CENA CULTURAL

Duelo de SEXO e CLASSE SOCIAL de alta qualidade ...

2012-01-20T14:50:00.002-03:00

Alessandra Negrini e Armando Babaioff protagonizam peça clássica de Strindberg.

Na última quinta-feira(12/01) fui a estreia do mais novo projeto do competente e querido Gustavo Nunes. O espetáculo A Propósito de Srta. Julia, reconhecidamente um clássico, considerada um marco na dramaturgia mundial. A todo o momento existe uma montagem dessa peça, em algum lugar do mundo. É tempo de revê-la e discuti-la no Brasil. E esta montagem com a a maravilhosa direção de Walter Lima Jr é encantadora.

Na nova versão, com Alessandra Negrini e Armando Babaioff nos papéis centrais, a história se passa no Brasil no início do século XXI, com adaptação do intelectual José Almino. ‘Senhorita Julia’, a mais importante obra de Strindberg, questiona os limites da liberdade individual e propõe dois duelos: o de sexos e o de classes sociais, contando a história de uma milionária que se envolve com o motorista do seu pai, Moacir, construindo um jogo onde a dominação se inverte a cada instante. A relação é pautada ainda pela alternância de sentimentos de Julia: ora ela odeia os homens, ora os deseja de forma quase compulsiva. Nesse embate, a fragilidade da condição feminina ou o poder do dinheiro podem levar a um abismo intransponível e a um desfecho trágico. O espetáculo tem ainda um terceiro personagem, Cristiane (Dani Ornellas), empregada da casa e namorada de Moacir, que cumpre seu papel social com aparente resignação.

Com a carreira construída majoritariamente no cinema, em filmes premiados como ‘A ostra e o vento’ e ‘Inocência’, Walter Lima Jr. vem se tornando cada vez mais assíduos nos palcos. Assinou a direção de espetáculos como ‘Dois na Gangorra’, ‘Fica comigo esta noite’ e ‘A confissão’. Alessandra Negrini volta aos palcos cariocas após anos de ausência. Esteve em cartaz em São Paulo este ano com o espetáculo ‘A senhora de Dubuque’, de Edward Albee, e se prepara para a estreia nacional do longa “Abismo Prateado’, de Karim Ainouz, baseado na canção Olhos nos Olhos, de Chico Buarque. Já a relação de Armando Babaioff com o teatro se estreita a cada ano. De 2010 até aqui participou de quatro montagens: ‘Na solidão dos campos de algodão’, ‘RockAntígona’, ‘Gota D´água’ e ‘A escola do escândalo’. Dani Ornellas viajou o Brasil este ano com ‘Anjo Negro’, clássico de Nelson Rodrigues.

A ficha técnica se completa com Isabel Guerón (assistência de direção), Daniel Galvan(iluminação), Flávio Graff (figurinos) e José Dias (cenário). Walter Lima Jr. assina ainda a trilha sonora.

Crítica - A Propósito de Srta. Julia
Por Rodrigo Medeiros

Um Belo Trabalho ....
O espetáculo me surpreendeu pela forma que texto e direção se completam. A direção do genial Walter Lima Jr é delicada, mas ao mesmo tempo precisa, quase cinematográfica, um belo trabalho. Alessandra Negrini foi feita para fazer esse papel. A Júlia de Negrini é cheia de cores rebuscadas e de difícil composição,um trabalho que merece ser visto. O Moacir de Armando Babaioff é excelente. O ator cada ano, que passa está surpreendendo em seus espetáculos. Desde de A Solidão nos Campos de Algodão, Babaioff vem mostrando, que veio para ficar ao teatro nacional.(Veja a crítica do espetáculo A Solidão nos Campos de Algodão) Destaque para o belo cenário de José Dias e a luz de Daniel Galvan um espetáculo a parte. Úm final esplendoroso. Parabéns a produção do espetáculo. Uma ótima pedida para quem curte um teatro de qualidade.

Serviço
‘A propósito de Senhorita Júlia’
Temporada: Até 12 de fevereiro (de quinta a domingo)*
Caixa Cultural Teatro Nelson Rodrigues – Av. Chile, 230
Telefone: 2262.5483
Quinta a sábado, às 20h
Domingo, às 19h30
Preço: R$ 20
Duração do espetáculo: 90 minutos
Classificação etária: 14 anos

Roberta Sá faz novo disco com atmosfera de carnaval

2012-01-14T10:05:00.003-03:00

Cantora deixa o recato de lado em ‘Segunda pele’, no qual realiza sonho de gravar com orquestra de sopros
Quase dez anos depois de participar do programa de TV “Fama”,cantora lança seu quarto disco de estúdio

Nem parece, mas lá se vão quase dez anos desde que a cantora Roberta Sá debutou para o grande público no “reality show de calouros” “Fama”. Agora, ao lançar o seu quarto álbum autoral de estúdio (“Segunda pele”, que vai para as lojas no dia 24), aquela moça da TV definitivamente deu lugar à mulher dos palcos.
— Fazer 30 anos é uma maravilha, dá uma liberdade! — festeja ela, que, aos 31 recém-completados, dá adeus ao recato e evoca memórias de movimentados carnavais.
— Eu sempre fui bem-humorada, mas não conseguia mostrar isso no palco. Aí, no finzinho da turnê do meu DVD (“Pra se ter alegria”, de 2009), comecei a ter vontade de pular com as pessoas, de viver uma energia diferente daquela do “todo mundo quieto, vamos me ouvir cantar”.
Com canções de antigos colaboradores (o marido, Pedro Luís, Lula Queiroga, Moreno Veloso) e autores que não havia gravado ainda (Caetano Veloso, João Cavalcanti, Dudu Falcão, Gustavo Ruiz), “Segunda pele” é um disco que Roberta gosta de resumir nos versos de Rubinho Jacobina na balançada “Bem a sós”: “Olha todo mundo ao nosso lado / corre para chegar na frente / é nós dois aqui atrás.”
— Esse disco fala disso, da sensação do primeiro olhar, do primeiro encontro, da sedução. E o carnaval tem muito essa atmosfera, de beijo na boca, de luxúria — explana.
Roberta vinha do CD “Quando o canto é reza” (2010), todo de canções de Roque Ferreira, no qual foi acompanhada pelo Trio Madeira Brasil.

— Achei que a gente ia fazer uma turnê curta, um show de teatro, mas fui surpreendida pela reação do público. Acabamos tocando em praça pública, para 20 mil pessoas, todas cantando e dançando tudo.
Depois de ganhar um patrocínio da Natura Musical em edital público, Roberta viu que era a hora de levar adiante um antigo sonho: um disco com uma orquestra de sopros. Realizou-o com o auxílio do violonista Rodrigo Campello, produtor de seus dois primeiros discos, que agora volta ao posto em “Segunda pele”.
— Os limites de orçamento nos obrigavam a ser criativos, mas os processos eram sempre sofridos. Dessa vez, foi muito confortável — conta.
Mas, por causa do patrocinador, Roberta tinha prazo para acabar o disco. E sofreu para fechar o repertório.
— Eu queria principalmente que fosse um disco de inéditas, dos meus compositores usuais, mas que trouxesse novidades — conta ela, que tinha uma certeza: depois do disco de Roque Ferreira, não queria gravar mais nenhum samba.
Mas, aí, João Cavalcanti, do Casuarina, veio com “O nego e eu”, samba sobre a dama que flerta com todo mundo, mas depois passa batida, deixando um rastro de perfume.
— O samba é o meu nego, é pra onde eu volto, é a minha zona de conforto — admite.
Roberta mostra “Segunda pele” em uma turnê por dez capitais, “a preços populares”, também com patrocínio da Natura. Começa em Salvador, no dia 1 de março, e chega ao Rio no dia 10, na Fundição Progresso.

Lei Rouanet faz 20 anos com R$ 9,1 bilhões investidos na cultura.

2012-01-04T10:15:00.003-03:00

A Lei nº 8.313 /91, conhecida como Lei Rouanet, completa 20 anos de existência. Em duas décadas, por meio de renúncia fiscal, o Ministério da Cultura apoiou 31.125 projetos, investindo R$ 9,1 bilhões (dados até 22/12/11). Neste período, ao mesmo tempo em que aprimorou a lei – com diversas instruções normativas – o MinC também buscou propor uma nova legislação, após amplo debate com a sociedade.

O projeto de lei do Procultura (PL 6.722/10) encontra-se na Câmara dos Deputados, na Comissão de Finanças e Tributação. A expectativa é que seja aprovado no próximo ano.

“A cultura se desenvolveu tanto que já não cabe na lei atual, em dimensão e em diversidade”, diz Henilton Menezes, secretário de Fomento e Incentivo à Cultura do MinC.

Concentração: Sudeste e Cênicas

Segundo ele, o modo como a lei atual foi desenhado acabou por concentrar recursos em segmentos culturais – naqueles cuja renúncia chega a 100% – e em regiões que são pólos econômicos, sobretudo o eixo Rio-São Paulo, que detém a maior parte do Produto Interno Bruto (PIB) brasileiro. “A nova lei tem de buscar a correção destas distorções”, avalia Menezes.

No ano passado, por exemplo, dos R$ 1,16 bilhão captado, 77% ficaram no Sudeste, enquanto o Norte do país ficou com apenas 2,3%. Em 20 anos, 67,3% dos projetos que conseguiram captar recursos da lei tiveram origem nesta região. Assim como houve concentração em uma das regiões brasileiras, o mesmo ocorreu nos segmentos culturais. Em 20 anos, as Artes Cênicas foram as que mais tiveram projetos (6.704) com captação de recursos, enquanto a área de Artes Visuais foi a com menor quantidade (2.324).

Menezes explica que a lei atual continuará sendo aperfeiçoada – em janeiro o MinC deve publicar nova IN com algumas mudanças – até o Procultura entrar em vigor. Depois de a nova lei ser sancionada, o MinC tem 180 dias para regulamentá-la. “Aperfeiçoamos uma, enquanto paralelamente discutimos a outra”, diz. Na sua avaliação, a transição entre uma e outra lei deverá levar entre três e cinco anos, em razão da quantidade de projetos em execução, cerca de 12 mil.

Única bala

Quando a lei foi criada, em 1991, o Ministério da Cultura havia sido extinto e se transformado em uma secretaria – assim como outras instituições. O investimento em cultura, por meio de renúncia fiscal, era praticamente a única política de Estado para a área. No primeiro ano da existência da lei foram apresentados 32 projetos culturais e 11 autorizados a captar recursos. Não houve captação de recursos pelos projetos em 1992. No ano seguinte, em 1993, conseguiram captar recursos apenas dois projetos culturais, no valor total de R$ 21.212,78.

Com o governo Lula, a partir de 2003, e a ampliação do conceito de cultura – considerada sob três dimensões (cidadã, simbólica e econômica), houve um boom de investimento no setor, pois o espectro das áreas passíveis de receberem investimento com renúncia fiscal aumentou. No primeiro ano do governo Lula, por exemplo, foram captados R$ 430,8 milhões. No ano passado, o volume chegou a R$ 1,16 bilhão.

Procultura: melhor distribuição

Menezes diz que há um sentimento, errado, de que a lei deveria atender apenas aos pequenos – o que não está escrito em seus objetivos. “A lei é para todos, o que deveria haver é uma pontuação de que ganhasse mais renúncia fiscal aquele que desse maior retorno à sociedade”, avalia.

