver,
é ferida que dói, e não se sente;
é um contentamento descontente,
é dor que desatina sem doer.

É um não querer mais que bem querer;
é um andar solitário entre a gente;
é nunca contentar-se de contente;
é um cuidar que ganha em se perder.

É querer estar preso por vontade;
é servir a quem vence, o vencedor;
é ter com quem nos mata, lealdade.

Mas como causar pode seu favor
nos corações humanos amizade,
se tão contrário a si é o mesmo Amor?

(Luís Vaz de Camões)

Ainda Que Eu...

2012-06-12T11:24:00.000-03:00

Ainda que eu falasse línguas, as dos homens e dos anjos, se eu não tivesse o amor, seria como sino ruidoso ou como címbalo estridente.

Ainda que eu tivesse o dom da profecia, o conhecimento de todos os mistérios e de toda a ciência; ainda que eu tivesse toda a fé, a ponto de transportar montanhas, se não tivesse o amor, eu não seria nada.

Ainda que eu distribuísse todos os meus bens aos famintos, ainda que entregasse o meu corpo às chamas, se não tivesse o amor, nada disso me adiantaria.

O amor é paciente, o amor é prestativo; não é invejoso, não se ostenta, não se incha de orgulho.

Nada faz de inconveniente, não procura seu próprio interesse, não se irrita, não guarda rancor.

Não se alegra com a injustiça, mas se regozija com a verdade.

Tudo desculpa, tudo crê, tudo espera, tudo suporta.

O amor jamais passará.

As profecias desaparecerão, as línguas cessarão, a ciência também desaparecerá.

Pois o nosso conhecimento é limitado; limitada é também a nossa profecia.

Mas, quando vier a perfeição, desaparecerá o que é limitado.

Quando eu era criança, falava como criança, pensava como criança, raciocinava como criança.

Depois que me tornei adulto, deixei o que era próprio de criança.

Agora vemos como em espelho e de maneira confusa; mas depois veremos face a face.

Agora o meu conhecimento é limitado, mas depois conhecerei como sou conhecido.

Agora, portanto, permanecem estas três coisas:

A fé, a esperança e o amor.

A maior delas, porém, é o amor.

Soube Que Me Amava

2012-06-12T10:18:00.002-03:00

Que tal neste Dia dos Namorados tocar uma música que fale de amor para o seu namorado ou para sua namorada?

Pra quem quiser seguir este conselho, segue abaixo a cifra da música Soube Que Me Amava.

Soube Que Me Amava

Tom: F

(intro) B  E/B  B  B/D#  E

B E               B
 Desde o princípio quando com você sonhei
 B/D#  E                       F#
 Desde o momento em que os meus olhos levantei
 G#m7/9      G#m/F#   E B/D#
 Desde esse dia em que sozinha eu    estava
 C#m7          F#        B
 Foi quando o seu olhar no meu se encontrou

      B/D#  E     G#m F#
Soube que amava, entendi
 G#m7/9         E
Soube que buscava mais de mim
B/D# C#m7 F#/A#
Que muito tempo me esperou, então cheguei
B/D# E    G#m  F#
Soube que amava, entendi
 G#m7/9 E B/D# C#m7
Eu já não podia resistir, e com um beijo e com amor
 F# B
Te entreguei meu coração, ¹me apaixonei

( E/B  F#/A# )

B       B/D# E
 E quando longe eu estava
C#m B B/D# E
 Percebi que o teu carinho e o teu amor
 F# G#m7/9
 Eram pra mim como um sussurro
 G#m/F# E
 Ouvi tua voz no meu silêncio
B/D# C#m7 F# B
 Me chamando cada dia mais pra ti

 B/D# E G#m F#
Soube que amava, entendi
 G#m7/9 E
Soube que buscava mais de mim
B/D# C#m7    C#m7/B    F#/A#
Que muito tempo me esperou, então cheguei
B/D# E    G#m  F#
Soube que amava, entendi
 G#m7/9 E B/D# C#m7
Eu já não podia resistir, e com um beijo e com amor
 F# G#m
Te entreguei meu coração, ²me apaixonei

( G# A# B D# C# E F# E/G# F#/A# G#/C Bb/D C )

 C/E F  Am G
Soube que amava, entendi
 Am7/9 F
Soube que buscava mais de mim
C/E Dm7               G/B
Que muito tempo me esperou, então cheguei
C/E F   Am  G
Soube que amava, entendi
 G/F Em7/9 G/B C F    C/E Dm7
Eu já não podia re_sis__tir, e com um beijo e com amor
 G  C
Te entreguei meu coração, ¹me apaixonei

( F  F/C  C  F  F/C )

O Alaúde

2012-03-16T14:00:00.001-03:00

O alaúde é um instrumento musical da família dos cordofones. Este instrumento é de corda palhetada ou dedilhada, com braço trastejado e com a sua característica caixa em forma de meia pêra ou gota.

