post fanzine de arte & cultura

Lou Reed se murió....

2013-11-02T09:36:00.003-07:00

Lou Reed se murió. Como cualquiera, como se muere un hijo de vecino. Sin halos de malditismo, ni mayor gloria. Murió tras meses de resistir un transplante de hígado que, ahora sabemos, no resultó exitoso...
Dicen que murió cuando más quería vivir. Había dejado las drogas y el alcohol -algo tarde, Lou-, practicaba regularmente el tai chi. Y estaba más o menos imbuído en esa espiritualidad de cafetería que proporciona el New Age.

Durante mucho tempo consideré a Lou un auténtico puntal de la música moderna y post moderna. Específicamente, del rock. Y lo fue. Sus canciones lo fueron, para bien y para mal. Pero jamás admiré a la persona, al hombre, al ser humano terriblemente atormentado que fue.

En mi generación se nos enseñó mal, se nos enseñó a admirar a los malditos, a los "son of a bitch" de este mundo... Lou fue un "son of a bitch", toda su maldita vida. Lo fue por elección propia. No es un héroe, no es un sobreviviente de nada, ni siquiera de sí mismo.

Creo que el pobre Lou también fue engañado, a él también le enseñaron mal.. No celebro su partida, pero no celebro su paso por este mundo. Creo que pudo haber sido mejor, más brillante de lo que fue. Menos droga, menos malditismo nos hubieran entregado un Lou Reed años luz mejor, en todo sentido.
Suerte por allá Lou, que no está de más para nadie. Gracias por algunas grandes canciones. Porque eso sí: algo de lo que compusiste quedará con nosotros por siempre. Adiós.

JOSE DEMASCENO

2012-11-26T13:46:00.003-08:00

JOSE DEMASCENO

1968, Rio de Janeiro, Brasil

Este artista es un paradigma de los derroteros de la escultura y la instalación de Brasil. Desde los años 60 estas prácticas han alcanzado allí un refinamiento y una complejidad que han llegado a acuñar un sello característico. Los artistas brasileños han introducido –quizá paradójicamente-expresividad, sensualidad y juego en el postminimalismo y el pos conceptualismo, han complicado la estética del material, dotándolo a la vez de carga subjetiva, han sofisticado el arte de la instalación, y han diversificado, vuelto más compleja y aun subvertido la práctica del “ lenguaje Internacional Contemporáneo”.

Muy adecuadamente se ha afirmado que damasceno trabaja con sistemas, tanto desorganizado los existentes como creando otros nuevos, o estableciendo relaciones insólitas entre ellos. No obstante sino añadimos otros matices cruciales podría pensarse en una obra analítica, objetiva, o centrada en una pura investigación estructural. Sería más exacto afirmar que Demasceno es un poeta de los sistemas. Tanto por su enfoque subjetivo como por las imágenes sintéticas que produce, pero sobre todo por volvernos las cosas más complicadas en vez de diseccionarlas. Es decir, por que intenta seguir la madeja de la realidad viva más que actuar desde un laboratorio-conceptual.

El ha insistido en que lo llamamos “realidad” es un tejido de innumerables estratos, dimensiones, densidades y porosidades de toda índole. Para el artista se trata de una inabarcable red de canales de gran complejidad estructural, que se mueven y transforman de acuerdo con otro universo vastísimo, el de los diferentes puntos de vista desde los cuales la abordamos. Su arte explora este intrincado nudo, y lo hace partiendo quizá de una conciencia de la imposibilidad de la tarea. Hay algo de utopía pesimista en su trabajo. De ahí este tenga que ver más con el misterio que con la claridad, porque se coloca en el entretejido mismo de estos sistemas. Por eso inventa mucho más que analiza.

A la vez encontramos una impronta constructiva en su trasfondo-tan suave como arraigada-, oculta tras la vibrante subjetividad de las obras. Por mas insólitas, inventivas y provocadoras que estas puedan ser, casi nunca “se sueltan”. No se señala esto como una limitación sino como un rasgo contribuye el carácter de estos trabajos. Una zona importante del arte brasileño se basa en desarreglar imagines preexistentes, no como un procedimiento de diseño, sino dentro de una variedad de estrategias estética-discursivas. Ellas, de cierto modo, subvienen desde dentro el marco constructivo, pero sin quebrantarlo, más bien ampliando sus posibilidades hacia campos inéditos, pulsando una tensión creadora de significados. Demasceno se sitúa en el grado cero de la voluntad constructiva, del orden y del desorden, y desde allí nos sorprende con sus actos de magia y filosofía.

PRIMAL SCREAM/ SCREAMADELICA (1991)

2012-11-26T13:44:00.000-08:00

PRIMAL SCREAM/ SCREAMADELICA (1991)

Sello discográfico: Creation

Producción: Varios

Dirección artística: Paul Cannell

Nacionalidad: Reino Unido

Duración:65:02

Mientras que grupos como los Happy Monday y los Stone roses habían estado siguiendo la cultura de clubs desde hacía un tiempo, Screamadelica derribo todas las barreras. Los fanáticos del baile descubrieron el merito del rock, los aficionados al indie-rock se lanzaron a la pista de baile, y los que no tenían una copia del disco se sintieron desfasados.

Antes de aquello primal Scream era un grupo de rock estridente h poco destacable con un par de discos en su haber. Sin embargo el acid-house se estaba poniendo de moda en gran Bretaña y, en 1990, un amigo de la banda llamado Andrew Weatherall hizo un experimento remezclado su canción “ Im losing more tan I ll ever have”.

El resultado fue “Loaded”. Desmontada, adornada con nuevos sonidos y con la incorporación de samples de Peter Fonda pertenecientes a la película “Los Ángeles del Infierno “se convirtió en un fenómeno. y el magnífico góspel-house de “Come Together” formaron la columna vertebral del increíble viaje a la psicodelia moderna que tendría lugar en 1991( las ediciones estadunidenses y japonesa incluían la versión menos eufórica del single “Come Together”). Weatherall se mantuvo al mando de la mayor parte de los caleidoscópicos ritmos, mientras el productor de Primal Scream, se encargo de los dos cortes de rock:”Movin on up” y “ Damaged”. The Orb también crearon la alucinante transmisión de dub alienígena de “ Higher tan the sun”, mientras que Hypnotone ayudaron a convertir “Slip inside this house” de 19th Floor Elevators, en una pieza rugiente dominada por el bajo. Tal vez sea un disco de colaboraciones, pero aunque los productores puedan reclamar un gran parte del merito de la música fueron Primal Scream quienes se propusieron demostrar que la música de baile podía coexistir junto al rock.

http://www.youtube.com/watch?v=aKFYtUJFYVE

http://www.youtube.com/watch?v=ZUjW82je_38

ANA MARIA MAIOLINO

2012-11-23T14:05:00.000-08:00

ANA MARIA MAIOLINO
1942,Scalea, Italia/Italy

En los años 60 y 70, esta artista desarrolla su obra experimentando diversas líneas estético-conceptual-el Neoconcretismo, la nueva figuración, el minimalismo, el conceptualismo-, además de parti

cipar, a fines de la década de los 60, el espíritu vanguardista con fuerte acento local propone la llamada nueva objetividad brasileña. El privilegio otorgado al objeto en tanto recurso organizador de la experiencia, la apelación a la participación del espectador y el posicionamiento político del artista, son algunas de las claves de estas nuevas prácticas experimentales. En su espeso recorrido, valiéndose de muy distintos medios, soportes y técnica, la artista aborda problemas del cuerpo humano y de objetos desde una visión que renuncia a la lógica dualista y apunta más bien a desplegar la complementariedad de los opuestos en tanto motor de vida. La xilografía la acerca en 1967 a la “literatura de cordel”, una hibridación de literatura e imagen característica de la cultura popular del noreste de Brasil, a cuyos relatos de la vida cotidiana la artista les confiere un cariz político, con los mapas mentales (1971-1974) Maiolino conecta la palabra poética con la especialidad del papel, al que interroga mas allá de lo bidimensional aplicando perforaciones, pliegues y otras formas de expansión del cuerpo liso. Por ejemplo mediante líneas punteadas divide un superficie en cuadros regulares , e inscribe en ellos palabras, números, incisiones, de este modo, lejos de sostener la existencia de significados estables y mensurables la obra sugiere que es mediante la vibración efectiva de los signos que el significado se torna elemento productor subjetividad.

