Matelassê

Vídeo do Scouting - Oficina de Coolhunting EEPA 2014

2014-09-09T16:40:00.000-03:00

Semana passada estive na PUC/SP no evento EEPA 2014 ministrando a oficina de Coolhunting para os alunos do curso de Administração. Após a explanação dos conceitos, todos foram convidados a participar de um exercício prático de Scouting (busca de imagens peculiares de uma localidade). Munidos de seus smartphones, os alunos saíram pelos corredores e arredores da Universidade buscando objetos, cenas, pessoas e atitudes que caracterizassem o momento vivenciado no evento. O resultado foi a criação de mais de 80 imagens, das quais selecionei uma amostra que pode ser conferida no vídeo: https://www.youtube.com/watch?v=C_Qr-OD6gQI

Da Kodak Culture à onda dos Selfies

2013-09-18T20:58:00.002-03:00

Nimrod Kamer emtela do vídeo da série Thinkfluencer

A popularização da fotografia como um ato cotidiano e amador surgiu no início do século XX, quando a (quase) extinta Kodak inaugurou a fase mercadológica de massificação das câmeras, seguida de diversas estratégias publicitárias e manuais de uso que incentivavam as famílias a captarem as imagens do dia a dia, transformando o ato de fotografar em uma brincadeira divertida.

Atento às características próprias de comunicação da empresa, e a popularização das fotos amadoras, Richard Chalfen escreve em 1987 um dos primeiros tratados antropológicos sobre o ato amador da fotografia: Snapshot version of life, no qual cunha o termo "Kodak Culture", apresentando as práticas de fotografar aniversários, festas, reuniões familiares e outras histórias que passam no ambiente doméstico e na vida cotidiana.

O salto da fotografia amadora é enorme se compararmos a realidade dos anos 1980 retratada por Chalfen e a época atual, de Instagram, Pinterest e Facebook, e antes mesmo de toda a febre das redes sociais, em 1995 Don Slater indica que um dos grandes trunfos da tecnologia digital é a acessibilidade à fotografia amadora e, acima disso, é a forma de captura de imagens que possibilita a intensificação dos autorretratos. (texto Domestic Photography and Digital Culture).

Da intensificação dos autorretratos por meio das tecnologias digitais chegamos aos SELFIES: autorretratos tirados com a mão estendida que representam a máxima do narcisismo do século XXI, como mostra a recente matéria da revista Time: Why Selfies Matter. E não pensem que a palavra Selfie é neologismo, o termo já pode ser visto em dicionários, dicas de moda e beleza, promoções de lojas e até mesmo numa divertida lista A-Z dos Selfies, desenvolvida pela Dazed Digital que vale (e muito) a leitura atenta, passeando pelos links.

O The Guardian escolheu o tema dos Selfies para o vídeo piloto da Série Thinkfluencer que mostra o web guru Nimrod Kamer (@nnimrodd) intrometendo-se nos autorretratos de diversas pessoas. O vídeo tem um pouco mais de 5 minutos recheados pelo estilo satírico/sarcástico do humor inglês.

Entre meios e fins

2013-09-17T11:06:00.001-03:00

Apesar das complexidades que o mundo nos traz a cada dia, penso que alguns segredos permanecem nas coisas mais simples da vida, como aprender a práxis dos transportes públicos de uma cidade. Definitivamente, não é fácil descobrirmos intuitivamente essas questões. Toda vez que estamos no papel de turistas ou visitantes, a primeira barreira enfrentada é a compreensão do funcionamento do transporte, especialmente os ônibus: dá-se sinal? Tem cobrador? Passe eletrônico? Sistema integrado? Os pontos servem todas as linhas? Em qual porta deve-se entrar? Lembro que até o fim dos anos 1980 em São Paulo entrávamos pela porta de trás do ônibus e saíamos pela frente. Na época do Jânio e seus vermelhinhos da CMTC (Companhia Municipal de Transportes Coletivos), o sistema inverteu e tivemos que nos acostumar a entrar pela frente. Sorte que, pelo menos neste quesito, ficamos como muitas outras cidades ao redor do mundo.

Desta vez, a cidade que visitava era Boston: mais um sistema de transporte público para aprender e, no plano, a intenção de conhecer o MIT. Assim que entrei no ônibus 1 em direção à Harvard Station, já fiquei ansiosa por entender como solicitar a parada no ponto que o mapa indicava: MIT Museum. Ao passar a ponte da Massachussets Avenue, que liga Boston à Cambridge, percebi que não demoraria muito para que o ponto chegasse. Sem ver nenhum botão para pedir a parada, resolvi que acompanharia quem descesse no próximo ponto, sem hesitar; afinal, teria melhores condições com um mapa em mãos e os pés em dia para uma longa caminhada do que se ficasse sentada no ônibus, esperando entender seu funcionamento. Em vez de seguir a destreza do mapa, caminhando diretamente para o museu, preferi a ousadia de me misturar a um grupo de estudantes que entrava no prédio principal do instituto. Acabei mudando completamente o trajeto, percorrendo diversos corredores, institutos e becos que não imaginaria encontrar no pré-conceito que mantinha do que seria uma universidade — nos moldes brasileiros. Ao fim, foram tantas experiências interessantes pelos arredores que a visita ao museu perdeu grande parte do viço. Um pouco da vida que circula nos arredores do MIT encontra-se nas imagens que seguem, enviesadas entre meios e fins.

Um caminhão de ideias

2013-09-15T15:22:00.000-03:00

Ao atravessar a rua em direção ao MIT Museum, localizado na cidade de Cambridge-Massachusetts, vi estacionado um pequeno caminhão que imaginei ser algum serviço de entrega de E-commerce. Olhando a movimentação de duas crianças ao redor, me aproximei para conferir o que acontecia por lá.

Descobri que se tratava do Sparktruck, um projeto criado por um grupo de estudantes de design da Universidade de Stanford (EUA) que nas férias de verão viaja de costa a costa dos Estados Unidos ensinando crianças a criar por meio de Legos, máquinas de corte a laser, impressoras 3D, ferramentas manuais e sistemas eletrônicos simples.

