Canal de Cine Federico Casado Reina

Gladiator 2: Algunos aciertos, muchos errores

2024-11-15T22:00:00.005+01:00

Gladiator 2

Dirección

Ridley Scott

Guion

David Scarpa. Personajes: David Franzoni

Reparto

Música

Harry Gregson-Williams

Fotografía

John Mathieson

Cumplir las expectativas de una primera parte cuando esa película se ha convertido ya en el imaginario de la memoria colectiva y cultural de todo el mundo es muy difícil y salvo en una o dos ocasiones (la saga “El Padrino”, la saga “Star Wars”…) jamás se ha conseguido. Que “Gladiator 2” es una buena película –o al menos aceptable- está claro, pero desde luego está a años luz de esa esplendorosa primera parte, que supuso un revulsivo en el cine de romanos después de décadas en la historia del cine.

El primer problema de esta segunda parte es el guión, porque David Scarpa –que también hizo el controvertido guión de “Napoleón”- ha creado un guión que no arriesga nada, copiando los clichés de la primera parte, personajes un tanto deslavazados, y una trama que flojea en varios momentos. El segundo problema –y enorme problema- es el protagonista, porque Paul Mescal no llega al nivel de un personaje que tenía que haber añadido la grandeza y épica de Máximo Meridio. Es demasiado blandito, demasiado insulso, le falta personalidad, carácter, definición. De hecho, personajes más secundarios en la trama se lo comen con patatas, como el Macrino interpretado por Denzel Washington –que huele a Oscar…- o el mismo Marco Acacio, interpretado por Pedro Pascal, que este sí que retoma el relevo de Máximo Meridio como el militar abnegado, honorable e íntegro que lucha contra él mismo por la gloria de Roma. Y el tercer y no menos importante problema es la banda sonora, porque mientras que en la primera parte la partitura de Hans Zimmer nos acompaña a la perfección en los momentos más importantes y críticos de la historia, en esta ocasión es un subrayado disperso, difuso, que no concreta la importancia con una reconocible melodía. En la primera parte había temas que indicaban situaciones, personajes… ahora simplemente hay acordes atronadores que no tienen mucho sentido y que prácticamente no tienen identidad.

La trama de que el hijo ilegítimo del general Máximo Meridio se convierta en gladiador está un poco traída por los pelos: cuando su padre muere en el circo tras pelearse y matar a su tío el emperador Cómodo, su madre Lucilla lo exilia para evitar que, siendo sucesor del imperio, pueda ser matado por sus rivales en la línea de sucesión. Convertido en un granjero en África, resulta que también –no sabemos por qué…- es un guerrero formidable que se enfrenta a los ejércitos de Roma, y como nadie sabe quién es, resulta que se convierte en esclavo y de eso, en galeote, remando en galeras y de ahí, a gladiador. Es ahí donde aparece Macrino, posiblemente el mejor personaje de la historia, que trama inscansablemente para conseguir el poder en un imperio dirigido por los hermanos Geta y Caracalla, a cuál más amoral, delirante y fanático. Un escenario que demuestra bien la decadencia de Roma, y al que se le habría podido sacar mucho más partido por cuanto las implicaciones del poder podrían haber mostrado el enfrentamiento al honor que podría haber sido el eje y norte del Imperio Romano –y que de hecho lo fue en muchos casos-.

Aparte de las burradas históricas metidas con calzador en el guión de Scarpa –como tiburones y rinocerontes en el circo romano, etc.- la presencia de efectos digitales demasiado evidentes le resta credibilidad al resultado final, al que le falta mucha épica y grandiosidad. Si bien es cierto que tiene momentos verdaderamente impresionantes, como el asedio naval a la ciudad de Numidia, este “Gladiator 2” nos deja con un sabor agridulce en la boca, con buenas pinceladas de lo que pudo haber sido… y que al final no lo ha sido.

TRAILER

Escape: De no creer

2024-10-31T22:00:00.026+01:00

Escape

Dirección

Rodrigo Cortés

Guion

Rodrigo Cortés. Novela: Enrique Rubio

Reparto

Música

Fotografía

De no creer. La última película dirigida por el antaño brillante Rodrigo Cortés y producida nada más y

nada menos que por el mismísimo Martin Scorsese me ha resultado aburrida, ridícula, incoherente, infantil... Un completo despropósito. Sin alcanzar un tono adecuado, cambiando de registro y con actores que oscilan entre el cliché y el delirio (sin intentarlo) me parece incomprensible que un director con tan impecable filmografía haya hecho esta cinta, más propia de un ejercicio de facultad de imagen que de un realizador con entidad.

Aunque la premisa argumental es interesante, la evolución de la trama y el tono errático termina por cargarse la película, que navega en tierra de nadie: un hombre se obsesiona por entrar en la cárcel, al precio que sea. Pero resulta que no va a ser tan fácil, y tendrá que ir subiendo el nivel de sus ilegalidades para conseguir entrar en prisión, topándose además con un juez de lo más singular –e increíble, según la historia- que será un verdadero hándicap para conseguir sus extraños planes.

El problema del guión no es ya que no nos expliquen las cosas, sino que además cambie de tono, desde lo increíble a lo más radicalmente mundano: puedo llegar a entender un delirio como los que planteaban Jeunet y Caro en “Delicatessen”, pero porque TODO era un delirio. Lo que no podemos encajar es un delirio dentro de historia que parece sacada de un informativo de televisión. Y ese inexplicable personaje protagonista, lleno de extrañas claves con las que no conseguimos empatizar –básicamente, porque no las explican- es como un monigote sin alma, sin un motivo –que empezamos a vislumbrar casi al final de la película, que tampoco se justifica ni remata argumentalmente.

Ni siquiera el reparto estelar (Mario Casas, José Sacristán, Juanjo Puigcorbé...) consigue mejorar la cosa. Y el caso es que entiendo perfectamente la intención y el mensaje de la película... pero qué mal está hecho. Y si Scorsese dijo que le encantó, dice mucho de él como productor.

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La sustancia: Todo por la juventud

2024-10-11T22:00:00.012+02:00

La sustancia

Dirección

Guion

Reparto

Música

Fotografía

De un plumazo, Demi Moore ha vuelto a ponerse en el centro de la popularidad con un film que resulta ser una

parábola de ella misma, en la que una actriz famosa intenta por todos los medios seguir manteniendo su juventud a pesar del inevitable deterioro provocado por la edad. En un ejercicio visual notable donde se homenajean a varios clásicos de la historia del cine, la directora logra crear un ambiente malsano donde empezarán a mostrarse toda una galería de vanidades propias de los medios de comunicación, que no paran de exigir nuevos y más jóvenes modelos, actores y actrices que puedan conectar con el público, al precio que sea.

El mensaje de que lo nuevo es lo bueno y que lo viejo es obsoleto y por lo tanto, prescindible y olvidable no es nada nuevo en la historia del cine, pero el enfoque de esta película es original, añadiendo un toque “gore” que en muchos casos puede incluso llegar a incomodar notablemente al espectador: una famosísima actriz que ahora presenta un programa de aerobic en la televisión –en un evidente guiño a la incombustible Jane Fonda…- empieza a darse cuenta de que a pesar de su fama y reconocimiento, es ya demasiado vieja para hacer algunos papeles. Y es entonces cuando, casi mágicamente, aparece una nueva opción en su vida: un sistema que hará que de ella misma –literalmente- surja una nueva versión de sí misma más joven, más guapa y más capaz en todos los sentidos. El problema es que la cosa tiene reglas: cada una de ellas sólo podrá vivir un tiempo, mientras que la otra permanece en estado regenerativo, y así se irán sucediendo, inexorablemente. Por supuesto, manteniendo la mente en cada cambio de cuerpo, pero las cosas empezarán a torcerse cuando se quieren cambiar las reglas y todo acabe como un verdadero desastre, en todos los sentidos.

Esta versión perversa y encelofanada de “El retrato de Dorian Gray” tiene momentos interesantes, que son magníficamente aprovechados por un reparto que está más que bien, desde las dos protagonistas, Demi Moore y Margaret Qualley, a un delírante Dennis Quaid, como un desaforado productor que quiere seguir estando en lo más alto de las audiencias, al precio que sea.

Aunque a veces llega al gore, es divertida, valiente y hasta esperpéntica heredera de clásicos como Frankenstein o La Mosca, donde un experimento sale mal y lo que prometía ser un prodigio científico se convierte en una horrible tragedia, reflexionando sobre la juventud y sobre los crueles intereses del mundo del espectáculo, en el que sólo tiene valor la belleza y la juventud. Valiente (y arriesgada) interpretación de Demi Moore, que compone magistralmente a una diva en su ocaso de edad, con un formato heredero del videoclip y las series de plataformas (la sombra de “Black Mirror” estuvo presente todo el tiempo, no olvidemos que es una película británica, igual que la serie…).

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Joker 2 folie a Deux: Monumental decepción

2024-10-04T22:00:00.001+02:00

Joker 2: folie a deux

Dirección

Todd Phillips

Guion

Scott Silver, Todd Phillips. Personajes: DC Comics

Reparto

Música

Fotografía

El batacazo que esta película se ha pegado es completamente merecido, porque es tópica, aburrida, tiene un guión previsible y repetitivo y traiciona a los personajes de DC comics. El que además sea un musical no beneficia para nada y la elección de Lady Gaga como coprotagonista ha sido nefasta.

Aunque puedo llegar a comprender la intención del director en intentar retratar todo el universo de fantasías de un enfermo mental que está en una institución psiquiátrica, y se imagina números musicales con su amada, eso no da para una película, porque ese es todo su argumento: Arthur Fleck está en el famoso sanatorio de Arkham de Gotham city esperando su juicio, cuando conoce a una chica que resulta ser el amor de su vida, estando hechos el uno para el otro y compartiendo esos números musicales que están en la mente de ambos. Muy bien, todo comprendido pero ¿Y? ¿Eso es suficiente para realizar un argumento lo suficientemente sólido como para hacer avanzar la historia de los personajes? Manifiestamente no, cuando hemos comprendido esta intención –que se ve a los pocos minutos del comiendo, con unos dibujos animados sobre el Joker- ya todo es previsible. De hecho, aunque la primera hora de proyección puede tener cierto interés, a la hora de ver en esos escenarios imaginarios al Joker, poco la película se va desinflando. Es cierto que los números musicales están bien realizados y coreografiados, pero la estructura de un musical no consigue mantener el interés, quedándose en tierra de nadie: porque aunque no lo quieran reconocer, es un musical con todas las claves. Pero no respeta las reglas de los musicales y no consigue mantener una evolución dramática.

Parece que Warner no para de fastidiarla con todas las franquicias de DC cómics: ni Supermán, ni Batman, ni ahora el Joker consiguen la rentabilidad que por ejemplo Marvel ha logrado. El universo oscuro de Snyder tampoco ha demostrado ser la solución, y ahora esta vuelta de tuerca al musical ha terminado destrozar un diamante en bruto, que podría haber sido explotado muchísimo mejor, y que ha tenido que salir a la carrera de la cartelera, ha sido vilipendiada sin piedad –con razón- por la crítica y público, y que ni siquiera en las plataformas ha logrado un mínimo de interés por la audiencia.

