Mi país, el mediterráneo.

Chano Dominguez - Flamenco Sketches 2012. Monstruoso Chano y su grupo por bluenoterias.

2012-04-18T14:33:00.000+02:00

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Chano Domínguez ha fusionado brillantemente el flamenco con el jazz en su nuevo álbum Flamenco Sketches que se publicó el 13 de marzo de 2012 en Blue Note Records, ofreciendo una nueva y deslumbrante interpretación de la música seminal de Miles Davis en este mismo sello. Flamenco Sketches fue encargado por el Barcelona Jazz Festival con motivo del 50º aniversario de Kind of Blue y, tras
tocarse en Barcelona, se grabó en directo en el Jazz Standard de Nueva York en diciembre de 2009. Flamenco Sketches es una recreación única vista desde el flamenco del repertorio de Miles Davis, para la que Chano Domínguez se ha acompañado de músicos muy especiales: Mario Rossy (bajo), Israel “Piraña” Suárez (cajón), Blas “Kejío” Córdoba (cante, palmas) y Tomás “Tomasito” Moreno (baile, palmas). Chano Domínguez publica Flamenco Sketches, grabado en directo en Nueva York y con la música de Miles Davis como inspiración. Flamenco y jazz unidos como nunca lo han estado.
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Reinterpretar la obra de Miles Davis es siempre un ejercicio de riesgo; más aún si se trata del álbum “Kind of Blue” (1959), el disco de jazz más vendido de la historia.
En “Flamenco Sketches” (Blue Note), Chano Domínguez ofrece una nueva y deslumbrante interpretación de la música de Miles Davis, una brillante fusión del flamenco y el jazz.
“Flamenco Sketches” fue encargado por el Barcelona Jazz Festival con motivo del 50º aniversario de “Kind of Blue” y, tras tocarse en Barcelona, se grabó en directo en el Jazz Standard de Nueva York en diciembre de 2009, donde el público reaccionó con entusiasmo, a pesar de que, para muchos, era su primer acercamiento al flamenco.
Los siete temas del álbum incluyen el repertorio de “Kind of Blue” al completo y dos de las más populares composiciones de Davis: Nardis (que tocó el pianista Bill Evans y nunca grabado por su autor) y Serpent’s Tooth.
Reflejando la profunda conexión de Miles Davis con la música española (evidente en su álbum Sketches of Spain y en el tema Flamenco Sketches de Kind of Blue), Chano Domínguez afirma que su álbum es un tributo al trompetista y a su música. “La música de Miles Davis ha sido una constante en mi aprendizaje”, dice. “Es muy importante conservar el espíritu de libertad que impregna la obra de Miles, y por eso cambié algunos elementos para acercar su lenguaje a mi cultura”.
Cada tema del álbum está arreglado según diferentes palos flamencos, incluyendo el baile. “He utilizado el baile como percusión flamenca, integrándolo en introducciones e improvisaciones dentro de la estructura de cada canción” dice el pianista. “Aparentemente, el flamenco y el jazz son diferentes, pero sus corazones se parecen”, declaró Chano Domínguez a la revista Down Beat. “Nacieron de una cultura en la que la gente tenía una vida difícil. El jazz del pueblo negro, del blues, de la necesidad de expresar sus alegrías y sus tristezas, lo mismo que el flamenco. Por eso pueden unirse a pesar de llegar de culturas diferentes y pueden caminar en la misma dirección”.
“Flamenco Sketches” es una oportunidad de disfrutar con esos dos mundos que Chano Domínguez fusiona con tanto arte.

Chano Dominguez - piano
Mario Rossy - bajo
Israel "PiraÑa" Suarez - cajón
Blas "Kejio" Cordoba - cante y palmas
Tomas "Tomasito" Moreno - palmas y taconeo

01. Flamenco Sketches 16:04
02. Freddie Freeloader 9:33
03. Blue in Green 8:08
04. So What 7:45
05. All Blues 6:53
06. Nardis 9:05
07. Serpent's Tooth 3:38

Pedro Sierra - El Toque Flamenco 2012. El tercer disco de este magnifico guitarrista.

2012-04-18T12:31:00.000+02:00

IMAGEN ELIMINADA por infracción de Copyright.

Link: ELIMINADO por infracción de Copyright. La verdad es que podría habernos mandado un correo pidiendo la retirada del link en vez de denunciarnos directamente por infringir el Copyright.
De todas formas hay otro blog, QUE NO ES ESTE, donde podéis tener mas información sobre este maravilloso disco. Gracias Anónimo por darnos esta útil dirección, se ve que no estamos solos. Pincha aquí.

Mas información sobre el disco aquí.

Guitarra Flamenca. Pedro Sierra
Palmas. La Tobala, El Junco, El Bobote, Pastora Galvan Jardanay, Cristian Guerrero, Roberto Jaen
Bajo. Jesus Garrido

1.Cartujano Bulerias
2.Cañadú Solea por bulerias
3.La Serranía Rondeña
4.Simplemente Luz Cantiñas
5.La Fragua Bulerias
6.Onuba Fandangos de Huelva
7.Brisas de caña Guajiras
8.La Campiña Zapateado
9.De inmediato Tientos
10.Azabache(La Serranía Version Radio)Jaleos

Jorge Pardo - Huellas 2012. Edita el solito, sin discograficas un doble disco que el mismo define como: "50 tíos tocando en un verdadero trueque gitano. Huellas es el resultado del auténtico trueque gitano. No paga IVA ni VENÍA".

2012-04-10T13:44:00.000+02:00

Link: Aquí.

Jorge Pardo (Madrid, 1956) es un payo que toca la flauta y el saxo y se dedica al flamenco desde que se cruzó con Paco de Lucía y Camarón, con los que exploró los muchos caminos que llevan a la Roma del compás; el mismo que tienen los 50 "tíos" que ha reunido "en verdadero trueque gitano" para hacer "Huellas".
Su último disco se sale de lo establecido "por todas las costuras": por la nómina altruista de colaboradores, porque en vez de los 12 temas usuales se ha ido a 18, porque se lo ha producido él mismo, porque lo vende en su propia página y porque es, en definitiva, artesanal.
"Mi vida ha sido siempre romper tópicos, y ahora no iba a ser menos", dice en una entrevista con Efe el músico, que presentará mañana su disco en un concierto en Tarrasa.
En el CD han colaborado Josemi Carmona, Carles Benavent, Tino di Giraldo, Agustín Carbonell "El Bola", José Fernández Torres "Tomatito", Diego Guerrero, Niño Josele, Jerry González y Javier Colina.
"Huellas" es el resultado "del auténtico trueque gitano. No paga IVA ni 'VENÍA'. Es cambiar un cromo por otro, una flauta por un contrabajo. Tú trabajas para mí, yo trabajo para ti. Me parece fantástico y aleccionador que eso pueda ocurrir, tanto a nivel personal como humano", explica.
No ha tenido que usar sus "dotes de seducción" para convencer a sus "necesarios colaboradores" porque, afirma, todos los que intervienen "son colegas de hace tiempo y gente muy joven que ha 'caído' por casualidad".
El disco, que empezó a pergeñar hace ya dos años y a realizarlo hace uno, es distinto del anterior, "Vientos flamencos", en el sentido de que aquel era "una recopilación de hechos callejeros que acontecían".
"Huellas", compara, es "un pensamiento" alrededor de una docena de temas que tenía y en el recorrido "ha cogido formas diferentes y se ha ido ampliando".
No ha tenido presupuesto de producción y ha recurrido a la autoedición porque, subraya, el modelo que maneja la industria discográfica está "en crisis", aunque él rara vez haya participado de ella.
"Mis discos han sido la mayoría artesanía. Las nuevas tecnologías permiten abaratar costes de producción y ahora todos los músicos tienen un estudio casero. Para sacar un disco no hace falta acudir a una gran compañía que por dos fotos y un programa de televisión hipotecan tu trabajo", sostiene.
Asegura que ahora cada vez hay más demanda de discos tras los conciertos y que eso, junto con las descargas en internet, han creado un modelo que funciona al margen de las discográficas.
"Vivir de la música es más un deseo que un hecho, pero doy gracias por que yo llevo 40 años viviendo de ella", dice.
Tuvo la suerte, admite, de encontrarse cuando era un adolescente con Paco de Lucía, con el que ha tocado durante 17 años, y Camarón y, "a partir de ahí, el cóctel y la sorpresa de que se puede tocar saxo o flauta en las falsetas de Camarón o la soleá del Chaqueta no ha parado".
"El flamenco no es cuestión de instrumentos sino de personas. Creo que todo hubiera sido igual aunque yo hubiera tocado la marimba. Lo importante es que una generación de músicos se encuentra con una generación de flamencos y hay afinidades", relata.
No le gusta ser abanderado de nada y no puede decir si lo que hace es jazz o flamenco. "Soy un 'músicoautor', aunque obviamente el flamenco esta metido en mi corazón a fuego, pero también Jimmy Hendrix o Bach. Detrás de una ventana siempre hay otra ventana que abrir", remacha.
Concha Barrigós
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Huellas son 18 Composiciones propias en cuya grabación han intervenido numerosos músicos tanto del Jazz como del Flamenco, dando lugar a un de las obras más completas y representativas de lo que desde hace algunas décadas viene creando este prolífico y singular artista.
Esta innovadora producción, que se presenta este año como trabajo discográfico doble, ya disponible tanto en esta web, como en tiendas digitales y grandes superficies. Su estreno y puesta de largo tubo lugar en el veterano Festival de Jazz de Tarrasa el pasado 16 de Marzo con una formación de sexteto de autentico lujo, cosechando un sonado éxito de critica y público. Participaron Josemi Carmona a la guitarra, David Pastor; Trompeta, Bandolero; Percusiones, Marc Miralta a la Batería y Marimba, y Pablo Báez al contrabajo, aunque esta formación es adaptable a varios formatos en base al espacio escénico. En cualquier caso la banda gira en torno a una sección de instrumentos melódicos, Jorge Pardo; Saxos y flautas, añadiendo solistas como trompeta e incluso trombón junto a guitarra española, percusiones, batería, contrabajo, bajo eléctrico y marimba. Hasta ocho músicos en escena con una amplia variedad cromática que da lugar a mucha música.
“Huellas” sabe a Jazz y vientos flamencos, está llena de frescura y vitalidad, y de alguna manera; aúna vanguardia compositora junto a la destilada y concentrada esencia del Flamenco. Una visión de este arte visto desde fuera para dentro y desde dentro para fuera. Un sentimiento flamenco entre el sonido de una banda de jazz. Una visión de la improvisación con nuevas referencias. Encuentro y dispersión al mismo compas. Una ejecución para quienes sienten, respiran y conocen esos fundamentos, que no son otros que los del alma mas profunda donde no existe el tiempo ni el lugar…

En Huellas han intervenido; Enrique Rodríguez, Diego Guerrero, Rafael Navarro, Martín Leitón, Jeff Ballard, y Sergio Martinez (en la foto), Antonio Restucci, Pedro Sanz, Nasrine Rasmani, Victor Mendoza, Agustin Carbonell “El Bola”, Raul Rodriguez, Pablo Baez, Juan Grande, Antonio Rivero, José Fdez Torres “Tomatito”, Dave Samuels, Pablo Martinez, David Pastor, Niño Josele, Moises Santiago, Javier Colina, Carlos Carli, Mati, Othello Molineaux, Juan Diego Mateos, Pedro Garcia “El Brekon”, Antonio Serrano, Lorena Alcaraz, Luis Balaguer, Jerry Gonzalez, Carlos Gomez, Luismo Valladares, Josemi Carmona, Enric Monfort, Ruben de Rosario, Dani Parra, Antonio Gomez, Richard Sprince, Tino di Geraldo, Carles Benavent, Luis Amador, Juanmi Guzman, Paquete, Gil Goldstein, Santi Ibarretxe, Norman Hogue, Toni Cuenca, Curro, Fernando y Joselete de “Mushogitano”, Alfredo Paixao, Israel Varela, Ruben Heredia, Pablo Martin Caminero, Juan Peña “El chispa”, Ale, Luis y Ali de la Tota, El Viti…

CD 1
1. Zapatito
2. Chulo Miguel
3. Y Tu También
4. En el Humo
5. Cora Cora
6. El Rio
7. El Faro
8. De Madrugada en el Titos
9. Surcos

CD 2
1. Al Despertar
2. Huellas
3. Los Juncos
4. Puerta del Sol Expresso
5. Sanlucar – Mojacar
6. Cometas
7. Maid Mariam
8. Chungalí
9. Una Noche en el Aku

Cañizares - Goyescas, Granados Por Cañizares 2012.

2012-04-05T00:36:00.001+02:00

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“La nueva grabación de la Suite Goyescas del maestro Enrique Granados de Cañizares supone en sí misma un hecho histórico” afirma Gerard Mortier, director artístico del Teatro Real de Madrid. Y continúa: “No solo porque coincide con el centenario de la composición de la obra y porque Cañizares ha realizado un trabajo fundamental en su transcripción para dos guitarras, dándole una nueva dimensión inesperada. Sino además porque se trata de una verdadera interpretación maestra de uno de los mejores embajadores de la música española”.
El álbum contiene las siguientes composiciones de Granados: Los requiebros, Coloquio en la reja, El fandango del candil, Quejas o La mala y el ruiseñor, El amor la muerte, Epílogo y El pelele. Con transcripción e interpretación a dos guitarras de Cañizares, que también ha producido el disco, es el nuevo trabajo de un artista referencial de la guitarra flamenca y española. Raíces, curiosidad, formación técnica, libertad, fantasía… Son cualidades que adornan la música de Cañizares, capaz de viajar del flamenco a la clásica pasando por el jazz o el pop, contrastadas en sus continuos recitales por todo el mundo (desde el Carnegie Hall de Nueva York a los conciertos en el Palacio Quirinale de Roma o la Expo de Aichi en Japón) y que se reflejan en su nuevo disco Goyescas. Granados por Cañizares, que sucede a Cuerdas del alma y a Suite Iberia, en el que realizó la primera adaptación para guitarra de la obra de Albéniz, ganando el Premio de la Música 2008.
Ahora llega Goyescas, una adaptación de la suite para piano que Enrique Granados (1867-1916) compuso en 1911 inspirada en pinturas de Goya y que dio origen a la ópera homónima que se estrenó en 1916 en el Metropolitan Opera de Nueva York. El diario New York Times la definió como “profundamente sentida y con un intenso color nacional”. A su regreso de Estados Unidos, Enrique Granados pereció ahogado en el Canal de la Mancha al ser torpedeado su barco por un submarino alemán en el transcurso de la I Guerra Mundial.
“Cañizares se basa en una técnica impecable, nos desvela un continente musical absolutamente nuevo, que abarca toda la paleta de los colores, las atmósferas sonoras y los ritmos de la Suite Goyescas”, afirma Gerard Mortier. “En cada momento, nos sorprenden los matices de su timbre, las sonoridades de su guitarra, y su sutil manera de hacernos viajar en un mundo transfigurado a través de una música con alma. […] A mis ojos, Cañizares es un poeta de la guitarra, y esta grabación es testimonio de ello”.
Cañizares es un artista que prestigia la música española, lanzándola a la aldea global y situándola con precisión en los centros neurálgicos de la sensibilidad. Cada uno de sus discos es una joya que no sabe de tiempos, ni de modas, ni de estilos. Es música destinada a permanecer porque envejece con sabiduría y calidad. Por eso, cada nuevo trabajo de Cañizares es lo más parecido a un acontecimiento.

Los requiebros
Coloquio en la reja
El fandango de Candil
Quejas, o la Maja y el ruiseñor
El Amor y la muerte
Epílogo
El pelele

Stelios Petrakis, Efren Lopez, Bijan Chemirani - Mavra Froudia 2011. Las cejas negras de las islas griegas, la Europa medieval, Turquía e Irán.

2012-04-05T00:24:00.000+02:00

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Mavra Froudia (cejas negras) es el título del reciente proyecto de tres reconocidos músicos curtidos en diferentes disciplinas:
Stelios Petrakis, uno de los más reputados intérpretes cretenses de lyra y lauto; Efrén López, multiinstrumentista valenciano fundador de L'Ham de Foc y colaborador en numerosos grupos dedicados a la música antigua europea; y el percusionista Bijan Chemirani, nacido en una familia de músicos especialistas en zarb persa. Nos proponen un programa de recientes composiciones originales, basadas en ritmos y modos de variada procedencia: Creta y otras islas griegas, la Europa medieval, Turquía e Irán.

Stelios Petrakis: liras, laoutos, boulgari
Efrén López: laouto, boulgari, laouto bajo, guitarra sin trastes, kopuz, cura, davul, viola de roda
Bijan Chemirani: bendir, zarb, ghatam, kanjira, daf, daire
Despina Petraki: voz

1. Mavra froudia (Efrén López)
2. Üçtelli (Stelios Petrakis)
3. Hortus deliciarum (Efrén López)
4. Sybritos (Stelios Petrakis)
5. A.A.A.A.A.A.A. (Efrén López)
6. El núvol d'Oort (Efrén López / Bijan Chemirani)
7. Saros (Stelios Petrakis)
8. Pano horos (Tradicional de Karpathos)

El Sultán de las Cuerdas · The Sultan Of Strings. 12 Festival Internacional de Laúd Árabe de Tetuán 2011.

2012-02-26T23:42:00.000+01:00

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El 12º Festival Internacional de Laúd de Tetuán hace a esta ciudad la capital mundial del laúd árabe. El laúd es el símbolo de la música árabe culta y el instrumento de cuerdas que afirma la identidad musical árabe sobre otras tradiciones y experiencias musicales. El nombre del laúd viene de la versión arabizada de las palabras persas 'ud que significa madera, o bien de rud, que significa cuerda. Los melómanos del siglo XXI confirma al laúd como el sultán de los instrumentos, símbolo de la música árabe y unif icador de las culturas.
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Nuevamente, la discográfica Pneuma presenta a través de Karonte otra recopilación laudística, en esta ocasión del 12º Festival en un doble CD, con el título El Sultán de las Cuerdas. El Ministerio de Cultura hace de Tetuán la capital mundial del laúd árabe durante los tres días de Festival. El laúd es el símbolo de la música árabe culta y el instrumento de cuerdas que afirma la identidad musical árabe sobre otras tradiciones y experiencias musicales. Los organizadores y patrocinadores de este Festival promocionan las potencialidades culturales, patrimoniales y artísticas de esta ciudad mediterránea, gracias a su situación estratégica sobre la música tradicional y al conjunto de artistas venidos de Marruecos, Europa, Asia y Oriente Próximo. Durante los días de Festival su público espera en la mágica sala del Teatro Español a más de quince virtuosos del laúd, para maravillarse de sus singulares creaciones, que confirman al laúd como el sultán de los instrumentos y unificador de culturas. Esta doceava edición hace homenaje al gran maestro Abdelouahab Doukkali, original de Fez, y reúne grandes laudistas y grupos como Said Chraibi, Karloma, Ghassan al Youssef, El Pajaro de Fuego o Hicham Tetouani. Si queremos seguir la historia de este preciado instrumento, los recopilatorios de este increíble Festival serán un buen comienzo.
Raúl Álvarez
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Tercer disco de la edición número doce, es decir, del festival celebrado en 2010: El sultán de las cuerdas. El ciclo, que convierte a Tetuán en la capital mundial del laúd árabe, es una cita anual que ha creado un público refinado y melómano y que reúne intérpretes de diferentes continentes y culturas. Durante los días del festival el publico melómano esperó en la mágica sala del Teatro Español a más de quince virtuosos de Marruecos, Palestina, Siria, Egipto, Turquía, Noruega, Inglaterra y Armenia, para maravillarse de sus singulares creaciones, que confirmaron al laúd como el sultán de los instrumentos, símbolo de la música árabe y unificador de las culturas. La edición de 2010 sirvió también para homenajear a un referente de la música marroquí y árabe, el gran maestro Abdelouahab Doukkali. El doble álbum grabado en el festival recoge las interpretaciones de Said Chraibi, el grupo Karloma, Charbel Rouhana, Mehmet Bitmez, Ghassan Al Youssef, el trío Jaouahir Annagahm y Hicham Tetouani.

