Lo Que Faltaba

120 Años del Nacimiento del Cine 1996 - 2005

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 09 Jun 2017 08:43:00 +0000

Si algo caracterizó la década de finales de los 80 fue la aparición del vídeo y el aumento de los canales en la televisión, que hizo que el cine empezase a perder el interés que había tenido hasta entonces.

Las productoras tuvieron que empezar a adaptarse a otros nuevos géneros entre los que destacaban los efectos especiales y fue así como muchos directores de culto empezaron a crear cine más comercial.

Fincher o Tarantino crearían a principios de los años 90 algunos de sus mejores films, un ejemplo en el caso del segundo sería su aclamada Pulp Fiction (1994), elegida la mejor película del director hasta la fecha.

También Europa nos dio grandes películas como El Último Emperador (1987) de Bertolucci o, en el caso de España, Belle Epoque (1991), con la que Trueba ganaría nuestro segundo Oscar.

A partir del año 95 lo más destacable en Hollywood fue que algunos actores se convirtieron en productores y/o directores, haciendo un trabajo más laborioso pero también más reconocido. Es el caso de Mel Gibson con la impresionante en todos los sentidos BraveHeart (1995), Tim Robbins, Pena de Muerte (1995) o Tom Hanks con The Wonders (1996).

Pero una película sería reconocida por ser la película por antonomasia de los años 90. Titanic (1997). Y es que James Cameron consiguió traspasar la barrera de los efectos especiales con esta maravilla e inició así el camino de salida para lo que se nos vendría a partir de entonces.

Matrix (1999) de los Hermanos Wachowski también resultó decisiva para el avance de los efectos especiales digitales en el cine, pues introdujo progresos audiovisuales hasta entonces casi desconocidos o poco utilizados.

Europa siguió su ascenso, ahora ya no sólo en guion sino que empezó a abrirse al mercado internacional gracias a los efectos especiales.

Luc Besson, ya conocido por Nikita, dura de matar (1989), se abrió al mercado internacional gracias a El Quinto Elemento (1997), una película futurista con actores muy conocidos en Hollywood y con unos llamativos efectos especiales.

Pero sin duda, la gran sorpresa europea sería el Dogma 95, un movimiento danés creado con motivo del centenario de la invención del cine en el que se recogía un manifiesto para crear un cine alejado de los arquetipos hasta entonces vistos.

Algunos de sus ‘mandamientos’ serían rodar la película cámara en mano, a color, en localizaciones reales, prohibición de todo tipo de filtro y efecto óptico o un formato de 35 mm.

Lo que estos directores, entre los que se encontraba Lars Von Trier, Los Idiotas (1998) o Bailando en la Oscuridad (2000), intentaban dejar claro que un buen cine no tenía por qué ir ligado a un alto presupuesto o unos efectos especiales espectaculares.

En España, un viejo conocido de la movida madrileña, Pedro Almodóvar, ganó su primer Oscar de la Academia con Todo sobre mi Madre (1999), una película que seguía su línea aperturista y hablaba sin tapujos de la homosexualidad y el travestismo, así como del cáncer.

La gran revelación española de la década, sin duda sería Alejandro Amenábar que, con su Tesis (1996), se metió a la crítica en el bolsillo y empezó a dar pasos de gigante que terminarían con el Oscar en 2005 por Mar Adentro.

Este mes, os queremos recomendar los que son, en nuestra opinión, dos películas que retratan el fenómeno del cine entre 1996 y 2005.

La primera, es la ya nombrada Bailando en la Oscuridad de Lars Von Trier. Un film dogma lleno de encanto que tiene desgarradora BSO de la cantante islandesa Björk, protagonista principal.

Y en contraste hablaremos de Titanic, película del visionario James Cameron que todos conocemos, con un guion mediocre pero unos efectos especiales hasta entonces nunca vistos.

Esperamos que las disfrutéis.

'La Bella y la Bestia', un nostálgico placer

noreply@blogger.com (Samanta) — Wed, 22 Mar 2017 09:00:00 +0000

El pasado viernes llegó a los cines uno de los estrenos más esperados del año: el remake live action de 'La Bella y la Bestia', protagonizado por nuestra queridísima Emma Watson, en el papel de Bella, y otros actores de renombre como Dan Stevens (Bestia), Luke Evans (Gastón) e Ian McKellen (Din Don). Quienes nos escuchasteis ayer en Radio Jove sabéis que le dedicamos un espacio de nuestra tertulia cinéfila, pero nos quedamos con tantas ganas de contaros más cosas que pensamos en dedicarle una extensa entrada en nuestro blog. ¡Y aquí estamos!

A estas alturas sería extraño que no conociérais este maravilloso cuento de hadas. Aún así, vamos a contaroslo una vez más: La historia se centra en una joven campesina llamada Bella que vivió a finales del siglo XVIII en una pequeña aldea de Francia. Su padre, un conocido inventor llamado Maurice, se marcha a una feria anual de inventores con tan mala suerte de perderse, ser atacado por lobos y acabar refugiándose en un viejo castillo encantado.

El amo y señor del lugar, un príncipe hechizado con cuerpo de bestia, lo recluye en una celda a modo de bienvenida. Por supuesto, Bella corre en su búsqueda con ayuda de Phillip, el corcel de la familia, que ante lo sucedido corre despavorido hacia casa. A su llegada al lugar la chica decide intercambiarse por el viejo Maurice para salvarle la vida, pasando a ser ella la prisionera del monstruo. A partir de entonces, Bella descubrirá la maldición que afecta al lugar y sus habitantes y hará todo lo posible por ayudarlos. Además, con el paso del tiempo se dará cuenta de que bajo el egoísmo de la bestia hay un gran corazón.

Esta sinopsis nada tiene que ver con la leyenda original, mucho más oscura tanto en su desarrollo como en la moraleja final que plantea. La versión que nos ha llegado a través de Disney surge de la adaptación que hizo en 1756 Jeanne-Marie Leprince de Beaumont, basada a su vez en la escrita por Gabrielle-Suzanne Barbot de Villeneuve 10 años atrás. Aún así, nos encontramos con grandísimas diferencias; lo que permanece en cualquier caso es el transfondo crítico a los matrimonios de conveniencia.

Con respecto al remake de este año, podemos decir contentos/as que sí se acerca muchísimo a la película original que nos encandiló en la infancia, tanto en la forma de mostrarnos el desarrollo del cuento como en el carácter de los personajes, los entornos y la banda sonora. Sin duda, verla en el cine es una maravillosa forma de volver atrás en el tiempo y sentirse otra vez pequeño/a.

Ellos sí que saben hypear al público.

La historia y los/as protagonistas

Una de las cosas que más nos ha gustado es que Bill Condon y su equipo se han molestado en introducir nueva información de los personajes que complica la historia. Así, nos encontramos ahora con revelaciones del pasado de Bella y de Bestia que nos permiten encontrar muchas similitudes entre ambos (a pesar de pertenecer a estratos sociales y lugares distintos). A su vez, también se descubre nueva información sobre el por qué de la maldición aplicada al servicio del castillo.

Pero no son estas las mayores sorpresas. Hay tres hechos que destacan sobre todos los demás: El primero, la relevancia que cobra LeFou, fiel acompañante de Gastón, al poseer una subtrama en la que Disney reafirma su homosexualidad y el amor que profesa hacia su compañero de aventuras. El segundo, la intensificación de la parte más feminista y desafiante de Bella, que en mucho se relaciona con la persona que le da vida en pantalla...; y el tercero, la inclusión de secundarios y extras negros/as para fomentar el respeto entre los más peques.

La ambientación

Otro punto a favor de esta nueva versión es que los escenarios en los que se desarrolla son extraordinariamente parecidos a los originales, y mucho más bellos. Todo se lo debemos agradecer a Sara Greenwood, encargada de trasladar los lugares de la película dibujada a la real. Por otro lado, también se basó en en la película de Jean Cocteau de 1946 para diseñarlos.

El techo y las torres del castillo encantado es una combinación entre el estilo barroco del palacio de Vaux-le-Vicomte y la arquitectura renacentista de Chambord. Por si os apeteciera ir a visitarlos para hacer la comparativa, el primero se encuentra junto a la ciudad de Maincy y el segundo, en la región del Loira; en ambos casos, al norte del país galo. Asimismo, los interiores son una mezcla del estilo de Versailles y la abadía alemana de Brunau.

Respecto a la aldea, fue creado desde cero por el equipo de la película, aunque la idea primera fue inspirarse en un lugar real como Conques o Noyers-sur-Serein. Se necesitaron 2.574 metros cuadrados para montarlo, por lo que se hizo dentro de un gran set en Shepperton, en el Reino Unido. Las ambientaciones exteriores fueron rodadas también en diferentes puntos de este país.

La banda sonora

¿Y qué decir de las canciones que acompañan a esta preciosa historia Disney? Para los más nostálgicos, la respuesta es sí: sí encontraréis todas las canciones del filme animado. Todos ellos cuentan con sus particularidades, nuevos arreglos que les sientan como un guante y complementan a la perfección la parte visual. No podía ser de otra forma teniendo en cuenta la participación de Alan Menken en el proceso creativo.

En cuanto a las novedades, son pocas pero muy buenas en casi todos los casos. El único fallo que podríamos sacar estaría en el tema '¿Cómo un instante se hace eterno?', de Maurice, pues llega al poco de terminar la canción de Bella y es totalmente prescindible. Al margen de este “error”, lo que nos ha sorprendido gratamente es el debut de Bestia en solitario ('Esperándola sin más'), transmitiéndonos la pena que siente por la marcha de su amada tras la mítica escena del baile. No solo acaba de dejar clara la evolución del personaje, sino que le da una fuerza tremenda a su nueva faceta enamoradiza, sensible y comprensiva. Os la dejamos aquí abajo... pero cuidadito, que da para lagrimones.

Especial San Valentín. Los 10 mejores besos de la historia del cine

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 14 Feb 2017 08:22:00 +0000

Con motivo del día más romántico del año, hemos querido hacer una lista de la que es para nosotros los 10 mejores besos de la historia del cine.

1. El Diario de Noah

Inolvidable aquel beso bajo la lluvia lago de Noah y Allie que consiguió dejarnos sin aliento.

2. Lo Que El Viento Se Llevó

Escarlata O´Hara pretendía ser una chica dulce y desvalida para conseguir aquello que quería de un Rett Buttler no tan ingenuo.

3. Casablanca

Un final inesperado que nos dejó uno de los mejores besos de la historia del cine y también uno de los más tristes. Y es que fin y al cabo... Siempre tendrían París...

4. De Aquí A La Eternidad

Sin duda el beso más húmedo de todo el celuloide y también uno de los más vistos en publicidad.

5. Ghost

Nunca una pieza de cerámica dio para tanto.
Demi Moore y Patrick Swayze nos dieron una lección sobre erotismo en esta escena que ni de lejos el Señor Grey se atrevería a imaginar. Todo ello aderezado con la impresionante BSO de Righteous Brothers y su Unchained Melody.

6. La Dama y El Vagabundo

Walt Disney nos enamoró con la cena más romántica de la historia. Ocurría entre dos perros, Dama, Cocker Spaniel y Golfo, un perro callejero.

7. Mi Chica

El primer beso jamás se olvida, y si no que se lo digan a Macaulay Culkin.

8. Spiderman

Otro beso bajo la lluvia y aunque no es de los mejores sí es de los más originales, pues Peter Parker alias Spiderman se colgaba de la pared boca abajo para dejar que Mary Jane le diera el beso de su vida.

9. Crueles Intenciones

Nuestra tan querida Buffy, Sarah Michelle Gellar, enseñaba a besar a Selma Blair con uno de los momentos más sensuales que podemos recordar.

10. ET

Como no recordar aquel mítico beso en el que Elliot, poseído por el alma de ET, daba un beso semejante al de la película que este último veía mientras tanto.

Como regalo, os dejamos el primer beso en toda la romántica historia del cine, con Mary Irwin y John Rice en el año 1896.

Esperamos que os haya gustado este post y os deseamos un día muy muy romántico.

Sobre el especial y otras cuestiones

noreply@blogger.com (Samanta) — Thu, 19 Jan 2017 17:47:00 +0000

Bienvenidos/as de nuevo al blog :))) Como ya dijimos en una de las últimas entradas, nos encontramos de celebración por nuestros 10 años en Radio Jove; una cifra que conmemoramos a lo grande en el programa de este martes. Recordamos los viejos tiempos, estrenamos colaboradora e hicimos un repaso por lo mejor del año 2007 — como siempre, a nuestro criterio — en lo que a música, cine y series se refiere. Por si os lo perdísteis, dejamos por aquí el enlace al audio desde iVoox y el montaje multicámara que subimos ayer a la cuenta de Youtube.

Pedimos disculpas si durante la hora no mencionamos alguno de vuestros comentarios de redes sociales. Dada la limitación de tiempo acabamos por dejarnos muchas cosas en el tintero, pero juramos por Snoopy que el próximo martes os leeremos y escucharemos vuestras felicitaciones en directo.

Aprovechando la entrada, también queremos daros más información un evento que mencionamos hacia el final del programa, y al que esperamos que vayáis porque tiene una finalidad muy bonita. Nuestros amigos de la asociación cultural Arcade Vintage han organizado para este sábado, de las 18 a las 22 horas, la cuarta jornada solidaria 'Por una vida extra', en favor de la Fundación Honrar La Vida. Como explican en su blog, lo recaudado se destinará a satisfacer las necesidades vitales y de desarrollo de la comunidad infantil y juvenil de Quito (Ecuador). La entrada tendrá un coste de 15 euros.

Para cerrar, solo queda recordaros que estáis invitadísimos a seguirnos en redes sociales y enviarnos , en público o por privado, recomendaciones para tratar en el programa. Nos encontraréis en Facebook como Lo Que Faltaba (@loquefaltabaradio) y en Twitter, con Lo Que Faltaba Radio (@LQFRadio). ¡Hasta la próxima!

120 Años del Nacimiento del Cine 1986 - 1995

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 13 Jan 2017 15:11:00 +0000

El Cine Underground, creado por estudiantes, dio un pequeño empujón a las corrientes artísticas y acercó aún más al espectador a la realidad de la calle, donde se mezclaban drogas y el caótico submundo del Rock and Roll.

