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HECTOR ZAZOU R.I.P....... le trépas d'un savant fou de sons

noreply@blogger.com (jeanphilippe56) — Tue, 23 Sep 2008 17:41:00 +0000

Voici une bien triste nouvelle que celle-ci. Hector Zazou est mort le 8 septembre 2008 à Paris, dans sa soixantième année. Né en Algérie, Hector Zazou mariait avec talent musiques actuelles et musiques du monde. Il laisse une quizaine d'albums dont le dernier doit paraître dans quelques jours (le 6 octobre), "In The House Of Mirrors".
" In The House Of Mirrors", enregistré en Inde, scellera ainsi la trajectoire nomade d'un compositeur influent mais demeuré en marge de toutes classifications. Ce savant fou, dont les pièces montées frappaient et déroutaient, sera tant regretté par des chanteuses audacieuses comme Björk ou la Suissesse Laurence Revey (dont il a réalisé Le Creux des Fées) que par des figures de la world music tels Peter Gabriel, Brian Eno, John Cale, Manu Dibango, Lisa Gerrard, Ryuichi Sakamoto, David Sylvian, Asia Argento ou le Congolais Bony Bikaye avec lequel il signa en 1983 Noir et Blanc, œuvre-jalon de la fusion afro-électronique. Même les acteurs Gérard Depardieu et Richard Bohringer, que Zazou a fait chanter en 1992 pour un hommage à Arthur Rimbaud (Sahara Blue) devraient pleurer ce créateur insatiable. Zazou savait embrasser dans des souffles toxiques traditions et expérimentations, en traqueur de mélodies, de tons et de climats aux flux et reflux subtils.

Clip de Hector Zazou Elle Est Si Belle & Edo]

En 1976, sous le nom de ZNR (Hector Zazou au violon et claviers et Joseph Racaille) sort l'album "Barricades", un disque bizarroïde aux influences diverses: la musique de chambre, le krautrock, le piano d'Erik Satie. De l'avant-garde cérébrale. Ils sortiront une seconde plaque au titre léger "Traité de Mécanique Populaire". Son premier album solo sort en 1979 "La Perversita", de la musique érotique (sic!).Sa production sera abondante (plus de 20 disques) et éclectique. Hector n'a cessé de surprendre à chaque nouvelle oeuvre. "Noir et Blanc", en 1983, pose les jalons de la fusion afro-électronique. En 1991, il est lauréat aux Victoires de la Musique pour le CD "Les Nouvelles Polyphonies Corses". Ce disque signait la rencontre entre les chants corses a capella et des musiciens tels que John Cale, Manu Dibango et Ryuichi Sakamoto. En 1992, il produit "Sahara Blue", un hommage à Arthur Rimbaud sur lequel on retrouve Gerard Depardieu, Khaled ou Tim Simenon.Son approche novatrice lui vaudra le respect des musiciens les plus influents de cette fin du vingtième siècle. "Chansons des Mers Froides" le verra collaborer avec Björk (elle chantera en islandais pour l'occasion), Suzanne Vega, Siouxsie, Jane Siberry, Värtinna + quelques incantations de chanteurs Inuits ou Shamans.Son dernier album, plus electro/rock, "Corps électriques", avec notamment Nils Petter Molvaer à la trompette, est sorti en ce début d'année 2008. Crammed Discs devait sortir "In the House of Mirrors" enregistré à Bombay avec des instrumentalistes indiens et ousbèques, en octobre. La maladie l'a emporté de l'autre côté du miroir.

From 'Songs From the Cold Seas'. "Visur Vatnsenda-Rosu" with Bjork

Du rock impressionniste de ses débuts avec Joseph Racaille au sein de ZNR à son défrichage pionnier des traditions africaines au début des années 80, de l'exploration des musiques ancestrales de l'hémisphère Nord aux chants séculaires celtes, tibétains ou corses (Les nouvelles polyphonies corses, sacré aux Victoires de la musique 1992 grâce à la rencontre entre vocalises de l'île méditerranéenne et de musiciens actuels comme Ryuichi Sakamoto ou John Cale), de l'électro aux dissonances électriques, ses productions continueront d'illustrer une quête de textures novatrices.
Zazou a cherché aussi bien les mariages déraisonnables que les unions fusionnelles. De grands écarts qui ont participé à la notoriété internationale du natif de Sidi bel Abbès en Algérie. Strong Currents, album inouï paru il y a quatre ans, constitue un exemple emblématique de son travail sur les voix sidérales. Ce miroir langoureux du culte Chansons des mers froides (avec Björk et Suzanne Vega, 1994) réunissait les chants capiteux et méconnaissables de Laurie Anderson ou Jane Birkin.
Explorateur fasciné des musiques du monde, pionnier des expérimentations électroniques, amoureux des voix féminines et des quatuors à cordes, arrangeur délicat et amateur de rock étrange, Hector Zazou n'a cessé de surprendre à chaque nouvel album, naviguant entre les genres pour créer les mélanges les plus subtils.
Il fait partie de ces musiciens dont on ne sait plus s’ils pensent ou jouent le plus. "Ce qui m’intéresse, c’est le son même. Le moment où j’enregistre n’est pas le moment qui m’intéresse le plus", nous avait-il confié. Moyennant quoi, il joue de tous les instruments : "S’il faut souffler dans un truc pour produire un son, je veux bien le faire. Mais si j’enregistre une partie de guitare, je vais passer plus de temps à la travailler ensuite." Mais il parvient à devenir virtuose – un des meilleurs – d’un instrument que l’on utilise en général pour ses vertus d’habillage sonore, le theremin. "De temps en temps, j’en joue bien ; de temps en temps, j’en joue très mal. La machine elle-même a ses caprices…"

Avec Hector Zazou, on ne sait pas si c’est le premier des postmodernes ou le dernier des hommes de la Renaissance qui a disparu le 8 septembre. Touche-à-tout et avant-gardiste, élitaire et populaire, généreux et retenu, savant et instinctif, il laisse une œuvre singulière, rare, diverse, contrastée, une œuvre sur laquelle il est difficile de tracer des lignes de force et de cohérence, tant il a exploré de lieux variés dans les musiques populaires du XXe siècle. Le voyage de ce grand nomade des musiques aurait pu continuer à l’infini. La vie en a décidé autrement. Nous avons perdu un musicien unique au monde
Lors de la cérémonie funéraire, il y eut un instant magique et bouleversant. Sa dernière campagne, une jeune chanteuse, Lidwine de Royer, entonna a capella, d’une voix pure et aérienne, une des chansons favorites d’Hector, « The river of no return », jadis fredonnée par Marilyn Monroe dans le film du même nom, « La rivière sans retour ».
Les Anglais ont Peter Gabriel, les Américains David Byrne, les Français Hector Zazou", écrivit un jour Jean François Bizot. Une phrase souvent reprise dans les bios de Zazou, de même que cette citation d’Hector lui-même : « A quoi sert la musique, si ce n’est à changer le monde ? ».

http://www.musicoperator.com/
http://www.takticmusic.com/artistes/zazou/zazou_frames.html
http://www.crammed.be/news/index.htm

Hector Zazou: discographie
ZNR (Zazou-Racaille): Barricades 3 (RCA, 1976)ZNR (Zazou-Racaille): Traité de Mécanique Populaire (Invisible, 1978)Hector Zazou: La Perversita (Scopa,1979)Hector Zazou/Papa Wemba: Malimba (maxi Crammed, 1982)Zazou/Bikaye:Noir & Blanc (Crammed, 1983)Hector Zazou: Géographies (Crammed, 1985)Zazou/Bikaye: Mr Manager (Crammed, 1985)Hector Zazou: Reivax au BongoHYPERLINK "../../mtm/mtm.htm" \l "mtm2" (Crammed, 1986)W/ Ray Lema, Bony Bikaye, Kanda Bongo Zazou/Bikaye: Guilty (Crammed, 1988)Hector Zazou: Géologies (Crammed, 1988)Hector Zazou & Les Nouvelles Polyphonies Corses"(Universal, 1991)Hector Zazou : Sahara Blue (Crammed, 1992), w/Ryuichi Sakamoto, Gérard Depardieu, John Cale, Tim Simenon, Bill Laswell, Khaled etcHector Zazou : Songs From The Cold Seas (Sony, 1995) w/Björk, Suzanne Vega, Siouxsie etcHector Zazou & Harold Budd : Glyph (Crammed, 1995)Barbara Gogan & Hector Zazou: Made On Earth (Crammed, 1997)Hector Zazou: Lights In The Dark (Warner, 1998)Hector Zazou & Sandy Dillon: 12 (Las Vegas Is Cursed) (Crammed, 2001)Hector Zazou: Strong Currents (Materiali Sonori, 2003) w/Laurie Anderson, Lisa Germano, Jane Birkin etcHector Zazou & Bernard Caillaud: Quadri{+}Chromies (Taktic Music/Materiali Sonori, 2006)Hector Zazou : Corps Electriques (Signature/Radio France, 2008) w/Katie Jane Garside, Nils Petter Molvaer etc

Mort de Esbjörn Svensson (16/06/2008)

noreply@blogger.com (jeanphilippe56) — Wed, 18 Jun 2008 22:18:00 +0000

Le pianiste suédois, leader de la formation jazz Esbjörn Svensson Trio (EST) est décédé dans un accident de plongée ce weekend dans l'archipel de Stockholm. Les médias suédois ont rapporté qu'Esbjörn Svensson avait plongé avec un groupe, accompagné d'un instructeur dans la Baltique quand il a soudainement disparu. Âgé de 44 ans, il était marié et père de deux enfants
À la tête du Esbjörn Svensson Trio (E.S.T.), complété par le contrebassiste Dan Berglund et le batteur Magnus Öström, le pianiste a contribué à moderniser le jazz et à le rapprocher d'un public plus jeune. En s'inspirant des codes de la musique électronique, il a créé des compositions où s'entrelaçaient et se répétaient des motifs accrocheurs. On doit à Svensson d'avoir fait venir au jazz un public plus jeune en participant au renouveau du genre. Son groupe était un des rares de ce niveau à attirer vers le jazz des oreilles qui y étaient étrangères ou peu familières, sans jamais sacrifier aucune exigence ni sans jamais se lasser d'aucune exploration. On se souviendra d'un jeu très élégant, post-jarrettien dans sa mélancolie aqueuse et son mouvement vers la transe, et bien sûr des brèches qui se seront ouvertes dans le jazz, e.s.t. ayant incorporé l'électronique d'une manière qui ne fût pas d'agrément (tentation à laquelle succomba parfois Miles Davis), mais au contraire constitutive, au même titre que le choix de tel ou tel instrument, d'une esthétique finalement très pure. EST c'était un trio bien repésentatif du jazz de ces 10 dernières années, un jazz décomplexé, presque, qui ne craint pas de fleurter avec le rock, l'electro ou la pop, qui n'a pas peur de la popularité et du grand public, qui ne postule pas à tous coups une supériorité de la marge, du groupuscule ou de l'underground, un groove aussi sophistiqué qu’irrésistible et un grand sens dramaturgique sur scène. Du rock, E.S.T. récupèrait l'énergie, les mélodies accrocheuses pour l'oreille, et un certain sens du bidouillage électronique du son, et du jazz, il gardait l'exigence harmonique et rythmique, et le rôle centrale de l'improvisation, de l'aventure risque-tout tout-à-fond. Une popularité unique dans sa génération, qui mêle M. Tout-le-Monde et les lecteurs les plus exigeants de Jazz Magazine, jeunes ravers et nostalgiques du premier âge du jazz nordique…
Esbjörn Svensson etait un musicien nourri à des sources variées mais cohérentes : Keith Jarrett et le post-rock de Tortoise, le jazz-rock américain dans son versant le plus accessible comme quelques roideurs du jazz nordique…

E.S.T - from gagarin's point of vie
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On doit à E.S.T. un jazz limpide, riche et sobre à la fois, servi par un son très identifiable dû autant à l’originalité musicale qu’à un recours subtil à l’électronique – d’où des sonorités parfois audacieuses (« Carcrash », morceau de 18 minutes dans « Strange Place For Snow », 2002.). E.S.T.a produit une douzaine de disques (chez l’éditeur allemand ACT) dont « From Gagarin’s point of view » qui, en 1999, l’a fait connaître en France. Là comme ailleurs, l’audience du trio a souvent dépassé les seules sphères du jazz. En 2002 son album "Strange Place for Snow", a obtenu une série de récompenses jazzistiques, dont le Guinness Jazz in Europe Award et le prix international aux BBC Jazz Awards. En 2005, le trio de Svensson a obtenu une autre consécration en devenant le premier groupe de jazz européen à faire la "une" du prestigieux magazine de jazz américain Downbeat.

Esbjorn Svensson Trio - Dodge The Dodo
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Dans une époque de confusion et de médiocrité créative, ce trio de musicien suédois prouvait, depuis plus de dix ans, qu’il etait possible d’assurer un véritable parcours individuel et engagé grâce à une combinaison de piano jazz, de rock instrumental et (pourquoi pas) une touche d’éclectisme nord-européen. Dan Berglund, contrebasse et Magnus Öström, batterie, se retrouvent évidemment comme orphelins musicaux, même s’ils sont tous trois de la même génération ; même si le succès du groupe revenait à chacun d’eux qui, d’ailleurs, co-signait les compositions. Comme pianiste, Esbjörn Svensson se référait à Keith Jarrett et à Chick Corea, influences dont il avait su se démarquer. Il a aussi composé, exprès pour sa belle, la chanteuse Viktoria Tolstoy (arrière petite fille de l’écrivain russe), la musique d’un album, « Shining on you ».
E.S.T. venait d'achever la réalisation de "Leucocyte", douzième (et donc ultime) album du trio, pour le label allemand ACT. La sortie en était prévue le 26 septembre prochain. Nous l’écouterons la gorge serrée. "Musicalement, il était la lumière du monde, car son oeuvre faisait reculer les frontières. Il disait suivre la musique à l'intérieur de lui-même », a déclaré le gérant d'E.S.T., Burkhard Hopper. EST était un trio passionnant, riche d'une potentialité extraordinairement fertile . Potentialité qui a coulée lundi, au large de Stockholm...«

Site : http://www.est-...music.com/

Le son de demain de la semaine s’appelle MGMT

noreply@blogger.com (jeanphilippe56) — Sun, 15 Jun 2008 16:47:00 +0000

Ce qui est formidable dans le rock (qu'il soit des années 2000 ou de toute autre décennie), c'est qu'il y aura toujours une bande de gamins plus malins que les autres se réunissant dans leur garage pour cracher leur dégoût de la société, de l'ordre, de l'éducation, de leurs contemporains lobotomisés et qui sur ce terreau de frustration et de rejet vont faire jaillir un disque surpuissant qui va éblouir le monde entier. C'est là qu'arrivent les MGMT.
Sur leur pochette comme dans leurs clips, les deux MGMT ont des looks pas pensables, ils semblent appartenir à une espèce de communauté hippie attardée, ils ont l'air, malgré leur très jeune âge, d'avoir déjà consommé des quantités totalement déraisonnables de stupéfiants. Ah oui et ce sont eux deux qui ont entièrement de A à Z écrit, composé et interprété (voix, instruments) cet espèce d'OVNI musical pop-rock-électro-psychédélique.
Calmons tout le monde tout de suite néanmoins : « Oracular spectacular » n'est pas le chef-d'œuvre du siècle. Il est franchement inégal par moments, il y a un ou deux morceaux vraiment en dessous. Bref tout n'est pas réussi dedans. Seulement ce qui l'est, l'est dans des proportions stupéfiantes. Suffit de jeter une oreille sur l'invraisemblable single « Time to pretend ». Tout y est : des paroles parfaites (un hymne à la jeunesse comme on n'en avait plus entendu depuis... on ne sait même plus en fait), une rythmique énorme, mélange de guitare, de batterie et de sons électroniques, des voix superposées, une mélodie assez extraordinaire, un refrain qui tue, et une attitude de branleurs géniaux qui fait oublier à peu près tout ce qui se fait aujourd'hui. A ce jour, « Time to pretend » est de loin le meilleur single rock de l'année 2008, et m'est avis que ça va pas être facile de faire mieux.

MGMT - Time To Pretend (live at Later...)
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Mais on n'est pas encore au bout de nos peines. Derrière il y a un second single quasiment aussi parfait, le monstrueux « Kids ». Il y a le psychédélique « Weekend wars », le sensuel « The youth », un extraordinaire pastiche des Stones de la fin des années 70, « Electric feel », il y a le génial « Of moons, birds & monters » et son final instrumental planant. Tout du long le son est énorme, profond. La première écoute peut dérouter un poil : sur la lancée des deux singles, on s'attend à un album très rythmé, hyper entraînant, or la plupart des autres morceaux sont lents. Il faut donc plusieurs écoutes pour se laisser porter par ces titres qui prennent le temps de s'installer, de planter une ambiance, de monter en crescendo. Parce que oui, contrairement à l'énorme majorité de leurs contemporains donc, les MGMT sont de redoutables compositeurs de chansons (un truc comme « Time to pretend », fallait le sortir...).

Aussi, surtout allais-je dire (c'est là autant que sur les chansons qu'ils font vraiment la différence), comme tous les grands groupes de l'histoire du rock, les MGMT proposent un univers, un univers qui leur est totalement propre, et ça c'est fascinant. Non, encore une fois, ce disque n'est pas totalement génial, non il ne marquera peut-être pas définitivement l'histoire de la musique moderne. Néanmoins ce disque est addictif (quand il entre dans votre platine, plus moyen de l'en faire sortir), ce disque est puissant, ce disque vous donne envie d'exploser de rire quand on vous dit que les Libertines sont un groupe majeur. Et plus que tout, ce disque est vivant. Les MGMT sont d'aujourd'hui. Dans un an on les aura peut-être oubliés. Mais c'est ça aussi le rock. Le rock c'est la jouissance de l'instant, peu importe ce qui arrivera demain. De toute façon demain c'est loin comme disait l'autre. Les MGMT sont là aujourd'hui, pour éblouir le monde...

MGMT "Kids"
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MGMT, c'est un peu un condensé de ce qui se fait de plus audacieux en pop/rock/folk ces temps-ci. Porté par des échappées belles en pleine nature servies par une production ample et irréprochable, le premier album d'Andrew Vanwyngarden et Ben Goldwasser laisse pantois tant il parvient à brasser une diversité musicale impresionnante, évoquant autant Arcade Fire que The Klaxons, comme si Animal Collective avait décidé d'envahir les dance-floors. Parfois déroutante, la galette n'en demeure pas moins étonnante et inventive, flirtant aussi bien avec la pop planante et dansante (en témoigne le single Time to pretend, dont le clip laisse libre cours aux songes les plus irréels), qu'avec les "fausses" ballades magnifiquement orchestrées (écoutez plutôt 4th Dimensional Transition, qui porte bien son nom). Voilà une oeuvre qui, si elle n'est pas révolutionnaire, nous fait tout au moins continuer à penser que la musique populaire ne rime pas forcément avec formatage. Poétique et salutaire!

Les MGMT seront-ils capables de renouveler pareil exploit ? Car il faut aussi l'avouer, on distingue dans ce Cd quelques influences, quelques tics d'écriture, quelques arrangements que l'on trouvait chez les Bee Gees, Chic, Abba, les Pet Shop Boys, artistes certes talentueux, mais dont la simple évocation sur un dossier de presse suffit à plomber une carrière. Ou bien les MGMT donneront dans l'expérimental branché, dansant et foireux (la fin du Cd). Ou bien ils ne seront même pas foutus de sortir d'autre disque.
Alors voilà, on échappera difficilement à MGMT dans les mois à venir. Ils bénéficient de la puissance d’une major, écrivent des textes décalés (« Let’s make some music, make some money, find some models for life / I’ll move to Paris, shoot some heroin and fuck with the stars »), travaillent un look « nu-rave not dead », soignent leur caution indé (ils tournent avec Of Montreal et Yeasayer) et sont de la dernière net-mode avec leurs clips interactifs : bref, ce n’est plus du management, mais du marketing bien roulé. On peut difficilement en vouloir à MGMT à propos de leur soit-disant "je m’en foutisme" politique, ce serait un peu comme en vouloir à, disons, Tony Parker de ne pas fustiger la politique étrangère de Bush après chaque panier. Signe (syndrome ?) de l’époque, ce retour au son sirupeux et complaisant des 70’s est finalement une régression assez proche de Justice defendant un mix du pire des années 80, en totale déconnexion avec la dureté des temps (la derive Sarkozy pour les uns ; le bellicisme des Etats-Unis pour les autres).

MGMT - Electric Feel
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Album : MGMT - Oracular Spectacular - (Columbia)

http://www.myspace.com/mgmt
http://www.whoismgmt.com/

Sergio Mendes, sortie de l'album "Encanto", l'autre grand Serge est de retour

noreply@blogger.com (jeanphilippe56) — Tue, 03 Jun 2008 16:18:00 +0000

A 67 ans, c’est un nom incontournable de la musique brésilienne mais aussi tout simplement de la musique, 45 ans d'une carrière incroyable avec près de 40 albums (!) au compteur : une longévité qui laisse rêveur ! Avec une série de tubes planétaires, Sergio Mendes règne en pape de la musique populaire brésilienne.

Quant à l’acuité du maître, on peut dire qu’à l’écoute de son Encanto (« Enchantement ») on est sous le charme ! Loin de rester dans un style éprouvé, Sergio n’hésite pas à se frotter à la nouvelle génération de producteurs comme Will I Am pour un résultat haut en couleur. Sergio Mendes, à l’instar du compositeur Antonio Carlos Jobim, le guitariste Joao Gilberto et le parolier Vinicius de Moraes, est à l’origine du mouvement bossa nova qui tire son origine de la samba et qui a vu le jour à la fin des années 1950.
Qu’on ne s’y trompe pas, malgré quelques originaux, « Encanto » est en réalité un disque de reprises, ou plutôt d’adaptations. Entre rythmes de carnaval et mélodies nonchalantes, Mendes y arrange à sa sauce 100% soleil quatre titres phares du grand Carlos Jobim, mais aussi et entre autres le « Look of Love » de Burt Bacharach, déjà transformé en bossa langoureuse sur le cultissime album « Brasil ‘66 » il y a quarante ans. Le musicien, qui a co-produit ce projet avec Will.i.am des Black Eyed Peas, avec qui il avait déjà collaboré en 2006 , a confié l’interprétation de chaque chanson à différents artistes, dont Carlinhos Brown, Natalie Cole, sa femme Grancinha Leporace, Juanes et… Zap Mama, dont la reprise en français du standard « Waters of March » constitue d’ailleurs la seule faute de goût de l’album. Côté musiciens, le casting est tout aussi impressionnant. De quoi passer quelques bonnes soirées d’été.