Segundo ele, a proposta do Procultura é que, para diminuir as distorções atuais, o percentual de renúncia não seja por segmento cultural e, sim, por um sistema de pontuação, cujos critérios poderiam ser gratuidade, realização das ações em vários estados (e não apenas no estado de origem do recurso), promoção de formação continuada, possibilidade de troca de experiências e outros critérios que promovam retorno a todos os brasileiros. Ou seja, quanto maior o impacto no meio cultural, maior será o incentivo oferecido pelo governo.

Desde modo, conseguiria a renúncia de 100% aqueles que tivessem uma pontuação alta. Assim, quanto menos pontos, menor também seria a renúncia – independente do segmento cultural. Com isso, segundo Menezes, não só haveria uma melhor distribuição por segmentos e regiões, mas também uma possibilidade de apresentação de projetos que irão ao encontro da demanda da sociedade brasileira.

Ele cita como exemplo um espetáculo, que pode ser levado a regiões de difícil acesso, que tenha tradução em libras (a linguagem dos sinais) ou audiodescrição, que culmine com debates em escolas. Ou seja, que não fique restrito ao circuito corriqueiro de uma produção cultural.

Os critérios de pontuação estão sendo discutidos no Congresso Nacional – há aqueles que acreditam que devam estar na lei e outros, que devem ser normatizados pelo MinC.

Reforço do Fundo

Outra mudança proposta com o Procultura é que um percentual da renúncia fiscal componha o Fundo Nacional da Cultura (FNC), de modo que o Ministério da Cultura pudesse então investir anualmente em projetos ligados às prioridades da política cultural. Em 2011, por exemplo, o FNC – sem este recurso – não ultrapassou os R$ 300 milhões, enquanto a Lei Rouanet investiu R$ 1,35 bilhão.

Menezes explica que, teoricamente, quando a lei foi criada, o FNC atenderia aos projetos que não conseguissem ser contemplados pela renúncia fiscal. No ano passado, o que foi captado pelo incentivo fiscal atendeu apenas 24,61% de toda a demanda brasileira por esses incentivos, que atingiu o montante de R$ 4,7 bilhões. Nesse mesmo ano, o MinC recebeu 10.256 de ações em busca de recursos, vindo de todos os estados brasileiros.

O secretário lembra ainda que, só ano passado, a renúncia fiscal brasileira somou R$ 77 bilhões e apenas R$ 1,16 bilhão foi para a cultura. Ele acrescenta, ainda, que a Lei Rouanet é o mais transparente mecanismo de incentivo fiscal do Brasil. Todos os projetos são públicos, o processo de análise tem participação ativa da sociedade, o acompanhamento é feito pelo MinC durante a realização das ações e a prestação de contas é obrigatória para aqueles que recebem o incentivo. Além disso, todos os números estão à disposição de qualquer brasileiro, em qualquer lugar, pois estão na página eletrônica do ministério, para consulta pública.

Evolução da lei

Ano Projetos apresentados Projetos aptos a captar Captação (em projetos) Captação (em R$)

1992 32 11 0 0

1997 3.781 2.773 735 207.949.307,41

2001 3.972 2.390 1.215 368.049.587,03

2006 7.763 6.533 2.927 852.711.246,87

2011 7.473 8.375* 2.539 769.363.048,45

* Incluem projetos apresentados no ano anterior

Rock e poesia juntos na Lapa

2011-08-15T01:59:00.003-03:00

A banda Bukowski apresenta, nesta terça (16/8) às 19h, no Bar do Alemão, uma mistura que promete despertar no público um novo olhar sobre a arte. A banda garante o sucesso da mistura de releituras de clássicos do rock com várias pitadas de poesia.

Nos intervalos, o microfone estará aberto para quem quiser declamar e expressar a sua arte. Livre, democrático e de graça.

A Bukowski é formada por Marcelo Matos e Henrique Brito (voz e vocais), Janjão Júnior (guitarra), Lyrio Karllos (contra baixo) e Helder Mello (bateria).

O Bar do Alemão fica na Rua da Lapa, 200. Entrada franca !!!

Serviço
Banda Bukowski
Local: Bar do Alemão. Rua da Lapa, 200.
Quando: terça-feira 16/08, às 19h
Entrada gratuita

Um gato branco bem domesticado

2011-08-09T22:52:00.015-03:00

O incansável João Fonseca faz uma bela direção do espetáculo em cartaz no Teatro das Artes

Por Rodrigo Medeiros

Em cartaz na cidade a menos de três meses, o espetáculo O Gato Branco de Jô Bilac tem tido algumas divergências em relação a critica especializada. Segundo Barbara Heliodora do jornal O Globo “...É sempre bom ver um novo texto brasileiro, e “O gato branco” é bastante bem elaborado, em um gênero no qual ainda ninguém se havia aventurado. É uma pena que o caminho da encenação tenha sido tão diverso do que percorre o texto.” Já a Veja Rio classifica o espetáculo como uns dos melhores da temporada. Quem sou eu, para não concordar com Barbara Heliodora, prefiro dizer que cada um possui sua forma de ver teatro.

O espetáculo possui a linguagem dos clássicos ingleses, Agatha Christie e Alfred Hitchcok. No enredo, um convite de assassinato chega em mãos de sete pessoas que contém vidas completamente distintas e sem vínculo algum.

Convidados para uma festa a bordo de um barco, todos acabam comparecendo e recebem um delicioso jantar. Curiosos para saber quem é o anfitrião, eles jantam. Ao dar 22h, horário do assassinato mencionado, todos ficam ansiosos e inquietos até que uma prevista morte acontece. Todos ficam em clima de terror, trancados em um barco onde cada um dos convidados são suspeitos.

O jovem, talentoso e premiado autor Jô Bilac revela que sua paixão por Agatha Christie remonta aos seus 15 anos. O Autor de "Cachorro!" e de "2 p/ viagem", duas peças que fizeram sua fama no teatro alternativo carioca e o recente O Matador de Santa, utiliza uma linguagem interessante na forma de relatar os fatos, texto bem construído e cheio de surpresas e humor inteligente. Apesar do texto de suspense funcionar melhor no cinema e na literatura ..

A ágil direção de João Fonseca, que acabou de estreiar o musical “Tim Maia – Vale Tudo”no teatro Carlos Gomes é magnífica e diferente de tudo que tem feito atualmente na cena carioca como o lindo Juventude Interrompida ( Veja Critica ) e Maria do Caritó ( Veja Critica ). Destaque para utilização de cenas retratos ao som de tango, que tem a mão da ótima direção de movimento de Rafaela Amado. O espetáculo é conduzido com talento, criatividade e ousadia que só João Fonseca consegue imprimir.

O elenco apesar de estar em ótima harmonia e ritmo, falta um pouco de verdade cênica. Destaque para o talento de Pablo Falcão, que também é o idealizador do projeto. Paloma Duarte realiza um bom trabalho, mas falta um pouco de concentração. Fernanda Nobre surpreende na pele de Letícia uma personagem bem construída, diferente de seus trabalhos na TV. Bruno Ferrari vem realizando bons trabalhos no teatro, e neste espetáculo o trabalho de voz e bem feito, mas sem grandes novidades. O restante do elenco composto por Camilo Bevilacqua, Leandro Almeida e Luciana Magalhães realizam trabalhos mediano.

Na parte técnica, Nello Marrese assina uma cenografia clara que cria de forma simples um barco tipo balsa, que atende a todas as exigências do espetáculo. Os figurinos de Mareu Nitschke é simples,mas caracteriza bem o perfil de cada personagens,a iluminação da querida Daniela Sanchez e bem recortada que transmite bem o clima do espetáculo e a trilha sonora de André Aquino e bem realizada e um ótimo pano de fundo.

O Gato Branco é um espetáculo diferente, que uniu dois talentos da nova safra do teatro nacional(João Fonseca e Jô Bilac), trazendo uma estética bem interessante de assistir.

O GATO BRANCO - Texto de Jô Bilac. Direção de João Fonseca. Com Bruno Ferrari, Camilo Bevilacqua, Fernanda Nobre, Leandro Almeida, Luciana Magalhães, Pablo Falcão e Paloma Duarte. | TEATRO DAS ARTES – Shopping da Gávea | Quartas e Quintas às 21h | R$ 50.00

O TEATRO é uma grande mascarada

2011-08-03T13:07:00.006-03:00

Débora Duboc defende o texto de Pirandello em um excelente trabalho coletivo.

Por Rodrigo Medeiros

Como é bom ver teatro de verdade. Estreou no Teatro dos 4 o espetáculo “O Homem, A Besta e a Virtude“ do autor italiano Luigi Pirandello, um grande renovador do teatro, com profundo sentido de humor e grande originalidade. A concepção cênica da atriz e idealizadora do projeto Débora Duboc para a obra de Pirandello é muito bem realizada. O espetáculo que tem a linguagem de comedia Dell’arte conta a história da Senhora Perella, mulher de um capitão de navio, que está sempre viajando e não tem tempo para ela. Quando ela engravida do amante, eles precisam tramar um plano para que o marido acredite que o filho é dele.

A versão de Marcos Caruso para o texto de Pirandello é leve e bem costurado. O belo figurino e cenário de Chico Spinosa é um destaque do espetáculo, levando a estética do carnaval para uma linguagem mambembe de agradar os olhos. Compondo o figurino as belas mascaras em cor pastel de Clívia Cohen enfeita a cena com maestria. Gustavo Kurlat e Ruben Feffer estão à frente da direção musical apropriada ao espetáculo sem grandes exageros em uma harmoniosa brincadeira de ritmos.

A iluminação suave de Marcello Lazzarotto emoldura a narrativa de forma poética. Lazzarotto também assina a direção do espetáculo, utilizando elementos e jogos cênicos em perfeita harmonia. No primeiro momento a trama se arrasta um pouco, porém no meio o ritmo é encontrado, graça a maravilhosa cena do jantar, onde o elenco encontra a cor do espetáculo.

O elenco faz um belo trabalho de construção de personagem. A caracterização é incrível e cada ator interpreta mais de um personagem, seguindo a linguagem do teatro de Pirandello, cujo o tema dominante é a possibilidade de uma pessoa ser multifacetada. Destaque para o belo trabalho de Gabriel Miziara e Fernando Fecchio. Débora Duboc da vida a três personagens com um belo trabalho de corpo e de voz. Completando o elenco, Thiago Adorno dá um ar infantil muito bem apropriado pela proposta cênica.

O espetáculo mostra um belo trabalho em grupo em que a verdadeira essência do teatro é bem clara mesmo antes do inicio da peça. A qualidade e o caprichoso trabalho da equipe fazem você na platéia pensar: Isso sim é teatro de verdade.

O homem, a besta e a virtude

Texto: Luigi Pirandello
Concepção da Encenação: Débora Duboc
Direção: Marcello Lazzaratto
Elenco: Débora Duboc, Gabriel Miziara, Fernando Fecchio, Thiago Adorno e Rogério Santos.
Tradução: Marcos Caruso
Direção de Arte: Chico Spinosa
Música Original: Gustavo Kurlat e Ruben Feffer
Produção Executiva: Géssica Arjona
Realização: Toni Venturi e Débora Duboc/ Olhar Imaginário – Núcleo Teatro

TEATRO DOS QUATRO
Tel: (21) 2274-9895
Apresentações: terças e quartas
Horários: 21:30 horas
Ingressos: R$ 40,00 Entrada franca para estudantes e professores da rede pública.
Duração: 80 minutos
Gênero: Comédia
Classificação Indicativa: 10 anos

UM BEIJO DELICADO NAS RUGAS DA MELHOR IDADE

2011-06-30T21:03:00.006-03:00

Betty Faria esta incrível na pele de Shirley Valentine em cartaz na Gávea

Por Rodrigo Medeiros
Publicitário e Produtor Cultural

Nesta ultima quarta-feira (29.07) fui assistir o espetáculo Shirley Valentine em cartaz no Teatro Clara Nunes no Shopping da Gávea.

