ArtE.cOM

noreply@blogger.com (célia ferrer) — Sat, 13 Jun 2015 03:17:00 +0000

IMPRESSIONISMO

O SOL NAS CORES

Pode-se dizer que o Impressionismo foi uma tendência da arte, principalmente francesa, que dominou o fim do século passado. Investido de um realismo mais objetivo, foi uma reação ao romantismo da época. De certa forma, preparou o caminho para futuras manifestações artísticas. Revelou nomes importantes como Manet, Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Edgar Degas, Boudin, Cézanne, Lautrec, Gauguin, Van Gogh, que foi um artista que transitou do impressionismo ao pós - impressionismo e expressionismo e outros, na área da pintura.

Os contatos entre o público e os pintores davam-se através dos Salons – o Salão dos Recusados foi muito utilizado para mostras coletivas dos impressionistas, e nele foi exposta a tela de Édouard Manet, o célebre O Almoço Campestre, que a muitos chocou e provocou aplausos de outros tantos. Para Manet, os objetos tinham somente valor pictórico. Depois de 1870, ele adota cores claras. Este artista pode ser considerado um precursor do Impressionismo, ao lado de Jongkind e Boudin.

O termo ‘Impressionismo’ foi criado por um crítico de arte, pelo pintor e escritor Louis Leroy, em 1874, ao comentar o quadro Impressão: Nascer do Sol, de Claude Monet. Definir este movimento não é fácil, mas o artista Eugéne Boudin o resumiu como um movimento que leva a pintura à pesquisa da luz total do espaço exterior.

Almoço campestre - Edouard Manet

Nascer do sol - Claude Monet

O mais importante para os impressionistas são os efeitos visuais, a impressão imediata da imagem, a fixação desse instante único, pois o momento seguinte será certamente diferente. O prazer de pintar ao ar livre pode ser explicado pela importância dada ao fenômeno da luz. Os adeptos desta escola usavam cores vivas e puras, justapondo-as nas telas, visando obter os meios-tons desejados, dando sempre a impressão de captar a luz refletida em superfícies naturais. As formas desaparecem, não mais se percebem os contornos, permanecendo no quadro apenas borrões de tinta.

Noite Estrelada - Van Gogh

The Seine At Asnieres, Renoir

Paul Cézanne expôs em 1874, na 1ª Mostra Impressionista, nas não pode ser considerado um típico adepto deste movimento. Suas obras-primas são as naturezas-mortas. Ele procurou fazer do Impressionismo, porém, algo sólido e duradouro, ao agregar em torno de si um importante grupo de artistas, os quais se tornariam famosos impressionistas. É também considerado um dos precursores do Cubismo.

O Impressionismo manifestou-se, além da pintura, igualmente na música puramente auditiva de Debussy, Ravel, entre outros; e na literatura, através de escritores da estirpe de Marcel Proust, Graça Aranha, Raul Pompéia, etc.

Na oitava e última exposição impressionista, os pintores Signac e Seurat apontam o caminho nascente do Neo-Impressionismo, e Gauguin e Vincent Van Gogh contribuem para o surgimento da chamada Arte Moderna, juntamente com Cézanne. Mas as obras produzidas pelos impressionistas se imortalizaram, e são até hoje preciosas pérolas na História da Arte.

Características do impressionismo nas artes plásticas:

- Ênfase nos temas da natureza, principalmente de paisagens;

- Uso de técnicas de pintura que valorização a ação da luz natural;

- Valorização da decomposição das cores;

- Pinceladas soltas buscando os movimentos da cena retratada;

- Uso de efeitos de sombras coloridas e luminosas.

Características do impressionismo na música:

- Composições que buscam retratar imagens;

- Títulos de peças que remetem a paisagens naturais;

- Melodias sensuais e etéreas.

Claude Debussy: Prelúdio à Tarde de um Fauno

Impressionismo no Brasil

No início do século XX, Eliseu Visconti foi sem dúvida o artista que melhor representou os postulados impressionistas no Brasil. Sobre o impressionismo de Visconti, diz Flávio de Aquino: "Visconti é, para nós, o precursor da arte dos nossos dias, o nosso mais legítimo representante de uma das mais importantes etapas da pintura contemporânea: o impressionismo. Trouxe-o da França ainda quente das discussões, vivo; transformou-o, ante o motivo brasileiro, perante a cor e a atmosfera luminosa do nosso País".O Impressionismo surgiria apenas tardia e precáriamente nas obras de alguns artistas.

No Brasil, ecos do impressionismo podem ser encontrados nas obras de Arthur Timótheo da Costa (1882 - 1922), Belmiro de Almeida (1858 - 1935), Almeida Júnior (1850 - 1899), Castagneto (1851 - 1900), Eliseu Visconti (1866 - 1944) eAntônio Parreiras (1860 - 1937) Henrique Campos Cavelleiro (1892-1975) Vicente do Rego Monteiro (1899 - 1970 ). entre outros. O clareamento da paleta, a atenção aos efeitos produzidos pelas diferentes atmosferas luminosas, a incorporação de temas simples e afastados da eloqüência acadêmica, o uso de pinceladas fragmentadas e descontínuas são incorporados aos poucos pelos artistas brasileiros. No entanto, o acanhamento do ambiente artístico, a resistência do público e das instituições às novas tendências estéticas e as limitações impostas pela Academia Imperial de Belas Artes - Aiba - no ensino por ela ministrado e nas orientações que imprime ao estudo de brasileiros no exterior - dificultam um diálogo mais fecundo entre as investigações introduzidas pelos impressionistas e a arte realizada pelos pintores nacionais, que muitas vezes não vão além de uma incorporação superficial das técnicas impressionistas, adaptando-as a um olhar ainda comprometido com os padrões acadêmicos.

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noreply@blogger.com (célia ferrer) — Sat, 13 Jun 2015 03:00:00 +0000

SONHOS - AKIRA KUROSAWA

INVADINDO O MUNDO DO PINTOR

Quem é que nunca contemplou uma tela, dedicando a ela mais atenção do que o habitual? Sempre há aquela motivação inicial que é despertada pela composição em si mesma... Pode tratar-se de um retrato, uma natureza morta, algo abstrato, paisagens de uma natureza exuberante...
Quem nunca se aproximou o máximo que pôde para observar os menores detalhes? Aqueles que “denunciam” a pincelada do artista, sua singeleza ou rapidez e agressividade...
O “sonho” que mostra o artista entrando no quadro Van Gogh nos remete a essas e outras reflexões. Quando se trata de observar minuciosamente as pinceladas numa tela, as de Vincent são exemplares.
É só um sonho...
O rapaz “entra” na tela. Ele quer saber onde pode encontrar o artista... Fica sabendo que pode encontrá-lo depois da ponte... É lá mesmo que ele está... Deve tomar cuidado porque “Van Gogh acabara de sair do hospício”...
Isso pouco importa, o moço conhece a história daquele que procura, sabe que é solitário e que viveu dias de fome e de frio, e que teve entreveros com Gauguin. Mas ele sabe também que aqueles dias de “loucura” foram os de maior produção...
Van Gogh poderia ser encontrado em situações diversas... Mas é avistado trabalhando no campo, onde tudo inspira... Vive um estado eufórico, mas também se sente impotente porque, por mais que trabalhe (levando a locomotiva a altíssimas pressões), não conseguirá pintar tudo a que é “chamado a pintar”.
Onde está o artista senão presente em suas obras?
O sonhador segue seu devaneio atrás de Van Gogh percorrendo as paisagens que são os seus quadros... O vê à distância atravessando o campo de trigo... Na sequência os corvos... A última tela de Vincent... Muito bonito e significativo. O som da locomotiva... O ambiente da galeria de arte está de volta.

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ARTE CONTEMPORÂNEA

noreply@blogger.com (célia ferrer) — Sat, 10 May 2014 23:03:00 +0000

DEU A LOUCA NO MUNDO

A arte contemporânea é construída não mais necessariamente com o novo e o original, como ocorria no Modernismo e nos movimentos vanguardistas. Ela se caracteriza principalmente pela liberdade de atuação do artista, que não tem mais compromissos institucionais que o limitem, portanto pode exercer seu trabalho sem se preocupar em imprimir nas suas obras um determinado cunho religioso ou político.

Esta era da história da arte nasceu em meados do século XX e se estende até a atualidade, insinuando-se logo depois da Segunda Guerra Mundial. Este período traz consigo novos hábitos, diferentes concepções, a industrialização em massa, que imediatamente exerce profunda influência na pintura, nos movimentos literários, no universo ‘fashion’, na esfera cinematográfica, e nas demais vertentes artísticas. Esta tendência cultural com certeza emerge das vertiginosas transformações sociais ocorridas neste momento.

Altair de Pádua Siqueira

Os artistas passam a questionar a própria linguagem artística, a imagem em si, a qual subitamente dominou o dia-a-dia do mundo contemporâneo. Em uma atitude metalingüística, o criador se volta para a crítica de sua mesma obra e do material de que se vale para concebê-la, o arsenal imagético ao seu alcance.

Joana Vasconcelos

Nos anos 60 a matéria gerada pelos novos artistas revela um caráter espacial, em plena era da viagem do Homem ao espaço, ao mesmo tempo em que abusa do vinil. Nos 70 a arte se diversifica, vários conceitos coexistem, entre eles a Op Art, que opta por uma arte geométrica; a Pop Art, inspirada nos ídolos desta época, na natureza celebrativa desta década – um de seus principais nomes é o do imortal Andy Warhol; o Expressionismo Abstrato; a Arte Conceitual; o Minimalismo; a Body Art; a Internet Street e a Art Street, a arte que se desenvolve nas ruas, influenciada pelo grafit e pelo movimento hip-hop.

É na esteira das intensas transformações vigentes neste período que a arte contemporânea se consolida.

Ela realiza um mix de vários estilos, diversas escolas e técnicas. Não há uma mera contraposição entre a arte figurativa e a abstrata, pois dentro de cada uma destas categorias há inúmeras variantes. Enquanto alguns quadros se revelam rigidamente figurativos, outros a muito custo expressam as características do corpo de um homem, como a Marilyn Monroe concebida por Willem de Kooning, em 1954. No seio das obras abstratas também se encontram diferentes concepções, dos traços ativos de Jackson Pollok à geometrização das criações de Mondrian. Outra vertente artística opta pelo caos, como a associação aleatória de jornais, selos e outros materiais na obra Imagem como um centro luminoso, produzida por Kurt Schwitters, em 1919.

Os artistas nunca tiveram tanta liberdade criadora, tão variados recursos materiais em suas mãos. As possibilidades e os caminhos são múltiplos, as inquietações mais profundas, o que permite à Arte Contemporânea ampliar seu espectro de atuação, pois ela não trabalha apenas com objetos concretos, mas principalmente com conceitos e atitudes. Refletir sobre a arte é muito mais importante que a própria arte em si, que agora já não é o objetivo final, mas sim um instrumento para que se possa meditar sobre os novos conteúdos impressos no cotidiano pelas velozes transformações vivenciadas no mundo atual.

Vinte anos depois da década de 60, pensava-se que o conceitualismo havia atingido o seu ápice, os artistas estavam cansados de tanto pensar: surgem então os anos 80. Ufa! É o retorno da pintura, a volta do artista que coloca a mão na massa e não só na encefálica. Tinta sobre madeira, tinta sobre telas gigantescas, tinta sobre tinta, quadros objeto, o expressionismo abstrato levado às últimas consequências. Naquela década também surgem as galerias que iriam fazer da pintura oitentista uma mina de ouro. É o mercado milionário da arte. Os artistas se rendem a ele, e muitos se entregam a fórmulas que deram certo passando a repetí-las. Jovens, em sua maioria, são descobertos e sua arte ganha o mundo. Basquiat, Haring. No Brasil, o grupo Casa 7. Lindo!

Hoje, ao olharmos para a arte feita há 20 anos atrás percebemos uma enxurrada de criatividade, ouso dizer, nunca vista antes na história da arte. Uma arte sem preconceitos, pois, diferente da arte moderna, a arte pós moderna se baseava na liberdade. Liberdade de buscar referências nos mais remotos e inimagináveis temas, ou, de misturá-los ao contexto do mundo vivido por aqueles artistas. Diversão artística.

"Gosto de ver algumas cenas do filme Pollock em que a mulher dele, uma crítica de arte, pede que ele defina sua pintura numa série de questões complexas impostas por ela. Pollock nunca as respondia, se voltava para os quadros e continuava a pintar. Infelizmente, temo perceber que atualmente a crítica de arte venceu o artista, todos deveriam ter feito como Pollock, mas não, hoje quem faz a arte é o crítico, aliás, o artista age e “cria” como o crítico.

Mentes pensantes demais, bulas compridas para a explicação da “obra de arte”. Nossa, quantas aspas, a arte se transformou mesmo em pastiche de si mesma. Será que a arte contemporânea daqui há vinte anos se tranformará em nome de movimento, será que nos apoderamos do termo assim como os modernistas do moderno? Não sei, isso já é divagação demais, melhor parar por aqui e voltar a desenhar…" (Cris Alcântara)

Dois diálogos: um entre o “artista contemporâneo” e um crítico de arte, e o outro, entre o “simplesmente artista” e um crítico de arte. (por Cris Alcântara)

Diálogo 1

Crítico: - Acho que com esta sua obra você conseguiu abreviar de uma forma inusitada o que sentimos nos momentos de espera em uma sala de aeroporto!

Artista Contemporâneo: -Pois é, eu procurei nessa vídeo-instalação-performática-radioativa fazer com que o espaço da sala de espera de aeroporto levasse o receptor da arte a uma total reflexão, tá compreendido? Como se as sensações onipresentes dessa atmosfera atingissem de maneira até metafísica o espectador da minha obra...

Crítico: -Justamente, foi isso que eu percebi! Vou escrever um artigo falando sobre essa sua forma interdisciplinar de fazer com que tantos elementos, até mesmo elementares, figurassem de maneira tão...Tão...Tão...abstratizante!

Beatriz Milhazes

Diálogo 2

Crítico conversando com o “simplesmente artista” após ver um de seus desenhos (“Desenhos. Nossa! Que forma primitiva de se fazer arte!” diria o crítico).

Crítico: - Por favor, conceitue exatamente o que você quis dizer com a utilização de algumas referências tão antagônicas nesta sua arte feita com traços e riscos sobre o suporte papel.

Simplesmente artista: O que? Onde tem antagonismo nesse desenho? O senhor pode se explicar melhor?

Crítico: - Eu vejo um antagonismo entre a parte inferior do desenho e a superior. É como se os três homens de baixo estivessem de alguma forma pressionando para que os de cima desaparecessem, e isso tem até a ver com o mundo competitivo em que vivemos, não é?

Simplesmente artista: - Olha senhor, na verdade não é nada disso não. São apenas 3 dançarinos... Os de cima são os mesmos dos de baixo... Sinceramente, a referência veio dos musicais das décadas de 60, Gene kelley, Fred Astaire...

Crítico: - Claro, é disso que eu estava falando, dessa sincronia entre o contemporâneo e o arcaico...O clássico...Vejo isso de forma predominante nas cores, aliás, porque você utilizou o amarelo?

Simplesmente artista: - Mas moço, eu não utilizei o amarelo!

Cris Alcântara

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ARTE EDUCAÇÃO

noreply@blogger.com (célia ferrer) — Fri, 09 May 2014 04:00:00 +0000

ENSINANDO ARTE

Arte-educação ou ensino de Arte é a educação que oportuniza ao indivíduo o acesso à Arte como linguagem expressiva e forma de conhecimento.

A educação em arte, assim como a educação geral e plena do indivíduo, acontece na sociedade de duas formas:

assistematicamente através dos meios de comunicação de massa e das manifestações não institucionalizadas da cultura, como as relacionadas ao folclore (entendido como manifestação viva e em mutação, não limitado apenas à preservação de tradições);
e sistematicamente na escola ou em outras instituições de ensino.

A arte-educação tem um objetivo maior que a formação de profissionais dedicados a esta área de conhecimento, no âmbito da escola regular busca oferecer aos indivíduos condições para que compreenda o que ocorre no plano da expressão e no plano do significado ao interagir com as Artes, permitindo sua inserção social de maneira mais ampla. Os museus são uma ferramenta muito útil para a observação, de uma forma mais condensada e intensa, de diversas manifestações artísticas - sejam elas da contemporaneidade ou não.

Rever o potencial crítico da criação é um tema da maior importância. Nesse processo, a arte-educação tem papel de destaque porque se estabelece como elo entre o sujeito criativo e o cidadão participativo, investindo na arte como forma de conhecimento e como exercício de criatividade.

