Indeleblia

A los carpinteros de Getsemaní se les cierran las puertas

noreply@blogger.com (Andrea Jiménez Jiménez) — Sat, 13 Aug 2016 04:45:00 +0000

Por Andrea Jiménez Jiménez

El oficio de la ebanistería, uno de los más populares del sector, se va quedando sin exponentes. Los lugareños se han ido, dejando al barrio sin mano de obra y sin clientela.

Freddy Gaviria, uno de los más
antiguos carpinteros del barrio.

El sonido de la madera contra la sierra revela dónde viven los Gaviria, la última dinastía de ebanistas de Getsemaní. En la mitad del Callejón Ancho, tras una fachada morada, está su trono: un mesón enorme de madera, con madera sobre él y aserrín por todos lados. Solo ha habido tres 'reyes': Freddy, el monarca mayor, el 'Corli' (o Codli, como suena en lenguaje cartagenero); y Dávinson y Wilman, sus hijos.

Es una pobre estirpe, si se quiere. Un triduo que cabe en dos generaciones, apenas suficientes para que no se extinga uno de los oficios más tradicionales del barrio 'cool' del Centro Histórico. Padre y hijos son nombrados cuando se pregunta quiénes son los carpinteros de Getsemaní. "Los Gaviria" o "donde el Codli", da la misma cosa.

Como si esperara a alguien, Freddy levanta la cabeza en pleno sopor de la tarde del jueves. Está lijando un mueble de cocina que le encargaron en Barranquilla. ¿Usted es el que hace los portones del Centro? Dice que no, que hay que llegar a la Calle del Pozo para encontrarlos. Dos cuadras abajo, al frente de un parquecito con estatuas de latón, está la respuesta.

El sitio tiene más apariencia de 'palacio' que la casa de los Gaviria. Es una gran mole blanca sin puertas ni ventanas. Las reemplaza una estera de metal que cubre todo el frente, todo echada hacia arriba. No se ve nada, excepto estacas de madera arriba y abajo, unas sobre otras, y un camino irregular que sube y baja, todo de piedras y aserrín. ¿Aquí hacen los portones del Centro? "Sí, todos", dice la única mujer que se ve en Maderas Carrillo, un depósito convertido en tres improvisados talleres de ebanistería. Todos los carpinteros de Getsemaní caben en el patio esa casa. Excepto los Gaviria, que tienen su propio 'principado'.

El primero que se asoma es Ulises Taborda, el cachaco. Casi no se le puede oír porque el sonido de la sierra hace inaudible cualquier otro. Entonces desconecta el aparato para contar cómo fue que hace siete años, luego de una visita a una clienta, decidió dejar Bogotá e instalarse en Cartagena. "Podría decir que me quedé por el negocio, pero sentí que algo especial podría pasar acá". Llegó a Getsemaní a comprar material donde los Carrillo y convenció a la dueña de quedarse alquilado en un rincón de ese patio donde todo es polvoriento, rústico y marrón.

Los portones de La Heroica han sido su "principal negocio". Los fabrica, los repara y los reproduce a escala. "Siempre hay flujo de trabajo", y así es como puede restaurar, en promedio, tres al mes, y elaborar uno completo en el mismo tiempo. Lo acompaña ese jueves Jorge Luis, un aprendiz que no suda aunque el calor doblegue a su patrón. Él, junto a tres carpinteros más, ayudan a Taborda, de 47 años, a cumplir con los pedidos que van llegando, que se cotizan al alza de la madera en el mercado. La ceiba y la teca, las más cotizadas, harán que un portal cueste entre 4 y 5 millones, mientras que uno hecho en amargo, el roble y el cedro común, las más baratas, no superará los dos millones.

El último portón hecho por los Gaviria.
Lo hizo Wilman hace dos meses.

Esa tarde solo está él, porque al parecer es el único que tiene suficiente trabajo como para quedarse esa jornada calurosa e insoportable cortando y pegando trozos de ceiba. Faltan Alfonso Urueta y Eliécer Guerrero, cabezas del par de talleres que también funcionan allí.

Se aparecen al día siguiente, el viernes muy temprano, y reciben el día bañados en aserrín. Son los más antiguos carpinteros de Getsemaní, dicen el uno del otro. También estaban los Batista, otra dinastía, pero se mudaron. "Se fueron para Chile, pero el barrio, no la ciudad", cuenta Urueta, de 62 años, sobrino de Carlos Batista Santana, "mi papá de crianza y maestro del oficio". A los nueve años, su tío ya le estaba enseñando cómo cortar el triplex y otros materiales. "Independiente y sin ayudante", cuenta que hace tres años no hace un portal.

Guerrero, de la misma edad, lo acompaña en su suerte. Ya no les encargan portones costosos de gran elaboración, sino "lo que salga". Hay meses en los que no sale nada. No son los tiempos de Marco Fidel Álvarez, otro viejo carpintero getsemanisense, ahora residenciado en Blas de Lezo. Tampoco los de Antonio Sayas, colega de la época, que ahora vive "quién sabe dónde". Se van los vecinos, y con ellos, los clientes. "Ya no hay a quién venderle. Por aquí ahora son más los extranjeros que los propios".

Los ebanistas y los que no, nacidos también en Getsemaní, han visto la oportunidad de aumentar su patrimonio al irse del barrio. Venden una casa en alrededor de 2 mil millones de pesos y compran, con ese dinero, cuatro más en diferentes puntos de Cartagena. Tampoco hay con qué pagar el millonario predial, así que salir del sector se convierte en lo más rentable.

Estudiantes en una clase de carpintería en la Escuela Taller.

Los que quedan son la resistencia, los empecinados a defender su legado familiar justo donde nacieron. "Como 'el Codli'", dice Alfonso. "Ese aprendió conmigo".

Hay que volver al 'castillo' del Callejón Ancho para entender que aunque Freddy 'el Corli' Gaviria no hace portones ya, algún día los fabricó. Hoy, esporádicamente, esa labor le toca a su hijo. A Wilman, que cortó, pegó, lijó y pintó el último hace dos meses, en compañía de los estudiantes de la Escuela Taller, una institución de educación gratuita enfocada en oficios patrimoniales. Queda dos cuadras arriba, y allí se enseña a 18 jóvenes cartageneros el arte de trabajar con madera.

Jesús David Alarcón tiene 17 años y hace parte del curso de carpintería. No parece entusiasmarle mucho, pero actúa como si no tuviera más camino. Es uno de los tres getsemanisenses del salón. "Me metí porque mis dos amigos se inscribieron". Álex Gaviria y Cristian Watson, se llaman. Ese viernes no fueron a la clase, y así parece irse notando el descuido de los lugareños por preservar uno de los saberes ancestrales que se han cultivado en esas calles del Centro Histórico.

Que ya no da plata, dicen los viejos. "Todo lo quieren barato y no se puede. Yo los mando pa' Bazurto, que es regalado", dice 'el Codli'. Que el turismo hace mella, dice la academia. "La dinámica en Getsemaní es diferente a la de otros barrios populares de Cartagena. Aquí el turismo ha despertado el interés por otras opciones laborales. Los jóvenes no ven la carpintería como algo de estrato, como algo digno", alerta Leisy Rivera, coordinadora académica de la Escuela Taller. Hace 24 años fue fundada para preservar los oficios ancestrales del sector, pero ha ido perdiendo popularidad entre los vecinos.

Las puertas y las ventanas siguen en su sitio. Pronto, los que no lo estarán, serán sus creadores. Eso lo dicen lo todos.

Entrevista

noreply@blogger.com (Andrea Jiménez Jiménez) — Mon, 08 Aug 2016 14:07:00 +0000

"Las tetas ahora son para un buen escote"

La vocalista de Aterciopelados defendió el derecho de amamantar sin ser señaladas. Cuestionó también la doble moral de la desnudez pública.

Por Andrea Jiménez Jiménez

Andrea Echeverri posó junto a las madres y los niños
en la Tetatón, en Barranquilla.

A Andrea Echeverri no la ocupa demasiado el regreso de Aterciopelados a la música luego de ocho años. Siempre libre, aunque una disquera la llene de contratos, la vocalista de la banda de rock más importante de las últimas dos décadas en Colombia se aferra más que nunca a su papel como "activista por los derechos" de las mujeres. Esta vez defiende el poder lactar sin ser señaladas. Si a los más puritanos les parece escandaloso, a Echeverri le parece algo "natural". Así lo dejó claro el sábado, en el parque El Golf, en Barranquilla, cuando, junto a Li Saumet -colega y vocalista de Bomba Estéreo-, le puso rostro de figura pública a la Tetatón, evento organizado por el colectivo MamaQuilla, que busca incentivar la lactancia materna. En público. Sin pena.

¿Cómo llegó a la Tetatón?

Las chicas de MamaQuilla me invitaron. Está muy bonito porque tiene que ver con un pasado reciente mío. Mis chicos ya son grandes, pero pasé por ese proceso con mucha felicidad, con dificultad también. Escribí muchas canciones al respecto. Tengo videos con mis hijos y de alguna manera simbolizo esa cosa maternal con el asunto de dar teta. Tengo una canción que se llama 'Lactochampeta'.

No es la única composición que ha hecho sobre la maternidad...

De eso tengo muchas canciones. Cuando nació mi primera hija hice un disco que se llama 'Andrea Echeverri 1'. Ese tiene la 'Lactochampeta', tiene otra que se llama 'A Eme O', que es donde salgo en una bicicleta con mi hija. Tiene una que se llama 'Amniótico', y dice "amor antes de la primera vista, amor a la primera patada". Es todo un disco que escribí en la época en la que estuve embarazada, cuando nació ella, cuando le di teta. Es un disco muy iluminado por la experiencia maternal. Y años más tarde hice otro disco que se llama 'Dos', que está muy conectado con la infancia de mis hijos, con mi infancia. Canté canciones que mi mamá me cantaba, toda la familia cantó en el disco. Tengo mi historia con todo el proceso de ser mamá y de tener una familia.

Todavía hay tabúes alrededor de la lactancia en público. ¿Le atribuye esto a la desnudez o a otro aspecto?

Que no les guste que una mujer dé pecho en público, eso está muy raro. Es lo mismo: la desnudez, las tetas y las chicas sexis por todas partes y todo el mundo las celebra y a todo el mundo le parece perfecto, y un acto tan natural y tan básico como darle pecho a tu bebé, eso sí lo censuran. Eso significa que la sociedad está loca, que los valores están volteados. Es increíblemente ridículo. Mi hija de 14 años me lo comentaba: "Sí, mamá, en Youtube hay un video de una chica en un centro comercial dándole teta al bebé. Atrás hay una foto de una portada de Soho con una chica con todo por fuera, y eso sí perfecto. En cambio viene el policía a regañar a la chica que da teta". ¡Eso es una cosa absurda!.

¿Cómo percibe el papel del hombre en la lactancia materna?

Ahorita había unos chicos aquí. Estaba muy bonito porque hicieron pasar a los señores adelante y que cada uno hablara de su experiencia, porque definitivamente vivimos en una cultura con muchas cosas del pasado, del machismo y la división de roles, entonces la mujer es la que hace el oficio. Ellos hablaban de eso precisamente. Es algo cotidiano y puede parecer sin mucha importancia, pero la tiene totalmente. Cómo la cosa se tiene que empezar a nivelar y cómo los papás, o si la persona no tiene pareja, el hermano, el papá, cualquier figura masculina, deben ayudar. Es importante que todas las personas hablen de los procesos, se ayuden, porque definitivamente ser madre es dificilísimo. Lactar duele, te puede dar mastitis. Todo suena súper rosadito y de corazoncitos, pero en realidad es un proceso duro, que requiere de todo tu compromiso y puede haber muchos obstáculos. Es bonito que haya toda esta clase de manifestaciones a favor de que las mamás podamos ejercer la maternidad con más profundidad. Hay muchas influencias lo superficial y de lo estético, y las tetas ahora tienen que ser es para un buen escote. ¡No! Bonito conectarse otra vez con que la teta es para darle de comer a los bebés. Para eso es que son.

¿Han avanzado las madres de hoy en la defensa de su derecho a amamantar?

Los maridos a veces les prohíben a las chicas dar teta que porque después van a quedar feas. ¡¿Que qué?! Otra vez es lo mismo. Hay momentos en la vida para todo. Hay momentos en que estás escultural y sexi y linda, pero cuando tienes un bebé estás para tu bebé. En tu cuerpo se forma, de ahí sale y luego se puede alimentar de ti. Es súper bonito, tanto para ti como para el bebé. Y no solo eso, tiene cantidad de implicaciones a nivel de nutrición, a nivel psicológico, a nivel de seguridad del chico. En la cabeza de uno también. Hacerlo bien te da poder. Yo recuerdo esa sensación cósmica: te sentías como parte de la naturaleza, como un árbol, como una planta. Era una cosa muy especial, muy hermosa, y no podemos dejar que ese tipo de pensamiento revista a la mujer y la cosa se vuelva ser sexis. Eso puede suceder, pero la esencia femenina está en otro lugar. La esencia femenina definitivamente es cuidar al otro.

Eso podría ser interpretado como machista, como si las mujeres hubieran nacido necesariamente para ser madres...

No. En mi caso, di teta y fue súper bonito. También me parece bonito el respeto a todo el mundo. Las mujeres no es que tengamos que ser madres. En la sociedad actual hay espacios para todo el mundo y tú puedes escoger si quieres ser mamá o quieres ser otra cosa. Totalmente válido. Y luego también hay personas que tienen problemas dando teta, y no es la idea que si una mamá no puede dar teta se sienta súper mal, pero sí definitivamente es chévere atacar eso de que las mujeres somos un pedacito de carne de exhibición o de seducción. Con eso yo tampoco voy. Me parece bonito que una mujer se conecte con su esencia y también que fluya con sus opciones de vida. Pero si es mamá y que le dé teta a su hijo, si lo logra, es una bendición para él, para ella.

Gabo sí tiene quien lo visite, aunque no lo sepan

noreply@blogger.com (Andrea Jiménez Jiménez) — Mon, 01 Aug 2016 04:31:00 +0000

El mausoleo donde reposan las cenizas del autor de 'Cien años de soledad', ubicado en el claustro La Merced, en Cartagena, recibe cientos de visitantes cada semana. Sin embargo, la mayoría desconoce que allí hace el Nobel, o ni siquiera lo reconocen.

Así luce el busto de Gabo, esculpido por la artista británica Katie Murray, sobre la plataforma de cristal y el aljibe.

Por Andrea Jiménez Jiménez
Gabo no es tan universal como parece. No, al menos, en la última morada del más grande de los novelistas colombianos. En el Claustro de La Merced de Cartagena, donde reposan sus cenizas, no todos saben que está ahí. Ni siquiera lo reconocen cuando los recibe su imagen sonriente, esculpida en piedra por la británica Katie Murray, subida a una columna de mármol.

El busto del autor no concentra muchas miradas. Abierto al público hace 70 días, el resguardo del Nobel compite con todo lo que conforma esa sede de la Universidad de Cartagena, elegida por Mercedes Barcha, viuda del escritor, para albergar los restos mortales del creador de Macondo.

Lo primero que llama la atención de los turistas es la arquitectura del lugar. Eso dice Luisa Coelho, una brasileña de 31 años que llegó al sitio el viernes "caminando". El claustro, declarado Monumento Nacional, exhibe el aura colonial que se repite en las fachadas del Centro Histórico de 'La Heroica'. Por eso es natural que, siguiendo el camino de las murallas, los extranjeros se detengan ante la fachada rosada de La Merced.

Una placa en la pared exterior, de esas que identifican las calles de la Ciudad Amurallada, muestra el nombre de la edificación y revela que allí se preserva parte de la historia de la Cartagena de Indias que todos, o la mayoría, han ido a buscar. Así se topan con el único Nobel colombiano, aunque no lo noten.

Eso fue lo que le ocurrió a Denis Lima, el novio de Luisa, quien asegura que García Márquez fue el primer Nobel de Literatura. "¿Era portugués o latino?". Lo que sabe del escritor de Aracataca es más bien difuso, pero repite con vehemencia que "fue amigo de Jorge Amado", escritor brasileño.

Vista lateral del monumento a Gabo. Denis Lima, turista brasilero,
recorre el claustro que lo acoge.

Un aljibe enorme, añejo y subterráneo; una plataforma de cristal y unas plantas dispuestas al pie del mausoleo completan el refugio garciamarquiano que, según cifras de la Universidad de Cartagena, recibió "más de 1.800 visitas" entre el 22 de mayo y el 30 de junio. El registro indica visitantes de 41 países, provenientes principalmente de Estados Unidos (142 personas), Brasil (102) y México (74). Pero el margen de error de dichos archivos es amplio, a juzgar por lo ocurrido ese viernes, cuando, entre las 3 y las 5 p.m., 15 extranjeros ingresaron al lugar y ninguno firmó la planilla de visitas.

No lo hicieron Luisa ni Denis, ni tampoco un par de europeos que solo dieron una vuelta por el antiguo convento. Gabo pasó inadvertido. Como también ocurrió con otra pareja que solo asomó, buscó el baño, fotografió sus balcones y partió a los dos minutos. No parece impresionarle a nadie el busto de 1,5 metros, ni su ornamentación. No hay flashes para el monumento, solo prisa por seguir recorriendo las murallas.

Es por accidente que se ha ido engrosando la lista de visitas, según Leidy Pestana, vigilante de turno. Cuenta que esa tarde está "quieta", pero la sacan de la inercia los Ocoró Mondragón, liderados por Bertha, nicaragüense, y Gustavo, colombiano. Sus hijos, de 15 y 17 años, los acompañan.

Son los únicos visitantes de la jornada que saben quién es Gabo y por qué está ahí. Solo ellos se fotografiaron en la plataforma de las cenizas, y también en la imagen en HD del escritor que reposa en una de las paredes. "Está bien, pero esperaba que estuviera mejor. Suponía que iban a tirar la casa por la ventana", dice Gustavo, a quien el panteón le parece "un poquito simple". Una visita de 10 minutos sacia la curiosidad de la familia, que echó de menos un guía que les diera detalles de la construcción.

Los que llenan ese vacío son los vigilantes, como Pedro Martínez, quien acompaña a Leidy. Acaba de señalarle a un oriental el sitio exacto donde se encuentran las cenizas del Nobel, la pregunta más frecuente en el lugar: " justo debajo del busto".

Fachada del Claustro La Merced.