O monólogo conta a história de Shirley, uma dona de casa comum, que se sente desvalorizada. Com os filhos criados, que vivem fora de casa, e um marido que faz pouco mais do que percebê-la, Shirley literalmente conversa com as paredes para não cair em desespero. Tudo se renova, quando uma amiga a convida para uma viagem a Grécia que mudará sua vida literalmente.

A adaptação de Euclydes Marinho do texto inglês de Willy Russel pode ser classificada como uma comédia sentimental. Guilherme Leme assume a direção do espetáculo de forma sublime deixando a atriz leve e orgânica em cena, alias o diretor tem realizado bons trabalhos no cenário teatral como O Matador de Santas e RockyAntigona, que também teve boa repercussão da critica especializada no ano de 2010.

Veja a critica: O Matador de Santas postada aqui no Blog CENA CULTURAL

O cenário simples e inteligente da mestra Aurora dos Campos passa por três momentos. Uma cozinha com elementos de culinária, um espelho que remete um aeroporto e um ciclorama branco, que ganha um toque especial com a cascata de areia de delicada beleza, quando a personagem chega a Grécia.

A Luz bem recortada de Wagner Freire compõe o cenário e os momentos de lembrança da personagem. Freire usa cores fortes como azul e amba, principalmente na cena final que ganha um toque especial do iluminador.

O figurino simples de Tatiana Brescia funciona com sintonia para cada momento da personagem. Destaque para o figurino da Grécia que Tatiana utiliza tecidos em tons pasteis e rosa bebe que faz um belo contraponto com o cenário iluminado em Azul.

A Trilha de Marcelo H é delicada, mas ao mesmo tempo forte.

O trabalho de Betty Faria é incrível. Depois de 11 anos afastada dos palcos, Betty volta em sua perfeita forma que teve uma merecida indicação ao Shell pela temporada em São Paulo. O trabalho de corpo e voz para diferenciar os outros personagens ao relatar a história é fantástico. O seu olhar fala e encanta a platéia. Uma interpretação sensível e vigorosa, um verdadeiro beijo delicado no publico.

Shirley Valentine é um espetáculo alegre e sensível que conta, com muito humor e emoção, a história de uma mulher simples, dona de casa e madura, que questiona a vida, redescobre o amor e a auto-estima, fazendo-nos refletir sobre a importância de ser feliz. Fala de maneira positiva e leve sobre a busca, a mudança, a liberdade e sobre o encontro consigo mesmo.

Teatro Clara Nunes

Até 27 jul 2011
ter e qua 21:00
R$ 50.00

Barbara Paz vive uma Hell verdadeiramente intensa

2011-06-24T19:46:00.011-03:00

Por Rodrigo Medeiros
Publicitário e Produtor Cultural

Tive a oportunidade de assistir HELL em cartaz no Teatro dos 4 . O espetáculo que tem adaptação de Hector Babenco e Marco Antonio Braz do romance da francesa Lolita Pille,conta a historia do dia-a-dia de Hell, um pseudônimo criado pela própria narradora. A jovem é fútil, niilista, viciada e se autoflagela por ter tanto dinheiro e nenhuma perspectiva. Logo na abertura da peça, ela dá o tom da “agressividade” que percorre todo o texto e se define: “Eu sou uma putinha. Daquelas mais insuportáveis, da pior espécie. Meu credo: 'Seja bela e consumista'."

Hell tenta suprimir sua angustia com compras incessantes e uma troca frenética de peças Chanel, Gucci, Prada e Louis Vitton. O espetáculo protagonizado por Bárbara Paz, se concentra na tragédia romântica entre a jovem e Andrea (interpretado por Paulo Azevedo ), tão rico e tão inconsequente quanto ela.

A relação é explosiva, mas nenhum dos dois consegue lidar com uma troca de afeto verdadeira.

Destaque para o cenário de Felipe Tassara que criou um quarto totalmente preto, e o colorido ficou apenas nas cores das roupas de Hell concebido pela a figurinista Renata Corrêa e na iluminação quente e bem realizada de Beto Bruel. A direção de Babenco transfere o ritmo acelerado da vida desta juventude na fala. Os monólogos tanto dela quanto Andrea são recitados sem movimento corporal e em uma rapidez frenética.

A interpretação de Barbara paz é realista e muito bem construída você acredita em tudo ,que se ver, até na quantidade de cigarro que se fuma em cena.Lembrando, que a Barbara não fuma na vida real. Já Paulo Azevedo tem uma interpretação mas contida, porém de grande valor.

Hell retrata uma geração que vive o lixo do luxo de forma natural e a proposta de Babenco é muito bem realizada.

Mais conhecido pela obra no cinema, Babenco mostra em "Hell" que sua origem dramaturgica é realmente teatral.

Teatro dos Quatro | Até 31 jul 2011
dom 20:00 | qui, sex e sáb 21:30
qui R$ 60.00; sex R$ 70.00; dom e sáb R$ 80.00

Critica de Barbara Heliodora para o espetáculo "Os 39 Degraus" em cartaz no Teatro Leblon

2011-04-20T11:20:00.003-03:00

Fonte: O Globo - 20.04.2011

Diabolicamente hilário

É tão raro o aparecimento, em nossos palcos, de uma peça no gênero de “Os 39 degraus” que fica difícil escrever a respeito: a hilariante comédia é uma paródia do filme homônimo de Alfred Hitchcock, o último que o cineasta fez na Inglaterra antes de se mudar para os Estados Unidos. O autor, Patrick Barlow, tinha de vir de um país onde o teatro é parte fundamental da cultura nacional, e que gosta dele a ponto de poder brincar sem que haja em sua ótima e caótica brincadeira um único momento de desrespeito ao original.

Direção primorosa

A história do filme é seguida com poucas alterações, e a comicidade parece nascer do desespero de um grupo de quatro atores talentosos e um tanto loucos para contar adequadamente a mesma história, sem um único dos recursos técnicos que tornaram possível a versão cinematográfica. Não posso dizer que tudo fica mais ou menos divertido para quem conhece o filme; mas por certo não faz falta ter assistido a ele para usufruir da insana comicidade desse desesperado esforço.

A homenagem a Cyro Del Nero como inspirador da cenografia é merecida, e Caio Franzolin leva avante a deliciosa improvisação com ele$que entram e saem de cena, ou que se transformam pelo uso do humor e da imaginação. Os figurinos de Cassio Brasil dão firme colaboração à transformação de três personagens em uns dez ou 12, com só um tendo o privilégio de ser sempre o mesmo, apenas forçado a se apresentar como vários.

As citações de Hitchcock estão na ação e no diálogo, mas também na música (Daniel Maia) e na luz (Paulo Ce$Medeiros), e nada mais justo do que vir à cena para os agradecimentos a equipe técnica, cuja responsabilidade é enorme. A direção de Alexandre Reinecke, com bom uso do movimento de Carol Mariottini, é primorosa, pois preserva tanto a comicidade como o amor a Hitchcock que o texto exige, para a criação de um espetáculo delicioso, divertido, diabolicamente hilário.

O elenco está todo de $com tudo isso: Danton Mello, Fabiana Gugli e Henrique Stroeter brincam de mudar de personagem com uma verve e um domínio do jogo sem os quais o espetáculo seria impossível, já que ninguém pode pensar que toda aquela brincadeira seja fácil ou tão improvisada quanto parece. No protagonista da história, Dan Stulbach se apresenta como um inglês formal e controlado, para depois se integrar franca$na insanidade geral, sem sequer por um momento deixar de estar perfeitamente incorporado no personagem inicial — um feito bem mais difícil do que parece, quando o vemos mudar conforme as necessidades em cena.

“Os 39 degraus” é, no mínimo, imperdível; principalmente porque o riso nasce de um espetáculo de alto nível profissional. Bem-vindo seja aos palcos cariocas.

Um orgasmo onírico de palavras

2011-03-14T22:19:00.005-03:00

Por Rodrigo Medeiros

Em cartaz no espaço Rogério Cardoso na Casa de Cultura Cultura Laura Alvim em Ipanema o espetáculo "Sonho para Vestir"..... a que belo sonho.

Na última sexta feira fui assistir mais um belo trabalho da atriz Sara Antunes, que desta vez se desafia como autora do próprio espetáculo, que tem a direção de Vera Holtz e a cenografia da atriz e artista plástica Analu Prestes.

A peça se passa durante a noite, quando uma mulher insone, em estado de devaneio, tem uma viagem sensorial, e compartilha seu diário e suas cartas com o público.

Conheço o trabalho de Sara, desde de Negrinha e As Meninas, porém este espetáculo tem um texto maravilhoso. Sara está fantástica, com uma interpretação singular, a direção não preciso comentar, a peça é quase um orgasmo mental, nos remete a infância nos trás sentimentos nostálgicos, a forma como ela brinca com as palavras na parede dos sonhos, é indescritível e emocionante.

Todo o processo de criação do espetáculo esta no Blog

http://sonhosparavestir.blogspot.com/

SONHOS PARA VESTIR

Direção: Vera Holtz
Texto e Interpretação: Sara Antunes
Cenário-Instalação: Analu Prestes
Assistente: Paula Cruz
Luz: Paulo Cesar Medeiros
Figurino: Kabila Aruanda
Música: Daniel Valentini
Vídeos: Fábio Nagel
Preparação Corporal: Mary Cunha
Treinamento de Voz: Laila Garin
Imprensa: Barata Comunicação
Projeto Gráfico: Glaura Santos
Produção: Cristina Sato e Paulo Ferrer

Uma Solidão, que merece ser apreciada.

2011-02-06T22:56:00.004-03:00

Por Rodrigo Medeiros

Na ultima sexta-feira (04.02) fui assistir o espetáculo Solidão, A Comédia em cartaz no teatro Candido Mendes em Ipanema. A peça apresenta a solidão em seus disfarces: o homem no cinema e sua relação com a sétima arte e sua busca pelo prazer desacompanhado, a melancólica prostituta que liga para os antigos clientes à procura de companhia; o elegante socialite metrosexual que não deixa sua esposa trancada no banheiro falar, a jovem desesperada em busca de um parceiro em uma mesa de bar, a doce ironia de uma senhora hospitalizada e sua melhor amiga e a própria solidão reflexiva do ator. O texto “Solidão a comédia” é considerado uma referência do Besteirol!

É um genuíno gênero teatral nascido no Rio, e mais especificamente, no próprio Candido Mendes em Ipanema.

Confesso que não conhecia o trabalho de Vicente Pereira, mas foi um privilegio conhecer esse grande autor através do belo trabalho de Mauricio Machado. O espetáculo é divertido, leve e muito agradável. Mauricio é um ator, que vem se destacando nos últimos anos no teatro nacional e apresenta um belo trabalho nesta linda comédia. Destaque para esquete "Paris em Chamas", na qual o ator apresenta uma jovem alucinada conversando com a “fada verde”, a cena é cômica e muito bem iluminada por Aurélio de Simoni e a última cena do espetáculo é maravilhosa, Mauricio passa com apenas o olhar todo o seu sentimento de fazer um monólogo.

