Minha Visão do Cinema

Larry David: A Mente Brilhante Por Trás de Seinfeld e Curb Your Enthusiasm

2021-07-06T14:35:00.000-03:00

Em 1989, Larry David se juntou ao comediante Jerry Seinfeld para criar um sitcom para o canal NBC. David queria produzir algo diferente do que outras comédias já faziam na televisão americana. Uma série de comédia que fugisse dos moldes estabelecidos até então. O lema de David no set da série era "sem abraços, sem aprendizado", ou seja, o roteirista queria escrever uma comédia que em nenhum momento apelasse para o lado emocional do público e onde os personagens fossem pessoas egoístas e egocêntricas, sem nenhuma intenção de melhorar. Assim surgiu Seinfeld: uma das melhores produções cômicas já feitas até hoje.

Até então, a maioria das séries de comédia tinham convenções bem comuns e recorrentes: os protagonistas representavam uma noção de moralidade, os conflitos eram sempre resolvidos ao fim dos episódios e os personagens sempre estavam dispostos a melhorar. Séries populares nos EUA como I Love Lucy, The Mary Tyler Moore Show e Cheers seguiam essa premissa básica. Mesmo quando os personagens tinham personalidades fortes e faziam comentários ácidos uns sobre os outros, no fim do dia existia um laço afetivo forte entre eles, e eles eram representados como agradáveis e simpáticos. Mas Seinfeld chegou para quebrar com tudo isso.

Logo na primeira temporada, já fica estabelecido que os protagonistas da série, em especial George Costanza (Jason Alexander), seriam o oposto de qualquer senso comum sobre ética e moral. Os personagens eram completamente interesseiros, sempre pensando em si mesmos e sem nenhuma empatia por outros indivíduos (a menos que houvesse algum benefício próprio). Ao decorrer das nove temporadas, o público viu esses personagens mentirem, traírem, roubarem e até indiretamente matarem, e mesmo assim continuavam confortavelmente esperando o próximo episódio. O crédito da popularização do anti-herói geralmente vai para The Sopranos, mas Seinfeld já estava entregando protagonistas desprezíveis desde o início dos anos 1990.

O lema "sem abraços, sem aprendizado" de Larry David foi levado a sério até o final da produção em 1998. O series finale de Seinfeld foi um dos mais revolucionários para um sitcom e divide opiniões até hoje. A decisão de encerrar a série sem um final feliz, com um tom extremamente cético e niilista, foi a cereja no topo de uma das maiores obras cômicas da TV americana, provando que ainda havia muito espaço para ideias novas. Seinfeld abriu um novo caminho para todas as séries de comédia que vieram depois (desde Two and a Half Men até The Good Place) e provou que uma comédia não precisa seguir regras para ser boa. Muito pelo contrário, quebrá-las é sempre muito melhor.

Com Curb Your Enthusiasm, Larry David encontrou na HBO um veículo ainda melhor para expandir seu senso de humor depreciativo e problemático. E escreveu um personagem ainda mais insuportável e egoísta que George Costanza: ele mesmo. Na série, David interpreta uma versão exagerada e satirizada de si mesmo vivendo todo tipo de situação desconfortável e vergonhosa, na maioria das vezes causada por ele mesmo.

A série explora as convenções de situações cotidianas como um jantar entre amigos ou um batizado. Em todos esses contextos, Larry sempre é a pessoa inconveniente que quebra todas as regras sociais implícitas. Ou ele reclama da comida na cara do anfitrião da festa ou se recusa a tirar os sapatos quando entra na casa da pessoa, mas sempre encontra uma forma de ser grosseiro quase que ingenuamente. Larry ficou conhecido como um "assassino social" por desrespeitar toda e qualquer norma de convivência.

O que torna Curb Your Enthusiasm tão especial é o roteiro brilhante de David (sim, ele escreveu todos os episódios da série) que sempre aproveita ao máximo todos os elementos apresentados durante o episódio. O enredo da comédia sempre faz um círculo perfeito juntando todos os subplots no ato final, sem deixar nenhuma ponta solta. Nada é trivial em Curb Your Enthusiasm, tudo tem um propósito.

Larry David revolucionou a forma de fazer comédia na TV americana. Em Seinfeld, ele explorou ao máximo o formato tradicional de multi-câmera (aquelas comédias com a risadinha de fundo) e quebrou tudo que o público esperava desse tipo de sitcom.

Tanto as temáticas exploradas, quanto a estrutura narrativa da série foram extremamente inovadoras para a época, envolvendo o público com histórias que não necessariamente seriam aprofundadas. Os personagens não crescem, não existem arcos narrativos longos, nem casais para o público torcer. São apenas pessoas desagradáveis vivendo a vida. Como diz Saul Austerlitz em seu texto How Seinfeld Revolutionized the Sitcom para o IndieWire: "Seinfeld é uma maestral investigação sobre as insignificâncias da vida". Ou como os próprios criadores afirmam: "Uma série sobre nada".

Com Curb Your Enthusiasm, Larry David levou essa investigação do cotidiano a outros níveis, explorando profundamente as menores trivialidades sociais. O roteirista foi perspicaz ao dar atenção em suas obras a temáticas que são tão corriqueiras que a maioria das pessoas ignora, mas todo mundo vive. Por isso, David é, sem dúvidas, um dos maiores escritores de comédia da sua geração.

Já assistiram as séries do Larry David? Se não, não perde tempo. Vai lá e aproveita!

As Grandes Parcerias do Cinema: #1 - Martin Scorsese & Robert De Niro

2021-07-03T14:25:00.001-03:00

Matéria elaborada pelo colaborador Luis Schuh Bocatios

Começa hoje no Minha Visão do Cinema a série de matérias As Grandes Parcerias do Cinema, que contará a história destas, sejam elas entre diretores e atores, compositores ou roteiristas. Para estrear a série, nada melhor do que falar sobre uma das parcerias mais icônicas da história do cinema, que marcou um dos períodos mais importantes de Hollywood, a chamada Nova Hollywood: Martin Scorsese & Robert De Niro.

Ambos de origem italiana, Scorsese e De Niro cresceram no bairro de Little Italy, em Nova York, mas, apesar dos dois afirmarem que já haviam se cruzado nas ruas do bairro, se conheceram apenas no começo dos anos 70, quando foram apresentados pelo diretor Brian De Palma (Carrie – A Estranha, Um Tiro Na Noite, Scarface), que era muito amigo de Scorsese e havia trabalhado com De Niro em Olá, Mamãe!, seu filme lançado em 1970. Segundo Scorsese, De Niro, conhecido por sua personalidade introvertida e calada, caiu no sono na mesa de um restaurante na primeira conversa que os dois tiveram, em um encontro marcado por De Palma. Mal sabia ele que, com o simples ato de apresentar dois amigos, estaria mudando a história do cinema.

Em entrevista ao Dick Cavett Show no ano de 1978, Scorsese destacou a versatilidade, imaginação e capacidade de improviso do ator como algumas de suas grandes qualidades. Ao homenagear o amigo no Kennedy Center Honors em 2007, o diretor declarou que “Não há uma linha entre a realidade e a ficção, há apenas verdade, e ninguém acha essa verdade melhor que Robert De Niro.”

Por sua vez, De Niro foi perguntado muitas vezes sobre as vantagens de trabalhar com Scorsese, e sempre destacou que o diretor faz seus atores se sentirem muito confortáveis e confiantes, ao sempre estar aberto a improvisos e ideias propostas por eles, e até encoraja essa prática, além de, por seu talento como diretor e conhecimento de cinema, sempre deixar os atores com a certeza que seus melhores takes serão escolhidos, e suas performances serão elevadas na montagem, ao invés de destruídas, como acontece com outros diretores.

Vamos agora relembrar os icônicos filmes desta dupla

1) Caminhos Perigosos (Mean Streets, de 1973)

O primeiro filme da parceria entre os dois é, também, considerado por muitos como o primeiro grande filme da carreira de Scorsese. Altamente inspirado em Os Boas-vidas (I Vittelloni, 1953), de Federico Fellini, o filme mostra o dia a dia de Charlie – interpretado por Harvey Keitel, colega de faculdade e outro colaborador frequente de Scorsese – e Johnny Boy – De Niro – dois jovens que habitam os bairros italianos de Nova York e enfrentam o cotidiano de suas realidades.

Um divisor de águas na carreira de Scorsese – que já havia realizado três longas anteriores a este - Caminhos Perigosos é, em grande parte, sobre a experiência do diretor crescendo em Little Italy, e já introduz um dos temas que definiria sua obra, que é a máfia - gênero que acabou por marcar a carreira do nova-iorquino mais do que qualquer outro.

Após Caminhos Perigosos, Scorsese dirigiu Alice Não Mora Mais Aqui (Alice Doesn’t Live Here Anymore, 1974) - filme que rendeu o Oscar de Melhor Atriz à Ellen Burstyn - e, logo depois, retomou a parceria com De Niro, em um dos filmes mais marcantes da carreira de ambos e da Nova Hollywood como um todo.

2) Taxi Driver, de 1976

Taxi Driver foi lançado em 1976 e segue Travis Bickle - De Niro - que, após sofrer por meses com a insônia, decide começar a dirigir um táxi durante a noite. Com momentos de violência extrema, especialmente levando em conta os parâmetros da época, o filme causou um escândalo quando foi lançado e foi o centro de muitas polêmicas durante alguns anos – como quando, em 1981, Ronald Reagan, então presidente dos Estados Unidos , sofreu uma tentativa de assassinato, e John Hinckley Jr., autor do atentado, declarou ter assistido à Taxi Driver repetidas vezes, se identificado com Travis e se apaixonado por Iris (Jodie Foster, em seu primeiro papel relevante) - prostituta de 12 anos que tem um papel importantíssimo no filme – o que gerou o início de uma obsessão de Hinckley que o levou a seguir a atriz ao redor do país e enviá-la inúmeros bilhetes, cartas, poemas e mensagens de amor. Em 1982, Hinckley foi julgado, considerado inocente por motivos de insanidade mental e internado em um hospital psiquiátrico.

Estudo de personagem com estética inspirada na nouvelle-vague francesa, o filme, apesar da controvérsia, foi um grande sucesso de público – custou 1 milhão de dólares e arrecadou quase 30 milhões na bilheteria - e amplamente aclamado pela imprensa, embora sua violência tenha incomodado a muitos críticos. Em uma entrevista no início dos anos 80, o lendário cineasta sueco Ingmar Bergman (Morangos Silvestres, O Sétimo Selo, Persona, Sonata de Outono, entre outros) foi perguntado sobre o que achava do uso da violência no cinema, especialmente em Taxi Driver, e respondeu que “há filmes que usam a violência de uma maneira limpa e outros que a usam de uma maneira suja, quase pornográfica. Eu não falarei sobre violência pornográfica, porque eu acho não há nada de artístico sobre ela, mas acho que o filme de Scorsese trata da violência da maneira mais artística possível”.

O filme ganhou a Palma de Ouro em Cannes e foi indicado ao Oscar em quatro categorias: Melhor Filme, Melhor Ator (De Niro), Melhor Atriz Coadjuvante (Jodie Foster) e Melhor Trilha Sonora (Bernard Hermann, conhecido por suas trilhas para os filmes de Alfred Hitchcock, morreu logo após terminar de trabalhar na trilha do filme), mas saiu de mãos vazias da premiação da academia, que escolheu Rocky – O Lutador como vencedor. Hoje em dia, é considerado um marco no cinema americano e um dos melhores filmes de todos os tempos.

3) New York, New York, de 1977

Após o sucesso de Taxi Driver, a dupla se arriscou no musical New York, New York, que, segundo Scorsese, era uma tentativa de romper com o estilo realista pelo qual o diretor ficou conhecido, além de uma homenagem aos musicais da era de ouro de Hollywood – para completar essa homenagem, o diretor escalou como protagonista a atriz Liza Minelli, que é filha da atriz Judy Garland (de O Mágico de Oz, de 1939) com Vincente Minelli, diretor de vários musicais dessa era, como Sinfonia de Paris (An American In Paris, de 1951) e Agora Seremos Felizes (Meet Me In St. Louis, de 1944), além do clássico drama Assim Estava Escrito (The Bad And The Beautiful, de 1952), frequentemente citado por Scorsese como um de seus filmes favoritos, assim como Sinfonia em Paris.

Contando a história de amor entre um saxofonista – De Niro – e uma cantora – Liza Minelli – o filme foi fracasso de crítica e público. Além da recepção ruim que o filme recebeu por parte da crítica, a produção, que custou quatorze milhões de dólares, arrecadou apenas dezesseis milhões. Foi relatado no livro Easy Riders, Raging Bulls, que conta a história da Nova Hollywood, que o fracasso pode ter sido causado pelo vício em cocaína que acometia Scorsese durante as gravações do filme, vício esse que se tornou mais intenso após a recepção decepcionante do filme, que levou o diretor a uma depressão profunda, que foi superada apenas quando De Niro o convenceu a desenvolver o próximo projeto da dupla.

4) Touro Indomável (Raging Bull, de 1980)

Quando Scorsese estava no pior período de sua vida, De Niro apareceu com a salvação. O ator leu uma biografia sobre o lutador Jake La Motta enquanto estava no set de O Poderoso Chefão II (The Godfather: Part II, de 1974, dirigido por Francis Ford Coppola, filme que deu a Robert De Niro seu primeiro Oscar, na categoria de Melhor Ator Coadjuvante), se tornou fascinado com a vida do lutador e, desde então, estava tentando convencer Scorsese a dirigir um filme sobre ele. O diretor, no entanto, por não saber nada sobre esportes e menos ainda sobre boxe, não estava interessado nas possibilidades que a história lhe proporcionaria. Quando De Niro apresentou o projeto a alguns produtores, eles disseram que fariam o filme apenas se Scorsese assumisse a direção. Tendo recém saído de uma overdose de cocaína, o cineasta aceitou participar do projeto para salvar sua carreira e sua vida.

O primeiro tratamento do roteiro foi escrito por Mardik Martin, mas não agradou e foi reescrito por Paul Schrader, autor do roteiro de Taxi Driver e amigo de De Niro e Scorsese. Dessa vez, todos gostaram do roteiro, porém os produtores ficaram preocupados com o conteúdo, que certamente geraria uma classificação etária +18. Para resolver esse problema, o diretor e o ator partiram para a ilha de São Marinho, aonde passaram duas semanas modificando o roteiro.

Scorsese e De Niro na Ilha de San Marino. A foto foi enviada para os produtores do filme como uma piada, dizendo que a dupla havia passado os dias se divertindo ao invés de escrever o roteiro

As filmagens começaram em Abril de 1979 e foram pausadas em Junho, para que De Niro tivesse tempo para engordar o necessário para interpretar a versão mais velha de La Motta. Nesse meio tempo, a montagem do filme também já começou a ser realizada, inaugurando a parceria de Scorsese com sua colega de universidade, a montadora Thelma Schoonmaker, que montou todos os filmes do diretor desde então. As filmagens foram retomadas em Outubro e concluídas perto do Natal de 1979.

Apesar de um retorno financeiro não tão bom, o filme foi muito bem recebido pela crítica e pela Academia de Artes e Ciências Cinematográficas, que o indicou a oito categorias do Oscar de 1981: Melhor Filme, Melhor Direção (primeira das nove indicações de Scorsese ao prêmio), Melhor Ator (De Niro), Melhor Ator Coadjuvante (Joe Pesci, em sua primeira colaboração com a dupla), Melhor Atriz Coadjuvante (Cathy Moriarty), Melhor Som, Melhor Fotografia e Melhor Montagem. Venceu os prêmios de Melhor Ator, dando a De Niro seu segundo e mais recente Oscar, e Melhor Montagem, dando a Thelma Schoonmaker o primeiro dos três prêmios da academia que venceu - todos por filmes em parceria com Scorsese.

Touro Indomável é considerado por quase todos os pesquisadores como o último filme da Nova Hollywood e veio a se tornar um dos maiores clássicos do cinema estadunidense, e a atuação de Robert De Niro é frequentemente citada como uma das melhores performances da história do cinema, se não a melhor. O filme deu um bom gás à carreira do diretor, que, logo em sequência, deu continuidade à parceria com o ator.

5) O Rei da Comédia (The King Of Comedy, de 1982)

O Rei da Comédia foi o filme seguinte na parceria, e conta a história do comediante Rupert Pupkin – De Niro - que sequestra um apresentador de televisão chamado Jerry Langford – Jerry Lewis – que, buscando a liberdade, cede espaço em seu programa para Rupert apresentar seu ato de stand-up.

Apesar do fracasso retumbante de público que o filme foi - custou dezenove milhões de dólares e arrecadou apenas dois milhões na bilheteria, dando um prejuízo de 17 milhões – a crítica recebeu o filme relativamente bem e, com o tempo, ele veio a ter seu valor reconhecido e se tornou um filme cult. Recentemente, a produção voltou a ser comentada e vista por muitas pessoas, pois, junto com Taxi Driver, foi citado pelo diretor Todd Phillips como a grande inspiração para Coringa (Joker, de 2019, que também conta com Robert De Niro no elenco). Apesar de não ser um dos filmes mais famosos da parceria, O Rei da Comédia tem um valor inegável e é um filme importante na carreira tanto do diretor, quanto do ator.

6) Os Bons Companheiros (Goodfellas, de 1990)

Após oito anos sem trabalharem juntos, a dupla se reuniu no filme que é considerado por muitos como a obra-prima de Scorsese, Os Bons Companheiros. O filme marca a única vez em que De Niro atuou como coadjuvante em um filme do diretor – o ator interpretou Jimmy Conway, uma das figuras mais importantes da vida do protagonista Henry Hill, interpretado por Ray Liotta.

Um dos filmes de máfia mais aclamados de todos os tempos, Os Bons Companheiros segue a vida de Henry Hill, que sonha em ser mafioso desde que consegue se lembrar, pois vivia em um bairro dominado pela máfia e via as facilidades que a vida de mafioso proporcionava a estes.

Após uma década de 80 conturbada, com filmes pouco vistos e outros bastante polêmicos, como A Última Tentação de Cristo, o drama de máfia baseado em fatos reais marca o retorno de Scorsese à aclamação da crítica – apesar de, novamente, alguns críticos terem se incomodado com a violência - e ao sucesso de público – com uma arrecadação de 46 milhões de dólares, a produção foi a maior bilheteria do diretor até então.

O filme também foi indicado a seis prêmios no Oscar, nas categorias de Melhor Filme, Melhor Direção, Melhor Roteiro Adaptado, Melhor Montagem, Melhor Atriz Coadjuvante (Lorraine Bracco) e Melhor Ator Coadjuvante (Joe Pesci, que foi o único a vencer).

7) Cabo do Medo (Cape Fear, de 1991)

No início dos anos 90, Scorsese planejava fazer o drama de guerra A Lista de Schindler (Schindler’s List, de 1993) e Steven Spielberg, seu amigo desde o início dos anos 70, planejava fazer um remake do thriller de 1962 O Círculo do Medo. No entanto, Scorsese desistiu de sua produção por acreditar que A Lista de Schindler deveria ser feito por um judeu. Spielberg, por sua vez, achava que o olhar de Scorsese para o tipo de história que é O Cabo do Medo seria mais adequado do que o seu, e, como sua própria produtora, Amblin Entertainment, produziria o filme, o ofereceu para Scorsese. Quando ele leu o roteiro, no entanto, não ficou muito satisfeito, e disse que apenas consideraria o material se pudesse bagunçar a família principal. Apesar de brincar que, ao dizer aquela frase, Scorsese havia tirado 70 milhões de dólares da bilheteria que o filme viria a arrecadar, Spielberg aceitou e deu a Scorsese total controle criativo sobre a produção, que veio a estrear em 1991.

Como Max Cady, um homem condenado por estupro que sai da cadeia em busca de vingança contra seu advogado de defesa que não conseguiu evitar sua prisão, Robert De Niro passou por uma das transformações físicas mais intensas de sua carreira. Já perto dos 50 anos, o ator teve que fazer dieta e frequentar a academia para atingir os resultados esperados. Além disso, reza a lenda que ele foi em seu dentista e pediu para ter seus dentes destruídos, tendo gastado posteriormente 20 mil dólares pela restauração.