Además, en esta década, los mismos directores decidieron crear sus propias productoras, como es el caso de Amblin de Spielberg, Lucasfilm de George Lucas y American Zoetrope de Francis Ford Coppola.

Pero los 80 trajeron un aroma a cine del bueno. Y es que para muchos de nosotros serían esas películas las que marcarían nuestra infancia.

Así, películas como Los Cazafantasmas (1984), Terminator (1984), su secuela Terminator II (1991) o Los Goonies (1985) dieron un empuje a una industria que caía en picado.

Y es que debido a la creación del vídeo y al aumento de los canales televisivos, el cine empezó a perder interés a un ritmo vertiginoso. Las productoras tuvieron que buscar otros géneros con más efectos especiales y otro público para poder avanzar.

Esta evolución traería grandes películas de grandes directores que supieron adaptarse al nuevo mundo.

Es el caso de Coppola, que en 1992 llevó a la gran pantalla al célebre Bram Stoker y su novela Drácula, o David Lynch, un viejo conocido del cine vanguardista, que con su Terciopelo Azul (1986) tocó techo al crear su primera gran obra maestra.

Pero también algunos de nuestros grandes directores actuales emergieron en la década de los 90 con su primera obras.

Tarantino ganó el Oscar al mejor guion original con Pulp Fiction (1994), un guion escrito en un apartamento donde no tenía ni teléfono ni fax. Y es que el ahora laureado director fue uno más de los muchos directores noveles rechazados y humillados. Cuando llegó su oportunidad se vengó de todos aquellos que lo habían infravalorado.

Alien 3 (1992) y Se7en (1995) dieron a conocer a David Fincher, un director de publicidad y vídeos musicales, entre ellos el videoclip Love Is Strong, de los Rolling Stones, ganador del Grammy en 1994.

Otras películas de Fincher en los 90 fueron The Game (1997) y El Club De La Lucha (1999), dos películas que le harían ser reconocido como uno de los mejores directores de los últimos años.

Pero Europa también siguió haciendo buen cine.

En Francia, veteranos como Truffaut o Godard se mantuvieron en la élite manteniendo su sello de autor. Detective (1986) y Nouvelle Vague (1990) son dos claros ejemplos.

Italia siguió contando con Bertolucci que en la cúspide de su vida rodó la galardonadísima (se llevó los 9 Oscars a los que optaba) El Último Emperador (1987), una película que cuenta la vida del último emperador de China, Puyi. El film está plagado de grandiosos escenarios, pues es la primera película de la historia que consiguió los derechos para poder rodar en el país entonces bajo el comunismo de Mao.

Gran Bretaña nos dio grandes películas en la década de los 80 y principios de los 90, así como grandes directores.

Derek Jarman con Caravaggio (1985) o Edward II (1991) y Roland Joffé con World Apart (1993) fueron dos claros exponentes del buen cine británico y la belleza de sus guiones y su fotografía.

La transición dotaría a nuestro país de una de las épocas más creativas y abiertas del cine español.

¡Ay Carmela! (1990) de Carlos Saura es un claro ejemplo del cine reivindicativo que empezaría a hacerse. Y es que la opresión vivida durante 40 años había dejado mucho resentimiento y el séptimo arte fue una forma de liberación.

Fernando Trueba dirigiría en 1992 Belle Epoque, segunda película española ganadora al Oscar a Mejor Película de Habla No Inglesa tras Volver a Empezar de José Luis Garci.

Pero sin duda, el gran descubrimiento de los 80 fue Almodóvar, cantante a su vez del grupo Almodóvar & McNamara que con su Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, crearía el universo Almodovariano al que nos tiene acostumbrados y que más tarde le haría, no sólo ganador de 2 Oscars de la academia, sino también uno de los personajes españoles más influyentes de la historia.

Esta vez, y como siempre en cada post del Nacimiento del Cine queremos recomendaros un par de películas.

En este caso, os recomendamos El Último Emperador de la que ya os hemos hablado. Pocos comentarios pueden describir la belleza de la obra de arte de Bertolucci. ¡Mejor que lo veáis!

La otra es Uno de los Nuestros (1990), un clásico del más puro Scorsese que nunca deja indiferente a nadie. Mafia y Joe Pesci, la mejor mezcla.

Esperamos que las disfrutéis tanto como nosotros y hasta la próxima.

Año nuevo, ¡etapa nueva!

noreply@blogger.com (Samanta) — Tue, 10 Jan 2017 16:45:00 +0000

La Navidad se marcha y, de nuevo, toca dejar paso al trabajo duro. Precisamente ayer, día uno post-vacaciones, el equipo de Lo Que Faltaba se reunió para poner en común ideas de cara al resto de la temporada. No obstante, nos centramos en planificar el que será el evento más importante de este año para nosotros/as, y con mucha diferencia: la celebración de nuestros diez años en antena. ¿Quién lo diría? El tiempo pasa tan rápido...

Con motivo de esta fecha tan señalada, emitiremos un programa especial la próxima semana dedicado a la historia de LQF y los hitos culturales que marcaron el año 2007, fecha en la que arrancó el proyecto. Asimismo, dejaremos un espacio para que vosotros/as también podáis opinar y felicitarnos por nuestro cumple radiofónico. A partir de mañana, día en que arranca la campaña de promoción en nuestras redes sociales (Facebook y Twitter), explicaremos qué debéis hacer para participar.

Para cerrar este primer post del 2017, solo queda hablaros de la incorporación a nuestra plantilla de una nueva compañera. Se llama Samanta, vive en Elche y por el momento estará al mando de la sección de series, aunque también nos traerá noticias relacionadas con los videojuegos y la ficción japonesa, dos áreas de las que es muy fan. Si queréis conocerla mejor, visitad su perfil de Twitter.

Sin más dilación, nos despedimos hasta la próxma entrada. Prometemos que esta vez vendrá más pronto que la anterior :)

Carrie Fisher, la princesa guerrera de la galaxia

noreply@blogger.com (Anonymous) — Wed, 28 Dec 2016 19:03:00 +0000

Star Wars IV: una nueva esperanza

Hoy debemos despedirnos de una actriz que realizó un importante cambio para una generación de jóvenes. La actriz Carrie Fisher nos deja a la edad de 60 años tras no poder superar el ataque cardíaco que sufrió el pasado día 23 en un avión.

Hija del cantante Eddie Fisher y de la actriz Debbie Reynolds, con la edad de 20 años realizó su papel más importante y por el que siempre la recordaremos: la princesa Leia Organa. George Lucas se fijó en ella para darle este papel que cambió el rol de damisela en apuros en el mundo del cine.

Leia representaba la fuerza y la determinación de la Rebelión contra el Imperio. No era una luchadora más, era una líder, una inspiración para aquellos que luchaban contra la opresión del Emperador y el temido Darth Vader.

Con aquellas simples palabras de "Ayúdame Obi-Wan Kenobi, eres mi última esperanza", cautivó a toda una serie de aficionados al cine y a la ciencia ficción. Mayores y pequeños, todos recordaríamos esas palabras. Remarcar también el excelente doblaje que se hizo en su día de esta película, porque con esa voz y entonación es como recordamos a Leia Organa.

Por desgracia, no todo fue bueno para la actriz Carrie Fisher. Tras su paso por la primera trilogía de Star Wars, su carrera de actriz no despegó. Fue el caso contrario al de Harrison Ford, que sí tuvo más éxito en Hollywood.

Sus interpretaciones en los siguientes años se quedaban en cameos o papeles más secundarios. Eso sí, cuando salía se notaba que no había perdido la calidad y nos invadía un sentimiento de nostalgia. Pudimos verla como esposa de Tom Hanks en No Matarás al Vecino o en breves cameos de Scream 3, Jay y Bob el Silencioso, en Austin Powers: Misterio Agente Internacional o no hace tanto en la serie The Big Bang Theory junto con el actor James Earl Jones (la voz en versión original de Darth Vader).

Sin embargo, una de sus apariciones más famosas fue en la película Granujas a todo ritmo (The Blues Brothers) con John Belushi y Dan Aykroyd. Fue rondada entre El Imperio Contraataca y El Retorno del Jedi, en un momento donde la popularidad de Fisher era mayor. Pero eso no quita lo divertida que eran sus apariciones.

Pero si la actriz no pudo conseguir mejores papeles también era por sus adicciones a las drogas, sus problemas de bipolaridad y la relación con su madre. Con los años, la propia Fisher escribiría un libro semiautobiográfico, Postales desde el filo.

En 1990, el libro fue llevado al cine por el director Mike Nichols, donde Meryl Streep hacía el papel de Carrie Fisher y Shirley McLane el de su madre, Debbie Reynolds. La propia actriz se tomó con bastante humor todos los males de su vida, llegando incluso a representar un especial de humor en la HBO titulado Wishful Driking (Bendito Alcoholismo).

Aunque su carrera como actriz no era como ella esperaba, sí que se ganó una buena reputación como guionista ocasional y analista de guión. Por sus manos pasaron libretos como Hook de Steven Spielberg, Sister Act, Arma Letal 3, El chico ideal e incluso las precuelas de Star Wars.

En estos últimos años la hemos vuelto a ver en la gran pantalla gracias a Star Wars VII: El Despertar de la Fuerza, y el pasado abril presentó su nuevo libro titulado The Princess Diarist. En este relata anécdotas y sucesos detrás de las cámaras en la primera película de Star Wars, como por ejemplo que tuvo un lío amoroso con Harrison Ford.

Star Wars VII: El Despertar de la Fuerza

Su fallecimiento ha dejado muy tocado al mundo del cine. Muchos actores han mostrado sus condolencias a través de comunicados o por las redes sociales. Kathleen Kennedy, presidenta de LucasFilm, mandaba una carta donde expresaba su dolor y lo que siempre representó la Princesa Leia a toda una generación.

El director J.J. Abrams mandaba una carta por su cuenta de Bad Robot en Twitter, destacando la originalidad de Fisher y su forma divertida de afrontar los problemas. Otros actores como Mark Hamill, Anthony Daniels (C3PO), Billy Dee Williams (Lando Calrissian), o Gwendoline Christie (Game of Thrones) se sumaron para recordar a la actriz.

no words #Devastated pic.twitter.com/R9Xo7IBKmh
— Mark Hamill (@HamillHimself) 27 de diciembre de 2016

I thought I had got what I wanted under the tree. I didn't. In spite of so many thoughts and prayers from so many. I am very, very sad.
— Anthony Daniels (@ADaniels3PO) 27 de diciembre de 2016

I'm deeply saddened at the news of Carrie's passing. She was a dear friend, whom I greatly respected and admired. The force is dark today!
— Billy Dee Williams (@realbdw) 27 de diciembre de 2016

We've lost our Princess.
— Gwendoline Christie (@lovegwendoline) 27 de diciembre de 2016

Nosotros queremos recordarla con esta pieza de John Williams, titulada Across the Stars. Siempre será la princesa guerrera que luchaba por los suyos. Ahora forma parte de las estrellas, forma parte de un legado que iremos transmitiendo con el paso de los años y de las décadas. Ahora ella es una con la Fuerza. May the Force be with you, princess Leia.

120 años del Nacimiento del Cine - 1976 - 1985

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 22 Dec 2016 18:40:00 +0000

El nacimiento del Cinemascope o la desaparición definitiva del Star System marcaron sin duda una década muy convulsa tanto dentro como fuera de EEUU.

Y es que entre los años 60 y 70 la hegemonía de Hollywood acabaría por desaparecer gracias a la aparición de muchos y sensacionales géneros cinematográficos.

Entre ellos, el Cine Underground, creado por los estudiantes tanto de cine como de televisión. Una nueva forma de crear que se basaba en las corrientes artísticas del momento y que terminaría con el cine comercial que había reinado hasta entonces.

Pero no sería el único género que lucharía contra la tiranía de EEUU.

Y es que fue en los años 70 cuando nació el cine que mostraba la realidad de la calle, enseñándonos el mundo de drogas y Rock and Roll dominante entonces en todo el mundo.

Así, Scorsese tuvo su gran momento creando entre otras sus primeras obras maestras como pueden ser Taxi Driver (1976) y Toro Salvaje (1980).

También sería en esta época cuando algunos de los posteriores grandes directores empezaron a crear sus primeras obras e incluso sus propias productoras. Un ejemplo son Spielberg que fundó Amblin y George Lucas con su ya legendaria Lucasfilm.

Sería en parte gracias a ellos dos y a dos de sus estrenos, Tiburón y La Guerra de las Galaxias, que la industria empezó a cambiar el rumbo. Y es que se empezaron a crear asociaciones en las que se incluía a accionistas que participaban en las películas con grandes presupuestos que ayudarían a convertirse a éstas en grandes éxitos.

Otro grande sería Francis Ford Coppola. El director fundó su productora American Zoetrope y estrenó su gran trilogía maestra. El Padrino fue impresionante en todos los sentidos y unida al estreno de Apocaliypse Now le consolidaría como uno de los mejores directores de la historia.

Una curiosidad de Coppola que poca gente sabe es que ayudó a George Lucas a sacar adelante sus primeros proyectos y a consolidar Lucasfilm.

En 1979 salió El Imperio Contraataca y en 1983 El Retorno del Jedi, dando a Lucas el éxito definitivo y explotando, por primera vez, el merchandising cinematográfico.

Otro género que obtuvo mucho éxito fue entonces el cine de terror. Así, películas como Carrie de Brian de Palma, La Semilla del Diablo de Roman Polanski o El Exorcista de William Friedkin se hicieron con una gran recaudación en taquilla y una fama sin igual.

También en Europa se siguió haciendo buen cine.

La alemana El Tambor de Hojalata de Volker Schöndorff o Amarcord, el clásico italiano de Fellini son claros ejemplos de que el cine europeo seguía en auge y que empezaba a coger una carrerilla que casi nadie podría ya superar.

Este mes os recomendamos no dos películas, sino dos trilogías que han sido muy importantes para los anales del cine.

Star Wars, de George Lucas y El Padrino, de Coppola. Trilogías muy diferentes entre sí pero que muestran lo que es la calidad cinematográfica de la época y de la historia.