La instalación es quizás el medio que confiere a la obra de Maiolino una expresión más explícitamente política sobre todo hacia el final de la última dictadura brasileña (1964-1984). Entrevidas (1981) propone al espectador el recorrido por un suelo minado por 70 docenas de huevos de gallina, de manera que experimente en carne propia la fragilidad de la existencia y a la vez, la tendencia irrefrenable de las cosas de la vida en los años 90, Maiolino realiza objetos e instalaciones con materiales muy simples, a fin de interrogar críticamente las modernas condiciones de existencia. Y es en el modelado de arcilla donde encuentra mayor potencialidad para expresar el modo en que la memoria de los gestos cotidianos, más que una repetición inútil, permite el lento pero sostenido enriquecimiento del individuo y el trazado de lazos profundos con la comunidad. En muchos (1991-1995) o Sao estes (1998), despliega en una sala cuantiosas piezas de arcilla modelada en forma de bolas y cintas, planteando una analogía entre el uso cíclico de esa materia básica- se moldea, se saca se convierte en polvo, se reutiliza el polvo humedecido para un nuevo modelado- y el carácter procesual de la vida misma.

THE JESUS & MARY CHAIN/ Psychocandy (1985)

2012-11-23T13:51:00.000-08:00

THE JESUS & MARY CHAIN/ Psychocandy (1985)

Sello discográfico: Blanco y Negro

Producción: The Jesus And Mary Chain

Nacionalidad: Reino Unido

Duración: 38:52

Habiendo dejado todo el mundo con la boca abiertas tras el primer single de Creation en 1984, “Upside Down”- inclemente losa de feed back y batería neandertal-, Jim y Willian Redi se pasaron todo el año siguiente encantando al público con su originalidad manera de actuar en directo. Sin tener en cuenta las masas, elevaron una impenetrable tempestad de feedback y distorsión, pasaron la prensa y rara vez tocaron durante más de 10 minutos. No resulta sorprendente que sus gigs acaben frecuentemente en estallidos de violencia; notable fue la revuelta que siguió a su aparición de 1985 en North London Polytechnic.

Firmado con blanco y negro peor manteniendo a su representante en Creation, el álbum debut de Mary Chain transpiraba genialidad unánimemente halagado por la prensa mundial se le señala ahora como uno de los mejores primeros álbumes de la historia. Los dos hermanos escoceses lograron llevar a cabo lo impensable: fundir el estilo pop soleado de los Beach Boys y el brutal sonido empapado de feedback de la Velvet Underground, además de una enorme cantidad de eco, la primatica batería de Bobby Gillespie.

Los tres singles que más comentarios suelen suscitar son el fanfarrón”You trip me up”, el nihilista subido anfetaminico de Never understand y el agridulce “ Just like hoy”, pero el álbum sigue siendo alectrizante en su totalidad su influencia es incalculable . Cualquier banda que desde entonces hay demostrado pasión por los pedales de efectos y oído para las melodías desenfadadas les debe algo. Tal vez no podamos volver a oírlos tocar en directo, pero Psychocandy se acerca bastante a lo que alguien escribió una vez sobre sus conciertos;” una sierra mecánica en un huracán”.

http://www.youtube.com/watch?v=zK2nJWNgZBA

http://www.youtube.com/watch?v=b2bzrCCKDwc

LILIANA PORTER

2012-11-21T14:09:00.000-08:00

LILIANA PORTER
1941, Buenos Aires, Argentina

El coleccionismo de pequeños objetos, de suvenir populares en muchos casos asociados a la infancia (Mickey, ositos, soldados, muñecas), o los imaginarios de la política (el che, Mao)es el depósit

o sobre el que Liliana Porter organiza un mundo en el que cada uno de los elementos que participan renueva su significado. En estos escenarios, se cruzan lo kitsch y lo tierno. No sin citas sarcásticas o irónicas, sino juegoentre lo lógico y lo arbitrario en los que no está ausente el efecto.
Las citas eruditas de historia del arte- particularmente de la obra de Magritte, Goya, Picasso- y de la literatura-Borges, Alicia en el país de las maravillas, las mil y una noches-, la yuxtaposición de imágenes, le permiten establecer un repertorio de sutiles estrategias de construcción del sentido que mezclan lo lúdico con un humor delicadamente trágico.
En 1964 después de vivir en buenos aires y ciudad de México, se establece en Nueva York donde forma junto con Luis amnitzer y José Guillermo Castillo el New York Graphic Workshop, desde el que problematizan la relación del grabado con los aspectos técnicos del oficio. Su obra de esos años explora con insistencia a las paradójicas relaciones entre la realidad y la ficción, investigación que continua en su obra más reciente. Como en el fotograbado Picasso (1973), en el que la foto de su propio dedo reproduce debajo de la línea del grabado de la Suit Vollard. La imagen ilustra una imposibilidad, aquello que no sucedió porque los tiempos de cada imagen históricamente no coincidieron. Sin embargo, lo que ella expresa con esta intervención es la condición de la imagen de plantear, cada vez un tiempo nuevo, el de la nueva parición de la imagen, en la que ella interviene levantando la Línea con el dedo.

En las obras de los años 80 se produce una fragmentación del soporte, como si este fuese insuficiente o como se hubiese estallado y su exceso o sus fragmentos tuviesen que continuarse en otros pequeños cuadritos ( stil live with red crayón, 1984) y objetos que recurren el borde superior de la pintura.
Los pequeños objetos de su colección que se representaban en dibujos y grabado yuxtapuestos, comienzan a dominar solos, en un espacio vacío, generalmente blanco o rojo. Muchas veces actúan inmersos en situaciones reales que materializan la condición que su apariencia ficcionaliza (trabajo forzadoV, 2005), tanto en las fotografías como en los videos (para usted, 1999y solo de tambor 2000). La sustancia del tiempo no es lineal, afirma Porter toda su obra es una reflexión sobre la condición no narrativa de la imagen, sobre ese potencial anacronismo que le permite aparecer en cualquier tiempo. Sobre estas posibilidades actúa Porter para juntar todo aquello que sueña y desea.

T.REX/ THE SLIDER (1972)

2012-11-21T13:58:00.001-08:00

T.REX/ THE SLIDER (1972)

Sello discográfico: EMI

Producción: Tony Visconti

Dirección artística: Ringo Starr

Nacionalidad: Reino Unido

Duración: 43:35

Grabado en París y Copenhague con el productor Tony Visconti, fue editado en verano del 71, en el momento más álgido de la T.Rex manía. Entre los fans del carismático Marc Bolan se encontraba David Bowie, que también había trabajado con Visconti y acabo dedicando su hit “lady stardust” a Marc. The Slider fue un éxito en ambos lados del atlántico y marco un punto de inflexión en el glam rock estadounidense.

Telegram Sam, que vendió 200.000 copias en los cuatro primeros días y la estática”metal guru” llegaron ambas al N·1 en el Reino Unido; son dos clásicos incontestables. Pero también hay una calidad en las baladas mas tiernas”mystic lady”,”ballrooms of mars” y en los momentos más rockeros y Frenéticos “rock On”. Bolan demostró una vez más que era un artesano de las canciones refinadas y pegadizas. Y también un maestro de la espontaneidad, pues perdía interés por toda canción que superara las dos o tres tomas, lo que confería a sus composiciones una efervescente inmediatez. Su talento no se cenia al rol de compositor y líder de la banda. Las letras son típicas de Bolan: Dadaistas, agudas, perversas y llenas de sorprendentes asociaciones y originales metáforas.

De todos modos, no todo fue armonía en el estudio. Visconti llego a comentar que a esas alturas el grupo trabajaba sobre la misma fórmula y el ego de Bolan estaba por las nubes. A pesar de todo, el disco está cargado de magia. Bolan murió en accidente de coche en 1977, dejando un legado musical Que ha influenciado a todo tipo de músicos, como los paladines del rock gótico, Bauhaus, que hicieron una versión de Telegram Sam, o la banda estadunidense Guns`n`Roses que hizo lo propio con Buick Mackane.

http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=zfjAEWHrFvo

http://www.youtube.com/watch?v=IRG3ugqY4Ks

2012-11-15T14:23:00.002-08:00

MALAS Tierras

El destino ha querido que Mister Lonely sea el último tributo en vida a Michael Jackson , un tributo extraño y discutible como su propio creador, el norteamericano Harmony Korine.

http://www.youtube.com/watch?v=4u7UG6n5100

Fue una voz inconformista y transgresora en el cine americano de los noventa. Acusado de chuvinista, miserabilista y además, sus filmes iniciales se fueron forjando desde su experiencia y exploración del continuo absurdo de la decadencia de la vida dentro de la “Norteamérica profunda”, aquella que Ford y Wayne vanagloriaban y justificaban. Harmony Korine (quien la conoce bien) decidió desenmascárala atraído por observar el continuo descender de la naturaleza humana en los recónditos espacios sub-urbanos de su nación.