Um dos pontos interessantes do projeto é o fato de ter sido fundado por alunos e continuar sendo mantido exclusivamente por eles. Perguntei algumas vezes para um dos participantes: mas e quem é o professor responsável? Ele me respondeu com toda propriedade: aqui é apenas "Students stuff, no teachers". E que força de vontade e determinação em ensinar as crianças têm esses estudantes... a primeira viagem realizada pelo grupo foi em 2012, visitando mais de 70 cidades. Em 2013 a viagem começou em 1. de julho e no dia 20 de agosto, quando os encontrei, estavam em um dos últimos pontos de parada na costa leste, prontos para retornar à Stanford - Califórnia. Eis os pontos que o Sparktruck passou este ano:

Pelo percurso são coletadas ideias e sugestões das crianças que visitam o caminhão, devidamente escritas nos Post-its e coladas no teto. Desta forma, as crianças se familiarizam com o processo de criação desde a concepção de uma ideia (no formato de brainstorming) até a execução, via corte a laser, Lego, etc.

Para conhecer mais sobre o projeto: http://sparktruck.org/

Baudelaire & Benjamin - Os precursores dos Blogs de Streetstyle

2010-01-27T10:02:00.001-02:00

Todo mundo acha o má-xi-mooooo essa história dos blogs de streetstyle e de gente normal na rua vestindo roupas inusitadas, como se o movimento do bubble up da Moda fosse uma novidade extraordinária do século XXI, porém essa história de inspiração nas ruas já vem de looooonga data.

Baudelaire, ainda no século XIX já se maravilhava com o fervor da Moda na vida citadina Européia, bem como Walter Benjamin, que dedicou diversas frases e textos para falar de Paris: a capital do século XIX. A paixão dos dois era ver o que rolava nas ruas, nas passagens, nas lojas de departamentos, nos boulevards, no ir e vir de tanta gente desconhecida, na verve boêmia e nos costumes dos cidadãos. Na observação do cotidiano tão efervescente, ambos prestavam a maior atenção no jeito de vestir dos seus contemporâneos, tratando de descrever em seus textos tu-di-nho que viam.

Quer saber? Acho que se Baudelaire e Benjamin vivessem nos dias de hoje, eles seriam os blogueiros de streetstyle mais badalados do mundo, batendo até mesmo Scott Schuman do The Sartorialist, bem como toda a miríade de blogs do segmento.

O assunto é velho... só tem uma roupagem nova com o mundo digital.

A moda feita pra escrever

2010-01-24T14:01:00.000-02:00

Roland Barthes tinha mais do que razão quando, nos idos dos 60´s, já dizia que o encanto da Moda era produzido muito mais pelas palavras do que pelas roupas em si. Ele, tão certo disso, entrou numa jornada sem fim em busca do sistema da Moda, onde provava por A+B que as palavrinhas mágicas das revistas e jornais eram as responsáveis pelo fascínio da Moda.

Quase ninguém entendeu seu método e suas explanacoes, mas não precisamos de muito suor intelectual para concordar que mais do que nunca (oooops, citação a la Faustao!) a Moda é mais geradora de palavras do que de tendências.

Vejam as semanas de Moda, para que servem prioritariamente? Serve para os jornalistas e para a mídia, que vai a polvorosa cobrir cada pedacinho do circo montado. Nada contra, peloamor! Só é uma constatação...

Ali é ver pra fotografar, escrever, falar, burburinhar e virar DISCURSO por 2 semanas no má-xi-mo. Depois resta só um espacinho de sobrevivência, quando as revistas especiais aparecem nas bancas e esticam o interesse por mais... 1 semana.
Depois resta o limbo do esquecimento.
Finito.
E corre pro próximo.

Interessante com isso é ver que a matéria (roupa) se transforma em texto, em imagem e em consumo do verbal e do visual. Enquanto pouquíssimos consomem as roupas, uma miríade fica à espreita do resto. De posse dos textos e das imagens, a massa se sacia de Moda.

É a satisfação pela via da informação.

Enquanto isso, continuamos aqui, a escrever, escrever e escrever.

A foto de Moda é a morte da morte?

2009-11-18T17:34:00.004-02:00

Tanto tenho lido e ouvido falar de como a fotografia é a presença irrevogável da morte: é a captura do instante que não mais existe, é o congelamento de algo que passou, enfim, é a morte em sua mais firme certeza de deixar as coisas resguardadas no tempo passado.

E aí me indago sobre a foto de Moda: se já estamos no âmbito da morte quando falamos de foto, então o que seria da captura da moda, essa coisa perecível, passageira e evanescente? Capturar qualquer imagem de moda seria sair de seu mais puro sentido de movimento e entrar no campo estático do registro histórico?

Quando passamos da atividade dinâmica da moda para o congelamento da fotografia, estamos entrando num campo que não necessariamente está ligado ao efêmero próprio da moda? Creio que sim, mas isso abre possibilidade para outras tantas palavras. Dê uma pensada no assunto e pode comentar a vontade!

Work & Smile

2009-07-16T10:05:00.004-03:00

Finalizando minha passada pela Carnaby Street, dou de cara com a Beak Street e com essa janela de escritório.

Ótima palavra escolhida para pendurar no vidro, não é?

Se bem que trabalhar sorrindo não é tão fácil assim, mas quando se trabalha com moda ou design, a alegria e o prazer com o que se faz vem mais fácil. Certamente!

Liberty - uma história de Moda & Art Nouveau

2009-07-15T04:44:00.007-03:00

No caminho entre Oxford Circus e Carnaby Street está a Regent Street - o endereço da Liberty, uma das lojas de departamentos mais tradicionais do mundo, e que tem MUITA história pra contar.

Fundada em 1875 por Arthur Lazenby Liberty, a loja que leva seu sobrenome foi criada como uma forma de empório de produtos importados da Índia, e sua especialidade eram tecidos lindíssimos e exclusivos. Aliás, não é nada estranho o nome Liberty quando pensamos em tecidos. Quando vemos aqueles tecidos finos cheios de florzinhas delicadas e minúsculas, logo chamamos de Liberty, não é mesmo?

Mas Liberty vai muito além disso. A história do estilo da Liberty é tão rica que, em alguns países, como é o caso da Itália, ele é o sinônimo da Art Nouveau como um todo, tamanha a importância da loja, dos seus tecidos e das estampas exclusivas da casa. Aliás, caminhar pela loja é mesmo uma experiência de Art Nouveau, com todos aqueles motivos rebuscados e fantásticos. E olha que já se passaram muitos anos e estilos por aí.