A performance do ator como um dos personagens mais diferentes de sua carreira lhe rendeu uma indicação ao Oscar de Melhor Ator, única indicação do filme à premiação, ao lado do prêmio Melhor Atriz Coadjuvante, ao qual a atriz Juliette Lewis foi nomeada.

Apesar de possivelmente ser o filme mais esquecido da parceria entre o diretor e o ator, O Cabo do Medo é um thriller extremamente efetivo e tipicamente “Scorseseano” que merece mais atenção do que costuma receber.

8) Cassino (Casino, de 1995)

No filme que marcou a última parceria entre Scorsese e De Niro por mais de 20 anos, o diretor conta a história de Sam Rothstein – De Niro – um apostador que é convocado pela máfia para cuidar de um cassino em Las Vegas.

Na época do lançamento do filme, alguns críticos o acusaram de ser uma espécie de remake de Os Bons Companheiros, por contar com os mesmos protagonistas e o mesmo diretor. No entanto, a abordagem de Scorsese é bastante diferente; enquanto Os Bons Companheiros retrata o estilo de vida de um mafioso em várias esferas, Cassino simboliza, de certa forma, o fim de uma era em Las Vegas que, segundo o diretor, se assimila bastante à época do velho oeste estadunidense. É claro que há muitas similaridades entre os dois filmes, desde o elenco até o modo como o diretor usa a câmera e a trilha sonora, mas é raso dizer que os filmes são iguais apenas por isso.

Apesar de, mais uma vez, a violência do filme ter sido um problema para alguns, a recepção do filme pela crítica foi muito boa, e a bilheteria foi melhor ainda, tendo arrecadado 116 milhões de dólares - recorde de Scorsese até então – mais do que o dobro de seu orçamento de 52 milhões. O filme foi lembrado no Oscar apenas na categoria de Melhor Atriz Coadjuvante, na qual a atriz Sharon Stone foi indicada, mas acabou não vencendo.

9) O Irlandês (The Irishman, de 2019)

Após Cassino, a dupla passou 24 anos sem lançar um filme juntos. O longo tempo sem nenhuma colaboração, no entanto, não foi por falta de vontade de nenhuma das partes. Em Gangues de Nova York, de 2002, De Niro foi convidado para interpretar o papel que acabou com Daniel Day Lewis, mas, por estar envolvido em um projeto que estava sendo filmado na Itália, não pôde se juntar ao amigo, que estava filmando em Nova York. Mais tarde, quando Scorsese fez Os Infiltrados, ele convidou o ator para interpretar o papel que ficou com Jack Nicholson, mas este estava trabalhando em seu único projeto como diretor, O Bom Pastor, e novamente acabou por não se envolver com a produção. Algum tempo depois, foi ele que convidou Scorsese para um projeto, um remake de Assim Estava Escrito (The Bad And The Beautiful, de 1952), que mostraria experiências dos dois durante suas carreiras em Hollywood. O diretor, no entanto, não se empolgou com o projeto, e ambos começaram a procurar roteiros que poderiam filmar juntos.

Até que o ator leu o livro I Heard You Paint Houses, de Charles Brandt, que contava a história do mafioso Frank Sheeran, que afirmava ter matado o líder sindical Jimmy Hoffa, uma das figuras mais importantes dos Estados Unidos nos anos 60 e 70 que foi assassinado em 1975 e, até hoje, não teve o corpo encontrado ou o assassino desvendado pelas autoridades. Segundo Scorsese, o que o convenceu a fazer o filme foi a emoção demonstrada por De Niro ao descrever o livro para o diretor. O projeto também retomaria a parceira do diretor com Joe Pesci, com quem também não trabalhava desde Cassino e teve que ser convencido a sair da aposentadoria para participar do filme, e Harvey Keitel, que havia trabalhado com o diretor pela última vez em A Última Tentação de Cristo, de 1987. Além disso, o filme também marca a primeira vez em que Al Pacino trabalhou com Scorsese, pois, apesar de terem planejado alguns filmes ao longo dos anos e serem amigos de longa data, esses projetos nunca deram certo.

Após anos de tentativas fracassadas de achar uma produtora para o filme, os envolvidos já estavam prestes a perder as esperanças de que o filme viria a ser feito. Até que, em 2017, a Netflix assumiu o financiamento, dando ao diretor total controle criativo sobre a produção e desembolsando 175 milhões de dólares para que o filme ficasse como ele desejava – muito desse custo foi por causa da revolucionária tecnologia de rejuvenescimento facial usada em De Niro, Pesci e Pacino.

Com esse time de ponta, era difícil fazer alguma coisa abaixo de uma obra-prima, e Scorsese não decepcionou. Mais uma vez, o filme foi acusado injustamente por alguns de ser um remake ou uma versão requentada de Os Bons Companheiros. O Irlandês, sim, é outro filme de máfia mas, muito mais do que isso, é um olhar para o próprio cinema de máfia, marcando o fim de uma era no gênero, além de uma contemplação de Scorsese sobre o envelhecimento, a morte, a lealdade e o arrependimento.

O filme foi aclamado pela crítica e recebeu dez indicações ao Oscar, nas categorias de Melhor Filme, Melhor Direção, Melhor Ator Coadjuvante (Joe Pesci e Al Pacino), Melhor Roteiro Adaptado, Melhor Montagem, Melhor Figurino, Melhores Efeitos Visuais, Melhor Design de Produção e Melhor e Melhor Fotografia. Apesar de seu filme não ter vencido nenhum prêmio, Scorsese foi um dos protagonistas da noite, quando, após o prêmio de Melhor Direção ser entregue para Bong Joon Ho, por Parasita, ele homenageou o diretor de O Irlandês no discurso, o que gerou com que a plateia se levantasse e aplaudisse Scorsese de pé, em um dos momentos mais emocionantes da história da premiação.

10) Killers Of The Flower Moon (será lançado em 2022)

No momento, está sendo filmado o próximo projeto da dupla, que, dessa vez, terá a companhia de Leonardo DiCaprio, Jesse Plemons e Lily Gladstone, entre outros. Baseado no livro Killers Of The Flower Moon: The Osage Murders And The Birth Of The FBI, de David Grann, o filme financiado pela Apple contará a história de assassinatos ocorridos em 1920 na tribo Osage, em Oklahoma, após a descoberta de petróleo na área da tribo, que contaram com a investigação do recém-fundado FBI.

Autor do roteiro do filme, Eric Roth (Forrest Gump, O Curioso Caso de Benjamin Button, O Informante, entre outros) contou ao Collider que acha que o filme será como nada que vimos anteriormente, e que o diretor está tentando fazer um faroeste que provavelmente será o último feito desta maneira.

De Niro comentou que gosta da ideia de fazer dez filmes com Scorsese por se tratar de um número fechado, então há uma grande chance desse filme marcar o final dessa parceria tão icônica, mas, quando se trata desses dois, só teremos certezas que ambos não trabalharão mais juntos quando um dos dois não estiver mais entre nós. Sorte nossa.

Caro leitor, você também é fã dessas lendas? Ansioso pelo próximo trabalho desta parceria incrível?

The Killer, o próximo thriller de David Fincher

2021-07-03T14:03:00.002-03:00

Matéria elaborada pelo colaborador Luis Schuh Bocatios

Após o premiado Mank, de 2020, David Fincher já tem um próximo projeto engatilhado. Segundo o The Hollywood Reporter, o diretor - responsável por obras como Seven, Clube da Luta e A Rede Social - deve se juntar ao astro Michael Fassbender (X-Men: Primeira Classe, Steve Jobs e 12 Anos De Escravidão) no suspense The Killer. Após um drama em preto e branco sobre a Hollywood clássica, The Killer levará o diretor de volta ao gênero que mais domina: o suspense. Baseado na homônima história em quadrinhos francesa escrita por Alexis Nolent e ilustrada por Luc Jacamon, o filme contará a história de um assassino profissional que se encontra perdido em um mundo sem nenhum compasso moral.

Assim como Mank, o filme será produzido pela Netflix, e o roteiro assinado por Andrew Kevin Walker, velho parceiro de Fincher e responsável pelo roteiro de Seven, Vidas em Jogo e Clube da Luta.

Apesar de um longo período de seis anos entre Garota Exemplar - penúltimo filme de Fincher - e Mank, o diretor deve começar a rodar o projeto em Setembro de 2021, menos de um ano após o lançamento de Mank, o que leva a crer que o lançamento deve ocorrer no final de 2022.

E você, é fã de David Fincher?

LOKI: Revelações (Análise do episódio 4)

2021-07-03T10:21:00.000-03:00

Chegamos na segunda metade da nova série da Marvel Studios exclusiva do streaming Disney+ estrelada pelo carismático vilão, e nesse episódio dessa semana tivemos muitas surpresas! Se no episódio anterior muitos reclamaram pela trama parada e falta de acontecimentos envolvendo a TVA, essa semana fomos surpreendidos com muitos mistérios sendo desvendados, mentiras escancaradas e ainda por cima com introduções inusitadas e grandiosas que podem mudar tudo o que sabemos do multiverso do MCU!

Continuamos a nossa análise semanal das novas séries da Marvel do novo streaming da Disney e agora já chegamos no quarto episódio, após já debatermos o primeiro, o segundo e o terceiro, agora vamos debater os acontecimentos da trama, iremos destrinchar momentos importantes, notar referências aos quadrinhos e ao MCU e tentar especular o que haverá no futuro das produções do MCU, seja para cinema ou para o streaming!

Agora acomoda-se, pois vamos debater o novo episódio de LOKI!

Atenção: Spoilers do novo episódio da semana!

Reaquecendo as discussões do polêmico episódio da semana passada, notamos que ele foi um episódio muito caracterizado de desenvolvimento e relações de personagens entre o nosso Loki protagonista e a nova personagem Sylvie. Vemos as diferenças de ambos e como um complementa o outro, algo que é muito complexo a se dizer, pois tanto Loki quanto a Sylvie são derivados da mesma origem, já que ambos são variantes do deus da Mentira Loki, sendo ele um que não deveria existir pois fugiu da linha do tempo original na batalha de Nova York e ela sendo uma versão feminina dele que também não deveria existir (visto na cena de abertura desse episódio onde vemos a Lady Loki criança sendo imediatamente apreendida pela TVA e quase extinguida da linha do tempo sagrada, mostrando a real motivação do ódio que ela tem com a polícia temporal).

Vemos como essa relação entre ambos ficou mais forte após os acontecimentos do episódio anterior e que eles estão dispostos a proteger um ao outro, sendo assim nasce um carinho e um sentimento de acolhimento que Loki sempre escondeu. Sendo assim podemos ver que o sentimento de ambos é algo que é muito maior que a TVA estava esperando, visto que finalmente retornamos aos acontecimentos dentro da polícia temporal, onde a confusão de multiverso foi contida por eles e que a situação voltou a se normalizar, até que no momento em que Loki e Sylvie , que se encontram perante o armagedom de Lamentis-1, finalmente demonstram o sentimento de carinho um pelo outro e vimos que até durante um evento apocalíptico, o evento nexus gerado pelo sentimento é muito mais intenso do que imaginávamos.

Só que infelizmente vira um pretexto para que a TVA consiga localizar os dois e os prender novamente, onde ambos tentam a todo o modo desmascarar a farsa que aparenta é a TVA no quesito de controle da linha temporal. Loki utiliza os seus meios para conseguir fazer com que Mobius consiga despertar a sua real origem perante a sua persona de agente da TVA que foi obrigado a agir, mas isso não é suficiente até que o agente joga o vilão numa “solitária” de loop temporal, onde somos inicialmente surpreendidos pelo retorno da Lady Sif! Personagem que mesmo pequena, possuía uma importância no núcleo do filmes do Thor nos dois primeiros longas do herói e que sumiu no terceiro, fazendo a sua segunda aparição numa série da Marvel. A primeira se relembrarmos bem foi na temporada inicial de Agents of S.H.I.E.L.D fazendo um episódio dedicado a cultura asgardiana, onde o acontecimento do loop temporal é referente a um mito conhecido da mitologia nórdica em que o deus Loki cortou o belo cabelo da esposa do deus do trovão Thor, Sif, para fazer graça ao seu irmão.

Retomando ao acontecimentos do episódios, vemos que Mobius mesmo desconfiado, o utiliza ao seu favor para conseguir encontrar informações referentes as acusações de Loki de que todos os agentes da TVA são variantes temporais capturadas e escravizadas para manter a linha do tempo única, ele então parte para debater com a Ravonna a questão do como essa variantes “Lokis” são as mais difíceis de lidar, diálogo que traz referências à existência de criaturas que pelo visto estão chegando ao MCU: vampiros! Isso já é um primeiro passo que criaturas sugadoras de sangue estão no MCU, visto que o tradicional caçador de vampiros Blade ganhará um novo longa-metragem nesse universo, estrelado pelo ator ganhador do Oscar Mahershala Ali, ainda sem data de lançamento definida.

O que vemos no diálogo de Mobius é algo que sedimenta em muitos agentes da TVA, pois um membro da tropa de elite, a B-15, que esteve ao lado de Loki no segundo episódio e teve parte da mente manipulada pela Sylvie foi finalmente exposta a realidade quando ela permitiu que a Lady Loki despertasse suas memórias da vida passada, mudando-a completamente, que a leva para uma atitude ousada que veremos mais a frente.

Mobius durante a conversa com a Ravonna consegue trocar os time pads e finalmente consegue descobrir parte da verdade que o vilão revelou a ele, ao ver outra agente da tropa de elite, a C-20, que foi a responsável por revelar a Sylvie onde ficava o Guardiões do Tempo no episódio 2, sendo silenciada por Ravonna após descobrir a verdade de seu passado. Então finalmente tendo clareza da realidade, ela liberta da prisão de Loop o nosso protagonista Loki e decidi enfrentar a autoridade de Ravonna, que infelizmente é mais esperta do que o esperado, pois ela, numa atitude chocante, oblitera o agente Mobius, mostrando o nível de superioridade tirana dentro da TVA.

Essa tirania era algo que muitos fãs especulavam em torno das reais motivações da instituição temporal, pois queriam entender a razão de tanta burocracia e controle nas variações temporais e principalmente, o mistério envolvendo as figuras lendárias envolvendo os fundadores da TVA: ss guardiões do tempo.

Essas figuras tão poderosas e misteriosas foram vistas como algo suspeito, já que poucas pessoas tinham acesso a eles e se de fato existiam, até que finalmente no episódio dessa semana, fomos deparados com essas figuras grandiosas, quando Loki e Sylvie foram confrontados com essas figuras no andar supremo dos guardiões, que parecem imponentes. Porém por meio de uma confusão da rebelião causada pela agente B-15 que realizou um ato heroico e conseguiu libertar os nossos protagonistas de realizar a façanha que finalmente desmascara a mentira ofuscada pela TVA, os Guardiões do Tempo não existem!

Isso demonstrou que toda a fachada que a instituição temporal arquitetou era um grande esquema que apenas grandes figuras cruciais no alto comando sabiam desse segredo, como a Ravonna, isso é muito curioso a se pensar, pois desde que nos foi apresentada a TVA, eles tinha uma postura rígida perante o funcionamento da linha do tempo nesse universo, para evitar a ascensão de múltiplas realidades se colidindo no Multiverso, só que agora com essa figura sendo desmascarada, ainda levanta questões sobre a real razão da TVA. Quem está por trás de tudo? Para que serve a TVA de fato? E por que apenas a Ravonna sabia? Lembrando que nos quadrinhos Ravonna tem uma forte ligação com o grande vilão dos Vingadores, Kang o conquistador, que está confirmado em próximas produções da Marvel. Será que o vilão está comandando a TVA por meio de Ravonna?

E fechando o episódio bombástico dessa semana, a cena final, após a grande revelação, quando Loki estava prestes a declarar os seus sentimentos por Sylvie, Ravonna consegue obliterar o vilão, chocando todos nós e levando a um grande gancho, onde Sylvie obriga a Ravonna a revelar toda a verdade.

Só que após fechar todos os créditos iniciais, chegamos a primeira cena pós-crédito da série, revelando que o nosso querido vilão Loki não foi apagado da existência, e sim foi para algum lugar misterioso e ao redor dele estão figuras inusitadas: quatro versões diferentes de Loki! Sendo que um deles é interpretado pelo ator Richard E. Grant fazendo um Loki velho e utilizando a roupa clássica dos quadrinhos, como se fosse uma fantasia, algo que está se tornando comum nessas produções televisivas da Marvel com o episódio especial de Halloween de WandaVision, onde os dois protagonistas vestiram as fantasias remetendo os uniformes coloridos e clássicos. Além dele tivemos um Loki versão Thor e outra confirmação de um personagem importante que é o Kid-Loki, a versão criança do vilão, que está carregando um Loki versão jacaré.

Essa versão criança do vilão é mais uma indicação que o Marvel Studios está construindo nas entrelinhas das suas novas produções a formação dos Jovens Vingadores, visto que em WandaVision tivemos os filhos de Wanda, Wicano e Celere, e em Falcão e o Soldado Invernal, a introdução do neto do supersoldado negro Isaiah Bradley, conhecido como o Patriota, líder desse supergrupo, e que muitos outros estão prometidos em produções tanto nos filmes de cinema quanto as séries de streaming. O Kid-Loki é outro que já faz parte das formações atuais desse grupo de heróis e será importante para essa formação nascer num filme ou até mesmo numa série.

E por fim o episódio dessa semana encerrou com o nosso vilão protagonista nesse cenário que parece ser destruído e devastado, se repararmos nessa cena final dos vários lokis de realidades diferentes, vemos no canto direito, a torre dos Vingadores destruída e tombada, levantando uma questão: será que este é algum limbo que o nosso Loki protagonista foi parar? E que esse limbo é controlado por vários Lokis de realidades diferentes? Saberemos semana que vem...

E com isso encerramos a nossa análise da semana do mais novo episódio de LOKI, que encaminha na sua reta final faltando apenas dois episódios para descobrirmos o que aconteceu com o nosso vilão protagonista e qual é o real motivo misterioso da TVA. E estaremos aqui para debater os novos acontecimentos que não só podem mudar o nosso vilão, mas também o MCU inteiro!

LOKI é uma série original da Marvel Studios e é exclusiva do streaming Disney+.

O que achou da nossa análise? Ficou chocado com o episódio da semana? Que versão do Loki você gostaria que aparecesse na série?

Escreva um comentário! Siga-nos em nossa redes sociais! E confira o nosso site para maiores novidades!

Crítica: Rogai por Nós (2021, de Evan Spiliotopoulos)

2021-07-02T14:56:00.000-03:00

É nítido como os filmes do gênero terror vem ganhando o mercado nos últimos anos, porém essa mesma onda faz com que esse gênero, por vezes, fique saturado e principalmente, com roteiros bobos e buscando apenas o "jump scare" ou seja, assustar o telespectador em determinado momento e só. Rogai por Nós tenta ser diferente mas se perde ao longo do filme, tenta nos fazer refletir sobre a história mas erra em diversos momentos no roteiro. Confira o que achamos!

Cuidado com os spoilers!!!

O filme traz boas atuações de um modo geral, nomes conhecidos integram o elenco mas nada salva um roteiro mal produzido. No começo do filme conhecemos um jornalista em decadência, que vai até uma pequena cidade pesquisar uma história, neste mesmo lugar, após encontrar uma boneca antiga no pasto, ele a quebra para dar continuidade à sua história, já que na verdade, não havia história alguma.

Depois disso, coisas estranhas começam a acontecer, uma garota local surda, começa a falar e dizer ter visto a Virgem Maria e que Ela teria a curado. Então o circo em volta da cidade começa.

Gerald (Jeffrey Dean Morgan) por ter tido contado com Alice (Cricket Brown), consegue ganhar a confiança da moça, que lhe dá diversas entrevistas sobre o que ela vê e o que a suposta Maria quer dela, aos poucos ele começa a perceber algo estranho nessa "aparição" e como bom jornalista que um dia foi, vai à fundo na história da cidade, descobrindo seus podres.

Até aqui o filme mantinha uma linha aceitável de pensamento, era óbvio que Alice estava sendo enganada por alguma outra entidade e mesmo assim, era incapaz de notar a diferença. O grande problema é quando Gerald, ao pesquisar sobre a cidade, começa a ter algumas visões e é perseguido por essa entidade, o filme peca e muito na forma de transmitir isso, forçando a barra diversas vezes, chegando ao ridículo. Uma história tão boa e com uma ideia excelente que se perde para seguir um padrão de jump scares que não funcionam mais, diminuindo a qualidade até então apresentada.