Caixa de Ressonância

A caixa de ressonância dos alaúdes torna-se peculiar pela sua forma arredondada, assemelhando-se a uma gota seccionada na vertical. O tampo é plano, normalmente em pinho europeu, casquinha italiana ou pinho flandres. A parte de trás da caixa é arredondada, construída com ripas de madeira, de um modo semelhante aos das pipas.

Braço

O braço é normalmente curto, trastejado. Existem, porém, na família dos alaúdes, diversas extensões de braços, procurando notas graves, como nas teorbas, nos chitarrone e alúdes-harpa. Os trastes raramente são de metal, normalmente de corda ou de tripa torcida, amarrados à volta do braço.

Cravelhame e Cordas

Os cravelhames dos alaúdes simples caracterizam-se pelo seu ângulo, perto do recto. As cravelhas são de madeira, semelhantes às da família dos violinos. Os cravelhames podem-se tornar mais complexos quando temos extensões de cordas, como nos já referidos chitarrões e alaúdes-harpa.

As cordas são normalmente duplas em quase todos os tipos de alaúdes. Podem também adquirir composições mistas de cordas, duplas e simples, em que as duplas correspondem às cordas melódicas e as simples aos graves. No caso das cordas duplas, em regra geral, cada corda dupla das agudas são afinadas em uníssono e as mais graves em oitavas.

História

As origens do alaúde não são concretas. Vários tipos de alaúdes eram usados nas antigas civilizações Egípcia, Hitita, Grega, Romana, Búlgara, Gandaresa, Turca, Chinesa e Arménia/Siliciana. O alaúde atingiu a sua forma familiar, no início do século VII, na Pérsia, Arménia, Bizâncio e no mundo Árabe.

Os alaúdes medievais eram de instrumentos de 4 a 5 cordas e usava-se uma pena para palhetar. Havia em vários tamanhos, e no final do Renascimento, havia sete tipos de tamanhos documentados. A sua função principal, na Idade Média, era a de acompanhamento a canções e cantigas.

Nas últimas décadas do século XV, de modo a poder executar a polifonia renascentista num único instrumento, os lutenistas gradualmente abandonam o palhetar pelo uso dos dedos. O número de cordas cresceu de 6 para cima. No século XVI, o alaúde torna-se o grande instrumento solo, embora se tenha mantido no acompanhamento de canções.

No final do Renascimento o número de cordas cresceu para 10 e duranto o Barroco prosseguiu o seu acrescento de cordas para 14, chegando até às 19. Estes intrumentos, devido ao facto de muitas vezes terem mais de 30 cordas (tomando as duplas como 2 cordas), precisaram que se alterasse a sua estrutura, inovando-a. No final da sua evolução, o alaúde-harpa e a tiorba tinham grandes extensões de braço anexas ao cravelhame para acrescentar um grande comprimento de ressonância para cordas graves, e visto que os dedos da mão esquerda não têm extensão suficiente para ir além das 14 cordas, as cordas graves eram colocadas fora da parte trastejada, eram tocadas abertas.

Durante o percurso do alaúde na era barroca, começou a ser progressivamente não-usado no acompanhamento do continuo e superado pelo uso de intrumentos de tecla.

O alaúde caiu em desuso depois de 1800 na Europa ocidental, mas diversos tipos de alaúde sobrevivem em tradições musicais do sudeste europeu, norte da África e Oriente Médio.

O Alaúde na atualidade

O revivalismo do alaúde surgiu por volta de 1900, com um crescente interesse na música histórica, possivelmente ligado ao Romantismo; No século XX e até aos nossos dias, com o movimento de música antiga, este revivalismo cresceu exponencialmente.