Na verdade, o exercício da criatividade que a arte-educação contempla privilegia o experimentar e o aprendizado, mediados sempre pela ação racionalizadora e pelo entendimento. À criação artística e educacional é fundamentalmente um processo e tem um ponto único de partida e de chegada: o sujeito, o indivíduo que cria.

Portanto, uma experiência artístico-educativa prevê um grau aprofundado de introspecção, uma espécie de encontro consigo mesmo ou com o grupo: é a busca da individualidade e da intersubjetividade, que o cotidiano, de um modo geral, anula.

No Brasil, a Lei de Diretrizes e Bases da Educação Nacional (LDB nº 9.394/96) estabeleceu em seu artigo 26, parágrafo 2º que:

"O ensino da arte constituirá componente curricular obrigatório, nos diversos níveis da educação básica, de forma a promover o desenvolvimento cultural dos alunos".
"A arte é um patrimônio cultural da humanidade, e todo ser humano tem direito ao acesso a esse saber"

De acordo com os Parâmetros Curriculares Nacionais, A educação em arte propicia o desenvolvimento do pensamento artístico e da percepção estética, que caracterizam um modo próprio de ordenar e dar sentido à experiência humana: o aluno desenvolve sua sensibilidade, percepção e imaginação, tanto ao realizar formas artísticas quanto na ação de apreciar e conhecer as formas produzidas por ele e pelos colegas, pela natureza e nas diferentes culturas.(PCN- Arte-1997)

1ª sala de arte - 1820

A IMPORTÂNCIA DA ARTE NA EDUCAÇÃO

A arte na educação foi considerada, em passado recente, como atividade de lazer e recreação na escola. Um bom exemplo que ilustra essa concepção merece ser lembrado. Em 1972, quando Ana Mae Tavares Bastos Barbosa, considerada a grande pioneira da arte-educação, solicitou à Capes (Coordenação de Aperfeiçoamento do Pessoal de Ensino Superior) uma bolsa para a realização de seu mestrado no exterior e teve sua solicitação negada. A resposta foi negativa, pelo não reconhecimento da arte-educação como área de pesquisa.

Felizmente, os conceitos mudaram e hoje a pioneira é bolsista de produtividade em pesquisa, nível 1A, do Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico (CNPq). As ideias e pensamentos de Ana Barbosa foram fundamentais para a conceituação e importância das artes na educação. Em 1991, ela dizia: "Como a matemática, a história e as ciências, a arte tem domínio, uma linguagem e uma história. Se constitui num campo de estudos específicos e não apenas em meia atividade.

A arte-educação é epistemologia da arte e, portanto, é a investigação dos modos como se aprende arte na educação infantil, no ensino fundamental e médio e no ensino superior. Talvez seja necessário para vencer o preconceito sacrificarmos a própria expressão arte-educação que serviu para identificar uma posição e vanguarda do ensino da arte contra o oficialismo da educação artística dos anos 1970 e 1980. Eliminemos a designação arte-educação e passemos a falar diretamente de ensino da arte e aprendizagem da arte sem eufemismos, ensino que tem de ser conceitualmente revisto na escola fundamental, nas universidades, nas escolas profissionalizantes, nos museus, nos centros culturais e a ser previsto nos projetos de politécnica que se anunciam".

A arte é um importante trabalho educativo, pois procura, através das tendências individuais, amadurecer a formação do gosto, estimular a inteligência e contribuir para a formação da personalidade do indivíduo, sem ter como preocupação única e mais importante a formação de artistas. No seu trabalho criador, o indivíduo utiliza e aperfeiçoa processos que desenvolvem a percepção, a imaginação, a observação e o raciocínio. No processo de criação, ele pesquisa a própria emoção, liberta-se da tensão, ajusta-se, organiza pensamentos, sentimentos, sensações e forma hábitos de trabalho.

Sendo a escola o primeiro espaço formal onde se dá o desenvolvimento de cidadãos, nada melhor que por aí se dê o contato sistematizado com o universo artístico e suas diferentes linguagens: arte cênica, cinema, desenho, escultura, pintura, literatura, teatro, dança, música, etc. No entanto, a contemplação e a criatividade nas artes devem transcender o ambiente escolar. Além da expansão dos espaços culturais é importante que, em cada um deles, haja de forma permanente um espaço reservado para as crianças provido de material visual, ferramentas de interatividade, oficinas de pintura, artesanato, música, etc. A arte tem sido, tradicionalmente, uma parte importante nos programas da primeira infância.

Friedrich Froebel, o pai do jardim de infância, foi o primeiro educador a enfatizar o brinquedo e a atividade lúdica. Ele disseminou o conceito de que as crianças deveriam criar as próprias expressões artísticas e apreciar a arte criada por outros.

No Distrito Federal existe um campo fértil para experiências pedagógicas que poderiam estimular os benéficos estímulos das artes no desenvolvimento das crianças. A parceria virtuosa que está se estabelecendo entre a Secretaria da Criança do GDF (Governo do Distrito Federal) e o Instituto de Artes da Universidade de Brasília (IDA/UnB) certamente será um instrumento importante no desenvolvimento integral de nossas crianças, que perpassam também pelo seu desenvolvimento cultural. É preciso apreciar, entender e estimular a criativade das crianças, ilustrada pela célebre frase de Pablo Picasso: "Precisei de toda uma existência para aprender a desenhar como as crianças".

(Correio Braziliense, 25/06/2011)
(www.wikipedia.org)

MUSEUS

noreply@blogger.com (célia ferrer) — Tue, 05 Jul 2011 17:43:00 +0000

MUSEUS MAIS VISITADOS EM 2010

Ir a museus é uma prática mais comum do que imaginamos.

No mundo todo, pessoas recorrem aos museus como opção de turismo, mas na verdade

o museu não é só diversão, é também fonte de conhecimento e cultura.

Existem vários museus espalhados pelo mundo, inclusive aqui no Brasil.

Eles são mais comum nas cidades maiores, por isso se você mora numa dessas cidades, procure

saber quantos museus existem e vá visitá-los, você irá se divertir muito e vai aprender muito também.

A maioria dos museus não se limita a não cobrar pelas entradas, mas propõe várias iniciativas culturais. Visitas guiadas, leituras, concertos, ateliês para crianças e animações históricas são algumas das propostas de museus pelo mundo.

Se você não tem costume de visitar museus, que tal conhecê-los um pouquinho?

É só acessar este site

http://artetropia.blogspot.com/2011/04/os-museus-de-arte-mais-visitados-do.html

e você vai ficar sabendo quais os museus mais visitados em 2010, ok?

ARTE NEOCLÁSSICA NO BRASIL

noreply@blogger.com (célia ferrer) — Sun, 29 May 2011 03:47:00 +0000

A MISSÃO ARTÍSTICA FRANCESA

Em 1816, durante a estada da família real portuguesa no Brasil, chega ao Rio de Janeiro um grupo de artistas franceses com a missão de ensinar artes plásticas na cidade que era, então, a capital do Reino unido de Portugal e Algarves. O grupo ficou conhecido como Missão artística francesa.

O convite teria para a vinda do grupo teria partido de Antonio Araújo Azevedo, Conde da Barca, ministro de dom João 6^o.Preocupado com o desenvolvimento cultural da colônia que havia se transformado em capital, o rei trouxe para cá material para montar a primeira gráfica brasileira, onde foram impressos diversos livros e um jornal chamado "A Gazeta do Rio de Janeiro".

Já a missão tinha o objetivo de estabelecer o ensino oficial das artes plásticas no Brasil, e acabou influenciando o cenário artístico brasileiro, além de estabelecer um ensino acadêmico inexistente até então.

A missão foi organizada por Joaquim Lebreton e composta por um grupo de artistas plásticos. Dela faziam parte os pintores Jean-Baptiste Debret e Nicolas Antoine Taunay, os escultores Auguste Marie Taunay, Marc e Zéphirin Ferrez e o arquiteto Grandjean de Montigny. Esse grupo organizou, em agosto de 1816, a Escola Real das Ciências, Artes e Ofícios, transformada, em 1826, na Imperial Academia e Escola de Belas-Artes.

Os artistas da Missão Artística Francesa pintavam, desenhavam, esculpiam e construíam à moda européia, obedecendo ao estilo neoclássico.

Principais pintores da missão

Nicolas-Antonine Taunay: (1775-1830) pintor francês de grande destaque na corte de Napoleão Bonaparte e considerado um dos mais importantes da Missão Francesa. Durante os cinco anos em que esteve no Brasil, retratou várias paisagens do Rio de Janeiro.

largo da carioca

Marquesa de Belas

Moisés salvo das águas

Jean-Baptiste Debret: (1768-1848) foi chamado de "a alma da Missão Francesa". Era desenhista, aquarelista, pintor cenográfico, decorador, professor de pintura e organizador da primeira exposição de arte no Brasil (1829). Em 1818, trabalhou no projeto de ornamentação da cidade do Rio de Janeiro para os festejos da aclamação de dom João VI como rei de Portugal, Brasil e Algarves.

Em "Viagem Pitoresca ao Brasil", coleção composta de três volumes com um total de 150 ilustrações, Debret retrata e descreve a sociedade brasileira. Seus temas preferidos são a nobreza e as cenas do cotidiano brasileiro. Sua obra dá uma excelente idéia da sociedade brasileira do século 19.

Engenho

CastIgo do Açoite

Jantar no Brasil

Negros de Carro

Um Funcionário a Passeio com sua família

ARTE NEOCLÁSSICA

noreply@blogger.com (célia ferrer) — Sun, 29 May 2011 02:54:00 +0000

...DE VOLTA AO PASSADO

Neoclassicismo é um movimento artístico que se desenvolveu especialmente na arquitetura e nas artes decorativas. Floresceu na França e na Inglaterra, por volta de 1750, sob a influência do arquiteto Palladio (palladianismo), e estendeu-se para o resto dos países europeus, chegando ao apogeu em 1830. Inspirado nas formas greco-romanas, renunciou às formas do barroco (que não tinha tido grande repercussão na França e na Inglaterra) revivendo os princípios estéticos da antiguidade clássica.

EXEMPLO DE EDIFÍCIO NEOCLÁSSICO (Palácio de Exposições de Munique).

Entre as mudanças filosóficas, ocorridas com o iluminismo, e as sociais, com a revolução francesa, a arte deveria tornar-se eco dos novos ideais da época: subjetivismo, liberalismo, ateísmo e democracia. No entanto, eram tantas as mudanças que elas ainda não haviam sido suficientemente assimiladas pelos homens da época a ponto de gerar um novo estilo artístico que representasse esses valores. O melhor seria recorrer ao que estivesse mais à mão: a equilibrada e democrática antiguidade clássica. E foi assim que, com a ajuda da arqueologia (Pompéia tinha sido descoberta em 1748), arquitetos, pintores e escultores logo encontraram um modelo a seguir.

Mais do que um ressurgimento de estética antiga, o Neoclassicismo relaciona fatos do passado aos acontecimentos da época. Os artistas neoclássicos tentaram substituir a sensualidade e trivialidade do Rococó por um estilo lógico, de tom solene e austero. Quando os movimentos revolucionários estabeleceram repúblicas na França e América do Norte, os novos governos adotaram o neoclassicismo como estilo oficial por relacionarem a democracia com a antiga Grécia e República Romana.

ARQUITETURA

Surgiram os primeiros edifícios em forma de templos gregos, as estátuas alegóricas e as pinturas de temas históricos. As encomendas já não vinham do clero e da nobreza, mas da alta burguesia, mecenas incondicionais da nova estética. A imagem das cidades mudou completamente. Derrubaram-se edifícios e largas avenidas foram traçadas de acordo com as formas monumentais da arquitetura renovada, ainda existentes nas mais importantes capitais da Europa.

Igreja de Madeleine - Paris

A Igreja de Madeleine, de Vignon, é uma amostra inconstestável do retorno da arquitetura clássica que se verificou durante a época napoleônica. São edifícios grandiosos de estética totalmente racionalista: pórticos de colunas colossais com frontispícios triangulares, pilastras despojadas de capitéis e uma decoração apenas insinuada em guirlandas ou rosetas e frisos de meandros.

National Gallery, Londres

Surgido para dar sustentação à revolução francesa e depois ao império, o neoclassicismo, no entanto, se apóia principalmente nos países da aliança contra Napoleão, como a Alemanha e a Inglaterra. Durante este período, as cidades foram invadidas por edificações colossais, como o célebre Arco do Triunfo, em Paris, construído em homenagem às vitórias de Napoleão. Nele evitou-se ao máximo recorrer aos ornamentos romanos, como as colunas clássicas.

Arco do Triunfo, Paris

PINTURA

A pintura do neoclassicismo começa a se desenvolver principalmente na França, com fortes influências nas artes clássicas gregas e em pinturas da renascença italiana.

As principais características da pintura neoclássica são uma grande exaltação nos contornos, eles valorizam também uma imagem formalizada, ou seja, tudo centralizado na obra, além da disposição bem ordenada de cores.

Os pintores do movimento que se destacam são

Jean Auguste Dominique Ingres e Jacques Louis David.

Ingres preferia os retratos e os nus às cenas mitológicas e históricas. Os retratos que mais se destacam são Napoleone Bonaparte primo console e Madamoiselle Riviere.

Em Madamoiselle ele apresenta fortes influências renascentistas (Monalisa), um primeiro plano com grande destaque e um gênero da imagem retratando uma moça da alta sociedade (roupas/arminho), roupas baseadas nas deusas gregas.

David é considerado o maior artista da pintura neoclassica e o da Revolução Francesa, que depois se tornaria pintor oficial do império de Napoleão. David pintava retratos de Napoleão, fatos históricos ocorridos durante o império e personagens da antiguidade.

As obras que mais se destacam são O juramento dos Horácios e O Rapto das Sabinas.

Em O juramento dos Horácios ele mostra o uso da cor como elemento simbólico (o vermelho, elemento central), linhas retas nos homens e nas mulheres tudo em curva.

Em O Rapto das Sabinas ele mostra um épico (guerra), de um livro, na obra a imagem vai ser totalmente reconstruída pela imaginação, apesar da cena haver vários personagens todos em cantos diferentes, esta tudo muito bem organizado.

ESCULTURA

Na escultura o movimento buscava inspiração no passado. A estatuária grega foi o modelo favorito pela harmonia das proporções, regularidade das formas e serenidade da expressão. Apesar disso, não atingiram a amplitude nem o espírito da escultura grega. Também foi menos ousada que a pintura e arquitetura de seu tempo. Entre os principais escultores destaca-se o italiano Antonio Canova (1757-1822), que retrata personagens contemporâneos como divindades mitológicas como Pauline Bonaparte Borghese como Vênus.

As tres graças - Canova

Nu - Canova

Vênus - Canova

MÚSICA

O período normalmente designado como neoclássico é, em música, reconhecido como classicismo, ou período clássico. Grosso modo, a segunda metade do século XVIII, período marcado pela simplificação das estruturas Barrocas, tornando a música mais simples através da mudança de um estilo contrapontístico para outro homofônico.

São considerados o auge deste estilo os compositores Mozart e Haydn, pelo modo como sintetizaram os trabalhos de seus antecessores, dando forma definida à Sonata, à música de câmara, ao concerto e à Sinfonia. Beethoven é considerado o compositor responsável pela transição do estilo clássico para o romântico.

A denominação "Neoclássica" em música geralmente se refere a um movimento musical um tanto difuso, ocorrido aproximadamente entre 1920 e 1950. A principal figura deste movimento foi Stravinski, que após um período identificado como primitivismo, ou "fase russa", passou a evocar a estética do século XVIII. Isso ocorreu principalmente a partir de seu balé Pulcinella (1920). Outros compositores podem ser reputados como neo-clássicos no século XX, em geral uma característica atribuída àqueles que não buscaram uma estética atonal ou o exacerbado uso da dissonância e do ruído, mas continuaram compondo segundo os parâmetros tonais dos séculos anteriores, de alguma forma renovados.

TEATRO

No teatro neoclássico a racionalidade predomina, revalorizam-se o texto e a linguagem poética. A tragédia mantém o padrão solene da Antiguidade. Entre os principais autores está Voltaire. A comédia revitaliza-se com o francês Pierre Marivaux (1688-1763), autor de O Jogo do Amor e do Acaso. Os italianos Carlo Goldoni (1707-1793), de A Viúva Astuciosa, e Carlo Gozzi (1720-1806), de O Amor de Três Laranjas, estão entre os principais dramaturgos do gênero. Outro importante autor de comédias é o francês Caron de Beaumarchais (1732-1799), de O Barbeiro de Sevilha e de As Bodas de Fígaro, retratos da decadência do Antigo Regime e uma inspiração para as óperas deMozart (1756-1791) e Rossini (1792-1868).