120 años del Nacimiento del Cine. 1966 – 1975

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 05 Aug 2016 14:47:00 +0000

El mes pasado vimos como surgieron otros tipos de géneros cinematográficos de los ya existentes hasta entonces, pues Hollywood había conseguido monopolizarlo todo gracias al control masivo de los estudios cinematográficos.

Entre otros, el Musical y el Western, que aunque en un principio fueron muy bien acogidos por el público, en ambos casos, sobre todo con el último, terminó por haber una saturación de ideas y la mayoría de guionistas ya escribían siempre sobre lo mismo.

También debido a la famosa Caza de Brujas de McCarthy, los cineastas empezaron a salir de EEUU para poder trabajar, como sería el caso de Chaplin. Y es así como Europa empezaría a crear sus propios géneros, una temática que les llevaría a formar parte de la historia del cine.

En los años 60 Hollywood se volvió a llenar de buenas ideas y resurgió una vez más de sus cenizas.

Y es que fue una etapa en la que la innovación tanto en espectáculo como en los medios técnicos consiguió que las salas de cine volvieran a llenarse de gente.

Nació el Cinemascope, un sistema que conseguía filmar las películas en 35 mm y después a la hora de proyectarlas, permitía cambiar la proporción para verlas mejor. Aunque ahora nos parezca algo poco interesante, para la época fue uno de los descubrimientos más importantes en la Historia del Cine, pues gracias a él podemos tener hoy todo tipo de formatos, incluido el panorámico.

Muchas películas empezaron a rodarse en Europa por ser los costes más baratos. Así es el caso de Ben Hur y Cleopatra en Italia o El Cid en España.

Y hablando de cine europeo, las corrientes siguieron creciendo.

Ingmar Bergman en Suecia creó el cine Introspeccionista, dando énfasis a la psicología de las personas y a sus miedos y angustias.

En algunos países en los que no se había conseguido instaurar la democracia, surgieron algunos cineastas que defendían la libertad del pueblo y de su expresión tanto personal como artística. Algunos de ellos fueron Polanski en Polonia, Kozintsev en la URRSS y Buñuel, Berlanga o Saura en España.

El cambio más importante que trajo la década de los 60 es que se inició la grabación de cine y series para televisión, sobretodo estas últimas.

Muchos cineastas empezarían su formación en televisión para después pasarse al cine y viceversa.

Serían estos directores los que terminarían por crear el cine Underground, un tipo de cine nada comercial que se oponía al cine Hollywoodiense y que se basaba sobre todo en las corrientes artísticas del momento. Era algo bastante abstracto.

Algo muy importante de esta década es que el Star System acabó por desaparecer. Y es que la creación de nuevos géneros anti comerciales y europeos hizo que los actores y directores quisieran ser libres para trabajar en lo que ellos decidieran y no lo que los estudios les decían.

Se había acabado la hegemonía de Hollywood.

Este mes queremos, como siempre, recomendaros dos películas que expliquen un poco todo lo que os hemos contado y así entendáis un poco más de esta década.

La primera es Cleopatra, una magnífica producción hollywoodiense al más puro estilo comercial que se convirtió en el inicio del llamado género Péplum, que contaba historias legendarias o reales de la Edad Antigua.

La otra película que queremos recomendaros es Blow Up, de Michelangelo Antonioni. Retrata el mejor cine independiente europeo contando la historia de un fotógrafo que hace unas fotos por error y se mete en un problema.

Crítica de 'Stranger Things'

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 29 Jul 2016 12:18:00 +0000

La nueva serie bajo la protección de Netflix ha causado furor este verano. Hablamos de Stranger Things, producida y dirigida por los hermanos Duffer. Estos últimos también son responsables de la serie Wayward Pines, aunque el resultado ha sido muy distinto.

Esta serie de ciencia ficción nos sitúa en el año 1983, en un pueblecito llamado Hawkins. Un grupo de niños juega a Dungeons & Dragons, sin percatarse de que han pasado horas y horas jugando en el sótano. La forma de las casas, los aspersores de jardín, el vestuario y la decoración... todo está diseñado para llamar a la nostalgia.

Mike, Dustin, Lucas y Will forman un grupo de amigos, de "pandilla" mejor dicho. Quedan en casa de Mike para jugar, dan paseos con sus bicicletas y se comunican entre ellos por walkie talkie. Los niños no piensan en tener un móvil nuevo e internet aún no ha llegado a las casas. El whatsapp ni se ha inventado y la fiebre del messenger tardaría más de diez años en llegar. Es la década de los 80 y la serie nos lo recuerda a cada paso.

Tras dejar a medias su partida de rol, todos vuelven a casa. Pero Will no llegará a su destino. Desaparece durante la noche, cuando iba con su bici por la carretera. Su madre (interpretada por Winona Ryder) está angustiada, su hermano Jonathan se pone a buscarlo como loco y el jefe de policía Hopper piensa que sólo se trata de una travesura.

Por supuesto, sus tres amigos no se quedan atrás y se suman a la búsqueda de Will. Pero lo que encontrarán no será a su fiel compañero. En medio del bosque, aparece una niña con el pelo rapado. Está muy asustada y desorientada. ¿Quién es esta niña y qué relación tiene con la desaparición de Will?

Este es el escenario inicial de Stranger Things, y a partir de aquí, los acontecimientos se irán desarrollando. De una forma predecible, hay que decirlo. Cualquiera que haya visto cine o series de ciencia ficción, sabe muy bien por dónde van a ir los tiros. Pero en ese caso, ¿por qué ha tenido tanto éxito? Es el llamado factor nostalgia, que aquí está llevado a la perfección.

La nostalgia es un arma de doble filo muy peligrosa. Si no se sabe manejar, te puede dejar fuera. Un ejemplo de ello es la película Super 8 de Abrams, que no tuvo el éxito que se esperaba. El film presentaba demasiados problemas como el desarrollo de personajes (muy pobre) o que intentaba ser "algo" que no debía ser.

Aquí no, la serie de Matt y Ross Duffer te muestra lo que es. Ni intenta ser novedosa ni tampoco cambiar el mundo de la ciencia ficción. Es una historia que ya conocemos, que tiene muchas referencias a las obras de Stephen King o a películas de John Carpenter. Veremos numerosos guiños en forma de pósters, peinados, ropa y un sinfín de elementos.

Todo esto son añadidos, son complementos para una historia simple pero que funciona. Aquí es donde radica su fortaleza. Está muy bien llevado, enseguida conectas con los personajes y te sumerges en la atmósfera de la serie. No le hacen falta giros extraños de guión o clímax sin sentido para justificar un enfrentamiento. Stranger Things va directa a lo que quiere ofrecer y es por eso que el público está muy satisfecho con la serie.

Con respecto al guión, en muchos sitios se comenta que se nutre por King y Carpenter, mencionados antes. A opinión personal, también se nutre de videojuegos. En especial de dos muy famosos en la década de los 90. Los que han visto la serie sabrán muy bien a qué videojuegos me estoy refiriendo, pero lejos de ser algo negativo, la sensación es todo lo contrario. Estas referencias, como todas las demás, están muy bien guiadas y no intentan estorbar al guión.

Igualmente, alguno de sus personajes no está muy bien diseñado. Los hermanos mayores, Jonathan y Nancy, deberían de sentirse más preocupados en algunos momentos. Les falta expresividad, como al jefe de policía. Un poco más y Kevin Costner le gana en interpretación. Además, todo lo que les falta a ellos, le sobra a Winona Ryder en algunas partes de la serie.

Por suerte, solo son en trozos concretos. En otros momentos realmente lo hacen bien, y aparte de esto, los defectos que tienen son compensados con creces por los más pequeños. El grupo de amigos formado por ellos cuatro, más la chica desconocida que encuentran, es la base absoluta de Stranger Things. Ellos (y ella) son los protagonistas, los que verdaderamente llevan el peso de la historia. Son un espejo de lo que fue tu infancia, del pasado que tuviste.

Otro punto a favor es su increíble banda sonora, realizada con sintetizadores y que recuerda mucho a las que hace John Carpenter. Pero de esto hablaremos más extensamente en otra entrada. Comentar también que se escuchan canciones de la época como Should Stay Or Should I Go del grupo The Clash, o Atmosphere de Joy Division. Otras canciones conocidas son White Rabit de Jefferson Airplane o Africa de Toto.

Si todavía tenéis dudas sobre Stranger Things, pues nada mejor que ver unos minutos del primer capítulo. En una elección muy acertada, para mi opinión, Netflix puso en Youtube los primeros minutos del capítulo 1. Una forma de atraer a sus espectadores y de mostrar lo que ofrece la serie.

Comienza el festival de Tomorrowland

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 21 Jul 2016 11:37:00 +0000

Un verano más, llega uno de los festivales de música electrónica más conocidos. Se celebra en la ciudad de Boom (provincia de Amberes, Bélgica) y este año será su 11ª edición. Como en las ediciones anteriores, los DJs más conocidos participarán en este evento que reúne a más de 150.000 personas de distintos países. Aquí la nacionalidad no importa, tan solo las ganas de pasarlo bien y disfrutar de las sesiones.

El festival consigue juntar las distintas variantes de música electrónica en 15 escenarios distintos, aunque por supuesto, el Main Stage es el que más gente acumula porque ahí es donde tocarán los más conocidos. Además, el lugar está decorado con una ambientación de fantasía y magia. De hecho, todos los trailers que han ido sacando para promocionar el festival han sido de este estilo, siendo el de 2014 uno de los mejores.

El viernes 22 comenzará el espectáculo, aunque bastante más relajado. Galantis abrirá por la tarde para luego dejar paso a los "pesos pesados". El dúo holandés W&W, David Guetta, Armin Van Buuren, Tiësto y Alesso darán vida a la noche del viernes, desde las 21:00 h hasta la 01:00 h de la madrugada.

El sábado 23 lo abrirá el DJ Laidbuck Luke. Todo un "veterano" que ha llegado a tocar junto con Guetta, Axwell y Steve Angello. Por la tarde, The Chainsmokers serán los que inicien una noche muy eléctrica. Yves V, Nicky Romero, Afrojack, Dimitri Vegas & Like Mike, Axwell & Ingrosso cerrarán la noche con sus sesiones.

El domingo 24 la mañana será de relax total para coger fuerzas por la noche. Don Diablo, Oliver Heldens y Paul Kalkbrenner estarán por la tarde para ser la antesala al toque final del festival. El cierre del Tomorrowland 2016 será para las sesiones de Steve Aoki, Steve Angello, Martin Garrix y Dimitri Vegas & Like Mike. Aunque en los últimos años, la última media hora se ha podido ver cómo se juntaban algunos DJs para tocar unidos.

En el 2014, se juntaron los 3 Are Legend (Vegas, Magic y Aoki) en uno de los cierres más emotivos que se han podido ver en el Tomorrowland. También fue uno de los más locos, cuando Steve Aoki cogió una balsa hinchable y se tiró al público con ella. Como si de un náufrago se tratara, casi se "ahoga" bajo la multitud de los asistentes.

En el panorama nacional, asistirán Luis del Villar y José María Ramón para llevar el toque de sus sesiones en Ibiza. Un estilo más relajado para estar tomando algo o charlando con tus amigos, aunque igual de bailable. Además, también tendrá la oportunidad de tocar Paula Serra, una DJ de Mallorca acostumbrada más a pinchar en las terrazas de la isla que en clubs nocturnos. Llevará el sonido del saxo que usa en sus mezclas a 'la gente del mañana' (people of tomorrow).

Como viene siendo habitual, el canal de Youtube del Tomorrowland realizará conexiones en directo, además de una radio online que irá transmitiendo las sesiones de varios escenarios. Para saber más sobre ello, estar atentos a nuestro Twitter (@LQFRadio) porque os iremos informando poco a poco. Si queréis saber más sobre este festival, podéis ver un aftermovie del año pasado. Nos vemos por las redes, gente del mañana.

Recomendación: "Erase una vez"

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sat, 16 Jul 2016 10:00:00 +0000

¿Qué diríais si Blancanieves fuera una ladrona y forajida? ¿Y si el Príncipe Azul no fuera en realidad un príncipe? ¿Qué pasaría si los villanos no son tan malos como los pintaban y tienen su corazoncito? ¿Os imagináis que los personajes de los cuentos clásicos viven en su mundo mágico y son enviados al nuestro? Todas estas preguntas se contestan en Erase una vez, donde nos encontramos con personajes como Blancanieves (Ginnifer Goodwin, La sonrisa de Mona Lisa), el Príncipe Azul (Joshua Dallas, Thor), el Cazador (Jamie Dornan, Cincuenta sombras de Grey), Bella (Emilie de Ravin, Las colinas tienen ojos), Caperucita Roja (Meghan Ory, Smallville), o Rumpelstiltskin (Robert Carlyle, The Full Monty).

El pueblo de Storybrooke.

Debido a un encantamiento lanzado por la Reina Malvada (Lana Parrilla, Replicant), todos los habitantes del Bosque Encantado son enviados a “un mundo sin magia” con nuevas identidades, condenados a vivir en el pueblo de Storybrooke sin recordar nada de sus auténticas vidas. Es entonces cuando conocemos a Emma (Jennifer Morrison, Sr. y Sra. Smith), quien, con ayuda de Henry (Jared S. Gilmore, Mad Men) y un misterioso libro, decide viajar a Storybrooke, ya que ella es la elegida para romper la maldición y ayudar a los personajes a recordar, pero para ello deberá creer en la magia. Así es como arranca la primera temporada de la serie.

Rumpelstiltskin

La primera temporada cuenta con 22 episodios y tuvo una buena acogida por parte del público. No hay duda de que uno de los puntos fuertes de la serie, aparte de la ambientación y el vestuario, es la gran variedad de personajes, destacando a Rumpelstiltskin, también conocido como ser oscuro (el señor Gold en Storybrooke), uno de los personajes más interesantes y enigmáticos y que está presente en todas las historias de los protagonistas. No menos importante es Regina, la Reina Malvada y alcaldesa de Storybrooke, un personaje realmente bueno que no deja de evolucionar a lo largo de la serie. Además logra imponer solo con su presencia. A ambos personajes se les termina cogiendo un cariño especial.

Hablando de los villanos, es necesario ver la serie sin prejuicios, porque como dijo la actriz Maisie Williams (Arya Stark): «Le conoces cuando ya está en esa fase y entonces descubres mucho más sobre lo que era antes. Aunque en realidad estamos viendo ese retorcido camino, que es casi más perturbador que odiar a un personaje y luego darse cuenta de que en realidad es bastante bueno».