Así, Gummo salió a la luz. Su inclasificable opera prima de 1997 contento a pocos y genero rechazo hasta odio en muchas. Ya se había planteado la semilla para una de las obras más personales y contraculturales de aquella década. Y es que inicialmente, Gummo puede ser confundida como un filme superficial y oportunista pero basta fijarse bien en sus personajes, en la forma en que son mostrados y pintan como víctimas y victimario de su realidad, para darnos cuenta que el filme de Korines es mucho más de lo que se estructura de mosaico inconexo de situaciones puede explicar. Al igual que Faces de Cassevettes, convierte lo ordinario en extraordinario, un logro creativo y artístico sugerido desde la vulgaridad y desesperanza de sus participantes.

Con este filme, nosotros, los espectadores, podemos contactarnos y recibir un golpe, ver frente a frente los bajos fondos de la existencia humana, y, por más naturalista que sea sociedad/imagen presente, encontrar que no estamos muy lejos, moral e intelectualmente, de ellos. Korine no necesita futuro distopico para mostrarnos al humano animalizado, salvaje, rendido; para el realizador, esa realidad es un gran catalogo de fenómenos de circo que buscan provocar a los burgueses espectadores de cine. Hamrmony Korine, con su primera película, se estableció como uno de los más radicales y polémicos cineastas de su generación, pero también como del que más se esperaba y intrigaba, ¿Cómo haría para sobrepasar a Gumo? se convertiría en un misterio y una apuesta. Su originalidad, tal vez, era consecuencia de tener una visión que buscaba confrontar y desconocer cualquier tipo de influencia directa desde el cien en si. Si bien se detectan momentos de Bresson, de Malick y hasta de Tarkovski, lo interesante de Korine es su empecinamiento por encontrar algo nuevo en el cine, por encontrar nuevas imágenes y significados basándose en una experiencia mundana de observación o autobiografía o en la música o en la pintura, contraponiéndose a toda una corriente de cineastas de su generación y anteriores que eran influenciados principalmente (y otros únicamente) por el séptimo arte.

Años pasaron y Korine regreso con Julien Donkey Boy (1999), basándose en vivencias de un familiar victima de esquizofrenia. Influenciado por el movimiento dogma 95, la narración se focaliza en un protagonista, Julien (Ewen Brenner), y su entorno familiar. Korine personaliza la historia para abandonar a julien, en las consecuencias para sí y para los suyos de su enfermedad a través de la confrontación de personajes en extremo complejos como el padre (Werner Herzog)envuelto en su propio laberinto de sueños y mitos, negándose a compartir el dolor de su hijo y comprenderlo; y como Pearl (Chloe Sevigny), una mujer de bondad inmensa e inocencia que le conceden características religiosas, e introducen la historia interpretaciones bíblicas casi alegóricas. Y, por supuesto, como Julien, quien es controlado por su enfermedad y el temor a esta, que inunda su pensamiento. Es también el filme más lirico de Korine pues las imágenes tienden a enaltecer y sublimar el paisaje tanto urbano como rural, pero jamás olvidándose de que está filmando una tragedia, una vida de sufrimiento donde la felicidad es efímera y se refiere más a un recuerdo retocado que de la realidad.

http://www.youtube.com/watch?v=ZdybmIKQl60

Transcurrieron ocho años para que el guionista de Kids volviera a estrenar una cinta, este caso es Mister Lonely(2007) una nueva generación de cineastas había surgido quizá con menos fuerza que aquella de hacía diez años, pero mucho había cambiado, esta vez parece que la madurez sorprendió al cineasta, le volvió humanista quizá, idealista. Esta vez Korine elige retratar a un grupo de imitadores; el protagonista un doble de Michael Jackson (Diego Luna), quien luego de su encuentro con la doble de Marilyn Monrie ( Samantha Morton) es invitada por ella a una isla donde habitan solamente un tipo de personas. Vemos a la Reina Isabel ll, a Abraham Lincoln, Shirley temple, Charlie Chaplin ente otras imitaciones.

Si decimos que Gummo sus personajes eran fenómenos, aquí lo son también, pero con conciencia de condición, y actuando en función a ella. Lo que buscan es aparentar y luego trascender la barrera de la personalidad, muy seguramente apegados a la idea de la construcción de una utopía. Sin embargo, una tragedia echara por tierra el mundo imaginario de los soñadores. La empresa naufraga y Michael Jackson (o su doble) retornan a cas pero mayor experiencia: ha aprendido que no importa morir si es que se a vivido con dicha.

Ya existen noticias de que Trash Humpers, el nuevo filme de Harmony , está terminado y que se está preparando su estreno. Nada mejor que la actividad para seguir constatando la evolución del antiguo enfant terrible americano en un referente de resistencia y creatividad cinematográfica muy necesaria estos días.

http://www.youtube.com/watch?v=FfkL3ewZnU8

JORGE MACCHI

2012-11-14T14:56:00.000-08:00

JORGE MACCHI
1963. Buenos Aires, Argentina

Pese a su formación inicial como pintor, el artista pronto abandona esta técnica para instalarse en la poética reduccionista del ready-made y del objet trouvê, definiendo la obra de arte como “misterio a investigar”. Encuentros con objetos, accidentes domésticos, paseos improductivos…, las piezas de Macchi nace de lo anecdótico y de lo casual, de la vida cotidiana de un artista empeñado en construir ecuaciones intelectuales que enredan y confunden nuestros sentidos. En su paleta los signos se descomponen, y se reconstruyen, se reordenan bajo nuevas relaciones semánticas y visuales que nos retrotraen en su poder creativo original. En este escenario primitivo, concebido a modo de enigma esencial, los textos no obedecen a nuestra lectura, las imágenes son subjetivas que apenas podemos interpretarlas, los objetos se relevan contra su uso habitual, los sonidos actúan como la banda sonora que acompaña al drama de nuestra existencia. Esto ocurre en Música Incidental (1998), donde las crónicas de las páginas de sucesos puestas en línea adoptan el papel de las líneas de una partitura musical que hace evidente la violencia del género humano. Pero también en La Ascensión (200%), presentada en la bienal de Venecia, en la que bajo un fresco barroco, el artista situó una cama elástica que reproducía las curvas y contracurvas de la pintura del techo. La intimidad del espacio se veía reforzada por la oscuridad, y sobre todo, por la pieza musical d Edgardo Rudnitzky compuesta para el evento, y en la que los saltos del acróbata hacían las veces de bajo continuo.

Estas 2 piezas que distan casi una década en el tiempo, sirven para dibujar un segmento circular y cerrado en el que las obras como Fuegos de Artificiales (2002), la serie fotográfica Citas (2002), o Doppelganger (2005) , determinan otros momentos clave de su producción. En todas ellas, el mismo trasfondo heurístico: la huella de un zapato sobre la pared se repite y difumina hasta convertirse en explosión pirotécnica, instantáneas de objetos y paisajes que adquieren sentido al ser entrecomillados por el autor, noticias violentas que se reordenan, cruzan y distorsionan para configurar imágenes abstractas muy semejantes a las del test de Rorschach…Cualquier sustancia o circunstancia puede ser la esencia de la operación, como en Buenos Aires Tour (2003), donde un accidente, un vidrio roto, superpuesto sobre un plano de metro, determina la ruta seguida por el artista. El resultado: montones de materiales recopilados y dispersos por el espacio expositivo. Un espació que en Macchi busca una relación muy particular con un espectador que, atrapado en las dualidades, incógnitas y simultaneidades, parece no encontrar escapatoria y estar condenado a deambular eternamente por el laberinto.

