style is an attitude ...

10 vestidos Made in Spain para la gala de los Goya

2012-02-10T23:56:00.000+01:00

Jorge Acuña

Alvarno

Roberto Verino

Nihil Obstat (Foto: nihilobstat)

Duyos

Yono Taola (Foto: elfashionista)

Angel Schlesser

David del Río

Teresa Helbig

Martin Lamothe

y... este magnífico abrigo largo, azul pavo real de satén, de Jesús del Pozo

Jesús del Pozo

Estética En y Off Ifema

2012-02-07T21:55:00.004+01:00

Alvarno, Off MMFW en la embajada francesa; Schlesser en Ifema

Para añadir mayor dificultad aún a la compleja nomenclatura de nuestras semanas de la moda: pasarela Cibeles, después Madrid Cibeles Fashion Week y ahora Mercedes Benz Fashion Week Madrid, (en siglas mejor no intentarlo), desde hace unas temporadas se habla también de Off. Con la última actualización del dichoso nombre ahora diríamos Off Mercedes Benz Fashion Week Madrid. Para simplificarlo, como se celebra en el recinto ferial de Ifema, hablaremos de Ifema y de Off Ifema. Más fácil.

La dificultad, ¿es un simple asunto de nomenclatura?

Ciertamente, lo de Off no suena del todo bien. La primera vez que recibí una invitación de un Off, me acordé enseguida de aquella época de “los disidentes de Cibeles”. Suena a división, o no… No tendría que ser una excepción que cada diseñador eligiera su sitio para desfilar. Es cierto que lo de tener un lugar común es más fácil de cara a disminuir costes y también, y sobre todo, de cara a conseguir ayudas que los financien. En ese sentido hay que valorar mucho, sobre todo ahora mismo, que haya quien se atreva a ir por libre o a hacerlo sólo con alguien más.

Pero, compartir estética y entorno con otras muchas marcas, ¿beneficia a la propia imagen, o… la masifica un poco, y tiende a equiparar las colecciones mejores y peores?

Le pregunté a un diseñador de la onda Off por qué no desfila en Ifema, y su respuesta fue inmediata: “Creo que un desfile de moda tiene que trasladar ese ambiente de exclusividad, hoy más que nunca, para diferenciarse; en Ifema, compartiendo además el mismo ambiente con otra larga lista de diseñadores, creo que eso se pierde”.

El asunto es sin duda, opinable, pero también algo más que simple cuestión de gustos. Claro que, desfilar Off, no asegura todo eso que este diseñador decía. Influyen también factores como el lugar elegido o el equipo que se encarga de la puesta en escena. Pero sí evita al menos ese efecto de cierta masificación que se respira en la entrada del pabellón de Ifema, repleto de stands de revistas y de marcas de maquillaje, que hay que atravesar hasta acceder al desfile que se va a ver.

Lo mejor en estos casos es ver las fotos de los desfiles y sacar las correspondientes conclusiones personales. Los detalles: el público cerca o no de las modelos que desfilan, el suelo por el que ellas caminan, la iluminación, todo contribuye a trasladar el concepto de cada colección. En la foto que encabeza el post y a continuación, algunas escenas congeladas de los desfiles que se celebraron la semana pasada en Madrid, para pensar sobre si eso que los sajones llaman “atmosphere”, nosotros, “el fondo”, importa o no. De lo que no hay duda es de que además de la ropa, el modo de enseñarla, el escenario, es un aspecto clave. En esto de la moda, donde todo es estética, y donde las sensaciones mandan, un desfile puede ayudar a mejorar la imagen de marca o… no. Y eso, independientemente de que la colección haya sido mejor o peor.

Nihil Obstat en el Westin Palace; María Barros en Ifema

Juanjo Oliva en Ifema; Jorge Acuña en el Museo del Traje

Juan Vidal en la sede del Ballet Nacional; Miguel Palacio en Ifema

Tampoco es verdad que para conseguir ese efecto más personal sea necesario desfilar en un hotel de lujo o en el salón de una embajada, porque puede que esa estética no tenga nada que ver con el concepto de la ropa que se enseña. Tampoco que haya que imitar los escenarios teatrales de Lagerfeld. Una nota de color, un lugar blanco pero muy iluminado, forrar la pasarela con papel o algunas flores pueden ser modos de diferenciarse, aunque es verdad, que compartiendo el mismo lugar esta personalización es prácticamente imposible.

Jil Sander, Spring-Summer2012

Chloé, Spring-Summer 2012

Fendi, Spring-Summer 2012

Givenchy, Autum-Winter 2011

En cualquier caso, quizás hace unos años el modelo planteado en Ifema fuera el más idóneo, pero a la fórmula también le ha afectado la moda. Que haya quien está planteando escenarios diferentes, y desde hace varias temporadas, ha convertido al modelo "oficial" en algo "demasiado visto". Sensaciones intrínsecamente ligadas a lo que es la moda, que se alimenta del eterno lema de "renovarse o morir".

**Fotos de las marcas nacionales: Hola.com, Nihil Obstat
**Fotos marcas extranjeras: style.com

Nihil Obstat y Yono Taola. Una cita ineludible

2012-02-02T23:57:00.001+01:00

Yono Taola flanqueado por el dúo Nihil Obstat

La cita era en el Westin Palace, el lunes a las 18.30, y no era una cita cualquiera. Era el debut en pasarela de Yono Taola y Nihil Obstat. Un debut que prometía, y que ciertamente no defraudó.

En primer lugar por la puesta en escena: la sala elegida del hotel Palace, no demasiado grande, transmitía ese ambiente de no masificación, de evento no hecho en modo corta y pega, un concepto importante en el mundo de la moda. Las modelos entraban por una puerta y caminaban sin correr por una alfombra colocada a la misma altura que las sillas de los invitados para marcharse por otra. Con su paso transmitían ese ambiente que debía de respirarse cuando allí mismo se celebraban en los cincuenta, otros importantes desfiles de moda.

En segundo lugar, no defraudó por lo que se vió.

Yono Taola presentó blusas y faldas con trabajadísimas piezas que se entrecruzaban y que trasladaban el efecto óptico de puzzles geométricos, y unos vestidos con cuerpos voluminosos que parecían flores aplicadas. Fabulosos para las que en próximas alfombras rojas quieran desmarcarse de los palabra de honor y las lentejuelas.

Foto: El fashionista

Foto: el fashionista

Nihil Obstat presentó su colección “tipismo”, un guiño, una especie de homenaje a la iconografía española, pero sin caer en lo típico. Algo que no es fácil. Por eso, las pinceladas de lo español eran muy medidas, y el efecto resultante equilibradísimo. Hubo por supuesto encaje negro y madroños, pero en pequeñas dosis. Hubo chalecos y pantalones de talle alto para no olvidarse de los chulapos madrileños y hubo volantes en los vestidos largos, pero sólo haciendo de zócalo.

Y también hubo, fue un momento fabuloso cuando apareció, una estupenda capa hecha a partir de una manta zamorana. Una capa de impacto con detalles de costura. Esos en lo que el dúo Nihil Obstat es único. Esta vez, idearon unos nervios magistralmente trabajados en la espalda para dar forma a la manta original. El resultado: una capa de alta costura que ha llegado oportunísima para combatir el frío siberiano que nos visita.

La verdad es que hay similitudes preciosas entre la colección de Nihil Obstat y la estética de los cuadros costumbristas que pintó Goya. Y cuando pensamos en eso, es casi inevitable relacionar lo goyesco con los encajes, los lazos, los madroños y con el mundo taurino. Iconos que ya existían antes que Goya y que él supo reconocer como valores propios de la cultura española. Por eso decidió retratarlos y hoy siguen inspirando a muchos diseñadores de moda, y también a Nihil Obstat. Sin embargo esta vez, el dúo ha querido diversificar esa estética y se ha fijado en Zamora y en su manta típica. En realidad, Goya también diversificaba. Probablemente fueran zamoranas también, las mantas que eligió para proteger a sus personajes de La Nevada en aquella gélida escena.

La nevada. Goya, 1786.

Para terminar el post, nada mejor que un vídeo del desfile. Mucho más ilustrativo que todas las palabras para quedarse con su nombre: Nihil Obstat. Ellos son de Ávila y de Las Palmas, y son ya un referente de la moda española.

**Fotos de Nihil Obstat de Oscar Maceda. Cortesía de Nihil Obstat.

¿La alta costura está demodé?

2012-01-26T23:31:00.004+01:00

Valentino Spring HC 2012

Hay quien dice, escribe, comenta que los desfiles de alta costura que se están celebrando estos días en París no están enseñando nada nuevo, nada moderno, nada realmente shocking. El comentario tampoco es demasiado novedoso. En los sesenta ya estaba de moda entre los que iban de avant-garde en esto de los asuntos fashion, criticar magníficas colecciones de alta costura porque eran eso, old fashion. Paradógicamente ahora hacemos cola en los principales museos para ver aquellas denostadas colecciones. Pero entonces, ¿el futuro de la alta costura es un museo? Los diseñadores de moda, y especialmente los que trabajan en el mundo de la alta costura, tienen de fondo un algo de artistas. Artistas en el sentido genuino de que son capaces de crear vestidos únicos. Desde ese punto de vista, supongo que no les desagradará en exceso ver sus creaciones en un museo, es un reconocimiento a su trabajo. Pero probablemente y si les dieran a elegir, la mayoría preferirían tener la certeza de que sus diseños iban a venderse. Y hoy en día ¿quién compra estos trajes de alta costura? Entre los nuevos compradores asiáticos y rusos, y los tradicionales de los países árabes, más las galas del mundo del cine y alguna boda importante, la alta costura sobrevive a la amenaza permanente de catástrofe. Y adicionalmente, las casas de moda que hacen estas colecciones, saben que hacerlo les da prestigio y que es una excelente herramienta publicitaria para situarlas en el nivel más alto del mercado de lujo.

Pero desde el punto de vista estético, ¿es verdad que la alta costura no innova o que se queda anticuada? Generalizar es injusto y siempre hay colecciones mejores que otras. De lo que no hay duda es de que la alta costura cumple una función importante: que podamos ver tejidos y detalles intensivos en mano de obra a los no estamos acostumbrados. Los bordados, los encajes, los nervios de la parte frontal de una falda, los estampados y colores espectaculares, los mil detalles, son precisamente los asuntos propios de la alta costura. En ese sentido, pone el listón de la moda en el capítulo de la exquisitez, un aspecto que ha interesado a la moda desde que es moda. Visualmente, es otra cosa. Que desde nuestra cultura visual, veamos o no demodé hoy una determinada colección es una cuestión de gusto personal. De las colecciones que ya hemos visto, habrá a quien le encante la de Versace, de vuelta después de unos años ausente, o la de Armani. Colecciones de alta costura que son una sublimación o unos peldaños arriba respecto a lo que son sus colecciones pret a porter, al fin y al cabo, un trabajo que enfatiza su estilo. En esa línea ha estado también, la colección azul de Chanel. Para aprender sobre este color y sus tonalidades hay dos opciones: mirar el mar con frecuencia o este desfile all in blue de Chanel.