1 Said Chraibi 1 - Said Chraibi & Tarik Benali 6:32
2 Said Chraibi 4 - Said Chraibi & Tarik Benali 5:34
3 Said Chraibi 5 - Said Chraibi & Tarik Benali 4:35
4 Abdelouahab Doukkali 1 - Abdelouahab Doukkali 3:56
5 Karloma. Ahmmad al-Khatib 6 - Ahmmad al-Khatib & Karloma 3:58
6 Karloma. Ahmmad al-Khatib 7 - Ahmmad al-Khatib & Karloma 7:09
7 Karloma. Ahmmad al-Khatib 8 - Ahmmad al-Khatib & Karloma 7:41
8 Charbel Rouhana 1 - Abdel Fattah Saadi, Antoine Khalifeh, Charbel Rouhana, Elie Khoury & Khaled Yassine 7:27
9 Charbel Rouhana 1 - Abdel Fattah Saadi, Antoine Khalifeh, Charbel Rouhana, Elie Khoury & Khaled Yassine 10:02
10 Charbel Rouhana 5 - Abdel Fattah Saadi, Antoine Khalifeh, Charbel Rouhana, Elie Khoury & Khaled Yassine 3:33

CD2

1 Mehmet Bitmez 1 - Mehmet Bitmez & Nasser Salameh 2:23
2 Mehmet Bitmez 7 - Mehmet Bitmez & Nasser Salameh 5:30
3 Mehmet Bitmez 8 - Mehmet Bitmez & Nasser Salameh 12:20
4 Ghassan Al Youssef 1 - Dina Abdel Hamid, Ghassan Al Youssef & Ibrahim Abdel Ghany 7:43
5 Ghassan Al Youssef 8 - Dina Abdel Hamid, Ghassan Al Youssef & Ibrahim Abdel Ghany 7:23
6 Jaouahir Annagahm 6 - Jaouahir Annagahm 3:58
7 Jaouahir Annagahm 7 - Jaouahir Annagahm 3:53
8 Jaouahir Annagahm 9 - Jaouahir Annagahm 7:46
9 L' Oiseau De Feu. Kurdjian/Tabar/Chemirani 1 - Bijane Chemirani, Gerard Kurdjian & Hassan Tabar 5:26
10 L'Oiseau de Feu. Kurjian/Tabar/Chemirani 6 - Bijane Chenirani, Gerard Kurdjian & Hassan Tabar 5:38
11 Hicham Tetouani 3 - Hicham Tetouani 9:22

Laúd Árabe. Diálogo De Civilizaciones - 11 Festival Internacional De Laúd De Tetuán 2011.

2012-02-26T19:07:00.000+01:00

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Este doble CD recoge en vivo lo mejor de la 11ª edición del Festival Internacional de laúd árabe de Tetuán. Una hermosa tradición anual que ha creado un público refinado y melómano. Intérpretes de diferentes continentes y culturas del laúd árabe han interpretado sobre el mismo instrumento, las cuerdas del diálogo de las civilizaciones y las culturas. El laúd "rey de los instrumentos" ha sido el protagonista con todas las formas musicales posibles, a solo y en combinaciones con otros instrumentos. Sus intérpretes por su creatividad han honrado a la ciudad de Tetuán y maravillando a su público.
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Es en Tetuán, y dirigido por Kadiri junto a Mehdi Zouak, donde desde hace ya la friolera de 11 años que se celebra el Festival Internacional de Laúd Árabe, en el que han participado hasta la fecha más de un centenar de músicos de todo el mundo. El Laúd Árabe: Diálogo de Civilizaciones (Pneuma, 2010) reúne en dos Cds unas cuantas gotas de la última edición, algunas improvisadas y otras adaptaciones singulares de repertorios tradicionales. Además de las del citado Paniagua –responsable del sello que edita el recopilatorio y los otros dos discos referenciados–, deben destacarse las aportaciones del animoso Naseer Shamma, el festivo trío de Ahmed Fathi, el muy sugerente y onírico encuentro entre Oriente y Occidente de los grupos Andalus –integrado por tres colaboradores habituales de lo más granado del jazz y del flamenco patrio (como Paco de Lucía, Manolo Sanlúcar y el llorado Enrique Morente, entre otros)– y 7ª Cuerda, liderado por Hussein Sabsabi, en cuyos cortes se baraja flamenco, blues e incluso guiños a La Pantera Rosa de Henry Mancini. Las mezclas más sui generis vienen de la mano del dúo marroquí Badaoui-Isbah y del greco-italiano-catalán compuesto por Yannis Papaionnou (Lucrecia, Miquel Gil, Omar Sosa, Kiko Veneno, Salif Keita, Macaco) y Franco Molinari (Nébeda, Mashalá, Kaulakau, Orquestra Simfònica de Barcelona), quienes juegan a fusionar jazz vanguardista, fandango, tarantella y sirtaki, entre otros estilos ajenos al marco del concierto, en contraste con otras miradas más clasicistas como las del Trio Tarab de Nasser Houari y Abdallah Issami.
Iván Sánchez-Moreno

CD1: NASEER SHAMMA: Naseer Shamma 1 · Naseer Shamma 2 · Naseer Shamma 3 · ABDALLAH ISSAMI: IssamM . Issami2 · Issami · TAR1K BANZI/JULIA BANZI/CHARLIE BISHARAT: Banzi 1· Banzi 2 · HUSSEEIN SABSABI/TAREK SALHIA/NASSER SALAMA: Sabsabi 1 · Sabsabi 2 · Sabsabi

CD2: EDUARDO PANIAGUA/W. SHAIKHEDIN/F. SÁNCHEZ: Paniagua/Shaikhedin/Sánchez 1 · Paniagua/Shaikhedin/Sánchez 2 · Paniagua/Shaikhedin/Sánchez 3 · YANNIS PAPAIONNOU/FRANCO MOLINARI: Papaionnou/Molinari 1 · Papaionnou/Molinari 2 · Papaionnou/Molinari 3 · N. HOUARI/ T. BELHOUAT/ M. BENABDALLAH: Houari/ Belhouat/ Benabdallah 1 · Houari/ Belhouat/ Benabdallah 2 · KHALID BADAOUI/KHALID ISBAH: Badaoui/lsbah 1 · Badaoui/lsbah 2 11 Badaoui/lsbah 3 · AHMED FATHI/ DOSA ABD RABOO/M. EL KHLIFI: AhmedFathil · Ahmed Fathi 2

Jordi Savall, Hesperion XXI, Montserrat Figueras, Lior Elmaleh - Mare Nostrum, Dialogue des musiques chrétiennes, musulmanes et juives autour de la Méditerranée 2011. ¿Mi mar? El mar de Avraham.

2012-02-26T11:32:00.000+01:00

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«Sin los sentidos no hay memoria,
y sin memoria no hay inteligencia.»
Voltaire, Aventura de la memoria, 1773

La idea esencial de nuestros libros-CD y especialmente de éste, dedicado a la civilización mediterránea, es la búsqueda de los elementos capaces de establecer vínculos entre la música y la historia. O, mejor aun, de revivir y comprender los momentos importantes de nuestra memoria histórica gracias a la emoción y la belleza de la música, y gracias a la luz aportada por las reflexiones y los comentarios de nuestros historiadores, filósofos, escritores y poetas.

Nuestra elección musical para ilustrar esta diversidad se ha concretado a partir de dos fuentes principales: las tradiciones orales sefardíes, bereberes, griegas, árabes, hebraicas, andaluzas y catalanas; y los repertorios manuscritos de la Edad Media, del Trecento, de Kantemiroglu y compositores como el gran maestro griego Angeli o el sultán otomano Selim III, además de los taksims (improvisaciones) que preceden a los makams otomanos, así como las improvisaciones desarrolladas a partir de temas populares como los romances o melodías sefardíes y la maravillosa melodía catalana El cant dels aucells. Esta canción, presentada primero en versión instrumental con instrumentos antiguos, es ofrecida después en una versión contemporánea sobre un poema de Manuel Forcano, en un diálogo entre la voz de Ferran Savall y el qanun, el ud, el kaval, el contrabajo y la percusión.

Las civilizaciones y los pueblos de «Nuestro Mar» se forjaron a partir de dos grandes ríos independientes pero siempre comunicantes: las invasiones y las migraciones; y los desarrollos de las tres principales religiones. Por eso, como tan bien constata Maurice Aymard, la historia del Mediterráneo es sobre todo la historia de múltiples migraciones, invasiones, expansiones y diásporas; esa historia se ha visto moldeada tanto por la llegada de pueblos nuevos como por las sucesivas expansiones: griega, fenicia, romana, árabe, cristiana, otomana. La gran mayoría de los pueblos que habitan hoy en el Mediterráneo llegaron de fuera y ello en una fecha lo bastante reciente, desde el segundo milenio antes de nuestra era hasta la Edad Media, como para permitirnos fechar con cierta precisión su llegada.

Sin embargo, el Mediterráneo es también la historia de la mitología, la filosofía, las antiguas creencias, el pensamiento espiritual y los conflictos muy estrechamente ligados a las tres principales religiones monoteístas: el judaísmo, el cristianismo y el islam. Como describe Roger Arnaldez: «Sea cual sea el origen de las religiones, el politeísmo parece corresponderse bien con la experiencia práctica de los hombres enfrentados con una naturaleza hostil, un terreno en el que luchan entre sí potencias opuestas, los vientos y las aguas, los fuegos del cielo y la tierra, arrastrando en sus furiosos embates los destinos y los trabajos de los hombres. Las guerras incesantes entre los pueblos no dejaban de ser una imagen de esa discordia constante». Los filósofos, por su parte, intentaron reducir los caos. Para Heráclito, «Polemos (la guerra) es el padre de todo, el rey de todo» y busca fervorosamente los principios de la concordia en lo que llama «el Logos». Sin embargo, «sólo al divergir se converge consigo mismo: acople de tensiones como en el arco y la lira»; y añade «de las cosas discordantes surge la más bella armonía» y «todo sucede según discordia». No cabe duda de que la evolución del pensamiento griego hacia la concepción de un Dios único se vio retardada durante mucho tiempo por los particularismos religiosos de las polis. Fue con el imperio de Alejandro cuando nació cierto cosmopolitismo cuya influencia fue innegable en la afirmación de la idea monoteísta en el contexto griego.

El Dios único fue revelado a los hebreos, pero se trata de un Dios celoso que quiere ser el único en recibir el culto de los hombres. Es un monoteísmo muy exclusivo, que exige a su pueblo el completo abandono de los «ídolos» e incluso el alejamiento de todos los pueblos idólatras. A diferencia de lo que ocurrió en el caso de los griegos, en quienes la evolución fue más una aventura del pensamiento que una peripecia histórica, los hijos de Israel llegaron a concebir su Dios mediante una lucha real contra unos pueblos extranjeros que los rodeaban y amenazaban su existencia y su libertad nacional, pero también su fidelidad a Dios: el Rey de las Naciones, rey de Israel fundamentalmente, que había hecho con su pueblo una alianza en la Ley. En los últimos siglos de la Antigüedad y los primeros de la era cristiana, los judíos se establecieron por los contornos del Mediterráneo y, sobre todo, en Alejandría y Roma, donde constituyeron una primera diáspora. Como explica Roger Arnaldez, es sobre todo la presencia de la población judía en Alejandría y el hecho de que ésta estuviera helenizada lo que permitió la obra magistral de Filón, quien quiso acercar al espíritu helenístico, alimentado de platonismo y estoicismo pero también curioso ante las religiones mistéricas orientales, la idea profunda del pensamiento mosaico y el sentido simbólico de la Ley.

Cuando nació Jesús de Nazaret, el judaísmo atravesaba unas crisis sociales y políticas, y se hallada sacudido por diversas concepciones religiosas. En su seno se oponían fariseos, saduceos y zelotes; y también estaba los esenios, a los que conocemos mejor gracias a los manuscritos del mar Muerto, y los terapeutas, que quizá estaban vinculados a ellos y de los que Filón habló en su De vita contemplativa. El Dios único predicado por Cristo es, en efecto, el de Abraham, Isaac y Jacob. Sin embargo, ya no es exclusivo de aquellos con quien Él hizo su alianza. Se eleva por encima de los conflictos humanos: «Dios es amor», tal es la inmensa y novedosa revelación que anuncia Juan en su primera carta (4:8). No obstante, Juan utiliza la palabra aguapé para eliminar toda referencia a las teogonías y cosmogonías basadas en imágenes sexuales, revela el misterio de la vida íntima de ese Dios vivo que anunciaban los profetas y enseña que el hombre está llamado a participar en esa vida por el amor: «amémonos, pues, los unos a los otros. El que ama es hijo de Dios y conoce a Dios» (4:7). Nacido en el judaísmo, el cristianismo vivió primero en un medio judeocristiano. Sin embargo, san Pablo yendo más lejos que Filón de Alejandría, comprendió que su fe sólo podía ser recibida por los gentiles si cortaba con la Ley mosaica: «Pues sostenemos que el hombre queda justificado por la fe, independientemente de las obras de la ley. ¿O es Dios sólo de los judíos? ¿No lo es también de los gentiles? Sí, también de los gentiles, ya que hay un único Dios» (Romanos 4:28-30).

El cristianismo se impuso políticamente con el emperador Constantino. Se comprende, pues, que el pueblo del Antiguo Testamento –a menudo despreciado y maltratado por los romanos, y más aun por los triunfales cristianos–, privado de su Templo en Jerusalén, privado de profetas, se replegara bajo la guía de sus doctores en torno a la salvaguarda de lo único que le quedaba: su Libro. Lo transcribieron, fijaron, estudiaron palabra a palabra a lo largo de toda su vida, porque era su razón de ser y existir. Se desarrolló, así, en perfecto aislamiento una inmensa literatura que se apoyaba en la Mishná, los Talmudes de Jerusalén y Babilonia, la Halajá y la Hagadá, y que produjo el surgimiento de la Cábala y la mística judía.

Mientras tanto, los cristianos siguieron sendas muy diferentes. También estudiaron los libros sagrados, pero se habían convertido en portadores de la civilización grecorromana. Una vez se convirtió en la oficial del Imperio, la religión cristiana se vio enfrentada a un gran peligro: el gusto por la riqueza y los fastos, el gusto del poder. Sin embargo, paralelamente se conservó y desarrolló un espíritu de pobreza, de sencillez y humildad con el monaquismo en Occidente, con san Benito y su regla: vida de obediencia, oración, penitencia y trabajo.

La última conmoción experimentada en el espacio mediterráneo medieval fue la rápida conquista de ciudades y territorios por parte de los «jinetes de Alá». Es de nuevo Roger Arnaldez quien nos recuerda que esos jinetes llegados de los desiertos de Arabia no eran invasores corrientes, ávidos sin más de conquistas y botín (aunque los hombres no se hayan librado nunca de todas las codicias): llevaban consigo una nueva fe, predicada por el profeta Mahoma y que se presentaba como el recordatorio de la fe de Abraham, el padre de los creyentes, el amigo de Dios. Era necesario restaurarla, porque los judíos y los cristianos la habían falseado, disimulando o alterando las verdades contenidas en la Torá y el Evangelio auténticos revelados a los profetas Moisés y Jesús. El monoteísmo absoluto se encuentra afirmado en el Corán, palabra eterna e increada de Dios, del modo más brutal y tajante. «Predica, en el nombre de tu Señor, el que te ha creado» (96:1). El hombre no debe interrogarlo sobre sus acciones ni sus mandamientos, porque es mas bien Él quien interroga al hombre (21:23). De sus servidores se exige estricta obediencia y sumisión a su voluntad. La palabra islam significa precisamente esa sumisión, y el islam se presenta como la restauración de una verdad única que debe unir a todos los creyentes. «Di : "¡Oh, gente del Libro! ¡Venid a una palabra común a nosotros y a vosotros!, que no adoramos sino a Dios y no le asociamos nada, que no utilizamos, ni unos ni otros, señores fuera de Dios"» (3:57/64). No cabe duda de que por la sencillez de su dogma el islam puede presentarse como la fe que debería ser común a los tres monoteísmos: un solo Dios, una sola fe, una sola comunidad; pero la fe, según un célebre hadiz consiste en creer en Dios, en los ángeles, los Libros, los Enviados, el Último Día y en lo que está predeterminado en bien y en mal.

Podría parecer que todos los monoteísmos deberían coincidir en torno a semejante credo, pero en tanto que religiones positivas reveladas, no pueden llegar a entenderse. Los Libros, los Enviados no son los mismos o no se comprenden del mismo modo.

No obstante, hay un terreno en el que se manifiestan algunas convergencias. En las tres religiones la idea de un Dios único plantea problemas comunes a todos, y ha habido literalistas y fundamentalistas. Aunque la filosofía griega termina por imponer en todas partes marcos conceptuales; y la lógica de Aristóteles, métodos de razonamiento. En Bagdad, en la Casa de la Sabiduría, la Bayt al Hikma fundada por el califa Mamun, se concentró el legado filosófico y científico de Alejandría. Allí se congregaron sabios judíos, cristianos y musulmanes para traducir las obras griegas.

En el plano humano, el rostro actual del Mediterráneo es, ante todo, obra de tres grandes conjuntos de movimientos migratorios, escalonados a lo largo de más de tres milenios. El primero y el más prolongado, del año 2000 antes de nuestra era hasta el final de las invasiones bárbaras, puebla las penínsulas y las costas del norte; hititas, griegos, itálicos y celtas de este a oeste y, después del fracaso de Roma en su intento de contenerlos, francos, lombardos y eslavos. Todo ello al precio de sacudidas brutales, de inmensos estragos generadores de largas regresiones: la destrucción, en el siglo XII antes de nuestra era, de los reinos aqueos de Micenas y Argos por una segunda oleada de invasores griegos, los dorios, inaugura una Edad Media comparable a la que sigue al colapso de Roma ante el empuje bárbaro.

Los otros dos movimientos migratorios son, siempre según Maurice Aymard, obra de dos grupos, más restringidos en número, de grandes nómadas: los árabes y los turcos. Los primeros llegan a partir del siglo VII procedentes de sus desiertos tropicales de Oriente Próximo, arrollan la débil resistencia de Bizancio e imponen en dos siglos desde Bagdad hasta Gibraltar su novísima fe y su lengua; se expanden incluso hacia el norte, ocupan España y Sicilia, y asuelan las costas de Italia y Francia. Los segundos, procedentes de las frías estepas del Asia central, se instalan en Anatolia a partir del siglo XI: tres siglos más tarde, el Estado de los Osmanlíes consigue establecerse sólidamente en los Balcanes para luego apoderarse de Constantinopla y someter hasta Argel a todo el islam mediterráneo. Estambul consigue la paradoja de convertirse en época de Solimán el Magnífico en la primera ciudad turca, pero también en la primera ciudad griega, armenia, judía... Ningún rastro, es cierto, de conversión forzosa: los «infieles» tienen en todas partes su lugar, confirmado por un impuesto especial. A partir de ese momento, la cesura fundamental no opone el norte y el sur, sino Oriente y Occidente.

Durante todos esos siglos antiguos, las migraciones configuraron la historia y la unidad del Mediterráneo: hoy amenazan con deshacerla. Contra esa amenaza se alza hoy la misma revuelta, la misma búsqueda apasionada de identidades en peligro de ser destruidas por la nivelación lingüística, política y económica.

Dispersándose por todo el perímetro del Mediterráneo, Atenas y Jerusalén fundaron con el concurso de sus culturas filosóficas y religiosas la civilización del mundo occidental. Nos sumamos a la esperanza de Roger Arnaldez, cuando nos dice: «Debemos esperar la reanudación de tales contactos entre pensadores de los tres monoteísmos mediterráneos en condiciones que podrían ser hoy más favorables aun que en el pasado». Nuestras culturas y nuestras civilizaciones saldrían muy beneficiadas de la aparición de un verdadero diálogo intercultural entre Oriente y Occidente; un verdadero diálogo que permitiría, si consiguen encontrar el camino para ello, si no la unidad al menos un redescubrimiento de los ideales comunes que las animan y de los valores compartidos que les proporcionan fuerza y originalidad. Unos ideales y unos valores cuya patria original fue este antiguo MARE NOSTRUM que es nuestra cuenca mediterránea.

Dejemos, pues, hablar la historia para comprender mejor el sentido de nuestros orígenes y nuestras tragedias, de nuestros conflictos y nuestras esperanzas, y dejemos sonar la música, para que nos haga sentir, gracias al diálogo de las voces y los instrumentos, hasta qué punto la infinita riqueza de nuestra diversidad musical «mediterránea» puede ser una fuente inagotable de emociones y belleza, de diálogos y descubrimientos. Creemos, como Amin Maalouf, que «para devolver algunas señales de esperanza a nuestra humanidad desorientada, hay que ir mucho más allá de un diálogo de culturas y de creencias, hacia un diálogo de almas. Tal es, en estos inicios del siglo XXI, la misión irremplazable del arte».

