El Retrovisor Azul

El Padre Yod

2015-03-24T13:27:00.001+01:00

California fue un hervidero de sectas durante los 60 y principios de los 70, de las cuales la más conocida fue la de Manson, por razones que todos conocemos. Pero no fue la única que tenía un líder carismático y a la vez músico. Otra de ellas fue The Source Family (La familia de la Fuente), liderada por el Padre Yod, más conocido como Ya Ho Wha.

El Padre Yod de relax total

Comencemos a contar su historia. James Edward Baker nació el 4 de julio de 1922 (también es casualidad que naciera el día que se celebra la Independencia de EE.UU.) y poco se sabe de él hasta que se fue a combatir a Europa durante la II Guerra Mundial, de la que volvió con una Estrella de Plata y todo. Al volver se fue a Los Ángeles para trabajar como doble en Hollywood. Pronto se vió influenciado por los ambientes beatniks y entró a formar parte de comunas vegetarianas que vivía según las leyes de la naturaleza. Su éxito con sus recetas le llevó a montaren 1969 el restaurante Source en Sunset Strip nada menos. Las leyendas cuentas que para conseguir el dinero atracó joyerías y mató a gente con sus propias manos...El hecho es que Source se convirtió en un restaurante de mucho éxito por el que pasaban gente como Lennon, Brando, Zappa, etc. (el restaurante sale incluso en Annie Hall). En aquellos conoció al guía espiritual Yogi Bhajan, otro personaje que se dedicaba a iniciar en el Yoga Kundalini (no preguntéis qué es...). El caso es que si tienes dinero, carisma y pelo y barbas largas la tentación de formar tu propia secta es muy fuerte. En 1971 sacó sus pensamientos en el libro Liberaciones. (todavía hoy tiene seguidores que mantienen y conservan una página web muy currada http://www.yahowha.org/ ). Aquí ya conocido como Padre Yod se trasladó a vivir a una mansión de Beverly Hills, se compró un Rolls Royce y formó su propio harén con 13 concubinas jóvenes y guapas.

El Autobús Azul no se hace responsable de las posibles sectas que se puedan crear después de esta información.

Contraportada sexy

Dándolo todo

La música era parte importante de su congregación, por lo que decide formar un grupo llamado YahoWha 13, que entre 1973 y 1975 saca multitud de álbumes (se dice que hasta 65), la mayoría grabados en un garaje y de tirada limitada que se solían vender en el propio restaurante. Uno de los que participó ocasionalmente en este grupo fue el líder de la mítica banda The Seeds, Sky Saxon. The Seeds fue una banda de finales de los 60 pionera en el sonido garajero: tres acordes, ritmos repetitivos, poco detalle en los arreglos, áspero sonido, letras sobre drogas y amoríos y mucha energía. Pero eso es otro historia. El caso es que la música que realizaba Yahowha 13 no era nada mala. En las grabaciones de prácticamente jam sessions sin trabajo previo encontramos largas improvisaciones donde dejaban volar la imaginación, consiguiente en momentos resultados muy interesantes. Podéis buscar en Internet críticas a algunos de sus discos y se llegan a decir cosas como "son una versión más cruda de la Crazy Horse de Neil Young" o "algo similar en el sonido a los Pink Floyd de Live in Pompeii". Casi ná. En 1998 bajo el nombre de God and Hair se lanzó un box set de 13 cds con parte de la música que realizaron en aquellos años locos. Os vamos a dejar dos muestras de su música:

1. Una canción que durante algo más de 8 minutos nos relaja mediante silbidos y suave música para acabar en una explosión de guitarras y psicodelia durante los últimos 3.

2. Ésta nos encanta. Melodía pegadiza, teclados y punteos de guitarra a lo Pink Floyd (no nos hemos copiado de nadie, lo prometemos) y una voz que al menos pone sentimiento...

La historia del Padre Yod acabó en un acantilado el 25 de agosto de 1975 en Hawaii mientras volaba con un ala delta. La Familia de la Fuente se había trasladado allí después de las fuertes presiones que las autoridades americanas realizaban contra todo lo que tuviera el menor tufillo a secta.

Buscando al Padre Yod (y creemos que no es el único hombre de la foto)

Falsas apariencias.

2015-02-01T19:31:00.004+01:00

Marco Antonio "Eskroto" dándole al cigar.

Las cosas no son siempre como parecen. Pasan los años y ese tópico sabinero de que "cada vez son mas tristes las canciones de amor" se va cumpliendo de forma tan inexorable como desagradable. Todo tiene un reverso, y el amor también. Seguro que no son pocos los que han pensado en cierta persona cuando esta canción ha saltado en el modo aleatorio, ni pocas las parejas de pasado kalimotxero que han puesto banda sonora a sus mimos con esta canción. El golpe llega cuando uno cae en la cuenta de que, pensando que es una canción de amor, en realidad estás ante la crónica de algo muy diferente. Paradójico. De esas cosas que te hacen parar y cuestionar los cuentos Disney que te has comido desde nene.

La canción la firma ni más ni menos que un tipo con no pocas letras de amor y sexo. Francis Díez, el hombre de Doctor Deseo. Y pasa por ser uno de los cortes más logrados en su discografía. A priori parece una preciosa declaración de lo frágiles que podemos ser cuando estamos enamorados. "Abrázame, y no me digas nada". En realidad esas fueron las palabras que Marco Antonio Sanz -el carismático líder de la banda navarra Kojon Prieto y los Huajolotes- le dijo a Francis Díez al encontrárselo, poco antes de suicidarse. Con 38 años. El día después del concierto que reunió de nuevo a una de sus bandas: Tijuana in Blue.

Cuando la copa de los sueños está vacía
y miles de abejas jugando
en las tripas me roban las noches.
No me dejes solo que ahora soy tan pequeño
y cuando despierto de una pesadilla nada cambia
todo sigue igual

Abrázame, abrázame...
y no me digas nada
que esta tristeza no me abandona
y este miedo duele más

Abrázame, abrázame...
y no me digas nada
que esta tristeza no me abandona
y este miedo duele más

Abrázame, abrázame...

Como una noche de invierno en Noruega
un manto de escarcha,
un corazon desnudo, tortura de vida.
No me dejes solo que ahora soy tan pequeño
y cuando despierto de una pesadilla nada cambia
todo sigue igual

Abrázame, abrázame...
y no me digas nada
que esta tristeza no me abandona
y este miedo duele más (x3)

Abrázame, abrázame..

Una historia común.

2014-05-15T02:41:00.001+02:00

Esto es una historia común, supongo.

1997. Sábado a la noche. Piso de protección oficial en un barrio obrero de una ciudad mediocre. Fuera hay mujeres vendiéndose bajo las farolas; otras se regalan en cualquier barra. Adolescentes vomitando, empezando el ritual para ser un hombre. Mi padre y yo vemos pasar en silencio el tiempo delante del televisor. Éste no es buscado, se hace realmente incómodo. Él me mira pensativo. Se levanta. Abre un cajón. Saca una VHS. "Mira, el otro día te grabé una cosa que sacaron en La Noche Temática, en la 2 ¿sabes? Es una actuación de Jimi Hendrix, ¿lo conoces? en el Festival de Woodstock. A ver si te gusta". La introduce en el vídeo. Da al play y sale un negro escuálido vestido de hippie en medio de un lugar desastrado. La guitarra se distorsiona. Es molesto. Suena mal. Al tiempo todo es pura energía. Es como la primera cerveza. Mi madre viene desde el cuarto de la plancha pidiendo indignada que bajemos el volumen. Mi padre me mira cómplice. Algo ha cambiado radicalmente. Aún no se si ésto fue una vacuna o una sobredosis, pero existe un mundo nuevo completamente instintivo y genial más allá de mis gafas. Ahora tengo 30 años. Algo de oficio y poco de beneficio. No pienso demasiado en nada. No espero atarme a nada. Si alguna vez tengo un crío haré lo mismo con él; aunque sea meterle en el mal el cuerpo tengo seguro que lo haré. Para mí esto es Jimi. Para mí esto es mi padre.

"Born to be wild" de Steppenwolf

2014-04-20T19:21:00.000+02:00

Steppenwolf empezó siendo una banda de folk a mediados de los 60. Y como no podía ser de otra manera en aquella época, estaban asentados en San Francisco. Pero entonces llego el productor Gabriel Mekler para dar una cambio al estilo de la banda y endurecer su sonido, pasando a ser una banda de hard rock. "Nuestra filosofía era darle fuerte, expresar claremente nuestras ideas e ir avanzando."

Es en 1968 cuando sacan su primer disco, en el cuál estaba la canción Born to be Wild, que les llevó a lo alto de las listas y a pasar como el grupo que introducía por primera vez el término heavy metal en una canción (anteriormente escritores de la generación beat como Herman Hesse o William S. Borroughts ya lo usaban coloquialmente). Un año después apreció en la mítica película Easy Rider con Peter Fonda y Dennis Hopper. Quien no halla cantado esto en una carretera desértica y caliente en un coche sin aire acondicionado que tire la primera piedra.

Pon el motor en marcha,

métete por la autopista

buscando aventuras

y lo que se cruce en nuestro camino.

Cariño puedes hacerlo realidad,

coge el mundo en un abrazo amoroso,

dispara toda tus armas a la vez

y hazlas explotar en el espacio.

Me gusta el humo y los relámpagos,

el trueno del heavy metal

echando una carrera con el viento

y la sensación de estar bajo control.

Cariño puedes hacerlo realidad,

coge el mundo en un abrazo amoroso,

dispara toda tus armas a la vez

y hazlas explotar en el espacio.

Porque eres una verdadero hijo de la naturaleza.

Nosotros nacemos, nacemos para vivir salvajes.

Podemos escalar tan alto..

No quiero morir nunca.

Nacido para ser salvaje

nacido para ser salvaje

Big Jay McNeely

2014-02-20T14:15:00.000+01:00

Big Jay McNeely haciendo disfrutar a los blanquitos, Los Ángeles 1953

Sí amigos, esta foto hecha por Bob Willoughby es una maravilla. A parte de que Big está tirado en el suelo dándolo todo, lo que sorprende es que el público sea blanco. Estamos en 1953 en el Olympic Auditorium y como veis los blancos se habían empezado a interesar de verdad por una música que les hacía enloquecer. El propio Big nos cuenta como empezó a revolcarse por los suelos: "Cuando tocamos en Clarksville la gente no respondió. Simplemente se quedaron sentados. Yo no podía entender eso.La música por lo general hace a la gente moverse. Así que en el próximo concierto hice algo diferente, me puse de rodillas para tocar y luego me tumbé. La gente se volvió loca. Así que después del concierto me dije -lo haré de nuevo-. Lo hice en Texas con el mismo resultado. Así que de vuelta a Los Ángeles lo hice también. Los chicos se volvieron locos. Les encantaba que estuviera tumbado lanzado al aire mi energía para ellos."

Big Jay McNeely había nacido el 29 de abril de 1927 en los Ángeles. Desde joven tocó el saxofón y durante el instituto ya tenía su propia banda, pero no fue hasta el 48 cuando el genial Johnny Otis le descubrió. El descubrimiento no fue para nada casualidad ya que Johnny dirigía el Barrelhouse Club, situado cerca de donde vivía Big. Lo contrató para su club y pronto llegó una compañía para grabar a este portento de los escenarios. Deacon's Hop fue el primer éxito de Big, grabado en el mismo 1948.