Infelizmente a moral do filme acaba se perdendo nesses momentos por uma grande besteira, filmes de terror não necessariamente precisam ter situações assustadoras ou que nos fazem pular da cadeira. Claro que isso é um fator, mas quando bem usado pela direção. Aqui esses pontos são desperdiçados e estragam toda uma construção da história. A originalidade que o filme poderia trazer é literalmente jogado fora quando somos imersos em clichês nada bem construidos, a essência do filme foi perdida no momento que a ideia de profanar uma crença se mistura com as desnecessárias e constantes cenas de efeitos especiais, que por sua vez são exagerados.

No fim, podemos perceber com clareza que a ideia do filme era nos dar alguma moral sobre acreditar piamente em falsos profetas e em falsos milagres. Nada é de graça e nem tudo que parece divino de fato é. Uma pena ele ter se perdido no roteiro, tinha potencial mas foi totalmente esmagado pela ideia de assustar o telespectador com fatores já gastos.

Título Original: The Unholy

Direção: Evan Spiliotopoulos

Duração: 90 minutos

Elenco: Jeffrey Dean Morgan, Cricket Brown, Jordana Brewster, Marina Mazepa, Diogo Morgado, Cary Elwes, William Sadler, Katie Aselton, Christine Adams

Sinopse: Alice é uma jovem com deficiência auditiva que, depois de uma suposta visitação da Virgem Maria, consegue, inexplicavelmente, ouvir e curar pessoas. Conforme a história se torna conhecida e mais fiéis viajam para testemunhar seus milagres, um jornalista decadente (Jeffrey Dean Morgan), esperando reviver sua carreira, visita a pequena cidade de New England para investigar. Quando eventos aterrorizantes começam a acontecer, ele passa a questionar se esses fenômenos são obras da Virgem Maria ou de algo sinistro.

Trailer:

Gostou dessa crítica? Não deixe de nos seguir para mais notícias

Animações da DC para entender melhor os filmes

2021-07-01T13:23:00.001-03:00

Alguns dias atrás, um amigo me perguntou como ele poderia entender melhor o mundo da DC, sem necessariamente, ter que assistir aos filmes. Isso me fez pensar nesse especial, onde selecionei algumas animações que são essenciais para qualquer fã ou para aqueles que tem a curiosidade de saber mais sobre as histórias. Espero que vocês gostem tanto quanto eu!

Mulher-Maravilha

O filme conta a origem da princesa amazona Diana Prince (Keri Russell) na mística ilha grega de Temíscera e sua inevitável jornada pelo mundo dos homens, onde ela se estabelece como a heroína Mulher-Maravilha, que segue suas próprias regras. Entretanto, o conflito se estabelece quando o deus da guerra, Ares (Alfred Molina), escapa da sua prisão e jura vingança contra o mundo dos mortais e dos deuses. Cabe à Mulher-Maravilha impedi-lo. A história é vagamente baseada na reformulação da personagem feita pelo desenhista George Perez, particularmente na série Gods and Mortals, que foi publicada em 1987.

É notável a semelhança da animação com o filme Mulher-Maravilha, lançado em 2017, onde vemos também a origem do personagem e a descoberta do mundo dos "homens" dentre outras coisas. Neste caso eu gostei muito da adaptação para o cinema, Gal Gadot conseguiu pegar a essência da personagem e transparecer isso em tela. Sua ética, sua força e o amor que ela desconhecia.

Batman - O Cavaleiro das Trevas - Parte 1

Batman - O Retorno do Cavaleiro das Trevas - Parte 2

De longe é o meu preferido, isso porque o personagem do Batman de fato é o meu herói preferido. Essa animação vem apenas para fechar com chave de ouro a sua história até então. Porém há muitas divergências entre o filme Batman vs Superman e a animação, por um fato não tão simples. O filme que foi baseado, conta a origem da Liga, quando na animação a Liga da Justiça já havia se extinguido. Mas ao mesmo tempo, temos diversas semelhanças no roteiro, como a maneira que o Batman pensa e age, a supremacia do Superman e claro, a fatídica luta entre os dois. Os termos são totalmente contrários mas ao mesmo tempo similares. E não, eu não gostei do filme, não necessariamente por achar que eles mudaram a história, mas sim porque eles não fizeram o suficiente (é o que me parece). Haviam diversas possibilidades e eles não souberam aproveitar de fato a riqueza da história, não foi qualquer história baseada, e para os fãs isso é deveras muito importante, Frank Miller desenhou e escreveu os quadrinhos e ele é um gênio. Caso você esteja achando meu discurso um pouco exagerado, lembre-se que ele é responsável por outras histórias como 300, Sin City e Demolidor.

Dez anos após sua aposentadoria, Batman se encontra em um mundo onde os heróis foram extintos, e Superman é o último em atividade, mas quando a criminalidade cresce em Gotham City, Bruce Wayne volta à ativa e usa toda sua inteligência e força bruta para fazer justiça. O Cavaleiro das Trevas se depara, também, com um mundo corrompido pela injustiça, onde apenas o Superman (Mark Valley) age. A realidade o atormenta até que ele resolve vestir novamente o manto do morcego e, uma vez mais, perseguir os criminosos pelas ruas, o que desencadeará uma série de eventos que pode significar a destruição da cidade. Esta é a primeira parte da adaptação da história em quadrinhos Batman: O Cavaleiro das Trevas (1986), escrita e desenhada por Frank Miller.

A Morte do Superman

Puxando a linha de Batman vs Superman, em Liga da Justiça, temos uma mistura de diversas histórias e uma delas me lembra essa animação. Fica mais nítido a comparação se você tiver assistido a versão do Snyder Cut do que aquela do cinema, pelo não tão simples final que ele nos presenteia. Pois temos um vislumbre do grande poder de Darkside, quando na animação o vilão é o Apocalypse, entretanto, ambos são um grande desafio para Clark. Como eu disse antes, tem uma mistura gigante de histórias nesse filme, temos Ponto de Ignição ou Flashpoint, temos A Morte do Superman, aquela puxada no filme anterior e a inauguração, por assim dizer, da Liga em si. Repito: assista a versão do Snyder que é imensuravelmente superior, tanto pela qualidade, quanto em detalhes, do que a versão lançada no cinema, que foi uma pena.

Por mais que a gente saiba que o Superman é difícil de matar - se é que ele realmente morre alguma vez - animações como essa vêm mostrar como seria se isso realmente acontecer. Impossível negar o aperto no peito que dá. Quando a Lexcorp acidentalmente liberta um assassino intergalático, Apocalypse, Superman (Adam Baldwin) enfrenta seu maior desafio e, na batalha, os dois morrem. O mundo inteiro lamenta a perda do herói e a humanidade, sem o seu protetor, sente que nunca mais ficará segura novamente. Os inimigos de Superman comemoram tal feito e Metrópolis é dominada por criminosos, enquanto Lex Luthor (James Marsters), sem saber, desencadeia uma sequência de fatos que irão marcar a vida de todos. Filme adaptado da popular história em quadrinhos da DC Comics A Morte do Superman.

Liga da Justiça: Ponto de Ignição

Essa é outra excelente animação, que eu também citaria como uma preferida, usada em diversas adaptações da TV. Barry Allen volta no tempo e salva sua mãe de ser assassinada, criando assim o ponto de ignição, onde ele literalmente gera danos irreversíveis ao mundo por criar uma nova realidade, levando ele a destruição.

Determinado a mudar a sua história, ele quebra as barreiras do tempo com sua hipervelocidade e volta ao passado para impedir que a tragédia aconteça. No entanto, mexer com a linha temporal traz sérias consequências para o presente. Por conta de sua volta, a Liga da Justiça não existe, o Rei Orin (Cary Elwes) – Aquaman deste universo – e suas forças atlantes afundaram a maior parte da Europa, enquanto Rainha Diana (Vanessa Marshall) – a Mulher-Maravilha deste universo – levou as amazonas a conquistar o Reino Unido e ambos estão agora em guerra. Tropeçando nesta realidade distorcida, onde até mesmo o poderoso Superman (Sam Daly) está longe de ser encontrado, Flash procura pela confiável sabedoria de Bruce Wayne (Kevin McKidd), o Batman, apenas para encontrar um Cavaleiro das Trevas mais violento em seu lugar. O Flash e o Batman deste novo universo, com a ajuda do Ciborgue (Michael B. Jordan), correm para restaurar a linha temporal original e impedir que esse mundo alternativo se concretize. Adaptação da história em quadrinhos Flashpoint, de Geoff Johns e Andy Kubert. Ótimo para você que acha que o Aquaman não é poderoso por ser o Aquaman.

A Piada Mortal

Essa animação teve muitas críticas ao ser lançada mas eu gosto muito dela, pois mostra um lado do Coringa muito mais violento do que em outras animações. O Cavaleiro das Trevas com o icônico Coringa de Heath Lerdger traz semelhanças no figurino e o próprio filme do Coringa também lembra algumas partes dessa animação, porém em contextos totalmente diferentes.

Tudo começa quando o Batman (Kevin Conroy), analisando a espiral de violência que permeava o contato de ambos ao longo dos anos e prevendo que isso poderia levar um ou ambos à morte, vai ao Asilo Arkham tentar dialogar com seu maior inimigo, o Coringa (Mark Hamill). Ao interrogá-lo, descobre que na verdade, o Coringa fugiu mais uma vez do sanatório. Fora da prisão, o criminoso arquiteta um plano para mostrar a todos o que a loucura, por mais simples que seja, pode fazer com um homem. Primeiro, ele atira na filha do Comissário Gordon (Ray Wise), Barbara Gordon (Tara Strong), deixando-a paralítica. O Coringa, então, estupra a filha do Comissário, tira fotos do crime e mostra para Gordon, tentando enlouquecê-lo. Em meio a tudo isso, é contada por meio de flashbacks, a história do Coringa: um comediante mal sucedido na beira do abismo da loucura. Esse é o tema da história: Coringa queria provar que o homem mais são podia se tornar o mais louco; queria mostrar que bastava um pequeno incidente, que qualquer um podia se tornar um maluco. Com tudo isso, o Coringa tenta enlouquecer Gordon, mas Batman entra em ação. Adaptação homônima de uma das mais famosas histórias do Batman publicada em 1988, escrita pelo autor Alan Moore e desenhada por Brian Bolland.

Caso você tenha se interessado, acesse o link e confira mais animações da DC!

Até a próxima!

IBIFEST: Abertura das Inscrições 01/07

2021-07-01T12:07:00.000-03:00

Chegou a data tão aguardada pelos cineastas e amantes de cinema. Hoje abrem as inscrições do mais novo festival de cinema, o IBIFEST: Festival de Cinema de Ibitinga em sua primeira edição que será totalmente online.

O Ibifest surgiu como uma iniciativa privada, visando levar o cinema tanto para a cidade de Ibitinga, como valorizar a economia da cidade, bem como proporcionar um espaço para divulgação e apreciação de projetos de alto ou baixo orçamento, profissionais ou independentes.

Com esse intuito, eu, Caroline Oliveira, representante do IBIFEST aqui no Minha Visão do Cinema, junto de mais 2 sócios cineastas, Amanda Mergulhão e Henrique Caiel, criamos o festival, e para garantir que toda obra possa ter sua oportunidade de participar, iremos aceitar projetos feitos com celular, levando muito mais em conta a linguagem e mensagem do que o equipamento utilizado. E tendo este viés em mente, o primeiro mês de inscrições é totalmente gratuito.

E aí, ficou interessado em inscrever seu projeto? Então está na hora de saber se ele está de acordo com as categorias que aceitamos e nosso regulamento, confira abaixo:

• As inscrições poderão ser feitas através deste link: https://filmfreeway.com/IBIFEST.

• É necessário se cadastrar no site do Film Free Way, site, bem como a obra que você pretende inscrever. Lembrando que o Film Free Way é uma plataforma gratuita.

• Aceitamos: curta-metragem com duração de até 26 minutos que tenham sido gravados de 2017 em diante. Aceitamos material gravado por celular.

• Aceitamos monólogos gravados por câmera ou celular. O participante pode declamar um texto autoral ou conhecido. Iluminação, cenário e som serão levados em conta, porém a prioridade é a interpretação.

• Aceitamos roteiro de curta-metragem de até 15 páginas.

• Aceitamos fotografias! O tema deste ano é Meio Ambiente!

• Aceitaremos material criado por celular, assim democratizamos o acesso.

As inscrições estão abertas, são gratuitas nesse primeiro mês e se encerrarão dia 08 de outubro.

Se seu projeto está de acordo com as categorias aceitas pelo IBIFEST, agora só falta se inscrever, o processo é rápido, fácil, e gratuito, cadastre-se agora no link abaixo:

https://filmfreeway.com/IBIFEST

Pense GRANDE, Pense IBIFEST

A equipe IBIFEST e a equipe Minha Visão do Cinema te desejam boa sorte.

Lembrando que as inscrições vão até o dia 8 de outubro, mas que só serão gratuitas nesse primeiro mês.

Os resultados das votações do júri serão divulgados no mês de Novembro e os semifinalistas serão exibidos em uma live online e gratuita, onde será divulgado o ganhador do festival.

Boa sorte e não se esqueça de seguir o festival em suas redes sociais para ficar por dentro de todas as informações que você precisa saber.

Instagram: @ibifest.festival

Curta e compartilhe a matéria se você gostou.

Compartilhe essa ideia, compartilhe o Ibifest

LOKI: A Variante (Análise do Episódio 3)

2021-06-28T17:26:00.000-03:00

Nessa semana tivemos mais um episódio da nova série do Marvel Studios exclusiva do streaming Disney+, LOKI, um episódio que muitos considerariam polêmico pela falta de ação e até mesmo parado na trama principal. Porém ele pode ser considerado crucial pelo desenvolvimento ou até mesmo a introdução para grandes acontecimentos que precedem a reta final da trama temporal e de multiverso dentro do MCU.

Estamos dando procedimento a nossa série de análise de episódios da série da Marvel e seus outros lançamentos que a casa das ideias nos promete entregar durante 2021 inteiro. Já tivemos sobre o episódio 1 e do episódio 2 . Agora iremos debater os acontecimentos e revelações das tramas, filtrando referências ao MCU ou aos quadrinhos e tentar descobrir o que pode revelar sobre o final da série ou até mesmo de futuras produções do Marvel Studios.

Agora acomode-se, pois vamos analisar o novo episódio de LOKI!

Atenção: Spoilers do episódio dessa semana!

Como já foi dito esse episódio pode ser considerado polêmico para algumas pessoas, se compararmos a semana passada, que ganhou peso pela fragmentação da linha do tempo sagrada e pela revelação que temos realmente a Lady Loki. Agora chegamos no terceiro episódio, ou seja, estamos no meio e se encaminhando para a reta final da trama estrelada pelo deus da mentira. O seriado buscou abrir mão da trama de multiverso, pelo encontro dessas duas personalidade de “Lokis” diferentes entre si, onde vemos o nosso Loki protagonista, e a variante Loki, que no seriado recebeu o nome de Sylvie, o que é muito curioso a se reparar pelo nome da personagem, pois é uma possível referência, ou até mesmo confirmação de uma personagem que pode aparecer no futuro do MCU.

O nome Sylvie pode indicar a presença da personagem Encantadora, antagonista muito frequente nas histórias do Thor, porém considerando que anteriormente nos foi apresentado que ela seria uma variação temporal vinda de outro período desconhecido de um “Loki”, é referência a uma outra versão da personagem que renasceu nos quadrinhos e adquiriu o titulo de Encantadora, que se se chamava Sylvie Lushton, ou seja, a nossa personagem é feita de uma mistura dessas duas personagens, algo que é muito comum em produções do MCU para encaixar no contexto da trama audiovisual.

Naturalmente, notamos que Sylvie teve todo um esquema de bombardear a linha do tempo sagrada para conseguir desviar a atenção dos agentes da TVA, pois tanto ela quanto o nosso protagonista Loki, desejam chegar aos guardiões do tempo, com uma intenção de destruir essas divindades tão importante dentro da TVA, mas que o nosso vilão não deseja totalmente, e é isso que é o provável motivo de ele ir atrás dela nesse novo episódio. Na trama vemos o Caos se empestear na TVA e ambos começam a se enfrentar, vemos Loki lutar até com suas tradicionais lâminas que finalmente retornam depois de muito tempo, porém o confronto desencadeia o cenário de que toda a trama do episódio acontece.

O local em questão é Lamentis-1, um planeta que não é muito conhecido nos quadrinhos, porém ele foi referenciado numa importante saga da Marvel de 2007 Annihilation, que teve sua importância por estabelecer dinâmicas atualizadas de personagens clássicos para os novos filmes como o Drax, de Guardiões da Galáxia, e o próprio Thanos. Enfim vemos os nossos personagens irem para esse local que está preste a ser destruído, já que o Loki provou a teoria de que eventos apocalípticos na linha temporal são território neutro para alterações temporais ou de multiverso. Vemos os nossos personagens se conhecendo e tendo uma boa dinâmica entre si, relembrando aquelas histórias de dois personagens que não se suportam e tem que se unir para sobreviver, pois Loki roubou o Time Pad de Sylvie e não conseguem voltar a TVA para realizar os seus objetivos sem a energia no seu dispositivo temporal.

Nessa jornada mais calma e pacífica, no sentido de fazer a trama andar, ambos se conhecem e por meio de limites de paciência entre si, temos o Loki utilizando sua lábia tradicional e a Sylvie, sendo uma versão alternativa desse personagem, ela detém a mesma noção e concepção de mundo, já que ambos desejam conquistar o objetivo de alcançar os guardiões do tempo, só que ele deseja tomar os poderes em si, enquanto ela deseja destruir. O motivo dele já é algo que foi estabelecido, pelo histórico do personagem que vemos em produções anteriores do MCU, mas ela ainda se mostra nebulosa do que é exatamente a motivação de causar um caos temporal, é algo que precisamos ver ao longo dos episódios se isso será revelado ou não.

Eles tentam obter saída para recuperar energia para o Time Pad se infiltrando nos transportes que está tentando resgatar a população da destruição iminente no planeta. A dinâmica de ambos é o que constrói o lado e personalidades distintas, nesses diálogos vemos então a confirmação do vilão ser realmente de gênero fluído, orientação sexual que estava sendo debatida ao longo das primeiras notícias da série, algo que faz todo o sentido, sendo ele capaz de mudar de forma em constante transformações que atendem aos desejos sexuais, seja masculino, feminino e outros.

Naturalmente o espírito solto e rebelde de Loki acaba se voltando contra ele, onde após ter criado uma confusão estando bêbado no transporte, eles acabam sendo expulsos e literalmente ejetados fora da nave, onde com o impacto da queda o vilão acaba quebrando o time pad e limando a chance de eles escaparem da linha temporal. Sylvie até fica furiosa pela irresponsabilidade de Loki, mas é rapidamente recolhido ao passo que ambos já começam a se entender e necessitam encontrar a saída do planeta e chegam ao caminho para a arca que está escoltando a população para a fora da destruição.

Nesse diálogo com o Loki, Sylvie revela algo crucial que o vilão não sabia: os agentes da TVA não são pessoas nascidas para serem agentes temporais exigidas pelo guardiões do tempo, e sim são variantes temporais que estão sendo forçadas a trabalhar para defender a linha do tempo sagrada. É interessante o vilão descobrir essa informação, tendo vista que sua relação com o agente Mobius, que revelou no episódio anterior que sentia desejos estranhos por jet-skis, isso é algo que pode levar uma real motivação que pode fazer com que o vilão tenha os seus interesses mais demonstrados, com o objetivo de chegar aos guardiões do tempo, pois o que a TVA esconde pode ser maior ou mais sombrio que imaginávamos.

Por fim chegamos na cena final, onde com um belo plano-sequência, cena que simula um longo take sem nenhum corte, embrenhado por efeitos especiais, Loki e Sylvie tentam alcançar a arca espacial para conseguir uma forma de sair do planeta, porém a destruição do apocalipse do tempo atual acaba desencadeando uma destruição ainda maior, acabando com boa parte da cidade encontrada pelos nossos dois personagens e até mesmo destruindo a arca espacial.