Sergio Mendes "Encanto" EPK - International Version
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Pianiste de jazz, compositeur, il est parti de Rio de Janeiro, au milieu des années soixante, à la conquête de l'Amérique. En s’installant à Los Angeles il crée son groupe « Brasil 66’ » et mélange la bossa-nova et la pop musique avec des hits tel que « Mas Que Nada » ou « The Look Of Love ». Complice d’Herb Alpert, de Burt Bacharach et aujourd’hui en compagnie du rappeur Will I Am, il reste au sommet des artistes populaires. Depuis quarante ans, sur ses pochettes de disque, il affiche souvent un collier de barbe coupé net, une mèche proprette et un visage affable. Aujourd'hui, la barbiche s'est clairsemée, quelques rides sont apparues, mais le sourire de crooner latino reste intact. Sergio Mendes incarne le swing mâtiné de bossa-nova. Un genre qu'il a mis au monde à l'aube des années 1960 avec son groupe Bossa Rio, qui accueille alors Tom Jobim, João Gilberto ou Stan Getz. «Le plus beau moment de la musique brésilienne», dit-il. Son succès est immense, qui court jusqu'aux Etats-Unis et au Japon. Il est le meilleur ambassadeur des rythmes du Brésil. Mais il fait des jaloux et connaît plusieurs périodes pendant lesquelles le public ne le suit plus. Son pays lui reproche sa «jet-set pop» pour mamies de Las Vegas.
Stevie Wonder ou les Black Eyed Peas vous le diront : "avec lui, l'Amérique s'est crue à Copacabana". En 2006 Will I Am, leader des Black Eyed Peas réquisitionne Stevie Wonder, Justin Timberlake et Erika Badhu pour travailler avec Sergio Mendes.
"Dans les années 60, il y avait la musique hippie, la soul, le rock, le blues, le jazz. Et puis Sergio Mendes est arrivé en disant "Hé, vous connaissez la musique brésilienne?". C’est lui qui l’a importée aux Etats-Unis."

Sergio Mendes "Funky Bahia"

Sergio Mendes "Funky Bahia"
Here's the "Funky Bahia" music video by Sergio Mendes. "Funky Bahia" appears on the Concord Records album "Encanto," available June 10th, 2008 in the U.S. Available now internationally.
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Il y a quarante-ans, l'Amérique se convertit à la bossa. En 1966, Sergio Mendes devient avec Mas Que Nada le premier Brésilien à rafler la mise en squattant le top des charts américains.
Sergio grandit dans la banlieue de Rio de Janeiro. Fils de médecin, il suit gamin des études de piano classique.

"Je m'intéressais plus au football à ce moment-là. C’est quand j’écoutais du jazz que j’étais impressionné et un peu réveillé. J’ai commencé à écouter un peu tous les pianistes de jazz Horace Silver, Art Tatum, Bud Powel et tout ça, ça a changé ma vie. "
A la fin des années 50, Sergio Mendes fréquente les clubs qui bordent la plage de Copacabana. Il y découvre la bossa nova qu'Antonio Carlos Jobim vient d'inventer avec Chega de Saudade.
"Dans les années 60 à Copacabana, je jouais dans une boîte de nuit. Antonio Carlos Jobim est venu [...] On a travaillé ensemble des arrangements pour moi. On est
devenu très copain."
Sergio Mendes

Sergio Mendes - Mas Que Nada
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La Bossa Nova accompagne la révolution douce, initiée par le nouveau président brésilien Kubitschek, qui rêve de faire progresser son pays de 50 ans en cinq ans. À la fin des fifties, il fait sortir de terre à 1000 mètres d'altitude une nouvelle capitale ultra-moderne: Brasilia dessinée par l'architecte Oscar Niemeyer. L'ère du renouveau souffle sur le Brésil. La bossa nova en est l'ambassadrice.

"En 1962, il y a eu un concert de bossa nova au Carnegie Hall, à New York, c’est la première fois que je quittais le Brésil. Il y avait Antonio Carlos Jobim, Joao Gilberto. J’étais avec le Bossa Rio, et on a donné un concert. "
Grâce à ce concert, la fièvre bossa nova gagne l'Amérique. Dans la salle, Miles Davis et Ella Fitzgerald assistent au sacre de Joao Gilberto, Tom Jobim et Sergio Mendes.

Mas Que Nada featuring the Black Eyed Peas

Mas Que Nada featuring the Black Eyed Peas
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Pendant ce temps-là au Brésil, les militaires soutenus par la CIA liquident l'ère Kubitschek. Le 1er avril 1964, le coup d'état éclate, les tanks entrent dans Rio.
"J’ai un fils, Rodrigo, qui est né en avril 64, le jour de la révolution brésilienne. C’était un temps pas sympathique au Brésil. Et j’ai décidé de partir avec mon orchestre, m’installer à Los Angeles et commencer une vie là-bas."

En Californie, Sergio fonde un nouveau groupe, Brasil 66, et fait pénétrer le son lounge de la bossa, dans les foyers américains.

Sans complexe, Mendes revisite le répertoire anglo-saxon, des Beatles à Burt Baccharah et fait un tabac avec la reprise de The Look Of Love en 1968. Les stars d'Hollywood deviennent ses meilleurs amis. Il est même l'invité de la Maison Blanche.

Quarante-ans 40 après s'être frotté à la pop, Sergio Mendes récidive en relevant la bossa à la sauce hip-hop des Black Eyed Peas et de Will.I.Am.

Album : Sergio Mendes "Encanto" - Universal / Universal Music Division Ulm [universal]

Liens :
http://www.sergiomendesmusic.com/www.myspace.com/sergiomendes

La Rumeur contre Sarkozy: le marathon judiciaire se poursuit aujourd'hui 3 juin

noreply@blogger.com (jeanphilippe56) — Mon, 02 Jun 2008 23:30:00 +0000

Le nouveau procès en appel intenté par le ministère de l'intérieur contre Hamé aura finalement lieu le mardi 3 juin à 14h devant la Cour d'appel de Versailles.
Six ans que ça dure. Depuis 2002, le ministère de l'Intérieur s'oppose au groupe La Rumeur, et en particulier à Hamé qui répondra à la barre sous le nom de Mohamed Bourobka. Accusé d'avoir diffamé la police française dans un article et malgré deux relaxes, le rappeur va devoir s'expliquer une nouvelle fois devant la cour d'appel de Versailles ce mardi.
En entrant dans le tribunal, Hamé aura en main une pétition de soutien à La Rumeur au bas de laquelle figurent 10 000 signatures: une liste de deux cents pages qu'il déposera sur le bureau du juge en début d'audience. Les fans, encouragés sur le site du groupe à venir le soutenir, devraient également venir en nombre au rendez-vous.
Hamé arrivera avec cinq témoins qui se succèderont avec lui à la barre, au cours de l'après-midi: les deux historiens Jean-Luc Einaudi et Maurice Rajfus, le journaliste Grégory Protche, le sociologue et chercheur au CNRS Jean-Pierre Garnier ainsi que la linguiste Dominique Lagorgette. Ces cinq intellectuels l'ont aidé à élaborer une défense d'ordre politique et prouver, comme en première instance puis en appel, que le contenu de son article est historiquement fondé.

Hamé
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L'affaire a débuté en juillet 2002. Nicolas Sarkozy, alors ministre de l'Intérieur, dépose une plainte contre Hamé. Le rappeur est accusé de "porter atteinte à l'honneur et à la considération de la police nationale". L'objet du délit est une article de 3 pages titré: "Insécurité sous la plume d'un barbare", écrit par Hamé et publié en avril 2002 dans le petit magazine gratuit édité par le label de son groupe, "La Rumeur Magazine".
Le fanzine accompagnait la sortie de "L'Ombre sur la mesure", le premier album de La Rumeur. Le litige porte sur trois phrases de cet article, dont celle-ci: "Les rapports du ministère de l'Intérieur ne feront jamais état des centaines de nos frères abattus par les forces de police sans qu'aucun des assassins n'ait été inquiété."
Après avoir été relaxé à deux reprises, en première instance, le 17 décembre 2004, et en appel, le 22 juin 2006, Hamé est renvoyé, contre toute attente, par la Cour de cassation -via l'arrêt du 11 juillet 2007- devant la cour d'appel de Versailles. Hamé, joint au téléphone, explique:
"Le lien de cause à effet, entre la nomination toute récente, au moment du procès, de Nicolas Sarkozy aux plus hautes fonctions de l'Etat et ce renvoi en cassation de l'affaire après deux relaxes, ne fait aucun doute pour moi."
"Politiser un débat jusqu'ici confiné dans la sphère de la recherche universitaire"
Hamé n'aura certes pas été le premier rappeur à avoir tenu des propos considérés comme diffamatoires qui le conduiront devant les tribunaux -avant lui, Ministère Amer et NTM ont été condamnés en 1995.
Mais Hamé est le premier d'entre eux, soutenu par l'ensemble des quatre autres membres de La Rumeur, à vouloir se servir de son procès "pour ouvrir publiquement et politiser un débat jusqu'ici confiné dans la sphère de la recherche universitaire". Ce mardi, Hamé se dit déterminé à tenter une nouvelle fois de faire bouger les lignes:
"Il s'agit de refuser que soit considéré comme diffamatoire le fait de critiquer publiquement les épisodes des massacres du 17 octobre 1961, de la station Charonne ainsi que les nombreuses bavures perpétrées à l'encontre de jeunes issus de l'immigration dans ce qu'on appelle les quartiers à partir des années 80."
"La nouveauté dans notre système de défense sera d'aborder l'article incriminé en tant qu'objet littéraire s'inscrivant dans une tradition bien française, en l'occurrence celle du pamphlet. Pour démontrer qu'avec ce texte, je ne viens pas de nulle part, mais que je m'inscris dans une tradition, et que je suis enraciné dans une réalité sociale, historique, culturelle et artistique française.
"Nous avons décidé de mieux démontrer et affirmer que nous avons toute légitimité à faire ce que nous faisons et à dire ce que nous disons. Et c'est essentiel, car en nous intentant ce procès on nous signifie qu'on n'est pas autorisé à s'exprimer sur le plan politique."

La rumeur - Tout le monde en parle
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"Le groupe de rap le plus structuré intellectuellement que j'ai eu à défendre"
Titulaire d'un DEA en audiovisuel et en sociologie des médias, Hamé est donc résolu à assumer la dimension politique du procès. Son avocat Dominique Tricaud declarait d'ailleurs il y a un an à Libération:
"C'est le groupe de rap le plus structuré intellectuellement que j'ai eu à défendre, d'une intelligence exceptionnelle."
"Depuis trois ou quatre décennies s'est forgée dans ces quartiers une mémoire collective qui est traversée et ensanglantée par les crimes policiers et les violences policières racistes demeurés impunis. Ces cinq témoins vont m'aider à prouver que les humiliations policières à répétition font bien partie du quotidien pour un certain nombre de ces jeunes."
Quelle que soit l'issue de ce procès, Hamé et La Rumeur sont déterminés à aller jusqu'à la Cour européenne des droits de l'homme, pour que soit reconnue leur "légitimité à s'exprimer". Ils ne se font pas d'illusion et savent qu'"il faudra un certain nombre d'affaires comme celle-ci pour qu'on puisse un jour parler librement de ces périodes sombres de l'histoire de France".
"Avec les frais de justice, on aurait pu financer deux ou trois albums"
En attendant, les pertes financières occasionnées par ces démêlés avec la justice fragilisent les finances de leur jeune label, La Rumeur Records, comme tient à le préciser Hamé:
"Avec l'argent investi dans cette bataille juridique, on aurait pu financer deux ou trois albums ou deux ou trois tournées ou produire un jeune groupe. Mais nous avons dû consacrer ces vingt mille euros à nos frais d'avocat."
"L'équation "médiatisation du procès" = "explosion des chiffres de vente de disques" ne se vérifie pas dans notre cas, même si un nouveau public nous a découvert à la suite de cette affaire. Mais nous ne nous plaignons pas, car on estime que c'est aussi un des rôles de La Rumeur que de livrer ce genre de combats."
A la fin du reportage tv réalisé au moment de la condamnation de NTM, qui date de1996, Jack Lang déclarait:
"Au moment où on va faire entrer André Malraux au Panthéon, je ne peux pas ne pas me souvenir que des censeurs de tout poil avaient demandé au ministre de l'époque d'interdire la pièce de Jean Genet 'Les Paravents', qui mettait en cause les militaires pendant la guerre d'Algérie.
"Et André Malraux leur a répondu avec vigueur: 'Il faut réfléchir à deux fois avant de décider de jeter la liberté par la fenêtre'. Malraux avait conclu: 'Je choisis la liberté.' Et je choisis, à l'image de Malraux, la liberté."

La Rumeur - L'Ombre sur la Mesure
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Vous pouvez apporter votre soutien à La Rumeur en signant le texte d'appel ci-dessous. La liste des signataires viendra s'ajouter au dossier de la défense.

Nous artistes, intellectuels, et citoyens, nous déclarons solidaires du groupe de rap La Rumeur, poursuivi avec acharnement et malgré deux relaxes, depuis cinq ans par le ministère de l’intérieur pour avoir publié un texte mettant en cause les violences policières depuis plusieurs décennies en France.

Nous le faisons au nom du principe fondamental de la liberté d’expression. Mais aussi parce que nous estimons qu’il est urgent que s’ouvre enfin un débat sans tabou sur les pages sombres de l’histoire de la police française.

La justice doit reconnaître qu’il n’est pas diffamatoire de revenir sur les massacres d’octobre 1961, de Charonne, ou les bavures commises depuis les années 80.

Premiers signataires : Noir Désir, Mouss et Hakim (Zebda), Kader Aoun, Jacky Berroyer, Benjamin Biolay, Cali, Esther Benbassa (directrice d'études à EPHE-Sorbonne), Denis Robert (écrivain), Olivier Cachin (journaliste), Christophe Honoré (réalisateur), Raphaël Frydman (réalisateur), Erik Blondin (gardien de la paix), Geneviève Sellier (universitaire), Philippe Manoeuvre (rédacteur en chef de Rock & Folk), Bruno Gaccio (auteur), Lydie Salvayre (écrivain), François Bégaudeau (écrivain), Bernard Comment (écrivain, éditeur) ...

Plus d'infos sur :
http://la-rumeur.com

Merci a Clotilde Monteiro de Rue89 (http://www.rue89.com/)

Nouveaux ou a venir

noreply@blogger.com (jeanphilippe56) — Fri, 30 May 2008 20:46:00 +0000

Vivons tout nus avec Sigur Rós

Attention ça va aller très vite. A l’heure où vous lirez cet article la vidéo ne sera peut-être déjà plus disponible. Car le groupe islandais Sigur Rós surprend avec son nouveau clip Gobbledigook, dans lequel tout le monde est nu et communie avec la nature (oui, c’est beau). On se doute que les sites de partage de vidéos vont être submergés de demandes de censure, sachant que même le compte Youtube officiel du groupe n’a pas pu poster son clip. Pas la peine d’essayer de se réfugier derrière l’expression artistique… Sinon fort heureusement, le clip est visible sur le site officiel du groupe (encore heureux). N’hésitez pas à poster des liens où la vidéo est disponible, histoire de voir qui sont les sites courageux… Il y a aussi Facebook pour le moment : http://www.facebook.com/video/video.php?v=20013278377
Les Islandais de Sigur Ros ont inventé un rock expérimental complètement singulier.
Après un premier album, "Von", sorti en 1997, Jon Thor Birgisson (guitare, chant), Georg Holm (basse) et Agust (batterie) publient "Agoetis Byrjun" en 1999. Ethéréé, spatiale et spéciale, la musique de Sigur Ros traverse les frontières et reçoit la possibilité de jouer en première partie de la tournée de Radiohead en 2001 ainsi que de celle de Godspeed You! Black Emperor.

En 2002, Sigur Ros sort "( )", album qui a la particularité d'être chanté envolenska, une "langue" inventée par Birgisson, proche de l'islandais au niveau phonique, mais dénuée de sens. Les séries signifiantes sont à découvrir dans une lecture sonore propre à l'auditeur. Plus brut, difficilement accessible, cet album d'ambiances rock et electro se vend néanmoins particulièrement bien dans le monde, notamment aux Etats-Unis et en Angleterre. En 2005, le groupe revient avec "Takk...", suivi de "Hvarf - Heim" en 2007.
Une musique novatrice et planante au lyrisme froid : le frisson Sigur Ros
Les islandais viennent d'annoncer la sortie de leur cinquième album pour le 23 juin 2008 ("Með suð i eyrum við spilum endalaust" qui pourrait apparemment se traduire par "Avec ce bourdonnement dans nos oreilles, nous jouerons éternellement")
"Gobbledigook" en est le premier extrait (downloadable gratuitement sur leur site).

Sigur Ros - Gobbledigook réalisé par Arni & Kinski (si la video a été censurée, allez ici : http://www.sigurros.com/dvd3.asp___________________________
Rythmes tribaux, chant aérien, guitare acoustique... ce titre ressemble à une promenade en terre d'innocence... avec des références évidentes à piocher du coté d'ANIMAL COLLECTIVE.

Vous pouvez en ce moment télécharger ce morceau gratuitement sur le site de Sigur Ros. Sigur Rós sera en concert le 6 juillet à Arras (62) et le 15 août à Saint-Malo (35)

http://www.myspace.com/sigurros

http://nybatteri.free.fr/

http://www.sigur-ros.co.uk/

Ratatat (touille) - LP3 nouvel album

Ratatat est un duo New-Yorkais composé de Mike Stroud (guitariste) et d'Evan Mast (multi-instrumentiste) qui se spécialise dans le rock instrumental. Ratatat, c'est surtout un numéro incongru qui tranche dans le circuit rock actuel, où tant de groupes guitare/basse/voix interchangeables sont bien rangés dans leur petite case. Enfin... rock ? Pas si sûr. À l'instar de Tv On The Radio et son génialissime Wolf like me, le groupe résulte plutôt de la fusion de rock et du hip hop (avec en plus une touche de synthé et d'effets), une sorte de kaléidoscope stylistique où toutes les influences diverses et variées se mélangent pour nous livrer des morceaux psychédéliques à tendance électronique. Rien de bien compliqué pourtant, les accords sont relativement simples et peu nombreux, les riffs souvent saturés, et les effets sûrement issus de processeurs et autres ordinateurs... Bien que Ratatat soit ancré dans la communauté rock, on pense parfois au Daft Punk en pleine crise de copier-coller à l'époque de Discovery.
La première qualité de Ratatat est donc de ne ressembler à rien de connu (ou éventuellement à l'hurluberlu japonais Zongamin mais comme il n'est lui-même pas très célèbre, cela ne compte pas). C'est aussi un groupe sans chanteur, ce qui est pour le moins original, le rock instrumental, contrairement à la techno, au jazz ou au hip-hop, n'étant plus si fréquent depuis la fin des années 60, la dissolution des Shadows et la triste mort de Link Wray. Quant aux groupes de musique ambiantale, brièvement regroupés sous la bannière «postrock» (Tortoise, Godspeed...) à la fin des années 90, certes ils ne nourrissaient pas non plus de chanteur en leur rang, mais les airs solaires et fanfarons de Ratatat ne sauraient leur être rattachés. Un titre comme Tropicana évoquant bien plus le monde enchanté de la pop psychédélique expérimentée par les Beatles aux cours des années 60 que celui des groupes dépressifs nés après la mort du grunge.
De toute manière, est-il possible de ranger Ratatat dans une quelconque famille, hormis celle, chaque jour plus importante (Herman Düne, Grandaddy, Sebastien Tellier, Arab Strap, TV on the Radio...), des hurluberlus à barbe de trois jours ?
Le prochain album de Ratatat va être disponible le 8 juillet et il va s’intituler “LP3“. Ils avaient déjà sorti le simple Shiller et voici que le second simple Mirando pointe le bout de son nez en vidéo.

Ratatat - Mirando
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http://www.ratatatmusic.com

http://www.myspace.com/ratatatmusic

Joseph Arthur - Lonely Astronaut (new song)

Que peut-on attendre de Joseph Arthur en 2008 ? A l’écoute de son précédent album, "Let’s Just Be", on a envie de répondre : pas grand-chose… Mais voilà, le songwriter est productif et alors que son prochain disque "All You Need Is Nothing" se profile à l’horizon pour le mois d’août, Joseph Arthur nous propose une série de trois EPs plutôt bien garnis. "Could We Survive" est le premier d’entre eux.

Lonely Astronaut est un nouveau et excellent morceau du grand Joseph Arthur diffusé sur son blog et sa page MySpace.
Quant à l'album, All You Need Is Nothing, il devrait être disponible le 5 août.

http://www.josepharthur.com/

http://www.myspace.com/josepharthur

Phoenix renait

Les Phoenix viennent de produire un nouveau morceau gratuit pour soutenir l'association "Action Contre La Faim". Le morceau n'est pas transcendant mais il permet de nous faire patienter jusqu'à la sortie du nouvel album du groupe cette année.
4 ans après leur envol "United', les petits frenchy ont fait parler d'eux, toujours associés à cette image (devenue fréquente ces derniers temps) "Versailles-Air-Coppola Connection", d'où ils puisent leur Source.

Phoenix Twenty-one one zero Preview
by -DestroyX-

Phoenix Twenty-one one zero Preview
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http://www.wearephoenix.com/

John Zorn/Lou Reed/Laurie Anderson - The Stone : Issue Three

noreply@blogger.com (jeanphilippe56) — Fri, 30 May 2008 19:46:00 +0000

Né à New York en 1953, John Zorn a joué de plusieurs types d'instruments avant d'étudier le saxophone et la composition à l'Université de Webster à St-Louis au début des années 70. Musicien-compositeur-producteur, enfant terrible de la musique américaine postmoderne, il est devenu un des artistes les plus influents de « l'avant-garde ». Il a composé de nombreuses ouvres explorant une grande variété de genres parmi lesquels le jazz, le rock, le punk, la musique classique, l'improvisation sans oublier la musique de films.
Vers la fin des années 80, il fonde le groupe Naked City composé de Bill Frisell à la guitare, Fred Frith à la basse, Wayne Horvitz au clavier, Joy Baron aux percussions et Yamatsuka Eye pour la partie vocale. Dès les premiers enregistrements du groupe légendaire fondé par Zorn, la transgression des genres atteint de nouveaux sommets. En 1991, il forme un autre célèbre groupe de jazz expérimental, Painkiller, avec Mick Harris et Bill Laswell.

Dans les années 90, il fonde Tzadik dont le premier grand coup a été la publication des 10 disques réalisés en studio de son quartette Masada, son grand projet de recherche sur l'identité culturelle juive. Le groupe Masada formé principalement autour de Joy Baron (batterie), Greg Cohen (basse) et Dave Douglas (trompette) a pour objectif de transfigurer le klezmer en « culture juive
radicale ». Une musique exploratoire où le klezmer de ses racines juives se conjugue au free-jazz.

