sob o peso dos meus amores

Exposição do Grupo Esquina 414 + Inauguração do espaço expositivo no Lyra Serrano

2016-04-23T10:34:00.001-07:00

Inauguração do espaço expositivo no saguão do Clube União Lyra Serrano, em Paranapiacaba, com exposição do Grupo Esquina 414.

A inauguração acontece no dia 23 de abril, às 10h, e a exposição permanece no local até 28 de maio.

Curadoria: Nilo Almeida.

União Clube Lyra Serrano

Av. Antonio Olyntho, Paranapiacaba, Santo André

GRUPO ESQUINA 414

2016-04-23T10:25:00.004-07:00

"O Grupo Esquina 414 nasceu em Santo André a partir de uma oficina oferecida pela Casa do Olhar e permanece até hoje utilizando o espaço da casa para práticas de ateliê e pesquisa. Com essa proposta de uma incursão prática e teórica, os integrantes buscam aprimorar a experiência individual a partir da troca de saberes e vivências, valorizando a diversidade de linguagens que os caracteriza."

Integrantes:

Elaine Cristina

Artista plástica e arte educadora, é licenciada em Educação Artística e habilitada em Artes Plásticas pelas Faculdades Integradas Coração de Jesus. Cursou especialização em História da Arte e Contemporaneidade, tendo atuado na área de educação e cultura reunindo as quatro linguagens: plástica, música, teatro e dança. Também atua paralelamente em produções de teatro, dança e em atelier com trabalhos plásticos pessoais.

Fabricia Aparecida

Andreense, é graduada em Publicidade e Propaganda e Artes Cênicas pela FAINC (Faculdades Integradas Coração de Jesus) e pós-graduanda em Processos Criativos em Teatro Contemporâneo. Já atuou como designer gráfico e foi diretora da Cia Gaditas de Teatro/NTC. Hoje trabalha como arte-educadora e realiza, paralelamente, projetos teatrais como atriz, cenógrafa e pesquisadora da linguagem de circo-teatro. Nas artes visuais, dedica-se ao estudo do grafismo e simbologias primitivas criando desenhos que transitam entre o universo mítico e popular.

Luana Bonfá

É graduada em Letras pela Universidade de São Paulo e mestranda em Estética e História da Arte pela mesma instituição. Desenvolve pesquisa em arte contemporânea brasileira pensando suas interpelações com a história e o contexto social. Tendo recentemente se voltado à pintura, busca com ela a construção de um projeto imagético a partir do conceito antropológico de “não lugares”.

Priscila Designe

Arquiteta e urbanista, com pós-graduação em Design de Interiores pelo IED (Istituto Europeo di Design) e pintora. Viveu um ano na Inglaterra atuando voluntariamente como designer gráfica para a organização sem fins lucrativos, Wellspring Media. Nas artes plásticas desenvolve um trabalho com pintura à óleo buscando no uso das cores, formas e texturas a retratação da natureza de forma abstrata. Cursou pintura pela ABRA e Casa do Olhar com o artista Rubens Pontes e gravura em pela Fundação das Artes com o artista Martin Braga Siqueira. Participou de exposições coletivas na Casa do Olhar, em Santo André.

Soraia Dias

Arquiteta e urbanista, com pós-graduação em Desenvolvimento Sustentável e pintora autodidata. Desenvolve um trabalho de pesquisa em pintura voltado para o estudo do uso da cor. Possui cursos de formação na área de Artes Plásticas com os artistas Regina Johas, Andréa Tavares e Rubens Pontes pela Casa do Olhar, e com a artista Regina Carmona na Casa Contemporânea e na UMAPAZ. Participou de exposições coletivas em São Paulo no Parque do Povo e Instituto Tomie Ohtake, e em Santo André na Casa do Olhar.

Desde 2014, é aluna do curso "Pintura, prática e reflexão" com o artista Paulo Pasta no Instituto Tomie Ohtake.

Vanessa Maneo

Residente em Santo André. Graduada em 2011 pela FAINC (Faculdades Integradas Coração de Jesus) em Educação Artística com Habilitação em Artes Plásticas. É pós-graduada em Arte Educação (2013) e cursa pós em História da Arte, ambos pela FAINC.

William Pimentel

Teve sua primeira experiência artística em 2008, quando começou a se interessar pela arte urbana, especialmente o stencil. Autodidata nesta técnica vertente do Graffiti, explorou novas maneiras de utilizá-la e de se expressar através dela. Em 2010, após a conclusão de curso de fotografia, passou a captar imagens de seu interesse com a finalidade de transformá-las em stencil. Em 2011, cursou Artes Visuais na ABRA com o intuito de transferir a arte urbana para a arte de ateliê. Recentemente ganhou Prêmio {...] no Salão de Arte Contemporânea de Santo André.

11º encontro urban sketchers santo andré

2016-04-23T10:03:00.002-07:00

Em comemoração ao 463º aniversário de Santo André, convidamos à todos para homenagear nossa cidade nesta sessão de sketches.

O evento é uma atividade livre e gratuita, aberta a qualquer interessado, com o propósito de desenhar nas ruas coletivamente, incentivando a observação e preservação do local visitado.

ponto de encontro:

às 10:00 horas no Paço Municipal, Em frente à escultura da Tomie Othake

Coordenação

Marcia Rosenberger

Edward Willian Kronig Wandeur

Silvia Regina

sketch © Marcia Rosenberger

CUIABÁ 153 E PORTÕES QUE FALAM

2016-04-23T09:56:00.003-07:00

Mostra de arte a céu aberto que ocupa portões das casas de um quarteirão inteiro da Vila Assunção em Santo André.

Prepare-se para caminhar em uma calçada ininterrupta nas ruas Cuiabá, Manaus, São Luiz, Misericórdia, Belém, Travessa Padre Navarro e Sete de Setembro. Nelas você encontrará ARTE nos portões das casas. O interior da casa da rua Cuiabá 153 abriga a já tradicional exposição ficando também aberta ao público.

Os povos indígenas permeiam as criações dos artistas que trazem a tona a reflexão sobre o tema mas mais diversas linguagens. Confira a programação e traga sua família!

Esta ação desenvolve a participação dos habitantes na vida cultural da cidade e propaga a diversidade cultural no âmbito global.