Regina, la Reina Malvada.

Lo interesante también es el formato que han elegido para desarrollar la serie. Es decir, cuenta con dos hilos argumentales. Por un lado tenemos la trama de Storybrooke, y por otro la trama del Bosque Encantado, que nos cuenta los orígenes de cómo los personajes de los cuentos llegaron a ser lo que son, y, al igual que se ha visto en otras series de televisión, ambas tramas están relacionadas de algún modo. Otro punto fuerte de la serie es que conforme finaliza una trama, no deja ningún cabo suelto antes de pasar a la siguiente, y cada capítulo es único, así que en ningún momento se pierde el interés. No hay duda de que Erase una vez hará las delicias de los amantes de la fantasía y los cuentos clásicos que nos gustaron cuando éramos niños.

La banda sonora de la serie está compuesta por Mark Isham, responsable de otras bandas sonoras como Hombres de honor, Crash, o Nell. Asimismo la apertura de la serie no deja de ser original, ya que en cada episodio aparece bajo el título de la serie un objeto, criatura o personaje que guarda relación con el episodio.

ES POSIBLE QUE A PARTIR DE AQUÍ SE CUENTEN DETALLES IMPORTANTES SOBRE LA SERIE.

En la segunda temporada se incorporan personajes como el capitán Killian Garfio Jones (Colin O'Donoghue, Los Tudor), otro personaje dotado de un gran carisma, Mulan (Jamie Chung, Sucker Punch), o Aurora (Sarah Bolger, Los Tudor). Y continúan algunos personajes secundarios como el Sombrerero Loco (Sebastian Stan, Capitán América: Civil War).

Killian, el capitán Garfio.

Los protagonistas, ya libres de la maldición, continúan viviendo en Storybrooke pero habiendo recuperado sus recuerdos. Pero por accidente, Emma y Blancanieves acabarán en el Bosque Encantado, y deberán encontrar la forma de regresar. En esta segunda temporada, algunos personajes secundarios cogen más protagonismo y hay un nuevo villano al que hacerle frente, peor si cabe que la Reina Malvada, aunque sin su sentido del juego limpio. También conocemos a Neal (Michael Raymond-James, Jack Reacher), quien en realidad es Baelfire, padre de Henry e hijo de Rumpelstiltskin.

En 2013, la serie fue renovada por una tercera temporada, incorporando una trama muy buena con Peter Pan (Robbie Kay, Piratas del Caribe: En Mareas Misteriosas), representado con un toque oscuro, y le introducen en la serie como uno de los villanos que, al fin y al cabo, busca lo mismo que todos, pero no hay duda de que el actor hace una gran interpretación. También se incorporan nuevos personajes como Robin Hood (Sean Maguire, Casi 300), que tiene un papel importante en la 3ª y 4ª temporada, Joanna Garcia (American Pie 2) como Ariel, o la Bruja Mala del Oeste (Rebecca Mader, El diablo viste de Prada), la villana de esta tercera temporada.

Hay uno de los episodios destacables: el episodio 3x11 «Regreso a casa», que pone fin a la trama de Peter Pan, aunque acaba con un momento más lacrimógeno imposible, pero te deja con ganas de saber qué camino cogerá la serie a partir de entonces.

También se puede destacar: el 3x21 «Blanca a la deriva», en el que Emma y Garfio son transportados al Bosque Encantado, pero esta vez a un tiempo pasado, y, como en cualquier viaje en el tiempo, hay que tener cuidado con alterar el pasado, cosa que efectivamente pasa en el episodio, impidiendo que Blancanieves y el Príncipe se conozcan (¿Una referencia a Regreso al futuro?). Pero no es la única, ya que también podemos observar algunas referencias a Star Wars, y, cómo no, algún que otro guiño a Disney.

Llegando ya a la guinda del pastel, la cuarta temporada que se estrenó en 2014, donde se hacen más notables los guiños a Disney, tales como la incorporación de los personajes de Frozen: Elsa (Georgina Haig, Reckless), Anna (Elizabeth Lail), Kristoff (Scott Michael Foster, Californication), Hans (Jacob Moore), incluso Gran Pabbie, con la voz de John Rhys-Davies. La trama de Elsa y Anna ocupa los episodios del 1 al 10, y su historia se desarrolla tras los acontecimientos de Frozen, y lo cierto es que han conectado la historia con la serie a la perfección, también hay que destacar que los personajes son clavados a los de la película.

Elsa y Anna.

Aquí deberán enfrentarse a una nueva villana: la reina de hielo, un personaje que guarda relación con Elsa y Anna. Llama mucho la atención que las voces en castellano de Elsa y Anna sean las mismas que utilizaron en la película de Disney (Ana Esther Alborg y Laura Pastor respectivamente). Así mismo Kristoff también tiene la misma voz (la de Javier Lorca, quien además dobla en la serie al príncipe Felipe en la serie y a Flynn Ryder en Enredados), y el príncipe Hans también tiene la voz de David Robles. Todo un acierto.

A partir de aquí se incorporan nuevos personajes que llegan a Storybrooke, villanas de Disney en este caso, y al mismo tiempo te cuentan la historia de cada una: Cruella de Vil (Victoria Smurfit, El Mentalista), de quien lo que más sorprende es lo que se parece a la de la película de 101 Dálmatas de 1961, más incluso que Glenn Close. Maléfica (Kristin Bauer van Straten, True Blood) y Úrsula (Merrin Dungey, Alias). Además de otras apariciones que sorprenden, como es el caso de Chernabog, una especie de demonio que ya tuvo su aparición en 1940 en Fantasía, de Disney.

Para la trama de la cuarta temporada entra en juego un misterioso personaje conocido como el Autor que, aparentemente es el responsable de la creación de los cuentos y de quién depende cambiarlos. Así que tanto los héroes (con la ayuda de un personaje importante que está de regreso), como las villanas aliadas con Rumpelstiltskin, tratan de encontrarle.

Úrsula, Cruella de Vil y Maléfica.

Una vez hallado el autor, el final de la cuarta temporada pega un giro muy inesperado, además de servir de preludio para la quinta temporada con una nueva subtrama realmente interesante. Los protagonistas son introducidos en un libro escrito por el autor y transportados al bosque encantado con una ligera peculiaridad: Ahora los héroes son los villanos, y los villanos se han convertido en los héroes. La idea es muy buena, pero a algunos personajes no les pega el cambio, como es el ejemplo de Blancanieves, que no encaja mucho con la personalidad de Regina, sin embargo a ella si que le pega ser una heroína. Entonces, digamos que vuelve un poco al origen de la serie, y Henry deberá encontrar la solución y traer a todos de vuelta a Storybrooke.

En la quinta temporada se incorporan nuevos personajes, tales como el Rey Arturo (Liam Garrigan, Los pilares de la Tierra), Ginebra (Joana Metrass, Drácula, la leyenda jamás contada) y la princesa Mérida (Amy Manson), que también está muy bien caracterizada, igual que en la película de Disney.

Mérida.

Además la trama de Mérida, al igual que la de Elsa y Anna se desarrolla varios años después de la película de Brave, con la peculiaridad de que está relacionada con el Rey Arturo y con Mulán. Incluso vemos a muchos de sus personajes: el rey Fergus y la reina Elinor, los hermanos de Mérida ya creciditos, y los jóvenes MacGuffin, Dingwald y Macintosh. Y también vemos a la bruja que aparece en la película muy bien caracterizada.

Una vez resuelta esta trama, se nos presenta una nueva que introduce a personajes como Hades (Greg Germann, Ally McBeal), Hércules (Jonathan Whitesell, Los 100), Megara (Kacey Rohl, The Killing), o Dorothy (Teri Reeves, Battleground), y transporta a los protagonistas al Inframundo, que, curiosamente es una "versión" oscura de Storybrooke, para rescatar a uno de los personajes que ha quedado atrapado, y allí se encontrarán con el Dios de los Muertos, que si bien es muy diferente al que vimos en la película de Disney, conserva algún rasgo característico, como su pelo que se vuelve de llamas azules. Y también nos reencontramos con personajes que han muerto, de los cuales unos ayudarán, y otros les pondrán las cosas difíciles a nuestros héroes.

Hades, el Dios de los Muertos.

También cabe mencionar que se produce cierta revelación referente a dos personajes de la serie, algo que a primera instancia puede resultar algo chocante. Finalmente los protagonistas, obviamente consiguen regresar, pero les aguardan nuevos retos para la siguiente temporada, cuya renovación se anunció el pasado mes de marzo.

120 años del Nacimiento del Cine. 1946-1955

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 11 Jul 2016 10:25:00 +0000

La creación de los estudios cinematográficos cambió, en muchos sentidos, la forma de hacer cine.

Con ellas se creó el gran monopolio que conocemos hoy, pues consiguieron canalizar todos los beneficios de las películas desde su producción hasta su distribución.

Las 8 grandes (Universal, Fox, 20th Century, United Artists, Warner Bros, Metro Goldwyn-Mayer (MGM), Columbia, Paramount y RKO) pasarían a convertirse en las dueñas de la exclusividad cinematográfica estadounidense.

Durante la primera parte de la década de los años 40 se crearon películas tan importantes para el cinéfilo como bien pueden ser Ciudadano Kane de Orson Welles (una de las grandes leyendas que nos ha dejado Hollywood) o El Halcón Maltés, De John Huston (director, realizador, actor, padre y abuelo de una saga de cineastas que sigue aún hoy).

Y aunque los años 40 están considerados como la década de oro del cine, también hay que decir que las consecuencias de la guerra, además de las obvias, trajeron también un panorama de terror en el mundo del cine.

Y es que aunque la creatividad de los estudios cinematográficos crecería hasta límites insospechados, también la propaganda anti bélica y propagandística haría su aparición en los films.

Películas como El Gran Dictador de Chaplin o Casablanca de Michael Curtiz son dos claros ejemplos de esta visión anti belicismo.

Debido a este tipo de cine que empezaba a resurgir, Estados Unidos con McCarthy a la cabeza, persiguió, en lo que se ha llamado desde entonces una Caza de Brujas a directores, actores, productores, etc. por todo el país, intentando así, dejar el país libre de comunistas.

Uno de los casos más conocidos es el de Charles Chaplin que, tras ser acusado de comunista e incluso de terrorista, tuvo que huir del país que le había acogido y dado la fama, trasladándose a Suiza hasta su muerte. Chaplin nunca ocultó su opinión política, pero también defendió una libertad de expresión que jamás fue tal.

La única vez que Chaplin volvería a EEUU sería en 1972 para recibir un Oscar honorífico de manos de Jack Lemmon.

Este proceso de persecución sería a causa del inicio de la Guerra Fría entre EEUU y la URSS.

Debido a este problema, el cine de los 50 cambió radicalmente, y donde sólo había creaciones artísticas originales y de grandes guiones, se empezó a hacer cine Western que, aunque tiene muy buenas películas, hay que decir que llegó un momento de saturación que hizo que muchos directores y guionistas cogiesen ideas que ya existían de otros films.

Pero también en la década de los 50 el género del Musical alcanzaría su mayor gloria en Hollywood.

Gene Kelly llegaría a su cumbre personal con Cantando Bajo La Lluvia y Un Americano en París, así como su director, Stanley Donen.

Europa aprovechó el tirón de la posguerra y empezó a resurgir con fuerza.

Así, Italia creó el neorrealismo, que trasladaba toda la veracidad de la vida real a la pantalla, contando el caos, la destrucción y la pobreza a la que se tenían que enfrentar la gente de la posguerra. Roma, ciudad abierta, de Rosellini y La Tierra Tiembla, de Visconti son dos claros ejemplos de ello.

Una de las características que tenía este tipo de cine es que rodaba con mucha luz natural y en la calle, algo que EEUU copió cuando creó el Cine Negro.

Kurosawa, con Los Siete Samuráis, creó el inicio de un tipo de cine en el que sorprende mucho la concepción del tiempo.

En Francia se crearía la Nouvelle Vague, un género que estalló contra el típico cine que se hacía hasta entonces y en el que crearon nuevos métodos, como empezar a usar la cámara al hombro o los contrapicados.

Algunos de los más importantes directores han sido Jean-Luc Godard o François Truffaut.

De éste último, Los 400 Golpes está considerada una de las mejores películas no sólo de la Nouvelle Vague, sino de toda la historia.

En Alemania se inició el Nuevo Cine Alemán, que creó su propio Star-System y que usaba mucho los travellings. Uno de los cineastas más conocido es Werner Herzog.

Por último, también en Inglaterra surgió un movimiento de posguerra. Se le llamó Free Cinema, por eso de que buscaban sentirse más libres para poder hacer lo que ellos sentían. Este tipo de cine fue una mezcla entre el Neorrealismo italiano y el cine documental. De él surgieron conocidos cineastas como Jack Clayton y Tony Richardson.

Este mes os recomendamos dos películas. La primera muestra el verdadero dolor de la posguerra europea. Los 400 Golpes, de Truffaut.

La otra es una crítica a la guerra y al señor que la inició. El Gran Dictador de Chaplin.

No es la mejor ni la más exitosa del cineasta, pero en Lo Que Faltaba nos encanta, así que os la recomendamos porque además de ver la crítica tan ácida que hace de Hitler, os vais a reír mucho. Y es que si algo necesitaba el mundo de la posguerra era reír y olvidarse de sus problemas. El mundo siempre necesita reír, y que mejor manera que empezar por el cine.

12 series para ver este verano

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 01 Jul 2016 20:04:00 +0000

Llegó el verano, y con ello, algunas series como Érase una vez, o Juego de Tronos con su espectacular final de la sexta temporada, han hecho un paroncito. Sin embargo, nos llegan otras nuevas series de lo más variadas para llenar ese vacío que nos dejan.

No hay duda de que una de las series más esperadas es Supergirl, la serie creada por Andrew Kreisberg y Greg Berlanti (responsables también de Arrow y The Flash), y protagonizada por Melissa Benoist (Glee), quien se pone en la piel de la superheroína. Supergirl nos presenta a la prima del emblemático superhéroe de DC Cómics Superman, Kara Zor-El, que también logró escapar de su planeta antes de que explotara, y fue el mismo Superman quién la dejó al cuidado de Jeremiah y Eliza Danvers, una pareja de científicos interpretados por Dean Cain (actor que ya se puso en la piel del Hombre de Acero en Lois & Clark: Las nuevas aventuras de Superman en 1993), y Helen Slater (quien intepretó a Supergirl en la película de 1984).