Sobre las 5 p.m., hora en la que se cierra La Merced al público, llega un grupo de turistas. Llevan cámaras, pero no disparan al monumento. Señalan al balcón y no se dan por enterados de que Gabo, reducido, es el que está allí. "La mayoría está azul", comenta al día siguiente Thiago Moncaris, con nombre de turista brasileño, pero quien en realidad es el vigilante cartagenero del turno del sábado. Tiene claro que Gabo y sus cenizas pasan inadvertidas casi siempre.

Es mediodía y el Nobel, sin visitantes en la última hora, sigue allí, sonriendo a los que no llegan. "Como esto todavía no lo han organizado bien" la afluencia no es mucha, o no como la que puede esperarse para una figura como el cataquero.

"Hay mexicanos que lloran", continúa el de seguridad, para explicar que García Márquez no es un desconocido para todos. Hay extranjeros que tiene claro quién es el autor de 'Cien años de soledad'. Los más recientes son los Mathias, unos brasileños que reconocen al autor y las mariposas amarillas artificiales posadas en los árboles de almendro del recinto. La familia entró al claustro luego de leer, en una placa conmemorativa casi siempre ignorada, al pie de la fachada, que allí se encuentran las cenizas del escritor.

"¿Murió en Cuba o aquí", pregunta Nelo, el único del grupo que habla español. "En México", responde Thiago, que también tiene claras otro par de cosas sobre el Nobel, o por lo menos, sobre lo que va de su estancia sobre el aljibe. Una, que la hora en la que más llega gente es a las 5:15 p.m., "cuando ya hemos cerrado la reja". Y dos, que el día de mayor afluencia es el domingo, "cuando no abrimos". Tienen mucho de Macondo sus sentencias.

De Aracataca a Macondo, un viaje a los pueblos de García Márquez

noreply@blogger.com (Andrea Jiménez Jiménez) — Thu, 21 Jul 2016 00:08:00 +0000

Este artículo fue publicado en los diarios ADN y El Tiempo.

La Casa del Telegrafista, el lugar donde trabajaba el padre de Gabo. La foto es de Guillermo González para la casa editorial El Tiempo.

Es difícil saber cuándo uno deja de estar en Aracataca y comienza a estar en Macondo. Debe ser porque desde el inicio de los tiempos, cuando era una aldea de veinte casas de barro y cañabrava, han sido la misma cosa. Los cataqueros se sienten orgullosos de habitar ese pedazo de tierra adonde los arrojó el devenir, que sin agua a la altura de la Academia Sueca ni infraestructura hotelera de Nobel, es el pueblo colombiano más anclado a la globalidad: su nombre (sus nombres) aparece una y otra vez en un laberinto de fonemas islandeses, portugueses, alemanes, rumanos y cualquiera que haya intentado acercarse, desde una lengua diferente al español, a ese caserío cercado por un río de aguas diáfanas que se precipitaban por un lecho de piedras pulidas; blancas y enormes como huevos prehistóricos.

"No había una puerta, una grieta de un muro, un rastro humano que no tuviera dentro de mí una resonancia sobrenatural", escribía García Márquez sobre el regreso a su pueblo en 1950, y esa oscilación onírica está plasmada, 65 años después, en las fachadas de esa legión literaria con sede en la realidad más mágica imaginada, que alardea de su condición pintando avisos con aerosol que le llaman 'La Hojarasca' a una miscelánea, o ‘Ciclorrepuestos Macondianos’ a un taller de bicicletas. O bautizan ‘Billares Casa e’ tabla de Macondo’ al sitio de distracción. Y 'Macondo' a una ebanistería, o al arroz que vierten al mediodía en las ollas de peltre, antesala de la siesta inmutable del mediodía, cuando afuera se levanta el polvo invisible y ardiente hasta que el bullicio de las tres saca a todos de las hamacas y los devuelve a su lugar habitual.

“Solo quedaron los almendros polvorientos, las calles reverberantes, las casas de madera y techos de cinc oxidado con sus gentes taciturnas, devastadas por los recuerdos". La United Fruit Company a estas alturas es un fantasma que se señala con el dedo: ahí quedaba esto y aquello, el comisariato, los vestigios. Ya no hay dolor, sino una alegría colectiva y mesurada, suficiente para alzar la mano y saludar al forastero que pasa agobiado por el calor inhumano; para agradecer por acordarse de Aracataca y su vida común, punto aparte de la ensoñación que despierta ser y estar en el pueblo del nieto de Papalelo, del coronel Nicolás Ricardo Márquez Mejía, donde la ruta que atraviesa las cuatro esquinas de esa aldea fantástica no puede si no llamarse Transmacondo.

“Lo único cierto –decía Gabo- era que se llevaron todo: el dinero, las brisas de diciembre, el chuchillo del pan, el trueno de las tres de la tarde, el aroma de los jardines, el amor”. Pero lo que se llevaron los gringos lo repuso el tiempo y él mismo, sin quererlo. Se colgaron letreros oficiales, como el de ‘Luisa Santiaga Márquez Iguarán, al pie de una carretera pavimentada y sobre la fachada del hospital municipal’, o el de ‘Remedios la Bella’, que corona la biblioteca más feliz del mundo, porque Gabriel José de la Concordia es suyo.

La misma Remedios evanescente se trepó a lo alto del monumento que mira de frente a la antigua estación del ferrocarril, pero un grupo de turistas, ávidos de recuerdos tangibles, la echaron abajo en un intento por fotografiarse junto a ella y el prodigio de su ascensión.

A la estatua cercenada, de la que solo queda la base de un libro abierto sin rastro de letras, la encara la blanca estación férrea, reducida a una mole de ladrillos, donde la sombra brinda más clemencia que en cualquier otro lugar del pueblo. Gente cualquiera, a cualquier hora, va a buscar allá algo que nadie sabe qué es, pero necesario e imperativo. El que viene de afuera espera que el fantasma de Gabo se asome entre el cementerio de bicitaxis que duermen acurrucados en uno de los hangares traseros sin techo, o surja del otro lado del riel, aguardando por el tren carbonífero que se olvidó de la primera, segunda y tercera clase de sus épocas primarias, incluso de los vagones genéricos que lo llevaron a la excursión de vender la casa materna, donde hoy se levanta la historia museística de su niñez surreal.

Que la acogería el Estado, que sería el museo Leo Matiz, que tendría un Juan Valdez… de todo dicen todos sobre esta melancólica esquina que fue, en los tiempos juveniles del Nobel, una “versión tropical de las que conocíamos por las películas de vaqueros”. La actualidad la tiene situada en el mismo lugar, viendo en primer plano ese tren infinito que aparece zumbando, sin funcionalidad alguna.

Con la misma desidia es tratada la fuente inconclusa que la cementera mexicana Cemex le regaló a Macondo, “que no tiene ni agua buena para tomar y ahora iba a salir de ahí”, como dice un cataquero que me ayuda a descifrar de qué se trata esa estructura llamativa con forma de puente, donde son legibles las primeras y las últimas palabras de ‘Cien años de soledad’. La rodean varios cubos de cemento, que, juntos, dejan leer de un solo tajo ‘Macondo’, el nombre sonoro que hoy arrastra este reino bananero, llamado como la única hacienda del trayecto Ciénaga-Aracataca que exhibía su identidad.

No es el comienzo del mundo Aracataca, donde apenas nacía el planeta y a las cosas carecían de nombre. Tanto, que había que señalarlas con el dedo para nombrarlas. Tampoco la promesa nostálgica que se va colando por los impulsos latentes de la oficina del telégrafo, cerrada ahora por remodelación. Nada queda de ese “todo idéntico a los recuerdos” de Gabo, ni mucho menos “reducido y pobre”. Pero sí es Macondo y su realismo mágico, con el relieve que significa ser la cuna del único Nobel que ha salido de esta tierra que busca redención.

Es ese lugar quimérico que mira con cotidianidad cómo vienen y se van gentes de otras latitudes, encantadas e imantadas por la posibilidad de que todo recuerde el universo garciamarquiano, cuando para los lugareños no es más que la costumbre de su día a día, que se gasta recordando la genialidad de un coterráneo que les hizo favor de ponerlos en el mapa mundial, al que –siguiendo la norma cruel de un país en guerra-, solo hubieran podido llegar a través de la tragedia. A la literatura deben el milagro. A Gabo, todo su honor y corazón.

Jardines verticales, arte que cae de pie

noreply@blogger.com (Andrea Jiménez Jiménez) — Tue, 12 May 2015 23:06:00 +0000

Este artículo fue publicado en el diario ADN el 20 de mayo de 2014.

Decorplantas halla la inspiración de sus diseños en las coloridas fachadas de Barrio Abajo.

La técnica de los jardines verticales gana terreno en Barranquilla, sobre todo en espacios exteriores.

Cubrir una pared con flores es algo que, a gran escala, logra el francés Patrick Blanc desde 1978, cuando levantó el primer muro vegetal en la Ciudad de las Ciencias y de la Industria de París, y patentó su invento en ese mismo año. De allá data una historia de archivos más recientes para Barranquilla, que desde hace tres años ve subir la curva de crecimiento en cuanto a esta técnica decorativa.

Solo en el 2013, los jardines verticales, como también es llamado el arte ornamental, se asomaron a las soleadas fachadas barranquilleras. Primero fue en Luxury Garden, el centro comercial de marcas de lujo ubicado en la esquina de la calle 79 con carrera 51, que en septiembre despuntó sus tres pisos y 835 metros cuadrados. Tres meses después, justo diagonal, fue la Bojanini Art Gallery, con columnas de follajes que adornan el café bistro Le Jardin, nombre apenas ideal para el lugar.

Cuenta Víctor Hugo Trespalacios, socio y paisajista de Decorplantas, empresa que lleva 36 años en el mercado del diseño de jardines, que la técnica está vigente en el mercado hace 10 años, pero no estaba generalizada hasta hace poco menos de un lustro. Adaptarse a nuevas reglas arquitectónicas, espacios reducidos y condiciones de diseño interior en constante evolución llevó a esta lluvia botánica colorida a instalarse en espacios interior, sobre todo, en un comienzo.

Víctor Hugo Trespalacios, experto en el tema.

“Además de ofrecer una alternativa para decorar, amortizan el calor”, acota el experto, convirtiéndose en pequeños pulmones coloridos que apaciguan el efecto invernadero y oxigenan un ambiente saturado de contaminación.

Los contrastes de color y figuras logrados con especies ideales en cada ambiente (interior y exterior) son óleos que cambian de dimensión que pueden resultar por un valor de $50.000 para una plataforma de 30x30 centímetros, por ejemplo. “Nosotros trabajamos con el presupuesto del cliente”, afirma Trespalacios, quien calcula el valor de cada jardín vertical dependiendo de las plantas escogidas para tapizar.

Desde aromáticas, como la albahaca, la ruda o el romero, hasta exóticas, como la de fuego, se resguardan en pequeños módulos que pueden estar divididos en varios bolsillos de sembrados, previa impermeabilización. Un sistema de goteo está conectado a varios de esos saquillos negros, que impulsa agua a tiempos establecidos y que, a su vez, recae en los niveles inferiores de estos muro de vegetación. Un mantenimiento mensual, en promedio, sale en $100.000.

La idea del paisajista de un ‘jardín de pie’ soñado para Barranquilla reverdece en Barrio Abajo, el lugar que lo ha inspirado para diseñas fachadas refulgentes forradas de tonos vivos, que crean contrastes entre paredes y ventanas, puertas y faroles, con la apariencia típica de las casas-patrimonio que aún sobreviven en el emblemático vecindario.

De la Madre Patria, con ecología.

El primer jardín vertical que el francés Blanc construyó en España fue inaugurado en julio del 2007. Es una pintura viviente de 15.000 plantas que forran de verdor el CaixaForum, el espacio de encuentros artísticos y culturales de Barcelona.

Desde mucho tiempo antes, Miguel Agulló se dedicaba al paisajismo en Alicante, España, donde hoy es dueño de su propia empresa de consultoría en jardinería y comercio internacional. A Barranquilla ha venido tres veces en los últimos dos años a dictar, junto a Inpsicon y la Universidad del Norte, cursos intensivos teórico-prácticos sobre el arte de la jardinería.

Luxury Gardens, el centro comercial que los puso de moda en exteriores

La semana pasada volvió en compañía de del ingeniero Ricardo Palero Marco, especialista en innovación en jardinería vertical, autor de un sistema de paneles de cubiertas vegetales y jardines verticales totalmente ecológicos. Ambos, con el conocimiento que han adquirido en Europa, la ‘mata’ de estos ornamentos, llegaron a la ciudad para presentar una forma diferente y práctica de levantar estos muros vegetales.

Se trata de un sistema de bandejas en fibra de vidrio que es resistente a la humedad, que cuenta con soportes de acero inoxidable que se aferran a la pared. Un sustrato a base de musgo deshidratado recibe pequeños riegos que se hidratan y dan el punto de humedad requerida. Sobre esto, una malla de sujeción agarra las especies que adornarán el cuadro.

Es un orificio de pasatubos en la parte superior el que recibe el riego, que cae en forma de lámina de agua uniforme, gracias a una tubería porosa. “Un parte se impregna en el musgo, mientras que un pequeño excedente baja”, explica Agulló, quien advierte que en la capital del Atlántico, el principal error en estos muros radica en el uso de especies que “no soportan este sistema de cultivo y no se logran adaptar”.

En este sistema ecológico propuesto por los españoles, el mantenimiento de los jardines es casi nulo, a excepción del corte del follaje que vaya creciendo en ellos. “No usamos fertilizantes, porque es el mayor problema”, agrega Palero. “Un poco de agua es suficiente” para conservar estas pinturas de ramitas en estado óptimo.

La Bojanini Art Gallery también los exhibe en su fachada

Especies como las bromelias, algunas plantas crasas con gran reserva de agua, tapizantes (como el maní enano), y las mismas trinitarias, tan abundantes en Curramba, poseen condiciones ideales para crecer verticalmente en exteriores, sugiere Agulló. Trespalacios incluye en la lista plantas de flor como las azulinas, los besitos y las tú y yo.

Para interior, el principal consejo es dar con vegetales de crecimiento limitado y acondicionar el factor lumínico de manera vertical, para estimular la fotosíntesis. Las calateas, filodendros, higueras trepadoras y peperomias son algunas de las recomendadas.

Boutiques florales: entre las rosas y lo eterno

noreply@blogger.com (Andrea Jiménez Jiménez) — Mon, 23 Mar 2015 21:17:00 +0000

Escribí este artículo para el diario El Tiempo, en Amor y Amistad. Fue publicado el 20/09/2014.

Margarita de Juliao, propietaria de Palo de Agua, es una chef que se enamoró de los colores y las texturas de la naturaleza.
Las fotos son de Óscar Berrocal para ETCE.

Puede que no haya un detalle romántico más predecible que las flores, es cierto. Pero tampoco hay alguno que se le compare. Han existido siempre y son el símbolo indestronable del amor, y por años han escondidos propuestas de noviazgo, matrimonio y mensajes que cuesta soltar al hablar.

Luego de un periplo eterno, los arreglos florales de forma triangular cargados de rosas, girasoles, margaritas y anturios, tradicionalmente entregados en las puertas de las casas por un señor en moto que lleva varios ramos iguales, la oferta se renueva con maneras más estilizadas, propias del gusto europeo, esencialmente el francés, que guarda para sí campos enteros de especies únicas, como los que se ven en la región de Grasse.

Si alguien ha caminado las calles de París y conoce bien la tradición gala de escoger flor a flor las especies que adornarán un ramo, esa es Margarita Rodríguez de Juliao. Es una chef con alma de florista que apenas hace unos tres meses abrió su boutique en Barranquilla, Palo de Agua. Allí no hay formas de triángulo levantadas con flores ni bouquets convencionales. Lo que se ve es un mostrario de madera cubierto de mini hortensias, pitusporum, cartuchos pequeños, caspia y greenballs, entre otras.

Los claveles también tienen un lugar especial. “A la gente aquí no les gustan porque lo asocian con algo barato”, dice esta bogotana que vino a abrir mercado en la capital del Atlántico. Al lado de sus flores predilectas, las que aquí no gustan mucho, están las rosas. Un clásico.

Las flores de jabón: el último 'hit'

El exhibidor le permite al cliente personalizar su ramo, que va desde los $35.000 envuelto en una tierna carterilla de cartón. Nada de ramos genéricos ya armados, solo para encargar por teléfono. “La idea es que el cliente venga y arme su propio regalo. Que escoja una a una las flores”, explica Margarita, que no puede tener mejor nombre. Es una flor.

Una pared morada y piezas vintage de ebanistería minimalista completan el lugar, en el que hay otra novedad: las rosas de jabón. Sus pétalos son suaves jaboncillos que usualmente decoran rincones del baño, pero que tampoco desentonarían en alguna mesa de noche. Vienen en bases de parafina –la que sirve para arreglos más grandes, y que se reutilizan para cada diseño- de diferentes tonos y, contrario a lo que se puede imaginar por la originalidad del producto, cuestan entre $20.000 y $35.000.

Se eternizan.

Si algo le falta a las flores es la cualidad de perdurables. Se agotan más rápido de lo que uno quisiera. Se marchitan, pero no así pierden su estado de belleza. Tiene su encanto ese tono envejecido que toman. Pero para no extrañarlas, ya hay solución. La boutique floral Gardenias tiene como producto exclusivo sus flores naturales preservadas. Un tratamiento especial extiende su vida de cuatro a seis meses en un clima como el de Barranquilla.

En Gardenias Boutique, elegir las flores es como ir a una tienda
exclusiva, observar la ofertar y llevar la que más atraiga.

Rosas, hortensias y por supuesto gardenias despuntan en un universo de posibilidades para todos los gustos y precios. Desde doce mil pesos se consigue un ejemplar rodeado de una esfera de cristal, y así va aumentando el número de flores y la presentación, en relación directamente proporcional con el costo.

No necesitan agua. Hay línea especial para la celebración de Amor y Amistad en materitas y latas en forma de corazón, pero también se posan en mugs y diseños que asemejan terrarios florales. Es un arte cultivado.

Detalle de un arreglo con flores preservadas

Una sensación.

Más que el hecho de dar o recibir flores, la firma Lottas Botánica ha querido convertir este acto en una experiencia, una sensación basada en un buen vino que acompaña a cartuchos y astromelias, o chocolates artesanales rellenos de oreo que complementan un diseño de orquídeas.