Com uma proposta diferente do habitual, o terceiro episódio do seriado LOKI entregou um capítulo de introdução a nossa Lady Loki chamada Sylvie, dando espaço para nosso vilão ter mais chance de conhecer sua personalidade e ainda no meio de tudo conseguir construir mais suas motivações para conseguir desconfiar ainda mais da TVA.

Chegamos ao final do terceiro episódio da série do Marvel Studios, onde a trama estrelada pelo deus da mentira chega à metade e no terceiro episódio mostra-se a reta final para revelar mais sobre o possível caos do multiverso e nas linhas temporais, apontando para futuras produções seja cinema ou streaming. E vamos continuar com as nossas análises semanais para conseguir oferecer a você a melhor cobertura da grande enxurrada de lançamento da Marvel este ano!

LOKI é uma serie original do Marvel Studios e é exclusiva do streaming Disney+.

O que achou da nossa análise? O que achou da Lady Loki? O que a TVA esconde?

Escreva um comentário! Siga-nos em nossas rede sociais! E confira o nosso site para mais novidades!

Crítica: Invocação do Mal 3 - A Ordem do Demônio (2021, Michael Chaves)

2021-06-27T19:24:00.006-03:00

O filme em si, gera grandes expectativas, já que a franquia vinha lançando derivados das histórias assustadoras que o casal Warren passou durante sua vida, como A Freira e Annabelle. Entretanto o terceiro filme vem com algumas mudanças, que podemos entender pela troca na direção, James Wan dá lugar para Michael Chaves (A Maldição da Chorona) e podemos inclusive comparar seus filmes, já que a forma com que ele trabalha é muito mais focada em todo um contexto do que somente criar cenas de terror e por isso, o filme possa ser considerado o mais "fraco" dos três, até agora.

Particularmente como fã, percebo que esse filme é mais palpável quando comparado aos outros, provavelmente porque sua história foi amplamente noticiada na época, por sabermos que, de fato, aconteceu. Não que eu esteja julgando os outros filmes, mas se pararmos para pensar em como nos era apresentada a história, era muito mais sobrenatural ou fantasiosa, apesar de eu não duvidar em nenhum momento da veracidade delas, aqui temos algo mais voltado para um grande drama, com um mistério a ser resolvido.

No filme a ameaça agora vem de dois lados, o sobrenatural e o humano. Para não entrar em detalhes e estragar a surpresa de vocês ao ver o filme, acredito que a parcialidade entre esses dois mundos é o grande diferencial até aqui. Gosto também da forma que o longa evolui, nos mostrando aos poucos a história até que os Warren sejam chamados e é então que entramos à fundo nos fatos.

Vera Farmiga e Patrick Wilson estão, como sempre, impecáveis em seus papéis e nos mostrando que, mesmo em momentos de grande perigo, o amor deles sempre foi o caminho, independente da ameaça, um sempre volta para o outro. Os efeitos dão um toque macabro, assim como toda a fotografia, lembrando sempre um dia nublado em volta da pequena cidade. Temos também uma pequena homenagem ao filme O Exorcista, que não passou despercebida e por fim, diria que o filme segue com a mesma qualidade da franquia.

Título Original: The Conjuring: The Devil Made Me Do It

Direção: Michael Chaves

Duração: 112 minutos

Elenco: Vera Farmiga, Patrick Wilson, Ruairi O'Connor, Julian Hiliard, Sterling Jerins, Sarah Catherine, Jhon Noble, Eugenie Bondurant

Sinopse: Ed e Lorraine Warren retornam para investigar o caso de um homem sendo julgado por assassinato que afirma ter sido possuído por um demônio.

Trailer:

E o que você achou do filme?

Em Um Bairro de Nova York - esperançoso e vibrante musical traz a força do povo latino

2021-06-23T21:43:00.001-03:00

Paciencia y Fe - é o nome da canção que lá pela metade do filme, além de ser extremamente emocionante, também é o ponto alto e engloba todo o projeto. Na poderosa voz da atriz Olga Merediz, não me admira se esta canção chegar ao Oscar, assim como a maravilhosa atuação coadjuvante de Merediz. Só esta cena já vale pelo filme todo, que possui cerca de 2 horas e 20 minutos de duração, que passam voando devido o ritmo frenético, cativante e eletrizante da obra. Mas o longa todo é um tesouro a ser aplaudido, com números musicais de arrepiar. Baseado na obra teatral In The Heights, faz jus ao nome original, ao nos levar às alturas junto dos personagens. Melhor filme do ano até então.

Em Um Bairro de Nova York narra os sueñitos, pequenos sonhos de pessoas humildes e batalhadoras do bairro Washington Heights, na grande Nova York. Todos imigrantes ou descendentes latinos, o filme narra suas jornadas em busca da felicidade no chamado "sonho de vida americano", e como esse país que vende esse sonho e estilo de vida idealizado, é injusto e dificulta o caminho para aqueles que o buscam, em uma grande ironia.

É preciso avisar que o longa não se aprofunda nessas dificuldades por questões criativas, pois o projeto foca em apresentar um lúdico musical, com clima leve e esperançoso. Essas dificuldades estão ali, presentes à todo momento como conflito central da obra e força que motiva o movimento dos personagens, mas ele não é explorado de forma mais pesada, como a maioria dos filmes com tal temática faz. Aqui o foco é aliviar a carga que já é tão pesada do povo latino.

Então a escolha narrativa do diretor Jon M. Chu, da roteirista Quiara Alegría Hudes e do idealizador Lin-Manuel Miranda é trilhar um caminho sobre a persistência da luta e busca por esse sonho. Daí a importância da canção Paciencia y Fe e como ela traduz a mensagem que a obra traz, e portanto o motivo de abrirmos essa crítica falando dela.

De forma positiva, quase ingênua, mas ainda com o pé no chão, a obra foca no trabalho, na alegria, nas cores, na vivacidade, na sensualidade, nos detalhes do cotidiano (roupas, culinária) e na habilidade de adaptação do povo latino que se aventura na América. E portanto, dá assim um espaço para tais personagens soltarem suas vozes, na música e no fator social. Graças à química do competente elenco (todo genuinamente latino), é muito palpável toda essa pluralidade de cores, músicas, países e seres em um mesmo ambiente.

Em Um Bairro de Nova York é um filme que torna-se importante por utilizar a grande Hollywood, um grande estúdio (Warner) e um novo serviço de streaming (HBO MAX) como plataformas para alcançar o maior público possível de forma fácil e acessível, para assim trazer sua mensagem de que os latinos presentes nos Estados Unidos não são invisíveis. Note, Em Um Bairro de Nova York é uma obra internacional. O cineasta Jon M. Chu é filho de chineses (seu filme anterior Podres de Ricos foi inteiramente chinês, mesmo dentro de Hollywood), a roteirista Quiara Alegría Hudes é filha de pai judeu e mãe porto-riquenha e o roteirista, ator e idealizador da peça teatral da Broadway Lin-Manuel Miranda também descende de porto-riquenhos. Todo o elenco traz a representação de cubanos, mexicanos, porto-riquenhos, colombianos, e claro, brasileiros, além de outros países. Todos latinos, todos muitas vezes invisíveis aos olhos brancos americanos.

A direção de Chu traz muita técnica, mostrando a evolução do cineasta. Plano-sequências, uso engenhoso de câmeras, fotografia e direção de arte quentes, coloridas e que dão características físicas ao bairro, tornando ele praticamente um personagem coadjuvante. A mixagem de som é muito bem trabalhada, com sons de objetos se incorporando à trilha sonora do filme, trilha que também é maravilhosa ao trazer faixas típicas e regionais dos países representados aqui. As coreografias são perfeitas, com centenas de dançarinos fazendo um belo trabalho. As letras das canções são belas e perfeitamente escritas, assim como as excelentes rimas. Todo elenco brilha e cada personagem tem ao menos um bom momento em cena. E o protagonismo de Anthony Ramos é espetacular, de um carisma único, com grande atuação e fôlego nas rimas.

Existem ainda referências à clássicos musicais, que vão desde o sucesso Hamilton da Broadway, também de Lin-Manuel Miranda (esse é o cara) e lançado em forma "cinematográfica" no Disney+, passando por similaridades para com Amor, Sublime Amor, o maior clássico musical do cinema, de 1961 e vencedor de 10 Oscars, e que já tentava trazer representatividade porto-riquenha em Nova York. Aliás, Amor, Sublime Amor ganhará um remake pelas mãos do mestre Steven Spielberg no fim de ano, que assim como esse filme em questão aqui da crítica, traz uma representação latina mais fiel que o clássico de 1961.

Em Um Bairro de Nova York pode até se abster de ser mais sério e prefere ser simplista com o intuito de alcançar mais pessoas com sua vibe positiva, graciosa e romântica. Talvez por isso os latinos em cena sejam mais "embranquecidos" do que negros. Mas a crítica social ainda está ali, lembrando que são os imigrantes latinos que fazem as engrenagens da Nova York e da América como um todo funcionarem. Somos um continente colorido, variado e multifacetado. É de lavar a alma, principalmente depois de certos retrocessos nas políticas americanas para com imigrantes, como no péssimo governo Trump. O filme é uma carta de amor à esses sonhadores e seus sueñitos, suas pequenas conquistas, seus sacrifícios e suas importantes vidas. Alguns sonhos são alcançados, alguns perdidos, muitos são alterados na jornada de busca, mas nunca podem ser esquecidos. A América promete sonhos a todos, mas não entrega a todos. É importante que obras como essa tragam essas reflexões, e que celebrem seus sonhadores. Para todos esses sonhadores, Paciencia y Fe.

Título Original: In the Heights

Direção: Jon M. Chu

Duração: 142 minutos

Elenco: Anthony Ramos, Leslie Grace, Corey Hawkins, Melissa Barrera, Lin-Manuel Miranda, Dascha Polanco, Stephanie Beatriz, Jimmy Smits, Daphne Rubin-Vega, Olga Merediz.

Sinopse: No pequeno bairro calorento de Washington Heights, na periferia de Nova York, um jovem comerciante chamado Usnavi (Anthony Ramos) sonha em voltar para a República Dominicana e reabrir o bar tropical de seu falecido pai. Mas ele é apenas um entre uma grande e unidade comunidade, repleta de sonhos próprios.

Trailer:

Curte musicais? Assista ao filme!

Crítica: Luca (2021, de Enrico Casarosa)

2021-06-23T19:15:00.000-03:00

Ultimamente grandes produções de estúdio costumam apostar em ideias que tenha um caráter de projeto autoral, no sentido de que muito do que se vê numa produção é o que o diretor ou roteirista emprega como sua assinatura e até mesmo um traço de sua história. A Pixar, famosa pioneira da animação 3D, assumiu esse caráter após a sua incessante chuva de continuações de franquias já consolidadas e deixou muito de seus animadores apostar em ideias originais e em roteiro próprios. Já tivemos a iniciativa Sparkshorts, atração do Disney+ onde vemos curtas mais autorais desenvolvidos por animadores do estúdio, e no cinema tivemos casos como o longa do ano passado, Dois Irmãos: Uma jornada Fantástica, que possuía uma base pessoal do diretor do filme pela relação fraternal com o seu irmão, além do ambicioso Soul, que por mais que muito se deva ao trabalho de Pete Docter para contar uma história complexa sobre espiritualidade, a co-direção de Kemp Powers, um homem negro, foi muito crucial para empregar a tradição do Jazz e da relações pessoais com o povo negro em Nova York para tornar a obra muito mais próxima e fiel à identidade de seu protagonista.

Agora em seu novo longa, Luca, animação que infelizmente por conta da pandemia teve seu lançamento nos cinemas cancelado e foi lançado exclusivamente no streaming da Disney sem custo adicional, comandado pelo veterano na equipe de animação do estúdio, Enrico Casarosa em seu primeiro longa-metragem, é seguro dizer que este novo longa pode ser o mais autoral e mais único na assinatura de produção na história da Pixar, desde traços de personagens, estilo visual e narrativo e espírito de cultura transbordando em seus 90 minutos de duração.

O longa narra a história de Luca, um monstro marinho que mora no oceano perto da Riviera italiana que tem muita curiosidade na vida da terra dos humanos, até que um dia ele acaba fazendo amizade com Alberto, um outro monstro marinho que já se habituou com a vida fora do mar. A amizade dos dois se torna tão forte que eles acabam fugindo de casa e vão para um vilarejo perto da costa, onde com ajuda de uma nova amiga, eles partem para encontrar uma forma de realizar o sonho de conhecer o mundo.

Casarosa, como já foi dito, é um veterano de longa data na Pixar, trabalhou em longas importantes no estúdio, como UP e Ratatouille, porém o mais evidente que ele demonstra em seu primeiro filme é uma forte homenagem às suas raízes. Tendo nascido na Itália, ele não esconde em nenhum momento como a história de Luca e Alberto tem muita base de seu passado com sua terra natal, com uma construção fiel das cidade costeiras reais com o que é visto no filme e inúmeras homenagens aos traços do cinema italiano, Casarosa guia esta história de maneira delicada e com carinho, afinal, segundo o próprio diretor, a amizade dos dois protagonistas é inspirada na amizade real que ele teve com um amigo muito querido na sua infância que também se chamava Alberto.

O tema central do novo filme é de fato a amizade, e não vai muito além disso, tirando o fato de que Casarosa utiliza de maneira sutil a diferença de humanos e monstros marinhos, que aliás é muito frequente em lendas locais nesses vilarejos litorâneos, para abordar preconceito e autodescoberta, principalmente na parte de Luca cuja amizade com Alberto o faz descobrir ele próprio e querer entender o novo mundo diante dele. A amizade é o que move a história, que flui de maneira muito orgânica e bem corriqueira, o que por um lado peca pela rápida resolução encontrada no seu terço final, sendo muito rápida e soando como se os roteiristas não soubessem como finalizar a bela história que queriam contar.

Mas nem isso tira o mérito do filme, cujas duas qualidades essenciais das produções estão sempre presentes. Uma é a questão do cuidado gráfico e direção de arte empregada no longa constantemente, sendo muito fiel a identidade cultural da Itália que consegue soar muito nostálgica mesmo para quem nunca conheceu esses locais, assim como seus respectivos personagens com traços e formas muito diferentes dos personagens muito habituais em suas produções.

E outra questão que é fundamental e tida como meta principal de cada produção Pixar é o cuidado com o enredo e como ele sabe se conectar com o espectador de diversas formas, sendo adulto ou infantil. Graças ao charme da amizade dos protagonistas, é fácil se conectar e torcer muito com o andar da história, partindo para o lado infantil que se encanta pelo visual colorido, ou adulto se encantando e sentindo impacto com a identificação de alguma história da infância.

Pessoas mais exigente correm o risco de acusar que Luca é muito superficial comparado ao histórico da Pixar que sempre se arriscou em abordar territórios complexos e difíceis para se traduzir em imagens, como foi o caso do longa anterior, o Soul, só que nesse caso, a animação de Casarosa não possuiu uma ambição necessária para empregar pensamentos e debates contínuos sobre os temas em si, e sim busca fazer uma história que aborda o valor de cuidar um do outro e o que é necessário para se manter unido, tendo as características necessárias para ser tão evidenciado e, possivelmente no futuro, querido na filmografia do estúdio.

Apostando em algo mais direto e simples, porém com beleza e carinho pela cultura, tendo uma boa devoção do diretor pelo seu próprio passado, Luca é mais uma belíssima adição ao grande histórico da Pixar, provando que as iniciativas de apostar em ideias originais de novos talentos que estão no meio dos animadores, trabalhando em futuros projetos, possibilita a chance de trazer histórias e personagem que conseguem atrair toda a família e pelo menos ter uma pequena chance da cativar um público que adora animação.

Título Original: Luca

Direção: Enrico Casarosa

Duração: 95 minutos

Elenco: Jacob Tremblay, Jack Dylan Grayzer, Emma Berman, Saivero Raimundo, Maya Rudolph, Marco Barricelli.

Sinopse: Dois monstros marinhos formam uma forte amizade pelo desejo de conhecer o mundo fora do oceano, o que levam a fingir serem humanos num vilarejo na Riviera italiana e conhecer novas amizade e inimigos que impedem de seguir com seus sonhos.

Trailer

O que achou da nossa resenha? Gostou da nova animação da Pixar?

Escreva um comentário! Siga-nos em nossas rede sociais! E confira o nosso site para mais novidades!

LOKI: A Investigação (Análise de episódio 2)

2021-06-23T13:48:00.002-03:00

Esta semana tivemos mais uma oportunidade de retornar ao MCU, graças a nova série do Disney+ produzida pela Marvel Studios, LOKI, estrelada pelo querido deus da mentira, onde nos trouxe diversas promessas de que veremos o funcionamento da linha temporal e até mesmo do Multiverso em si. No episódio dessa semana, tivemos uma certa freada no andamento, onde estávamos seguindo a ideia do que achamos que seria a trama do seriado, só que quando chegamos nos acontecimentos finais do episódio, parece que realmente enxergamos sobre qual será o real tom da trama estrelada pelo vilão do MCU!

Estamos fazendo a cobertura das séries e de todo conteúdo que sairá este ano do Marvel Studios, este que parece ser o mais movimentado e cheio de conteúdo em seus 13 anos de existência depois da seca que tivemos ano passado. Já comentamos o primeiro episódio, caso queira ver, pode acessar aqui e agora iremos debater o episódio seguinte, onde o iremos destrinchar para vermos o que haverá futuramente e o que pode acontecer no MCU, seja em cinema ou streaming.

Agora acomode-se, pois vamos analisar o episódio da semana de LOKI!

Atenção! Spoilers do episódio da semana!

Após o episódio introdutório da semana anterior, onde nos vemos contextualizados ao que seria a nova série do Marvel Studios sendo estrelada pelo vilão Loki, temos uma nova entidade de controle nesse universo que é a polícia temporal TVA e ao possível tipo de trama narrada nesse seriado, que gira em torno de uma investigação na linha temporal de uma grande ameaça à Linha Temporal Sagrada que a TVA luta para manter única perante a ameaça do Multiverso.

Os acontecimentos iniciais desse episódio constroem toda uma sensação do espectador para nos dar uma impressão inicial, quando vemos essa variante Loki maligna que está caçando agentes da TVA para algum propósito numa linha do tempo de uma feira medieval no ano de 1985. Isso caminha ao passo que vemos o nosso protagonista Loki se entregar a burocracia extensa da TVA e se tornando um investigador ao lado do agente Mobius para capturar essa variante perigosa. No começo ele se mostra entediado e confuso perante o sistema imposto pela entidade do tempo, e até mesmo desconfiado, pois muitos agentes de elite da TVA mostram que não confiam no vilão se tornar um agente investigador da instituição.

É muito curioso a se reparar pelo que vemos no andamento da trama, que o nosso protagonista sempre desejou poder acima de tudo e ter o direito de governar todos os seres, pois afinal, como veremos mais a frente, Loki nunca desejou destruição como muitos vilões do MCU almejavam, e sim o poder de controle de algo, sendo agora jogado nessa trama de realidades e linhas temporais diferentes e que potencializam um caos gigantesco, é visto que ele está perto de algo que nem ele mesmo imagina. É importante se reparar isso no episódio dessa semana, pois ajuda a entender a tal ameaça que está sendo construída na série.

Vemos que na apresentação do episódio, é fato que não existe apenas um único Loki nesse universo, versões alternativas são possíveis e claro, de poderem se desdobrar em acontecimentos que podem afetar a única linha do tempo sagrada. Na investigação da cena do crime na feira medieval de 1985, o vilão já nota a similaridade de ações dessa variante em seus crimes e ainda alimenta a chance do que veremos a seguir. Sabemos que Loki não é ingênuo em suas ações, pois nesse episódio nos é revelado a sua real intenção ao participar da investigação da TVA: ele deseja chegar perto dos Guardiões do Tempo para alcançar o poder do tempo para si, isso é intrínseco ao que ele é em essência e do que vemos ao longo de sua trajetória do MCU, porém o seriado está desenvolvendo o motivo que essa confusão do Multiverso irá se desenrolar mais à frente, pode ser relacionado a ele.

Podemos notar essa personalidade de almejo de poder e dualidade quando ao ter acesso ao seu arquivo pessoal na TVA ele descobre mais um fato sombrio de seu futuro, a destruição de Asgard, conhecido tradicionalmente como o Ragnarok. Relembrando os acontecimentos do MCU, esse evento cataclísmico aconteceu exatamente no terceiro filme do deus do trovão, Thor: Ragnarok. Sendo impactado novamente com a destruição do seu lar, ele ainda consegue descobrir o que facilitou muito a investigação de Mobius: eventos apocalípticos no tempo não sofrem distorções ou desdobramento de Multiverso.