A parceria com a Reso Asso Metro - Les Fenêtres qui Parlent – Lille, França começou em 2013. Em 2016 eles completam 15 anos em 9 cidades e 16 bairros no mundo inteiro, com centenas de artistas.

Teremos pequenos formatos de obras de arte à venda, comes, bebes e divertes!

ABRIL - dias 02 (10h as 22h) e 03 (10h as 16h).

2015-06-07T07:34:00.003-07:00

Costureiro de Paisagem

2015-01-31T16:25:00.001-08:00

2014-01-04T20:42:00.002-08:00

II Bienal de Pequenos Formatos (BIG) (BINF) Guarulhos- NabilaFluxus

2013-12-17T04:49:00.000-08:00

Estudo de aquarela s/ livro de artista

2013-12-08T13:01:00.001-08:00

Mostra de artistas contemporâneos do ABC

2013-07-20T21:46:00.002-07:00

“Mostra de Artistas Contemporâneos do ABC”

2013-07-15T13:51:00.001-07:00

Artistas do ABC expõem obras no Salão de Exposições

O Salão de Exposições do Teatro Municipal de Santo André recebe uma nova exposição a partir do dia 17, quando acontece a abertura da “Mostra de Artistas Contemporâneos do ABC”, a partir das 19h.Serão 17 artistas expondo duas ou três obras cada. Todos fizeram parte da lista de inscritos para o 41º Salão de Arte Contemporânea Luiz Sacilotto.O público pode visitar a mostra até o dia 7 de setembro, de terça a sábado, das 12h às 17h e 18h às 21h. O Teatro Municipal fica na Praça IV Centenário, s/nº, Centro. Mais informações no telefone: 4433-0711.

O Belo natural e o belo artístico na arte

2013-06-29T06:55:00.001-07:00

• Beleza natural

• “...o belo é a perfeição que pode atingir ou atinge um objeto visto, ouvido ou imaginado” (HEGEL).

• “ ... o artista inspirado fez com que nela penetrasse uma forma e um brilho que ela não tinha.”

• Segundo Hegel o belo natural é a primeira expressão do belo.

• Platão condena a arte da imitação, aceitando somente a o que faz parte do mundo sensível, o mundo das ideias.

• Plotino é sensível às belezas naturais porém acredita que se há essas belezas é graças a um Deus-luz.

• Influenciou a Idade Media ao renascimento

• No Império Bizantino há a valorização da luz refletida dos mosaicos e as cores, referindo-se ao divino.

• O Belo Artístico

• Cresceu o belo da natureza ao surgir a arte.

• Kant exalta a valorização da beleza natural, o sensível, o que a natureza tem a nos dizer muito mais do que o conteúdo, ou seja o conceito. Você não pode explicar porque gosta ou acha belo uma flor lilás ou um objeto vc simplesmente acha belo.

• Kant valoriza a “beleza livre”. Essa beleza é encontrada com mais facilidade na natureza, na arte encontramos em ornamentos gregos, na qual não possuem grandes representações.

• Na arte ocorre um esforço na expressão, em que uma coisa se torna representação de outras, da qual se busca a perfeição.

• Apesar de Kant defender a beleza livre ele não contesta que o belo artístico prevalece sobre o natural, apesar de argumentar que somente ela pode inspirar interesse imediato.

• Hegel defende o belo artístico como o único com interesse estético. Para ele não basta escolher qualquer elemento da natureza para se retratar, é necessário q esse elemento tenha alma, um espirito interior, para q o artista possa retratar.

Distinção entre o belo natural e artístico

O belo da arte está diretamente relacionado com a pureza do espírito enquanto que o belo natural encontra-se diretamente submisso a realidade da natureza.

A primeira não pressupõe nenhum conceito do que o objeto deva ser; a segunda pressupõe um tal conceito e a perfeição do objeto segundo o mesmo. (…) Flores são belezas naturais livres. (…) No entanto, a beleza de um ser humano (…) pressupõe um conceito do fim que determina o que a coisa deve ser, por conseguinte um conceito da sua perfeição, e é portanto beleza simplesmente aderente." (I, 16).

Natureza Romântica

No final do século 18 pensadores românticos, realizam estudos sobre a natureza indo muito além da geografia de Kant ou mesmo Hegel.

Ele vêem a natureza como uma extensão de suas almas, uma extensão de si como citam: “... a natureza não se reduz apenas aos nossos estados d’alma; que ela mesma é uma alma que se dirige, sendo sua beleza o que há de mais real nas coisas. Beleza e verdade são, na Natureza, um reflexo da divindade, e a arte, prolongando no homem o trabalho da natureza... “

Podemos destacar Friedrich e Schelling.

Estudos para o "trabalho prático"

2013-06-29T06:50:00.000-07:00

Incrustação em Resina

Essa página tem como objetivo, transmitir técnicas de como trabalhar com resina para incrustação de objetos, espécimes animais e vegetais, para conservação, decoração, usada para se fazer coleções didáticas etc.

Em relação aos espécimes animais, deve-se ter o cuidado de não coletar animais em vias de extinção, coletar espécies sem necessidade, para que assim possamos preservar o meio ambiente. Nos casos de animais mais comuns, como moscas, mosquitos, formigas etc., são os mais indicados para coletar.

No caso de espécimes animais, o espécime a ser incrustado, deve estar bem seco, pode-se colocá-lo em uma estufa para secagem, se o animal estiver com um pouco de água, pode provocar um embaçamento na peça, acabando por estragar a aparência.

Se for, por exemplo, uma abelha, esta deve ser montada de modo que fique o mais próximo do natural quando estava viva, deve-se distender as pernas, arrumar as antenas, as asas, etc., e apoiar todas as partes que podem voltar a se fechar, usamos dispositivos arranjados como, por exemplo, apoiar o abdômen com pedaços de isopor ou outro material,etc. Logo após a montagem, o espécime deve ser colocado em uma estufa para secagem total.

Se o animal foi coletado vivo, deve-se matá-lo no acetato de etila, éter ou clorofórmio, bastando-se para isso usar um frasco do tipo para conserva, colocar um chumaço de algodão envolto por um pano de algodão, ou colocar um pouco de gesso no fundo do frasco (mais ou menos 2cm). Procure usar animais que estejam em perfeitas condições, com todas as pernas, asas, etc.