Nick Cave and The Bad Seeds / Abattoir Blues/The Lyre of Orpheus

2012-11-14T14:42:00.000-08:00

Nick Cave and The Bad Seeds / Abattoir Blues/The Lyre of Orpheus

Sello discográfico: Mute
Producción: N.Cave and The Seeds
Dirección artística: Tom Hingston Studio
Nacionalidad: Australia
Duración: 82:24

Un doble álbum significaba por lo general una de dos cosas en la vida de una banda. La más habitual es que se trata de acompañante de la típica crisis que aparece a mitad de la carrera, cuando se impone aquellos de mirarse el ombligo y los solos de batería de doce minutos. Lo menos frecuente es que una banda posea tanto material bueno que no quepa en un solo álbum. Creo que ya habrás adivinado cual era la circunstancia de Nick y de sus chicos.
Producido por Nick Launay, que se había encargado de Nocturama (2003), AB/TLOO reencuentra a la banda, privada del incondicional Blixa Bargeld, en el proceso de colaboración de aquel disco con los Sedds de vuelta en la sala de maquinas de la composición.
El álbum es sin duda esquizofrénico, y un sonido definido domina cada sección. Abottoir blues es una cana al aire que combinada con el humor de Cave, el cual exhorta al oyente a que “si tienes un campo y no produce, levántate y cava” en “There she goes my beautiful world”. Cave también compensa la metafísica con la realidad banal del tema del título:”Me fui a la cama anoche y mi código moral se atasco, me despertare esta mañana con una frappucino en la mano”.
…Orpheus adopta un tono más contemplativo, y contiene algunas de las canciones más vertiginosas que Cave haya escrito jamás:”Breathless”, un encuentro con Van Morrison, o la jugosa” Babe, you turn me on”,(“pongo una mano sobre tu maduro carrazón rojo, y la otra en tus bragas”). Hay espacio para otra sorpresa, cuando el London Community Gospel Choir añade profundidad espiritual a “Carry Me2 y la emocionante “O children”.
A medida que los Seeds se adentran en la cuarentena, está claro que la edad no les marchitara.

http://www.youtube.com/watch?v=TTOgUlhd_qk

http://www.youtube.com/watch?v=_IFYS2wcX8Y

2012-11-13T15:19:00.001-08:00

CILDO MEIRELES
1948,Rio de Janeiro, Brasil

Este artista desarrolla su producción cuestionando, a través de una compleja exploración del espacio, los modos normalizados de la percepción, los grados de inteligibilidad sobre el devenir del mundo, y la capacidad del sujeto de intervenir en el. Anqué en sus instalaciones, objetos, esculturas y dibujos de fuerte arraigo conceptual predomina, a veces, una dimensión más formal-estructural, y a otras, una más sociopolítica, la conexión entre ambas es siempre posible. En los años 60, atraído por el Neoconcretismo , Meireles comenzó a ensayar una desestructuración del objeto de arte y a explorar los hiatos o fusiones entre arte y vida. Entre fines de esa década y la de los 70, particularmente en sus instalaciones, ligo muy estrechamente la interrogación por el lenguaje artístico y la circulación de la obra de arte con la interrogación del lenguaje artístico y la circulación de la obra de arte con la intervención política.

Desvió hacia el rojo (1967) invoca el fantasma de un periodista asesinado por la dictadura militar brasileña (1964-1984), en una progresión de tres espacios donde el color del título refiere cada vez más explícitamente a la muerte violenta: un living saturado de objetos virados al rojo, una sala semi oscura con una pequeña botella de la que brota un charco de tinta roja, y una última sala oscura con un lavado de cuyo grifo surge un chorro de agua también roja. Espacio virtuales: rincones (1967) propone un desacople perceptivo al presentar fragmento de un rincón domestico, el Angulo de cuyas paredes sugiere la existencia de un espacio inesperado mas allá del espacio euclidiano. Pero es el medio social mismo lo que convoca al artista a partir de 1970. Inserciones en cirulos ideológicos (1970), serie de intervenciones en botellas de coca cola y billetes de dólar y cruceiro con consignas en contra de la dictadura brasileña y el imperialismo estadounidense, es una obra clave del conceptualismo ideológico latinoamericano. En este caso la obra no consiste en el objeto en sí, sino en los intercambios que las consignas pueden provocar alterando el espacio naturalizado del poder(es decir, la ideología). En trabajos más recientes, Meireles acentúa su interés por desmontar el predominio de lo visual en la cultura y por aumentar la percepción del entorno generado en el espectador sensaciones de riesgo. Es el caso de Volátil (1980-1994), instalación que presenta una sala con el suelo cubierto de ceniza, una pequeña vela encendida, un sonido sibilante y un olor a gas cada vez más envolvente. En los 2000, su obra retoma el contenido político explicito, como en elemento que desaparece/Elemento desaparecido (pasado inminente) (2002), una acción desarrollada durante la documenta 11. Para la ocasión, varios vendedores ambulantes ofrecían por un euro helados de agua pura, con lo que se señalaba en qué medida de agua se torna objeto de disputa en un mundo en el que un elemento de supervivencia cada vez más escaso es fundamentalmente considerado bajo la lógica de la mercadería.

2012-11-13T15:12:00.000-08:00

HAPPY MONDAYS/ Pill´N`Thrills and bellyaches(1990)

Sello discográfico: Factory

Producción: Paul Oakenfold

Dirección artística: Central Station Design

Nacionalidad: Reino Unido

Duración: 43:48

Los Mondays se sirvieron de las habilidades en las tareas de producción de Paul Oakenflod y Steve Osbourne para hacer la versión de “ He´s gonna slep on you again” de John Kingos, titulada “Slep on”.

Pills ´N´thrills and Bellyaches (el titulo era una referencia al estilo de vida la banda) entro directamente en el n1 de las listas británicas, con una cubierta que era un collage psicodélico con envoltorios de caramelos. Oakenflod logro fusionar con éxito el sucio funk industrial característico de la banda con sutiles ritmos de baile. La genialidad de Shaun Ryder con las letras que alcanzo nuevas cotas con una versión única y global de la vida moderna, los trabajos basura, la droga, el sexo, la violencia y los mugrientos bajos fondos. La conversación de “Kinky Afro) entre padre autoindulgente huido y desdeñoso hijo llevo al jefe de la discografía Factory, Tony Wilson, a decir que era” la mejor reflexión sobre la paternidad desde “Prayed for my daughter” de WB Yeats”. El hook del tema fue extraordinario del “Lady marmalade” de Labelle.

La influencia de la música latina, el jazz el hip hop perfilan los momentos más destacados del álbum, como el tema “Donovan”- homenaje al cantante folk de los 60- y el sórdido ”Bob´s your uncle”. ”Loose fit” mezcla oscuras texturas dub con referencias apenas veladas a los pantalones acampanados que el grupo volvió a poner de moda, en tanto que ”Gods cop” se bula de James Anderton, por aquel entonces jefe de la policía de Manchester, quien afirmaba tener línea directa con dios.

Nunca antes había alcanzado semejante altura, pero los Happy Mondays- junto a sus colegas de Manchester New Orden y The Stonce roses- finalmente lograron que la música rock se adentrase a trancas y a barrancas en la era éxtasis.

http://www.youtube.com/watch?v=2CQLAhNlbfQ

http://www.youtube.com/watch?v=pJCZml22k50

http://www.youtube.com/watch?v=36xUuDU1gjM

Pavament/ Slanted and Echanted(1992)

2012-11-12T16:06:00.000-08:00

Pavament/ Slanted and Echanted(1992)

Sello discográfico:Big Cat
Producion: Pavement
Dirección artística: Stefan Sagmaister
Nacionalidad: EE.UU.
Duración: 39:01
Si nirvana había abierto las puertas del éxito a bandas alternativas, Pavament parecía decidido huir de él, sin lograrlo. Las primitivas cintas de su álbum de debut, Slanted and Echanted , ni siquiera venían con el titulo de las canciones, pero aun así se coló en la lista de los mejor del 1991 del villaje voice. Desde entonces, el sonido perezoso del Slanted y Echanted ha influido a muchas bandas de rock independiente.
Pavament eran 3 amigos de California: el lacónico cantante Stephen Malkmus( acreditado en la funda como sm), el guitarrista Scott Kannberg (Spiral Stairs) y el baterista Hippy Gary Young, quien regalaba repollos en los conciertos antes de ser despedido de la banda un año después. Tras ensayar una semana, Pavament grabo Slanted and Enchanted en siete días en el estudio del garaje de Young, por unos módicos 800 dólares.
El tono naturalmente, es crudo y sucio, Young suena como si estuviera golpeando con una caja de cartón, y las guitarras se oyen enmarañadas, pero Slanted… es un disco creativo, con elementos de free jazz, y aunque las letras de Malkmuss son cripticas (mentiras y traiciones, clavos cubiertos de frutas, musita en Trigger cut), existe una sinceridad real y gran carga emocional en el corazón de estas canciones. Escuchad la frustración y anhelo de la deliciosa”summer babe”, que abre el disco o la amable “ Zurich is stained”, con sus guitarras bien definidas. “éramos jóvenes, ingenuos y teníamos algo en que creer” reflexiona Kannberg. Con sus sentimientos desgarrados y emociones confusas, Slanted… sigue siendo un disco perfecto

http://www.youtube.com/watch?v=3DRBYrYj144.

http://www.youtube.com/watch?v=8HlqYl3vReE

Marco Maggi

2012-11-12T16:00:00.001-08:00

Marco Maggi
1957, Montevideo, Uruguay

La información a través de sistemas tecnológicos, su búsqueda se refiere a las contradicciones de normalidad de la maquina entre el continuo aceleramiento de la producción y la transformación del hombr

e. Al señalar el incipiente desarrollo cibernético como una vuelta a los orígenes de las aspiraciones de organización y sentimiento, Maggi interrumpe la continuidad para reconocer el constante surgimiento de espacios de incertidumbre en la formación del conocimiento. Para la instalación de Hotbed múltiples paneles de hojas de papel Xerox se extienden en el piso siguiendo una distribución racional de segmentos reticulares; mientras la función del papel supone la sistemática uniformidad en el fotocopiado, el proceso filtra particularidades mostrando la relatividad de su contenido en la última hoja de cada panel marcada con incisiones de navaja que se pliegan como diminutas esculturas.