Se quisesse escrever nesse post tudo sobre a Liberty e sua influência na Moda e no design em geral, deixaria todo mundo que acompanha o Blog cansadér-rrrrimo, então, para os interessados, sugiro uma lista de sites legais:

http://www.liberty.co.uk/
http://www.fashionencyclopedia.com/Le-Ma/Liberty-of-London.html
http://www.victorianweb.org/art/design/liberty/mariotti10.html
http://en.wikipedia.org/wiki/Liberty_&_Co.

...E para quem for mais audacioso, o desafio é encontrar, em algum lugar desse mundão, o livro escrito pelo celebrado historiador de moda James Laver: "The Liberty Story". Como a edição é de 1959, já virou raridade.

E se alguém encontrar me avise, please!

The Spirit of Soho mural

2009-07-11T05:57:00.005-03:00

Essa obra na fachada de um dos edifícios de Carnaby Street, ilustra o espírito do Soho Londrino em seu mais alto estilo.

O Soho na verdade é um bairro que fica bem no centro da região de West End, área que inspirou o Pet Shop Boys na música West End Girls.

O mural foi criado em 1991 e mostra um pouco da história do bairro mais boêmio e badalado de West End. Lá no alto da pintura tem uma mulher de braços abertos, acharam? Pois é, essa é a Saint Anne (Santana), que recebe calorosamente todos os outros ilustres que estão ali representados. Percebam que ela está com uma saia super ampla e bem no "tecido" da saia está o mapa do Soho, e outras representações dos artesãos que foram tão importantes nos séculos passados.

Pra uma rua de moda, nada melhor que estampar a história numa saia, não é?

London College of Fashion

2009-07-11T05:44:00.003-03:00

Um bom lugar para se começar a fazer moda é na escola, e um dos melhores lugares para se mostrar o resultado é na rua. Ponto então para o London College of Fashion, que instalou uma galeria temporária para mostrar os trabalhos de seus alunos bem no miolo da Carnaby Street.

Nessa quinzena estão expostos os trabalhos dos alunos de FdA Fashion Styling & Photography, e também de Specialist Make Up Design.

Muito bom.

Pleasantville: as cores da realidade

2009-06-07T08:23:00.006-03:00

Prometo não me delongar no post, mesmo porque acho que o tema é mais adequado para uma meditação pessoal do que para fazer longas frases.

Ontem assisti novamente o filme Pleasantville (A vida em preto e branco). E que filme para se assistir várias vezes e descobrir novas coisas! Na Alemanha, eles caracterizam o gênero do filme como "Sátira sobre a Mídia" e acho que cai muito bem essa descrição, e mais: é também uma sátira a todos sistemas moralizantes que temos por aí.

A inserção das cores em cada ato que destrói os tabus é maravilhoso. E como diz Bud (o personagem de Tobey Maguire) as pessoas mudam, ou deveriam mudar, não?

ABBA: Cetins & Acrilex de Owe Sandsröm

2009-06-06T12:46:00.005-03:00

Depois de 3 anos vivendo na Europa, acabei tendo uma overdose de ABBA, não teve jeito. Incrível como o grupo marcou história por aqui e vira e mexe aparecem especiais na TV, novos CDs comemorativos e, é claro, vemos Mamma Mia - O musical por todos os lados.

No mês passado o revival de ABBA aumentou com o acontecimento do Eurovision 2009 - o principal festival de música européia. O motivo? Há exatos 35 anos atrás, o ABBA foi o campeão desta competição, batendo cantores como Olívia Newton John, e depois daí viraram a maior lenda pop.

Como aqui o assunto é Moda, vou me ater ao figurino, que é totalmente particular e, pelo que dizem as más e as boas línguas, foi um dos grandes responsáveis pelo sucesso da banda.

O criador das roupas era o designer Owe Sandsröm, que hoje em dia trabalha num colégio de ensino médio de Estocolmo, cuidando de um Zoológico que conta com as mais diversas espécies de animais.... Hum, Zoológico? Pois é, e olha que eu também nunca havia ouvido falar sobre um estilista/zoólogo, porém nunca é tarde para conhecermos pessoas exóticas.

Ao assistirmos os vídeos, as apresentações ao vivo e ao vermos as fotos do ABBA, notamos looks basicamente feitos em cetim e adornados com pinturas à mão, geralmente de animais e flores pouco comuns. Por exemplo, no vídeo da música "Thank you for the Music" de 1978 os quatro aparecem com camisas em cetim e cada uma é pintada à mão com um animal específico:

Anni-Frid com uma raposa, que representa seu estilo independente e audacioso;
Björn com uma cegonha, pelo fato de na época ter sido pai do 2. filho com Agnetha;
Agnetha com uma coelha, primeiro pela fertilidade e também por simbolizar sua sensibilidade;
e Benny com uma águia, pelo seu temperamento perspicaz.

A---ha! Se acertei em cada uma das descrições acima, já deu pra entender o motivo pelo qual Owe Sandsröm resolveu trabalhar atualmente com animais... deve ser uma paixão desde a época de ABBA.

E graças à essa paixão, o mundo das tintas Acrilex ganhou muito, afinal virou moda pintar animais e flores nas mais inimagináveis partes de uma roupa. E de carona o cetim brilhou por todos os cantos do mundo. Sabe como são esses caprichos copiosos da Moda, né? Enfim, a mulherada aderiu geral.

Depois de ver tantas vezes os cetins e os badulaques de ABBA, fui tentar descobrir mais sobre Owe e suas criações. O que encontrei foram alguns desencontros de informações, ou pelo menos, um gap entre uma descrição e outra, especialmente no polêmico figurino que ilustra este Post: O tal vestido do gato, que chocou a maioria dos puritanos dos anos 70, com a exibição de tantas pernas na TV. Podem ver como são curtinhos os danadinhos.

Em cada um dos 2 especiais que assisti, o próprio Owe conta versões diferentes sobre a origem da roupa. Querem ver?