Chanel Spring HC 2012

Y si hablamos de arte, artesanía, habilidad, mano de obra, gente maga que hace cosas increíbles, o como se quiera llamar a tener ese don, de momento, las colecciones de Valentino, Elie Saab y Giambaptista Valli, lideran al resto. Los encajes y nervios en Valentino, las pedrerías de Elie Saab y los tejidos bordados con flores en relieve de Valli, son un curso acelerado de todo ese mundo visual que nos es ajeno a la gran mayoría.

Giambattista Valli Spring HC 2012; Elie Saab Spring HC 2012

Capítulo aparte merece la colección de Givenchy. Ricardo Tisci, fiel a su estética de lo oscuro, ha presentado una colección, que aunque pequeña, como acostumbra, es toda una declaración de intenciones en defensa de la moda como arte. Para los escépticos, fijarse en su chaqueta ultra trabajada en piel de cocodrilo. Y tampoco ha podido dejar indiferente a los buscadores de “lo nuevo”. Por eso, su colección creará tendencia, será copiada y con el tiempo llegará también a los museos.

Givenchy Spring HC 2012

Humor e ironía en la semana de la moda masculina

2012-01-18T23:06:00.001+01:00

Moncler Gamme Bleu MensWear Fall 2012; desfile de Balenciaga

Moncler Gamme Bleu MensWear Fall 2012

El humor siempre tiene enorme atractivo, los hombres lo saben bien y la moda también. En esta semana del MensWear que se está celebrando en Milán, algunos diseñadores han decidido que la mejor puesta en escena es la del humor inteligente. Thom Browne para Moncler presentó su colección inspirada en la Fórmula 1 y decidió para la ocasión que todos los modelos que desfilaban portarían un número. Al estilo de los desfiles de alta costura más serios de la historia de la moda, el habitual en muchos que se celebraban en el período anterior a la II Guerra Mundial, y al que después, alguno como Balenciaga, continuó siendo fiel. La nota más graciosa de la puesta en escena de Moncler: un tipo al fondo, vestido en el mismo estilo Moncler_Fernando Alonso, con casco incluido, que iba describiendo todos y cada uno de los modelos delante de un micrófono: "modelo apto para ir al Polo Norte", "modelo perfecto para casarse". Lógicamente, risas entre el auditorio.

La otra nota de ironía la ha puesto Miuccia Prada. En medio de un decorado al más puro estilo Kremlin, con una alfombra roja de impacto que hablaba de demasiado poder para nada bueno, desfilaban hombres muy serios de todas la edades vestidos en un estilo que recordaba al Soviet Supremo.

Prada MensWear Fall 2012

Un ambiente demasiado inquietante que se destensó cuando finalmente salieron a pasear por la poderosa alfombra roja Adrien Brody, Willen Dafoe, Emile Hirsch y un talludito Tim Roth, vestidos en la misma onda moscovita. En el fondo, una crítica de Miuccia Prada al exceso de poder y de rigidez que crea distancias insalvables, y una sobresaliente forma de hacerlo desde la ironía y el humor.

Adrien Brody y Tim Roth en el desfile de Prada

**Todas las fotos de los desfiles de Moncler y Prada de style.com

Chloé Pre-Fall 2012: standing in the corner

2012-01-15T00:20:00.001+01:00

Chloé Pre-Fall 2012; Duchess of Windsor, Irving Penn, 1948.

Ejercicio de agudeza visual:

¿qué tienen en común las fotografías que Chloé ha elegido para mostrar su última colección y las que Irving Penn hizo a una serie de personajes en 1948 para Vogue?

Chloé Pre-Fall 2012; Spencer Tracy, Irving Penn, 1948.

Después de enseñar su última colección Resort al estilo de The Sartorialist, ahora Chloé ha decidido rescatar la estética Penn, para mostrar la segunda colección de Claire Waight Keller para la firma. El fotógrafo decidió utilizar un corner gris y colocar allí a sus personajes para aislarlos y conseguir que cada uno de ellos fueran eso, ellos, y nada más. Unas fotos en las que quedó para la posteridad toda la psicología de Spencer Tracy delante de la cámara, la aplastante seguridad de Duchamp, la elegancia indiscutible de la duquesa de Windsor a pesar de la sobriedad de su indumentaria en la foto, la altivez de Marlene Dietrich acorralada en la esquina, y tantas otras lecturas que se desprenden de esta gran serie de Irving Penn.

Chloé Pre-Fall 2012; Marcel Duchamp, Irving Penn, 1948

Chloé Pre-Fall 2012, Marlene Dietrich, Irving Penn, 1948.

El corner es sin duda también inspirador para retratar moda. Chloé ha jugado para la ocasión con dos modelos bastante distintas, una de imagen más sofisticada que la otra, para llegar a ese amplio segmento de admiradoras de Chloé: las amantes del naive sin pasarse y las que buscan piezas más bien clásicas y especiales. Para contentar a las primeras, looks con calcetines, botines acharolados y zapatos retro y para las segundas, vestidos y chaquetones de patrón trabajado. Esos chaquetones que hay que mostrar de perfil, porque es donde se percibe la diferencia.

Una buena colección de Claire Waight Keller , muy bien mostrada al elegantísimo estilo de Penn, para entender que Chloé sigue siendo Chloé a pesar de los cambios.

Chloé Pre-Fall 2012

** Todas las fotos de la colección de Chloé de style.com

Pedro Lourenço

2012-01-11T22:56:00.000+01:00

Brasileño, hijo de dos de los diseñadores más relevantes de la moda de su país, Glória Coelho y Reinaldo Lourenço, este chico tuvo su propia empresa de moda con diecisiete años; después de pasar por París para estudiar arte y francés, presentó su primera colección pret a porter hace un par de años. Su colección Pre-Fall, que ha presentado esta misma semana en Nueva York, sigue la tendencia de la banda negra, de la que ya hemos hablado en el blog, del look neopreno, y como hizo Dries Van Noten en su colección primavera verano 2012 y acaba de hacer también Ghesquiere, ha añadido tejidos serigrafiados. Esos que por el uso de imágenes fotográficas, consiguen trasladar ese aura de conexión con el mundo de las vanguardias, y por tanto esa lectura de que quien los utiliza ahora mismo está innovando y va algo por delante.

Un chico al que sin duda, habrá que seguir la pista.

Dries Van Noten, Spring RTW 2012; Balenciaga Pre-Fall 2012

**Photos: style.com

Mejorando las ventas online de 2012

2012-01-08T21:25:00.000+01:00

At London sales (1908)

Después de las compras navideñas y de la obligada incursión en las rebajas, algunas reflexiones que me gustaría compartir en el blog de hoy sobre las compras on line de ropa. Todas en la línea de lo mismo: a veces es una ardua y difícil tarea comprar algunas marcas de moda española (que no sea made by Inditex, se entiende) desde la web. Si a las puertas de 2011 pensaba que el mundo www era una gran oportunidad para nuestra moda, y que por eso era esencial empezar por tener una web, después de un año, a pesar de que muchas marcas han hecho un gran esfuerzo y ya son visibles on line, falta mejorar algunas cosas para que la gente compre y sobre todo, repita. Las ideas no son conclusiones fruto de una ardua investigación, sino simples sensaciones de consumidora que pretenden ser algo así como una crítica constructiva desde el lado del cliente. Además de las sugerencias obvias de mejoras en la línea de la estética de la web, y que es esencial que las fotos sean de gran calidad para discernir bien todos los detalles de la prenda: color, estampado, cortes, etc... agrupo las posibles mejoras en 5 bloques:

Mejora 1: Tomar la decisión de vender on-line.

Después de haber diseñado una web fantástica, alguna marca, desde mi punto de vista, con gran potencial comercial, porque tiene clientas a las que podría llegar, por ejemplo, servidora, no venden aún on-line. Algunas de sus piezas, porque es como digo una marca con potencial, pueden encontrarse en tiendas multimarca como yoox, pero han volado, y es misión imposible encontrar nada más sin desplazarse físicamente a sus tiendas. En mi caso, la más cercana a 80 km. Moraleja: no me queda más remedio que olvidarme de lo que quería comprar. Quiero, pero no puedo. Y no habré sido la única. Una forma de perder clientes que se irán a otras marcas de estilo similar. Es decir, una forma de regalar clientes a la competencia.

Mejora 2: Que la tienda on-line funcione.

De los cientos de e-mails invitándome a las rebajas “exclusivas” de tiendas y outlets on line, una, española, que por fin decidió poner las rebajas al mismo tiempo que los net a porter, los asos y cia. es decir, bastante antes de la Navidad. Momento de alegría para pinchar, y oh sorpresa!, el link de las rebajas no se abre. Lo normal en un momento como ese es achacar la responsabilidad a que “mi ordenador va a pedales y mi wifi ha empezado a fallar”. Pero como han sido días de compras y de regalos y estaba in-te-re-sa-da en comprar algo de esta marca porque suele tener cosas con punto, pedí a mi amigo más friki en esto de lo tecnológico, que lo intentara. Respuesta: "no es tu equipo, es su web, el link de las compras no funciona". Cortocircuito. Una historia del 19 de diciembre que ayer seguía igual.

Mejora 3: Reducir los portes para ser competitivo.

Web de calzado made in Spain, de prestigio, buen diseño, buena calidad, perfecto. Elegimos, damos a comprar, modo de pago…. todo muy ágil. En el último paso, la compra se incrementa en 22 euros¿!. En concepto de¿?... portes. Madrid-San Sebastián en 4-5 días, 22 euros. Todos tenemos ya la experiencia de que hay marcas que venden All over the Word Free Delivery. Moraleja, si la compra no urge, altas probabilidades de que el cliente seleccione Delete Basket y en el mejor de los casos busque otra opción menos costosa de comprar la marca.

Mejora 4: Incrementar la velocidad de la web.