Se parar para pensar, isso faz sentido, pois segundo a lógica estabelecida na série, um evento não previsto numa linha temporal durante um acontecimento mundano é fácil de acontecer na linha e desencadear uma nova linha temporal não prevista gerando uma nova realidade. Agora um evento catastrófico, como um terremoto, um tsunami, um vulcão explodindo etc, não sofre com distorção do tempo, porque são eventos tão gigantescos que afetam tanto a linha do tempo que um acontecimento, nem pequeno nem grande, não pode mudar em nenhum momento na história já conhecida. Essa é a teoria que Loki explica para Mobius para mostrar onde essa variante maligna Loki possa estar escondida na linha do tempo, e para provar essa teoria eles vão para uma das catástrofes mais famosas na história, que foi a destruição da cidade greco-romana Pompéia pelo monte Vesúvio, e vemos que de fato essa teoria funciona.

Sendo assim, Loki e Mobius já estão mais perto de encontrar o esconderijo da variante Loki, e seguindo a pista que vimos na semana anterior, do chiclete que foi visto por Mobius na época medieval, eles descobrem que o chiclete é de uma marca que apenas existirá no futuro, precisamente no ano de 2050, onde seguindo a teoria de Loki, eles se adentram durante um maremoto no Alabama que está predestinado a acontecer nesse futuro, e o local exato do chiclete os leva para uma loja de varejo Roxxcart, que caso não saiba é mais uma referência ao grande conglomerado de petróleo e energia que muitas vezes é tida como vilã nas histórias da Marvel, a Roxxon.

Ela está presente desde o primeiro filme do Homem de Ferro, já apareceu em seriados derivados da Marvel como Agente Carter, as séries da Netflix, e até no último da Marvel TV, Manto e Adaga. Pelo que deu para entender nesse contexto, no futuro a Roxxon conseguirá desdobrar seus negócios em outros setores. Pode não levar a algo muito significativo, mas é interessante pensar sobre o assunto e manter ainda constante um easter-egg que existe desde o primeiro filme do Marvel Studios.

Voltando a trama do seriado, a investigação da TVA para conseguir capturar essa variante Loki ainda consegue revelar a dualidade de Loki, o nosso protagonista, onde antes no episódio da semana passada, vemos um pouco de sua fragilidade perante o destino sombrio que o seu personagem estava predestinado a passar, mas agora vemos um pouco da sua famosa lábia de deus da mentira que muitos fãs estavam ansiosos para ver nesse seriado. Vemos ele se confrontar com as pessoas que estão com a mente manipulada pela variante Loki, vemos ele querendo obter respostas e até algo que pode ser para o benefício próprio, observando que as pessoas com a mente manipulada estão sendo feitas assim apenas pelo próprio toque. Se relembramos, Loki manipulava através de seu cetro que continha a Joia da Mente, no primeiro filme dos Vingadores, vemos que a variante Loki já domina esse poder ainda em mais evidência contra o que esperávamos do personagem.

Nós somos jogados e até mesmo impactados ao que vimos acontecer nessa linha do tempo, logo descobrirmos que na real era tudo uma grande artimanha criada pela variante Loki para realizar algo grandioso e complexo em seu plano. Primeiro nós somos surpreendidos ao que é a variante, que não é o próprio Loki, e sim uma mulher, que é a Lady Loki, provando de vez que as múltiplas realidades de Multiverso resultaram em versões alternativas de pessoas importantes, incluindo o nosso vilão protagonista.

Resultando na realização do primeiro passo desse plano: utilizando bombas para resetar a linhas do TVA, a Lady Loki acabou então bombardeando a linha do tempo sagrada, dando origem a múltiplas linhas de realidade, dando início ao que parece ser o início do caos do Multiverso. Se observamos com mais detalhes os locais onde as realidades se distorcerem, é possível ver que muitos dos locais nas quais tiveram alterações temporais são importantes lugares na trajetória do MCU:

- Como o planeta Sakaar, onde o Hulk e o Thor se enfrentaram em Thor: Ragnarok;

- O planeta Vormir que é a localização da joia da Alma;

- O próprio lar dos deuses nórdicos, Asgard;

- A cidade de Nova York, que o correu a batalha do primeiro filme dos Vingadores;

- O planeta vivo Ego que apareceu em Guardiões da Galáxia Volume 2;

- O planeta Hala que é a base da raça Kree que apareceu em Capitã Marvel;

- O planeta Xandar, base da tropa Nova que foi visto em Guardiões da Galáxia 1;

- E por fim a lua Titan, local onde o titã louco Thanos nasceu.

Tendo em vista que são lugares que foram muito importantes para desdobramentos do MCU, será interessante ver versões alternativas desses locais se forem realmente alterados pelo ataque da Lady Loki à linha do tempo sagrada.

Quebrando totalmente as expectativas do que queríamos ao longo do seriado da Marvel, vemos finalmente correr o pretexto da possibilidade de Multiverso o correr nesse universo, em vez da investigação, veremos o que será a exploração do Multiverso e distorções temporais, algo que lembra seriados famosos sobre esse assunto como Rick and Morty ou Doctor Who. É o que podemos observar já que o nosso Loki protagonista consegue fugir dos olhos de Mobius e os agentes da TVA para realmente correr atrás do seu objetivo principal, que é chegar aos Guardiões do Tempo. O que resta-nos entender enquanto esperamos no final da série é se a jornada de Loki baterá de frente com as vontades dessas versões diferentes suas. É bem provável que veremos isso nos próximos episódios.

Assim encerramos a nossa análise da semana de LOKI, que já nos ofereceu um desdobramento interessante que irá se expandir nas próximas semanas. Será que veremos o Guardiões do Tempo? O que Loki irá descobrir? Quais outras versões do Loki iremos descobrir? Aguarde ao nossas análises para sabermos mais!

LOKI é uma produção original do Marvel Studios e é exclusivo do streaming Disney+

O que achou da nossa Análise? Está gostando da nova série?

Escreva um comentário! Siga-nos em nossas redes sociais! E confira o nosso site para mais novidades!

Crítica: The Bold Type 1ª - 4ª Temporadas (2017, de Sarah Watson)

2021-06-23T10:15:00.003-03:00

The Bold Type é uma série norte-americana do gênero comédia romântica. A série é inspirada na vida da ex-editora-chefe da Cosmopolitan, Joanna Cole e teve a estreia de sua primeira temporada em 2017, no canal americano Freeform.

Apesar de ter sido inspirada na vida de Joanna Cole, a série mostra os bastidores da produção de uma revista feminina, chamada de Scarlet Magazine, pela perspectiva de três jovens contratadas, Jane Sloan, que acabou de ser promovida a redatora, Kat, a diretora de mídias sociais da empresa e Sutton, assistente que busca evoluir em sua carreira na revista.

As três protagonistas trazem um olhar leve e divertido a série, que faz com que maratoná-la seja algo gostoso e divertido e gerando ainda identificação do público feminino de 20 e poucos anos com os problemas sociais, de relacionamento e pessoais das três, em uma trama leve e que nos faz pedir sempre por mais episódios.

A série até o momento conta com 4 temporadas, já tendo a sua última e 5ª temporada em exibição nos Estados Unidos. A série teve maior alcance do público internacional e brasileiro neste ano, momento em que a Netflix disponibilizou em sua plataforma as 4 temporadas que estavam em circulação até o momento.

As três primeiras temporadas tem 10 episódios, e a quarta tem 16 episódios, com em média 40 minutos recheados de drama e comédia, em que com episódios em sequência, que exigem que o público assista a toda a temporada para entender a trama, abordam assuntos femininos e sociais com um roteiro de tamanha qualidade que assistir a toda a série rapidamente não é nenhum desafio.

O diferencial da série para os demais programas de comédia romântica, claramente é o fato de se utilizar atrizes dinâmicas e incríveis, com a mesma idade de seu público alvo, um público feminino que está iniciando em sua carreira e tentando se estabilizar financeiramente, pessoalmente e nos relacionamentos, com em média 20 e poucos anos.

Com esse viés, The Bold Type divide seus episódios em pautas principais, enquanto temos os problemas pessoais e de relacionamento das protagonistas acontecendo em segundo plano e que nem sempre são resolvidos em um único episódio. Somos colocados cara a cara com o dia a dia da produção da Scarlet Magazine e suas pautas feministas e abordando assuntos repletos de tabus sociais.

É neste momento que nos deparamos com a diretora da Scarlet, inspirada em Joanna Cole, a atriz Melora Hardin, dá vida a diretora Jacqueline de forma espetacular, de forma que é fácil compreender como ela é uma diretora e chefe que todos gostaríamos de ter e que rapidamente se torna amiga de seus funcionários, incentivando-os de forma humana e profissional a sempre evoluírem profissionalmente e pessoalmente, evolução que acompanhamos de perto com as três protagonistas Jane, Kat e Sutton.

Quanto aos assuntos abordados, tem uma profundidade e uma dramaticidade transmitida pelas protagonistas tão profunda, que ao assistir nos sentimos realmente lendo a uma revista feminina ou até mesmo conversando com sua melhor amiga. Os assuntos variam de sexo, relacionamentos, feminismo, machismo, homofobia, homossexualismo, política, direitos humanos, saúde, entre muitos outros, cada um deles sendo abordado de forma profunda, real e leve, gerando reflexão e emoção no espectador.

Quanto a produção da série, é inegável que é em grande estilo, com uma trama que se passa em Nova York, mas com cenários que incluem Paris, aeroportos, exposições e muitos bares e festas, além de toda a dinâmica de muitos atores envolvidos no enredo.

Porém o que mais se destaca em The Bold Type é sua trilha sonora e sua direção de arte. Quanto a trilha sonora, o supervisor musical da série deixa claro seu gosto por músicas pop e jovens, que trazem sempre uma mensagem referente ao momento da série ou do episódio de forma que é a composição perfeita para se emocionar ou para se divertir muito junto dos personagens. É uma trilha sonora que vale a pena conferir e prestar atenção ao assistir, e notar as sutilezas da Direção de Som com a letra da música e a mensagem que a música e a série tentam passar juntas.

Quanto a direção de arte é inegável que ela chama atenção desde a primeira cena, onde os figurinos de todos os personagens nunca deixam a desejar, sendo ao mesmo tempo fashion, extravagantes e em grande parte um sonho de consumo para as espectadoras. Este fator se evidencia quando o tema moda entra sempre em questão em meio aos episódios, seja com relação ao setor de moda da Scarlet, a dúvida pessoal de uma protagonista sobre a roupa certa para um evento ou até mesmo a abordagem de roupas de marca para as matérias da revista e para os eventos da Scarlet. De qualquer forma, é difícil passar uma só cena sem analisar cada detalhe do figurino e ao mesmo tempo, valorizar o trabalho incrível das figurinistas e da direção de arte da série.

Se você gostou do que leu até aqui e ficou com vontade de assistir a série, a noticia boa é que a quinta temporada já está em exibição nos Estados Unidos e deve chegar ao Brasil muito em breve. Porém, a notícia ruim é que a 5ª temporada já foi anunciada como a última, e contém apenas 6 episódios. A decisão de não ter uma próxima temporada veio dos próprios produtores e acredita-se que tenha sido influenciada pela pandemia do coronavírus, além do fato já comprovado pelos produtores de uma queda significativa da audiência da terceira para a quarta temporada, que claramente não foi a mais apreciada pelo público, de modo que as três primeiras agradam muito mais quanto à temas e assuntos abordados nos episódios, bem como do momento de vida dos personagens.

Já foi confirmada a compra pela Netflix da quinta temporada e está prevista para estrear na plataforma após o termino das exibições da série nos Estados Unidos na Freeform, estima-se que a partir de Setembro de 2021. Ficamos ansiosamente no aguardo da conclusão dessa história cativante.

Título Original: The Bold Type

Direção: Holly Whidden

Episódios: 10 episódios por temporada

Duração: 43 minutos.

Elenco: Katie Stevens, Aisha Dee, Meghann Fahy

Sinopse: Três amigas se unem para conquistar o sucesso em Nova York, batalhando para fazer seus sonhos resistirem ás realidades da vida, e, quando têm um tempo livre, procurando o amor verdadeiro. Jane (Katie Stevens) foi recentemente promovida a redatora da Scarlet Magazine, um periódico renomado focado em estilo de vida. Mesmo sendo tão apaixonada pelo que faz e determinada a ter sucesso, Jane por vezes hesita perante os desafios da vida na cidade grande. Por sorte ela conta com a ajuda da amiga Kat (Aisha Dee), a diretora de mídia social da empresa, que é destemida e ousada. Sutton (Meghann Fahy) é a última das três a ocupar o cargo de assistente, mesmo sempre trabalhando até a exaustão. Pelo menos o trabalho lhe distrai do segredo que precisa esconder das amigas. As três trabalham sob a guarda da editora chefe Jacqueline (Melora Hardin), que comanda a revista equilibrando dureza e cuidado com suas subordinadas. Elas dividem a redação com Alex (Matt Ward), que só aceitou o emprego depois de perder a vaga dos sonhos em outra publicação, e Richard (Sam Page), um membro do conselho diretor e advogado da revista - e conquistador.

Trailer 5ª temporada

E aí, gostou da crítica? Já assistiu as 4 temporadas de The Bold Type?Deixe seu like e seu comentário pra gente! :)

A Equipe Comenta: The Last of Us Part II (2020, de Naughty Dog)

2021-06-22T22:15:00.000-03:00

Assoprem as velinhas! Esse mês completa 1 ano do lançamento de The Last of Us Part II, para comemorar, que tal conferir mais uma edição do nosso tradicional A Equipe Comenta? Nele finalmente daremos um fim à esse ciclo que foi acompanhar as jornadas de Joel e Ellie, ao menos por enquanto... E para você que ainda está perdido em que é The Las of Us, a franquia exclusiva do Playstation, é a mais premiada da história com 300 prêmios individuais só na Part II, que mesmo não sendo uma unanimidade entre os fãs, ainda foi eleita como jogo do ano e se tornou na maior vencedora do The Game Awards (TGA), o "Oscar" dos videogames. Confira nosso especial sobre o jogo:

AVISO: Spoilers à seguir, prossiga por sua conta e risco!

Antonio Gustavo:

TLOU se transformou num verdadeiro fenômeno da cultura pop, atingindo todo um novo público em seu segundo capítulo e marcando verdadeiramente muitas pessoas, assim como eu, de modos diferentes. Isso gerou até mesmo um lado prepotente de o ver mais do que só como um jogo, algo que de certa forma ele próprio busca, com seu hiper-realismo e densidade exagerada, mas mesmo não sendo demérito algum o enxergar apenas dessa forma, assim como Ellie faz com Joel, é hora de "amadurecer" e deixa-lo partir.

Há mais do que apenas uma trama de violência desenfreada ou um level design elevadíssimo aqui. Por de baixo dessas camadas, existe, porque não, puro entretenimento, personificado em Abby, com sua jogabilidade frenética, somada a todo aquele pano de fundo sobre WLF, Serafitas etc., que não impactam a trama geral, mas serve para nos fazer esquecer da urgência das ações e lembrar que está tudo bem se preocupar mais em enfrentar o rei dos infectados numa boss fight megalomaníaca, do que tentar compreender as motivações de suas personagens. Enxergar hoje o game assim, para mim, é tão interessante quanto analisar cada complexidade de seu roteiro e preenche os espaços de leveza da trama, não importando qual das protagonistas estava certa afinal.

Ainda assim, resta o questionamento de se a experiência geral de The Las of Us Part II é realmente divertida ou, se aposta apenas na ultraviolência gratuitamente para chocar, pois sim, o título toma muitas decisões narrativas fortes e controversas, obrigando-nos a ir a fundo nessas psiques, em que se quebra o ritmo como um todo em prol de favorecer sua argumentação. Aliás, escolhas essas que não foram feitas para agradar à grande maioria dos jogadores, como o próprio diretor criativo dos 2 jogos, Neil Druckman, já vinha dizendo. Clique aqui para ler a crítica completa publicada no blog em 2020 e, que responde a essa questão. Abaixo mais opiniões dos membros da equipe.

Ettore Migliorança:

The Last of Us nunca foi só mais um jogo de zumbi. O lançamento da Naughty Dog em 2013 quebrou paradigmas na indústrias dos games, ao retratar por meio da brutalidade violenta de matar infectados e pessoas entregues a desordem causada pela epidemia de um fungo, a natureza humana na sua forma mais verdadeira sem poupar nada para o espectador que entende de histórias sobre viver num período pós-apocalíptico, o limite que você entrega para se sentir parte de algo, quando você sente que perdeu tudo.

A jornada de Joel e Ellie no primeiro jogo aquece o coração, onde vivendo inúmeros acontecimentos, você está vivendo na pele dos personagens o que aquele mundo destruído te força a experimentar, sendo eles bons, como acariciar uma inocente girafa, ou ruins, nas quais presenciar atos horrendos de canibais ou pessoas que desaprenderam a humanidade quando a civilização foi devastada.

Porém em sua aguardada continuação lançada este ano, não é a mesma coisa que a anterior te oferece, é algo muito maior, mais tenebroso e espetacular do que se esperava. Se a parte um te mostrava como reencontrar o amor e afeto pela vida te torna mais vivo, sua continuação demonstra como aceitar o ódio eterno num ciclo de vingança viciosa te torna mais morto por dentro.

A história da vingança de Ellie é marcada por cenas brutais de violência, desespero e desumanidade incontrolável, alguns acusariam que isto é apenas uma forma de chocar e desrespeitar o que foi criado inicialmente, porém o que se enxerga é uma verdadeira progressão da história, mostrando consequências e pesos que as ações egoístas de Joel geram uma reposta mortal resultando numa história que te fragiliza em todo momento e nunca poupa o jogador de emoções fortes.

Mais do que uma continuação, TLOU II ousa de todas as formas para mostrar que o ódio é um lado que existe dentro de todos nós, algo que pode te tornar cego para as coisas que podem te beneficiar e te fazer melhor, mas não de maneira superficial e óbvia, e sim com camadas tão densas que irá te fazer questionar como você entende as pessoas da sua vida, tendo elas te feito bem ou mal.

A continuação feita pela Naughty Dog é uma verdadeira experiência audiovisual, no sentido que toda a arte, animação, interpretação e roteiro corroboram para dar prosseguimento a essa história que no primeiro jogo é algo único, juntando com o segundo sendo mais uma grande parte de universo tão especial e poderoso que é The Last of Us.

Igor Motta:

Antes de mais nada, qualquer crítica feita ao jogo deve ser muito bem analisada, pois ou estamos diante de pessoas que de fato terminaram toda a proposta e tiveram sentimentos específicos, bons ou ruins; ou somente estamos diante do fluxo de ódio sem sentido e minimamente crítico que repete argumentos desconexos retirados de qualquer fórum "memético" espalhado por aí.

The Last of Us Part II, antes de mais nada, é excelente. A produção mobilizada é incrível, não há como dizer outra coisa senão elogios aos gráficos e mecânicas presentes. No ponto em que o primeiro jogo fora ovacionado pelos seus gráficos, opções de exploração e enredo, sua sequência consegue expandir e aprimorar esses mesmos elementos de forma a evoluir a experiência de quem o joga. Temos um gameplay visivelmente maior, como também mais espaços de exploração dentro da linearidade que somos forçados a seguir, mas que não necessariamente diminui a sensação de liberdade por justamente apresentar ações e itens a serem descobertos somente para àqueles mais exploradores.

O ponto que deixa tudo mais polêmico, e deixa a Part II como uma das produções mais comentadas do último ano, está na sua história. Há uma certa radicalidade em tratar alguns assuntos, coisa que o antecessor já havia circundado. O universo de zumbis originados por fungos é um universo de violência tanto pelas criaturas, tanto por aqueles que sobraram (o nome do jogo não é atoa). Nesse segundo capítulo, parece ainda mais claro que não há meio termo para quem ou como essa violência chegará, até mesmo para Joel.