No especial exibido em 2008 pela Arte, um canal franco-alemão, o estilista diz que a idéia da roupa surgiu de uma viagem de Anni-Frid à China, onde ela havia visto um vestido de noite com um dragão bordado e toda esfuziante pediu a Owe que fizesse algo parecido para as apresentações do grupo, mas poderia ser um tigre, afinal ela se sentia muitas vezes uma tigresa. Na hora que os dois conversavam, Owe tinha seu gato de estimação ao lado e usou o bichano para servir de modelo para o desenho e o tigre virou um gato.

Já no especial exibido em junho/2009 pela canal alemão MDR , o estilista conta uma outra versão bem diferente, que narra que quem fez o pedido foi o Manager Stig Anderson, para uma apresentação do grupo numa TV dos países baixos, em um programa chamado "Made in Sweden" de 1975. Stig pediu a Owe que fizesse um figurino extremamente moderno, bem fashion e algo que não se vê na rua, que impreterivelmente tivesse as cores azul e amarelo: ambas cores-símbolo da Suécia. E aí Owe criou seus gatos pintados à mão e bordados com pedras e nas cores exatas.

Agora, com qual versão ficamos?

Bem, como os gatos tem 7 vidas, podemos ficar com as 2 versões, falta só encontrarmos as outras 5 , que devem estar perdidas pela Suécia.

Edward Steichen: o pioneiro da fotografia de Moda

2009-04-29T12:06:00.010-03:00

(Gloria Swanson fotografada por Edward Steichen)

Esses dias estive pesquisando as origens da fotografia de moda, e não demorou muito para sentir aquela sensação horrível de isolamento do mundo, ao não encontrar materiais em português.

Por que temos que continuar tão distantes do conhecimento, sendo nós falantes de uma língua compartilhada por 240 milhões de pessoas? Falamos a quinta língua mais falada no mundo, merecemos conteúdo de moda à altura.

Não conseguirei mudar essa situação sozinha, mas vou fazer o possível para proporcionar um pouco mais de conhecimento sobre moda e comunicação, nem que seja nos espaços não-materiais da web e que, por não estarem postulados oficialmente no papel, carregam consigo uma certa leveza evanescente, a qual ainda não conseguimos lidar completamente.
Enfim, se esta é a mídia disponível, assim será.

A estação deste Post é Edward Steichen, o fotógrafo que praticamente criou a fotografia de Moda como a conhecemos hoje, e que está em cartaz em Nova Iorque na exposição High Fashion, The Condé Nast Years, 1923-1937. Esta exposição passou também por Wolfsburg na Alemanha, aqui do meu ladinho, antes de parar nos States.

Steichen nasceu em Luxemburgo em 1879, mudando-se já em 1881 para a América, onde viveu até 1973, com uma carreira impecável como fotógrafo, reconhecida tanto na área das Belas Artes quanto nas artes aplicadas (fotos com intuitos comerciais).

Sua vida longa deve-se também a seu preparamento físico invejável. Uma de suas aventuras esportivas foi cruzar a europa a bordo de uma bicicleta... mas isso é assunto acessório, perto de tudo que o artista representa para a moda. Isso sim nos interessa.

No começo da carreira, aproximadamente em 1899 (com somente 20 anos) Steichen fazia fotos mais pictorialistas, semelhantes às pinturas da época. Essas fotos eram experimentais e artísticas, com imagens desfocadas, suaves e até mesmo misteriosas. Depois da primeira guerra mundial, ele trabalhou para a Força Expedicionária Americana, tirando fotos aéreas para a inteligência militar, e a partir daí seu estilo fotográfico mudou radicalmente, com imagens monumentais e mais contrastantes. Não demorou muito para que este estilo próprio começasse a fazer furor no mundo da moda e das celebridades.

Antes de falar da carreira brilhante de Steichen na fotografia de moda, é importante citar seu antecessor, e talvez o "primeiro-primeiríssimo" fotógrafo de Moda: o excelentíssimo Barão francês Adolphe de Meyer, um senhor talentoso e esperto, que casou com uma dama da família real inglesa e que, por isso mesmo, ganhou o título de Barão, dado pelo Rei Friedrich III da Saxônia. Muito bem relacionado e boêmio por natureza, de Meyer logo virou sensação ao chegar nos Estados Unidos após a primeira guerra mundial, quando começou a fotografar socialites e celebridades, ganhando logo a confiança da Condé Nast, não só para as fotos das celebridades, como também para encabeçar a transição das ilustrações para a fotografia de moda da revista Vogue. Em 1922 Adolphe recebeu uma oferta irrecusável da concorrente Harper's Bazaar, para ser o fotógrafo de Moda na sua terra natal Paris e deixou a Condé Nast.

Sorte de Steichen e ponto positivo para a fotografia de Moda.

Em 1923, Steichen mudou-se para Nova Iorque, a convite de Frank Crowninshield, o editor chefe da Vanity Fair e da Vogue, para encabeçar a respeitadíssima colocação de fotógrafo-chefe de ambas revistas.

Como narra o catálogo oficial da exposição High Fashion, Steichen fez da Vogue uma espécie de Louvre, com imagens marcantes e inesquecíveis, enquanto que para a Vanity Fair ele conseguia extrair poses e ângulos memoráveis de celebridades como Charles Chaplin, Marlne Dietrich, Greta Garbo, Glória Swanson e Gregory Peck. Suas técnicas de iluminação dramática, aliadas à estética da art deco, característica dos anos 20 e 30, deixaram um legado maravilhoso para o mundo da moda, que é revisitado até hoje. Na verdade, o trabalho de Steichen acabou por construir a imagem da moda no estilo midiático americano, do qual continuamos a adotar.

A contribuição de Steichen para a criação do glamour do jornalismo de moda durou até 1938. Durante a segunda guerra mundial, ele retornou ao serviço militar e uniu-se às tropas americanas, nunca mais voltando ao mundo da moda, até sua morte em 1973. Uma pena.

Para a curadoria da exposição High Fashion, os sucessores de Steichen, que carregam a influência de suas linhas, são Richard Avedon, Robert Mapplethorpe, e Bruce Weber.

Procurei um site legal que mostrasse algumas fotos de moda de Steichen, mas não encontrei, porém, quem quiser conhecer seu trabalho para a Vogue, basta digitar na parte de imagens do Google as palavras STEICHEN e VOGUE.