Parecida a la anterior: web en la que se puede comprar on line, se carga la página, portes razonables, pero excesivo tiempo de carga de lo que se quiere ver. Web con demasiados vídeos que se activan sin darle al play o sencillamente mal programada, que hace toda la operativa muy lenta. Conclusión: otra absurda forma de perder clientes. Es como una tienda donde siempre toca esperar, porque hay colas eternas. Mejor tener una web más sencilla donde se pueda comprar de forma fácil, a una web demasiado cargada audiovisualmente donde la compra lleva demasiado tiempo.

Mejora 5: La tienda no debería borrar la cesta del cliente.

Este caso no es exclusivo de marcas españolas, me ha pasado en una conocida web multimarca que en mi opinión a fuerza de querer mejorar tanto la web, ahora es peor. Lo que pasa: seleccionas tus compras, y al cabo de media hora si no has comprado aún, se autoborra lo que tienes en la cesta. En contraposición, en otras tiendas on line, seleccionas, no compras nada porque no lo tienes claro, te vas a dormir, al día siguiente, entras y tu cesta sigue intacta. Es una buena estrategia, una forma de aumentar las posibilidades de que el cliente compre; si tiene que empezar de nuevo desde el principio, se incrementan las posibilidades de que se vaya, o al menos de que no compre alguno de los artículos que sí había seleccionado de víspera. Desde el punto de vista de la logística no debería haber problema. Suponiendo que quede un artículo y dos o más clientes lo seleccionan, si ninguno lo compra, puede estar en la cesta de todos y desaparecer sólo si alguno decide comprarlo.

Conclusión: si ya todos tenemos más o menos claro que el futuro de la venta, también del fashion Business, está en la web, es importante que hagamos bien los deberes. Como en una tienda física no serviría de nada tener el mejor escaparate del mundo si la dependienta no abriera nunca o fuera tan desagradable que hiciera el comprar una actividad quasi imposible, es un milagro que la venta on line tenga futuro con una web que no funcione razonablemente, o que lo haga a unos precios que no son competitivos. La cantidad de posibles compradores que abandonan es un ratio que las empresas pueden medir sin gran dificultad. Ahora mismo en Internet hay servicios gratuitos de estadísticas de todo tipo y con muchísimo detalle. Tanto que se puede saber que una clienta de Murcia o de Copenhague no compró después de haber estado más de una hora en la web, que lo dejó en tal link y que había seleccionado dos piezas. Conocer este ratio de no compra, e identificar dónde se quedó atascada es la mejor forma de empezar a trabajar en la dirección de mejorar las ventas de 2012, que es el objetivo prioritario a corto plazo. Hay quien ya ha conseguido que Nueva York esté más cerca de San Sebastián que Madrid. Y es que todo es posible en el mundo virtual. ¿Por qué no?

12 puntos de vista de la moda 2012

2012-01-03T23:53:00.000+01:00

Este look de Celine sintetiza bien dos de las tendencias que pisarán con fuerza en 2012: el print sobre prints y los white pumps. Celine, Resort 2012 (style.com)

1. Se llevarán los bloques de color en la misma pieza. Sobre todo el rojo, el amarillo, el negro y el blanco. Con estos colores Celine ha diseñado lo que será su estrella de ventas en 2012. Prepárate a ver su bolso cuatricolor en los principales blogs de street style y en las tiendas low cost.

Campaña Primavera-Verano 2012 de Bottega Venetta y detalle del bolso de Celine en su desfile Spring-Summer 2012

2. En 2012 lo grande será tendencia en el mercado editorial de la moda. Las revistas han descubierto que lo de la versión mini ha incrementado las ventas de sus números, y que han llegado a un público más amplio, pero saben también que las opciones más pequeñas devalúan sobre todo la estética de sus fotos y que en el fondo las hacen más de usar y tirar. Harper´s Bazaar España ya inauguró en 2011 la tendencia del big magazine y la revistaVisionaire está dispuesta a batir todos los records y a consolidar la tendencia de hacer de lo Big un objeto de culto.

3. Con el estreno de The Iron Lady, con Meryl Streep interpretando a Margaret Thatcher y las Olimpiadas a las puertas en Londres, la anglomanía pisará de nuevo con fuerza. Detalle: en versión english lady más que en la onda punk.

Mery Streep de Margaret Thatcher en The Iron Lady

Harper´s Bazaar USA, sept. 2011

4. Los expertos económicos nos han augurado un 2012 duro. Lo mejor de la moda es que pasa de tanto tinte negativo e intenta compensar estéticamente la realidad de lo gris. Por eso, es una especie de ironía, los diseñadores han pensado en un año repleto de prints y más prints. No hace falta esperar a la primavera para vestirse de flores y de color

Givenchy Resort 2012; Doo.Ri Pre-Fall 2012 (style.com)

5. En la línea de lo anterior, y como hizo Dior en 1947 para hacer olvidar las penalidades y restricciones de la II Guerra Mundial, vuelve la mujer flor. La línea Corolla, que fue bautizada por la prensa como New Look, y que ensalzó la silueta femenina centrando la atención en su cintura, vuelve con fuerza. La estética flor de 2012 se llevara literalmente en la cintura.

Celine

H&M

Givenchy Resort 2012 (style.com)

6. Pisaremos con zapatos blancos

Alexander Wang, Spring Summer 2012 (style.com)

7. Si en 2011 vimos a Alexa Chung con la camisa abrochada al cuello pero te pareció demasiado, en 2012 cambiaras de opinión y llevarás así hasta la camisa vaquera.

Celine, Spring Summer 2012; Chloe Resort 2012 (style.com)

8. El fast fashion nos parecerá lento y 2012 será el año de la moda instantánea. Tanta colección intermedia y los eficaces sistemas de producción y comercialización de las marcas low cost, que hacen llegar las copias antes que los originales a los escaparates, está matando la estacionalidad de la moda. De hecho, ya no hay moda otoño-invierno o primavera-verano. La gran impulsora del "Instant Fashion" es Alessandra Fachinetti y su línea Uniqueness en colaboración con Pinko. Si a alguien le gusta algo de sus desfiles, ella garantiza que no necesitará esperar seis meses hasta verlo en una tienda; podrá lucir el modelito incluso durante la misma Fashion Week.

Vestido de Uniqueness

9. 2012 será también un año muy barroco. Si en 2011 ya llevamos collares enormes, este año, además de los prints, será también el de los statement earrings y está permitido llevarlo todo junto.

Campaña Primavera Verano 2012 de Prada

10. Si estás agotada de tanto high heel, estás de suerte, porque llevar unas Nike con notas flúor es lo más. Customízalas a tu gusto en nike.com

Tommy Ton para style.com

11. Veremos a LVMH continuar intentando ganar posiciones en su participación en Hermes. Aunque diga que no, parece su objetivo alcanzar la mayoría; la icónica marca es la obsesión de Arnault, la que le falta para liderar de verdad el mercado del lujo. No hay nadie que represente mejor los conceptos de tradición, calidad y sobre todo savoir faire francés, que la casa del Kelly y de los pañuelos de la seda más gruesa del mundo. A punto de terminar 2011 su participación ha llegado al 22,3%. Veremos cómo se defiende en 2012 la familia Hermés.

Modelo Victorie de Hermes

12. 2011 ha sido el año del gran culebrón de Dior. Si en 2012 deshojan finalmente la margarita y nombran a Raf Simons director creativo de la firma, habrá revolución. Nada teatral, más bien silenciosa, pero habrá que estar muy atentos a sus innovaciones, porque es la especialidad de Simons. Si ocurre, Dior volverá a crear tendencia. La otra cara de la moneda, que será difícil para Jil Sander encontrar sustituto.

2011: el año en que nació "The Zartorialist"

2011-12-30T18:38:00.000+01:00

zara.es

Dicen que The Sartorialist tiene una media de tres millones de visitas al mes. Su autor, Scott Schuman, ha dicho en reiteradas ocasiones que nunca pensó que su idea de hacer fotos a gente que desde su óptica "tenía estilo” y colgarlas en la web, se convirtiera en semejante éxito, y menos que el blog, en realidad, no fuera a ser más que un medio para la llegada de otros importantes proyectos publicitarios, tan ansiados por los fotógrafos de moda: campañas para Burberry y su web The Art of The Trench, para Levi´s y su CurveID, para el lanzamiento de la firma española de joyería Aristocrazy, etc, etc, etc….

En realidad, su idea, en contra de lo que pudiera parecer, no es nueva. La gran aportación de Schuman ha consistido en haber sabido captar el momento idóneo para reinterpretar el fenómeno del street style en clave www. A principios de siglo, los primeros locos de la cámara descubrieron la fuerza de la moda para trasladar su visión personal sobre el aire de los tiempos. Las fotografías de gente elegante paseando por los boulevares parisinos, publicadas en la prensa francesa de principios de siglo, consagraron a fotógrafos como Lartigue o los hermanos Seeberger. El mismo Steichen incluyó entre sus descubrimientos aquellas fotografías del chic parisien y decidió experimentar también con ellas. Era un modo muy eficaz de inmortalizar el ambiente que se respiraba en la gran capital de las vanguardias y de la moda.

Grand Prix at Longchamp. After de Races. 1907 (Steichen)

A mediados de las década de 1950, Bill Cunningham, supo ver también la importancia que iba adquiriendo la moda entre la gente anónima de la ciudad de Nueva York, y decidió fotografiar el fenómeno para The New York Times. Las imágenes, que hacía moviéndose en bicicleta, marcaron un antes y un después en la vida del periódico, y hoy, a sus ochentaymuchos, Cunningham sigue siendo uno de los fotógrafos más valorados de street style. Se dice sobre él que es uno de los mejores cronistas visuales de la historia de la ciudad de Nueva York. Una valiosa historia que ya forma parte del archivo del NY Times.

Fotos de Bill Cunningham en el NYT

¿Y porqué el éxito de una práctica ya antigua en el siglo XXI? Quizás, la gente interesada en moda, consumidora de Vogues, Harper´s y Elles, esté cansada de unos reportajes con los que se identifica cada vez menos. ¿Demasiada exuberancia y sofisticación?, ¿esa sensación de que en realidad la ropa no se ve bien?, pero…. ¿cómo es este pantalón realmente? Probablemente el gran logro de Scott Schuman haya consistido en identificar a la gente que sale en sus fotos online, con las personas que todos los días visitan su blog. Imágenes donde hay una aproximación más neutra a la indumentaria, fotos que hablan de modos de ser a través de un polo de rayas o unos loafers usadísimos. Y detalles, muchos detalles en imágenes ampliadas, para incentivar esa dosis de creatividad necesaria para transmitir quiénes somos a través de la ropa. Y sobre todo, una aproximación realista a las posibilidades de vestir lo mismo de infinitas maneras. Una demostración visual de que el mismo vestido puede ser el opuesto, con taconazo o Converse, y que en ambos casos puede transmitirse un gran estilo. El de la persona que pone la dosis suficiente de ilusión para trasladar que ella no es del montón.

zara.es

Por esta razón seguramente, una de las innovaciones de Zara en este 2011 a punto de terminar, ha sido inaugurar en su web la sección People , un rincón donde gente anónima puede publicar sus fotos vistiendo ropa de Zara. Si en muchas fotografías de street style en la onda inaugurada por Scott Schuman, ya eran fácilmente identificables piezas de Zara, era cuestión de tiempo que Inditex creara su particular "The Zartorialist" con fotos de clientes de todo el mundo. Además de un inmejorable escaparate comercial para transmitir una imagen de marca internacional y mostrar cómo llevar zaras de múltiples formas, es una buena manera de decir visualmente que Zara no ha uniformizado la moda. Porque la uniformizaciòn es sobre todo, una cuestión de actitud.

