Por Amor al Arte

Muralista Cristóbal Persona.

2025-02-06T15:34:00.002-03:00

En 2017, este artista urbano dejó su trabajo como ingeniero para dedicarse a pintar. Hoy es uno de los más destacados exponentes nacionales de la pintura mural de estilo hiperrealista, con obras que sorprenden por su acercamiento casi fotográfico a la figura humana, la naturaleza, la flora y fauna. Su portafolio incluye retratos de reconocidos personajes, además de murales desplegados por algunos países de Sudamérica.

Mejor Mural del Mundo en el certamen internacional organizado por ‘Street Art Cities’. La obra denominada ‘Charanguista Andino’, creada por el artista chileno Cristóbal Persona en el marco del Perla Mural Fest en Fene en 2024, obtuvo este reconocimiento tras una intensa votación popular.

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Claude Mellan (1598-1666) fue un pintor, dibujante y grabador francés conocido por sus exquisitos grabados.

2024-05-21T14:01:00.001-04:00

Claude Mellan (1598-1666) fue un pintor, dibujante y grabador francés conocido por sus exquisitos grabados y su dominio de la técnica del "corte claro". Nació en Abbeville, Francia, y se formó en Amiens antes de trasladarse a París en 1624. Allí, estudió con el pintor Simon Vouet y se estableció como un exitoso grabador, produciendo obras para varios mecenas importantes, incluido el rey Luis XIII.

Mellan fue un maestro del "corte claro", una técnica de grabado en la que el diseño se crea mediante una sola línea de cincel que se curva y gira sin cruzarse nunca. Su obra maestra, el Santo Rostro de Cristo, es un ejemplo notable de esta técnica y se considera una de las obras más bellas y técnicamente impresionantes del arte del grabado.

Mellan también fue un talentoso pintor y dibujante, y su obra se caracteriza por su delicada línea, su atención al detalle y su profundo sentido de la composición. Murió en París en 1666, dejando un legado de obras maestras que continúan inspirando a artistas y coleccionistas hasta el día de hoy.

El Santo Rostro de Cristo es un tema común en el arte, realizada por el pintor, dibujante y grabador francés Claude Mellan (1598 - 1666), que tiene la particularidad de haber sido realizada de un solo trazo? Considerada la obra maestra del artista

No hay duda de que la de Claude Mellan es una de las más exitosas; que data de 1649, tiene la particularidad de haber sido realizado con una sola línea de cincel, partiendo de la nariz y de ir en espiral sin cruzarse nunca la línea. Este grabado es la obra maestra del artista y la mejor representación de la técnica llamada “corte claro” inventada por él, por la cual el dibujo nace de la línea sobre la que se retrocede y no por la intersección de diferentes líneas.

El velo de Véronique apenas se sugiere. La delicadeza de la línea, asociada a la discreción del soporte, refuerza la irrealidad del sujeto; la Santa Faz parece desprenderse del velo y levitar ante él. El famoso Santo Rostro de Cristo sobre el velo de Verónica da testimonio de la gran maestría técnica de la artista, constituye también un hermoso testimonio de fe y una de las figuraciones más logradas de esta iconografía tan particular que es la huella del rostro de Cristo.

El artista Albéniz Rodríguez hace caricaturas de animales y aquí están las mejores.

2023-03-23T10:22:00.005-03:00

Albéniz Rodríguez es un artista talentoso apasionado por las caricaturas. Sus coloridas y vivaces ilustraciones capturan la esencia tanto de las personas como de los animales, trayendo sonrisas a los rostros de quienes las observan. Si bien es hábil para caricaturizar una variedad de temas, desde celebridades hasta políticos, son sus caricaturas de perros las que realmente han capturado los corazones de muchos.

Los animales han sido durante mucho tiempo un tema querido del arte, inspirando a artistas de todo tipo a capturar sus personalidades únicas y peculiaridades entrañables. Uno de esos artistas es Albéniz Rodríguez, cuyas caricaturas de animales son a la vez divertidas y expresivas. Con un estilo moderno y humorístico, las ilustraciones de Rodríguez usan colores vivos para dar vida a sus sujetos peludos, lo que los convierte en el complemento perfecto para la colección de arte de cualquier amante de los animales.

Moisés de Miguel Ángel y su dedo meñique

2023-02-14T12:19:00.004-03:00

¿Por qué Moisés tiene cuernos, pero Miguel Ángel sigue siendo un genio?

En este pequeño artículo, te mostraré la conexión entre la biología, el arte, la mente del artista (Miguel Ángel), la pasión, la frustración y el borde de la locura. Sin ningún orden en particular.

Como alguien que trabaja en tecnología día a día, ayuda a conocer diferentes disciplinas. Nos ayudará a ser más completos en la consultoría. Si no es nada, al menos será una interesante conversación de café, lo prometo.

Miguel Ángel (nacido en el año 1475) es conocido por sus obras como Pietà (1498–99), David (1501–04), Madonna and Child (1501–04), Capilla Sixtina (1508–12), Moisés (1513–15 ) etcétera. Me detuve en Moisés porque es el objeto de mi interés para este artículo. Claro, sus otras obras como el techo de David y la Capilla Sixtina son más famosas que otras. Sin embargo, si usa la lente correcta y mira de cerca, cada pieza del trabajo de Miguel Ángel es una obra de asombro y maravilla. Permítanme demostrar un atisbo de lo que quiero decir.