Phoenix, de haber conseguido un Oscar por hacer a este personaje en la primera parte, ahora parece una versión descafeinada del mismo, intentando cumplir más mal que bien en un musical que sencillamente, sobraba. Esas fantasías, que tan bien estaban encajadas en la primera parte, ahora tienen más presencia pero a la vez son más insustanciales, quedando exclusivamente la estética como protagonista. Y por supuesto, el mayor error de la película es elevar a Lady Gaga, una cuestionable diva que o te encanta o la odias –y yo estoy más por la segunda opción, ella siempre ha intentado deslumbrar más por su extravagancia que por calidad artística- a la categoría de coprotagonista de la película; porque como actriz está a años luz de Phoenix.

Una verdadera decepción, porque el personaje es lo suficientemente rico –de los más importantes en la historia de los cómics- como para poder haber hecho cualquier otra apuesta para haber subido el nivel de la primera parte, o al menos, haberlo mantenido al mismo nivel.

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Dune Parte 2: Mucho mejor que la primera aunque...

2024-03-01T22:00:00.001+01:00

Dune parte 2

Dirección

Denis Villeneuve

Guion

Denis Villeneuve, Jon Spaihts. Novela: Frank Herbert

Reparto

Música

Fotografía

La primera parte artificialmente estrenada para recaudar mucho dinero resultó ser de lo más anodina, aburrida y

plana. Villeneuve intentó apabullar con una producción grandiosa, pero se quedó en una estética bastante monótona. Mientras que Chalamet y el resto del reparto está bien, lo siento pero no termino de creerme a Zendaya como la heroína que se supone que debe ser, al lado del mesías de Dune, Paul Muab’dib, el caudillo de la rebelión contra el Lansrrad y el emperador.

Si bien es cierto que en esta segunda parte hay más acción, la narrativa sigue lenta, echándose en falta una mayor agilidad a la hora de contar la famosa historia de Herbert. Visto lo visto, Villeneuve ahora quiere continuar con todo el universo Dune en más películas, series, etc. Personalmente, este director me resulta agotador, pedante, aburrido, insustancial. Ya demostró que no era capaz de retomar una historia tan interesante como “Blade Runner”, porque su continuación fue toda una verdadera decepción en toda regla. Parece como si la impronta de este realizador fuera una vacía grandilocuencia, una ampulosidad de las imágenes que no ofrecen nada.

Creo que esta nueva versión cinematográfica, vista ya en su conjunto, con las dos partes estrenadas, no sólo no ofrece nada nuevo ni original a la novela, sino tampoco a la película de David Lynch o incluso a la serie de televisión estrenada hace ya algunos años. Y cuando a un realizador se le ofrecen todos estos medios para lograr una película –en este caso, una saga- importante, grandiosa y se queda en la mediocridad… es que ya nadie podrá sacarlo de lo que es. Insisto, hay secuencias interesantes, pero se deben más a los medios y efectos visuales que a una verdadera apuesta del director. Lástima.

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Argylle: Espías como nosotros

2024-02-02T22:00:00.002+01:00

Argylle

Dirección

Matthew Vaughn

Guion

Jason Fuchs. Novela: Ellie Conway

Reparto

Música

Fotografía

Todas las películas de Matthew Vaughn me han gustado (la saga Kingsman, las dos de Xmen...) y la verdad le

tenía muchas ganas a Argylle, por cuanto era una vuelta de tuerca a las películas e historias clásicas de espías. Basada en una novela de Ellie Conway, es una nueva vuelta de tuerca a las historias clásicas de espías, añadiendo elementos –quizás no tan novedosos…- a la hora de definir personajes y tramas, que parecen encajadas unas dentro de otras al modo de las muñecas rusas.

No sé si por las grandes expectativas que tenía, o quizás porque haya perdido su punto, pero la película se me ha desinflado un poco: la historia de una novelista que termina metiéndose en las historias reales que escribe -historias de espionaje internacional, cambiando la geopolítica del planeta...- llega a ser algo cansina, predecible y tópica. La complicidad que se busca desde el primer momento resulta algo chirriante, aunque hay que reconocer momentos visuales muy espectaculares e interpretaciones brillantes. A pesar de que Bryce Dallas Howard –la hija del director Ron Howard- se esfuerza en su papel de novelista petarda y despistada, no me la llego a creer en el desarrollo de su personaje, como también me pasa con un actor que adoro, Sam Rockwell, que aquí está un poco extremo, llevado a la caricatura.

Es precisamente esa dualidad entre mundo real/mundo imaginario la que no termino de creerme y en esa confluencia es cuando el guión de la película flaquea bastante, llegando a chirriar por lo increíble. Aunque es de justicia reconocer que el clásico despliegue visual de las películas de Vaughn está presente –pero quizás no de manera tan brillante-. Lo cierto es que se me ha quedado muy corta, me esperaba muchísimo más, aunque ver a Cavill como casi 007 ha merecido mucho la pena y ha despejado las dudas de que sería el James Bond perfecto.

Si la intención de este film era comenzar con una saga –como pasa con las novelas en que se basa- más le habría merecido la pena a Vaughn seguir con Kingsman, que se ha quedado ya un poco deslavazada con esa precuela algo sosa.

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Wonka: Volver a soñar

2023-12-07T10:15:00.006+01:00

Wonka

Dirección

Paul King

Guion

Simon Farnaby, Paul King. Personaje: Roald Dahl

Reparto

Música

Uno ya ha visto más de lo que debiera (y quisiera) en el mundo del cine. Y en el proceloso género del cine familiar de fiestas (semana santa, o por supuesto, navidades) se han hecho muchos intentos de rentabilizar esas producciones, que en la mayoría de los casos ofrecían recursos manidos, utilizados hasta el hartazgo (véase cualquier intento Disney de monopolizar las pantallas en estas fechas) que lo único que producían era aburrimiento por ver los mecanismos burdos utilizados y previsibles desde el minuto uno.

Roald Dahl, autor de la famosa “Charlie y la fábrica de Chocolate”, “Matilda” o “James y el melocotón Gigante” es el justo heredero literario de Dickens, haciéndolo avanzar de la negrura de la miseria a la magia y la ensoñación infantil más colorida. Precisamente el personaje de Willy Wonka es uno de los pilares de toda su creación literaria, un bizarro personaje que creaba chocolate con sus imaginativos inventos y su alucinante fábrica, ayudado por los famosos hombrecillos verdes, los Umpa-Lumpa. Todo un mágico universo de fantasía que ahora ha tenido la justa continuación en una precuela donde conocemos a Willy, un pobre polizonte que llega a la ciudad con la intención de convertirse en el más famoso chocolatero del mundo…

La delirante galería de personajes que plantea la película es un divertidísimo fresco a la hora de reflexionar sobre la avaricia, la envidia y la soberbia, enfrentados a la inocencia y pureza de Willy, que sólo quiere hacer felices a todos aquellos que prueban su delicioso chocolate, inigualable por sus matices y sabores. Parecía lógico que toda esa estructura de cuento infantil tuviera un correlato perfecto en la estructura de un musical, que es en realidad lo que es la película y que en ningún momento chirría, porque entramos perfectamente en ese mundo donde se pueden reconocer los peores defectos y las mejores virtudes de los seres humanos.

Chalamet, convertido ya en una gran superestrella tras protagonizar “Dune”, es el actor ideal para encarnar a ese proyecto del famoso chocolatero, más pobre que una rata, pero con grandes ilusiones y esperanzas. El director, que venía de triunfar con “Paddington”, sobre el papel no era el más adecuado para hacer una tercera adaptación de la novela de Dahl, pero se ha demostrado que ha superado con creces la aburrida apuesta anterior de Tim Burton, y que no desmerece en absoluto la primera adaptación de 1971. Es más, esta película de orígenes hace que comprendamos mucho mejor el universo de Willy Wonka y su fascinación por el chocolate y los aparatos mecánicos. No podemos olvidar tampoco la aparición estelar de los no menos famosos Umpa-Lumpa, en la piel de un Hugh Grant descacharrante que borda el personaje con un acento y modales british de lo más divertido.

Es sin duda la película de las navidades, en la que entramos fácilmente sin ningún esfuerzo y con la que disfrutamos a cada número musical, como si estuviéramos en el mismísimo Broadway neoyorquino. Una auténtica delicia, un bombón exquisito que nos hace volver a soñar desde el primer momento.

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Napoleón: más que una película, trozos de películas

2023-11-26T12:02:00.002+01:00

Napoleón

Dirección

Guion

Reparto

Música

Uno de los estrenos más esperados del 2023 ha sido la gran superproducción dirigida por Ridley Scott sobre uno de los personajes más importantes en la historia de la humanidad, Napoleón Bonaparte. Con un presupuesto de unos 200 millones de dólares y con la todopoderosa Apple para su llegada al streaming, se prevé que su estreno en redes aumente la versión de la película de las dos horas y media que tiene en su explotación en cines, hasta las casi 4 horas. Esto podría explicar que esta versión “cortada” resulte completamente deslavazada, como pequeños trozos de película más que una película en sí con un desarrollo argumental adecuado.

Al ser varios los trozos que vemos –situados cronológicamente hasta con subtítulos explicativos, que también están para presentar a personajes, cosa que no debería hacerse demasiado porque de otra manera, no funcionaría la narrativa cinematográfica…- existe una gran desigualdad entre ellos: hay momentos brillantísimos –como las batallas, ejemplarmente rodadas y contadas- y otros momentos que no están tan logrados, y que en algunos casos pueden estar rayando en la vergüenza ajena –si, aunque no queramos reconocerlo, Phoenix sobreactúa en algunos casos creando más que un personaje, una caricatura de Napoleón, viéndose sobrepasado casi en todo momento por una Vanessa Kirby esplendorosa como Josephine-. También me chirría un poco que un personaje como Napoleón, que creció en el ejército, que fue oficial y posteriormente general, que tenía que estar bregado en lo militar (siendo además de artillería) ¿Cómo es que se tapa los oídos cuando disparan los cañones?

¿Es una película grandiosa? Sin duda lo es, Scott es un auténtico especialista en crear grandes títulos enmarcados dentro de la historia, como “Gladiator”, “El Reino de los Cielos” o “Los duelistas” –esta última también centrada históricamente en las guerras napoleónicas-. Pero esa grandiosidad, transmitida con una producción increíble y un manejo de la realización impecable, no está presente en un mediocre guión de Scarpa, que no sólo omite históricamente momentos cruciales en la vida de Napoleón –como la invasión de España, que supuso la primera derrota sin paliativos del ejército más importante del mundo- sino que los “reinterpreta” a placer, como la famosa escena donde los cañones disparan contra las pirámides de Egipto, cosa que nunca sucedió.

Resulta inevitable pensar en la versión que Kubrick hubiera hecho de este personaje, y que hubiera sido sin duda la gran película de su vida: contrató a varios historiadores de varias nacionalidades para escribir un guión –que ya está escrito- y su grandeza ya se podía intuir en “Barry Lyndon”, que siendo más modesta que esta nueva visión de Scott sobre Napoleón, transmitía mucho mejor todo el entorno del siglo XVIII y XIX. Estoy convencido que Kubrick, un perfeccionista patológico, habría recreado un fresco mucho más acertado en su visión sobre el emperador francés, aunque si hay algo que esta película dirigida por Ridley Scott transmite con gran fidelidad: la obsesión por Napoleón por el poder, por la trascendencia, y por Francia, al igual que su tortuosa relación con Josephine. Y ya que hablamos de visiones en el cine (o televisión) sobre Napoleón, además de las clásicas “Desiree” o “Guerra y Paz”, no podemos olvidar la magnífica miniserie de cuatro capítulos creada en 2002 con Christian Clavier, Isabella Rosellini, Gerard Depardieu y Anouk Aimee, que no sólo era más fiel históricamente, sino que el director Yves Simoneau supo desarrollar magníficamente todo el complejo universo del personaje y su evolución personal, militar, política y sentimental. Todo un ejemplo.