No parece una floristería, por eso lleva el nombre de boutique. Es un espacio comparado a una sala francesa, con espejos y muebles clásicos, adornado con rosas exclusivas, como las de exportación que llegan en cantidades en esta temporada, trepadas a un precio mayor por el tipo de cultivo. Duran hasta diez días, y sus presentaciones estrella son la tradicional roja –llamada freedom- y la rosa bicolor, que parece pintada a mano pero en realidad es un cuadro natural. Se llama sweetness, ‘dulzura’.

Las flores siguen siendo las mismas, pero la forma de entregar es la que busca cambiar. Reclaman a gritos cambiar el frívolo domicilio por el rostro de quien las regala. Es lo menos que merecen.

La 'sweetness' es una de las consentidas en Lottas

Las tradicionales y las que llegan.

Quitarle a la rosa el puesto de reina entre las flores será complicado. Esta especie sigue siendo muy usada en todo tipo de arreglos, tanto en los más intrincados, que posibilitan la variedad, hasta los diseños más minimalistas, que solo requieren rosas. Su plus: la amalgama de colores que ofrece.

Las orquídeas ganan terreno. Su costo dificulta que se posicionen entre las más pedidas, pero ser la flor nacional le da privilegios de elección.

Cartuchos, hortensias y astromelias siguen arraigadas, mientras llegan nuevos nombres para comenzar a llamar la atención, sobre todo en el follaje, como las ‘greenballs’, pompones reverdecidos que le dan un toque único y rejuvenecido al diseño floral.

Los Rausch comparten su sazón con Barranquilla

noreply@blogger.com (Andrea Jiménez Jiménez) — Sun, 22 Feb 2015 21:55:00 +0000

Este artículo fue publicado en los diarios El Tiempo y ADN Barranquilla.

Jorge Rausch, uno de los jurados de Master Chef, muestra su primer restaurante en Barranquilla.
Las fotos son de Óscar Berrocal para El Tiempo Casa Editorial.

Los Rausch ya tienen comenzaron la colonización de la mesa barranquillera. El estreno del hotel Four Points by Sheraton significa también la llegada de los mejores chefs del país a la capital del Atlántico. Desde mediados de diciembre, el secreto de su gusto para sazonar un pez león o levantar una torre de cangrejo de ensueño inauguró su primer restaurante en esta ciudad, bautizado Kitchen by Rausch, nombre inédito en la variedad de sus denominaciones, llamadas Criterión, Bistronomy, Marea, El Gobernador, entre otros.

“Estábamos convencidos de que había que salir de Bogotá. Entendemos que Colombia es mucho más que eso y que las otras ciudades no son pequeñas. Son ciudades modernas y que requieren de buenos productos y de buena gastronomía”. Así que Barranquilla desvelaba a Jorge y Mark Rausch desde el tiempo suficiente como para soñar su restaurante aquí tal cual lo levantaron: “un sitio moderno, no muy formal”, como lo cuenta Jorge, el chef jefe de Criterión, el primer restaurante colombiano en la lista de los reconocidos 50 Mejores Restaurantes de Latinoamérica.

De las cartas de sus otros locales más afamados llegan platos a Kitchen by Rausch como la Bouillabaisse, una sopa de pescado y mariscos hecha a base de tomate y azafrán con crouton y rouille. “También hemos creado nuevos platos para el restaurante. Queremos que sea una comida estilo bistró pero sofisticada” con platos internacionales y tendencia en comida colombiana.

Panceta de cerdo de inspiración costeña

Para eso Jorge ha diseñado recetas exclusivas para Barranquilla, como la panceta de cerdo con boronía. “La panceta va con limonaria y panela cocinada 24 horas y la boronía, gratinada”, explica Walter Arango, el chef jefe que se encargará de tiempo completo del nuevo ‘hijo’ de los hermanos bogotanos. El morrillo costeño con cabeza e’ gato y hogao se unen al manjar, el que rematarán ‘clásicos’ como los scallops a caballo (con papas rosti, hogao, reducción de vino tinto, salsa holandesa y huevos de codorniz) y el bourguignon, un morrillo estofado en salsa de vino con puré de papa, champiñones, tocinetas y cebollitas caramelizadas.

No se limitan a un menú estático e inamovible. Los Rausch creen en la voz de la ciudad a la que llegan y la recepción de propuestas susceptibles a rotación. “Tenemos que aprender mucho de Barranquilla en este caso. De materias primas, seguro que hay cosas nuevas, hay cosas distintas, hay cosas mejores, y con eso ir armando nuestro menú cada vez más cercano”. No hay una única respuesta en un lugar que abre al almuerzo y a la cena todos los días y que espera unirse, con el bar de la entrada del Four Points, en un brazo conectado a la vida nocturna del Washington Plaza, el centro comercial contiguo.

Rematan su carta de inspiración colombiana, llena de materias primas y elementos autóctonos combinados con ingredientes internacionales, con el sello de Mark, el chef pastelero. Se trata, por el momento, de una “carta muy plana, pues lo primero es dar a conocer la cocina francesa”. Habrá mousse de chocolate a base de cremas; textura de zanahoria, que llega de Criterión; milhoja clásica con mermelada de fresas tibia, tierra a base de cocoas y macadamia y crema pastelera con pistachos.

Dos postres colombianísimos sellan el pacto dulce de los Rausch con Barranquilla: muffin de Kola Román con platanitos tentación y milhoja de cocada.

Steak tartare, una entrada con gelatinas de tomate.

Corvina en salsa romesco con ensalada rúcula

Emplatado de milhoja clásica con mermelada de fresas tibia

Barranquilla se refina a la hora del té

noreply@blogger.com (Andrea Jiménez Jiménez) — Sun, 14 Dec 2014 22:05:00 +0000

Esta nota la escribí para los diarios ADN y El Tiempo Caribe, y fue publicada el 8 de abril de 2014.

Detalle de amor de Café Boutique, donde encontré un collar baroque para morirse. Les debo la foto. Esta al tomó mi tocaya Andrea Ortega.

Los cafés de la ciudad toman aires cada vez más románticos, cambiando la experiencia de un momento entre amigas, por ejemplo, en torno a la bebida.

Barranquilla es una señoritona de aires románticos que tiene ganas de volver a irradiar la vanidad europea que la envolvió en su época dorada, cuando de la Arenosa pasó de ser la Puerta de Oro gracias a una pujanza vívida que vino de la mano de las oleadas de inmigración.

Cuando italianos, franceses, alemanes y españoles terminaron en esta esquina suramericana, sembraron en esta tierra un influjo artístico único, que se fusionó con las formas autóctonas para crear una amalgama única sugerida, por ejemplo, en el contraste del señorío arquitectónico Barrio Abajo con el colorido de sus fachadas.

Barranquilla no olvida eso que la distinguió, y en su afán por volver a acaparar miradas y en camino a reconvertirse en la urbe cosmopolita que muchos tiene en su mente, ya muestra visos de volver a vestirse con la mejor de sus galas, al sorbo de una taza de té.

Café Boutique.

Café Boutique comenzó a ‘bordar’ ese halo romántico desde diciembre del 2012, en la carrera 52 con calle 76. Giuliana Pezzano, su propietaria, es una diseñadora de modas y 'fashion stylist' que quiso abrir una ‘concept store’ (tienda de conceptos) en su ciudad natal, al mejor estilo de los locales italianos que visitó en su estadía en Milano, donde estudió.

Giuliana tomando té en su local

La moda, claramente, era lo esencial en su negocio, cuyo concepto es lo vintage. Pero algo llegó por añadidura para y terminó siendo la cereza del pastel: el café. Además de comercializar prendas y complementos que trae de todo el mundo y que van desde los $30.000 –que puede ser un esmalte único- hasta una cartera Chanel de US $1.800, alineó sillas de té en su local para brindar una experiencia diferente, alineada con esa atmósfera europea que quería lograr.

El Nespresso es el café que brinda a los clientes, que no necesariamente llegan por la moda, sino por tener un rato más íntimo entre amigas en este espacio acogedor. “Muchas vienen a tardear, a conversar tomándose un capuccino; hay otras que separan el espacio para hacer baby showers y cumpleaños a modo de tea party”.

Además del Nespresso, que da la oportunidad de elegir entre 16 cápsulas de café de diferentes partes del mundo según la intensidad, los dips son las estrellas del menú “porque son lo más gourmet, lo más saludable y una combinación ideal para una taza de latte, machiatto o espresso”.

Por lo lindo y refinado, se ha labrado la concepción de que para visitar sitios así se requiere una gran inversión, pero no. Una taza de espresso cuesta $2.800, mientras que el cáfe más costoso que se puede probar es un capuccino, el más pedido, a $4.000.

Los dips son un homenaje a la amistad: vienen para compartir. Una porción para entre cuatro y seis personas (servidas en copas, suntuosamente) del Giardini di Versailles cuesta $13.000.

Detalle de adornos y bebidas que se ofrecen

En el lugar suelen organizarse 'trunk shows' a modo de 'tea party'

Una clienta que siempre recuerdan en Café Boutique: Silvia Tcherassi, devota al Nespresso

Le Jardin.

Le Jardin también tiene lo suyo, pero para hablar de él hay que pasar de ‘concept store’ a café bistro, que viene de la denominación francesa bistró, usada referirse pequeños establecimientos populares de Francia donde se sirven café, quesos y otras bebidas, así como otras comidas ligeras, a precios económicos.

Lo lindo no tiene que ser necesariamente costoso, y Ana Cristina Bojanini, la artista plástica barranquillera, lo ha entendido así en su nuevo ‘taller’, ubicado al lado de su galería, en la calle 79 con carrera 51. Uno donde las pinturas y la resina quedan a un lado, para dejar ‘florecer’ un ambiente acogedor al tiempo que se degustan platos únicos y un precio ‘democrático’.

Le Jardin cuenta con tazas de té pintadas por Ana Cristina Bojanini.
Su hija Joelle es la autora de los menús, pintados a mano.
También hay que contar los cojines, las lámparas...

Del techo de Le Jardin cuelgan unas burbujas de luz que, sumadas al jazz que envuelve el lugar, podrían asustar el bolsillo de muchos. La carta, que muchos no querrían tocar, es lo realmente tranquilizador y apetecido.

Los espressos, de $2.500, o los lattes, de $4.000, hacen pareja a ma’amoules –una especie de postre- de pátil y nueces, o de pistachos con azahar, o de agua de rosas, que tiene un valor de $6.500. “Es algo muy de la casa”, explica Bojanini, quien se encargó, junto a Olga María Salcedo, la anfitriona del lugar, de diseñar un menú corto, pero sustancioso.

Los crepes no faltan y rondan los $17.000, así como los sándwiches, que también hacen parte de una carta de colores pintada a mano con el sello Bojanini. El helado de la casa, con merengue y almendras, es el consentido de Le Jardin, aunque otro le compite fuertemente: el Allegra, un helado hecho con las auténticas alegrías curramberas, a $12.000.

La carta de postres es bastante rica, con gran influencia árabe

Feffy’s.

En Feffy’s, una bicicleta vintage colgada en la pared avisa que, en ese espacio, el gusto por lo romántico es la regla. Paredes azules, flores blancas y vajillas de colección son compañía para quienes llegan a este lugar, en la esquina de la carrera 59C con calle 81, a tomarse un café o a morder un cupcake.

Los clientes, como en la mayoría de este tipo de locales, van desde el público juvenil hasta los adultos mayores. Aunque allá, las niñas son las invitadas de honor. Las fiestas infantiles se convirtieron en ‘tea parties’ y los cumpleaños se celebran alrededor de una tanda de ponquecitos decorados, “porque creen que están en un castillo de princesas”, cuenta su propietaria Estefany Saumet.

Este juego de té es un primor. Nadie quiere irse sin una foto.

Hace seis meses abrió este local, un templo dedicado a sus pasiones: la pastelería y los objetos viejos, muchos de los cuales ha sacado de la calle y los ha restaurado para envolver en la atmósfera más ensoñadora posible su negocio. Lo más costoso de su carta es la especialidad, el mocca frapuccino, a ocho mil pesos.

El resto de la pastelería francesa, los pequeños pudincillos y las pizzetas oscilan entre los $2.000 y $7.000. “Una monareta”, como dice ella.

Artesanía de lujo bajo el sello Tcherassi

noreply@blogger.com (Andrea Jiménez Jiménez) — Tue, 09 Dec 2014 23:19:00 +0000

Les dejo aquí esta entrevista que hice a esta mujer de admirar, publicada por los diarios ADN y El Tiempo.

La diseñadora barranquillera, la cara más internacional de la moda colombiana, vuelve a apostarle a la manufactura nacional para ampliar su exitosa colección de accesorios y complementos.

Ya se le notaba, pero ahora lo corrobora. Silvia Tcherassi, como los grandes genios de la moda mundial, se rinde ante la exclusividad de una pieza elaborada a mano inigualablemente para llevar a la artesanía a su forma más sublime y así, hacer un trabajo de educación de manera implícita, en el que expone, con piezas de la mejor factura, el valor de un tejido ancestral, de las puntadas de una técnica indígena o de la intervención manual fusionada con materiales vanguardistas y aplicaciones de diseño.

Su nueva obra de arte se lleva del brazo, se llama canasto y tiene su inconfundible sello de perfección fashion. Las lentejuelas, cintas, canutillos y demás encantos que cuelgan del nuevo complemento Tcherassi hablan de una artesanía nacional con identidad, transformada y adaptada por quien sabe de moda para que el mundo la conozca. Para que Colombia entienda el potencial de su manufactura y se ubique en el radar de las grandes costuras latinoamericanas por obra y gracia de su diseñadora más internacional.

Usted le ha apostado a la artesanía de lujo en su concepto de moda. ¿Qué papel juegan las mochilas y ahora los canastos en su propuesta?

Siempre me ha gustado transformar piezas cotidianas, tradicionales, de uso diario, en algo extraordinario. Eso se pudo ver en las mochilas, que transformé por primera vez en prendas de lujo que incluso son coleccionadas y han generado toda una tendencia. Lo mismo pasa con los canastos, que a diferencia de las mochilas, están pensados para las ocasiones más casuales, pero que también están llenos de detalles y mucha pasión.

Piezas de lujo con un impecable trabajo manual

En sus clutches que homenajean a Cartagena y Barranquilla, la intervención era basada en fotografías y cristales Swarovski, que también están presentes en las mochilas. ¿Qué materiales se aprecian ahora en los canastos?

Las texturas siempre han formado parte de mi propuesta de moda. Y en los canastos he utilizado apliques de distintos materiales, además de incorporarles ciertos elementos, como charms, cintas, etcétera, que le dan a cada uno su identidad.

¿En qué ciudades estará disponible esta colección de canastos? ¿Es limitada?

En todas mis boutiques. Teniendo en cuenta que la creación de texturas es realizada a mano utilizando materiales diversos que forman parte de mis archivos y mis colecciones y a cada uno le doy un “toque final”, podría decirse que son piezas únicas. No hay dos canastos iguales.

¿Seguirán las mochilas y clutches en sus planes luego de esta propuesta con canastos?

Claro que sí. El de las mochilas ha sido un proyecto bellísimo que ha tenido un impacto sorprendente en la promoción y difusión de la artesanía Wayúu y colombiana en general. Me siento comprometida con las comunidades que elaboran las mochilas que sirven de base para la intervención y juntos hemos aprendido y hemos perfeccionado nuestra técnica y nuestro trabajo. Los clutches son más bien conmemorativos, homenajes a Cartagena, a Barranquilla, celebraciones de nuestra cultura y nuestro colorido. Entonces, todos forman un componente importante de nuestra colección de accesorios.

Usted es la única diseñadora que tiene en Barranquilla un outlet permanente. ¿Es una manera de hacer su moda más democrática?

El outlet es una necesidad cuando tienes tu planta de producción, tu propia red de distribución y un manejo de inventarios muy dinámico. Pero en el caso mío, además es un espacio donde puedes encontrar prototipos de prendas que no salieron al mercado, piezas experimentales, es decir, es mucho más que prendas de la anterior colección. Por tanto, como pueden contar quienes lo han visitado, es una verdadera caja de sorpresas. Está localizado al lado de mi boutique principal como prueba de que es algo especial.

Cartagena, territorio Tcherassi. Barranquilla, ‘coming soon’

Abanicos, el nuevo homenaje de Silvia a Cartagena

A propósito de su faceta como empresaria en el sector hotelero, ¿cuándo estará listo su nuevo hotel boutique en Cartagena y cuál es su oferta diferencial con la Mansión Tcherassi que ya existe?

Esperamos abrir puertas en el 2016. Este nuevo hotel tendrá 42 habitaciones, dos restaurantes, un lounge-bar y un café. Y será el tercer hotel más grande del Centro Histórico de la ciudad, con un concepto que mezcla naturaleza, arquitectura y moda. Como bien dices, la actual locación en la Calle del Sargento Mayor se pasará a llamar Mansión Tcherassi, donde se atenderán huéspedes VIP con mayores requerimientos de privacidad.

En Barranquilla se han diluido los indicios que la señalaban como una candidata fuerte a ganar la concesión del hotel El Prado. Sin embargo, se está a la expectativa de los proyectos que pueda tener en la ciudad, en el sector de lo que será el Portal de Genovés. ¿Planea alguna construcción en esta zona?

En estos momentos estamos analizando distintas alternativas para un proyecto en Barranquilla que pensamos iniciar en el corto plazo. Cuando tengamos un proyecto con todos sus componentes configurados y su identidad definida, lo anunciaremos oficialmente.

Bonus track: La colección primavera-verano 2015 de Tcherassi es un deleite. Siluetas fluidas y estructuradas se ciñen a la cintura en tonos como el negro, el brazo y la gama de cobrizos. Tules y encajes se deshacen en las piezas, que se valen de cinturones recamados para marcar la cintura, que hacen de la propuesta una oda a la feminidad en tiempos de vanguardia, una sensualidad elegante. Bordados y texturas juegan a ser filigrana sobre cada prenda.

Cucayo, un tributo a la cultura popular barranquiller

noreply@blogger.com (Andrea Jiménez Jiménez) — Tue, 18 Nov 2014 18:46:00 +0000

Hay que ir a comer a este templo barranquillero, el que reseñé para la revista Sí, de El Heraldo, hace un año. No hay presa mala, ni mucho menos rincón perdido. Todo es goce.