Mire a Moisés un poco más de cerca. Verifique la imagen 1 a continuación y amplíe los detalles de la escultura. Miguel Ángel, el maestro artesano que es, ha llenado esta escultura con tanto dramatismo y energía potencial como ha sido posible. Acércate un poco más hasta que veas la definición y los detalles de la escultura y notarás lo que quiero decir: mira la forma en que su pie izquierdo se empuja un poco hacia atrás como si estuviera a punto de levantarse de ese trono. Mire la forma en que sostiene su bata con la mano izquierda por encima de la rodilla derecha para exponerla y ayudarlo a levantarse sin obstáculos. Mire la forma en que su hombro derecho está ligeramente inclinado en la dirección opuesta al movimiento de su pie izquierdo para generar esa energía. Mira toda la tensión acumulada en esos músculos claramente definidos.

Cuanto más miras de cerca, más puedes escuchar la poesía subliminal afirmándose en ti. Se volverá menos sobre la escultura y más sobre el monstruo de belleza invisible, nacido en las profundidades de tu cerebelo y tu bulbo raquídeo, mientras miras ese arte y te sientes atraído por él. No puede dejar de hablarte, unir puntos y tejer palabras y tú no puedes dejar de escuchar. Te lleva a través de un paseo a través de las profundidades del océano de arte frente a ti. Lo hace con sumo aplomo y mientras baila con confianza agregando un poco de movimiento. Puedo seguir y seguir sobre su rostro y mirar hacia su izquierda y otros detalles, pero entiendes mi punto sobre el drama, el flujo de energía y la forma en que te hace sentir. Agnes Martin lo entiende, dice:

“El arte es la representación concreta de nuestros sentimientos más sutiles.”

Mientras observa todo eso, también debe tener en cuenta que esta escultura fue cincelada en una piedra de mármol cuidadosamente seleccionada para trabajar en la época en que Colón llegó a América y la descubrió accidentalmente. Sí, era de una época en la que el mundo no sabía que existía un continente entero.

Moisés de Miguel Ángel alojado en la iglesia de San Pietro in Vincoli, Roma

Ahora, para profundizar un poco más en esos detalles, necesitamos biología 101 aquí. No te asustes, es solo la biología del antebrazo. Verifique el conjunto de imágenes a continuación 2 que muestra varios grupos de músculos en nuestro antebrazo. 20 grupos musculares para ser precisos, divididos en compartimentos anterior y posterior. Ya sea que desee simplemente mover un solo dedo o quiera sostener su taza de café o quiera agarrar una mancuerna de 24 lb en su puño, necesita todos o algunos de estos grupos para habilitarlo. Para nuestra discusión, concentrémonos en un grupo de músculos en particular llamado extensor digiti minimi que es parte del compartimiento posterior. Siga el grupo morado de tejido muscular en la imagen de abajo. Extensor digiti minimi es una extensión accesoria para apoyar el movimiento del dedo meñique; eso es todo lo que necesitamos saber por ahora.

Extensor digiti minimi

Ahora volvamos a Moisés. Compruebe la imagen de abajo 3 y siga el círculo azul. Apunta al tejido muscular extensor digiti minimi tallado en el mármol. ¿Ves cómo ese grupo es un poco pronunciado y claramente definido y pulido en la escultura? Ahora mira el dedo meñique de la mano derecha. Dos flechas rojas, una apuntando a la parte ligeramente elevada del dedo y la otra a la ondulación en la raíz del dedo meñique. Lo que pasa con el extensor digiti minimi es que solo se vuelve visible y pronunciado cuando el dedo meñique se levanta o se mueve un poco . De lo contrario, es en su mayoría invisible.

Todo esto es para describir un pequeño músculo en el antebrazo de esa escultura. Ahora, imagine los detalles y la biología detrás de todos los otros músculos juntos. Para mí, capturar detalles tan intrincados en esta escultura hace unos 500 años es una locura. Para mí, esto hace que el arte sea atemporal. Esto le da al arte su verdadera belleza. Esta es la razón por la que Miguel Ángel es considerado uno de los mejores artistas que jamás haya pisado este planeta: el maestro.

Ningún músculo de esta escultura está fuera de lugar o no está sincronizado con el drama que representa el maestro. Todo está calculado con precisión y tallado en piedra a la perfección. La cantidad de conocimiento que Miguel Ángel poseía sobre la anatomía humana solo puede compararse y compararse con Leonardo da Vinci. Dicen que el diablo está en los detalles, pero todo lo que veo es a Dios en estos pequeños detalles ocultos, esperando ser redescubierto al unir las disciplinas del arte, la ciencia y la ingeniería . Aún no está hecho. Hay más en esta historia.