¡Feliz 2012!

zara.es

Velázquez, Balenciaga y Feliz Navidad

2011-12-24T00:57:00.002+01:00

Vestido de noche y capa en gazar rojo con lazo en visón blanco, Cristóbal Balenciaga. Foto: Pottier (L´Officiel, 1959)

Una imagen muy especial para felicitar la Navidad 2011. El diseño de la fotografía es de Cristóbal Balenciaga y se publicó en el último número del año 1959 en L´Officiel de la Couture. Hay que reconocer la fuerte presencia de iconografía propia de la cultura española, presente en este vestido y capa en seda púrpura y lazo de visón blanco del modisto de Guetaria. Visualmente es una mezcla entre vestidura eclesiástica y gola blanca a la española, magistralmente reinterpretada en lazo, que puede parecer también un traje de "reina maga". Por la pose y la atmósfera captada por el fotógrafo de la revista, Pottier, hay un algo que sugiere solemnidad, espera... Algo importante para un traje tan importante. Una figura que perfectamente podría integrarse en el cuadro La Adoración de los Magos de Velázquez.

La adoración de los Magos. Diego Velázquez, 1599-1660. Museo del Prado.

En este cuadro pueden descubrirse detalles que inspiraron muchos de los diseños de Balenciaga: la gola que viste el rey Baltasar, los tonos del cuadro: el rojo, el negro en contraste con el blanco, el azul y el especialísimo ocre. Pero destacan sobre todo dos aspectos que fueron casi como una obsesión en su proceso creativo. El primero, y probablemente uno de sus fines prioritarios, trasladar a la realidad ese efecto pictórico de los mantos y capas retratados por los genios del pincel, tal y como lo hizo Velázquez en este cuadro. Un objetivo, que a la vista de la solidez del diseño publicado en L´Officiel, Balenciaga sublimó.

El segundo y uno de los apartados donde se descubre el gran talento del modisto para mostrar lo mismo de múltiples formas: el manto blanco que cubre la cabeza de la Virgen, tal y como lo pintaron muchos, como por ejemplo, Velázquez en este cuadro. Era una fuente de inspiración constante para diseñar los tocados de las mujeres más elegantes de las décadas de 1950 y 60.

Tocado de Balenciaga en visón blanco. Foto: Pottier (L´Officiel, 1955)

La prensa internacional subrayaba el exotismo de las creaciones de Balenciaga y se deshacía en elogios. Hay quien como Cecil Beaton, le llamó el Picasso de la moda, "porque como el pintor, guarda un profundo respeto por la tradición y posee un depurado estilo clásico que subyace a todos sus experimentos con lo moderno".

La cuestión es que toda esa capacidad creativa, su influencia, y quizás esa voluntad de permanencia está en sus orígenes, en lo que absorbió en su infancia y juventud antes de triunfar en París. En Velázquez, Murillo, Zurbarán, Zuloaga... Y en iconografía propia de la tradición católica que heredó en su niñez, y que interpretó con interés para presentarla siempre en forma de vestidos y complementos novedosos e inconfundibles.

Feliz Navidad.

Tocado de Balenciaga. Foto: Irving Penn (Vogue, 1964)

Entrevista a Mónica Vinader

2011-12-20T22:54:00.001+01:00

Mónica Vinader nació en San Sebastián, pero cuando tenía diez años su familia se trasladó a vivir a Londres. Estudió Bellas Artes y Artes Decorativas en la London School of Art. Después de trabajar junto a un joyero londinense, en 2002 empezó a diseñar piezas para particulares. Sus colecciones fueron teniendo éxito poco a poco y desde 2008 su hermana Gabriela, con amplia experiencia en el mundo empresarial, se unió al proyecto para que Mónica Vinader se convirtiera en una marca internacional. En 2009 ganó el UK Jewellery Award y su nombre aparece ya en los fashion guides más prestigiosos. Sus diseños además de poder comprarse en su web y en shops online de lujo como net-a-porter, pueden encontrarse también en Harrod´s y Liberty. Entre 2009 y 2010 abrió tiendas en Madrid, Sevilla y San Sebastián. Sus colgantes, anillos y pulseras se han convertido en piezas de culto. El punto fuerte de sus diseños son las piedras y dice que las que más le gustan son las más raras.

Claudia Schiffer con colgante de Mónica Vinader. Foto: whowhatwear.com

Mónica Vinader pasó hace unos días por San Sebastián y tuvo el detalle de concederme una entrevista para Coolvisionaire que la revista publicó ayer y que transcribo en la entrada de hoy.

Naciste y viviste en San Sebastián hasta los diez años. ¿hay algo de tus orígenes en las joyas que diseñas?
Supongo que sí, pero creo que lo más me marcó para todo es haber pasado por la London School of Art.

¿Cómo decidiste ser diseñadora de joyas?
Por casualidad. Un amigo se dedicaba a esto y me pidió que trabajara con él; a partir de ahí empezó todo. Descubrí un mundo nuevo, fascinante, en el que decidí quedarme.

Todo lo que vestimos tiene algún tipo de significado, ¿qué dicen las joyas de nosotros?
La gente viste ahora de un modo mucho más casual, y mucho de lo que llevamos puesto es bastante parecido, por eso creo que en ese contexto es cuando los accesorios adquieren pleno protagonismo, sirven para diferenciarnos. Y dentro de esta diferencia, las joyas dicen probablemente más de nosotros que un bolso.

En tus diseños tienen un claro protagonismo las piedras semipreciosas, ¿por qué?, ¿tienen algún significado especial?
Me encantan todas las piedras en general. Me fijo en todas y las colecciono. Es como una deformación profesional. Me encantan por supuesto las piedras preciosas pero las semipreciosas tienen la cualidad de transmitir toda la fuerza del color de una forma mucho más asequible para el bolsillo. En mi proceso de producción el concepto de la piedra es esencial, en este sentido tengo muchísimas suerte porque he logrado encontrar a especialistas que cortan la piedra como yo quiero. No es nada fácil comprar bloques enormes y a partir de ahí lograr cortas formas que te enamoren, piedras que tienen ese algo especial para hacer una joya con ellas. En ese sentido, estoy muy orgullosa, porque lo he logrado.

Ahora mismo conviven todas las tendencias en moda y también en joyería. Se llevan piezas muy barrocas, geométricas inspiradas en el art decó, de estética punkie y también minimales. ¿Crees que todo sienta bien? ¿Hay joyas para cada edad? ¿Hay piezas con las que se acierta siempre?
No, no creo que todo siente bien, y es cierto que hay ciertas cosas que no se pueden llevar a todas las edades, pero también es cierto, que mucho del truco para acertar tiene que ver con la personalidad y con la seguridad que se tenga con la elección que se ha hecho. Así un look no es forzado y resulta convincente.

¿Alguna pieza de tu colección para regalar a alguien por debajo de los 25 años?
Todas las que hay en la tienda podrían perfectamente ponérselas. Quizás las más fáciles sean las pulseras Fiji, las de la amistad, una en plata con el cordón turquesa por ejemplo, no se la quitarían.

Si tuvieras que aconsejar “nunca caigas en la tentación de……” en lo que tiene relación con las joyas, ¿qué dirías?
No creo que hay nuncas en este sentido. A veces hay mezclas arriesgadísimas que sí funcionan, fíjate en Alexa Chung por ejemplo, ella experimenta constantemente y le funciona. Tiene que ver más con la personalidad y con el modo de llevarlo, creo.

En la duda si hubiera que elegir una sola joya para salir de casa un día normal: ¿anillo, collar, colgante o pulsera?
¡Uf! Qué difícil. Todo. Depende muchísimo del resto del look. Hay días en que una está guapísimas con varias pulseras, anillos, algún colgante, incluso varios, y pendientes. Si llevas un cuello vuelto, entonces, los pendientes son imprescindibles. Otras veces, si vas con un vestido sencillísimo, para enfatizar ese look basado en la simplicidad, basta con un brazalete por ejemplo. Es la forma de hacer la pieza y el vestido, protagonistas.

¿Oro o plata?
Ambos y además mezclados.

Hay otra tendencia que triunfa sobre todo entre la gente más sobria, que es no llevar joya alguna. Pero incluso las fans de este look sienten a veces que deberían llevar alguna, ¿qué les aconsejarías para que no se sientan demasiado adornadas?
Es cierto que hay un determinado tipo de público que en general no se ve con casi nada, pero en general, a este tipo de personas les gustan los anillos, uno, un statement piece, porque lo ven lejos del rostro y al mismo tiempo les define.

Cuéntanos qué te inspira. ¿La musa llega o sueles salir a buscarla? ¿Dónde la encuentras?
Me puedo inspirar en miles de cosas, por cómo viste la gente, no sólo ropa de moda en Londres o en Madrid, sino también, cuando viajas a otros sitios y ves a gente que no viste moda, pero que se pone las cosas de una forma interesante. Por eso me encantan la artesanía, los bordados me inspiran muchísimo. Toda la colección del año que viene está inspirada en la puntilla. En realidad la inspiración está en todas partes. Lo difícil para mí es enfocar toda esa inspiración en una dirección, porque si no, acabaría haciendo cinco colecciones al año, y no me lo puedo permitir.

Esa inspiración en la puntilla de la colección de la próxima temporada, ¿de dónde viene? De algún vestido, de cuadros….
Volví de nuevo el año pasado a la galería de los Ufizzi en Florencia, vi un cuadro donde me llamó la atención cómo estaba pintada una puntilla, y la dibuje en mi cuaderno de notas (una costumbre que empecé cuando iba a la escuela de arte y que mantengo, voy siempre con un block). Me acordé entonces de algunas puntillas que guardaba, colecciono de todo, y recordé también un vestido de la colección del año pasado de Dolce Gabbana, que me había llamado mucho la atención por el bordado de la parte superior. Son sensaciones que vas conectando. Me apeteció hacer algo en plata que fuera el mismo feeling que aquel vestido. Las ideas encajaron, y es cuando empiezas a hacer bocetos, dibujos y la colección sale.