Numa linha que prenuncia o romantismo, trabalha o dramaturgo e filósofo francês Denis Diderot (1713-1784), um dos organizadores da Enciclopédia. Entre suas peças se destaca O Filho Natural. O italiano Metastasio (1698-1782) aproxima o teatro da música, como no melodrama .

O barbeiro de sevilha - encenação

DANÇA

As Danças Neoclássicas que são conhecidas como "clássicas", constituem uma das modalidades das Danças de Salão e incluem cinco diferentes tipos de dança: a Valsa Vienense, a Valsa Inglesa, o Slow Foxtrot, o Quick Step e o Tango.

Modalidades de Dança de Salão:

. Latinas: Samba, Cha cha cha, Rumba, Paso-Doble e Jive.

. Clássicas: Valsa Vienense, Valsa Inglesa, Slow Fox, Quickstep e Tango.

. Sociais: Salsa, Merengue.

Como Surgiram:

As Danças Clássicas tiveram diferentes origens, e cada uma teve uma história diferente que lhe foi dando as características que elas têm na actualidade.

Como surgiu a Valsa Vienense

A Valsa Vienense é uma dança com origem em danças camponesas tradicionais austríacas. Foi introduzida em Paris, em 1775, denominada como Valsa Vienense. Inventada pela nobreza, como diversão para as ocasiões festivas.

A palavra tem origem no alemão Walzen, que significa girar ou deslizar.

Como surgiu a Valsa Inglesa

A Valsa Inglesa teve as mesmas origens que a Valsa Vienense e já era dançada nas cortes europeias em meados do século XVIII. Constitui uma variação mais lenta da Valsa Vienense. A Valsa Inglesa apenas ganhou importância após a primeira Guerra Mundial, em Boston.

Como surgiu o Slow Foxtrot e o Quick Step

À semelhança do Quickstep, também o Slow Foxtrot vai buscar a sua raiz ao Foxtrot.

Harry Fox, introduzindo um passo diferente (tipo trote de cavalo) ao som de ragtime, acaba por ser o responsável pelo baptismo do Foxtrot. No entanto a forma definitiva do Foxtrot acabou por ser desenvolvida pelo par de dançarinos G.K.Anderson e a sua esposa Josephine Bradley.

Em 1922, os passos tipo trote foram substituídos por outros que exigiam menos vigor. Em 1927, o passo foi denominado Slow Fox devido aos seus movimentos mais suaves. Desde então, a dança foi desenvolvida a partir de duas formas: o Quickstep (o passo rápido) e o Slow Fox (passo lento).

Como surgiu o Tango

Na origem do Tango, como o conhecemos hoje, está a Milonga. Dançada nos cabarés dos cais de Buenos Aires, na Argentina, esta dança sofreu alterações até ser aceite como dança de salão na Europa, principalmente pelo cariz erótico que apresentava. A forma como era dançado e os seus passos foram suavizados de forma a se adequar aos salões europeus. É dançado de uma forma ligeiramente diferente das outras danças clássicas no que diz respeito à postura.

ARTE RUPESTRE

noreply@blogger.com (célia ferrer) — Sat, 28 May 2011 17:28:00 +0000

ATIVIDADE LEGAL

E aí pessoal, vamos exercitar o que aprendemos?

Que tal trazer a arte do homem pré-histórico para os nossos dias?

Então vamos lá, assista ao vídeo e mãos a obra!!!

O BARROCO NO BRASIL

noreply@blogger.com (célia ferrer) — Sat, 28 May 2011 03:31:00 +0000

CHEGANDO AO NOVO MUNDO

O Barroco no Brasil teve a mais brilhante das carreiras, sendo considerado por vários críticos como o estilo nacional por excelência. Foi introduzido no início do século XVIII pelos missionários católicos, especialmente jesuítas, que trouxeram o novo estilo como instrumento de doutrinação cristã.

Nas artes plásticas seus maiores expoentes foram Aleijadinho, na escultura, e Mestre Ataíde, na pintura. No campo da arquitetura esta escola floresceu notavelmente no Nordeste, mas com grandes exemplos também no centro do país, em Minas Gerais, Goiás e Rio de Janeiro. Na música, ao contrário das outras artes, sobrevivem poucos mas belos documentos do Barroco tardio. Com o desenvolvimento do Neoclassicismo a partir das primeiras décadas do século XIX, a tradição barroca caiu progressivamente em desuso, mas traços dela seriam encontrados em diversas modalidades de arte até os primeiros anos do século XX.

A vasta maioria do legado barroco brasileiro está na arte sacra: estatuária, pintura e obra de talha para decoração de igrejas ou para culto privado.

Igreja de S. Francisco - Salvador/Bahia

Manoel da Costa Ataíde (Mestre Ataíde)

Nasceu em Mariana (1762) e foi considerado um gênio da pintura brasileira. Em suas obras aparecem anjos, madonas e santos mulatos. A maior obra do Mestre Ataíde está na igreja da Ordem Terceira de São Francisco em Ouro Preto.

Teto da Igreja de São Francisco de Assis (Ouro Preto).

Causa impressionante ilusão dfe óptica, graças aos pilares pintados em perspectiva.

A última ceia

Antônio Francisco Lisboa (o Aleijadinho):

Nasceu em Ouro Preto (1736-1814). Era filho de um arquiteto português e de uma escrava chamada Isabel. Tudo o que aprendeu foi trabalhando com seu pai, observando pintores e escultores da época, gravuras vindas da Europa e frequentando bibliotecas de escritores religiosos.

O apelido de Aleijadinho deve-se ao fato de, por volta dos 50 anos, ter adoecido, ficando com as pernas e mãos deformadas e perdendo até parte dos dedos. Como não podia mais se locomover, ele era carregado por dois escravos, que amarravam em suas mãos os instrumentos de que necessitava para esculpir.

Ele trabalhava nos projetos arquitetônicos e na decoração das igrejas barrocas. Usava como matéria-prima a madeira e a pedra sabão. Veja algumas obras de Aleijadinho:

Igreja de São Francisco de São João del Rei

Fachada ângulo mais aproximado da I. São Francisco em São oão Del Rei

Os profetas em Congonhas do Campo

1º Passo - Ceia
2º Passo - Horto
3º Passo - Prisão
4º Passo - Flagelação e Coroação de Espinhos
5º Passo - Subida ao Calvário
6º Passo - Crucificação

A arquitetura barroca também aparece nas fazendas, sítios, chácaras, engenhos e prédios públicos:

Engenho D'agua em Ilha Bela (São Paulo)

Casa dos Contos - Ouro Preto:

O BARROCO EM PERNAMBUCO

Em solo pernambucano, os portugueses trouxeram a ideologia, o esboço da sua arte barroca. Não foram inócuos, mas a própria região deu conta de trabalhar o estilo Barroco com características peculiares.

Olinda, a primeira capital, com seus belos monumentos, erguidos entre manguezais pelos portugueses como o Mosteiro de São Bento, o Convento dos Franciscanos, são respeitados pela cidade nova. Desse modo, tornou-se um simples arrabalde.

Devido a ocupações e invasões, o traçado arquitetônico tanto em Recife como em Olinda acompanhava esses dois fatores. Ora conservados, ora destruídos.

Em 1654, os holandeses foram expulsos. Como consequência das batalhas deixaram Recife arrasada. Dos escombros, a cidade se ergueu atrelada ao Barroco. Igrejas setecentistas surgiram à beira das águas dos canais e dos rios

“(…) O recifense não está ligado às suas Igrejas só por devoção aos santos, mas de um modo lírico, sentimental: porque se acostumou à voz dos sinos chamando para a missa, anunciando incêndio; porque em momento de dor ou de aperreio ele ou pessoa sua se pegou com Nossa Senhora, fez promessa, alcançou a graça; porque nas Igrejas se casou, se batizaram seus filhos e estão enterrados avós queridos”.

Esta breve crônica social escrita pelo sociólogo Gilberto Freyre, apesar de enfocar o viés sentimental das igrejas com a sociedade, nos proporciona de maneira subjacente e remonta dicas de como é intrínseca a presença da arquitetura barroca pernambucana na vida comum dos seus habitantes na época colonial.

Ou seja, o barroco em Pernambuco não pode ser apenas sintetizado pelas pedras de cantaria e entalhes monumentais. Historicamente, foi um processo de dominação, da busca pela onipotência da coroa portuguesa e delimitação de espaços terrestres e imaginários.

No entanto, quem as ergueu, quem as frequentavam, os religiosos que as dirigiam, os senhores e até mesmo o povo paupérrimo, que bancavam as despesas com reformas e construções, compõem um panorama antropológico da arquitetura barroca.

Capela Dourada

Senhor Morto. Altar Mor da Igreja da Madre de Deus, Séc. XVIII, Recife/PE

Santo Cristo. Altar lateral da Igreja do Espírito Santo de Deus. Século XIX. Recife/PE

Bom Jesus da Cana Verde ou da Pedra Fria. Autor: Manoel da Silva Amorim. Sec. XIX. Recife, Permanbuco

Calvário - Altar lateral da Matriz do Santíssimo Sacramento de Santo Antonio, Recife, Pernambuco

Igreja de Santa Tereza da ordem 3ª do Carmo - Recife

Catedral de S. Pedro

O ESPLENDOR DE BIZÂNCIO

noreply@blogger.com (célia ferrer) — Sun, 03 Apr 2011 02:53:00 +0000

ARTE BIZANTINA

Bizâncio era uma antiga colônia grega localizada entre a Europa e a Ásia, no estreito de Bósforo. Nesse local no ano 330, o imperador Constantino fundou a cidade de Constantinopla, que, graças à localização geográfica privilegiada, viria a ser palco de uma verdadeira síntese das culturas greco-romanas e oriental.

O termo bizantino, portanto, deriva de Bizâncio e designa a criação cultural não só de Constantinopla, mas de todo o Império Romano do Oriente.

O império Romano do Oriente ou Império Bizantino alcançou seu apogeu político e cultural no governo do Imperador Justiniano(527 a 565). Em 1453 os turcos tomaram a capital, Constantinopla, dando início a um novo período histórico: a Idade Moderna.

Uma arte que expressa riqueza e poder

O momento de esplendor da capital do Império Bizantino coincidiu historicamente com a oficialização do cristianismo. A partir daí, a arte cristã primitiva, que era popular e simples, foi substituída por uma arte cristã de caráter majestoso, que exprime poder e riqueza.

A arte bizantina tinha um objetivo: expressar a autoridade absoluta e sagrada do imperador, considerado o representante de Deus, com poderes temporais e espirituais. Para que a arte atingisse esse objetivo, uma série de convenções foi estabelecida – tal como ocorrera na arte egípcia. São elas:

1 – Frontalidade : a postura rígida da personagem representada leva o observador a uma atitude de respeito e veneração. Figuras colocadas de frente também significava respeito ao observador, que via nos soberanos e nas figuras sagradas seus senhores e protetores.

2 – Determinação do lugar de cada personagem sagrada na composição e a indicação de como deveria ser os gestos, as mãos, os pés, as dobras das roupas e os símbolos.

3 – retratava-se as personalidades oficiais e as personagens sagradas como se compartilhassem as mesmas características( personalidades oficiais sugeria tratar-se de personagens sagradas e asa personagens sagradas, por sua vez, eram representadas com características das personalidades do império).

Arquitetura

A arquitetura das igrejas foi a que recebeu maior atenção da arte bizantina, elas eram planejadas sobre uma base circular, octogonal ou quadrada, imensas cúpulas, criando-se prédios enormes e espaçosos totalmente decorados.

A Igreja de Santa Sofia (Sofia = Sabedoria), na hoje Istambul, foi um dos maiores triunfos da nova técnica bizantina, projetada pelos arquitetos Antêmio de Tralles e Isidoro de Mileto. Ela possui uma cúpula de 55 metros apoiada em quatro arcos plenos.Tal método tornou a cúpula extremamente elevada, sugerindo, por associação à abóbada celeste, sentimentos de universalidade e poder absoluto. Apresenta pinturas nas paredes, colunas com capitel ricamente decorado com mosaicos e o chão de mármore polido.

Os ícones Bizantinos

Os artistas bizantinos criaram ícones, uma nova forma de expressão artística na pintura.

A palavra ícone, de origem grega,significa imagem. Como trabalho artístico, os ícones são quadros que representam figuras sagradas, como Jesus Cristo, a virgem, os apóstolos, santos e mártires. Em geral são bastante luxuosas.

Para pintar os ícones, osartistas utilizavam a técnica da têmpera ou da encáustica, lançando mão de recuesos que realçavam os efeitos de luxo e riqueza. Em geral revestiam a superfície de madeira ou de placa de metal, com uma camada dourada, sobre a qual pintavam a imagem.

Para fazer as dobras das vestimentas, as rendas e os bordados, retiravam com um estilete a película de tinta da pintura. Essas áreas, assim, adquiriam a cor de ouro do fundo.

A têmpera consiste em misturar os pigmentos a uma goma orgânica (em geral, gema de ovo) para facilitar a fixação das cores à superfície do objeto pintado. O resultado é uma superfície brilhante e luminosa.

A encáustica, foi usada desde a antiguidade e consiste em diluir os pigmentos em cera aquecida e derretida no momento da aplicação. Ao contrário da têmpera, cujo efeito é brilhante, a pintura em encáustica é semifosca.

Às vezes os artistas colocavam jóias e pedras preciosas na pintura, chegando até a confeccionar coroas de ouro para as figuras de Jesus ou de Maria. Essas jóias, aliadas ao dourado nos detalhes das roupas, davam aos ícones um aspecto de grande suntuosidade.

Em geral, os ícones eram venerados nas igrejas, mas não raro eram encontrados nos oratórios familiares, uma vez que se tornaram populares entre muitos povos, mantendo-se por muito tempo como expressão artística e religiosa.

Mosaico: luxo e suntuosidade em pedras coloridas

O mosaico consiste na colocação, lado a lado, de pequenos pedaços de pedras de cores diferentes sobre uma superfície de gesso ou argamassa. Essas pedrinhas coloridas são dispostas de acordo com um desenho previamente determinado. A seguir, a superfície recebe uma solução de cal, areia e óleo que preenche os espaços vazios, aderindo melhor os pedacinhos de pedra.

Foi com os bizantinos que o mosaico atingiu sua mais perfeita realização. As figuras rígidas e a pompa da arte de Bizâncio fizeram do mosaico a forma de expressão artística preferida pelo império Romano do Oriente. Assim as paredes e as abóbadas das igrejas, recobertas d mosaicos de cores intensas e de materiais que refletem a luz em reflexos dourados, conferem uma suntuosidade ao interior dos templos que nenhuma época conseguiu reproduzir.

Música bizantina

A música bizantina incluiu uma rica tradição de música instrumental da corte e dança. A música bizantina é composta de textos gregos para festas, cerimônias, ou músicas da Igreja. Os historiadores gregos e estrangeiros concordam que os tons eclesiásticos e, em geral, todo o sistema de música bizantina está intimamente relacionada com o antigo sistema grego. Continua a ser o mais antigo gênero de música existente, do qual a forma de atuação e (com o aumento da precisão a partir do século V) os nomes dos compositores, e às vezes as indicações das circunstâncias de cada obra musical, são conhecidos.

O desenvolvimento em larga escala de formas hinográficas iniciou-se no século V com o surgimento do kontakion, um sermão longo e metricamente elaborado, que encontra seu ponto alto no trabalho de Romano, o Melodista (século VI). Heirmoi em estilo silábico estão reunidas no Heirmologion, um grosso volume que apareceu pela primeira vez no meio do século X e contém mais de mil modelos de troparia arranjados em um oktoechos (o sistema musical de oito modos).

Um geógrafo persa do século IX (Ibn Khordadbeh) identificou o uso de urghun (órgão), shilyani (provavelmente um tipo de harpa ou lira) salandj e o lyra curvado (lira), um instrumento similar ao rebab árabe. Um exemplo característico são as contas de órgãos pneumáticos, cuja construção foi mais avançada no império oriental antes de seu desenvolvimento no Ocidente após o Renascimento.

A dança em Bizâncio

As danças aprovadas pela Igreja eram danças de grupo, normalmente procissões ou círculos em que os homens, separados das mulheres, realizavam solenes movimentos decoros no temor a Deus. Havia dança de mulheres na Páscoa, danças noturnas satíricas disfarçadas nas Calendas e danças para bandas itinerantes de jovens na Roussalia. Havia certamente danças em casamentos, tabernas e nos banquetes assim como houve espetáculos de danças encenadas no teatro. Em Constantinopla, eventos importantes foram comemorados com grandes bailes públicos.

Embora haja pouca informação sobre a dança bizantina, sabe-se que muitas vezes ela era entrelaçada. O líder da dança foi chamado dekoryphaios (κορυφαίος) ou chorolektes (χορολέκτης) e foi ele quem começou a música e se certificou de que o círculo foi mantido.