En 30 ans de carrière, John Zorn est toujours demeuré fidèle à une démarche sans concession. Malgré son statut de musicien touche-à-tout, il a su garder la ligne dure. Le Festival international de musique de Victoriaville l'a invité à 12 reprises depuis 1988 avec des formations de tout acabit. Zorn voyage et joue régulièrement sur scène, avec son groupe ou d'autres collaborateurs, aux États-Unis, au Japon et en Europe

Troisième épisode discographique d’un projet conçu pour subvenir au fonctionnement du Stone, le club de la scène downtown new-yorkaise dirigé par John Zorn, The Stone : Issue Three réunit aux côtés du prolifique saxophoniste, Lou Reed (guitare électrique) et Laurie Anderson (violon et machines), pour un concert avant-gardiste enregistré en comité réduit. Un set sobrement décomposé pour le besoin du disque en trois parties, elles-mêmes subdivisées en plusieurs mouvements au gré des improvisations mutuelles.
Ce troisième volume documente les frasques improvisatoires de ZORN et du couple REED / ANDERSON du 10 janvier 2008 pour trois sets qui, vu l'exiguïté du lieu et la renommée des intervenants, affichèrent complet longtemps à l'avance. Ici trois extraits sulfureux : un violon contemporain, un saxophone déchiré entre les slaps et les squeaks, et une guitare rageuse et saturée. Soit le son d'un New York transgénérationnel - le type même de rencontres qu'on n'aurait osé imaginer ! -, recouvrant un demi-siècle d'expérimentations et dont le génie et la subversivité en scellent à jamais le propos. Malaxée au son des instruments, 48 minutes durant, la matière musicale bouillonnante de The Stone : Issue Three met la frousse, subjugue, ravit, déroute, place l’auditeur au cœur d’un no man’s land musical subversif, qui n’est rien d’autre que la création à l’état pur.

Acoustic Masada (2006) - Tharsis
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Album : John Zorn/Lou Reed/Laurie Anderson - The Stone : Issue Three - label Orkhêstra TZ 0004 - 2008

http://www.tzadik.com

Sébastien Tellier - Divine - Eurovision & la polimique de la langue

noreply@blogger.com (jeanphilippe56) — Fri, 30 May 2008 19:37:00 +0000

C'est la Russie qui a remporté le 53e concours de l'Eurovision. Le candidat français, Sébastien Tellier, se retrouve dans les limbes du classement (18e sur 25, ex aequo avec la Suède). L'interprète de "Divine" a été desservi par une réalisation catastrophique, qui a été incapable de correctement filmer sa mise en scène décalée (une arrivée en voiturette de golf, notamment).

Sebastien Tellier - Eurovision 2008 [Divine] France
envoyé par bywere

Sebastien Tellier - Eurovision 2008 [Divine] France
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C’est Sebastien Tellier, chanteur electro-pop au penchant avéré pour les costumes couleur crème, à la croisée entre Chabal et Raël, qui nous a représenté, après avoir emporté l’investiture lors du traditionnel concours télévisé de sélection sur France 3. La chanson choisie, Divine, est une petite bombe joyeuse très electro-pop justement (voir le clip ci-dessus). Mais quand on constate qu’en face, on a un Chikilicuatre Espagnol, voire Dustin, une dinde qui braille sur de la techno pour représenter l’Irlande (je ne plaisante pas…), on est quand même en droit de se demander qu’est ce que Tellier est allé foutre dans ce bourbier… On peut imaginer que le côté kitch du programme couplé à la mission divine (je sais…) de représenter la France devant l’Europe des ménagères de moins de 50 ans, ont su exciter le bonhomme, peut-être en mal de reconnaissance par le grand public en France…
Enfin, toujours est-il qu’en terme de visibilité au moins, il en aura tiré quelque chose. Car, ce qu’il y a de bien en France, c’est que lorsqu’il s’agit de musique, on a toujours un député UMP pour la ramener. On avait eu François Grosdidier, qui avait eu la brillantissime idée au lendemain des émeutes de l’automne 2005, de présenter un texte de loi visant à condamner des rappeurs comme Monsieur R, ou des groupes comme 113, Lunatic ou encore Minister Amer (tous deux déjà dissous à l’époque, trop fort le Grosdidier) pour certains propos amers envers la France allant même jusqu’à dire de ceux-ci “cela conditionne et c’est ce qui fait passer à l’acte”. On en rigole encore… Cette fois, le problème est de nature différente pour François-Michel Gonnot qui se plaint comme c’est pas permis:
“Nombre de sociétés imposent l’anglais comme langue de travail à la place du français, la Commission européenne vient de supprimer le français de ses publications statistiques, et le summum vient d’être atteint avec le 53 ème concours Eurovision de la chanson où notre pays sera représenté par une chanson …en langue anglaise, « Divine », du chanteur français Sébastien Tellier”
Franchement on croit rêver… On a donc des députés qui n’ont rien d’autre à foutre que de se pencher sur le fait que la chanson qui représentera la France sera interprétée en anglais. Alors oui, c’est une première pour la France… Et alors? Même si ce n’était pas du tout le but, on peut au moins arguer que pour une fois, on aurait fait un effort pour se faire comprendre par nos voisins. Et puis dans le fond, en français, en anglais ou en moldave, faut pas déconner, il n’y a rien de gratifiant à gagner l’Eurovision… Enfin, toujours est-il qu’au final, les Anglais se foutent bien de notre tronche, car comme le souligne Henry Samuel, le correspond du journal anglais The Telegraph :
“Divine aura provoqué la controverse dans un pays sensible en ce qui concerne l’empiétement de la culture anglo-américaine sur sa langue et son art”
Mais le plus notable, est ce qui se passe au sein même de la scène musicale française, comme le souligne Sébastien Davet, dans un article tres instructif (Le Monde, 13 avril 2008) : « […] c’est un fait : le rock français chante de plus en plus et de mieux en mieux en anglais. » Davet nous cite quelques artistes sans complexes : « The Do, Cocoon, Moriarty, Syd Matters, HushPuppies, Soko, Fancy... » et ceux qui avaient ouvert la voie avec la french touch techno (Daft Punk, Air, David Guetta, Justice ou Martin Solveig) .

The Do
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Le fait est que si The Do, Scenario Rock (précurseurs de fusion disco-électro–rock) ou Solveig font une carrière internationale, c’est parce qu’ils chantent en anglais et que si des groupes géniaux et innovants comme Noir Désir ne sont connus que dans quelques pays limitrophes (Litfiba en Italie s’était inspiré du style des Bordelais) et que par quelques fans du genre, c’est parce qu’ils chantaient plutôt en français.
Bon, que des groupes chantent en anglais, ce n’est pas nouveau ni honteux en soi, mais c’est surtout un certain état d’esprit qui est nouveau. Ecoutez plutôt, toujours tiré de l’article de Davet : «[…] Pas simple pourtant pour ce type d’artistes de s’imposer, alors que des quotas de 40 % de chansons francophones sont imposés, depuis 1986, dans les radios en France. « Nous rentrons en concurrence avec tout le répertoire anglo-saxon, regrette-t-il. Cela nous ferme presque totalement les portes des radios.» […]». Encore un peu et on sortirait nos mouchoirs. On croit vraiment rêver ! La langue française est menacée jusque dans son fief et on regrette les quotas ! Mais heureusement que ces quotas existent. Sinon, on en serait à la situation qui prévaut en Belgique, où aucun groupe de rock digne de ce nom ne chante plus dans sa langue natale (dEUS, Hoverphonics et Girls in Hawaii pour les plus connus).

www.myspace.com/telliersebastien

www.sebastientellier.com/

Petites decouvertes entre amis : Tegan and Sara

noreply@blogger.com (jeanphilippe56) — Wed, 28 May 2008 19:25:00 +0000

J’ai découvert ce groupe canadien dans la série L Word avec le morceau "So Jealous". Pourtant il ne date pas d’hier puisqu’en 2007, les filles ont sorti leur 5ème album, "The Con". A noter qu’on retrouve aussi Tegan and Sara sur la BO de la série médicale "Grey’s Anatomy".
L'univers des soeurs Tegan Rain et Sara Kiersten Quin, alias Tegan & Sara, est assez unique en son genre. D'abord parce qu'elles sont canadiennes, ce qui les place potentiellement sur une liste composée de Céline Dion, Robert Charlebois, Malajube et Sum 41. Mais aussi parce qu'elles sont jumelles, ce qui rend leur duo atypique et paradoxalement complémentaire ; les deux soeurs composent d'ailleurs leurs chansons séparement. The Con est leur cinquième album, produit par Tegan & Sara avec Chris Walla (des Death Cab for Cutie)
Sucrées, espiègles, touchantes ou enjouées, les voix des deux sœurs traversent des paysages pop, folk et indie flirtant parfois avec l’acoustique. Quelques claviers viennent de temps à autre « power popiser » l’ensemble sur des tempos généralement doux (« The Con », « Knife Going In »). Pas de fioritures donc et des paroles personnelles qui prennent tout leur sens lorsque la musique s’efface derrière le chant. Il faut écouter l’album à plusieurs reprises pour ressentir toute l’émotion de ces petites mélodies sans prétention mais diablement subtiles (« Floorplan »). On s’arrêtera sur les imparables « Back in Your Head », ou encore le touchant « Nineteen » qui vous accrochent sans jamais vous lâcher.

J'ai gardé la chanson titre de l'album, The Con, pour la fin, tout simplement parce que j'adore ce titre. C'est difficile d'expliquer pourquoi, et j'en connais beaucoup qui n'hésiteront pas à dire que c'est de la soupe, mais je suis amoureux de ce morceau, de sa structure, de la voix, des paroles, de l'interprétation... [2] Il s'agit du deuxième single (et accessoirement du titre qui m'a permis de découvrir le duo), et sans doute le morceau le plus "produit", sans pour autant perdre son charme. On retrouve une trame commune avec les autres titres de l'album : une interprétation impeccable qui fait vraiment passer les émotions, jouant sur toute la gamme possible, sur des mélodies et des rythmes qui changent de ceux qu'on à l'habitude d'entendre.
Notons les apparitions de Matt Sharp (Death Cab For Cutie) et de Hunter Burgan (AFI), gages certains de qualité pour ce petit bijou d’à peine 36 minutes. Toujours dans la veine de leurs précédents albums, Tegan and Sara agitent nos tympans de droite à gauche puis de gauche à droite, lentement, fraichement, sûrement. Les sœurettes restent fidèles à leur pop/indie subtile.

Tegan and Sara - The Con
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Tegan and Sara - Burn Your LIfe Down
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Album : tagan and sara - the con - Label : Superclose Music

http://www.teganandsara.fr/
http://www.myspace.com/teganandsara
http://www.teganandsara.com/

Seun Kuti & Egypt 80 "Many Things" premier album du petit dernier, la Fela Zion d'un musicien hors père....

noreply@blogger.com (jeanphilippe56) — Wed, 28 May 2008 07:51:00 +0000

En 1997, une figure majuscule des musiques noires meurt en Afrique, a 58 ans. Le chanteur et saxophoniste nigérian Fela Anikulapo Kuti, créateur - avec l'apport rythmique déterminant du batteur Tony Allen - de l'afro-beat, un mélange bouillonnant de funk, de soul, de rhythm'n'blues, de jazz et de musique ghanéenne (highlife). Ce jour-là, l'Afrique est secouée de sanglots et baignée de larmes. Le continent a perdu son plus célèbre musicien, le créateur de l'afro-beat, mais aussi le «Black President», comme on a surnommé cet irréductible adversaire des dictateurs nigérians. Fela le frondeur. Fela le guide spirituel. Une sorte de Gandhi croisé de Bob Marley et de Malcolm X. Pour avoir dénoncé la malédiction qui frappe l'Afrique - la corruption - il fut embastillé et tabassé un nombre incalculable de fois.
Quelque vingt années plus tard, Seun, le plus jeune de ses trois fils, publie Many Things, un premier album dont le son, la pulsation, la voix, l'intensité dansante et véhémente ressemblent à s'y méprendre à la musique de Fela. Il faut désormais compter avec Seun, le nouveau prince de l’Afro beat. Le benjamin du plus célèbre chanteur du Nigeria livre cette semaine son premier album : Many Things.
Dès les premières notes, l’on reconnaît la marque de l’Afro beat, un groove énergique et lancinant, des cuivres généreux, triomphants, l’héritage du célèbre Fela Anikulapo Kuti (1938-1997). La musique et les voix se ressemblent. L’orchestre du père, Egypt 80, est celui du fils. Et Seun Kuti, qui sort à 25 ans son premier album,ne renie pas son auguste filiation. « Je suis très inspiré par mon père. Nos individualités sont différentes, mais la musique reste la même », a-t-il affirmé à Afrik.com lors de son denier passage à Paris, en avril dernier. Il sait qu’il lui faudra du temps pour se faire un prénom, mais certains passages de son disque annoncent un renouveau.

Le jeune homme joue depuis son plus jeune âge, initié au chant, au saxophone et au piano par Fela et les membres de son orchestre. Il a effectué de nombreux concerts à travers le monde ces dernières années, mais sans enregistrer d’album. Une lacune à laquelle son public grandissant lui a demandé de remédier. Après bien des péripéties rencontrées au cours de sa recherche d’un producteur, c’est avec Tôt ou Tard, un label français, qu’il a signé son premier opus. C'est un révolté, comme papa. Seun chante le grand chef de la police, arrêté parce qu'il vole, et demande : «Mais alors, si le chef de la police est un voleur, qui va arrêter les voleurs?» Bonne question, fiston. Tout est bon dans le Kuti. Il chante bien, il danse bien, seul son jeu au sax n'atteint pas à celui de son père.

Seun Kuti - Many Things (Many Things, la chanson-titre de l'album où l'on entend les voix des anciens présidents (Obasanjo) et vice-président (Atiku) du Nigeria, ironise sur les propos des dirigeants africains persistant à dire que tout va bien, se flattant d'avoir fait de grandes réalisations pour le pays, "alors que rien n'a changé". "Je me dois de dénoncer tout cela", martèle Seun Kuti.)
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Enregistré à Lagos, Many Things est produit par Martin Meissonnier, le premier qui a fait venir en France Fela, puis King Sunny Adé, autre grande figure musicale du Nigeria. Le disque gronde des mêmes fondamentaux que ceux qui animaient Fela et agitent Femi, le fils aîné, découvert en France en 1988 au festival Musiques métisses d'Angoulême. Certes, comme son père, Seun joue du sax, danse, joue avec les Egypt 80 (dont certains des membres pourraient être ses grand-parents !)... Et la musique qu'il fait s'inscrit clairement dans la lignée de ce que faisait Fela - contrairement à son frère Femi. La ressemblance et la filiation ont quelque chose d'assez déroutant, même si quelques différences sont évidentes - surtout idéologiques (Fela était un "panafricaniste", Seun se définit comme un "blackist", plus généralement porté sur la cause noire, donc).
Mais, comme le montre la photo du tatouage sur son dos, cf. ci-dessous, Fela lives !!

Je m'adresse à ceux de ma génération et leur demande de réagir contre la corruption des politiciens qui ne pensent qu'à s'enrichir et oublient les besoins basiques de la population : électricité, eau courante." Si les gouvernants, au lieu de se remplir les poches, se souciaient d'installer l'eau courante et des canalisations, il n'y aurait pas d'eaux croupissantes où pullulent les moustiques, vecteurs de la malaria qui fait encore plus de ravages que le sida en Afrique, suggère le chanteur dans Mosquito Song, composé en 2005 pour le festival Roll Back Malaria, organisé par Youssou N'Dour à Dakar. Seun a aussi boycotté l'élection présidentielle d'avril 2007, exhortant les Nigérians à ne pas voter: «C'était la première fois depuis l'indépendance, en 1960, que le Nigeria avait l'espoir de voir un président démocratiquement élu - Olusegun Obasanjo - succéder à un autre. En réalité, Obasanjo avait tenté de modifier la Constitution, en 2006, pour obtenir un troisième mandat... Même s'il a échoué, il est parvenu, grâce à une élection truquée, à garder le pouvoir en faisant élire Umaru Yar'Adua, sa marionnette! La fraude a été massive. Dans certains bureaux de vote, comme celui de mon quartier, il y a eu deux fois plus de votes que d'électeurs et une centaine de personnes ont avoué avoir falsifié les bulletins!» Femi et Seun décrivent le Lagos d'aujourd'hui comme un gigantesque Bronx postnucléaire. Des voyous se faufilent sous les voitures, dans les embouteillages, pour arracher un fil électrique puis extorquer de l'argent pour la réparation. «Les Nigérians n'ont plus aucune estime d'eux-mêmes. La corruption ne choque plus personne! s'exclame Femi. Comme je le chante dans Traitors of Africa, le dictateur Ibrahim Babangida [qui a dirigé le Nigeria de 1985 à 1993] a volé 23,5 milliards d'euros dans les caisses de l'Etat. Parallèlement, malgré nos immenses ressources pétrolières, le revenu moyen d'un Nigérian est de 300 euros par mois, alors que le coût d'une année scolaire est de 1 800 euros!» Seun se prépare à fonder un parti politique: «Je voudrais que les gens se rendent compte qu'ailleurs il existe des moyens de transport publics et même un système de sécurité sociale. Qu'ils sortent de cet état d'hébétude où les plongent la misère et le fanatisme religieux!»
Lorsqu'on demande aux deux frères (Femi et Seun) pourquoi ils restent dans ce pays à la dérive où chaque jour ils risquent leur vie, Seun répond: «Je demeurerai toujours fidèle au combat de mes ancêtres. C'est dans mes chromosomes. Un proverbe yoruba dit: "Le fils du tigre reste un tigre."» Femi, lui, renchérit: «Je n'ai pas peur. Et je n'ai pas le droit de trahir le surnom que je porte, celui que mon père s'était choisi pour défier le destin. En yoruba, "Anikulapo" signifie "Celui qui avance avec la mort dans sa poche".»

Les thèmes abordés dans cet album sont très politiques. La corruption, la guerre, la violence, des maux qui minent l’Afrique et que dénonçait Fela en son temps. C’est que, selon Seun, entre les années 80 et aujourd’hui, rien n’a changé. Au contraire, les choses ont empiré partout, estime-t-il, à commencer par le Nigeria, son pays, où « 1% des habitants possède 90% des ressources » et le pouvoir local est une véritable « mafia ». Une situation catastrophique qui, à l’opposé de nombreux autres artistes, l’empêche d’être fier de son continent : « Je ne suis pas fier d’être africain, je ne suis pas fier d’être originaire du continent mendiant ! ».
Seun Kuti juge que les déchirements et les échecs que connaît l’Afrique tirent leur source de la colonisation et des traumatismes induits par cette tragédie. « Les Africains ont été humiliés et rejetés pendant longtemps. Depuis la période coloniale, ils sont considérés comme des esclaves, des individus de seconde zone, des déchets. (…) Aujourd’hui, cette mésestime de soi fait partie de la psychologie des Africains, chacun l’a en soi… », diagnostique-t-il. Pour le musicien, l’Afro beat et son message restent l’un des meilleurs moyens de combattre ce mal, de faire les Africains prendre conscience des injustices et des travers de leurs dirigeants, de leur redonner confiance en eux-mêmes. Une véritable thérapie. Fela laisse derrière lui le souvenir d'un homme félin, beau et magnétique. De l'avis général, Seun Kuti, chanteur et saxophoniste, est la réincarnation de son père.

Concerts : le 26 mai à Paris (Bataclan), le 31 à Dijon (Festival Tribu), le 5 juin à Châtellerault (Festival Jazz à Châtellerault), puis festivals d'été et tournée française en octobre.

Album : Seun Kuti & Egypt 80 - Many Things - label Tôt ou Tard

liens : http://www.myspace.com/seunkuti

2 petites nouveautés glanées sur le web : "le corps mince de françoise" et "five o'clock heroes feat agyness deyn"

noreply@blogger.com (jeanphilippe56) — Tue, 27 May 2008 20:11:00 +0000

LE CORPS MINCE DE FRANCOISE

La pop électro de "LE CORPS MINCE DE FRANCOISE" est fraîche, sucrée et stimulante.
Musicalement plus proche de CSS que des "artique" Monkeys, ce jeune groupe Finlandais dégage une énergie solaire et oxygénante.
On espère un EP ou un album bientôt.

http://this.bigstereo.net/2008/05/07/le-corps-mince-de-francoise/http://lcmdf.blogspot.com/

Le Corps Mince de Françoise - Cool and Bored
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Le Corps Mince de Françoise - Bitch of the Bitches
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Five O'Clock Heroes feat. Agyness Deyn

Alors que les fashionistas ne parlent que d’elle, Agyness Deyn ne compte pas se limiter au milieu de la mode. La belle anglaise que les spécialistes surnomment déjà la «nouvelle Kate Moss» souhaite se lancer dans la chanson. Mais attention, pas de ballades sirupeuses et commerciales au programme. La star des podiums se lance dans le rock, le vrai. Agyness Deyn a même enregistré son premier simple avec le combo new-yorkais Five O’Clock Heroes. Après avoir collaboré avec le groupe, Agyness Deyn a déclaré qu'elle avait monté son propre groupe baptisé Gene Jacket.
Le jeune mannequin,la jolie Agyness Deyn, s'est éloignée des podiums le temps d'enregistrer un morceau (Who) avec le groupe new-yorkais Five O'Clock Heroes. Le supermodel bat même des cils dans le clip. Je n'ai qu'une envie : la manger !!!!!

Who - Five O'Clock Heroes feat. Agyness Deyn
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http://www.thefiveoclockheroes.com/
www.myspace.com/fiveoclockheroes

Peter Gabriel: "Le modèle payant est dépassé" interview

noreply@blogger.com (jeanphilippe56) — Tue, 27 May 2008 10:28:00 +0000

Peter Gabriel n'est pas qu'un musicien de talent. C'est aussi un businessman à la pointe des nouvelles technologies. (Reuters)
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Peter Gabriel, "Personnalité de l'année du Midem 2008", n'est pas venu au grand marché international de l'industrie musicale les mains vides. Pionnier des musiques du monde, entrepreneur avant-gardiste passionné par la révolution Internet, l'ancien membre fondateur de Genesis défend sa nouvelle plateforme de téléchargement de musique, We7, basée sur la gratuité, en échange de la publicité.

Vous semblez plutôt stimulé par la révolution Internet, à la différence de l'ensemble des acteurs de l'industrie musicale...
Oui pour moi il s'agit d'une opportunité excitante plutôt qu'un désastre. Pour les artistes, le Net permet de toucher les masses avec très peu d'argent. Au niveau de la distribution, c'est fantastique. J'espère voire une grande révolution venir : il existe des possibilités nombreuses de changer le contenu, la nature même de la musique produite, avec beaucoup plus d'audaces et d'expérimentations, pas forcément guidées par les impératifs économiques. Car Internet offre une vitrine inédite pour les musiciens dits "marginaux" Et donc une plus grande liberté de création pour des artistes qui peuvent produire et diffuser leur musique par leurs propres moyens. J'aime cette idée que les artistes auront peut-être un peu plus de travail, mais plus de liberté aussi. Reste la question centrale, le public est-il prêt à encore acheter des disques ? Oui, les succès de Mika ou Amy Winehouse le prouvent.