Uno no sabe qué mirar primero. Si la Barra Juniorista, a modo de la propia frutera, o el Expreso Cucayo, con torniquete a bordo. Los culpables del enredo visual: la ‘Liga gráfica’, un grupo de señores de varios municipios del Atlántico que se han dedicado toda su vida al arte popular que inunda las calles de Barranquilla de color, y que ahora están bajo las mismas coordenadas, debajo de un palo de almendra enorme, como mandado a poner en la terraza del lugar.

Ellos se encargaron de condensar los rasgos más autóctonos de Curramba en una explosión gastronómica vestida de fiesta eterna, o sea, el resumen de esta ciudad, festiva por excelencia.

Un servilletero muy picotero

Pero pongámosle orden al asunto. Para empezar, hay que hacer una lista de las cosas que hace años no se veían. Los chocoritos, esos juguetes minúsculos que se gastaban la infancia, ahora son los recipientes donde se sirven los aderezos. Un carroemula en cerámica y el edificio Miss Universo, partido en dos, como queriendo crear una versión de las Torres Gemelas barranquilleras, son el servilletero y salero/pimentero, respectivamente, y son creación de Luis Carlos Asís, artesano del taller Carnaval Tradicional. Estos infaltables de la mesa también tienen su versión picotera, un modelo a escala del Cucayo Estereo Láser, el nuevo lienzo de William Gutiérrez.

Este señor de 54 años, residente del barrio Santo Domingo de Guzmán, pintó en un par de días el lienzo tropical neón que invita al goce pleno, “el más pegao”: la rockola popular que le pone el sabor melódico a Cucayo. Los dibujos que más le solicitan son los que sirven para alcahuetear una verbena al amanecer, los que identifican a los picós más reconocidos de la ciudad con pinceladas fosforescentes.

Un giro de 90° alrededor de su máquina musical para darse de frente con mecedores tejidos y mesas que chillan un arcoíris costeño. Estas últimas, pintadas con aerógrafo, muestran los rostros de las glorias del deporte local hechas por El Zurdo. Cada vuelta multicolor de las cuerdas sintéticas que forran las sillas fue dada por Aquiles Escorcia, un personaje de esos que ya poco se encuentran en las calles, con carretes de plástico al hombro para reparar el gastado espaldar de la silla de visitas.

El único bus que no va en la hoja. Se entra sin pagar.

No hay un detalle suelto. Todo está fríamente calculado, como en el bus del fondo. Sí, un bus dentro de un restaurante, que ambientaron las curiosas manos de David Pinto, graduado en ningún lado de Estética Busetera, pero diestro en el arte de marcar ventanas, hacer mosaicos en los techos de los automotores y acomodar asientos y torniquete para recrear el propio bus barranquillero. Claro, sin excesos de velocidad y paradas a destiempo.

La próxima frenada es la KZ, un templo sagrado a los intérpretes ilustres de la banda sonora popular del Caribe, o, dicho uno a uno, el recinto donde aún viven Joe Arroyo, Esthercita Forero, Pacho Galán, la Niña Emilia, Rafael Orozco, y otros que aún nos acompañan, como Diomedes Díaz, Pedro Ramayá, Iván Villazón, Poncho Zuleta… sus rostros fueron trazados por Emiro Sarmiento, de Malambo, de 71 años, de sensibilidad en el pulso, de cuadros por encargo.

Emiro Sarmiento, el 'papá' de la K-Z

A Sarmiento, como le dicen, lo metió en el cuento Añepracso, u Óscar Peña (nótese el palíndromo de su nombre artístico), el más famoso rotulador de avisos de verbenas de la ciudad, el especialista en tipografía picotera, el que invita, cada semana, con su puño y letra, a los toques de las bestias musicales. “Como tengo la costumbre de firmar mis avisos, hasta me llaman preguntándome que a qué hora es la verbena”. Él también estampó mesas con su arte.

En el fondo de Cucayo, en este recinto que hace las veces de caldero multicolor con forma de restaurante, cuatro ojos enormes y amarillos miran sin parpadear. Las lámparas inertes del tigre y del torito anuncian que se ha llegado a la Casa del Carnaval, donde burro, puloy, monocuco y marimonda encabezan el despelote gastronómico. Porque solo después de apreciar totalmente este palacio currambero es que se puede sentar uno tranquilo a comerse una entrada de butifarra o de arepa e’ huevo. Pedir algo diferente a agua e’ panela o un jugo de corozo es casi una blasfemia en Cucayo. Aquí se viene a pedir algo de la casa, como una mojarra con arroz de coco, o un buen sancocho de mondongo.

Nancy Cabrera, una de las dueñas del restaurante, asegura que “sería un atrevimiento decir que yo hice el menú”. La carta fue hecha basada en la idiosincrasia y en las costumbres gastronómicas locales. “El chef principal es Barrranquilla”. Es un compendio de tradiciones culinarias que se nutre día a día.

Para que queden antojados...

Y es que en la gran oferta gastronómica local reciente, que ha tenido un boom desde hace unos cinco años, no se encontraba un sitio con las características de Cucayo, dicharachero y monocuco, directo al paladar.

Los encargados de transformar el lugar en el templo iconoclástico que salta a la vista fueron Johnny Insignares y Fernando Vengoechea, de Todo Mono. “Ellos son los genios detrás del concepto”, los encargados de hacer visibles esos personajes que todos vemos a través de su arte, pero que pocos conocemos.

Del Caribe aflora, tierra encantadora, con mar y río una gran sociedad…que se come, que se mira, que se escucha, que se siente y que, ahora, se acuna en un universo pequeñito dentro de ella misma, que le rinde homenaje para recordar lo grande que es, aunque se nos olvide.

Esto, como el cucayo, promete pegarse.

El ‘wayúu glam’ se expande a la medida barranquillera

noreply@blogger.com (Andrea Jiménez Jiménez) — Sun, 09 Nov 2014 22:37:00 +0000

Este artículo es la versión extensa de una mucho más corta que escribí para ADN Barranquilla, publicado el 14/08/2014.

Un par de marcas nuevas y locales se impulsan en el mercado de lujo de las mochilas. Silvia Tcherassi, otra barranquillera, fue la precursora.

Fue Silvia Tcherassi la precursora de la nueva estética wayúu, una en la que los hilos enhebrados por la etnia guajira dejaban su acostumbrada apariencia geométrica en las mochilas para revestirse de cristales Swarovski, lentejuelas, hilos de oro y otro tipo de intervenciones a partir de elementos y texturas difícilmente asociados al lenguaje artesanal de la comunidad indígena.

5.500 cristales Swarovski empezaron con la revolución de la mochila wayúu en manos de Silvia, la diseñadora de modas colombiana más internacional, y esa interpretación glamorosa de una pieza artesanal por excelencia sirvió para darle un vuelco al concepto de lo étnico en la moda, una tendencia que sana el escaso valor que se lo da a lo hecho a mano en el país y que está poniendo de cabeza esa premisa desde el estilo.

Lo de Silvia Tcherassi es de locos. No se sabe cuál mochila es más linda que la otra. La mía es rosada.

Otra barranquilla, Cristina Ruiseco, es una de las exponentes del llamado ‘wayúu glam’ desde una mirada más universal. La base de sus creaciones, el tejido de una hebra que elaboran las indígenas guajiras, termina recubierto de bordados, pedrería, cristales, flecos, monedas y pasamanería fina, convirtiendo el bolso en una pieza artesanal con rasgos de todas partes del mundo, pues los elementos que usa en la decoración son traídos de Grecia, China, India, Turquía, entre otros destinos, mientras que los herrajes son importados desde Italia.

“Quería llevar algo de Colombia a todas partes del mundo, pero quería fuera algo más que una artesanía: quería que fuera chic”, cuenta Ruiseco, una amante de la versatilidad, la geometría y la combinación de tonos que le da la comunidad wayúu a su trabajo. Su marca, Mochilas Miss G Bags, surgió hace ocho meses como “un ensayo para estar junto a mi hija Gabriela y compartir momentos para desarrollar el arte”, que ya había probado en el paisajismo y en el diseño de interiores.

Así han nacido 420 piezas únicas, hechas a mano 100%, que son “una joya en la mano y se mueven al caminar”. Las borlas finas, las asas delgadas y los herrajes que usa son el sello característico de su firma, que ha encontrado en los caftanes un complemento ideal para cualquier escenario y ocasión, haciendo gala de la versatilidad y la comodidad.

Cristina Ruiseco y sus mochilas únicas. De verdad que lo son.

Aunque podrían parecer más costosas y están a la altura para competir con los cientos y miles dólares de una mochila de Tcherassi, Diane von Furstenberg u Óscar de la Renta –quienes también han reinterpretado el bolso-, su precio oscila entre los $250.000 y los $400.000, dependiendo de la cristalería y los apliques que se usen en su elaboración. Se pueden conseguir en la tienda Vanessa Thewlis, en la carrera 52 con calle 76, en Barranquilla, y también en Cartagena, en Mia Concept. Las redes sociales, Facebook e Instagram (@mochilasmissgbags), son su mejor catálogo.

Si bien La Guajira pone la mano de obra primaria en la confección de estos bolsos únicos, Barranquilla se ha encargado de sumar diseñadoras que las reinventen. También está Annie Pérez, con su marca WayuuLifestyle, en el radar de la moda étnica nacional e internacional. Currambera residenciada en Canadá, allá nace su “sueño de llevar a todo el mundo lo bello que tenemos desde una firma vanguardista”.

Estando en el otro hemisferio, Annie, amante de las mochilas desde siempre, fue interrogada por su mamá sobre una posible comercialización de esta prenda en Norteamérica, y en un abrir y cerrar de ojos, sin haber vendido antes en ninguna otra plataforma, terminó haciendo la apertura oficial de su firma en Carassauga, un festival de culturas con pabellones de todos los continentes, incluyendo América Latina, y en el que la barranquillera vendió el 80% de los bolsos que mandó a encargar desde Colombia. “En junio del año pasado decidí abrir Instagram, el cual tiene hoy 25.700 seguidores”, muchos de ellos artistas como Carlos Vives, Paula Andrea Betancourt, Gaby Espino, Carolina Cruz, entre otros, quienes suelen llevar sus creaciones, que se han extendido a clutches.

Una belleza de WayuuLifeStyle

Taches, cristales y mostacillas checas se trasladan a los hilos de las mochilas para personalizar piezas artesanales por pedido de los clientes, “un toque de lujo a una obra de arte”. De La Guajira, una vez hiladas, pasan a Medellín, donde la mamá de Pérez supervisa la ornamentación. “El proceso de decoración de cristal es muy cuidadoso, en detalles y pulimiento de cada pieza”, y es el paso más delicado, que culmina con productos de lujo desde los $120.000 hasta los $450.000.

A recorrer el mundo.

El modelo 'Begonia', de Santificada Wayuu.

Tanto Miss G Bags como WayuuLifestyle han hecho la exportación como una realidad. La primera está muy fuerte en el mercado de las islas del Caribe y Miami, además de tener comercialización en Francia, Italia y Dubai, “donde encanta lo cargado, lo ostentoso”, según explica Cristina Ruiseco. Caso contrario ocurre en París, donde prefieren las creaciones más sencillas. Annie Pérez, por su parte, ha logrado llevar su sello a Miami, África, Brasil, Ecuador, Venezuela, Reino Unido, Canadá y Dubai. Ambas, barranquilleras y tenaces, en poco menos de un año.

Se abre el mercado. No solo Barranquilla se especializa en la producción de este nuevo lujo, también marcas como Santificada Wayuu, una marca bumanguesa fundada por Viviana Álvarez, quien también ha sabido reinterpretar el legado indígena en piezas de colección que ya han estado en macrorruedas de negocios y ferias de moda nacionales como Plataforma K, Colombiamoda, Cali Exposhow...

Bonus Track: Las pulseras de Silvia Tcherassi, que no necesitan presentación, sino verlas:

Edgardo Osorio, nuestro niño prodigio de la moda

noreply@blogger.com (Andrea Jiménez Jiménez) — Sun, 26 Oct 2014 20:23:00 +0000

Este artículo lo escribí para el diario El Heraldo a propósito de la celebración del Bicentenario de Barranquilla, el 7 de abril de 2013. Le pedí a Silvia Tcherassi y a Francesca Miranda que me dieran el nombre de quien consideraban el talento de la moda barranquillera del futuro y no pudieron darme un mejor candidato, que posiblemente esté fuera de concurso. Lo llamé a Nueva York, en medio de su apretada agenda, y es una de las entrevistas más cálidas y chistosas que he hecho en mi vida. ¡Tipazo!

Una piña le recuerda de donde vino. Piña de oro que brilla como el Sol, su leal aliado, y que contrasta con el agua azul de su Aquazzura. Piña tropical, que sella la anatomía de sus creaciones, su estampa diferencial. Piña que es una apología a Colombia, a las palenqueras de Barranquilla y Cartagena, a frutas llenas de color.

Necesita ese recuerdo cálido para llevar el swing latino a sus creaciones de punta y tacón, para mezclarlo con la sofisticación europea, la estética italiana, la dolce vita de los 60 y subir, a la mujer, a un viaje sin regreso donde la sensualidad conduce. La elegancia viene del Viejo Continente; lo sexy corresponde a este lado del hemisferio.

Edgardo Osorio es tan barranquillero como los jugos que hoy extraña desde cualquier latitud, en invierno o en verano, en Londres o en Milán. Decir que a los 18 años ya trabajaba para Salvatore Ferragamo le dará una idea de su magia para diseñar zapatos, que como piezas de colección, soportan el imaginario de Aquazzura, su marca, la misma que ha sido reseña en varias decenas de revistas internacionales de la talla de Elle, Vogue, Bazaar, Marie Claire, por mencionar algunas, gracias a su magistral propuesta.

Edgardo tiene 27 años... ¡just 27!

“Es una marca colombo-italiana porque está en Italia, pero mis raíces son las mías y son parte de lo que enriquece y lo que hace que mi marca sea lo que es y que mi estilo sea lo que es”. Tiene su gusto claro.

Empezó su carrera en el diseño a los 14 años, luego de una corta estadía en Londres, donde llegó a estudiar gracias al apoyo de su familia. “Cuando regresé tenía algunos trabajos y Francesca Miranda me dio la oportunidad de trabajar con ella. Yo prácticamente salía del colegio a trabajar con ella todos los días, por casi tres años”, explica.

Terminó su bachillerato en el colegio Parrish y viajó a la capital británica, nuevamente. Esta vez a estudiar en la Central Saint Martins, institución que abandonó para enfilarse en el equipo creativo de Ferragamo. Allí llegó por un contacto que había hecho tiempo atrás, en Milán, en un desfile de Francesca. Se mudó a Florencia, abrió su propia empresa de consultoría de moda y trabajó con más de 20 marcas.

Siguió boceteando, haciendo contactos, y Roberto Cavalli para que trabajara a su lado. “Me volví el director de accesorios de zapatos a los 23 años”, me cuenta, al tiempo que me reitera su desmedido gusto por el Sol y los colores, que se convierten en inspiración permanente.

Se ríe mucho. Se le olvidan las preguntas. “Y yo soy hablador, en eso sí soy súper barranquillero, yo sí hablo”. Y se le sale un “ajá” en medio de la conversación. Edgardo ha logrado a los 27 años lo que a muchos les cuesta casi una vida entera. Es un prodigio en el campo, una promisoria figura de la moda barranquillera. Un personaje que se atreve y que piensa que la moda no debe ser tan intelectualizada.

“Siempre estoy pensando en el próximo zapato, no en el primero”. Él va un paso adelante, de la mano de un cosmos que viene en forma de plataforma, sandalia o tacón.

Aquazzura feat Olivia Palermo

La moda regala alianzas de ensueño, como H&M y Karl Lagerfeld, o Louis Vuitton y Takashi Murakami, Altuzarra para Target, Silvia Tcherassi y Payless...y ahora, Edgardo Osorio se une a esa oleada. Su amiga, su musa, Olivia Palermo, marca el paso de la nueva colección cápsula de su Aquazzura, con todo el allure de la socialité neoyorquina y su sentido agudo de la universalidad de la moda. Son 6 pares de taconazos con el habitual sex-appeal de la marca italiana vistos por los ojos de Olivia, quien usó cuero platinado, cachemira y ante para encerrar el pie en botines de lujo, sensuales 'pumps' e intrincados trenzados.

Desde el mes de septiembre está a la venta esta colección, la otoño-invierno 2014, que solo se consigue en 12 tiendas alrededor del mundo y online de manera exclusiva en la plataforma Net-a-porter.

El hasta siempre silencioso de Óscar De la Renta

noreply@blogger.com (Andrea Jiménez Jiménez) — Wed, 22 Oct 2014 16:41:00 +0000

Escribí este artículo para ADN Barranquilla, el diario donde trabajo. Fue publicado el 22/10/14.

No fue hombre de escándalos, por eso tampoco se pavoneó de su partida y lo que ésta representaba. Recuerdos colombianos que dejó el diseñador latino más grande de todos los tiempos.

En la pasada Semana de la Moda de Nueva York.
Su última aparición pública.

A los genios solo les queda caer de pie, como a Óscar De la Renta. No tienen otra salida; no disponen de demasiado espacio para escoger el brillo. El dominicano, nacido en el seno de una familia acomodada y numerosa, eligió el arte desde siempre. La exploración de la pintura lo llevó a ahondar en las capas más misteriosas del género femenino para darle a la mujer exactamente lo que soñó en las fantasías.

Si todas han querido ser princesas ensoñadoras, dueñas de su propio cuento de hadas, De la Renta fue el mejor escritor de cuentos con tules, sedas, organzas y su inconfundible sello de romanticismo, rubricado en las letras cursivas que siempre fueron el telón de sus pasarelas. En la última que presentó, en septiembre, en Nueva York –no podía ser otro lugar que la ciudad que puso a sus pies-, la exquisitez de sus flores y su destreza con las siluetas hicieron que todas las miradas voltearan hacia él. Ya fuera en la última fila, en el ‘front row’, o a través de un smartphone. Todo el mundo quiere a Óscar De la Renta porque el planeta entero lo conoce.

Descifrar a la mujer hizo de quien fuera discípulo de Cristóbal Balenciaga (Guetaria, España, 1895- Valencia, España, 1972) el epítome del diseño latinoamericano por excelencia, y el responsable de que nuestro continente se ubicara en el radar ‘fashion’ mundial. Puso a la moda a hablar español cuando el francés era la lengua materna y el inglés se apoltronaba como segundo idioma del universo creativo. Se lo debía a Santo Domingo, capital de su República Dominicana, que lo trajo a la vida un 22 de julio de 1932.