JORDI SAVALL

Montserrat Figueras, Lior Elmaleh

HESPÈRION XXI
Y. Dalal, G. Dinçer, D. El Maloumi, P. Estevan, H. Güngör, P. Hamon, P. Memelsdorff, A. Lawrence-King
G. Mouradian, N. Nedyalkov, D. Psonis, H. Sarikouyoumdjian, F. Savall, M.S. Tokaç, Y. Tokcan, D. Türkan, F. Yarkın

CD 1
1.    La Guirnalda de rosas (M. Figueras, L. Elmaleh). Romance Sépharade (Espagne XVe s./Rhodes)
2.    Saltarello [Mss. CSM 77-119]. Alfonso X El Sabio (Espagne)
3.    Kamti Beivshan Layla (L. Elmaleh). Chant Hébreu (Israël)
4.    Gagauski (kaval, morisca & percussion). Danse turque (Balkans)
5.    Berceuse Amazig (M. Figueras, D. El Maloumi). Tradition Berbère (Maroc)
6.    A la una yo nací (inste.). Sépharade (Sarajevo)
7.    Üsküdar (G. Dinçer). Chant traditionnel (Turquie)
8.    Las Estrellas de los cielos (improvisation instr.). Sépharade (Alexandrie)
9.    LaMoledet shuvi roni (L. Elmaleh). Asher Mizrahi (Jérusalem)
10. Taksim & Makam Kurdi Pesrev (instr.). Angeli (Grèce ca.1680)
11. Alef, mem shin (M. Figueras). Sépharade (Turquie)
12. Taksim - Pesendîde « Saz Semârsi » (instr.). Selim III. Istanbul (1800)
13. Noumi noumi yaldati (M. Figueras, L. Elmaleh). Berceuse Hébraïque (Israël)
14. La Armada Turca (instr.). Mélodie Sépharade (Istanbul)

CD 2
1.    En la Santa Helena (instr.). Sépharade (Sophie)
2.    Shaar petach Dodi (L. Elmaleh). Chant Hébreu (Israël)
3.    Taksim Kanun (improvisation). Hakan Güngör (Istanbul)
4.    Nana andaluza : Duerme mi niña (M. Figueras). Traditionnel (Espagne)
5.    El Rey que tanto madruga (instr.). Sépharade (Maroc)
6.    Ana Av Rajman (L. Elmaleh). Chant Hébreu (Maroc)
7.    Chominciamento di gioia (Istanpitta) (P. Hamon, P. Estevan). Mss. Trecento (Italie ca.1300)
8.    Berceuse Κοιμησου Χαiδεμενο Μου (M. Figueras). Chant traditionnel (Grèce)
9.    El cant dels Aucells (instr.). Chant traditionnel (Catalogne)
10. Hon Tahon (L. Elmaleh). Chant Hébreu (Israël)
11. Taksim & Makam «Rast Murass’a» Mss. D. Cantemir n.214 (Istanbul, 1690)
12. Adonenu Elohenu (M. Figueras). Sépharade (Tunisie)
13. Taksim & danse Bulgare. Traditionnel (Bulgarie)
14. Mireu el nostre mar (F. Savall) improvisation, M. Forcano (texte) F.Savall (mus.)
inici

Jordi Savall, Al-Darwish, La Capella Reial De Catalunya, Hesperion XXI - Jérusalem. La Ville des deux Paix: La Paix céleste et la Paix terrestre 2008. Ay Yerushalaim, Yerushalaim.

2012-02-23T21:41:00.000+01:00

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EL PODER DE LA MÚSICA

Para hablar de la génesis de este proyecto tenemos que remontarnos al 2007, al momento en que recibimos el encargo de La Cité de la Musique de preparar un nuevo proyecto (para abril del 2008) en torno a un ciclo de conciertos sobre las tres principales religiones monoteístas. Tras algunos días de reflexión, enseguida presentimos que la ciudad de Jerusalén podía ofrecernos el tema ideal. Este tema permitía presentar una demostración muy intensa y hermosa de la grandeza y la locura de la historia de una ciudad con toda la problemática de un lugar que sigue señalando hoy los límites y las debilidades de nuestra civilización; sobre todo, en relación con la búsqueda de una paz justa y válida para todos y con la dificultad de llegar a un acuerdo en Oriente y Occidente acerca de los fundamentos mismos de la auténtica dimensión espiritual del hombre. La evocación de algunos momentos esenciales de la historia y la música de una antigua ciudad como Jerusalén, con sus más de 3.000 años de existencia, parecía de entrada un desafío desmesurado, casi imposible. Y es que, el espacio de una edición discográfica, por más que carezca de parangón respecto a las normas habituales, no deja de ser muy limitado para un libreto de más de 400 páginas editado en ocho lenguas y dos SACD de 78 minutos.

Junto con Montserrat Figueras y Manuel Forcano, adquirimos conciencia desde el principio de que no sólo había que evocar su recorrido único debido a sus repercusiones universales, sino, en particular, debido a que resultaba evidente que esa evocación –que constituía al mismo tiempo un ferviente homenaje– sólo sería posible si se tenían en cuenta los testimonios esenciales de cada uno de los principales pueblos, culturas y religiones que la han dotado de forma a lo largo de la historia. Una historia muy rica en acontecimientos y, desde siempre, extremadamente dramática y conflictiva. Historia o mitología, leyenda o realidad, cantos o melodías, todo en ese universo parece querer sintetizar a través de “el poder de la música”, los elementos esenciales de la civilización humana en el espacio de una ciudad que, desde el principio, se convirtió en sagrada y mítica para las tres principales religiones monoteístas.

Para abordar este proyecto había que reunir un conjunto de músicos de diferentes tradiciones y procedentes de los principales países y culturas que han desempeñado un papel influyente en los acontecimientos antiguos y actuales. Así, además de los músicos habituales de España, Francia, Gran Bretaña, Bélgica y Grecia que forman el equipo de solistas vocales e instrumentales de Hespèrion XXI y La Capella Reial de Catalunya, invitamos a algunos intérpretes judíos y palestinos de Israel, y también de Iraq, Armenia, Turquía, Marruecos y Siria, formados y especializados en culturas musicales muy antiguas y a menudo transmitidas por tradición oral. Era necesario presentar una selección significativa de las diferentes músicas propias de los pueblos que a lo largo de la historia han vivido en la ciudad con sus sueños y tragedias, con sus esperanzas y desgracias. Esta selección no habría sido posible sin los numerosos e importantes trabajos de investigación histórica, musical y organológica llevados a cabo por grandes maestros como A. Z. Idelsohn, Amnon Shiloah, Samuel G. Armistead, Isaac Levy, Rodolphe d’Erlanger, Charles Fonton, y R. Lachmann, por lo que hace a las músicas orientales (judías, árabes y otomanas), H.J.W. Tillyard, por la música bizantina, Pierre Aubry y Gordon Athol Anderson por las músicas de las cruzadas, sin olvidar la aportación esencial de todos los músicos, cantantes y colaboradores que, con su talento y experiencia, han participado de una forma determinante en la realización final de este proyecto. Pienso, en especial, en Montserrat Figueras, Manuel Forcano, Yair Dalal, Lior Elmalich, los músicos del grupo Al-Darwish, Gaguik Mouradian, Razmik Amyan, Dimitris Psonis, Driss El Maloumi, Mutlu Torun, Omar Bashir, Begoña Olavide, Pedro Estevan, Jean-Pierre Canihac y el conjunto “trompetas de Jericó”, Andrew Lawrence-King y todos los cantantes e instrumentistas de Hespèrion XXI y La Capella Reial de Catalunya. Nunca había realizado un proyecto donde la implicación personal de todos los participantes fuera tan esencial y decisiva.

La música nos permite una mirada llena de emoción y luz sobre leyendas, creencias y acontecimientos que constituyen un concentrado fabuloso de vida, cultura y espiritualidad en simbiosis con lo que ocurre en el mundo. Muy marcadas por la presencia histórica de las principales religiones monoteístas (la judía, la cristiana y la musulmana), la historia y las músicas de Jerusalén constituyen el reflejo de una vivencia única en la cual las guerras y los conflictos más extremados van de la mano de los hechos y los gestos más elevados y espirituales de toda la historia de la humanidad.

Para dar forma a un programa musical e histórico tan complejo había que encontrar una estructura original imaginada a partir de las propias fuentes del tema que presentamos, dividido en siete capítulos que contienen los momentos clave de su historia. Tres capítulos centrales contienen una selección de las músicas más representativas de los tres períodos principales relacionados con las tres religiones monoteístas.

La Ciudad judía está evocada desde la época de su fundación hasta la destrucción del templo con el sugerente sonido del shofar, una selección de los más hermosos salmos de David tal como se han conservado en la antiquísima tradición de los judíos del sur de Marruecos, una danza instrumental y un texto recitado en hebreo del rabino Akiva.

La Ciudad cristiana está evocada desde la llegada en 326 de la reina Elena, madre del emperador Constantino, hasta la derrota de los cruzados con la conquista de la ciudad por Saladino en 1187 y definitivamente por los musulmanes en 1244. La época está evocada, en primer lugar, mediante uno de los cantos más antiguos a la Cruz, atribuido al emperador León VI (886-912), seguido de la terrible llamada a la guerra santa del papa Urbano II (1095), recitada en francés. El poder de la música al servicio de la guerra queda ilustrada con tres de las más célebres y hermosas canciones de cruzada; una breve improvisación sobre la canción Pax in nomine Domini nos recuerda la derrota de 1244.

Evocamos, por último, la Ciudad árabe y otomana, que va de 1244 a 1516 por lo que hace al período árabe, mediante improvisaciones al oud, el canto de la Sura 17:1, que nos cuenta la ascensión del profeta Mahoma al cielo desde la Roca del Templo, una danza de la sama (tradición sufí) y el canto Salatu Allah. El período otomano, que va de 1516 a 1917, está representado por el makam Uzäl Sakil “Turna” del manuscrito de Kantemiroglu (siglo XVII), la recreación de la leyenda del sueño de Solimán el Magnífico (1520), recitada en turco, y una de las más hermosas marchas guerreras otomanas del siglo XVI.

Un cuarto capítulo está dedicado a la Jerusalén “Ciudad de peregrinación”, con tres representativos cantos de peregrinación. El primero sobre textos de rabí Yehuda ben Samuel Haleví, rabino, filósofo, médico y poeta sefardí, nacido en Tudela, en el emirato de Zaragoza en 1085, apodado el Cantor de Sión; el segundo, sobre una de las cantigas de Alfonso X el Sabio (1221-1284), que explica uno de los milagros de la Virgen con una peregrina durante su viaje a la ciudad santa; y, por último, el tercero, sobre un texto del más conocido de los viajeros árabes, el explorador marroquí Ibn Battuta (Tánger 1304-1377?).

Un quinto capítulo está dedicado a Jerusalén “Tierra de asilo y exilio” con dos emotivos cantos de exilio y dos de asilo: el romance “Palestina hermoza y santa” de la Diáspora sefardí, un “lamento” palestino, un “llanto” armenio en recuerdo del genocidio de 1915 y un sobrecogedor canto askenazi sobre el genocidio perpetrado por los nazis durante la Segunda Guerra Mundial.

Por último, los dos capítulos que completan el número siete se refieren a una de las etimologías que explican el nombre de la ciudad de Jerusalén, traducido del hebreo como “ciudad de las dos paces” y que hace clara referencia metafórica a la “paz celestial” y a la “paz terrenal”. La paz celestial, que nos sirve de preludio, proclamada y prometida por los profetas que vivieron o pasaron por la ciudad, es evocada mediante tres cantos antiguos correspondientes a cada una de las tres religiones monoteístas: un oráculo sibilino procedente de una fuente judía del siglo III a. C, un canto árabe de origen sufí sobre la Sura 1:2-7 y un canto sobre el Evangelio cátaro del Pseudo-Juan 5:4 conservado en el célebre manuscrito del convento del Las Huelgas (siglo XII).

La conclusión queda para la evocación de la “paz terrenal”, una paz siempre deseada por las políticas de todos los tiempos que han gobernado la ciudad durante más de cinco mil años registrados por la historia. La hemos simbolizado mediante “votos de paz” árabes, judíos, armenios (ortodoxos) y latinos (católicos), así como por una melodía transmitida por tradición oral, conservada viva hasta nuestros días en casi todas las culturas mediterráneas. Esta melodía es cantada individualmente por todos los participantes en griego, árabe (de Marruecos), hebreo, árabe (de Palestina), español, de nuevo en griego (por un conjunto vocal), ladino (canción de cuna), a tres voces (griego, hebreo y árabe), luego en versión instrumental oriental y, por último, cantada juntos en forma coral con todas las lenguas superpuestas, simbolizando así que esa unión y esa armonía no son una utopía, sino una realidad alcanzable si somos capaces de vivir y sentir plenamente el poder de la música. Como colofón a ese final optimista, vuelven de nuevo las “trompetas de Jericó”, pero esta vez para recordarnos que hay todavía demasiados muros separando el espíritu de los hombres, unos muros que habría derribar ante todo en nuestro corazón antes de destruirlos en el exterior por medios pacíficos.

En esos tiempos antiguos, el poder de la música estuvo siempre muy presente. De entre todas las fuentes antiguas, la Biblia constituye la principal y la más rica para el conocimiento de la música en las épocas más remotas. La música y la danza estaban muy presentes en la vida cotidiana y también en las ceremonias religiosas, sin olvidar las batallas. Justamente en una de las leyendas más antiguas se manifiesta el poder de la música, con las trompetas de Jericó. Más que la música en sí, son los sonidos –más bien, las fuertes e intensas disonancias– producidos por varios centenares de instrumentos tan potentes que acaban por derribar las murallas.

Desde el principio, nos pareció verosímil que uno de los instrumentos más antiguos existentes, el shofar o cuerno de carnero de Abraham, pudiera haber participado de modo esencial en esa batalla, junto con las antiguas trompetas orientales conocidas hoy como añafiles. Esa primera hipótesis quedó confirmada a lo largo de nuestras investigaciones por el testimonio del abate Nicolás, del monasterio benedictino de Thingeyrar en Islandia, que viajó a Tierra Santa cuatro o seis años después de la composición de la canción de cruzada Chevalier mult estes guaritz (1146). Nicolás encontró las trompetas de Jericó y los shofars al lado de la vara de Moisés (mencionada en esa canción), en la capilla de san Miguel de uno de los palacios de Constantinopla (Bucoleón). Este hecho está confirmado en el inventario de Antonio, el arzobispo de Novgorod, quien dice más precisamente que estaba guardado entre una de las trompetas de Jericó y los cuernos de carnero de Abraham (Riant, Exuviae Constantinopolitanae, Ginebra 1878). La partitura que hemos imaginado para esta fanfarria no puede definir ninguna nota, dado que cada instrumento tiene una entonación completamente diferente. Se trata, pues, de una construcción y una superposición del todo aleatorias de sonidos teniendo en cuenta el lenguaje característico de esos instrumentos primitivos, estructurados con ritmos y dinámicas básicas bastante precisas de forma individual, pero libres en su conjunto. El efecto sonoro conseguido por los catorce instrumentos y tambores debe imaginarse multiplicado por treinta o cincuenta si queremos aproximarnos al efecto producido en la realidad por las legendarias trompetas de Jericó.

Otro ejemplo del poder de la música que deseamos destacar se sitúa en el extremo opuesto de la violencia sonora. Aquí, los sonidos no desintegran la materia, sino que nos sobrecogen por la fuerza profunda de la emoción y la espiritualidad de una plegaria cantada. En Auschwitz, en 1941, antes de ser ejecutado, Shlomo Katz, uno de los judíos de origen rumano condenados, pidió permiso para cantar el Canto a los Muertos, El male rahamim. La belleza, la emoción y el modo de cantar esa plegaria a los muertos impresionaron y afectaron hasta tal punto al oficial encargado de la ejecución que éste decidió perdonarle la vida y le permitió huir del campo. La grabación que difundimos se realizó algunos años más tarde; es un documento histórico excepcional como memoria de lo vivido y como homenaje rendido en recuerdo de todas las víctimas de esos campos del horror, y también como plegaria por ellas (grabación del CD que acompaña la publicación de H. Roten, las Musiques liturgiques juives, París, 1998). Nos damos cuenta entonces de lo acertado de la afirmación de Elías Canetti cuando nos dice: «La música es la verdadera historia viviente de la Humanidad. Confiamos en ella sin reservas ya que lo que afirma es relativo a los sentimientos, y sin ella poseeríamos solamente parcelas muertas».

Como conclusión, de las miles de etapas diferentes de esta rica historia de Jerusalén, hemos seleccionado las que nos han parecido más significativas, ilustradas con cantos, melodías y textos esenciales, un conjunto que forma un fresco multicultural que propone algo más que un simple programa de grabación o de concierto. Aquí la música se convierte en el hilo conductor esencial para alcanzar un auténtico diálogo intercultural entre hombres pertenecientes a naciones y religiones muy diferentes, pero que tienen en común el lenguaje de la música, la espiritualidad y la belleza.

JORDI SAVALL

Intérpretes: L. Elmalich, M. Shanin Khalil, R. Amyan, B. Olavide, Ll. Vilamajó, M. Mauillon
Y. Dalal, G. Mouradian, O. Bashir, A. Lawrence-King

LA CAPELLA REIAL DE CATALUNYA • AL-DARWISH
HESPÈRION XXI
Montserrat Figueras
Direction : Jordi Savall

CD 1

1 Fanfarria de Jericó, 1200 a.C. – J. Savall

I La Paz celestial: Las Profecías del Apocalipsis y el Juicio Final
2 Los Oráculos sibilinos (s. III a.C.) – Texto griego, fuentes judías, música aramea
3 Introducción (ney y percusión)
4 El Corán: Bismi Al.là ar Rahman (s. VII) – Fatihah Sura I, 2-7. Fuentes Sufís
5 Postludio (qanun)
6 Apocalipsis VI, 12-3: Audi pontus (s. XII)
En el Evangelio cátaro del Pseudo-Juan V, 4 (mss. Las Huelgas)
7 Postludio (arpa medieval)

II Jerusalén, Ciudad judía, 1000 a.C. - 70 d.C.