Ondulación muscular en la raíz del dedo meñique y un extensor digiti minimi elevado

Aunque a Miguel Ángel le apasionaba tanto su trabajo, como individuo se le consideraba un poco irascible, un poco melancólico y un poco difícil trabajar con él. En pocas palabras, era un hombre complejo que amaba su trabajo. De todas sus obras, escogí Moisés porque algo interesante sucedió con esta escultura. Hay algunos relatos y especulaciones que no pueden separarse fácilmente de los hechos o la ficción, pero, dicen: Hacia las etapas finales de terminar Moisés, Miguel Ángel estaba tan involucrado que comenzó a hablarle a la estatua mientras trabajaba en ella. Personificándolo y tratándolo como un ser humano real. Cuando la estatua no respondió ni le respondió a Miguel Ángel, este se puso tan furioso y frustrado que golpeó con su martillo la rodilla derecha de la estatua en un ataque de rabia e ira. Dicen que puedes ver el daño causado por el golpe de su martillo en la rodilla derecha expuesta de la estatua y posiblemente también en el dedo del pie. Traté de representar la posible trayectoria del golpe de martillo en la siguiente imagen 4.

Sin saberlo, el maestro se involucró emocionalmente con su tema, Moisés. En su mente, la estatua parecía real y viva. En realidad, era solo una estatua. No había vida en él. Nunca lo hubo. El apego emocional hizo que todo fuera real para Miguel Ángel. Lo dio todo para hacer justicia completa a su trabajo y el trabajo a cambio parecía cada vez más real para hacer que el artista perdiera más el control de la realidad. Es como una fuerza imparable que se encuentra con un objeto inamovible. Yin-yang de orden y caos acechando uno dentro del otro, esperando el momento perfecto para atacar y cambiar el desenlace de nuestra realidad.

Se especulan marcas de golpes de martillo en la rodilla derecha

La pasión y la frustración son como dos caras de una misma moneda. Lo que nos encariña y nos apasiona es lo que posee el poder de frustrarnos y dañarnos más. A veces al borde de la locura y la locura si no somos conscientes de las obras de nuestra mente.

Hay dos cosas de las que uno debe ser consciente en una situación como esta: una, en la búsqueda de la perfección en un mundo eternamente imperfecto. Tenemos que ser conscientes de que la perfección no se puede alcanzar nunca. Lo que pensamos que es imperfecto es perfecto en su propio sentido. Necesitamos despejar nuestra mente para verlo. Dos, aquellos que aman mucho también tienen la propensión a odiar mucho. Van all-in. Pero entonces, si no puedes ir hasta el final, ¿has vivido? ¿Cuál es el sentido de la vida si no puedes seguir lo que realmente importa y lo que realmente te hace feliz? ¿Por qué terminamos restringiéndonos? ¿De dónde vienen estas restricciones? La clave para la verdadera libertad del yo es comprender la naturaleza de estas restricciones proverbiales que nuestra mente construye en base a nuestras experiencias pasadas. La mayor restricción es nuestra mente misma. Entonces la mayor libertad que hay,

Volviendo a Miguel Ángel, no se detuvo allí. Para el maestro, la belleza física de su obra se perdió en los laberintos de su caótica mente en los años siguientes. Puedes ver cuánto se deslizó su trabajo en el suyo: The Duomo Pietà (la deposición). Verifique la imagen 5 y lo primero que notará son las irregularidades y las extremidades desproporcionadas en la escultura. Sin drama, sin energía potencial en la escultura. Las imperfecciones son tan preocupantes que no se puede comparar este trabajo con ninguno de sus trabajos anteriores. Vea la imagen 5 a continuación y los círculos rojos resaltados para verificar estas imperfecciones.

El Duomo Pietà se encuentra en el Museo de la Ópera de Santa María de Fiore.

Después de acercarse a la finalización, Miguel Ángel destrozó la estatua con su martillo, la golpeó con fuerza en todos los lugares posibles. No nos deja pistas para encontrar las partes que podrían haberlo preocupado. Para mí, esto no es una verdadera tragedia . La verdadera tragedia vino mucho después. En la forma de cubrir y reparar los daños causados por el maestro. En la forma de otro escultor, el segundo escultor, Tiberio Calcagni. Le dieron el trabajo de arreglar y restaurar la pieza. Cada acto de arreglar la pieza original, cincelar los bordes y pulir la superficie borró la visión original, los toques delicados y la evidencia de locura que dejó el maestro desaparecido. Esto para mí es una verdadera tragedia.

¡Gracias por leer!

El mundo de Vincent Van Gogh en realidad virtual.

2023-02-06T09:49:00.004-03:00

Impresionantes pinturas de la artista australiana Margaret Ingles.

2023-02-01T12:36:00.004-03:00

La artista australiana Margaret Ingles nació en Canberra pero reside en Brisbane. Se graduó de ANU y la Universidad de Tasmania en Antropología y Sociología, luego de lo cual completó dos títulos en Educación y Artes Visuales. Enseñó en escuelas internacionales en Nepal, Laos y Tailandia, pero dejó de enseñar para seguir una carrera artística de tiempo completo. Ha expuesto en Bangkok, Singapur, Londres y en varias ciudades y pueblos de Australia.

via:https://www.instagram.com/marginglesart

Pinturas hiperrealismo Impresionante de Marco Grassi.

2022-11-15T10:40:00.001-03:00

Marco Grassi es un artista que ama la perfección y que posee una gran técnica para lo que es el hiperrealismo con una serie de obras que nos dejarán asombrados por lo que se puede llegar a realizar sobre un lienzo. Grassi hace gala de un extraordinario conocimiento del color y del uso del óleo y acrílico.En sus obras la antigüedad clásica se convierte en una fuente de inspiración para una pintura fantástica, llena de patetismo y encanto. Captura los elementos que emiten emociones vibrantes y movidas, gestos violentos y atmósferas mágicas, a menudo extraídas de los episodios más visionarias de las grandes obras de poesía.