A Direção de Claudio Tovar é precisa e bem realizada, o figurino também de Tovar é muito bem elaborado com referência dos anos 20. A luz de Aurélio de Simoni é simples, porém bem colorida, que faz uma lapidação do espetáculo de forma singular. A direção Musical de Alexandre Elias é um espetáculo a parte.

O espetáculo merece ser visto, pois além de cômicas esquetes, o espetáculo traz uma reflexão sobre a vida com uma humanidade incrível.

Além do espetáculo, o público poderá conferir a exposição “Assim era o Besteirol”, uma grande homenagem ao autor Vicente Pereira, idealizada pelo ator da montagem, Maurício Machado, em homenagem à Vicente Pereira, precursor do gênero. Com fotos, material cênico, vídeos e instalações, a exposição traça um panorama da época, com trabalhos de outros renomados autores como: Miguel Falabella, Mauro Rasi, Guilherme Karan, Miguel Magno, Felipe Pinheiro e Pedro Cardoso. O objetivo é resgatar a memória e a obra de Vicente Pereira e reforçar, principalmente com a nova geração, a importância para a história do teatro brasileiro deste gênero tão carioca que é o Besteirol. A curadoria é de Luiz Francisco Wasilewski, mestre em literatura e autor do livro “Isto é besteirol”, da imprensa oficial, com direção de arte de Maíra Knox.

Curiosidade

Solidão - A Comédia"

Estreia no dia 15 de Janeiro de 1991, na Sala Gil Vicente do Teatro Ruth Escobar, em São Paulo, o espetáculo com texto de Vicente Pereira, direção de Marcus Alvisi e com Diogo Vilela representando as cinco personagens do texto.

A obra de Vicente é dividida em cinco esquetes que mostram situações de solidão. O primeiro “A Sétima Arte” mostra um espectador esperando a sua amada em uma sala de cinema ;O segundo, “Coração Santo” apresenta uma prostituta fracassada e sem clentes;O terceiro “A Fogueira das Vaidades “ fala do universo dos yuppies;”Paris em Chamas” traz uma mulher que marca um encontro com um pretenso namorado, enquanto que o desfecho da peça acontece com “Vamos Falar Francamente?” sobre um ancião que faz companhia a seu amigo doente.

O espetáculo é um grande sucesso de público ficando quatro anos em cartaz. Diogo é indicado ao Prêmio Shell de Melhor Ator por esse trabalho. Um fato curioso é que no anterior a esta montagem é que o próprio Vicente havia feito como ator “Solidão, A Comédia” como ator em uma montagem intimista, no Teatro do Posto 6, no Rio de Janeiro, sob a direção de Jorge Fernando.

Ficha Técnica

Autor: Vicente Pereira
Direção: Claudio Tovar
Elenco: Maurício Machado
Direção Musical: Alexandre Elias
Criação de Luz: Aurélio de Simoni
Cenário e Figurinos: Claudio Tovar
Direção de movimento: Kika Freire
Programação Visual: Mariana Resnik
Fotografias: Guga Melgar
Assistência de Direção: Diogo Villa Maior
Assessoria de Imprensa: Daniella Cavalcanti
Assistente de Assessoria de Imprensa: Bruna Amorim
Assistente de cenografia: Natália Lana
Assistente de figurino: Regina Carvalho
Costureira: Schirley Nascimento
Alfaiate: Macedo Leal
Visagismo: Beto Carramanhos
Produção Executiva/Rio: Gregório Tavares
Produção Executiva/SP: Francine Storino e Antonio Ranieri
Assistente de Produção/SP: Fernanda Corrêa Gurtler
Administração: Gregório Tavares
Direção de Produção: Eduardo Figueiredo
Realização e Produção: manhas & manias de eventos

Serviço
Solidão a Comédia
Local: Teatro Cândido Mendes (Rua Joana Angélica, 63 - Ipanema. Tel.: 2267-7295)
Bilheteria: de segunda a segunda, a partir das 14h
Horários: Quinta a Sábado – 21h30/ Domingo – 20h30
Ingresso: Quinta – R$30,00 / Sexta a domingo R$40,00
Capacidade: 133 lugares
Duração: 75 minutos
Censura: 12 anos

Cultura requer investimento

2011-02-02T13:46:00.002-03:00

Por Leonardo Brant | Cultura e Mercado

O pior da discussão sobre financiamento à cultura no Brasil é não termos avançado no debate público sobre a real dimensão dessa questão, suas causas e efeitos. O problema torna-se crônico e exige rápida resposta do novo MinC, sob o comando de Ana de Hollanda.

Em 2003 tínhamos um debate mais maduro e consciente do que temos hoje, envenenado por uma gestão desastrosa da Lei Rouanet, que incluiu uma campanha perversa promovida pelo governo contra artistas, produtores e sobreviventes do neoliberalismo cultural, eximindo o próprio governo das mazelas que determinam o mal uso do dispositivo, o que só confirma o estado de abandono da cultura e das artes no país.

O legado disso é um projeto de lei (o Procultura) que tira o marketing cultural das mãos das grandes empresas e coloca nas mãos do governo, o que não muda em nada, talvez apenas acentue, os vícios e distorções há muito existentes. Um projeto que ao apagar das luzes do último governo (e mais uma vez em nome de um benefício maior – o apoio à permanência no cargo), sofreu uma série de alterações impulsionadas justamente por um grupo de poderosas instituições culturais: aqueles que, em tese, deveriam ser o alvo maior do projeto (em breve escreverei uma análise sobre o substitutivo de Alice Portugal ao Procultura).

Sei que este debate está tão seriamente comprometido e contaminado por essa campanha (norte versus sul, fim ou manutenção da Lei Rouanet, consagrados contra indigentes culturais), que talvez seja impossível retomá-lo ao nível de 2003. Provavelmente não iremos discutir o que realmente interessa, mas não custa tentar.

Uma pergunta básica se impõe a essa discussão. Em vez de concentrarmos o financiamento em projetos e eventos pontuais e esporádicos, porque não incentivar empreendimentos sólidos e sustentáveis?

E por que concentrar todas as demandas, fases e dimensões da gestão cultural a uma fonte única, já que o Mecenato e o Fundo Nacional de Cultura atuam nessa mesma lógica, e o Ficart praticamente não existe?

O correto seria criar uma tipologia, considerando a natureza dos empreendimentos, os “nós” que impedem o bom fluxo e desenvolvimento de determinados setores, a diversificação de investimentos conforme as peculiaridades de cada um desses tipos e dimensões. Além do olhar setorial, suas urgências, gargalos e carências (considerando inclusive as diferenças regionais), precisamos nos preparar para reduzir drasticamente o nosso maior abismo, que é a falta de acesso e de garantias dos direitos culturais (constitucionais) dos cidadãos brasileiros.

Eis algumas dos pilares de atuação de uma política de financiamento abrangente e compromissada com os grandes desafios culturais do país:

Infraestrutura: um problema crônico e estrutural do Brasil, portanto emergencial. Nossos municípios não têm centros culturais, cinemas, bibliotecas modernas e ativas, telecentros, museus, escolas de arte, centros de pesquisa, criação e convivência. Precisamos de mecanismos de financiamento que articulem orçamento público, privado, emendas parlamentares e um fundo de investimento especial para este fim.

Pesquisa: precisamos criar um fundo ao estilo da FAPESP para concessão de bolsas e financiamentos de pesquisa para artistas e pesquisadores envolvidos com temas relacionados à tradição, novas linguagens e políticas culturais.

Empreendedorismo: investimentos diretos e indiretos aos empreendedores, sobretudo os que almejam e planejam crescimento, gerando emprego e desenvolvendo a economia criativa e sustentável, contribuindo para o aumento da participação da cultura no PIB nacional. Empréstimos subsidiados, redução de impostos e incentivos fiscais são excelentes instrumentos para empreendimentos culturais, sobretudos nos 5 primeiros anos de vida. Em vez de apresentar projetos, que muitas vezes desvia o empreendimentos de seu foco estratégico, concentrando-se no tático, o empreendedor precisa desenvolver planos de negócios consistentes. O poder público, por outro lado, deixaria de atuar como agente fiscalizador e censor para se tornar parceiro estimulador.

Indústria: as indústrias culturais, sobretudo do audiovisual (incluindo novas linguagens como web e videogames), editorial e de espetáculos (show business) necessitam de instrumentos próprios de financiamento. O incentivo fiscal está longe de ser a melhor alternativa para esse tipo de negócio. Além de exercer uma concorrência desleal com empreendimentos de menor apelo comercial, altera a lógica da indústria, que envolve risco e deseja lucro. O mercado internacional abre-se de maneira muito favorável para o Brasil, tanto em termos de exportação de talentos quanto de importação de franquias, espetáculos e produtos de valor de simbólico de todo o mundo. Empréstimos subsidiados e redução de impostos são benefícios que, se atrelados ao cumprimento de metas (exportação, geração de empregos, regionalização), geram uma relação positiva com o dinheiro público.

Em todos os exemplos acima explorados, o investimento em negócios (empreendimentos, organizações, empresas), e não em projetos (que desviam a atenção dos empreendedors e atolam os órgãos governamentais com burocracias inúteis) tornam-se estratégicos para auxiliar o poder público em seu desafio de diminuir o défict cultural da nação. Por isso, o investimento em cultura é um dos mais relevantes e necessários para consolidar o crescimento do Brasil, de corpo e alma.

Juventude que faz AMOR com criatividade e talento

2011-01-29T18:16:00.003-03:00

Por Rodrigo Medeiros

Sou apaixonado pela obra de Shakespeare em especial o clássico Romeu e Julieta, por isso não pude deixar de assistir o espetáculo em cartaz no teatro arena do Sesc Copacabana o R & J de Shakespeare - Juventude Interrompida, que tem a perfeita direção do sábio João Fonseca.

A história tem como ponto de partida uma escola católica extremamente conservadora, onde quatro estudantes exploram o texto do clássico de Shakespeare como uma fuga da repressão em que vivem, explorando suas próprias sexualidades.

Depois de uma aula, um dos alunos aparece com uma cópia de Romeu e Julieta e todos se revezam na leitura da peça em voz alta. Empolgados, os garotos começam a quebrar os padrões para continuar as leituras. O elenco constrói quase todos os personagens do original de Shakespeare, além de dar vida aos quatro estudantes, num jogo teatral da peça-dentro-da-peça.

O texto do autor norte-americano Joe Calarco, cria uma releitura moderna de "Romeu e Julieta" onde a linguagem teatral esta presente em toda a narrativa do espetáculo.

João Fonseca, que vem de uma consagrada carreira na direção de espetáculos como a atual montagem de Gota d água e o grande sucesso Maria do Caritó, dirige esta obra de forma sublime, utilizando linguagens do cinema e um pouco do teatro popular nordestino. Destaque para elementos do cotidiano de um reformatório, que de forma genial é introduzida na história, como uma régua que vira espada e papel oficio, que marca o quarto de Julieta.

O elenco afinadíssimo, formado por quatro jovens atores João Gabriel Vasconcellos, Rodrigo Pandolfo, Pablo Sanábio, Felipe Lima, brinca em cena de forma emocionante. Destaque para Pandolfo que faz uma Julieta impecável, que até esquecemos esta sendo interpretado por um homem.