Hay algo que también me ha desconcertado un poco: el empleo de unos coros algo inapropiados en la banda sonora, que llegan a resultar ridículos y que no añaden nada a la épica que la película debe tener en algunos momentos. No obstante, y a pesar de todas estas pequeñas (o grandes ) taras, la película merece verse porque tiene un ritmo endiablado, y aunque no exista un hilvanado fino de la narrativa, Scott tiene la suficiente experiencia como director para no aburrir en ningún momento.

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The Marvels: un delirio del fracaso

2023-11-10T00:37:00.017+01:00

The marvels

Dirección

Nia DaCosta

Guion

Nia DaCosta, Megan McDonnell, Elissa Karasik

Reparto

Música

Siempre he sido un fanático irredento de los cómics. Tanto DC como Marvel han figurado siempre en mis librerías. De hecho, aunque sigo fascinado con Batman, el superhéroe más famoso del mundo y que pertenece a DC cómics, siempre preferí Marvel Cómics, porque Stan Lee y Jack Kirby (nunca lo suficientemente reconocido) apostaron más por una humanización de los superhéroes y te hablaban de figuras cercanas, por muchos poderes sobrehumanos que tuvieran: Spiderman era un adolescente problemático que sufría Bullying; los Xmen eran mutantes que a pesar de sus superpoderes y luchar por la humanidad, eran rechazados por olas de racismo; Iron Man era un niño rico con problemas de alcoholismo y Hulk no era sino un tímido científico al que no podía ver su suegro, el general Thadeus Ross –y mucho menos cuando se convertía en el gigante verde musculoso-.

El caso es que cuando Disney compró Marvel me eché las manos a la cabeza, por cuanto iba a suponer un descalabre en la compañía, que seguramente iba a despersonalizarla y convertirla en lo más banal e infantil del mundo –como Disney ya ha hecho con Pixar, con Lucasfilms, destrozando buena parte del legado de la historia del cine-. Bueno, pues todas mis terribles sospechas se han confirmado definitivamente con esta “Marvels”, desaprovechando todas las posibilidades argumentales que ofrecía el personaje de Miss Marvel –Carol Danvers- y que se podían entrever en la anterior película en solitario de la todopoderosa heroína que salvó a la humanidad de la amenaza de Thanos.

En esta ocasión, se dividen los poderes galácticos en tres personajes, además de la Danvers original. Parece que la tendencia woke que Disney sigue imprimiendo a sus producciones se ha trasladado a este trío de personajes, que aunque ya estaban presentes en el cómic original de toda la trama de Miss Marvel, no deja de resultarme chocante por cuanto Miss Marvel fue la quintaesencia de la superheroína de Marvel –como lo es Wonder Woman en DC-, con todas las características clásicas de rubia americana, y ahora se escinde para que las comunidades afroamericanas e hindúes también estén contentas con los personajes. Esa inclusión racial, a mí personalmente me resulta algo forzada, la verdad. El colmo de la banalización Disney es cuando llegan a un planeta en el que la gente se comunica… cantando!!!! Vamos, que llegan al planeta y es como su las películas Disney clásicas de dibujos animados de princesas y animalitos cantarines se hicieran realidad y todo el mundo en vez de hablar y moverse, canta y baila, pero con personajes reales. Un delirio auténtico.

En cuanto al desarrollo de la trama, a pesar de estar presentes las razas Kree y Skrulls, aparecen personajes secundarios que en el cómic original no tienen presencia o importancia alguna, pero que por interés en la producción ahora resultan de capital importancia. También recuperan personajes como Nick Furia y toda la organización Shield, que protege al planeta tierra de amenazas extraterrestres y demás. Pero el problema es que no alcanzan un tono concreto, sino que saltan de uno a otro sin tener demasiada coherencia, añadiendo además chistes fáciles y bromas que no encajan demasiado en la trama.

La mala respuesta comercial (y por supuesto, de crítica) ha sido un indicativo que se ha llegado a un nivel en que ya no se puede aprovechar más este filón comercial, y mucho tendrán que cambiar las cosas para hacer rentables nuevamente las adaptaciones Marvel/Disney a la gran pantalla sin que supongan más que un enorme anuncio de merchandising.

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Los asesinos de la luna: Una verdadera lección magistral

2023-10-27T02:26:00.011+02:00

Los asesinos de la luna

Dirección

Martin Scorsese

Guion

Eric Roth, Martin Scorsese. Libro: David Grann

Reparto

Música

No sé si porque llevaba unas malas expectativas, pero me ha encantado la nueva película de Martin Scorsese por varios motivos: 1) tiene un guión fascinante, por cuanto muestra la avaricia, la inocencia, la envidia, la brutalidad, la agresión, la complacencia, la traición o el engaño de una manera magistral, recordando en algunos momentos a "Uno de los Nuestros" -juicios incluidos-; 2) la dirección tiene los toques creativos y geniales de Scorsese, capaz de la austeridad más contenida y las filigranas más creativas y sorprendentes; 3) las interpretaciones son MO-NU-MEN-TA-LES. DiCaprio está superlativo, huele a Oscar, así como DeNiro y Lily Gladstone. Un verdadero tour de force; 4) el empleo de una banda sonora sobresaliente, creando verdaderas rimas audiovisuales que encajan en el desarrollo de la película.

Basada en un libro de David Grann, el guión escrito por el propio Scorsese y por el brillante Eric Roth funciona a la perfección, como una máquina de relojería que sabe administrar los tiempos y los ritmos, que te va envolviendo lentamente hasta meterte hasta el fondo en una trama fascinante que revisa en profundidad la historia de Norteamérica desde una perspectiva valiente y desapasionada, buscando en todo momento la imparcialidad y mostrando las cosas con distancia -cosa harto difícil en este tipo de cine mal calificado en algunas ocasiones de "necesario"-, en temas como el racismo, la discriminación, el capitalismo más salvaje e incluso la creación de estamentos tan puramente norteamericanos como el Ku-Klux-Klan o el FBI.

Otro de mis mayores temores -las tres horas y pico de duración, y me acordaba de "Gangs of New York" o "Silencio", que no me gustaron nada, ni por la historia, ni por el ritmo- se disipó, porque esa larguísima duración está totalmente justificada y no se hace larga en absoluto, demostrando Scorsese que su buen pulso como realizador sigue perfecto.

Lo único que me pareció raro es que hay diálogos en idioma indio que se subtitulan y otros no, y te quedas con las ganas de enterarte lo que han dicho (y esto no sólo con los actores indios, sino también con Dicaprio, DeNiro, etc.). Y como broche de oro, un cómplice guiño para todo cinéfilo y amante de la radio. Para mí, un verdadero prodigio, una verdadera lección magistral de cómo se hace cine de verdad.

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Sin malos rollos: Retorno al cine adolescente de los noventa

2023-06-23T00:30:00.003+02:00

Sin Malos Rollos

Dirección

Gene Stupnitsky

Guion

John Phillips, Gene Stupnitsky

Reparto

Música

Mychael Danna, Jessica Weiss

Que la industria del cine está cambiando y mutando a las plataformas es un hecho, por mucho que nos empeñemos en conservar el cine tal y como lo conocíamos. Son pocas ya las apuestas más allá de franquicias comerciales o mega producciones avaladas por un genio creativo como Nolan o Scorsese.

Por ello toda a apuesta banal en comedia, drama o de media producción ha quedado relegada al estreno en plataformas, que parecen ser el escenario perfecto para este tipo de producciones. De hecho Amazon, Apple o HBO tiene una nutrida producción no sólo en series, sino además en películas que podríamos llamarlas “de gama media” en todo el mundo –las delegaciones en los países apuestan por producciones locales que luego se extenderán por todo el mundo, en una nueva suerte de distribución, que lo mismo premia que castiga películas o series que pueden llegar a convertirse de la noche a la mañana en grandes referentes en la industria (ahí tenemos “La Casa de Papel”, que comenzó como una serie local de una productora para una cadena española en abierto (Antena 3) y que se ha convertido con Netflix en un verdadero fenómeno mundial, traducido a infinidad de países y generando un éxito sin precedentes en la producción española).

Así resulta insólito encontrarse con una película como esta en la cartelera, que recuerda muchísimo el cine adolescente de los noventa –y que curiosamente, cuenta con Matthew Broderick, protagonista de “Todo en un día”, gran éxito de esa época, ahora reciclado en padre maduro que quiere hacer que su hijo se “espabile” para vivir en el mundo real. En ese bizarro planteamiento, resulta que contratan a una chica para que el alelado chico protagonista “despierte” en todos los sentidos.

Esta anécdota es bastante pequeñita para armar una película más allá de una comedieta insustancial, que aunque intenta recuperar toda esa tradición que decíamos antes, se queda deslavazada en una sucesión de chistes de irregular resultado. Más penoso aún resulta ver a toda una ganadora de Oscars y numerosos premios internacionales como Jennifer Lawrence hacer literalmente el tonto en un papel realmente ñoño.

Ha tardado relativamente poco tiempo en llegar a las plataformas digitales –en España, Rakuten TV y en alquiler en Prime Video- que es su lugar natural. Un intento vano de volver a un tipo de cine que ya se ha quedado un poco obsoleto.

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Puñales por la espalda 2 (el misterio de Glass Onion): Todo un universo por descubrir

2023-01-18T10:53:00.003+01:00

Puñales por la espalda 2 (El misterio de Glass Onion)

Dirección

Rian Johnson

Guion

Rian Johnson

Reparto

Daniel Craig

Edward Norton

Janelle Monáe

Kathryn Hahn

Leslie Odom Jr.

Quedé muy gratamente sorprendido por las pocas pretensiones y funcionalidad de la anterior película de esta saga, en una especie de perverso (y divertido) juego de engaños y asesinatos, que parecía sacado de una novela de Agatha Christie, y que conseguía embriagarte prácticamente desde el inicio hasta el final, y contando con una versión alterada de un Hércules Poirot también genial y perspicaz, pero mucho más banal, cercano y eligiendo nada menos que al mismísimo James Bond (Daniel Craig) para interpretar a Benoit Blanc, el mejor detective del mundo con su traje de Cheviot.