El Rey David hace de Jerusalén la capital del reino unificado de Juda e Israel
8 Toque Shofars
9 Plegaria por Jerusalén (Salmo 121)
10 Danza instrumental – Liberación de la ciudad por los Macabeos, 164 a.C
11 La Paz de Jerusalén (Salmo 122) - Los Salmos del Rey David
12 Rabí Aquiba va a Jerusalén – Talmud, Makkot 24b.
Texto recitado en hebreo
13 Canto del exilio (Salmo 137, 1-6)
Destrucción del Templo y Diáspora, 70 d.C.
14 Lamento instrumental (shofars)

III Jerusalén, Ciudad cristiana, 326 - 1244

La reina Helena, madre de Constantino, en Jerusalén, 326 d.C.
15 Stavrotheotokia (Planctus de la Virgen) Atribuida al Emperador León VI (886-912)
16 Fanfarria “Pax in nomine Domine”
17 Primera llamada a la Cruzada del Papa Urbano II, 1095
Texto recitado en francés
18 Canción de Cruzada: Pax in nomine Domini Marcabru (1100-1150) – 1a Cruzada
19 Canción de Cruzada: Chevalier, mult estes guaritz, 1146 Anónimo s. XII – 2a Cruzada
20 Conductus: O totius Asie Gloria, Regis Alexandria Filia – Anónimo (s. XIII)
21 Planctus « Pax in nomine Domini » (Instrumental)
Los Cruzados pierden Jerusalén en manos de Saladín, 1187

IVa Jerusalén, Ciudad de peregrinación, 383 -1326

22 La Cúpula de la Roca – Ibn Battuta (1304-ca.1377)
23 Siónida: Hermosa ciudad, alegría del mundo – Judah Halévy (1075-1141)

CD 2

IVb Jerusalén, Ciudad de peregrinación (continuación)

1 Cantiga de Santa Maria : O ffondo do mar tan châo
Alfonso X el Sabio (1121-1284) CSM383

V Jerusalén, Ciudad árabe y Ciudad otomana, 1244-1917

Ciudad árabe, 1244 - 1516
2 Preludio (oud)
3 El Corán - Sura XVII, 1 – Mahoma sube al cielo desde la Roca del Templo
4 Danza del Soma
5 Sallatu Allah – Tradición árabe

Ciudad otomana, 1517 - 1917
6 Makam Uzäl Sakil “Turna” Mss. Ottomano de Kantemiroglu (s. XVII)
7 El sueño de Solimán el Magnífico, 1520 - Leyenda otomana (Versión M. Forcano)
Texto recitado en turco
8 Marcha guerrera – Anónimo otomano (Versión musical D. Psonis)
La conquista otomana de Jerusalén, 1517

VI Jerusalén, Tierra de asilo y de exilio, s. XV – XX

9 Palestina hermoza y Santa (tradición sefardita Sarajevo)
10 Lamento Palestino (tradición Palestina)
11 Lamento por la ciudad de Ani (tradición Palestina)
12 El male rahamim (Canto de los muertos de Auschwitz), 1941 Shlomo Katz (Grabación histórica, 1950)
13 Marcha Fúnebre Instrumental

VII La Paz terrenal: una esperanza y un deber

Votos de Paz
14 Diálogo instrumental
15 Votos de Paz en árabe
16 Votos de Paz en hebreo Adonay
17 Votos de Paz en armenio
18 Votos de Paz en latín Da Pacem (gregoriano)

Diálogo de cantos (Anónimo, tradición oral)
19 Apo xeno meros (en griego)
20 Ghazal (en árabe)
21 Ghazal (en hebreo)
22 Ghazal (Palestina)
23 Siente hermosa (en ladino)
24 Apo xeno meros (en griego) Versión coral J. Savall
25 Durme, hermoza donzella (en ladino)
26 Ghazal (en árabe, griego & hebreo)
27 Ghazal (instrumental, versión marroquina, tradición oral)
28 Ensemble Final (tutti)
29 Fanfarria final “Contra las barreras del espíritu”

Ensemble Sarband - Satie En Orient 2006. La música de Satie siempre nos lleva a flotar entre notas de pura sensibilidad. Cuando la oímos en clave oriental mas de uno piensa: ¿como no se le ha ocurrido a nadie hacer esto antes?

2012-02-19T20:57:00.002+01:00

Link: Mediafire

(Si alguien sigue interesado en la versión flac con los temas del 5 al 9 con fallos de sonido la puede encontrar aquí)

El Ensemble Sarband realiza una curiosa e interesante grabación con instrumentación oriental (laúd, kementché, qanun, arpa gótica etc) de parte de la obra de Satie, un musico que estuvo influenciado en sus inicios por las "Gymnopédies", las "Gnossiennes" y otras piezas con referencias a la Edad Media y los sonidos orientales.

Erik Satie, cuyo nombre completo es Alfred Eric Leslie Satie (Honfleur, 17 de mayo de 1866 - París, 1 de julio de 1925), fue un compositor y pianista francés. Precursor del minimalismo, el serialismo y el impresionismo, es considerado una de las figuras más influyentes en la historia de la música.

Además de precursor minimalista, serialista e impresionista, es considerado precursor importante del Teatro del absurdo y la Música repetitiva. Denostado por la academia y admirado por otros compositores de su época, de formación irregular, ingresó inesperadamente en el conservatorio a los 40 años, para sorpresa de quienes le conocían, tras haberse dedicado, entre otras muchas cosas, a la música de cabaret.

Modificó su nombre como Erik Satie desde su primera composición, en 1884. Aunque en su vida posterior se enorgullecía de publicar su trabajo bajo su propio nombre, parece que hubo un corto período al final de la década de 1880 en que publicó su trabajo con el seudónimo Virginie Lebeau.

___________

(Traducido automaticamente del ingles con google traductor)

Ensemble Sarband

Dirección artística: Vladimir Ivanoff

"Sarband" se refiere a la conexión. En teoría de la música de Medio Oriente, esta palabra significa

un enlace entre dos composiciones dentro de un conjunto musical,

pero también es un término para el turbante, uno de los típicos tocados orientales tradicionales.

Ensemble Sarband da dos significados un sentido musical:

se invita a los espectadores más diversos, así como los artistas más diversos "venir juntos";

se "une" a las experiencias culturales previamente percibidas como algo ajeno.

El director musical del Dr. Vladimir Ivanoff, quien fundó Sarband en 1986, conecta las culturas, personas y épocas,

tanto como un erudito y un músico: sus programas de unir a músicos de culturas muy diferentes y orígenes musicales

y mediar entre pasado y presente, música antigua y las tradiciones vivas.

La cooperación en el conjunto no es un crossover de moda, pero concebido como un diálogo continuo en igualdad de condiciones.

Todos los artistas sin restricciones contribuir con sus tradiciones indígenas, sus historias personales y su propia creatividad

a la s del programa, de modo que Sarband también se convierte en un campo de entrenamiento musical para la comunicación

y la tolerancia entre las distintas identidades culturales.

Aunque en la actualidad las diferencias religiosas, económicas, culturales y políticas entre Oriente y Occidente se encuentran en el foco

de la atención pública, Sarband intentará demostrar que la música no siempre ha sido un mero adorno,

sino un medio iluminados de respeto mutuo y aún hoy en día puede ser un ejemplo para la comprensión y la aceptación,

un modelo de paz.

Passio - Compassio

Con sus programas, Sarband menudo se abren nuevos niveles musicales completas para el oyente,

los niveles, que hasta entonces había sido irreconocible envueltos en los velos de folclore.

Los programas con repertorios de música antigua vincular la práctica europea interpretación históricamente informada

con las tradiciones vivas del Mediterráneo. En colaboraciones con otros conjuntos

(Por ejemplo, la Orquesta Filarmónica de Berlín, la Orquesta Sinfónica de Lucerna, el Coro de Cámara RIAS,

Sidi Larbi Cherkaoui, cantantes Rey, Concerto Köln, Mystère des Voix Bulgares),

las diferencias entre culturas y religiones, entre lo viejo y lo nuevo se sondeado;

conceptos históricos y modernos del Otro y de Relaciones Exteriores se reflejan entre los artistas y el público.

Con este repertorio único, que va desde la música china a principios de joiks sami,

A principios del canto cristiano oriental a la música de Gurdjieff, Sarband han ganado una reputación internacional,

publicado numerosos CDs y actuó en muchos escenarios y festivales internacionales

"La música de Sarband habla por sí mismo - su mensaje de entendimiento entre las culturas no necesita ninguna explicación"

Frank Heindl, DAZ, 11.11.2009

"... Las voces que nos transportan a otros mundos ..." Martin Caroso, ABC, 10/27/2009

"El resultado es simplemente fascinante. Una declaración de resonancia de la tolerancia y la paz".

Elisabeth Schwind, Südkurier (Alemania), 10/07/2008

"Un gran sensibilidad para el sonido y una verdadera comprensión de las expresiones musicales de diferentes continentes y culturas."

Hans Rühl, Rheinische Post, 12/23/08

"Fue una actuación aumentado en la magia ... un drama auténtico de la intensidad de culto." Matthias Wagner, Kronenzeitung, Graz, 12.07.2008

"Ensemble Sarband toca y canta a las estrellas del cielo."

Danielle de Regimiento, De Standaard (Bélgica), 02/11/2008

"Una oda a la paz inmensa" Maestracci Alain, Nice Matin (Francia), 10/08/2003

______________

No es fácil definir un grupo de músicos como la Ensemble Sarband, excepto la corneta de Ian Harrison todos los otros instrumentos son percusiones o cuerdas de todo mediterráneo. Ahmet Kadri Rizeli, Ishan Mehmet Özer, y Mehmet Cemal Yesilçay son los músicos. Las voces, como no, también de ambos lados, el canto libanes de la gran Fadia El-Hage o la voz dulce y gótica de Miriam Andersén. Si además el encargado de la dirección musical es el búlgaro Vladimir Ivanoff, tenemos representada a media humanidad. La excusa para reunir a este grupo tan heterogéneo ha sido demostrar que la música del compositor francés, se puede acercar sin problemas a las armonías que denominamos orientales.

Sin duda alguna, las Gymnopédies (danzas de la antigua Esparta) y las Gnossiennes (cargadas de ornamentos orientales) son las composiciones más conocidas de Erik Satie, ambas tienen su espacio en este trabajo y son tratadas desde musicalidades que no se alejan apenas del original.

1. Ensemble Sarband - Gnosienne N°1 (6:20)

2. Ensemble Sarband - Gymnopédie N°1 (3:38)

3. Ensemble Sarband - Gnosienne N°3 (4:27)

4. Ensemble Sarband - Chanson (3:05)

5. Ensemble Sarband - Prélude d'eginhard (7:20)

6. Ensemble Sarband - Air de l'ordre (4:01)

7. Ensemble Sarband - Air du grand prieur (2:20)

8. Ensemble Sarband - Air du grand maitre (2:28)

9. Ensemble Sarband - Elégie (2:58)

10. Ensemble Sarband - Gnosienne N°5 (4:10)

11. Ensemble Sarband - Les anges (2:30)

12. Ensemble Sarband - Gymnopédie N°3 (2:52)

13. Ensemble Sarband - Danse gothique N°3 (0:36)

14. Ensemble Sarband - Chanson médiévale (3:06)

15. Ensemble Sarband - Uspud ballet chretien (4:11)

16. Ensemble Sarband - Hymne pour le "slaut drapeua" (4:32)

YA ESTAN TODOS ENLACES A LAS DESCARGAS FUNCIONADO DE NUEVO.

2012-02-16T18:57:00.001+01:00

Hola.
Ya hace un mes desde el cierre de Megaupload, Fileserve, Filesonic, Uploadbox, X7, Uploadhere, Uploadking y unos cuantos mas.
Lo que iba a ser un pequeño contratiempo, pues por aquí teníamos pocos archivos alojados solamente en Megaupload, se empezó a complicar con la caída del resto. Al poco tiempo los enlaces que quedaban vivos en Multiupload habían caído y poco después el propio Multiupload. Por lo que hemos tenido que resubir casi todo el blog de nuevo, eso sí con mucha tranquilidad, por si se caían también los servidores que actualmente usamos: Mirrorcreator y Mediafire. Recordar que los dos están alojados en USA y que el segundo tiene cita con el FBI dentro de dos meses. Pero son los únicos que me han funcionado con normalidad en medio de toda la vorágine de servidores colapsados o clausurados, ademas de Putlocker y Rapidshare que también los veréis ocasionalmente.
El experimento con Share dejo de funcionar cuando habíamos subido 150 carpetas y seguimos a la espera de la versión beta. Pando, que es similar no nos interesa pues solo funciona realmente con los usuarios premium. Los Torrent esta demostrado que no son muy efectivos para músicas minoritarias, ademas de depender de paginas de terceros que también están cerrando. Los enlaces Magnet lo mismo. Aunque el intercambio peer to peer parece el siguiente paso lógico si dejan de funcionar los cyberlockers.

Como ahora funcionan todos los enlaces del blog no nos corre prisa un plan B. Pero pase lo que pase hay uno que es el definitivo: crear tu propio servidor. Aquí tenéis uno que para mi es el mejor: SOCKSO SERVIDOR PERSONAL DE MUSICA. Software libre, gratuito y de código abierto. Lo puedes usar solo para ti, entre tus amigos o compartir con todo el mundo. Te permite oír o descargar por carpetas en prácticamente todos los formatos de audio y en todos los reproductores ya sean web o externos. No necesita instalación. Otro día os sigo contando, por lo pronto lo podéis usar como el mejor reproductor remoto, o como os de la gana.
La pagina de Sockso: http://sockso.pu-gh.com/

Aunque no es muy efectivo, toda la música del blog esta subida también en Ares (solo en mp3). Que no viene mal en caso de emergencia.

En caso de encontrar un enlace caído os agradecería que me enviarais un correo, para subirlo cuanto antes.

El PDF del blog con las nuevas direcciones estará listo en breve.

Para cualquier duda ya sabéis donde estamos:

mipaiselmediterraneo@gmail.com

Un saludo a todos los amigos del blog y muchas gracias por todos vuestros mensajes.

Salam, Shalom, Salud desde el mediterráneo andaluz.

Jon Balke & Amina Alaoui - Siwan 2009. Al principio el oyente se siente sobrecogido por la voz poderosa de Amina Alaoui, que transporta las extraordinarias composiciones de Jon Balke para ensemble barroco, solistas de jazz, improvisaciones folclóricas y tañidos arcaicos.

2012-02-02T18:49:00.003+01:00

FLAC Free Lossless Audio Codec

Link: Mirrorcreator 1
Mirrorcreator 2

o Mediafire 1
Mediafire 2

MP3 (320)

Link: Mirrorcreator
(Mediafire, Rapidshare y mas servidores)

o Mediafire

Después de dos meses intentando poner en palabras lo que siento al oír este disco, desisto y copio lo que han dicho de el. Cada vez que había encontrado una forma de definirlo, lo volvía a oír y todo cambiaba de nuevo. Solo una palabra: In-cre-i-ble!!

Al principio el oyente se siente sobrecogido por la voz poderosa de Amina Alaoui, que transporta las extraordinarias composiciones de Jon Balke para ensemble barroco, solistas de jazz, improvisaciones folclóricas y tañidos arcaicos. Tras esta llamativa fusión laten unas interconexiones filosóficas, históricas y literarias inspiradas por la poesía sufí, la mística cristiana y la tradición trovadoresca. Disco llamado a romper moldes en el ámbito de la música transcultural, Siwan refleja lo que sucede cuando artistas de mundos totalmente diferentes logran sumando sus talentos creativos.
____

“Me siento especialmente satisfecho con el resultado y las dimensiones logrados en Siwan, un inspirado encuentro de músicos del norte y del sur, una fusión creativa de culturas. En mi opinión, el potencial de las ideas y arreglos de Jon Balke queda traducido de forma óptima en la arquitectura de la mezcla, que viene a establecer un contraste y un elegante equilibrio entre unos artistas tan diferentes entre sí como sorprendentemente compatibles. Entre ellos, Amina Alaoui, cuya voz transporta una serie de excelentes textos poéticos, el sutil y poderoso violinista Kheir Eddine M’Kachiche, los doce solistas barrocos de Bjarte Eike a las cuerdas, al laúd y clave, el maestro de la percusión manual Pedram Khavar Zamini y Jon Hassell, cuya biografía viene recogiendo desde hace tiempo la síntesis de tradiciones.
Con el tiempo, esta música estará sólidamente representada en conciertos alrededor del globo, pero esta grabación, como su primera referencia, es un acontecimiento irrepetible, fresco y transparente, que documenta el proceso del descubrimiento.”
Manfred Eicher
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Con el persa Husayn Mansour, el valenciano Ibrahim Ibn Khafaja, el mallorquí Al Homai’ di, el sevillano Al-Mu’tamid, el gallego Martín Codax, los castellanos San Juan de la Cruz y Lope de Vega, con esos filósofos, reyes, místicos, troveros, santos y poetas de toda edad y condición.
Siempre la misma nostalgia histórica y metafísica, la nostalgia de un estado mítico anterior, de una edad de oro ucrónica y utópica... sigue viva la esperanza de un mundo diferente, pero la propuesta musical es nueva o renovada por la voz protagonista que viene del sur, la maravillosa Amina Alaoui: grabó, hace 20 años, un magnífico cd con una orquesta garnatí historicista (sin instrumentos europeos). Dando una poética y doble vuelta a la tortilla, Amina Alaoui graba ahora con instrumentos europeos “auténticamente” barrocos y el pequeño ensemble de jazz de Jon Balke, mezcla que evita —felizmente— toda reconstrucción histórica para privilegiar una subjetividad surrealista, benevolente, pura de todo sello, visado y pasaporte, subjetividad bienvenida en nuestros aeropuertos de angustia, voz de sal, palabras susurradas para unas orejas de ámbar, palabras escritas para botellas al mar, música errante, nacida en varias ciudades, huérfana o exiliada de esas ciudades, músicos especialistas de los enveses y de los alrededores, interpretando a su paso, en un duermevela, unas Iliadas u Odiseas irreconocibles. Poemas en el gozo del compartir, poemas dirigidos hacia el otro, en una fraternidad esencial —fuese desesperada... Escuchemos la plasticidad carnal de las palabras árabes, gallegas, castellanas, su circulación amorosa, reflejos contemporáneos en una mezcla de tradiciones orales, desde los riffs del jazz hasta las harmonías barrocas pasando acaso por el recitativo acompasado de los griots de Mauritania... músicas que salen de la muerte, salen del país, del aburrimiento, salen de sí mismas...
Pierre Élie Mamou

Amina Alaoui, vocal
Jon Hassell, trompeta, electrónica
Kheir Eddine M Kachiche, violín
Helge Andreas Norbakken, percusión
Pedram Khavar Zamini, zarb

Bjarte Eike, violín, concertino
Per Buhre, violín
Peter Spissky, violín
Anna Ivanovna Sundin, violín
Milos Valent, violín
Rastko Roknic, viola
Joel Sundin, viola
Tom Pitt, chelo
Kate Hearne, chelo, flauta
Mattias Frostensson, contrabajo
Andreas Arend, teorba, archilaúd
Hans Knut Sveen, clave

Jon Balke, teclados y dirección

Tuchia

O Andalusin¡

Jadwa

Ya Safwati

Ondas do mar de Vigo

Itimad

A la dina dana

Zahori

Ashiyin Raïqin

Thulâthiyat

Toda Ciencia Trascendiendo

Cierre de Megaupload y nueva alternativa de descarga en pruebas.

2012-01-21T15:06:00.002+01:00

Hola a todos. Como ya sabréis el FBI ha cerrado MEGAUPLOAD. Aquí desde hace tiempo venimos compartiendo los enlaces en MULTIUPLOAD, un servicio que permite descargar un archivo desde 10 servidores distintos. Pero en los inicios de este blog usábamos solo enlaces a MEGAUPLOAD, concretamente en las 60 primeras entradas. No os preocupéis volveremos a subirlos todos, pero en estos momentos MULTIUPLOAD esta totalmente colapsado, parece que medio planeta esta intentando subir sus archivos perdidos. Por lo que seguramente tardaran un tiempo en estar otra vez operativos.

Desde hace tiempo he estado buscando una alternativa segura a los centros de descargas, en previsión de las leyes represivas sobre el intercambio cultural. Hace dos semanas me encontré con un servicio muy interesante: SHARE. Es un híbrido entre centro de descargas tradicional (tipo Megaupload,Rapidshare..) y tecnología P2P, la que se utiliza en los torrent. Lo he probado y hasta ahora me funciona perfectamente. Acaba de salir (esta en versión alpha), es decir que esta en fase de pruebas y todavía le queda mucho que mejorar. Pero la función básica que es intercambiar archivos a gran velocidad funciona. En el peor de los casos cuando no esta disponible la red P2P, la velocidad de descarga es de 200 KB aproximadamente.
Ahora mismo estoy subiendo todos los discos del blog en este servicio. Los enlaces son privados. Para acceder a ellos tienes que enviarme un correo electrónico, yo te incluyo en el grupo Mi país el mediterráneo y automáticamente recibirás una invitación con la que descargar el programa SHARE (si no lo has descargado antes en su pagina) y acceder a la carpeta donde están todos los discos. Se pueden bajar sin limite alguno. Entrar por primera vez es muy fácil. Una vez instalado el programa te pide tu correo y que generes una contraseña de acceso.
Ten en cuenta que cada vez que suba un disco vas a recibir un correo informándote de que esta disponible, 500 discos = 500 correos. Si no quieres ver tu correo inundado de mensajes utiliza uno alternativo o crea uno expresamente para este servicio, otro motivo es que los miembros del grupo pueden ver la dirección de correo de los demás integrantes.
Aunque existe la posibilidad de enviar invitaciones por Facebook esa opción la tengo desactivada, por motivos de privacidad.
Vuelvo a recordar que es un programa en fase de pruebas y que hasta ahora a mi me ha funcionado.

Envíame un mensaje con el texto: "Añadirme al grupo Mi país el mediterráneo en Share." a mi correo: mipaiselmediterraneo@gmail.com

Un saludo desde el mediterráneo andaluz.