Pierre Auguste Cot.

2022-05-06T16:16:00.005-04:00

Pintor francés de la escuela academicista nacido en la comuna de Bédarieux. Estudió en primer lugar en l'Ecole des Beaux-Arts en Toulouse antes de mudarse a París. Entre sus grandes mentores destacan Leon Cogniet, Alexandre Cabanel y William-Adolphe Bouguereau. Durante la década de 1870, su popularidad comenzó a crecer con gran rapidez. En 1874 fue nombrado Chevallier de la Legión de Honor. Creó varias obras que alcanzaron gran popularidad, incluyendo Le Printemps, en la cual retrató a dos jóvenes amantes, y La Tormenta. Ambas pinturas se encuentran en exhibición en el Museo Metropolitano de Arte de la Ciudad de Nueva York. Cot también obtuvo reconocimiento por sus retratos, que consisten la mayor parte de su trabajo.

hermosas esculturas de Chauncey Bradley Ives.

2022-04-20T13:03:00.002-04:00

Chauncey Bradley Ives fue un escultor estadounidense que trabajó principalmente en el estilo neo-clásico, el estilo que estaba arrasando en el nuevo país y que de hecho se adoptó como estilo oficial del nuevo estado.

Ives nació en Hamden, Connecticut y desde los 16 años fue aprendiz de escultor. Aún con una importante cartera de clientes que se morían por poseer una de sus esculturas basadas en forma y temática en la época clásica, en 1844 se traslada a Europa por motivos de salud. Morirá en Roma en 1851.

Ives es hoy considerado uno de los más grandes escultores norteamericanos, y su obra se puede ver a lo largo y ancho de la geografía norteamericana, tanto en el ámbito público como en el privado.

El artista israelí Yoël Benharrouche

2022-03-24T10:50:00.001-03:00

El artista israelí Yoël Benharrouche nació de padres profundamente religiosos en Beersheva en 1961, creció en Aschdod, donde pronto desarrolló una pasión por las escrituras y se convirtió en un rostro familiar en varios centros de estudio. Se trasladó a Niza en 1974 y en 1985 completó su formación en Bellas Artes, estudiando textos básicos en hebreo y enseñando dibujo. Sus primeros lienzos muestran una gran sensibilidad, con un gusto subyacente por lo Absoluto y una búsqueda de nuevas estéticas que expresan su concepción mística del Hombre y del Mundo. En 1993 regresó a Israel y se instaló a las puertas del desierto y, en este gran contexto rico en historia y espiritualidad, dio rienda suelta a su inspiración. Expone sus obras por todo el mundo.

David Cowles - caricaturas de personajes famosos.

2022-03-24T09:38:00.001-03:00

El artista estadounidense David Cowles nació en Rochester, Nueva York, en 1961, el menor de seis hermanos. Su padre, Hobart, era profesor de cerámica en el Instituto de Tecnología de Rochester, y su madre, Barbara, era la gerente de Shop One, una tienda de regalos de Rochester llena de artesanías. Cowles consiguió un trabajo en el Democrat and Chronicle en Rochester en 1983 y comenzó su carrera independiente dos años después, dejando el periódico para trabajar como independiente a tiempo completo en 1991. Cowles trabajó como creador, diseñador, dibujante de guiones gráficos y director. en proyectos animados para Disney, Sesame Street, They Might Be Giants y Frederator Studios, entre otros.

Altamira

2022-03-08T10:36:00.002-03:00

Las Cuevas de Altamira son cuevas españolas famosas por sus pinturas rupestres del Paleolítico Superior que representan mamíferos salvajes y manos humanas. Están ubicados cerca de Santillana del Mar en Cantabria, a 30 kilómetros al oeste de Santander. Estas cuevas fueron incluidas en los sitios del Patrimonio Mundial de la UNESCO en 1985.

En 2008 se cambió el nombre patrimonial de " Cuevas de Altamira " a " Arte Rupestre Paleolítico del Norte de España " tras la incorporación de otras 17 cuevas.

Las cuevas de Altamira, Peña de Candamo, Tito Bustillo, Covaciella, Llonín, El Pindal, Chufín, Hornos de la Peña, Las Monedas, La Pasiega, Las Chimeneas, El Castillo, El Pendo, La Garma, Covalanas, Santimamiñe, Ekain y Los Altxerri han sido documentados e investigados desde su descubrimiento, por lo que sus valores patrimoniales son ampliamente conocidos.

No existe la menor duda sobre la autenticidad del arte rupestre del norte de España y su atribución al Paleolítico Superior, y ningún experto las ha puesto en duda. La innovación tecnológica ha permitido mejorar métodos y técnicas de análisis, como los métodos de datación, que permiten determinar con mayor precisión las cronologías del arte, o la tecnología geomática, que ha mejorado significativamente la precisión en la documentación formal y espacial de las expresiones. arte rupestre y las cuevas en las que se encuentran.

Nunca se ha realizado una restauración de obras de arte paleolíticas parcialmente dañadas por escurrimiento de agua o cualquier otra causa, lo que significa que la autenticidad del arte es completa.