Muchos lectores de nuestra revista son jóvenes interesados por los temas creativos: arquitectura, moda, arte, diseño industrial…. Desde tu experiencia, ¿qué le dirías a la gente que quiere dedicarse a estos temas? ¿qué es más importante para poder vivir de la creatividad: el talento, el trabajo, la formación, la financiación o tener dotes empresariales?
Es una combinación de todo. Desgraciadamente la gente creativa no suele tener el lado empresarial y el lado práctico porque hay tantísimo talento que dibuja, tantos jóvenes que son diseñadores gráficos, arquitectos, etc… pero que no saben cómo comercializar y a veces tampoco quieren hacerlo. Es importante tener el deseo de querer ser comercial. Para mí es una enorme satisfacción que la gente compre lo que diseño, el crear y que la gente no lo compre, para mí, no completa el ciclo creativo, pero no todo el mundo lo ve así. Tampoco yo tenía las dotes empresariales para hacer algo, pero tuve la suerte de que mi hermana y socia, que sí es de ese mundo, me completa en todos esos aspectos. Pero encontrar a esa otra persona que se encargue del trabajo no creativo, no es fácil. La formación también, es sin duda importantísima, pero sobre todo trabajar con el enfoque de que lo que estás haciendo, cuenta, vale y que lo quieres compartir a nivel comercial. Creo que esto último es clave.

** Fotos, cortesía de Mónica Vinader

Phillip Lim y el Pop Art de Roy Lichtenstein

2011-12-18T00:39:00.001+01:00

La interacción moda-arte es continua e inevitable. Diseñadores y artistas trabajan al fin y al cabo en el mundo de lo visual. Para los diseñadores el mundo del arte es fuente de inspiración constante y los artistas son los que a lo largo de los siglos han interpretado el cuerpo humano y su indumentaria influyendo considerablemente en las tendencias de la moda.

Ese recurso al campo del arte como fuente de inspiración para diseñar ropa parece que ha estado también en el origen de la colección pre-fall 2012 que Phillip Lim acaba de presentar hace unos días. Alguna de las piezas interpretan casi literalmente el Pop Art de Roy Lichtenstein. Un estilo artístico genuinamente americano inspirado en la estética de las tiras de comics típicas de la década de 1950. Una onda iniciada por Ruscha y que siguieron Lichtenstein y Andy Warhol. Es como si Lim se hubiera pasado por el Albertina de Austria, que ha celebrado una gran exposición retrospectiva del pintor en 2011. O que sea asiduo del Moma, que le queda más a mano, donde hay una importante colección de Lichtenstein. O simplemente que le encante Whaam!, cuadro del artista expuesto en el Tate de Londres, al que es inevitable referirse al descubrir los nuevos diseños popartianos de este diseñador de origen chino.

Whaam, Roy Lichtenstein, 1963

Varoom, Roy Lichtenstein, 1963

**Photos of Phillip Lim designs from style.com

Narciso Rodriguez and his Vertical Patterns

2011-12-11T22:47:00.001+01:00

Estamos en plena presentación de las colecciones Pre-Fall2012. Este tipo de colecciones intermedias, como las Resort, no tienen una fecha fija establecida como sí tienen las de otoño invierno o las de primavera-verano en sus dos versiones, pret a porter o alta costura.

Las Pre-Fall son las que los diseñadores presentan tres meses después de las colecciones otoño invierno y las Resort, las que presentan tres meses después de las colecciones primavera-verano. En general, estas colecciones intermedias son menos numerosas en cuanto al número de piezas mostradas y no todas las casas y diseñadores trabajan en ellas. Los que sí lo hacen, en general, tampoco las enseñan con celebración de desfiles; suelen preferir por un tema de costes económicos, la fórmula de presentaciones donde se fotografían sus creaciones. En cuestión de minutos las revistas del sector cuelgan estas fotografías en sus versiones on line.

De lo que llevamos, una colección que llama la atención por lo breve y por lo buena. La de Narciso Rodríguez, un diseñador con clara tendencia al minimalismo, en caso contrario no habría podido ser diseñador de Calvin Klein y probablemente no se le habría ocurrido nunca aquél vestido de novia de Jacqueline Bessete para su boda con John F. Kennedy Jr. Tampoco ha hecho algo nuevísimo, sorprendente o que no estuviera ahí de alguna manera. Probablemente el mérito de esta colección haya sido hacer una síntesis sobresaliente de esa tendencia que nos acompaña desde hace varias temporadas: el look en torno a la banda negra. Esa banda que Celine, Derek Lam y Chloé, entre otros, han colocado últimamente en el lateral de un pijama pant, y la misma que Miu Miu propuso en su colección de otoño invierno 2008, como protagonista de un sorprendente look neopreno al que ya nos hemos acostumbrado, pero que nos descolocó bastante cuando lo vimos.

Miu Miu, colección RTW 2008

La banda negra y el look neopreno se han ido metiendo en la estética 2011, y poco a poco también en nuestro armario. Sobre todo en el de las amantes del look más minimal. Esta colección de Narciso Rodríguez es un paso adelante, sin grandes cambios, pero mejorándola a los ojos. Es un look en el que el diseñador cubano ha trabajado con esos patrones de corte vertical que tanto le gustan y que tanto estilizan. Las líneas verticales que son también las protagonistas de la estética de su web y no por pura coincidencia…

Photos from style.com

Alpine Sweater

2011-12-05T22:22:00.001+01:00

Jil Sander y Celine, RTW 2011. Fotos: style.com

Givenchy y Balenciaga, RTW 2012. Fotos: style.com

Una buena forma de actualizar el look de este otoño invierno es sacar de nuevo ese jersey grueso de punto que habías decidido enterrar porque parecía tricotado. Si no sobrevivió a tu última criba en el armario, invierte en uno y pontelo con todo. La versión más femenina con falda lápiz y taconazo, como propone Ricardo Tisci en Givenchy. Algunas ideas si te gusta el look.

Bimba y Lola

McQ en Yoox

Zara

Topshop

En memoria de Francois Lesage

2011-12-01T18:03:00.001+01:00

Francois Lesage ha fallecido después de una larga enfermedad, según ha comunicado hoy Maison Lesage. Era el heredero de una saga de maestros bordadores parisinos; sin ellos los mejores modistos de la historia de la moda no hubieran podido crear muchos de sus vestidos más icónicos y más bellos. Nunca tuvo dudas de a qué se iba a dedicar: "never had any doubt as to what I was to do in life, given I was born into a pile of beads and sequins".

"Francois Lesage was an immense lover of couture who established embroidery as a true art form and was internationally renowned," ha dicho de él Bruno Pavolvsky, presidente de Chanel y de Lesage, y ha querido manifestar además que ambas casas "are committed to perpetuating the exceptional know-how that he bequeathed to his embroiders and thus will pay the greatest homage to his talent as an artisan."

Hace un año, escribía aquí mismo una entrada precisamente sobre esta legendaria casa de bordados. Hoy vuelvo a transcribirla en homenaje a Francois Lesage, maestro bordador.

From style.com: Chanel HCSpring-Summer2010 y Autum Winter 2010

Lesage Embroidery (16-11-2010)

"Lesage, uno de los nombres que más han hecho por la Alta Costura parisina desde sus inicios. Sus bordados han sido protagonistas de las creaciones inolvidables de los mejores, desde hace mucho, desde que Worth fichara al taller del artesano bordador Albert Michonet, el que después, en 1924 compraran Albert y Marie Lesage. El modisto-artista, fundador del sistema de la Alta Costura, se dió cuenta pronto de que la técnica del bordado era uno de los elementos imprescindibles para comunicar exclusividad, lujo y distinción y que había que potenciarlo. Los mejores que le siguieron después pensaron lo mismo. Dior, Balenciaga, Coco, YSL, Valentino, Lacroix, Oscar de la Renta... crearon vestidos inolvidables gracias a las aportaciones de la casa Lesage.

Después de muchos años, Karl Lagerfeld, otro modisto-artista, sigue viéndolo también parecido a Worth: el trabajo de este tipo de artesanía, lo manual, exquisito, distinto, es lo que sigue dando valor añadido a la moda de altura, aplicada incluso al pret-a-porter. Por eso Maison Chanel decidió comprar Lesage en 2002. Y aunque Lesage borda también para otros, es especialmente Chanel quien imprime la fuerza del bordado a sus diseños de Alta Costura.

Escuchaba hace poco a Giovanni Lanzone, de Domus Academy, en el contexto del recientemente celebrado VIII Congreso de Moda de la Universidad de Navarra, hablar sobre la importancia de que las empresas en general apuesten por valorar y salvaguardar las técnicas artesanales, que de otra forma se perderán, y con ellas mucho de saber hacer, de creatividad, de maestría y de una filosofía de hacer las cosas. Aspectos todos, que están vinculados al arte y por tanto a la cultura. Inevitablemente, me acordé del ejemplo de Chanel y de su decisión de comprar Lesage. Si la casa de bordados muriera, la industria de la gran moda primero y del resto después se vería afectada. La moda es pura expresión que entra por los ojos. Si dejamos de ver bordados exquisitos, aunque no los consumamos, estaremos empobreciendo nuestro mundo visual y por tanto nuestro imaginario estético, que será sustituido por otras cosas, quizás más prácticas y más baratas, pero mucho menos artísticas y eso termina por empobrecer nuestra capacidad para valorar lo cualitativamente bueno.

Hay un aspecto más. Interesante. Una característica esencial de los que realmente saben algo, es que suelen transmitirlo, no lo esconden. El conocimiento, si no se comparte, muere. Los mejores genios, han sido también en muchas ocasiones, grandes maestros. Han sido conscientes de que si no, su técnica, su sabiduría, su descubrimiento moriría con ellos, y se han preocupado de transmitirla para que perdure. Lesage también lo hace. Enseña su técnica en su Ecole Lesage en París, donde se adapta a todos los niveles, con variedad de cursos. Sólo es necesario el interés de quien quiera aprender.

¿Algo más cool que la creatividad compartida?"

La casa Lesage bordó para dar vida a muchas piezas de alta costura. Algunas de ellas, como las famosas chaquetas de YSL inspiradas en el arte de Van Gogh, podemos disfrutarlas estos días en la exposición homenaje al modisto en la Sala Recoletos de la Fundación Mapfre en Madrid.