Su carrera continuó siendo saxofonista de grandes estrellas como Bill Haley o Little Richard, a la vez que daba conciertos en solitario, ¡y qué conciertos! Big, aparte de tocar tirado en el suelo, se paseaba por todo el bar e incluso llegaba a salir a la calle (como luego haría Albert Collins con su guitarra). En una ocasión, dando un concierto en San Diego salió a la calle a tocar y la policía le arrestó por armar escándalo. Tuvieron que ir a comisaría a pagar la fianza para que Big pudiera acabar la canción que su banda continuaba tocando. Tal vez sea una de las canciones más largas de la historia....

En otra ocasión en un campo de béisbol corrió por todas las bases mientras seguía tocando su saxo. Hay que reconocer que tenía fondo, algunos no seríamos capaz de hacerlo ni con una bombona de oxígeno (porque pesan mucho). También tenía un saxofón fluorescente con el consiguiente impacto visual.

Pero a finales de los 60 los Testigos de Jehová le engañaron con sus profecías, su negación de la evolución y su poco amor a la música, porque Big dejó la industria musical y se hizo cartero. Seremos sinceros, no sabemos si ingresó en la secta antes o después de dejar la música, pero así queda más apasionante la historia. En el 83 volvió a los escenarios y en el 87 fue requerido para los Grammy, entrega en la que se juntó en el escenario con otras leyendas como B.B. King o Etta james. Y ahí sigue en los escenarios...y que dure.

El último grito de desesperación de Vic Chesnutt

2013-12-20T20:14:00.002+01:00

At he cult fue la despedida del gran Vic, su último disco antes de decir adiós a este mundo que no le trató nada bien. Con 18 años tiene un terrible accidente que lo deja en una silla de ruedas, con únicamente dos dedos hábiles de su mano derecha, multitud de operaciones a lo largo de su vida, dolores constantes y una sanidad estadounidense que lo lleva a endeudarse indefinidamente. Hasta que dijo basta.

Vic Chesnutt fue desde pequeño un apasionado de la música y a pesar de su situación y de sus limitaciones continuó con ella. Su gran oportunidad se la brindó Michael Stipe, que produjo su primer disco allá en 1990 llamado Little. A Stipe le fascinaron las letras de Vic, que van desde la protesta política a los sentimientos más íntimos, normalmente tristes y dolorosos, pero en su mayoría con un tono de humor. Yo compongo cuando estoy contento y cuando estoy triste. No me gusta escribir canciones tristes. Con los años he aprendido que, viniendo de mí, que voy en silla de ruedas, a veces las canciones tristes son demasiado para la gente. Muchos no lo pueden soportar y huyen. Yo hago canciones tristes y lentas porque me gusta ese tipo de música, pero no me gusta que todas sean en plan: estoy hecho polvo, el mundo es una mierda... En su último disco es tal vez cuando sus letras son más crudas, sin atisbo de esperanza, y su música más melancólica.

El disco comienza con una maravilla, Coward. La misma se inicia de manera suave susurrando una cita del escritor Frank Norris: la valentía de un cobarde es mayor que la de todos los demás. Y cuando Vic grita Soy un cobarde como nadie puede hacerlo (hay que señalar que le dolía al cantar, literalmente), la canción entra en un ambiente delirante gracias, en gran parte, al violín de Jessica Moss cual John Cale. Otra frase de esta canción nos dilucida en la situación que está Vic: El coraje nacido de la desesperación y la impotencia. Tres meses después de la salida del disco se quitó la vida por pura desesperación.

Nos podríamos parar en prácticamente todas las canciones del disco. Pero la vida es corta y somos vagos. Otra maravilla es este Chain, un folk intimista con toques de jazz. Después de estos datos propios de críticos musicales, cosa que no somos, simplemente diremos que esta canción es sutil, bien hecha y te hace sentir, que es lo importante. Por cierto, el vídeo es de Jem Cohen, que tiene un documental reflexivo acerca de los imperios. En él no hay diálogos, sólo imágenes, poesía y la música de Vic Chesnutt. Se llama Evening's Civil Twilight in Empires of Tin. Merece la pena verlo, aunque sólo sea para disfrutar de la música.

La última canción que vamos a comentar no es de nuestras preferidas musicalmente (aunque cuanto más la escuchas más gusta), sin embargo teníamos que poner la letra sí o sí. Flirted with you all my life. El mismo dijo de ella: “He sido una persona suicida toda mi vida y esta canción viene a decir: ¡Adelante, Muerte! Estoy listo”. Es, digamos, muy clara:

Soy un hombre

Soy consciente de mí mismo

Y donde quiera que voy

Siempre estás ahí conmigo

He coqueteado contigo toda mi vida

Incluso te besé una vez o dos veces

Y a día de hoy te juro que era agradable

Pero claramente no estaba preparado

Cuando tocaste a un amigo mío

Pensaba que iba a perder la cabeza

Pero descubrí con el tiempo que

realmente no estaba listo, no, no

Oh, Muerte

Realmente, no estoy listo

Oh, Muerte, me has acosado

Has diezmado a mis seres queridos

Te burlas de mí con tu dulce alivio

Eres cruel y constante

Cuando mi mamá tenía cáncer

Luchó, aunque al final se rindió

Pero se hizo de rogar por ti

Señor, por favor, estoy listo.

Oh, Muerte

Realmente, no estoy listo

El 25 de diciembre de 2009, en plena Navidad, se atiborró de relajantes musculares porque ya no podía vivir, no porque no quisiera, simplemente no le dejaron. At the cut fue su último grito de desesperación. “No me gusta demasiado hablar de estas cosas; he pagado pero ya no puedo, y la verdad es que no tengo ni idea de lo que voy a hacer. Parece absurdo que puedan encarecer esto tanto. Cuando pienso en todo esto, me pongo muy furioso. Podría morirme mañana por no poder pagar las operaciones que necesito. Podría morirme ahora en cualquier momento, cualquier día, pero no quiero pagar ni un céntimo más.”

ALAN FREED: DE LA INVENCIÓN DEL ROCK AND ROLL AL ESCÁNDALO PAYOLA

2013-09-30T20:29:00.001+02:00

Alan Freed cuando todo era felicidad

Alan Freed es uno de esos genios que el sistema destrozó por no seguir a la manada. Nacido en Johnstown (Philadelphia) en 1922, comenzó de muy joven a trabajar en la radio como comentarista deportivo y disc-jockey. En 1950 dio un paso decisivo con su incorporación a la emisora WJW de Cleveland. Ya por aquél entonces tenía buenas audiencias, y las aumentó espectacularmente empezando a radiar rhythm and blues. El rhythm and blues era la música de los negros y se llamaba despectivamente RaceMusic (música racial). ¿Cómo se atrevió Alan a poner esa música racial en una emisora? En primer lugar la idea se la dio Leo Miintz, un vendedor de discos que le comentó a Alan que los blanquitos la demandaban mucho. Y para engañar un poco al mundo y no llamarla tal cual (para que no se considerara de negros) juntó dos palabras muy usadas en la época: rock y roll. Así decidió llamar a su programa Moondog’s rock and roll party, y así nació el rock and roll.

Se convirtió prácticamente en un dios y decidió hacer shows en vivo con esa música. El primer show pasó a la historia. Marzo de 1952, Cleveland Arena, 30.000 personas en un recinto con una capacidad de 10.000. Suspendido. Y por eso pasó a la historia, ese tumulto de mayoría blanca queriendo escuchar a artistas y músicos negros se comentó por toda américa. Mucho se ha escrito sobre el cambio de mentalidad que provocó en toda una generación, si tus ídolos son negros es muy probable que no seas racista.

La emisora WINS de Nueva York estuvo rápida y contrató a Alan en 1954 dándole un sueldo estratosférico. Siguieron los exitosos shows en vivo y el rock and roll, pese a las críticas, era imparable.

Los guaperas de Ricky Nelson y Pat Boone

Pese a su rápida expansión el rock and roll tuvo muchas trabas en sus comienzos. En primer lugar vamos a hablar de la ASCAP, la única sociedad de autores en EEUU hasta que en 1939 surgió BMI, que empezó a ganarle terreno apoyando a los cantantes de folk, blues y rhythm and blues entre otros estilos. ASCAP todavía se sentía muy poderosa y consideraba que su música era la música americana, la tradicional, las grandes orquestas y posteriormente los crooners (Bing Crosby, Dean Martin o Sinatra).La rentabilidad también había que tenerla en cuenta, y esa música potente que hacían los negros con sólo tres músicos salía barata de grabar y vendía, que era lo importante. Las compañías pequeñas vieron un filón en esta música. ¿Y que hicieron las compañías grandes? ¿Contratar a éstos artistas negros? Por favor, un poco de respeto. Compraban las canciones y artistas guapos y blancos hacían unos covers muy bonitos, eso sí, cambiando expresiones con doble sentido y bajando el ritmo hasta llegar a dulces baladas incluso. Pat Boone o Ricky Nelson son ejemplos de esto. Los covers de los blanquitos llevaron a muchos a buscar los originales, así que les salió el tiro por la culata. Además en algunos programas de radio como el de Alan Freed se comparaban. Y amigo, si eres joven prefieres mil veces la fuerza del rock and roll a una baladita.

Si ya el rock and roll tenía una fuerza arrolladora con la llegada de Elvis imaginaros. Elvis no era pionero, pioneros fueron Fats Domino, Chuck Berry o Little Richard, pero eran negros. Bill Haley también y era blanco, pero era regordete y no muy atractivo. Elvis era carismático, y haciendo la misma música que los negros arrasó (el KukuxKlan quemaba sus discos, un blanco cantando como negro era inadmisible). 1956 fue el año del gran pelotazo, Heartbreaker hotel y su aparición en la televisión (llevar a Chuck Berry en aquellos tiempos era un desafío que nadie se atrevió a dar) llevaron el rock and roll a la cima. Y encima Elvis era un buen americano… Por algo lo llaman el rey del rock, sin él tal vez el rock and roll hubiera sido una moda de unos años.

Pero a finales de los 50 el rock sufriría duros golpes, acabando con su llamada época dorada. Elvis se fue a hacer el servicio militar, Chuck Berry era encarcelado, Jerry lee Lewis se casaba con su prima de 14 años, Litle Richard se retiraba por cuestiones religiosas (durante unas turbulencias jodidas prometió dejar el rock si se salvaba), BuddyHolly moría en el famoso accidente de avioneta (aquí Buddy no prometió nada) y se desataba el escándalo Payola. En este escándalo Alan Freed vuelve a ser protagonista.

Caso payola: El rock and roll era música de negros, mala (incluso se llegó a decir que era un arma comunista para acabar con la sociedad americana), sexual y salvaje. Entonces ¿por qué se pone en la radio? La ASCAP, grandes editoras de discos y hasta el Congres encontraron una rápida respuesta. Las compañías pequeñas pagaban a los disc-jockeys por poner esa música. Multitud de disc-jockeys fueron acusados y hasta el mismísimo Eisenhower pidió la dimisión del presidente de la Comisión Federal de Comunicaciones. Pero el gran cabeza de turco de todo esto fue Alan Freed, acusado de recibir dinero de 6 compañías para que radiaran sus discos. Fue declarado culpable en 1962. Él siempre defendió su inocencia pero se quedó sin trabajo, medio arruinado y hundido. El deterioro físico que todo esto le provocó le llevó a la muerte con 43 años poco tiempo después, en 1965 en Palm Springs, California.