Su paso por Elizabeth Arden, Lanvin y Balmain lo prepararon para hablar en primera persona, a su nombre, sobre la pasarela, fundando su sello. Fue cuando el esplendor y drama de sus cortes tocaron techo, cuando se vinieron los icónicos trajes de novia pintados de rosa pastel y azul. Los vestidos nupciales, la cereza del pastel De la Renta, vistieron desde rostros locales hasta los más envidiados del planeta.

Colección Bridal 2013. El romanticismo pintado de color.

María Isabel Dávila, reina del Carnaval 2006, se dio el lujo de casarse, hace tres años, con un clásico blanco del dominicano de su colección spring-summer de novias. Hace apenas unas semanas, Amal Alamudin, la heroína de carne y hueso que logró casar a George Clooney, usaba, sin saberlo, el que sería el último traje de matrimonio del “caballero de la moda”, como lo llamó su colega y amiga barranquillera Silvia Tcherassi.

'Marichy' con su traje de novia de Óscar De la Renta, comprado en la boutique de Miami.

A su paso por el Cali Exposhow del 2009, bailó salsa.

Pero Colombia tiene un recuerdo aún más auténtico del modisto. Fue en el 2009, en la capital del Valle, cuando la feria Cali Exposhow lo presentó como su invitado internacional y estelar. La modelo Norma Nivia cautivó al dominicano en el casting, que se sentó en primera fila para ver desfilar su colección Resort 2010, un verdadero privilegio si se tiene en cuenta que pocos creadores de su estatus presentan una propuesta completa para determinada estación en pasarelas especiales, como la de Cali. Por ese entonces bailó salsa y se sintió a gusto. Su sonrisa lo delataba.

Claro, estaba familiarizado con un país que lo conoció en persona en el 2000, cuando inauguró dicha edición de Colombiamoda, y luego volvió después para presentarle a esta parte del mundo lo que era hacer Alta Costura para Balmain. Una sinfonía del color anclada a su alma latina y caribeña, para la que nunca parpadeó.

En septiembre pasado, bajo el cielo neoyorquino que siempre brilló para él, cuando apareció delante de ese mural de flores con las que le encantaba vestir sus desfiles, ya se le vio algo desanimado. La semana pasada, un anuncio ligeramente anticipado debió avisar que algo iba mal: De la Renta dejaba en manos de Peter Copping la dirección creativa de su firma. Este lunes, en Kent, Connecticut, su corazón apasionado por la moda y la elegancia se echó a dormir.

Es que ya el cáncer, con el que fue diagnosticado en el 2006, había hecho mella. Un paso a un lado y un retiro con la factura de sus mejores galas. Óscar De la Renta no pronunció la palabra ‘despedida’ porque nunca se irá. Para caer de pie es necesario eternizarse. Ya el gran Óscar pasó el examen.

Un caribeño de Alta Costura

Si tal vez algo le quedó pendiente al modisto fue el hecho de entrar con su firma personal a la Cámara de la Alta Costura Parisina. Lo hizo mientras estuvo en Balmain, pero no como Óscar De la Renta, algo que hubiera marcado un hito en la historia del máximo organismo de la Haute Couture mundial, puesto que habría supuesto ser la primera marca netamente latina en sus filas. Al respecto, Silvia Tcherassi, amiga personal del diseñador dominicano, da su opinión.

¿Cree que se les dificulta a los diseñadores latinos entrar en calidad de invitados a la Cámara de la Alta Costura de París con la muerte de De la Renta?

Recordemos que Óscar De la Renta fue director creativo de Pierre Balmain y presentaba sus colecciones en el calendario de la Alta Costura y fueron siempre bien recibidas. La Cámara de la Alta Costura siempre ha sido abierta a no franceses. Y estoy segura de que si Oscar hubiera solicitado su inclusión a título personal, lo hubieran aceptado. El hecho que esta misma Cámara me hubiera invitado a presentar mi colección pret-a-porter en el calendario de la Semana de la Moda de París es la mejor prueba de que valoran el talento latino.

“Siempre estaré agradecida por haber propuesto mi nombre para Balmain”: Silvia Tcherassi

Al preguntarle a Silvia Tcherassi por el retrato que deja en su mente Óscar De la Renta, se nota su corazón puesto en cada una de las palabras por dibujarlo. “Siempre recordaré de Óscar su sonrisa y su calidez. Era un hombre impecable y exquisito, un caribeño excepcional. Una persona orgullosa de su cultura latina, y era el embajador no solo de República Dominicana, sino de América Latina. Siempre será una inspiración como persona y profesional. Además, siempre estaré agradecida por haber propuesto mi nombre para ser la directora creativa de la colección ready to wear de Balmain. Me siento honrada de haber sido su amiga y que él también lo sintiera así. Me acuerdo cuando lo entrevistaron en La W y le preguntaron por Colombia y dijo que tenía dos amigos en Colombia: Julio Mario Santodomingo y Silvia Tcherassi.

Cuando llueve café en el campo... y en la ciudad

noreply@blogger.com (Andrea Jiménez Jiménez) — Thu, 17 Oct 2013 17:38:00 +0000

Esta historia comenzó a documentarse a la vista de todos hace diez años y habla de un idilio rojo y frío, que duerme en el grano de una planta de cafeto. Ese grano se bebe hoy entre lo dulce y lo amargo, espuma y burbujeo, y es alma en ágape con familiares y amigos, o en el trabajo, y atraviesa el arte, la cultura y la política.

Es la bebida clásica por excelencia que calza la cotidianidad diaria, que está tan lejos como un sobre en la cocina y es tan universal que entiende de ruana y esmoquin.

Érase una vez una Colombia de sueños molidos, como el café, que hizo de la semilla traída por los colonos europeos el sumun de la exportación nacional, una cunita donde cabía un mundo diferente a las balas que narraron la historia del país desde su conquista, y que en 1927 dio un paso decisivo en sus aspiraciones económicas, políticas y culturales: creó la Federación Nacional de Cafeteros de Colombia (FNC), considerada una de las ONG rurales más grandes del mundo.

Con gremio forjado y constituido, cuesta ignorar por qué tardó tanto la organización en hacer del café una verdadera marca nacional, pues si bien era el principal producto de exportación, en el país la tradición cafetera estaba relegada para los abuelos, para los adultos de la casa, para leer el asiento del grano y predecir el futuro.

Solo hasta 2002 la FNC gestó Procafecol, la organización creada para generar negocios de valor agregado al café y promocionarlo a nivel internacional. “Hasta ese momento, Colombia se concebía como proveedor de café verde, estándar y especial. Sin embargo, con la observación de los cambios en el mercado internacional y las recurrentes crisis de precios que golpeaban principalmente a los cultivadores, el país decide hacer una apuesta arriesgada y ambiciosa para participar de estas oportunidades”, asegura Edwin García, director de Mercadeo de Procafecol S.A.

La iniciativa se apoyó en el personaje de Juan Valdez y en su reconocimiento, un señor de bigotes que se vuelve marca y pone su firma en los productos premium que distribuye en la cadena de tiendas de su mismo nombre, y en los negocios de retail. Allí descubrieron los colombianos, y sobre todo, la nueva generación, que el café es más que agua negra con burbujeo espumeante, caliente hasta quemar, y obligación de tertulias.

Con un menú cargado de cafés filtrados, espressos, nevados y bebidas frías, el colombiano entendió que el grano rojo ofrece un mundo de posibilidades para probar hasta siempre. “El desarrollo del menú original de Juan Valdez duró cerca de dos meses, lo que incluyó desarrollo de receta, validación de ingredientes y pruebas de consumidor, entre otros. Hoy el menú se mantiene en constante evolución, producto de las necesidades de innovación que demanda el mercado”, explica García.

Los nevados han sido desde el principio la bebida de mayor éxito y ha ido creciendo constantemente la demanda de bebidas a base de espresso (lattes, moccas y capuccinos). De hecho, los nevados son los favoritos del público joven, principalmente en tierra caliente, en un rango de edad entre 17 y 25 años.

“Las bebidas como nevados y granizados son una buena forma de introducir a las personas, especialmente a los jóvenes, en el consumo bebidas con café, pues son ricas e indulgentes”, sostiene el vocero de Procafecol.

En este año de celebración por los diez años de Juan Valdez, la marca lanzó una colección de ropa y productos de edición especial como el café conmemorativo, que comprende bebidas hechas con el grano producido en lugares cafeteros a nivel nacional que la gente no tiene presente. “La zona de producción de Colombia es muy extensa y abarca lugares que no están en el pensamiento común de la gente. Por tal razón se han querido promocionar 10 orígenes que están por fuera del eje cafetero y que producen un café de altísima calidad”, subraya el director de mercadeo.

Un nuevo amor. Un experto como Luis Fernando Vélez, o un amante, mejor, sabe muy bien que un café especial es uno que tiene más de 84 puntos sobre 100 en un panel de catadores expertos; que un café de origen es un café que proviene de una región específica que puede ser una finca, un municipio, o un país, y que la importancia de este tipo de café es que hasta hace muy pocos años se decía que el mejor café siempre venía de una mezcla, y hoy se ha demostrado que un café de origen tiene una mayor complejidad y cantidad de aromas y sabores.

Él, que está convencido de que la lata es la materia que mejor protege la calidad del grano, es otro de los abanderados de la causa del café no solo como producto nacional, sino como estilo de vida. “El café tiene que ser nuestro estilo de vida. Es el producto de Colombia con el más alto reconocimiento a nivel mundial y así como los japoneses tienen el ritual del té, los colombianos estamos empezando a desarrollar nuestro ritual del café”.

Por eso, Amor Perfecto, su empresa, presta servicios como la Barra de Café y las cataciones. La Barra de Café incluye barista, máquina de café, molino e insumos, para que las fiestas y reuniones se disfruten tanto como con una fuente de chocolate.

Del mismo modo ofrece la catación de café, en la que se realiza una inducción sobre las diferentes regiones cafeteras de Colombia, una presentación de los procesos desde la finca, y se catan los cuatro sabores básicos a través del grano: salado, ácido, amargo y dulce.

Luis Fernando Vélez, creador de Amor Perfecto

Amor Perfecto, que empezó en 1997, cuando Juan Valdez ni siquiera se había pensado, se suma a las empresas colombianas que continúan en la búsqueda de los mejores cafés de Colombia, como sucede también con Oma. “Las inversiones de Juan Valdez han hecho que la categoría crezca y se desarrolle”, agrega Vélez, quien con su empresa y toda la flota explotadora de café busca responder a un ideal que quiere posicionarse mundialmente como imperativo de identidad cultural, y asimismo hacerle frente a un grande que llegará al país en el 2014: Starbucks, la multinacional de la sirena inspirada en Moby Dick, que, en palabras de su presidente Howard Schultz, no viene a ser la competencia del café colombiano, sino a aumentar su consumo.

Ojalá que llueva café en el campo, y en la ciudad, y el esnobismo no se trague, de un sorbo, los sueños que comienzan a arropar a una nación que quiere ‘tomarse’ en serio su calidad exportadora.

Arte en espuma. Sonja Björk Grant es la mejor entrenadora de baristas del mundo. Sonja es islandesa, y barista es una palabra de origen italiano que se refiere a las personas que preparan café en barras. Un barista le da corporeidad al alma de la semilla cafetera. Es el último maestro en la cadena productiva del café como bebida, luego de pasar por las manos de recolectores y tostadores. Es el genio del arte en la transformación de la materia prima. El que regala la sonrisa al final.
Björk estuvo de visita en Colombia hace un par de semanas. La invitó Amor Perfecto, la marca fundada por Luis Fernando Vélez, un enamorado del café que descubrió en Londres, en los inicios de los 90, que tomar esta bebida merece un ritual. La islandesa ha sido juez y organizadora de más de 20 campeonatos de baristas del mundo, y llegó al país para continuar con el compromiso de Amor Perfecto: “dar a esta profesión el posicionamiento y el encanto para consolidar la cultura de café en Colombia a través de las mejores preparaciones”.
Para Sonja, ser barista no requiere de ningún secreto o truco especial. “Creo que se trata de ser curioso de su café, hacer preguntas y trabajar con otros baristas. Estar abierto a nuevos sabores, cafés de degustación, probar nuevas ideas de elaboración y simplemente seguir experimentando”, confesó a EL HERALDO.
Entre sus calificaciones no solo puntúa el mejor sabor y consistencia, sino un arte enraizado a la estética del café, el denominado latte art, o el dominio de esas figuras de espuma que se posan sobre la bebida y que el consumidor procura no tocar con los labios, para conservar las espigas, corazones y caritas que se dibujan.
Se llega a ser un experto en el latte art con mucha práctica, dice la escandinava. “La leche ha de ser espumada de una manera que es sedosa, suave, sin grandes burbujas y no demasiado gruesa. A continuación, se trata de la técnica de vertido y la creatividad detrás del patrón que desee conseguir. El contraste entre el café y la leche es muy importante, en blanco y negro. Aquí también es muy bueno tener humor y creatividad, algo que le saque la sonrisa al cliente”.

Esta es la genial Sonja

Mingo, un rey del Carnaval sin corona

noreply@blogger.com (Andrea Jiménez Jiménez) — Mon, 12 Aug 2013 16:17:00 +0000

Este artículo fue publicado el 23/05/2013 en el diario El Heraldo

¡Ay, Mingo!, te fuiste sin que nos diéramos cuenta. Sin mucha bulla y carcajadas. Sin que supiéramos bien, ni tú ni tu familia, el porqué de tu baja exagerada de peso. El implante dental que tuviste que adoptar para no perder la sonrisa amplia que nos regalaste a todos te causó una infección, pero no era esa la razón de tu inapetencia, de tus ganas recortadas de comerte un buen plato costeño, que te alimentara las ganas de seguir echando cuentos. La depresión de no tener dientes, que te impedía ‘pelar la chapa’ como estabas acostumbrado a hacerlo, disfrazó lo que en verdad te devoraba por dentro.

El hierro, entonces, fue insuficiente, y el resultado de la patología solo les dijo a los médicos hasta hace dos días que un tumor maligno se había alojado en tu colon. Tu hija Kathy, una de los seis que concebiste al lado de Cila Olivares, con quien cumplirías 50 años de casado el próximo agosto, recuerda lo débil que estabas el pasado domingo, cuando tuvieron que llamar a AMI urgentemente porque tu desgano era ya preocupante. Una baja de potasio te recluyó, en tus últimos días, en la Clínica La Asunción.

Enamorado y caballero, tuviste 18 hijos producto de tus amoríos. Bien vestido siempre estabas, elegante a tu modo, como dice Rafael Páez, quien fuera tu director por una década en Cheverísimo, el programa que, con tu presencia, llegó a ostentar el más alto rating de sintonía que haya tenido Telecaribe. “A pesar de haber llegado con un nombre, de haber llegado un tipo con 20 años de experiencia en el humor, era un hombre muy llevadero”, rememora Páez. Entendía, repetía, daba paso a los otros. “No porque fuera el de mayor experiencia era el de la última palabra”. Mingo, también fuiste maestro, y los buenos maestros saben reconocer el talento de sus alumnos.

Tú, el hechicero del humor radial, el pionero de esta tendencia, el arquitecto de sonrisas que se hicieron sintonía en estaciones como Emisora Atlántico y Radio Libertad. Tu salud venía mermando desde el 2009, cuando una arritmia cardíaca nos dio el primer susto.

Tu sonido particular, tu dicharachera manera de lograr audiencia, te hicieron “el propio barranquillero autóctono, aquel man alegre, maestro del humor”, en palabras de Rony Laitano, el popular Care’perro, uno de tus compañeros de set y de carcajadas. Él, como Rafa Páez, como todos los que te conocieron de verdad, saben que te llevaste a la tumba un sueño frustrado: liderar la fiesta del paroxismo currambero, la de los cuatro días que te agitaban el corazón. “Rony, lo que menos me ha gustado es que no me han puesto Rey Momo del Carnaval”, le confesabas a viva voz, cada vez que podías.

Hijo de la Barranquillita que duerme sobre el Caño de la Auyama, nunca te quitaste el sombrero de caballero. “Él echaba sus cuentos costeños con doble sentido sin necesidad de ser un guache”, apunta Claudia Sánchez, otra de sus compañeras de sus años ‘cheverísimos’. Álvaro Ariza, otro integrante del grupo, se sabe de memoria el lugar en el que residió tu éxito. “Lo que caracterizó a Mingo como humorista fue la sobriedad. No era un tipo obsceno, ni vulgar. Manejaba el doble sentido con mucha altura. Era un humorista costeño, pero el costeño bien hablado, el costeño que se expresaba bien. Fue un verdadero caballero de la tarima”.

Y entre las muchas facetas que dominaste, como esa, la del ‘cura cheverísimo’, el amo y señor de las letanías en Carnaval, tú, Manuel Domingo Martínez Morillo, te acordaste de lo intelectual. EL HERALDO de cada día, que no dejabas de leer, te entretenía con el crucigrama, el que jamás te dejaste quitar cuando ibas, cada sábado, a grabar. “Cuidado el crucigrama”, advertías. Eras el dueño y señor de la página, como de esa corona que no portaste, pero que por siempre has de llevar.

Con el actor de televisión Bruno Díaz

Elie Saab, el libanés que no le temió a la Alta Costura

noreply@blogger.com (Andrea Jiménez Jiménez) — Mon, 05 Aug 2013 02:04:00 +0000

Este es un sueño hecho realidad: luego de varias semanas de correos electrónicos que iban y venían, logré contactar, para El Heraldo, el periódico en el que trabajo, a Elie Saab, uno de mis diseñadores favoritos (si no el más), para una entrevista exclusiva. La nota salió publicada el 14/07/2013.

Es uno de los tres diseñadores no franceses de Alta Costura. Su nombre se unió al de Giorgio Armani y Valentino, ambos italianos, para llegar a la cumbre de la moda mundial e instalarse al lado de la genialidad creativa de casas como Dior y Chanel.

Nació en Damour, Líbano, en medio de un ambiente mayoritariamente musulmán, pero se crió católico. Sin embargo, crecer sumergido entre lo más arraigado de las conservadoras costumbres árabes le regaló un sentido del respeto por la mujer como pocos. Sus creaciones, todas, son un homenaje a la feminidad.

Elie Saab comenzó a diseñar a los nueve años, haciendo ropa para sus hermanas. Rápidamente, terminó vistiendo a las chicas de su vecindario, y con valor, logró inaugurar, en 1982, su primer taller de costura en Beirut, empezando así la carrera del que es, hoy, el más grande diseñador de la historia de su país; un verdadero abanderado de la moda, que traspasó fronteras y se convirtió en inspiración para las futuras generaciones.