Em relação a vegetais, eles também devem ser secos totalmente, o que vai causar um pouco a perda das cores originais, mas mesmo assim, dão um aspecto especial a peça de resina. Podem-se colocar também sementes, deixando-as bem secas também, a fim de evitar manchas na resina.

Pode-se incrustar também, fotos, moedas, parafusos, lápis, etc. depende da criatividade de cada um. Usando-se formas próprias, pode-se obter peças artesanais como imãs de geladeira, enfeites diversos, bases de abajures, etc.

MATERIAL UTILIZADO

· Resina poliéster cristal

· Monômero de estireno

· Catalisador

· Frasco com volume conhecido

· Acetona

· Algodão

· Bastão (vidro, madeira,etc)

· Conta-gotas

· Papel Paraná (com espessura grossa)

· Fita crepe

· Régua

· Parafina

· Tesoura

· Estilete

· Lápis

· Panela

· Massa de polir nº 2

· Cera automotiva

· Flanela

· Estopa ou algodão

PREPARO DA RESINA

Utilizando-se um frasco com volume conhecido (por ex. bécker), a proporção é a seguinte: para cada 20 ml de resina, vamos adicionar 4 ml de monômero de estireno e mais quatro gotas de catalisador.

Primeiro mistura-se a resina com o monômero de estireno (que funciona como um solvente da resina), usando-se para isso um bastão de vidro ou algum material semelhante, deixa-se descansar por um tempo até que as bolhas comecem a desaparecer. Estando sem bolhas, adiciona-se o catalisador e mistura-se vagarosamente deixando descansar novamente. Assim que as bolhas diminuírem pode-se usar a resina preparada.

A limpeza do material utilizado deve ser limpo com acetona que é outro solvente da resina só que não pode ser usado como o monômero, pois é mais volátil.

1ªFASE

Preparar o objeto a ser incrustado, se for algum invertebrado, tem-se que montá-lo e depois colocá-lo para secar, o mesmo com vegetais, sementes, outros objetos, como moedas é preciso somente dar uma polida para que fiquem com uma aparência melhor, e assim por diante.

2ª FASE

Em seguida vamos utilizar uma caixinha de papel Paraná (papel próprio para manufatura de caixas de presentes) para servir de molde para o bloco, sendo que deve haver um espaço de mais ou menos 0,5cm a 1,0cm entre o objeto e a parede interna da caixinha de papel e no mínimo de 0,5cm de base e altura, ou deixar a distância preferida. A caixinha não tem um tamanho padrão, vai depender do tamanho do objeto a ser colocado.

Podem-se usar também moldes de borracha de silicone, onde tem-se que usar uma caixinha de papel Paraná para fazer o contra molde, por exemplo; fazemos a caixa e despejamos a borracha de silicone até mais ou menos metade da altura da caixa, em seguida colocamos um outro bloco que pode ser retangular, pressionando contra a borracha e esperamos secar. Com o molde de silicone, os blocos saem mais perfeitos, você pode escolher qual método é mais viável no momento. A borracha de silicone é preparada do mesmo modo que a resina mistura-se um solvente na borracha e depois um catalisador e espera-se secar.

3ª FASE

Preparar a resina para ser usada do seguinte modo; a proporção é para cada 20 ml de resina, coloca-se 4 ml de monômero de estireno e 4 gotas do catalisador.

O preparo da resina poliéster deve ser feito da seguinte maneira: despeja-se a resina em um recipiente, adiciona-se o monômero de estireno e mistura-se vagarosamente, a fim de evitar a formação de bolhas, deixa-se descansar por um tempo até que as bolhas comecem a dissipar e logo em seguida adiciona-se o catalisador, misturando vagarosamente outra vez.

4ª FASE

Colocar a resina na molde (caixa) deixando a espessura desejada, essa primeira camada será a base para que o objeto a ser colocado não desça até o fundo do molde inutilizando a peça.

5ª FASE

Depois de colocado a primeira camada, que deverá ter um tempo de espera de seis a oito horas, ou 24 horas (se a próxima camada a ser colocada demorar muito tempo,mais de uma semana, a camada poderá ficar côncava) põe-se o material escolhido tomando o cuidado para que fique na posição desejada e prepara-se mais resina para fazer mais uma camada que deverá ser posta a fim de cobrir o material.

Se o material escolhido for muito leve, deve-se pôr resina sem que essa cubra o material, pois este pode flutuar e acabar ficando inclinado. No caso de insetos como besouros que possuem muitos pêlos e um corpo onde pode contêr ar, é preciso dar um banho de resina antes de cobri-lo por inteiro, pois podem aparecer bolhas de ar à medida que a resina vai secando.

6ª FASE

Após ter posto a segunda camada, a terceira pode ou não cobrir o material, dependendo da sua espessura, se não cobri-lo, deve-se esperar o tempo necessário para completar a camada final, a qual deve ter uma espessura de mais ou menos 0,5 cm do material. Agora é só esperar secar para podermos continuar o trabalho.

7ª FASE

Depois de seco bloco de resina, que podemos verificar encostando o dedo na superfície do bloco, se ficar a marca das digitais é porque o bloco ainda não está seco totalmente, mas existe um tempo que esperamos para podermos começar a fase de lixamento. Que é de mais ou menos vinte dias, aí já podemos começar a outra fase. O tempo de secagem da resina vai depender do clima da cidade, taxa relativa de umidade do ar, qualidade da resina, do catalisador, assim como a validade desses produtos.

8ª FASE

Estando o bloco pronto, começamos a lixar usando a seguinte ordem:

As lixas a serem usadas são as seguintes começando pela gramatura 80, 100, 120, 180, 220, 240, 320, 400, 600, 1000 ou 1200. Começamos de uma gramatura bem áspera, e à medida que vamos lixando vamos aumentando a gramatura das lixas pois cada lixa com gramatura maior, vai tirando os riscos da anterior até chegarmos na 1000 ou 1200 que é a mais fina.

Passamos agora para o polimento que vai ser dado com utilizando-se massa de polir nº 2 e cera automotiva para dar o acabamento final.

Bibliografia:

http://aquabiotech2.tripod.com/id9.html

As folhas secas de Banana são utilizadas por muitos criadores de bettas e outros peixes como uma alternativa às folhas de amendoeira da India porque as folhas de banana não criam o efeito black water.