O figurino cuidadoso de Ruy Cortez contribui para beleza cênica da obra. A luz bem marcada de Luiz Paulo Neném entra na viagem dos quatro personagens. A trilha de André Aquino e João Bittencourt fica perfeita em cena.

O espetáculo passa a bela mensagem do amor de forma criativa e acima de tudo com simplicidade e talento.

Espaço Sesc Copacabana De quinta a sábado, às 21h. Domingos, às 19h30. Rua Domingos Ferreira, 160 – Copacabana Tel: 2547-0156 Classificação etária: 16 anos

Estreia nesta terça-feira, dia 18, ‘O mundo mágico de Escher’, no CCBB

2011-01-17T16:40:00.002-03:00

Os cariocas e niteroienses fanáticos por artes vão ganhar um grande presente. A partir desta terça-feira, o ilusionismo gráfico do holandês M.C. Escher, em 95 gravuras originais, desenhos e instalações, estará presente na mostra que o CCBB RJ apresenta, de 18 de janeiro a 27 de março, ocupando os 950 metros quadrados do primeiro andar do prédio.

O mundo mágico de Escher é o maior conjunto de obras do artista já exibido no Brasil. Todos os trabalhos pertencem ao Haags Gemeentemuseum, que mantém o Museu Escher, em Haia, Holanda

O curador Pieter Tjabbes, holandês radicado em São Paulo, levou cinco anos para convencer o museu a liberar originais para itinerar pelo País. “Só existem três coleções no mundo. As gravuras são muito frágeis e o Haags Gemeentemuseum, depois desta mostra, não poderá exibi-las por mais de quatro anos”, explica Tjabbes.

O mundo mágico de Escher, apresentada no CCBB Brasília, de outubro a dezembro de 2010, segue do Rio de Janeiro para o CCBB São Paulo, em abril de 2011.

A exposição inclui dez instalações que pedem a participação do visitante para “desvendar” manobras gráficas da produção de Escher que tanto instigam a visão e a mente humanas, um documentário realizado pela TV holandesa e uma animação em 3D, com sessões a cada 30 minutos, em que o público “sobrevoa” as obras do artista.

Alta costura reproduz gravuras

Os trabalhos de Escher são um dos mais reproduzidos no planeta no século 20, e estão presentes em gravatas, camisetas, tapetes artesanais dos Andes e até mesmo em desfiles de alta costura, como na homenagem que o estilista inglês Alexander McQueen [1969-2010] prestou ao artista na coleção de outono de 2009.

Suas gravuras instigantes revelam formas entrecruzadas, criaturas em transformação e arquiteturas impossíveis que desafiam a percepção do espectador da realidade. As composições, sofisticadamente construídas, combinam realismo acurado com a exploração fantástica de padrões, perspectivas e espaço.

Uma de suas obras mais conhecidas, Dia e Noite (1938), ilustra o interesse do artista pela dualidade e transformação. Nela, a superfície plana de terras cultivadas se transforma gradualmente em um espelho de imagens de dois grupos de gansos, um preto e um branco, que migram de um lado para outro simultaneamente, confundindo o espectador com uma representação bidimensional que parece ser tridimensional.

“Escher utilizava princípios da matemática sem ser rígido na sua aplicação. Ele seria mais um matemático amador, que aplicava certos efeitos quase intuitivamente. Obras que mostram situações que parecem normais, mas com uma observação mais atenta comprovam ser impossíveis, são baseadas em modelos matemáticos, como a cinta de Moebius ou o triângulo de Penrose, diz o curador. Belvedere (1958), Subir e Descer (1960) e Cascata (1961) são exemplos dessa aplicação.

Influências

Foi durante o curso de arquitetura na Holanda, entre 1919 e 1922, que Escher mudou o rumo de seu interesse para o desenho e a gravura, estimulado por seu professor Samuel Hessurun de Mesquita. Já casado, o artista foi morar na Itália, de 1924 a 1935, até que a situação política o fez mudar para a Suíça e depois para a Bélgica. Quando as tropas alemãs ocuparam Bruxelas, em 1941, ele voltou para a Holanda, onde permaneceu até o fim da vida.

Na Itália, seus temas eram Roma e o interior do país, dos quais descrevia as ruas, estradas tortuosas, a arquitetura densa e os detalhes do prédios romanos. Foi criando efeitos espaciais enigmáticos, combinando pontos de vista conflitantes como, por exemplo, olhar para cima e para baixo ao mesmo tempo, sempre com contrastes intensos de preto e branco. Um dos primeiros trabalhos a chamar a atenção da crítica foi Castrovalva (1930), litografia de uma pequena cidade italiana.

Depois do período na Itália, sua atenção se voltou para o que ele descrevia como “imagens mentais”, baseadas, em geral, em premissas teóricas, estimulado pela visita ao Palácio de Alhambra, em Granada, Espanha, onde se encantou com o trabalho dos mosaicos islâmicos, de formas intrincadas e intensamente coloridos. Substituindo os padrões abstratos desses azulejos por elementos figurativos, Escher desenvolveu “a divisão simétrica do plano”.

Ele usou este conceito na série de gravuras Metamorfose (1937), em que uma forma ou objeto se transforma em algo completamente diferente. Este tornou-se um de seus temas favoritos. Ele explorou a complexidade arquitetônica de labirintos, com jogos de perspectiva e representação de espaços impossíveis.

Reconhecimento

No início da década de 50, já apreciado por cientistas e pelo público, o artista continuava ignorado pela crítica, até ter matérias publicadas na revista americana Time Life, quando seu trabalho passou a ser mostrado em galerias de arte.

No anos 60, os paradoxos e as ilusões visuais de Escher ganharam relevância na academia, que questionava a visão convencional da percepção humana e alternativas de abordagem da natureza, na geologia, na química e na psicologia. Sua produção se tornou mais popular ainda entre universitários e na contracultura, que testava os limites da percepção com drogas alucinóginas. Escher se tornou uma figura cult.

No seu centenário de nascimento, em 1998, a National Gallery of Art de Washington realizou uma restrospectiva do artista, que mereceu artigos no New York Times e Washington Post.

Enigmas

Dez instalações inspiradas nas manobras gráficas de Escher estão inseridas no circuito da mostra:

1 - Olho mágico: dois cones de visão, um na obra, o outro no espectador, que juntos revelam um segredo do artista;
2 - Cubo³: diferentes projeções simultâneas navegam por obras de Escher, amplificadas por efeitos de reflexão, transparência e multiplicação;
3 - Periscópio: sala que interage os diferentes espectadores por meio de uma janela que transforma coordenadas e desafia a percepção espacial;
4 - Poço infinito: o espectador pode caminhar sobre um poço luminoso, que atravessa o piso, até desaparecer de vista;
5 - Escada: uma escada cujos degraus atravessam espelhos revelando outros degraus;
6 - Sala impossível: um mesmo espaço que esconde dois universos invertidos;
7 - A casa de Escher: o visitante é convidado a experimentar o espaço de uma gravura do artista pelo lado de dentro;
8 - Sala da relatividade: um quarto distorcido que aumenta e diminui o tamanho do espectador por um truque de perspectiva;
9 - Metamorfose platônica: sólidos geométricos que se transformam uns nos outros no compasso do caminhar do visitante;
10 - Reflexão sobre Escher: um espelho invertido com o poder de consertar imagens e desconsertar o mundo ao seu redor.

Fonte:

O FLUMINENSE

Uma tragicomédia na melhor forma vanguarda de ser.

2010-12-12T23:42:00.006-03:00

O Matador de Santas em cartaz no Teatro Clara Nunes traz uma Angela Vieira surpreendente.

Por Rodrigo Medeiros

O Matador de Santas é uma tragicomédia sobre uma autoritária mulher de meia-idade, Angela Vieira dá vida à protagonista Jorgina. A anti-heroína vive com o marido, Baltazar (Tonico Pereira), e a filha Queridinha (Izabella Bicalho) em um pequeno apartamento num bairro de classe média de uma cidade qualquer. Extravagante, ela faz o tipo dona da verdade e passa a suspeitar que seu vizinho seja o assassino conhecido como o matador de santas. Além de controlar o destino da família, Jorgina interfere na vida do noivo de sua filha, um jovem e belo médico chamado Diego (Rafael Sieg). A montagem de inspiração nos universos de Nelson Rodrigues e Pedro Almodóvar também é repleta de referências à dupla de fotógrafos franceses Pierre et Gilles, ao artista visual David LaChapelle e ao designer Philippe Starck. O espetéculo conta com grandes nomes da dramaturgia contemporanea como, Jô Bilac como autor, Guilheme Leme na direção, Maneco Quinderé na iluminação e Leopoldo Pacheco no e cenario e figurino.

Angela Vieira apresenta uma composição da personagens marcante com um trabalho de corpo e vocal de alta qualidade. A direção elegante de Guilherme Leme é bem realizada, portanto achei um pouco demais a utilização de um tango para marcar a entrada de Jorgina, porém esse exagero possa ser propocital. Destaque para a interpretação do incrível Tonico Pereira, que em poucas palavras construiu uma personagem de altíssima veracidade cénica.

A surpresa esta na interpretação de Izabella Bicalho, que da vida a Queridinha de forma verdadeira e com talento dramático, já visto na recente montagem de Gota D" Água, na qual interpretou Joana. A personagem e bem costruida e tem um ar doce, que Bicalho conseguiu passar de forma sublime.

O Texto do jovem Jô Billac autor de "Cachorro!" e de "2 p/ viagem", duas peças que fizeram sua fama no teatro alternativo carioca apresenta uma narrativa inteligente e com figuras de linguagens incríveis.

A luz quase cimenatográfica de Maneco Quinderé, costura de forma correta toda a trama, O figurino de Leopoldo Pacheco é simples, porém compõe a estética da peça. O cenário minimalista também de Pacheco se consiste em alguns móveis dos anos 50, que traz todo um clima de Rio de Janeiro antigo, com um toque sofisticado de um lustre de cristal, que muda de cor de acordo com o clima da peça.

Na melhor forma vanguardista com influencia de Nelson Rodrigues e Almodóvar O Matador de Santas apresenta um teatro com lapidação de um jovem autor e um talento de uma grande atriz.

O MATADOR DE SANTAS - Texto de Jô Bilac. Direção de Guilherme Leme. Com Angela Vieira, Izabella Bicalho, Rafael Sieg e Tonico Pereira. Teatro Clara Nunes. Terça e Quarta-feira, 21h., Quinta-feira , 17h.

UM CIRCO QUE RESPEITA SEU PÚBLICO

2010-12-08T17:52:00.004-03:00

Lilia Cabral interpreta uma Maria do Caritó Indescritível...

Por Rodrigo Medeiros

"Caritó é a pequena prateleira no alto da parede, ou nicho nas casas de taipa, onde as mulheres escondem fora do alcance das crianças, o carretel de linha, o pente, o pedaço de fumo, o cachimbo. Vitalina, conforme a popularizou a cantiga, é a solteirona, a môça-velha que se enfeita - bota pó e tira pó - mas não encontra marido. E assim, a Vitalina que ficou no caritó é como quem diz que ficou na prateleira, sem uso, esquecida, guardada intacta".