Actualización: SHARE no me deja subir mas ficheros, supongo que sera un error momentáneo. Pero desde el 04/02/12 todo lo que intento subir se queda a medias. Es lo que tiene usar un programa en fase ALPHA, que nació a principios de este enero. Así que hasta que no este disponible la versión BETA no lo vuelvo a intentar.

De todas formas están disponibles ( en Share) todos los discos que se publicaron desde el inicio del blog hasta la entrada de: Grandes Clasicos del Cante flamemenco 28 cd.

José Antonio Rodríguez - Córdoba... en el tiempo 2007. Composición creada por el guitarrista cordobés para la gala inaugural del Festival de la Guitarra de Córdoba 2006.

2012-01-09T12:03:00.001+01:00

Link: Mirrorcreator
(Mediafire, Rapidshare y 12 servidores mas)

Músico desconocido para los no flamencos. José Antonio Rodríguez se hizo un hueco hace tiempo, se llenó de fama flamenca y su guitarra empezó a echar arte a borbotones, en todas direcciones. Pero había un problema. Esta es una figura dada a la intimidad, a las timideces de la fila de atrás, a compartir sus inspiraciones y espiraciones. Bendito problema, dirán otros.
Una vez hecho el hueco indiscutible como figura de la guitarra (ganó todos los concursos) el maestro se puso a trabajar no sólo como concertista sino como compositor, colaborador a la guitarra de estrellas de otras músicas, creador para ballets, etc.
Le perdíamos la pista pero de vez en cuando nos regalaba su guitarra. Algo que vuelve a suceder ahora.
En una primera entrega en audio, vendrá otra más tarde, se lanza a la venta “Córdoba en el tiempo”. Montaje con el que el festival de la guitarra de Córdoba 2006 inauguró edición. CD con seis temas de mucho metraje que se acompaña de un DVD con “Guad El Kebir” y “Manhattan de la frontera”, otras dos composiciones interpretadas en dicho recital. La primera de ellas homenajea a la “arteria” de la vida cordobesa y andaluza. El río más flamenco de todos, que aquí es pura poesía.
“Manhattan de la frontera”, por su parte, es una de las composiciones más conocidas de José Antonio, esta vez adaptada y jalonada por el cante y baile de Rafael de Utrera y Rosario Toledo respectivamente. Tema creado hace años, en 1999, que recibimos con calurosa bienvenida. Apenas si se podía encontrar en las tiendas. Fue el bis del espectáculo.
El CD de audio se llena con media docena de piezas del más puro estilo de este cordobés fiel a sus principios.
Los jaleos “Por la Ribera del tiempo” buscan en el pasado del guitarrista. Sus caminatas al conservatorio flanqueaban al Guadalquivir y la inspiración ha llevado a un tema que hace intervenir al grupo al completo, como casi siempre que hablamos de este autor.
“El Pozanco” son unos tangos que se inician lentamente, con un violonchelo exquisito. Instrumento este todavía por explotar en su justa medida por los flamencos. En esta ocasión el chelista Ángel Morilla sabe extraer de su timbre toda la tragedia que encierra y que parecía que nunca nadie se acordaría de empastar con el flamenco. José Antonio sí lo hizo, hace años, en “La leyenda” y de aquellos vientos viene este huracán. Es el preludio del tema.
Las melodías están muy claras, tanto aquí como en la parte más acelerada, donde los vientos y la percusión tienen un papel principal.
A Manuel Celestino Cobos dedica José Antonio su taranta. Se inspira en los cantes que el cordobés oía a su paisano Luis de Córdoba y que a su vez provenían de “Cobitos”. Facultades y emoción creciente en una taranta larga que no pierde profundidad y gana en expresión, sobre todo al final.
“Paisaje” representa una composición tipo de este autor. Larga, con multiplicidad de motivos y secciones bien diferenciadas. Sobre todo dos: tranquila y sensorial, festera y luminosa. Córdoba en la feria de mayo.
La bulería por soleá “Alquimia” lleva a la garganta de Rafael de Utrera los versos de Félix Grande en una introducción de sublime belleza. La segunda parte se acelera y acompasan falsetas en una estructura tradicional. El cantaor sevillano asume un papel central en este trabajo. Disco que destaca por tener un elenco de músicos muy variado y de peso definido y equilibrado.
“La Farga” es la rumba que cierra esta hora de música. La introducción homenajea al gran John Mclaughlin. Jazzero como ninguno de los temas, este lleva al máximo el buen empaste con los teclados, con los vientos que tan bien han sonado en el gran teatro de Córdoba y, en general, con un grupo que acaba disfrutando como en una Jam Session.
José Antonio Rodríguez sigue con “Córdoba en el tiempo” en su estela de composición para muchos artistas. Su lema es básicamente melodía a compás para expresar un mensaje unitario. Algo que, con una pequeña orquesta o grupo, se convierte en un discurso con lenguaje más asimilable y rico. Sobre todo teniendo en cuenta que su flamenco es denso. José Antonio por ello demuestra una clara habilidad para mostrarlo con talento orquestador.
Es José Antonio Rodríguez un músico integral que da la casualidad que tributa al flamenco pero podría desenvolverse igual de bien en otras lides. Suerte que tenemos.
Pablo San Nicasio Ramos

José Antonio Rodríguez, guitarra.
Francisco Javier Gallardo y Javier López, guitarras.
Rafael de Utrera, cante.
Jon Robles, saxo y flauta.
Miguel Ángel López, teclados, saxo y samples.
Ángel Morilla, bajo y cello.

Agustín Henke y Agustín Diassera, percusiones.
Rosario Toledo, baile.

1 Por La Ribera Del Tiempo Jaleos
2 El Pozanco Tangos
3 A Cobitos Taranta
4 Paisaje
5 Alquimia Bulería por Solea
6 La Farga Rumba

Daniel Casares - El ladrón del agua 2010. Desde Málaga, esta promesa de la nueva guitarra flamenca nos regala un disco donde sabe encajar con mucho gusto elementos del jazz-chill.

2012-01-07T14:47:00.002+01:00

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En 2010, sin hacer demasiado ruido mediático en el momento mismo del lanzamiento, ni posteriormente en espectáculos de presentación, se publicó “El Ladrón del Agua”, última entrega discográfica de un guitarrista de extrema precocidad en estas lides y bien conocido para el aficionado.
El malagueño Daniel Casares se volvía a presentar en las tiendas con un disco que sigue la estela de su anterior y más renombrado “Caballero”.
Sin ser estos sus dos únicos álbumes, a pesar de su edad, sí han sido los que más alcance han tenido y los que la crítica ha podido degustar con más detalle. Por tanto son los que ya permiten hacer un análisis fiable de los derroteros sonanteros de este guitarrista.
Curtido y triunfador en algunos prestigiosos concursos, y con escarceos acompañantes a figuras de todo tipo, llegó a secundar a Valderrama, Casares es un guitarrista de incuestionable categoría técnica, pirotécnica, y dominio del instrumento. Algo que no es nuevo para el aficionado.
Como tampoco los lenguajes que utiliza en “El El ladrón del agua de Daniel Casares”, disco con los mismos registros de las piezas más escuchadas en “Caballero”. Es decir, Casares se queda con lo que le dio más tirón entre el público generalista, si se quiere, dejando un poco de lado los toques netamente flamencos. De modo que tenemos ante nosotros un disco más para masas que para guitarristas con avidez de soluciones.
Sin ánimo a equivocarnos, podemos situar a Daniel Casares en una órbita próxima al pop, jazz y chill out más que al flamenco. Unas preferencias quizá acentuadas por su proximidad al estilo de Alejandro Sanz, a quien acompaña en su banda, y por ser este el “padrino” (su discográfica) del trabajo que nos ocupa. Es decir, quizá primen aquí otras veredas no tan rígidas u ortodoxas como cabría esperar de un chaval que busca un hueco en la “sonanta”.
Disco que conectará desde el principio con un público ávido de sonidos llevaderos y ricos en timbres. Ya que desde el arranque el predominio multiinstrumental se hace notorio.
Toques a tener en cuenta, como tales, veo tres: la fantasía “Romance de las Abejas”, que pasa de una balada a bulería con inspiración “vicentera” en la estructura, las bulerías “Callejón de los Tramposos”, que hacen cuarto lugar y “La Chacona”, rondeña que se sitúa inmediatamente después. El resto amalgaman en combo jazzero con ritmo flamenco una guitarra que gusta de improvisaciones y muestras virtuosísticas más que de profundidades jondas. Para muestra un botón. “Potoma” es un verdial. Nadie discute que el compás es el que es, pero sería buen tema de debate analizar si es frescura el tratamiento que se hace del mismo.
El fuerte de Daniel: las melodías, rápidamente identificables con cada tema, algo por lo cual se supone que estamos ante un guitarrista con potencial para sacar en algún momento un verdadero disco de peso.
Su gran técnica, importante recorrido a pesar de su edad, premios y, repito, dominio de la escena melódica, deben ponerle en otro punto, más cercano con los grandes nombres de su generación.
Recuerdos estilísticos a Paco de Lucía, Gerardo Núñez y sobre todo Vicente Amigo (con esa costumbre de cortar un tema y pasar a compás diferente una segunda sección) y más forma que fondo en un disco que no deslumbrará al aficionado más estudioso.
Es Daniel Casares uno de los nombres en los que los seguidores de la nueva guitarra tienen puestas más esperanzas. Su juventud y aparente fertilidad creadora son buenos síntomas, pero quizá en álbumes como este cueste trabajo discernir si es su guitarra una firme defensora de los vericuetos flamencos o una representante más de la economía de ideas y la excesiva convivencia entre músicos en pocos metros cuadrados.
“El Ladrón del Agua” cuenta entre los créditos este disco con las colaboraciones, entre otros, de los vientos de Agustín Carrillo y el cante de Chonchi Heredia.
Pablo San Nicasio Ramos

Daniel Casares: guitarra flamenca
José Marín: guitarras
Manolo Sáez: bajo eléctrico
Agustín Carrillo: saxo, flauta
Manolo Toro: batería, percusiones
Francis Posé: bajo
Coki Jiménez: batería
Chonchi Heredia: cante
Carlos Pino: guitarra

1. Plaza de las flores (rumba)
2. Romance de las abejas
3. El ladrón del agua (tangos)
4. Callejón de los tramposos
5. La Chacona (rondeña)
6. Potoma (verdial)
7. Puertas abiertas (bossa-tango)

Ross Daly with Huun Huur Tu, Trio Chemirani, Labyrinth, G.Xylouris, S.Baka - White dragon 2007(grabado 2003). Una fusión que comienza en Tuva, pasa por Persia y acaba en la mediterránea isla de Creta. De la mano de uno de los musicos que mas ha hecho por los encuentros de la música griega con las del resto del mundo: el greco-celta Ross Daly.

2012-01-06T13:33:00.001+01:00

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(Traducido del griego con google traductor)
Una cinta que cayó en manos de Ross Daly, en los años 70 le dio la chispa para tratar de encontrar lo que estaba escuchando ... Pero el que quiere ver, mira .. Y el que busca encuentra! Después de mucho tiempo, el misterio se resolvió. La canción que escuchó fue de Tuva! Sin saber este lugar, pero encantado con lo que había oído, descubrió la música de Tuva. A partir de ese momento comenzó su relación con la música de Tuva. La pena privativa de Sagias Bapa en esta música, describe lo que significa para esta gente, su música: "La gente está gastando demasiado tiempo los monjes, a hacer música por sí mismos. Cuando haces eso, te mientes a ti mismo, en estas condiciones vienen verdaderos sentimientos. " Los verdaderos sentimientos de la música, sino porque es verdad, pasan automáticamente a todo el mundo.

Tres décadas más tarde, en 2002, había planeado una gira por Grecia en el mundialmente famoso cuarteto de Tuva, Huun Huur Tu y los organizadores sugirieron a Ross Daly para hacer una alianza en el escenario. La idea gustó mucho y de inmediato comenzó el "trabajo" ... Es cierto que existen muchas dificultades derivadas de las características técnicas y no sólo, sino de una percepción diferente de la música de estas culturas en relación con Occidente. Quizás la mayor dificultad es la superación de un hombre occidental que quiere hacer frente a las tradiciones musicales de Tuva es ver más allá de todas las características técnicas y escuchar música al igual que oímos algo más familiar. Lo único es que nadie se impresiona al escuchar a un hombre para producir simultáneamente dos melodías diferentes y distintas ... Después de todo este estudio de la música, los conciertos se celebraron en Atenas y Tesalónica, que fueron muy exitosas. Todo ello inspirado en el deseo de los de Ross Daly continuar con este proyecto.

El 2003 mostró como una oportunidad y así Ross Daly llama Huun Huur Tu en su base, el laberinto del Taller Musical, a Houdetsi a Creta para preparar y realizar un concierto allí. La grabación se hizo en ese concierto y refleja el trabajo incansable y la interacción creativa entre los músicos en esos días. La grabación tuvo algunos problemas técnicos fueron superados después de mucho trabajo, pero el resultado final es lo que escuchamos esa noche dos mil personas que no habían escuchado la música de Tuva, un pequeño pueblo de Creta, en Houdetsi a principios de septiembre 2003.

En este concierto hubo un "concepto" o una idea de unir los diferentes elementos. Para Ross Daly, fue el producto de la espontaneidad y, ciertamente, la "química" a todos los participantes en un nivel muy profundo. Para todos los músicos de trabajo seguirá siendo una experiencia inolvidable. Lo que todos los músicos quieren es ayudar a través de este tema para compartir algo de esta experiencia con el público esa noche ... Esto será para ellos y la medida del éxito. La publicación de música "Seistron" está muy orgulloso y se siente una gran alegría que hizo la grabación y publicación de esta asociación rara musical entre todos estos grandes músicos. La familia de "Seistron" a través del trabajo que él quiere, una vez más para promover y destacar las oportunidades disponibles en el "matrimonio" de la música de los pueblos y culturas diferentes. Vamos a seguir así para apoyar a estos encuentros musicales e ideas innovadoras de los músicos que pueden pasar en el mundo que la música no tiene fronteras y sólo se puede unir a la gente y no para separarlos ...

Ross Daly: Cretan lyra, tarhu, lyra tarhu
Huun-Huur-Tu:
Kaigal-ool Khovalyg: vocals, igyl
Sayan Bapa: vocals, igyl, toschpuluur
Alexi Sargylar: vocals, igyl, tungur, tuyug, xapchyk
Andrei Mongoush: vocals, bynchanchi
Trio Chemirani:
Djamchid Chemirani: zarb
Bijan Chemirani: zarb, daff
Keyvan Chemirani: zarb, bendir, udu
Giorgos Xylouris: vocals, cretan laouto
Spyridoula Baka: vocals
Alexandros Arkadopoulos: clarinet
Haris Labrakis: ney
Periklis Papapetropoulos: saz, lavta
Stelios Petrakis: cretan lyra, tarhu, cretan laouto
Angelina Tkatcheva: santur
Kelly Thoma: cretan lyra

1. Ancestors
Lyrics - Music: traditional (Tuva)
Vocals: Huun Huur Tu

2. Jeyran
Lyrics: traditional (Tuva)
Music: Ross Daly & Tuvan Traditional
Vocals: Huun Huur Tu

3.“Ime orphanos apo paidi”
Lyrics: Kostas Roukounas
Music:Kostas Roukounas, arrangement by Ross Daly
Vocals: Spyridoula Baka “The οrphan’s lament”
Lyrics - Music: Traditional (Tuva)
Vocals: Kaigal-ool Khovalyg

4. Kargyraa-Sygyt
Lyrics - Music: traditional (Tuva)
Vocals : Kaigal-ool Khovalyg, Andrei Monghoush

5. Mavra mou helidonia
Lyrics: traditional (Thrace and Tuva)
Music: traditional, arrangement by Spyridoula Baka, Huun –Huur-Tu
Vocals: Spyridoula Baka, Huun Huur Tu

6. Chyraa Xor
Lyrics - Music: traditional (Tuva)
Vocals: Huun Huur Tu

7. Εxorise me i moira mou
Lyrics: traditional (Crete)
Music: traditional, arrangement Ross Daly,Giorgos Xylouris
Vocals: Giorgos Xylouris – Huun Huur Tu

8. Ekki Attar
Lyrics-Music: traditional (Tuva)
Vocals: Huun Huur Tu

9. White Dragon
Music: Ross Daly & Tuvan traditional
Lyrics: Traditional (Tuvan & Cretan)
Vocals: Giorgos Xylouris, Huun Huur Tu

The Bulgarian Voices Angelite & Huun-Huur-Tu & Moscow Art Trio - Fly, Fly My Sadness 1996. Bulgaria, Tuva y Rusia, en una música que traspasa todas las fronteras, de este mundo y de los otros. Pura magia que el lenguaje no alcanza a definir. Siempre que me preguntan: ¿si hubiera un incendio y solo pudieras salvar unos pocos discos?.....

2012-01-02T20:40:00.002+01:00

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La música como una sinfonía, el programa de las voces más singulares del mundo

Sobre el proyecto

Mischa Alperin:

"La historia de este proyecto tiene su propio pequeño preludio, a mi juicio una vez misteriosa, que me gustaría compartir: Hace algún tiempo, alrededor de 1995, he desarrollado una visión de una familia donde el padre sería de Tuva, la madre búlgara, la hija de un ruso, y el hijo judío. La idea podría haber sido nada más que un capricho divertido, pero luego, de repente, me imaginé a esta familia como un musical, que no consiste en músicos profesionales, pero una familia en la ...

Entonces no hay nada más con mi visión. En su lugar, empecé a coleccionar material musical y escribir partituras para algún proyecto futuro que no existe. Estos, entonces, ser los ingredientes de la ensalada que viene: El Coro de mujeres búlgaras - "la madre", los cantantes de armónicos de Tuva - "el padre", el Trío de Arte de Moscú, con el alma rusa de Sergey Starostin y mi propia judía melancolía. Por suerte, en ese momento yo no estaba dispuesto a pensar en ello como una forma concreta, pre-programados plan. Sólo estaba jugando con la idea. Hasta que el productor, Uli Balss, de Jaro, Alemania, me llamó inesperadamente a sugerir que se trabaja en dos discos con mi trío de Arte de Moscú y, posteriormente, el "búlgaro-Tuvan proyecto" de la que había estado soñando, no él, por extraño que puede parecer. Ni que decir tiene, me lancé de inmediato a la tarea. Algunos sueños se hacen realidad.

Unas pocas palabras sobre el propio proyecto: Durante mucho tiempo yo había estado estudiando el denominador común de las estructuras de la meditación en diversas formas de expresión folclórica. Por ejemplo, la tradición rusa de las canciones largas. Un estado de ánimo similar y colores similares se pueden encontrar en las canciones de Tuva de la estepa, y también se refleja en el panorama musical de las canciones populares de la región Radopi en Bulgaria, así como en muchas canciones judías. Es por eso que, en principio, que el nombre del proyecto "meditación" como título de trabajo - en un intento por mantenerse alejado de cualquier "modernización" de los temas de la canción popular, sino que se unen diferentes fuentes folklóricas en la visión del vuelo de un pájaro.

¿Debería tratar de capturar en palabras la esencia de este proyecto, lo haría en términos de una pequeña escena que quedó atrapado en mi mente: Recuerdo en pareja de ancianos vestidos de negro en una pequeña isla en Grecia. Ellos estaban buscando a cabo a través del mar, en la distancia, inmóvil, y el tiempo se detuvo. Durante los ensayos, los cantantes que nunca se habían visto antes y fueron a primera vista totalmente alejados unos de otros en cuanto a las raíces culturales se refiere, comenzó de repente y de forma espontánea para interpretar canciones de sus antepasados por su "extranjero" compañeros de trabajo, como si el descubrimiento de este posibilidad de que ellos mismos en ese mismo momento. Cada uno comenzó a recoger las entonaciones, los modos y estados de ánimo de canciones procedentes de zonas aparentemente infinitamente distante. La familia se reunían, conocer a los otros como si después de siglos de separación. "Misha Alperin

Desde las montañas de Altai a los Balcanes ya la Yennisey

La gran migración de los pueblos y la disolución del Imperio romano marcó el final de la antigüedad y el nacimiento de la civilización europea de la Edad Media. La península de los Balcanes fue una de las regiones en el continente donde se sintió el choque dramático entre el Viejo Mundo y las tribus bárbaras sensibilidad. En el transcurso de varios siglos, su composición ha cambiado radicalmente debido a los procesos étnicos, sociales y económicos y políticos de efecto inusual.