A Dança.. Oscar e Josephina

2013-03-03T07:12:00.001-08:00

Video realizado em stop motion com o grupo de Pós Graduação em Arte Educação, na FAINC.

Made in Italy

2013-03-03T07:04:00.000-08:00

Pigmentos- histórico

2013-02-24T16:54:00.005-08:00

Os pimentos naturais, tal como os Ocres e os óxidos de ferro êm sido usados como corantes desde a era pré-histórica. Arqueólogos descobriram provas de que os homens primitivos usaram tinta para fins estéticos, como pintura corporal. Pigmentos e ferramentas de moagem, que se acredita terem cerca de 300 000 anos na gruta de Twin Caves, Zambia

.Antes da revolução industrial, a gama de cores disponíveis para utilizações artísticas e decorativas era tecnicamente limitada. A grande maioria dos pigmentos eram minerais, terras ou de origem biológica. Os pigmentos de origens incomuns, como materiais botânicos, resíduos animais, insectos e moluscos eram colhidos e comercializados através de longas distâncias. Algumas cores eram extremamente caras ou impossíveis de misturar com a maioria dos outros pigmentos disponíveis. O azul e a púrpuraficaram associados à realeza, tal era o seu preço de compra Os pigmentos biológicos eram de difícil aquisição e os detalhes da sua produção eram mantidos em segredo pelos fabricantes. A Púrpura tíria é um pigmento fabricado a partir do muco de várias espécies de Hexaplex trunculus. A sua produção, para ser usado par tingir tecidos, começou, por volta do ano 1200 AC em Tiro, no actual Líbano, pelos Fenícios, sendo mais tarde fabricado pelos Gregos até 1453 DC, quando caiu Constantinopla

O pigmento era muito caro e a sua produção era muito complexa. Por isso as pelas de vestuário púrpura ficaram associadas ao Poder e à riqueza. O historiador grego Theopompus, escrevendo no século IV AC, que o peso da púrpura para corantes equivalia o seu peso em Prata na cidade de Colophon

Os pigmentos minerais eram também comercializados a grandes distâncias. A única maneira de obter um azul profundo, era usando Lápiz-Lazúli, uma pedra semi-preciosa, produzindo um pigmento conhecido por ultramarino. As fontes de Lápiz-Lazúlieram muito remotas (Afganistão). O pintor flamengo Jan Van Eyck, trabalhando no século XV, não usava, usualmente, o azul ultramarino nas suas obras. Ter um retrato pintado com azul ultramarino, era considerado um grande luxo. Se um patrono desejava essa tonalidade de azul, era obrigado a pagar um extra pelo quadro. Quando Van Eyck usava ultramarino nas suas obras, ele nunca o misturava com outras cores. Em vez disso ele usava-o na sua forma pura, quase como um esmaltedecorativo.

A conquista do novo mundo, no século XVI, introduziu novos pigmentos e cores aos povos de ambos os lados do atlântico. O Carmim, corante e pigmento derivado de um insecto parasita, a Cochonilha, que se encontra na América Central e do Sul, atingiu um valor e estatuto muito elevado. Produzido por secagem e moagem das Cochonilhas, o carmim, podia ser, e ainda pode, ser usado no tingimento de tecidos, alimentos, tatuagens, ou na sua forma sólida (Pigmento-Laca), em qualquer tipo de tinta ou cosmético. Os povos indigenas do Peru, vêem produzindo corantes de Cochonilhadesde o ano 700 AC[7] mas os Europeus nunca tinham visto a cor. Quando a Espanha invadiu o Império Asteca, no que é hoje o México, eles foram rápidos a explorar a cor para novas oportunidades de comércio. = Carmim tornou-se o segundo artigo de exportação mais valioso, logo a seguir à prata. O pigmento conferiu aos cardeais católicos e ao exército britânico, os seus uniformes distintos. Os espanhõis conseguiram manter secreta, a verdadeira fonte do pigmento até ao século XVIII, quando biólogos conseguiram determinar a verdadeira origem

Enquanto o Carmim era popular na Europa, o azul, permaneceu como uma cor exclusiva, sempre associada à riqueza e ao poder. O mestre HolandêsJohannes Vermeer muitas vezes fez uso abundante de Lapís-Lazúli, Carmim e Amarelo indiano nas suas pinturas vibrantes.

Desenvolvimento dos Pigmentos Sintécticos

Os primeiros pigmentos conhecidos eram minerais naturais. Óxidos de ferro naturais dão uma gama de cores e são encontradas em muitas pinturas do Paleolitico e Noelitico. Dois exemplos incluem Ocre vermelho anidro Fe2O3 e o ocre amarelo hidratado Fe2O3.H. O Carvão e o Negro de fumo, também são usados desde os tempos pré-históricos.

Os dois primeiros pigmentos sintéticos foram o Chumbo branco (Carbonato de Chumbo - PbCO3)2Pb(OH)2 e o Azul Egípcio (silicato de cobre – CaCuSi4O10 e/ou Silicato de cálcio – CaO•CuO•4SiO2). O Chumbo branco é produzido por combinação do Chumbo com Vinagre (Ácido acético - CH3COOH) na presença de Dióxido de Carbono – CO2. O Azul egípcio era fabricado através de vidro colorido com minério de cobre, principalmente malaquite. Estes pigmentos começaram a ser usados cerca do 2 000 anos AC.

A Revolução Industrial e científica, trouxe uma enorme expansão na gama dos pigmentos sintéticos, pigmentos que são fabricados ou refinados a partir de materiais que ocorrem naturalmente, e estavam disponíveis, tanto para a indústria, como para a arte. Devido ao elevado custo do lápis-lazúli, a maioria dos esforços orientou-se para o fabrico de um pigmento mais barato.

O Azul da prússia foi o primeiro pigmento sintético moderno, descoberto acidentalmente em 1704. No inicio do século XIX, pigmentos azuis, sintéticos e metálicos foram adicionados à gama de azuis, incluindo o azul ultramarino, uma forma sintética de Lápis-Lazúli, e as várias formas deazul cobalto e azul cerúleo. No inicio do século XX, a química orgânica adicionou o azul de ftalocianina, um pigmento organometálico com um enorme poder de tingimento.