Si en la primera parte había un verdadero universo de estrellas de Hollywood (desde el mismísimo Christopher Plummer a Don Johnson, Jamie Lee Curtis, Chris Evans o la emergente Ana de Armas (fue ésta la película que le granjeó definitivamente su ascenso en el cine norteamericano), en la segunda parte Rian Johnson no se ha quedado corto, ya que tenemos a Edward Norton, Kathryn Hahn, Ethan Hawke, Kate Hudson o el musculoso Dave Bautista. Otro cóctel explosivo de personajes (y actores) que ofrece un resultado aún mejor que la primera parte, con unas indagaciones aún más bizarras (y descacharrantes) del propio Benoit Blanc (Daniel Craig, desplegando unas dotes cómicas que ya conocíamos, pero que ahora son verdaderamente desternillantes): un excéntrico multimillonario propietario de una compañía tecnológica muy valorada en todo el mundo –en un claro homenaje a Elon Musk- convoca a todos sus amigos a un crucero por el Mediterráneo, para pasar unos días en su isla privada de Grecia, donde entre otras muchas (y obscenas) posesiones, tiene a la mismísima Mona Lisa, cedida por el Louvre. Y lo que podía ser un juego de engaños e intriga sobre la posibilidad de asesinar al millonario, resulta que empieza a descubrirse el verdadero bagaje de tan singular personaje, que no es lo que parece ser en absoluto.

Este divertido rompecabezas, va evolucionando y cambiando para ajustarse a un proceso de investigación verdaderamente brillante, y donde los pasos son de lo más inesperado y van explotando sucesivamente cuando menos lo esperas. El espectador, por muchas cábalas que haga desde el principio, será prácticamente imposible que descubra la trama final –aunque todo hay que decirlo, tiene algunas “trampas” bastante llamativas que no deberían estar-.

No obstante, es un ejercicio vigoroso e imaginativo de resucitar este tipo de películas –y personajes- y crear ese especial universo 2.0 de Agatha Christie, con ese Benoit Blanc, tan inteligente como divertido, cordial y cercano. Igual que decía anteriormente que Cameron tenía que currárselo muchísimo para hacer nuevas películas de “Avatar”, Johnson tiene todo un universo por delante para descubrir muchísimas más investigaciones del mejor detective del mundo.

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Operación Fortune: 007 privatizado

2023-01-13T00:22:00.002+01:00

Operación Fortune

Dirección

Guy Ritchie

Guion

Guy Ritchie, Ivan Atkinson, Marn Davies

Reparto

Música

Aunque siempre he sido un devoto seguidor de Ritchie (aparte de sus gloriosos inicios, tras su separación de Madonna…) ahora me tiene un poco descolocado: parece haber huido de su particular modo de hacer cine, con claves heredadas del cómic y del videoclip, y está llegando casi a ser un cineasta convencional a la hora de escribir y dirigir sus películas, encajadas ya en los blockbusters comerciales –aunque también se permite hacer experimentos curiosos como “The Covenant” (El Pacto).

Utilizando de nuevo a su actor fetiche Jason Statham –convertido ya en toda una estrella de acción, después de esos inicios con Ritchie en “Lock & Stock” y sobre todo en la esplendorosa “Snatch, cerdos y diamantes”- el reencuentro de ambos no ha sido tan electrizante como se esperaba, es como si ambos –director y actor- hubieran llegado a una madurez tranquila, exenta de todo el gamberrismo cockney que les caracterizaba, y a pesar de seguir teniendo ese carisma arrollador (que tan bien define el término inglés “cool”) ambos se han domesticado. Ahora el toque canalla lo aporta más un redescubierto Cary Elwes, momificado por el botox y el ácido hialurónico, pero igualmente eficaz a la hora de representar un contratista de seguridad privado del gobierno británico, que ha de formar un equipo para cazar a un excéntrico millonario que se está pasando con sus maquinaciones armamentísticas internacionales. Y para ello, además de mostrar una bizarra galería de personajes a cuál más interesante –entre los que está Statham, claro, que es el capitán del equipo…- han de contar con la ayuda de una superestrella de Hollywood por la que el multimillonario tiene una ciega devoción.

Esa trama, trufada de subtramas donde se pone en entredicho la seguridad internacional y el equilibrio geopolítico, va avanzando a buen ritmo, pero se queda un poco estancada en la segunda mitad, y el desenlace, aunque eficaz, queda un poco deslavazado, minorizado, casi irrelevante. Esperaba más fuegos artificiales y más artificio visual de Ritchie, que tras “Los Señores de la Mafia”, donde se movía en los ambientes del Londres y la Inglaterra profunda más outsider, aunque salta a la escena internacional con escenarios en Madrid, Arabia, etc. Es como si hubiera querido hacer una película de James Bond, solo que ahora a 007, a M y a Monnypenny los han privatizado y ya no hay más que intereses económicos a la hora de cumplir una misión. El patriotismo ha quedado atrás.

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Avatar 2 (El sentido del agua): Empacho del propio Cameron

2023-01-09T14:41:00.000+01:00

Avatar 2 (El sentido del agua)

Dirección

James Cameron

Guion

James Cameron, Rick Jaffa, Amanda Silver. Historia: James Cameron, ver 4 más

Reparto

Música

Era uno de mis estrenos más esperado en años, ya que la primera parte me pareció fascinante no sólo a nivel de guión (los humanos no éramos las víctimas de una invasión extraterrestre, sino que éramos los invasores de un planeta –Pandora- que colonizábamos de la forma más bestial) sino también a nivel de efectos especiales, creando un verdadero universo de colores, sensaciones… una maravilla. Cuál no ha sido mi decepción cuando, para empezar, cuando he ido al cine…¡me han cobrado las gafas del 3d, cuando antes las regalaban! Es la primera vez que me ha pasado y me he sentido realmente indignado porque probablemente si avisaran, pues uno no se gastaría el dinero en una entrada más cara, y sencillamente se vería en 2d de toda la vida (además, y todo hay que decirlo) el 3d de “Avatar 2” no es nada del otro mundo, para qué vamos a engañarnos.

Entrando ya mosqueado a la sala, habiendo tenido que tragar si o si por comprar las gafitas (que luego sirven de adorno o pisapapeles en tu casa, ya que no valen literalmente para nada…), me encuentro con una una repetición casi literal de la primera parte, con la única diferencia de que ahora en vez de volar, se trata de nadar y bucear. Y Cameron se ha enamorado demasiado de todos los colorines y salvapantallas que surgen de ese universo acuático de Pandora. Me corrijo a mi mismo: el guión es mucho más simplón y sirve únicamente como pretexto para mostrar cosas (el malo -que sigue vivo!!!!- el bueno, etc.) y los valores familiares/ecológicos llegan a chirriar bastante. Eso por no mencionar que dura casi tres horas que se hacen eternas. Por resumir, Cameron ha intentado plasmar TODA su filmografía en una única película, que tiene cosas de Abyss, de Aliens (el regreso), de Titanic... y por supuesto de la primera Avatar.

Ahora Jake se ha integrado (es decir, su Avatar) en el Planeta Pandora y los Na’vi, y junto a Neitiri ha formado una bonita familia, enfrentándose además a los humanos para que dejen de colonizar y esquilmar el precioso planeta Pandora. Pero resulta que el famoso y malvado coronel de la primera parte, que murió en el duelo final con la parejita mixta, ahora se ha clonado en un cuerpo Na’vi, y vuelve para ajustar cuentas, porque resulta que los humanos ya no les interesa el famoso mineral de la primera parte, sino un fluido que está en unos seres acuáticos y que cura todas las enfermedades y es el mejor antienvejecimiento que existe… y claro, Jake, su mujer y sus hijos se van a refugiar en otras tribus de Pandora, que no se dedican a volar sino a bucear, teniendo su mundo bajo el agua.

Y poco más hay que contar, porque todas las imágenes están pensadas para deslumbrarnos con ese universo submarino, que si, está muy bien… pero a los 20 minutos estamos ya un poquito hasta las narices de las lucecitas –muy propio haberla estrenado en Navidades, porque todo parece que le han puesto las clásicas bombillitas multicolores por todos los sitios. Vuelven las batallas entre humanos y Na’vi (que ahora son acuáticos, y los humanos estarán bien pertrechados tecnológicamente para adaptarse al medio marino…) y como pasa en la primera parte, hay un duelo final entre el coronel y Jake. Y esto no es un spoiler, sino que se ve prácticamente desde los primeros planos de la película.

Como he dicho antes, Cameron se ha enamorado demasiado de esa preciosa colección de salvapantallas hechos con la IA, y con la adaptación y captura de movimiento de los actores. Eso sí, el Avatar de Kate Winslet se parece bastante poco, lo que demuestra la inteligencia de la propia Winslet para que no se la vincule mucho con esta orgía de muñequitos azules volando, buceando, nadando y haciendo el tonto. Incluso el protagonista, Sam Worthington, ha dicho que no le queda más remedio que seguir haciendo películas de Avatar, porque Cameron parece querer jubilarse al publicarse que aún le quedan la 3 (que se estrenará en 2024), la 4 (2026) y la 5 (2028). O sea, que al modo de Peter Jackson con El Señor de los Anillos, se está buscando una buena jubilación con las aventuras de Pandora. Lo que realmente me cuesta imaginar es qué va a contar. Se vuelve a cumplir mi teoría que a cuantos más guionistas, peor guión: mientras que la primera contaba con el único de James Cameron, ahora en la segunda parte están James Cameron, Rick Jaffa, Amanda Silver, sobre una historia de James Cameron, Rick Jaffa, Amanda Silver, Josh Friedman, Shane Salerno. O sea, unos por otros, y la casa sin barrer, creando un batiburrillo aburridísimo de más de 3 horas de duración que resulta ser un verdadero empacho.

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Top Gun. Maverick: ¡Abróchense bien los cinturones que vamos a despegar!

2022-05-29T21:08:00.007+02:00

Top Gun: Maverick

Dirección

Joseph Kosinski

Guion

Ehren Kruger, Eric Singer, Christopher McQuarrie. Personaje: Jim Cash, Jack Epps Jr.. Historia: Peter Craig, Justin Marks

Música

Harold Faltermeyer, Hans Zimmer, Lorne Balfe

Fotografía

Claudio Miranda

Reparto

Tom Cruise, Miles Teller, Jennifer Connelly, Jon Hamm, Glen Powell, Ed Harris, Val Kilmer, Lewis Pullman, Charles Parnell, Bashir Salahuddin, Monica Barbaro, Jay Ellis, Danny Ramirez

Que Cruise es una de las grandes últimas estrellas "reales" de Hollywood está fuera de duda: a una

carrera muy comercial se le han unido títulos de prestigio donde ha demostrado con creces su enorme capacidad como actor, tanto de comedia como de drama -por citar unos cuantos, "Magnolia", "Collateral" y el delirio de "Tropic Thunder"…-. Pero hay una serie de papeles icónicos que le dieron la gran fama a nivel mundial, y el personaje de Pete Mitchell "Maverick", el protagonista de "Top Gun" es uno de ellos: un piloto impulsivo, genial, arriesgado, macarra y contestón. Y ahora, 30 años más tarde, ha vuelto.

Pero si podríamos pensar que la edad lo ha "domesticado", nos hemos equivocado de parte a parte: porque Maverick sigue tan retador como siempre, tan insolente y arrogante como siempre, tan talentoso como siempre, solo que con 60 años. ¡Y vaya 60 años, madre del amor hermoso! Casi parece de la misma quinta de los chavales a los que ahora tiene que entrenar por orden del Almirante Kasinksi, su rival "Iceman" en la película original, una presencia que planea durante toda la película salvándole de los marrones en los que se mete con los mandos de la marina el protagonista, y que finalmente, aparece en una emotiva escena donde se reencuentran los antaño rivales, que ahora son amigos incondicionales.