Para Maggie , la posibilidad de acceder a una enorme cantidad de información en espacios microscópicos como el ADN, ha vuelto intangible la percepción visual, trasladando lo histórico a lo hipoteco. Con delicados relieves en miniatura grabados en papel aluminio de empleo casero o trazando en lápiz en tablillas de barro distintas piezas funcionan como archivos que comprimen narrativas inciertas de detalles infinitesimales al remitir a vistas aéreas de ciudades, segmentos de códices y acercamientos a circuitos; estos registros son susceptibles del paso del tiempo , como serie de "Manzanas Macintosh" marcadas sobre la piel y desecadas, revelando su caducidad en relación con la temporalidad humana. La minuciosidad en la realización de estos trabajos reduce drásticamente el ritmo de consumo de imágenes. Descubriendo lugares donde la mirada desvanece su significado en la intimidad.
La saturación de informaciones en imágenes y noticias a las que es expuesto el publico en los medios masivos de comunicación es el tema en profiles: The Ted Turner Catalog (2006), que consiste en cajas de plástico plexiglás con paquetes de papel fragmentado en retículas que contienen cortes sobre imágenes de Roy Lichtenstein, Jasper Johns, Yves Klein, Lucio Fontana, Andy Warhol y Pier Mondrian. A manera de reporte televisivo, la investigación continua como un amplio comentario acerca de la pintura tridimensional mientras irónicamente desaparece la fuente original en la pieza Mondrian Profile, cortando perpendicularmente con distintas formas 7000 hojas. Maggi dirige su atención hacia la acumulación de acercamientos sobre una misma imagen que al multiplicarse se convierte en virtual, de gran utilidad para “saber más y entender menos”.

PRISCILLA MONGE

2012-11-10T13:59:00.000-08:00

PRISCILLA MONGE
1968,San José , Costa Rica

La obra de esta artista de manera polisémica en una zona limite que devela los aspectos oscuros y contradictorios de las relaciones humanas, y los ambiguos esquemas de poder y subordinación que rigen estas relaciones a muchos niveles. No es casual pues, que la iconografía deportiva, y sobre todo futbol, haya sido un punto de partida importante desde sus inicios que el juego sea una referencia recurrente a lo largo de su carrera, así como los matices de lo femenino. Aborda este tema específico desde la subalternidad. Pero dentro de una optima poco complaciente con la visión unilateral de la victimización, al plantear sutilmente ciertas complicidades que la permiten. Su obra obliga a una lectura más compleja y menos lineal que las interpretaciones tradicionales de género: va mas allá de lo femenino o masculino para hablar de poder en general, incluyendo lo perverso que puede ser el poder no-dicho de la víctima. Sin embargo, si se refiere abiertamente a la fragilidad y a la intimidad con piezas realizadas en toallas higiénicas que remiten a aspectos identitarios absolutamente femeninos como sus pantalones (para días de menstruación) realizados a fines de los 90, o el cuarto de aislamiento y protección (2001). Gran parte de su obra se nutre de su experiencia en un contexto de agresión; sin embargo, sus planteamientos logran trascender la propia intimidad- evita implicarse en su explicitación- y más bien se convierten en una forma de mirar y analizar una sociedad coercitiva y culpabilizante, y de enfrentar los fantasmas personales. Percibe lo cotidiano como un poder velado capaz de generar profundo terror, de desencadenar temores y obsesiones reprimidas: mediante la transformación semántica de los unos comunes y alteración sutil de escenas cotidianas insertando siempre un elemento siniestró. Su obra ha sido formalmente innovadora pues la construcción de sentido se inicia desde el escogimiento del material: pinturas sobre telas de mobiliario, bordadas y caligráficas. Pionera en el lenguaje visual, su lección de maquillaje, fue el primer video centroamericano presentado en una bienal internacional (Sao Paulo, 1998).sus referencias por lo general son mas cinematográficas que teóricas o históricas, y en algunos casos, literarias, como sus lecturas de Bataille. Las otras lecciones como Morir de Amor (2000), siguen ligadas a estructuras de conducta estereotipadas en relación con la seducción o el abandono.

A lo largo de su producción amplia, consiste y diversa, hace un alineamiento semiótico de contrarios, que se enriquecen dentro de este mismo contrapunto, así como de la sabiduría popular y sus mitos, y del psicoanálisis. Formalmente, también puede constatarse un contrapunto entre el proceso de producción en serie y la huella o el gesto de la artista en la realización de las piezas, lo cual envuelve más eficazmente al espectador.

2012-11-10T13:33:00.000-08:00

ABC/ The Lexicon Of Love(1982)

Sello discográfico: Neutron
Producción: Trevor Horn
Dirrecion artística: Visible Ink. ABC
Nacionalidad: Reino Unido
Duración: 37:25

Los ABC del Martin Fry eran un grupo funk de raíces punk bastante arty. Formaban parte de la misma escena de Sheffield que vio nacer a cabaret Voltaire Y The Human league. Trevor Horn, acababa de producir una serie de singles de pop azucarado para la Dollar. La unión podría haber acabado en un desastre, pero resulto un matrimonio que parecía sellado en el paraíso del pop.
A Horn, un fan progresivo que había estado de gira con loes Yes dieciocho meses antes, le acabaron abduciendo las obsesiones postpunk de los ABC y dio a conocer a la banda el potencial sin límites del estudio.”Nos dio la llave de la tienda de las golosinas”, ha declarado Fry . ”Trevor nos decía: “si queréis pizza, os daré pizza; si queréis una sección de cuerdas, también la tendréis”. Horn y Fry prepararon lso arreglos de cada canción usando un secuenciador algo primitivo, un mini-moog, y una caja de ritmos. Después la banda grabo con algún esfuerzo cada pista, borrando las bases de sintetizador a medida que avanzaban.”Era como jugar a las pistas”, declaro Horn. Lo que significa que lo logramos todo como por sorpresa, con ingenio y sin tener que rompernos la cabeza.
Temas punk-funk como “Tears Are not enough” y “Poison Arrow” están ejecutados con un oficio más que atinada, y rematados con la orquestaciones extravagantes de Anne Dudley. Estas majestuosas premisas musicales están entrecortadas por las letras atormentadas de Fry, que tratan sobre la imposibilidad del amor y la naturaleza ilusoria de la belleza.
Esta tención es la que caracteriza perfectamente las contradicciones deliciosas del “new pop”, sigiloso e inteligente, que marco los primeros 80. La genialidad de The Lexicon of Love también radica en que no tuvieron que echar mano de la condescendencia o la parodia para conseguir un buen disco.

http://www.youtube.com/watch?v=Lfph3043yZU

http://www.youtube.com/watch?v=QAc5C4pfBtg

2012-11-09T16:15:00.000-08:00

CARLOS GARAICOA
1967,LaHabana, Cuba

El artista es un interlocutor, y un arqueólogo, de la urbe contemporánea. hasta donde sé, se trata del único artista plástico actual cuya obra toda esta consagrada a una reflexión, y una poética, de la problemática urbana. Esto corresponde muy bien con la época de urbanización acelerada en que vivimos, un fenómeno que afecta sobre todo al tercer mundo y que está produciendo grandes mudanzas sociales y culturales. Baste pensar que, según los pronósticos, para 2025 dos tercios de la población del planeta habitara en ciudades, y dos tercios de ellos vivirán en países pobres.

Desde sus inicios como estudiantes, Garaicoa ha centrado su obra en el tema de la ciudad, y lo ha mantenido con consistencia como eje fundamental y casi exclusivo, no obstante los cambios en su evolución artística. Estos lo han llevado de una línea más “sociológica” y de intervención urbana al comienzo de su carrera, al acercamiento más formal y poético que predomina en su labor actual.