Alan Freed antes de testificar

El rock paró su descenso con la llegada de los Beatles. Al final todo el mundo se subió antes o después al carro del rock and roll. Todo sea por la pasta.

Descubriendo a Nancy

2013-06-09T14:52:00.001+02:00

En 1969 Leonard Cohen sacó su segundo disco Songs from a room, que incluía una enigmática canción, Seems So Long Ago, Nancy.

Parece tan lejano, Nancy estaba sola

mirando el programa de la madrugada a través de una piedra semi-preciosa.

En la casa de la honestidad su padre estaba en un juicio.

En la casa del misterio no había nadie en absoluto.

Parece que fue hace un rato. Ninguno de nosotros fue fuerte.

Nancy llevaba medias verdes y dormía con todo el mundo.

Nunca dijo que nos esperaría a pesar de que estaba sola,

Creo que ella se enamoró de nosotros en 1961.

Parece tan lejano, Nancy estaba sola.

Una cuarenta y cinco junto a su cabeza, un teléfono descolgado.

Nosotros le dijimos que era bella, le dijimos que era libre,
pero ninguno de nosotros pudo encontrarla en la casa del misterio.

Y ahora miras a tu alrededor, la ves en todas partes.

Muchos usan su cuerpo, muchos peinan su cabello.

En el vacío de la noche cuando estás con frío y entumecido la oyes hablar libremente.

Ella está feliz de que hayas venido.

Durante años tanto fans como críticos especulaban sobre quién sería esa tal Nancy. Cohen en sus conciertos daba algunos datos sobre ella. Por ejemplo en el Festival de la Isla de Wight introdujo la canción con las siguientes palabras: "Quiero cantar una canción para Nancy. Se voló la cabeza en el baño con la pistola de su hermano. Por aquel entonces no había el apoyo que hay ahora y ella estaba donde estáis vosotros, pero no había nadie que encendiera cerillas." Lo de las cerillas viene por la anécdota con la que Leonard comenzó el concierto: "Cuando tenía siete años, mi padre me llevaba a el circo. Él llevaba bigote negro y un chaleco muy chulo, y un pensamiento en la solapa. Le gustaba el circo más que a mí. Pero en el circo pasaba una cosa por la que yo siempre estaba esperando. No quiero ser pesado, esto no es obligatorio. Pero había un momento en el que un hombre se levantaba y decía: "¿Podéis encender una cerilla? Así nos tendremos localizados." ¿Podéis encender una cerilla para que vea dónde estáis? Para que todos brilléis como luciérnagas a diferente altura. Oh sí. Sí. Ahora sé que sabéis por qué las encendéis. Se está bien solo frente a 600.000 personas. Es una gran nación, aunque es débil. Muy débil."

El caso es que pasó el tiempo y nadie puedo averiguar nada sobre la vida de Nancy, hasta que hace unos años un artículo sorprendió a muchos seguidores del depresivo no químico más poderoso del mundo. Era un artículo del sobrino de la tal Nancy, Tim Challies: "Ella se quitó la vida antes de que yo naciera. En ocasiones he estado casi obsesionado con descubrir más datos sobre ella. Su nombre rara vez aparece cuando la familia se reúne. Parece que el pasado es tan doloroso que sus hermanos prefieren no pensar en ella para no revivir ese dolor." A continuación un resumen de lo que nos contaba:

Nancy nació el 20 de octubre de 1943 y murió el 10 de marzo de 1965 cuando tenía 21 años. Era una joven con problemas pasando su adolescencia bajo cuidados psiquiátricos. En algunas cartas que enviaba a su madre ponía cosas como: "La próxima semana parece tan lejos. Sólo espero ser libre pronto." o pensamientos inconexos con letra garabateada: "Un maníaco depresivo solo bombardea en... y me refiero a bombardear. Infierno!! Vino 400 millas en ambulancia en 4 horas. Imagina la sesera que tenía eh? bueno, ella es muy divertida pero en realidad está herida tras esa cara feliz. No te preocupes!!"

En 1961 Nancy vivía fuera de casa trabajando como guía turística en el histórico Fort Henry en Kingston, Ontario. El 20 de diciembre de 1963 conoció a Mike y durante algún momento de los siguientes meses se queda embarazada. La familia de un alto status social con diputados y jueces del Tribunal Supremo le obligaron a dar a su bebé en adopción. Meses después en un momento de desesperación y depresión Nancy cogió el arma de su hermano y se voló la cabeza. Años después el padre de Nancy también decidió acabar con su vida.

¿Cómo conoció Leonard esta historia? Tenían un amigo común, el artista y escultor Morton Rosengarten. El sobrino de Nancy, Tim, acaba el artículo diciendo que a su padre (hermano de Nancy y dueño del arma en cuestión) le salvó la vida Jesús, estaba muerto espiritualmente y La Biblia hizo que resucitara. Aleluya hermanos!!! Milagro!!! Tim es actualmente pastor y no de ovejas precisamente. Escribe artículos y libros de cierta temática...

Han pasado muchos años, pero creemos que hoy Nancy le diría a su familia: Parecéis tan lejanos...pero ya no estoy sola.

HIGHWAY 61 REVISITED de Bob Dylan

2013-03-02T14:42:00.002+01:00

Elegancia

Pocos discos en la historia han despertado tantas pasiones encontradas como el lanzamiento que en agosto del 65 hizo Bob Dylan. Antes de su grabación ya hubo un primer momento en que los seguidores del folk expresaron su opinión al respecto: el festival folk de Newport de ese mismo año. El set eléctrico fue abucheado por gran parte del público. Le acusaron de "Judas" por incorporar sonidos eléctricos dejando la pureza del folk más desnudo, pero lo cierto es que el disco marcó un antes y un después en la historia del rock. El título de este disco proviene de la famosa autopista 61, nombrada en numerosos blues clásicos, la cual supone cruzar la frontera del sur profundo de los EE.UU, escapando hacia la novedad del norte. Le acompañaron en este viaje músicos como Mike Bloomfield (guitarrista de la Paul Butterfiel Blues Band) o Al Kooper y los productores Tom Wilson (que había trabajado con gente como Simon & Garfunkel y que posteriormente lo haría con Frank Zappa o la Velvet Underground) y Bob Johnston.

El disco comienza con un golpe que muchos han considerado un disparo para abrir la mente y desperdigar los sesos ante algo nuevo. Like a Rolling Stone. Su larga duración y su sonido pesado hicieron que la compañía tuviera serias dudas de lanzarla como sencillo, pero rápidamente se convirtió en un clásico que impactó a gente como Hendrix, Zappa o McCartney Su grabación fue algo caótica, cambiándola de tonalidad, de compás, añadiendo diferentes instrumentos, etc. Fue clave el momento en que Al Kooper tocó el órgano y Dylan exigió que sonara más fuerte en las mezclas. Durante 3 días realizaron cerca de 30 tomas.

Hubo un tiempo en que vestías tan bien,

lanzabas una moneda a los vagabundos

desde tu pedestal, ¿no?

La gente te avisaba,

“Cuidado nena, te vas a caer”

Pensabas que todos bromeaban.

Te acostumbraste a reírte de

todos los que estaban hundidos,

ahora ya no hablas tan alto,

ahora ya no pareces tan orgullosa

de tener que gorronear

tu próxima comida.

¿Qué se siente,

qué se siente,

al estar sin un hogar

como una completa desconocida

como un canto rodante?.

Has ido al mejor colegio, muy bien,

Señorita Solitaria

pero sabes que sólo lo usaste

para aprovecharte

nunca nadie te enseñó

cómo vivir en la calle

y ahora te das cuenta

que vas a tener que acostumbraste.

Decías que nunca te comprometerías

con el misterioso vagabundo,

pero ahora te das cuenta

de que no vende ninguna coartada

mientras miras fijamente en el vacío de sus ojos

y le dices, ¿quieres hacer un trato?.

¿Qué se siente,

qué se siente,

al estar contigo misma

al estar sin un hogar

como una completa desconocida

como un canto rodante?.

Nunca te volviste para ver

los ceños fruncidos de los malabaristas

y los payasos

que hacían sus trucos para ti,

nunca comprendiste que eso no estaba bien,

Permitiste que otras personas

se divirtieran por tí.

Solías cabalgar sobre el caballo cromado

con tu diplomático,

que llevaba en su hombro un gato siamés.

¿No fue duro cuando descubriste

que desapareció después

de robarte todo lo que pudo?.

¿Qué se siente,

qué se siente,

al estar contigo misma,

al estar sin un hogar

como una completa desconocida

como un canto rodante?.

La princesa en la torre

y toda la gente guapa

bebiendo, pensando que han triunfado,

todos cambiando preciosos regalos

pero será mejor que te quites tu anillo,

será mejor que lo empeñes, nena.

Tú que solías divertirte tanto

con el haraposo Napoleón

y con el lenguaje que usaba,

vete con él ahora que te llama,

no puedes negarte,

cuando no tienes nada,

no tienes nada que perder,

ahora eres invisible,

no tienes secretos que guardar.

¿Qué se siente,

qué se siente,

al estar contigo misma

al estar sin un hogar

como una completa desconocida

como un canto rodante?.

El 5º corte del disco es un excelente blues suburbial, sucio, irónico y crítico en su letra: Ballad Of a Thin Man. Aquí aprovechamos para recomendaros un biopic sobre Dylan extraño pero maravilloso: I'm not there. En ella actores como Heath Ledger, Christian Bale, Richard Gere o Cate Blanchet encarnan a Bob. En este vídeo que ponemos veréis la increíble transformación de Cate y la versión de Ballad Of a Thin Man. ¡Y todo subtitulado amigos!

El 7º corte del disco es el que da título al mismo. Versionada incluso por Johnny Winter. La canción nos cuenta en cada estrofa la historia de un personaje diferente con problemas que finalmente se resuelven con la llegada a la Autopista 61. Autopista de culto, Robert Johnson hizo su pacto con el diablo en un cruce de la Autopista 61 con la 49 y Martin Luther King murió asesinado muy cerca de ella.

Rezando ante el dios Dylan

Dios dijo a Abraham, “Mátame un hijo.”

Abram dijo, “Tío, debes estar de broma.”

Dios dijo, “No.” Abram dice, “¿Qué?”

Dios dijo, “haz lo que quieras Abe,

pero sino la próxima vez que me veas

más te vale que salgas corriendo”

Abram dijo, “¿Donde quieres

que sea esa muerte?”

Dios dijo, “Fuera, en la Autopista 61”

Georgia Sam, tenía una nariz sanguinolenta,

el Departamento de Bienestar no le quería

dar ropas,

le preguntó al pobre Howard, “¿Dónde puedo ir?”

Howard le dijo, “Que yo sepa sólo hay un lugar”,

Sam dijo, “Tío, dímelo rápido, tengo que escapar.”

El viejo Howard tan sólo señaló con su pistola,

y dijo, “Aquél camino baja a la Autopista 61.”

Mack el chivato dijo al jefe Louie,

“Tengo cuarenta cordones de zapatos rojos,

blancos y azules

y un millar de teléfonos que no suenan.

¿Sabes donde puedo deshacerme

de todas estas cosas?”

Y Louie el Rey dijo,

“Déjame pensar un minuto, hijo”,

y dijo, “sí, pienso que se puede hacer,

sólo llévalo todo abajo, a la Autopista 61”

La quinta hija en la duodécima noche

le dijo al primer padre que las cosas no iban bien,

“El color de mi cara -le dijo- es demasiado blanca.”