Así, la protagonista se convertirá en una joven algo insegura pero encantadora que se enfundará el traje de Supergirl cuando las cosas se pongan feas. Kara trabajará para Cat Grant (Calista Flockhart, Ally McBeal), la despótica jefa de la empresa de comunicaciones CatCo Worldwide Media. Y Laura Vandervoort (Ted) es Índigo, una de las villanas de DC. La primera temporada de la serie que se emitirá en Antena 3, consta de 20 episodios, en uno de los cuales podemos ver al corredor escarlata, The Flash (Grant Gustin). Además, su segunda temporada de la serie que se ha confirmado para el 10 de octubre, contará con un invitado especial: Superman, interpretado por Tyler Hoechlin (Camino a la perdición).

Otra serie que nos llega a España de la mano de Antena 3 es Lucifer, una ficción que se basa en The Sandman, una serie de cómics creados por Neil Gaiman, de la cual también se está preparando una película. La serie en cuestión cuenta la historia de Lucifer, pero algo distinta. El demonio, cansado de vivir en el Infierno, decide mudarse a Los Ángeles para pegarse la buena vida, hasta que se produce el asesinato de una estrella del pop, lo que le conmueve y decide trabajar codo con codo con una investigadora para detener a los responsables.

La serie se estrenó el pasado mes de enero en Fox, y está creada por Tom Kapinos (Californication) y protagonizada por Tom Ellis (Rush). Su primera temporada está compuesta por 13 episodios.

A Telecinco llega The Family, una serie de suspense no tan familiar, creada por Jenna Bans (Lejos de todo). que arranca con el regreso del hijo pequeño de la familia Warren a quien se daba por muerto tras su desaparición hace más de diez años. El joven regresará a su ciudad natal, lo que despertará las sospechas de los vecinos, ya que su madre ha comenzado su carrera política.

La serie cuenta en su reparto con actrices como Joan Allen (Cara a cara), Alison Pill (The Newsroom), Margot Bingham (Boardwalk Empire), y actores como Rupert Graves (Sherlock), Zach Gilford (Friday Night Lights) y Liam James (2012). La primera temporada se estrenó en la cadena ABC el pasado marzo, y consta de 12 episodios hasta su cancelación en mayo de 2016.

The Mysteries of Laura es la versión estadounidense de la serie Los Misterios de Laura, protagonizada por María Pujalte, que seguía las peripecias de la inspectora Laura Lebrel. Esta nueva versión ya se emite desde hace poco en La 1, y tiene como protagonista a Laura Diamond, una inspectora de homicidios que tiene que compaginar su trabajo con el cuidado de sus dos hijos. La serie está protagonizada por Debra Messing (Will & Grace), y Josh Lucas (J. Edgar).

The Mysteries of Laura se emitió originariamente en la cadena NBC en 2014, pero a España llegó primero de la mano de Cosmopolitan. La serie fue creada por Jeff Rake, y entre otros productores cuenta también con Greg Berlanti. Cuenta con dos temporadas con un total de 38 episodios.

Desde Francia nos llega un thriller de ciencia ficción que tiene lugar en un futuro no muy lejano en el que los países han sido reemplazados por grandes empresas que están dirigidas por una especie de robots que son los responsables de la seguridad. La serie, Sección Zero se emitirá en Canal+ Series Xtra a partir del próximo 6 de julio. Su protagonista es Sirius Becker (Ola Rapace), un policía de métodos poco ortodoxos que será el elegido para encabezar una resistencia contra este régimen mientras se enfrenta a su pasado. Su primera temporada cuenta con 8 episodios.

Es bien sabido por todos que Netflix está arrasando con sus series originales. Y desde el día 1 de julio llega a esta plataforma Marcella, una serie de intriga que tiene como protagonista a una agente de policía que deja su trabajo para dedicarse al cuidado de su familia, pero cuando comienzan a producirse una serie de asesinatos, deberá volver al trabajo para hacerse cargo de estos crímenes que le recuerdan a su primer caso, que aún sigue sin resolver.

La serie procede del Reino Unido y está protagonizada por Anna Friel (Neverland), y su primera temporada, que está compuesta por 8 episodios, se emitió por primera vez el pasado mes de abril.

Viajamos ahora a la década de los setenta con The Get Down, otra nueva serie de Netflix que muestra la corrupción de Nueva York en esos años y como un grupo de jóvenes procedentes del Bronx buscan hacerse un hueco en el mundo de la música disco, R&B y el hip-hop, tres estilos musicales que cambiaron el mundo con sus letras.

La serie está dirigida por Baz Luhrmann (Moulin Rouge) y protagonizada por Justice Smith (Ciudades de papel), Herizen Guardiola y Jaden Smith, hijo del también actor Will Smith, que tendrá un papel recurrente. La serie llegará a Netflix el próximo 8 de agosto.

Otra serie que aterriza en Netflix es Stranger Things, la nueva serie que tiene como protagonista a Wynona Ryder tras Show me a hero. La serie gira en torno a Joyce, una madre que busca a su hijo que desapareció en extrañas circunstancias, hasta que poco a poco descubrirá que el gobierno realiza experimentos secretos a la vez que comienzan a suceder extraños fenómenos para normales.

La serie es todo un homenaje al género sobrenatural y de terror de los años ochenta, como La niebla, de John Carpenter. A Winona Ryder la acompañan jóvenes actores como Finn Wolfhard (Los 100), Millie Brown (Erase una vez), y Gaten Matarazzo (The Blacklist), que interpretan a los amigos de su hijo. Stranger Things podrá verse en Netflix a partir del 15 de julio. La primera temporada contará con 8 episodios.

Netflix también nos trae una serie del género histórico. La segunda temporada Marco Polo regresa a la plataforma el 1 de julio. Está protagonizada por Lorenzo Richelmy (Borgia), y en esta nueva temporada continúan las intrigas, la codicia, la traición y el sexo en la corte del emperador Kublai Khan (Benedict Wong). La nueva trama se sitúa en la crisis del Imperio Song y el nacimiento de la Dinastía Yuan. Entre los nuevos fichajes destaca el conocido actor Gabriel Byrne, que interpretará al Papa Gregorio X. La segunda temporada de Marco Polo sumará 10 episodios más a la lista.

La cadena Fox también ha renovado varias de sus series, como Sleepy Hollow, que ya va por su tercera temporada. Continúa Tom Mison en el papel de Ichabod Crane, y Nicole Beharie en el papel de Abbie. En esta nueva tanda de episodios, los dos protagonistas han podido empezar de cero, pero al descubrir un misterioso objeto que resulta ser el anunciador de una profecía, tendrán que enfrentarse a nuevos y peligrosos enemigos. La tercera temporada de Sleepy Hollow llegará a Fox el próximo 9 de julio, y contará con 18 episodios.

New Girl es una de las series más longevas de los últimos años desde su primera emisión en 2011. Ahora llega a Fox la quinta temporada de esta comedia que empezó siendo protagonizada por Zooey Deschanel. Pero ahora la actriz va a ser sustituida por Megan Fox durante su baja por maternidad. La actriz interpreta a Reagan, una agente comercial que se muda a Los Ángeles por trabajo, sin embargo no aparecerá hasta el sexto episodio.

La serie trata sobre una mujer que da clases en una escuela primaria que se ve obligada a buscar piso después de que su novio la engañara. Finalmente encuentra piso y se muda con tres jóvenes: Nick, Schmidt y Coach. Podremos ver los nuevos episodios de New Girl a partir del próximo 4 de julio.

Syfy también renueva una de sus series, aunque por última vez. Bella y Bestia, que comenzó a emitirse en la cadena en 2012, ha llegado a su cuarta y última temporada. La serie está protagonizada por Kristin Kreuk (Smallville) y Jay Ryan (Sea Patrol) y trata sobre Catherine Chandler, una detective de homicidios que huye de su pasado. Ello la conducirá hasta Vincent, un médico que esconde un gran secreto, secreto que Catherine tendrá que proteger. Así él se convertirá en una parte importante de su trabajo. Los nuevos episodios de Bella y Bestia llegarán a Syfy el próximo 13 de julio.

Vamos a dar tortas en honor a Bud Spencer

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 28 Jun 2016 07:39:00 +0000

Sin duda, un día muy triste para todos los que hemos crecido con ese sonido inconfundible de un tortazo con la mano abierta. El actor Bud Spencer fallecía a la edad de 86 años, según informaba su hijo Giuseppe.

Su nombre era en realidad Carlo Pedersoli y nació en Nápoles. Pero pensaba que con su nombre iba a ser difícil triunfar en el mundo del cine. Así que lo cambió por el de Bud Spencer, que hacía referencia a dos cosas que le gustaban: la cerveza Budweiser y el actor Spencer Tracy. En la primera película donde tuvo protagonismo, ya salía con quien sería su compañero más famoso, Terence Hill.

En 1967, los dos actores protagonizarían Dios perdona... yo no siendo el género del tipo 'spaguetti western'. Dicho film fue rodado en la zona de Almería, cuando estaba en auge las películas de este estilo. La química que había entre los dos consiguieron que se realizaran dos continuaciones más, tituladas Los cuatro truanes y La colina de las botas.

Pero la cinta clásica que les catapultó hacia la fama fue Le llamaban Trinidad, donde mezclaban el estilo del 'spaguetti western' con la comedia de sus golpes y peleas. El mejor ejemplo lo tenemos en el siguiente vídeo, que explica exactamente el tipo de fusión que consiguieron lograr Spencer y Hill.

Este estilo mamporrero que ellos hicieron tan famoso no solo se limitó al western. Más adelante, fueron saliendo películas ambientadas en la época de los 70 y 80. Como ejemplo tenemos Y sino, nos enfadamos, otra película que fue rodada en España y Roma. De hecho, podemos ver algunos actores españoles como Luis Barbero, Emilio Laguna y Manuel De Blas.

Igualmente, tuvo su carrera en solitario pero sin cambiar el estilo que le hizo tan famoso. Las películas de Aladino, Bombardero, Puños Fuera o El sheriff y el pequeño extraterrestre son toda una muestra de sus tortazos y golpes en solitario. Cada película tenía su propio guión, tocando varios géneros como la ciencia ficción o de acción. Pero con el inconfundible golpe de Bud Spencer que le hizo tan popular en la década de los 80. De esta lista de películas, quizás la más conocida y entrañable es Banana Joe, cuya canción alguna vez hemos cantado en nuestra infancia.

Una última película que desde aquí queremos recomendar es Quien tiene un amigo, tiene un tesoro, donde también comparte protagonismo con Terence Hill. En este film, Bud Spencer hace el papel de patrón de un barco. Hill es un pequeño ladrón que ha encontrado el mapa de un tesoro escondido en una isla remota. Sus caminos se cruzarán cuando este último necesita un barco para viajar hasta la isla. Lo más curioso de todo son los piratas a los que tienen que hacer frente, que parecen sacados de la Ostra Azul

Poco más que decir sobre lo que fue Bud Spencer. Está claro que su estilo no es refinado y como actor no es que sea tan destacado como otros. Pero supo sacarnos muchas risas con escenas absurdas y diálogos sin sentido alguno. La mejor manera para despedirnos de él no es otra que un recopilatorio de sus golpes más famosos y volver a recordar con nostalgia esa forma de repartir leña tan única. Hasta siempre Bud y sigue repartiendo allá donde estés.

120 años del Nacimiento del Cine. 1936-1945

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 31 May 2016 08:59:00 +0000

Al Jolson revolucionó el mundo en 1927 al introducir por primera vez el sonido en el cine. Fue El Cantante de Jazz oficialmente la primera película sonora de la historia del cine.

Pero la revolución no vino sola.

El cine sonoro trajo con él un cambio radical que modificó todo el mundo cinematográfico, para bien o para mal

Warner Bros sería el estudio encargado de El Cantante de Jazz.

La verdad es que estaban en la ruina y en un último intento, decidieron arriesgarse. Gracias al éxito conseguido, logró volver a salir a flote e imponer así el sonido al resto de productoras, creando así no sólo más géneros cinematográficos si no que además, crearon la hegemonía de las productoras de cine, un imperio que hoy en día sigue funcionando gracias a este primer paso.

Y será durante los años 30 y 40, considerada la época dorada de Hollywood, cuando forjará un sistema de estudios que, gracias al control global del mercado, se constituiría la posterior y gran hegemonía del cine norteamericano.

Fueron entonces juntándose grandes empresas como Universal, Fox, 20th Century, United Artists, Warner Bros, Metro Goldwyn-Mayer (MGM), Columbia, Paramount y RKO.

Se convirtieron en las 8 grandes sociedades que canalizaban todos los beneficios compitiendo a su vez entre ellas, aunque se pasaban directores y actores, pues cada uno tenía su plantilla por exigencias de contrato.

Controlaban la producción, exhibición y distribución e incluso compraron los cines, cargándose así las empresas independientes.

Era un sistema que les garantizaba así todos los beneficios posibles en la industria.

Las mayoristas, o más poderosas serían Paramount, Loew, 20 Century-Fox y Warner Bros.

Las minoristas, Universal, Columbia y United Artists (esta última recordemos que había sido fundada por Charles Chaplin, Mary Pickford, Douglas Fairbanks y David W. Griffith.)

Las más pequeñas desaparecerían, a excepción de Walt Disney, que sobrevivió y que a base de mucho esfuerzo y muchos malos momentos acabaría convirtiéndose en el imperio que es hoy en día.

Otra excepción sería Poverty Road, que se especializó en films de serie B (cine comercial de bajo presupuesto).

United Artists apoyaba a las productoras independientes, pues en sus inicios ellos mismos habían creado la productora para liberalizar todo ese imperio que tenía Hollywood.

Como curiosidad cabe decir que la famosísima Lo Que El Viento Se Llevó, de mano de la productora independiente Selznick International Pictures, consiguió estrenarse en la gran pantalla a pesar de que las grandes compañías intentaron impedir su debut.