La Habana, su ciudad natal, ha sido el detonante y la base de su obra, propiciándole una mirada y una sensibilidad particular, moldeadas por el carácter único de esta urbe, que él ha sabido expresar como ningún artista. Garaicoa ha extendido esta mirada con acierto hacia otras ciudades del mundo que también lo han motivado (que van de Nueva York a Luanda), y, mas allá, hacia una visión general de lo urbano. La Habana es una ciudad-museo y a la vez una ruina viviente, donde se mezcla las evidencias de un pasado opulento con la miseria y la crisis social. Es también un símbolo del derrumbe de la utopía, aspecto que centro el “ciclo cubano “del artista quien se proyecto mas allá del tema de Cuba hacia reflexiones de vasto alcance. Así, su video-instalación “Cuatro Cubanos constituye, por un lado, la única obra de valor hasta ahora realizada en ese país sobre un tema tabú: la guerra en Angola. Por otro, sobrepasa su tema concreto para producir una de las imágenes más formidablemente pesimistas con que la cultura contemporánea ha sentido y resumido la crisis de la utopía.
Garaicoa ha hecho casi todo, desplazándose con coherencia entre la intervención urbana, la instalación, la fotografía, el video, el dibujo y la performance a menudo cambiándolos. Algunas piezas mantiene el filo critico inicial, reflexionan acerca de la historia, la utopía los procesos sociales, destacando sus ironías. En esta dirección, su trabajo puede llegar adquirir un sentido testimonial. En otra, estiliza una estética de la ciudad, construyendo refinadas abstracciones de las tramas y perfiles urbanos. Siguiendo su interés en la arquitectura, su trabajo mismo se ha vuelto más constructivo, en el sentido de basarse cada vez más en la creación de estructuras complejas que a menudo discuten las estructuras de las ciudades y arquitecturas reales o imaginadas.

BLONDIE - PARALLEL LINES

2012-11-09T15:58:00.002-08:00

BLONDIE / PARALLEL LINES
Sello discográfico: Chrysalis
Producción: Mike Chapman
Dirección artística: Ramey Communications
Nacionalidad: EE.UU.
Duración: 41:03

Debbie Harry acompañada de su quinteto, liderado por su novio Chris Stein, alcanzaron prácticamente el cielo del pop con este, "Parallel lines", su tercer álbum. Llegaron al primer puesto de las listas británicas, al sexto lugar en Estados Unidos y consiguieron vender más de un millón de copias.
La cubierta-una fotografía de los Goddard Brothers a partir de una idea del representante Peter Ledds-hacía gala de la sencillez de los 60. Harry aparece muy discreta, pero su sofistificación reflejaba el nuevo sonido de la banda, que mezclaba sus raíces punk con la comercialidad glam de Mike Chapman. El productor nos dirigió mientras tocábamos, dijo Harry.”No estábamos preparados para su pericia.”
El resultado fue new wave par excellence. Contagiosas armonías y hooks completando la voz de Harry, a ratos estridentes y a ratos exquisita. ”Hanging on the telephone” originalmente de The Neves, son 2:22 minutos de brío electrostático, en tanto que “Fade Away(and radiate)”- con la guitarra psicodélica de Robert Fripp- crea un territorio de ensueño ”Sunday girl” que tuvo un gran éxito en Gran Bretaña tras los éxitos cosechados en un año antes en Europa, Bblondie finalmente conquisto Estados Unidos con “Heart of glass”.chapman transformo el tema original del estilo James Brown en un tema disco, para disgusto del baterista Clem Burke. Les costó horas dar con el ritmo perfecto y Burke solo pudo limitarse a observar. ”No analizamos nada, simplemente hacíamos las cosas”.
Grabado en un caluro verano neoyorquino, Parallel Lines demuestra que valió la pena pasar calor. Los s de Billboard lo resumieron así”rock ingenioso y pegadizo”, demuestra madurez, credibilidad y poder vocal.es todo un clásico. Muy imitado peor jamás igualado.

http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=WGU_4-5RaxU

http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=uWhkbDMISl8

Voz Propia: Un Grito En La Oscuridad

2012-11-08T06:03:00.000-08:00

Lima Subterránea

En la Lima de los años 80 hubo una verdadera explosión musical underground, que aquí se conoció como “el movimiento Subte -o Subterráneo-”. Por supuesto, emulando lo que había sido el inicio del punk inglés, o los primeros tiempos de la entrañable movida española, este circuito musical juvenil jamás apareció en los medios, su música nunca fue programada en las radios y, básicamente subsistieron hasta el inicio de los 90 por iniciativa propia, sacando maquetas autogestionadas y dando conciertos cuando y donde se pudiera.

Las bandas subte sufrieron la represión policial con especial dureza, no solamente porque muchas veces protagonizaban incidentes violentos y grescas callejeras, sino porque en aquella Lima, la ominosa presencia de los grupos extremistas maoístas como Sendero Luminoso y sus hermanos, los del MRTA, tenían a la ciudadanía en vilo. Había coches-bomba, balaceras, apagones, estallidos… y en medio de eso miles de jóvenes pugnando por vivir.

Y se nos hizo la noche…

Desde el corazón de este caos infernal, el grito de una generación que estaba jodida sin siquiera haber empezado a vivir, retumbó casi tanto como los bombazos casi cotidianos. Esta es apenas una pincelada para graficar el verdadero escenario en el cual este movimiento musical y contracultural nació y se desarrolló, y dentro de cuyo seno despertó a la vida la banda que hoy nos ocupa: Voz Propia.

La mayoría de agrupaciones nacieron como bandas que cultivaban el Punk más primario en versión nacional, otros se decantaron por el mucho más violento hardcore, y unos cuantos, influenciados por la música de Joy Division y de los primeros Cure, prefirieron el más sombrío lenguaje del subgénero Dark. Agrupaciones como Lima 13, Salón Dadá, Cardenales y Col Corazón, dejaron inolvidables canciones y conciertos en la memoria de miles y miles, pero una banda muy en especial capturó los corazones de los jóvenes y adolescentes, aquellos que vagaban por las calles de esta ciudad gris y maldita, sin esperanzas y sin norte. La voz de esa generación fue Voz Propia. Y no voy a ocultar que escribo esta semblanza o pequeña crónica desde mi condición de modesta fan.

A mediados de los ochenta, Miguel Angel Vidal tuvo la idea de formar su propia banda, así reclutó a Carlos Magán, Nilo Velarde, Ulises Quiróz y César Cornejo. La formación de VP sería siempre cambiante, a excepción de su líder y frontman, Miguel Angel.

Primeros sonidos y conciertos

Con las enormes dificultades que formar una banda suponía en esos tiempos, Vox Propia (que al inicio llevaban a “x” que luego cambiarían por la “z”) dio su concierto inaugural en la Facultad de Comunicaciones de la Universidad de Lima, hacia fines de 1986. Este era un centro de estudios que no se caracterizaba por tener una población estudiantil rebelde, sino más bien bastante “square”, además, por ese entonces la U. de Lima tenía fama de albergar a los chicos y chicas más “pitucos” de la ciudad, es decir, hijos de familias pudientes, gente desconectada de la grave crisis económica y social que se vivía en el Perú. Esto era cierto solamente en parte, la U. de Lima tenía entre sus estudiantes a gente de diversos niveles socio económicos, pero ciertamente era una de las más pragmáticas y menos politizadas del país.

Pues fue en este inusual recinto donde VP se bautizó como grupo de (post punk) rock. A partir de ese momento se dieron grabaciones, cambios en los miembros, conciertos, maquetas. Voz Propia se ganó rápidamente un lugar preferente dentro del underground limeño. Sus letras parecían crónicas de los tiempos oscuros y pesimistas que la juventud se veía obligada a enfrentar; personalmente creo y sostengo que quien quiera entender lo que significaba ser joven en la Lima de aquellos aciagos años, debe comprarse los discos de VP y escuchar atentamente sus letras. Es nuestra historia la que ellos cantaron.

Hacia 1987, la legendaria discoteca -o club- No Helden, considerado el templo de toda la movida punk y post punk de Lima, realizó un concurso de bandas. VP se presentó y arrasó. Resultaron los ganadores, y lo celebraron ante más de 4,000 personas en un recinto llamado la Concha Acústica del Campo de Marte. A este premio le siguió la grabación de un par de temas de VP, en un disco que incluía a los mejores participantes del concurso no profesional de rock del No Helden.

Una bandera pisoteada, o el nacimiento de una leyenda urbana

Pronto pasarían al estatus de banda de culto, especialmente después de un concierto en la entonces muy reputada Feria del Hogar, increíblemente, un grupo del circuito under había sido convocado a tocar en este prestigioso evento. Yo fui a verlos y, de paso, fui testigo del histórico momento en que VP se convirtió en leyenda.