A través de comunicación virtual, EL HERALDO logró concretar esta entrevista con el libanés, en la que siempre dejó claro un par de cosas: la primera, que es un profesional como pocos, pendiente del más mínimo detalle. Segunda, que es un apasionado del universo femenino, un hombre que no teme en rendirle un homenaje hecho arte, a través de sus diseños, a la mujer.

Es autodidacta, ¿cómo educó por sí mismo sus diseños y puntadas?

Nací con esta pasión de crear y hacer vestidos y siempre estaba rodeado de mujeres hermosas, de las hermanas de los vecinos, por lo que el deseo de vestirlas y que se vieran elegantes y con estilo fue mi inspiración constante. Mi pasión se convirtió en una carrera y continuó con la costumbre de diseñar vestidos de gama alta, lo que me encanta hacer. Fue difícil al principio, ya que la industria de la moda no existía en realidad en el Líbano, pero estoy muy orgulloso de haber abierto el campo y haber creado nuevas vocaciones en mi país. Creía que mi destino era trabajar en la moda y, gracias a mi perseverancia y trabajo duro, la casa Elie Saab fue creciendo con los años.

¿En qué piensa al crear una pieza? ¿Qué debe reflejar esta?

Cualquier cosa puede ser una fuente de inspiración. La imaginación es importante, ser capaz de crear, pero también uno debe inspirarse en todo lo que le rodea, ya sea del arte, la naturaleza, etcétera. Para mí, las mujeres siempre han sido la mayor fuente de inspiración. Personalmente, estoy inspirado por todo lo que veo. Por encima de todo, diseño la ropa para ser usada. Hoy, la mira de la firma es una combinación de siluetas elegantes y atractivas, el corte adecuado y los detalles femeninos. Mi prioridad es siempre diseñar un vestido que resalte la figura de una mujer en su mejor momento, lo que hace que sea femenina y elegante.

La última colección de Alta Costura del diseñador está inspirada en las princesas. El trabajo manual es asombroso.

¿Tiene algún tipo de ‘ritual’ para diseñar o simplemente una pieza se le puede venir en cualquier momento a la cabeza?

Mi proceso de diseño comenzó a partir de una idea. Yo rara vez trabajo con bocetos. Suelo trabajar directamente con los patrones de las telas, las líneas de trazado y los detalles. Me encuentro regularmente con los equipos de trabajo en mi estudio de diseño y mi taller, para comprobar el progreso de nuestras colecciones Couture, prêt-à-porter y accesorios.

¿Por qué ese aire de fantasía es tan importante en sus creaciones, que parecen hechas a la medida de una auténtica princesa?

Mi prioridad es conseguir el corte adecuado del vestido con el fin de resaltar la figura de la mujer lo mejor posible. Yo creo que la mujer debe usar el vestido, y no al revés. Se trata de la percepción de la mujer y de darle el respeto que se merece mientras se diseña y se confecciona el vestido.

¿De dónde nace esa sensibilidad especial para diseñar vestidos de novia?

Diseño un vestido de novia para cada colección de Alta Costura, que siempre cierra el show de cada temporada. Diseñar trajes de novia para Alta Costura es para mí un gran placer, pues se usan para la ocasión más especial en la vida de una mujer. Disfruto de compartir la alegría y la satisfacción de mi cliente y ayudarla a hacer su sueño realidad.

Famosas como Paz Vega, Taylor Swift y Sandra Bullock han lucido las creaciones del libanés.

Ha vestido a muchísimas famosas con sus creaciones. ¿Podría mencionar a alguna mujer de la historia que pueda encarnar la filosofía de Elie Saab, esa modelo perfecta…?

Cada celebridad que vestimos es una gran representante de la marca. Siempre nos aseguramos de que las actrices se corresponden con la imagen de la marca y que, al mismo tiempo, el vestido que elija se adapte a su personalidad. Yo diría que cualquier mujer elegante, con carácter, puede representar la filosofía de la marca. La imagen de Elie Saab aplica a toda mujer que aspira a la feminidad, el refinamiento y la elegancia, a pesar de su origen y del país en que viven.

¿Qué opina de las latinoamericanas, unas mujeres que también suspiran ante muchas de sus creaciones?

Las latinoamericanas tienen esa fuerte personalidad que me gusta en las mujeres. Son mujeres con carácter que buscan la elegancia y el glamour.

¿Con un auge de la democratización de la moda y el lujo como el actual, cree que la Alta Costura puede estar en riesgo?

La Alta Costura y el prêt-àporter son dos enfoques completamente diferentes de la moda. Ni los clientes, ni el tipo de diseño o producción son la misma. La Alta Costura no se trata de vestidos o trajes, sino de crear una silueta única que es exclusiva de la mujer que la ordena. La Alta Costura existirá siempre, de una forma u otra, evolucionando y adaptándose a los estilos de vida cada vez más internacionales de la mujer.

Además del diseño, ¿cuál es su otra pasión, la desconocida?

Soy un apasionado de la arquitectura y el interiorismo. Lo que le sorprende a la gente es saber que soy un minimalista de corazón. Esto se refleja muy bien en el diseño de mis casas y tiendas, que son muy simples y casi espartanas en cuanto a decoración. Mi estilo de marca personal es una fusión de simplicidad, lujo y elegancia. Me encanta coleccionar muebles de época con el fin de crear un estilo único en cada una de mis casas: una está decorada con obras francesas del siglo XVIII, una tiene muebles típicamente orientales, y otra está llena de muebles de los años 70, porque es un una de mis épocas favoritas.

Este ensoñador vestido de novia cerró su pasarela en la Semana de la Alta Costura, en París.

La verdad sobre el caso Joël Dicker

noreply@blogger.com (Andrea Jiménez Jiménez) — Wed, 31 Jul 2013 14:42:00 +0000

Este artículo fue publicado en el diario El Heraldo el 25/07/2013

“Un buen libro, Marcus, es un libro que uno se arrepiente de terminar”, le explica Harry Quebert a Goldman, el personaje narrador de la nueva novela en lengua francesa que ya se encuentra en escala de fenómeno mundial. Y el arrepentimiento se cuela entre los lectores cuando empiezan a extrañar la palpitante historia de un reputado profesor de literatura, una vez inmersos en las 660 páginas de este thriller americano escrito por un suizo, que parece terminar en cada capítulo, cuando, apenas, una nueva historia comienza.

La habilidad narrativa de Jöel Dicker pone a prueba sus 27 años, una edad casi atrevida para cargar con el éxito avasallante de una primera novela publicada con más de 750 mil ejemplares vendidos, y la osadía de colgarse al cuello los galardones Goncourt des Lycéens, el Gran Premio de Novela de la Academia Francesca y el Lire a la mejor novela en lengua gala. Temprana hazaña editorial.

Carátula del libro

Del idioma original del texto, el suizo tiene que decir que “la novela francesa está atravesando tiempos difíciles, y ya París no es la verdadera capital de la cultura: ser leído, apasionar a los lectores, es visto como sospecha. A la cabeza de las listas de los libros más leídos está Harry Potter o Cincuenta sombras de Grey. O la novela americana de un suizo como yo”. Es cierto. Ahora, el libro del ‘niño prodigio’ de la literatura europea sobrevive a las ‘llamas’ de Inferno, de Dan Brown, incluso aventajándolo en algunos países como España e Italia.

La verdad sobre el caso Harry Quebert, la segunda novela que escribe Dicker, pero la primera en ser publicada, es pura ficción con sabor a verdad que no dejar de sorprender párrafo a párrafo. Una cuenta regresiva que no para hasta descubrir quién mató a Nola Kellergan, una encantadora quinceañera residente en Aurora, New Hampshire, amante de Quebert, el mentor de ‘El Formidable’ Marcus Goldman.

En las primeras páginas, sobre todo, hay un sentimiento agudo: un suizo que se cuela en el corazón americano, redescubriendo los pasos de su proeza como escritor, como cuando todo era un sueño. Parece que Joël Dicker se autoprologara. Sus líneas, quizás, dilucidan los atisbos del lector que interpreta a modo de autobiografía. Todo esto, con la investidura estadounidense de un promisorio escritor perdido en los suburbios neoyorquinos. Algo así como escuchar Sweet Home Alabama de fondo, sintiéndose poderosamente norteamericano. Tanto como Forrest Gump o el Tío Sam.

El Millennium suizo, como lo ha catalogado la crítica mundial, cumple toda la intención de su autor: desbordar los sentimientos de los lectores en su libro tal como lo harían con una serie televisiva de Hollywood. “Quería intentar escribir una novela extensa. Escribir un libro largo que se leyera rápido pero que no dieran ganas de terminarlo. Un libro que fuera como un suspiro. Un único suspiro”, declaró Dicker. Sueño cumplido.

Sus influencias: Philip Roth, “el escritor vivo más grande”, según el suizo. Roth, un Jersey boy ganador del Pulitzer, por solo mencionar uno de los tantos galardones conseguidos, despierta una pasión inusitada en Dicker, quien incluso rodea las pretensiones de Stieg Larsson con su trilogía de novelas policíacas.

En Latinoamérica ya se asoma la obra, por eso, conviene hablar de la verdad sobre el caso Jöel Dicker, más que del propio Quebert, en realidad.

De fiesta, ¡un año más!

noreply@blogger.com (Andrea Jiménez Jiménez) — Mon, 29 Jul 2013 17:10:00 +0000

Ya es un añito más, y ¡son tres! Cuando creé Indeleblia sabía que debía perdurar, quedarse para siempre conmigo y con ustedes hasta que estas letras atrevidas que se me salen de vez en cuando permanecieran en el tiempo.

Tres años son valiosos para mí, para este micromundo que se asoma en el gran universo virtual y regala maneras diferentísimas de ver la vida, de sentirla, de olerla, de imaginarla.

A los lectores de siempre, gracias mil, y como siempre, pedazos de pudín cibernéticos, así como una rica de taza de café, con mucha azúcar, como la suelo pedir.

A los ocasionales, un abrazo de bienvenida, y la invitación para quedarse.

Ya verán que valdrá la pena.

Con amor, Andre.

Puerto Colombia: una obra de arte a orillas del mar

noreply@blogger.com (Andrea Jiménez Jiménez) — Thu, 18 Jul 2013 17:20:00 +0000

Este artículo fue publicado el 19 de mayo/2013 en el diario El Heraldo.

'Concierto de piano en el Muelle', obra de Rigoberto Rodríguez.
Las fotos son de Andrés Rodríguez y las reproducciones de las obras de Giovanny Escudero.

Una línea tangencial al malecón policromático en la explanada del mar bordea los sueños de colores de los porteños. Su fisonomía, también colorida, la han pintado 80 artistas que le apostaron al renacer del municipio atlanticense que se esconde bajo las coordenadas 10°59’’’ latitud Norte y 74°57’’’ longitud Oeste.

Estas, a su vez, revisten la magia de un pueblo que ha pintado su historia a través del arte, que como oleajes del agua del mar, se columpia en un vaivén que la arrastra justo hasta la orilla de su origen, o bien, la aleja, adentrándola al interior de las aguas, que como el olvido, se la traga de a ratos.

Esa marejada en altamar se ha acordado, desde hace algún tiempo no precisado, de devolver al borde de la playa los años mozos de una bonanza artística, cuyo génesis y culpable –concuerdan todos los hechizados de Puerto Colombia- es el mar.

En ese recinto de sol y salinidad, Alejandro Obregón y Sonia Osorio descubrieron una fortaleza que florecía como recinto del arte y de amores. La casa donde vivieron, adornada con un mosaico y un mural, pronto será un parque con jardín que se llamará como la pareja. Otros nombres, como Arnoldo Bolívar, Marceliano Solano, Víctor López, Guillermo Rudas, entre otros, se desprenden de los pensamientos de quienes recuerdan aún a pobladores insignes del municipio que dejaron huella como referentes culturales.

La bahía de Cupino fue el caserío que antecedió la población que duerme al noroccidente del departamento del Atlántico, esa que es reconocida por albergar “un Muelle de atracadero de barcos trasatlánticos, que en su época, marcó un hito histórico como obra de la ingeniería”, según explica Álvaro De la Espriella Arango mientras prologa el libro Puerto Colombia, un patrimonio histórico cultural.

A su autor, Rigoberto Rodríguez González, se le dio por nacer en San Bernardo del Viento, Córdoba, pero su labor artística y docente lo arrastró a la esquina porteña, la misma que se convirtió en la inspiración de sus pinturas, que atrapan en pinceladas, casi como epigramas, los momentos que han escrito el ser de la población.

El Muelle, el gran brazo del Municipio, es el tema recurrente en sus obras, ya sea ‘tocando melodías’ como en Concierto de piano desde el último muelle, o con un Munch ‘parafraseado’ en óleo, en El grito en el muelle de Puerto Colombia.

Efraín Arrieta, su profesor en la escuela de Bellas Artes, lo llevó allí para pintar el mar, el Muelle, sus encantos, en 1983. La invitación desembocó en un ejercicio educador, que trascendió las aulas de clase y lo motivó a “rescatar la memoria histórica en el libro”, que ha entregado en varios tomos. El primero vio la luz hace 8 años.

En las páginas del segundo de ellos, lanzado hace un año, se leen nombres como Pedro Peñate, Dagoberto González, Jaime Saltarín, Róbinson Bolívar, Javier López, Jorge Miranda, Alberto García, Luis Fernando Suárez, Juan Miranda, y muchos otros que, por espacio y un simple acto aleatorio, que consistía en mencionar a algunos pocos, no caben en este texto.

El profesor Rigoberto, en su investigación, rescató del abandono a estos personajes, quienes han levantado, junto con otros actores, a Puerto Colombia como una fortaleza artística. Los efluvios marinos del lugar han construido un recinto vivo que camina con la cultura como norte. El boom del arte porteño va contracorriente a la vida recortada del ‘pentamuelle’, que se derrumba cuanto más álgido se vuelve el punto en el que se alza la ‘movida’ cultural local.

Talleres de pintura y escultura, de danza y literatura; cineforos, obras de teatro y otro tipo de encuentros culturales esculpen la columna que sostiene la interesante actividad pedagógica y creativa. Un cronograma bien delineado de eventos semanales y mensuales ubican a Puerto Colombia como un espacio propicio para fabular estéticas, para recrear nuevas formas de educación y expansión del alma a través del arte.

32° grados centígrados funden esta población al calor efervescente que alberga casi 27 mil habitantes, según el último censo del Dane, datado del año 2005. Ese sopor cocina el ingenio de los artistas locales, muchos de los cuales han encontrado un refugio vital para su labor en la Fundación Puerto Colombia, una entidad sin ánimo de lucro, que con más corazón que palabrería, ha logrado visibilizar las acciones de estos acrobáticos espíritus, que han escondido la dificultad en un traje que sonríe, en una mirada optimista que guarda el súmmum de sus sueños.

“Hemos identificado unas fortalezas impresionantes para desarrollar en el municipio y en la Región. La primera, es un hecho histórico que pertenece solo a Puerto Colombia, y es que fue la entrada, gracias a su Muelle, de toda la modernidad a Colombia. Por aquí entraron los inmigrantes de las dos guerras que se vivieron en Europa. Y estos inmigrantes, que fueron casi 4 mil, transformaron a Colombia en lo genético, en lo cultural, en lo gastronómico, en lo social, en lo económico”, explica Hortensia Sánchez, presidente de la Fundación.

Esa ola migratoria marcó, en gran medida, las futuras generaciones. Hoy, los descendientes de los Waresky, Campbell, Kandlar, Hodwalker, Lamamna, Cerdan, Altahona, Maury, Bosch, Loewy, Sperer y de otras familias italianas, francesas, libanesas, alemanas y españolas, apersonan la influencia romántica de sus genes europeos y reavivan el delicioso gusto por el arte, siempre bien plantado en el Viejo Continente.

El hecho histórico de contar con el Muelle, obra del ingeniero Francisco Javier Cisneros, ha nutrido esta esquina del Caribe con una inyección de arte única. “Hay una nueva migración de artistas a Puerto Colombia. Nosotros llevamos contados casi 400, entre literatura, artes plásticas, arte dramático, fotografía, en todas las manifestaciones. Lo que hicimos con el Malecón fue unir una población artística como en un punto geográfico importante del municipio. Los hacemos visibles”, continúa Sánchez.

Esa realidad tecnicolor que pinta cada rincón del municipio con arte la atestigua Iván Wharff, el nuevo secretario de Cultura municipal y uno de los gestores culturales de la zona. “Desde que estoy vivo, en Puerto he visto el proceso cultural, y en mi época de niño, me acuerdo que la parte artística se manifestaba de una u otra forma de manera espontánea”. Sus recuerdos lo llevan a 1971, cuando se conformó el primer grupo experimental de teatro, al que lo sucedió un fuerte trabajo en pro del Carnaval, cuando anónimos se reunía informalmente y le proponían actividades al alcalde de turno.

La creación de la Casa de Cultura, recinto sagrado que albergó intentos culturales que hoy susurran como eco sordo, fue un hecho que, según Wharff, “empezó con 20 personas y terminó con tres”. Sin embargo, las acciones que impulsaron los hacedores culturales a nivel nacional con estos epicentros formativos desembocaron en la creación de la ley general de Cultura, en 1997. Este hecho, según el funcionario, vino de la mano de un cambio en la misma actitud del porteño, que antes no se preocupaba por culminar sus estudios de secundaria, y que hoy se ahoga en “una juventud ávida de conocimiento”.

“Ser porteño implica ver nacer el Sol en el mar. Es un municipio estratégico, y por eso desarrollamos lo que tenemos, rodeado de cerros”. Esa descripción romántica de Wharff, anidada a la cercanía de la población con una ciudad como Barranquilla, son los principales factores de progreso artístico de Puerto Colombia. “Ahora, la prosperidad social es la bandera de gobierno del alcalde Carlos Altahona, por lo que brinda apoyo irrestricto a todas las manifestaciones artísticas y culturales”. Un visto bueno que crea, que convoca, que da esperanza a los creadores.

Puerto Colombia es un cuadro surrealista, una tragicomedia de colección, un poema con lágrimas, una cinta expresionista, un cuento de amor, una pieza de jazz, una danza de tradición. Que el arte, en su más pura finalidad comunicativa, sirva como vehículo para levantar el Muelle, monumento nacional que aún funge como bastión de ese rincón veraniego, bordeado de la más mágica y artística agua del mar.