Él dijo, “Ven aquí que te vea a la luz.”

Dice, “Hmm, estás bien,

déjame que le cuente a la segunda madre

lo que ha ocurrido.”

Pero la segunda madre estaba

con el séptimo hijo,

y ambos estaban fuera, en la Autopista 61.

El vagabundo errante estaba muy aburrido,

estaba intentando organizar

la próxima guerra mundial,

encontró un promotor que casi levitó del suelo,

y que dijo, “Nunca antes se me contrató

en algo parecido,

pero sí, pienso que puede hacerse fácilmente,

sólo pondremos afuera algunas gradas al sol,

y la armaremos en la Autopista 61”

No sé si es de agradecer o de criticar la mierda de videos que hay sobre las canciones originales de Bob, eso sugiere un control sobre su música bestial. Así que animaros a comprarlo, un disco que todos deberíamos tener en nuestra colección.
"No voy a ser capaz de hacer un disco mejor que aquel... Highway 61 es demasiado bueno." Que razón tienes Bob...

SUPERUNKNOWN de Soundgarden

2013-02-12T14:14:00.000+01:00

Hoy nos vamos con uno de los discos básicos del grunge y del sonido Seattle. El 8 de marzo de 1994 Soundgarden lanza SUPERUNKNOWN, el álbum que catapultó a la fama al grupo, logrando convertirlo en un grupo que, aunque no es de mayorías, sí es casi de culto. Un mes antes de la muerte de Kurt Cobain el grunge estaba en pleno apogeo, lo que llevo al disco al número uno del Billboard. Su portada muestra a los miembros de la banda difuminados y un negativo de un bosque quemándose boca abajo. Todo muy alegre al igual que sus letras, que hablan del abuso de sustancias, la depresión y el suicidio (por cierto, que sucesión más lógica ha quedado) así como la pérdida, el aislamiento, la venganza, la soledad y muchas cosas más que hacen que la vida merezca la pena.

Empezamos el repaso con el 3º corte, Fell on black days. dejemos que Chris nos ilumine con sus sabias palabras: "Fell on black days es ese miedo constante que he tenido durante años. Es una sensación que todo el mundo tiene. Eres feliz con tu vida, todo va bien, las cosas son interesantes, cuando de repente te das cuenta de que eres infeliz en el extremo, hasta el punto de asustarte mucho. No hay ningún evento en particular en el que puedas fijar tu sentimiento hacia lo que pasa ha pasado, un día te das cuenta de que todo en tu vida es una mierda." Amén.

Todo lo que he temido se a vuelto realidad

Todo contra lo que he luchado se convirtió en mi vida

Justo cuando parecía que los días me recibían con una sonrisa las manchas solares desaparecen

Y ahora estoy cumpliendo condena

Porque caí en, días negros

Aquel a quien había curado ahora he enfermado

Aquel a quien había arropado lo he tirado al suelo

Dicen que tengo luz en mi alma pero no puedo verla en la oscuridad

Sólo estoy fingiendo cuando lo hago bien

Porque caí en, días negros

Cómo iba a saber que este podría ser mi destino

Así que lo que querías ver bien te ha cegado

Y lo que querías fuera tuyo lo he vuelto mío

Así que no encierres las cosas que no quieras ver volar

Las manos son para saludar no para amarrar

Estoy seguro que no me importa un cambio

Porque caí en días negros

Cómo iba a saber que este podría ser mi destino

Head Down es el 6º corte, justo antes de la archiconocida Black hole Sun. Esta canción muestra una de las principales innovaciones en la carrera de Soundgarden, alejarse de los riffs del hardrock para ir a sonidos más envolventes.

Al grunge se le ha definido muchas veces como una mezcla de rabia y melancolía. Pues ahora nos vamos con la rabia bien encauzada del 8º corte del disco: Spoonman (hombre cuchara, si pensáis mal no acertaréis). En la canción interviene el hombre en el que se inspira el título; "Artis the Spoonman", un músico callejero de California que hacía música con cucharas (y vosotros pensando en cosas perjudiciales para la salud...). El artista en cuestión adquirió fama mundial a partir de este vídeo.

Lenta, pesada y oscura, 4th of July es el corte nº 13 del disco y uno de los más interesantes. Superunknown tuvo cinco singles, como era de esperar esta canción no fue uno de ellos. Aunque el disco supuso en ciertos cortes un giro algo más comercial, esta canción sigue guardando las verdaderas esencias del grunge.

Llueve en el día oscuro

Las chispas limpias se sumergen frías en el canal

Donde los bautizados se ahogan

Desnudo en el frío sol respirando vida como fuego

Pensé que era el único, pero esto es sólo una mentira

Porque lo oí en el viento

Y lo vi en el cielo

Y creí que era el fin

Y creo que fue el 4 de julio

Palidez en el destello de la luz

La luz de alarma se rompe y desaparece

Y traen el ardor aquí

Y por todas partes nadie se preocupa

El fuego esta extendiéndose y nadie quiere hablar sobre eso

Hundido en el agujero Jesús intenta sonreír bajo otra pala de carga

Porque lo oí en el viento

Y lo vi en el cielo

Y creí que era el fin

Y creo que fue el 4 de julio

Ahora ya estoy controlado

Ahora estoy cayendo

Una vez me dormí, pero ahora estoy en pie

Y aun recuerdo toda tu dulzura

Enciende una vela romana y sostenla en la mano

Porque lo oí en el viento

Y lo vi en el cielo

Y creí que era el fin

Y creo que fue el 4 de julio

Y para acabar el repaso a este álbum que radia puro grunge nos vamos con la más larga. El corte 15 del disco, Like a suicide. Chris Cornell (con su más que reconocible y portentosa voz) y los suyos se marcaron una de las "biblias" musicales de los '90. Chris la escribió después de que un pájaro malherido entrará por una ventana en su casa. Cogió un ladrillo y lo mató para acabar con su sufrimiento. No hay esperanza, simplemente es grunge. Lo tomas o lo dejas. Por cierto, editado (como no) por la mítica SubPop.

"War" por Edwin Starr

2013-01-20T21:23:00.003+01:00

Elegancia

Este clásico de la música fue escrito en 1969 por dos grandes compositores que en aquella época trabajaban para la Motown, Norman Whitfield y Barret Strong. War, a pesar de su título, es un himno antibelicista que se hizo eco de la lucha contra la Guerra de Vietnam, y por lo tanto alabada por muchos antibelicistas, entre ellos John Lennon. Primero fue grabada por The Temptations, pero la versión que tuvo éxito fue la lanzada en 1970 por Edwin Starr, un grande del soul (aunque la Motown lo consideraba un segundón por aquel entonces). El tema estuvo en el puesto número uno de las listas Billboard durante tres semanas, luego vendría otro éxito de la Motown (que no paraba de crear canciones para el recuerdo) Ain't no mountain high enough de Diana Ross. Para el recuerdo ese:

War! huh-yeah

What is it good for?

Absolutely nothing.

The Flamingo Club

2013-01-12T17:11:00.000+01:00

Este club situado en el Soho de Londres es básico en la irrupción del blues en la Inglaterra de principios de los 60. Pero entre 1952 y 1967 también hubo jazz, hubo R&B, hubo soul y alguna historia turbulenta. Así que vamos a ello, que merece la pena.

El club lo crearon Jeffrey Kruger (gran aficionado al jazz) y su padre Sam Kruger. Empezó estando en un sótano, debajo del restaurante Mapleton, pero un sótano elegante eso sí. La publicidad que hicieron decía: "el club más confortable de Gran Bretaña". El 29 de agosto de 1952 fue su inauguración y asistieron unas 1500 personas, creando largas colas. La gente que iba allí era elegante a más no poder, trajes con corbata, buenos vestidos y todas esas cosas. De forma ocasional hacían las llamadas "all-nighters", es decir, la fiesta no paraba hasta las 6 o las 7 de la mañana. La banda habitual que tocaba por aquel entonces estaba formada por Joe Harriott, Ronnie Scott, Tony Crombie y Tommy Pollard. Su reputación fue en aumento y allá por 1954 se dejaban ver por allí granes como Sarah Vaughan, Ella Fitzgerald y Billie Holiday.

En 1957 el club se traslada a un nuevo local en la calle Wordour Street, donde las "all-nighters" se hacen habituales todos los findes de semana. Aquí entra en escena Rick Gunnell, amigo desde hacía unos años de Jeffrey, que toma la gestión del Flamingo. Poco a poco la elegancia del club fue transformándose y en los 60 era un lugar que frecuentaban mafiosos, chulos y prostitutas y donde las peleas eran habituales. Y aquí entra una chica joven y guapa llamada Christine Keeler, que a raíz de unas peleas ocurridas en el flamingo y la investigación que comenzó la policía llevo a el llamado Caso Profumo, que fue uno de los grandes escándalos ocurridos en Inglaterra. Lo del príncipe vestido de nazi son ligeras molestias comparado con lo que provocó ésto. Empieza el apartado rosa de la entrada:

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CASO PROFUMO

Vamos a intentar resumirlo. Christine bailarina, joven y guapa conoce a proxeneta de la alta sociedad británica, Stephen Ward. En una de las fiestas organizadas por Stephen conoce a John Profumo (casado y ministro de Guerra británico) y comienzan una relación. A la vez Christine también mantenía relaciones con un tal Ivanov, agregado naval de la embajada soviética y parece ser que espía. Christine debía de ser ninfómana porque de vez en cuando iba al Flamingo en busca de militares estadounidenses y de jamaicanos para pasar noches suponemos que agradables. Una noche estando con Edgecombe (con el que mantenía una relación algo más duradera) en el Flamingo entró Lucky Gordon (anterior pareja de Christine). La noche acabó con 17 puntos de sutura en la cara de Gordon.

La historia continúa, una noche Christine encuentra al tal Edgecombe teniendo relaciones con una muchacha y se enfada (las infedilidades no iban con ella como hemos podido comprobar), diciendo que le va a acusar de la paliza a Gordon. El tío se cabrea y la sigue hasta una casa propiedad de Stepehn Ward, donde pega un par de tiros a la puerta y se pira. Aquí es donde entra la policía empieza a investigar y salen todos los amantes de Christine, con el consiguiente lío en la política y sociedad puritana inglesa. Por cierto, se rumoreó mucho que también había estado con Felipe de Edimburgo, marido de la reina Isabel II.

Profumo, Ivanov, Stephen después del suicidio, Edgecombe y Gordon.

Todo esto terminó con una crisis en el gobierno, con Profumo dimitiendo, con Stephen Ward suicidándose, con Ivanov rechazado por el gobierno soviético y por su mujer y con el consiguiente disgusto dándose a la bebida, con Edgecombe en la cárcel durante 7 años y con Gordon también en la cárcel durante 3 años por agredir a Christine. Hay que ver la que preparó la muchacha ésta...

Y hasta aquí corazón de los 60, continuamos con el Flamingo.