Après OD2, créée en 2000 - bien avant I-Tunes -, vous avez lancé en juin dernier We7, une plateforme de téléchargement de musique gratuite financée par la publicité. Vous ne croyez pas aux sites payants?
Pour les jeunes, le modèle payant est dépassé. Ils ont grandi avec Internet et n'entendent pas débourser un centime pour de la musique. Aujourd'hui, le prix de la gratuité passe par la publicité. Et je ne suis pas un adepte fervent de la publicité, loin de là. Mais comme elle est partout, pourquoi pas sur des sites de téléchargement où elles seront moins nombreuses que sur les radios ou télés commerciales. Sur mon site, quand un internaute télécharge un titre, il verra apparaître une publicité sur son écran. Mais la "nuisance" sera temporaire puisque la pub disparaîtra au bout de quatre à six semaines après le téléchargement du titre. A l'arrivée, vous gardez la musique sans la pub. Cela me semble une solution acceptable, la seule pour garantir la gratuité à l'internaute et assurer un revenu aux artistes.

Il s'agit de publicités ciblées obtenues grâce à des données personnelles des internautes. Quid de la protection de la vie privée?
C'est un problème. Il faudrait toujours garder l'option pour l'internaute de communiquer ou non des données personnelles. Mais il ne faut pas oublier un fait important: l'ère de la sphère privée est aujourd'hui révolue. A Londres, nous avons plus de caméra dans la rue que dans n'importe quelle autre ville au monde. Si je veux chercher des informations sur une personne, il suffit de faire un tour sur les réseaux sociaux comme Myspace et surtout Facebook...

Des maisons de disques sont déjà intéressées?
Des labels indépendants surtout comme V2 et Sanctuary (tous deux rachetés par Universal). Une major serait également intéressée... Nous en sommes au début de l'aventure mais nous avons déjà 1,3 millions de connexion pour 80.000 titres disponibles, dont des morceaux de Herbie Hancock, Coolio et des artistes plus confidentiels mais passionnants.

Et les annonceurs?
Michael Moore pour son film SiCKO, le premier à nous faire confiance. Sony Ericsson aussi et quelques autres qui tentent l'aventure. Michael Moore m'a dit que ce type de publicité se révèle aussi efficace que les pubs au ciné.

A terme, les maisons de disques vont-elles devenir obsolètes?
Non. Mais elles doivent apprendre à travailler différemment. Un petit groupe de grandes maisons de disques ont dicté les règles, cette époque est révolue, la situation s'est inversée. En outre les maisons de disques regorgent de gens passionnés, et ils doivent être utilisés à bon escient, dans des structures plus flexibles où ils seront plus efficaces que dans ces grands monstres monolithiques. Mais j'en suis convaincu, les maisons de disques existeront toujours. Radiohead a fait une belle opération avec son nouvel album : laisser l'internaute fixer le prix du CD. Mais dans le même temps, ils ont mis en vente un très beau coffret avec deux CD, un livre avec des visuels et des bonus pour 40 livres. Je l'ai acheté d'ailleurs. Et aujourd'hui, leur album est aujourd'hui distribué par une maison de disque.

Vous avez pensé quoi du dernier album de Radiohead?
Je suis fan, j'adore leur détermination à briser les frontières et à continuer à explorer. Cela me rappelle les débuts du rock progressif.

Vous avez prévu de sortir votre album cette année?
Franchement, à mon âge, je m'en fous. Je le sortirais quand il sera prêt. Je vais aussi attendre de voir l'évolution de la situation avec EMI pour me décider.

EMI traverse effectivement une crise avec la fronde d'artistes comme Robbie Williams et Coldplay, le départ des Rolling Stones et le plan de rigueur de Guy Hands (patron du fonds de pension italien Terra Firma qui a racheté EMI), lequel menace de virer les artistes non rentables...
J'ai grandi dans une ferme. Mon père faisait écouter de la musique à ses vaches et je peux vous garantir que le lait produit était de bien meilleure qualité que celui du voisin qui, lui, tapait ses vaches. Si vous voulez du bon lait des artistes, il faut s'en occuper et bien les traiter, avec respect. Guy Hands a du multiplier les rencontres avec des businessman, mais peu avec des artistes. Je pense qu'il ne les comprend pas vraiment, il semble même en avoir peur. Mais le business est basé sur le travail des artistes.

La tournée de Genesis l'été dernier ne vous a pas donné envie de rempiler avec vos anciens camarades?
Je n'ai même pas eu le temps de les voir. Mais je n'ai rien contre une reformation, ce n'est pas hors de question.

- Reprise de l'interview accordée au JDD le 27 janvier 2008 par Eric MANDEL
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Le chanteur Peter Gabriel s'apprête à lancer cet automne un nouveau disque intitulé Big Blue Ball.

noreply@blogger.com (jeanphilippe56) — Tue, 27 May 2008 09:04:00 +0000

L'ancien chanteur du groupe Genesis aura mis 15 ans avant de compléter ce nouveau CD.
Le chanteur a débuté son travail d'enregistrement au début des années 90. Gabriel a expliqué sa démarche artistique au magazine Billboard : « L'idée était de mettre ensemble des musiciens de partout dans le monde et de voir ce qui se passerait. »
L'enregistrement de Big Blue Ball a duré 3 ans. Le chanteur poursuit : « Les rubans ont été laissés dans le désordre et il a fallu du temps pour les ranger. »
Peter Gabriel est celui qui chantera le plus sur ce nouveau disque, mais il a aussi demandé à Sinead O'Connor, Karl Wallinger de World Party, Natacha Atlas et Papa Wemba de collaborer au disque.
La date exacte de la sortie de Big Blue Ball n'est pas connue, mais il est assuré que le disque sera lancé cet automne.

Peter Gabriel - Whole Thing [new song from Big Blue Ball + video]
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“ Je ne veux pas devenir une rock star stéréotypée, qui n’a plus comme raison d’être que de flatter son ego”, expliquait Peter Gabriel au moment de quitter Genesis. Cet engagement, il l'a toujours tenu : il reste en effet un des artistes les plus personnels, les plus novateurs, les plus entreprenants de la scène rock, un des plus respectés aussi.
On a l’impression que Peter Gabriel travaille lentement. C’est sans doute parce qu’il travaille beaucoup, et dans des domaines très variés.

Peter Gabriel est une éponge. Prophète avant l’heure de la World Music avec son label Real World, producteur d’une tonne d’artistes aussi divers que Les Tambours du Burundi ou Sheila Chandra, Peter Gabriel croise les influences et les collaborateurs, mélange les genres, mixe les cultures avec une élégance et une facilité déconcertante. Peu d’artistes peuvent se vanter d’absorber un tel melting-pot culturel et musical et d’en ressortir des albums d’une telle cohérence.

Peter Brian Gabriel est né à Cobham dans le Surrey, le 13 mai 1950. L'année 1966 marque le début de la carrière musicale de Peter Gabriel. Avec des copains de classe de la Charterhouse Public School, il monte un groupe dont il devient le chanteur : The Garden Wall. Le pianiste s'appelle Tony Banks et le batteur Chris Stewart. Avec l’arrivée de Mike Rutherford et d’Anthony Phillips, The Garden Wall devient Genesis.
Au début des années 70, c'est Peter Gabriel qui assume la direction musicale du groupe, tout en lui donnant son originalité théâtrale et son identité visuelle. De "TRESPASS" en 1970 à "THE LAMB LIES DOWN ON BROADWAY", entièrement écrit par Peter en 74, Genesis est un des groupes anglais les plus populaires, qui triomphe aussi bien chez lui, en Angleterre, qu'aux Etats-Unis. Genesis s'est imposé comme l’un des grands noms du rock mondial. En mai 75, lorsque Peter Gabriel annonce qu’il s'en va, la nouvelle fait l’effet d’une bombe. Ce départ est une surprise pour tout le monde, sauf pour les autres membres du groupe. Peter leur avait fait part de sa décision longtemps auparavant : il ne supportait plus d’être l’unique point de mire et se sentait à l’étroit dans son rôle de showman. De plus, son départ a été hâté par des raisons d'ordre personnel.
Cette rupture à l’amiable est pour Peter l’occasion de se retrouver et de prouver aux autres, mais surtout à lui-même, qu’il est un vrai musicien. En février 77, il revient avec un premier album solo, intitulé simplement “PETER GABRIEL” et produit par Bob Ezrin.
Ce premier album solo reçoit un très bon accueil de la critique et reste un des grands classiques de l’année 77.

Peter Gabriel n’est pas vraiment satisfait de son premier album solo, et c’est à son ami Robert Fripp, l’ancien leader de King Crimson, qu’il confie la réalisation du suivant, intitulé également “PETER GABRIEL”, qui paraît en mai 78.
C’est un travail original, très expérimental où Robert Fripp pousse Peter dans ses derniers retranchements. Le résultat est une musique nouvelle et dérangeante que seul le public européen plébiscitera.
En 1980, sur son troisième album, Peter pousse encore plus loin l'expérimentation, notamment la technique toute nouvelle de l'échantillonnage. Encore novice en la matière, il a préféré faire mettre en forme ses idées par un maître du genre, le producteur vedette de la new-wave, Steve Lillywhite.
Avec ce troisième album qui ne porte toujours pas d’autre titre que son nom, Peter Gabriel est N°1 en Angleterre. Le 45-tours “Games without frontiers”, dont les choeurs sont assurés par Kate Bush, est N°4. C’est sur ce troisième album de Peter Gabriel que l’on trouve “Biko”, un titre dédié à la mémoire du militant noir sud-africain Stephen Biko, mort en 1977 dans des conditions controversées après un interrogatoire musclé par les services de sécurité de son pays. C’est une chanson importante, qui incitera beaucoup de musiciens à réfléchir sur la condition des prisonniers de conscience.

En septembre 1982, le quatrième album de Peter Gabriel porte un titre, “SECURITY”, mais seulement aux Etats-Unis. Peter a trouvé son équilibre. A l’image du 45-tours “Shock the monkey”, il réussit brillamment la synthèse entre instruments traditionnels - voire primitifs - et technologie de pointe. Désormais confiant dans ses possibilités musicales, il veut se lancer dans d’autres activités : il organise chez lui, à Bath, le premier festival WOMAD (World Of Music, Art & Dance) qui a pour but de promouvoir les musiques du monde entier.
Le festival Womad, que Peter Gabriel vient d'organiser, est un désastre financier qui le ruine. Pour l’aider à se renflouer, Genesis accepte de donner un concert unique le 2 octobre 82 dans sa formation légendaire : Peter, Steve Hackett, Phil Collins, Tony Banks et Michael Rutherford. Mais l'idée de départ ne vient pas de Peter.
"Non, je crois que c'était une idée du manager Tony Smith et de Genesis. Les sommes en cause dépassaient de loin ma fortune personnelle. Ils ont donc proposé, très généreusement; de me venir en aide avec ce concert. Et c'est ce qui a permis à WOMAD de continuer et ça, c'est très important."

peter gabriel - growing up (live)
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Ce show historique est suivi d’une grande tournée de Peter Gabriel aux Etats-Unis et au Canada. Elle permet de retrouver le génial showman, celui dont les innovations scéniques seront souvent copiées : il est le premier, dès 1977 et bien avant Bono, à descendre chanter parmi les spectateurs. Il est aussi l’inventeur du “stage diving”, le plongeon dans la foule, qu’il pratique chaque soir sur “I go swimming”.
Témoin de cette période folle, le double “PETER GABRIEL PLAYS LIVE” sort en juin 83 et va être suivi d’une longue pause. Peter a toujours refusé de produire des disques sur commande, de la même façon qu’il n’organise que rarement des tournées pour en assurer la promotion. Cela lui donne une indépendance que l’on ne rencontre que peu souvent dans ce métier. Mais il n’en reste pas pour autant inactif.
En 1984, Peter Gabriel écrit et interprète “Walk through the fire” pour la bande originale du film “Against all odds”. Il compose aussi “Out out”, un passage musical peu sérieux qui est associé au coup de folie des Gremlins dans le film qui porte le même titre.
Mais son premier travail important pour le cinéma, il le réalise pour “BIRDY”, le film d’Alan Parker. Ce disque instrumental qui date de 1985 marque les débuts de la collaboration, pour ce qui concerne la production, entre Peter et Daniel Lanois.
Tout en prenant le temps de participer à l’enregistrement du “Sun City” de Little Steven, Peter Gabriel s’attelle alors à la préparation d’un nouvel album. Un premier titre, “Sledgehammer”, parait en avril 86, illustré par une superbe vidéo. Il se classe N°2 en Angleterre et N°1 aux Etats-Unis.
En septembre 87, à la cérémonie des MTV Video Awards, "Sledgehammer" truste les prix. Sur les vingt trophées proposés, Peter Gabriel en empoche dix : meilleure vidéo, meilleure vidéo masculine, meilleur concept, meilleure performance, meilleurs effets spéciaux, meilleure direction artistique, meilleur montage et meilleure mise en scène pour Stephen Johnson. En plus, il obtient le prix de la vidéo la plus expérimentale et le Van Gaird Special Award.
Entre temps, en mai 86, est paru l'album "SO", le premier album de Peter Gabriel à porter véritablement un titre, le premier aussi dont la pochette ne le représente pas défiguré ou grimé.

Grâce aux succès conjugués de "Sledgehammer", "Big time" et "In your eyes", l’album “So” se classe N°1 en Angleterre et N°2 aux Etats-Unis, où Genesis est à ce moment même N°1 avec "Invisible touch" : il est difficile de ne pas faire le rapprochement.
Un autre moment fort de l’album "So" est le duo Peter Gabriel - Kate Bush sur “Don’t give up”. Ce titre a été inspiré à Peter par une émission télévisée qui traitait des effets du chômage sur la vie de famille. Il a transposé tous ces éléments lors de la grande dépression américaine, et il a utilisé les couleurs du gospel et de la country, ainsi que la voix de Kate Bush, après avoir d’abord envisagé de faire appel à Dolly Parton.
Installé à Bath, vieille cité balnéaire du sud-ouest de l’Angleterre, Peter Gabriel investit l’argent qu’il a gagné dans le studio Real World qu’il a conçu comme une banque de données de sons et d'images. C'est une sorte de coopérative dont les utilisateurs, techniciens et artistes, sont également les partenaires.
Le 11 juin 88, à Wembley, Peter participe au concert qui célèbre le 70ème anniversaire du leader noir sud-africain Nelson Mandela. Puis il prend part à la tournée mondiale organisée par Amnesty International pour le 40ème anniversaire de la Déclaration Universelle des Droits de l’Homme. A ses côtés : Bruce Springsteen, Tracy Chapman, Youssou N’Dour et Sting. Peter Gabriel, en français puis en anglais, nous explique pourquoi il a choisi de s’impliquer dans cette tournée baptisée “Human Rights Now” :
"Je pense que c’est très important que nous parlions ici des droits de l’homme. Parce que, s’il y a une voix universelle, je pense que la musique c’est une langue universelle. Je pense qu’on peut l’utiliser de cette manière. La musique ne peut pas changer le monde, mais elle a le pouvoir de faire passer l’information. C’est aux individus ensuite de décider s’ils veulent ou non le changer. Nous pouvons prouver aux gouvernements qu’il y a un réel pouvoir derrière la Déclaration, car les jeunes sont les politiciens et les hommes d’affaires de demain. C’est comme une graine qu’on met en terre. Il ne se passe rien jusqu’à ce qu’il pleuve. Dans ce cas, la pluie c’est la volonté des individus."

Peter Gabriel-Downside Up (live)
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Peter Gabriel apparaît ensuite sur l’album de Youssou N’Dour, “The Lion”, en juin 89. Il signe la musique et les paroles anglaises de “Shakin’ the tree”, une chanson qui soutient la lutte des femmes sénégalaises et qui, au-delà, est dédiée à toutes les femmes de la planète.
Autre aboutissement des idées mondialistes de Peter, la création, en collaboration avec l’association Womad, du label Real World. Ce label a pour ambition de promouvoir des artistes et des musiques du monde entier, qu’ils soient traditionnels, modernes ou d’avant-garde. Cet œil ouvert sur le monde dépasse, et de loin, la simple curiosité. Parallèlement, Peter Gabriel participe à de nombreuses tournées pour Amnesty International et enfantera dans la foulée une superbe b.o pour « La Dernière Tentation du Christ » réalisé par un certain Martin Scorsese. Grrammy du meilleur album new age en 1989...
"Aujourd'hui en Europe, dans la nouvelle Europe, sans doute à cause de notre passé colonial, la France, l'Angleterre, l'Espagne, le Portugal, nous avons de nombreux liens avec tous ces pays et nous accueillons d'importantes communautés d'immigrés. Bien sûr, il y a le racisme, mais ce mélange de cultures est aussi une grande richesse. Pour moi, si quelqu'un a du talent, s'il a quelque chose à dire dans quelque art que ce soit, il est essentiel qu'il ait un public, quel que soit son pays de naissance, quelle que soit la couleur de sa peau, quelle que soit sa langue."

Depuis sa création, Real World a notamment accueilli le Pakistanais Nusrat Fateh Ali Khan, les Cubains de Orchesta Reve, Afro Celt Sound System et l’Ougandais Geoffrey Oryema. Pour inaugurer le label, cinq albums paraissent simultanément le 5 juin 89 : deux sont des albums de Peter Gabriel, “PASSION SOURCES” et “PASSION”, la bande-son du film très controversé de Martin Scorcese, “La dernière tentation du Christ”. "Passion" est un album d’atmosphères, entièrement instrumental, inspiré par des musiques venant d’horizons très différents et que l’on retrouve sur “Passion sources”.
Outre sa participation à l’album collectif “One world, one voice”, il a créé “Witness”, une organisation qui fournit des caméras vidéo ou d’autres moyens d’enregistrement à ceux qui veulent dénoncer les atteintes aux Droits de l’Homme dans le monde.
Il a mis sur pied avec Brian Eno et Laurie Anderson un parc interactif, le “Real World Experience Park”, installé à Barcelone. Et il s’occupe toujours du festival Womad qui a lieu tous les ans depuis 1982. Peter Gabriel s'intéresse aussi aux grands singes, les Bonobos, qu'il est allé étudier en Géorgie.
Annoncé par le titre "Diggin' in the dirt" et co-produit par Daniel Lanois, "US" paraît le 22 septembre 92 sur le label Real World. Sur cet album attendu depuis six ans, on ne s’étonnera pas de trouver des musiciens arméniens, turcs, kénians, sénégalais, russes et égyptiens, au côté du groupe plus traditionnellement rock de Peter Gabriel, dont le noyau dur est toujours constitué de Tony Levin, David Rhodes et Manu Katché.
On le sait depuis longtemps, Peter est un passionné de nouvelles technologies, notamment en matière d’audiovisuel. En juin 93, il présente le premier clip multi-sensoriel à partir de la chanson “Kiss that frog”. Réalisé en images de synthèse, il est projeté dans une petite salle mobile de soixante places, une sorte de cocon où le spectateur est totalement immergé dans le son et l’image et où, rivé sur un siège piloté par ordinateur, il bouge, saute, vole et plonge avec la grenouille qui est l’héroïne du clip. Cette version de “Kiss that frog” est présentée lors de certains concerts du “Secret World Tour”, la grande tournée mondiale que Peter Gabriel entame en avril 93. Il y propose un show au style complètement nouveau, l'alliance réussie entre le théâtre visionnaire et le rock, un véritable feu d’artifice de surprises et d’effets spéciaux, comme cette valise magique dans laquelle le groupe disparaît à la fin du spectacle.
"J’étais très emballé à l’idée de réaliser un spectacle qui soit visuellement différent. Il s’agit là de mon plus grand show depuis 'The lamb lies down on Broadway', à l’époque lointaine de Genesis. J’ai consciemment évité de refaire ce genre de show par la suite mais quand j’ai vu U2 sur scène, ça m’en a redonné l’envie. J’ai alors pensé faire une vidéo, quelque chose de différent et pour cela, j’ai collaboré avec un merveilleux visionnaire, le metteur en scène, auteur et acteur canadien Robert Lepage. Ce que j’aimais chez lui, c’était sa façon géniale d’utiliser les effets visuels les plus simples, ce qui, j’en étais sûr, était parfait pour un spectacle rock comme le mien."

En 1995, Peter Gabriel chante "While the earth sleeps" avec Deep Forest : c'est un extrait de la bande originale du film "Strange Days". L'année 96 voit la création de Radio RealWorld, le site web officiel de Peter Gabriel et de son label.
Fin 97, il est approché pour imaginer, avec le réalisateur Mark Fisher, un spectacle qui doit être donné à Londres, sur l'espace central du Dôme du Millénaire, à l'occasion du passage à l'an 2000. Pendant deux ans, Peter se consacre à l'élaboration de ce show, puis à la composition de sa musique. Il prendra malgré tout le temps de participer, en France, à l'enregistrement de "Qui sait ?", le premier single extrait de l'album "Solidays".
La première du spectacle du Dôme du Millénaire a lieu le 1er janvier 2000 : on en retrouve l'ambiance sur un album qui parait en mai : "OVO : THE MILLENNIUM SHOW".
La version studio de ce spectacle, "OVO", sort le 12 juin 2000. Elle a été enregistrée avec la participation de nombreux chanteurs, parmi lesquels Paul Buchanan, Elizabeth Fraser, Neneh Cherry et Richie Havens.
Avec "Ovo", Peter Gabriel a parfaitement réussi à créer un environnement musical qui implique tous les styles de musique que l'on rencontre dans les Iles Britanniques. C'est avec un projet similaire qu'il revient en juin 2002, "LONG WALK HOME", la bande originale du film de Phillip Noyce, "Rabbit-proof fence".
On y raconte l'histoire vraie de trois jeunes aborigènes australiennes arrachées à leur famille pour aller travailler chez les Blancs. Elles parviendront à s'échapper et retrouveront leur chemin en suivant la barrière mise en place pour protéger les exploitations agricoles des lapins.
"Long walk home" propose quinze titres aux ambiances souvent atmosphériques, où l'on remarque les participations de Nusrat Fateh Ali Khan, les Blind Boys of Alabama et Peter Green.
« US » (1992) et « UP » (2003) n’obtenant pas le succès escompté malgré la méticulosité apporté à chaque note, notre ami traîne les savates pour revenir en studio. Aujourd’hui, c’est pourtant un artiste serein au profil de moine bouddhiste relax qui s’avance sur scène, au fil de spectacles toujours aussi féeriques et pétris d’imaginaire. Celui qui fût le Rael paumé des bas-fonds new-yorkais est devenu l’un des artistes les plus respectés de la scène musicale. L’une des plus grande voix du rock avec Spingsteen et Plant, unique, identifiable. Indélébile. S’il n’a pas accumulé les disques de platine comme son ancien compagnon de route P. Collins, il aura su conserver son goût pour la saine curiosité, ce besoin de découvrir l’autre, cette main tendue abolissant toute notion de différence.