Não há nenhum, REPITO, nenhum motivo para o estardalhaço de alguns jogadores para com essa morte. Matar um dos protagonistas do jogo anterior é um gancho ousado? É, com certeza, mas eu me pergunto onde estavam todas essas pessoas em 2011 quando a espada de Payne decapitava Ned Stark? Ou mesmo onde estavam essas pessoas nas temporadas seguintes quando aconteceu o famigerado Casamento Vermelho? A comparação que faço é óbvia. O mundo de The Last of Us ditou as regras de violência e justiça já em sua primeira edição, terminando de uma forma controversa sobre as decisões de Joel, nada mais coeso criar uma continuação baseada nas consequências desses atos. Se a morte de um personagem com grande tempo de tela servirá bem ao enredo, por que não? Game of Thrones, em seus tempos áureos, provou muito bem isso.

A vingança de Ellie, então, vira o ponto de giro do roteiro. Isso, talvez, seja um dos momentos em que posso indicar uma fraqueza; pois histórias de vingança, dessas de cortar longos territórios para sujar as mãos de sangue na tentativa de obter paz interior, já são relativamente batidas. Como também é batida a ideia do personagem perceber a corrupção de si nessa busca implacável. O que salva o enredo do game da mesmice está em outro ponto polêmico, a virada de perspectiva para Abby.

Igualmente ousado quando um jogo troca de protagonista no meio de sua narrativa, principalmente quando esse novo protagonista é, em tese, o vilão. Outros jogos já deram a oportunidade de controlar o malvado, Breath of Fire 4 é um bom exemplo, mas as partes em que jogamos com o antagonista são divididas e dosadas ao longo do jogo, não ficando um “metade/metade”. Então eu consigo enxergar o ponto de quem sentiu uma estranheza nessa troca, também compreendo que alguns elementos da história de Ellie perderam certa intensidade, mas aqui também vou jogar um contraponto, pois quando retomamos o derradeiro momento no cinema em que Ellie e Abby se enfrentam, o fato de sabermos toda a perspectiva de Abby e tudo o que a garota perdera até ali, deixaram-me com mais carinho para com ela do que para com nossa já conhecida filha postiça de Joel.

É um recurso narrativo ousado, como já disse, e que de fato tira um pouco da potência do arco de Ellie, mas não o deixa ruim, que fique claro. Porém, dá uma carga emocional para Abby que é incomparável. E se o intuito aqui era delinear a forma como a vingança é um ciclo sem fim de uma parte tirando da outra as pessoas amadas, diria que acertaram em cheio.

No mais, a representatividade do jogo é linda, com personagens LGBTs aos montes, incluindo Lev (que tem uma química incrível com Abby) e, somente protagonistas jogáveis mulheres, com corpos não feitos para satisfazerem fetiches de jogadores tóxicos. Qualquer tentativa de crítica neste quesito é lágrima de gamer que não aguenta a chegada da desigualdade. Lidem com isso, seus bebês!

The Last of Us Part II destoa de praticamente tudo o que já fora feito na indústria dos games. Excelente, com uma temática mais adulta e violenta, feito para prender, viciar e chocar. Há pontos a serem criticados e vejo o porquê de alguém não gostar da experiência como um todo, desde que dentro dos motivos de que como jogo este possa ser criticado, não simplesmente como choro daqueles que ainda não aceitam terem seu protagonismo dividido.

" - If somehow the Lord gave me a second chance at that moment... I would do it all over again.

- Yeah... I just... I dont't think I can ever forgvive you for that. But I would like to try.

- I'd like that.

- Okay. I'll see you around.

- Yep. "

Título Original: The Last of Us Part II

Diretores: Neil Druckman, Anthony Newman e Kurt Margenau

Roteiristas: Neil Druckman e Halley Gross

Desenvolvedor: Naughty Dog

Publicadora: Sony Interactive Entertainment

Plataforma: Playstation 4

Duração: Média de 20 à 30 horas

Lançamento: 19 de Junho de 2020

Elenco: Ashley Johnson, Laura Bailey, Troy Baker, Jeffrey Pierce, Jeffrey Wright, Shannon Woodward, Stephen Chang, Ashley Scott, Victoria Grace, Ian Alexander, Chelsea Tavares, Ashly Burch, Patrick Fugit e mais.

Sinopse: Cinco anos após a perigosa jornada através dos Estados Unidos pós-pandêmico, Ellie e Joel se acomodaram em Jackson, Wyoming. Viver em uma próspera comunidade de sobreviventes permitiu que eles tivessem paz e estabilidade, apesar da constante ameaça de infectados e outros sobreviventes desesperados. Quando um evento violento interrompe essa paz, Ellie embarca em uma jornada implacável, em busca de justiça. Conforme ela caça os responsáveis um por um, ela é confrontada pela devastadora repercussão física e emocional de suas ações.

Trailer:

Agora é a sua vez de comentar sua opinião sobre o game. Curta e compartilhe para nos ajudar a crescer!!!

Crítica: Sem Remorso (2021, de Stefano Sollima)

2021-06-18T18:15:00.002-03:00

O filme disponível na Amazon Prime Video, é uma adaptação do livro escrito por Tom Clancy, que ficou conhecido por escrever histórias, principalmente, sobre espionagem e a Guerra Fria. Dito isso podemos ter uma ideia sobre o que esperar do enredo do filme. Mas será que vale a pena?

Infelizmente, preciso dizer que, como quase todo filme de ação ele é somente isso, ação. Não tem muito mais o que dizer sobre, já que a história é baseada em vingança desde o seu primeiro ato. John Kelly (Michael B. Jordan) é um oficial do exército que, após voltar de uma missão, descobre que todos seus companheiros foram assassinados misteriosamente, logo ele se torna o alvo.

A vingança é um prato cheio para esses filmes, já que vemos o mocinho fazer o que precisa para vingar a família, temos vários exemplos como John Wick, Desejo de Matar, Oldboy, dentre milhares de outros, a diferença é que os filmes que citei, possuem algo a mais.

Sem Remorso acaba entrando em um contexto repetido e dedutível, já que mais uma vez temos um oficial de elite do exército "caçando" seus inimigos, mas no fim, percebemos que tudo não passava de uma artimanha. O filme não empolga apesar das excelentes cenas de luta e do personagem de Jordan, que sempre é o estopim para essas cenas. Carros em chamas, avião caindo, uma suposta Guerra Fria nos tempos atuais... Mas nada que realmente te prenda. O suspense pré-ação, se é que posso chamar assim, é por conta da frieza do personagem, que sempre pensa antes de agir.

Por fim, não acredito que o filme quisesse ser político ou passar alguma mensagem, porque se quis, falhou ao passar para o público. Para mim é mais um filme de ação, com bons atores, boa produção e com uma possível continuação.

Título Original: Without Remorse

Direção: Stefano Sollima

Duração: 109 minutos

Elenco: Michael B. Jordan, Adrian Rawlins, Alexander Mercury, Angus McGruther, Artjom Gilz, Jodie Turner-Smith, Laure London, Jamie Bell, Guy Pearce, Cam Gigandet, Luke Mitchell, Brett Gelman, Jacob Scipio, Todd Lasance, Colman Domingo

Sinopse: Sem Remorso conta a história de John Kelly (Michael B. Jordan), um oficial de elite da Marinha. Quando um esquadrão de soldados russos mata sua esposa grávida em retaliação ao seu papel em uma operação ultrassecreta, ele persegue os assassinos a todo custo.

Trailer:

Diz para gente o que você achou!

IBIFEST: Regras e Categorias Aceitas 1ª Edição

2021-06-17T19:25:00.001-03:00

Se você nunca ouviu falar do Ibifest, está na hora de conhecer o mais novo Festival de Cinema de Ibitinga que estreou neste ano de 2021 em sua 1ª Edição que será completamente online.

O IBIFEST surgiu com a iniciativa de 3 sócios cineastas, a Amanda Mergulhão Ferrari, de Ibitinga e que já fez parte aqui do site; eu, Caroline Oliveira e atual representante do festival aqui no Minha Visão do Cinema; e o Henrique Caiel. Todos com um sonho em comum, levar o cinema a Ibitinga.

Buscando com essa iniciativa valorizar a cidade que nos acolheu em nossa mais recente produção ganhadora de prêmios O Canto do Sábia e com isso ainda, valorizar a economia da cidade, bem como os cineastas e artistas brasileiros e internacionais a ter um espaço de divulgação de seus projetos.

Confira a critica do curta O Canto do Sábia aqui do site.

E como pretendemos fazer isso? O Ibifest é uma iniciativa privada, que a partir do dia 1º de Julho abre as inscrições para o festival, os projetos aceitos variam de filmes, roteiros, fotografias e monólogos, tanto de cineastas brasileiros como internacionais. E buscando ainda abrir portas para cineastas independentes com produções de baixo orçamento, neste primeiro mês de inscrições, elas serão completamente gratuitas e serão aceitos também, projetos feitos com o celular.

E como um festival pode auxiliar na economia? Bom... ao levar um festival à uma cidade, bem como ao levar uma produção para uma cidade acabamos por movimentar a economia, com alimentação, hotéis e divulgação da mesma, e queremos que a partir de 2021 Ibitinga não seja conhecida apenas como a Capital do Bordado, mas também por sua iniciativa cultural ao cinema.

E aí cineasta, ficou interessado? Confira abaixo o regulamento do festival com todas as regras e categorias que aceitamos nessa primeira edição.

E não se esqueça, já anote na agenda o dia 1º de Julho para não perder a oportunidade de escrever o seu projeto gratuitamente. E nos siga em nossas redes sociais para ficar por dentro de todas as informações sobre o festival.

Instagram: @ibifest.festival

Pense GRANDE, pense IBIFEST!

• As inscrições abrem a partir de 1° de Julho, serão gratuitas nesse primeiro mês e se encerrarão no dia 8 de Outubro!

• As inscrições poderão ser feitas através deste link: https://filmfreeway.com/IBIFEST.

• É necessário se cadastrar nesse site, bem como a obra que você pretende inscrever. Lembrando que o Film Free Way é uma plataforma gratuita.

• Aceitamos: curta-metragem com duração de até 26 minutos que tenham sido gravados de 2017 em diante. Aceitamos material gravado por celular.

• Aceitamos roteiro de curta-metragem de até 15 páginas.

• Aceitamos fotografias! O tema é Meio Ambiente!

• Aceitaremos material criado por celular, assim democratizamos o acesso.

• Aguardamos o seu material a partir do dia 1° de Julho!

O Minha Visão do Cinema apoia essa iniciativa, apoie você também.

Curta e compartilhe se gostou da matéria e vamos divulgar e valorizar o cinema.

Os filmes essenciais de Fellini

2021-06-12T16:18:00.003-03:00

Matéria elaborada pelo colaborador Luis Schuh Bocatios

Nascido em 20 de Janeiro de 1920 na cidade de Rimini, na Itália, Federico Fellini é considerado um dos melhores e mais influentes cineastas da história do cinema. É o maior vencedor da história da categoria de Melhor Filme Estrangeiro no Oscar, tendo vencido o prêmio quatro vezes. Além disso, também foi indicado quatro vezes ao Oscar de Melhor Direção e oito vezes aos prêmios de roteiro do prêmio da Academia, sendo sete para Melhor Roteiro Original e uma para Melhor Roteiro Adaptado. Dentre outros prêmios de destaque recebidos pelo diretor, estão o BAFTA de Melhor Filme, a Palma de Ouro em Cannes, o Leão de Prata no Festival de Veneza (duas vezes), e o Grand Prix do Festival de Moscou.

O início da carreira de Fellini é bastante vinculado ao neorrealismo italiano, mais especificamente ao trabalho do diretor Roberto Rossellini, tendo co-escrito os dois filmes mais importantes da carreira de Rossellini: Roma, Cidade Aberta, de 1945, e Paisà, de 1946.

Em 1950, dirigiu Mulheres e Luzes, em parceria com Alberto Lattuada. O filme marca o início de sua parceria em tela com a atriz Giuletta Masina, com quem foi casado de 1940 até o dia de sua morte, em 1993. O primeiro filme que dirigiu sozinho foi Abismo de um Sonho, de 1952, que, por sua vez, marca o início de outra parceria importantíssima de Fellini, com o compositor Nino Rota, que fez a trilha de todos os filmes do diretor até sua morte, em 1979, além de outras trilhas notáveis, como a da trilogia O Poderoso Chefão e do filme O Leopardo, de 1963, entre outras.

Foi com Os Boas-vidas, de 1953, que o diretor começou a ter fama internacional, tendo recebido seu primeiro Leão de Prata (prêmio de Melhor Direção no Festival de Veneza) e sua segunda indicação ao Oscar de Melhor Roteiro Original, pois o filme apenas se tornou elegível ao Oscar em 1958, enquanto seu filme posterior, A Estrada da Vida, foi indicado ao prêmio em 1957. Daí em diante, Fellini se tornou um diretor mundialmente conhecido, e hoje em dia é considerado um dos maiores cineastas de todos os tempos. Este texto apresentará alguns dos cinco melhores e mais importantes filmes do diretor, em ordem cronológica.

A Estrada da Vida (La Strada, 1954)

Lançado em 1954, La Strada parece ser o filme aonde Fellini encontrou, de fato, sua voz como cineasta - pelo menos na fase inicial de sua carreira. Nele, acompanhamos a história de Gelsomina - Giulietta Masina - uma moça que é vendida por sua mãe para um lutador - Anthony Quinn - e passa a acompanhá-lo em suas viagens. Com uma performance brilhante de Masina – bastante inspirada pelo Vagabundo, de Chaplin - La Strada é uma grande demonstração do interesse do diretor por pessoas e situações comuns, mas ao mesmo tempo muito particulares e únicas. É o primeiro filme do diretor que faz as situações corriqueiras e realistas parecerem algo tão fantasioso, que busca achar a beleza e compaixão em um ambiente tão grotesco, pois, mesmo que Os Boas-vidas apresentasse a pretensão de algo parecido em seu roteiro, a encenação de Fellini ainda não executava essa ideia tão bem quanto em A Estrada da Vida. É o filme que deu início ao uso do termo “felliniesque”, utilizado por críticos e fãs do diretor para descrever aquela maneira tão particular de cinema feito por Fellini.

Foi o primeiro filme a vencer o Oscar de Melhor Filme Estrangeiro como conhecemos hoje em dia; nos primeiros anos do Oscar, essa categoria não existia, até que, em 1948, foi criado um prêmio honorário que era entregue para um filme de fora dos EUA por ano - em 1957, a categoria passou a ter cinco indicados, e, já nesse ano, Fellini levou a estatueta para casa, fato que se repetiria mais três vezes, incluindo no ano seguinte.

Noites de Cabíria (Notti di Cabiria, 1957)

Em Noites de Cabíria, chegamos ao ápice da parceria entre Fellini e Giulietta Masina. Em um dos mais belos filmes do cinema, o diretor pinta um retrato sensível e afetuoso de Cabiria, uma mulher ingênua e irremediavelmente otimista, que faz de tudo para encontrar a felicidade e o amor verdadeiro. Em mais uma performance inspirada pelo vagabundo de Chaplin, Masina - que foi premiada com o prêmio de Melhor Atriz no Festival de Cannes por esta obra - brilha e entrega a melhor performance de sua carreira, e uma das melhores da história do cinema.

Com um roteiro que conta com a colaboração de Pier Paolo Pasolini - outro grande diretor do cinema italiano e responsável por grandes filmes, como Salò ou Os 120 Dias de Sodoma e Teorema - o filme conta com uma das trilhas sonoras mais inspiradas de Nino Rota e tem um dos finais mais belos que o cinema já viu.

Misturando um estilo lúdico de cinema com fortes resquícios do neorrealismo italiano, Noites de Cabíria é um dos representantes mais significativos da filmografia de Fellini e seu estilo cinematográfico, e, sem dúvida nenhuma, um de seus melhores e mais indispensáveis filmes.

A Doce Vida (La Dolce Vita, 1960)

Considerado o filme mais famoso de Fellini, La Dolce Vita é, também, o mais controverso da filmografia do diretor. Marcando a estreia da parceria entre o cineasta e o astro Marcello Mastroianni, o filme, outro roteiro co-escrito por Pasolini, acompanha o jornalista Marcello Rubini – Mastroianni – em seus dias e noites explorando a cidade de Roma e procurando algo que possa curar o vazio que sente.

Com seu protagonista moralmente questionável e seus temas não-convencionais para a época em que foi lançado, o filme causou um escândalo com seu lançamento, tendo sido publicamente condenado pela Igreja Católica e sofrido boicote por parte de uma parcela mais conservadora da sociedade.

Em contrapartida, foi um enorme sucesso de crítica, público – é o filme italiano mais visto de todos os tempos – e premiações – venceu a Palma de Ouro em Cannes e foi indicado a 4 categorias do Oscar: Melhor Direção, Melhor Roteiro Original, Melhor Filme Estrangeiro e Melhor Figurino, tendo vencido a última categoria.

Frequentemente inserido em listas de melhores filmes de todos os tempos, La Dolce Vita é um dos filmes mais influentes e icônicos de todos os tempos, e uma experiência indispensável para os amantes do cinema.

8 ½ (Otto e Mezzo, 1963)

Em 1963, Fellini chega ao filme considerado como sua obra-prima pela maioria de seus admiradores - inclusive este que vos escreve. Concebido enquanto o diretor enfrentava uma crise criativa, 8 ½ acompanha o cineasta Guido Anselmi – Mastroianni - enquanto ele enfrenta sua própria crise criativa.

Navegando pelos sonhos, memórias e angústias do protagonista de um jeito nunca antes visto, com movimentos de câmera e misé-en-scene completamente particulares e inovadores, o filme é um dos mais importantes e influentes de todos os tempos, tendo sido citado como uma grande inspiração e um dos filmes favoritos de cineastas como Martin Scorsese, David Lynch, Terry Gilliam e William Friedkin, entre outros. Além do mais, o filme é frequentemente referenciado em outras obras, como os filmes Pulp Fiction, Brazil, Birdman, A Vida é Bela e o clipe da música Everybody Hurts, da banda REM.

Desde 1952, a revista Sight & Sound compila, uma vez por década, uma lista dos melhores filmes de todos os tempos, após pedir para críticos, produtores e diretores de cinema renomados enviarem suas listas de filmes favoritos. Em 1972, a primeira lista que foi feita após o lançamento de 8 ½, o filme atingiu sua colocação mais alta: quarto lugar. Em 1982, apareceu no quinto lugar, enquanto a lista de 1992 foi a única que deixou a obra de Fellini fora de seu top 10, mas ele voltou em 2002, ocupando o nono lugar, e, em 2012, foi o décimo escolhido.

Em 1992, a revista passou a divulgar a lista apenas dos diretores, da qual o filme nunca deixou de participar, tendo ocupado o segundo lugar logo de cara. Em 2002, ele ocupou a terceira colocação, e em 2012 desceu mais uma posição. A próxima lista da Sight & Sound será divulgada em 2022.

Foi o vencedor dos prêmios de Melhor Filme Estrangeiro e Melhor Figurino - Preto & Branco no Oscar, além de ter sido indicado às categorias de Melhor Direção, Melhor Roteiro Original e Melhor Direção de Arte – Preto & Branco. Também foi indicado ao BAFTA de Melhor Filme e venceu o Grand Prix do Festival de Moscou.

Com um legado e uma influência incomensuráveis, 8 ½ é um daqueles clássicos obrigatórios para qualquer cinéfilo.

Amarcord (1973)

Como tantos outros diretores já fizeram ou virão a fazer, em Amarcord, Fellini revisita sua infância e adolescência em Rimini nas décadas de 1920 e 1930. Como de costume em sua filmografia, o diretor não busca contar uma história com uma narrativa tradicional, e sim pintar um retrato cheio de afeto de como era a vida, especialmente da juventude, na Itália nos anos 30, em meio ao poder fascista, focando em intrigas familiares, brincadeiras de estudantes em sala de aula e na sexualidade aflorando em adolescentes.

Tendo influenciado inúmeros filmes e diretores, como Roma, de Alfonso Cuaron, A Era do Rádio, de Woody Allen e Crooklyn, de Spike Lee, Amarcord marca um dos últimos momentos de altíssima relevância internacional de Fellini, tendo gerado sua última vitória no Oscar de Melhor Filme Estrangeiro e última indicação ao prêmio de Melhor Direção.