Aunque pueda parecer sorprendente, y a pesar de que ya no está la magia de Tony Scott, el director de "Top Gun", que tenía un refinadísimo estilo visual heredado de la publicidad, en esta continuación nos encontramos con una película con mucha mayor entidad por varias razones: la primera es que ya no estamos hablando de una película eminentemente publicitaria para lavar la imagen del ejército norteamericano después de Vietnam -recordemos, en la salida de las salas de los años ochenta del pasado siglo se ponían oficinas de reclutamiento para los jóvenes…-; la segunda es que el guión está muchísimo más trabajado; la tercera es que, aunque hay acción a raudales (creo que es la película con las mejores tomas aéreas de combates jamás hecha en la historia del cine, realmente apabullante, deja a todo lo visto a niveles infantiles), la clave más utilizada de toda la historia es la épica, una revisión acertada (y consciente) de toda la mitología creada con la anterior película -compañerismo, entrega, servicio, esfuerzo, etc.-. Y todo ello a través de personajes muy reconocibles; y la tercera -y para rematar- es desligarse de la política -aunque resulta algo artificial la misión que tienen que hacer en un país remoto que no se especifica…-.

Pero yendo a lo que vamos: es una película-espectáculo realmente sobrecogedora, los planos de aviones te dejan literalmente sin respiración, y el guión, tan previsible como amable, está bien articulado, sin grandes aspavientos, pero funcional. Kosinski, que ya dirigió a Cruise en "Oblivion", hace una película a la medida del protagonista, que además produce (y creo que de alguna manera, también dirige…). De rondón, se permite jugar un poquito con la nostalgia de los personajes de la primera parte, tanto por "Goose" -el compañero de Maverick que fallece en la primera película, ahora retomado por su hijo, al que el protagonista tiene que entrenar- como por supuesto la presencia/homenaje permanente a Tom "Iceman" Kazanski (esto es, Val Kilmer), que a pesar de su grave problema de salud que le impide casi hablar, ha vuelto para ser determinante en la trama de la película. El resto del producto final ha sido cuidado con gran esmero, desde una fotografía impresionante hasta una banda sonora realmente excelente de Hans Zimmer -nada más y nada menos- y un tema musical de Lady Gaga con las notas exactas para ser comercial, romántico y melancólico. Eso sí, la presencia de Kelly McGillis ha sido sustituida por una preciosa Jennifer Connelly que le hace los coros a Cruise desde un empoderamiento propio de nuestra época.

Está claro que a la película no se le puede pedir más de lo que da, ya que si nos ponemos un poquito tikis mikis, se le notan las costuras y hace aguas -quizás no conecte igual con la juventud actual, quizás Cruise a pesar de su conservación perfecta no es ya el héroe de acción de antaño, quizás el mensaje bélico no sea -precisamente ahora- el más adecuado, quizás hay elementos cuestionables en la película… pero ¿es disfrutable? Desde el primer al último fotograma. ¿Es una película digna? Mucho más que la mayoría, además añade notas -como ya dije anteriormente- de épica que supera con mucho el tono más macarra e intrascendente de la primera parte. Lo dicho, ¡abróchense bien los cinturones que vamos a despegar, y hay que dejarse llevar!

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Dr. Strange en el Multiverso de la Locura: Divino Caos

2022-05-10T21:32:00.002+02:00

Dr. Strange en el Multiverso de la locura

Dirección

Sam Raimi

Guion

Michael Waldron. Cómic: Steve Ditko, Stan Lee

Música

Danny Elfman

Fotografía

John Mathieson

Reparto

Benedict Cumberbatch, Elizabeth Olsen, Xochitl Gomez, Chiwetel Ejiofor, Rachel McAdams, Benedict Wong, Michael Stuhlbarg, Sheila Atim, Adam Hugill, Ako Mitchell, Momo Yeung, Daniel Swain, Topo Wresniwiro

Una de las películas más deseadas de todo el universo Marvel en esta nueva fase por fin ha llegado a las pantallas, auspiciada por los mejores indicios, desde el personaje más carismático de los cómics hasta uno de los mejores actores del momento, pasando por la dirección de un verdadero clásico y amante de los cómics como Sam Raimi -que además ya dirigiera la primera trilogía de Spiderman- y para colofón, el genial Danny Elfman a la banda sonora. Redoble de tambores para este estreno que ha levantado probablemente uno de los mayores hypes de la casa de las ideas desde "Vengadores: Infinity War".

Y la verdad es que las expectativas han sido superadas con creces, ya que la película es de las mejores de todo el universo Marvel/Disney, porque precisamente se ha dejado a Raimi que siga con sus claves y su personalidad como director. Esas claves que hemos visto -y disfrutado- en toda su filmografía, y que tiene ese encantador toque casposo, con claras influencias visuales a los cómics, y que en esta ocasión van al pelo con una historia que, eso sí, es algo compleja y puede llegar a resultar confusa si no estás familiarizado con el personaje: el Dr. Strange es de los superhéroes más valorados del planeta, aunque ha perdido al amor de su vida. En plena boda, se enfrenta a una amenaza mística en medio de la ciudad, y se da cuenta que el origen es el salto de un universo paralelo al nuestro…

Con esta premisa, se recuperan personajes importantes no sólo para el arco argumental del propio Dr. Strange -como Wong, ahora convertido en hechicero supremo- sino a la Bruja Escarlata, integrada ya en el ecosistema general de Marvel tras el éxito de la serie televisiva "Wanda Visión", de la que se recuperan varias ideas para esta película. Un "collage" bastante bien encajado, salpicado por secuencias de acción realmente apabullantes, con un despliegue técnico y visual que te deja literalmente pegado en el asiento. Si en la primera parte del Dr. Strange había hallazgos originales, ahora ya es un completo delirio, que sobrepasa literalmente la capacidad de imaginar que podamos tener. Un desmadre esplendoroso de imágenes que comportan esa cantidad infinita de universos, en -como dice el título- una locura en la que no sabemos dónde vamos a quedarnos.

Merece la pena señalar que Marvel ha intentado crear no solo una película para los neófitos en el cine de superhéroes y cómics, sino también para todos los aficionados que se sentirán más que bien con el reencuentro de personajes míticos de todas las sagas Marvel -tanto en cine como en cómicos y que no vamos a desvelar- y que en cualquier momento aparecen. Un reencuentro entrañable y reconfortante.

A nivel técnico, más allá de las bondades de la narrativa de Raimi y de un montaje espectacular, hay que quitarse el sombrero con el trabajo del genial Elfman, que hace una de las mejores bandas sonoras de toda su carrera, definiendo al personaje, las batallas, el suspense, la intriga, con una partitura realmente exquisita, tan llena de matices como el guión o los personajes. De diez, vamos.

En el cómputo general, nos encontramos con una de las películas más redondas de todo Marvel -incluyendo la genialidad y literalidad del primer Iron Man y la épica de la primera de Vengadores- que te atrapa prácticamente desde el primer fotograma, y no te suelta hasta las dos secuencias post-créditos (que no hay que perderse, especialmente la primera!!!) demostrando que el Dr. Strange es la gran apuesta de Marvel por la continuidad de la saga de superhéroes en el cine, no ya como mentor de otros -el joven y alocado Spiderman- sino como un personaje en sí mismo, capaz de desarrollar su propia saga. Y si encima tenemos al sobresaliente Cumberbatch como protagonista, pues ya están todos los ingredientes para disfrutar de lo lindo. Ojalá que Disney deje a los creativos seguir con sus propias claves a la hora de hacer su cine, y no imponga estúpidos criterios comerciales -como ya ha hecho anteriormente, destrozando algunas películas-. Este es el camino.

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El mundo es vuestro: Demasiado barullo y (mal) empacho berlanguiano

2022-03-21T00:59:00.000+01:00

Dirección

Alfonso Sánchez

Guion

Sergio Espí Rubio, Alfonso Sánchez

Música

Juan Cantón

Fotografía

Alejandro Espadero

Reparto

Alberto López, Alfonso Sánchez, Teresa Arbolí, Carmen Canivell, Mari Paz Sayago, Carlos Olalla, Pedro Álvarez-Ossorio, Alfonso Valenzuela, Ignacio de la Puerta, Chacha Huang, José Chaves, David Pareja, Juan Amodeo, César Cadaval

Los compadres, el Rafi y el Fali, han vuelto a traernos una nueva ración de enterismo. El problema es que no es una ración, sino veinte, treinta raciones. Un empacho de raciones de enterismo, que ya intenta utilizar todos los recursos posibles argumentales y estilísticos para crear un verdadero delirio en lo que debería ser una comedia. O mejor dicho, una sátira. Lo que sucede es que este tipo de reflexiones, se realiza con una precisión milimétrica, con una intención vitriólica, para acertar en el tiro de lleno. Sin dudas, sin titubeos. Al centro y hasta el fondo.

El problema es que en esta tercera película (que se supone cierra la "trilogía" que creó Sánchez con "El mundo es…") se tocan demasiados palos, demasiados temas, y demasiados tonos: a veces sarcástica, a veces reflexiva, a veces realista. De manera que no sabe uno a qué carta quedarse. Y luego está el tema del barullo: porque hay demasiado. Prácticamente desde el brillantísimo arranque (lo mejor con diferencia, con un duelo entre el protagonista Sánchez y Antonio de la Torre, realmente antológico…) toda la temática parece metida con calzador: pelotazos, empresarios, corrupción, una montería, Chinos, políticos de todo signo, poder, dinero… un delirio demasiado aturrullado que explota cada cinco minutos. El referente berlanguiano no sólo está presente en el homenaje a tres de sus mejores trabajos (La trilogía de La Escopeta Nacional, Bienvenido Mr. Marshall -ahora en versión China- y La Vaquilla), sino también en la narrativa, ya que Sánchez hace uso del plano secuencia, a modo del maestro valenciano, sólo que ahora todo parece menos controlado, más caótico, incluso diría que confuso. Se solapan personajes, diálogos, temas, sin llegar a quedarse en nada. Todo a borbotones. Y es cierto que en algunos momentos hay aciertos totales (o parciales) pero en la mayoría de los casos, está demasiado confuso todo.

Eso me lleva a reflexionar no sólo con Berlanga, sino con otro "referente" que el director, guionista y protagonista de la historia, Alfonso Sánchez, ha citado en la promoción de la película, que son los Monty Python, el genial grupo humorístico británico que revolucionó la televisión y el cine en el siglo pasado. La mayor diferencia, es que en películas tan locas como "La vida de Brian", lo que parece sorpresivo, está milimétricamente calculado. Y ese control no se transmite en ningún fotograma de esta aventura compadril. Es más, yo diría que la comedia, como uno de los más difíciles géneros de la historia del cine, necesita un alarde de control argumental y de chistes, que si no se hace, queda todo deslabazado, el mensaje se pierde y lo único que se consigue son chistes la mayoría de veces ineficaces. Baste citar a maestros de la comedia como Blake Edwards, Billy Wilder o el citado Berlanga. No sólo conseguían que nos troncháramos de risa en la silla, sino además colar soterrados (e inteligentes) mensajes de toda índole, desde la política a la misma naturaleza humana. Claro que se hacía con la finura de un cirujano que manejara un bisturí finísimo que es capaz de eliminar capa a capa del mensaje, y ahora lo que se utiliza es un torpe martillo que no hace más que ruido, quedando todo demasiado obvio, demasiado burdo, demasiado tosco.