As descobertas na ciência da cor criaram novas indústrias e dirigiram alterações na moda e gosto. A descoberta, em 1856 da Mauvaína, o primeiro corante de anilina, foi um precursor para o desenvolvimento de centenas de corantes sintéticos e pigmentos como os compostos azo ediazo que são a fonte de um espectro amplo de cores. A Mauvaína foi descoberta por um químico de 18 anos de idade, chamado Sir William Perkin que conseguiu explorar comercialmente sua descoberta, enriquecendo com isso. O seu sucesso atraiu uma geração de sucessores, que como jovens cientistas usaram a química orgânica para perseguir riquezas. Dentro de poucos anos, os químicos tinham sintetizado um subtituto da rubia na produção da alizarina. Nas décadas finais do século XIX, têxteis, tintas e outros produtos em cores como o vermelho, carmesim, azul, tornaram-seacessíveis ao grande público.

O desenvolvimento de pigmentos químicos ajudou à enorme prosperidade da Alemanha e outros países do norte da europa, mas trouxe a miséria e declino no resto do mundo. Nas antigas colónias espanholas da América a produção de Cochonilha empregava milhares de pessoas. O monopólio espanhol que no inicio do século XIX valia uma enorme fortuna, perdeu muito do seu valor durante a guerra da Independência do México. A Química orgânica deu-lhe o golpe final e fatal ao colocar no mercado substitutos muito baratos.

Novas Fontes dos Pigmentos históricos

Antes da revolução industrial, muitos pigmentos eram conhecidos pelo local onde eram produzidos. Os pigmentos baseados em minerais e argilas tinham o nome da cidade ou região de onde eram extraídos. A Terra de siena era originária de Siena, Itália, enquanto que a Umbra era originária daÚmbria. Estes pigmentos estavam entre os que foram mais facilmente sintetizados, e os químicos criaram cores modernas baseadas nos originais que eram muito mais consistentes que as mineradas, no entanto o nome das cores manteve-se inalterado, mesmo se a sua base química seja completamente distinta.

Normas industriais

Antes do desenvolvimento dos pigmentos sintéticos e o apuramento das técnicas para a extracção de pigmentos minerais, os lotes de cores eram muito inconsistentes. Com o desenvolvimento da moderna indústria da cor, os profissionais e os fabricantes cooperaram para criarem normas internacionais para a identificação, produção, medição e teste das cores. Publicado pela primeira vez em 1905, o sistema de cores de Munsell tornou-se no fundamento para uma série de sistemas colorimétricos, fornecendo métodos objectivos para a medição da cor. O sistema Munsell descreve a cor em 3 dimensões, Matiz, Luminosidade e Saturação (pureza da cor), onde a saturação é a diferença para o cinzento de um dado valor de matiz e luminosidade. Em meados do século XX, estavam já disponíveis métodos normalizados para a química dos pigmentos, parte de um movimento internacional para criar padrões na indústria, a Organização Internacional de Normalização ISSO desenvolveu normas técnicas para o fabrico de pigmentos e corantes. As normas ISO definem várias propriedades químicas e industriais e como as testar. A normas ISO principais relativas ao pigmentos são:

ISO 787 - Métodos gerais de teste para pigmentos e extensores;

ISO 8780 - Pigmentos e extensores. Métodos de dispersão para a avaliação de características de dispersão

Outras normas ISO incidem sobre determinadas classes ou categorias de pigmentos, com base na sua composição química, tais como os pigmentosultramarinos, Dióxido de titânio, pigmentos de Óxido de Ferro. Muitos fabricantes de tintas, têxteis, plásticos e cores adoptaram voluntariamente oÍndice internacional de corantes, mais conhecido pelo seu nome em língua inglesa – Colour Index, como norma para identificação de pigmentos que usam no fabrico de cores particulares. O Colour Index foi publicado pela primeira vez em 1925 e hoje em dia é publicado online pela Inglesa, Society of dyers and colourists e a Americana, Society of chemists and Colourists. Este índice é reconhecido internacionalmente como a maior autoridade mundial em matérias corantes. Actualmente incluí mais de 27 000 produtos sob 13 000 nomes genéricos.

Lista de pigmentos

Baseados em Heme/Porfirina

Clorofila verde

Bilirrubina amarelo ou verde jade=-amarelo limão

Hemocianina azul

Hemoglobina vermelho-amarronzado

Emissores de luz

Luciferina verde-claro

Lipocromos

Carotenóides alaranjado

Alfa e Beta Caroteno laranja

Cianinas rosas vermelhas

Antocianina vermelho intenso

Licopeno vermelho predominante

Rodopsina azul cor do céu

Xantofilas amarelada

Cantaxantina vermelha

Zeaxantina amarelo cor do milho

Luteína amarelo

[editar]Fotossintético

Ficobilina verde-escuro

Ficocianina azulada

[editar]Outros

Hematocromo marrom

Melanina preta

Ftalocianina violeta

Uréia rosa bebê

Pigmentos de pintura

Alizarina

Azul cerúleo

Azul cerúleo - de - cromo

Azul-aço

Azul-alexandrino

Azul-antuérpia

Azul prussiano

Carmesim

Carmim

Dióxido de titânio

Ivory black

Ocre amarelo

Ocre vermelho

Mars black

Naples yellow

Pigmento de cádmio

Pigmento de chumbo

Pigmento de cobalto

Pigmento de cromo

Pigmento de phtalocianina

Pigmento de quinacridona

Contemplando o meio urbano além do concreto.

2013-02-03T16:15:00.001-08:00

De 21. Dez. 2012 A 26. Jan. 2013

Exposição dos alunos dos cursos de fotografia e pintura da Casa do Olhar- Santo André, SP.

ABERTO- FECHADO: CAIXA E LIVRO NA ARTE BRASILEIRA

2013-02-03T15:45:00.002-08:00

DE 20.OUT A 13.JAN 2013

A Pinacoteca do Estado de São Paulo, instituição da Secretaria de Estado da Cultura, apresenta exposição aberto fechado: caixa e livro na arte brasileira, com cerca de 90 obras realizadas pelos seguintes artistas: Amelia Toledo, Anna Bella Geiger, Anna Maria Maiolino, Antonio Dias, Artur Barrio, Cildo Meireles, Ferreira Gullar, Hélio Oiticica, Jac Leirner, Luciano Figueiredo, Lygia Clark, Lygia Pape, Mira Schendel, Paula Gaitán, Raymundo Collares, Regina Silveira, Regina Vater, Ricardo Basbaum, Rubens Gerchman, Sérgio Camargo, Tunga, Waltercio Caldas e Willys de Castro. Entre as obras selecionadas para a exposição estão sete obras dos anos 1950, 19 dos anos 1960, 30 dos anos 1970, duas da década de 1980, oito, três e uma dos anos 1990, 2000 e 2010, respectivamente.