Se for possível, é altamente recomendável que assista a todos os filmes de Federico Fellini, que tem outros filmes muito bons além dos citados nesta matéria - como Os boas-vidas, Roma, Ensaio de Orquestra, A Voz da Lua, entre outros. São esses cinco, no entanto, que costumam ser considerados como os mais essenciais de sua brilhante filmografia.

Conhece as obras de Fellini?

LOKI: Prisioneiro do Tempo (Análise do Episódio 1)

2021-06-12T14:35:00.001-03:00

Após um breve recesso em Maio, o MCU está de volta com uma nova série exclusiva do streaming Disney+ estrelada pelo carismático vilão, LOKI. A série é uma nova promessa para expandir ainda mais o universo Marvel, desdobrando-o em novas dimensões e até mesmo levantando possibilidades para o que pode haver de interessante para as novas produções, seja para o cinema ou para o streaming.

Assim como fizemos em WandaVision e Falcão e o Soldado Invernal, o MVDC fará a cobertura de episódio por episódio a cada semana, com o propósito de analisar desdobramentos de trama, referências ao MCU ou aos quadrinhos e até mesmo especular sobre o que virá no futuro desse universo. Com isso iremos dar uma expansão ao que foi apresentado e favorecer ainda mais o seu entretenimento neste ano super movimentado de lançamentos do Marvel Studios no cinema e no streaming.

Agora acomode-se, pois iremos desbravar nas novas aventuras de LOKI!

Atenção: spoilers do novo episódio!

Como estamos observando com o passar dos lançamentos desse ano do Marvel Studios, suas primeiras séries de TV estão sendo uma continuação direta do grande evento que foi Vingadores: Ultimato, onde WandaVision e Falcão e o Soldado Invernal foram feitos para mostrar as consequências do blip, dando ênfase nos coadjuvantes dos filmes dos Vingadores, que agora serão o primeiro escalão de protagonista das novas produções. Agora em sua terceira série Marvel, LOKI busca um novo caminho para abordar algo que ainda é debatido por fãs desde o último filme dos Vingadores, a viagem no tempo.

Em Ultimato, esse recurso foi utilizado para auxiliar os heróis a conseguirem reverter a catástrofe criada por Thanos, algo que soava muito desconjuntado e até mesmo mal explicado durante a trama, porém nesta nova série vimos que esse recurso não é tão simples assim e que há consequências fortes no funcionamento desse universo. Para demonstrar isso, vemos o retorno do querido vilão carismático interpretado por Tom Hiddleston, Loki, que se aproveitou do descuido dos heróis durante a missão na viagem do tempo para usar o Tesseract, umas das principais joias do infinito nesse universo, para conseguir fugir, e vemos que não foi algo tão corriqueiro e nem deu brecha para ser uma grande fuga.

Aterrissando no deserto de Gobi em outro canto do mundo, o vilão é capturado pela TVA (Time Variance Autorithy, traduzido em algo como Autoridade de Variação Temporal) que em síntese é a polícia temporal nesse universo, cuja missão principal é proteger o tempo e até mesmo o multiverso. Multiverso é algo que está batendo na tecla do MCU já há algum tempo, desde uma pequena introdução no filme do Doutor Estranho e de ser bastante especulado e sugerido no seriado da Feiticeira Escarlate e do Visão, algo que frustrou parte dos fãs por não vermos isso acontecer de fato no seriado de Wanda.

Porém o que LOKI já apresentou em seu primeiro episódio é algo interessante a se reparar: os filmes já estabeleceram que nesse universo a viagem do tempo funciona de maneira não tradicional, seguindo a teoria apresentada no episódio, se você muda um curso na história, você acaba alterando a realidade em que se vive, criando um universo novo causado por essa variante.

Então a função da TVA é evitar a propagação de mais universos diferentes entre si, pois é possível que nasceria um caos de realidades se colidindo, isso é bem explicado na cena em que Loki é interrogado pela imensa burocracia que existe na TVA e vista na animação explicando detalhadamente a função da agência pela mascote Miss Minute, contando com a dublagem da famosa dubladora americana Tara Strong, que já trabalhou em desenhos famosos como Meninas Superpoderosas e Padrinhos Mágicos, onde se apresenta o termo NEXUS, que é uma distorção na realidade. Esse termo aparece novamente no MCU, onde já foi notificado na primeira série da Marvel, WandaVision, onde o último comercial que Wanda gerava em sua realidade televisiva era de um antidepressivo chamado Nexus, que, relembrando, são pessoas com nível de poder tão alto que pode afetar o Multiverso.

Valendo o destaque na apresentação da guerra do Multiverso, a junção e conflito de múltiplas realidades diferentes entre si é pano de fundo para o possível início das Guerras Secretas, famosa saga onde os heróis são sequestrados por uma divindade cósmica chamada Beyonder para lutar entre si. Esse é um desejo de muitos fãs dela ocorrer no cinema, principalmente dos cineastas Joe e Anthony Russo, que topariam voltar a Marvel se esta história fosse adaptada.

Voltando a trama do Loki, vemos o vilão sendo capturado e sendo submetido a um pequeno julgamento de suas ações, onde a pessoa que está julgando é a Ravonna Rensslyer, interpretada pela atriz Gugu Mbatha-Raw. Para quem não conhece, Ravonna é uma personagem conhecida por ser esposa de um importante vilão dos Vingadores, Kang o Conquistador, conhecido por ser uma entidade disposta a ter poder supremo sobre o tempo e todas as realidades conhecidas. Já foi revelado que Kang fará sua estreia no MCU no filme Homem-Formiga 3, onde ele será interpretado pelo ator Jonathan Majors, conhecido por interpretar o protagonista da série Lovecraft Country, já é provável que Kang já está sendo sedimentado pra ter sua importância no futuro, com a Ravonna servindo de espiã para Kang. Será o caso?

Loki já está sendo submetido a ser resetado na única linha temporal sagrada, que é o que a TVA está sempre protegendo, porém é algo que ele não entende, pois não somente ele estava numa linha temporal diferente, mas também já percebeu que os Vingadores também são culpados por alterar a linha do tempo na missão temporal para encontrar as joias do infinito, mas segundo Ravonna, esse evento estava predestinado a acontecer e é viável e aceito na burocracia da TVA. Isso já é algo suspeito, pois muitos personagens foram retirados em sua linha temporal, como a Gamora dos Guardiões da Galáxia sendo puxada do passado para ir ao futuro, ou Steve Rogers, que escolheu viver no passado para ficar com seu grande amor Peggy Carter depois de salvar o universo, é muito suspeito essa afirmação e é melhor ficar de olho nos próximos episódios.

Antes do vilão ser resetado, ele é abordado por um agente da TVA, o Mobius, interpretado pelo conhecido ator Owen Wilson, ele se mostra contra resetarem o Loki dessa variante temporal, por motivos que iremos falar mais à frente, mas Mobius se mostra querendo ganhar a confiança do vilão ao investigar os seus passados, recontando sua trajetória no MCU, onde ele transitou de vilão e anti-herói em boa parte de sua jornada. Nessa cena Loki se mostrou muito renegado a sua natureza dúbia, já que em sua jornada ele nunca teve certeza do que ele queria, sendo um conquistador de mundos ou apenas uma pessoa que se sentia deslocada na vida que teve em Asgard.

Isso é algo que ambos debatem na parte da investigação, onde podemos ver uma cena curiosa onde o seriado recria um caso famoso na história do crime do EUA no passado do Loki, o caso D. B. Cooper. Para quem não conhece foi um caso real de um homem misterioso na década de 70 que usou um pseudônimo para sequestrar um avião prestes a decolar, conseguiu um resgate de milhões de dólares e conseguiu decolar, e quando estava no ar, pulou de paraquedas para fugir e literalmente sumiu na face da Terra. Nunca encontraram ele e tudo o que restou foi alguns dólares que foram encontrados num rio. O seriado se aproveitou desse caso e conseguiu adentrar no contexto do MCU e encaixou colocando o vilão sendo o próprio D. B. Cooper, uma adição bem divertida e até coerente com o personagem.

Quando Loki se cansa da burocracia e das perguntas de Mobius ele consegue fugir das autoridades da TVA e consegue recuperar o Tesseract, mas ele nota que não apenas o cubo cósmico está presente mas também há inúmeras joias do infinito que se encontram na TVA, que provavelmente foram retiradas de múltiplas realidades diferentes nas missões da organização, o que deixa o vilão tão intrigado, pois ele vê que a variação temporal e controle do multiverso é algo que se mostra muito mais poderoso do que as joias do infinito que era tido como os artefatos mais poderosos do universo Marvel, onde lá elas são utilizadas até literalmente como um peso de papel, são coisas sem valor.

Sabendo disso o Loki retorna a sala de interrogatório de Mobius e ele decide se confrontar com o destino que lhe aguardava, como ver a mãe Frigga e seu pai Odin morrendo, ou até mesmo vendo a própria morte nas mãos do Thanos, algo que o choca, assim ele vê que era algo que estava predestinado a ter um destino sombrio, e acaba quebrando-o e fazendo-o se emocionar. Com isso Mobius consegue alcançar Loki, já se mostra que ambos terão uma relação forte entre si ao longo da série, e com isso o episódio acaba com o agente da TVA revelando o motivo de se aproximar do vilão: ele está investigando uma variante poderosa e assassina que está matando agentes da TVA e causando confusão no multiverso, que é ninguém menos que o próprio Loki!

É estranha essa afirmação, pois já levanta perguntas que irão caminhar até o final da série, será que esse Loki da variante é o Loki protagonista da série que vai trazer o caos no multiverso mais à frente no futuro da trama, ou até mesmo um Loki de outra realidade que possui sua própria versão como mulher, criança, ou etc. Já temos um mistério que irá se desencadear na trama toda e abrirá caminho a novos cantos do MCU.

Sendo assim, o primeiro episódio da nova série do Marvel Studios já apresenta sobre o que será a proposta da produção, seguindo um modelo diferente dos seus seriados anteriores, LOKI será uma serie de investigação com múltiplas viagens no tempo e que poderá expandir a personalidade dúbia de Loki e ainda assim finalmente nos apresentar as regras do tão esperado Multiverso que em breve será desencadeado no grande evento que será Doutor Estranho 2.

Assim nós encerramos a nossa primeira análise do início da nova série do MCU, que já mostra que irá trazer novamente debates e discussões de teorias que irão ocorrer durante ao próximas semanas, e vamos continuar debatendo nas nossas análises, então não perca o andamento das nossas matérias semanais, porque estão imperdíveis!

LOKI é uma produção original do Marvel Studios e é exclusiva do streaming Disney+.

O que achou de nossa análise? O que você acha que acontecerá na série? Acha que Loki está planejando algo?

Escreva um comentário! Siga-nos em nossas redes sociais! E Confira o nosso site para maiores novidades!

Natureza Selvagem: O Holocausto como estudo da natureza humana

2021-06-11T20:45:00.002-03:00

Distribuído pela A2 Filmes e disponível para aluguel nas principais plataformas digitais como NOW, Looke, Vivo Play, Google Play, Microsoft e iTunes, Natureza Selvagem é um chocante filme e uma agradável surpresa. O longa feito entre Alemanha, Holanda e Polônia pode enganar se julgar pela capa ou sinopse e achar que se trata de um terror. O título original Werewolf pode até dar a entender que se trata de lobisomens ou cães assassinos, mas a obra trata de outros elementos.

Existe sim a presença de suspense, mortes e sangue, mas o filme de Adrian Panek fala diretamente do instinto da natureza, humana e animal. Após a Alemanha perder a Segunda Guerra Mundial, um grupo de jovens libertos de um campo de concentração precisa sobreviver com poucos recursos e pobreza no meio do nada, cheios de traumas e cercados por cães pastores alemães treinados pelos nazistas para matar prisioneiros. Agora sem os donos, os cães famintos atacam os jovens, reclusos em uma velha casa no meio de uma floresta polonesa.

Inicialmente o filme tem traços de terror e de sobrevivência pós-holocausto, com os jovens tendo de lidar com os cães e com as diferenças entre eles mesmos. Mas são nas entrelinhas e em alguns detalhes interessantes que a obra cresce. E nesses detalhes os roteiristas e o diretor buscam dissertar sobre o instinto de sobrevivência dos seres. Discute sobre o que nos difere, nós humanos, dos animais e até que ponto nossas características primitivas em situações extremas vem à tona.

Temos um dos jovens extremamente traumatizado pelos horrores dos nazistas, que faz com que ele seja uma ameaça aos outros. Temos a inocência da pequena criança, a única que por ser jovem demais, não se contamina com o cenário de horror, sua inocência ainda está intacta. Temos uma jovem moça que ajuda os garotos e temos nela uma provável visão materna, mas também quando soldados nazistas ainda vivos surgem, os garotos presenciam o abuso do homem em cima do ser feminino. Temos um jovem alemão bem-intencionado, que prova seu valor mesmo que desdenhado pelos demais. Provavelmente ele pertencia a uma família alemã contra o regime nazista, mostrando que mesmo em países extremistas, há aqueles que são resistência e lutam pelo certo. E temos a relação de sobrevivência desses jovens versus os cães famintos.

O roteiro talvez atire para muitos lados, tentando várias coisas e não se aprofundando exatamente em nenhuma, mas o pouco que se propõe a debater, faz isso de forma crua e visceral. A direção é firme e traz algumas cenas enervantes e pesadas, embora nunca explícitas demais. O longa flerta com vários temas urgentes e talvez caberia aqui uma aposta maior da produtora da obra em fazer algo mais aprofundado, pois mesmo sendo bom, o filme poderia ser mais forte e complexo nas metáforas que são passadas. Mas foi uma escolha criativa o manter mais simples. Pena, pois poderia ter sido uma obra-prima, existe aqui o potencial.

Mesmo assim, mantendo um primeiro e segundo ato mais desesperadores e intensos, no terceiro ato há um paralelo entre os meninos e os cães que é interessantíssimo e que eleva o nível da obra. Existe aqui um paralelo entre os jovens e os cães estarem tentando sobreviver e isso ser algo natural, deixando-os em um mesmo patamar, mas a presença de nazistas no ambiente não é natural, sendo uma ameaça para ambos. E o desfecho traz uma "improvável" aliança, que na verdade faz todo sentido e um pequeno afago depois de tanta desgraça. Passa a ideia de que a natureza dá um jeito. Ela faz o que é preciso para sobreviver, às vezes de forma violenta, mas que também ela se une contra aquilo que não é natural, aquelas ações do homem que agridem toda a balança natural das coisas.

Talvez tal discurso soe forçado ou irrealista, mas novamente essa é uma escolha narrativa artística e de metáforas, uma forma de dizer que o nazismo e outras formas perversas de poder e violência não são aceitas como algo natural, e que mais cedo ou mais tarde a natureza dá um jeito de usar seus instinto para reagir. Com boas atuações, um visual obscuro e sujo e uma criação de atmosfera tensa que antecipa a criação do suspense, Natureza Selvagem é um bom thriller de sobrevivência, que no fundo traz uma mensagem sobre adaptação, luta e fazer aquilo que é certo. O mal é capaz de grandes atrocidades, mas ele nunca prevalece por tempo demais, tampouco sai ileso. A natureza, física ou instintiva, busca uma saída. Alugue Natureza Selvagem, vale a experiência.

Título Original: Werewolf

Direção: Adrian Panek

Duração: 88 minutos

Elenco: Kamil Polnisiak, Nicolas Przygoda, Sonia Mietielica, Danuta Stenka, Werner Daehn, Jakub Syska, Helena Mazur, Krzysztof Durski

Sinopse: Oito adolescentes mantidos em campos de concentração nazistas são libertados por russos. Eles são entregues aos cuidados de Jadwiga num local abandonado na floresta polonesa e, além de carregarem diversos traumas, terão que enfrentar fome, sede e um grupo de violentos lobos.

Trailer:

Achou interessante? Pretende assistir?

O Vigia: Thriller russo sobre isolamento e solidão

2021-06-11T20:09:00.004-03:00

Distribuído no Brasil pela A2 Filmes e disponível para aluguel digital nas principais plataformas como NOW, Looke, Vivo Play, Google Play, Microsoft e iTunes, O Vigia é um interessante drama e suspense. Produzido na nova safra de filmes vindos da Rússia, ele segue o caminho contrário da maioria dos filmes de lá, que no geral às vezes pecam pelo excesso, talvez numa tentativa de emular os clichês hollywoodianos em solo russo. Mas aqui, o longa do cineasta Yuriy Bykov, que também assina o roteiro e atua como o protagonista, utiliza de sutilezas para contar uma trama que no fundo, é sobre solidão e isolamento.

Aqui vemos o pacato e monótono dia a dia de um zelador de um sanatório abandonado ser abalado com a chegada de um casal problemático, que pede abrigo por uns dias. Acontece que os segredos desse casal e o passado violento do zelador virão à tona, trazendo consequências graves.

É interessante que mesmo de forma indireta, o roteiro explora o estudo psicológico da mente desses personagens complicados, que estão tanto em fuga das suas ações do passado, como procurando paz no meio do nada. Ao mesmo tempo em que é perceptível que não é da natureza do ser humano se manter isolado de todos. Mesmo que por questões de adaptação em um ambiente hostil e de sobrevivência, a solidão afeta a todos os seres. Até mesmo entre o casal, é notável a tristeza e solidão da esposa devido os erros do marido, o que os afasta. Ela e o zelador tem em comum essa solidão, este distanciamento emocional de outros, o que acaba os ligando.

Apesar do baixo orçamento e o filme se passar inteiramente no mesmo cenário, é visualmente bonito. A direção de fotografia e os ângulos de câmera aproveitam ao máximo a paisagem local, o grande sanatório vazio, a vasta neve do grande terreno, mantendo o visual do longa-metragem bem limpo. E tal uso da vastidão da neve amplifica a sensação de frio, do vazio desde lugar praticamente inóspito e portanto, da sensação de isolamento do resto do mundo.

O terceiro ato do longa apresenta um desfecho simplista e um tanto clichê, assim como o ritmo da obra é um tanto lento. Mas a boa ambientação e as atuações muito competentes fazem deste uma obra interessante, que capta bem a potência do cinema russo e mostra um pouco do vasto cinemão fora dos holofotes de Hollywood. O Vigia vale o aluguel.

Título Original: The Watchman

Direção: Yuriy Bykov

Duração: 90 minutos

Elenco: Yuriy Bykov, Vladislav Abashin, Alla Yuganova, Aleksandr Kuzmin, Artur Beschastnyy, Gela Meskhi

Sinopse: A vida normal do zelador de um sanatório abandonado é perturbada pela chegada de um casal estranho que pede para ficar num dos quartos. O casal costuma brigar aos berros e fica claro que eles estão ali se escondendo de alguém. Certa noite, três homens ateiam fogo em algo perto do sanatório e atraem o vigia para fora. Quando ele surge, é atacado e ameaçado. Algum tempo depois, no meio de uma bebedeira, a mulher diz que seu filho de apenas dois anos havia morrido há pouco tempo e que seu marido está fugindo de seus antigos parceiros de crime - de quem ele havia roubado uma grande quantia de dinheiro. Este é apenas um dos segredos que o deserto gelado revelará.

Trailer:

Gosta de filmes internacionais?

Crítica - Army of the Dead: Invasão em Las Vegas (2021, de Zack Snyder)

2021-06-05T17:49:00.004-03:00

Zack Snyder parece estar em alta! Após o tão aguardado Snyder Cut de Liga da Justiça ser liberado para os fãs, o trabalho mais recente do diretor está disponível na Netflix. Confira o que achamos do filme, mas cuidado!

Contém Spoilers!

Preciso começar dizendo que não acredito que se trate de zumbis, mas sim uma modificação genética, onde os próprios soldados no começo do filme fazem questão de explicar ao dizer que, o que continha na carga vinha da área 51, conhecida pela maioria das pessoas, sendo elas favoráveis a conspirações ou não, como um lugar onde o governo americano faz experiências e guarda artefatos alienígenas.

O filme é tiro, porrada e bomba literalmente e percebemos isso nos primeiros minutos, onde temos um resumão do que aconteceu após a "carga" fugir. A contaminação foi controlada e somente a cidade de Las Vegas sofreu as consequências. No meio disso, temos de tudo um pouco, abuso por parte policial, problemas relacionados à família, amor não correspondido e claro, um grande plano para um assalto milionário. O que poderia dar errado?