Hay que elogiar el gran esfuerzo realizado por todo el equipo técnico/artístico mayoritariamente andaluz, pero no es menos cierto que el nivel actoral -bien por la dirección de actores, bien por la inexperiencia o sobreactuación de otros- llega a ser bochornoso en algunos momentos. Porque llegar al extremo no hace falta para hacer reír, y las caricaturas llegan a ser verdaderos esperpentos. Y ojo, que los esperpentos están bien, pero siempre que la película tenga el tono y la vocación de esperpento, y no se pontifique con el bien, el mal y se ponga uno serio y estupendo, ya que de esa manera es cuando todo chirría y no encaja.

Es una verdadera pena que el gran nivel alcanzado por su segunda película sobre "El mundo es…" haya bajado tanto en esta tercera parte, porque las expectativas y los personajes ya estaban sentando las bases para un colofón esperado. Pero es que resulta todo tan infantil, tan anacrónico, que es un despropósito pensar que a día de hoy todo sigue igual que en la época de la UCD (años setenta y ochenta del pasado siglo) donde se decidían las cosas en cacerías. Es más, el intento políticamente incorrecto de ese parche argumental estilo "el juego del calamar" metido con calzador (y que no desvelaré para no hacer spoiler) no encaja de ninguna manera. Se mire por donde se mire. Ni te lo puedes tomar en serio -porque no es la vocación ni la intención- ni tampoco a broma -porque en el contexto, no pega ni con cola-. De esa manera, es como si se quisiera meter en un cóctel elementos tan dispares y contrapuestos que es imposible que el resultado saliera bien, por mucho que se agitara. Quizás lo más acertado son los dibujos animados del comienzo con los créditos, porque es donde no chirrían los personajes y se puede aplicar lo del "todo vale". Porque en el resto de la película, no vale. No funciona.

Tengo la impresión prácticamente desde el inicio, que todo es demasiado incoherente, caótico, apresurado, donde todo el mundo tiene que hablar muy rápido, andar muy rápido, moverse muy rápido… para llegar a ninguna parte.

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The Batman: Larga no, ETERNA

2022-03-08T14:43:00.006+01:00

Dirección

Matt Reeves

Guion

Matt Reeves, Peter Craig. Personajes: Bob Kane, Bill Finger

Música

Michael Giacchino

Fotografía

Greig Fraser

Reparto

Robert Pattinson, Zöe Kravitz, Paul Dano, Andy Serkis, Colin Farrell, Jeffrey Wright, Peter Sarsgaard, John Turturro, Jayme Lawson, Con O'Neill, Barry Keoghan, Gil Perez-Abraham, Peter McDonald,

Nunca he terminado de ser fan ni del movimiento, ni de la estética "grunge", que tantos resultados ha dado David Fincher en el cine. Ese toque oscuro, virado a verde, donde casi se tienen que adivinar las cosas, llega a empachar. Ni siquiera con una justificación argumental -como una investigación criminal- logra entretener. Y ese es el gran pecado del cine, no entretener. Y es el que comete Matt Reeves con esta enesimoáva versión del hombre murciélago, revolcado en el feísmo, en lo sucio, en lo atormentado, trastornado, retorcido. Ya veíamos una Gotham City asquerosa, sucia, problemática y fatal en el "Joker" de Joaquin Phoenix, pero ahora ha sido todo amplificado, hasta el punto que el mismísimo Bruce Wayne, el llamado "príncipe de la ciudad" por sus amigos y enemigos, ahora es un chavalín desgarbado, pesaroso, acomplejado, oscuro. Y canijo. Muy canijo. Justo lo que no debería ser ni Wayne, ni Batman.

¿Que Pattinson es un buen actor? Hay que reconocerle registros acertados en su trayectoria, e incluso en esta película. Pero desde luego, no compone un personaje ni acorde con los cómics, ni acorde con el argumento de la película, que resulta de lo más tedioso, lineal, previsible y tópico. En un intento de originalidad, cambian al enemigo por antonomasia de Batman (que es el Joker, claro) por Enigma, otro de sus adversarios, pero mutado en algo mucho más siniestro, más oculto, menos colorista. Porque en esta película casi no hay colores. Todo está contado en blancos y negros (sobre todo negros). Y todo se estira muchíiiisimo, de manera injustificada. Más de tres horas de película que llega a hacerse realmente pesada, tediosa, aburrida. Se podría haber simplificado todo muchísimo más, llegando a una duración incluso de hora y media (así como suena). Porque en buena parte del metraje NO PASA NADA. Y cuando pasa algo, lo hace de manera muy lenta. Incluso las secuencias de acción (pocas, pero las hay, y si has visto el tráiler, ya las has visto casi…) están coreografiadas de manera un tanto plana, distante, nada que ver con las espectaculares peleas y evoluciones que hemos visto en la versión Affleck de Batman.

Todas mis esperanzas han caído en saco roto, porque estamos hablando del mejor superhéroe de la historia no ya del cómic, sino de la historia de la ficción. Porque ¿cómo puede ser de bueno un personaje que tiene cosas de Sherlock Holmes, de Drácula y de El Zorro? Pues eso, el mejor. Un superhéroe, que no es superhéroe. Que no tiene poderes sobrehumanos como otros personajes de la DC como Supermán o Flash. Pero eso sí, tiene una voluntad incorruptible, y una inteligencia y sagacidad que le hace estar preparado para cualquier situación, y lo que es mejor, solucionarla. Porque Batman siempre tiene un plan. Para todo.

Y aquí, el personaje está atribulado, desquiciado, no sabe para donde tirar en muchas ocasiones. Han humanizado tanto, tanto la película, que lo han desposeído de toda la mitología propia de Batman. De la galanura de Bruce Wayne, de la coquetería con Catwoman (que ahora no tiene en absoluto, sin química alguna con Zoe Kravitz), de todo casi.

Resulta inevitable recordar la gloriosa trilogía de Nolan, de la que es heredera en lo trascendental, y por supuesto en la estética, pero aún más extrema. Sólo que Nolan es capaz de aflojar y aumentar el ritmo, porque como cineasta le pega varias vueltas a Reeves, que aunque ha sido voluntarioso, no ha llegado ni de lejos al nivel que se le esperaba. Aunque este director hizo una revisión lustrosa de la saga de los simios, en esta ocasión ha fallado en muchas cosas: en el casting, para empezar -como ya dijimos antes-. En la estética para seguir -porque no se ve nada-. Y para rematar, en el ritmo y duración, que es sencillamente ETERNA. No me recuerdo en ninguna película de Batman (incluso en el espanto protagonizado por George Clooney) mirando el reloj cada cinco minutos para ver si acababa. Pero ahora si lo he hecho. Porque la trama es lineal, casi única, en una investigación policial que no es tampoco demasiado compleja. Y la historia no da para más.

Eso sí, hay que reconocer un gran acierto en la banda sonora de Michael Giacchino, que perfila el universo de Batman y le da el toque épico que necesita. No obstante, salvo eso y algún que otro detalle, ha sido una gran decepción en todos los aspectos. Sólo me queda la nostalgia de pensar qué habría sido de este proyecto si en efecto, lo hubiera escrito, dirigido y protagonizado Ben Affleck (como era la intención original de Warner), uno de los mejores Batman / Bruce Wayne, que haya visto la historia del cine.

TRAILER

Moonfall: Más es menos

2022-02-07T12:06:00.000+01:00

Dirección

Roland Emmerich

Guion

Spenser Cohen, Roland Emmerich, Harald Kloser

Música

Harald Kloser, Thomas Wanker

Fotografía

Robby Baumgartner

Reparto

Halle Berry, Patrick Wilson, John Bradley, Charlie Plummer, Donald Sutherland, Stephen Bogaert, Eme Ikwuakor, Michael Peña, Wenwen Yu, Carolina Bartczak, Maxim Roy, Hazel Nugent

Aunque es alemán, parece más norteamericano que las barras y estrellas, habida cuenta de todas las veces que ha ensalzado el (supuesto) espíritu libre de Estados Unidos y su sociedad. Desde que Mario Kassar lo invitara a dirigir en Hollywood, su carrera ha sido más que fructífera, más en lo económico -con éxitos tales como "Stargate" (y toda sus sagas…) o "Independence Day"- que en lo artístico, considerado como un director de muchos efectos especiales, catástrofes y poco más. No obstante, Emmerich realizó una apreciable película "El Patriota", protagonizada por Mel Gibson, que le dio cierta credibilidad entre la crítica. Como ya dije antes, paradójicamente ese sentido patriotero de sus cintas viene de parte de un alemán.En sus películas ha puesto a la civilización entera al borde de la extinción, y no sólo por parte de los extraterrestres, sino por el cambio climático y todo tipo de desastres naturales. Pero en su filmografía, había una cierta coherencia -sin que sus guiones fueran precisamente una maravilla-, una cierta progresión. El problema de sus últimos trabajos -en los que podemos englobar la decepcionante segunda parte de "Independence Day", un delirio completo…- es que parece haberse emborrachado de todos los recursos, y abusa de ellos, más que para que funcionen, para intentar apabullar al espectrador, buscando su asombro.

Resulta curioso cómo ese cine setentero que tantos millones dio en la taquilla con títulos como "El Coloso en Llamas", "La Aventura del Poseidón", "Aeropuerto", "Terremoto", ahora se reinventa en una fórmula diferente: ya no hacen falta un ramillete de estrellas de Hollywood (en todos estos títulos estaba desde Paul Newman a Fred Astaire pasando por Steve McQueen o William Holden...) sino mucho ordenador. Tanto ordenador que por bien hecho que parezca todo, resulta sencillamente falso.

Emmerich ha querido hacer la mascletá: todo a la vez. Tsunamis, terremotos, problemas gravitatorios, la luna que va a chocar con la tierra, y como guinda del pastel -hagamos un spoiler, porque sencillamente, el tráiler ya lo hace- extraterrestres. Y como suele pasar, los salvadores de la humanidad son los más desastres, los más frikis, los más inadaptados, los más desastres. Resulta que en una misión espacial, un astronauta pierde el control por un fenómeno estelar que no sólo acaba con la vida de su compañero, sino que destroza la nave espacial. La Nasa, cabreadísima, lo despide y cae en desgracia totalmente. Años más tarde, un friki muy dado a las teorías de la conspiración, descubre que la luna va a chocar contra la tierra. Y se desata el pánico, todo el mundo sale despavorido a salvarse, y los únicos que pueden solucionar el problema son precisamente el friki, el astronauta reciclado en borrachin outsider, y su compañera de misión, que es nombrada directora de la Nasa, nada menos, en un momentito. Y mientras, terremotos, tsunamis, explosiones… un variadito brutal donde (se supone) que muere muchísima gente (pero que no se ve) y donde se salvan precisamente, los que se tienen que salvar para que el guión de la película avance.