El francés de la ‘película’ porteña. El francés que se topó con Puerto Colombia en su camino debe culpar al amor. Una cachaca –es él quien la llama así– se había casado antes con el mar, por lo que terminó mudándose al municipio porteño. Una vez allí, llegó un crítico de cine francés, de nombre Germain Sclafer, que se dice parisino de corazón.

El galo llegó luego de recorrer Suramérica, tierra donde encuentra el equilibrio perfecto entre modernidad y tradición, y hoy escribe junto a su cachaca su propio guión, al mejor estilo del cinema clásico norteamericano, su otro gran amor.

El cineforo ‘La Estación’ fue un descubrimiento para ambos. De puro romanticismo, el francés llegó a la Fundación Puerto Colombia para ofrecer sus servicios, y hoy coordina una de las iniciativas culturales más arraigadas del municipio.

Su vida transcurre mientras caminan los ciclos temáticos de cine que plantea, y los porteños la siguen semanalmente, cada vez que se concentran en la plaza para romper la rutina y vivir de fotogramas por segundo bajo el cielo y las estrellas.

Germain Scafler

El poeta de los sueños sin caducidad. Ángel Medaglia, el Poeta del Muelle, declama la prosa y habla en drama. Notas mediterráneas se derraman sobre el acento costeño que se ha ganado por nacer en estas latitudes, sin embargo, sigue dejando acariciar los ancestros italianos que lo definen. El amor por Puerto Colombia lo atrapó luego de una invitación de su hermana, que escogió ese municipio para vivir su matrimonio. Dicho latir se entrelazó con el placer que le producía la poesía, el arte que heredó de su tío Américo.

“Inicialmente me fui a Sabanilla, porque era un balneario que frecuentaba la gente de élite de Barranquilla, y esa era una playa anchísima, ese era el público que yo prefería para la poesía, porque era gente culta. Declamaba a la orilla del mar mis poemas”.

Rimas y versos terminaron en un intento por el rescate del entonces olvidado Castillo de Salgar, adonde se atrevió a declamar poemas para los enamorados.

Ese ímpetu que le provocó el rescate del castillo lo hizo soñar, luego, con ese “vestigio de otrora” que se le antojó el Muelle. Su composición data de 1994, y desde entonces, no ha hecho más que abogar por salvarlo. Sueño sin caducidad.

Ángel Medaglia

La voz de un anhelo en tono mayor. La voz es el instrumento de Rosemberg Cueto, el menor de cuatro hermanos, el gestor de un eco coral que retumba hoy en la actividad cultural de Puerto Colombia. Su amplio recorrido artístico, forjado en la escuela de Bellas Artes de la Universidad del Atlántico, lo hace líder de una propuesta que suena y retumba en el alma de quienes aman la música y la sienten mejor a orillas del mar.

Un proceso coral significaba un reto en el municipio, que no tenía tradición lírica de este tipo. Sin embargo, la fuerza de su pasión lo llevó a tocar las puertas del Santuario Mariano Nuestra Señora del Carmen, la parroquia de Puerto, y conformar el coro infantil Regina Coeli, que amenizaba las eucaristías infantiles.

Su sueño maduró y los jóvenes consiguieron equiparar la destreza emanada de los más pequeños, conformando así el proceso juvenil.

Las voces se hicieron más fuertes. Un grupo consolidado los hizo abrirse camino y moldear una imagen definida, esa que ha trascendido la barrera estival porteña y los ha llevado a participar en encuentros nacionales de coros.

La composición armonizada de las voces suena al ritmo de una melodía que eriza, que convierte a Puerto en canción.

El maestro de los pasos firmes. “Hablo mucho”. Así se presenta Reynaldo Tejera, un periodista frustrado que desenfunda el don de la palabra que atesora hablando de su otra pasión: la danza. Un “accidente de colegio”, como le llama, terminó por revelarle que los pasos de baile se le daban bien, combinados con un alma docente que descubrió mientras cumplía sus horas de alfabetización como estudiante.

Enseñar lo atrapó, y aprendió el arte de la pedagogía montando puestas en escena que copiaba de lo que veía en televisión.

El conocimiento empírico en el baile lo adquirió pasando canales, trazando movimientos existentes, puliendo el ojo al tiempo que la pierna. Su primera coreografía resultó un éxito y marcó el inicio de sus pasos.

Generación Activa, su grupo, comenzó a rodar con orden. La disciplina es el legado que enseña en ese proceso de formación artística y cultural que ya llevó a fundación, con el que ha viajado con sus alumnos por toda Colombia ganando premios. Ya es un veterano en el Carnaval de Barranquilla con el son de negro, y los congos de Oro conseguidos lo reafirman.

Setenta integrantes cultivan el don de la danza, ese que Reynaldo posee y que transmite hace 20 años, con el que espera seguir dando saltos de alegría, pasos de satisfacción, nutridos por el secreto de la perseverancia.

Reynaldo Tejera

El artífice de las sonrisas de la calle 10. La amplia sonrisa de Dalfre Cantillo se conjuga como un verbo aún sin pronunciar. Llegó, proveniente de Arroyo de Piedra, al recodo porteño un seis de enero. Se bajó en la calle 10 y los niños colmaron su vista.

Correrías de pequeños de un lado a otro, que colindaban con el oscuro círculo de la droga y sus trampas, justo a un costado de los sueños que apenas se atrevían a asomarse.

Dalfre, maestro en arte dramático, comenzó a mascullar, junto a su compañera Cristina Atehortúa, un proyecto para reivindicar a una niñez con ganas de sonreír sin miedo.

La puesta en escena del mito de Prometeo encadenado fue su primera gran idea materializada, una performance que ha conseguido varios congos de Oro en el Carnaval de Barranquilla.

Dalfre arranca carcajadas a los 105 niños que se apretujan a lo largo de la calle 10 de Puerto Colombia. Con 30 trabaja como grupo base, y a los demás los incluye en talleres de teatro al aire libre, porque la calle es el mejor escenario. Su más reciente obra vuela por los aires. Son acrobacias con telares que acercan a los niños un poco más al cielo, un poco más a sus sueños.

Dalfre Cantillo y los niños de la Calle 10

La albañil de la ‘Ventana Mágica’. Desde la ‘Ventana Mágica’, Isidra De la Vega ha visto crecer culturalmente al municipio que hizo suyo hace 23 años. Las líneas que declama desde los cuatro, de la autoría de Julio Flórez, la inspiraron para hacer de su vida una obra literaria en sí misma.

Solo fue llegar para sembrar, sin titubeos, la semilla de lo que hoy cosecha bajo la forma de encuentros literarios como ‘Flórez junto al mar’ y homenajes a Meira Delmar.

A la poetisa barranquillera la describe como un “ícono del Departamento”, mientras que cuando habla del autor de Mis flores negras se desborda en emoción.

Con su ‘Cuento al parque’, le regala a los niños de Puerto una forma diferente de entretenerse, de descubrir el mundo que va más allá de sus juegos infantiles, y que exploran mientras aprenden a navegar entre líneas.

Isidra, con su nombre que parece sacado de la mitología griega, sabe que el arte está llamado a crear un proceso de transformación importante en la población que se despierta con el Muelle a contraluz. Sus pulsiones se concentran en requerir, con toda la razón, recursos y espacios para que las olas bailen al son de un poema.

Isidra De la Vega

‘El Pollo’ que fantasea con el ‘Mundo Marino’. De pollo, en el oficio, no tiene nada. Más de 35 años trabajando las artes plásticas hacen que se titubee al llamarlo por su apodo con nombre de ave, pero una vez se tiene contacto con la calidez de Alfredo González, se borra el temor.

Empíricamente formado en la escultura, su labor es conocida por todo aquel que se considere porteño de verdad.

Sus manos experimentadas forjaron la simbólica figura que se alza en la Plaza Central del municipio, Mundo Marino, en la que se funden las especies del mar bañadas de color. Su esplendor no ha podido encenderse del todo porque la iluminación nunca se finiquitó, y su calidad de fuente no se ha apreciado por la falta de agua.

El recién reavivado malecón de Puerto también lleva su sello. La banca número 62, bautizada El Mar, es custodiada por un cangrejo y un pelícano que nacieron de sus manos.

El modelado y la talla en madera son algunas de las técnicas que enseña en el barrio Vistamar, donde alzó el taller de arte El Pollo, un espacio ecológico que sirve como pretexto para instruir, gratuitamente, a las nuevas generaciones.

El Pollo

Bonus track: Si van a Puerto, esto los va a recibir:

De nombres y de obras, en el Día del Idioma

noreply@blogger.com (Andrea Jiménez Jiménez) — Mon, 29 Apr 2013 04:02:00 +0000

Este es un relato sobre nombres. Una alegoría a las coincidencias o a las intenciones nominales que se esconden tras cada uno de los personajes.

La conexión entre ellos no se hace evidente hasta cuando decidimos envolverlos, a todos, en la contingencia de un hombre –y un nombre– de relevancia toda para la literatura nacional e hispanoamericana: Jorge Ricardo Isaacs Ferrer.

Su rostro, familiar para nosotros hace algunos años, desde que se incluyera en la emisión de moneda legal de denominación 50 mil pesos, es más que esa silueta purpúrea que representa poder adquisitivo. Ese rostro, el que se asocia con María, su obra máxima, no es susceptible de ser olvidado.

María, la de la divina dulzura. Aunque juguetee de vez en cuando y haga bromas con gran sentido del humor, el dulce aire de María Inés López es imposible de ocultar. Las líneas de los clásicos literarios que conoce a la perfección las ha traducido casi en su código genético, lo que le ha regalado una sapiencia envuelta en ternura a la justa medida de su labor como educadora.

Se llama María, como la gran obra del escritor caleño, que lo ubicó como el gran referente nacional del romanticismo. “Yo no sé quién le dijo a mi papá que la Virgen María se llamaba María Inés. Ellos estaban convencidos”. He ahí la razón de su nombre.

Miguel Ángel, David y Juan Salvador son los hijos de María Inés. Cada uno tiene un significado especial, que encuentra su raíz en el arte, en esa expansión del alma que la hace ser lo que es.

Ella, la licenciada en humanidades, que también tiene un diplomado en literatura de la Universidad Nacional, en cambio, lleva uno de los nombres más comunes de todos.

En la Sagrada Familia tiene una sagrada familia. Dicta clases en esa institución, liderada por una comunidad religiosa, y enseña a las niñas la importancia de las letras y la comunicación, de reconocer el valor de las obras que hoy nadan como sobras amarillentas en miles de estantes caseros. Hoy recordará, junto a sus alumnas, la novela de uno de los hitos de la literatura hispanoamericana del siglo XIX que se llama como ella.

Romántica, sí, para enamorarse de la poesía de Baudelaire, de Benedetti, de Borges y la narrativa de García Márquez –por supuesto–.

Sabe que el peor error para que alguien se anime a leer es obligarlo.

María, la amante de la lectura como respuesta. Lo de su María se hace obvio cuando cuenta que Alexandra, su mamá, es devota de la madre de Jesús, y decidió bautizarla así porque tuvo un parto sin complicaciones. Para hacer aún más clara la alusión mariana, su segundo nombre es Auxiliadora.

Pero no fue su mamá la que le inculcó el amor por la lectura. Eso vino orgánicamente, al observar los estantes de libros de su casa, en Santo Tomás.

Desde niña jugó y soñó con enseñar. Con transmitir el conocimiento. Por eso cursa dos carreras en simultáneo, que encierran un solo amor: el idioma. Licenciatura en lenguas extranjeras, segundo semestre, y licenciatura en español y literatura, en cuarto.

Ama la lógica en todo cuanto pueda rodearla, sobre todo si de letras se trata. “Me gusta mucho todo lo que tiene que ver con la gramática” y la concepción lógica de los principios que sustentan una lengua.

Sus preferencias literarias también responden a esas ansias de comprensión, del porqué. “El escarabajo de oro”, de Edgar Allan Poe, es su narración preferida por “el uso del razonamiento deductivo”.

María Auxiliadora Díaz, una tocaya con aspiraciones románticas que lamenta los finales tristes, como el de su inmortal tocaya. El idilio de esta María, de Mauxi, le coquetea a su sueño máximo de concretar un doctorado en lingüística. Los finales trágicos para su historia no son posibles si la siguen escribiendo sus ganas de dejar huella indeleble en las letras, como su homónima más famosa.

Jorge Isaacs, el romántico que habla inglés. Él no es Jorge Ricardo. Es Jorge Eliécer, como Gaitán, pero se apellida Isaacs. Es Jorge Eliécer Isaacs Díaz, el hijo de Pedro Pablo, el nieto de Teodoro, el de Buenavista, Magdalena. Es Jorge Isaacs, el de 52 años que aún conserva en la sala de su casa, en el barrio Las Palmas, un juguete en la pecera. “Eso lo hizo mi papá hace años”, cuenta recostado en el sofá. Seis bailarinas, la mitad pintada en monocromía, las otras de dorado, nadan entre la ruedita artesanal que señala.

Leyó ‘María’ cuando tenía como 10 años. “Estaba en quinto de primaria, me acuerdo”, pero no siguió escarbando en la vida de su ilustre tocayo porque tenía la convicción de que “no nos parecemos mucho”. Se equivoca en algo: ambos son románticos, pero cada quien muy, muy a su estilo.

El Jorge Isaacs barranquillero enamoraba dedicando canciones y recitando poemas. La respuesta a la pregunta de si aún lo hace es un vehemente “¡muchacha!”. “Eso de la inspiración cuando pasa el momento”.

Le preguntan que si ‘toma el pelo’ cuando firma algún documento, como en su más reciente visita al aeropuerto Ernesto Cortissoz, en el Museo de la Aviación. Porque ha vivido entre aviones. Trabajó como mecánico de aviación en Miami, donde vivió 26 años y aprendió el inglés, que le fluye como si fuera su lengua madre.

Para celebrar la acertada decisión de su padre, de bautizarlo Jorge porque su apellido era Isaacs, postergó la decisión. Sus dos hijos, por si acaso, también se llaman Jorge, por lo tanto…

‘El Principito’, 70 años de un héroe en miniatura

noreply@blogger.com (Andrea Jiménez Jiménez) — Sun, 14 Apr 2013 15:28:00 +0000

Con El Principito aprendí la palabra monotonía. La descubrí entre líneas, y la sentí en la aclaración de una profesora, luego de un par de preguntas de rigor ineludible. Interrogantes en bandada como los del pequeño de cabellos color oro, como el trigo, que afloraron en medio de la lectura, obligada al despuntar el bachillerato, apenas necesaria para caminar en la vida.

Era difícil remover la conciencia a los 10 años, si eso pretendía Antoine de Saint-Exupéry. “Todas las gallinas se parecen y todos los hombres se parecen”. Demasiado para una edad infantil incapaz de entender, en su totalidad, el enorme problema de las “personas mayores”.

Pero al releerlo, casi una década después, me domesticó. Ese verbo, esa “cosa demasiado olvidada” que significa –en palabras del autor francés- “crear lazos”, se hizo en mí para comprender que algo de la persona que había crecido en mi cuerpo me había abandonado. La palabra “efímero”, entonces, ya no era sorpresa.

La obra. “Todas las personas mayores fueron al principio niños, aunque pocas de ellas lo recuerdan”, “las personas mayores nunca son capaces de comprender las cosas por sí mismas, y es muy aburrido para los niños tener que darles una y otra vez explicaciones” o “lo esencial es invisible a los ojos” son algunas de las providenciales cápsulas de sabiduría que nos regaló en su obra cumbre Saint-Exupéry, aficionado a la aeronáutica y desaparecido, precisamente, en 1944 a bordo de un avión en dirección a Córcega, cuyos restos nunca se encontraron.

La primera edición de El Principito, héroe intemporal en miniatura, figura indeleble de la literatura, vio la luz el seis de abril de 1943 en Estados Unidos, publicada por Reynal & Hitchcock Editions.

Sin embargo, Ediciones Gallimard, su casa francesa, decidió presentarlo en Francia tres años después, luego de la Segunda Guerra Mundial.

La editorial gala ha celebrado a lo largo de este año el aniversario 70 de su petit prince con varias publicaciones, como un libro animado y una novela gráfica adaptada a los dispositivos informáticos táctiles.

El Principito se ha convertido, desde su publicación, en un auténtico fenómeno editorial, con 265 traducciones, 1.300 ediciones y 145 millones de ejemplares vendidos. Es el libro no religioso más traducido en el mundo, según la matriz literaria francesa.

La petición de su autor, 70 años después, no puede ser más que recordada: evocar la felicidad de los niños con el descubrimiento del mundo.

Tal vez un repaso en voz alta, una meditación detenida entre líneas, o unos dibujos sin pretensiones artísticas y más de una interpretación puedan ayudar a cumplir su deseo. Y el de los niños del mundo.

El pequeño príncipe, amante de una rosa, volverá este año, junto a sus interrogantes de gran edad, en forma de personaje cinematográfico, y en 3D.

Azul, pintado de azul, en el malecón

noreply@blogger.com (Andrea Jiménez Jiménez) — Mon, 01 Apr 2013 16:23:00 +0000

Este artículo salió publicado el 01/04/13 en el diario El Heraldo

Las fotos de Cristian Mercado

El azul será por siempre en el malecón de Puerto Colombia. Adolfo Viloria Valdés lo eternizó con vinilo y barniz en la banca número 20 que dormita sobre aquel linde infinito que suponen las olas besando a los peñascos, al roce del aire de salitre que le da el acento estival a la población porteña.

El último maestro que tuvo, Juan Coelho, le enseñó la técnica de la espátula, la que ha erigido como su especialidad en el dominio de las artes plásticas. Por eso tomó esa especie de paleta, la ungió en blanco, negro y mucho azul, y fue regalando caricias de pintura a la parte del mobiliario urbano que le correspondió.

Un ‘Azul por siempre’ fue lo que resultó de aquellas pinceladas de acero. En una jornada corrida de la semana pasada, de 9 de la mañana a 3 de la tarde, Adolfo llevó al concreto lo que antes había boceteado, en papel, durante dos días.

Sabina, su hermana, lo ayudó a llegar a esta escollera que ve ser la explanada, salpicada por embates de la corriente, del mar Caribe. Ella, como él, domina las manualidades, y juntos atienden Ocuparte, el taller que montaron hace nueve años en su casa, levantada en medio de la brisa acogedora de Salgar. La artesanía es el factor común de los hermanos, pero Adolfo prefiere dejarse llevar por la pintura abstracta antes que por cualquier otro coqueteo del arte.