Miguel Angel se encontraba, naturalmente, entonando una de sus grandes canciones, con la pasión e intensidad con que solía hacerlo siempre, no recuerdo qué tema era, pero sí recuerdo que tomó una bandera de los EE.UU y arrojándola al suelo la escupió y pisoteó, ante la estupefacción de todos los presentes. Creo recordar también una paloma muerta en el piso, aunque de esto último no estoy segura. Fue intenso, por decir lo menos. Más aún porque uno de los socios de la Feria era norteamericano y esto le valió a VP ser intervenidos por la Dirección Nacional de Lucha Contra el Terrorismo y ser fichados. Tras este mayúsculo escándalo, ningún organizador de conciertos quiso incluirlos en sus fechas, atemorizados ante lo ocurrido y ante la posibilidad de ser involucrados en problemas como la apología al terrorismo. Eran tiempos difíciles para ser rebeldes, aún si rebeldes con causa.

Pese a este serio revés, VP siguió tocando, gestionando sus propios conciertos, en el mejor espíritu del Do It Yourself punk, que , por otro lado, siempre combinó muy bien con la idiosincrasia del peruano promedio.

Altibajos, partidas y regresos:

Entre el 1988 hasta el 1993, con altibajos, cambios en su line-up y dificultades varias, VP pasó por varias interrupciones en su carrera musical. Hacia 1993, la escena subte estaba prácticamente muerta. Sin embargo, dos años más tarde, en 1995, muchos de nosotros volvimos a ver a VP resucitada, con nuevos integrantes y saludables retornos, dando un extraordinario concierto en el cine Balta de Barranco. La acogida del público fue espectacular. Pero, pese a ello, VP volvió a enmudecer.

Pero fue una mudez aparente, felizmente. Continuaron grabando y realizando nuevos discos, siguieron presentándose, sobre todo en el interior del país. Durante los últimos 10 años, han sido una de las bandas más activas, participando en performances, videos, grabaciones, tributos, eventos y conciertos.

Por derecho propio, Voz Propia:

Con más de 25 años de trayectoria, VP ha continuado presente en el imaginario musical limeño –y peruano- de forma ininterrumpida, pese a los baches e intervalos en su difícil andar en el camino del rock nacional. VP es el mito, una leyenda; fueron y son los cronistas de lo acontecido a una generación sin voz ni voto, los testigos presenciales, y al mismo tiempo, los protagonistas. En parte, víctimas de su tiempo, pero también grandes supervivientes que aprendieron a reinventarse, ese difícil arte. De lejos, son nuestra banda más legendaria y coherente.

Ficha técnica:

Grabaciones en estudio:

El Ingreso. Febrero de 1987, mc; Septiembre del 2004, cd.
No Puedo Irme. Julio de 1988, mc; Abril del 2004, cd.
El Sueño. Diciembre de 1990, mc; Noviembre del 2003, cd.
Hastío. Febrero de 1993, mc; mayo de 2005, cd.
Los Días Y Las Sombras. Febrero de 1997, mc; Julio del 2003, cd.
Ave De Paso. Julio del 2001, cd-r; Diciembre del 2004, cd.
Hamlet. Marzo del 2003, cd.
El Manifiesto. Junio del 2006, cd.
The Game is over Marzo del 2011, cd.

En vivo:

1/6/95/. 1996, mc.
En Vivo 29/03/07. Agosto del 2007, cd.

Compilaciones:

Voz Propia 1987-1992. 1997, mc.
Voz Propia. Diciembre de 1997-1998, Newsica NYC, cd-r; Febrero del 2008, cd.

Video:

Voz Propia DVD. Diciembre del 2008, dvd-r.

Sitio web oficial: www.vozpropia.net

Miembros activos:

Miguel Angel Vidal – voz, guitarra y teclados.

Carlos Tabja – Bajo, coros.

Ramón Escalante - Guitarra, teclados.

Raúl Loza – Batería

Miembros antiguos:

Nilo Velarde
Raúl Montañéz "Montaña"
Carlos Magán "Boui"
Ulises Quiroz
César Cornejo
Carlos Fernández "Zopilote"
Aldo Lucioni
Wicho García
Ximena Santillana
Lizzi Moreno Díaz
Rodolfo Cortegana
Marcel Velaochaga
Natalia Gianella
Hans Brandes
Ricardo Lay "Rocco"
Kurt Rothschild

2012-11-03T17:58:00.003-07:00

CILDO MEIRELES

1948,Rio de Janeiro, Brasil

2012-11-02T16:26:00.000-07:00

Rufus Wainwright / Want One (2003)

Sello discográfico: Dreamworks

Producción: Marius De Vries

Dirección artística: R.Wainwright

Nacionalidad: EE.UU

Duración: 58 45

El prestigioso de Rufus Wainwright como uno de los mejores cantautores de los últimos años quedo establecido con sus dos primeros álbumes en solitario, pero con Want One triunfo de una vez por todas. Las enormes ambiciones de Wainwright empiezan con la portada: un autorretrato del artista como caballero prerrafaelita. La música contiene por y rock, opera, clásica, cabaret y hasta MOR de los 70, pero Wainwright rehúye el peligro de caer en excesos camp gracias a su considerable talento de compositor y a los exquisitos arreglos orquestales de las canciones. El resultado es como un musical consistente en una canción tremenda tras otra.

“Oh What a World” situa la voz de Wainwright sobre un fondo de tuba, armonías en contrapunto y cuerdas tipo bolero. “vicious world” lanza pullas contra sí mismo y un ex, acompañado de un Fender Rhodes tembloroso. Muchas de las canciones crecen capa a capa. Escuchad la poderosa “go or goa head” que se alza desde un deslicado resgueo de guitarra hasta terminar en un grito estridente en el estribillo. “Vibrate” goza de un humor peculiar. En “Harvester of hearts” se muestra irónicamente desdichado de amor. No obstante, los sentimientos siempre están compensados por las hábiles letras o la característica interpretación seca de Wainwright. O, en la “11:11”, la conciencia del mundo exterior.

“Dinner at eight” aporta una aproximación más conmovedora, pues su premisa es una reunión tormentosa entre padre e hijo. La prensa hablo mucho del linaje de Wainwright( el padre , Loudon Wainwright III, cantautor ; la madre, Kate Mcgarrigle, cantante folk, que toca el banjo en “14th street” la hermana , Martha, hace coros). Pero Want One es la obra de un artista original con un ego saludable. O bien, como escribe en las notas” este disco está dedicado a mi”.

http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=Jbie_ER_tjE#!

http://www.youtube.com/watch?v=AYb5vyBuD3E

2012-11-02T14:54:00.001-07:00

ERNESTO NETO

1964. Rio de janeiro, Brasil

Un nuevo valor es introducido por este artista en la escultura contemporánea: el olor. El otro, la interacción física por parte del espectador, también muy representativo de su obra, tiene sin embargo unas raíces más claras provenientes de su propio país, del Neoconcretismo que ya practicaron Helio Oiticica y Lygia Clark.

Sus primeras obras, en las que las medias y las bolitas de plomo, y ya le servían como elementos para cuestionar cualidades consideradas intrínsecas en la escultura, le llevan directamente a una investigación mas sistemática ya en los 90 en la que los materiales juegan un papel fundamental. Así contrapones las cualidades de distintos tipos oponiendo su aparente elasticidad con fragilidad de otro, o su peso y levedad, estudiando incluso equilibrios a priori precarios, además de introducir materiales nuevos, que iban a desbancar el exclusividad del adjetivo regido del lado de la escultura actual.

Un paso mas allá le lleva a introducir en los tubos cosidos de tela, una tela suave y traslucida que asemeja la piel grandes cantidades de especies olorosas (cúrcuma, clavo, azafrán, comino) de varios colores, que rebosan por los poros de la tela se esparcen por el suelo, inundando el espacio mucho mas allá de los límites de la propia escultura, como en puff puff(1996). Poco después, desde el techo hasta el suelo, como frutas maduras caen pesadas estas extremidades que con los títulos O ceu e a anatomía do meu corpo(1998), acontece na friccao dos corpos(1998), refuerzan la idea de la importancia del cuerpo humano en la obra de neto.Tal vez la máxima dimensión del trabajo de estas formas , lo lograse en su instalación para la bienal de Venecia , para la que creo la instalación O Bicho(2001). Sus grandes dimensiones, envolvieron al público asistente, haciendo que la obra de neto pasase de una dimensión más intima a otra mucho más popular. Pero la definitiva participación por parte del público, la ha logrado con una serie de instalaciones tituladas conjunto Nave: Nave noiva(1998), Nave deusa(1998), Nave cosa (1998-99), de las que han derivado otros muchos proyectos hasta la actualidad, como una instalación para el Malmo Konsthall de Estocolmo(2006). De formas blandas, sensuales, y orgánicas, estos espacios protegen y resguardan al espectador. El contacto con su obra llega a ser tan directo por parte del espectador, que la obra solo se convierte en tal en el momento en que el espectador toma posesión de ella, justo cuando la invado con su propio cuerpo y la desarrolla en el espacio, con esa premisa ha creado los Ovaloides(1998) y llevándolos un poco más lejos los Humanoides (2001), con los que, como si su vestido se tratase el público puede endorsarse una de sus mórbidas obras.