La autenticidad del arte rupestre del norte de España se expresa en particular por los cambios de formas consistentes y fácilmente identificables dentro de una entidad regional, el uso de materiales y sustancias provenientes directamente del entorno circundante, y las formas de vida paleolíticas, el uso característico de las cuevas kársticas en el región, dando como resultado un arte que se integra plenamente en la vida de las comunidades humanas del Paleolítico, y expresa las necesidades simbólicas y espirituales de las comunidades.

Marie Tippets, artista estadounidense - naturaleza muerta

2022-03-08T10:26:00.004-03:00

Las musas.

2022-02-14T12:28:00.001-03:00

Fotografía submarina por Christy Lee Rogers.
Christy Lee Rogers es una artista visual de Kailua, Hawái. Su obsesión por el agua como medio para romper las convenciones de la fotografía contemporánea ha hecho que su obra sea comparada con la de maestros de la pintura barroca como Caravaggio. Bulliciosa en color y complejidad, Rogers aplica su astuta técnica a un aluvión de cuerpos sumergidos en el agua durante la noche y crea sus efectos utilizando la refracción de la luz. A través de un frágil proceso de experimentación, construye elaboradas escenas de colores fusionados y cuerpos entrelazados que exaltan el carácter humano como uno de vigor y calidez, al mismo tiempo que captura la belleza y la vulnerabilidad de la experiencia trágica que es la condición humana.

vía

WALDMÜLLER FERDINAND GEORG

2022-02-14T08:55:00.008-03:00

(15 DE ENERO DE 1793-23 DE AGOSTO DE 1865) ES UN FAMOSO ARTISTA AUSTRIACO DE LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XIX.

El pintor italiano Andrea Pozzo autor del tratado sobre la teoría de la perspectiva.

2022-01-21T18:20:00.002-03:00

El pintor italiano Andrea Pozzo fue el autor de un tratado sobre la teoría de la perspectiva. Fue invitado a resolver problemas. En la iglesia de San Ignacio de Loyola en Roma, se abrió un agujero en el techo: los patrocinadores de la construcción, la familia aristocrática de Ludovisi, no contribuyeron con la cantidad necesaria y la cúpula no se construyó.

Pozzo tomó un lienzo de 17 metros de diámetro y creó la ilusión de una cúpula sobre él. Esta obra de Pozzo se considera una de las obras maestras de la pintura en perspectiva, y el propio artista se llama "perspectiva de Miguel Ángel".

(Andrea Pozzo, llamado el padre Pozzo; Trento, 1642 - Viena, 1709) Pintor y arquitecto italiano. Fue uno de los más brillantes representantes del arte de las arquitecturas fingidas en el barroco. Pintó la bóveda de la iglesia de San Ignacio en Roma (1685-1694), de efectos ópticos particularmente sorprendentes. Desde 1702 trabajó en Viena decorando la iglesia de los Jesuitas, orden a la que pertenecía, y el palacio de Liechtenstein. Escribió el tratado Perspectiva de pintores y arquitectos (1693).

Detalle de un Autorretrato de Andrea Pozzo

Desde muy joven se apasionó por la pintura y por la arquitectura; tras unos años de práctica, bajo la influencia de los maestros lombardos y venecianos, logró gran habilidad en el dibujo y el colorido. A los veintitrés años manifestó deseos de entrar en la orden de los Jesuitas. Se hizo hermano de la Compañía en Milán en 1665. Pudo, con todo, continuar ejerciendo su afición pictórica en las iglesias de la Orden.

En 1679 se encontraba en Mondovi, adonde fue llamado para pintar los frescos de la iglesia de los jesuitas. Esta obra le dio a conocer como creador de extravagantes perspectivas y de ricas decoraciones que guardan relación con el gusto pomposo y recargado del siglo. Exuberante y cordial por temperamento, Andrea Pozzo ponía gran fantasía en sus obras.

La fama de éstas llegó a Roma, adonde le llamó, en 1681, el padre Oliva para que continuara pintando frescos en importantes templos. Permaneció en Roma durante muchos años y allí desarrolló un intenso trabajo, volviendo a aquella ciudad después de algunas estancias en otras ciudades italianas como Arezzo, Módena, Ascoli y Génova, donde dejó muestras de su especial habilidad en la perspectiva. Su más vasta obra ha quedado en la iglesia de San Ignacio de Roma, en cuya bóveda pintó la Apoteosis de San Ignacio, fresco en que exaltó la labor evangelizadora de San Ignacio de Loyola, San Francisco Javier, San Luis Gonzaga, San Francisco de Borja y otras figuras de la Compañía de Jesús.

La fama de su talento traspasó las fronteras y le fueron encargados proyectos para países extranjeros. A los sesenta años aceptó la invitación del emperador Leopoldo I de Austria para que fuera a Viena; allí decoró el Palacio Liechtenstein. Murió siete años después de su llegada a Austria, y fue honrado dignamente por aquella corte.

Techo de la iglesia de San Ignacio (Roma)

Andrea Pozzo había dedicado al emperador Leopoldo I de Austria su tratado de Perspectiva de pintores y arquitectos, publicado en parte en 1693 y en parte en 1698. El tratado consta de más de doscientas láminas finamente grabadas, con texto explicativo al lado, y que enseñan prácticamente a dibujar con perspectiva, desde varios puntos de vista, elementos arquitectónicos y edificios, desde los más simples y esquemáticos a los más difíciles y complejos.