Quimonos Meisen - O vestido de Chita Japonês

2008-11-21T12:57:00.012-02:00

Essa foto foi tirada por uma amiga em Osaka (japão), onde ela apresentava um paper no 6th International Conference on Design History and Design Studies. Os quimonos Meisen da imagem estavam expostos na inauguração da Naniwabashi Station, uma estação de trem da empresa Keihan Electric Railway Co e fazem parte da coleção pessoal da musicista Mutsumi Tsuzaki, que tem em seu acervo mais de 100 quimonos diferentíssimos e com um visual ímpar.

Ver tantas estampas interessantes em quimonos me despertou uma curiosidade IMENSA, afinal "euzinha" - uma simples ocidental petrificada pelos ecos Gregos e Romanos - não fazia a menor idéia da riqueza estética dos quimonos, que para mim eram somente Furisodes (aqueles bem tradicionais) usados pelas Gueixas.

Convencida de que precisava conhecer mais sobre o assunto, fucei o máximo que pude e eis aqui um pedacinho do que consegui encontrar:

Primeiro a etimologia de Quimono - a palavra significa literalmente "algo que uma pessoa veste" e nesse sentido, pode ser usada para qualquer vestuário. Ou seja, poderíamos dizer que todo mundo usa quimono diariamente, certo?

Existem diversas formas e tipos de quimonos: Furisode, Kurotomesode, Homongi, Komon... e lá nos idos do século XIX surgiram os Meisen, é deles que vou tratar.

Nos idos de 1880 - em plena era do Imperador Meiji - fazendeiros produtores de Seda das cidades de Kiryu e Isezaki começaram a utilizar as fibras de segunda mão para criarem seu próprio guarda roupa. Como acabavam de criar um novo tecido precisavam batizá-lo, dando o nome Meisen em homenagem à Era Meiji (pelo menos é o que conta uma das fontes consultadas). Na época esse novo tecido resultante das sobras da produção era utilizado apenas para fins pessoais.

O tempo passou e entrou a Era Taisho e com ela a Primeira Guerra Mundial e o grande terremoto "Kanto" de 1923: dois eventos que acabaram por aumentar a demanda pela seda, obrigando a indústria de sericultura a popularizar opções mais baratas e com matérias de segunda linha. A melhor solução para a confecção dos Quimonos era o tecido Meisen, barato, durável e que abria possibilidades para uma imensidão de estampas multicores. A moda dos Meisen continuou em alta até a metade da Era Showa, do imperador Hirohito ou seja, até os anos 50/60.

Digamos que um quimono Meisen no Japão seria como um vestido de Chita no Brasil: usado casualmente pela maioria das mulheres de classe média no dia a dia, para os afazeres domésticos ou para o lazer.

O grande trunfo era as estampas, que não seguiam a rígida tradição japonesa e era a forma de colocar numa roupa puramente oriental os sinais de diversas culturas do ocidente, como no caso dos quimonos da coleção de Tsuzaki, que vemos na foto. Ali vale desde pinguim até aparelhos de TV. Haja criatividade.

E quem quiser ler mais é só navegar pelos links abaixo:

http://www.ichiroya.com/glossary.htm http://www.asahi.com/english/lifestyle/TKY200312060125.html http://www.cscd.osaka-u.ac.jp/user/icdhs2008osaka/
http://pt.wikipedia.org/wiki/Quimono
http://en.wikipedia.org/wiki/Showa_period
http://www.kazari.com.au/Text/1189763526812-8743/

SoFo e os moderninhos de Estocolmo

2008-11-19T09:29:00.007-02:00

Se Nova Iorque tem seu SoHo, Estocolmo tem seu SoFo: um bairro moderninho que fica ao sul de Folkungagatan e ao leste de Götgatan em Södermalm: Assim sendo, Södermalm+Folkungagatan = SoFo.

Nessa parte agitada da cidade, pode-se encontrar o que é de mais cool no quesito Fashion/Design, principalmente para o público jovem e para a turma antenada, que curte artes e toda movimentação urbana. No Norte da Europa, não existe lugar melhor para ver o que é tendência.

O mais legal é que quando entramos nas lojas de Moda do SoFo nos sentimos com uma leve confusão mental, afinal não sabemos ao certo se estamos num brechó ou uma galeria de arte ou uma loja de moda tradicional. Na verdade é tudo isso num só lugar, aliás essa sensação é bem comum na Suécia. Para comprovar, basta conhecer um pouco do design escandinavo atual e perceber que seus designers são amantes de um certo toque retrô nas linhas e estampas utilizadas, o que eu particularmente acho espetacular (exemplos são Robert&Blad e Carin Rodebj).

Passei por lá semana passada, mas foi tão rápido que ficou aquele gostinho de "quero mais"!

Savile Row - o reduto do Bespoke

2008-10-06T09:03:00.008-03:00

Se para muitos fãs dos Beatles, ouvir o nome Savile Row significa lembrar da última apresentação da banda, no alto do prédio de número 3, em 30 de janeiro de 1969, para os aficcionados por moda, o nome significa o símbolo máximo da elegância masculina.

Savile Row é a rua do centro de Londres onde estão os alfaiates mais famosos do mundo, que fazem ternos sob medida para uma clientela super seleta. O rol dos vestidos a la Savile Row vai do imperador Napoleão III no século XIX, até os tantos James Bond que o cinema já viu, inclusive o atual Daniel Craig (que na minha opinião não é dos melhores... mas deixa pra lá).

As roupas confeccionadas em Savile Row são feitas sob o método Bespoke, onde a roupa é feita a partir do que o cliente pede ou fala e é uma forma exclusivíssima de alta costura masculina.

A fama de Savile Row vem de longa data, com mais de 2 séculos de história, desde o momento em que o Dândi "Beau" Brummell começou a dar suas dicas de bem-vestir ao príncipe regente, que viria a ser o rei George IV, ainda nos idos de 1808. Desde então, os homens deixaram os excessos da moda do século XVIII e aderiram completamente ao estilo minimalista, sem rococós e até mesmo com um tom de seriedade extrema, conferido pelo estilo inglês.