Federico Herrero

2012-10-26T13:24:00.000-07:00

1978. San José, Costa Rica.

Para Federico Herrero no existe un soporte único para la pintura – ni sólo la tela, ni sólo el trabajo de estudio, ni solamente el objeto adquirible. Su trabajo oscila entre telas de formatos diversos, hasta intervenciones en pisos, muros y techos de galerías o museos, bordes de las aceras, piscinas – el mundo entero se le presenta como un lienzo inacabable sobre el cual se divierte pintando para establecer con él una comunicación. Sus figuras de pensamiento parecen materializarse en lugares inéditos a partir de su propia percepción de la realidad visual y material. Se define como “paisajista”, sin tender a la representación de algo en particular ni asumir un simple ejercicio formal. Ser pintor para Herrero es ejercer un placer, que enfoca desde varias perspectivas: sus telas se alteran con intervenciones públicas discretas, siempre concebidas desde el lugar de la pintura, y de ésta como servicio público.

Pintar los muros de los servicios sanitarios del Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de Costa Rica en el 2002, o un mapamundi en una piscina comunitaria en la Habana fueron otros de esos servicios que disfruta realizando, como también remozar la pintura amarilla de los bordes de calles. Le obsesionan los entornos anodinos y los detalles aparentemente normales y corrientes e la ciudad, pero que son los que denotan características socio-económicas: alrededor del 2000 realizó una serie de instantáneas en diapositiva de diversos puntos de la ciudad de San José y áreas cercanas- sus Imágenes Encontradas- dentro de las cuales la serie de ubicuas casetas de seguridad aparece como un planteamiento sociológico. Estas fotografías complementaban su pintura al preservar una especie de bitácora personal de experiencias diarias con el contexto urbano. Por esa misma época pintaba cuadritos pequeños para dejarlos colgados en los árboles y las ventanas enrejadas de la ciudad, y esperar que el destino decidiera sobre su paradero. Sólo queda la documentación, los cuadros han desapercibido, no sin antes ser recolocados sucesivamente en otros lugares por los pasantes…. Importante en su obra es el concepto de monocromo: la reflexión de Herrero sobre la pintura también se basó sobre la recolección de imágenes de vallas publicitarias de carretera, blancas, antes de la renovación del anuncio, como “monocromos encontrados” recortados contra el cielo, en donde el vacío del blanco, de la nada en el espacio, contrasta con lo multicolor y saturado de sus pinturas. Las marcas viales sobre las carreteras funcionan como monocromos encontrados, y son replicadas a la escala en las salas de exposición. Herrero se sirve de una paleta a un tipo de composición que recuerda los vibrantes colores de los barrios populares de Costa Rica, aplicando capas y capas que se recortan entre sí para construir planos y perspectivas, en donde siempre aparecen sus garabatos y dibujos de personajes que parecieran salidos de una animación

Jaime Higa – El arte de la ironía por Gabriela Diaz Palma

2012-10-22T12:42:00.000-07:00

La capacidad de concurrencia entre los diversos actos creativos, o más bien formas estrictamente reproductoras de lo “existente”, posibilita el desarrollo de nuevos valores, conceptos e ideales. Sin embargo, en el juego de epítomes iconográficos se destacan nuevas maneras estéticas y éticas de aproximación. En este sentido, el pensamiento del artista Jaime Higa da un giro en el lenguaje creativo para dar a conocer la existencia de otros realismos pop.

Tras sus estudios en la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Católica del Perú y graduado de la Escuela Superior de Bellas Artes Corriente Alterna, Higa lleva tiempo invirtiendo las diversas temáticas del pop, ya sea desde las relacionadas directamente con los modos de vida de la sociedad de masas de consumo o enmascarando unas imágenes que más allá de su papel de representación, funcionan a la manera de símbolos personales e interpersonales. Sus piezas no solo remiten a contenidos sociales determinados, sino también a estructuras lingüísticas que van más allá de la estética; por ellos, la libre expansión de las facultades de imaginación y entendimiento sugerida en su obra.

Especular sobre lo sensible implica poder repensar la matriz del arte pop, remitida a una sociedad calificada como consumista.

Ello invita al artífice a apropiarse de esos bienes culturales, revalorando propiamente el modo de ser de su “sujeto”. Empeoro, la postura pop frente a la realidad nunca es crítica en sentido estricto, no es un realismo social que sirva a ideología alguna, sino una condición que revela una percepción consciente del deciframiento de la sociedad que lo origina: “Lo mío no es una crítica, porque cada día estamos más inmersos en el mundo de la imagen y criticarlos es más difícil.

Quizás haya un poco de ironía o de autoironía porque yo también soy un gran consumidor de imagen”.

En esta ocasión la ironía se presenta como una actitud y nunca como un fin en sí misma, lo que dificulta el tomar conciencia de ella y pensarla desde una “distancia” crítica. No obstante, hay un momento en que adquiere un especial relieve, presentándose como síntoma de vitalidad cultural, el cual forma parte de un discurso retórico y antagónico que gobierna la producción de las obras de Jaime Hiha. Solo la percepción renovada de cierto estilo favorece la interiorización instintiva de la imagen como objeto de doble cuestión: la de su origen y contenido, y la de su destino.

La utilización de la pintura derivada de los colores planos del cartel, el cultivo de la bidimensionalidad, el recurso del dibujo nítido y las técnicas mixtas como la utilización de stickers son otras tantas características de la obra de Higa. Intercalada entre autorretratos, el juego con ídolos tanto del ámbito popular como académico, y el de los cómics y pinturas, encontramos la peculiaridad que distingue a Higa, una forma de insertarse en la historia del arte. Por ejemplo representándose en Chagall, Frida Kalhlo, Lucha Reyes o Bruce Lee: “En una época he hecho un montón de autorretratos donde me planteo como personaje porque el arte siempre se ha dedicado a la belleza” (risas).

Sin embargo, su pintura abarca un universo más contemplativo y prominente, puesto que ahora último interviene personajes de índole intelectual-vintage para traerlos al presente. “La idea era un poco trabajar con íconos que yo creo que han perdido vigencia después de la caída del Muro, por esa razón he creado las imágenes con representaciones del mundo neoliberal, los cartoons… Si los mezclo con las princesitas o stickers varios es como traerlos a la actualidad pues si Vallejo hubiese nacido hace diez años, seguramente hubiera visto a Las Chicas Superpoderosas.

Nine Inch Nails | The Down Spiral (1994)

2012-10-19T14:05:00.001-07:00

Sello discográfico |Interscope

Producción | Flood · Trent Reznor

Dirección artística | Gary Talpas

Nacionalidad | EE.UU

Duración | 65:02

<Creí que no era lo bastante accesible>

¿Quieres algo alegremente sombrío? Elige a los Cure.

¿Algo brillantemente sombrío? Los Pink Floyd, tal vez.

¿Algo desagradablemente sombrío y ruidoso y con tendencias suicidas? Ahí están los Nails.

Este himno al dolor nació en la casa en la que Charles Manson y sus seguidores asesinaron a la actriz Sharon Tate (a Marilyn Manson, que tomó el nombre del criminal, protegido de Reznor por aquel entonces, se le da las gracias en los créditos del álbum). Abundaban las malas vibraciones: al ver que no podía cocinar un pollo para el desnutrido Reznor, Tori Amos, que estaba de visita, concluyó que la casa sufría una maldición.

El horror preña estas canciones, a pesar de que Reznor niegue que el repetitivo <Pigs> esté relacionado con <Piggies>, el tema de los Beatles que se convirtió en el himno de Manson.

Entre los temas industriales como <March Of The Pigs> encontramos momentos seductores. El bailable <Closer>, que tiene un simple de las baterías del tema <Nightclubbing> de Iggy Pop, despliega uno de los estribillos más citados de la época: <I want to fuck you like an animal>

Finalmente , está <Hurt>. <El mejor tema antidroga que he oído nunca>, dijo Johnny Cash, cuya versión del mismo se convirtió en su epitafio. El sobrecogedor videoclip de Cash lo firmó Mark Romanek, que también dirigió el videoclip de <closer>.

No resulta sencillo escuchar The Downward Spiral, a pesar de haber sido multiplatino. Si <habla> de ti y no eres Trent Reznor, es para preocuparse. Pero sus lacerantes guitarras, ensordecedoras baterías y alucinantes canciones son preocupantemente pegadizas.

¿ Y el pollo de Tori Amos? <No hago preguntas>, dijo Reznor encogiéndose de hombros. <Se los comieron los fantasmas