Los eslavos y los búlgaros Antiguo-jugó un papel importante en estos procesos. En el comienzo del siglo VI los eslavos que habitan en los territorios al norte del río Danubio comenzaron los ataques periódicos sobre los territorios del Imperio Bizantino y casi un siglo después que habían ocupado casi toda la península de los Balcanes. Como resultado, la población local de Mizia, Tracia y Macedonia fue asimilado progresivamente por los nuevos pobladores.

El Antiguo-búlgaros pertenecen al grupo de lengua turca-altaica y la comunidad étnica. En un principio habitaban los territorios de Asia Central y en el tercero - cuarto siglos emigraron hacia el norte del Cáucaso. Durante los siglos siguientes, como resultado de la gran migración de los pueblos, las tribus Antiguo-búlgaro se movió hacia el oeste y fusionaron sus creencias en estrecha colaboración con las de las tribus y los pueblos de Europa Oriental y Sudoriental.

Mientras que la vieja búlgaros avanzaron hacia el oeste de las montañas de Altai, la Tuvans, que en un principio también habitaron esta zona, emigraron a la región de la parte superior Yennisey, uno de los grandes ríos de Siberia que desemboca en el Mar Ártico. Ellos también son miembros del grupo de lengua turca-altaica, sino que pertenecen a las tribus de Mongolia y que tienen mucho en común con las otras tribus de Asia Central de la región. Muchos fueron reclutados para participar en las marchas de la "Horda de Oro" en virtud de Genghis Khan, después de haber conquistado Tuva en 1207. Tuva fue ocupada por Mongolia y China antes de venir bajo control ruso en 1912. A raíz de la revolución rusa de Tuva 1917 se proclamó una república independiente (Tanna Tuva) y, finalmente, se convirtió en parte de la Unión Soviética en la década de 1940. Hoy Tuva pertenece a la CEI.

Angelita las voces búlgaras

Estas voces búlgaras fenomenal por primera vez en Alemania en 1987 en la ciudad de Bremen. En los años siguientes, una carrera sin precedentes que tuvo en todo el mundo - desde Alaska hasta Japón, desde México hasta la India. Ellos han cantado en la ceremonia de entrega del Premio Nobel de la Paz en Oslo (1996) y de un maharajá indio, han colaborado en conciertos con el japonés y tambores Kodo produce grabaciones con cantantes fascinante matiz de Tuva. Ellos grabaron música de la Iglesia Ortodoxa y "Pasión Balcanes", un proyecto con invitados internacionales hasta Maria Farantouri, Sezen Aksu, Fanfare Ciocarlia o una austriaca de producción de televisión "Voces de Dios", con André Heller. En 2002 se realizó con la Orquesta Sinfónica de Nuremberg y, junto con Bobby McFerrin von Aire ZDF Classic Open en Leipzig.

Coro-conductor: Georgi Petkov

Nacido en la ciudad de Gabrovo en el 24 de abril de 1961 en una familia de músicos tradicionales. Terminó la escuela secundaria de música y en 1986 se graduó en el Conservatorio de Música de Plovdiv con la especialidad de "dirección musical coral". Desde que él ha trabajado como director de orquesta y director principal de muchos de los mejores coros de Bulgaria y ha realizado giras con estos grupos en toda Europa. Gueorgui Petkov es considerado como uno de los principales compositores jóvenes en Bulgaria. Sus composiciones se incluyen en los discos de varios grupos de renombre internacional.

Trío de Arte de Moscú

El Trío de Arte de Moscú es una de las formaciones más interesantes del jazz de Nueva. Junto al compositor Misha Alperin - que se considera "una especie de pianista improvisando" no hay Arkadi Shilkloper, una trompa de formación académica y la cantante de folk y el clarinetista Sergey Starostin. Para el trío de las fronteras entre el jazz, el folk y la música clásica se han convertido en irrelevantes. Con un sentido del humor juguetón, elementos de muy diferentes orígenes se han transformado en algo totalmente nuevo. Como el Frankfurter Rundschau señaló: "composiciones Alperin no se pueden clasificar según el género... Se deben tanto a Bartok y Schnittke como lo hacen con Chick Corea y Keith Jarrett."

Con Misha Alperin JARO fue capaz de contratar uno de los vagabundos más creativos de hoy entre el jazz, la música clásica contemporánea y popular. En el centro de su trabajo como compositor e intérprete, es el trío de Arte de Moscú, fundado en 1990. Alperin nació en Ucrania en 1956 y creció en Besarabia rural en la parte oriental de Moldavia. Ha tocado con músicos de folk, mientras que también está estudiando composición y piano. Alperin se trasladó a Moscú en 1983, donde se reunió con el corno francés y flugelhorn Shilkloper virtuoso Arkadi. Alperin comenzó de forma experimental, hacer referencias cruzadas entre los elementos de las músicas gente rusa y rumana de Moldavia región, con su comprensión subjetiva de la tradición del jazz. Desde 1993 vive en Noruega Alperin y enseña en la Academia de Música del Estado Noruego. Se ha convertido en una figura central en la nueva música improvisada del extremo norte. Alperin también lleva a cabo proyectos con otros músicos y toca el piano en solitario. Él lanzó varios álbumes con el sello ECM. Compone música para el cine, la música para ballets y ha hecho arreglos para el proyecto intercultural con Huun-Huur-Tu y angelita. Misha Alperin es el director artístico de la Historia de Montaña proyecto.

Huun-Huur-Tu

El matiz incomparable conjunto de Tuva Huun-Huur-TU o la garganta cantando, desarrollado originalmente por la gente de la estepa, es una de las técnicas vocales más fascinantes conocidos. Permite que el cantante a cantar hasta tres tonos simultáneamente. Las canciones son acompañadas por los instrumentos tradicionales. En los EE.UU., donde han sido invitados a colaborar con el Kronos Quartet, Frank Zappa, The Chieftains y L. Shankar, su éxito fue abrumador, casi inmediatamente. Tuvinian cultura se asemeja a la cultura mongola mostrando un profundo respeto por la naturaleza. La música tiene un carácter ritual, pasajes meditativos son underlayed por fuertes estructuras rítmicas. Con todo, hay una cualidad misteriosa a la música HHT, que se mantiene constante en sus grabaciones y actuaciones. HHT se han dedicado a aprender viejas canciones y melodías, sus resultados reflejan los valores de la innovación tanto como la tradición.

Tuva: este es el nombre de una región remota, lejos de la ruta conocida de la civilización en el centro de Asia. La República Autónoma de Tuva, rodeada de montañas y desiertos (población: 300,00) es parte de la nueva formación de llevar a los países por parte de Rusia.

Titulares de prensa:

"... Este concierto feliz demostrado, con toques frecuentes de humor astuto, una fusión de alegría que puede tener lugar cuando los músicos de diferentes tradiciones se unen, la ayuda de un facilitador inspirado, con la esperanza de que en su conjunto pueda surgir lo que es más que la suma de sus partes. "

El periodista Peter Grahame Woolf después del concierto de 07/12/2001 en el Queen Elizabeth Hall de Londres.

"Alperin merece gratitud por poner esas riquezas tan bien."

Los Angeles Times, 13/01/1998

`... En mi opinión este proyecto debe continuar. Es un hecho grande y hermosa, y me gustaría trabajar junto con el proyecto en el futuro "

Stevie Wonder en el vestuario después del último concierto de 12/06/1997 en Los Angeles

`Las alturas en alza, estridente canto de Bulgaria y el crujir de las profundidades de la garganta Tuva no podría ser más diferente - pero cuando se unieron, fue increíble - redentor, divina 'Music Express, 12/12/1997, San Francisco

Angelite The Bulgarian Voices ( Sofia/Bulgaria)

Bekova Tzetza , Damyanova Kera, Dentcheva Maya ,Dimitrova Rositsa , Duparinova Tatyana, Iankova Tonia, Ilieva Nadezhda, Inkova Kostadinka , Iovkova Sonia , Gadzheva Milena , Koleva Yuliya , Outchikova-Nedialkova, Pavlova Mariyana, Petkova Nelka , Petrova Galya, Petrova Valeria , Racova Kostadinka ,.Simeonova Elka ,Sokolova Teodora , Vladimirova Nadya, Choir-conductor : Georgi Petkov

Moscow Art Trio (Russia/Norway)

Mikhail “ Misha” Alperin - piano, claviola, bells, melodica (artistic director/conductor)

Arkady Shilkloper - horn, fluegelhorn, alphorn

Sergey Starostin - vocals, folk reeds, clarinet

Huun-Huur-Tu (Tuva)

Kaigal ool Khovalyg - voice, igil, chanzy

Radik Tyvalyk - voice, byzaanchi, khomuz, flute

Sayan Bapa - voice , doshpuluur, guitar

Alexy Saryglar - voice , tungur (drums), rattle

01. Fly, Fly My Sadness

02. Legend

03. Wave

04. Lonely Bird

05. Mountain Story

Sedaa - Mongolian Meets Oriental 2010. El cruce entre Mongolia y oriente que nos ha dado temas como Tal o Lullaby, que están entre lo mejor de la fusión de las músicas del mundo.

2011-12-26T13:05:00.001+01:00

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(Traducido del alemán con google traductor)
"Sedaa" en persa significa "voz" y se conecta con la música tradicional oriental de Mongolia para un conjunto inusual y fascinante.
Formado en su país natal, Mongolia maestro cantante NASAA Nasanjargal, Naraa Naranbaatar - conocido por el Transmongolia grupo - y el virtuoso dulcimer jugador Ganzorig Davaakhuu secuestrado junto con el iraní Omid Bahadori multi-instrumentista en un mundo verdaderamente exótica entre Oriente y la estepa de Mongolia.
La base de sus composiciones modernas son sonidos naturales - creada con instrumentos tradicionales y técnicas vocales a través del uso de los antiguos antepasados nómadas, en la que un hombre produce varios tonos a la vez. Untertongesänge sonidos vibrantes y la garganta cantando Hömii y melancólica fusionar el violín con cabeza de caballo y los tonos nacarados Morin khuur del dulcimer cuerdas ensartadas con 120, junto con ritmos de batería palpitante a una mezcla de mística oriental del estado de ánimo y las vibraciones.

Sedaa son los siguientes:
Naraa NaranbaataNaraa Naranbaatar (Mongolia)

Parlamento del khuur (bajo violín)
Kargyraa (tono bajo)
Höömii (canto de garganta)

Sus estudios de música en Ulanbaatar

NASAA Nasanjargal (Mongolia)

Morin khuur (violín Cabeza de Caballo)
Kargyraa (tono bajo)
Khoomii (canto de garganta)
Bischgur (Mongolia oboe)
Dombra (dos instrumentos de cuerda arrancado)

Sus estudios de música en Ulanbaatar

Omid Bahadori (Irán)

guitarra
Cajon
marco del tambor
Kargyraa (tono bajo)

Durante 12 años Rangin activa con el grupo
Primer CD como solista "Smooth Oriental" 2009
www.Omidbahadori.com

Ganzorig DavaakhuuGanzorig Davaakhuu (Mongolia)

Yochin (con 120 cubiertos dulcimer Mongolia de cuerda)
Kargyraa (tono bajo)

Sus estudios de música en Ulanbaatar

1 Mongol Nutag
2 Tal
3 Lullaby
4 Duulal
5 Arezoo
6 Unspoken Words
7 Tovschuur Hogjim
8 Tenger
9 Raz
10 Bülgo
11 Sanaarschil

Radio Tarifa - Rumba Argelina 1994. Primer disco de esta mítica banda, un trabajo que fue pionero en muchos aspectos.

2011-12-22T22:17:00.002+01:00

WAV (Mayor calidad que FLAC)

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"Este trabajo es el resumen de unas músicas vividas. Gran parte de él está basado en un lenguaje surgido en el encuentro de tres músicos durante los últimos años : Benjamín Escoriza, Vincent Molino y yo. A este lenguaje le llamamos "Radio Tarifa" ; en él hay elementos de música medieval (surgidos del trabajo de investigación del grupo Ars Antiqua Musicalis), música árabe, Flamenco y otros ; que junto a la aportación definitiva de los músicos participantes, y del productor : Juan A. Arteche, componen esta obra..."
Faín S. Dueñas - Diciembre 1992

Producido por Juan Alberto Arteche en su estudio del AGUJERO y editado a principios de 1993, el primer Cd del grupo "RUMBA ARGELINA" se presentaba como un trabajo ecléctico donde cabían música arabe oriental, un tema medieval alemán, temas andalusies y sefardies, una canción de Sanábria, algunos temas compuestos por Faín, con letras de Benjamin, y varias incursiones en el flamenco y el folklore andaluz (Rumba Argelina, Tangos del Agujero, La Mosca, Bulerías Turcas, Oye China). La propuesta se complementaba con la participación de una quincena de músicos invitados entre los cuales destacaba la voz de Javier Ruibal, la guitarra de Gerardo Nuñez, los instrumentos de viento de Javier Paxariño y la participación de Wafir Sh. Gibril, Ramiro Amusategui y Eduardo Laguillo.
Muy bien acogido por la crítica especializada española e internacional, este primer trabajo discográfico tuvo al principio una difusión confidencial que se amplió cuando una multinacional del disco fichó al grupo para una nueva producción, "TEMPORAL", editado a finales de 1996. En 1994 se había formado el grupo en directo, con 8 músicos y un bailaor que han llevado la música de Radio Tarifa a numerosas ciudades españolas y diversos países extranjeros.

Existen 3 diferentes ediciones del disco. 1994, 1995, 1996. La portada que aparece aquí es de la 1ª edición del 94. El cd que os ofrecemos del 96. El año que aparece en la carpeta el 95.

Arreglos musicales : (Dueñas), excepto La Pastora y Nu Alrest :
(Dueñas - Amusategui - Molino)

Músicos

Benjamín Escoriza:
Voz, Guitarra española en La Mosca, Palmas, Coros

Faín S. Dueñas :
Voz en Ronda de Sanabria y Mañana, Percusiones (Derbuka, Tar, Djembe, Tabila, Pandero, Tam-tam,
Chiquitsi, Balafón, etc..), Bajo eléctrico, Sentir, Cümbüs, Guitarra española en Soledad, Buzuki, Guimbri, Guitarra eléctrica, Sanza, Casiotone, Teclado M1, Coros

Vincent Molino :
Casbas, Neys, Cromornos, Oboe de Poitou, Flauta travesera medieval en Nu Alrest

Javier Ruibal :
Voz en Nu Alrest

Juan A. Arteche :
2º Voz y Roncón en Ronda de Sanabria, Coros en
Lamma Bada

Javier Paxariño :
Saxos tenor y soprano en Lamma Bada, Bansuri y Saxo Soprano en Oye China, Kaval en Bulerías Turcas, Flautas de caña y Clarinete bajo en Soledad.

Gerardo Núñez :
Guitarra flamenca en Tangos del Agujero

Eduardo Laguillo :
Armonio hindú en La Canal

Cuco Pérez :
Acordeón en Oye China

Ramiro Amusategui :
Ud en La Mosca

Wafir Sh. Gibril :
Ud en Nina

Marcial Moreiras :
Fídula en Nu Alerst y La Pastora

Ali Reza Gholami :
Viola en Mañana

Juan J. Ruíz Leite :
Contrabajo en Rumba Argelina y La Canal

1 - RUMBA ARGELINA 3' 30
(Texto:Trad. flamenco/
Música: Trad.flamenco -
Trad. argelino)
2 - OYE CHINA 6 '45
(Texto:Trad.flamenco- Escoriza/Música:
Trad. flamenco)
3 -LAMMA BADA 4' 08
(Texto:Escoriza-Trad. árabe/
Música: Trad. arabe)
4 - MAÑANA 3' 36
(Texto y Música: Dueñas)
5 -LA CANAL 4' 35
(Texto: Escoriza /
Música: Trad. andalusí)
6 - EL BAILE DE LA BOLA 2' 45
(Música: Dueñas)
7 - SOLEDAD 4' 06
(Texto y Música: Dueñas)
8 - LA MOSCA 2' 37
(Texto: Trad. flamenco
/ Música: Trad. flamenco-
Trad. marroquí)
9 -TANGOS DEL
AGUJERO 3' 11
(Texto: Escoriza /
Música: Trad. flamenco)
10 - NU AL REST 7' 10
(Texto y Música:
Walter von der Vogelweid -
S. XIII)
11 - LA PASTORA 3' 00
(Texto y Música:
Trad. sefardí)
12 - RONDA DE SANABRIA 3' 18
(Texto y Música:
Trad. castellano)
13 - BULERIAS TURCAS 3' 08
(Texto: Escoriza - Dueñas /
Música: Trad. flamenco)
14 - NINA 2' 55
(Texto: Escoriza /
Música: Dueñas)

Camerata Mediterranea, Joel Cohen. Abdelkrim Rais Andalusian Orchestra of Fès, Mohammed Briouel - Alfonso X el Sabio: Cantigas de santa Maria 1999. Las cantigas del rey sabio en clave andalusi-sefardí. Un disco grabado en Fez que nos acerca a la forma real que tenían de interpretar esta música la legión de músicos y poetas semitas de la corte multicultural de Alfonso.

2011-12-18T13:18:00.001+01:00

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(Traducido del ingles con google traductor)
Camerata Mediterránea es un francés sin ánimo de lucro, un instituto internacional e intercultural de los intercambios musicales. Camerata Mediterránea se dedica a la investigación, el diálogo y la pedagogía de la participación de diversas civilizaciones musical de la cuenca mediterránea, cristiana, judía y musulmana. Su objetivo es revivir el valor de las interacciones olvidado. Tiene la intención de restablecer un diálogo, a la vez artístico, intelectual y humana, entre las civilizaciones.
Camerata Mediterránea fomenta la investigación y la comunicación entre especialistas y artistas conocedores de las tradiciones de sus respectivas civilizaciones.
En Europa, las fuentes antiguas se escriben, en el Este, la principal fuente de transmisión es oral. Estas diferentes formas de concebir y aprehender el arte musical crear problemas, que el instituto se propone ayudar a superar.
Camerata Mediterránea desea abordar estas tradiciones diferentes, en gran parte independiente de hoy, pero comparten muchas raíces comunes y antiguos. Más allá del interés intrínseco y la belleza de estos lenguajes musicales, Camerata Mediterránea es la opinión de que el momento histórico actual exige gestos sucesivamente nuevos de apertura y de cambio.
Camerata Mediterránea está especialmente preocupado con repertorios musicales de principios y tradicionales del sur de Europa, el español y el ibérico, y también en árabe, árabe-andaluz, judíos, otomanos, y otros repertorios relacionados con la cuenca del Mediterráneo y Oriente Medio.
Joel Cohen , una de las principales autoridades en la investigación e interpretación de música medieval y, dirigirá los programas del Instituto. Gran parte de su trabajo reciente ha consistido en la música de principios de Iberia y sus tres religiones.
Las raíces del nuevo Instituto se remontan a un par de décadas, cuando Joel Cohen comenzó a hacer investigaciones sobre las interrelaciones de la música de Europa del Este y del Próximo. Lo que sigue es una introducción abreviada a este campo vital y al trabajo de Joel Cohen.
Ya en 1982, Joel y la Camerata de Boston ha desarrollado un programa llamado "El Puente Sagrado", explorando las interacciones judíos y cristianos durante la Edad Media. En 1988, Erato Disques decidió hacer una grabación de este programa. Todavía en la demanda después de más de dos décadas, la grabación ha sido recientemente reeditado en el sello Warner Classics.
El "Puente Sagrado" programa sigue de gira internacional, más recientemente (abril de 2007) en Worcester, Massachusetts y en París, Francia. Desde su creación ha experimentado un desarrollo considerable, y ahora incluye una importante árabe / musulmana de los componentes. Últimas actuaciones se han realizado con el conjunto con sede en la música árabe Sharq
En 1997, Joel Cohen conoció el eminente músico marroquí Mohammed Briouel por primera vez. El encuentro dio a luz a una mayor producción, una selección de las Cantigas del siglo XIII el rey Alfonso el Sabio con músicos europeos y marroquíes colaboradoras. La grabación, realizada en Fez, Marruecos, se firmó "Camerata Mediterránea", y contó con la participación de la Orquesta Abdelkrim Rais de Fez, dirigida por el Sr. Briouel.
El "Cantigas" de grabación ganó el codiciado Premio Edison en 2000, y ha viajado extensamente en los Estados Unidos, Marruecos, Alemania, Países Bajos y Francia.
Una Navidad del Mediterráneo, con la Boston Camerata y el Conjunto de Sharq, es la producción más reciente de Joel Cohen explorar las raíces compartidas y prácticas musicales. Grabado en 2005 para Warner Classics y entusiasmo recibido por la prensa musical, la producción también ha viajado en vivo en los Estados Unidos y Francia.
En las últimas temporadas, Joel Cohen también ha untertaken colaboraciones con Dunia, un conjunto de música turca, y su líder, Mehmet Sanlikol. Con Camerata Mediterránea y el Atrio de Chaville, que está planeando un coloquio a principios de 2009 en torno al tema de la interacción multicultural musical mediterráneo.