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La cultura mod por supuesto también pasó por allí en los 60, así como bandas jamaicanas que introdujeron el ska al público británico. Y en esta época llegamos a lo que supone los inicios del blues en Inglaterra y todo lo que supondría después. Suenan Georgie Fame y the Blue Flames (en el 64 sacaron un disco en directo grabado en el Flamingo), Chris Farlowe (uno de los grandes olvidades y al que ya le hicimos una pequeña entrada en este mismo blog) y sus Thunderbirds, Shotgun Express con Rod Stewart, la mítica Alexis Korner's Blues Incorporated, John Mayall y sus Bluesbreakers, The Rolling Stones (Charlie Watts debutó como batería de los rolling en el Flamingo), Otis Redding, Jerry Lee Lewis, Jimmi Red, Ike and Tina Turner, Wilson Pickett, John Lee Hooker y muchos más. Telita amigos...por supuesto las visitas también eran de calidad, miembros de los Beatles, Jimi Hendrix (que también llegó a tocar allí, hay bootlegs piratas de esas noches) o Stevie Wonder disfrutaron de más de una velada allí.

Todo esto lo consiguió Rick Gunnell, que tenía una agencia de artistas junto a su hermano y al saxofonista de Georgie Fame. Representaban a gente como John Mayall, Fleetwood Mac, Rod Stewart y Chris Farlowe. Y regentaba otros locales frecuentados por los Beatles y en los que tocaban, aparte de algunos de los mencionados, The Who, The Animals, Jimi Hendrix o Ten Years Afters. El Rick se lo sabía montar, esta maravillosa época pasó, pero siguió viviendo de diversos locales hasta su muerte en el 2007.

Con la llegada de la psicodelia pasó a llamarse The Pink Flamingo en 1967 e intentó seguir en la brecha, pero poco a poco su fama se fue perdiendo...

"The sound of silence" de Simon & Garfunkel

2013-01-06T14:02:00.001+01:00

Esta canción archiconocida fue escrita por Paul Simon en 1964 para expresar el sentimiento que había en la sociedad americana después del asesinato de Kennedy (para más información ver los monólogos de Bill Hicks). La primera versión salíó en su primer disco: Wednesday Morning, 3 a.m. y musicalmente era sencilla a más no poder, una guitarra y sus dos voces. En 1966 se añadieron más instrumentos, y con ella consiguieron llegar al número uno de las listas de ventas en EE.UU. Más tarde volvería a los oídos de todos formando parte de la película El Graduado (1968), dirigida por Mike Nichols y protagonizada por Dustin Hoffman. Ésta es su letra y este es el sonido del silencio:

Hola oscuridad, vieja amiga,

he venido de nuevo a hablar contigo,

porque una visión, arrastrándose suavemente,

dejó sus semillas mientras estaba durmiendo,

y la visión que fue plantada en mi cerebro,

todavía permanece.

Dentro del sonido del silencio,

en agitados sueños, yo caminaba solo

por calles estrechas adoquinadas,

bajo el halo de una farola,

giré el cuello hacia el frío y la humedad,

cuando mis ojos fueron apuñalados

por el fogonazo de una luz de neón,

que abrió la noche ,

y tocó el sonido del silencio.

Y a la luz desnuda vi

a diez mil personas, quizás más,

gente conversando sin hablar,

gente oyendo sin escuchar,

gente escribiendo canciones

que las voces nunca comparten.

Y ninguno se atreve

a perturbar el sonido del silencio.

"Tontos" les dije yo,

"no sabeís que el silencio crece como un cáncer,

escuchad mis palabras que podría enseñaros,

coged mis brazos que podrían alcanzaros,

pero mis palabras caen como silenciosas gotas de lluvia,

e hicieron eco en los huecos/pozos del silencio.

Y la gente se inclinó y rezó,

al Dios de neón que habían construido,

y el letrero emitió su aviso,

con las palabras del que estaba formado,

y el letrero decía:

"Las palabras de los profetas

están escritas en las paredes del metro,

y en los vestibulos de las casas,

y susurradas en los sonidos del silencio".

"The first time ever I saw your face" por Johnny Cash

2012-11-16T21:27:00.000+01:00

Los dos enamorados...

Esta canción fue escrita por Ewan MacColl en 1957, y era una canción folk movidita. Se la dedicó a una tal Peggy, que por aquel entonces era su amante y que posteriormente pasó a ser su mujer. Ya sabéis, empezar a componer para vuestros amores platónicos, que parece ser que funciona. Vamos a hablar ahora un poquito de Ewan, su familia era socialista a más no poder (su padre, por ejemplo, era militante sindicalista) y el siguió sus pasos, aunque de manera más radical, uniéndose a la Liga de Jóvenes Comunistas. Su carrera musical empezó con canciones folk muy críticas con el sistema político. En la década de los 30 esto le trajo problemas con el servicio de contraespionaje británico, que lo consideraba muy extremista en sus ideas, por lo que prestaron especial atención a sus movimientos. Volvemos a esa pareja de enamorados, que durante los 60 tocaban en los clubes de folk de Gran Bretaña. Y es en esta época cuando otros empiezan a versionar la canción que titula esta entrada (no la volvemos a escribir porque es muy larga, nosotros muy vagos y nuestro nivel de inglés muy malo), entre ellos Bert Jansch. Pero el éxito llegó en 1972, cuando Roberta Flack (que tuvo otro éxito enorme al año siguiente con Killing me softly with his song) la colocó en las primeras posiciones de las listas de ventas.

Ewan odiaba todas las versiones que se hacían de ella, las tenía guardadas en lo que él llamaba la cámara de los horrores. Pero luego llegó él, Johnny Cash. Y a partir de ahí para nosotros (no sabemos si para Ewan también) sólo existe una versión. La suya.

Autopista del Jazz desvío por la salida del Pop; R. Lewis y su "Hang on Ramsey!" (Live)

2012-10-25T20:34:00.000+02:00

Esto es estilo chavales.

De The Beatles al Jazz y del Jazz a The Beatles pasando por toques funky... Dicho así parece algo arriesgado; quizá el típico disco para regalar en navidades en el que pillan canciones famosas del pop y las hacen en clave de Jazz para darse el pisto. Pero... si os decimos que no hablamos de la sección de discos del Carrefour, si os decimos que estamos hablando del Sr. Ramsey Lewis... la cosa cambia. Amado por unos, criticado -que no odiado- por otros, Ramsey es todo un icono del despertar que el Jazz tuvo hacia otros géneros de la música negra en la década de los '60. Como artista de gran éxito comercial ha recibido no pocos bandazos por parte de recalcitrantes puristas a lo largo de su carrera; que si su piano no es tan brillante, que si es poco serio, que si sus mezclas son arriesgadas y poco sólidas... quizá no sean más que ladridos de unos culturetas y elevados perros al ver que Ramsey saber llevar el Jazz a un terreno que las masas adoran. Una música audible, cargada de ritmo y melodía que hace imposible no mover el pie cuando se está sentado en la silla. Y es que... por un momento nos vamos a imaginar lo siguiente. Un furibundo y metafísico crítico de Jazz de los '60 escuchando cómo Ramsey lleva a The Beatles al terreno del Jazz. ¡Y encima lo hace bien! ¡Y encima tiene ritmo! ¡Y encima el disco es en directo y la audiencia está entregada!

Ramsey y familia antes de un bautizo

La primera y la cuarta pista son tributos a los chicos de Liverpool, con un "A hard day's nigt" más que logrado en el sonido de su piano. No obstante, el disco no renuncia a abordar clásicos del género, riendiendo así un homenaje en el penúltimo corte al mismísimo Duke Ellington con la interpretación de Satin Doll. Así las cosas el disco va alternando entre cortes más rápidos y otros más suaves en una suerte de baile entre el piano de Lewis y la batería de Redd Holt, un tipo que tendría el acierto de hacer discos como "The other side of the moon" -1975- en el que se atreve hasta con una versión de "I shoot The sheriff" de Marley, popularizada un año antes por Clapton en su 460 Ocean Boulevard. Es más, no nos resistimos a dejaros el corte. A nosotros nos parece cuajanudo.

En fin... R. Lewis pasará a la historia como el tipo que desde los '60 consiguió llevar el Jazz a un público que, principalmente, escuchaba Funk o pop. Además de ser uno de los que más asentó dentro del mundo del Jazz el modelo de trío, formación con la cual graba este disco ¿Para qué más? Al lado de su piano se formaron tipos como Max Roach -tremendo batería- o -y esto no es casualidad- Maurice White, el que fuera fundador de Earth, Wind & Fire y actor de la explosión funky de los '70. Alguien dijo alguna vez que el Jazz es la gran autopista de la Black Music, y que en ella hay multitud de desvíos y cruces. ¿Por qué no cogerlos todos?

PD: sí, hemos ido más que por una carretera por una pista forestal muy aislada, porque... si hablamos de Lewis en el '65 lo lógico hubiera sido hablar de su "The in Crowd", el cual pasa por ser el disco más vendido y crucial de su carrera. Pero... el el bus siempre vamos con los de atrás... De todos modos os dejamos un conocido regalo de ese discazo.

La vida después de Deep Purple

2012-10-15T18:40:00.002+02:00

Después de pasar por un grupo tan grande como Deep Purple tienes 3 opciones, acabar con tu vida y pasar a ser un mito, quedarte en casa recordando lo grande que fuiste o seguir con la música que se supone que es lo tuyo, aunque sepas que jamás llegarás a tener el éxito que tuviste. Y eso es lo que hicieron...

Rainbow, el grupo de Ritchie Blackmore.

En 1975 Ritchie Blackmore abandonó Deep Purple y montó una gran banda que continuaba con ese sonido duro que caracterizaba a su anterior grupo, pero en el que su guitarra adquiría mayor protagonismo. Esta banda fue Rainbow, formada por Ronnie Dio (uno de los más grandes cantantes de heavy que pasó en los 80 por Black Sabbath), Craig Gruber, Gary Driscoll, Mickey Lee Soule y el propio Ritchie Blackmore. Fue uno de los grupos básicos del rock duro a finales de los 70 y principios de los 80. El problema que tuvieron es que el éxito de Deep Purple era difícilmente alcanzable. La historia del grupo está llena de crisis debido fundamentalmente a la falta de éxito masivo, cambios constantes en la formación, tensiones entre los integrantes, etc.

Su primer LP, Ritchie Blackmore Rainbow, contiene uno de sus himnos, Man on the Silver Mountain. A este le siguieron Rising (1976), On Stage (doble álbum en directo de la gira mundial del 76), Long live rock and roll (1978), Down to the Earth (salvo Blackmore aquí ya no quedaba nadie de la formación original, pero ya estaba el bajista de Deep Purple, Roger Glover) y Difficult to cure en 1981, el cual fue su mayor éxito hasta el momento. En este último estaba su single I surrender.

Ian Gillan, la voz.

Ian abandonó el grupo en 1973 siendo uno de los grandes solistas del rock duro, heavy rock o como queráis etiquetarlo. Cantó en la versión inglesa de Jesucristo Superstar y después pasó 3 años desaparecido del panorama musical. En el 76 volvió con su propia banda Ian Gillan Band. Sus comienzos fueron poco firmes y con muchos altibajos.

Los dos primeros álbumes fueron Ian Gillan Band (1976) y Clear air turbulence (1977). Ya en 1980 fichó por una gran compañía, Virgin, afianzando así su carrera gracias también al estallido del heavy rock. Aquí es cuando recupera la fuerza que tenía con Deep Purple sacando dos discos básicos, Glory Road y Double Trouble, álbum doble grabado parte en el festival de Reading del 81 y parte en el estudio.