Après son interprétation sensible de « Imagine » lors de la cérémonie d’ouverture des JO de Turin, il sera désigné « Homme de la paix 2006 » par le sommet des lauréats du prix Nobel.
En juin 2007, il décide de faire une mini tournée nommée Warm up summer tour de 22 dates à travers l'Europe. À l'occasion des 80 ans de Nelson Mandela, il participe à l'élaboration d'un groupe de discussion pour la paix dans le monde. Parmi ses membres, on retrouve l'ancien président des États-Unis Jimmy Carter ainsi que Sir Richard Branson, Desmond Tutu, etc. Il participe avec David Rhodes et Richard Evans à la bande originale du film Sea monsters du National Geographic. Il reçoit un BMI Icon le 16 octobre 2007 et le 28 janvier 2008 est honoré d'un MIDEM, prix décerné par l'industrie du disque. Il a travaillé avec Thomas Newman sur la bande son du dernier film d'animation Pixar (WALL•E) prévu pour juin 2008. On peut estimer aujourd'hui qu'il à vendu 35 millions d'albums (carrière solo).ééé[réf. nécessaire]

Big Blue Ball sera le prochain album de Peter Gabriel, un projet de longue date lancé en... 1990 ! L'album est né d'une volonté de réunir des musiciens d'horizons différents et de "voir ce qui se passerait".
Le problème, c'est que les enregistrements ont été laissés en suspens et qu'il a fallu l'aide de Stephen Hague, producteur entre autres de Pet Shop Boys et de New Order, pour remettre l'ensemble en forme. Quinze ans après c'est donc chose faite. Peter Gabriel a reçu l'aide vocale de Sinead O'Connor, Karl Wallinger de World Party, Natacha Atlas et Papa Wemba.
L'album paraîtra cet automne. Peter Gabriel précise que l'album ne sera pas suivi d'une tournée vu le nombre de collaborations mais qu'il pourrait faire l'objet d'une suite si le succès est au rendez-vous.

Voici la listes des chansons:

1. Whole Thing (Original Mix)
featuring Francis Bebey, Alex Faku, Tim Finn, Peter Gabriel, Karl Walllinger, Andy White
2. Habibe
featuring Natacha Atlas, Hossam Ramzy, Neil Sparkes
3. Shadow
featuring Juan Cañizares, Papa Wemba
4. altus silva
featuring Joseph Arthur, Ronan Browne, Deep Forest, James McNally, Iarla Ó Lionáird, Vernon Reid
5. Exit Through You
featuring Joseph Arthur, Peter Gabriel, Karl Wallinger
6. Everything Comes From You
featuring Richard Evans, Joji Hirota, Sevara Nazarkhan, Sinead O’Connor, Guo Yue
7. Burn You Up, Burn You Down
featuring Billy Cobham, Peter Gabriel, The Holmes Brothers, Wendy Melvoin, Arona N’diaye, Jah Wobble
8. Forest
featuring Levon Minassian, Arona N’Diaye, Vernon Reid, Hukwe Zawose
9. Rivers
featuring Vernon Reid, Marta Sebestyen, Karl Wallinger
10. Jijy
featuring Arona N’Diaye, Rossy, Jah Wobble
11. Big Blue Ball
featuring Peter Gabriel, Manu Katché, Karl Wallinger

Actu Peter Gabriel :
Peter Gabriel a présenté cette année, au Midem de Cannes, où il a été affecté du titre d’”homme de l’année”, son nouveau projet, le Hub. “C’est une sorte de YouTube humanitaire où tout le monde peut insérer ses vidéos non-professionnelles réalisées dans des zones “chaudes” de la planète” a-t-il annoncé au cours du congrès.
PETER GABRIEL va lancer un nouveau site sur Internet qui permettra aux fans de musique de télécharger pour moins cher.

Le chanteur – qui a fondé le site de téléchargement We7 – va s’associer avec Bowers And Wilkins pour offrir un site de téléchargement des albums à un prix défiant toute concurrence : le Music Club.

Le Music Club permettra aux artistes d’enregistrer des albums live exclusives aux studios Real World de Peter Gabriel à Bath en Angleterre. Ces albums seront alors disponibles en téléchargement pendant un mois.

Peter Gabriel confie "Cette collaboration avec B And W est unique et ça va permettre de se tenir au courant des projets intéressants à venir. Pour les artistes, Music Club est une propositions de rêve, parce qu’ils peuvent passer du temps en studio, et ont accès à des bonnes conditions d’enregistrement, et peuvent travailler sans être engagés dans quoi que ce soit ou avec qui que ce soit, à l’exception du mois de contrat avec B And W.»

http://www.pg-fr.com/
http://realworldremixed.com/index.php
http://profile.myspace.com/index.cfm?fuseaction=user.viewprofile&friendid=121343820

nouvelle pub IPOD musique de Ting Tings " shut up and let me go”… - video

noreply@blogger.com (jeanphilippe56) — Mon, 19 May 2008 18:56:00 +0000

L'un des groupes de dance-rock anglais les plus prometteur de l'année, The Ting Tings, a été choisi pour illustrer la nouvelle pub ipod :Vous avez surement déjà du vous déhancher "That not my name" qui conte les petit tracas quotidiens d'une jeune fille. Trouvé au coin d'une page d'un magazine The Ting tings est la preuve qu'il faut toujours lire ce qui est écrit en petit au risque de passer à coté de petit groupe qui égaie votre quotidien avec leurs refrain onomatopéiques et leur chorégraphie digne d'un spectacle de Kamel Ouali dans "Great Dj". Ce duo semble s'imposer dans la nouvelle vague electro anglaise avec des réferences rétro et un son tout à fait moderne.

The Ting Tings, “shut up and let me go”… pour Apple
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Tout le monde sait que la pub est toujours à la pointe des tendances. Je n'ai encore eu que trop l'occasion de m'en rendre compte. J'avais commencé un embryon d'article sur le nouveau Ting Tings, Shut Up And Let Me Go, titre assez génial dès la première écoute, ce qui annonce vraisemblablement un tube incontournable.

Or, que vois-je, à l'instant, au beau milieu d'une page de pub ? La nouvelle pub iPod (et vous savez bien qu'iPod a toujours de très bons titres pour vrendre son matos, tout le monde se souvient sûrement encore de Feist, les Fratellis, Gorillaz, ou encore les Black Eyed Peas sur leurs spots multicolores). La nouvelle pub iPod, c'est donc bien entendu les Ting Tings. Et ça va très certainement BIEN aider le groupe à se lancer, en France notamment mais aussi en Europe, puisque leur premier album n'est pas encore sorti...

Bref, après Great DJ et That's Not My Name, voici le nouveau Ting Tings, Shut Up And Let Me Go, que vous risquez de beaucoup entendre dans les semaines à venir.

The Ting Tings est un groupe de musique pop britannique, composé de Jules de Martino et Katie White. Ils s’apprêtent à sortir leur premier album, “We Started Nothing”, le 19 mai prochain. Voici le clip du single “That’s Not My Name”, qui ressort en mai également :

The Ting Tings - Great DJ - Calvin Harris British UK Nu Rave
by trashkiller

album : the ting tings - "We Started Nothing" - Label : Columbia Records

http://www.myspace.com/thetingtings
http://www.thetingtings.com/

Ariane Moffatt, la nouvelle scène québécoise qui nous saoule pas

noreply@blogger.com (jeanphilippe56) — Fri, 16 May 2008 17:03:00 +0000

Ariane Moffatt serait-elle la revanche du Quebec sur tout ce que l’on a pu dire en négatif de nos cousins preferés ? Cette jeune Canadienne, au lieu de ghettoïser sa pensée dans une voix de brailleuse, nous prend au dépourvu et enferme au fond de la gorge nos idées reçues qu’au Québec tout pue du bec. Heureuse et transformée, Ariane Moffatt joue d'audace sur "Tous les sens", son troisième album. Maintenant qu'elle a fait ses preuves, la musicienne s'amuse, sourire en coin.
Propulsée à l’avant-plan de la scène musicale québécoise avec "Aquanaute", en 2002, la jeune auteure-compositrice, originaire de Saint-Romuald, a ensuite connu un passage à vide avec "Le cœur dans la tête". Avec "Tous les sens", Ariane Moffatt ne fait pas que confirmer son énorme talent de musicienne et d'interprète, elle balaie également les doutes qui subsistaient quant à son talent d'auteure. Sa plume s'est en effet beaucoup raffinée, car c’est une Ariane Moffatt totalement inspirée et libre qu’on retrouve sur Tous les sens. Une Ariane joyeuse, touchante et parfois coquine.
Évitant l'écueil des métaphores vaseuses et les formules maladroites que certains essaient de faire passer pour de la poésie, elle a construit ses chansons sur des textes justes et évocateurs. Une fondation solide pour des musiques imaginatives où elle orchestre un dialogue foisonnant entre ses goûts pour le jazz (un peu), les arrangements fins (violons, cuivres) et la musique qui tape ou qui grésille. La chanteuse qui vient d'avoir 29 ans voulait faire ressortir quelque chose de plus joyeux, après avoir montré un côté plus sombre de sa personne.
L'aspect le plus frappant de son album Tous les sens, c'est l'impression de légèreté qui s'en dégage. Mélodies, chants, refrains, structures, orchestrations, tout y est d'une limpidité exemplaire. Or, c'est un album foisonnant où un piano parfois jazzy côtoie des choeurs joueurs, où une espèce de reggae électro peut être coloré par des cuivres capables d'autodérision et où le romantisme le plus pur (Éternel instant présent) est le prélude à une déclaration d'amour beaucoup plus physique: «Je vais te toucher du bas vers le haut / Te faire chavirer, grimper aux rideaux (...) Faire casser les vagues dans ton dos / Faire avec toi le plus beau des duos» (Tous les sens).

Son titre l’indique, "Tous les sens" est un disque infiniment sensuel. Naviguant entre musique roots et techno, Ariane Moffatt y chante le goût, celui du nouveau, du bon temps, du risque; la vue, celle du beau comme de ce qui défigure le monde; le toucher, comme dans toucher amoureux, toucher au point sensible, toucher droit au cœur… Au final, ce sont bien sûr nos oreilles et notre esprit qui sont grisés. Moffatt est diffuse avec "La Fille de l’iceberg", Piaf dans la verve pour "Briser un coeur" et son piano ragtime, baveuse pour "L’Équilibre", presque rageuse pour "Tous les sens", et sereine comme ça ne se peut pas avec "Éternel instant présent" et "Persédies". Comment résister à la tonique et mégalomane "Je veux tout", ce premier extrait qui fait actuellement un malheur en radio, ou encore à la bédéesque "Réverbère", envolée entre manga et réalité sur fond de batterie sixties. Plus loin, "Jeudi, 17 mai", formée de titres d’articles authentiques pigés dans les journaux d’un authentique 17 mai, nous laisse, comme les manchettes du jour, entre le frivole et le douloureux: «Je n’invente rien / c’est la presse qui parle / ce 17 mai au matin / y a que des rimes pauvres dans mon journal».

Ariane a écrit et composé la majeure partie des 12 titres de l’album, mais "Tous les sens" porte aussi les fruits d’une étroite collaboration entre elle et Franck Deweare, cet auteur-compositeur français vivant depuis quelques années à Montréal. De cette rencontre sont nées la très métaphorique "Fille de l’iceberg", chanson d’ouverture, ainsi que "Tes invectives" et "L’Équilibre". Notons aussi la collaboration à deux musiques de Jean-Phi Goncalves, lui dont l’album tout entier porte la signature puisqu’il en signe l’impeccable réalisation. Ariane, qui a signé un contrat avec Virgin France, a même refusé les réalisateurs cinq étoiles et prétendument «crédibles» qu'on lui proposait et auraient rendu la mise en marché plus facile. «Mais j'avais envie d'être chez moi, entourée de gens que j'aime, et de coréaliser avec Jean-Phi, même s'il n'avait pas d'expérience comme réalisateur.» Une fois de plus bien entourée, Ariane Moffatt a pu compter sur des musiciens talentueux, tels ses amis et membres de la formation Plasters (Jean-Phi bien sûr, mais aussi Alex McMahon aux claviers et arrangements et François Plante, bassiste de haut vol) ainsi que son plus loyal acolyte Joseph «J» Marchand (toujours à la guitare). En résulte une production accomplie, traversée par des arrangements vocaux aériens ou pointillistes, par des cuivres plus vrais que nature (sous le souffle inspiré de Jean-Nicolas Trottier), de même que par les couleurs d’un quatuor à cordes qui confèrent aux chansons une saveur toute gainsbourienne.

Étoffés, les arrangements n’en sont pas moins ouverts, oxygénés, faisant de Tous les sens un album à la fois luxuriant et minimal, fou et maîtrisé. Très Ariane Moffatt, quoi. Si toutes les canadiennes qui sortent des disques pouvaient ressembler à Ariane Moffatt nous n’aurions plus ce sentiment désagréable qui traîne dans la bouche quand est annoncé l’origine des artistes (voir aussi Jorane et Terez Montcalm....). Il est prévu que la chanteuse s'installe 6 mois en France début 2009.

Find more videos like this on www.truveo.com.

Je veux tout, Ariane Moffatt (Live)
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Album : Ariane Moffatt - Tous Les sens - (Audiogram)

http://www.arianemoffatt.com/
http://www.myspace.com/arianemoffattmusique

The Chap : "Mega Breakfast" repousse les limites mélodiques du rock !

noreply@blogger.com (jeanphilippe56) — Thu, 08 May 2008 17:07:00 +0000

Nous sommes le 8 mai et c'est jour de fete pour moi. Non, je n'ai pas sorti les drapeaux a ma fenetre, ni fais le deplacement en Normandie, aux cotes de Blaireau 1er, pour celebrer ce jour ou l'amerique nous a fait connaitre le Coca et les chewing gums. Non ! Today, c'est plutot qu'enfin j'ai eu la reponse a la question que mes amis me posent depuis le mois de janvier "alors jean phi, quoi de neuf en musique depuis le debut de l'année?" Question qui me fait me cacher tant j'ai honte, moi qui suis non stop a l'affut de la derniere hype ou du dernier buzz internet....oh, il y a toujours de quoi s'occuper, tant le volume de sorties qui nous sont proposées est colossal. Mais voila.... ce matin, en feuilletant mon Tsugi (magazine des tendances electros, en papier, avec des pages...http://tsugi.over-blog.com/) tout frais sorti des presses et les yeux encore a demi clos, me renversant une partie du contenu de mon bol de mauvais café chaud sur un tee shirt encore tout en vrac de ma nuit agitée, je me suis attardé sur un petit article minuscule dont le sujet etait la sortie de l'album d'un groupe obscur et inconnu, nommé The Chap. Et là, l'article n'etant pourtant pas un sommet de litterature vendeuse, j'ai eu l'envie immediate de me connecter sur mon client P2P préféré et d'ecouter ce qu'etais ces " Monty Python qui ont une vision unique de l'humanité et qui prennent un plaisir pervers dans le paradoxe consistant a aimer et detester en meme temps la société moderne tout en creant une musique qui agit comme un microscope déréglé scrutant nos vies quotidiennes" (sic Tsugi...)
Et là ce fut comme une revelation..... (c'est juste pour en ajouter une couche...) On y surprend-entend pêle-mêle STEREOLAB, MOONSHAKE, FAUST, ROXY MUSIC, TALKING HEADS, ZAPPA, PAVEMENT, KRAFTWERK, DEVO, JESUS & THE MARY CHAIN, … mais ils font surtout preuve d'un songwriting de qualité et décalé à l'instar de Cardiacs, XTC et autres classiques britons! Plus j’écoute ce disque plus il m’apparaît telle une fourmilière alibabesque, un genre de super méga collage fantasmagorique regorgeant de détails et de références croustillantes. Des fois, ça ressemble à du adem remixé par fourtet. Tantôt à du r’n’b post-industriel. Ou à un genre de dada pop… enfin je sais pas bien… des fois ça ressemble à rien du tout en fait.

Mutant disco novatrice, pop songs à la sauce moog ou garage-électro-rock, THE CHAP, qui compte déjà trois albums à son actif, joue aux cartes avec les styles musicaux. Le nom du groupe vient d’un magazine documentant les us et manières du gentleman moderne, style Chapeau Melon et Bottes de Cuir (http://www.thechapmagazine.com). Son humour distancié, ses illustrations et ses articles sur un mode de vie aussi désuet qu’incongru furent une vraie source d’inspiration pour le groupe. Véritable machine à danser, leur pop dadaïste et groovy, agrémentée de bruitages malins et de violoncelle déjanté nous annonce une bien sympathique friday night fever ! Rares sont les groupes à posséder, au rang de leurs vertus, cette modestie de rendre les choses élaborées évidentes et simples à l’écoute. Des compositions souvent complexes, maniant des rapports tels que dissonance/consonance avec sens et virtuosité, une conception intelligente du rythme (cette fameuse notion de "groove" souvent incomprise, négligée, voire reléguée au registre de l’infamie par le milieu rock’n’roll), une palette sonore allant du chatoyant lumineux au noisy rugueux, des guitares écorchées, des basses analogiques au grain expressif, des refrains catchy, un violon saturé par là, un violoncelle déchiré par-ci et hop… un chœur acapella sorti de nulle part ! Tout ça sent un peu le bricolage, le patchwork bordélique mais ça rajoute encore au charme de la musique. Sans vouloir tirer de lien de cause à effet entre une quelconque doctrine et la musique de The Chap (à part peut-être le dadaisme dont ils se revendiquent), je dirais que ces Londoniens tiennent un magnifique exemple d’équilibre entre stimulus cérébraux et plaisir des sens…

Les occupations des membres du groupe, qui concentrent cinq nationalités à eux quatre, vont de l’enseignement de la composition contemporaine au télémarketing, en passant par le tour management, la musicothérapie, le journalisme musical, la programmation javascript, l’écriture soudaine, l’enseignement du piano et la préparation de cocktails complexes. Le groupe enregistre et produit ses albums à domicile. Sa musique est inspirée par la structure cinématographique, le dadaïsme, les magazines d’informatique, l’impro free et les canons pop. The Chap est un groupe pop composé de quatre membres et basé au nord de Londres. Leur premier album, The Horse, est sorti en 2003 chez Lo Recordings, le label de Barry 7, Cursor Minor, Red Snapper... The Horse contient des hymnes space rock portés par des choeurs, de chouettes beats et la destruction de quelques instruments à corde, de l'électro abstraite et quelques chansons pop aux paroles qui parlent de courage, de modestie, de sexe et d'asthme ! Cet opus est suivi en 2005 par Ham.

The Chap est de retour en mai 2008 avec un troisième album Mega Breakfast (Lo'Recordings/La Baleine). Il a été cuisiné à la maison à Londres, ville où est établi cette drôle de bande pan-européenne (un Grec, un Ecossais, un Allemand, une Allemande et une Franco-anglaise).Le premier titre de Mega Breakfast annonce la couleur de l’album. On est loin des canons de la pop et du rock. Plus on rentre dans ce troisième opus, plus on est envahi par la curiosité de cette musique qui repousse les limites mélodiques du rock. Et puis écoutez cet autre titre avec ses riffs de cordes cheaps et son refrain épique et exalté. The Chap c’est un peu comme un intrus qui rentre chez vous en bouleversant toutes vos petites habitudes et vous ouvre de nouveaux horizons. A l’image des différentes nationalités des membres du groupe, la musique de The Chap est cosmopolite. C’est un laboratoire musical où l’on mêle dans des éprouvettes l’electronica façon Hot Chip à la folie de David Byrne. On retrouve aussi du rock, du R’n’B, du disco et du punk… et tout cela pour donner une homogénéité originale et excentrique. Il vous faudra patienter un peu pour vous jeter sur Mega Breakfast car l’album sort le 14 mai prochain chez tous les bons disquaires.

JOHANNES VON WEIZSACKER, guitare, chant, violoncelle PANOS GHIKAS, basse, violon, chant KEITH DUNCAN, batterie BERIT IMMIG, chant, claviers

Sortie de leur nouvel album « Mega Breakfast » le 14 mai 2008
The Chap - Mega Breakfast - Label : Lo Recordings / La Baleine

http://www.myspace.com/thechap
http://www.thechap.org/

Et afin de déguster dignement ce MEGA BREAKFAST et de souffler les 10 bougies du distributeur La Baleine, rendez-vous sur le dance floor du Batofar le 29 mai, en compagnie de FRICTION, PHOSPHO, MINITEL ROSE & ITREMA! Soirée organisée par THE HOT LINE.

Petite annonce perso : je recherche Jean Louis Mahjun "Baby Sitter"

noreply@blogger.com (jeanphilippe56) — Mon, 28 Apr 2008 08:07:00 +0000

Je recherche, depuis de nombreuses années, un album de MAHJUN sorti en 1980, nommé tout simplement "Mahjun", le voici :

Baby-sitter (CBS 84331) 1980
Face A : Emmène-moi dans ta rolls(J.L.Mahjun) 3'06 / Jamais si loin d'cette fille(J.L.Mahjun) 3'10 / Baby-sitter (A.Allegue / J.L.Mahjun) 2'24 / Les filles de la ville(J.L.Mahjun) 3'16 / J'aime bien les rapides(A.Allegue/J.L.Mahjun) 2'53
Face B : L'électronique(T.Haupais / J.L.Mahjun) 3' / Jeune homme normal(J.L.Mahjun) 3'42 / Héléna(T.Haupais / J.L.Mahjun) 3'04 / Sex made man(A.Allegue / J.L.Mahjun) 3'03 / Si t'habites avec tes parents(T.Haupais / J.L.Mahjun) 4'08
Musiciens : Mahjun : Chant,Violon 5 cordes électrique,mandoline électrique,guitare / D.Hapell : Guitares,voix / F.Duché : Synthétiseurs,orgues,pianos,voix / P.Riou : Batterie / G.Cosson : Basse électrique

Merci de votre aide......et si possible je le souhaiterais en format MP3 ..... (ben voyons ...et faut il vous l'envelopper???)