ARTE NA MESOPOTAMIA: ASSÍRIA

noreply@blogger.com (célia ferrer) — Thu, 10 Mar 2011 00:23:00 +0000

A história da arte primitiva assíria data do século XVIII ao XIV a.C., mas é pouco conhecida. A arte do período assírio médio ou mesoassírio (1350 a.C. a 1000 a.C.) mostra sua dependência das tradições estilísticas babilônicas.

Os temas religiosos são apresentados de uma forma solene e as cenas profanas, de maneira mais naturalista.

Arquitetura

O zigurate foi a principal forma de arquitetura religiosa assíria e o uso de tijolos vitrificados policromáticos, muito comum nessa fase.
A arte assíria genuína teve sua época fulgurante no período neoassírio ou período assírio tardio (1000-612 a.C.). Com Assurbanipal II, que converteu a cidade de Nimrud (antiga Calah da Bíblia) em capital militar.

Vista dos muros de Nínive - Assíria

Dentro de seus muros, encontravam-se a cidadela e as principais construções reais, como o palácio do noroeste, decorado com esculturas em relevo.

Sargon II, que reinou entre 722 e 705 a.C., criou uma cidade de planta nova, Dur Sharrukin (atual Jorsabad), que estava rodeada por uma muralha com sete portas, três delas decoradas com relevos e tijolos vitrificados.

No interior, erguia-se o palácio de Sargon, um grande templo, as residências e os templos menores. Seu filho e sucessor, Senaqueribe, que reinou entre os anos de 705 e 681 a.C., mudou a capital para Nínive, onde construiu seu próprio palácio, o qual denominou “palácio sem rival”.

palacio de Senaqueribe

Escultura

Os assírios adornaram seus palácios com magníficos relevos esculturais.
A arte dos entalhadores de selos do último período assírio é uma combinação de realismo e mitologia. Mesmo nas cenas naturalistas, aparecem símbolos dos deuses.

Datam desse período, em Nimrud e em Jorsabad, fabulosas esculturas de marfim. Na primeira, foram encontradas milhares de pequenas figuras de elefantes, que manifestam uma grande variedade de estilos.

Pazuzu, demônio assírio da febre, estatueta de bronze do século VII a.C. Dessas figuras assírio babilônicas provêm as representações judaico-cristãs do diabo.

Eles esculpiam nas paredes dos palácios reais a história da constituição do seu Império, construído através de inúmeras guerras. Os relevos mostram os saques realizados nas cidades dominadas, as filas de deportados e cenas de soldados inimigos decapitados.

Detalhe de relevo assírio que mostra prisioneiros de guerra sendo transportados como escravos.

Baixo-relevo originalmente colocado à entrada do palácio Dur Sharrukin.

Os escribas assírios acompanhavam os exércitos nas expedições e anotavam como a batalha se passava. No retorno, os artistas se baseavam nos escritos e produziam os relevos, que eram supervisionados e orientados pelo rei e seus secretários.

“As paredes internas dos palácios eram de alabrastro, uma pedra macia e clara, o que facilitava a confecção da iconografia. As cores utilizadas nas obras originavam-se de pigmentos naturais e de minerais da Mesopotâmia”, complementa a pesquisadora Kátia Pozzer.

Apenas fragmentos das pinturas foram preservados, mas uma considerável quantidade de esculturas sobrevive. Os assírios foram um povo guerreiro e na arte se dedicaram a glorificar seus reis e exércitos; o tipo de trabalho mais característico era uma seqüência de painéis de pedra esculpidos com baixos-relevosrepresentando cenas militares ou de caça. Este tipo de relevo narrativo, disposto em torno de salões governamentais ou pátios, é uma invenção assíria e constitui sua maior contribuição para o mundo da arte.

Os reis assírios inovaram na representação de suas imagens quando passaram a associar símbolos religiosos e devoção aos deuses nos relevos e na estatutária deste período.

Fica evidente a relação entre guerra e religião: “toda conquista tinha uma justificativa religiosa. Os assírios assimilavam a guerra a uma luta contra as forças do mal.

Para eles, o rei assírio era instrumento da justiça divina, sendo sempre bom e justo, enquanto o inimigo era mentiroso, mau e impuro”.

As esculturas de alívio descrevem as infinitas batalhas dos exércitos assírios; para o rei inevitavelmente, é mostrado triunfante em cima de todo o mundo que tinha ousado opor-se ao império poderoso.

Às vezes o rei é retratado num acentuando ritual de poderes religiosos dele, ou então ele aceita o tributo trazido pelas muitas pessoas do império.

O rei poderia ser mostrado também como um caçador hábil que poderia despachar animais selvagens perigosos como leões e touros tão facilmente quanto ele pudesse conquistar os inimigos dele.

Detalhe de relevo assírio que mostra uma caçada.

A outra forma específica de escultura assíria era o Lamassu, um colossal animal alado, com cabeça humana, utilizado aos pares para flanquear a entrada de palácios.

A civilização assíria sucumbiu quando sua capital, Nínive, foi capturada pelos babilônios e medas em 612 a.C.

Relevo do palácio de Assurbanipal mostrando uma leoa ferida.

Baixo-relevo assírio representa a caça ao leão.

Os reis assírios construíram inúmeros palácios de madeira e tijolos sobre alicerces de pedra, decorados com relevos, estátuas metálicas, pinturas e esmaltes coloridos na parede. Pátios, salas, escadarias, corredores e jardins grandiosos e cheios de entrançamentos. Nos prédios haviam abóbadas, cúpulas e portas arqueadas ladeadas por grandes colunas.

A arte em menor escala também foi grandiosa em sua qualidade, leões e touros alados nos portões dos palácios.

Porém as esculturas em relevo no interior das paredes são consideradas as melhores criações artísticas desse povo. A representação humana não era tão articulada quanto a da natureza e dos animais, entre eles gazelas, leões, asnos, cavalos, cães e aves são o que bastam para colocar os assírios entre os maiores artistas do mundo.

Prisioneiros Israelitas tocando lira seguidos por um soldado Assírio.

ARTE NA MESOPOTÂMIA BABILÔNIA

noreply@blogger.com (célia ferrer) — Wed, 09 Mar 2011 23:09:00 +0000

Para melhor compreender a arte babilônica é preciso remontar à origem dessa antiga civilização. Descobrir um povo como os sumérios, misterioso e ao mesmo tempo fascinante, através de vestígios deixados pelo tempo, propiciou aos historiadores da arte investigar os ancestrais da Babilônia, ou melhor, suas raízes. Esta culturadesenvolveu-se em um antigo reino, o do Oriente Próximo. Sua capital era justamente a Babilônia, localizada próxima à cidade de Al Hillah, no Iraque.

Não se sabe exatamente quando ela foi fundada, calcula-se que tenha sido por volta do quarto milênio a.C. No século XVIII a.C. ela já era o núcleo de um amplo império, durante o reinado de Hamurabi.

A arte suméria foi fonte de inspiração da sua produção artística pelo menos sob a primeira dinastia. Posteriormente a Babilônia foi dominada por outras culturas e no período de 722 a 626 a.C. permaneceu refém dos assírios. Após a derrota deste povo, a civilização babilônica atingiu seu apogeu, depois da reconstrução da cidade por Nabucodonosor II, que reinou de 605 a 562 a.C. e transformou a Babilônia em uma das maiores cidades da Antiguidade.

Possivelmente ele foi o responsável pela construção dos conhecidos Jardins Suspensos da Babilônia – terraços elevados, irrigados pelas águas do Rio Eufrates.

Outra preciosidade babilônica são os “animais-humanos”, principalmente leões com asas de águia. Este leão alado, muito encontrados nos objetos artísticos, é um verdadeiro símbolo deste povo.

Eles são vistos com frequência, nas pinturas, em combate com o deus protetor da cidade, Marduque. Alguns profetas associam o Rei Nabucodonosor com imagens semelhantes.

O leão, rei dos animais, e a águia, que governa os pássaros, simbolizam o apogeu do império babilônico, o poder e a glória. Os “animais-humanos” são assim chamados porque, no Antigo Testamento, no qual são muito mencionados, eles são descritos como entes fantásticos com expressões humanas e corpos de animais. Muitas passagens abordam estas figuras, também conhecidas como “quatro gênios”.

O aventureiro Henry Layard, ao analisar esta região, encontrou a primeira destas estátuas, construídas há milhares de anos. Foi necessário recorrer ao esforço de mais de trezentos homens para erguê-la do veículo no qual havia sido transportada, tamanha a sua grandiosidade.

A relação entre as citações da Bíblia e estas descobertas revelam que estas obras detinham um profundo significado para esses povos ancestrais, mas não há um consenso sobre ele. Alguns afirmam que estes seres eram deuses dos assírios, portanto protegiam os palácios reais. Outros pesquisadores asseveram que as estátuas são mais antigas e talvez remontem às construções dos sumerianos, assumindo assim um teor espiritual.

A arquitetura babilônica tem sua melhor definição na observação da Porta de Ishtar, edificada provavelmente em 575 a.C., uma imponente estrutura de tijolos recoberta de esmalte, a mais majestosa das oito portas que eram usadas como entrada para a Babilônia.

Ela hoje se encontra no Museu Staatliche, na ex-Berlim Oriental. Os Jardins Suspensos também são um exemplo da riqueza arquitetônica característica desta cultura.

Alguns dizem que foram construídos para consolar a esposa dileta de Nabucodonosor II, Amitis, saudosa de sua terra natal, a Média. Infelizmente, não resta nenhum sinal concreto dos jardins. Eles são conhecidos através das detalhadas descrições de historiadores gregos, como Berossus e Diodorus, embora também estes não os tenham visto pessoalmente. Arqueólogos trabalham incansavelmente para encontrar vestígios que indiquem efetivamente sua localização.

Ruinas de um zigurate

Outra construção característica deste povo são os zigurates, templos edificados no alto de uma torre de tijolos.

O acesso se dá por meio de uma rampa, que aparenta pisos cada vez menores. Eles são igualmente conhecidos como Torre de Babel, presente no Gênesis e nele utilizada como símbolo para explicar a origem das diversas línguas e raças existentes.

Na Bíblia, ela é definida como uma concepção humana urdida para se atingir o céu, ou seja, sua construção era uma forma de assumir poderes divinos. Assim, o Homem é punido por sua pretensão – Deus confunde as linguagens, para que cada um fale uma língua diferente, ninguém mais se entende a partir desse momento e seus construtores são disseminados pelo mundo.

Porta de ishtar

Jardins suspensos da Babilônia

TORRE DE BABEL

Segundo o Antigo Testamento a Torre de Babel foi construída na Babilônia pelos descendentes de Noé, com a intenção de eternizar os seus nomes. A decisão era fazê-la tão alta que alcançasse o céu. Isto provocou a ira de Deus que, para castigá-los, confundiu-lhes as línguas e espalhou - os por toda a Terra.

Há vários estudos que tentam provar de alguma forma a existência de tal torre. O mito provavelmente é inspirado na torre do templo de Marduk, que em hebraico é Babel e significa “porta de Deus”. No sul da Mesopotâmia há realmente restos de torres que fazem alusão à Torre de Babel da bíblia.

Babel era a capital do Império Babilônico, foi muito rica e poderosa, pois representava um centro político, militar, cultural e econômico do mundo antigo, recebendo imigrantes de todas as partes. Grande parte dos arqueólogosfaz a conexão da Torre de Babel com a queda do templo-torre de Etemananki, na Babilônia, que mais tarde seria reconstruído por Nabopolosar e Nabucodonosor II. Esta seria uma construção piramidal escalonada que integraria a construção de grandes torres-templo na Suméria, chamadas de zigurates.

Torre de Babel, por Pieter Brueghel

ARTE NA MESOPOTAMIA - SUMÉRIA

noreply@blogger.com (célia ferrer) — Tue, 08 Mar 2011 04:54:00 +0000

Arte Suméria

Introdução

A região da Mesopotâmia (correspondendo aproximadamente aos limites atuais do Iraque), onde o povo Sumério se estabeleceu aproximadamente em 4000 a. C., é um imenso vale, definido por dois importantes rios, o Tigre e o Eufrates, que desaguam no Golfo Pérsico.

Este fértil território foi palco, durante a antiguidade, de inúmeras ocupações, assistindo a uma contínua sucessão de povos (nómadas ou semi-nómadas), de cidades-estados e de impérios, de entre os quais se destacam os Sumérios, os Acádios, os Babilónicos, os Assírios, os Persas.
As primeiras povoações sumérias concentravam-se ao longo dos rios, dedicando-se à agricultura. Mais tarde as aldeias transformam-se em cidades amuralhadas que ganharam estatuto político relativamente autónomo.

De entre estas destacam-se as cidades de Ur, de Uruk, de Nippur e de Lagash.

A arte suméria alcança um primeiro período de maturidade aquando da ascensão da dinastia de Ur (sediada na cidade do mesmo nome).

Para além das famosas estruturas arquitetónicas, esta dinastia produziu algumas esculturas, de dimensão média ou pequena, baixos-relevos em estelas (placas de pedra) e objetos utilitários.

Ao primeiro período dinástico, interrompido aquando da invasão Acadiana, aproximadamente em 2300 a. C., sucedeu, dois séculos depois, a fase neo-suméria, durante a qual algumas das antigas cidades-estados conseguiram restabelecer-se, derrotando os invasores.

Arquitetura

A arquitetura suméria difere da arquitetura egípcia pelo exclusivo emprego de tijolo,
pois a região era muito pobre em pedra.

Das muitas estruturas arquitetónicas erguidas por esta civilização, sobreviveram alguns setores urbanos, um conjunto de necrópoles e de templos de grande dimensão, chamados Zigurates.
Na Suméria, cada cidade-estado tinha o seu Deus, constituindo uma obrigação do seu rei, enquanto representante terrestre desse deus protetor, a construção de um local de culto para sua veneração.

Estes templos, que primitivamente eram pequenas estruturas com forma oval, transformaram-se mais tarde em grandes edifícios, construídos em tijolos de argila secos ao sol.

Com plantas regulares, de base quadrada ou retangular, eram constituídos por plataformas elevadas, que formavam torres, sobre as quais se erguiam os santuários.

De entre estas construções destaca-se o Zigurate de Ur-Nammu, o rei fundador da III dinastia de Ur, cerca de 2100 a. C. Formado por uma série de terraços sobrepostos (que de certa forma recordam as pirâmides em degraus da arte egípcia), aos quais se acedia por rampas ou vastas escadarias, este templo apresenta paredes maciças que são ritmadas por saliências e reforçadas por torres.

Contrariamente aos templos que alcançaram um desenvolvimento tecno-construtivo e formal, os túmulos Sumérios, geralmente enterrados e abobadados no interior, são destituídos de importância em termos arquitetónicos.

ZIGURATE DE UR

Artes plásticas

A estatuária suméria realizada em pedra (geralmente em diorite, um material muito duro e escuro), encontra fortes limitações técnicas pela escassez da matéria-prima, razão pela qual a maior parte das esculturas são de pequena dimensão.

Bastante idealizadas e estilizadas, as estátuas adaptavam-se formalmente ao bloco de pedra que as originou, pela adoção de volumes geométricos simples que consagraram algumas regras canónicas, como a frontalidade, a simetria e a posição das figuras (de pé ou sentada num trono). Representavam quase invariavelmente figuras isoladas, deuses, altos funcionários (representantes do poder civil e religioso) ou personagens femininas.

GOVERNADOR GUDEA

Para os Sumérios, a estátua substituía o ser representado, servindo essencialmente para rituais de veneração.

A necessária identificação do personagem era concretizada não só através da inscrição do seu nome na própria escultura mas também pelo cuidado posto na representação do rosto, normalmente desproporcionado em relação ao corpo.
Entre os melhores exemplos de escultura suméria conta-se a série de estátuas em diorite, realizadas no século XXI a. C., representando o governador Gudea, da próspera cidade de Lagash, em várias posições (ora de pé, ora sentado num trono).

Estas peças apresentam grande homogeneidade de soluções ao nível do tratamento do rosto e dos braços.

GOVERNADOR GUDEA

O relevo sobre pedra (aplicado em rochedos, estelas ou placas), bastante difundido no mundo mesopotâmico, servia intenções essencialmente narrativas e comemorativas.

Contrariamente à escultura, que representava geralmente figuras isoladas, nos relevos surgiam cenas com várias figuras, evocando os acontecimentos históricos mais significativos de determinada cidade ou dinastia.

Na "Estela dos Abutres" de Lagash, datada da segunda metade do III milénio, as cenas foram dispostas em planos sobrepostos, formando uma sequência narrativa que articulava texto e imagens.

Estela dos Abutres - comemora a vitória militar da cidade

de Lagash sobre a cidade de Umma, Museu do Louvre.