Instrumento de Cordas

2012-03-12T13:40:00.001-03:00

Instrumentos de cordas são instrumentos musicais cuja fonte primária de som é a vibração de uma corda tensionada quando beliscada, percutida ou friccionada.

História

O primeiro instrumento de corda do qual se tem conhecimento é o Arco musical cuja origem é situada entre 35 e 15 mil anos a.C. Os instrumentos de corda tensionada mais antigos registrados são nove liras e três harpas encontradas numa tumba em Ur na Mesopotâmia datando de 2.600 a.C.

Os instrumentos que deram origem aos modernos violino, violão, guitarra, violoncelo se origiram do alaúde, utilizado inicialmente por pastores, que surgiu em época posterior. Os instrumentos da família do violino foram desenvolvidos na Itália durante os séculos 16 e 17.

Os instrumentos de cordas são importantes na história da música ocidental pois foi com um instrumento constituído de uma única corda, o monocórdio, que os filósofos e matemáticos da escola pitagórica descobriram todos os princípios matemáticos que regem os intervalos, escalas e a harmonia, dando origem ao estudo da teoria musical há mais de dois mil anos.

Funcionamento

O estudo dos instrumentos de corda está baseado na teoria das ondas estacionárias, ou seja, na frequência das ondas sonoras que as cordas emitem. Essas frequências naturais dependem de três fatores: a densidade linear das cordas, o módulo da tração a que elas estão submetidas e o comprimento linear da corda. Isso significa que podemos alterar a altura das notas e sua afinação ao variar qualquer uma dessas características: Se duas cordas possuem a mesma densidade e comprimento, a que sofrer maior tensão produzirá notas mais agudas. Cordas mais longas produzem notas mais graves que as mais curtas. Cordas mais grossas produzem notas mais graves que as mais finas. Os instrumentos utilizam variações dessas características para definir a frequência fundamental de cada corda. Há instrumentos em que todas as cordas têm o mesmo comprimento, mas a tensão e espessura variam. Em outros todas as cordas têm a mesma espessura e somente o comprimento e a tensão variam. Há ainda aqueles em que as três características variam de corda a corda para obter toda a extensão do instrumento.

Controlando a Altura

Muitos deles possuem cordas presas a um braço e os comprimentos relativos das cordas são variados pelos dedos de uma das mãos. Obtêm-se os diferentes tons variando tal comprimento. Alguns instrumentos tem cordas de tamanhos variados como no caso do banjo de cinco cordas. Alguns destes instrumentos possuem trastes que dividem o braço em partes de tamanho fixo, permitindo apenas a variação em intervalos de semitom. Nos instrumentos que não possuem trastes, cabe ao executante fazer o ajuste fino da afinação. Isso permite a execução de escalas microtonais e também a realização de correções de afinação em tempo real durante a execução.

Produção do Som

Para fazer a corda vibrar, três métodos principais são usados: as cordas podem ser beliscadas, friccionadas com um arco ou percutidas.

Cordas Beliscadas

Nestes instrumentos a corda é colocada em vibração ao ser beliscada ou tangida com os dedos, unhas, plectros ou palhetas. Em outras palavras, a corda é levemente deslocada de sua posição de repouso e depois solta para que vibre livremente. Esta forma de execução faz com que o som se inicie bruscamente. A corda mantém a vibração por um tempo longo e decai lentamente até o silêncio.

Cordas Friccionadas

Neste caso usa-se um arco feito de madeira, com um feixe de filamentos que são fixados às suas extremidades e tensionados. A crina geralmente é revestida por um substância chamada breu, com o fim de aumentar o atrito, e então friccionada transversalmente sobre as cordas, produzindo uma vibração rica em parciais não harmônicos e, por essa razão, muito diferente do timbre da corda beliscada ou percutida. As notas podem ser tão longas quanto o músico deseje pois duram todo o tempo do movimento de fricção. A intensidade do som pode ser controlada tanto pela pressão do arco contra as cordas como pela velocidade na qual ele é friccionado.