Whitesnake, los herederos de Deep Purple

La banda que aglutinó a mayor número de músicos provenientes de Deep Purple. Al principio era simplemente la banda de acompañamiento de David Coverdale, el último cantante solista de Deep Purple. Así en 1977 salió su primer álbum, Whitesnake. En el 79 entró John Lord, líder y fundador Deep Purple. Y la cosa mejoró claro, esto lo atestiguan los buenos discos Trouble y Love Hunter. Y después de este álbum entró Ian Paice a la batería, formando así un sexteto muy potente. Con esta formación se convirtieron en básicos del heavy rock, gracias a sus actuaciones y a los álbumes Live in the heart of the city, Ready an`willing y Come and get it. Y la historia continúo con separaciones y regresos...

Deep Purple en 1984, como hemos cambiado...

Pero al final que ocurre, que cuando has sido tan grande te entra la morrilla de volver a serlo y vuelves a formar parte de Deep Purple, que reaparecieron en 1984 con Ian Gillan, Blacmore, John Lord, Roger Glover e Ian Paice. Ya sabéis lo que ha sido Deep Purple, que para conocer los integrantes que han ido pasando a lo largo de los años y los respectivos cambios se necesita un estudio complejo. Os dejamos un concierto de 1985, lo de empezar con Bach es muy grande...En fin, que la moraleja de todo esto viene a ser, como muy bien dijo Loquillo: Que difícil es ser humilde cuando uno es tan grande.

Dios es uno y trino: Page, White y "The Edge" en "It might get loud".

2012-10-10T17:54:00.001+02:00

¡Lucha de sables!

Dentro del mundo del Rock hay un instrumento que se lleva la palma... la guitarra eléctrica. A pesar de tener grandísimos baterías como Moon o Bonham o bajistas como Paul Jones o Burton... el guitarrista es siempre el que más se ha llevado las miradas lujoriosas de las chicas que, desde la primera fila del concierto, fantasean con hacer un bis especial en los camerinos. Y como ya hemos hablado en otros artículos del bus azul... en el mundo de la música parece existir una constante pugna entre lo viejo y lo nuevo, entre lo analógico y lo digital, entre lo más purista y lo más innovador. Y en fin... como otras tantas veces hemos dicho desde la radio... los placeres no son excluyentes. El efecto del fanatismo y el purismo extremo en la música es tan ciego y destructivo como el efecto del fundamentalismo es a una sociedad. Que diversas tendencias se pueden complementar... no es nada nuevo para muchos, pero algo bastante saludable que hay que recordar de vez en cuando. En ese sentido, lo mejor que uno puede hacer es ponerse tranquilamente un pijama cómodo -los rockeros también son caseros-, una buena cerveza y, de paso, enchufarse el documental "It Migh get Loud", traducido al idioma de los páramos castellanos como "A todo volumen". Se trata de una suerte de encuentro de estrellas en el que vemos diferentes formas de entender la guitarra eléctrica. Un pulso de ases entre viejas y nuevas generaciones, entre un concepto más purista y otro más tecnológico. Por un lado... The Edge -U2- armado con una serie de cachibaches que harían temblar a la mismísima NASA. En el extremo opuesto Jack White -The White Stripes, The Racounters...- armado con lo más sucio y distorsionado de un sonido purista y rudo. Y entremedias de estos dos apóstoles tan diferentes, un dios de la guitarra custodiando las esencias e intentando comprender las novedades: el Sr. Jimmy Page.

Dios es uno y trino.

Obraremos como en una misa... A la izquierda de Dios se sentó The Edge. Muchos de vosotros ya sabréis que en el bus azul no somos especiales seguidores de U2. Y ojo que hablamos de la banda, escrupulosamente de la banda y no de la irritable personalidad de su carismático líder. No obstante, hay que reconocer que U2 es responsable de buena parte del pop de calidad de los últimos años y artífice de auténticos himnos como "Sunday Bloody Sunday" o "In the name of love". Un grupo con un sonido limpio y perfectamente ejecutado, tecnológicamente muy avanzado y que debe bastante de esto a la particular visión de su guitarrista. Cargado de efectos es muy complicado ver a The Edge sólo con su guitarra. Normalmente suele ir acompañado de varias y enormes unidades de sonido, un ingeniero de sonido sólo para él y un trabajo de estudio que lleva horas y horas de experimentación con los efectos... Muchos piensan -pensamos- que esto mata la esencia de la música, que ese exceso tecnológico la vacía de alma y autenticidad. Sin embargo, hay que reconocer que es una pasada ver cómo trabaja este tío a nivel de ingenieria de sonido. Es decir, no podemos dejar de pensar, como Jack White, que esa forma de producir el sonido es, como mínimo, dudosa. Pero al igual que Jimmy Page no podemos dejar de considerar "interesante" ver cómo maneja los efectos, cómo se mueve en ese universo tecnológico. Para comprender aquello de lo que estamos hablando... mirad este vídeo buseros. The Edge sin los efectos...

Él mismo reconoce que es así, que sin la unidad de sonido... poca cosa queda. Pero las cosas como son, guste o no esta forma de entender una guitarra eléctrica llevada hasta sus últimas consecuencias tecnológicas... es algo realmente original y apasionante para la evolución de la producción del sonido. Ahora nos vamos al otro extremo. A la derecha de Dios, perdón, Jimmy... se sentó... el tipo que siguió el camino marcado por grupos como la John Spencer Blues Explosion para revitalizar en la década del 2000 el Blues más sucio y distorsionado. Toda una bocanada de aire fresco que pasaba por reclamar las esencias mismas de la música americana con una receta simple: mucho volumen, mucha caña, mucha distorsión y mucho blues elevado a la enésima potencia. Así nacía The White Stripes, aupando con su fenómeno el nombre de Jack White, el último "enfant terrible" de la guitarra. A éste lo tenemos en el lado opuesto. Mientras el de U2 no se separa del enorme aparato de su ingeniero de sonido, Jack hace cosas sucias rodedado de vaquitas...

"¿Quién dijo que hay que comprar una guitarra?" Lo que se dice una declaración de intenciones. Es el Mc Giver del Rock, le das un palo, una botella vacía y una cuerda... y ale, Rock&Roll. A partir de ahi... ya puedes entender todo lo que pasa en el documental cada vez que J. White abre la boca. Y lo que suena cada vez que le pega al amplificador... En ese sentido es más que recomendable ver el documental; para contraponer ideas muy pero muy alejadas entre sí. ¿Contrarias? En parte sí, pero no os preocupeis que la sangre no llega al rio... En medio de todo está el impresionante Jimmy Page poniendo a todos de acuerdo. Y es que... si seguimos en plan misa os decimos buseros... poneros el siguiente corte y observad como "una palabra tuya bastará". Las caras de White y The Edge son las caras de dos personas que están viendo un milagro, dos hombres a los que la luz de Jimmy ha iluminado con su riff sencillo y aplastante de Whole Lotta Love. Amén hermanos, que así sea.

Músicos "No Nukes" en concierto

2012-10-10T13:53:00.000+02:00

En marzo del 79 ocurrió en EE.UU. el accidente de Three Miles Island, un fallo en el refrigerante hizo que parte del núcleo de un reactor se fundiera. A partir de aquí se tuvo muy en cuenta el factor humano, ya que ante un fallo en la central, las decisiones de los operadores empeoraron la situación. Ante el estrés y ante un montón de información inútil no supieron reaccionar. Este fallo conmocionó a la mente americana e hizo que un grupo de músicos se juntaran con el nombre de MUSE (músicos unidos para una energía segura). La idea fue de Graham Nash y Jackson Browne, que había escrito la que se considera primera canción antinuclear del rock, Before the deluge.

Juntos se pusieron manos a la obra para realizar un festival entre el 19 y el 23 de septiembre de 1979 en el Madison Square Garden, nada menos. 5 noches de conciertos a 18 dólares la entrada. Al concierto asistieron Tom Petty, James Taylor, David Crosby y Stephen Stills (si estaba Nash no podían faltar), Carly Simon, Ry Cooder,....y el plato fuerte: Bruce Springsteen, que llevaba casi un año sin dar conciertos. Y apareció nada menos que con la E Street Band por primera vez. The River, esa joya, también fue la primera vez que la escuchaba el público.

Este festival solidario se llamó No Nukes, es decir, no a las nucleares. Y en eso fue de los precursores, por aquella época los festivales o conciertos solidarios no eran muy habituales que digamos. Los líderes ecologistas lanzaron multitud de consignas durante los conciertos, como: "¡El Sol!... a Exton no le gusta porque es gratis" o "¡Mirad las Torres Gemelas! Son un gigantesco símbolo del abuso energético" (lo de Al Qaeda es todo mentira, es para meter miedo a la población. En realidad fueron ecologistas fundamentalistas).Asistieron unas 200.000 personas y posteriormente se lanzó un documental y un triple vinilo que hoy en día se ha revalorizado. Los coleccionistas siempre están al acecho de este tipo de rarezas.

"That's All Right" por el camionero Elvis Presley

2012-10-03T18:01:00.002+02:00

El 5 de Julio de 1954 el entonces camionero local Elvis Presley, de 19 años, tocaba y cantaba unas cuantas canciones románticas acompañado de el guitarrista Scotty Moore y el bajista Bill Black. ¿Dónde? Pues en el mítico Sun Studio de Sam Phillips, por aquel entonces llamado Memphis Recording Service (si alguna vez tenéis dinero está en el número 706 de Union Av. en Memphis). Phillips estaba allí grabando todo y ya había producido a artistas de calidad, varios de ellos de blues como Jackie Brenston, Rufus Thomas o el gran Howlin' Wolf.

Empezaron a tocar sobre las siete de la tarde, era lunes y nada hacía presagiar a Sam lo que le esperaba. Los 3 muchachos habían ensayado sólo un día juntos, y había sido ese mismo domingo. Pero en uno de los descanson Presley empezó a canturrear un blues de Arthur Crudup, That's All Right Mama. Sam se quedó impresionado de que un muchachito blanco conociera esa canción y de que la entonara con una voz así. Por lo que decidió grabarla. Al acabar, como dijo Scotty Moore en una entrevista, pensaron: "Ha quedado bien, pero seguramente nos echaran de la ciudad".

Para muchos esa noche nació el rock & roll rompiendo barreras culturales, musicales y raciales. Se editó como single el 19 de julio como cara A, en la cara B Blue Moon of Kentucky. Era el single 209 de Sun, al que Elvis añadiría otros cuatro. En 1955 y con Sam Phillips jodido de pelas decidió vender el contrato y los másters de Elvis a RCA (por 35.000 dólares). Sam volvió a resurgir descubriendo y grabando a gente como Johnny Cash, Jerry Lee Lewis y Carl Parkins.

El canto oscuro de los Cisnes

2012-09-23T13:56:00.000+02:00

Swans es una banda post-punk que comenzó a dar guerra en la escena no-wave de Nueva York de los 80. Ellos eran los más oscuros, abrasivos, violentos, dolientes, dramáticos y todos los adjetivos que queráis poner de aquella escena.