Tendo sido um dos povos pioneiros no trabalho de metal, os Sumérios levaram esta forma artística a um notável nível de desenvolvimento técnico e estético.

Muitos exemplares de objetos em ouro, prata, madeira e marfim, geralmente associando ouro e prata foram descobertos em recentes escavações nas principais necrópoles sumérias.

Pintura

Na pintura os artistas se utilizavam de cores claras e reproduziam caçadas
, batalhas e cenas da vida dos reis e dos deuses.
Os sumérios empregaram a arte musiva(Mosaico) para decorar colunas e paredes.
Eles usavam pequenos fragmentos esmaltados de cerâmica.
O "Estandarte de Ur"(3500 A.C),
é considerado pela maioria dos historiadores como o mosaico mais antigo que se tem conhecimento.

ESTANDARTE DE UR

A GUERRA

A PAZ

OS SUMÉRIOS NA PRODUÇÃO DE CEVADA

ARTE NA MESOPOTÂMIA - VISÃO GERAL

noreply@blogger.com (célia ferrer) — Tue, 08 Mar 2011 02:13:00 +0000

A Mesopotâmia é uma região histórica do Oriente Médio (Ásia), incluída no Iraque e banhada pelos rios: Tigre e Eufrates. A palavra mesopotâmia, em grego, significa região entre rios. Estendendo-se desde o Deserto da Síria, até as margens do Golfo Pérsico.

Essa rica planície atraiu uma série de povos, que se encontraram e se misturaram, empreenderam guerra e dominaram uns aos outros, formando o que denominamos "civilização mesopotâmica". Entre esses povos temos:

Os Sumérios

Os Babilônicos

Os Assírios

Os Caldeus

A escrita

A invenção da escrita é atribuída aos Sumérios.

Eles escreviam na argila mole com o auxílio de pontas de vime. O traço deixado por essas pontas tem a forma de cunha (V), daí o nome de " escrita cuneiforme" .

Com cilindros de barro, os mesopotâmicos faziam seus contratos , enquanto no Egito se usava o papiro.

Em 1986, foi descoberta por arqueólogos, perto de Bagdá, Capital do Iraque, uma das mais antigas bibliotecas do mundo, datada do século X - A.C..

A biblioteca continha cerca de 150.000 tijolos de argila com inscrições sumerianas. A literatura caracterizava-se pelos poemas religiosos e de aventura.

A arquitetura

O edifício característico da arquitetura mesopotâmica é o zigurate.

Era uma construção em forma de torre, composta de sucessivos terraços (sete ) e encimada por um pequeno templo, que era usado para observar o céu.

Nas obras arquitetônicas os mesopotâmicos usavam tijolos cozidos (pois a pedra era muito cara) e ladrilhos esmaltados. Preferiam construir palácios. As habitações de escravos e homens de condições mais humildes eram às vezes, simples cubos de tijolos crus, revestidos de barro. O telhado era plano e feito com troncos de palmeira e argila comprimida. As casas simples não tinham janelas e à noite eram iluminadas por lampiões de óleo de gergelim.

Esquema de uma cidade na Mesopotâmia

A pintura

Na pintura os artistas se utilizavam de cores claras e reproduziam caçadas, batalhas e cenas da vida dos reis e dos deuses.

tinha ausência das três dimensões, onde ignoravam a profundidade.

Nos baixos relevos, o uso de conchas, mosaicos vitrificados e madrepérolas se sobressaiam nas colunas e muros.

Na música encontram-se instrumentos gravados em pedras e do seu sistema musical nada chegou até nós.

Na decoração a pedra era esculpida em frisos com motivos circulares e as combinações decorativas obtidas com suas disposições variadas, descendem dos motivos antigos e bizantinos. O gesso entalhado e o estuque, cujo emprego foi amplamente utilizado na Pérsia para revestir as paredes.

A madeira era esculpida e com um sistema de marchetaria encontravam-se nsa portas e sarcófagos.

Na cerâmica os jarros de bronze eram criados com relevos ora lavrados, ora rendilhados com frisos e medalhões em azuis-lazurita, verdes-turquesa, ouro, cinábrios, granadas e rubis.

O vidro era esmaltado, moldado e entalhado na cor vermelha e dourado sobre fundo claro.

O bronze e o cobre e às vezes o ouro eram muito usados nos utensílios ou para simples enfeite para portas.

Na religião os deuses deram destaques:

Anou - deus do Céu

Enki – deus da Terra

Nin-ur-sag – deus da Montanha

Assur – deus Supremo

A relação com os deuses era marcada pela total submissão às suas vontades.

A escultura

As primeiras esculturas encontradas na Mesopotâmia datam de 5000 aC e são em sua maioria figuras que lembram muito as vênus pré-históricas.

No milênio seguinte reflete-se uma estilização das formas tendentes ao naturalismo e são encontradas peças de mármore, tais como bustos, estelas comemorativas e relevos.

As principais estátuas da região da mesopotâmia representam homens em pé, e são chamadas de "oradores", onde destacam-se a face e principalmente os olhos. No entanto, os relevos foram a principal expressão artística da região, não só pelas características artísticas, mas para a compreensão da história e da religiosidade dos povos.

Os escultores representavam o corpo humano de forma rígida, sem expressão de movimento e sem detalhes anatômicos.

Pés, mãos e braços ficavam colados ao corpo, coberto com longos mantos; os olhos eram completados com esmalte brilhante.

As estátuas conservavam sempre uma postura estática ante a grandiosidade dos deuses.

As figuras esculpidas em baixo-relevo se caracterizavam por um grande realismo.

Guennol Lioness(Leoa de Guennol), uma figura de calcário de 8,3

centímetros de altura esculpida há 5 mil anos na Mesopotâmia.

Ourivesaria

Na Mesopotâmia a ourivesaria era uma das atividades artísticas mais importantes.

Estatuetas de cobre, colares e braceletes,

assim como utensílios trabalhados em ouro e prata com incrustações de pedras eram muito comuns, e com estilos variados dada a diversidade de povos que ocupou a região.

as jóias era usadas livremente por homens e mulheres,

o uso do ouro era comum e também as pedras como a cornalina e o lápis lazuli.

Usavam muito a fitas para o cabelo feito de folhas de ouro fino,

tornozeleiras, anéis de cabelo de prata, pingentes,

medalha de ouro com a elaboração de filigrana, anéis, selos cilíndricos e amuletos.

brincos (600 aC)

brincos

Colar de ouro mesopotâmico produzido entre os séculos 17 e 16 a.C.

Divindade mesopotâmica.
I milênio a.C.

Capacete de guerreiro em forma de peruca.
As fechaduras e cachos são martelados em relevo.
Cerca de 2450 a.C.; Museu do Iraque, Bagdá.

Música e Dança

A música na Mesopotâmia, principalmente entre os babilônicos, estava ligada à religião.

Recriação eletrônica da música na Babilônia

Quando os fiéis estavam reunidos, cantavam hinos em louvor dos deuses, com acompanhamento de música. Esses hinos começavam muitas vezes, pelas expressões:
" Glória, louvor tal deus; quero cantar os louvores de tal deus",
seguindo a enumeração de suas qualidades, de socorro que dele pode esperar o fiel.

Nas cerimônias de penitência, os hinos eram de lamentação:
"aí de nós", exclamavam eles, relembrando os sofrimentos de tal ou qual deus ou apiedando-se das desditas que desabam sobre a cidade.
Instrumentos sem dúvida de sons surdos, acompanhavam essa recitação e no corpo desses salmos, vê-se o texto interromper-se e as onomatopéias "ua", "ui", "ua", sucederem-se em toda uma linha.
A massa dos fiéis devia interromper a recitação e não retomá-la senão quando todos, em coro tivessem gemido bastante.

A procissão, finalmente, muitas vezes acompanhava as cerimônias religiosas e mesmo as cerimônias civis.

Sobre um baixo-relevo assírio do British Museum que representa a tomada da cidade de Madaktu em Elam, a população sai da cidade e se apresenta diante do vencedor, precedida de música, enquanto as mulheres do cortejo batem palmas à oriental para compassar a marcha.

O canto também tinha ligações com a magia.

Há cantos a favor ou contra um nascimento feliz, cantos de amor, de ódio, de guerra, cantos de caça, de evocação dos mortos, cantos para favorecer, entre os viajantes, o estado de transe.

A dança, que é o gesto, o ato reforçado, se apóia em magia sobre leis da semelhança.
Ela é mímica, aplica-se a todas as coisas:
há danças para fazer chover, para guerra, de caça, de amor etc

Danças rituais têm sido representadas em monumentos da Ásia Ocidental, Suméria.
Em Thecheme-Ali, perto de Teerã; em Tepe-Sialk, perto de Kashan; em Tepe-Mussian, região de Susa, cacos arcaicos reproduzem filas de mulheres nuas, dando-se as mãos, cabelos ao vento, executando uma dança.
Em cilindros-sinetes vêem-se danças no curso dos festins sagrados (tumbas reais de Ur).

Em casos de possessão os serviços religiosos contavam com dançarinos, atores e músicos.

Dicionário de Português | Michaelis - UOL

noreply@blogger.com (célia ferrer) — Tue, 25 Jan 2011 17:10:00 +0000

Dicionário de Português | Michaelis - UOL

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ARTE NA IDADE MÉDIA

noreply@blogger.com (célia ferrer) — Mon, 22 Nov 2010 01:46:00 +0000

Pois é galera, agora vamos falar de um assunto um pouco longo, mas que não deixa de ser fascinante, pois ao contrário do que muitos pensam, a arte nesse período não ficou parada, muito pelo contrário, andou… e muiiiito!!!

Em 476, com a tomada de Roma pelos povos bárbaros, tem início a Idade Média. A partir de então, até mais ou menos o séc. IX, quando Carlos Magno é coroado imperador do ocidente, a cultura greco-romana (também denominada de Clássica), praticamente desapareceu na Europa ocidental. Os valores culturais dos povos invasores, e consequentemente suas expressões artísticas, são radicalmente diferentes dos gregos e romanos.

A Idade Média durou dez séculos (do séc. V ao XV).

Erroneamente chamada de Idade das trevas pelos estudiosos do séc. XVI, por não ter a grandiosidade cultural da Antiguidade Clássica, a Idade Média passou a ser entendida como etapa necessária da história da civilização ocidental somente no séc. XIX. Foi necessário cerca de um milênio de lentas mudanças econômicas e políticas para que o caminho rumo à modernidade fosse preparado.

A Idade Média é marcada pela descentralização do poder e pelo declínio das grandes cidades. Devido a constantes invasões bárbaras, as populações migraram para o campo e a agricultura tornou-se a base política, social e econômica. A unidade do império romano desapareceu e seu território foi retalhadoem feudos que se estenderam por todo o continente europeu. Todos esses fatores deram início ao Feudalismo, sistema político, social e econômico que se instalou na Europa medieval.

Nesse período a evolução das artes e da cultura foi praticamente nula, pois no campo não havia condições nem público para um desenvolvimento artístico-cultural.

A Igreja católica, já organizada nas últimas décadas do Império Romano, tornou-se a instituição mais importante da Idade Média, devido à progressiva conversão dos bárbaros ao cristianismo e à grandes quantidades agrícolas que else possuíam. O papa era reconhecido como a autoridade máxima e a arte e a cultura eram dominadas pela Igreja.

No ano de 774, a pedido do papa Adriano I, Carlos Magno (rei dos francos e defensor da Igreja) os lombardos, povo de origem escandinava, que aliados a outros povos, atacavam a Itália sucessivamente. Com sua vitória, Carlos Magno conquistou o título de rei e foi proclamado defensor da Igreja. No natal do ano 800, o papa Leão III coroou-o imperador do ocidente.

O ROMÂNICO

Durante o reinado de Carlos Magno a Europa teve um notável desenvolvimento cultural conhecido como “renascimento carolíngio”. Nas oficinas de arte de sua corte os artistas redescobriram a cultura e a arte greco-romana, fator decisivo para haver posteriormente a criação de um novo estilo, O ROMÂNICO , usado principalmente nas construções de igrejas e mosteiros. Com a morte de Carlos Magno as oficinas de arte centralizaram-se nos mosteiros.

Características do Românico

Na arquitetura

1) Utilização de arco pleno,

2) Abóbadas de aresta e de berço,

De berço De arestas

3) Paredes grossas,

4) Janelas pequenas ou compridas, criando ambientes escuros e sombrios,

5) Torres baixas e largas,

6) Rosáceas

Castelos Românicos

Na escultura

1) Está inteiramente subordinada à arquitetura e à religião.

2) São esculpidos relevos e estátuas-colunas que ornamentam as paredes externas das construções românicas.

3) Mostram cenas do Antigo e Novo Testamento, o juízo final, figuras de animais fantasiosos e demônios.

Tanto a escultura como a pintura românica retratavam temas religiosos, pois numa época em que havia pouquíssimos letrados, a Igreja recorria à arte para transmitir os ensinamentos religiosos.

Na pintura

1) A deformação: o artista interpretava de modo místico a realidade e retratava seus sentimentos religiosos nas figuras de forma desproporcional. Por ex: Cristo sempre era pintado em tamanho maior do que as outras figuras próximas a ele. Seus braços e mãos tinham proporção exageradas para acentuar o gesto de abençoar, seus olhos eram arregalados, simbolizando, assim, uma intensa espiritualidade.

2) Cores vivas e planas,

3) Perfis bem marcados.

Parte da pintura românica é desenvolvida sob a forma de murais, pois as construções apresentavam paredes com poucas e pequenas janelas que possibilitavam grandes superfícies para serem trabalhadas.

Geralmente utilizava-se a técnica do afresco, ou seja, pintura feita no reboco ainda fresco. Daí o nome afresco.

A pintura também aparece nos manuscritos sob a forma de iluminuras, ou seja, ilustrações de textos com cores vivas, ornamentadas com ouro e prata.

As iluminuras podem ser letras iniciais de texto, folhagens e folhas colocadas nas margens de textos, figuras ou cenas.

A arte românica predominou até o início do séc. XVII, quando surgiram as primeiras mudanças que mais tarde resultariam numa revolução na arquitetura.

O GÓTICO

De modo depreciativo, essa nova arquitetura foi chamada de gótica pelos estudiosos do renascimento. eles relacionaram esse novo estilo aos “godos” (povo bárbaro de origem germânica que invadiu o império Romano e causou grandes destruições). Com o passar do tempo, o nome gótico ficou definitivamente relacionado à arquitetura de arcos ogivais.

O estilo gótico foi na verdade um aprofundamento dos elementos básicos do românico, principalmente no que diz respeito à verticalidade. O clima religioso daquela época favoreceu a construção de edifícios bem mais altos, que refletiam o deseja de uma ascenção espiritual.

O gótico se originou na França e se espalhou por várias regiões. A primeira manifestação gótica ocorreu ao norte de Paris com a reconstrução da abadia de Saint Denis (1140-1144).

CARACTERÍSTICAS DO GÓTICO

NA ARQUITETURA

1) Fachada com 3 portais

2) Arcos ogivais, que apresentam uma quebra em sua parte superior, possibilitou a construção de igrejas mais altas, acentuando a impressão de verticalidade.

3) Abóbadas de nervuras, substituindo as de berço e de arestas usadas na arquitetura românica.

4) Torres altas e finas.

5) Vitrais, cuja função era melhorar a iluminação e contar a história e os ensinamentos do cristianismo.

NA ESCULTURA

1) Ligada à arquitetura, como no românico.

2) Figuras esculpidas de forma isoladas, ao contrário do românico, que eram aglomeradas e entrelaçadas.

3) Figuras mais realistas que retratavam os valores mais importantes daquela época. Elas eram mais eretas e acompanhavam a verticalidade da arquitetura gótica. Contudo o tema principal continuou sendo o religioso.

NA PINTURA

1) Profundidade: Diferentemente da pintura românica, onde as cenas aconteciam num único plano, a pintura gótica procura dar alguns movimentos às figuras através da postura dos corpos e das paisagens de fundo. Porém, a ilusão de profundidade só se realizou plenamente no Renascimento.

2) Realismo: As figuras são representads de forma mais detalhada e realista. O artista tenta reproduzir os seres exatamente como eles são. Contudo , isso só foi posssível no Renascimento através dos estudos de anatomia, quando a dissecação de cadávers foi permitida, antes proibida pela Igreja.

principais pintores do gótico

giotto

Giotto di Bondone mais conhecido simplesmente por Giotto, (Colle Vespignano, 1266 — Florença, 1337) foi um pintor e arquitetoitaliano.

Nasceu perto de Florença, foi discípulo de Cinni di Pepo, mais conhecido na história da arte por seu apelido, Cimabue.