Em sua primeira empreitada curatorial para um museu brasileiro, o reconhecido crítico de arte e curador britânico Guy Brett propõe uma análise sobre um fenômeno comum na arte brasileira: o uso da forma-caixa e da forma-livro nas obras de artistas brasileiros a partir da segunda metade do século XX. Por que, em uma época em que os artistas estavam preocupados em tirar a arte das galerias e dos museus e lançá-la “à vida real”, eles se interessaram por esses veículos restritos, fechados e que fortemente remetem às bibliotecas a aos arquivos? “Acredito que essa pergunta, escreve Brett, seja a chave para entender as experiências e os insights únicos que a vanguarda brasileira tem a oferecer”. Para Frederico Morais, critico de arte, “as duas formas de arte tiveram seu primeiro impulso entre os últimos anos da década de 1950 e a primeira metade da década de 1960, influenciadas pelo neoconcretismo. Com efeito, a ousadia criativa dos neoconcretos, aliada à elaboração de conceitos teóricos inovadores, como o de não-objeto, formulado por Ferreira Gullar, construiu uma base sólida para os novos experimentos formais. Esses conceitos foram vitais: a obra de arte como um “organismo vivo” e a participação ativa do espectador”.

Sobre o curador

Guy Brett escreve sobre arte desde os anos 1960. Foi um dos primeiros críticos a lidar com o trabalho de artistas brasileiros e um dos responsáveis pela projeção da produção nacional na Europa, e de lá para o mundo, introduzindo na cena internacional os trabalhos de Hélio Oiticica, Lygia Clark e Lygia Pape. Durante as décadas de 1960 e 1970, foi articulista nos jornais londrinos The Guardian e The Times. Nos anos 1980, tornou-se o editor de arte da publicação City Limits. Escreveu, também, para as revistas Art in America, Artforum, Art&text, Third Text, Studio International, Signals, Macula, Block, Artscribe, Art Monthly, Black Phoenix, Les Cahiers du MNAM, Cahiers Witte de With, Performance Magazine e Parkett. É autor de livros como Brasil experimental, Through our own eyes, e Carnival of perception. Foi também o curador da exposição Georges Vantongerloo no Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madri, e um dos organizadores da exposição de Cildo Meireles, em 2008, na Tate Modern, Londres.

Exposição na Pinacoteca de S.P- Coleção de peças africanas do acervo de Rogério Cerqueira Leite

2013-02-03T15:14:00.005-08:00

GÊNESE E CELEBRAÇÃO: COLEÇÃO DE PEÇAS AFRICANAS
DE 10.NOV A 27.JAN 2013

A Pinacoteca do Estado de São Paulo, instituição da Secretaria de Estado da Cultura, e CPFL Cultura apresentam a exposição Gênese e Celebração: Coleção de peças africanas do acervo de Rogério Cerqueira Leite com cerca de 200 peças, entre esculturas, máscaras, objetos de materiais e tamanhos variados (madeira, marfim, entre outros, de seis centímetros a 1, 70 metro). Esta exposição, catalogada pela CPFL Cultura, constitui-se numa oportunidade única para que o público possa conhecer um pouco mais sobre a diversidade cultural desses diferentes grupos étnicos. “A Pinacoteca desenvolve anualmente uma programação especial no mês de novembro, Mês da Consciência Negra, que busca difundir a herança cultural dos povos afrodescendentes no Brasil, e refletir sobre a contribuição que essa herança traz para a formação do Brasil contemporâneo e que pode ser percebida em inúmeras peças da coleção da Pinacoteca, em obras que vão do período colonial à arte contemporânea”, afirma Ivo Mesquita – Diretor técnico da Pinacoteca.

“Durante muitos anos, o professor Rogério foi adquirindo essas peças que resultaram numa coleção importante, que faz um amplo mapeamento das várias etnias da África”, afirma a curadora Renata Sunega. Em um mesmo espaço, a estética dialoga com o religioso, afirma Renata, por meio de relicários, máscaras e esculturas com os significados dos cultos africanos. Na coleção destacam-se peças da Costa do Marfim, Nigéria, Camarões, Congo, Gabão, Senegal, Angola, BurkinaFaso, Senegal, Tanzânia, Etiópia, entre outros países. O conjunto permite a contemplação de exemplares provenientes de povos com os Dan, Baolé, Anang, Yoruba, Bulu, Moba, Pende, Bantu, Pumu, Fang, Dogon e Sakuma,

Para que serve a Arte?

2013-02-01T19:11:00.003-08:00

INTRODUÇÃO

“ Arte é a capacidade que tem o homem de pôr em prática uma ideia, valendo- se da faculdade de dominar a matéria. Enquanto expressão corresponde a enunciação do pensamento por gestos, palavras escritas ou faladas. Representação “

(Dicionário Aurélio).

Ouvi essa mesma pergunta quando tinha treze anos de uma colega de classe à professora de artes. Ela odiava artes, sempre preferia exatas.

Por algum tempo fiquei com essa questão em mente. E quando eu penso em “Para que serve a arte ?” parece me, tão estranho que prefiro pensar em “Como seria se não existisse a arte ?”

A vida é arte, arte é vida! Quando observamos algum ambiente vemos: cor, luz, linhas, formas, dimensão, som, movimento... Tudo isso faz parte de nosso cotidiano, não tem como não vivencia-lo e ao mesmo tempo são elementos visuais, é música, é teatro, cinema, dança... É ARTE!

A arte faz parte do nosso dia- a- dia, está presente em cada segundo que vivemos. No período pré-histórico, por exemplo, o homem se utilizava do recurso das pinturas e esculturas rupestres, aonde se é possível identificar a necessidade do homem para expressar seus desejos internos como a caça, a crença e religião além de iniciar os primeiros meios de comunicação, a escrita.

Com a arte é possível expressar-se seja corporalmente ou exteriorizar- se. O ser humano consegue se expressar livremente, deixasse levar pelo ilusório ele se transporta e com isso entregasse a criação.