Otras, excepcionales, como esta chaqueta prodigiosamente bordada para Balenciaga en 1946, están expuestas en su museo de Guetaria.

Balenciaga, 1946. Catálogo Museo Balenciaga.

El legado de Lesage, otro punto de vista para visitar estas exposiciones de moda.

Décadas de Moda

2011-11-29T21:51:00.001+01:00

Pantalones fabricados en serie para un paseo por Miami Beach (1946)

En la entrada de hoy una recomendación para amantes de la historia de la moda. El libro Décadas de Moda. Desde 1900 hasta hoy. Una reedición en un formato más pequeño que el original publicado en 2004. Es una pequeña enciclopedia visual de cómo ha cambiado la forma de vestir de las mujeres occidentales desde comienzos del siglo XX hasta hoy. La información está en las excelentes fotografías, porque los textos son brevísimos y hacen referencia al detalle de las imágenes. Algunas sorprendentes. Es un viaje a lo largo del siglo XX desde la perspectiva de lo que las mujeres vistieron. Un recorrido para descubrir cómo influyeron la fascinación por Oriente, los avances de las primeras sufragistas, la geometría cubista, las guerras mundiales, el gran desarrollo económico de la década de 1950, la revolución sexual de los sesenta, la crisis del petróleo de los setenta, el triunfo del yuppismo de los ochenta, el new age de los noventa, etc.., etc... Cambios, hechos, contextos que los modistos supieron interpretar en forma de vestidos y trajes, y que cambiaron la forma de vestir de las mujeres a lo largo de las décadas del siglo XX. Un libro en el que podría aplicarse aquello de "una imagen vale más que mil palabras".

Abundantes encajes y volantes, falda con cola para las mujeres elegantes de comienzos de siglo. En la foto la actriz Carol McComas en 1905

El pijama de aire oriental se llevaba en los locos veinte como prenda nocturna. Una moda lanzada por Poiret (foto de 1922)

Las siluetas que dominaron los años de mediados de la década de 1950. Una estética liderada por Dior y Balenciaga.

Ursula Andress a comienzos de los setenta en Londres viste una túnica con pantalón acampanado. Una versión más informal que el traje de chaqueta.

Best Spanish Fashion Magazine Cover of 2011

2011-11-24T16:41:00.001+01:00

Ahora que llega el momento de los rankings, de los premios a los "más del año”, y ya que los números de las revistas de moda de diciembre han llegado a los kioskos, es el momento de elegir la mejor portada del año entre las revistas de moda españolas. Mi 10 es para la portada de noviembre de Harper´sBazaar.

10 por el diseño gráfico de portada. Por el contraste del blanco y negro de la foto con las letras en naranja fosforito (aunque al escanear la foto se pierda todo el encanto del color original de las letras). Representa el less is more, la elegancia a través de las portadas inaugurado por el mítico director de arte de Harper´s Bazaar, Alexei Brodovitch.

10 por ser 100% una portada de moda. Una portada donde el protagonista es mucho más el abrigo de Nicolas Ghesquière que la bellísima Ángela Lindvall, más interesante que nunca en un discreto segundo plano respecto al abrigo.

10 a Nico, el fotógrafo que ha sabido captar la esencia del abrigo. Para darle todo el protagonismo ha decidido retratarlo en movimiento. Recuerda el estilo de Muncaksi. El fotógrafo descubierto por Carmel Snow de Harper´s Bazaar a comienzos de la década de 1930, que decidió fotografiar la ropa en movimiento para transmitir una imagen más real de la moda. Muncaksi descubrió que el movimiento expresaba mejor el aura de un corte o de un tejido.

Munkacsi, 1936

En este caso, Nico borda la visión de Muncaksi. Con su cámara ha logrado hacer el abrigo más bonito aún. Se puede decir, que en esta ocasión, la portada de Harper´s Bazaar está vendiendo el abrigo de Guesquière; está sugiriendo que es el abrigo el que hace a su portadora, más que guapa, interesante. Un concepto que en el fondo encanta a los diseñadores de moda. En portadas como ésta, sus creaciones son protagonistas.

photo from style.com

10 al estilista Juan Cebrián. Por haber preferido un pelo y maquillajes naturales para Ángela Lindvall, como los looks que Ghesquiere eligió para sus desfiles y en este caso para mostrar su abrigo. Ha acertado al añadir una preciosa gargantilla de Aristocrazy, que el abrigo y la foto hacen que parezca de Cartier.

Joaquín Sorolla and the glory of Spanish Dress

2011-11-18T00:08:00.001+01:00

Sevilla. El baile.

Guipúzcoa. Los bolos.

Catalúña. El pescado.

Después de haber clausurado con enorme éxito la exposición Balenciaga: the Spanish Master, el Queen Sofia Spanish Institute de Nueva York se dispone a inaugurar una nueva exposición, esta vez en torno a Sorolla y desde una perspectiva distinta. La idea de la muestra parte del hecho histórico de que la Hispanic Society of America encargó al pintor español una serie de lienzos que reflejaran la indumentaria tradicional española. Sorolla pintó 14 cuadros que entregó a la Hispanic Society en 1919. Fueron denominados Vision of Spain. Una especialísima colección que ya ha sido mostrada en España varias veces. Esta vez, el contexto de Vision of Spain servirá para establecer un diálogo entre las pinturas de Sorolla y vestimenta tradicional de distintas regiones españolas junto a creaciones de Balenciaga, Yves Saint Laurent o Christian Lacroix que nacieron precisamente de esa fascinación por el background cultural de nuestro país.

No es una casualidad que Oscar de la Renta sea el alma mater del proyecto. El modisto dominicano llegó a España con la idea de estudiar pintura y se enamoró del lugar. Fue donde decidió ser modisto, fascinado por la cultura de la costura que se estaba gestando en torno al liderazgo de Cristóbal Balenciaga, y por la enorme fuente de inspiración que podía encontrarse en torno a nuestra historia, nuestro arte y nuestas costumbres. Desde entonces, aunque se fuera a París en 1961, todas sus colecciones han tomado como referencia algún aspecto de lo español.

El arte, lo hemos hablado varias veces y es ya como un hilo conductor de este blog, ha sido y es una fuente de inspiración constante para modistos y diseñadores. Los colores, sus constrastes, las formas, las luces y las sombras que vieron y plasmaron los artistas del pincel han sido el germen de muchas colecciones de moda. La más cercana y como una enorme coincidencia con esta exposición a punto de inaugurarse, la colección del próximo verano de Nihil Obstat inspirada en La Siesta de Sorolla. Un cuadro donde Sorolla no pintó el mar, sino el verde, verde de una ladera de San Sebastián una tarde de verano de 1911. El lugar perfecto donde echarse una siesta o… pintar un cuadro y transmitir esa calma y tranquilidad que puede respirarse en un sitio como ese.

Sorolla pinta esa paz a través de la luz de sus inconfundibles blancos en contraste con los verdes. Dos colores omnipresentes en esta colección del dúo Nihil Obstat formado por Javier Martín y Armiche Rodríguez. “El verde, siempre está en nuestras colecciones”, dice Javier, “es como un básico, es el color de la naturaleza”. Y como Sorolla, que sorprendentemente, no pintó el mar en esta ocasión, Nihil Obstat, que no suele trabajar con estampados, decidió utilizarlos esta vez. “Lo vimos claro. Nuestro proveedor no iba a enseñarnos la tela, porque sabía de nuestras preferencias por los lisos, sin embargo, tuvo que sacarla para enseñarnos otras cosas, y vimos que la tela que él pensaba que no iba a gustarnos, reunía todos los colores de La Siesta: el fondo blanco, el verde por supuesto, y las notas de calderos y azules que Sorolla intensificó con esa gran luz que proyecta en el cuadro”, cuenta Armiche. “Además, es una maravillosa tela bordada, que conecta con esos valores de nuestra tradición y costumbres”, añade Javier.

Son ideas que compartían antes de que supiéramos de esta exposición a las puertas en Nueva York. ¿Coincidencia? O… ¿podríamos decir, Sorolla que ha inspirado y que lo sigue haciendo porque lo que pintó es inagotable?

** La exposición se inaugura el próximo 8 de diciembre y se clausurá el 10 de marzo. Más info en http://www.spanishinstitute.org/

Balenciaga desde YSL

2011-11-09T17:53:00.000+01:00

El pasado octubre se inauguró la exposición retrospectiva sobre Yves Saint Laurent en la sede de Recoletos de la Fundación Mapfre en Madrid. Estará abierta hasta el próximo 8 de Enero. La muestra es ya histórica por ser la primera vez que la obra del modisto francés se expone en España.

Este espacio de la Fundación Mapfre no era un lugar fácil para albergar una exposición de estas características, y sin embargo, la organización ha hecho un gran trabajo en este sentido. El recorrido, de por sí, un poco laberíntico, con varias salas, pero no muy grandes, no ha sido obstáculo para desplegar una colección numerosa de 150 trajes, además de abundante material relativo al proceso creativo del modisto, construir una escenificación de su lugar habitual de trabajo, y dedicar un rincón a su musa, Catherine Deneuve. El resultado es por tanto magnífico y la sensación al abandonar la exposición es de que el universo YSL está completo en este lugar de Recoletos, en Madrid.

La muestra está dividida en tres plantas. En la planta inferior están expuestos bocetos originales del modisto con retales de los tejidos elegidos para dar forma a cada uno de ellos. Un pozo sin fondo de creatividad, un lugar donde poder estudiar durante horas la relación biunívoca entre los conceptos proporción-color en el imaginario estético de YSL. En la planta 0 se puede disfrutar de algunas de sus primeras creaciones, históricas, para Maison Dior y de los trajes que posteriormente diseñó bajo sus propias siglas, con un despliegue especial de trajes para el día, aquellos por los que fue revolucionario e hizo máxima aquella idea de “abajo el Ritz, viva la calle”. El traje pantalón, la sahariana, los monos de punto, son algunos de los icónicos diseños que el visitante puede apreciar de cerca y que cambiaron el modo de vestir de la mujer para siempre. Avanzando, sin cambiar de planta, se descubre el lugar de trabajo, el “mundo”, las cosas de las que le gustaba rodearse en el día a día para diseñar. La planta primera es el lugar donde se expone el nexo creativo de YSL con el mundo del arte, los trajes basados en la estética de pintores como Mondrian, Van Gogh, Picasso o Poliakoff, su inspiración traida de los países más lejanos y exóticos, (España también está), y donde el visitante puede apreciar también sus trajes de noche más espectaculares.