Babysitter-1980-N&B on Fooooo

Mahjun - Babysitter-1980-N&B

(Enregistré au Golf Drouot en 1979 en 16 mm noir et blanc, un des premiers clips faits en France,en tous cas le premier chez CBS. La VHS a 28 ans, la qualité s'en ressent mais le souvenir est là. Attention, les 15 secondes de silence au début sont normales...)
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Nouvelle Star : Amandine une vraie decouverte

noreply@blogger.com (jeanphilippe56) — Thu, 24 Apr 2008 08:40:00 +0000

Une fois n'est pas coutume, je voudrais evoquer avec vous le "cas" Amandine de la Nouvelle Star sur M6. C'est la premiere fois que je regarde cette emission depuis qu'elle existe et je suis un peu sur le cul... Haaa, c'était donc ça la nouvel star !! Je n’aurai jamais imaginé écrire un article concernant une chanteuse d’un télé-crochet. Certains ont beau critiquer la télévision, rappeler à l’envi son inutilité et sa bêtise, elle trouve tout son sens lorsqu’elle permet l’éclosion d’un tel talent et l’épanouissement d’une jeune femme. Je n’aurai jamais imaginé ressentir une telle émotion devant mon écran plat. Et pourtant… Pour trouver une telle voix, je me serai plutôt imaginé roulant le long de la mythique route 66 en quête d’un absolu indéfini, m’arrêter dans un café miteux nommé Bagdad sur la scène duquel se produit une chanteuse inconnue. Et alors, une voix indescriptible monte dans la salle, toutes les personnes se figent, envoûtées, hypnotisées par cette chanteuse. Elle s’appelle Amandine. À mon avis, elle a déjà gagné la nouvelle star mais ce n’est là que le début d’une carrière exceptionnelle. Il me semble évident qu’elle va imprimer sa voix dans le cœur et les oreilles des Français, mais aussi des Anglais, des Américains et d’autres. En plus de sa voix, elle dégage une humilité et une simplicité naturelles qui ne peuvent que conquérir les spectateurs. Elle est pétrie de talent et donne littéralement ses tripes à son audience.

Emission du 09/04/2008 : Amandine chante With a Little Help From My Friends - Nouvelle Star 2008 - Nouvelle Star 2008

Emission du 09/04/2008 : Amandine chante With a Little Help From My Friends - Nouvelle Star 2008 - Nouvelle Star 2008
Amandine chante With a Little Help From My Friends

Retrouvez tous les coulisses et interviews inédites de la Nouvelle Star sur le blog de Moïse : <a href="#" type="h-t-t-p-:-/-/-moisenouvellestar.m6blog.fr/" onclick="gotoURL(this.type); return false;">http://moisenouvellestar.m6blog.fr/</a>Nouvelle Star ® 19 TV Ltd et FremantleMedia Ltd. Basé sur le programme de télévision produit par FremantleMedia France. Licence par FremantleMedia Enterprises. <a class="moz-txt-link-abbreviated" href="#" type="h-t-t-p-:-/-/-www.fremantlemedia.com/" onclick="gotoURL(this.type); return false;">www.fremantlemedia.com</a>

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Video de nouvellestar

Ce qui me permet de rebondir et de sortir un carton jaune à l’encontre de ces messieurs de l’industrie du disque. Comment un tel talent a-t-il pu passer entre les mailles de vos filets ? Les maisons de disque mettent tous les maux dont souffrent leurs métiers sur le dos des méchants internautes qui téléchargent et pillent les artistes. Messieurs, plutôt que de brailler dans les médias et se plaindre de la baisse des ventes de disques, vous devriez peut-être faire votre travail en écoutant les démos que vous envoient les musiciens et en allant dans les petites salles de concert où de nombreux talents se défoncent et alors vous tomberez forcément sur un miracle musical comme Amandine. Vous avez complètement dénaturé votre métier qui était de découvrir des talents, des chanteurs et des chanteuses originaux. Plutôt que de continuer dans cette voie, vous avez reproduit à l’infini une formule que vous croyiez miracle : on formate une chanteuse, on lui met une mini-jupe, on lui refait les seins, on lui fait chanter une pop-groove-RnB soupe au lait… J’imagine qu’il y a tout de même des messieurs pas tout à fait sourds dans ces entreprises qui ont dû rencontrer cette Amandine et lui proposer un contrat pour faire un disque, mais pour cela elle aurait probablement dû faire des concessions sur son univers artistique. Elle a dû dire « non, je n’ai pas envie de faire un disque, moi j’ai envie d’enregistrer de la musique » (je reprends à mon compte ce qu’a dit M. Manœuvre à propos d’Amandine). Bien vu, jeune femme, en l’espace d’un mois tu t’es imposée comme (à mon humble avis) la plus grande voix de la chanson française actuelle. Que les messieurs du disque aient laissé passer un tel talent est une faute double. Premièrement, ne pas reconnaître une telle voix c’est un peu comme un entraîneur de football qui n’aurait pas su détecter un joueur comme Zinedine Zidane, ou comme un galeriste d’art qui voyant débarquer un type nommé Picasso avec ses toiles lui aurait demandé de peindre des vaches pour une commande sans intérêt. La seconde faute est d’avoir privé le public d’une chanteuse exceptionnelle. Ce n’est que maintenant que j’entends avec une joie immense cette artiste totale, alors que si vous aviez fait votre travail sérieusement, j’aurai pu la découvrir avant. Un conseil : il ne sert à rien de cadrer, de restreindre les talents, ils doivent s’exprimer comme ils l’entendent, comme ils le sentent, comme ils le veulent, il ne sert à rien de les contrôler car on perdrait ce qui fait leur style unique…
En esperant qu'on lui mettra pas dans les pattes pour son 1er album des M, des Biolay ou des Benabar......elle a juste besoin de faire sa musique, de choisir elle meme son entourage et surtout d'etre comprise.

Emission du 23/04/2008 : Amandine chante Rehab - Nouvelle Star 2008 - Nouvelle Star 2008

Emission du 23/04/2008 : Amandine chante Rehab - Nouvelle Star 2008 - Nouvelle Star 2008
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Video de nouvellestar

Petite bio :
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Amandine est née le 12 Juin 1979 à Angoulème.
À 4 ans : Elle se produit sur scène à l'occasion de spectacles de danse.
Et prend un peu plus tard consience qu'elle est fan de musique et de chant.

À 7 ans : Elle prend des cours de solfège.

À 9 ans : Elle apprend la flûte traversière au conservatoire de Nice, puis l'art dramatique dans la troupe "Les enfants du Spectacle".

À 16 ans : Elle forme un groupe de Rock, et fait l'expérience de la scène.

En 2004 : Elle fait les premières parties des concerts du groupe Toulousain Gold.
Plus tard, elle remporte le premier prix dans la catégorie Pop/Rock et est sélectionnée pour figurer sur la compile "Zic Staf du Tarn et Garonne " avec le groupe Tess.

En 2005 : Elle est contactée par Isabelle Lemauff (choriste de Nino Ferrer) et Éric Casero du groupe (KASERO) pour interpréter certaines de leurs compositions.

En 2006 : Elle passe des auditions pour des comédies musicales et obtient le premier rôle dans la comédie musicales "Le Casting" écrit et composé par Gille Ramade. Par la suite elle décroche également le premier rôle féminin dans l'opéra Rock "THE WALL" adapté et mis en scène par Gille Ramade.

Aujourd'hui elle travaille au sein du groupe ZIA et Tess.
Elle est chanteuse et interprète pour différents auteurs compositeurs.
Elle est également auteurs compositeurs dans un projet de compositions Hip Hop dont le titre est "Tous des Stars".
Enfin, Amandine Écrit et compose en vue de sortir un premier album
Folk/Rock/Pop/Acoustique.

-Son père est bassiste. Il l'a beaucoup aidée à évoluer musicalement. Il faisait partie de grand orchestre et accompagné Gilbert Montanier, Gloria Gaynor .....
-Grâce à lui, elle participe à l'enregistrement des choeurs sur l'album de différents artistes tels que Hélène Rolles, Fanny, Gold......
Amandine ce dit spontanée, sensible, et pationée ses influences sont Joss Stone, Norah Jones, Feist, KT Tunstall, Anais, Camille, Fiona Apple, Macy Gray, Anouk, Jamiroquai, Lauryn Hill"
Une petite précision concernant le projet " Tous des stars" . Depuis maintenant environ 2 ans et avant de rejoindre la Nouvelle Star, Amandine a collaboré avec Guyl et Djé Amedji dans la création de plusieurs titres gravitant autour d'un univers Hip Hop, mais avec un esprit de dérision de l'actualité. Vous pouvez écouter ce titre sur myspace dans le blog de dje Amedji. Le prochain titre s'appelle la Fièvre acheteuse. J'en doute un peu mais, espérons qu'il pourront achever ce titre mis en suspend pour la bonne cause. Get funky est un projet diffèrent auquel Amandine a participé avec Djé. Il n'y a pour l'instant que " Tous des Stars" qui à pu être enregistré. La fièvre acheteuse est enregistré mais pour des raisons de N-Stars, il est bloqué. En écoute, il n'y a que: Tous des stars qui fait véritablement partie de ce projet (Hip-hop -Rock dérision).

Amandine a Participé avec djé en tant qu'interprète, il y 3 ans sur un autre projet (Hip hop-Rock ) qui s'appelait "du font de mes gênes". Elle faisait parti du groupe Zia à l'époque et était aussi sur le projet de The wall. (Amandine est multifonctionnelle). Je dois avoir encore au font d'un tiroir les premiers enregistrements live d'une préparation scène avec Djé. A l'époque, elle était déjà fantastique.

Emission du 02/04/2008 : Amandine chante Nothing compares 2 U - Nouvelle Star 2008 - Nouvelle Star 2008

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Video de nouvellestar

Sources de l'article : http://dimitribednarz.over-blog.com/ & http://teemix.aufeminin.com/
liens :
http://www.myspace.com/bettidje
http://www.myspace.com/mandinote

FUMUJ : The Robot and The Chinese Shrimp (Prononcez "fou"-"mouge")

noreply@blogger.com (jeanphilippe56) — Mon, 14 Apr 2008 16:21:00 +0000

Après "Monstrueuse Normalité" il y a 3 ans (LifeLive/La Baleine), le groupe tourangeau nous présente, sous l'aile cette fois ci de Jarring Effects, "The Robot and the Chinese Shrimp".
Depuis 2003, Fumuj nourrit un univers artistique envoûtant. Fumuj qui tourne la page du dub sur cet album dévoile ses ambitions de dynamiter toutes les musiques actuelles pour réinventer le style de la fusion avec leur crossover parfait de rock hip hop conjugué à l’electro dub. The Robot and the Chinese Shrimp est une grande perle de l'électro-dub mondiale . Un deuxième album bâti par un trio agrandi d’un MC et d’un claviériste en moins d’un an, témoignage d’une soixantaine de concerts passés depuis la sortie de Monstrueuse Normalité, le premier album. On peut toujours être étonné quand on aborde un album d'un groupe étiqueté Dub et de se retrouver plongé dans un opus plutôt electro.
La versatilité de Fumuj se décline dans ses multi facettes, faisant invariablement penser à des groupes comme Prefuse 73 ou même the Streets dans la démarche. Mais si ces petites "bullettes" aux consonances électriques et "hiphopé" sont très agréables à écouter, on se retrouve plongé avec délectation dans les premières heures de groupe comme SoulWax, période disco mobile, les Beastie Boys, voir même de Ninja Tunes à ses belles heures…Et puis arrive le bon gros Dub "Full of Entertaiment", et l’on se dit (ou on se re-dit) "Waouh, ça tabasse quand même quand l'electro rencontre le Dubwize", la France a dessiné les contours de l'ElectroDub avec High Tone, Ez3kiel ou d'autres Lab° et voici la relève. En effet, la multiplicité des influences permet a Fumuj de décaler son discours dans une écriture plus personnelle que "j'arrive après les premiers cités". On continue ensuite dans des ambiances bien travaillées pour retomber après 2 morceaux sur le "17 or 18 I guess » pur roots dub bien lourd et bien efficace avec son ouverture plus mélodique et son skank lourd contrastant la fibre de ses violons. Les morceaux de l'album sont plutôt variés et les voix sont bien calées sur les différentes ambiances de chaque morceau : il y a du flow et ça balance pas mal pour tenir la comparaison avec les groupes plus hip-hop ou plus influencés par les scènes susnommées. C'est une invitation au voyage dans un monde aussi urbain qu'organique, comme un pas jeté vers l'inconnu pour éveiller les sens quand les yeux se ferment. A coup de collages électroniques sur une machine aux aspérités funk-rock galopantes, Fumuj sait surprendre en s'émancipant des lignes introspectives de ses compositions pour s'aventurer sur la dancefloor moderne, restant créatif avant tout.

Bon, les dents, on les perd dès les deux premiers titres, qui résument à eux seuls ce que l'on peut trouver dans ce Fumuj. Avec Killers, on vérifie si un incendie n'est pas en train de se propager dans la pièce tant le tout sent le souffre. Phrasé Hip-hop sur hurlements électroniques, ligne de guitare imparable, cordes orientales virevoltantes dans vos tympans, et montée finale superbe, avec une dernière estocade verbale qui marquerait n'importe quelle personne pendant un mois, tant le tout est évident, à le hurler tous les matins dans sa douche en foutant de l'eau partout. We Live In ? Mon dieu, We Live In... Les 30 premières secondes crachent sûrement l'une des meilleures boucles que l'on puisse croiser sur un disque Jarring Effects depuis 8 ans. C'est crade, ça groove, ça tabasse, bref, ça file l'envie de danser en se roulant dans un amas de cadavre. Les couplets sont dantesques, les refrains sont dantesques, et le tout forme un tube imparable rongé par la gangrène, le morceau que tout le monde rêverait d'entendre à la radio dans un monde parallèle. La conclusion, envoyant le titre dans des sphères planantes, sublimes, avec cette nappe cristalline enveloppant le tout, permet de contraster de la meilleur des façons avec la rage du début. Plus loin, Fuck s'apparentera à la plus grosse claque du disque avec We Live In, en poussant toutes les jauges au maximum. Lyrics limpides et cathartiques, jetées en pâture à un tsunami de saturations, frôlant le gros métal, une révolte concentrée sur 3 minutes, explosion graduelle qui atteint son paroxysme sans crier gare. On peine à imaginer la folie que doit engendrer ce titre en concert. A transformer de gentils spectateurs d'opérettes en manifestants anarchistes.
Avec un grosse base hip-hop -anglophone-, les cinq bonshommes de Fumuj changent de registre avec aisance, du dub cuivré ensoleillé ("17 or 18 I Guess") à un époustouflant rap métallique et industriel sans oublier les incartades funky de "Play My Fucking Shit" et l'instrumentale très noisy rock "Hangsdog Expression". Les riffs de guitares savent se faire discrets mais essentiels au beau milieu de ces brûlots alimentées aux beats claquants, samples exotiques et autres basses sonorités saturées. Un excellent melting pot, varié et maîtrisé, qui décrasse l'ouïe et enclenche le mode "mouvement automatique" du corps humain.
Si vos oreilles averties avaient déjà été chatouillées par le savant mélange
musical de “Monstreuse Normalité”, sorti en 2005, elles ne pourront qu’être
irresistiblement émoustillées par les morceaux percutants que vous réserve ce
nouvel album “The Robot and The Chinese Shrimp”.
Attention, les amateurs de dub nonchalant risquent d’être un peu bousculés par
les changements judicieusement orchestrés par le groupe... Ouverte, revendicative, teigneuse, énergique, variée, hip-hop, rock, dub, fusion, électronique, bandante... Ça fait trop d'adjectifs pour qualifier la musique de Fumuj . Une seule envie subsiste à l'écoute de cet album. Voir le groupe en Live. Au plus vite. Monstrueux....

(merci a Dat' de http://www.krinein.com/ pour les emprunts a son humour....)

FUMUJ : The Robot and The Chinese Shrimp ( Jarring Effects / Discograph )

http://jarringeffects.net/
http://www.myspace.com/fumuj

Rubin Steiner sort son 5eme album "Weird hits, two covers & a love song" : du punk pour dancefloor !

noreply@blogger.com (jeanphilippe56) — Wed, 02 Apr 2008 10:22:00 +0000

Rubin Steiner , le Dj Français que tout le monde prend pour un allemand à cause de ses titres à la consonance germanique (Wunderbar Drei, Neue Band, ...), a sorti à la fin du mois de Mars 2008 son nouvel opus: "Weird hits, two covers and a love song".
Quel bonheur de parler d'un artiste dont on est fan ! Déjanté de la french touch, Rubin Steiner, de son vrai nom Fred Landier (ancien du groupe Merz) est un amateur de musique de tous types. On ne sait jamais parfaitement où le placer, insaisissable trublion français, formidable machine à inventer des univers soniques et des paysages à danser.

Animateur radio à Tours pendant huit ans, il travaille sur son ordinateur et mélange sample et diverses musiques avec seulement un clavier et une boîte à rythmes.
En 1999, il fonde son propre label UnHiverSale, sous lequel il sort son premier album "Lo Fi Nu Jazz" dont le volume 2 sortira l’année suivante. En 2001, il fondel e Rubin Steiner Quartet, avec Sylvestre Perrusson (basse, contrebasse), Benoît Louette (trombone, flûte traversière) et François Pirault, qui mixe en direct des vidéos. Son nouvel album "Weird hits, two covers & a love song" comporte moins de machines et se tourne plus vers des guitares, krautrock, synthés vintage et disco-punk.
Rubin Steiner sort donc un cinquième album, enregistré comme toujours à la maison et avec ses compères du Neue Band. "Weird hits, two covers & a love song" met du rock dans votre oreille en laissant de côté l'aspect électronique que l'on retrouvait dans les précédents albums. Rubin Steiner a branché à fond les guitares et le synthé vintage pour nous donner envie de danser... Et c'est plutôt bien réussi!La pochette de "Weird hits, two covers & a love song" est on ne peut plus explicite. Elle justifie ce qui a fait la marque indélébile de ce trublion: Deux doigts de pop avec le signe de l'enfer, le coktail molotov de styles musicaux avec un sens aiguisé de l'équarrissage sonore voilà qui devrait signifier quelque chose pour le quidam actuel.

D'un fantasme pressenti sur l'album "Drum Major !" sorti en 2005, Rubin Steiner a (enfin) enregistré un disque rock, écho à ses premières amours musicales et rappel évidement de l'énergie dévastatrice des centaines de concerts donnés ces trois dernières années avec son Neue Band.
Rubin Steiner tourne donc la page de l'electro-jazz-hip-hop qui l'avait fait connaître et nous fait écouter sur disque en 2008 ce qu'il nous montrait depuis plus de 5 ans sur scène et lors de ses Dj sets explosifs : un véritable punk du dance-floor ! Il y a une richesse et une certaine mélancolie (rare jusque ici) comme dans les derniers morceaux (on fini en apesanteur) comme pour briser un peu plus cette légende de fureteur foutraque, de rigolo de la rime urbaine. L'agencement des morceaux joue un rôle très important, et une écoute totale, en long, en large et en travers est recommandé car au delà des moments de pure euphorie et de tensions, on s'enfonce lentement vers une nouvelle écoute, plus planante de l'album. Au passage, Rubin Steiner reprend les chansons A Hit (Smog) et Warm Leatherette (The Normal).
Pour la mise en avant des 6000 exemplaires, Rubin peut compter sur des partenariats avec Les Inrockuptibles et éventuellement la Fnac qui ont placé le single Another Record Story sur leur compilation respective, Objectif 2008 vol.2 et Indédetendances. Il s’appuie également sur de l’achat d’espaces presse dans Les Inrockuptibles ou d’autres medias ciblés, et une campagne de street marketing.
Après un envoi massif du CD à toute la presse, interviews et chroniques seront publiées dans Rock & Folk, Rock You, Tsugi, Technikart, ou Magic. En radio, le single est entré en playlist sur France Inter, Radio Nova, Férarock ou encore Iastar.

Tracklisting de Weird Hits, Two Covers & A Love Song

1. Friend's Noise
2. Another Record Story
3. Take Your Time
4. Kiss Richards
5. Hope to See You at Total Heaven
6. Can You feat. Mme Douze
7. A Hit
8. For Sloy
9. Warm Leatherette
10. 1974
11. A Baby

Deux titres extraits de l'album sont en écoute sur son myspace afin de nous faire patienter. Et comme il n'y a pas encore de videoclip pour cet album voici une ancienne video qui donne bien la mesure du loustic. (Parallelement, il a réalisé un podcast que vous pouvez télécharger ici pour le magazine Les Inrockuptibles.)

Mais ce n'est pas tout, ruru revient aussi avec le Neue Band pour une petite tournée qui s'annonce très sympathique :

Paris (Espace Barbara) : 1er et 2 avril
Bolbec (Festival Manyfest) : 5 avril
Bourges (Printemps de Bourges) : 18 avril
La Roche/Yon (Fuzz’yon) : 30 avril
Bordeaux (RockSchool Barbey) : 2 mai
Montpellier (Antirouille) : 6 mai
Marseille (Cabaret Aléatoire) : 7 mai
Tours (Festival Aucard de Tours) : 24 mai
Vendresse (Festival de la Cassine) : 30 mai
Ste Marie Aux Mines (Festival C’est dans la vallée) : 31 mai
Octon (Festival Printemps de Bouse) : 6 juin
Marne La Vallée (Ferme Du Buisson) : 13 juin
La Rochelle (Francofolies de La Rochelle) : 14 juillet

Album : Rubin Steiner - "Weird hits, two covers & a love song" (label Platinum

Une chronique de cet excellent album ici aussi :
http://www.desoreillesdansbabylone.com/2008/04/rubin-steiner-weirds-hits-two-covers.html

http://www.myspace.com/rubinsteiner
rubinsteiner.blogspot.com/ (son blog)

rubinsteiner.free.fr/

Jori Hulkkonen : « Errare Machinale Est », nouvel album

noreply@blogger.com (jeanphilippe56) — Tue, 01 Apr 2008 09:38:00 +0000

Certains mâchent danois, d'autres surfent suédois... En France, on groove finnois. Jori Hulkkonen, aussi connu sous le nom de Zyntherius, est un auteur-compositeur finlandais de techno, house et autres musiques electroniques. Jori Hulkkonen est né et a grandi dans une petite ville de 20 000 habitants, Kemi, au nord de la Finlande. Depuis le début des années 80, ses influences musicales se situent du côté des musiques électroniques, dans un style assez éclectique. A la fin des années 80, la passion de Jori pour la musique electronique se trouve renforcée lorsqu'il en découvre la partie la plus abstraite et la plus minimale : la techno de Detroit et la House Music de Chicago.
Alors que les premières influences incluent une pop music plus traditionnelle, de Depeche Mode aux Pet Shop Boys, en passant par John Foxx ou The Smiths, cette nouvelle vague de musique électronique, destinée aux clubs, le pousse à expérimenter une musique faite de textures et de structures différentes, mais toujours dans un esprit relié à la musique electro pop et new wave du début 80.
Après avoir sorti son premier disque sur son propre label, Lumi Records en 1993, et sorti quelques maxis sur ACV ou Hybrid, Jori signe son 1er contrat pour un album avec le label français F Communications en 1996, et sort « Seelkäsaari Tracks », résultat très influencé par Chicago et Detroit.
D'autres albums suivront sur F Com : 'The Spirits Inside Me' (1998), 'When No One is Watching We are Invisible' (2000) et 'Different' (2002). Pas mal de maxis et de singles s'ajoutent au travail très prolifique que Jori effectue pour le label français. Il sort également une douzaine de maxis et deux albums sur d'autres labels et sous différents pseudonymes, le plus notable étant « Sunglasses at Night » sous le nom de Zyntherius, enregistré avec le DJ canadien Tiga. Si sa priorité est accordée à son travail de producteur, Jori est également un excellent DJ. Cette activité l'a emmené au bout du monde de Tokyo à San Paolo, de Sydney à San Francisco, à Dubai ou Singapour, en passant par Moscou ou Montréal. Il a également joué dans les meilleurs clubs et Festivals d'Europe. Actuellement, il a deux résidences : au Club Indigo d'Istanbul et au Club Rosegarden à Helsinki.