A ARTE COMO EXPRESSÃO E A ARTE TERAPIA

Nas crianças a arte proporciona vivencias que fortalecem suas forças vitais “... para que elas criem uma reserva de forças juvenis abundantes para a vida toda.” Proporcionar experiências e vivencias à crianças, jovens e adultos com arte, torna- os seres criativos, pensantes, mais sensíveis com si, com o próximo, com o mundo.

O imaginar, criar e fazer, transforma o ser não somente fisicamente mas também interiormente e espiritualmente, assim, o “poder” de curar e transformas o individuo, sendo esse terapêutico e benévolo contra doenças.

Adultos, jovens e crianças com dificuldades de convivência, agressivos, hiperativos, problemas na esfera oro alimentar entre outros casos, buscam na arte terapia uma forma de auxilio e auxilia a “...reconectar os elos...” ou criar desenvoltura individual diante da família.

Como é citado por Maria de Betânia Paes Norgen em sua publicação “Considerações sobre o processo de arte- terapia”, “O dar forma a sentimentos, percepções, sensações, fantasias, desejos, pensamentos...” e através deles poder se expressar assim o psicoterapeuta poderá auxilia- ló a criar o seu próprio “eu” e participar de sua “cura”.

O processo de arte terapia ocorre através da utilização de materiais artísticos como: argila, tinta, pano, papelão, madeira, tecido, sucata, entre outros objetos. A utilização desses matérias é importante na construção criativa e ilusória do “eu interior” do paciente/ cliente.

É importante que o arte-terapeuta tenha vivenciado todas as experiências antes de encaminhar o material ao seu cliente, assim ele conseguirá ter maior domínio sobre qual material é mais propicio colocar e em qual momento. Por exemplo, se ele deseja que seu cliente se “solte” poderá utilizar de recursos como danças e vivencias corporais.

Considerações Finais

Como diz Ferreira Gullar : “ A arte existe porque a vida não basta.” Acredito em suas palavras, não há como existir vida sem arte, não existe arte sem vida. Uma coisa está ligada a outra, é parte fundamental na existência humana, assim como a água e os alimentos são importantes, essenciais para o nosso corpo físico, a arte é essencial para nossa alma. E quando unificada com a educação, psicologia e as demais áreas há um verdadeiro complemento, uma união.

BIBLIOGRAFIA

AMARAL, Aracy A. Arte para quê? : a preocupação social na arte brasileira 1930- 1970. 1984, São Paulo, SP. Ed. Nobel.

BARBOSA, Ana Mae. A imagem no ensino da arte. 2002. São Paulo, SP. Ed. Perspectiva.

DUARTE, João – Francisco JR. Por que arte- educação? 1953, Campinas, SP. Ed. Papirus.

PORCHER, Louis. Educação Artística: luxo ou necessidade? 1982, São Paulo, SP, Ed. Summus.

A História do Livro.

2013-01-22T06:10:00.002-08:00

O livro tem aproximadamente seis mil anos de história para ser contada. O homem utilizou os mais diferentes tipos de materiais para registrar a sua passagem pelo planeta e difundir seus conhecimentos e experiências.

Os sumérios guardavam suas informações em tijolo de barro. Os indianos faziam seus livros em folhas de palmeiras. Os maias e os astecas, antes do descobrimento das Américas, escreviam os livros em um material macio existente entre a casca das árvores e a madeira. Os romanos escreviam em tábuas de madeira cobertas com cera.

Os egípcios desenvolveram a tecnologia do papiro, uma planta encontrada às margens do rio Nilo, suas fibras unidas em tiras serviam como superfície resistente para a escrita hieróglifa. Os rolos com os manuscritos chegavam a 20 metros de comprimento. O desenvolvimento do papiro deu-se em 2200 a.C e a palavra papiryrus, em latim, deu origem a palavra papel.

Nesse processo de evolução surgiu o pergaminho feito geralmente da pele de carneiro, que tornava os manuscritos enormes, e para cada livro era necessária a morte de vários animais

A MANUFATURA

O papel como conhecemos surgiu na China no início do século 2, através de um oficial da corte chinesa, a partir do córtex de plantas, tecidos velhos e fragmentos de rede de pesca. A técnica baseava-se no cozimento de fibras do líber - casca interior de certas árvores e arbustos - estendidas por martelos de madeira até se formar uma fina camada de fibras.

Posteriormente, as fibras eram misturadas com água em uma caixa de madeira até se transformar numa pasta. Mas a invenção levou muito tempo até chegar ao Ocidente.

O papel é considerado o principal suporte para divulgação das informações e conhecimento humano. Dados históricos mostram que o papel foi muito difundido entre os árabes, e que foram eles os responsáveis pela instalação da primeira fábrica de papel na cidade de Játiva, Espanha, em 1150 após a invasão da Península Ibérica.

No final da Idade Média, a importância do papel cresceu com a expansão do comércio europeu e tornou-se produto essencial para a administração pública e para a divulgação literária.

Johann Gutenberg inventou o processo de impressão com caracteres móveis - a tipografia. Nascido, em 1397, da cidade de Mogúncia, Alemanha, trabalhava na Casa da Moeda onde aprendeu a arte de trabalhos em metal. Em 1428, Gutenbergparte para Estrasburgo, onde fez as primeiras tentativas de impressão.

Segundo dados históricos, em 1442, foi impresso o primeiro exemplar em uma prensa. Em 1448 volta à sua cidade natal, e dá início a uma sociedade comercial com Johann Fust e fundam a 'Fábrica de Livros' - nome original Werk der Buchei. Entre as produções está a conhecida Bíblia de Gutenberg de 42 linhas.

A partir daí o mundo não seria mais o mesmo. A partir do século 19, aumenta a oferta de papel para impressão de livros e jornais, além das inovações tecnológicas no processo de fabricação. O papel passa a ser feito de uma pasta de madeira, em 1845. Aliado à produção industrial de pasta mecânica e química de madeira - celulose - o papel deixa de ser artigo de luxo e torna-se mais barato.

As histórias, poesias, contos, cálculos matemáticos, idéias e ideais poderiam, a partir de agora, percorrer mares e terras e chegar ás mãos de povos que seus autores jamais imaginariam.