Assim começa a história em uma locução em off com a voz de Lilia Cabral ,uma comédia que revela valores, costumes e crendices que permeiam o imaginário do povo brasileiro. A protagonista é uma solteirona beirando aos 50 anos, que está decidida a se casar, mesmo que para isso precise enfrentar a fúria do pai e de toda a cidade, que acreditam que ela é uma santa. A personagem de Lilia é vista como uma mulher heroína que convive com o duplo feminino, entre o sacro e o profano, a virgem e a mundana, a santa e a hipócrita.

Ai esta um pequeno resumo do enredo de "Maria do Caritó", em cartaz no Teatro dos Quatro. De autoria de Newton Moreno, a peça chega à cena com direção de João Fonseca e elenco formado por Lilia Cabral, Leopoldo Pacheco, Fernando Neves, Silvia Poggetti e Dani Barros.

Um espetáculo, que contem uma equipe técnica de primeira , conduzido pela batuta de João Fonseca em uma direção harmoniosa e ao mesmo tempo precisa. Tudo em cena se completa a cenografia inteligente de Nello Marrese, a luz romantica e suave de Paulo Cezar Medeiros, o figurino criativo de J.C. Settoni, e a direção musical de Alexandre Elias, que se faz um outro elemento fundamental na encenação, já que atores cantam e tocam instrumentos.

Esses talentos se juntam as belas interpretações de Lilia Cabral, que assume uma moça recatada com um humor invejável. A pluralidade de Leopoldo Pacheco, que também assume o visagismo do espetáculo faz personagens, que funcionam com a Maria de Lilia. Dani Barros brinca no palco, destacando a galinha dos ovos de ouro, impossível na esboçar uma risada nesta cena. Fernando Neves e Silvia Poggetti ,amigos de Lilia, que foram convidados para participar desta obra. Lilia conta que seu relacionamento com Fernando e Silvia sempre foi de muito humor, de palhaçada mesmo, na vida, nas brincadeiras, e foi esse o espírito que Newton Moreno buscou, trazendo um pouco do circo ao teatro.

Sem duvida o ponto alto do espetáculo e a cena em que Maria faz uma audição para entrar no circo mostram, a quem tem memória curta, a comediante única que Lilia é. Cantando um pout-pourri absurdo (de músicas escolhidas pela própria atriz), ela deixa a dona do circo (Poggetti) e o Galã Russo (Pacheco) sem fala, e a plateia chorando de rir.

A peça possui uma estética que me agrada, que mescla a cultura popular do Nordeste com a arte circense, considerando traços nordestinos, o cenário apresenta paus de sebo, baús de circo, oratório de bandeiras e alguns caritós.

"Maria do Caritó" passa longe da vulgaridade e do humor grosseiro. O bom gosto da encenação está nos figurinos, no cenário, na iluminação, no trabalho corporal, nas atuações. Espetáculo deliciosamente popular, sim, mas de muito bom gosto. E Lilia Cabral consegue conduzir o público de momentos hilários para outros mais sensíveis, emocionantes até, de maneira sutil e delicada.

Sem duvida uns dos melhores espetáculos em cartaz

Vale apena conferir !

MARIA DO CARITÓ - Texto de Newton Moreno. Direção de João Fonseca. Com Lilia Cabral, Leopoldo Pacheco, Fernando Neves, Silvia Poggetti e Dani Barros. Teatro dos Quatro. Quinta a sábado, 21h30. Domingo, 20h.

Uma viagem ao sentimento chamado AMOR

2010-11-30T18:50:00.002-03:00

Por Rodrigo Medeiros

O texto, baseado no filme de Arnaldo Jabor, se renova e conta a história de um homem e uma mulher que se conhece em um site de relacionamentos e resolvem viver um jogo da verdade sobre tudo o que já lhes aconteceu. O espetáculo é a primeira produção adulta da atriz Juliana Martins que convidou o amigo André Gonçalves para participar desta bela obra. Eu Te Amo faz você refletir sobre o as relações, sentimentos e sobre a vida.

A direção feita pelo os cineastas Lírio Ferreira e Rosane Svartman é sublime, a opção por usar projeção para costurar a narrativa e genial, a peça fica com uma estética de sonho, cinema, ou seja, uma mistura das linguagens. O cenário e figurino são simples, mas funcional.

Diferente do filme a peça traz uma erotização mais poética, fazendo o espectador se envolver na cena, quebrando a quarta parede de forma suave.

Destaque para o monólogo de Andre Gonçalves, na cena com o guarda-chuva, onde o texto de Jabor é interpretado com muito talento. Juliana Martins faz uma Maria doce, porém cheia de nuances interpretativa de qualidade.

Sai da sala do Teatro Oi Futuro satisfeito com um espetáculo, que faz você refletir e viajar no mais sublime dos sentimentos: O AMOR

Até 19 de dezembro de 2010

Sexta, sábado e domingo, às 19h30 | Nível 7. Ingresso: R$ 15,00 | Classificação etária: 14 anos

Rua Dois de Dezembro, 63 - Flamengo. Informações: 031 (21) 3131.3060

Entrevista - Juca Ferreira - Ministro da Cultura

2010-11-10T11:42:00.001-03:00

Juca Ferreira from FLi Multimídia on Vimeo.

O ministro da Cultura (2008-), Juca Ferreira, foi entrevistado em 28 de setembro de 2010 pelo projeto Produção Cultural no Brasil. O vídeo, gravado e editado pelo Coletivo Multimídia Garapa, integra uma coleção de 100 entrevistas com gestores, artistas e realizadores culturais de diversas regiões do Brasil. O projeto é ponto de partida para o início de um processo permanente de discussão e reflexão sobre o que é, quem faz e como se produz cultura brasileira.

Mais informações sobre Juca Ferreira: producaocultural.org.br/slider/juca-ferreira/

Produção Cultural no Brasil: producaocultural.org.br

Broadway não é aqui

2010-11-05T12:57:00.005-03:00

‘Cats’ é apenas cópia do modelo americano; ‘Hair’ é recriação com sotaque brasileiro

Por Daniel Schenker *
Fonte: Rio Show - O Globo - 05/11/2010

A influência cultural estrangeira, em si, não é boa ou ruim. Pode ser positiva ou negativa, dependendo do modo como for exercida. Num breve retrospecto, cabe evocar a catequese, no século XVI, quando os jesuítas usaram o teatro como mecanismo de manipulação para contaminar os índios com a cultura do dominador, e, em contrapartida, pensar na relevância dos encenadores estrangeiros que, na metade do século XX, possibilitaram aos atores brasileiros vínculo com a dramaturgia universal e com métodos de interpretação. A cena do Rio recebe, agora, espetáculos — os musicais “Hair” e “Cats” — que revelam facetas distintas da presença internacional. Responsáveis por uma bem-sucedida parceria artística, Charles Möeller e Claudio Botelho se apropriam das obras com as quais trabalham. Surpreendem pela irreverência (“As malvadas”), pela delicadeza (“Lado a lado com Sondheim”, ainda o melhor da dupla), pelo vigor autoral (“7”) ou pela escalação do elenco (“A noviça rebelde”). Não é diferente em “Hair”, montagem em que retornam ao campo da angústia juvenil (enfocada em “O despertar da primavera”), colocando em pauta, dessa vez, o temor diante da escolha do caminho a seguir no mundo. Não há como deixar de traçar um paralelo entre o contexto de “Hair” – o emblemático ano de 1968, quando jovens (hippies, na peça) aderiram à quebra dos tradicionais padrões de comportamento e se opuseram a um patriotismo simbolizado pela Guerra do Vietnã — e o dos dias de hoje — marcado pelo pragmatismo e pela significativa ausência de sentido de utopia. Já “Cats” simboliza os musicais que desembarcam no Brasil com o intuito de proporcionar ao público um contato o mais próximo possível com o espetáculo original. Apesar da versão brasileira das músicas de Andrew Lloyd Weber, a cargo de Toquinho, e do elenco nacional, todos os cuidados foram tomados para que o resultado evocasse, ao máximo, a matriz estrangeira. Nessa busca por equivalência, a apropriação autoral é indesejada. Citações ocasionais (a Fernanda Montenegro e Paulo Autran) e a investida num ritmo distante do vaptvupt da atualidade não tornam o resultado menos impessoal, massificado, engessado.

Entre um extremo e outro, há diretores que, mesmo quando limitados por um compromisso de fidelidade, não abrem mão de certa dose de apropriação. É o caso de Miguel Falabella, tanto ao destacar sua personalidade de ator em “Os Produtores” quanto ao aderir a um humor mais escrachado nos personagens coadjuvantes de “A gaiola das loucas”. São pitadas de sabor brasileiro que suavizam a sensação, imperante em tantos espetáculos, de se estar diante de um produto concebido a partir do fascínio por um modelo de produção internacional — deslumbramento que não deve ser confundido com a saudável conquista de um nível de profissionalismo. A discussão em relação à apropriação ou à ausência dela quando se lida com material estrangeiro parece mais emergencial no terreno do musical do que no da literatura dramática. Afinal, a postura dos artistas de buscar textos no exterior para encenar no Brasil não costuma envolver (pelo menos, não em proporção similar) um desejo de reproduzir de maneira fidedigna as características da montagem original. E pode sinalizar uma atração vazia por uma dramaturgia da moda ou a chance do público brasileiro se deparar com peças bem escritas. “Dúvida”, de John Patrick Shanley, “Três mulheres altas”, de Edward Albee, e “Estórias roubadas”, de Donald Margulies, são exemplos satisfatórios. “Deus da carnificina”, de Yasmina Reza, merece menção, apesar do previsível desenvolvimento da situação básica.

* Daniel Schenker é crítico de teatro e pósgraduando na Uni-Rio.

'A garota do biquíni vermelho', musical que reverencia a vedete Sonia Mamede, estreia no Rio

2010-10-15T18:03:00.004-03:00

Por Luiz Felipe Reis
Fonte: O GLOBO 15/10/2010

Artur Xexéo surge da coxia, caminha lentamente sobre o palco, cumprimenta os atores e brinca: - Hoje eu vou fazer todos os papéis!

Ao ouvir a voz do mais novo dramaturgo da praça, Marília Pêra entra em cena:

- Tem gente estranha por aí, ou é impressão?

A dois dias da estreia, a diretora e o autor de "A garota do biquíni vermelho" parecem calmos. Parecem. E basta a luz do Teatro Sesc Ginástico se apagar e a última sirene ressoar antes de uma passada da montagem, que Xexéo se deixa levar pelo desabafo:

- Essas músicas não saem da minha cabeça. Eu deito e elas ficam rodando, não consigo dormir direito.

Dramaturgo acidental, como se classifica, Xexéo assina não apenas o texto a ser encenado a partir desta sexta-feira, mas também se lança como compositor. São dele as letras e as melodias de duas canções que adornam o musical, que reverencia e ajuda a redescobrir a atriz Sonia Mamede. Vedete do teatro de revista, estrela das chanchadas da Atlântida, musa de Carlos Manga, partner de Oscarito e esposa televisiva de Lúcio Mauro, Sonia brilhou entre o teatro, o cinema e a TV, mas desde a sua morte, há 20 anos, caiu no esquecimento. E é pelo desejo de resgatar a cultura nacional que o produtor Eduardo Barata resolveu convidar o autor e a diretora para iluminar a vida e a obra de uma estrela que a memória do país insiste em apagar.

- Como produtor, me coloco agora um pouco como autor, no sentido de que a peça é um desejo íntimo de preservar a memória do teatro e do cinema - diz Barata. - Contamos a história de Sonia através dos seus trabalhos e espero que a peça revele a sua importância para uma nova geração. Em meio a tantos musicais trazidos de fora, resolvi olhar para dentro. Nada contra a Broadway, mas o nosso trabalho é quase o oposto. Ele é mais despojado, simples, minimalista...