La primera parte de la obra explica los fundamentos de la perspectiva, y muestra el sistema de representar según sus reglas los elementos de los distintos órdenes clásicos, las partes de las construcciones, los aparatos arquitectónicos para las solemnidades religiosas, teatros, cúpulas y sofitos. La segunda parte aplica un método más expeditivo, usado por el autor para la representación en perspectiva de arcos, teatros, cúpulas, altares, escalinatas, iglesias circulares y longitudinales, colegios, fortificaciones y demás.

El libro, que termina con una breve instrucción sobre la técnica del fresco, es, en su estructura de "Gradus ad Parnassum", para el especial uso de los decoradores de frescos, un característico documento de la fantasía arquitectónica barrocamente caprichosa de Pozzo (que había de encontrar más tarde la severa condena de los críticos neoclásicos) y sobre todo de su excepcional virtuosismo de la perspectiva. Fruto de la edad madura del autor, que en las aéreas pinturas de la iglesia de San Ignacio de Roma llegó a uno de los puntos más altos de la pintura decorativa e ilusionista del siglo XVII, esta obra fue de gran utilidad a los pintores de perspectiva y "cuadraturistas" del siglo XVIII, y tuvo rápida fama en Europa, según demuestran sus numerosas ediciones, incluso en alemán e inglés.

Y algunas obras más de Pozzo

Increíbles esculturas de Philippe Faraut.

2021-12-16T10:37:00.001-03:00

Philippe Faraut - Es un artista figurativo que se especializa en retratos escultóricos de tamaño natural y de esculturas monumentales de piedra. Sus medios de elección son la arcilla y el mármol a base de agua. Prácticamente lleva 20 años creando esculturas espectaculares, en ellas captura las emociones de las personas como si estuvieran bajo algún tipo de hechizo. Sin duda, te darás cuenta cómo la arcilla puede cobrar vida.

Roberto Matta el último de los representantes del surrealismo.

2021-12-15T13:53:00.000-03:00

Roberto Sebastián Antonio Matta Echaurren, más conocido como Matta (Santiago de Chile, 11 de noviembre de 1911 – Civitavecchia, Italia, 23 de noviembre de 2002) fue un arquitecto, pintor, filósofo y poeta chileno. Nació en Santiago de Chile el día 11 de noviembre de 1911 (11.11.11), cifra que utilizaría con frecuencia en su carrera artística. Fue uno de los cuatro hijos de Roberto Matta Tagle y Mercedes Echaurren Herboso, personas de gran raigambre social y recursos económicos en el Chile de su época. Estudió en el Colegio de los Sagrados Corazones de Santiago; en ese entonces era vecino de Nemesio Antúnez. En esos años comenzó también a destacar con sus notas en dibujo y caligrafía. Al igual que sus hermanos, Mario y Sergio, quienes eran mueblista y diseñador de modas, recibió una profunda influencia estética de su abuelo materno, Víctor Echaurren, quien -en forma aficionada- era diseñador de tramoyas de obras de teatro y óperas. Su familia era de origen vasco-francés. A inicios de la década de 1930 participó en algunas manifestaciones contra el entonces Presidente, Carlos Ibáñez del Campo; igualmente realizó el servicio militar en el Regimiento Coraceros de Viña del Mar, reprimiendo las manifestaciones en las que antes había tomado parte, lo que le provocó un gran sentimiento anti-militar. El primer gol del pueblo chileno, obra de Matta en conjunto con la Brigada Ramona Parra. Cursó sus estudios universitarios en la Escuela de Arquitectura de la Universidad Católica de Chile, siendo su tesis de título un proyecto llamado La liga de las religiones. Este consistía en bocetos de edificios con forma de mujer en diversas posiciones. En paralelo asistió a unos talleres libres en la Escuela de Bellas Artes, siendo alumno del pintor Hernán Gazmuri, quien venía llegando de Francia. Trabajó además como ilustrador en la revista satírica Topaze. Luego de titularse de arquitecto viajó a Europa en un barco mercante. Mientras estaba en Portugal conoció a Gabriela Mistral, quien era cónsul en aquel país. La poetisa ayudó a Matta, quien vivió en su casa durante tres meses. Según el pintor, durante aquel tiempo se enamoró de Mistral, pidiéndole incluso su mano, pero la poetisa no aceptó. Durante su estadía en París trabajó en el taller del arquitecto Le Corbusier, a quien conoció gracias a Roberto Dávila. Según el historiador Hernán Marchant, la relación entre Matta y Le Corbusier estuvo caracterizada por "mucha admiración, pero con cierta rivalidad". En el viejo continente conoció además a los artistas Salvador Dalí, René Magritte y André Breton.

Es que a mí no hay que creerme nunca: a un surrealista no hay que creerle!

fuente:wikipedia

René Magritte, el trabajo del pintor surrealista y sentido del humor perdurara para siempre.