Mas nem só de seriedade vive o Bespoke de Savile Row, um ótimo exemplo é o alfaiate (ou melhor, tailor) John Pearse, que foi aprendiz na Hawes & Curtis e ainda nos anos 60 saiu pirando por aí e vestindo gente moderninha da época, como Jimi Hendrix, Bob Dylan, Rolling Stones e os Beatles.

O cara ainda continua na ativa e totalmente atual. Quem quiser dar uma bisbilhotada no trabalho de John Pearse, basta visitar o site http://www.johnpearse.co.uk/

Totalmente fora do padrão de seriedade... Cool!

As gerações juvenis e a Moda

2008-09-28T15:36:00.006-03:00

Você já deve ter ouvido o termo "gerações juvenis", não? Esta é a expressão mais usada quando queremos localizar um grupo de jovens que viveu (ou vive) em uma época histórica distinta.

Nos anos 60 e 70 foram os "Baby Boomers", nos anos 80 e 90 os "X" e neste século os "Y". Por serem décadas muito diferentes umas das outras, cada geração também tem suas particularidades e um jeito único de lidar com o corpo e com a Moda.

Para saber mais sobre o assunto, não deixe de ler o texto "Gerações Juvenis e a Moda: das subculturas à materialização da imagem virtual", publicado no Periódico Modapalavra, da Universidade do Estado de Santa Catarina (UDESC).

O link é o seguinte:

http://www.ceart.udesc.br/modapalavra/ensaios.php

E quem quiser discutir o assunto, tem espaço de sobra aqui, no Blog Matelassê.

Hitchcock: O homem que sabia vestir suas protagonistas

2008-06-07T09:57:00.008-03:00

Alfred Hitchcock, além do título de mestre do suspense, poderia tranqüilamente receber o título de "mestre do FETICHE", tamanho o cuidado e zelo do diretor com o figurino de seus filmes.

Vejo a relação fetichista de Hitch mais acentuada ao observar o guarda-roupa e a aparência geral das protagonistas de seus clássicos, sim, as tais loiras geladas que em público parecem frígidas, mas que exalam sensualidade no universo da vida privada.

De Grace Kelly em Janela Indiscreta a Tippi Hedren em Os pássaros, sem esquecer de Kim Novak em Um corpo que cai e Janet Leigh em Psicose, é possível encontrar diversas observações relevantes que denunciam o quanto o diretor estava preocupado com a questão da Moda e da aparência em geral.

Na percepção do importante papel do figurino no cinema hitchcockiano, resolvi ir mais a fundo e passar horas assistindo aos seus clássicos, não apenas como forma de entretenimento, mas com o olhar acadêmico necessário para uma melhor compreensão dos detalhes, sem deixar de me debruçar nos livros ingleses e americanos de Estudos de Cinema, principalmente aqueles que dedicam seus esforços no entendimento da obra do diretor.

Enfim, o resultado dessa pesquisa encontra-se na edição n. 3 da Revista dObra[s] da Editora Estação das Letras e Cores, no artigo entitulado Vestidas para representar: o figurino feminino nos clássicos de Hitchcock , nele, além da apresentação do processo de criação da indumentária (levando em consideração a figura de Edith Head), encontram-se novos insights que comprovam a maestria com que a roupa conecta-se com a trama em cada um dos filmes.

O fator inédito do artigo está nas notas detalhadas sobre o estilo de vestuário das divas de Hitchcock, pelo fato de ter sido pensado e escrito sob o olhar de pesquisadora de moda, diferentemente dos livros e artigos internacionais que, por serem escritos por acadêmicos de outras áreas, tendem a conclusões menos direcionadas à questão da roupa.

Quem se interessar pelo assunto, poderá fazer do texto leitura obrigatória. E olha que isso não é jabá barato, viu? E quem quiser comentar sobre o artigo ou sobre o assunto através do Matelassê, é só mandar bala!

Para comprar a revista ou saber pontos de venda, acesse o site da Editora Estação das Letras e Cores:
http://www.estacaoletras.com.br/

Mais links que falam da Edição 3 da revista dObra[s]:
http://fashionprime.uol.com.br/post.php?id=1432&hash=43850185e0420ebbeea3c84a63a33201
http://www.modasemfrescura.com/2008/05/
http://www.carreirafashion.com.br/site/inicial/noticia.asp?codigo=864

Internet Killed the Video Stars

2007-11-13T13:40:00.001-02:00

Como o post anterior foi sobre as camisetas do D.A.N.C.E, pincei essa mensagem de uma das camisetas que creio ser das mais produtivas para um post completo:

INTERNET KILLED THE VIDEO STARS

A frase foi inspirada e devidamente parodiada de uma música que tem uma longa e interessantíssima história, daquelas que não podem ficar somente relatadas nos cantinhos do Wikipedia e precisam de uma nova roupagem, com outras conexões que implooooooram para sairem do anonimato.

O start da saga foi dado em 1979, ano em que a Voyager 1 passava por Júpiter e o Figueiredo tomava posse como presidente do Brasil no lugar do Geisel... enquanto isso, nas terras da Rainha Vitória, a Banda New Wave The Buggles lançava o single "Video Killed the Radio Stars" (veja em: http://www.youtube.com/watch?v=6LB6Q_oycfQ ) contando como a TV estirpou as estrelas do Rádio e como a mudança de uma mídia para outra acabou influenciando uma mudança de era, juntando som e imagem. Nessa época quase jurássica para os padrões do século XXI ainda não existia MTV, que só foi ao ar em 1981...

Estaria então o The Buggles sendo profético ao cantar sobre algo que mal tinha se solidificado? (suspense)

Coincidência ou não foi exatamente este clip o PRIMEIRO a passar na MTV, em seu debut em 1 de agosto de 1981, as 0h10. E eis que o mundo pop nunca mais foi o mesmo, e pode-se dizer com propriedade que o vídeo aniquilou as estrelas do rádio, que a imagem deu um salto estrondoso no mercado fonográfico e o look começou a ser cada vez mais crucial para os artistas.