Jori Hulkkonen with John Foxx - Never Been Here Before
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Le 10 mars 2008, Jori Hulkkonen, le maître électro scandinave, a sorti, sur F Communications, son nouvel et sixième album, nommé « Errare Machinale Est ». avec le nouveau single, premier issu de « Errare Machinale Est » intitulé « Never Been Here Before » avec John Foxx.

« Errare Machinale Est » donne suite a « Dualizm » sorti en avril 2005, cinquième album de Jori Hulkkonen sur F Communications. « Dualizm » avait présenté des tracks mélodieux, atmosphériques, mélancoliques, surtout au début du disque, ce côté « son venu du froid », déjà présent dans ses précédentes compositions; et un côté plus pop années 80, acidulé comme pouvait l'être le titre « Sunglasses At Night ». Cette « dualité » représente bien les influences de Jori Hulkkonen. Au niveau de la participation, on y avait retrouvé Nick Triani, Jerry Valuri, proches de Jori Hulkkonen, John Foxx, fondateur et premier chanteur de Ultravox, José Gonzalès, chanteur suédois très connu dans son pays (révélation de l'année avec son dernier album « Veneer ») et Tiga, qu'on ne présente plus.
"Errare Machinale Est" change quelque peu la donne. Fashion mais réellement inspiré, et c’est toute la dualité du finlandais, ce cru est bon. La lente progression du premier extrait “Never Been Here Before” est réussie, mais John Foxx n’est pas fort en forme. C’est tout le contraire pour le titre éponyme de l’album, où après quelques expérimentations, la jolie voix de Justine Electra trouve la douceur hivernale si propre à Hulkkonen. Une danse pop qui venait du froid, délicatement house et sensible, dans une langue incompréhensible qui fait rêver. Sur des nappes progressives digitalisées, l’expérimentateur Jimi Tenor se joint aussi à l’album en poussant sa voix dans des hauteurs qui lui sont inédites. “Synthetic Ballad”: un refrain un peu suave, peut-être trop, mais pas refoulant. The Descent of Man, elle, est une surprise pop, une rencontre de Roÿksopp et The Notwist, un thème sombre et psychédélique, et pourtant un enjouement réjouissant, comme une belle chanson peut procurer du bonheur simple. L'ambiguïté subtile de sa musique, les jeux de miroirs house et electro nous téléportent constamment d'un dancefloor à un autre, avec un sentiment d'ivresse et de douce euphorie. Des titres à consommer à la verticale bien sûr, mais dont l'appréciation à l'horizontale permettent de pénétrer un monde fait d'hommages discrets et de tiedeurs sensuelles et feutrées.

Album : Jori Hulkkonen: Errare Machinale Est ( Label F Communications/Pias )

Liens
http://www.blogger.com/www.jorihulkkonen.com

Jamie Lidell : nouvel album "Jim", du groove chez Warp

noreply@blogger.com (jeanphilippe56) — Sat, 29 Mar 2008 10:50:00 +0000

Le nouvel album de Jamie Lidell tombe a pic pour faire suite a l'article sur les nouvelles diva de la soul d'aujourd'hui. Jamie Lidell est un homme-orchestre à lui tout seul. Après avoir été la moitié du groupe électro-funk Super_Collider, il surprend tout le monde avec un deuxième album solo semblant tout droit sorti des studios Motown ou Atlantic. Il y fait une démonstration de talent digne de l’âge d’or de la musique noire, bifurquant sans vergogne de la soul au funk en passant par l’afro-jazz ou le disco. Pour la peine, il gagne des comparaisons inévitables avec des artistes comme Otis Redding, Marvin Gaye, Prince ou encore le grand Sly Stone. Deux ans après son dernier album "Multiply", le pilier du label Warp, sort son nouvel album, "Jim"
Avec "Jim", qu’on dirait tout droit sorti des studios Motown, Jamie Lidell s'est attaqué à un monument du groove : la soul des années 1960 et 1970. Ceux qui connaissent le live explosif de Lidell (au micro et aux machines, il fabrique toutes ses boucles en direct) seront au premier abord déconcertés par le classicisme de cet album. Piégé par une créativité débordante mais brouillonne, il a sollicité les services des Canadiens Mocky et Gonzales pour la canaliser. Le résultat, soyeux mais sans chichi, ressemble à un écrin pour sa voix de crooner.

Ce Britannique volubile s'est longtemps chauffé sur scène, pour parvenir à ce rôle de beat box humaine qui a depuis fait de lui un ami de Gonzales autant qu'un performer attachant. En live, sa posture a quelque chose de vertigineux, toujours à mi-chemin entre samplers et micro filtrant des vocalises dignes de Prince, Otis Redding ou encore Mike Patton à leurs heures les plus folles.
Son avant dernier album "Multiply" s'avèrait bien plus qu'un simple témoignage discographique des capacités clownesques et pulmonaires avec lesquelles Jamie divertit le public. "Multiply" possèdait un son chaud, palpable et tenu, qui démontrait que ce ne sont pas seulement les particularités vocales de James Brown et Stevie Wonder qui inspirent Jamie Lidell, mais également la manière dont leurs meilleurs disques furent produits. Moins ostensible et traditionnel que Jamiroquai, plus inventif dans ses pirouettes que Mike Skinner de The Streets, Jamie développe un style personnel et assuré qui portait "Multiply" au-delà du gadget, vers une sorte de classicisme r'n'b reformulé.
"Jim" dépasse largement le pastiche et l'hommage aux monstres afro-américains par sa personnalité, son style, et surtout un groove affolant, celui d'un Anglais blanc au chant assuré, sensible et nuancé. Au-delà donc de toutes préoccupations de crédibilité, ce disque, en multipliant les astuces de production et les bonnes idées discrètes au service des chansons apporte, en plus d'un franc bonheur quotidien, une contradiction aux préjugés sur la génération électronique dont peut souffrir Warp : non, chez Warp, on ne se réfugie pas systématiquement derrière les derniers plugins tapageurs. Ici, la substance des morceaux n'est pas éclipsée par des artefacts technologiques, mais bel et bien mise en valeur par une production rafraîchissante. Aucun rapport n'existe entre Muddlin Gear, son premier album, Multiply et Jim. Ce qui est plus étonnant encore, c’est que J.Lidell sorte ce disque sur Warp qui n’avait pas pour habitude de lorgner vers ce genre-là.

Jamie Lidell - LIttle Bit of Feel Good
envoyé par hdoblick

Jamie Lidell - LIttle Bit of Feel Good
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Le nouveau disque soul du très élégant Jamie Lidell sortira le 29 avril sur Warp. Il sera précédé du single Little Bit Of Feel Good le 14 avril et d'une tournée française qui le verra passer par Bordeaux le 15 (à la Rock School Barbey), Paris le 16 (Nouveau Casino), Lyon le 17 (La Peniche Marquise), Nantes le 18 (Olympic) et Lille le 19 (Maison Folie Moulin).

Album : Jamie Lidell - "Jim" ( Warp records)

http://www.myspace.com/jamielidell
http://www.jamielidell.com/

R'N'B : Grace au succés d'Amy Whinehouse, retour aux sources soul avec Duffy & Adele

noreply@blogger.com (jeanphilippe56) — Wed, 26 Mar 2008 12:46:00 +0000

(Amy Winehouse s'est mise à nue dans le cadre de la semaine de lutte contre le cancer du sein et parue dans le magazine anglais Easy Living.)

A l'origine Le rhythm and blues (ou R&B, parfois aussi abrégé R'n'B) est un genre musical combinant des influences de gospel et de blues. Le terme fut introduit en 1949 par Jerry Wexler, alors journaliste au magazine professionnel Billboard, qui devint un peu plus tard l'un des producteurs les plus réputé de son époque au sein de la firme Atlantic Records. Ce terme, qui se prête davantage au marketing musical, remplace peu à peu l'expression race music (« musique raciale »), trop péjorative. À ses débuts, le rhythm and blues désigne, comme son nom l'indique, une forme de blues rythmée, jouée exclusivement par des musiciens Noirs. Né au sortir de la Seconde Guerre mondiale, ce style est fortement influencé par les orchestres de jazz noirs de l'ère du swing, le rythme boogie-woogie, les structures harmoniques du blues, et surtout le gospel. Il se distingue du blues par ses thèmes plus gais, un tempo plus rapide, et l'accent mis sur la batterie et les cuivres. Le saxophone est alors l'instrument roi de ce genre musical, qui est aussi marqué par les chanteurs à la voix puissante. Le terme de rhythm and blues passe de mode dans les années 1960 parmi son public original afro-américain, pour être remplacé par la soul music, la Motown et James Brown; mais le genre sera une des influences majeures de nombreux jeunes musiciens britanniques qui formeront les groupes qui renouvèleront le rock, des Rolling Stones aux Who.
Toujours utilisé aux États-Unis depuis, et synonyme de black music (qu'elle soit soul, funk, disco ou urban au cours des années 1970 et 1980), le terme R&B (ou R'n'B) est réapparu en France au milieu des années 1990, cette fois désignant la nouvelle musique populaire noire américaine fortement influencé par le hip-hop, d'un côté, et le funk et la soul, de l'autre. Cette nouvelle musique R'n'B/hip-hop n'a parfois qu'un rapport très lointain avec le rhythm & blues original, mis à part pour certains artistes une même manière de chanter issue du gospel.

Amy Winehouse
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Amy Winehouse : Depuis l’été 2007, elle défraye la chronique people. Il faut dire que la chanteuse britannique Amy Winehouse ne passe pas inaperçue : des épaules couvertes de tatouages, des yeux de chatte égyptienne surmontés d’une chevelure noire extravagante, curieux mélange de Morticia Adams et de Marge Simpson. Ajoutez à cela un fort penchant pour la cocaïne, l’héroïne et la kétamine et des concerts massacrés quand elle ne les annule pas tout simplement - et vous aurez tout pour faire la une des magazines people. Mais ses frasques ne parviennent pas à cacher le principal : du haut de ses vingt-quatre ans, Amy Winehouse est la nouvelle diva de la soul. Avec sa voix suave et ses rythmes balancés, elle suit sans complexe les pas des grandes chanteuses noires, Sarah Vaughan et autres Aretha Franklin, revendiquant pleinement l’héritage jazz et blues des années soixante et soixante-dix. En février dernier, elle a été consacrée « meilleure chanteuse de l’année » lors des Brit Awards.
La voix d'Amy Winehouse ressuscite l'âme du rhythm and blues et rappelle les années Motown, les voix soul des girls group des années 60, ce n'est pas un hasard car elle vénere ce style de musique, certains évoquent Motown, mais son côté trash rappelle davantage les artistes déjantés du label concurrent Stax. Elle s’inspire pour le composer des « girl groups » des années soixante - soixante-dix, la grande époques de Motown avec des groupes comme les SUPREME ou les SHANGRI-LA'S (son groupe préferé).
C'est un poids plume, une brindille de 1,57 mètre, mais sa voix est puissante à défoncer les cieux. Amy Winehouse hante des chansons dérangées d'idées noires qu'elle interprète les mains pleines de coupures et de démons. Ses mots portent la marque des cœurs brisés - dépressions sentimentales, comas mélancoliques, romantisme noir... Elle termine toujours les dernières mesures de son tube Rehab - ou comment la fin d'une histoire d'amour l'a précipitée à 20 ans dans l'alcool - les larmes aux yeux. Car l'amour qu'elle chante est une croix. Sa voix de black mama voltige dans les graves et remonte le temps: on retrouve avec elle la suprême élégance des divas de la soul. La même émotion authentique. Sur ses deux albums, Frank (2003) et Back to Black (2007), Amy remercie Count Basie, les Beastie Boys, Ray Charles, Nat King Cole, Michael Jackson, Sarah Vaughan, Dinah Washington, The Specials... Toutes ses idoles écoutées petite sur la chaîne stéréo de sa famille (juive d'origine russe) lui ont inspiré un cocktail de jazz et de hip-hop, une modernité rétro qui colle à l'époque. Amy Winehouse a grandi à Southgate, au nord de Londres. Amy entretient la flamme de la Motown, des Shangri-Las ou des Ronettes, ces groupes de girls (teenagers) des sixties que l'on joue toujours sur les juke-box des salles de billard qu'elle fréquente, à Camden.

http://www.myspace.com/amywinehouse

Adele
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Adele : avec l'incroyable succès mondial de son album "Back to Black", Amy Winehouse a inspiré les maisons de disques à signer à la pelle des prétendantes à son trône. La première s'appelle Adele, et la seconde se prénomme Duffy. Elle a 19 ans, des yeux de chat, les rondeurs quasi-typiques des filles anglaises, et une apparente gentillesse qui vous donne envie de prendre le thé en sa compagnie.
Elle n’a physiquement rien à voir avec sa compatriote Amy Winehouse, mais, comme elle un an après, Adele est devenue LA soul sister britannique, avec 19, un premier album éclectique et mélancolique. Ce disque commence, simplement, avec un titre dense et épuré, Daydreamer, joué à la guitare. On le devine assez vite : tout repose sur la voix d’Adele. Quand Amy, la diva poudrée, convoquait un groupe au son Motown, avec force cuivres et groove implacable, Adele, elle, privilégie le dépouillement, et chante, avec une voix aux accents typiquement anglais, sa vie de jeune Londonienne fraîchement entrée dans l'âge adulte.
Adele se rapprocherait donc plus de Lily Allen ou Kate Nash, dans sa façon de chanter sa vie, son amour pour sa ville, Londres (Hometown Glory, à chialer, pourvu qu'on soit déjà un peu triste…), ses amours (Crazy For You).
Malgré tout, une partie des titres de ce premier album manquent d’inspiration, s’égarant dans des sphères un peu trop variet’ (Attention à ne pas trop chanter comme Lisa Stansfield… !). On regrette ainsi qu’il n’y ait pas plus de chansons du gabarit de Daydreamer ou First Love, où Adele réussit, avec une simple guitare et le vécu d’une jeune femme de son âge, à émouvoir et charmer.
Pour (peut-être) aider 19 à se faire une place dans les charts, quelques titres plus groovy viennent s'ajouter au reste. Ainsi, Melt My Heart To Stone et Right As Rain renvoient directement vers Amy Winehouse, le côté trash en moins et My Same nous fait penser au My Baby Just Cares For Me de Nina Simone. Une autre chanson, Cold Shoulder, flirte avec l'electro. il y a chez elle un côté brut, vintage, rustique, que la production lisse de l’album – et c’est le principal reproche qu’on lui fera – a un tantinet trop astiqué.

Album : Adele "19" ( XL Recordings/Beggars Group/Naïve/2008)

Duffy
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Duffy : Ma preference parmi les pretendantes au trone du Rhytm'n'blues revival, c'est elle. Duffy a pour l’instant une bonne longueur d’avance : son single Mercy est déjà n°1 des ventes, et ce, sans que le disque soit physiquement sorti. Influencée par Doris Duke, Bettye Swann, Scott Walker et Richard Hawley, Duffy a commencé à écrire des chansons dès l'âge de dix ans. Ses compositions portent toutes les traces des musiques soul dans lesquelles elle a baigné pendant son enfance et des sonorités beaucoup plus modernes. Son premier album, Rockferry, est attendu en France au mois d'avril.
On voit déjà les gros titres des tabloïds opposant la blonde et sage Duffy à la brune et tumultueuse Amy, délaissant le point de vue musical à une confrontation aussi hypothétique qu’inutile. Car au jeu des pronostics, gageons qu’à l’écoute de ce premier single, on est en droit d’attendre beaucoup de la jeune anglaise : le timbre de voix est certes le même, mais, à une différence, sa suavité est moins technique que celle d’Amy Winehouse, plus corporelle, moins travaillée. Allons donc ! La comparaison est beaucoup trop facile. Il est impossible d’ailleurs d’imaginer une seule seconde que les gens d’Universal dans leurs quêtes effrénées de qualité musicale aient cédé un seul instant à une telle facilité. Pour commencer, la musique n’est pas la même. Amy fait de la soul plus directe, plus moite. Ce disque, Rockferry, lorgne plus du côté de la Northern Soul et des chanteuses blanches enregistrant à Memphis sous la houlette d’un producteur mégalo. On a quelque chose de beaucoup plus consensuel, beaucoup plus pop, en fait. Bon, allez, promis, la comparaison avec Miss Winehouse s’arrêtera là.
Il y a quelque chose de presque palpable chez Duffy que l’on ne retrouve pas forcément chez la première. Ce phrasé soul est assez unique en son genre et peu d’artistes ont la capacité d’en faire quelque chose d’intéressant qui ne vire pas à la soupe commerciale. Duffy peut connaître un véritable succès critique et commercial, tout dépend des choix qu’elle fera et des producteurs dont elle s’entourera. Elle s’est plutôt bien entourée puisque c’est l’ex-Suede Bernard Butler qui la produit, la voix est mise en valeur juste ce qu’il faut et au niveau des arrangements il renoue avec ses plaisirs soul-pop. Enregistré directement sur bande, l’album possède un charisme qui lui est propre. Parmi ses points forts, on remarque, avec son air de défi, l’entraînant « Mercy », hanté par le fantôme de Motown, “Warwick Avenue”, accrocheur à faire peur et “Serious” avec son refrain tranchant comme un rasoir. “Il y a une partie de moi qui essaye d’assurer une cohésion d’ensemble, mais il y a une autre partie de moi qui veut juste crier, s’épuiser sur scène et dire ‘Je suis là !’”
Album : Duffy "Rockferry" ( label A&M Distributeur : Universal Music )

Site officiel : http://www.blogger.com/www.iamduffy.com

Amy Winehouse - "Rehab" Live on David Letterman

Adele - Chasing Pavements [Live]

Duffy - Warwick Avenue live from Later... With Jools Holland

Les Coming-next (jingles avant la pub) du Grand Journal de Canal Plus

noreply@blogger.com (jeanphilippe56) — Sun, 23 Mar 2008 10:26:00 +0000

Le Grand Journal de Canal+ produit de courts jingles précédant les coupures publicitaires où l'on peut voir les chroniqueurs danser les uns après les autres. Ces jingles sont appelés communément les Coming-Next du Grand Journal. Leur particularité étant que la musique (des nouveautés) habillant ceux-ci change régulièrement (toutes les semaines depuis la saison 2006/07) et est l'occasion de découvrir des singles pop récents ou pas encore sortis, qui rencontrent un grand succès auprès de la communauté internet. Le probleme est que, que ce soit sur le site de Canal Plus- Le Grand Journal ou sur le generique de fin de l'emission quotidienne, ne sont mentionnés les titres diffusés. Je reprend donc le topic cree par shadow's lisa et thiste sur MusiqueDePub.com. Chaque semaine, je mettrais a jour ces Coming Next (sauf imprevu ou titre non trouvé..). J'espere que les nombreuses personnes qui cherchent inlassablement sur les forums trouveront là, les reponses a leurs questions.