Su líder, Michael Gira (idolatrado por PJ Harvey o Portishead), con una juventud de esas que nos gustan. Su infancia y parte de su juventud la pasó viviendo en los suburbios de Los Ángeles. Sus padres se separaron y le tocó quedarse con su alcohólica madre hasta que fue enviado a vivir con su padre a Indiana. Más tarde se trasladaron a París y allí amigos Michael decidió pirarse de casa haciendo autostop. Su padre lo encontró gracias a la Interpol en una cárcel de Israel nada menos, en la que llevaba casi 5 meses por haber vendido droga. De vuelta a Los Ángeles empezó a tocar con una banda llamada Pequeños Lisiados. En 1979 se trasladó a Nueva York donde trabajó en puestos de construcción y demolición y tocó en varias bandas hasta que en el 82 formó Swans. Al año siguiente salió su primer disco Filth, comparado con Sonic Youth. Su siguiente disco, Cop (1984) cambió de registro y es una especie de heavy metal lento. Siguieron sacando discos maravillosos como Greed (1986) (recordad que en el 85 entró a formar parte del grupo Jarboe, la pareja de Michael, que añadió su magnífica voz y el uso de sintetizadores), Holy Money (1986), Children Of God (1987), The Burning World (1989), White Light From The Mouth Of Infinity (1991), Love Of Life (1992), The Great Annihilator (1995) y Soundtracks For The Blind (1996), hasta que en 1997 se disolvió la banda.

Este es un ejemplo de sus letras, una aventura descubrirlas, os lo recomendamos.

"He estado solo, he estado ciego y no he aprendido nada. Por eso mis manos están fuertemente atadas para hundirme con peso de plomo en el fracaso. He trabajado duro toda mi vida, pero el dinero se escurre entre mis manos. Mi rostro en el espejo me dice que no es ninguna sorpresa que esté empujando cuesta arriba la piedra del fracaso.

Me tientan con la violencia, me castigan con los ideales y me aplastan con la imagen de la nada de mi vida, pero no es real, excepto por el maldito barco esclavo del fracaso en el que estoy. No merezco estar aquí, pero nunca lo voy a dejar. Y he aprendido una cosa: no se puede escapar de la bestia en el nulo e inválido hoyo del fracaso. (...)

Voy a ser viejo, voy a olvidarme de quién y dónde estoy, voy a ser senil.(...) Mi espalda me duele cuando me agacho porque llevo una pesada carga. Mi cerebro me duele como si lo atravesara un cuchillo debido a que todavía no sé cómo escapar de las arenas movedizas del fracaso. Algunas personas viven en el infierno, muchos hijos de puta tienen éxito, pero yo he aprendido que ni siquiera puedo sangrar con elegancia mi sangre envenenada de fracaso".

En el 2010 volvieron con My Father Will Guide Me Up A Rope To The Sky. Su último disco de más de dos horas, The Seer (2012), con una canción base que dura media horita.

La crítica siempre la han tenido a su favor y también a multitud de fans devotos, pero nunca han sido ídolos de masas. Tal vez debido a que su música duele y a que nunca se han vendido a las discográficas (prácticamente cada disco lo han sacado con una diferente). Y es que no todos los cisnes tienen por qué ser blancos.

El Barón vuela sobre Inglaterra; Barón Rojo y su Volumen Brutal.

2012-09-01T14:31:00.000+02:00

"Próxima estación R&R. Correspondencia con HeavyMetal"

"Suelo concebir, el Satánico Plan, de tocar mi guitarra, a un VOLUMEN BRUTAL". Ya sabemos todos que en el bus no somos muy seguidores del mundo del metal, pero... hay discos que se han abierto camino desde hace años a la hora de decir "siempre está ahí". Eso es lo que nos pasa con el segundo disco de los Baron Rojo -la banda líder del Rock en su vertiente más dura en España- lanzado en 1982. Uno de esos "discos míticos" que son BSO de una época y una filosofía de vida. Porque... esa sería la primera reflexión acerca del disco. Lanzado a comienzos de los '80, en España -y más en concreto en Madrid- florecia la llamada "Movida". Un curioso conjunto de grupos musicalmente no muy sólidos y con mensajes y estética, rompedoras pero... por lo petardo e insustancial. Como el propio Sherpa -bajista y cantante de Baron- ha comentado en varias entrevistas no es difícil entender que a los Baron se les dejara completamente de lado por parte del mass-media oficial; mientras los grupos de la Movida alentaban un cambio juvenil presuntamente radical, pero que no afectaba más que al campo de las costumbres de ocio o en materia de relaciones, grupos de rock urbano como Barón seguían apuntando sus balas certeras a la denuncia del sistema en su totalidad, defendiendo el estilo de vida rockero como un puñetazo en la cara del poder. Estaba claro que la España de aquel momento estaba cambiando, pero cualquiera que deseara llevar los cambios más allá de poder ponerse peluca y cantar "chúpamela" quedaría fuera del pacto. Así las cosas, los Barón no terminaron de casarse con nadie; rabiosos, brutales, independientes... etiquetas que aplicamos también a su música porque... si bien es cierto que siempre se les ha metido en esa cada vez más amplia etiqueta llamada heavy, los Baron Rojo suenan muy, pero que muy Rock&Roll. Rápido, alto, duro, contundente pero... Rock&Roll al fin y al cabo. Pero... mejor que nos lo cuente el grupo de los hermanos Castro -este, no los de verde oliva- con sus propias palabras...

¡FIST FUCKING ORGY!

"No te dejes atrapar..." Pues ahí lo tenemos: un sincero homenaje con grititos heavys y demás elementos del género pero... a Hendrix, Allman, Janis... las raíces de un rock que evolucionó con grupos como Rainbow -el que muchos ponen como genios del HardRock incluso por delante de Deep Purple-. Y todo ello mezclado con proclamas a ir por libre y vivir sobre la ola del Rock&Roll. Puro Barón Rojo vamos... Y claro, tan diferente sonaba esto a lo que se estaba haciendo en la España del momento -dominada principalmente por una oleada de pop de la Movida- que la banda prefirió irse para lo que para su estilo es la meca musical. El Reino Unido. Porque sí, este disco está grabado en Londres -aún se recuerda cómo llenaron hasta la bandera el mítico Marquee- ¡en dos versiones! Por un lado tenemos el disco que os estamos reseñando, la edición española, pero por otro salió la version con las canciones en inglés. Como anécdota os contaremos que en la traducción de las letras y la entonación de las mismas estuvo presente el mismísimo Bruce Dickinson, cantante de Iron Maiden, el cual apoyó a la banda en su andadura londinense. Bruce no se equivocaba: el disco llegó a vender dos millones de copias y a ser un éxito en toda Europa. Asi de claro. Para ello quizá también interviniera la habilidad de Mariskal Romero, el que por entonces ya se había hecho una especie de representante y relaciones públicas de la banda. Curiosamente, la falta de conocimientos de producción de Mariskal fue, según los propios Barón, todo un revulsivo para el disco. Los dejó completamente libres en el estudio -el cual por cierto era propiedad de Ian Gillan, vocalista de los Deep Purple- para crear un disco sincero, rápido, con una excelente y limpia grabación pero -afortunadamente- sin una excesiva producción que lo pudiera arruinar. Dicho esto... vamos a deciros que, aunque la canción más conocida del disco es la mítica "Los rockeros van al infierno", el éxito que llegó a ser single europeo es la tremenda resistiré. Atención que os la ponemos en la versión inglesa; no se defiende nada mal Jose Luis Campuzano "Sherpa" con la lengua de los ingleses ¡Vamos con ella! ¡Re! ¡sis! ¡ten! ¡cia! ¡Re! ¡sis! ¡ten! ¡cia! ¡Re! ¡sis! ¡ten! ¡cia!

Pero... ya está bien de leer. Sube los altavoces, destapa la litrona y haz lo propio con este disco que incorpora estribillos pensados para desgañítarlos a coro en cualquier bareto. Dale volumen brutal al tema y no te dejes atrapar. "Ya comprendí la situación, hermano soy del R&R"

"Quizás te podrías haber ahorcado."

2012-08-22T14:08:00.001+02:00

The Stranglers es una banda que comenzó teniendo un sonido garagero, luego pasó por el punk (son considerados precursores del género) y posteriormente al New Wave, al pop con sintetizadores o lo que pillaran. Su historia comenzó en 1974 en Inglaterra.

En 1976 telonearon a gente como Patti Smith o los Ramones y se metieron de lleno en el punk, eso sí, éstos sabían tocar mucho mejor que la mayoría de grupos que se crearon en esos años. Fueron consiguiendo poco a poco éxito, sobre todo gracias a sus rotundos directos con camisetas provocativas, insultos al público, y sobre todo por las bailarinas que tenían...llevaban los pechos al aire...Su primer disco Rattus Norvegicus (1977) contiene buenos ritmos y letras que van desde la comedia a lo sexual, aunque a veces el sexo también produce risa.

Siguieron grabando discos a pesar de problemas judiciales y detenciones varias por posesión de drogas y escándalos públicos o privados. En el disco de 1979 The Raven se nota ya un giro hacia sonidos más pop. Y en el siguiente, Le folie (1981) le empiezan a coger gusto a los sintetizadores, al New Wave y a la experimentación con diferentes sonidos y ambientes.

Han tenido una carrera muy digna y siguen en esto de la música, su último disco Giants recupera el sonido que hacían por los 70, su mejor época. "Cuando te levantas por la mañana piensas que quizás te podrías haber ahorcado, pero ahí estás una vez más." La portada del disco, de muy buen gusto en nuestra opinión.

Rosa Parks se sienta y escucha lo que quiere: ODETTA.

2012-07-30T16:05:00.000+02:00

A su bola. "Que sabe nadieeee..."

"Lo que hice, ya estaba escrito en las canciones de Odetta". Si hubo un tiempo en el siglo XX en el que la música fue el canal de muchas más cosas que mover el bullarenge... esas fueron las décadas -y aún hay mucho por lo que seguir luchando- de la lucha por los derechos civiles de la población afroamericana en los EE.UU. Y así lo significa el testimonio que antes os hemos citado; una de las frases que Rosa Parks -la mítica mujer que con su gesto de no sentarse en el espacio para negros del bus urbano encendió la mecha de la lucha por la dignidad en 1955- pronunció en una entrevista sobre su hazaña. La música negra siempre ha estado unida a la vivencia, al día a día de los perseguidos y oprimidos de medio mundo y en ese sentido Odetta es todo un referente en el género. Por las letras -reivindicativas y conectadas con el sentido de la lucha política- y por la música. Sí, porque si bien es cierto que fueron el Soul y el Funk los que incendiaron las calles proclamando el "Black Power", el Folk también tuvo un papel señalado -especialmente en los años '50 y '60- en todo aquello. Y un Folk... que no era exáctamente Blues. Hablamos del arquetipo de esa canción protesta, de voz grave, serena, con una sola persona enfrentada al mundo con la única ayuda de una guitarra acústica. Ese tipo de Folk -tan americano y tan de los '60, del cual acabarían siendo iconos tipos como Dylan antes de electrificarse- está muy unido a la tradición mucical blanca, especialmente con Woody Guthrie o Pete Seeger. Sin embargo también era practicado por la población afroamericana; y así como coincidieron sus mensajes de protesta, coincidieron sus músicas para sentar las bases del Folk norteamericano. Para muestra aquí os traemos a Odetta versionando el mítico Pastures of Plenty de Guthrie.

"No, si ya verás como tengo el gas abierto".