Vamos, un verdadero cachondeo que no resulta creíble en absoluto, pero vamos, que da igual, porque parece que lo importante para Emmerich es que todo explote desde el minuto uno, que haya catástrofes más catástrofes y que todo parece que se vaya a la mierda sin solución alguna. Y claro, siempre estará la esperanza de los protagonistas…

Vale, Emmerich antes hacía las cosas un poquito mejor. Es decir, se guardaba los fuegos artificiales para el final, preparándonos durante toda la película para ese momento, y cuando llegaban esas imágenes, eran del todo impactantes. Pero ahora es que empieza todo inmediatamente, y cuando ya hemos visto que las ciudades se han arrasado, que los huracanes han destrozado edificios enteros, que los Tsunamis se llevan por delante coches, camiones, aviones y de todo… cuando llega otra cosa más, pues como que nos da ya un poco igual. Tenemos tal empacho de catástrofes, que una más, pues vale. Al saco.

Y por esa misma razón, la película, muy impresionante en cuanto a efectos visuales, llega a ponerse de lo más aburrida y únicamente esperamos la explicación de por qué está pasando todo esto (y que cuando llega nos deja más bien traspuestos, porque casi que lo lía todo más que explicarlo).

Debería haber dosificado más los recursos y secuencias de catástrofes, porque cuando se empieza queriendo ser todo y hacer todo, se termina no siendo ni haciendo nada.

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A propósito de "La Casa de Papel"

2022-01-08T00:34:00.003+01:00

Ha tenido -y con razón- reconocimiento internacional, porque es una de esas series que seguro que no se van a olvidar. Pero de la misma forma que otras series que han estirado artificialmente -porque el guión no da más de si…- se ha ido consumiendo a sí misma, porque cinco temporadas para un atraco, han dado mucho de sí. Demasiado, me temo.

Alex Pina, creador y máximo artífice de la serie, ha demostrado con creces que se puede hacer buena ficción en la televisión de nuestro país, España. Y lo que es mejor, exportarla a todo el mundo, universalizando el mensaje. Y ha tenido que ser a través de Netflix, en plena eclosión de plataformas digitales de contenidos planetarios, como ha venido ese éxito. Pero lo más importante no es ya que triunfara "La Casa de Papel", sino que se ha demostrado que no hay ningún patrimonio exclusivo para la ficción televisiva: ni Inglaterra, ni Estados Unidos, ni Alemania, ni muchísimo menos Turquía. No, se puede hacer en España, igual de bien -o incluso, mejor- que en cualquier sitio.

Con todas sus bondades, la serie tiene cosas que llegan a agotarme, como la tensión mantenida durante todo el tiempo, con banda sonora que te enerva en todo momento, y con la sensación argumental que algo va a explotar de un momento a otro sin solución. A veces pasa, y resulta impresionante, y otras veces, sencillamente, no pasa, y llega a decepcionar, la verdad.

Y la otra cosa que, más que agobiarme, me molesta terriblemente, es cómo se ha jugado con el espectador: Vancouver Media, convertida ya en una de las productoras españolas con mayor prestigio nacional -e internacional- parece haber impreso una manera determinada de hacer series, dejando al espectador con la miel en los labios de temporada en temporada. Y no está mal hacer eso, pero, señores, con un solo arco argumental, no con todos. Porque entonces el espectador se siente, sencillamente, engañado -y ya lo han hecho no sólo con esta serie, sino también con "Sky Rojo", por ejemplo-. Bueno, y lo que han hecho con la quinta -y última- temporada de dividirla artificialmente en dos partes, con más de mes y medio de diferencia en su estreno -cuando antes de estrenaba la serie enterita en Netflix…- puede hacer ya perder la paciencia al público -como me pasó a mí, que deseando ver el desenlace esperé a que estuviera la serie completa para poder verla enterita-.

Aún así, el cómputo general es de lo más positivo, en un ejercicio de guión brillante, con personajes excelentes -me siento especialmente orgulloso de mis amigos Juan Fernández y José Manuel Seda…- y con una progresión dramática y producción impecables. Es cierto que argumentalmente en algunos momentos se flaquea, y algunas tramas -como todos los flashbacks de Berlin y demás…- a mi no me terminan de convencer, pero bueno. 8/10.

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The King's Man: la primera misión. Orígenes

2022-01-05T22:18:00.002+01:00

King's Man: la primera misión

Dirección

Matthew Vaughn

Guion

Jane Goldman, Matthew Vaughn, Karl Gajdusek. Personaje: Dave Gibbons, Mark Millar. Historia: Matthew Vaughn

Música

Dominic Lewis, Matthew Margeson

Fotografía

Ben Davis

Reparto

Ralph Fiennes, Harris Dickinson, Djimon Hounsou, Gemma Arterton, Rhys Ifans, Charles Dance, Tom Hollander, Matthew Goode, Daniel Brühl, Aaron Taylor-Johnson, Stanley Tucci, David Kross, Alison Steadman

Tiene Matthew Vaughn una manera muy interesante no sólo de rodar -como ya demostró en las dos anteriores entregas de esta saga- sino de vender películas, habiendo creado una tendencia interesante, a modo de autoparodia del cine de espías británicos -con la referencia indiscutible de James Bond, pero rememorando en estética y contenido a la famosa serie televisiva de los sesenta "Los vengadores", con los inolvidables Patrick MacNee y Diana Rigg- y, naciendo del cómic de Mark Millar, trasladar todo ese delirio visual a la gran pantalla.

Utilizando la fórmula comercial de la "precuela", ahora tendremos la oportunidad de ver cómo nació en realidad esa "agencia de inteligencia independiente" en el seno de la alta sociedad británica, cuando el bien relacionado Duque de Oxford decide implicarse para hacer del mundo un lugar mejor y más igualitario. Como ha sucedido en entregas anteriores, hay una siniestra organización que pretende destrozar la humanidad según sus propios criterios. Pero la originalidad en esta ocasión radica en que la acción se desarrolla a principios de siglo, entroncando con la historia misma y revisando los prolegómenos de la Primera Guerra Mundial, donde la geopolítica del siglo XX cambió radicalmente con el conflicto bélico más sangriento jamás conocido hasta entonces.

Otro elemento interesante -y divertido- es jugar con personajes reconocibles de esa época, como Mata-Hari, Rasputín o el anarquista Gavrilo Princip (quien atentó en Sarajevo contra el Archiduque de Austira, provocando el inicio de la Primera Guerra Mundial), todos ellos bajo el mando de un enigmático personaje…

La espectacularidad de las imágenes está garantizada, con coreografías imposibles en las secuencias de acción y un lenguaje narrativo incluso más impactante que el de las dos anteriores entregas. Y como atractivo añadido, un carismático Ralph Fiennes que dota de un glamour notable a toda la película, convirtiéndose en el eje y centro de la historia. Pero después de ese apabullante despliegue de recursos ¿era necesaria esta película? ¿realmente entronca con el universo anteriormente planteado? (porque se nos dijo que esta agencia llevaba siglos protegiendo a los débiles e inocentes, cuando en realidad parece que arrancó a principios del siglo XX…).

El caso es que el resultado final es efectivo (y eficiente), aunque con el innegable regusto a videojuego que tienen las anteriores. Realmente echo de menos el toque gamberro y canalla del personaje de Ecsy (Taron Egerton), aunque la sustitución de Colin Firth por Fiennes funciona a la perfección (pocos han llevado un peluquín mejor, a excepción quizás del mismísimo Sean Connery…). Pero hay que tomársela con la ligereza e intrascendencia que realmente tiene, por mucha vocación histórica que se le haya querido dar: es un juguete para disfrutar durante más de dos horas, y eso lo consigue con creces. Y lo mejor es que no se echa de menos la tecnología y los aparatitos.

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No mires arriba: tan divertida como escalofriante

2021-12-26T01:37:00.004+01:00

No mires arriba

Dirección

Adam McKay

Guion

Adam McKay. Historia: Adam McKay, David Sirota

Música

Nicholas Britell

Fotografía

Linus Sandgren

Reparto

Leonardo DiCaprio, Jennifer Lawrence, Meryl Streep, Jonah Hill, Rob Morgan, Mark Rylance, Tyler Perry, Timothée Chalamet, Ron Perlman, Ariana Grande, Kid Cudi, Cate Blanchett, Tomer Sisley

Muchos directores en la historia del cine, desde Ford a Hitchcock o Wilder, han mezclado muchos géneros no ya para despistar (y desconcertar) al espectador, sino además para enriquecer su historia. Una comedia "pura" o un drama "puro" es menos interesante que si lo trufáramos con alguna nota discordante de ese género. McKay, curtido en el Saturday Night Live, ha utilizado esta batidora en sus películas, que se han beneficiado en buena parte de ese mestizaje, ofreciendo títulos interesantes como "La gran apuesta" o "El vicio del poder" -utilizando además un lenguaje divulgativo/periodístico que aún subrayaba más la reflexión del propio mensaje.

Hemos llegado a un punto de la comunicación en este delirante siglo XXI en el que la importancia o la verdad de un contenido ya no tiene que ver con la realidad, sino con las corrientes de opinión, los likes, las redes sociales y la viralidad. Tsunamis de tendencias que cambian con la misma velocidad del rayo. Una verdadera locura en la que es casi imposible distinguir qué es real y qué no. Si encima a todo ese desquiciado escenario añadimos una pandemia mundial, crisis económicas, fanatismos radicales, y la nueva geopolítica, tenemos un caldo de cultivo digno de verdadero estudio sociológico (¡y psicológico!).

Esta es una película con el signo de este tiempo, en el que un acontecimiento apocalíptico (la caída de un meteorito en la tierra que puede acabar con la vida en este planeta) se convierte en un verdadero circo mediático, y un asunto de política, intereses empresariales y economía. Cuando un astrónomo y una estudiante de doctorado descubren que la civilización humana puede desaparecer en seis meses tras la caída de un asteroide de 10 km. de longitud, lo que podría haber sido la reacción normal para evitar la catástrofe, paulatinamente se va transformando en otra cosa muy diferente.

La visión irónica y mordaz de McKay es clara y meridiana: somos tan ridículos, tan crédulos y tan poco razonables, que como especie casi que nos merecemos la extinción, y prácticamente nada puede salvarnos no ya del meteorito, sino de nosotros mismos. Esto, que podría resultar de lo más dramático, está narrado en tono de comedia con una acidez tremenda, una parábola que dinamita personajes reconocibles en el mundo de la política, la informática, la tecnología, la investigación, el ejército, la familia… un verdadero disparo al centro de flotación no ya de Estados Unidos, sino de la raza humana en general.

Pero lo mejor de la situación es que ese cruel retrato se articula entre risas y chistes muy bien hilvanados, con situaciones llevadas al extremo del absurdo, pero que son perfectamente reconocibles y -por desgracia- hemos visto en muchas ocasiones a través de la televisión o las redes sociales. Está claro que otro elemento a tener en cuenta es el estelar plantel de actores, donde cabe destacar a la mutante Kate Blanchett y sobre todo a DiCaprio, ambos magníficos.

Confieso que había estado condicionado por opiniones encontradas respecto a esta película, pero finalmente me ha encantado tanto el fondo como la forma en que se ha contado esta historia, que además de hacerte reír, es capaz de aterrorizarte.

Por cierto, el verdadero final de la película está en las escenas post-créditos, así que no te las puedes perder.