Devido ao alto grau de inovação de seu trabalho (ele é considerado o introdutor da perspectiva na pintura da época), Giotto é considerado por Bocaccio o precursor da pintura renascentista. Ele é considerado o elo entre o renascimento e a pintura medieval e a bizantina.

A característica principal do seu trabalho é a identificação da figura dos santos como seres humanos de aparência comum. Esses santos com ar humanizado eram os mais importantes das cenas que pintava, ocupando sempre posição de destaque na pintura. Assim, a pintura de Giotto vem ao encontro de uma visão humanista do mundo, que vai cada vez mais se firmando até aoRenascimento.

Estátua de Giotto.

VAN EYCK

Jan van Eyck nasceu em Maaseik, perto de Liège, Flandres, antes de 1395. Durante muito tempo foi tido como o autor do chamado Livro de horas Milão-Turim, mas pesquisas posteriores demonstraram a incerteza de tal suposição.

Foi um pintor igualmente caracterizado pelo naturalismo, imperando na sua obra meticulosos pormenores e vivas cores, além de uma extrema precisão nas texturas e na busca por novos sistemas de representação da tridimensionalidade, ou seja, a perspectiva.

É concedida, muitas vezes, a van Eyck a criação da pintura a óleo. Todavia, esta já era relativamente conhecida e utilizada na Flandres do século XIV. Realmente, o que o artista criou foi a tinta a óleo com secagem rápida (hoje em dia esta é, obviamente, mais rápida).

É de relevo, na obra de van Eyck, a influência da pintura helenística. O artista costumava conceder profundidade e diversas sombras, mesmo nas zonas onde mais incidia a luz. Tal facto, pode ser considerado como uma iniciação ao realismo.

Por outro lado, é interessante uma constante elementar, mas de profundo vigor, em quase toda a obra do artista flamengo: as figuras humanas aparecem representadas como se um monumento fossem. Note-se o quadro O Casal Arnolfini, em que, tanto Giovanna Arnolfini como o esposo, Giovanni Nicolao, são representados com recorrência a uma certa "monumentalidade".

Casal Arnolfini

Detalhe do espelho do quadro acima

Avirgem e o chanceler Rolin

A virgem e a criança na igreja

CASTELOS GÓTICOS

MÚSICA MEDIEVAL

Música medieval é o termo dado à música típica do período da Idade Média durante a História da Música ocidental europeia.

Determinar o fim da Era medieval e o início da Renascença pode ser arbitrário; aqui, para fins do estudo de Música, vamos considerar o ano de 1401, o início do Século XV.

Melodia gregoriana - A rápida expansão do cristianismo exige um maior rigor do Vaticano, que unifica a prática litúrgica romana no século VI. O papa Gregório I (São Gregório, o Magno) institucionalizou o canto gregoriano, através de uma reforma litúrgica, que se tornou modelo para a Europa católica. A notação musical sofre transformações, e os neumas são substituídos pelo sistema de notação com linhas a partir do trabalho de vários sacerdotes cristãos, sobretudo, Guido D'Arezzo (992-1050); que foi o responsável pelo estabelecimento desse sistema de notação musical de onde se originou a atual pauta musical. Foi ele, que no século XI designou as notas musicais como são conhecidas atualmente, usando o texto de um hino a São João Batista (originalmente em latim), onde cada estrofe inicia com uma nota musical: anteriormente, as notas eram designadas pelas sete primeiras letras do alfabeto latino. Desse modo, as notas musicais passaram a ser chamadas UT, RE, MI, FA, SOL, LA e SI. Posteriormente o nome DO substituiu o UT. O nome da nota SI formou-se das letras iniciais do último verso do hino como pode ser visto a seguir:

Ut queant laxis Resonare fibris Mira gestorum Famuli tuorum Solve polluti Labii reatum Sancte Ioannes

Que significa:

"Para que teus servos, possam ressoar claramente a maravilha dos teus feitos, limpe nossos lábios impuros, ó São João."

Música Profana - A atividade de compositores profanos, como os minnesangers e os meistersangers germânicos e os trovadores e troveiros franceses, é intensa entre os séculos XII e XIII. Os trovadores da Provença, ao sul da França, e os troveiros, ao norte, exercem forte influência na música e poesia medievais da Europa. Suas músicas de cunho popular, em dialetos franceses, enfatizavam aforismos políticos (como no compositor-poeta Marcabru), canções de amor (Arnaud Daniel, Jofre Rudel e Bernard de Ventadour), albas, canções de cruzadas, lamentações, duelos poético-musicais e baladas. As bases para suas melodias são os modos gregorianos, porém de ritmo marcado e dançante, com traços da música de origem moçárabe do mediterrâneo.

A música profana fazia parte da corte medieval. Servia para dançar, para animar o jantar, para se ouvir. Era indispensável em cerimónias, civis e militares, e também para animar os Cruzados quando partiam para a Terra Santa ou de júbilo, quando regressavam das suas campanhas. Os jograis pertenciam a outra classe de músicos. Eles recitavam, cantavam, tocavam, dançavam, faziam acrobacias e exibiam as habilidades de animais domesticados. Iam de terra em terra e, com as suas diversões, entretinham a nobreza e os ajuntamentos de pessoas nas praças públicas. Eram vistos como vagabundos e viviam à margem da sociedade, mas eram muito populares por trazerem as novidades e as notícias de outras terras.

Canto gregoriano “antigo”

Canto gregoriano “moderno”

Música profana

DANÇA MEDIEVAL

Dança de Roda
A dança de roda é seguramente o tipo coreográfico mais difundido na Europa e em todo o mundo. A sua simplicidade contribuiu decerto para isso: os dançadores formam uma roda, intercalando os do sexo masculino com os do feminino. Na fórmula mais difundida, dão as mãos uns aos outros, virados para o centro do círculo, evoluindo a roda no sentido contrário ao dos ponteiros do relógio. De vez em quando, nas ocasiões em que a música o sugere, param e batem palmas, para de seguida retomarem o movimento circular.
Além da simplicidade, autores há que atribuem a sua divulgação ao valor mágico do círculo e da evolução em círculo, que representaria quiçá o movimento aparente do sol, ou que favoreceria a fertilidade. Seja como for, a roda é a mais primitiva forma de dança colectiva, garantindo Maurice Louis a sua existência desde os tempos paleolíticos. O seu tipo medieval mais conhecido é a carole, que era seguramente cantada pelos dançadores, primeiro por um solista, a que respondiam depois todos os outros.
Grande parte das danças dos peregrinos ao santuário de Nossa Senhora de Montserrat transcritas no Llibre Vermell (séculos XIV e XV) são circulares, com os dançadores dando-se as mãos. Note-se que tanto eram interpretadas à entrada do santuário como no interior do templo.

Dança de roda, França, século XV.

A dança de roda parece ter sido a matriz de muitas outras danças, já que foi a partir da sua coreografia, das suas variações, dos passos laterais, das mãos dadas aos pares, da elevação das mãos, que foram sendo gerados os outros géneros coreográficos, desde a Idade Média, atravessando a Renascença, até chegar às valsas, polcas e mazurcas do Oitocentos.

Durante a Idade Média, aproximadamente do século V até o século XIV, o cristianismo tornou-se a força mais influente na Europa. Foram proibidas as danças teatrais, por representantes da Igreja, pois algumas delas apresentavam movimentos muito sensuais.

Mas os dançarinos ambulantes continuaram a se apresentar nas feiras e aldeias mantendo a dança teatral viva. Em torno do século XIV, as associações de artesãos promoviam a representação de elaboradas peças religiosas, nas quais a dança era uma das partes mais populares.

Quando ocorreu a peste negra, uma epidemia que causou a morte de um quarto da população, o povo cantava e dançava freneticamente nos cemitérios; eles acreditavam que essas encenações afastavam os demônios e impediam que os mortos saíssem dos túmulos e espalhassem a doença. Isto ocorreu no século XIV. Durante toda a Idade Média, os europeus continuaram a festejar casamentos, feriados e outras ocasiões festivas com danças folclóricas, como a dança da corrente, que começou com os camponeses e foi adotada pela nobreza, numa forma mais requintada, sendo chamada de carola. No final da Idade Média a dança tornou-se parte de todos os acontecimentos festivos.

Dança de camponeses no século XV.

Dança de camponeses

Dança da nobreza

Para saber mais sobre arte na Idade Média visite o site:http://artetropia.blogspot.com/search/label/arte%20rom%C3%A2nica

ARTE NO CORPO

noreply@blogger.com (célia ferrer) — Wed, 20 Oct 2010 19:09:00 +0000

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Body Art

Outros Nomes
Arte do Corpo

Definição
A body art, ou arte do corpo, designa uma vertente da arte contemporânea que toma o corpo como meio de expressão e/ou matéria para a realização dos trabalhos, associando-se freqüentemente a happening e performance. Não se trata de produzir novas representações sobre o corpo - encontráveis no decorrer de toda a história da arte -, mas de tomar o corpo do artista como suporte para realizar intervenções, de modo geral, associadas à violência, à dor e ao esforço físico.

Pode ser citado, por exemplo, entre muitos outros, o Rubbing Piece, 1970, encenado em Nova York, por Vito Acconci (1940), em que o artista esfrega o próprio braço até produzir uma ferida. O sangue, o suor, o esperma, a saliva e outros fluidos corpóreos mobilizados nos trabalhos interpelam a materialidade do corpo, que se apresenta como suporte para cenas e gestos que tomam por vezes a forma de rituais e sacrifícios.

Tatuagens, ferimentos, atos repetidos, deformações, escarificações, travestimentos são feitos ora em local privado (e divulgados por meio de filmes ou fotografias), ora em público, o que indica o caráter freqüentemente teatral da arte do corpo. Bruce Nauman (1941) exprime o espírito motivador dos trabalhos, quando afirma, em 1970:

"Quero usar o meu corpo como material e manipulá-lo".

As experiências realizadas pela body art devem ser compreendidas como uma vertente da arte contemporânea em oposição a um mercado internacionalizado e técnico e relacionado a novos atores sociais (negros, mulheres, homossexuais e outros). A partir da década de 1960, sobretudo com o advento da arte pop e do minimalismo, são questionados os enquadramentos sociais e artísticos da arte moderna, tornando-se impossível, desde então, pensar a arte apenas com categorias como pintura ou escultura. As novas orientações artísticas, apesar de distintas, partilham um espírito comum - são, cada qual a seu modo, tentativas de dirigir a arte às coisas do mundo, à natureza, à realidade urbana e ao mundo da tecnologia.

As obras articulam diferentes linguagens - dança, música, pintura, teatro, escultura, literatura, desafiando as classificações habituais, e colocam em questão o caráter das representações artísticas e a própria definição de arte. As relações entre arte e vida cotidiana, o rompimento das barreiras entre arte e não arte e a importância decisiva do espectador como parte integrante do trabalho constituem pontos centrais para parte considerável das vertentes contemporâneas: ambiente, arte pública, arte processual,arte conceitual, earthwork.

Como surgiu a tatuagem?

Tudo indica que a prática de marcar o corpo é tão antiga quanto a própria humanidade. Mas, como é impossível encontrar corpos de eras tão remotas com a pele preservada, temos de nos basear em amostras mais recentes. É o caso de múmias egípcias do sexo feminino, como a de Amunet, que teria vivido entre 2160 e 1994 a.C. e apresenta traços e pontos inscritos na região abdominal - indício de que a tatuagem, no Egito Antigo, poderia ter relação com cultos à fertilidade. Um registro bem mais antigo foi detectado no famoso Homem do Gelo, múmia com cerca de 5 300 anos descoberta em 1991, nos Alpes. As linhas azuis em seu corpo podem ser o mais antigo vestígio de tatuagem já encontrado - ou, então, cicatrizes de algum tratamento medicinal adotado pelos povos da Idade da Pedra. Mesmo com tantas incertezas, os estudiosos concordam que, já nos primórdios da humanidade, a tatuagem deve ter surgido na busca de tentar preservar a pintura do corpo.

"Um dos objetivos seria permitir ao indivíduo registrar sua própria história, carregando-a na pele em seus constantes deslocamentos", afirma a artista plástica Célia Maria Antonacci Ramos, da Universidade do Estado de Santa Catarina (Udesc), autora do livro Teorias da Tatuagem. A prática se difundiu por todos os continentes, com diferentes finalidades: rituais religiosos, identificação de grupos sociais, marcação de prisioneiros e escravos (como a tatuagem era usada pelo Império Romano), ornamentação e até mesmo camuflagem. No Ocidente, a técnica caiu em desuso com o cristianismo, que a proibiu - afinal, está escrito no Levítico, livro do Antigo Testamento: "Não façais incisões no corpo por causa de um defunto e não façais tatuagem". A tradição só foi redescoberta em 1769, quando o navegador inglês James Cook realizou sua expedição à Polinésia e registrou o costume em seu diário de bordo: "Homens e mulheres pintam seus corpos. Na língua deles, chamam isso de tatau.

Injetam pigmento preto sob a pele de tal modo que o traço se torna indelével". Cem anos depois, Charles Darwin afirmaria que nenhuma nação desconhecia a arte da tatuagem. De fato, dos índios americanos aos esquimós, da Malásia à Tunísia, a maioria dos povos dos planeta praticava ou havia praticado algum tipo de tatuagem. Com a invenção da máquina elétrica de tatuar, em 1891, o hábito se espalhou ainda mais pela Europa e pelos Estados Unidos. No final do século XX, a pele desenhada, até então uma característica quase exclusiva de marinheiros e presidiários, tornou-se uma das mais duradouras modas jovens.

Sempre existiu gente tatuada em diferentes pontos do planeta

TAITI

De acordo com a mitologia da região, foram os deuses que ensinaram aos homens a arte de tatuar - que, por isso, deve ser executada seguindo à risca uma liturgia especial. Aos homens, por exemplo, é permitido tatuar o corpo todo, enquanto as mulheres só podem marcar o rosto, os braços e as pernas. Na Polinésia em geral, a tatuagem costuma ser usada como símbolo de classe social.

JAPÃO

A gravura à direita, do século XIX, mostra japoneses tatuados no braço. O país foi um dos que mais desenvolveram a técnica: as sessões podem durar anos até os desenhos cobrirem o corpo todo, com exceção das mãos e dos pés. A prática, porém, ficou associada à organização mafiosa Yakuza. Outra curiosidade local é a kakoushibori, espécie de tatuagem oculta, com produtos químicos como o óxido de zinco que fazem o desenho aparecer apenas em certas situações: quando a pessoa está alcoolizada, após o ato sexual ou um banho quente.

ÍNDIA

Outro país em que a tatuagem é uma tradição milenar, a Índia desenvolveu também a chamada mehndi, pintura corporal com o pigmento natural de henna. Mas, nesse caso, os desenhos duram no máximo uma semana - por isso a técnica costuma ser usada quase que exclusivamente com fins decorativos, para ocasiões especiais como casamentos

NOVA ZELÂNDIA

Os desenhos espiralados típicos da tatuagem maori, como são chamados os nativos da Nova Zelândia, tinham o objetivo de distinguir os integrantes de diferentes classes sociais. Cada espiral simbolizava um nível hierárquico. A prática só era permitida aos homens livres: escravos não podiam se tatuar. Depois que os líderes maoris morriam, seus familiares conservavam a cabeça tatuada em casa, como relíquia. A imagem à esquerda mostra um desses chefes, retratado aos 98 anos de idade, em 1923

ÁFRICA

As tatuagens com cores e traços elaborados são menos comuns em

povos de pele escura. Nas tribos africanas, uma prática comum é a escarificação, que consiste na produção de cicatrizes a partir de incisões na pele. Alguns povos a utilizam com fins terapêuticos, para introduzir medicamentos diretamente no corpo. A prática também é verificada em ritos de passagem. Em algumas tribos do Sudão, por exemplo, as mulheres são submetidas a três processos de escarificação: aos 10 anos elas marcam o peito, na primeira menstruação é a vez dos seios e, após a gestação, são marcados os braços, as pernas e as costas

Texto: http://mundoestranho.abril.com.br

noreply@blogger.com (célia ferrer) — Sat, 02 Oct 2010 04:05:00 +0000

ÊBAAA, UM SELINHOOOO!!!!!

Obrigada Ximênia ( http://momentosdeuncao.blogspot.com ) por este selinho, viu?

Bem, não sei se estou fazendo certo, mas vamos lá!

Quem receber o selo deverá cumprir também as mesmas tarefas, ok?