2021-12-15T13:52:00.000-03:00

René Magritte (n. 21 de noviembre de 1898, en Lessines, Bélgica - 15 de agosto de 1967, en Bruselas, Bélgica) fue un pintor surrealista belga. Conocido por sus ingeniosas y provocativas imágenes, pretendía con su trabajo cambiar la percepción precondicionada de la realidad y forzar al observador a hacerse hipersensitivo a su entorno. Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real. En cuadros como Esto no es una pipa (1928) muestra el equívoco que subyace en la formulación de la pintura como representación de la realidad, y evidencia el décalage entre el lenguaje y la cosa que designa poniendo en cuestión la equivalencia entre la palabra y la imagen, y entre ésta y el objeto. La breve emoción de este descubrimiento es lo que Magritte nos ofrece como maravilloso, porque para la construcción de lo fantástico no hacen falta grandes alardes imaginativos, basta con la violación de las leyes que rigen el orden común poético de las cosas, con cuestionar la solidez de los principios, siempre convencionales y estereotipados, sobre los que construimos nuestra existencia cotidiana.

Magritte parodió además en ocasiones cuadros célebres, creando de los mismos una especie de versión surrealista. Un conocido ejemplo es Madame Récamier de David (1949, colección privada), en el que copió el conocido retrato de Jacques Louis David substituyendo a la señora por un ataúd colocado en su misma pose. Otros cuadros famosos suyos son La llave de los campos (1936), Los compañeros del miedo(1942) y El hijo del hombre (1964).

Paisaje pintado por cafe Giulia Bernardelli

2021-12-09T16:37:00.001-03:00

Esta artista italiana es graduada en Bellas Artes por la prestigiosa academia de Bolonia, sin embargo, ha decidido cambiar los pinceles y la pintura por lo que la naturaleza puede ofrecerle café derramado...

Selección de pinturas de la artista Kelli Vance.

2021-11-25T10:50:00.003-03:00

Kelli Vance se graduó de la Universidad de Houston con su MFA en 2008. Su trabajo fue adquirido recientemente por Houston Airports en 2021. En 2017, Vance recibió una Beca de Artista Individual de Houston Arts Alliance y la Ciudad de Houston. Fue incluida en la Bienal de Texas de 2009 y en 2014 fue finalista del Hunting Art Prize. El trabajo de Vance se ha mostrado en Texas, así como en Los Ángeles, Chicago y Nuevo México.
Una selección de pinturas recientes de la artista Kelli Vance, residente en Houston, Texas. Al describir sus obras como “investigaciones de espacios psicológicos donde las ansiedades que rodean la identidad y los estados del ser se representan como momentos en una narrativa en desarrollo”, Vance utiliza estos conceptos como catalizadores para crear pinturas y dibujos que generan más preguntas que respuestas. Ella retrata sus figuras en momentos "intermedios", existiendo en un lugar donde "un sentido de sí mismo se pierde o se encuentra, se forma o se deconstruye".

“Están envueltos en un viaje donde esa pérdida y reconexión con el yo impulsa una relación extrañada de la figura con el entorno que habita”, dice Vance sobre las mujeres en sus pinturas. “Estos momentos precarios e inestables proponen un examen de nuestro propio conocimiento en torno al miedo, la liberación, el compromiso y la sumisión en cómo encontramos y contemplamos nuestro lugar en el mundo”.

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El increible hiperrealismo del artista sueco Johannes Wessmark.

2021-11-24T09:54:00.006-03:00

El artista sueco Johannes Wessmark Nacido en 1962 en Karlstad Suecia.
De formación autodidacta, trabajó más de 15 años como ilustrador, dedicado a una obra de innegable calidad técnica, centrada en la representación fotorrealista. Ha presentado sus creaciones en un gran número de muestras individuales y colectivas en Noruega, Dinamarca y Estados Unidos. Ha publicado un libro (primera edición en sueco) "Johannes Wessmark - photorealist", con reproducciones de 90 de sus obras e imágenes de su proceso creativo.
Sus pinturas tratan una amplia variedad de temas que van desde la mujer, la naturaleza, paisajes, coches y bodegones finamente ejecutados, utilizando acrílicos, témpera, acuarela y lápiz de color. «No tengo un tema favorito, pero las mujeres y la naturaleza son siempre divertidas e inspiradoras.
Los lápices de color siempre han sido mi herramienta preferida, aunque he pintado muchas acuarelas y también con aerógrafo a través de los años. Mi primera pintura con modelo "Emmy descansando" es un buen ejemplo de la mezcla entre témpera al aerógrafo y lápices de color.»
Dibujar y pintar en un estilo fotorrealista demanda una gran cantidad de paciencia... y Johannes la tiene. «No me aburre en absoluto. Trabajaré sobre una pintura hasta que considere que estoy satisfecho, incluso si me consume varias semanas.»
Acerca de sus artistas favoritos, Johannes comenta que «Ralph Goings fue mi primera y mayor inspiración.»

Artista Mihail Chemiakin Pintor, escenógrafo y escultor.