O grande problema desse filme é que eu não sei bem o que ele quer. Hora parece que se trata de uma comédia, em outro momento um filme de ação e se a gente prestar atenção uma "dramédia" se encaixaria ali e talvez seja por isso que eu não tenha gostado tanto dele.

Mas como eu adoro criar teorias sobre zumbis, aqui vai algumas comparações: percebemos que há hierarquia e que, aparentemente eles vivem em sua própria sociedade dentro da cidade em ruínas, eles tem consciência em determinado nível e são capazes de seguir ordens, assim como os "zumbis" do filme Eu Sou a Lenda, que viviam em uma sociedade criada por eles com membros com mais valor e inteligência do que os outros, mas assim como eu disse antes, não considero esses filmes representantes do subgênero de zumbis, mas pessoas infectadas com alguma doença que os fizeram virar uma raça diferente. Claro que especulações são sempre muito divertidas, mas focaremos no filme.

Tirando os efeitos especiais e uma tentativa nova de dar um gás no assunto morto-vivo, não vejo nada de mais nesse filme. Personagens ralos e caricatos, alguns cheios de moral e outros cheios de egoísmo e no fim das contas é mais do mesmo. É um belo passatempo sem dúvida, já que você não precisa pensar nem prestar atenção para entender a história, que nada mais é do que seres humanos sendo guiados por ganancia. O que poderia dar errado?

Título Original: Army of the Dead

Direção: Zack Snyder

Duração: 148 minutos

Elenco: Ana de La Reguera, Dave Bautista, Ella Purnell, Garreta Dillahunt, Matthias Schweighofer, Nora Arnezeder, Raúl Castillo, John Antorino

Sinopse: Um grupo de mercenários decidem se arriscar para realizar o maior assalto da história ao se aventurar numa zona em quarentena em Las Vegas, durante um apocalipse zumbi.

Trailer:

Diz para gente o que você achou do filme!

Lançamento de novo festival de Cinema - IBIFEST

2021-06-05T16:57:00.001-03:00

Se você, assim como toda a equipe aqui do Minha Visão do Cinema, ama cinema e também assistir premiações e até mesmo se você é cineasta, seja profissional ou independente, surgiu uma nova oportunidade no mercado.

Foi lançado o mais novo Festival de Cinema de Ibitinga, o IBIFEST, um festival de iniciativa privada, que nasceu com o intuito de levar o cinema para a cidade de Ibitinga no interior do estado de São Paulo, além de incentivar a economia da cidade e o apoio cultural pelo cinema, além de é claro, valorizar o cinema independente, possibilitando a todos se inscrevem no festival com baixo custo e concorrerem a prêmios e a divulgação de seus filmes.

As inscrições ficarão disponíveis a partir do dia 1 de julho de 2021, e serão feitas de forma simples e gratuita no primeiro mês para os cineastas brasileiros. A inscrição deve ser realizada a partir do link do festival no site do Film Free Way, onde é preciso fazer um cadastro totalmente gratuito.

https://filmfreeway.com/IBIFEST

Confira abaixo as categorias que são aceitas no festival:

- Roteiros de até 15 páginas;

- Fotografias com um tema pré-definido e que logo será divulgado, as mesmas podem ser feitas tanto por câmeras profissionais como por celulares;

- Curtas-metragens de até 26 minutos, nacionais ou internacionais, também feitos com celulares ou câmeras profissionais;

- Monólogos gravados.

Sobre a seleção dos filmes: após sua inscrição, todos os projetos serão cuidadosamente analisados pelos sócios fundadores do festival, Amanda Mergulhão, Henrique Caiel e eu escritora aqui do MVDC, Caroline Oliveira. Os sócios definirão os ganhadores de algumas categorias e no caso dos curtas-metragens, selecionarão 6 curtas que passarão para a fase final e que serão avaliados por jurados especialistas do mundo do cinema, que logo logo também serão divulgados. Estes jurados por sua vez, serão os responsáveis por definir um único ganhador como Melhor Filme.

O evento de divulgação dos ganhadores: todos os semifinalistas do festival serão exibidos no final do ano em uma live ao vivo de premiação, onde finalmente será divulgado o filme ganhador da categoria de melhor curta-metragem.

Sobre as premiações: os vencedores de todas as categorias do festival, ganharão uma entrevista gravada que será exibida em nossas redes sociais, além de um certificado. E todos os curtas finalistas e semifinalistas ganharão uma grande divulgação de seus projetos tanto nas redes sociais do IBIFEST, como a partir de críticas que serão postadas aqui no Minha Visão Do Cinema.

E aí, está pronto para participar da 1ª edição do IBIFEST?

Os dois sócios e eu aguardamos o seu projeto para o IBIFEST!

Nosso objetivo com o IBIFEST é levar o cinema para a cidade e as empresas de Ibitinga, de forma a valorizar a 7ª arte e seus profissionais independentes.

Pense grande, pense IBIFEST.

Nós da equipe do Minha Visão do Cinema, apoiamos a toda iniciativa cinematográfica, aproveite essa oportunidade com a gente :)

Verão de 85 (2021, de François Ozon)

2021-06-02T12:34:00.002-03:00

Todos conhecem o ditado "não julgue o livro pela capa", mas todo mundo faz isso, mesmo que só um pouquinho. Acredito que isso aconteça porque certos elementos fazem os seres humanos se atraírem pelas coisas, como uma abelha que se atrai por flores em um jardim. E, não vou mentir, eu sou atraída por filmes que têm dois garotos brancos na capa e um fundo azul, porque eu automaticamente sei que é um filme gay de adolescente – Me Chame Pelo Seu Nome, obrigada por tudo. Foi exatamente por esse motivo que escolhi ver Verão de 85, e eu preciso dizer, não podia estar mais certa sobre meu palpite. Apesar disso, o filme francês traz uma premissa ligeiramente diferente da que eu esperava, o que não significa que tenha sido uma experiência ruim.

Baseado no livro Dance on My Grave, de Aidan Chambers, a narrativa segue Alexis, um estudante que, durante suas férias escolares, pega um barco a vela emprestado de um amigo e vai, sozinho, para o meio do mar. Em uma virada de tempo, porém, o barco vira, e como um anjo caindo do céu, David o resgata e o leva de volta à praia. Se não bastasse isso, o desconhecido ainda o leva para sua própria casa e, junto com sua mãe, cuida de Alexis para que ele não pegue uma gripe ou algo do tipo. Assim, David desencadeia uma amizade com Alexis que, em pouco tempo, se desenvolve, tornando-os um pouco mais que amigos. Só há um problema: na primeira cena do filme, somos alertados que alguém morreu. Alexis é quem conta a história.

Embora sejam histórias completamente diferentes, é difícil não pensar que François Ozon queria, de alguma forma, repetir o sucesso de Luca Guadagnino. Quero dizer, os dois filmes são inspirados em livros com foco em relações homo e bissexuais, as capas são parecidas, se passam no verão europeu… São muitos pontos iguais, mas, se for para fazer uma comparação, Me Chame Pelo Seu Nome é, apesar de seus problemas, superior ao filme francês. Todavia, acredito que é possível afastar as duas obras e falar sobre Verão de 85 como um filme único, porque isso é o que ele é.

Para os que estão cansados de romances homossexuais com finais trágicos, esse filme não é para você, já que, desde o começo, somos alertados da morte de David. O que nos leva a continuar a história é não apenas saber o porquê disso, mas também o motivo de Alexis estar sendo interrogado por algo que fez com o amigo. Infelizmente, a segunda resposta nós desvendamos com apenas quarenta minutos de filme, e depois que descobrimos a segunda, ainda há meia hora para assistir, o que pode ser um pouco cansativo, já que não há nada de muito interessante para segurar o filme.

Outro ponto negativo, pelo menos para mim, foi a personalidade de David – e talvez o fato de o ator que o interpreta lembrar muito a aparência do Mário do TilTok; "Roi, Alex, né?". Ele é o típico cara que gosta de se fazer de bad boy, enrolar todo mundo e não se comprometer com ninguém. Basicamente, ele fazia o Alexis de otário. A parte interessante disso é que uma das personagens, mais perto do final do filme, abre os olhos de Alexis e dizer que ele não amava David, mas o que ele criou de David em sua cabeça. Isso é algo real e que muitas vezes as pessoas não percebem. Principalmente em se tratando de romances de verão, pode ser que uma pessoa se apaixone perdidamente pelo que idealizou da outra, e não pela pessoa. Nós somos capazes de amar alguém que sequer existiu, o quão bizarro é isso? Para mim, essa é uma das melhores cenas do filme, porque nos faz enxergar toda a narrativa a partir de perspectivas diferentes.

Dos pontos que me agradaram, acredito que as atuações tenham sido um dos pontos altos, principalmente a de Félix Lefebvre. Sua personagem, Alexis, é o típico garoto bobinho com um quê de poesia na veia e muita melancolia, e querendo ou não eu sou o tipo de pessoa que gosta de personagens desse tipo, e ele se encaixou perfeitamente no papel.

A fotografia, o figurino e o design de produção combinaram excepcionalmente com a proposta de trazer de volta os anos 1980. O mais bizarro é que, como a moda vem e vai, às vezes eu me esquecia da época em que o filme se passava e pensava, "Nossa, por que ele não manda uma mensagem?", mas instantaneamente aparecia um toca fitas em cena e minha ficha caía.

No mais, não acredito que Verão de 85 seja uma obra-prima da sétima arte, mas também não é um filme ruim que não vale a pena assistir. O modo como a trama foi conduzida fez com que ele acabasse se tornando um pouco desinteressante do meio para o final, mas quem gosta do gênero e está afim de ver um romance francês ligeiramente parado – e, aos fãs de Me Chame Pelo Seu Nome, atenção: sem cenas de sexo – para passar o tempo, é uma recomendação. O filme, que fez parte do Festival de Cannes de 2020, estreia no Brasil em 3 de junho.

Título Original: Été 85

Direção: François Ozon

Duração: 90 minutos

Elenco: Félix Lefebvre, Benjamin Voisin, Philippine Velge, Valeria Bruni Tedeschi, Melvil Poupaud, Isabelle Nanty, Aurore Broutin, Yoann Zimmer, Bruno Lochet, entre outros.

Sinopse: Verão de 85 se passa em um verão da década de 80. No aniversário de 16 anos, Alexis (Félix Lefebvre), enquanto está no mar da costa da Normandia, é heroicamente salvo da morte por David (Benjamin Voisin), de 18 anos. Alexis acaba de conhecer o amigo dos seus sonhos, mas será que esse sonho vai durar mais que um verão?

Trailer:

Veja mais críticas e notícias sobre cinema em nossas redes sociais!

Alice e Peter: Onde Nascem os Sonhos (2021, de Brenda Chapman)

2021-06-01T21:06:00.000-03:00

Clássicos infantis sempre me chamaram a atenção, na infância, na adolescência e até mesmo agora, na fase adulta, e, por incrível que pareça, Alice no País das Maravilhas, de Lewis Carroll, e Peter Pan, de J. M. Barrie, são minhas histórias preferidas. Dito isso, não é surpresa alguma que, no instante em que li o título Alice e Peter: Onde Nascem os Sonhos, fiquei interessada em assistir ao filme. Minhas expectativas, contudo, já não eram muito altas, porque eu sabia que muita coisa podia dar errado, principalmente ao misturar duas histórias, mas a verdade é que nós nunca estamos preparados o suficiente para uma verdadeira decepção.

De forma alguma eu sou o tipo de pessoa que é contra mexer nas histórias originais, veja bem. Para mim, Peter Pan (1953 e 2003) e Alice no País das Maravilhas (2010) são filmes que, apesar de seus pesares, todo fã desses contos deveria ver – e essa é uma opinião que eu considero impopular, pelo menos em se tratando da adaptação do Tim Burton –, então eu não teria problema algum em ver umas coisas novas relacionadas a esses universos. Aqui, o problema não é este. O que ocorre não é invenção demais ou invenção de menos, é uma desorganização sem precedentes que acabou tornando o longa confuso e desinteressante.

O filme segue Alice, Peter e David, irmãos muito imaginativos que estão sempre brincando de hora do chá, esconde-esconde e piratas, e embora ainda sejam crianças, recusam-se a crescer. Isso até David ser aceito em um internato e seus pais fazerem planos de mandá-lo morar com a tia. Porém, antes que ele pudesse ter a chance de arrumar as malas, uma tragédia acomete sua família, e Alice e Peter embarcam numa aventura a fim de ajudar seus pais.

Sinceramente, o filme se perde tanto no que ele quer que é difícil dizer qual é a finalidade da história, até porque mesmo as personagens de ambos os contos se misturam. Alice é, obviamente, Alice, mas também é a princesa Tigrinha. Peter é Peter Pan, mas David, por um momento, também é – ou parece ser. Temos também a Rainha Vermelha e a Rainha Branca, o Chapeleiro Maluco e o Capitão Gancho, mas nenhum deles parecem se encaixar na narrativa.

As personagens não parecem ter propósito, as coisas parecem acontecer só porque sim, cenas começam e não terminam, isso além das atuações que deixam a desejar, dos diálogos mal construídos e da montagem embaralhada que mais atrapalha do que ajuda. Do roteiro de Marissa Kate Goohill à direção de Brenda Chapman (Valente), o filme saiu tanto dos trilhos que é difícil imaginar como conseguiram (1) tantos atores de renome que nós sabemos que são bons e (2) financiamento para tirar esse projeto do papel. Para não dizer que nada se salva, a trilha sonora é boa e combina com a ideia do filme, embora não se encaixe tão bem assim no que ele é.

De fato, é uma pena isso ter acontecido, porque não é sempre que se consegue um elenco racialmente diversificado para contar histórias clássicas infantis, ainda mais com direção e roteiro formados por mulheres. Mas mesmo se tivessem trocado todo o elenco, a direção e o roteiro, acredito que o resultado ainda seria ruim, porque o problema não se deu em uma coisa ou outra, mas no geral, como se fosse algo intrínseco à própria elaboração da ideia.

Sendo assim, para a tristeza de muitos, Alice e Peter: Onde Nascem os Sonhos é um filme cansativo, sem uma linha narrativa definida e que não se sustenta. Ainda assim, aguardo pelos trabalhos futuros de todos os envolvidos, porque, com base nos históricos tanto de Chapman quanto dos atores, por exemplo, sabemos que eles ainda têm muito a oferecer.

Título Original: Come Away

Direção: Brenda Chapman

Duração: 94 minutos

Elenco: Keira Chansa, Jordan A. Nash, Reece Yates, Angelina Jolie, David Oyelowo, David Gyasi, Clarke Peters, Gugu Mbatha-Raw, entre outros.

Sinopse: Antes do País das Maravilhas e da viagem à Terra do Nunca, os irmãos Peter (Jordan A. Nash) e Alice (Keira Chansa) deixaram a imaginação correr solta durante um verão repleto de brincadeiras com espadas, chás da tarde e navios piratas. Quando uma tragédia toma conta da família e muda completamente a vida de seus pais, Jack (David Oyelowo) e Rose (Angelina Jolie), Peter e Alice embarcam numa aventura fantástica e entendem que crescer pode não ser o maior dos seus problemas.

Trailer:

E você, também é fã de clássicos infantis? Para mais críticas, nos acompanhe nas redes sociais!

A Mulher na Janela: o mais novo fracasso de Joe Wright

2021-05-28T21:30:00.001-03:00

Baseado no elogiado livro de A. J. Finn, A Mulher na Janela traz uma proposta parecida com a de A Garota no Trem, adaptação literária lançada em 2016: uma mulher que tem seus problemas vê algo estranho através de uma janela e começa a investigar por si mesma. Histórias de suspense nesse estilo ganharam o gosto do público nos últimos anos, e após se tornarem best-sellers, viraram filmes; até aí, nada de novo. O problema é que a obra de Finn foi tão mal trabalhada que qualquer vontade que eu pudesse ter de ler o livro foi também por água abaixo.

Anna Fox (Amy Adams) passa os dias sozinha em sua casa, sempre com uma taça de vinho na mão e observando a vida de seus vizinhos pela janela. Recentemente divorciada, ela fala com seu marido e filha todos os dias, mas não sai para vê-los – e nem para fazer qualquer outra coisa – por sofrer agorafobia, uma doença psicológica que a impede de viver normalmente.

Quando a família Russell se muda para a casa em frente à sua, começa a observar a vida da família perfeita e até cria laços momentâneos com o filho e a mãe, que vão visitá-la. Todavia, tudo muda quando ela vê, por sua janela, a mulher sendo morta, mas quando ela chama a polícia, dizem que tudo é coisa da cabeça dela e até a apresentam à Jane Russell. Só há um problema: aquela não é a mulher que ela conheceu.

Embora eu não seja muito fã de filmes de suspense policial nesse estilo, decidi ver A Mulher na Janela por alguns motivos. Primeiro, eu não queria ler o livro – além de o autor ser muito problemático, o tipo de história não me atrai tanto assim –, mas todos falavam sobre e eu sou uma baita de uma curiosa. Segundo, o elenco é composto por nomes como Amy Adams, Julianne Moore, Anthony Mackie e Jennifer Jason Leigh. E terceiro, mas não menos importante, a direção do filme ficou por conta de Joe Wright, responsável por adaptar os livros Orgulho e Preconceito (2005), de Jane Austen, e Anna Karenina (2012), de Liev Tolstói, para o cinema. E, ironicamente, foram as escolhas desse mesmo diretor que fizeram o filme ser tão abaixo da média.

O filme caminha por diversos caminhos e traz diversas propostas de uma forma bagunçada até chegar ao final. Wright tentou fazer um filme conceitual de suspense psicológico, mas acabou criando algo que parece não saber para onde caminhar. No final, passamos por momentos que são tentativas de jump scare amedrontadores e plot twists fascinantes, mas ficaram só na tentativa. Qualquer um que assistir ao filme prestando atenção e usando dois neurônios consegue desvendar a história em um estalar de dedos, tornando o filme pacato, sem emoção e previsível.

Embora a fotografia seja boa, apenas isso se salvou. A trilha sonora não foi muito marcante, apesar de não ter sido ruim, assim como o figurino, que só parece se destacar no minuto final do longa. Contudo, o que se destaca por ser ruim é, para além da direção da narrativa, a direção de elenco, que escalou atores maravilhosos que foram muito mal aproveitados. Qualquer um deles poderia ter feito muito melhor, e sabemos disso porque eles já fizeram inúmeras vezes. Assim, ver todo aquele potencial em tela sendo desperdiçado a cada segundo se tornou lamentável.

Ao rolar dos créditos, A Mulher na Janela se mostrou um filme sem maiores explicações ou aprofundamento em personagens. Tudo pareceu raso, vazio e sem propósito, como se partíssemos do nada, tropeçássemos em uma reviravolta e chegássemos a lugar nenhum, definitivamente o maior fracasso de Joe Wright desde Peter Pan (2015). Não me leve a mal, esta não é uma carta aberta ao diretor, porque todos sabemos que ele já fez filmes maravilhosos e, aqui, poderia ter feito melhor, mas algo de muito errado aconteceu. Infelizmente, alguém tem de assumir a culpa.

Título Original: The Woman in the Window

Direção: Hiroshi Hamazaki, Naomi Nakayama, Hideki Tonokatsu, Taku Yamada, Takanori Yano, Ryuta Kawahara, Satonobu Kikuchi, Nobukage Kimura, Takayuki Kuriyama, Takahiko Kyôgoku, Keiko Oyamada, Kazuhiro Ozawa, Takahiro Tamano, Nobuo Tomizawa e Yûichirô Yano.

Duração: 100 minutos

Elenco: Amy Adams, Julianne Moore, Gary Oldman, Anthony Mackie, Wyatt Russell, Brian Tyree Henry, Tracy Letts, Jennifer Jason Leigh, Fred Hechinger, Jeanine Serralles, Mariah Bozeman, entre outros.

Sinopse: Em A Mulher na Janela, Anna Fox (Amy Adams) é uma alcoólatra reclusa que passa os dias em seu apartamento em Nova York, assistindo a filmes antigos e observando seus vizinhos. Quando a família Russell se muda para o prédio da frente, ela passa a espionar o que seria a família perfeita, até testemunhar uma cena chocante que muda sua vida.

Trailer:

Já conferiu a adaptação? Conte-nos o que achou nos comentários e não se esqueça de nos seguir nas redes sociais!