Cordas Percutidas

As cordas podem ser percutidas com baquetas, martelos ou com o próprio arco. O som da corda percutida se inicia bruscamente e, quando a corda não é abafada, tem longa duração. Normalmente esse método é usado em instrumentos que possuem uma corda (ou conjunto de cordas) para cada nota e permite a execução de passagens mélódicas muito rápidas e acordes de forma mais fácil que nos outros instrumentos por não ser necessário usar uma das mãos para controlar o comprimento da corda e as duas mãos podem ser usadas para controlar as baquetas ou o teclado. Uma exceção é o berimbau que só possui uma corda e tem seu comprimento controlado por uma moeda ou anel metálico em uma das mãos, enquanto a outra percute a corda com uma baqueta.

Cordas Sopradas

As cordas são acionadas pelo movimento do ar. São raras, mas como exemplo pode-se citar a harpa eólica.

Flauta Doce

2012-03-08T14:16:00.000-03:00

A flauta doce ou flauta de bisel é um instrumento musical, mais precisamente um aerofone de aresta.

Flauta Doce

A origem deste instrumento está nos antigos instrumentos folclóricos que ainda podem ser encontrados em diversas partes da Europa hoje, como o Czakan na Hungria (6 furos) ou a flauta dupla da antiga Iugoslávia. Muitos destes instrumentos eram feitos de tubos de bambu ou cana naturais, enquanto a flauta doce era um instrumento torneado em madeira. Foi o instrumento musical mais popular na Idade Média. Ela produz um som melodioso. Como todo instrumento musical, para ser tocado é necessário estudos das técnicas. É o mais antigo dos instrumentos da família de tubo interno. Consiste em um tubo, com buracos para sete dedos e um buraco para o dedo polegar que serve como abertura de oitava.

História

O instrumento mais antigo e completo sobrevivendo, é a chamada flauta doce de Dordrecht datada de meados do século XIII. Esta "flauta doce medieval" é caracterizada obviamente por seu corpo estreito e cilíndrico (o curso largo do tubo interno no meio do instrumento é responsável pela afinação e resposta sonora) A segunda flauta doce medieval mais ou menos completa e datando do século XIV.

No século XV a flauta doce se desenvolveu e passou a ser chamada como a “flauta da renascença” que alcançou seu apogeu em meados do século XVI.

Durante o século XVII foi mais usada como instrumento solo. Antes era composta de uma ou duas partes, neste século ela já era formada por três partes. Sua feição permitia produzir som com mais intensidade e com mais possibilidade de expressão. Muitas dessas formas ainda existem nos dias de hoje em condições de uso. Assim a flauta foi sendo usada até se tornar um século XVIII profissionalmente, e como instrumento amador no século XIX, até que foi sendo quase que substituída pela flauta transversal.

A flauta doce alcançou seu espaço no Novo Mundo, a partir do momento em que os colonizadores perceberam que os índios utilizavam uma cana como instrumento que era assemelhada à flauta doce.

Depois do surgimento da orquestra clássica, os compositores procuravam instrumentos com maiores recursos dinâmicos. Assim começa o declínio da flauta doce perante a flauta transversal, que já por volta de 1750 praticamente desaparecia do repertório de qualquer compositor. Assim a flauta doce ficou presente apenas na história dos instrumentos musicais. Somente no final do século XIX que alguns músicos começaram a ter contato com este instrumento novamente.

Tubos de bambu foram introduzidos em escolas dos E.U.A. nos anos 1920 e depois nas escolas da Grã-Bretanha.

Em 1935 Edgar Hunt introduzia o ensino de flauta doce nas escolas primárias inglesas, e em 1937 foi fundada a "Society of Recorder Player". Aos poucos a flauta doce ressurgia e os compositores começaram a escrever para o instrumento. Com o aumento do número de grandes intérpretes a flauta doce se tornou um instrumento de pesquisa e técnicas alternativas de execução.

Hoje em dia as flautas doces fabricadas possuem um som mais suave do que as flautas do século XVIII nas quais elas ao baseadas. No entanto, estas flautas doce neobarrocas permanecem como instrumentos para solo.

Sons: Graves e Agudos

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Grave

Um som dito grave é um som de baixa frequência da audição humana. Geralmente sons abaixo de 300Hz são considerados graves. Na musica eletrônica graves não são audíveis por nós, ele é sentido através do balanço do alto-falante, já o médio grave é audível por nós mas não é o verdadeiro "grave". Como posto acima graves são sons abaixo de 300Hz onde Hertz é a medida de ciclos por segundo, exemplo, uma lâmpada atua a 60 Hz, ela tem uma "frequencia" de 60 ciclos por segundo, nas ondas sonoras, quanto maior a frequencia (Hz) mais agudo fica o som. Ondas abaixo de 300 Hz.