Marília emenda:

- Outro dia, uma das meninas entrou no palco cantando muito bem, se remexendo demais, e aí eu disse: "Para, para! Não é por aí." As vedetes não cantavam muito bem, não dançavam muito bem. Nosso trabalho é delicado.

Há mais de dois anos, o produtor percorria os corredores da Biblioteca Nacional para uma pesquisa sobre a fase áurea do teatro brasileiro. Entre os inúmeros títulos que cruzavam seus olhos, não encontrou registros significativos sobre algumas das mais importantes humoristas do país. Considerado gênero menor, o humor brasileiro, deixado de lado pelos registros bibliográficos, chamou a atenção do produtor, que definiu a partir dali a sua a trilogia do riso, que se inicia com Sonia e se fecha com peças sobre Zezé Macedo e Consuelo Leandro. Convidado para escrever o texto, Xexéo aceitou na hora, mas demorou pouco mais de um ano para fincar o ponto final. Entre os dilemas de um autor iniciante, não chegou a sofrer com a síndrome da página em branco, mas, entre detalhes de captação, produção e inspiração, foi aos poucos criando e repensando as cenas enquanto fazia entrevistas, assistia a filmes e colhia material em conjunto com o também jornalista e pesquisador Daniel Schenker.

- Não chegou a ser um processo de redescoberta da importância da Sonia, porque eu acompanhei todas as suas fases, desde criança, mas espero que a peça revele a mais gente a dimensão do fascínio que ela e as vedetes exerciam - ele diz.

Na cabeça e nas palavras do autor, a vida de Sonia Mamede deveria ser contada através de uma espécie de delírio. Do leito de um hospital, uma injeção de morfina faz sua mente ser atravessada por flashbacks que remontam os melhores momentos de sua rica trajetória.

- A primeira cena que escrevi era longuíssima, depois fui cortando e estruturando a peça, que mergulha nas etapas de tudo o que essa mulher viveu, todos os sucessos e amores que ela teve - conta Xexéo.

No palco, Regiane Alves dança sob um diminuto biquíni vermelho, se apruma em vestidos colados salpicados por brilhantes paetês e equilibra plumas na cabeça, de onde sai um microfone que capta o sotaque nortista, a língua presa, o jeito caricato e a voz pequena mas graciosa que fez de Sonia Mamede uma atriz e humorista consagrada, além de cantora de sucessos como "Maria Chiquinha".

- Quando o Barata me convidou, a primeira pergunta que ele fez foi se eu sabia cantar. Eu nunca soube cantar. Mas quando ele disse que o texto seria do Xexéo e a direção da Marília, eu disse que sim - lembra a atriz. - No dia seguinte, liguei para desfazer o mal-entendido, me desculpar e dizer a verdade. Eu não sabia cantar. Mas eles deram força, e eu comecei a ter aulas. Não podia perder a chance de trabalhar com a Marília.

Com cerca de 20 peças no currículo como diretora, Marília Pêra é conhecida pela disciplina e pelo rigor com que encara seus trabalhos, mas também pelo cuidado com os atores e o amor pelo que ocorre em cima do palco. Fã incondicional da atriz, Regiane decidiu pela profissão ao vê-la em cena, interpretando Maria Callas em "Master class" (1996). Impressionada desde então, tomou um susto quando foi convidada para um miniteste no apartamento da atriz e ainda mais quando Marília lhe pediu que cantasse "Parabéns para você".

- No dia em que a vi no palco, foi como uma luz. Então você não faz ideia do que passou pela cabeça quando soube que ela iria me dirigir - diz Regiane. - Mas nos demos superbem, e tem uma hora que você tem de naturalizar para conseguir trabalhar. Eu me identifico com o jeito dela, com a disciplina. Nunca tive uma experiência como essa. Tanto por trabalhar com a Marília como por descobrir a Sonia.

Atraída pelo texto de um dramaturgo acidental e pela chance de moldar o talento de uma jovem atriz, Marília Pêra trata a montagem, acima de tudo, como uma oportunidade única para redimensionar a importância de uma grande atriz brasileira.

- A Regiane é muito atenta e diz coisas importantes para a montagem. Além disso, tem a sensualidade, a graça e a ingenuidade que a Sonia manteve mesmo depois do sucesso - lembra Marília. - Sonia não tinha técnica, e tudo o que fazia era intuitivamente, de forma pura. Espero que esse universo possa emocionar e alegrar as pessoas.

Representantes das áreas de dança, teatro e circo se reuniram no MinC no Comitê Técnico

2010-09-28T12:29:00.002-03:00

Representantes das áreas de dança, teatro e circo se reuniram na última quarta-feira, 22 de setembro, em Brasília, para discutir diretrizes e propostas para o Fundo Nacional de Cultura (FNC), do Ministério da Cultura (MinC), bem como para seu próprio Fundo Setorial. A 1ª Reunião do Comitê Técnico envolveu representantes do MinC e da sociedade civil visando à implementação de ações para o Fundo Setorial Dança, Teatro e Circo.

Segundo o presidente do comitê, Marcelo Bones, diretor do Centro de Artes Cênicas da Fundação Nacional de Artes (Funarte), um dos grandes desafios do Fundo é “reunir, em uma única área, processos distintos como dança, teatro e circo, buscando o que é comum entre eles e levando em consideração as demandas já existentes e o equilíbrio”.

Para a elaboração das diretrizes e ações propostas aos integrantes do comitê, Bones explicou que a Funarte, junto ao Ministério da Cultura, ouviu e debateu políticas culturais com cada um dos três segmentos, por meio de canais de diálogo como as Conferências de Cultura, os Colegiados Setoriais e os fóruns de discussões.

Entre as diretrizes do Fundo Setorial, destacam-se proteção e promoção de tradições e expressões; fomento à formação, qualificação e valorização dos profissionais; desenvolvimento de iniciativas voltadas à manutenção de núcleos artísticos com trabalho continuado, favorecendo a experimentação e a inovação artística; e ações voltadas para o intercâmbio e a circulação internacional.

“A partir de diretrizes gerais levantadas, com ampla participação do setor artístico e de todos os elos de suas cadeias produtivas, foram criadas diretrizes específicas, hoje aqui discutidas, que incluem novos editais e ações estruturantes, com o objetivo de atender demandas inerentes às categorias artísticas e à população de um modo geral”, afirmou Bones.

As ações discutidas na reunião para a elaboração de novos editais contempla as categorias de Manutenção de Núcleos Artísticos, Produção Artística, Programação de Espaços Cênicos, Reflexão Crítica de Espetáculos e Aquisição de Lona Circense ou Acessórios.

A Produção Artística envolve fomento a projetos de montagem e circulação de espetáculos que promovam a diversidade temática e estética. Tem como diretriz norteadora distribuir proporcionalmente o apoio pelas regiões, democratizando o acesso à montagem e à circulação em excursões de caráter regional, nacional e internacional.

Quanto às ações estruturantes, debateu-se o apoio a atividades por intermédio do Prêmio Estímulo à Criação Artística, Centro de Referência do Circo, da Dança e do Teatro e Mapeamento da Dança. O Prêmio Estímulo, por exemplo, envolve fomento a agentes, mestres, artistas, gestores, técnicos e pesquisadores, por meio do pagamento de bolsas para realização de atividades culturais e profissionais. Visa também a manutenção, registro, preservação, difusão e multiplicação de ações e conhecimentos.

“É nítido o amadurecimento das discussões, fortificadas por cada setor. Tivemos hoje um processo político de compreensão e compartilhamento, possibilitando conciliar interesses diversos da dança, do teatro e do circo”, disse o presidente Marcelo Bones, acrescentando que as ações discutidas pelo Comitê serão analisadas pela Comissão Nacional do FNC, que se reunirá amanhã em Brasília.

Participação da sociedade civil

Um dos integrantes da sociedade civil do Comitê Técnico, o produtor cultural Eduardo Barata, da Associação de Produtores de Teatro do Rio de Janeiro (APTR), defende que a divisão do FNC em fundos setoriais possibilita outra opção de fomento e circulação, com ampliação de acesso à cultura.

Eduardo Barata acredita que o fato de o Fundo se dar em forma de prêmio desburocratiza o processo, permitindo ao empreendedor que, com o resultado dos editais, já possa ter a resposta do financiamento ou não do projeto. “É um mecanismo diferente da Lei Rouanet, com suas inúmeras etapas e que depende de captação de recursos. A nova ferramenta facilita o processo e agiliza a montagem do projeto”, disse.

Para Barata, as discussões realizadas no Comitê Técnico são uma continuação da postura já praticada pelo MinC, que possibilita a aproximação entre sociedade civil e poder público. “Mesmo que em alguns momento não tenhamos conseguido implementar algum pensamento, conseguimos colocá-lo e discuti-lo. O encontro de hoje coroa esses oito anos de Ministério”, acrescentou.

O Comitê Técnico Dança, Teatro e Circo é formado por 16 integrantes: sete representantes do Ministério da Cultura e nove da sociedade civil, dos quais seis possuem assento no Conselho Nacional de Política Cultural (CNPC) e três são especialistas, cada um de uma área específica.

(Caroline Borralho, Sefic/MinC)
(Foto: Marina Ofugi, Comunicação Social/MinC)

"É com esse que eu vou" celebra os sambas de forma sublime

2010-09-24T17:51:00.003-03:00

Crítica de 'É com esse que eu vou' por Barbara Heliodora

Um espetáculo criado em torno do samba já é de si, hoje em dia, um evento de mérito. “É com esse que eu vou”, concebido por Rosa Maria Araújo e Sergio Cabral sob a inspiração do imbatível “Sassaricando”, no entanto, apesar de alguns méritos, não alcança nem o mesmo altíssimo nível musical nem a delirante comunicação deste último. O teatro é um mistério, e é difícil compreender por que razões a homenagem ao samba não tem a vibração que teve a celebração da marchinha, já que os dois espetáculos foram criados pelos mesmos e incontestáveis talentos.

Sem um roteiro que emprestasse maior sentido à seleção dos sambas apresentados, fica a impressão de que a relutância em cortar esta ou aquela canção deixou o primeiro ato (com 35 sambas) muito longo, e que, sem os necessários cortes, a direção musical de Luís Filipe de Lima, que já se tem provado mais do que competente, acabou optando por apressar e uniformizar o andamento de todos os números, tirando o tempo do gingar e a notória manemolência que faziam a glória do samba. O segundo ato é mais curto e busca o clima do carnaval, levantando o tom e a qualidade do espetáculo.

A encenação é feita com o cuidado característico da dupla Botelho-Möeller, com a boa cenografia de Rogério Falcão deixando bem claro, desde o início, que o clima de show é o buscado, canções que se seguem sem que se pense em formar alguma ideia de significado conjunto.

Os figurinos de Ney Madeira, Dani Vidal e Pati Faedo começam razoavelmente bem para o elenco feminino, com altos e baixos consideráveis nos que vêm a seguir. Os do elenco masculino são sempre insatisfatórios.

A luz de Paulo César Medeiros é sempre boa. A coreografia de Renato Vieira é pouco inspirada, com limitações semelhantes às que afetam o repertório musical. A direção de Claudio Botelho procura criar uma “hora da saudade” que, como as marchinhas, revivesse um Rio bem diferente do de hoje, e como sempre tem a companhia de Charles Möeller para a criação.