Quizá influyera su crianza en Los Ángeles a la hora de que Odetta no fuera, directamente y de una forma muy marcada, una cantante de Blues para sí convertirse en un referente del Folk que posteriormente tanto gustaría a los chicos blancos de la Costa Este. Las esencias sí las tenía, pues nació en 1930 en tierras de Alabama, pero... tras la muerte del padre y en plena Gran Depresión emigró con la madre a California. Allí tuvo oportunidad de estudiar música en un sentido académico, pero... la llamada de lo salvaje fue demasiado fuerte en cuanto la joven Odetta escuchó sus primeros discos de Blues y Jazz... En ese momento escoge ser la solita comprometida que puso banda sonora a los primeros pasos del movimiento afroamericano. Se convirtió en un referente para muchos, y uno de esos muchos se llamaba Bob Dylan. Dylan tuvo a Odetta como una de sus primeras piedras fundacionales, y Odetta se lo devolvió con un maravilloso disco en el que versionó canciones de Bob. Esta seguro que os sonará...

"Venid gente , reuníos,
dondequiera que estéis y admitid que las aguas
han crecido a vuestro alrededor
y aceptad que pronto
estaréis calados hasta los huesos". Tomemos nota de ello...

Pasaron los años y sus canciones se convirtieron en himnos, su figura en un icono de la nueva América que venía rugiendo libertad desde abajo y, poco a poco, en todo un símbolo de la nación. En tiempos de Clinton se la condecoró con la medalla al Mérito en las Artes y, aunque su voz iba a sonar esperanzadora en la ceremonia de investidura del primer presidente afroamericano del país... ésta se apagó en 2008 pocos días antes del acto. No obstante, todo comenzó cuando aquella mujer se sentón donde quiso en un bus animada por las canciones de Odetta. Quizá aquella ceremonia nunca habría sido posible sin esta voz...

"Nadie le toca los huevos a Jesús"; Hotel California de "The Eagles".

2012-07-20T00:32:00.002+02:00

Mucho country, pero aquí lo que lo peta es el mar.

"Nadie le toca los huevos a Jesús". Quizá no te esperases esa frase en una entrada sobre el mítico disco de The Eagles "Hotel California", pero... la senda de la cultura contemporánea es así, llena de paradas y recovecos... así que hasta que te expliquemos qué pinta esa frase ahí te vamos a tocar un poco los huevos, aunque te llames Jesús. En el autobús, somos así de cabrones.

Corría 1971 y los últimos restos que podían quedar del "verano del amor" ya estaban más que extintos. En París las calles volvían a tener desde hacía tres años los adoquines puestos, en Praga los tanques ya habían entrado a sangre y fuego y, claro está, los hippies de California estaban de regreso a casa para dormir la mona y los excesos del LSD. De camino alguno necesitó un hotel y de ahí el disco... Bueno, en realidad todo es algo más complejo. Lo cierto es que el desfase musical y contracultural de finales de los '60 desgastó enormemente al BluesRock, la Psicodelia e incluso a algunos géneros que bebían directamente de la tradición del folk blanco de los EE.UU. Los '70 nacían con una reinvención del Rock, apareciendo de nuevo las viejas influencias del country. Que si, que vale, que eso sólo fue en algunos casos... pero esto es la entrada de un disco, no la Enciclopedia Británica. Por cierto, desde aquí un saludo al Duque de Edimburgo; tu ejemplo de vivir a cuerpo de rey a costa de tu mujer alumbra nuestras vidas a la hora de buscar emparejamiento. Pero volvamos... a finales de los '60 el Rock sí había motrado acercamientos al country. Para muestra ahí tenemos a conjuntos como Poco o, sobretodo para nuestro gusto, The Fliying Burrito Brothers con el genial Gram Parsons a la cabeza. El "olor a vaca" ya existía en grupos que habían reinterpretado el country a través del Rock, adaptándolo a veces incluso al lenguaje de la contracultura. Pero... en fin, había que dejar paso a otros grupos que dieran solución de continuidad a ese rollo en los '70, y ahí tenemos a "The Eagles". Un grupo que con un sonido melódico y suave... rockero y country... adaptando el lenguaje de un cantautor americano al formato de una banda... consigió un éxito de crítica y ventas sin igual, con dos de sus discos -entre ellos este "Hotel California"- entre los 20 más vendidos en la historia de los EE.UU. Ahí es ná. Y es que... cómo no se va a vender un disco que comienza con la mitica canción que da nombre al disco -la cual no te vamos a pinchar porque está más pinchada que unos condones caducados- y que sigue con esta "New kid in town".

The Eagles pastoreando a las ovejas.

"Hay un chavalito nuevo en la ciudad". Ale, ya tienes otra cosa más que buscar en el youtube. ¿Pista? Es un personaje que vive en Móstoles. Melodía, perfecta composición, una grabación y producción de primeras... en fin, estaba llamado al éxito cuando en 1976 la Warner sacaba al mercado el disco. Una pequeña joya en la que The Eagles no sólo bucearon con calma por la sonoridad del Country y el Rock: también lo hicieron por el particular microcosmos social de esa música. Y es que... estilos tan propios de la "americana music" es difícil encontrar, así que son los perfectos para hablar del propio país. En ese sentido, y sin llegar a ser un álbum conceptual, The Eagles tomaron California como un territorio desde el cual tomar el pulso al país, creando un álbum que refleja esa visión tan americana de su "destino manifiesto" y sus historias de personajes solitarios y héroes venidos a menos. Vamos, lo que se dice un compendio de cultura americana en los tres cuartos de hora que dura el disco. Sobre la producción no hay que dar muchas pistas a la hora de argumentar lo cuidada que está; con escuchar este Wasted Time -que seguro hace las delicias del megalómano en las orquestaciones Phill Spector- ya está todo dicho. Por cierto, escuchad vosotros "Wasted Time -Reprise", una auténtica pasada.

Pero... hay una cosa que a los seguidores de The Eagles les puede... Joe Walsh. Efectivamente, el mítico guitarrista de la banda que se incorporó justo para la grabación de este álbum. Y ahí lo tenemos marcándose un ejercicio de eléctrica de primer nivel con uno de los primeros cortes del álbum, este "Life in the fast lane". Una pista con la que el disco eleva el ritmo y pide aumentar un poco el volumen de los altavoces. ¡Vamos con ella cowboy! Por cierto, piensa que la diversión a veces se vuelve en algo jodido... Hotel California es la metáfora que The Eagles usaron para hablar de los castillos de arena que la gente se monta cuando se pone hasta el trasero de drogas duras... Ya sabéis que los '70 con estos temas fueron muy duros en el Rock...

Bueno, un discazo y bla bla bla... así que vamos a lo que estamos deseando. El mayor legado de este disco. Sí, como algún avezado habrá adivinado desde la primera línea de esta crónica... el mayor legado de este disco ha sido... la versión que los "Gipsy Kings" se marcaron del tema pricipal del álbum, y, más concreto, el uso que de ese tema hicieron los hermanos Coen en "El gran Lebowsky". ¡¡¡Nobody fuck Jesus!!!

PD: sí, lo del chavalito nuevo en la ciudad es de El Loco de las Coles, Sr. Ignatius Farray.

Los sureños van a NYC: The Allman Brothers y su directo en el Fillmore.

2012-07-09T15:46:00.001+02:00

Los Allman antes de empezar la botellona.

La mejor recompensa que le puedes dar a una panda de sureños enfundados en vaqueros tras apilar todo su material de trabajo es... una latita de cerveza fría. Y con esa pose relajada que les daba la labor bien hecha posaron para la portada de su primer álbum en directo The Allman Brothers. Una de las bandas más míticas del panorama del Rock -y que junto a Lynard Skynard tiene el crédito de ser la referencia del SouthernRock- se encerraba en su terreno natural -el directo- para parir una de los mejores álbumes en vivo de la historia, y, desdeluego, una de las cumbres del rock de los setenta. Y lo de terreno natural no lo decimos porque sí; la banda era, como buen conjunto de auténticos virtuosos, una verdadera maravilla en las improvisaciones. A los alardes técnicos de cada uno de sus miembros -especialmente visibles las seis cuerdas de Duanne- se le suma un sonido compactado como pocos, en la que todos los músicos se unen instintivamente, siguiendo los unos a los otros a la hora de crear una suerte de "unidos en la pluralidad", uno de los lemas favoritos de la nación cuya música defienden como pocos estos iconos del sonido americano. Sí, auténtico sonido americano que en este directo alcanza cimas enciclopédicas; sobre una base de country-rock el directo va con un sentido de la improvisación muy propio del Jazz hacia unos punteos muy Blues. Vamos, son unos auténticos genios. Y cuando se unían en el escenario hacían unos directos impresionantes en los que todo cuadraba a la perfección. Escuchar un directo de esta banda es, sin temor a ser pretenciosos en la calificación, escuchar toda una enciclopedia de la "americana music". Y si no... para muestra una de las pistas del disco. Empezamos con "you don't love me"; una sola pista en la que se enlazan varias canciones sin tregua posible. Bestial, os deamos con sus 19 minutos.

1971 fue el año escogido para la grabación del disco. La banda, que venía grabando desde 1969 iba al ritmo de un disco por año, decidiendo que su tercer disco sería esta maravilla en directo; explotando comercialmente así el enorme potencial que demostraban tener en sus directos, con lo que marcaban la diferencia respecto a unos discos de estudio estupendos, pero con cortes más adpatados a la duración de emisiones de programas radiofónicos en los que no podían dejar rienda suelta al "jamming" que tan famosos los ha hecho. Tras el lanzamiento del disco todo parecía ir sobre ruedas en el viaje de la banda: arrancábamos los '70 y el Rock dejaba atrás aquella experimentación psicodélica propia del "verano del amor" para ir hacia terrenos donde los sonidos del rock Sureño comenzaban a pegar con fuerza. Y justo en esa encrucijada estaban los Allman. Por otra parte el éxito del doble álbum fue rotundo, lo que dio a la banda una enorme seguridad financiera que, entre otras cosas, les permitió vivir todos juntos con sus familias en lo que se conoció como la "comuna de los Allman Brothers", cultivando allí la vida campestre tan unida a sus raíces sureñas. Sin embargo... cuando todo va sobre ruedas no queda más que descarrilar. 1971 también fue el año de la tragedia con la muerte de Duanne Allman a lomos de su Harley Davision en un trayecto corto y absurdo, comenzando así una de las leyendas negras del grupo, ya que pocos meses después -y a escasos metros de donde ocurrió este accidente- también murió en moto el bajista. Leyendas y conjeturas de "la nave del misterio" aparte, lo cierto es que la muerte de Duanne fue un terrible golpe: él había sido el responsable de la definición musical del grupo, y sin él éste quedaba bastante huérfano. Por fortuna pudieron salir adelante y sacar maravillas como el que sería su 5º disco, el genial Brothers and Sisters. Sea como fuere, esta muerte ha dado al álbum el carácter mítico de ser la última grabación de The Allman Brothers con Duanne haciendo de las suyas en la guitarra. No puede haber mejor homenaje que escucharlas... (en un corte con sonidos muy pero que muy jazzisticos)

Una vez más, el mítico local de NYC Fillmore East era el marco ideal para la grabación de uno de los discos esenciales en la historia del Rock en concreto, y de la música americana en general. Si en tu vida tienes un rato no puedes dejar de pasar la oportunidad de meter este disco a toda pastilla en tus altavoces, digan los vecinos lo que digan. Rock, Blues, Jazz... todo se mezcla aquí en una improvisaciones que no parecen tener fin para consolidar uno de los mejores discos de la historia. Mítico y esencial.

PD: os lo dejamos a continuación entero en edición remasterizada.