Agudo

Um som dito agudo é um som de alta frequência da audição humana. Geralmente sons acima de 5 kHz são considerados agudos.

Dependendo da vibração, o som agudo pode até quebrar vidros. Sua propagação, tende a ser mais direcional, devido ao curto e grande comprimento de onda, diferente dos sons Graves, que tendem a se propagar omnidirecionalmente. Isso que é um som agudo são sons mais finos.

Flauta Transversal

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Flauta Transversal

A flauta transversal, por vezes chamada de flauta transversa ou simplesmente de flauta, é um aerofone da família das madeiras. É um instrumento não palhetado, possuindo um orifício por onde o instrumentista sopra perpendicularmente ao sentido do instrumento.

Apesar de atualmente ser fabricada em metal, em sua origem, ela era é de madeira. Por esta razão, até hoje, a flauta transversal é classificada nas orquestras como um instrumento pertencente ao grupo das madeiras.

Registro e extensão

A extensão normal (registro) da flauta é de três oitavas, do Dó4 (Dó central no piano) ao Dó6, mas flautistas experientes podem chegar até o Dó7. Algumas flautas modernas permitem também emitir o Si3.

Há também outros tipos de flauta transversal, como o piccolo, cujo registro começa uma oitava acima da flauta transversal comum, a flauta baixo, cujo registro começa uma oitava abaixo da flauta transversal comum, e a flauta alto, que começa em Sol3. Há também o pífaro, muito usado na música tradicional de diversos países, cujo registro pode varia muito conforme a tradição cultural considerada. As vezes a flauta pífaro é usada como aprendizado para transversal, porém sua sonoridade é diferente da transversal e se assemelha à doce.

Técnica

Na flauta, a emissão do som é relativamente fácil, levando ao virtuosismo quase espontâneo no que diz respeito à velocidade. Não tão fácil é obter um som vibrante sem ser vulgar no forte ou inconsistente no piano. As dificuldades de execução apresentam-se também pela natureza heterogênea dos registros, tanto tem timbre, quanto em volume de som. O agudo é potente e brilhante, e o grave, aveludado e de difícil emissão. O controle da embocadura, por se tratar de um instrumento de embocadura livre, deve ser minucioso, já que pequenas alterações no ângulo do sopro interferem bastante no equilíbrio da afinação.

Recursos comuns na flauta transversal

A flauta sempre foi um instrumento muito privilegiado no que diz respeito a recursos e ornamentos. Grande parte dos recursos musicalmente conhecidos são executáveis na Flauta, salvo as particularidades e dificuldades inerentes ao próprio instrumento.

Vibrato - introduzido pela escola francesa, é feito a partir do diafragma, semelhantemente ao vibrato vocal. Existe também a possibilidade de realizar o vibrato utilizando-se das chaves em forma de anel presentes em algumas flautas.

Glissando - consiste em "deslizar" entre as notas, seja por meio das chaves ou por alterações na embocadura.

Harmônicos - feito ao mudar a embocadura e a direção da coluna de ar, obtendo uma nota diferente da que seria a da digitação fundamental. O timbre é mais doce e etéreo do que o da nota "real".

Beatboxing - Consiste em tocar uma melodia realizando o beatboxing ao mesmo tempo.

Multifonia - consiste em solfejar e tocar ao mesmo tempo, o resultado é um som cortante e agressivo.

Frullato - pronuncia-se a letra "R" (sem voz) enquanto toca, dando à nota uma intermitência.

Polifonia ou Nota dupla - através de pesquisa foram descobertos alguns intervalos de notas possíveis de se emitir na flauta usando digitação especial e de um sopro mais "difuso", de forma a permanecer entre dois sons harmônicos.

Cuidados

Limpar sempre com flanela, por dentro e por fora, guardando-a sempre seca.

Ter cuidado com o bocal.

Ter leveza nos dedos ao acionar as chaves.

Guardar sempre a flauta no estojo e na bolsa.

Encaixar delicadamente as partes da Flauta.

Higienizar a boca e as mãos antes de tocar.

Tocar sempre com a postura correta.