O elenco — Soraya Ravenle, Marcos Sacramento, Lilian Valeska, Alfredo Del-Penho, Pedro Paulo Malta, Beatriz Faria e Makley Matos — executa o repertório com belas vozes, mas volta e meia sai prejudicado pelo andamento apressado e pela falta de variedade que impede o clima certo para determinadas letras. O espetáculo tem momentos de brilho, e a oportunidade de se ouvir samba é um privilégio.

* Publicado originalmente no Jornal O Globo em 01/09/10.

MinC realiza encontros para debater novas formas de crédito para o setor cultural

2010-09-21T17:12:00.003-03:00

Nos últimos dias 16 e 17 de setembro, o Ministério da Cultura, por meio da Secretaria de Fomento e Incentivo à Cultura (Sefic), em parceria com a Representação Regional Nordeste, realizou o 5º Encontro de Integração MinC/Bancos Oficiais em Recife (PE). O evento discutiu novas formas de garantir crédito e profissionalizar o setor cultural.

O primeiro dia de reunião (16) aconteceu no auditório do Porto Digital, pela manhã, envolvendo cerca de 150 produtores culturais locais e de estados vizinhos. Estiveram presentes gestores do MinC e representantes do Banco do Brasil, da Caixa Econômica, do Banco Nacional de Desenvolvimento, do Banco do Nordeste e do Sebrae.

A chefe da Representação Regional Nordeste do MinC, Tarciana Portella, fez a abertura do evento, destacando a importância da participação de bancos e produtores para ampliar e dar mais transparência aos processos que envolvem a cultura no Brasil. O Diretor de Desenvolvimento e Avaliação de Mecanismos de Financiamento, Augusto Cesar Costa, representou a Sefic e conduziu o debate.

Antes do debate, cada representante das instituições bancárias discorreu sobre os recursos disponíveis, as principais ações e o processo de inclusão da cultura nos seus editais. Em pauta, junto aos produtores, foram discutidos temas como garantias reais para conceder empréstimos, análise de risco, economia da cultura, visão estratégica, repasse de recursos para capacitação e desenvolvimento sustentável da cultura.

Para a presidente do Conselho Internacional de Organização de Festivais Folclóricos e Artes Tradicionais, Socorro Maciel, participar do evento possibilitou entendimento da lógica de funcionamento bancário por parte dos produtores culturais. “Financiamento é fundamental. Precisamos conhecer as linhas de crédito, as garantias exigidas e as ações de cada uma dessas instituições para o nosso setor”, disse Socorro Maciel.

No mesmo dia, às 16h, gestores da Sefic participaram da inauguração da Sala Nordeste, espaço destinado à difusão e circulação das artes visuais na cidade. A ação, fruto de uma parceria entre o Ministério da Cultura, o Banco do Nordeste e a Prefeitura do Recife, funciona no térreo da Regional do MinC (Rua do Bom Jesus, 237, Bairro do Recife). A inauguração foi acompanhada da abertura da exposição Náusea, do artista paraibano José Rufino, sob curadoria de Marcelo Campos.

Debate, visita e aproximação
No segundo dia (17), o Secretário da Sefic, Henilton Menezes, e demais representantes da Secretaria, da Representação Nordeste e dos Bancos Oficiais se reuniram, das 9h às 15h, na Superintendência Estadual de Pernambuco do Banco do Nordeste para avaliar o encontro que envolveu os produtores culturais, debater temas e firmar compromissos. A reunião também contou com a presença da consultora Mariana Masson, da Secretaria de Políticas Culturais, que apresentou modelo de incentivo para Fundo de Investimento Cultural e Artístico (Ficart).

Em seguida, gestores da Sefic conheceram os programas culturais do Instituto de Medicina Integral Professor Fernando Figueira (IMIP). Referência em diversas especialidades médicas, inclui o Hospital Pedro II, restaurado com recursos via Lei Rouanet e tombado pela Lei Estadual. Agora, o projeto Saúde com Arte, que enxerga na cultura uma finalidade terapêutica e envolve música em sessões de fisioterapia e em hemodiálise, além de brinquedoteca, contação de histórias e saraus, com participação de pacientes, familiares e funcionários, entre outras ações, também busca apoio do Ministério.

À noite, Henilton Menezes, Augusto Cesar e Tarciana Portela seguiram para Olinda e realizaram encontro com produtores culturais locais.

Encontro da Diversidade Programação cultural do evento no Rio de Janeiro é aberta ao público

2010-09-03T17:00:00.004-03:00

Os shows acontecerão na Fundição Progresso, a partir das 19h30

O Encontro da Diversidade, no Rio de Janeiro, além da troca de experiência sobre a realidade de cada segmento cultural brasileiro em rodas de convivência e debates sobre temas variados, mostrará, na prática, o potencial da cultura brasileira em apresentações artísticas, feiras de produtos culturais e exposições.

As manifestações artísticas acontecerão durante os três dias do Encontro, entre 4 e 6 de setembro, com o tema A Independência da Cultura. A abertura será marcada com um grande cortejo nas ruas da Lapa, com 12 bonecos gigantes vindos de Olinda e a Cobra Grande, com 50 metros de comprimento, entre outros grupos.

Promovido pelo Ministério da Cultura, por meio da Secretaria da Identidade e da Diversidade Cultural, em parceria com a Secretaria de Estado de Cultura do Rio de Janeiro, o evento reunirá cerca de 1500 pessoas. Os shows serão abertos ao público em geral, mediante retirada de senhas gratuitas na hora das apresentações. Serão mil senhas por noite. Saiba mais.

Manifestação cultural

Na primeira noite, estarão no palco o Toré do povo Pankararu (SP); Jongo de Piquete (SP) e de São José (RJ); o Bumba Boi de Maracanã (MA); o Hip Hop Enraizados (RJ); o grupo musical do Centro Psiquiátrico Harmonia Enlouquece (RJ); o Fandango Mandicuera (PR) e Samba de Roda (BA).

A Orquestra de Metais Lyra (SP); Brô Mc Hip Hop indígena (MS); o Maracatu Piaba de Ouro (PE); Grupo Afro-Nordestinas - Hip Hop (PB); Cia. Gira Dança (RN); Banda Surdodum, de deficientes auditivos (DF) e os Quentes da Madrugada - Irmandade de Carimbó São Benedito (PA), são as apresentações da segunda noite.

Já na última noite do Encontro, a festa ficará por conta do Fandango de Chilenas (SP); Cavalo Marinho Estrelas do Amanhã (PE); Matéria Rima - Hip Hop (SP); Grupo Folclórico Ucraniano Brasileiro Vesselka (PR); Mio Vacite e o Encanto Cigano (RJ); Sistema Nervoso Alterado (RJ); Banda Caxiri na Cuia - forró indígena (RR), Nelson Triunfo - Hip Hop (SP) e, para encerrar o evento, a ciranda de Lia de Itamaracá (PE).

Além dos shows haverá exposição da grafiteira Anarkia Boladona (RJ) e do Fórum Nordestino de Grafiti (MA) nos tapumes das obras dos Arcos da Lapa e exposição fotográfica de Mila Petrillo e digital do Projeto Vidas Paralelas, no Fundição Progresso.

Os participantes do evento representam grupos e mestres das culturas populares, indígenas, ciganos, representantes do movimento LGBT, idosos, pessoas com deficiência, representantes das comunidades tradicionais de terreiro, imigrantes, produtores da cultura da infância, jovens do movimento hip hop, pessoas com transtorno mental, mulheres e trabalhadores formais e informais da cidade e do campo. Durante o dia eles se reunirão em Rodas de Convivência para trocas de experiência.

Confira a programação completa.

Rival + Tarde a mais nova opção da noite carioca.

2010-08-25T17:21:00.005-03:00

A cargo de Leandra Leal, o horário alternativo do Teatro Rival que propõe mais espaço para a música contemporânea no Rio

A ideia inicial de Leandra Leal, ao voltar para o Rio depois de cinco anos em São Paulo, era tocar a criação de um bar ao lado do Teatro Rival. Pensando no público do local, ela se deu conta de que o novo empreendimento casaria perfeitamente com um velho sonho: ter um horário alternativo, mais tarde, no Rival, cuja tradição é de shows às 19h30m. Retomou então o antigo projeto, convocou amigos músicos e produtores para pensar com ela a cara do novo turno e o resultado é o Rival Mais Tarde, que estreia hoje, às 23h30m, com show da cantora Tiê e participações de Tulipa Ruiz e Thiago Pethit — três exemplares da nova safra paulista. O bar? Vai sair do papel, mas ficou para janeiro.

— Conversando com minha mãe (a atriz Angela Leal, dona do Rival), sempre dizia: “O Rival podia funcionar mais tarde, tem um público carente disso, artistas que precisam desse palco” — lembra Leandra. — Quando voltei de São Paulo e comecei a trabalhar na história do bar, falei de novo disso e ela respondeu: “Por que você não faz?”

Com experiência de produtora (no início dos anos 2000, tocou com amigas a empresa Três Meninas e hoje é sócia da Daza Cultural), ela decidiu encarar o trabalho. Na temporada em São Paulo, sentiu que o Rio havia ficado para trás em termos de efervescência musical:

— Percebi um processo de casas fechando, como o Cinematheque, uns amigos como o Lucas Santtana e a Thalma de Freitas se mudando para São Paulo, artistas de outras regiões indo para lá… Pensei: “Minha família tem um teatro no Rio, posso usar isso.”

A programação começou a se desenhar em conversas entre amigos. Com Nina Becker e Berna Ceppas, ela chegou às noites de Baile da Orquestra Imperial (às quartas-feiras, único evento do Rival Mais Tarde fora da sexta-feira e do sábado) e ao Festival Imperial, com os projetos pessoais dos integrantes do grupo — Wilson das Neves deve abrir a série, no fim de outubro. Plínio Profeta ganhou a curadoria de uma noite mensal, batizada de Profecias, cuja estreia é com Tiê, hoje.

— Levarei artistas que estão fora do mainstream — diz ele. — Nomes como Stop Play Moon, Jonas Sá e Renato Godá.

Até o fim do ano, quando a princípio se encerra o Rival Mais Tarde (“A ideia é continuar”, avisa Leandra), passarão por lá atrações como o encontro de Siba e Lucas Santtana (nas próximas sexta e sábado), Karina Buhr, Do Amor, Luisa Maita e Silvia Machete.

— Em novembro, planejo trazer Los Sebosos Postizos com convidados. E o lançamento do novo CD do 3 Na Massa vai rolar no Rival. Estou pensando também com o Botika (da banda Os Outros) uma noite com encontros inusitados entre bandas cariocas — adianta Leandra.

Um conceito aberto amarra as atrações do Rival Mais Tarde.

— A programação terá artistas com uma produção ligada ao contemporâneo, que trabalham com o risco — define a produtora, que também se lança em terreno incerto com a empreitada. — Falam muito da falta de palcos no Rio, vamos ver como o público reagirá. É um risco que estou assumindo. Mas não é uma casa tão grande (na configuração Rival Mais Tarde, sem mesas, serão 600 lugares), e muitos artistas vão fazer uma única apresentação, estou evitando diluir a plateia em vários dias. Teremos DJs todas as noites, dando uma cara de programa além do show (a estreia, hoje, terá Nepal, Nado Leal e o próprio Plínio Profeta).