Mohamed Brioue l es el director del Conservatorio de Música de Fez, donde también enseña teoría de la música. Desde 1963, Mohamed Briouel estudió música, junto a Abdelkrim Raïs Haj, uno de los maestros de la música del Magreb Árabe. Él es el primero de Marruecos para recibir el primer premio de la música y el precio de honor en la música árabe. En 1986, ganó el Prix du Maroc para la publicación de su libro de estudio, marroquíes andaluz Música: Nouba Gharibat Al Husein, que se incorporan a la notación occidental por primera vez, los once noubas Andalucía.
En los últimos años, es con su propia orquesta, la Orquesta Árabe de Fez, Mohamed Briouel que ocurre en Marruecos y en el extranjero, en el doble contexto de la música árabe-musulmán y la música también Sépharade, en compañía de artistas tales como las tradiciones judías Albert Bouhadana, Zrihan Emile, o Françoise Atlan , de acuerdo con esta antigua tradición marroquí de apertura y la tolerancia.

Camerata Mediterranea, Joel Cohen, dir.: Françoise Atlan (voice), Hayet Ayad (voice), Anne Azéma (voice), Equidad Bares (voice), Joel Cohen (lute, voice), Shira Kammen (harp , vielle).

Abdelkrim Rais Andalusian Orchestra of Fès, Mohammed Briouel, dir.: Azis Alami (taar, voice), Abdessalam Amri (darbouka, voice), Mustapha Amri (viola, voice), Mohammed Briouel (violin, viola, voice), Salah Charki (canun), Saïd Chraibi (tenor, voice), Rachid Lebbar (ud, voice).

1. Nawba Ramal al-Maya: Bughya by Traditional

Performer: Salah Chraki (Canun), Shira Kammen (Harp), Mohammed Briouel (Viola),
Mustapha Amri (Viola), Aziz Alami (Taar), Abdessalam Amri (Darabukka),
Shira Kammen (Vielle), Mohammed Briouel (Violin), Joel Cohen (Lute),
Rachid Lebbar (Oud)
Conductor: Joel Cohen, Mohammed Briouel
Orchestra/Ensemble: Camerata Mediterranea, Abdelkrim Rais Andalusian Orchestra of Fés
Period: Medieval
Written: Andalusia, Spain
Date of Recording: 10/1988
Venue: Mnehbi Palace, Medina, Fès, Marocco
Length: 1 Minutes 5 Secs.
Language: Spanish

2. Nawba Gharibat al-Husayn: Tushiyas by Traditional

Performer: Salah Chraki (Canun), Mohammed Briouel (Viola), Mohammed Briouel (Violin),
Mustapha Amri (Viola), Abdessalam Amri (Darabukka), Aziz Alami (Taar),
Shira Kammen (Vielle), Joel Cohen (Lute), Shira Kammen (Harp),
Rachid Lebbar (Oud)
Conductor: Joel Cohen, Mohammed Briouel
Orchestra/Ensemble: Camerata Mediterranea, Abdelkrim Rais Andalusian Orchestra of Fés
Period: Medieval
Written: Andalusia, Spain
Date of Recording: 10/1988
Venue: Mnehbi Palace, Medina, Fès, Marocco
Length: 2 Minutes 15 Secs.

3. Nawba Irak al-Ajam: Mizan Darj, Sana Kouli Lmalihti by Traditional

Performer: Shira Kammen (Harp), Shira Kammen (Vielle), Aziz Alami (Taar),
Abdessalam Amri (Darabukka), Mustapha Amri (Viola), Mohammed Briouel (Violin),
Mohammed Briouel (Viola), Salah Chraki (Canun), Rachid Lebbar (Oud),
Joel Cohen (Lute)
Conductor: Joel Cohen, Mohammed Briouel
Orchestra/Ensemble: Camerata Mediterranea, Abdelkrim Rais Andalusian Orchestra of Fés
Period: Medieval
Written: Andalusia, Spain
Date of Recording: 10/1988
Venue: Mnehbi Palace, Medina, Fès, Marocco
Length: 0 Minutes 44 Secs.

4. Nawba Gharibat al-Husayn: Mizan Bacit, Sana Kad nilto hibbi by Traditional

Performer: Salah Chraki (Canun), Rachid Lebbar (Oud), Mohammed Briouel (Viola),
Joel Cohen (Lute), Shira Kammen (Harp), Aziz Alami (Taar),
Shira Kammen (Vielle), Abdessalam Amri (Darabukka), Mohammed Briouel (Violin),
Mustapha Amri (Viola)
Conductor: Joel Cohen, Mohammed Briouel
Orchestra/Ensemble: Camerata Mediterranea, Abdelkrim Rais Andalusian Orchestra of Fés
Period: Medieval
Written: Andalusia, Spain
Date of Recording: 10/1988
Venue: Mnehbi Palace, Medina, Fès, Marocco
Length: 1 Minutes 46 Secs.

5. Nawba Rasd al-dhil: Mizan Koddam, Sana Allah hoo Yalamo by Traditional

Performer: Salah Chraki (Canun), Joel Cohen (Lute), Rachid Lebbar (Oud),
Aziz Alami (Taar), Mohammed Briouel (Violin), Mohammed Briouel (Viola),
Shira Kammen (Vielle), Shira Kammen (Harp), Mustapha Amri (Viola),
Abdessalam Amri (Darabukka)
Conductor: Joel Cohen, Mohammed Briouel
Orchestra/Ensemble: Camerata Mediterranea, Abdelkrim Rais Andalusian Orchestra of Fés
Period: Medieval
Written: Andalusia, Spain
Date of Recording: 10/1988
Venue: Mnehbi Palace, Medina, Fès, Marocco
Length: 1 Minutes 45 Secs.

6. Cantigas de Santa María: no 100, Santa María, Strella do dia by Alfons X (El Sabio)

Performer: Hayet Ayad (Voice), Francoise Atlan (Voice), Anne Azéma (Voice),
Mohammed Briouel (Violin), Mohammed Briouel (Voice), Mustapha Amri (Voice),
Mustapha Amri (Viola), Abdessalam Amri (Voice), Abdessalam Amri (Darabukka),
Aziz Alami (Voice), Aziz Alami (Taar), Shira Kammen (Vielle),
Shira Kammen (Harp), Joel Cohen (Lute), Joel Cohen (Voice),
Equidad Bares (Voice), Mohammed Briouel (Viola), Salah Chraki (Canun),
Saïd Chraibi (Voice), Rachid Lebbar (Oud), Rachid Lebbar (Voice),
Saïd Chraibi (Tenor)
Conductor: Joel Cohen, Mohammed Briouel
Orchestra/Ensemble: Camerata Mediterranea, Abdelkrim Rais Andalusian Orchestra of Fés
Period: Medieval
Written: 13th Century; Spain
Date of Recording: 10/1988
Venue: Mnehbi Palace, Medina, Fès, Marocco
Length: 3 Minutes 22 Secs.
Language: Spanish

7. Cantigas de Santa María: no 56, Gran dereit'é by Alfons X (El Sabio)

Performer: Rachid Lebbar (Oud), Saïd Chraibi (Voice), Saïd Chraibi (Tenor),
Salah Chraki (Canun), Mohammed Briouel (Viola), Mohammed Briouel (Violin),
Mohammed Briouel (Voice), Mustapha Amri (Voice), Mustapha Amri (Viola),
Abdessalam Amri (Voice), Abdessalam Amri (Darabukka), Aziz Alami (Voice),
Aziz Alami (Taar), Shira Kammen (Vielle), Shira Kammen (Harp),
Joel Cohen (Lute), Joel Cohen (Voice), Equidad Bares (Voice),
Anne Azéma (Voice), Hayet Ayad (Voice), Francoise Atlan (Voice),
Rachid Lebbar (Voice)
Conductor: Joel Cohen, Mohammed Briouel
Orchestra/Ensemble: Camerata Mediterranea, Abdelkrim Rais Andalusian Orchestra of Fés
Period: Medieval
Written: 13th Century; Spain
Date of Recording: 10/1988
Venue: Mnehbi Palace, Medina, Fès, Marocco
Length: 5 Minutes 13 Secs.
Language: Spanish

8. Cantigas de Santa María: no 320, Santa Maria leva by Alfons X (El Sabio)

Performer: Francoise Atlan (Voice), Mohammed Briouel (Violin), Abdessalam Amri (Darabukka),
Mustapha Amri (Viola), Aziz Alami (Taar), Shira Kammen (Vielle),
Shira Kammen (Harp), Joel Cohen (Lute)
Conductor: Joel Cohen, Mohammed Briouel
Orchestra/Ensemble: Camerata Mediterranea, Abdelkrim Rais Andalusian Orchestra of Fés
Period: Medieval
Written: 13th Century; Spain
Date of Recording: 10/1988
Venue: Mnehbi Palace, Medina, Fès, Marocco
Length: 3 Minutes 42 Secs.
Language: Spanish

9. Cantigas de Santa María: no 406, Ben vennas Mayo by Alfons X (El Sabio)

Performer: Saïd Chraibi (Voice)
Period: Medieval
Written: 13th Century; Spain
Date of Recording: 10/1988
Venue: Mnehbi Palace, Medina, Fès, Marocco
Length: 2 Minutes 38 Secs.
Language: Spanish

10. Cantigas de Santa María: no 370, Loemos muit'a Virgen by Alfons X (El Sabio)

Performer: Rachid Lebbar (Voice), Rachid Lebbar (Oud), Saïd Chraibi (Voice),
Saïd Chraibi (Tenor), Salah Chraki (Canun), Mohammed Briouel (Viola),
Mohammed Briouel (Violin), Mohammed Briouel (Voice), Mustapha Amri (Voice),
Mustapha Amri (Viola), Abdessalam Amri (Voice), Abdessalam Amri (Darabukka),
Aziz Alami (Voice), Aziz Alami (Taar), Joel Cohen (Lute),
Shira Kammen (Vielle), Shira Kammen (Harp), Joel Cohen (Voice),
Equidad Bares (Voice), Anne Azéma (Voice), Hayet Ayad (Voice),
Francoise Atlan (Voice)
Conductor: Joel Cohen, Mohammed Briouel
Orchestra/Ensemble: Camerata Mediterranea, Abdelkrim Rais Andalusian Orchestra of Fés
Period: Medieval
Written: 13th Century; Spain
Date of Recording: 11/1988
Venue: Mnehbi Palace, Medina, Fès, Marocco
Length: 3 Minutes 10 Secs.
Language: Spanish

11. Cantigas de Santa María: no 90, Sola fusti senlleira by Alfons X (El Sabio)

Performer: Equidad Bares (Voice)
Period: Medieval
Written: 13th Century; Spain
Date of Recording: 10/1988
Venue: Mnehbi Palace, Medina, Fès, Marocco
Length: 3 Minutes 44 Secs.
Language: Spanish

12. Cantigas de Santa María: no 52, Mui gran dereit'é by Alfons X (El Sabio)

Performer: Salah Chraki (Canun), Mohammed Briouel (Viola), Mohammed Briouel (Violin),
Mustapha Amri (Viola), Abdessalam Amri (Darabukka), Aziz Alami (Taar),
Shira Kammen (Vielle), Shira Kammen (Harp), Joel Cohen (Lute),
Rachid Lebbar (Oud)
Conductor: Joel Cohen, Mohammed Briouel
Orchestra/Ensemble: Camerata Mediterranea, Abdelkrim Rais Andalusian Orchestra of Fés
Period: Medieval
Written: 13th Century; Spain
Date of Recording: 10/1988
Venue: Mnehbi Palace, Medina, Fès, Marocco
Length: 1 Minutes 50 Secs.

13. Cantigas de Santa María: no 230, Tod'ome deve dar loor by Alfons X (El Sabio)

Performer: Hayet Ayad (Voice)
Period: Medieval
Written: 13th Century; Spain
Date of Recording: 10/1988
Venue: Mnehbi Palace, Medina, Fès, Marocco
Length: 2 Minutes 3 Secs.
Language: Spanish

14. Cantigas de Santa María: no 130, Quen entender quiser by Alfons X (El Sabio)

Performer: Mohammed Briouel (Violin), Mustapha Amri (Viola), Abdessalam Amri (Darabukka),
Aziz Alami (Taar), Shira Kammen (Vielle), Shira Kammen (Harp),
Joel Cohen (Lute), Francoise Atlan (Voice)
Conductor: Joel Cohen, Mohammed Briouel
Orchestra/Ensemble: Camerata Mediterranea, Abdelkrim Rais Andalusian Orchestra of Fés
Period: Medieval
Written: 13th Century; Spain
Date of Recording: 10/1988
Venue: Mnehbi Palace, Medina, Fès, Marocco
Length: 4 Minutes 56 Secs.
Language: Spanish

15. Cantigas de Santa María: no 200, Santa María loei by Alfons X (El Sabio)

Performer: Salah Chraki (Canun), Mohammed Briouel (Viola), Mohammed Briouel (Voice),
Saïd Chraibi (Voice), Rachid Lebbar (Voice), Mohammed Briouel (Violin),
Rachid Lebbar (Oud), Saïd Chraibi (Tenor), Joel Cohen (Voice),
Equidad Bares (Voice), Anne Azéma (Voice), Hayet Ayad (Voice),
Francoise Atlan (Voice), Joel Cohen (Lute), Shira Kammen (Harp),
Shira Kammen (Vielle), Aziz Alami (Taar), Aziz Alami (Voice),
Abdessalam Amri (Darabukka), Abdessalam Amri (Voice), Mustapha Amri (Viola),
Mustapha Amri (Voice)
Conductor: Joel Cohen, Mohammed Briouel
Orchestra/Ensemble: Camerata Mediterranea, Abdelkrim Rais Andalusian Orchestra of Fés
Period: Medieval
Written: 13th Century; Spain
Date of Recording: 10/1988
Venue: Mnehbi Palace, Medina, Fès, Marocco
Length: 5 Minutes 34 Secs.
Language: Spanish

16. Cantigas de Santa María: no 417, Nobre don e muy preçado by Alfons X (El Sabio)

Performer: Mohammed Briouel (Violin), Anne Azéma (Voice), Joel Cohen (Lute),
Shira Kammen (Harp), Shira Kammen (Vielle), Aziz Alami (Taar),
Abdessalam Amri (Darabukka), Mustapha Amri (Viola), Francoise Atlan (Voice)
Conductor: Joel Cohen, Mohammed Briouel
Orchestra/Ensemble: Camerata Mediterranea, Abdelkrim Rais Andalusian Orchestra of Fés
Period: Medieval
Written: 13th Century; Spain
Date of Recording: 10/1988
Venue: Mnehbi Palace, Medina, Fès, Marocco
Length: 5 Minutes 14 Secs.
Language: Spanish

17. Cantigas de Santa María: no 140, A Santa María dadas sejan loores by Alfons X (El Sabio)

Performer: Abdessalam Amri (Darabukka), Joel Cohen (Lute), Shira Kammen (Harp),
Shira Kammen (Vielle), Saïd Chraibi (Voice), Mustapha Amri (Viola),
Aziz Alami (Taar), Mohammed Briouel (Violin)
Conductor: Joel Cohen, Mohammed Briouel
Orchestra/Ensemble: Camerata Mediterranea, Abdelkrim Rais Andalusian Orchestra of Fés
Period: Medieval
Written: 13th Century; Spain
Date of Recording: 10/1988
Venue: Mnehbi Palace, Medina, Fès, Marocco
Length: 3 Minutes 36 Secs.
Language: Spanish

18. Cantigas de Santa María: no 250, Por nos, Virgen Madre by Alfons X (El Sabio)

Performer: Joel Cohen (Lute), Shira Kammen (Harp), Shira Kammen (Vielle),
Aziz Alami (Taar), Abdessalam Amri (Darabukka), Anne Azéma (Voice),
Mohammed Briouel (Violin), Mustapha Amri (Viola)
Conductor: Joel Cohen, Mohammed Briouel
Orchestra/Ensemble: Camerata Mediterranea, Abdelkrim Rais Andalusian Orchestra of Fés
Period: Medieval
Written: 13th Century; Spain
Date of Recording: 10/1988
Venue: Mnehbi Palace, Medina, Fès, Marocco
Length: 2 Minutes 38 Secs.
Language: Spanish

Capella de Ministrers y Ensemble El-Akrami - El jardí perdut. Al-Hadiqat Al-Adai'a (El Jardín Perdido). Música y poesía andalusí en la Valencia de los siglos 12 y 13. 2008.

2011-12-12T22:39:00.002+01:00

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Al-Hadiqat al-Adai'a nos introduce en la música y poesía andalusí de los siglos XI-XIII, de poetas y poetisas árabes como Ibn Jafáya (Alzira, 1058-1139), Amat al-Azíz al-Husayniyya (Levante, ss. XII-XIII), Al-Rusafi (Ruzafa, Valencia, 1141-Málaga, 1177), Ibn Labbána (Valencia, m. 1113), Ibn al-Abbar (Valencia, 1199-Túnez, 1260), Ibn al-Aríf (Almería, 1088-Fez-Marrakech, 1141), Ibn Yinnán al-Xativi (Játiva) y Ibn Záqqat (Alcira, m. 1134). Para la elaboración de este repertorio se ha contado con la participación del Ensemble Akrami, dirigido por Mohamed Amin El Akrami, director de la Orquesta Andalusí de Tetuán, quien colabora con Carles Magraner para la reconstrucción de esta música. Hay que destacar principalmente “Ai del meu Al-Andalus” de Jafáya, “Les vostres mirades” de Al-Aziz Al-Husayniyya, “La Russafa de València” de Al-Rusafi o “Canço d’alba” de Al-Xativí.

Para la realización y confección de los diversos programas de concierto y su estudio histórico y musicológico se ha contado con la participación de Carles Magraner (Capella de Ministrers), Mª del Carmen Gómez Muntané (UA Barcelona), Manuela Cortés (Universidad de Granada) y Antoni Furió (Universitat de València).

Como ocurría con las restantes escuelas andalusíes, la poesía femenina en tierras levantinas contaría con destacadas poetisas como Amat al-Azíz al-Sarifa al-Husayniyya (s. XII), descendiente de Huseyn el nieto del profeta Mahoma, de quien se conservan algunas de sus composiciones cantadas en el marco de la tradición musical andalusí en el Magreb; al-Abadiyya (s. XI), esclava educada en Denia y regalada por al-Muyáhid a al-Mu`tadid de Sevilla (1042-1069), y Hind (s. XII), esclava de Abu Muhammad b Maslama al-Xativí “El de Játiva” que destacó en el terreno poético, el canto y la instrumentación. El gusto de los gobernantes y el pueblo hacia la poesía y la música debió contribuir a que maestros y músicos incorporaran algunos de estos poemas a sus repertorios, siendo interpretados bien de forma aislada o integrados al “corpus” de las nawba-s (dialectal: nuba-s), considerada como la música de corte clásico y cuyos orígenes nos remite a Oriente, siendo Ziryáb el verdadero artífice de la codificación de la misma en al-Andalus, mediante el proceso transmisor. En este trasvase de conocimientos de Oriente a al-Andalus, merece tenerse en cuenta la labor de difusión realizada por músicos, cantores y esclavas-cantoras procedentes de las escuelas clásicas orientales: Hiyáz (La Meca y Medina), Omeya (Damasco y Alepo) y Abbasí (Bagdad, Samarra, Basora y Kufa), maestros de los que aprendieron los andalusíes.
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La serie Música en tiempos de Jaume I, que Capella de Ministrers está preparando con motivo de la conmemoración del 800 aniversario del nacimiento de Jaume I en Montpellier. Para la grabación se cuenta con la participación del Ensemble Akrami, dirigido por Mohamed Amin El Akrami, director de la Orquesta Andalusí de Tetuán, quien colabora con Carles Magraner para la reconstrucción de este repertorio, contando así mismo con el asesoramiento musicológico de Manuela Cortés, doctora en Filología Semítica y profesora de la Universidad de Granada. Con este trabajo se recuperan la poesía y la música que se escuchaban en València en tiempos de Jaume I.
Este disco será el colofón de todo el trabajo realizado por Capella de Ministrers para acercarnos a lo que fue la música en tiempos del Rey Conquistador. A los repertorios religioso y profano, recogidos en los dos primeros discos, se une ahora un tercero que incluye una aproximación histórica a la música de los árabes que vivían en estos territorios, para poder dar una visión global de la música de aquella época. Este disco recoge la visión de los poetas andalusíes exiliados en la corte del rey de Túnez, que no habían podido hacer nada por ayudar a València, y que ahora les acogía, en donde recordaban y lloraban la patria perdida: los jardines de Russafa, los ríos Guadalaviar y Xúquer, las ciudades de València, Onda, Alzira, Dénia y Xàtiva, que nunca volverían a ver.
Desde hace dos años Carles Magraner ha estado preparando esta serie de tres discos con música en tiempos de Jaume I, desde la perspectiva de la música religiosa y profana e incluyendo tanto la música de los conquistadores como la de los conquistados. Para ello ha contado con la participación de la doctora Mari Carmen Gómez Muntané, medievalista y catedrática de Música Antigua en la Universidad Autónoma de Barcelona, y con la colaboración del historiador Antoni Furió, catedrático de historia medieval de la Universitat de València.