1. Indicar 9 blogs para recebê-lo

2. Avisar os blogs indicados

3. A pessoa que recebe o selo deve falar 9 coisas sobre si.

EU INDICO:

http://jmpesquisa.blogspot.com/

http://flaviagarciafernandes.blogspot.com/

http://bagagensdajuli.blogspot.com/

http://joaopedro20.blogspot.com/

http://professorahelo.blogspot.com/

http://taislc.blogspot.com/
http://julirossi.blogspot.com/

http://caminhandoentrepanos.blogspot.com/

http://franciscojosecorrea.blogspot.com/

FALANDO DE MIM:

1. Cansada de lidar com a hipocrisia

2. Amando as pessoas como se não houvesse amanhã

3. Passando à limpo o passado para fazer um futuro melhor

4. Vivendo intensamente o presente

5. Tentando manter o equilíbrio, apesar das escorregadelas

6. Com o coração limpo de mágoas, mazelas e outros sentimentos negativos

7. Com a sensação do dever cumprido

8. Em paz com Deus

9. Feliz, muito feliz com quem amo!!

O BARROCO NA EUROPA

noreply@blogger.com (célia ferrer) — Sat, 11 Sep 2010 02:14:00 +0000

O LUXO DAS IGREJAS

E aí galera, vamos conhecer um pouquinho desse intrigante e deslumbrante movimento chamado BARROCO?
Álias, vocês sabem o que significa a palavra "barroco"?
Não? Então vamos lá!!

O séc. XVII, foi marcado por uma série de mudanças econômicas, religiosas e sociais ocorridas na Europa. Essas mudanças somadas ao humanismo, o Renascimento e, principalmente, a reforma protestante, fez com que a Igreja tivesse seu poder enfraquecido. O grande império cristão começou a se dividir em muitas e diferentes religiões.

Foi então que a Igreja católica, no intuito de reconquistar o seu poder e seu prestígio, organizou a Contra-Reforma, isto é, tomou iniciativas importantes que visavam reafirmar e difundir sua doutrina.

Nesse momento ela estabelece a Companhia de Jesus, ordem religiosa, que via nos trabalhos dos padres jesuítas difundir a fé católica entre os povos não-cristãos e edificar grandes igrejas.

Arquitetos, escultores e pintores foram contratados para dar luxo, riqueza e exuberância às igrejas com o objetivo de converter ao catolicismo todas as pessoas.

Foi assim que nasceu o BARROCO e isso aconteceu na Itália. De lá, a arte Barroca se propaga para outros países da Europa e para o continente americano.

O nome barroco somente foi definido para esse tipo de manifestação artística no fim do século XVIII – após o renascimento do clássico -, e definia um tipo de abuso!

A origem do nome pode ser associada do espanhol Barrueco, ou até mesmo do português Barroco, designativo de pérolas de forma irregular, nome esse usado por joalheiros até esses dias. Mas, o mais provável é que tenha surgido como um sinônimo de argumento tortuoso da lógica, um termo escolástico que definia o absurdo e o grotesco.

Assim, o Barroco pode ser entendido como a manifestação artística que desafiou as regras do Renascimento e assim foi definida por seus inúmeros críticos.

Apesar de se manifestar de formas diferentes em diversos países, manteve as mesmas características.

CARACTERÍSTICAS

Enquanto no Renascimento as figuras eram apresentadas de forma estáticas como se estivessem posando para um retrato, no Barroco elas apresentam uma forma teatral, como se estivessem sempre em movimento.

Jogos de luz aumentam a dramaticidade das cenas, destacando os elementos mais importantes da obra, os quais formam uma composição em diagonal.

A simetria e o equilíbrio são rompidos na arte barroca, metas tão procuradas durante o renascimento.

Os temas do Barroco são mitológicos, religiosos e cotidianos onde predominam a emoção e não a razão.

O colorido e o contraste de claro-escuro são intensos e expressam de forma peculiar os sentimentos.

A busca de efeitos decorativos e visuais, através de curvas, contracurvas, colunas retorcidas e o entrelaçamento entre a arquitetura e escultura, também são umas de suas características.

A pintura tem efeitos ilusionistas, dando-nos às vezes a impressão de ver o céu, tal a aparência de profundidade conseguida.

PINTURA

A pintura barroca possui uma composição assimétrica, em diagonal - que se revela num estilo grandioso, monumental, retorcido, substituindo a unidade geométrica e o equilíbrio da arte renascentista.
O acentuado contraste de claro-escuro (expressão dos sentimentos) - era um recurso que visava a intensificar a sensação de profundidade.
Realista, abrange todas as camadas sociais.

Escolha de cenas no seu momento de maior intensidade dramática.

A Itália foi o centro irradiador do estilo barroco.

PINTORES ITALIANOS

Caravaggio - o que melhor caracteriza a sua pintura é o modo revolucionário como ele usa a luz. Ela não aparece como reflexo da luz solar, mas é criada intencionalmente pelo artista, para dirigir a atenção do observador.
Obra destacada: Vocação de São Mateus.

Andrea Pozzo - realizou grandes composições de perspectiva nas pinturas dos tetos das igrejas barrocas, causando a ilusão de que as paredes e colunas da igreja continuam no teto, e de que este se abre para o céu, de onde santos e anjos convidam os homens para a santidade.
Obra destacada: A Glória de Santo Inácio.

Na Holanda, o Barroco adquiriu características próprias do povo holandês, a austeridade e a praticidade.

O artista holandês preferia retratar cenas do cotidiano, diferente do italiano que preferia temas nobres.

PINTORES HOLANDESES

Rubens - além de um colorista vibrante, se notabilizou por criar cenas que sugerem, a partir das linhas contorcidas dos corpos e das pregas das roupas, um intenso movimento. Em seus quadros, é geralmente, no vestuário que se localizam as cores quentes - o vermelho, o verde e o amarelo - que contrabalançam a luminosidade da pele clara das figuras humanas.
Obra destacada: O Jardim do Amor.

Rembrandt - o que dirige nossa atenção nos quadros deste pintor não é propriamente o contraste entre luz e sombra, mas a gradação da claridade, os meios-tons, as penumbras que envolvem áreas de luminosidade mais intensa.
Obra destacada: Aula de Anatomia.

Na Espanha o Barroco se desenvolveu principalmente na arquitetura, nos entalhes requintados das portadas de edifícios religiosos e civis. Em relaçaõ à pintura, a Espanha foi mto influenciada pelo Barroco italiano, onde predominou o realismo.

PINTORES ESPANHÓIS

Dentre os pintores espanhóis, o que mais se destacou foi Velazquez.

Velázquez - além de retratar as pessoas da corte espanhola do século XVII procurou registrar em seus quadros também os tipos populares do seu país, documentando o dia-a-dia do povo espanhol num dado momento da história.
Obra destacada: As meninas

ESCULTURA

O equlíbrio entre a razão e emoção, característica da escultura renascentista, desapareceu com o predomínio do Barroco, que escolheu a dramaticidade das expressões e o dinamismo dos movimentos como elementos básicos de seu espírito.

Suas características são: o predomío das linhas curvas, dos drapeados das vestes e do uso do dourado; e os gestos e os rostos das personagens revelam emoções violentas e atingem uma dramaticidade desconhecida no Renascimento.

A escultura barroca não decorou somente fachadas,portadas e interiores de igrejas e palácios. Ela também esteve presente nas construções e restaurações de fontes.

O mais importante escultor e arquiteto do Barroco foi Gian Lorenzo Bernini.

Beata Ludovica

Davi

O êxtase de Stª Tereza

ARQUITETURA

A arquitetura barroca também se caracterizou pelas diferentes combinações de elementos que criaram efeitos de forma e luz, rompendo com a frntalidade dos estilos arquitetônicos precedentes e com os valores renascentistas de simplicidade e racionalidade.

Alguns dos arquitetos mais importantes foram: Giacomo della Porta, Francesco Borromini,Gian Lorenzo Bernini e Pietro da Cortona.

Na igreja barroca é comum a predominância de cúpulas altas e imponentes. No seu interior, uma fileira de pequenas capelas estendia-se de um lado ao outro da nave, cada qual com um altar ricamente decorado. Em cada um desses altares, uma imagem de santo era colocada para incentivar os fiéis à devoção a Deus e à adoração dos santos.

Da mesma forma que a Igreja, vários governantes europeus queriam exibir seus poderes através de construções esplendorosas. Desse modo, o Barroco que teve início na Itália, se expandiu por quase toda a europa e pelas novas terras da américa conquistadas pelos navegadores espanhóis e portugueses.

A introdução do Barroco em Portugal deve-se a dois fatores: à descoberta de ouro no Brasil, em 1681, e ao terremoto que destruiu Lisboa, em 1755. Lisboa foi reconstruída de forma majestosa por arquitetos barrocos.

Na Alemanha e nos Países Baixos o Barroco esteve presente na construção das igrejas São Carlos Borromeu, na Antuérpia e Cristo Flagelado, em Wies, Alemanha. O Barroco germânico se manifestou principalmente em Praga e Viena, as duas capitais imperiais.

Na Inglaterra o Barroco se manifestou na reconstrução das igrejas de Londres, após o incêndio de 1666, que quase destruiu a cidade.

Na França, sob o domínio do rei Luíz XIV, o mais poderoso governante da segunda metade do séc. XVII, o Barroco se materializou principalmente nas construções civis. O Palácio de Versalhes, construído entre 1660 e 1680, é o melhor exemplo do explendor e pompa do barroco francês.

Igreja de Il Gesú - Vignola y Giacomo della Porta
Roma - século XVI

Fachada do Palácio de Dos Aguas
Valência

Fachada do convento de Mafra

Palácio de Versalhes

Palácio de Versalhes – galeria dos espelhos

GINKANA DA COPA

noreply@blogger.com (célia ferrer) — Tue, 06 Jul 2010 03:29:00 +0000

OLÁ PESSOAL!!!

No dia 30 de junho aconteceu o encerramento da nossa ginkana e foi muito bom ver como todos participaram!
A última tarefa, a arrecadação de alimentos foi um sucesso e pudemos atender a muitas famílias carentes, que bom, num foi não??
Vocês estão de parabéns por todo o trabalho durante a ginkana, vocês realmente se empenharam: pesquisando, ensaiando, decorando as salas, foi realmente muito bonito!!
Aproveito para parabenizar e agradecer aqueles que utilizaram o blog para acessar as pesquisas e os vídeos sobre a cultura e as danças dos países que fizeram parte da ginkana!

VaLeU!!!

Agora, vamos curtir um pouquinho das imagens!!!

A decoração

Os preparativos...

2º A - Inglaterra

1º B - Itália

1º C - Alemanha

2º B - Argentina

2º C - Brasil

1º D - França

1º A - Uruguai

As danças

Mix Brasil

Tarantela

Tango

can can

Rock

Milongon

Meninas da tarantela

Galera do rock

Galera do Brasil

Turma do can can

Sofrimento na apuração!!!

PRATICANDO...

noreply@blogger.com (célia ferrer) — Thu, 24 Jun 2010 14:18:00 +0000

ATIVIDADES

Atenção pessoal!!!

Agora que vocês já conhecem um pouquinho da arte do início do séc. XX, que tal exercitarmos um pouco desses conhecimentos??

...Então vamos lá!!!

1) Se inspire nas imagens de Hannah Hock, no post Dadaísmo, para fazer a sua colagem dadaísta. Pegue revistas velhas, tesoura, cola, uma folha de papel 40kg, e mãos à obra!!!

2) Atenção galera dos 3º anos, esta é para vocês!

Vão à biblioteca da escola e procurem nas revistas CONTINENTE, já separadas, uma imagem dentre as selecionadas para serem analisadas. Observe bem essa imagem e responda:

a) Nesta obra, você percebe a influência de quais estilos artísticos ? Por que?

b) Que sentimentos essa imagem lhe transmite?

c) Dentre os estilos artísticos do início do séc. XX, qual o que você mais se identifica? Por que?

O QUE SIGNIFICA ISSO???

noreply@blogger.com (célia ferrer) — Wed, 23 Jun 2010 14:06:00 +0000

DADAÍSMO

colagem de Hannah Höch, 1919

Dadá é a vida sem pantufas nem paralelos: quem é contra e pela unidade e decididamente contra o futuro; nós sabemos ajuizadamente que os nossos cérebros se tornarão macias almofadas, que nosso antidogmatismo é tão exclusivista como o funcionário e que não somos livres e gritamos liberdade; necessidade severa sem disciplina nem moral e escarramos na humanidade.

Assim começa o "Manifesto do Senhor Antipirina", o manifesto dadaísta, o mais radical de todos os movimentos de vanguarda. De feições anarquistas, o dadaísmo nasceu em meio à 1ª Grande Guerra, em Zurique, onde ainda se podia respirar os ares da paz.

Em 1916, foi fundado o Cabaret Voltarie, por Hugo Ball, e logo tornou-se local de reuniões de intelectuais e foragidos da guerra. Neste cabaret, Tristan Tzara, o próprio Hugo Ball, Hans Harp, Marcel Janco e Huelsembeck lançaram o Dadaísmo, tendo como intenção buscar uma liberdade de se exprimir, de agir; pregando e destruição do passado, o passado cultural e sócio-político da humanidade, assim como dos valores presentes, e não vendo qualquer esperança ao futuro.

Apesar de todo esse radicalismo, o dadaísmo foi na verdade um movimento pacifista, pois este desejo, esta ânsia de destruição, era motivado exatamente pela guerra, que gerou uma forte crise moral e política por toda a Europa.

O Dadaísmo representou, portanto, uma reação à sociedade decadente, sobretudo a alemã.

Voltou-se inclusive contra uma possível vitória da Alemanha. E um das maneiras que os artistas encontraram para mostrar seu descontentamento com a sociedade foi criando uma antiarte, uma antiliteratura, carregada de ilogismo, de deboche, de humor sendo antiintelectualista, seguindo com isto parte das idéias cubistas, embora se declarassem anticubistas também.

Hannah Höch, "A menina linda", 1919

O cubismo a penúria nas idéias. Os cubistas, os quadros dos primitivos, as esculturas negras, as guitarras, e agora vão cubicar o dinheiro. (Francis Picabia - Manifesto canibal na obscuridade)

Este niilismo, esta negação dadaísta, era tão forte que os artistas procuravam negar-se até a si mesmos. "Os verdadeiros dadaístas são contra dadá.". Isto pelo fato de, uma vez destruídas a arte acadêmica e a moral burguesa, dadá seria o substituto natural.

Entretanto, o dadaísmo representou uma reação a qualquer sistema institucionalizado. No referido manifesto, Tzara diz: "eu sou contra os sistemas, o mais aceitável dos sistemas é aquele que tem por princípio não ter princípio nenhum."

Quanto ao significado da palavra dadá, Tzara explica: "Dada não significa nada." De qualquer modo, esta palavra foi encontrada no dicionário Petit Larousse pelo próprio Tzara. E um dos significados lá presentes era o de que se tratava de um sinal de ingenuidade, algo ligado à criança. O que ressalta a idéia de espontaneidade, de ilogismo e humor da antiarte dadaísta.

Por outro lado, a intenção maior ao nomear o movimento de dadaísmo foi a de ter uma expressividade e uma força à própria palavra.

O Dadaísmo teve como epicentro Zurique, na Suiça; porém houve uma contemporânea internacionalização do movimento, indo de Nova York a Moscou, passando por Paris, Barcelona e Munique. Na Alemanha, procurou-se ressaltar os aspectos críticos em relação à sociedade e ao pós-guerra. Enquanto nos Estados Unidos, Francis Picabia, Marcel Duchamp e o americano Man Ray realizam algo como um protodadaísmo.

Marcel Duchamp e os Ready Mades

Duchamp utilizou-se da técnica do ready-made, consistindo em se aproveitar de produtos industrializados para recriar um novo objeto que desprezasse a arte acadêmico-burguesa. Segundo Georges Hugnet, Duchamp "pretendia exprimir a sua aversão à arte e a admiração pelos objetos fabricados."

Quanto à literatura, os textos dadaístas mostravam-se agressivos, opondo-se a qualquer técnica tradicional, criando com isto um texto ilógico e antiracional. "abolição da lógica, dança dos impotentes da criação: DADÁ; (...) trajetória de uma palavra lançada como um disco sonoro grito" (Manifesto Dada - 1918).

Veja como exemplo de ilogicidade dadá este poema de Tzara:

As borboletas de 5 metros de comprimento se partem como os espelhos,

como o vôo dos rios noturnos sobem com o fogo até à via-láctea.

Uma técnica dadaísta, aprofundada pelos surrealistas, é a da escrita automática, que consiste em escrever sem qualquer preocupação lógica, fazendo uma livre associação de idéias (conforme o poema acima). Dentro deste espírito desconcertante, Tzara dá até mesmo a "técnica" de como se escrever um poema dadaísta:

Pegue um jornal. Pegue a tesoura. Escolha no jornal um artigo do tamanho que você deseja dar a seu poema. Recorte o artigo. Recorte em seguida com atenção algumas palavras que formam esse artigo e meta-se num saco. Agite suavemente. Tire em seguida cada pedaço um após o outro. Copie conscienciosamente na ordem em que elas são tiradas do saco. O poema se parecerá com você. E ei-lo um escritor infinitamente original e de uma sensibilidade graciosa, ainda que incompreendido do público.