El polio llegó a los nueve meses y se llevó la actividad de las extremidades inferiores. Los miembros superiores se impusieron a la parálisis y descubrieron el carboncillo, por lo que el negro se convirtió en su mayor insumo. Los trazos a color vinieron por accidente, afirma, cuando compró unas pinturas sin motivo aparente y creó un cuadro en pequeña dimensión. “Me di cuenta de que era necesario aprender un poco más”, explica al compás que hace bailar la espátula en el cemento.

Adolfo pinta y ríe. Es su ser.

Los pájaros, las flores, la naturaleza se hicieron en su obra. Varios cursos académicos surgieron de la necesidad de perfeccionar su habilidad en la policromía, “y así me quedé encarretado con esta locura que es el tren del arte”.

El azul resultó, entonces, el protagonista en su trabajo, y en general, las tonalidades de su obra fueron evolucionando. “Pasé de lo figurativo a lo abstracto, que es lo más complicado”, y hoy se aleja de la mímesis para forjar una manera diferente de mirar lo previamente concebido.

El agua es el eje central de los diseños que adornan las recién remodeladas 80 bancas del malecón de Puerto Colombia. La de Adolfo tiene nombre de color. De azul, pintado de azul, que se funde con el cielo y el agua para formar una sola mancha añil y extender, ‘por siempre’, el telón marino y celestial de esa inmensidad.

Los transeúntes se detienen a admirar las obras

El camino de la cruz, un abrazo terrenal a ‘castillos celestiales’

noreply@blogger.com (Andrea Jiménez Jiménez) — Fri, 29 Mar 2013 22:30:00 +0000

Esta súper foto, como las otras, son de Jesús Rico

Un rayo de marzo irisa las porcelanas de las figuras que secundan la existencia de estos castillos sin caballeros, que pertenecen a un solo reino, capaz de unir lo terrenal y lo mundano con lo celestial y lo sagrado.

Esa luz velada inunda cúpulas, torres y capillas, obras de mampostería de colección. En su interior crepitan, pues, no solo figuras que recuerdan los más divinos entes, vivos gracias a esculpidas cinceladas al mármol y la cerámica. Laten parpadeantes y silenciosas, también, historias narradas en forma de arquitectura y oralidad, que estarán presentes el tiempo que vivamos para contarlas.

En San Nicolás de Tolentino, el templo del patrono de Barranquilla, por ejemplo, duermen callados los relatos que hablan de restos humanos, pertenecientes a indígenas de la familia lingüística arawak correspondientes al siglo IV después de Cristo, hallados en esa zona que vio levantar la edificación de estilo neogótico que data de la segunda década del siglo XVII.

Casi 300 años llevó la construcción de dicho templo, que también sufrió con El Bogotazo. Ese 9 de abril de 1948, minutos después de la muerte del caudillo Jorge Eliécer Gaitán, la edificación fue profanada por enardecidos liberales que le prendieron fuego, acabando, en el incendio, con una parte importante de la historia del templo y la ciudad.

Las fotos de San Nicolás son de Jairo Rendón

Estas reseñas fueron recorridas, la semana pasada, a bordo del Buséfalo del Museo de Arte Moderno de Barranquilla, entidad que, al lado de la Arquidiócesis de la ciudad, hizo posible la iniciativa de #todomono de transitar la denominada Ruta de las Cruces, una visita guiada a las principales iglesias de La Arenosa “para explorar estos espacios de encuentro que profesan la historia de la construcción de la ciudad, hablan de las épocas y acontecimientos clave, y permiten admirar una diversidad de elementos ricos en formas y colores que dentro de ellas se han entretejido a través de los años”.

Fue a bordo de ese mismo bus, el Buséfalo, en el que quienes se apuntaron a la ruta llegaron a la Catedral Metropolitana, donde se ubica el punto cero de la ciudad, y se degustaron con los vitrales, que representan los sacramentos; conocieron los secretos de la edificación de estilo modernista, diseñada por el arquitecto italiano Angelo Mazzoni de Grande, y descubrieron los recodos de ese lugar vestido de arte, gracias a obras como el Cristo Libertador Latinoamericano, de Rodrigo Arenas Betancourt y fundida por el maestro Darío Montoya, o los mosaicos de San José y María Reina, de la autoría de don Mario de Ayala.

El camino propuesto los condujo al amor de los amores del Instituto San José: el templo que lleva el nombre de su patrono. De arquitectura exquisita, fue el sueño hecho realidad del grupo de cuatro jesuitas que, recién llegados a Barranquilla, oficiaron una Eucaristía para dar comienzo a su acción apostólica en la ciudad, invocando al padre putativo de Jesús como protector.

Y el final del camino, pero no del relato, se situó en la iglesia San Roque, dueña de un estilo neogótico florentino único en el país, vívido en sus altísimas torres y en la amplia cúpula. Entre sus misterios se halla una placa, datada del año 1921, dedicada a Dante Alighieri, a quien empodera como “soberano cantor del cristianismo, gloria de Italia, padre de la cultura moderna, decoro de la humanidad”, con motivo del sexto centenario de su muerte.

Las historias resuenan, con eco, en el interior de los templos, en investigaciones que aún nadan en libros y en la internet, pero su verdadero valor reposa en la magia de escucharlas, a viva voz, en quienes todavía se acuerdan de contarlas.

Bonus track: estaba en la Ruta, pero no puedo ser recorrida. Un postal de ensueño de Jesús Rico de la iglesia Nuestra Señora de Chiquinquirá

El imperio de colores de Ágatha Ruiz De la Prada

noreply@blogger.com (Andrea Jiménez Jiménez) — Tue, 26 Mar 2013 15:00:00 +0000

No suelo subir muchas de las entrevistas que hago aquí, pero este personaje no lo podía obviar. Mundialmente conocida por su propuesta pintada de arcoíris, Ágatha Ruiz De la Prada también habla con colores, y nos regala, aquí, un poquito de esa 'chispa adecuada'.

La entrevista salió publicada el 23/03/13 en el diario El Heraldo.

Ágatha Ruiz de la Prada se cocina, a fuego lento, muy fácilmente. El primer paso es verter en un recipiente invisible una luna, un par de flores, con aderezo de nubes y una pizca de humor.

Agréguele colores, excepto blanco y negro, y obtenga un arcoíris mágico cuyo final esté en la palma de su mano. Ágatha es única. Marquesa de Castelldosríus y baronesa de Santa Pa; pero eso, quizás, es lo menos importante de su persona. Ágatha es sensibilidad y explosión.

Emoción hecha ropa, calzado, aromas, texturas. Ágatha es un ágata, como la piedra homófona, que brota desde el interior de la tierra como un volcán en erupción; viene en múltiples colores y su sexto sentido vive encerrado en un corazón.

¿Cómo nació ese concepto del diseño, el que usted ha denominado ‘ropa feliz’?

Porque me di cuenta de que por el mismo precio podía ser feliz o desgraciada, y pensé “mejor por el mismo precio, ser feliz”.

¿Y cómo definió su lenguaje en la moda basado en corazones, nubes y flores de colores?

Al principio, cuando yo empecé, en Madrid enseguida me conoció todo el mundo, enseguidísima, pero la gente decía: “esto no se lo puede poner nadie, esto es imposible, esto es poco comercial”, pero luego yo creo que he sido la diseñadora más comercial de la historia de España. No creo que haya una más comercial que yo, pero yo ya no lo pensaba, porque a mí me convencieron de que era imposible, entre todos.

¿Cree que hubo algún factor determinante en su niñez que la hizo gestar esa onda ‘agathiana’ tan propia?

Yo soy la nieta mayor de las dos familias, y soy la mayor de cinco hermanos, y digamos que la más esperada; entonces creo que les hice gracia de pequeña, y como me encontraba muy graciosa, muy divertida, yo seguí así.

¿En principio creyó que la ropa que creaba era solo para exhibir o le vio potencial, desde el comienzo, para lucir?

Siempre he creído muchísimo en mi proyecto, aunque hubiera mucha oposición. Siempre creí un montón. Hay cosas increíbles, como por ejemplo, este viaje a Medellín, cómo me trata la gente, cómo me regalan cosas, cómo me miman, cómo me conocen, es un milagro. Pero la verdad es que yo siempre creí que esto es lo que había que hacer y siempre he sido fiel a eso.

¿Sintió miedo al "qué dirán" al empezar a lucir sus coloridas prendas?

A mí me parecían tan bonitas, aunque no le gustaran a nadie. Siempre me encantaron. En cambio yo iba a los desfiles de la demás gente y decía: “pues vean esta mierda negra”, claro que era un poco un mundo al revés. Yo intentaba entender por qué querían ser tan clásicas y tan oscurillas. Yo no lo entendía.

¿Cuál fue el impacto al ver, por primera vez, sus prendas exhibidas, rompiendo los parámetros comerciales?

La verdad yo también era muy feliz cuando no vendía nada. Yo soy una diseñadora muy buena para la crisis, porque la crisis es tener memoria. España, durante varios siglos, fue un país muy pobre, y yo recuerdo perfectamente cuando éramos pobres, por lo tanto cuando hemos sido ricos, hará unos 15, 20 años, ha sido una cosa rarísima. Todo el mundo agarra para Londres, para París, y todo el mundo pa’ aquí, y pa’ allá, y comprando. Yo decía “¡pero aquí antes no vendía nadie!”, y éramos pobres y éramos bastante felices.

¿Tiene diferentes patrones para diseñar, por ejemplo, una colección meramente para vender y otra para subir a pasarela?

Yo he diseñado muchas colecciones comerciales. Ya había hecho como 20, o más, y me aburrí. Luego de aburrirme, de hacerlas comerciales, ya estaba haciendo tan poquito, que entonces, aproveché que era una buena época para hacer colecciones no comerciales.

¿Cómo fue el crecimiento de ese imperio que ha creado a punta de flores y corazones?

La verdad que ha sido todo por casualidad y porque las cosas salen como salen. Nadie en su sano juicio hubiera pensado esto con un papel y un lápiz.

¿Qué tanto influyó su condición aristocrática en su ascenso en el mundo de la moda?

Yo creo que eso lo único bueno que tiene es que te da un poco de seguridad social. Hay un libro muy divertido, un libro de Alain de Botton, que es un filósofo, que se llama Status Anxiety, que es un poco de ansiedad por el estatus. Gracias a Dios, entre sus muchos efectos, ese no lo tengo. No me hace efecto la gente. Eso lo tenía mi madre también, que no le hacía efecto casi nada.

¿Cómo llegaron los vestidos de novia a su propuesta?

Siempre he hecho los trajes de novia de mis amigas. Si una amiga mía se casa y no me encarga el traje de novia, y yo teniendo la cosa, netamente deja de ser amiga mía, porque lo primero que tiene que hacer un amigo tuyo es demostrarte su amistad. Yo para eso soy rencorosilla, la verdad. Entonces, desde el principio he hecho trajes de novia. Ahora quiero hacer un libro de todos mis trajes de novia, porque hasta en Colombia he hecho.

¿Cuándo piensa lanzarlo?

El libro lo teníamos adelantado y se paró, porque para hacer libros tienes que pedirle permiso a todo el mundo para la foto, la novia, dónde vive... y hemos parado, pero espero en Dios que se me reactive pronto porque es un proyecto muy bonito.

¿En qué falla la moda actualmente?

En esta época estamos en un momento fantástico en la moda mundial, porque nunca había habido tanto número de personas bien vestidas, con acceso a las tendencias, con acceso a la moda, como ahora. La moda, a nivel planetario, se ha vuelto súper democrática. El nivel de la gente ha subido una barbaridad y eso es positivo.

¿Cuándo podremos ver una tienda suya en Colombia?

Me tratáis tan bien en Colombia, soy tan feliz, esto es como un sueño, que imagínate que abra una tienda y no vaya bien, sería un fracaso horrible. Prefiero no llevarme ese disgusto, estoy con solo lo bueno, que es tan bueno que ya es demasiado, escandalosamente bueno, pero no me quiero poner yo misma la trampa para que se me convierta un problema Colombia, sino todo lo contrario. Colombia es un lujo de nación para mí.

Lo único que me da mucha rabia es que no conozco Barranquilla, pero voy a ir, porque tengo a Nubia Stella Martínez, que es mi representante en América Latina, que me habla mucho de ella y tengo muchísimas ganas de ir a conocer. Además tengo que ir al Carnaval.

En Barranquilla se reconoce muy bien su marca, incluso, los hombres la identifican...

Los hombres son mejores clientes que las mujeres. Son más miedosos, son más inseguros, son más fieles. Yo lo poquito de hombre que he hecho ha sido una cosa con una recepción increíble. No es una cosa a la que le dedique toda la atención que debería, pero hacer ropa para hombres es lo máximo.

¿Y cuándo complacerá a los hombres?

Cuando un par de fabricantes colombianos me ayuden a hacer eso.

El hijo de Buenaventura que viste a las celebridades de Nueva York

noreply@blogger.com (Andrea Jiménez Jiménez) — Wed, 13 Mar 2013 14:30:00 +0000

Tiene cara de buen bailarín. Quizás es por el rezago latino de la estirpe valluna de la cual proviene. Su tez negra, otro indicador de que su origen es el Pacífico. Pero en Nueva York, mimetizado entre la población afro, es difícil rastrear el umbral negro bonaverense de Edwing D’Angelo Ortiz. La adivinanza se hace aún más complicada por su apellido italiano.

La ‘Buenaventura’ del municipio donde nació lo hizo emigrar, con su familia, a la Capital del Mundo, cuando se estrenaba como adolescente, a los 13 años. Del puerto donde disfrutó su infancia recuerda, con un amor que le irisa los ojos, cuando una de sus tías lo llevaba a escuchar, junto a ella, talleres sobre confección. “Tenía unas tías modistas y ese mundo me encantaba”.

En un convento se enseñaba a las mujeres a coser, y no es que los hombres pudieran ingresar, pues eran exclusivos para las mujeres. Es que su pariente lo cuidaba en ausencia de sus padres, y por ser un niño, no podía quedarse solo. La solución era llevarlo en condición de pequeño acompañante al claustro.

Ahí aprendió el oficio. “Era una transformación lo que yo sentía cuando entraba a ese taller”. Los ojos le vuelven a brillar.

Adelante con la moda, de Gloria Valencia de Castaño, también fue su influjo. La gente le pregunta que cómo se acuerda de eso, si él era “un bebé”. Doña Gloria “mostraba la moda de Europa, de Giorgio Armani, y eso era un mundo que me transportaba”. El resplandor de sus ojos no desaparece. “La estética colombiana tiene mucho que ver con la moda, las reinas, y al final me quedé con ese cariño”.

Se fue con toda esa información a Estados Unidos y no sabía cómo catalizarla. La abogacía tenía que ser su camino, pues así lo decidieron sus padres una vez terminó el bachillerato. Acabó de cursar el high school en Nueva York y su mamá le confesó su deseo. “Ya que lo traje de por allá, venga, gástese un poquito de cerebro y métase a abogado”, manifestó, y “me metieron en ese rollo”. Se puso a trabajar, entonces, con el mismo abogado que les hizo los trámites de legalización.

Entró a la universidad y, clandestinamente, mientras sus padres lo hacían estudiando a Aristóteles y las leyes, su corazón palpitaba a prisa cuando escuchaba las cátedras sobre moda, arte, y cursos cortos que podía tomar. “Empecé a conocer gente en el mundo de la moda y a construir ropita, a hacer cosas; a las sesiones de fotos llevaba las piezas que había hecho y terminaban fotografiándolas”.

Su primer gran pedido llegó sin proponérselo. Era la fiesta de graduación de su hermanita, a quien le diseñó el vestido, que causó sensación entre sus compañeras de curso. El resultado del enamoramiento: terminó haciendo 32 trajes.

¿Y tus papás qué te decían de eso? “No, eso era a escondidas”. Es turno de reírse de nuevo. “Me daba un poco de miedo porque lo veían como algo muy femenino y ellos tenían su mentalidad latina de que los hombres no se meten en eso”.

Pero en Estados Unidos las cosas son diferentes, y su brillantez en el campo del diseño no podía ser fácilmente escondida. Se fue de la casa a hacer su propia vida convencido de que no podía hacer de tripas corazón con lo de las leyes. Decidió, de una vez por todas, que el diseño de modas era lo que le gustaba, lo que lo llenaba, y se metió de lleno en el campo.

“Pero como no tenía experiencia en la moda, nadie me contrataba en el campo”. El siguiente paso era ahorrar, y lo hizo. Economizó por dos años sus caprichos y gustos y consiguió el dinero que necesitaba parar abrir su propio taller.

En la localidad de Harlem, en Manhattan, alzó su boutique, que hoy es referente de moda para la alta sociedad neoyorquina afrodescendiente. Sus clientes son celebridades, damas de alcurnia, gente de alto rango. Esbozando, cosiendo y enhebrando ha vestido a personalidades como Tyra Banks, Vivica Fox, Dawn Richards, Jill Scott, Lil’ Kim, Hill Harper, entre otros.

En las dos primeras fotos, la súper modelo Tyra Banks, vestida de Edwing D'Angello. En la última foto, el diseñador al lado de Vivica Fox.

“En el área donde yo estoy está concentrada la comunidad negra de dinero, que tienen fundaciones, casas gigantes, y por medio de esa gente fui conociendo a otras, me fueron presentando, me fui acercando a los asesores de moda de las celebridades negras que viven en ese sector, y se fue creando así la atmósfera en la que creo diseños para artistas”.

A Plataforma K (la feria de moda más importante del Caribe colombiano) llegó invitado por Proexport, en la misión de compradores internacionales, a observar el panorama de diseño y moda local. “Lo que estoy haciendo en Colombia es cambiando el proceso, porque hay gente que le gusta la moda pero no la pueden comprar porque es cara, entonces lo que estoy haciendo en este viaje es idear una línea más prêt-à-porter, más ready to wear, para llegar a las marcas que no pueden pagar una camisa de 200 dólares”.

Del diseño nacional, Edwing D’Angelo es la nueva cara para mostrar, aunque su nombre aún suene algo extranjero en su tierra. La risa y la piel, la mejor cédula para demostrar su espíritu colombiano.

“Eso fue la guerra de Troya cuando dejé la escuela de leyes, pero ahora soy la estrella de la familia”. Se salió con la suya. Y se ríe.