Mas desenvolver o hábito da leitura é um desafio a ser enfrentado. Fundada em 1946, a Câmara Brasileira do Livro é uma das iniciativas criadas com a missão de desenvolver a leitura no País e difundir a produção editorial brasileira. A CBL, uma entidade sem fins lucrativos que reúne editores, livreiros e distribuidores, realizou em 2000 uma pesquisa em todo o País para avaliar a indústria do livro nacional.

Segundo a pesquisa, há no País cerca de 26 milhões de leitores, e 12 milhões de compradores são das classes B e C. Sendo que 60% têm mais de 30 anos, e 53% são moradores da Região Sudeste. Da população alfabetizada com mais de 14 anos, 30% leu pelo menos um livro nos últimos três meses.

Ainda de acordo com os dados apurados, o grau de escolaridade mantém influência decisiva para a leitura. O grupo de pessoas que mais compra livros no País possue nível médio de escolaridade

A LEITURA

Plínio Martins Filho, presidente da Editora da USP e professor no curso de Editoração da Escola de Comunicações e Artes (ECA), diz que o consumo de livros no Brasil só não é maior por uma questão de hábito. "Uma das causas da falta de hábito é que a leitura tem que disputar espaço com outras formas de entretenimento. As grandes editoras do Brasil surgiram junto com o rádio e a televisão que, de alguma forma, são meios de lazer baratos e de fácil acesso."

Segundo ele, a distribuição e a divulgação de livros no Brasil são precárias. Não há verba para se fazer divulgação de livros pela televisão, que é uma mídia cara. E os jornais tratam como assunto de final de semana. "Um exemplo disso é que na França a venda de jornais aumenta no dia em que são publicadas resenhas. No Brasil as resenhas são publicadas nos dias em que se vende mais jornais", afirma ele.

Bibliografia:

Esse texo pertence à Cinderela Caldeira, e pode ser encontrado em: http://www.usp.br/espacoaberto/arquivo/2002/espaco24out/vaipara.php?materia=0varia

Como construir um livro artesanalmente?

2013-01-06T08:51:00.003-08:00

Venho pesquisando como confeccionar um livro artesanalmente, por meio de alguns sites e livros, dentre eles encontrei videos bastante revelantes a respeito dessa construção.

Segue o link dos mesmos.

Encadernação artesanal com cola e grampo.

Livro costurado.

IN- Livro do artista 2012

2012-12-09T12:28:00.003-08:00

A morte da arte- O Pós Contemporâneo

2012-11-25T06:36:00.003-08:00

Matéria originaria da Folha de S. Paulo- 20/11/2012

'As grandes narrativas foram por água abaixo', diz o crítico Lorenzo Mammì

SILAS MARTÍ

DE SÃO PAULO

Dois dos críticos de arte mais influentes do país, Lorenzo Mammì e Tadeu Chiarelli, lançam ao mesmo tempo coletâneas de textos que analisam o estado atual das artes visuais no Brasil e no mundo. Em seus argumentos, ambos parecem concordar que as artes plásticas chegaram a uma espécie de vale-tudo, um momento de experimentalismo exacerbado que veio depois do fim das grandes escolas e vanguardas.

'Há obras que viraram hoje itens da Oscar Freire', reflete o crítico Tadeu Chiarelli

"Não há mais movimentos de transformação da linguagem artística", sentencia Mammì, que lança "O Que Resta", pela Companhia das Letras. "O que a gente conhece como arte contemporânea poderia ter se encerrado nos anos 1990." Segundo o crítico e professor da USP, o que restou para a arte hoje é a "função fundamental" de "criar estranhezas".

Também professor da USP e diretor do Museu de Arte Contemporânea da universidade, Tadeu Chiarelli vê um momento de "incerteza e tensão" nas artes visuais. "É o fim de um determinado relato, de uma compreensão do que deveria ser arte."

	Daniel Kfouri/Folhapress

	Lorenzo Mammi, professor da USP e especialista em musica e filosofia

Para ele, esse estado de ruptura vem desde a Semana de 1922. Em "Um Modernismo que Veio Depois", que sai pela editora Alameda, Chiarelli defende que os modernistas brasileiros estavam mais alinhados a um projeto conservador do que a ideais vanguardistas. Também faz críticas ao mercado e argumenta que a crítica de arte sumiu da imprensa e hoje se restringe ao meio acadêmico.

Leia abaixo trechos da entrevista com Lorenzo Mammì.

Folha - Depois das vanguardas do século 20, como o sr. vê o estado atual das artes visuais?

Lorenzo Mammì - Não há mais grandes movimentos de transformação da linguagem artística. Hoje, artistas usam vários meios para encontrar espaços, nichos de experiência estética que ainda são possíveis. O que não há mais na arte contemporânea é a utopia de transformação que havia até os anos 1970.

Eu diria que a arte povera e a arte conceitual foram os últimos grandes movimentos. O que a gente chama de arte contemporânea poderia ter se encerrado nos anos 1990.

Qual seria então a característica marcante da arte feita hoje?

O que me parece mais forte agora é a busca de um embate pessoal com o mundo. Os artistas não estão preocupados com a história da arte. Uma característica dos últimos anos é essa busca de experiência real mais do que uma relação com a história. É o que sobrou, é um risco pessoal nas relações com o mundo.

Como não temos mais uma perspectiva de transformação radical, não temos um problema a ser superado.

Arte hoje ainda é relevante?

Ela é mais necessária hoje do que em outros momentos. Vivemos num fluxo puro de informações. Então, o que resta nesse momento em que as grandes narrativas foram por água abaixo é essa função da arte de criar estranhezas, o que já é uma função fundamental nesses tempos de discursos homogeneizados.

Que tipo de estranheza é essa?

Artistas como o William Kentridge, difíceis de classificar. Não é autobiográfico nem intimista, mas busca uma experiência pessoal.

Em alguns casos, é algo espalhafatoso como Anish Kapoor ou Olafur Eliasson, que criou um sol no meio da Tate Modern, algo com impacto sensível muito forte. Não precisa de uma narrativa. É uma arte que é pura evidência.

O QUE RESTA

AUTOR Lorenzo Mammì
EDITORA Companhia das Letras
QUANTO R$ 59,50 (416 págs.)

Livro de artista- AMADO, Jorge

2012-11-19T15:52:00.004-08:00

(detalhe)