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El estudio de las fuentes existentes respecto al Xarq al-Andalus (al oriente de al-Andalus) nos lleva a posicionarnos sobre la relevancia de la Escuela Levantina, en donde los expertos señalan la existencia de una destacada escuela de poesía neoclásica (la casída) cuyo creador sería el poeta Ibn Jafáya (1059-1139) nacido en Alcira (Yazírat Suqr o Isla del Júcar) y en donde también encontramos a poetas como al-Rusáfi, al-Munsafi, Ibn al-Abbár, o a Ibn Abi l-Rabí` al-Xativi. Como con las restantes escuelas andalusíes, la poesía femenina contaría también con destacadas poetisas como Amat al-Azíz al-Sarifa al-Husayniyya (s. XII) o al-Abadiyya (s. XI).
La poesía cantada en esta Escuela respondía a la triada lingüístico-literaria-musical, cuyas huellas podemos encontrar en el canto del insád o el mawwal, apoyados en algunos casos por la improvisación instrumental, a las que irían incorporándose formas andalusíes como la moaxaja y el zéjel. El arte del maestro estaba en elegir y adecuar las composiciones con el fin de hacer aflorar el duende (al-tarab) entre músicos y audiencia.
Este registro, articulado en torno a poetas y compositores de la Escuela Levantina, cuenta con tres composiciones (sana`at) recogidas en el códice conocido como Kunnás al-Há’ik (el más completo de los conservados) que corresponden al género clásico oriental de la casida. Contiene además algunas casidas breves cantadas en el marco del inxád, cuyo carácter recitativo y salmodiado se abre paso tras la interpretación de la tusiyya como obertura instrumental. Asimismo, el mawwál como género poético y musical de origen oriental, cuenta con la base poética de una composición de Ibn Jafaya.
Membranófonos como al-tár (pandereta con sonajas) o la darbuka marcaban el ritmo, mientras que cordófonos como el laúd (al-`ud) o el rabel (al-rebáb) completaban el conjunto instrumental que reunía a las orquestas (sitarát). Destaca la orquesta de la Escuela de Játiva con más de 100 laúdes. Ante la riqueza del patrimonio iconográfico e instrumental podemos conocer su diversidad organológica: sirvan como ejemplo la pila en mármol rosáceo de Xátiva (s. XI) o el hallazgo de una darbuka en Benetusser. En este registro hemos querido mantener los criterios atesorados por la Escuela Marroquí, como receptora directa del legado andalusí, contando en la formación del aparato instrumental clásico con los siguientes cordófonos: al-`ud (laúd), al-rebáb (rabel) y al-kamanya (tipo viola). Como base rítmica, dos membranófonos tradicionales: la darbuka y tár (pandereta con sonajas).
La rigurosidad de los criterios aplicados se ha adaptado al contenido de los poemas, respetando los modos y ritmos fijados por al-Há’ik en su Cancionero, aunque la pérdida de algunas melodías ha llevado a sustituirlos por otros modos y ritmos de esta tradición. En otras composiciones se ha llevado a cabo una recreación de los poemas, eligiendo aquellos ritmos y modos de la tradición clásica andalusí que mejor se adecuaban a los contenidos textuales.
El objetivo ha sido, a partir de una aproximación histórica, recuperar algunas de las composiciones de los poetas levantinos conservadas en la Escuela Tetuaní, y, como receptores de un legado identificador e integrador, presentarlos en perfecta armonía en homenaje a estos teóricos, poetas, compositores y músicos.
Manuela Cortés García

ENSEMBLE AKRAMI
Mohamed Amin El Akrami

Abderrahim Abdelmoumen, veu
Mohamed Amin El Akrami, 'ud
Ibrahim El Idrissi, rebab
Mohamed Mostafa, darbuka

CAPELLA DE MINISTRERS
Carles Magraner

David Antich, flautes
Carles Magraner, rabel / viella
Efrén López, guiterna
Pau Ballester, percussió

Ibn Jafáya
(Alzira, 1058-1139)
01 - Ai del meu al-Andalus [7:46]
02 - La meua terra d’Alzira [5:26]
03 - Oh València, tu no ets tu [3:36]

Amat al-Azíz al-Husayniyya
(Levante, ss. XII-XIII)
04 - Les vostres mirades [3:39]

Al-Rusáfi
(Ruzafa, Valencia, 1141-Málaga, 1177)
05 - La Russafa de València [2:57]
06 - El bany [5:42]

Ibn Labbána
(Valencia, m. 1113)
07 - Done la meua ànima [3:58]

Ibn al-Abbár
(Valencia, 1199-Túnez, 1260)
08 - La sénia [3:25]

Ibn al-Aríf
(Almería, 1088-Fez-Marrakech, 1141)
09 - Els enamorats [7:21]

Ibn Abi l-Rabi al-Xativi
(1189-1274)
10 - Cançó d'alba [5:41]

Ibn Záqqat
(Alcira, m. 1134)
11 - Epitafi d’un guerrer [4:12]
12 - Dia de tempestat [7:10]

Rafael Cortes - Discografia completa (discos grabados en estudio) 2000-2011. | Eclipse De Luna (2000)| Gitanos del agua (2004) | Alcaiceria (2007) | Parando el Tiempo (2011) | Un guitarrista granadino que es injustamente desconocido en su propia tierra y reconocido en el exterior.

2011-12-09T17:49:00.001+01:00

4 CD en 1 solo enlace.

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Rafael Cortés nació el 21 de diciembre de 1973. Su abuelo Octavio Cortés Maya fue un guitarrista famoso en su ciudad natal, Granada. Teniendo solamente cuatro años de edad debuta con su padre como acompañante. A la edad de 9 años empieza a acompañar baile y cante, que es lo que realmente forma a un guitarrista flamenco. Cuando Rafael tenía 14 anos, su profesor de guitarra El Macareno decidió que el muchacho ya sabía todo lo que él podía enseñarle, y había llegado a un nivel técnico increíble. Rafael colaboró con muchos grandes nombres del flamenco y artistas de otras ramas, incluyendo a Carles Benavent, El Cigala, El Pirana, Javier Barón, Concha Vargas, Carmen Ledesma, Jonathan Darlington, Jose de Lucía, Domingo Patricio, María Serrano, Tommy Emmanuel, Juan Cortés, y muchos más. Es a partir del año 1999 cuando grabó su primer álbum en solitario y comenzó a realizar giras con su propio grupo. Su toque maravilloso ha sonado además de en España, también en otros países como, Alemania (donde reside), Holanda, Suiza, Austria, Bélgica, Polonia, etc.
A pesar de su juventud, Rafael Cortés es un gran guitarrista que no tiene nada que envidiar a los grandes de su generación. Su música es virtuosa y llena de temperamento. Su estilo personal, lleno de fuego, está hábilmente enriquecido con elementos del jazz y género clásico, dando como resultado una música apasionada y emocional con un toque moderno sin desviarse de la tradición flamenca.

Rafael Cortes - Eclipse De Luna (2000)

Rafael Cortes - Gitanos del agua (2004)

Rafael Cortes - Alcaiceria (2007)

Rafael Cortes - Parando el Tiempo (2011)

Yengi Yol - Dilnoura 2011. Este grupo sigue profundizando en la unión del flamenco con la música de Asia central y en este, su ultimo disco, hay algún momento donde lo consiguen de forma brillante. Flamenco de Uzbekistán.

2011-12-07T12:29:00.001+01:00

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(Traducción automática del inglés al español.)
Yengi Yol significa "camino nuevo", en turco, así como en Uzbekistán. El "Yengi Yol" Ensemble nació hace unos años, cuando el músico europeo EH Durante salió al encuentro de músicos jóvenes de su edad en Uzbekistán. En aquel entonces, cuando la guitarra flamenca cumplido con sus música tradicional de Uzbekistán, el resultado fue convincente de inmediato. La banda nació y varios conciertos y grabaciones fueron hechas rápidamente, por lo que un nuevo sonido se oía en los países europeos y orientales.
Hoy en día, "Yengi Yol", ha desatado una vez más, hacia una nueva aventura totalmente original en turco otomano música juega con las sonoridades de Uzbekistán. Los cuatro músicos europeos (A. Espinouze, S. Halaris, A. et Morineau EHDuring), quien aceptó el reto ya tenía experiencia de sonido de la música otomana alta cultura, pero nunca se habían enfrentado a la tradición de alta cultura de Asia Central.
La reunión tuvo lugar en mayo de 2007 en Uzbekistán, cuando tres conciertos fueron dados (en Samarcanda, Bujara y Tashkent) a un público atónito por la nueva traída por los tonos "Yengi Yol" a su música. A algunos videos y algunas grabaciones dan cuenta de lo que probablemente nunca había sucedido en siglos.
En el siglo 15, los intercambios se sigue floreciendo entre la puerta a Europa y el corazón de Asia. Por lo tanto, los músicos de Samarcanda o Bukhara fueron capaces de jugar en la corte otomana de Estambul y viceversa. Las obras del repertorio viajaban miles de kilómetros, desde un extremo de una cadena de transmisión a la otra, y se organizaron en un conocimiento refinado y complejo codificado: el maqam, o el arte de la música de la alta cultura, compartida por la elite de los músicos desde el Magreb hasta China. Con el paso de los siglos y debido a la puesta en marcha de las fronteras políticas, el maqam se dividió progresivamente e interpretado de acuerdo con demandas locales, cada región en desarrollo su propio estilo y repertorio.
Yengi Yol propone ir en la dirección contraria. Manteniendo las particularidades propias de cada cultura, quieren tocar piezas otomano y Uzbekistán tienen similitudes obvias con la elaboración de la antigua - hasta el siglo 15 - los repertorios de la corte, así como hermandades sufíes.
Tan obvio y natural como el resultado pueda parecer, esta reunión nunca ha sucedido antes.

Emmanuel H During: guitar
Jamal Avezov: violin
Gozal Muminova: dotar
Rostam Tagaykulov : dâyra (percussion)

1. Yengi Yol - Katta Ashula (solo vocal improvisation) (2:12)
2. Yengi Yol - Rondeña (2:45)
3. Yengi Yol - Rondeña por Buleria (3:13)
4. Yengi Yol - Koshtar (3:55)
5. Yengi Yol - Granadina (3:17)
6. Yengi Yol - Daryo Toshqin (2:34)
7. Yengi Yol - Buleria (5:09)
8. Yengi Yol - Taranta (1:30)
9. Yengi Yol - Bir Kelib Ketsun (3:11)
10. Yengi Yol - Tangos (5:02)
11. Yengi Yol - Qora Ko'z (vocal improvisation) (2:59)
12. Yengi Yol - Qora Ko'z (4:28)
13. Yengi Yol - Seguiriya (4:38)

Parviz Meshkatian - 20 Years with Parviz Meshkatian 2010. Un recopilatorio póstumo donde destacan las participaciones que otros músicos persas tuvieron con este artista inigualable.

2011-12-06T13:17:00.001+01:00

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Parviz Meshkatian músico, compositor, investigador y profesor universitario. Nació en Nishapur, la ciudad del gran poeta Omar Khayyam.
Ingresó en la Academia de las Artes de Teherán, donde estudió teoría musical y se introdujo en el radif (el repertorio de música clásica persa) por los maestros Boroumand Nour Ali, Safvat Dariush, Mohammad Taghi Massoudieh y Barkeshli Mehdi. Se centró en el radif de Mirza Abdollah de santur y Setar.
Meshkatian fue uno de los miembros fundadores de la Aref Ensamble y el conjunto Sheyda. También fue uno de los miembros fundadores de la Fundación Chavosh, que ha desempeñado un papel muy importante en el desarrollo de la música iraní de las ultimas décadas.
Ha recorrido medio mundo presentando su arte sublime, siendo reconocido como uno de los grandes de la música persa de todos los tiempos. Meshkatian en colaboración con Mohammad Reza Shajarian, ha producido algunas de las grabaciones más bellas de la música tradicional persa contemporánea. Mientras continuaba con su trabajo como compositor e investigador, Meshkatian seguía enseñando música en la Universidad de Teherán .
Nos dejo hace poco, en el 2009. Pasara un buen tiempo hasta que llegue otro genio como el.

20 Years with Parviz Meshkatian 1

Parviz Meshkatian con:
1. Shahram Nazeri - Mahboob-e-Man Vatan (4:15)
2. Shahram Nazeri - Choopani (3:17)
3. Ali Rosatamian - Delshekan (4:56)
4. Shahram Nazeri - Mahroo (4:58)
5. Shahram Nazeri - Bia Ta Gol (3:19)
6. Shahram Nazeri - Sookhtegan (3:02)
7. Shahram Nazeri - Bahara (5:08)
8. Shahram Nazeri - Sarandaz (6:44)
9. Shahram Nazeri - Chandmezrab (4:30)
10. Hmaidreza Nourbakhsh - Nakoja Abad (3:33)
11. Shahram Nazeri - Dad-o-Bidad (3:40)
12. Shahram Nazeri - Delbara (4:41)
13. Alireza Eftekhari - Parvaneh (5:06)
14. Alireza Eftekhari - Tasnife Bia Ta Gol Barafshanim (3:21)

20 Years with Parviz Meshkatian 2

Parviz Meshkatian con:
1. Mohammad reza Shajarian - Tasnif-e-Dud e Oud (7:43)
2. Iraj Bastami - Tasnif-e-Ey Majlesian (4:57)
3. Parviz Meshkatian - Delangizan (4:38)
4. Ali Rostamian - Tasnif-e-Konj-e-Saburi (7:10)
5. Shahram Nazeri - Tasnif-e-Mara Eshq (4:34)
6. Shahram Nazeri - Tasnif-e-Lale-yey-Bahar (10:10)
7. Hamid reza Nurbakhsh - Tasnif-e-Hamneshine Dard (7:20)
8. Iraj Bastami - Tasnif-e-Tale (5:03)
9. Parviz Meshkatian - Gheteye Ghadimie Gerili Shasti (2:09)
10. Iraj Bastami - Tasnif-e-Gozare Omr (6:34)
11. Parviz Meshkatian - Khazan (8:03)

20 Years with Parviz Meshkatian 3

Parviz Meshkatian con:
1. Parviz Meshkatian - Tasnif-e-Ala Ya Ayohasaghi (7:44)
2. Parviz Meshkatian - Tasnif-e-Nafas-e-Bad-e-Saba (4:45)
3. Parviz Meshkatian - Tasnif-e-Maqam-e-Sabr (9:46)
4. Parviz Meshkatian - Tasnif-e-Har Shab Dele Man (8:36)
5. Alireza Eftekhari - Sanam (2:24)
6. Ali Rostamian - Ey Asheghan (9:13)
7. Parviz Meshkatian - Tasnif-e-Yar E Delnavaz (7:25)
8. Parviz Meshkatian - Tasnif-e-Sarv E Boland (4:33)
9. Parviz Meshkatian - Tasnif-e-Vatan-e-Man (11:52)

Anoushka Shankar - Traveller 2011. Flamenco hindú por la hija de Ravi Shankar.

2011-12-05T23:16:00.002+01:00

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"La música hindú y el flamenco están unidos por la complejidad" Anoushka Shankar
El madrileño Javier Limón es el responsable de la producción de Traveller. Una figura en el mundo del flamenco de quien Anoushka Shankar destaca su apertura de miras y sus ganas de experimentar con nuevos sonidos. Gracias a Limón, Shankar conoció a artistas españoles como el guitarrista Pepe Habichuela, el percusionista Piraña o la cantaora Sandra Carrasco, que colaboran en el disco.
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Anoushka Shankar, hija del famoso Ravi Shankar y a través de él medio hermana de Norah Jones, acaba de lanzar su séptimo disco al mercado. Reconozco no haber sido nunca una gran seguidora de su carrera, pues siempre he preferido el sonido psicodélico de Ananda Shankar, pero tras oír que su nuevo disco estaba siendo grabado en Madrid e iba a contar con influencias flamencas no he podido por menos que escucharlo después de su salida al mercado.
Sitarista casi desde la cuna – aprendió de su padre y firmó su primer contrato discográfico a los 16 años – desde que acabó la scuela se dedica de forma profesional a la música. Tras 6 albumes de estudio caracterizados por la fusión de sonidos y el rol principal del sitar, en Traveller (palabra inglesa para designar a los roma) explora la fusión entre los sonidos del flamenco y del sitar y las melodías indias en un estilo que ha bautizado como “viaje raga flamenco”. Con ello intenta retomar la relación entre ambas músicas, separadas desde que el pueblo gitano dejó atrás el subcontinente para comenzar su periplo por el mundo.
Producido por Javier Limón, este disco grabado en Madrid cuenta por el lado español a la cantaora Sandra Carrasco, el percusionista Ramón Porriña, el guitarrista álvaro Antona y a Pepe Habichuela y al pianista Pedro Ricardo Miño. Del lado indio tiene a Pirashanna Thevarajah a la percusión, Sanjeev Shankar al shehnai, Padma Shankar al violín, Shalini Patnaik al baile clásico hindú y Kenji Ota a la tambura. Incluso podremos escuchar a la Buika.
Este disco es bastante continuista y fiel al estilo que nos ha ido mostrando durante su carrera musical. De este modo, el instrumento sigue siendo central y aunque la fusión se puede sentir la temática india en general es predominante – aunque en temas como Bulería con Ricardo encontramos unos ritmos flamencos que marcan la canción -, como en sus trabajos anteriores. No obstante, no deja de ser un experimento muy interesante, y un disco muy agradable de escuchar y de descubrir poco a poco. Y sobre todo una fusión muy interesante entre dos tradiciones musicales con un origen posiblemente común y una evolución dispar, con letras expresadas lenguas de un mismo tronco pero radicalmente diferentes. Reyhan

Anoushka Shankar - sitar

Pepe Habichuela - guitar

Duquende - voice
Sandra carrasco - voice

Pedro Ricardo Miño - piano
Javier Limón - guitar
Piraña - spanish percussion

Farruco - flamenco dancer

Concha Buika - voice

Juan Ruiz - spanish percussion
Bobote and El Eléctrico - palmas
Tanmoy Bose - tabla
Shubha Mudgal - voice
Ajay Prasanna - flute
Kenji Ota - tanpura, voice
Pirashanna Thevarajah - mridangam, kanjira, ghataam, moorsing
Mythili Prakash - bharata nätyam dancer
Sanjeev Shankar - shehnai
Sanjeev Chimmalgi - voice (song)
Aditya Prakash: voice (intro and outro)

01. Inside Me 3:18
02. Buleria Con Ricardo 6:02
03. Krishna 5:50
04. Si No Puedo Verla 5:15
05. Dancing In Madness 4:29
06. Boy Meets Girl 4:55
07. Kanya 4:55
08. Traveller 3:40
09. Ishq 4:21
10. Casi Uno 5:26
11. Bhairavi 10:26
12. Lola's Lullaby 4:13