(je remercie shadow's lisa et thiste sur http://www.blogger.com/www.MusiqueDePub.com pour leurs precieuses informations et leur travail colossal ! pour visualiser leur topic, c'est ici :

http://www.musiquedepub.com/topic-unique-musiques-du-grand-journal-canal--vt4563.html )

Générique : remix de "Superstition" de Stevie Wonder par Justice

Accueil des invités :"In The Hospital" de Friendly Fires / "Say Goodbye to Love" de Kenna / "Let's Ride !" de Gonzales / "Dance Wiv Me" de Dizzee Rascal [Feat. Calvin Harris

La Météo de Pauline Lefèvre : "Oh Yeah !" de Housse de Racket

Le Petit Journal : "As Above So Below" des Klaxons [Justice Remix]

Lu à la Télé de Louise Bourgoin : "Bach Rickenbacker" de Dig Up Elvis

Saison 2009/2008

AVRIL 2009 :

"Love Sex Magic" de Ciara [Feat. Justin Timberlake] (du 20/04 au 24/04)

"Gifted" de N.A.S.A. [Feat. Kanye West, Santogold & Lykke Li] (du 13/04 au 17/04 [Best Of])

"3 little words" de Frankmusic (du 06/04 au 17/04)

"Hey You" de Pony Pony Run Run (du 30/03 au 03/04)

MARS 2009

"Zero" de Yeah Yeah Yeahs (du 23/03 au 27/03)

"Shine All Day" de Grandmaster Flash [Feat. Q-Tip, Jumz & Kel Spence] (du 16/03 au 20/03)

"To Lose My Life" de White Lies (du 09/03 au 13/03)

"Gifted" de N.A.S.A. [Feat. Kanye West, Santogold & Lykke Li] (du 02/03 au 06/03)

FEVRIER 2009:

"get on your boots" de U2 (du 23/02 au 27/02°

"All You Need is Me" de Morrissey (du 16/02 au 20/02)

"Walking On A Dream" de Empire of the Sun (du 09/02 au 13/02)

"Wake Up" de Sliimy (du 02/02 au 06/02)

JANVIER 2009:

"Tonight" de Yuksek (du 26/01 au 30/01)
"Quicksand" de La Roux (du 19/01 au 23/01)
"Day 'N' Night" de Kid Cudi [Crookers Remix] (du 12/01 au 16/01)
"Like a Hobo" de Charlie Winston (du 05/01 au 09/01)

DECEMBRE 2008:

"Make My Day" de Common (du 22/12 au 02/01 [Best Of])
"Universal Mind Control" de Common (du 15/12 au 19/12)
"Ulysses" de Franz Ferdinand (du 08/12 au 12/12)
"Move"de Q-TIP (du 01/12 au 05/12)

novembre 2008

"Paranoid" de Kanye West (du 24/11 au 28/11)
"Hear it in the Cans" de We Have Band (du 17/11 au 21/11)
??? (du 10/11 au 14/11)
"Paris is Burning" de Ladyhawke (du 10/11 au 14/11)
"Paris is Burning" de Ladyhawke (du 03/11 au 07/11)

OCTOBRE:

"Nonpareil of Favor" de Of Montreal (du 27/10 au 31/10)

"Paris is Burning" de Ladyhawke (du 20/10 au 24/10)

"Womanizer" de Britney Spears (du 13/10 au 17/10)

"Rich Girls" de The Virgins (du 06/10 au 10/10)

"Stand On The Word" de Keedz [Mima Remix] (du 29/09 au 03/10)

SEPTEMBRE:

"Into The Galaxy" de Midnight Juggernauts [Chateau Marmont Remix] (du 22/09 au 26/09)

"Heartbeat" de Late Of The Pier (du 15/09 au 19/09)

"Dance Wiv Me" de Dizzee Rascal [Feat. Calvin Harris] (du 08/09 au 12/09)

"21st Century Life" de Sam Sparro (du 01/09 au 05/09)

AOUT:

"Shake It" de Metro Station (du 25/08 au 29/08 [Best Of])

JUIN:

"You Know What" de N*E*R*D (du 23/06 au 27/06)

"Sea of Sine Waves" de Kelley Polar (du 09/06 au 13/06)

"Crimewave" de Crystal Castles [vs Health] (du 02/06 au 06/06)

MAI

"I Like To Fuck" de Young Hot Rod [Feat. Tila Tequila & B.Dozier] (du 27/05 au 30/05)

"Say Goodbye To Love" de Kenna (du 12/05 au 23/05 [Festival de Cannes]) (Générique de fin Grand Journal à Cannes : "My Mistakes Were Made For You" de The Last Shadow Puppets)

"L.E.S Artistes" par Santogold (du 05/05 au 09/05)

AVRIL

"Wearing My Rolex" de Wiley (du 28/04 au 02/05)
"Great DJ" de The Ting Tings (du 21/04 au 25//04)
"Working Together" de Gonzales (du 14/04 au 18/04)
"A Punk" de Vampire Weekend" (du 07/04 au 11/04)
"The Age of the Understatement" de The Last Shadow Puppets (du 31/03 au 04/04)

MARS:
"Blind" de Hercules and Love Affair [feat. Antony Hegarty] (du 24/03 au 28/03)
"4 Minutes to Save the World" de Madonna [Feat. Justin Timberlake] (du 17/03 au 21/03)
"Qu'est-ce Qu'on Attend" de NTM (le 13/03 pour célébrer la reformation de NTM)
"Mercy" de Duffy (du 10/03 au 14/03)
"Always Where I Need To Be" de The Kooks (du 03/03 au 07/03 [Best Of])

FEVRIER:
"18-30" de Reverend And The Makers [Elektrons Data Transfer Remix] (du 25/02 au 29/02)
"Divine" de Sébastien Tellier (du 18/02 au 22/02)
"Acceptable In The 80's" de Calvin Harris (du 11/02 au 15/02)
"Ready for the Floor" de Hot Chip (du 04/02 au 08/02)

JANVIER:
"Cheap and Cheerful" de The Kills (du 28/01 au 01/02)
"Merrymaking at my Place" de Calvin Harris (du 21/01 au 25/01)
"Cassius" de Foals (du 14/01 au 18/01)
"Divine" de Sébastien Tellier (du 07/01 au 11/01)

2007 :

DECEMBRE 2007:
"Don't Shoot Me Santa" de The Killers (du 25/12/07 au 04/01/08 )
"Fiesta" de Ween (du 17/12/07 au 21/12/07)
"Bonafied Lovin'" de Chromeo (du 10/12/07 au 14/12/07)
"As Above, So Below" des Klaxons [Justice Remix] (du 03/12/07 au 07/12/07)

NOVEMBRE:
"The One" de Kylie Minogue (du 26/11/07 au 30/11/07)
"Hot Stuff (Let's Dance)" de Craig David (du 19/11/07 au 23/11/07)
"Let Me Know" de Róisín Murphy (du 12/11/07 au 16/11/07)
"Freakshow" de Britney Spears (du 05/11/07 au 09/11/07)

OCTOBRE:
"Valerie" de Mark Ronson [Feat. Amy Winehouse] (du 29/10/07 au 02/11/07)
"2 Hearts" de Kylie Minogue (du 22/10/07 au 26/10/07)
"Hey Mr. DJ" de Tiny Masters Of Today [CSS Remix] (du 15/10/07 au 19/10/07)
"Crocodile" de Underworld (du 08/10/07 au 12/10/07)
"He Said He Loves Me" de Reverend And The Makers (du 01/10/07 au 05/10/07)

SEPTEMBRE:
"Grip Like A Vice" de The Go! Team (du 24/09/07 au 28/09/07)
"Delivery" des Babyshambles (du 17/09/07 au 21/09/07)
"Suburban Knights" de Hard-Fi (du 10/09/07 au 14/09/07)
"Fancy Footwork" de Chromeo (du 03/09/07 au 07/09/07)

== Saison 2007/2006 ==

Générique : réorchestration de "Superstition" de Stevie Wonder

Accueil des invités : "Mighty 'O'" des Outkast
La Météo de Louise Bourgoin : "Young Folks" de Peter, Bjorn and John
La Météo de Cannes : "Rehab" d'Amy Winehouse
La Petite Semaine du Grand Journal : "Boulbi" de Booba
Le Petit Journal Actu : "Chelsea Digger" de The Fratellis
Le Petit Journal People : "Forever" de Vhs or Beta

JUIN 2007:
"The Queen And I" de Gym Class Heroes (du 18/06/07 au 22/06/07)
"DVNO" de JUSTICE (du 11/06/07 au 15/06/07)
"Office Boy" de Bonde Do Role (du 04/06/07 au 08/06/07)
"I Get Around" de Dragonette [Midnight Juggernaut Mix] (du 29/05/07 au 01/06/07)

MAI:
"D.A.N.C.E" de JUSTICE (du 16/05/07 au 25/05/07 [Festival de Cannes])
(Générique de fin Grand Journal à Cannes : "Cannes" de Barbara Carlotti)
"Fluorescent Adolescent" des Arctic Monkeys (du 07/05/07 au 11/05/07)
"Release" de Timbaland [Feat. Justin Timberlake] (du 30/04/07 au 04/05/07)

AVRIL:
"The Magic Position" de Patrick Wolf (du 23/04/07 au 27/04/07)
"Stop Me" de Mark Ronson [Feat. Daniel Merriweather] (du 16/04/07 au 20/04/07)
"The Way I Are" de Timbaland [Feat. Keri Hilson & D.O.E.] (du 02/04/07 au 13/04/07)

MARS:
"Heart of Hearts" des !!! (Chk Chk Chk) (du 26/03/07 au 30/03/07)
"Brianstorm" des Arctic Monkeys (du 19/03/07 au 23/03/07)
"North American Scum" de LCD Soundsystem (du 12/03/07 au 16/03/07)
"She's Good For Business" de MSTRKRFT (du 05/03/07 au 09/03/07)

FEVRIER:
"North American Scum" de LCD Soundsystem (du 26/02/07 au 02/03/07)
"The Creeps" de Camille Jones [Fedde Le Grand Mix] (du 19/02/07 au 23/02/07)
"Grace Kelly" de Mika (du 12/02/07 au 16/02/07)
"Perfect Exceeder" de Mason vs Princess Superstar (du 05/02/07 au 09/02/07)

JANVIER:
"Hip Hop is Dead" de Nas (du 29/01/07 au 02/02/07)
"Brain Leech" de Alex Gopher (du 22/01/07 au 26/01/07)
"Relax Take it Easy" de Mika (du 08/01/07 au 19/01/07)

DECEMBRE 2006:
"Deux Par Deux Rassemblés" de Pierre Lapointe (du 18/12/06 au 22/12/06)
"Starz in Their Eyes" de Just Jack (du 11/12/06 au 15/12/06)
"We're From Barcelona" de I'm From Barcelona (du 04/12/06 au 08/12/06)

NOVEMBRE:
"Uh Uh Uh" de Hey Willpower (du 27/11/06 au 01/12/06)
"Monster" de The Automatic (20/11/06 au 24/11/06)
"Writer's Block" de Just Jack (du 13/11/06 au 17/11/06)
"My Love" de Justin Timberlake (du 06/11/06 au 10/11/06)

OCTOBRE:
"America" de Razorlight (du 30/10/06 au 03/11/06)
"Cellphone's Dead" de Beck (du 23/10/06 au 27/10/06)
"Let's Make Love And Listen To Death From Above" de CSS (du 16/10/06 au 20/10/06)
"Atlantis To Interzone" des Klaxons (du 09/10/06 au 13/10/06)
"London Bridge" de Fergie (du 02/10/06 au 06/10/06)

SEPTEMBRE:
"Fa Fa Fa" de Datarock (du 25/09/06 au 29/09/06)
"I Don't Feel Like Dancin'" des Scissor Sisters (du 18/09/06 au 22/09/06)
"Get Myself Into It" de The Rapture (du 11/09/06 au 15/09/06)
"Sexy Back" de Justin Timberlake (du 04/09/06 au 08/09/06)

== Saison 2006/2005 ==

Générique : réorchestration de "Superstition" de Stevie Wonder

Arrivée des chroniqueurs : "Party Time" de Missy Elliott

JUIN 2006:
"Can I Have It Like That ?" de Pharrell Williams [Feat. Gwen Stefani] (du 30/05/06 au 13/06/06)
"Boy From School" de Hot Chip (du 16/06/06 au 27/06/06)

MAI:
"Crazy" de Gnarls Barkley (du 17/05/06 au 28/05/06 [Festival de Cannes])
(Générique de fin Grand Journal à Cannes : "Cannes" de Barbara Carlotti)
"SOS (Rescue Me)" de Rihanna (du 15/05/06 au 16/05/06 [Best Ofs])
"Steady, As She Goes" de The Raconteurs (du 08/05/06 au 12/05/06)

AVRIL:
"SOS (Rescue Me)" de Rihanna (du 01/05/06 au 05/05/06)
"You Have Killed Me" de Morrissey (du 17/04/06 au 28/04/06)
"When You Wasn't Famous" de The Streets (du 10/04/06 au 14/04/06)
"Touch The Sky" de Kanye West [Feat. Lupe Fiasco] (du 27/03/06 au 07/04/06)

MARS:
"Eddie's Gun" des Kooks (du 13/03/06 au 24/03/06)
"Alala" de CSS (du 27/02/06 au 10/03/06)

FEVRIER:
"You Gonna Want Me" de Tiga (du 13/02/06 au 24/02/06)
??? (du 30/01/06 au 10/02/06)

JANVIER:
"Pump It" des Black Eyed Peas (du 16/01/06 au 27/01/06)

DECEMBRE 2005:
"Dance Dance" des Fall Out Boy (du 05/12/05 au 16/12/05)

NOVEMBRE:
"Push" de Madonna (du 21/11/05 au 02/12/05)
"Gold Digger" de Kanye West [Feat. Jamie Foxx] (du 07/11/06 au 18/11/06)

OCTOBRE:
"Hung Up" de Madonna (du 24/10/05 au 04/11/05)
"Tripping" de Robbie Williams (du 10/10/05 au 21/10/05)

SEPTEMBRE:
"My Humps" des Black Eyed Peas (du 26/09/05 au 07/10/05)
"Do You Want To" de Franz Ferdinand (du 12/09/05 au 23/09/05)
"Dirty Harry" de Gorillaz (du 29/08/05 au 09/09/05)

== Saison 2005/2004 ==

Générique : réorchestration de "Superstition" de Stevie Wonder

JUIN 2005:
"Feels Just Like It Should" de Jamiroquai
"Don't Phunk With My Heart" des Black Eyed Peas

MAI:
"Feel Good Inc." des Gorillaz
???

AVRIL:
???
???

MARS:
"Get Right" de Jennifer Lopez
"Everyday I Love You Less And Less" des Kaiser Chiefs

FEVRIER:
"Robot Rock" de Daft Punk
"Signs" de Snoop Dogg [Feat. Justin Timberlake]

JANVIER:
"What You Waiting For ?" de Gwen Stefani
"Drop It Like It's Hot" de Snoop Dogg [Feat. Pharrell]

Chrome Hoof - Quand Tex Avery fait du funk et du metal !

noreply@blogger.com (jeanphilippe56) — Mon, 10 Mar 2008 00:51:00 +0000

Opéra hardrock ? Performance artistico-médiévale ? Terrorisme musical ? Machine à faire entrer en transe ? Difficile de définir le projet défendu par les frérots Leo et Milo et leur bande, qui nous en mettent plein les tympans et les mirettes. En découvrant les influences de Chrome Hoof, à savoir Slayer et Black Sabbath, on s'attend à des riffs chauffés à blanc, un batteur martelant violemment ses fûts et un chanteur chevelu et barbu hurlant comme un enragé. Au lieu de ça, on se retrouve face à une dizaine de guignols habillés en peignoirs façon aluminium. Les Londoniens ne sont pas sur la Lune, ils sont sur une autre planète pas encore découverte mais on n’a rien vu de tels depuis les plus beaux délires visuels de Funkadelic ou Parliament, tout droit sortie d’une série de science-fiction des années 70.
C'est le projet disco funk metal de Leo Smee, le bassiste du groupe doom Cathedral (si, si, vous lisez bien !). Originalement bâti autour d'un duo avec son frère Milo, Chrome Hoof, s'est finalement transformé en orchestre pour moines futuristes allumés et funky. Le binôme s’est fixé pour mission de s'affranchir des dogmes metal, de brouiller les pistes entre des genres musicaux a priori disparates. Une sorte de cirque Barnum au carrefour improbable entre Sunn O))) et Parliament, Magma et ESG, Black Sabbath et Tex Avery, Hawkwind et Daft Punk.

Une bande de joyeux jobards accoutrés de toges à paillettes parmi lesquels on trouve la siphonné Lola Olafisoye des excellents Spektrum. Pas moins d'une vingtaine de musiciens donc, trompettes, saxophones, tubas, percussions diverses et bien sûr basse, guitare, batterie, mais aussi synthétiseurs et effets électroniques analogiques pour un Pre-Emptive False Rapture complètement halluciné tentant follement l'hybridation du jazz mutant et futuriste de Sun Ra avec les B.O. bizarres des Italiens de Goblin, le punk funk d'ESG, le P-funk de Parliament Funkadelic et le hard rock mystique de Black Sabbath. D'un humour constant, leur musique résulte de cette approche limitrophe, quasi-schizophrénique dans sa démultiplication bluffante des styles, tout en ruptures de tons abrupts, en excitants méandres progressifs et en choeurs baroques, jamais avare de sections rythmiques complexes, de louvoiements alien-jazz à la Sun Ra et de scintillements electrofunk. On croit entendre une symphonie martienne savamment démantibulée ? Fausse piste, l'orchestration est brisée la seconde d'après par une tornade doom-metal, qui raccroche aussi subitement le wagon disco avec une aisance et une jubilation tellement palpable qu'elle ne s'enferre jamais dans le ridicule ni le kitsch ampoulé auxquels elle pourrait s'exposer, ce qui est en soit un miracle. N'est pas l'orchestre du Splendid qui veut.
“Pre-Emptive False Rapture” est une sorte d’odyssée (de l'espace) pleine de bravoure, de moments d’héroïsme, de musiques venues d’une autre époque, d’un autre monde qu’on imagine pas très beau à voir, mais sûrement intéressant à visiter. Les fans de Mike Patton devraient trouver ici leur bonheur tant le brassage est innovant. Dès les premières notes lancées, la machine est en route, et tout ce que Chrome Hoof nous fait traverser ne semble avoir de lien avec ce qui vient de se passer, ni avec ce qui va se passer. Les ambiances psychédéliques et très brumeuses donnent le ton à des tirades de schizophrénie furieuse, des gouffres effrayants, des évolutions aux rythmiques funky obsédantes ou encore des passages rock très entraînants et légers. La musique de Chrome Hoof ondule bêtement (au bon sens du terme), de références en références, d’instruments en instruments (synthé, cuivres, guitare, basse, et bien d’autres) générant un vortex dont la compréhension même n’a plus forcément grand sens au final. Tour à tour grand huit et train fantôme, vaudeville et film d'horreur, rugissements doom et vélocité disco-funk .

Impossible de savoir ce qu’il va se passer de chanson en chanson, ou même de riff en riff, sur cet album. On commence en grandes pompes avec une introduction inquiétante ("Nordic Curse") pour enchaîner sur du funk délirant digne de Parliament ou des tous premiers Red Hot Chili Peppers ("Tonyte"). La voix n’arrive qu’après de longs instants (très dansants, cela dit), alors qu’on se demandait presque si l’album n’allait pas être entièrement instrumental.
L’album de cette troupe de musiciens, chanteurs et danseurs costumés fait s’alterner des morceaux speedés et rythmés (le tonic “Tonyte”), invite des cuivres hystériques (“Circus 9000”), nous plonge dans de sanglantes épopées (“Moss Covered Obelisk”). Chrome Hoof, c'est comme un hommage à l'ambiance des années 70, entre Funkadelic et Iron Maiden. Autant métal que funk, pas plus électro que mathrock, les morceaux sont construits sur des structures rythmiques déroutantes et ne seraient pas dépareillés dans The Rocky Horror Picture Show. On enchaîne avec des gros riffs lourds à la Black Sabbath agrémentés de synthés ou orgues, voire de cuivres bien gras, mêlés à des ambiances planantes ou déprimantes. Inutile sans doute de décrire l’album pas à pas, tant la description in extenso noircirait des pages illisibles.
Plébiscité aussi bien par les kids enamourés de Justice et Klaxons (avec qui ils ont dernièrement partagé l'affiche) que par les mélomanes assoiffés de musiques aventureuses et les metalleux purs et durs. Il faut dire que visuellement, l'orchestre mastodonte met le paquet. Spectacle à part entière, qualifié d' « electro doom space ritual », Chrome Hoof est attifé sur scène de toges à paillettes et de masques médiévaux futuristes, entourés d'une armada de danseurs, d'une chanteuse glam (Lola Olafisoye, intermittente du groupe Spektrum) et d'une garnison de mages-musiciens, cuivres et cordes tendus, prêts à en découdre avec leurs amplis. Cerise sur le gâteau, une immense créature démoniaque surgirait parfois dans la salle... On n'avait pas vu un tel déchaînement visuel et sonore depuis les bacchanales industrielles de Crash Worship ou les shows graveleux des Butthole Surfers. A interpréter ses cabrioles musicales spectaculaires, Chrome Hoof fait l’effet de n’appartenir à rien, ni au passé, ni au présent, encore moins au futur, ni à une scène particulière. Encore une fois, peu importe de toute manière, Chrome Hoof intéressera qui voudra bien s’y intéresser, a priori des gens plutôt ouverts à toutes les musiques expérimentales, des curieux naïfs, et autres allumés de la consommation musicale. "pre emptive false rapture" est un disque impossible à noter, encore que son résultat défile sans accrocs et soit interprété sans failles, pour la simple et bonne raison qu’il s’inscrit dans tout et rien à la fois, que tout référentiel qui pourrait le régir est aussitôt brouillé après réflexion, et si vous êtes curieux donc, n’hésitez pas.

Voici quelques extraits de concerts glanés sur youtube, helas il n'existe pas encore de clip officiel, juste pour l'ambiance....

Chrome Hoof At ATP 2008 3 video
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Album - Chrome Hoof - "Pre-emptive false rapture"

http://www.blogger.com/www.myspace.com/chromehoof
http://www.chromehoof.com/

Petit etat des lieux du Metal d'aujourd'hui.....

Dernièrement, ce milieu pourtant connu pour son conservatisme se laisse aller à quelques expériences. Les Norvégiens de Next Life associent sonorité de jeux vidéos et Death Metal. Les Américains de Sunn O))) font du metal au valium. Et le death metal électro de KILLL, un autre groupe norvégien, a des accents de free jazz.

Les membres de KILLL ne s’arrêtent pas à l’univers metal. Are, par exemple, est artiste plasticien. Erlend, le guitariste, a joué avec JR Ewing, un groupe pop. Matrin, le batteur, joue avec Jaga, un groupe de jazz. D’ailleurs, les instruments de Are ne sont pas tous spécifiquement metal. Certains sont utilisés par les DJs de musique trance. KILLL ne sort jamais d’albums. Pour les écouter, il faut aller au concert. Leur spectacle, à base de lumière stroboscopique, vaut d’ailleurs le déplacement. Le stroboscope est la marque de fabrique des concerts de KILLL. La lumière et la musique fonctionnent de manière interdépendante. Par exemple, quand le son est plus noisy, les couleurs deviennent plus vives. L’idée du groupe, c’est de créer son propre habillage acoustique et visuel, pour se démarquer des gesticulations sataniques des autres groupes de metal.

Les uns se shootent au speed, les autres marchent au valium. Le rock metal au ralenti de Sunn O))), un groupe californien, a un effet apaisant sur le rythme cardiaque. Ils font incontestablement partie de l’avant-garde du metal expérimental, et pas uniquement aux USA. Sur scène, Greg Anderson et Stephen O’Malley, les deux maîtres de cérémonie, portent des soutanes de moines. Et même lors des interviews, ils préférent ne pas être reconnus. D’une part parce qu’ils sont timides, d’autre part parce que le mystère fait partie de leur image de marque. Ils conçoivent leur musique comme un massage de la tête aux pieds.

Un effet que Sunn O))) obtient en connectant des amplis en cascade et grâce à des fréquences basses et des techniques de distorsion. Le résultat s’appelle « Drone Metal » : un son profond qui se modifie progressivement. Le nom du groupe, Sunn O))), vient d’un modèle d’amplificateur des années 80. En live, Sunn O))) joue de préférence avec des amis musiciens. Par souci de cohérence visuelle, tout le monde est en soutane. C’est leur uniforme. L’attention du public doit se concentrer sur la musique.

Les uns s’amusent avec les ondes sonores, les autres préfèrent jouer à la playstation. Le duo Next Life se compose de Hai Nguyen, un fou d’informatique, et son copain Trond. Ils assemblent les sons d’anciens jeux vidéo avec du metal. Le résultat s’appelle du gameboy-deathmetal. Les concerts de Next Life sont un hommage inconditionnel et extatique au metal. Physiquement, c’est épuisant, et leurs spectacles ne durent jamais plus qu’un quart d’heure. Next Life utilise de préférence les bruitages des jeux vidéos d’avant 1995. L’éventail de sonorités est assez réduit et, surtout, les sons n’ont pas la netteté des jeux vidéo d’aujourd’hui.
Rassurez-vous, le fan de metal « old school » n’est pas mort. Mais le milieu s’ouvre enfin à d’autres sons. Et l’essentiel, c’est qu’on soit d’accord sur les fondamentaux. Que ce soit au ralenti ou en accéléré, avec la crinière ou la barbichette, les metallers ont tous un cœur de metal qui bat très fort.

Albums :

Electric Violence (2006) de Next Life
chez Cock Rock Disco.

Altar (2006) de Sunn O)))
chez Southern Lord

http://www.killl.org/
http://www.sunnborisaltar.com/
http://www.electricdungeon.org/