Gracias a la valentía de su director consiguió convertirse en una de las películas más exitosas de todos los tiempos.

Cuando ya las grandes productoras tenían controlado EEUU decidieron salir a conquistar el mundo.

Así, aprovechando las guerras en Europa decidieron comprar cines y distribuir sus productos para sacar beneficio.

Y es que aunque los europeos ya tenían una muy buena cultura cinematográfica, los desgastes de la guerra habían mermado el séptimo arte.

La gente ya no podía acudir tanto al cine y tampoco las productoras europeas tenían dinero para seguir creando.

Por lo tanto, las compañías estadounidenses se beneficiaron de esto creando toda una serie de cosas para ofertar mejor sus ideas. Bajo la frase En la necesidad está la universidad crearon mejores ofertas, ideas e incluso regalos.

Para acabar con esta hegemonía ya mundial, Roosevelt, en 1938 presentó una demanda contra el sistema del monopolio, aunque hoy en día las grandes productoras siguen poniendo mucho problemas a las independientes.

Al final, el gobierno decidió que los estudios de medio mundo se desprendieran de sus cines, marcando así un poco el final de la edad dorada del cine, aunque Hollywood seguiría siendo la meca del cine.

Como ejemplos de películas este mes, os proponemos, para poder entender un poco por todo lo que pasó durante esos años dorados, Lo Que El Viento Se Llevó.

Una película que inició el término épico y que, gracias a la fuerza de su director, consiguió financiarse, estrenarse, distribuirse y convertirse en una de las mejores películas de toda la historia.

Un claro ejemplo de que el cine independiente tiene no sólo las mejores ideas y guiones, sino que además, prima mucho la ilusión del cineasta, algo muy importante en este mundo.

Otro ejemplo que os presentamos es Scarface, película dirigida por Howard Hawks y que está considerada una de las mejores películas de gánsters de la historia. Cabe decir que además de ser una de las primeras películas de Hawks, se considera como una de las que comenzó a crear el famoso cine negro hollywoodiense que tanto gustaría en los años siguientes.

Esperamos que disfrutéis tanto de ellas como nosotros y que nos sigáis acompañando cada mes para ssber un poco más de la maravillosa y mágica historia del cine.

Crítica de 'Capitán América: Civil War'

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 16 May 2016 10:29:00 +0000

Esta nueva entrega de Marvel tiene un título de lo más confuso. Sí, es la tercera película del Capitán América, pero se centra mucho más en el grupo formado por Los Vengadores. Tiene el título de Civil War pero realmente no es una Civil War.

Aun así, hay que tener en cuenta que el universo de los cómics es amplísimo, y el MCU funciona de forma independiente a este. En los cómics, es el tema de las identidades secretas lo que genera el conflicto. Algo que no se puede realizar debido a toda la historia generada en las películas anteriores. Sin embargo, como film funciona mucho mejor que el título escogido. Esta Civil War es lo que pudo ser La Era de Ultrón

Es bastante más sorprendente de lo que al principio puedes llegar a pensar, pese a algunos fallos. Uno de ellos es su larga exposición en los personajes. Se puede explicar la situación con las propias actuaciones de los actores, sin tener que dárselo tan masticado al espectador. Ejemplo, las escenas de Visión y la Bruja Escarlata.

Sin embargo, al mismo tiempo, es en las relaciones entre los personajes donde está uno de los puntos fuertes de la película. Es, hasta el momento, la película de los Vengadores en la que más personajes principales aparecen, teniendo cada uno de ellos sus momentos de protagonismo, y quedando bien definidas sus personalidades. Esto se aprecia en cada escena, en los diálogos y los detalles. A destacar el debut de Black Panther y de Spiderman (muy divertido este último), y la aparición de Ant Man (aunque breve) también es digna de mención.

Luego está el plan del villano, muy cogido con pinzas. Un poco carambola todo, pero que funciona a la perfección en el impacto que debe realizar al espectador. Eso sí, a los fans más acérrimos de Marvel es posible que no les guste el cambio total que ha sufrido este villano. No se parece en nada al de los cómics, ya os avisamos.

Yo también lo era

Es posible que se haya hecho con intención referencial, pero probablemente resulte confuso para quienes conocían al personaje; mientras que llamarle de una manera o de otra no dice nada a la gente que no lo conocía.

Pese a estos fallos, Civil War funciona mucho mejor que La Era de Ultrón. Incluso está al nivel de Winter Soldier en lo que respecta al guión y realización. Aunque tenga un segundo acto bastante más pausado, cuya única escena a destacar es el aeropuerto, mejora con nota muy alta de cara al final del film.

Aquí está el punto más fuerte de Civil War. Encaja tan bien en el Universo creado por Marvel, de forma tan jodidamente espectacular que incluso hace buenas al resto de películas.

Porque todo lo que ocurre en las películas de Iron Man, las del Capitán América y las dos de Los Vengadores, está conectado a Civil War. El enfrentamiento entre Rogers y Stark se ha realizado a fuego lento, con una precisión increíble. Todo lo que ha ocurrido anteriormente entre ellos dos son los pilares básicos de esta historia. Sin esta información, es difícil entender el conflicto entre ambos.

Porque Stark ya le tenía mucha manía al Capitán América antes incluso de conocerle. Cada decisión que le cuestiona “El Capi”, lo lleva siempre a un terreno más personal. Mientras que Rogers tiene unos valores y unas prioridades muy claras respecto al grupo, la filosofía de vida de Tony Stark siempre ha sido mucho más individualista. Algo que choca frontalmente con la rectitud que tiene Rogers.

Esto ya lo pudimos ver en la primera de Los Vengadores, y dicho conflicto iba madurando en La Era de Ultrón. Es lo mejor que tiene Civil War, que sigue por esa línea. Enlazando además con toda la historia de Winter Soldier y añadiendo nuevos caminos para la nueva Fase de Marvel.

Porque este film es el principio de la Fase 3, donde nos llegarán los nuevos personajes como Black Panther o Dr. Strange. Es la primera piedra de un camino al mundo de superhéroes, muy distinto a los anteriores. Al final de esta Fase se tendrá que hacer una valoración, pero el camino tomado por Marvel parece el más lógico tras todo lo que han creado.

120 años del Nacimiento del Cine. 1926-1935

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 28 Apr 2016 08:45:00 +0000

Eisenstein en la Unión Soviética, Murnau o Fritz Lang en Alemania, CT Dreyer en Francia… Ya hemos hablado del cine europeo de mediados de los años 20. Películas como El Acorazado Potemkin, Nosferatu o La Pasión de Juana de Arco nos demuestran que las corrientes artísticas como el realismo, el expresionismo o el impresionismo son capaces de crear verdaderas obras de arte en lo que al cine se refiere.

Pero no fueron las únicas. En 1929, Luís Buñuel traspasó el surrealismo a la gran pantalla y con su cortometraje Un Perro Andaluz, creó una combinación de imágenes sin sentido pero que a la vez traían un espíritu liberador en las que mezclaba lo onírico y lo estético. Salvador Dalí y su vertiente surrealista fueron colaboradores habituales de Buñuel.

Y sería en 1927 cuando oficialmente llegó el cine sonoro.

El Cantante de Jazz, de Al Jolson, es considerada oficialmente como la primera película sonora del cine. En realidad, no hay demasiado sonido pero, por primera vez, los espectadores podían oír al cantante desde dentro de la película, y no con una orquesta que acompañaba al film desde fuera como había sido hasta entonces.

De esta forma, y aunque al principio al cine sonoro no se le veía demasiadas posibilidades, poco a poco los estudios fueron incorporando cada vez más sonido en sus películas, lo que hizo que se introdujeran muchos y grandes cambios en el lenguaje cinematográfico hasta entonces conocido.

Para empezar, se fue abandonando la forma de rodar cine mudo como si de una obra de teatro se tratase. Los actores tuvieron que empezar a gesticular menos y hablar con mejor pronunciación, lo que hizo que muchos de ellos verían como sus carreras naufragaban poco a poco.

De entre ellos, uno de los mejores actores que ha dado el cine mudo, Buster Keaton, pues ya no tenía tanta importancia la imagen, sino que se le empezó a dar prioridad a los diálogos.

Keaton haría algún que otro cameo más adelante como el de la película El Crepúsculo de los Dioses o Candilejas, de Chaplin, pero aparte de eso, dejó el mundo del cine por completo.

Se introduciría entonces el concepto de banda sonora, es decir, todo aquello que sale de dentro de la película, como la música o los diálogos.

También se perdió movilidad en cámara y se empezó a utilizar más de una forma fija, pues ahora ya no tenía tanta importancia la imagen, sino que se daba prioridad al diálogo.

Uno de los pocos que siguió y supo aprovechar este tirón fue Charles Chaplin, un genio y un visionario, pero sobre todo un valiente, pues no dejó nunca de luchar por sus sueños.

Y es que a los hechos nos remitimos, pues seguiría con el cine mudo hasta bien entrados los años 30, cuando haría su primera película sonora.

El cine sonoro coincidió con el crack económico de 1929. En ese momento la gente lo estaba pasando tan mal que buscaba el cine como una medida para desconectar de sus problemas.

Esto hizo que se comenzara a hacer cada vez más cine, creando ya más géneros como podía ser el fantástico, el musical o el cine negro, además de los ya existentes como comedia o drama.

Se puede decir que la llegada del cine sonoro supuso el despegue definitivo de Hollywood, pues se convertiría a partir de entonces en una referencia para actores y directores.

Como cada mes, desde Lo Que Faltaba queremos recomendaros un par de películas que dan vida a lo que os hemos estado contando para que así podáis sentir y entender mejor el mundo del cine.

Este mes, nuestras recomendaciones son El Cantante de Jazz, de Al Jolson.

Nuestra otra apuesta es para Blackmail (1929), que fue la película debut de Alfred Hitchcock y que, aunque originalmente fue rodada como película muda, antes de su estreno se volvieron a rodar algunas nuevas escenas en las que ya había diálogo, además de efectos de sonido y música.

Esperamos que disfrutéis tanto como nosotros y que nos sigáis acompañando el mes que viene, pues hablaremos de la creación del sistema de estudios cinematográficos, además de la llamada época dorada de Hollywood.

Crítica de 'Los Odiosos Ocho' (The Hateful Eight)

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sun, 17 Apr 2016 15:51:00 +0000

Estamos ante uno de los últimos trabajos del director Quentin Tarantino. Conocido por su estilo y su forma de ser, que no deja indiferente a nadie. Se podría decir que Los Odiosos Ocho consigue el mismo efecto. Incluso es difícil situarla en un género en concreto. ¿Es un western o un thriller? pues digamos que tiene un poco de todo, lo que la convierte en algo singular.

Es una película que marcará al espectador, para bien o para mal. Muy difícil situarla en un término medio por todo lo que lleva encima. De primeras, si alguien espera ver algo parecido a Malditos Bastardos o Django Desencadenado, pues entonces muy difícil que le guste esta película.

La octava cinta dirigida por Tarantino es más un regreso a sus primeros film's, como Reservoir Dogs o Pulp Fiction. Por tanto, se desmarca totalmente de sus anteriores películas y volvemos a un escenario con un estilo más "tarantino", por así decirlo.

El guión del film es bien sencillo. Vemos una diligencia atravesando las montañas de Wyoming, con una tormenta de nieve. En su interior, está el cazarrecompensas John Ruth junto con una criminal, Daisy Domergue. Viajan al pueblo de Red Rock, donde Ruth la entregará a la justicia.

Pero por el camino, iremos viendo aparecer distintos personajes, que han sido sorprendidos por la tormenta de nieve. Uno de ellos es otro cazarrecompensas, Marquis Warren; y el otro es un renegado del sur, Chris Mannix. Casualidad que este último viaja a Red Rock porque es el nuevo sheriff del pueblo. Al mismo tiempo, nos irán datos para situar la historia de forma cronológica. En este caso, nos situamos unos años después de la famosa Guerra de Secesión de EEUU.

La tormenta cada vez es peor, así que tienen que parar en La Mercería de Minnie. Una cabaña que sirve de parada para los viajeros, donde pueden descansar, comer algo y tomarse un café. Allí les esperarán el resto de personajes del film, cada uno con su historia.

Es aquí donde la película tiene su punto fuerte. Vamos viendo la presentación de cada uno de ellos, en un evento de "desengranaje". No nos cuentan su vida de golpe, sino que la vamos descubriendo, a través de un camino marcado por el director. Cuando estamos subidos en la diligencia y cuando llegamos a La Mercería de Minnie. Es aquí donde descubrimos el motivo del título, Los Odiosos Ocho.

Tarantino rescata un estilo que usó mucho Alfred Hitchcock, además de distintas referencias a otros film's del estilo Cluedo, o La Cosa de John Carpenter. De hecho, veremos más de una referencia a esta última película por parte del director. La esencia de los personajes, la tensión que se palpa en el ambiente o el estar atrapados por una tormenta de nieve.

He aquí lo curioso de la película, la mayoría del tiempo transcurre dentro de la cabaña, en un espacio cerrado. Algo muy raro, porque el director quiso usar la cinta de Ultra Panavisión de 70 mm. Esta cinta se usaba más para planos de exteriores en películas del oeste. Como por ejemplo, planos donde se veía la carga de la caballería o la llegada de los indios. Es un poco extraño usar este formato para planos de interiores.

Pero el efecto conseguido es extraordinario. La cabaña parece "mucho más grande" y da un aire como de amplitud, de espacio. Por hacer un símil, podríamos decir que se asemeja a una obra de teatro. Se añade también otro efecto usado en el teatro. El tiempo de película es casi el tiempo real. Las más de dos horas y media que tiene el film es para contarnos lo que ocurre durante una tarde. Esto puede confundir al espectador y es un arma de doble filo.

Personalmente, a mi me da más sensación de realismo, porque es una historia que perfectamente podría suceder. El efecto negativo es que puede producir pesadez si no se lleva bien. Mantener al espectador en vilo no es nada fácil si decides hacerlo de esta manera. Se cae en el error de que la película avanza, pero no sucede nada.

Es uno de los inconvenientes que ha tenido Los Odiosos Ocho. A mucha gente se le ha hecho larga y pesada, justamente por el tema del transcurso en tiempo real. Si luego sumas que el estilo Tarantino no es de tu agrado, pues casi seguro que el film no te gustará. Es su punto más negativo, sin duda, está dirigida a un público muy específico.