Aí entra em cena Madonna, Culture Club, Bon Jovi, Nirvana e tantos outros que influenciaram não só com a música, mas também com a aparência. E eis que a música "Video Killed the Radio Stars" virou história quase apocalíptica, pipocando uma série de paródias, como "You Tube killed the TV Stars" (veja em http://www.youtube.com/watch?v=ZQsA-YcM2Bc), "DVD Killed The Video Stars", "Ipods Killed The Radio Stars" e a que está estampada na camiseta de D.A.N.C.E.: "Internet Killed the Video Stars" (veja em: http://www.poptix.net/funny/videostar.swf).

Nesse canibalismo midiático ininterrupto, onde uma mídia atropela outra, que atropela outra e assim por diante, vemos como nossa sociedade está pautada na efemeridade que não está só na Moda, mas que foi inaugurada por ela.

E por falar na Internet e tudo que ela causou nas nossas vidas, é inegável o grande estrago feito no sistema antigo de Clips que passavam na TV. Com a rapidez da rede e com a possibilidade de navegar sem fronteiras, parece um tanto sem graça ficar na frente da telinha vendo vídeos musicais de forma linear, com paradas de intervalos, com a intermediação deVJs que as vezes são sacais e o pior de tudo: sem poder transitar de um lado a outro...

Digamos que isso é coisa pra "essa gente caduca" que foi adolescente nos anos 80 e 90, a galerinha do século XXI é bem mais interativa e nem quer saber do controle remoto da TV, afinal é cansativo demais ficar apertando esses botões sem nenhum atrativo! Melhor é clicar sem parar e realmente encontrar o que interessa no mundo virtual, sem programações estipuladas e restritas pelos horários impressos nos jornais diários.

Quem sabe a própria MTV não sofreu a maldição da mudança midiática que seu primeiro clip narrava? Será que eles imaginariam que seu debut seria um presságio de uma era vindoura que transformaria completamente o mercado fonográfico? Não se pode afirmar, mas o fato é que eles vivem antenados nas tendências e preferências de seu público e realizam pesquisas de opinião aprofundadas, como o "Dossiê Universo Jovem" que trata de tudo e mais um pouco.

Com os dados de pesquisa foi possível verificar que a Internet estava arrasando seu grande filão (os clips) e a resposta foi o lançamento do Overdrive, assim o jovem vê o que quer na Internet, através do site da MTV, e não fica petrificado na telinha. O que sobrou para a programação tradicional foi a enxurrada de reality shows teen, mas clip que é bom mesmo quase não se vê.

Definitivamente Internet killed the video stars e talvez seja esse o motivo de não vermos nenhum rosto no clip D.A.N.C.E. afinal, já que a matança foi tanta, não sobrou cabeça pra aparecer...

Agora, só de capricho, fui fuçar um pouquinho mais e descobri que um dos criadores da música "Video Killed The Radio Stars" - Trevor Horn - que também fazia as vezes de vocalista do The Buggles, resolveu trocar o palco pelos bastidores e se transformou em um produtor musical de grande sucesso. Entre os artistas que ele produziu estão Cher, Seal, Tina Turner, Lisa Stansfield, Pet Shop Boys, Simple Minds, Paul Mc Cartney e... Frankie Goes to Hollywood. Não sei se vocês se lembram dessa última banda citada, mas para ficar mais fácil, são os tais que cantavam a famosa "Relax" ... don´t do it...

E é aqui que o ciclo da camiseta do D.A.N.C.E. e suas conexões se encerra. A música Relax foi o motivo da maior controvérsia musical de 1984 e talvez de todos os tempos, quando o D.J. Mike Read da BBC Radio 1 percebeu certas mensagens ocultas e libidinosas na música e igualmente na capa do single e por conta disso resolveu bani-la da programação. Automaticamente outras estações e a própria MTV se reservaram a não transmitir a música e o Clip.

O ato de censura gerou uma reação em massa e aumentou o sucesso comercial do single, não tinha jovem que não quisesse ouvir o que estava por trás das palavras de Frankie... No fogo cruzado dos acontecimentos, a estilista Katharine Hamnett - que já era famosa por suas camisetas com frases de efeito - resolveu lançar uma T-Shirt de protesto e ao mesmo tempo de apoio à banda, de um jeito bem direto e simples: tecido branco e letras garrafais pretas estampadas que anunciavam FRANKIE SAY RELAX.

Essa camiseta virou a mania geral do verão de 84 na Europa e Estados Unidos, associando a moda diretamente com a música pop. O sucesso foi tanto que Katharine recebeu, no mesmo ano, o prêmio de Designer of the Year no primeiro British Fashion Awards.

A história da T-shirt FRANKIE SAY RELAX não pára por aí: muitos filmes e seriados de TV fizeram um link da peça com os anos 80, entre eles Simpsons, Friends, Zoolander e tantos outros. Digamos que ela faz parte do roll das peças vintage mais emblemáticas e um verdadeiro ícone fashion.

De uma camiseta num clip de 2007 para um clip histórico de 1979 que trouxe a reflexão do fim do clip, que fez lembrar uma música e um clip polêmico, que de tão controverso virou protesto que se eternizou numa camiseta.

Vai dizer que não tá tudo costuradinho um no outro?

O corpo é o nosso veículo de estar no mundo

2007-07-29T17:24:00.000-03:00

Acabo de postar uma série de obras exibidas na Documenta que tratam do vestir, da aparência, do têxtil e suas relações na vida e na arte contemporânea.

Se fosse mais minuciosa na pesquisa, encontraria nas 500 e tantas obras da mostra mais uma inúmera série de discursos que tratam do corpo e do vestir.

A ênfase ao corpo não é inocente, ele é o nosso veículo primário de estar no mundo, a nossa mídia principal, com a qual podemos nos expressar das mais diversas formas. Daí a relevância do vestir e da Moda na vida urbana: essa rotina de estar sempre compartilhando seu "self"com outras pessoas, seja num semáforo, numa reunião de negócios, na compra do pãozinho na padaria da esquina, na festa mais badalada do ano...

Quanta coisa para se pensar sobre a Moda e o vestir!!!! Pena que o tema é negligenciado por alguns círculos acadêmicos ou mesmo pela opinião pública. Sei que esse papo de falta de reconhecimento da Moda já está um pouco desgastado, mas o problema é que ele retrata a "verdade verdadeira"!