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A propósito de Spielberg, y su fiasco de "West Side Story"

2021-12-25T14:58:00.007+01:00

Que el estreno del #WestSideStory de #Spielberg en #USA haya sido un relativo fracaso (con una recaudación muy inferior a la esperada) dice varias cosas: la primera es que los musicales EN EL CINE, no le interesan a casi nadie. Y por un motivo evidente: porque no están pensados para el cine, propiamente.

Es decir, hace décadas, cuando la técnica escénica no era tan impresionante como ahora tenía un cierto sentido trasladar esas historias al cine, pero ahora, no, porque a nivel teatral se puede hacer casi de todo lo que podamos imaginar (literalmente). No tiene sentido extrapolar una historia como #Cats al cine, porque es un producto con un lenguaje y narrativa hechas para el teatro, y en el cine se estrelló, quedando absolutamente ridículo.

En el caso de West Side Story, hablamos de un musical que ya tuvo su película en 1961. Segundo, tiene poco sentido que a día de hoy, que todo el mundo viaja y puede acceder a Broadway al West End londinense y a cualquier sitio prácticamente, se "lleve a la pantalla" un producto que está disponible en los teatros desde hace décadas. Tercero, es una historia bastante trasnochada, habida cuenta de que la inmigración portorriqueña ya no es vivida como "invasora" en la cultura norteamericana (Puerto Rico es un estado asociado a los Estados Unidos, y esta comunidad está integrada desde hace décadas en cualquier lugar de Norteamérica. Cuarto, prácticamente todo el elenco es totalmente desconocido para el público, con lo que tiene poco atractivo ver a jovencitos y jov
encitas desconocidas cantar y bailar (para eso ponemos cualquier plataforma digital y son cientos los talent show para ver a desconocidos).

Era original hacer una revisión al clásico de Shakespeare "Romeo y Julieta" en clave interracial, pero a día de hoy deberían haber sido Coreanos del norte y el sur, Chinos y Taiwaneses, o rusos y ucranianos. Pero ya a día de hoy nadie se cree que portorriqueños y norteamericanos sigan dolientes en su integración. Y para colmo, lo sigue ambientando en la cronología original, y sin cambiar ni una coma en los números musicales, que son de los más vistos (y conocidos) en la historia del cine. Es como si alguien quisiera hacer un "remake" de "Cantando bajo la lluvia" copiando lo mismo, pero con actores desconocidos.

Y quinto, uno de los grandes creadores y revolucionarios en la historia del cine, Steven Spielberg, con títulos que han cambiado las claves artísticas del séptimo arte, que ha hecho películas tan fundamentales en la historia del cine como "Tiburón", "Encuentros en la tercera fase", "E.T.", "La Lista de Schindler" o "Parque Jurásico"... ¿cómo es que hace un remake casi sin cambiar nada de una película que ya se hizo en 1961? Es cierto que el midas de #hollywood se equivoca a veces, pero esto ha sido un verdadero fiasco, que por supuesto no interesa a nadie. #Cine #CanaldeCineFedericoCasado

Spiderman, sin camino a casa: Avi Arad vuelve a la carga con lo peor

2021-12-19T16:21:00.000+01:00

SPIDERMAN, SIN CAMINO A CASA

Dirección

Jon Watts

Guion

Chris McKenna, Erik Sommers. Cómic: Steve Ditko, Stan Lee

Música

Michael Giacchino

Fotografía

Mauro Fiore

Reparto

Tom Holland, Zendaya, Benedict Cumberbatch, Jacob Batalon, Marisa Tomei, Jon Favreau, J.K. Simmons, Angourie Rice, Alfred Molina, Jamie Foxx, Harry Holland, Christopher Cocke, J.B. Smoove, Hannibal Buress, Martin Starr, Tony Revolori

Para los acérrimos amantes de los cómics Marvel -entre los que me encuentro- Spiderman ha sido su más icónico personaje, superando a todos los demás (incluyendo al Capitán América, Hulk, Los 4 fantásticos…). Por eso cuando hace años Sam Raimi cogió el testigo con la Sony/Columbia detrás para hacer la primera película de esta nueva era (corramos un tupido velo con las adaptaciones televisivas del personaje…) todos estábamos de enhorabuena. Para empezar, porque Raimi también era amante de los cómics, también conocía al personaje, y su cine tiene toques de cómics en la narrativa. Pero claro, lo que no contábamos es con un personaje siniestro, que llegó a, nada menos, dirigir la mismísima Marvel. Me refiero al israelí Avi Arad, un señor que estudió dirección de empresas y que se recicló en productor. Curiosamente, cuando menos metía la zarpa en las películas, mejor funcionaban en todos los sentidos.

Pero la megalomanía de este señor terminó explotando y llegaba a imponer a los directores y creativos lo que tenían que hacer -¡¡¡pero qué sabrá este señor!!!-. Raimi terminó huyendo después de lo que le obligaron a hacer con la tercera película de Spiderman (obligarle a meter a Venom, al hombre de arena -encima imponiendo al actor que tenía que hacerlo- y demás lindezas).

Todo este preámbulo lo he hecho para ver la diferencia de criterio que ha tenido Kevin Feige a la hora de crear el MCU, con la Marvel, los Vengadores, Iron Man (si, ya sé que Arad produjo la primera parte -la mejor del personaje-, pero ahí no molestó mucho a Favreau…), Thor, y demás. Mientras que Arad ha destrozado -literalmente- las películas, Feige ha dejado que los criterios creativos de los directores y guionistas no estuvieran encorsetados. Y eso ha supuesto un éxito sin precedentes en la historia del cine, consiguiendo recaudaciones y todo un ecosistema de personajes que se extienden al merchandising, pero de una manera digna. Claro que esto tampoco ha durado mucho, ya que desde que Disney compró Marvel, hemos vuelto a banalizarlo todo…

El caso es que Sony y Marvel llegaron a un acuerdo para incluir a Spiderman en el universo de Los Vengadores y demás, y el invento ha medio funcionado con las dos películas anteriores protagonizadas por Tom Holland como Spiderman/Peter Parker (Homecoming y Lejos de casa). Pero ahora que ha habido un cambio de ciclo con Los Vengadores, que Iron Man/Tony Stark ha fallecido y el Capitán América también ha sido relevado, se esperaba también un broche final a la etapa de Tom Holland como el trepamuros, y por ello se ha apostado por la misma fórmula de la tercera parte de la trilogía de Raimi, malos a manta, mucha acción frenética, y mucha espectacularidad.

Es cierto que el guión ahora tiene cierta coherencia (la aparición del Multiverso y del Dr. Strange), pero llega un momento en que nos cansamos y la película decae de interés. Meter en la misma película al Doctor Octopus, al Duende Verde, al Hombre de Arena, al Lagarto y a Electro es como una gran mascletá para el personaje, que se tiene que enfrentar a su mayor amenaza. No quiero hacer spoilers, pero desde luego para el fandom va a ser néctar y ambrosía, porque la película es totalmente cómplice y se llega a conectar (en la sala los fanáticos aplaudían cuando aparecían los personajes…).

Pero cuando no aplaudieron es al final. ¿Y por qué? Porque aunque haya habido esa acumulación, la película es mediocre, cambia mucho de ritmo y de calidad y no guarda una coherencia de principio a fin. Es verdad que tiene momentos épicos y espectaculares (sobre todo cada vez que aparecen Benedict Cumberbatch (Dr. Strange) y el Duende Verde (Willem Dafoe), porque son dos actorazos que deslumbran en cada gesto.

Además de ello, el tono cambia cada cinco minutos, oscilando entre la trascendentalidad de querer salvar la humanidad, y los problemas de un grupo de adolescentes atolondrados que no tienen ni puta idea de nada. Ese toque desenfadado de humor, que ha encajado bien en las dos películas anteriores de Spiderman (las de Tom Holland) ahora no funcionan tan bien, máxime porque estamos hablando de situaciones demasiado grandilocuentes (el cruce de universos y realidades, etc.).

No obstante, hay que reconocerle algunos momentos muy buenos, aunque estoy convencido que este resultado aturrullado y confuso se debe seguro a Avi Arad, que ha vuelto a meter las zarpas en el proyecto…y como siempre hace, la ha vuelto a cagar. Porque lo podría haber sido una reinvención del personaje, con todos sus toques (ahora el mentor de Iron Man podría haber pasado a ser Dr. Strange, la evolución de sus amigos, etc.) se ha quedado en una maraña algo vacía de fuegos artificiales para apabullar al espectador.

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2021-10-15T12:58:00.019+02:00

El buen patrón: La gran resurrección de Fernando León (y de Javier Bardem)

El buen patrón

Dirección

Fernando León de Aranoa

Guion

Fernando León de Aranoa

Música

Zeltia Montes

Fotografía

Pau Esteve Birba

Reparto

Javier Bardem, Manolo Solo, Almudena Amor, Óscar de la Fuente, Sonia Almarcha, Fernando Albizu, Tarik Rmili, Rafa Castejón, Celso Bugallo, Yaël Belicha, Martín Páez, Daniel Chamorro, María de Nati, Mara Guil, Pilar Matas

A mí me gusta reconocer mis errores. De la misma manera que castigo o ninguneo una postura o una evolución artística, si me demuestran que estoy equivocado repliego velas y me replanteo todo lo que antes creía. Desde hace ya tiempo, Fernando León de Aranoa me parecía un director -y guionista, no olvidemos su principal oficio- totalmente desfasado y carente de interés alguno. Creía que le había perdido el pulso a contar historias, que no concretaba lo que quería decir, que vivía en su particular burbujita del mundo, y que no era capaz de contarme nada que me interesara medianamente. Pero visto su último film, me equivocaba de parte a parte, porque "El Buen patrón" es una obra enorme. De un calado mucho mayor de lo que pudiera parecer su formato de comedia, porque es un disparo mismo a la línea de flotación de una sociedad actual, regida por el capitalismo, la globalización y una economía de mercado tan cuestionable como patente.

Si encima le sumamos un esplendoroso plantel actoral que brilla, deslumbrando el papel de su protagonista, Javier Bardem, estamos ante una de las mejores películas realizadas en nuestro país en los últimos diez años. Una obra compacta, sin fisuras, sin debilidades, con la contundencia de un puñetazo bien dirigido.

El director de una empresa familiar dedicada a la fabricación de balanzas tiene una vida ordenada y controlada. Su familia misma es un ejemplo de moderación, racionalidad y eficacia. Claro que ese aspecto exterior pulcro e inmaculado va a empezar a resquebrajarse por la misma variabilidad de la vida, forzando a que todo evolucione irremisiblemente.

La reflexión más acertada de Fernando León, además de cuestionar el modelo de producción occidental capitalista en el ejemplo de la empresa que dirige el protagonista, es la del mismo personaje protagonista, que intenta todo el tiempo poner muros de contención a todo aquello que se le pueda escapar, pero las vías de agua al final van a hacer que todo se desborde…a pesar de lo cual se intentará controlar.

Otra de las cosas que también me han maravillado de esta película es que León ha vuelto recuperar ese vitriólico sentido del humor que ya demostró en "Familia" o "Los Lunes al sol" con esta película, trufando todos los conflictos mayores con una hiriente ironía de gran lucidez. Podríamos incluso decir que esta película es una heredera más seria de toda la galería Berlangiana del cine español. He vuelto a recuperar la fe en este director, y estoy seguro que el tiempo aún mejorará el nivel de esta película.

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