En el apartado técnico, la película no tiene rival. La fotografía, los colores y los planos son una delicia, una obra maestra. Todo está muy bien cuidado, al igual que los vestuarios y el decorado de la cabaña. Otro punto fuerte a añadir es su banda sonora de Ennio Morricone, ganador del Óscar por Mejor Banda Sonora. El tema principal es potente, aunque es cierto que no se asemeja a otras partituras de Morricone.

Lo único malo de la banda sonora es que, fuera de la película, deja de funcionar. Se adapta perfectamente a las imágenes, a la historia, a esa gran calidad en la fotografía y en los detalles. Pero fuera de ella, pierde parte de su encanto. Podemos notarlo con la canción de Neve. Con la ausencia de los efectos de nieve, los sonidos de la tormenta, pierde algo de su esencia.

En las interpretaciones, hay de todo un poco. Los actores más principales hacen un papel muy bueno. Kurt Russell, Samuel L. Jackson y Jennifer Jason Leigh son el trío destacado. Mención especial para la actriz. Su nominación a los Oscars es más que merecida, y es sorprendente que no se llevara el premio. También a destacar Walton Goggins porque es magistral lo que consigue hacer con su personaje.

Para cualquier seguidor del estilo Tarantino o cualquiera que tenga intención de comenzar como director de cine, Los Odiosos Ocho es de visionado obligado. Podrá gustar o no dicho estilo, pero es innegable el sentimiento y devoción que le ha puesto el equipo a este film.

Crítica de 'El Puente de los Espías'

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 12 Apr 2016 08:13:00 +0000

Película que estuvo nominada en los Oscars de esta pasada edición, y que ganó una estatuilla a Mejor Actor de Reparto. Eso sí, estamos ante un film que quiere repetir fórmula. Steven Spielberg de director, Tom Hanks como actor principal, tiene parte de thriller y suspense, tiene relación con una "guerra" (en este caso, la Guerra Fría)... El espectador puede tener esa sensación de déjà vu por otras películas que cumplen estos requisitos (La Terminal o Atrápame si puedes). Pero, a diferencia de los otros films, El puente de los espías (Bridge of Spies) funciona bastante bien.

Tiene sus fallos, pero también tiene mejores aciertos. Empezamos primero explicando un poco quién es Rudolf Abel, interpretado por Mark Rylance. Sin duda, el comienzo es lo mejor que tiene la película, puesto que nos presentan a Abel simplemente con imágenes. Nada de palabras, nada de voz en off, solo imágenes de su día a día.

Por lo que vamos viendo, es obvio que Abel es un espía. En ese momento, el FBI lo apresa y es acusado de espionaje. Ahora es cuando entra en escena Tom Hanks, que interpreta al abogado James Donovan. Ya que toda persona merece un juicio justo, a Donovan le toca ser el abogado defensor de Abel.

Por supuesto, todo el juicio es un circo y nadie se lo toma en serio. Ni siquiera el propio juez. Antes de empezar el proceso, ve a Abel como culpable de traición. De ser así, sería sentenciado a la pena capital. El abogado Donovan intenta que dicha sentencia no ocurra, aunque él sabe muy bien que Abel es un espía.

Por otro lado, entiende los sentimientos patrióticos de Abel. Sólo sirve a su país (en este caso, a la URSS) y ellos mismos también tienen espías en Rusia y en la República Democrática Alemana. Entiende que lo hace por su país, para protegerlo, como los propios americanos. Entre los dos se va estableciendo una amistad y respeto mutuo.

Por parte de Abel, ve en Donovan un hombre íntegro, un Stoikiy muzhik que ve las cosas sin prejuicio alguno. Comprende su situación, poniendo en riesgo su reputación y a su familia. Por aquellos años, tener amistad o relación con algún comunista era visto como una traición a Estados Unidos.

Al mismo tiempo, vemos una historia paralela, la del piloto Francis Gary Powers. Los americanos han diseñado un avión capaz de volar a mayor altitud para que sea más difícil detectarlo. La misión de estos pilotos es la de fotografiar bases militares de la Unión Soviética. En un vuelo de reconocimiento, Powers es alcanzado por un misil y apresado por las fuerzas comunistas.

Para recuperar a Powers, el gobierno de los Estados Unidos plantea un intercambio de prisioneros, en la zona de Alemania. Para negociar el intercambio, mandan a Donovan con la intención de conseguir algún tipo de acuerdo. En este momento, el film va un poco cuesta abajo.

Mientras que al principio, veíamos que la atención se centraba en Abel y la vida de Donovan, luego pasamos al tramo de Alemania. Aquí tendríamos que ver las complicaciones por las que pasa Tom Hanks, pero le falta algo. No muestra esa inquietud, no muestra que Donovan se sienta amenazado o se esté jugando algo más para conseguir el intercambio. Es más, incluso allí está más seguro que en su propia casa, porque sus vecinos y amigos lo han tachado de traidor por ayudar a Abel.

Justo coincide con la ausencia de Mark Rylance, que pasa a un segundo plano y apenas sale en pantalla hasta el tramo final. Todo el peso de la película recae en Tom Hanks, pero por alguna extraña razón, no consigue levantarlo. Es más que posible por la limitación que tiene su personaje y sus saltos de un lado a otro. No es de extrañar que Rylance ganara el Oscar.

El final no es que sea muy sorprendente, es algo que sabes que va a ocurrir y tampoco es impactante. Pero cumple, no decepciona ni deja mal sabor de boca. Como reflexión final, vemos la conexión entre Donovan y una escena a mitad de película, cuando estaba en Alemania. Esta escena que ocurre y que él mismo presencia, es lo más increíble de la película. Por lo que muestra, por la realidad que describe y la forma de estar rodado. Es en ese momento cuando dices "Míralo, ahí está Spielberg."

Por desgracia, sólo tienes esa sensación en el escaso minuto que dura ese momento. Es una pena que el resto del film no mantenga ese nivel. No es de las mejores películas de Hanks. No es de las mejores películas de Spielberg. Pero no te deja mal cuerpo ni con la extraña sensación de quedarse a medias. Cumple con su cometido.

Para terminar, os dejamos un enlace a una de las canciones del film, realizada por el compositor Thomas Newman. Música relajada, tirando a clásica, aunque esta pieza tiene una fuerza más sentimental, pues llama al regreso de tu hogar. Un lugar que echas de menos cuando estás fuera mucho tiempo.

120 Años del Nacimiento del Cine. 1916-1925

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 28 Mar 2016 16:04:00 +0000

David Griffith innovó en las primeras décadas del cine como nadie había hecho. Creó, entre otras cosas, los primeros flashbacks, travellings, desenfoques o panorámicas. Llegó también a utilizar la iluminación con fines dramáticos, algo hasta entonces nunca visto.

Y entonces nació el Star System, una forma de construir las películas en torno a los artistas, algo que hizo que actores y actrices de la talla de Gloria Swanson, Charles Chaplin o Buster Keaton se convirtieran en grandes mitos.

El Slapstick se convirtió en el género más destacado, y es que el cine cómico hacía que la gente se olvidase de sus propios problemas y acudieran en masa al cine. Mack Senté fue uno de los grandes directores de la época, además del descubridor de Chaplin o Harold Lloyd.

Y es que en EEUU el cine tuvo un éxito sin precedentes, más que nada por que llegaban muchos inmigrantes y era una forma de aprender el idioma.

Nueva York era la principal ciudad cinematográfica, pero debido a que Edison denunció a los creadores del cinematógrafo, los costes se encarecieron y algunos directores independientes como Cecil B. de Mille y Mack Senté decidieron buscar nuevas localizaciones más baratas.

Así, se fijaron en un pequeño pueblo de la costa oeste, Hollywood, donde el clima era soleado y los recursos más baratos. Hollywoodland, que así se llamaba antes de que las letras Land cayesen del letrero, se convertiría para siempre en la Meca del Cine.

La década de los años 20 se convirtió en la época dorada del cine mudo americano, creando un lenguaje hasta entonces nunca visto, como en el caso de Griffith.

Pero no sólo en EEUU, también en Europa se creó un cine innovador, y es que a causa de la 1ª Guerra Mundial aumentaron los costes de producción, por lo que en algunos países europeos, las películas marcaron el inicio de un gran periodo con una influencia de estilos marcados siempre desde el expresionismo en el caso de Alemania o el realismo, en el caso de los sóviets.

Sería así el caso de Sergéi Eisenstein, en la antigua Unión Soviética, con El acorazado Potemkin, inventando el montaje de atracciones, que consistía en la mezcla de imágenes impactantes para provocar una respuesta emocional en el espectador.

Alemania se basaría en el expresionismo, dando así prioridad de lo subjetivo a lo real.

Y es que la Bauhaus en la Alemania de Weimar innovó en fotografía y diseño gráfico desde este campo.

Pondrían mucho énfasis en la iluminación (sobretodo en el claroscuro), además, deformaban la realidad.

Un ejemplo es Nosferatu de Murnau o Metrópolis, de Fritz Lang, que acabarían creando escuela en el cine estadounidense con su temática.

Un poco más tarde, también Francia tuvo su gran inicio en el cine. En este caso los autores trabajarían más el impresionismo, apostando así por una puesta en escena y unas técnicas innovadoras.

CT Dreyer era danés pero trabajó mucho en el país galo y se convertiría, gracias a La Pasión de Juana de Arco, en uno de los mejores directores de la historia de Francia, catapultando a Reneé Falconeti a ser nombrada una de las mejores actrices del cine mudo.

Como cada mes, desde Lo Que Faltaba queremos recomendaros un par de películas para que entendáis un poco esta década.

Nuestras recomendaciones, de entre las muchas que haríamos, son El acorazado Potemkin, de Eisenberg, y El Gabinete del Doctor Galigari, de Robert Wiene.

Ninguna de las películas es estadounidense, y es que de eso se trata. Creemos que nuestro cine ha sido discriminado siempre por el gigante de Hollywood, y visionar por donde empezaron es una buena forma de entender todo lo maravilloso que tiene el cine europeo.

Películas para el Día Mundial de la Felicidad

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sun, 20 Mar 2016 14:49:00 +0000

Inside Out (Del revés)

Una de las últimas películas de Disney-Pixar y que se llevó el Oscar a Mejor Película de Animación. Aquí vemos las distintas emociones básicas, que en su día catalogó el psicólogo Paul Ekman, como dirigen nuestro cuerpo. Se centra en la vida de Riley, una niña que la vamos viendo crecer. Pero la protagonista no es ella, sino los sentimientos que 'tiene dentro de su cabeza'.

Alegría es la que dirige a las demás emociones e intenta que Tristeza no tenga tanta presencia. Cuando Tristeza toca el panel de mandos, Riley se pone triste. Cuando Alegría y Tristeza salen del Centro de Mandos por accidente, veremos que las demás emociones intentan solucionar los problemas de Riley a su manera. De mientras, Alegría y Tristeza se irán conociendo más, enlazando una amistad entre ellas.

La conclusión final es que Alegría se da cuenta de la importancia de Tristeza. Pese a ser una emoción negativa, es también necesaria para la madurez de Riley y para encontrar la felicidad. Porque a veces, cuando más Tristeza tenemos es cuando podemos ver un rayo de Alegría. Las dos emociones suponen como el 'Yin y el Yang' de la existencia. Son opuestas, pero deben existir para que aprendamos a valorar más las cosas en la vida. Cuando buscamos la felicidad, también nos encontramos con la tristeza y el dolor. Esto es lo que nos enseña Inside Out.

Invictus:

Con los actores Morgan Freeman y Matt Damon, y dirigida por Clint Eastwood, este film nos muestra parte de los hechos ocurridos en Sudáfrica durante los años 90. Con la abolición del sistema apartheid y el nombramiento de Nelson Mandela como presidente de Sudáfrica, el país se encuentra muy dividido.

Mandela sabe que debe unir al pueblo, dando igual el color de su piel. Para ello, usará la Copa Mundial de Rugby y al equipo de los "Springboks", con el objetivo de traer la felicidad a su nación. La dificultad es muy alta ante el odio y el medio que han sucumbido durante más de 50 años el país de Sudáfrica. El propio Mandela fue encarcelado por luchar contra ello.

Por eso mismo, sabe lo complicado que es dejar a un lado la venganza y busca, a través del deporte, unir a los suyos. La alegría a veces nos queda oculta tras el odio, y solo los que son capaces de perdonar pueden conseguir alcanzarla. Mandela supo ver de qué manera podía la gente dejar su odio a un lado y unirse como nación.

Mejor... imposible

Mejor... imposible es una película protagonizada por Jack Nicholson (ganador del Oscar al Mejor actor), Helen Hunt (ganadora del Oscar a la Mejor actriz), y Greg Kinnear. Jack Nicholson interpreta a Melvin, un escritor con muchas manías, y es la última persona del planeta que te gustaría tener como vecino. Melvin es un hombre de fijas costumbres. Todos días acude a comer al mismo restaurante donde trabaja Carol (Helen Hunt). Y en su mismo edificio vive Simon (Greg Kinnear), un artista homosexual que tiene que sufrir diariamente su homofobia. Todo esto cambia el día en que Melvin debe hacerse cargo del perro de Simon, a pesar de que no le gustan los animales.

El principal elemento de la película es la enfermedad del personaje de Jack Nicholson. Padece un trastorno obsesivo-compulsivo (TOC), una enfermedad que afecta sobretodo a la conducta. Algunos ejemplos de ello son por ejemplo la obsesión por la higiene o por el orden. Y son estas obsesiones las que dificultan a la persona que la padece alcanzar la felicidad.

Finalmente, el protagonista de esta película se da cuenta de que la felicidad no se encuentra aislándose uno mismo del resto del mundo. El ser humano es así, y siempre busca algún tipo de relación que sea satisfactoria, ya sea una amistad, una relación de pareja o una mascota, que en este caso es el perro de Simon, al que Melvin debe cuidar, y eso es algo que conseguirá ablandarle. Todo esto es narrado con un tono mordaz y muy divertido a la vez, llevado de una forma muy inteligente.