Después de haber podido disfrutar de esta gran primera exposición retrospectiva de Yves Saint Laurent en España, me acordaba de otra gran colección. La de la obra de otro grande, Cristóbal Balenciaga, que precedió a YSL en el arte de la costura y que está expuesta de modo permanente desde el pasado junio en su Guetaria natal. No hay duda de que 2011 está siendo el gran año de exposiciones de moda en España, y a la vista del número de visitantes en ambas, es un hecho que la moda desplegada en museos cuenta cada vez con más seguidores, también en nuestro país. Un fenómeno interesante pero que no es objeto de la entrada de hoy.

Izda. diseño de Balenciaga, 1957 (Catálogo del Museo Balenciaga); drcha. vestido de cóctel de la primera colección de YSL para Dior (1958) expuesto en la exposición de Fundación Mapfre

Tras visitar la exposición de YSL y el Museo Balenciaga hay varias conclusiones que pueden extraerse. Una de ellas, desde el punto de vista estrictamente visual-artístico-creativo es que la historia de la moda sigue un patrón similar al de la historia del arte. De la misma forma que es difícil entender el trabajo de Miguel Ángel sin estudiar a Ghirlandaio, o a Picasso, sin saber cuál fue el significado de las aportaciones de los pintores impresionistas, tampoco es posible comprender las aportaciones de Chanel sin conocer lo que hacía Poiret o el legado de Cristóbal Balenciaga desconectándolo del trabajo de madame Vionnet. Lo interesante no es tanto el estudio de cada modisto separadamente, sino la evolución de la moda, el progreso de los modistos a través del tiempo a partir del legado de sus predecesores. Su interpretación de las innovaciones de los anteriores, adaptándolos a sus propios gustos y estética de acuerdo a su percepción del espíritu de los tiempos y proyectándolos al futuro.

Izda. la marquesa de Llanzol luciendo un modelo de Balenciaga (1955). Drcha. diseño de YSL del año 1962 expuesto en la exposición de la Fundación Mapfre.

En este sentido, la presencia de Cristóbal Balenciaga en esta exposición de Fundación Mapfre es asombrosa, aunque los contextos sociales, modos de ser y concepción de la mujer fueran bien distintos para YSL y Balenciaga. YSL fue testigo en su juventud de ese liderazgo creativo del modisto vasco. Era la mitad de la década de 1950, cuando Cristóbal Balenciaga era sinónimo de excelencia técnica y estética. De ahí las famosas frases de Chanel (poco dada a halagar a sus colegas de profesión) “Balenciaga es realmente el único couturier” o de Dior “La alta costura es como una orquesta cuyo director es Balenciaga”. Es fácil suponer por tanto, que alguien como YSL, dotado de una sensibilidad estética especial y de un talento innato, siguiera con especial interés las colecciones de Cristóbal Balenciaga. A la vista de varias de las piezas que pueden verse en esta exposición de Madrid, YSL supo descubrir aquellas innovaciones de Balenciaga que crearían tendencia y decidió adaptarlas a su propio gusto y estilo ya como diseñador de Dior. Aquellas siluetas balenciaguescas, que escondían la cintura, que hablaban sobre todo de funcionalidad y practicidad y que tan poco gustaron a los hombres de la década de los cincuenta, fueron la gran innovación para el futuro de la moda por muchos años. La primera colección Trapeze de YSL para Dior de 1958, sigue esa línea que Balenciaga había inaugurado años atrás. Y ese estilo perduró en muchos de sus diseños más icónicos de los años posteriores. La espectacularidad que Balenciaga desplegaba en sus creaciones para la noche, en contraste a su estética más sobria para el día, está también implícita en este apartado de los diseños del modisto francés.

Izda. Mona Birsmack luciendo un deshabillé de Balenciaga en 1955. Drcha. detalle de una de las capas para la noche expuestas en la exposición de YSL en Fundación Mapfre (1983)

¿Influyó también Balenciaga en la estética de alguno de los accesorios YSL? El famoso corazón-joya, emblema parisino y fetiche de YSL, lucido por alguna de sus modelos en todos los desfiles de Alta Costura, pudo estar también inspirado en el colgante “Paris-Heart” que Cristóbal Balenciaga diseñó en 1957 con "red stones" y que podía adquirirse en los famosos almacenes Neiman Marcus de Nueva York.

Con razón, Catherine Deneuve decía el pasado septiembre, a propósito de su visita al Cristobal Balenciaga Museoa: “por mi trato con Yves Saint Laurent puedo afirmar que su trabajo estaba muy influenciado por Balenciaga.” Una influencia que podemos comprender mejor ahora visitando estas dos magníficas exposiciones de Madrid y Guetaria.

*Para más información visita http://www.exposicionesmapfrearte.com/ysl/ y http://cristobalbalenciagamuseoa.com/. Puedes seguirlos en twitter a través de @FMapfre_expoYSL y @cbmuseoa

Valentino in cyber space

2011-11-03T11:17:00.000+01:00

Valentino, 1969

El nuevo proyecto de Valentino Garavanni y de su socio Giancarlo Giametti es hacer un museo. La noticia fue publicada en Wallpaper el pasado agosto y parece que será inaugurado en breve. Se trata de un museo que recogerá el trabajo y trayectoria de Valentino. Pero no será un museo al uso. La novedad es que será virtual. Un lugar en el ciberespacio donde se expondrán más de 500 diseños, 250 vídeos de desfiles y cientos de bocetos y fotografías de valentinos originales disponibles para todo el que lo quiera visitar. Una de las pegas que algunos plantean a la idea es que no se podrá disfrutar del tacto de los tejidos, algo a lo que Giametti responde “We want it to be almost more physical than a real museum. Of course, you can´t touch the fabric, but it´s difficult to do that in a real museum as well.” Este nuevo concepto, además de ser interesante desde un punto de vista estrictamente económico, ya que evita los costes fijos de un museo convencional, tiene importantes significados desde otros puntos de vista.

El primero de ellos, probablemente sea que es la primera vez que un diseñador, en este caso, fuera del ámbito de la marca que él fundó, idea este espacio para que sus creaciones queden para la posteridad. Habrá quien piense que es demasiado pretencioso que alguien haga en vida un museo en su propio honor, porque significa que es él mismo quien se está encumbrando como genio o artista. Sin embargo, para quienes deseen investigar lo que ha significado Valentino el proyecto es de enorme interés. El mismo modisto está abriendo las puertas de su archivo para que se conozca cuál ha sido su trabajo y su aportación. Ojalá lo hubieran hecho Chanel, Vionnet, Balenciaga… Todos. La realidad actual es que la mayoría de las casas de moda con un archivo histórico son reacias, por obvios motivos comerciales, a que alguien ajeno a su empresa lo consulte. Los más abiertos en este sentido, organizan exposiciones temporales buscando el efecto comercial, y para eso, los bocetos y creaciones más antiguas son activos de primer orden. Saben que su historia y su savoir faire, son un cauce extraordinario para posicionarse entre el público que valora la tradición como seña identitaria de una marca. Valerie Steele, directora del museo del Fashion Institute of Technology de Nueva York, subraya en el citado artículo de Wallpaper la creciente importancia de este aspecto para las casas de moda: “Fashion brands have realised that heritage is one of the most important selling points, they now see that by developing a archive they´re not just storing old clothes but rather investing in their cultural capital”.

Valentino, diseños de 1963

Una idea que está llevando a que muchas marcas recien nacidas se estén encargando de guardar todo su trabajo de una forma sistemática y ordenada, ya desde sus inicios. “ It´s all about finding a strong identity that can compete with other brands, and the past is seen as essential to do that”, apunta Farid Chenoune, historiador de moda. La idea de fondo es ir creando un background cultural identitario, ir remarcando el ADN de la marca, para que más que buscar referencias externas, fuentes de inspiración ajenas, se disponga de un fondo donde poder volver, unas referencias estables, para crear productos que aunque nuevos y diferentes, el consumidor identifique como propios de la marca. Más que copiar algo del pasado se trata de trabajar en la propia tradición.

En cualquier caso la labor de recopilación de la documentación creativa más antigua de una marca es una ardua tarea. Muchos diseñadores no se preocuparon nunca de guardar el esquema o la fuente de inspiración de su trabajo, y otros, o sus herederos, decidieron hacer limpieza. Valentino sin embargo, ha evitado todo ese trabajo posterior que habría que haberse hecho si él no se hubiese adelantado. Probablemente que lo saque a la luz ahora haya sido posible sólo porque no está en activo al frente de la marca Valentino. Para él es una forma de continuar estando con una presencia importante, y ahora desde una perspectiva distinta, en el mundo de la moda.

Valentino, 1967

Otra lectura interesante es la relacionada con el público y este tipo de exposiciones. Hay quien defiende que la entrada de la moda en los museos es importante porque es una forma de democratizar sobre todo la alta costura. Una manera de poner a disposición de la gran mayoría vestidos y trajes, inaccesibles de otra forma para ella. Probablemente las exposiciones de moda contribuyan a ello, aunque la democratización de la alta costura fue un proceso iniciado desde el momento en que aparecieron las primeras revistas especializadas. Las ilustraciones y la fotografía de moda publicadas en los Vogues y Harpers han sido el gran cauce para que el público interesado (se supone que el que acude a un museo de moda de alguna manera también lo es), se haya acercado a ese mundo y donde ha podido encontrar la información para ir a la moda. Comprándola si se lo podía permitir o copiándola, si no. Sin embargo, este proyecto de un museo online, con información accesible según las necesidades e intereses de cada cuál, es una nueva vía en ese camino de acercamiento de la moda al público como un bien cultural. "Archives are usually closed to the public, but here, you can decide exactly what you want to see" apunta Giacometti. Nada más democrático que abrir un archivo y utilizar Internet como medio para que quien quiera conocer pueda hacerlo. Es un proyecto sin precedentes que aporta un nuevo enfoque de lo que significa una marca de moda. Un enfoque mucho más divulgativo y menos comercial.

Spanish Fashion: The Faultless Tailoring

2011-10-26T23:53:00.002+02:00

Modelos de Pertegaz (izda) y Elio (drcha.) VOGUE 1967

Hace dos días entregaron a Elio Berhanyer el premio T de Telva por su trayectoria profesional. A propósito de la ocasión la revista publica en su último número una entrevista-reportaje al modisto. En ella Elio no disimula la pena por haber tenido que cerrar su taller “por la crisis”; "no me he retirado" dice, "me han echado". Sin embargo, para compensar, y probablemente para que las nuevas generaciones lo sepan también, recuerda con orgullo la época dorada de la alta costura española a la que él contribuyó de forma importante. Aquellos años en los que compartía páginas en las revistas americanas con Pertegaz, Pedro Rodríguez. Cuando el made in Spain vendía en los almacenes de lujo norteamericanos.