2021-11-23T18:04:00.006-03:00

Artista ruso Mihail Chemiakin Pintor, escenógrafo, escultor y editor ruso y controvertido representante de la tradición artística inconformista de San Petersburgo, nació el 4 de mayo de 1943 en Moscú La mayor parte de su infancia transcurrió en Alemania Oriental ocupado. En 1957, la familia regresó a Leningrado donde el artista estudió en la escuela de arte afiliada al Instituto de Pintura, Escultura y Arquitectura Il'ya Repin en Leningrado, pero fue expulsado en 1961 por no ajustarse a las normas del realismo socialista. En 1967 fundó el grupo de artistas llamado San Petersburgo y junto con el filósofo Vladimir Ivanov creó un tratado llamado Síntesis metafísica dedicado a «nuevas formas de pintura de iconos basadas en el estudio de arte religioso de todas las edades y naciones ". Fue sometido a tratamiento psiquiátrico forzoso y en 1971 fue exiliado de la Unión Soviética.

La inspiración del pintor italiano Costantino Di Renzo.

2021-11-23T18:02:00.001-03:00

Nacido en Chieti, el pintor italiano Costantino Di Renzo se inspiró principalmente en la década de 1960.
El arte se convirtió en un vehículo para ideologías y otras agendas, con el pop y el minimalismo apareciendo simultáneamente como los movimientos artísticos más definitorios de la década.
El arte pop en la ciudad de Nueva York adoptó la cultura de los medios de comunicación y el consumismo masivo, con artistas como Andy Warhol , Roy Lichtenstein y Tom Wesselmann estimulados por la televisión, las tiras cómicas, las vallas publicitarias y otros productos del auge del capitalismo para sus obras de arte.
El pintor italiano Costantino Di Renzo nació en Chieti. Comenzó su carrera en 1965 asistiendo a la Academia de Bellas Artes de Roma.
Ya desde los primeros años de su profesión como pintor, elabora una cuidadosa investigación sobre el arte del pasado; en particular sobre la pintura del holandés Vermeer, elaborando las imágenes en un análisis conceptual.
En 1974 se incorporó al movimiento hiperrealista, exponiendo sus obras en la galería Margutta de Pescara ( 1976 ), la galería Il Modulo de Salerno ( 1977 ) y la galería Borghi de Nueva York ( 1979 ).
En 1975 y 1979 participó en el XXIX y XXXIII " Premio FP Michetti ".
Desde 1980 se dedica a la escultura, exponiendo sus obras en 1982 en la galería Cesare Manzo de Pescara y la galería Centro Sei de Bari.
En 1982, participó en la Feria Internacional de Bari entre los artistas invitados al " espacio juvenil "; en la Feria Internacional de Bolonia y en 1983 en la Feria Internacional de Basilea.
En el período 1980-1984, el artista también se dedica a la escenografía teatral, colaborando con la compañía de teatro Cooperativa Alta en la puesta en escena escenográfica de " El sueño de una noche de verano " de Shakespeare ; en " Lazzarina tra i coltelli " de Rosso di San Secondo y " La Moscheta " de Ruzante, con el edificio en Reggio Calabria en " Socrate alla guerra " de Mario Moretti.
En 1984 volvió a la pintura y tras una larga estancia en Australia, donde realizó una serie de obras sobre las cuatro estaciones, que expuso en la galería Maori de Sidney, volvió a Italia y empezó a pintar siete grandes lienzos dedicados a la moon, que expuso en la Galería Fraticelli. de Roma en 1989.
En el mismo año, participa en la Feria Internacional de Roma.
En 1992, se inauguró una importante exposición en Osaka, Japón en la galería Sakamoto.
Desde 1993 se ha dedicado a un estudio en profundidad del Ulises homérico, realizando una serie de obras, en una especie de simbiosis entre pintura y literatura.
La apuesta del artista por la realización de grandes obras y ciclos pictóricos para colecciones públicas y privadas se remonta a este período. Las obras de esta década se exhiben en 2002, en una muestra individual en la " Rolnick House " de Miami.
En 2003 su pintura, aunque todavía ligada al tema del antiguo mito mediterráneo, se fragmenta en geometrías irregulares, enriquecidas con elementos plásticos que continúan la historia, más allá de la superficie de la propia pintura.
En 2005, animado por el espíritu de probar otras disciplinas, escribió cuatro cuentos: " Io Cromos", "Abisso", "Eden", "Le porte" y en 2008 elaboró cinco videos: " Il canto di Penélope "," Odisseo, " último acto ", " Telémaco sueña con el regreso de su padre ", " Inferi (Orfeo y Eurídice) " y " El testamento de Arianna ".

Retratos coloridos. Lui ferreyra

2021-11-23T17:58:00.002-03:00

El artista estadounidense Lui Ferreyra pinta retratos coloridos que utilizan formas individuales de color como luces y sombras. Estos fragmentos geométricos se mezclan con el ojo del espectador, no con la mano del artista, creando los campos de color con los que Ferreira pretende llamar la atención sobre la conexión entre visión y lenguaje.

“Estoy usando un movimiento doble aquí”, explica Ferreira su trabajo. “El primer paso se basa en una matriz geométrica que funciona como una superficie: captura y enfatiza el aspecto de planitud en una compleja red de formas geométricas, cada una de las cuales es única por derecho propio. El segundo paso se logra mediante el efecto acumulativo de todas las formas, funcionando juntas como un campo de color, en el que cada forma contextualiza cualquier otra forma, proporcionando así todas las señales visuales necesarias para manifestar una especie de ventana a través de la cual mirar. La superficie es como una ventana a través de la cual puedes mirar tanto al mundo como a ti mismo ".