Amelie

Amélie es una chica de 22 años muy diferente a todas las demás. Ella, que ha visto como su adorado pez de colores desaparecía por la alcantarilla o a su padre dedicando toda su vida a un gnomo de jardín, descubre que sorprender a los que la rodean anónimamente es lo que realmente le hace feliz.

Ese es su deseo a partir de ahora. Hacer felices a los demás. Entre ellos, Georgette, la estanquera hipocondríaca o ‘El Hombre De Cristal’, un vecino que sólo ve el mundo a través de un cuadro de Renoir. Lo único que Amélie no es capaz de hacer es buscar su propia felicidad y así mostrar sus sentimientos al hombre que ama. Nino, un chico tan diferente como ella, que trabaja en una atracción de feria y también en un sex shop. Pero el destino siempre es quien decide, y ella no va a ser la excepción.

Intocable

La vida de Phillippe cambió radicalmente cuando un accidente le dejó parapléjico. Driss es un joven pobre pero con unas inmensas ganas de vivir. Busca trabajo, justo ahora que acaba de salir de la cárcel. Phillippe contrata a Driss para que sea su asistente personal y la relación que entre ellos se crea consigue cambiar a ambos.

Para el primero, la vida vuelve a tener color y para el segundo, la vida vuelve a ser vida. Esa capacidad de superación incluso cuando crees que no puedes más y una increíble BSO han hecho de esta película una gran oda a la vida, haciendo a sus protagonistas, intocables.

Rocky Balboa

La saga de Rocky siempre ha sido conocida por ser inspiradora y estar plagada de referencias a la superación. Sin embargo, es en su sexta entrega donde podemos ver al retirado boxeador buscando su propia felicidad. Su vida ha cambiado mucho y ha perdido cosas de muchísimo valor. Pero quiere volver al ring, en un último combate para deshacerse del dolor que siente.

Con la edad que tiene y sus problemas de salud, vemos que le deniegan su licencia de boxeador. En un discurso motivador sobre la búsqueda de la felicidad, vemos a un Rocky Balboa dispuesto a sacrificarlo todo para encontrar su camino. Porque la felicidad a veces hay que buscarla. A veces hay que pelear por ella. No aparece por arte de magia. Porque el mundo no es todo alegría y color.

Big Fish

Esta película dirigida por Tim Burton se centra en la relación entre un padre y un hijo. Lo novedoso es que lo hace a través de las historias que ha contado el padre a lo largo de toda su vida, que parecen fascinar a todo el mundo excepto al hijo. Pero en el momento en el que la vida de su padre está a punto de terminar, el hijo se embarca en un viaje para descubrir qué hay de verdad en esos cuentos.

La mezcla entre realidad y fantasía es el hilo conductor de esta historia, que resulta ser un canto a la vida y al optimismo. Pese a las dificultades, el padre a lo largo de su vida no se rinde en ningún momento, y además consigue hacer mejor la vida de otros personajes que conoce. Su carácter es alegre, y parte de ese positivismo se ve reflejado en cómo cuenta las anécdotas de su vida. En cambio, su hijo tiene una visión más realista de los acontecimientos, y por esto sus personalidades chocan.

El tono optimista de la película al narrar los hechos contrasta con los temas tan duros que toca en algunos casos (como la enfermedad y la muerte), y el mensaje final es muy emotivo. La banda sonora de Danny Elfman refleja todos estos sentimientos, en un tono muy acorde al de la película.

Canciones para el Día Mundial de la Felicidad

noreply@blogger.com (Cristina Coll) — Sun, 20 Mar 2016 14:30:00 +0000

Hoy, 20 de marzo, se celebra el Día Mundial de la Felicidad. Por este motivo, hemos decidido elaborar una lista de canciones que nos ponen de buen humor, con las que nos encanta bailar o saltar de alegría o simplemente esbozar una sonrisa al escucharlas. Como siempre decimos, si echas en falta alguna canción siempre nos lo puedes decir en los comentarios o por medio de nuestras redes sociales (Twitter y Facebook). Ah, y no olvidéis echar un ojo a la lista de películas que también hemos creado con motivo del día de hoy.

Viva la vida – Coldplay

Sí, se ha oído mucho, pero desde que Coldplay publicó esta canción en 2008 se ha convertido en todo un himno. Si bien la letra, según ha comentado el grupo más de una vez, trata sobre la Revolución Francesa, ese tono épico y esos violines nos llenan de energía siempre que la escuchamos.

Don’t worry, be happy – Bobby McFerrin

Otra canción que asociamos directamente a este día. Uno de esos temas que todos hemos oído y, pese a ello, no solemos conocer a su autor más allá de esta canción. Fue compuesta por el artista de jazz Bobby McFerrin con intención humorística, pero se ha convertido en todo un éxito. En especial por su mensaje, que nos invita a dejar ir las preocupaciones y afrontar la vida de buen rollo.

Three little birds – Bob Marley

Este exitoso single de Bob Marley se ha hecho muy famoso por aparecer en películas (como Soy Leyenda) y por haber sido versionado en múltiples ocasiones por otros artistas. Muchos temas de Bob Marley transmiten sensación de paz y buen rollo, pero hemos escogido esta por su mensaje de que todo saldrá bien.

Best day of my life - American Authors

Este single del grupo de pop rock American Authors es famoso por aparecer en varias ocasiones en anuncios de la televisión. Se trata de una melodía alegre y pegadiza que da ganas de ponerse a bailar. La letra, cargada de optimismo, es muy acorde tanto a la canción como al día de hoy.

Dreams - The Cranberries

Fue uno de los primeros éxitos de la banda de rock alternativo The Cranberries en los 90. La canción fue compuesta por la líder del grupo, Dolores O'Riordan, y se publicó en 1992. La canción destaca por su tono positivo y optimista a pesar de los cambios que nos encontramos en nuestras vidas. Ha aparecido en varias ocasiones en películas y series.

Dog Days Are Over – Florence + The Machine

Sin duda, el mejor tema del primer álbum de Florence + The Machine. La canción recoge los pedazos de una complicada relación sentimental con un toque de energía junto a las personas que te quieren, te ayudan a superar cada obstáculo y te aportan felicidad. Habla de no perder la esperanza en los malos momentos y, por ello, Dog Days Are Over no podía faltar en esta lista.

Hoy toca ser feliz - Mägo de Oz

La apuesta patria de esta lista es esta canción de Mägo de Oz. Publicada en su álbum de Gaia II: La Voz Dormida y producida por Big Simon, la letra es puro optimismo. Puede gustar más o menos, pero la idea que transmite es exactamente la que buscamos en estas canciones: que somos capaces de todo y que podemos ser felices.

Alegría – Cirque du Soleil

Esta canción forma parte del espectáculo homónimo del Circo del Sol. Alegría se trata del show más visto y apreciado de todos los que realizan. El espectáculo tiene un tono esperanzador que se ve reflejado también en sus canciones. Esta en concreto se corresponde con el final de la obra, por lo que la sensación es aún mayor si cabe.

Don't Stop Me Now - Queen

Concluimos con la felicidad por excelencia. Según un estudio realizado por el neurocientífico Jacob Jolij, Don't Stop Me Now es la canción más feliz del mundo, y no es de extrañar pues reúne las cualidades necesarias para alegrarnos el día con positividad y buen rollo.

¡Feliz Día de la Felicidad!

120 años del Nacimiento del Cine. 1906-1915

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sun, 28 Feb 2016 16:02:00 +0000

George Méliès consiguió salvar el cine al empezar a innovar mediante trucos y montajes, pues el cine estaba siendo relegado a un espectáculo de segunda fila, sin interés y sin motivaciones.

Tras marcar el camino, muchos vinieron tras de él para seguir innovando. La Escuela de Brighton, con George Albert Smith y James Williamson a la cabeza, terminarían por aportar mucho de lo que hoy se considera gran parte del lenguaje cinematográfico.

Pero también en España tuvimos grandes cineastas con grandes ideas que realizaron un importante trabajo para asentar estas primeras bases del cine.

Segundo de Chomón se convirtió en el seguidor más directo del gran Méliès, ya que con su El Hotel Eléctrico (1905), empezó a utilizar unos trucajes muy innovadores para la época.

A causa de la masiva llegada de inmigrantes a EEUU, el cine mudo se convirtió rápidamente en una salida a los que no hablaban el idioma, por lo que empezó a tener un éxito arrollador.

El cine mudo, mostraba imágenes en movimiento sin sonido, como su propio nombre indica. Los fotogramas iban acompañados de un piano o una orquesta que actuaba en directo en la misma sala de cine.

Poco a poco se fueron haciendo películas más largas, se fueron metiendo fotogramas en mitad de las imágenes que iban contando la historia o que mostraban los diálogos.

Además, los artistas relacionados con las películas (sobretodo los actores), empezaron a aparecer en los títulos de crédito, y esto que algo que la naciente industria empezó a utilizar en su favor.

En un principio se estaba creando la industria en la zona de Nueva York, pero para abaratar costes, los productores decidieron trasladarse a Hollywood, L.A., en la costa oeste de EEUU. Además de ser más barato, el lugar tenía unas preciosas localizaciones y muchos días soleados para poder rodar sin tener problemas.

Una figura muy importante de estos años es David W. Griffith.

El director, se convirtió en el gran creador del lenguaje cinematográfico gracias a su peculiar forma de narrar historias.

En sus películas encontramos los primeros flashbacks de la historia, así como los primeros travellings, planos medios, incluso panorámicas, desenfoques… incluso utilizó la iluminación con fines dramáticos.

Es muy conocido por usar el montaje paralelo (cuando dos escenas que no tienen nada que ver se juntan para terminar al final en una acción única). A este hito se le conocería como Griffith´s last minute.

El Nacimiento de una Nación, a pesar de hacer apología del Ku Klux Klan, es una de las principales obras maestras de la historia.

Se dice que con Griffith el cine como lo conocemos hoy, despega definitivamente.

A partir de 1908 surgiría el Star System. Se llamó así por que fue el periodo en el que empezaron a surgir las primeras estrellas de cine. Las películas se construían en torno a los artistas, como una forma de publicitar el sistema, además de convertir a los propios actores en mitos.

Así, encontramos a actores como Charles Chaplin y Mary Pickford, que se convirtieron en las estrellas favoritas del público, llegando incluso a firmar los primeros contratos millonarios.

Pero había más. Nombres como Rodolfo Valentino, Gloria Swanson, Bus

ter Keaton, Lilian Gish o Harold Lloyd se convirtieron en leyendas.

Una de las cuestiones principales es que EEUU tuvo mucho éxito, pues en Europa, la I Guerra Mundial hizo que el consumo del cine descendiera notablemente, así que aprovecharon esta situación, dominando así el mundo cinematográfico de la época.

El género más destacado por entonces sería el Slapstick, o cine cómico, creado por el director Mack Senté, descubridor de Chaplin o Lloyd entre otros. Éstos, junto a Buster Keaton, se convertirían en los cómicos más famosos de la época.

De esta década, desde Lo Que Faltaba, recomendamos dos películas que nos pueden ayudar a descubrir ese lenguaje del que ya hemos hablado.

El Nacimiento de una Nación, como hemos dicho, de David W, Griffith y por hacer un poco de énfasis en el cine español, El Alcalde de Zalamea, película dirigida en 1914 por Adriá Gual y Juan Solà Mestres basada en la famosa obra de Calderón.

Esperamos que disfrutéis de ellas tanto como lo hacemos nosotros y que sigáis acompañándonos cada día 28 en este homenaje que estamos haciendo por los 120 años del Nacimiento del Cine.

Hugo Silva y su referencia a Sérpico en 'El Ministerio del Tiempo'

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 23 Feb 2016 09:56:00 +0000

La ficción de TVE sigue haciendo referencias al cine, una de las facetas más positivas de la serie. Con el comienzo de esta segunda temporada, 'El Ministerio del Tiempo' está ganando nuevos adeptos y manteniendo también a los que ya se unieron.

Pero ahora tenemos un cambio de protagonista, entrando en escena el actor Hugo Silva. Para esta serie, hará el papel de un detective experto en infiltrarse en las bandas callejeras. Viene de finales de los 70, principios de los 80, persiguiendo a un asesino en serie de mujeres.

Lo más gracioso de todo es su nombre. Le apodan 'Pacino' porque se parece mucho al personaje que hizo en su día Al Pacino, 'Sérpico'. Es muy posible que muchas personas no sepan quién es o tampoco hayan visto dicho film. Al igual que realizan 'Los archivos del Ministerio' explicando el trozo de historia en que se basa dicho capítulo, desde aquí haremos lo mismo pero con el policía Frank Sérpico.

¿Quién es Sérpico? Bien, vamos a situarnos en el tiempo. En el año 1973, el director Sidney Lunet estrenaba la película con el mismo nombre. El film está basado en hechos reales, donde el agente de policía Frank Sérpico había destapado una extensa corrupción que afectaba a todo el departamento de policía, en Nueva York.

Por supuesto, esto hizo que se ganara enemigos dentro del cuerpo de policía. De esta manera, Sérpico no solo tenía que vigilar a los delincuentes que tenía enfrente, sino también a sus propios compañeros.

El actor Al Pacino es quien interpreta a este detective honrado. Esta cinta se aleja mucho de las típicas películas de policías, donde sabes quiénes son los buenos y los malos. Aquí deja a un lado ese tipo de separación y lo plantea todo de una forma más realista. Hay momentos en que se parece más a un documental biográfico que a un film de policías.

Sin entrar en muchos detalles, lo más acertado es la interpretación de Al Pacino, que justo el año anterior había sido estrenada la película 'El Padrino'. Estuvo también nominado al Oscar como Mejor Actor por su interpretación tan fiel como Sérpico, y las distintas facetas de su vida.

Volviendo al 'Ministerio', la serie de Javier Olivares presenta a este nuevo personaje, un claro guiño a a la película antes mencionada. Ya no es solo su apariencia, sino también su experiencia en infiltración de bandas y búsqueda de drogas. Eran las mismas tareas que desempeñaba Sérpico cuando era detective en Nueva York.

Todo parece indicar que este nuevo Pacino, bajo la apariencia de Hugo Silva, seguirá durante todo lo que queda de la temporada, ante la ausencia de Julián. Está claro el gran acierto de los guionistas con estas referencias al mundo del cine y su cultura.

Izquierda: Al Pacino. Derecha: Hugo Silva.