“Durante los 60 y 70 vendíamos muchísimas alta costura española. En Estados Unidos, por ejemplo, estábamos en grandes almacenes como Neiman Marcus o Bergdorf Goodman, las grandes publicaciones de moda venían a fotografiar nuestras colecciones… Fue un momento único en la historia de nuestra moda”

Anuncio de Cadillac mostrando un vestido de noche de Elio como reclamo (VOGUE 1957)

Abrigo de Elio Berhanyer (VOGUE 1964)

Sin pelos en la lengua, a la pregunta “¿qué sucedió para que todos echaran el cierre en 1978?” responde: “Que en 1974 un ministro de Franco decidió que la costura era un lujo que había que gravar con un impuesto, ¡nada menos que con el 60 por ciento sobre el bruto de la venta! Aquello fue nuestra ruina. Balenciaga había muerto en 1972 y nosotros tres aguantamos hasta el 78. Ese es el mayor daño que se ha hecho a la moda española.”

El impuesto a la moda no sólo se impuso en España y hubo además otros importantes factores económicos y sociales, nacionales e internacionales, que cambiaron el mercado de la alta costura para siempre. La crisis del petróleo de comienzos de los setenta, fue un duro golpe para un sector que ya en Francia vivía una lenta agonía. Pero al César lo que es del César… y ahí queda para la historia de la moda la impecable aguja de nuestros modistos más emblemáticos de los cincuenta y los sesenta. Entre ellos estaba Elio Berhanyer y ahora ha recibido un premio también por haber contribuido a elevar el made in Spain a un nivel único y que no se ha vuelto a repetir. ¿Cómo fue? Las fotografías del blog hoy ilustran esa presencia en las revistas internacionales. La inolvidable Diana Vreedland inventaba siempre sugestivos títulos para encabezar los reportajes de la moda española: "Great Tailoring", "The Faultness Tailoring"o "Super Tailoring" eran términos que acompañaba al "from Spain". Solía querer subrayar, poner el énfasis, en el impecable trabajo de patronaje y costura vinculado a la moda española, ese trabajo que en el fondo estuvo liderado e inspirado por la elevada técnica que había alcanzado Cristóbal Balenciaga. Su gran prestigio sirvió para abrir las puertas del mercado internacional a sus colegas españoles, y ellos, con su trabajo, hicieron el resto.

Contribuyeron a que la moda española se escribiera con mayúsculas.

Y Elio Berhanyer fue uno de ellos.

Vestidos de noche de Pertegaz y Elio Berhanyer (anuncio de I.Magnin en VOGUE, 1964)

"Balenciagas": just masterpieces

2011-10-21T16:48:00.004+02:00

Mrs Wrightsman wearing a pink Balenciaga deshabillé, as she stands in front of a painting by Georges de La Tour. (Photo by Cecil Beaton, VOGUE, 1964).

El arte y la moda han ido siempre de la mano. Cuadros, esculturas y edificios han sido inagotable fuente de inspiración para los grandes modistos de la historia. Ahí está la influencia de Mies van der Rohe en el "less is more" de Chanel, la literal interpretación de Mondrian y Van Gogh en los diseños de Yves Saint Laurent, o la continua referencia a Watteau en el trabajo de Christian Dior. La belleza que genera belleza o el sentido del gusto que inspira más gusto. Las grandes mecenas del mundo del arte, duchas en descubrimientos estéticos, han sido también las que más han sabido apreciar el arte tras un vestido. Ellas han cuidado siempre su vestimenta eligiendo un traje más por la línea o el color, que por la marca en la etiqueta.

Leyendo la prensa de estos días, a propósito de la presentación del proyecto del museo en la Universidad de Navarra, que construirá Moneo y que va a albergar una generosa donación de obras de arte contemporáneo de Josefa Huarte, decían que ella admiraba a Balenciaga. No es una casualidad, o una razón de amistad, o que en determinados círculos hubiera que vestir del modisto vasco. Es lógico que alguien que admiraba la geometría de un cuadro de Palazuelo, prefiriera la diferente y rotunda silueta de un traje de Cristóbal Balenciaga.

Ella no ha sido la única. Mrs Wrightsman, importante coleccionista de arte norteamericana, posaba así de orgullosa delante de su recien adquirido George Latour. Para representar el gusto por el arte, nada mejor que vestir algo especialísimo. Algo hecho por alguien que elevó el oficio del hilo y de la aguja a la categoría de arte. Cristóbal Balenciaga. Alguien que hacía cosas únicas y que se inspiró también en la indumentaria retratada por Velázquez, Goya, Murillo o Zurbarán. En la pintura española. Con ellos en mente, Balenciaga diseñó piezas que se exponen desde los setenta en museos de primera fila, como el MET.

¿La mejor colección de balenciagas del mundo? Está en el Museo Balenciaga. El sitio donde descubrir vestidos, capas y chaquetas que por su corte, proporción y perfección, también son obras de arte.

Masterpieces displayed at Getaria.

Britmanía con otro enfoque

2011-10-15T16:59:00.008+02:00

Harper´s Bazaar US, sep.2011

Con las próximas olimpiadas en Londres, lo británico se ha puesto más de moda que nunca. Pero no es lo que estás pensando. Olvida la onda transgresora y punkie, porque vuelve lo que es todo lo contrario. Esto de la moda es así. Lo que ayer nos parecía cursi, rancio y demodé, hoy, de repente, puede “tener un punto”.

El arte de dar la vuelta a eso de lo que siempre hemos huido.

Un botón de muestra: en las páginas de SModa hoy, el reportaje “La reina Isabel de Inglaterra, un icono de moda”. Nadie discute a estas alturas que su alteza real ha sido siempre fiel a su estilo, o al de su madre… Sin embargo, cuando esperábamos las fotos de alguna boda real o acontecimiento en Londres, nunca era porque estábamos expectantes por su look. Siempre nos ha parecido que iba a su bola, y que le daba bastante igual lo que se llevara. La misma versión en lugar de en amarillo pastel en turquesa claro. Los accesorios también con pocas variaciones. El bolso de mano, similar, a ser posible a juego con el resto, para no desconcertar demasiado, y calzado cómodo, comodísimo. En versión charol para las grandes ocasiones. Los guantes, indispensables, y el pelo, con las fieles ondas laterales por encima de las orejas; ese pelo que hemos mirado y remirado, para concluir que su majestad sigue durmiendo con rulos y redecilla.

SModa, 15oct2011

Pero parece que esa fidelidad a su estilo, tan particular, tan inglés de la vieja guardia, ha ido ganando fans, y que ya la moda de relacionar lo londinense con los enfant terrible está pasando también. El número de septiembre del Harper´s Bazaar americano dio el pistoletazo de salida con la tendencia, publicando un reportaje sobre Margaret Thatcher como icono de estilo, aunque para muchos continúe siendo "la innombrable". Con fotos, entre la broma y la ironía. Como la de Alexander Wang saludando a la falsa “dama de hierro”, recordando aquella famosa anécdota de la diseñadora Katherine Hamnett que fue a saludar a Mrs. Thatcher llevando en la camiseta una declaración de intenciones en contra de su política armamentística.

Harper´s Bazaar US, sep.2011

Pero era un reportaje para contar que la blusa de lazada con falda tubo, en esta onda del color block que nos acompaña desde hace un par de temporadas, es una tendencia con fuerza, y que vestirse de clásica inglesa, ya no es algo pasado.

Harper´s Bazaar US, sep.2011

Y ¿porqué no? porque lo han decidido las editoras de las principales revistas, entre ellas Anna dello Russo que dice ahora que le gusta Isabel II, y sobre todo sus joyas:o) . En el fondo, todo es una invitación al humor, siempre necesario, y especialmente ahora, cuando todos tenemos muchas ganas de huir de lo gris. Así que... coge un broche del joyero de tu abuela, y con un pañuelo en la cabeza estarás divina:o)

SModa, 15oct2011

Ungaro: una historia que continúa

2011-10-11T23:54:00.002+02:00

PV 2012

Colecciones de alta costura de Emanuel Ungaro (el original). izda, PV 2005 y drcha. PV 2002

A veces la economía lo hace todo demasiado cruel. Las idas y venidas de directores creativos de la casa Ungaro desde que su fundador se retiró en 2005, continúan. Del gran Emanuel, a Esteban Gortazar, Estrella Archs, Gilles Deacon, y ahora, Jeanne Labib-Lamour, una cara desconocida hasta ahora. No sabemos si ella será finalmente la directora creativa de la firma o si salió a saludar al terminar el desfile únicamente en representación de todo el equipo Ungaro.

La cuestión es, ¿el trabajo de todos estos diseñadores ha sido tan nefasta? La respuesta es no. Viendo de nuevo sus colecciones con perspectiva, la colección del otoño invierno del año pasado de Deacon, no estaba muy lejana de algunos looks de Tisci. Algunas prendas, incluso, estética y formalmente superiores.

Emanuel Ungaro FW 2011 (diseño de Giles Deacon)

¿Sin embargo porque Givenchy arrasa y Ungaro, no? Probablemente porque no es lo mismo trabajar en una marca que arrastra números rojos desde hace más de una década, y que en el fondo fue la razón de la retirada de Emanuel Ungaro. El intento de alianza empresarial con Salvatore Ferragamo, no fue suficiente para que la marca repuntara. Con esa alianza Emanuel Ungaro perdió su mayoría, y no estuvo de acuerdo con la visión de la moda de la familia Ferragamo. Le acusaban de no ser suficientemente comercial, y eso son malos mimbres para trabajar con un artista que fue discípulo, nada menos que de Balenciaga, y que después de fundar su propia Maison creó colecciones aplaudidísimas durante décadas. Historias que acaban mal. La paradoja de todos los diseñadores: lo hago por mi cuenta y diseño lo que me gusta, o…. para trabajar, busco la financiación económica a cambio de perder independencia ¿?

La última colección ha sido también buena. Una revisión de los estampados florales en seda que el Ungaro inicial utilizaba especialmente en sus colecciones de alta costura. El mérito del team Ungaro actual, en el que por tiempos algo también le corresponderá a Deacon (se anunció su salida pocas semanas antes del desfile de la PV 2012), ha sido convertir ese lujo refinado y exótico de Maison Ungaro en un look ponible y más fácil para el verano que viene.

A la espera de un nombramiento oficial, como seguimos esperando al de Dior, la historia de Ungaro continuará....

**Todas las fotos de style.com