Por exemplo, toda vez que me questionam sobre meu trabalho acadêmico fico numa saia justa só para explicar uma coisa que lhes parece inexplicável: o fato da minha pesquisa estar diretamente ligada a Moda e as aparências. O que???? Moda???? A reação nítida dos rostos é sempre seguida de um olhar de incompreensão e até mesmo um certo desdém. Talvez pensem que estudar Moda é no mínimo coisa de gente excêntrica ou sem muito conteúdo... Por que não estudar os problemas sociais de nosso país, ou a explosão da internet e seus efeitos no século XXI, ou mesmo se preocupar com o aquecimento global. Isso sim são pontos de pesquisa relevantes.

Enquanto isso vamos deixando passar uma série de conhecimentos preciosos sobre nossa condição humana e essa pulsão pela mudança da pele através das roupas. Talvez com isso não se resolvam os problemas da violência, da pobreza ou da ecologia, mas nos remete a pontos muito importantes para o entendimento de nossa relação com esse mundo.

Ainda bem que contamos com um grupo de idealistas e apaixonados que deixam de lado as opiniões contrárias e continuam a lapidar a pesquisa de Moda e das aparências. Estou nessa!

Documenta parte III - Calvin Klein relaxando com Cosima

2007-07-27T09:46:00.001-03:00

O que calças jeans da marca Calvin Klein arreadas estariam fazendo em uma exposição de arte?

Boa pergunta!

A foto postada é parte do complexo criado pela artista Cosima von Bonin, as calças são apenas um pedacinho da instalação entitulada Relax - It’s Only a Ghost, que ocupa grande parte do Documenta Halle, um dos pavilhões da 12ª Documenta.

Além das duas calças vemos diversos elementos feitos de tecidos como tapetes decorativos costurados com temas diversos, animais enormes como cachorros, girafa e polvo, que lembram monstruosos bichinhos de pelúcia, mas que ficam mais simpáticos com o acabamento em malha, bem como algumas peças em metal e outros materiais... tudo delimitado por faixas pintadas no chão, sugerindo um espaço limitado digno de exposições do tipo "não me toque!!!", mas que, por se tratar de uma experiência contemporânea pode ser invadida por qualquer um, contanto que não seja destruída a ordem.

Mas voltamos a pergunta: O que as calças jeans fazem lá, estáticas em um dos cubos da instalação?

As respostas e interpretações podem ser variadas, a minha fica na simplicidade de imaginar que os jeans estão ali apenas relaxando, afinal são tão exaustivamente usados no dia a dia que só mesmo num espaço de museu conseguem dar uma pausa e serem apenas apreciados.

Documenta parte II - Roupas animadas pela dança

2007-07-27T09:12:00.001-03:00

O que parece um varal com roupas penduradas ou mesmo uma "cama de gato fashion" na verdade são os elementos que constituem a obra Floor of the Forest da coreógrafa e artista Trisha Brown, que na Documenta foi exibida em conjunto com a performance Accumulation.

Digna dos idos da era 70´s, época em que a coreógrafa criou a instalação, esta obra explora o movimento das roupas, enchendo-as de vida e memória no momento em que dançarinos ocupam as peças das formas mais variadas possíveis.

Sem os corpos dos dançarinos as roupas estão lá amarradas, inanimadas, sem espírito e vazias de conteúdo vital, porém durante a performance elas ganham força, se transformam, recebem o movimento de corpos diferentes, que são capazes de alterar todo o ambiente, até então estático e inóspito.

É válido refletir sobre essa questão da corporeidade. Roupas foram feitas para serem vestidas e pelo corpo se tornam animadas, com pulsão. Sem ele estão lá... somente potência.

Documenta parte I - Cabeça feita

2007-07-27T08:50:00.001-03:00

Fala se não é um deleite ver essas cabeleiras pra lá de originais... Fiquei pasma diante dessas fotos e outras tantas que compõem o trabalho do fotógrafo e artista nigeriano J.D.'Okhai Ojeikere na Documenta.

J.D. se dedica principalmente a fotografar penteados de nigerianas, atividade que já faz há mais de 30 anos. Imaginem quantas cabeças ele registrou durante esse tempo... seu último trabalho entitulado Headgears tem mais de 1.000 estilos de penteado. Haja criatividade na cabeça dessas mulheres!

A busca pelos penteados extravagantes se dá no cotidiano, nas ruas e vilarejos da Nigéria, que denunciam uma verdadeira paixão pelas madeixas trabalhadas.

Ver os detalhes de cada um desses penteados transporta-nos a um mundo que não nos pertence e por isso mesmo traz tamanha curiosidade. Como é possível fazer tantas tranças entrelaçarem-se de forma inusitada? E esse chapéu cônico? Todos são praticamente esculturas.

Enfim, para quem gosta do mundo das aparências, o trabalho de J.D. ultrapassa os limites da arte, sendo também uma cartografia antropológica e etnográfica dos costumes nigerianos. Momentos de beleza, fragmentos da vida e da criatividade.

Documenta Kassel - Intro

2007-07-26T07:55:00.001-03:00

A Documenta é uma das mais importantes mostras de arte contemporânea do mundo, se não for a mais importante e acontece de 5 em 5 anos na cidade de Kassel (Hessen) na Alemanha.

Esse ano acontece a 12ª edição, que tem duração de junho a setembro. As dimensões são consideráveis, sendo 5 pavilhões distribuídos pela cidade e a exposição de mais de 500 obras feitas por 113 artistas do mundo todo. Não existe apenas 1 mote para a 12ª Documenta e sim 3 temas distintos que foram distribuídos em cada um dos pavilhões. Não sei se posso chamar de temas ou se é melhor usar o termo provocações, visto que foram criados por meio de perguntas. São elas:

A modernidade é a nossa antigüidade?
O que é arte nua?
O que fazer para educar um público?

Hummmm... reflexão pura!

Fiz uma visitinha semana passada e pude ver muitas obras instigantes e perturbadoras.

Como é de praxe nas artes contemporâneas, foi possível notar diversos discursos que lidam com o corpo, tocando na relação do vestir, da aparência e também algumas interferências artísticas que aguçam os sentidos do visitante para a materialidade têxtil. Postarei a seguir algumas dessas obras que me chamaram atenção por terem um apelo direto às adjacências da Moda e do vestir.