O Dadaísmo conheceu seu apogeu em 1920 e, no ano seguinte, seu declínio. No ano de 1920, várias peças teatrais, recitais de música e leitura de poemas dadaístas foram praticadas com até mesmo certa aceitação pública. Porém, o distanciamento pretendido se acentuou e, em um outro manifesto, lido por Francis Picabia, "Manifesto Canibal na Obscuridade", há a seguinte passagem:

Dada não quer nada, não pede nada. Move-se e gesticula para que o público diga: nós não compreendemos nada, nada, nada.

Contudo, a Europa, após o término da 1ª Guerra, pedia uma reconstrução, tanto física quanto cultural e moral; e este desejo de se manter distante, este aspecto destrutivo foi causa de discordâncias internas, sendo a principal a entre Tzara e André Breton, dadaísta francês que, em 1924, lançaria o movimento surrealista. De qualquer modo, apesar de todo radicalismo peculiar, os dadaístas cumpriram seu papel ao se posicionarem contra uma sociedade decadente.

PINTURA NO DADAÍSMO

O Gigante Acéfalo (sem cabeça),
Max Ernest (1891-1976).

A pintura dadaísta foi um dos grandes mistérios da história da arte do século XX. Os pintores deste movimento, guiados por uma anarquia instintiva e um forte nihilismo, não hesitaram em anular as formas, técnicas e temas da pintura, tal como tinham sido entendidos até aquele momento. Um exemplo disso eram os quadros dos antimecanismos ou máquinas de nada, nos quais o tema central era totalmente inédito para aqueles tempos.

Representavam artefatos de aparência mais poética do que mecânica, cuja função era totalmente desconhecida. Para dificultar ainda mais sua análise, os títulos escolhidos jamais tinham qualquer relação com o objeto central do quadro. Não é difícil deduzir que, exatamente através desses antitemas, os pintores expressavam sua repulsa em relação à sociedade, que com a mecanização estava causando a destruição do mundo.

Um capítulo à parte merecem as colagens, que logo se transformaram no meio ideal de expressão do sentimento dadaísta. Tratava-se da reunião de materiais aparentemente escolhidos ao acaso, nos quais sempre se podiam ler textos elaborados com recortes de jornais de diferente feição gráfica. A mistura de todo tipo de imagens extraídas da imprensa da época faz desse tipo de trabalho uma antecipação precoce da idealização dos meios de comunicação de massa, que mais tarde viria a ser a artepop.

ESCULTURA NO DADAÍSMO

Marcel Duchamp

A escultura dadaísta nasceu sob a influência de um forte espírito iconoclasta. Uma vez suprimidos todos os valores estéticos adquiridos e conservados até o momento pelas academias, os dadaístas se dedicaram por completo à experimentação, improvisação e desordem. Os ready mades de Marcel Duchamp não pretendiam outra coisa que não dessacralizar os conceitos de arte e artista, expondo objetos do dia-a-dia como esculturas.

Man Ray

Um dos mais escandalosos foi, sem dúvida, o urinol que este artista francês se atreveu a apresentar no Salão dos Independentes, competindo com as obras de outros escultores. Sua intenção foi tão-somente demonstrar até que ponto o critério subjetivo do artista podia transformar qualquer objeto em obra de arte. Com exemplos desse tipo e outros, pode-se afirmar que Marcel Duchamp é sem dúvida o primeiro pai da arte conceitual.

Robert Rauschenberg

Apareceram também, como na pintura, os primeiros antimecanismos, máquinas construídas com os elementos mais estapafúrdios e com o único objetivo de serem expostas para desconcertar e provocar o público. Os críticos não foram muito condescendentes com essas obras, que não conseguiam compreender nem classificar. Tais manifestações, por mais absurdas e insolentes que possam parecer, começaram a definir a plástica que surgiria nos anos seguintes.

FOTOGRAFIA E CINEMA DADAÍSTA

Artistas de seu tempo, os dadaístas foram sem dúvida os primeiros a incorporar o cinema e a fotografia à sua expressão plástica. E fizeram isso de uma maneira totalmente experimental e guiados por uma espontaneidade inata. O resultado desse novo materialismo foi um cinema completamente abstrato e absurdo, por exemplo, o de diretores como Hans Richter e a fotografia experimental de Man Ray e seus seguidores.

Foi exatamente Man Ray o inventor da conhecida técnica do raiograma, que consistia em tirar a fotografia sem a câmara fotográfica, ou seja, colocando o objeto perto de um filme altamente sensível e diante de uma fonte de luz. Apesar de seu caráter totalmente experimental, as obras assim concebidas conseguiram se manter no topo da modernidade tempo suficiente para passar a fazer parte dos anais da história da fotografia e do cinema artísticos.

Texto: http://www.portalsaofrancisco.com.br/alfa/dadaismo

PINTANDO COMO FERAS

noreply@blogger.com (célia ferrer) — Wed, 23 Jun 2010 03:11:00 +0000

FOVISMO

ponte de Charing Cross (1906)-André Derain

Em 1905, em Paris, no Salão de Outono, alguns artistas foram chamados de fauves (em português significa feras), em virtude da intensidade com que usavam as cores puras, sem misturá-las ou matizá-las. Quem lhes deu este nome foi o crítico Louis Vauxcelles, pois estavam expostas um conjunto de pinturas modernas ao lado de uma estatueta renascentista.

Os princípios deste movimento artístico eram:

· Criar, em arte, não tem relação com o intelecto e nem com sentimentos.
· Criar é seguir os impulsos do instinto, as sensações primárias.
· A cor pura deve ser exaltada.
· As linhas e as cores devem nascer impulsivamente e traduzir as sensações elementares, no mesmo estado de graça das crianças e dos selvagens.

Características da pintura:

· Pincelada violente, espontânea e definitiva;
· Ausência de ar livre;
· Colorido brutal, pretendendo a sensação física da cor que é subjetiva, não correspondendo à realidade;
· Uso exclusivo das cores puras, como saem das bisnagas;
· Pintura por manchas largas, formando grandes planos;

Vlaminck - 1925

Principais Artistas:

MAURICE DE VLAMINCK (1876-1958), pintor francês, foi o mais autêntico fovista, dizia: "Quero incendiar a Escola de Belas Artes com meus vermelhos e azuis." Adotou mais tarde estilo entre expressionista e realista.

ANDRÉ DERAIN (1880-1954), pintor francês, dizia: "As cores chegaram a ser para nós cartuchos de dinamite." Por volta de 1900, ligou-se a Maurice de Vlaminck e a Matisse, com os quais se tornou um dos principais pintores fovistas.
Nessa fase, pintou figuras e paisagens em brilhantes cores chapadas, recorrendo a traços impulsivos e a pinceladas descontínuas para obter suas composições espontâneas. Após romper com o fovismo, em 1908, sofreu influências de Cézanne e depois do cubismo. Na década de 1920, seus nus, retratos e naturezas-mortas haviam adquirido uma entonação neoclássica, com o gradual desaparecimento da gestualidade espontânea das primeiras obras. Seu estilo, desde então, não mudou.

HENRI MATISSE (1869-1954), pintor francês, Nas suas pinturas ele não se preocupa como realismo, tanto das figuras como das suas cores. O que interessa é a composição e não as figuras em si, como de pessoas ou de naturezas-mortas. Abandonou assim a perspectiva, as técnicas do desenho e o efeito de claro-escuro para tratar a cor como valor em si mesma. Dos pintores fovistas, que exploraram o sensualismo das cores fortes, ele foi o único a evoluir para o equilíbrio entre a cor e o traço em composições planas, sem profundidade. Foi, também, escultor, ilustrador e litógrafo.

RAOUL DUFY (1877-1953), pintor, gravador e decorador francês. Contrastes tonais e a geometrização da forma caracterizaram sua obra. Impressionista a princípio, evoluiu gradativamente para o fovismo, depois de travar contato com Matisse. Morreu um ano depois de receber o prêmio de pintura da bienal de Veneza.

...E A ARTE MUDOU

noreply@blogger.com (célia ferrer) — Tue, 22 Jun 2010 22:10:00 +0000

Cubismo

Arte sob nova perspectiva

Entenda a lógica dos pintores cubistas. Para isso, um exercício rápido. Observe um objeto que está a sua frente, como o monitor do seu computador. Se você precisasse desenhá-lo mostrando todos os seus lados, inclusive a parte de trás e as laterais, como você faria?

Observe agora o quadro de natureza morta acima. Aliás, para quem não sabe, natureza morta é um estilo de pintura muito recorrente na arte acadêmica do século 19. São aqueles quadros de vasos de flores, fruteiras, objetos inanimados em geral, muitas vezes sobre mesas. Pois agora, observe a imagem.

Você consegue identificar o que está sobre a mesa? E onde está a mesa? Qual é a proporção entre os objetos? Lembra-se do exercício de desenhar todos os ângulos de um objeto? O artista fez isso? É possível identificar? Esse quadro está imitando a realidade?

Isso é o cubismo

O movimento artístico que surgiu por volta de 1907 com Georges Braque e Pablo Picasso considerava a obra de arte um objeto real - ou seja, não apenas algo que imitava ou representava outra coisa. Com a geometrização das formas, foram abandonadas as noções tradicionais de perspectiva.

Os artistas cubistas procuravam novas maneiras de retratar o que viam. Influenciados por Cézanne, passaram a valorizar as formas geométricas e a retratar os objetos como se eles estivessem partidos. Todas as partes de um objeto eram representadas num único plano, como se o artista visse vários ângulos do objeto ao mesmo tempo.

Além da geometrização das formas e de abandonar a perspectiva, outras características importantes do cubismo são a perda do uso clássico de claro-escuro, a representação do volume colorido sobre superfícies planas o que faz o quadro passar a sensação de relevo, quase como uma escultura.

O cubismo teve duas fases: analítica e sintética.

"Mulher jovem", de Pablo Picasso.

Cubismo analítico

Nessa fase, os objetos e pessoas representadas quebram-se em muitas faces, decompõem-se. O artista procura a visão total da figura, examinando-a em todos os ângulos ao mesmo tempo. E devido à fragmentação excessiva dos objetos, tornou-se quase impossível a identificação das figuras.

As cores eram poucas. Pretos, cinza, tons de marrom e ocre, a pintura era feita com diversos tons da mesma cor.

Picasso e Braque são os pintores mais importantes desta fase.

"Composição com vaso azul", de Fernand Léger (1918).

Cubismo sintético

A fase seguinte buscou recuperar um pouco as formas "identificáveis", com cores mais fortes e composições mais decorativas. Deu preferência às formas arredondadas e menos angulosas.
Outra característica dessa fase do cubismo foi a utilização da colagem com a introdução de elementos no quadro, como letras, números, pedaços de jornal, vidros, madeira etc. Era uma alusão à presença real do objeto.

Juan Gris e Fernand Legér são os pintores mais importantes dessa fase.

*Valéria Peixoto de Alencar

ARTE NO EGITO ANTIGO

noreply@blogger.com (célia ferrer) — Wed, 05 May 2010 19:26:00 +0000

Hoje vamos falar de um povo que vem nos intrigando e nos fascinando há séculos. Tenho certeza que todos vocês moooorrem de curiosidades de conhecer o Egito e os mistérios que o envolve, né mesmo? quem não tem vontade de entrar numa pirâmide? de saber como viviam os faraós? de compartilhar toda a sabedoria daquele povo? Então, dê asas a sua imaginação e vamos lá!!

ERA UMA VEZ NO EGITO...

O Egito foi uma das principais civilizações da antiguidade e nos deixou uma produção cultural riquíssima. Através de pinturas, relevos, e anotações existentes nas paredes das ruínas de palácios, túmulos (pirâmides, hipogeu, mastabas) e templos conhecemos a sua história. Os egípcios eram grandes conhecedores da matemática, astronomia, medicina, engenharia, arquitetura, artes, etc.

A pedra da união
O mais antigo documento egípcio é esse pedaço de estela (bloco de pedra) com desenhos nas duas faces. numa delas o faraó Nârmer é representado com a coroa do Alto Egito; na outra ele aparece com a coroa do Baixo Egito. Isso simboliza a unificação das duas nações. Como a pedra foi datada de aproximadamente 3200 a.c., estabeleceu-se que a história do Egito unificado teve início nessa época.

Socialmente, eles eram organizados em faraós, sacerdotes, escribas, nobres, militares, artesãos, camponeses e escravos. Eles também eram extremamente vaidosos, com conhecimento profundo de cosmética.
Tanto homens como mulheres usavam maquiagem e tinham cuidados com o corpo e os cabelos. Eles dominavam também as técnicas da ourivesaria e produziam uma grande quantidade de jóias.

Mas o aspecto cultural mas significativo do Egito Antigo era a religião, que tudo orientava. Acerditava-se em vários deuses e na vida após a morte, mais importante que a vida terrena. A arte, como não poderia deixar de ser, refletia essa visão religiosa, que aparece representada em túmulos, esculturas, vasos e outros objetos deixados junto aos mortos.

A Arquitetura egípcia apresenta proporções grandiosas. As construções mortuárias que abrigavam os restos mortais dos faraós e os templos dedicados às divindades eram enormes! Os egípcios eram politeistas e esculpiam imagens dos mais variados deuses.
Eles acreditavam que iriam viver em um outro lugar depois da morte e, para isso, se preparavam durante toda a vida. Os mais ricos, principalmente o faraó, construiam seus próprios túmulos, como as pirâmides, as mastabas, e os hipogeus (labirintos subterrâneos que escondiam ao máximo de ladrões e saqueadores os objetos com os quais os mortos eram enterrados). Havia também a preparação dos enxovais funerários: objetos de uso pessoal, jóias, dinheiro, alimentos, perfumes, vasos, estátuas, pois achavam que na nova vida tudo isso lhes seria necessário.

As pirâmides de Gizé
Queóps, Quéfren e Miquerinos foram 3 faraós que mandaram construir 3 imensas pirâmides no deserto de Gizé para abrigar seus restos mortais. Sendo que a maior delas é a de Quéops, com 146m de altura e 54300m quadrados de superfície. Nas suas imensas paredes não existe nenhum tipo de argamassa para unir os blocos de pedra.

Esfinge

As pirâmides são as obras arquitetônicas mais conhecidas até hoje, mas foi no Novo Império que o Egito viveu o auge de seu poder e de sua cultura. Os faraós desse período ergueram grandes construções como os templos de Carnac e Luxor, dedicados ao deus Amon. Durante o reinado de Ramsés II, no séc. XIII ac, a principal preocupação do Egito era a expansão do seu poder político. Toda a arte desse período era usada como forma de demonstrar poder.

colunas do templo de Carnac

colunas do templo de Luxor

templo de Abu-Simbell

A Pintura egípcia apresenta características muito marcantes. Em relação às cores, por exemplo, predominam os tons avermelhados semelhantes à terra, o marrom, o preto e o branco.
Quanto ao desenho, a Lei da frontalidade aparece em quase todas as pinturas. Chamamos de lei da frontalidade o hábito de se desenhar os olhos e os ombros das pessoas sempre de frente para o o bservador, mesmo que os pés e a cabeça estejam de perfil.
A preocupação era mostrar cada parte do corpo pelo ângulo mais representativo. Aspectos técnicos como perspectiva, proporção entre as figuras e ponto de vista do autor da obra ainda não preocupavão os pintores egípcios. Tudo era mostrado como se estivesse de frente para o observador.

A rigidez dessas regras só seria quebrada no reinado de Amenófis IV,
no Novo Império. Ele transferiu a capital de Tebas para Amarna e pôs fim a religião politeísta, impondo ao povo uma religião monoteísta, cujo único deus era Aton, o deus Sol, e adotando o nome de Akhnaton em homenagem a ele.
Após a morte de Akhnaton, a tendência para a informalidade nas representações artísticas perdurou em algumas obras do ínicio do reinado de Tutancâmon, seu filho e sucessor.

Quando Tebas voltou a ser a capital do Egito e o politeísmo foi restaurado, muitos artistas voltaram a representar os governantes em posturas formais.

A Escultura tem lugar de destaque na arte egípcia. Elas mostram faraós,
rainhas, deuses, escribas e todo tipo de pessoas sempre com
rigidez na posição do corpo e feição do rosto, e os homens
(com a cor da pele maisescura) aparecendo sempre maiores que
as mulheres. Há esculturas de todos os tamanhos feitas em madeira, pedra, ouro e bronze.

Rahotep e sua esposa Nofret

Miquerinos e sua mulher

Tutancâmon

Nefertiti

ATIVIDADE

SÍMBOLOS EGÍPCIOS

E ai você consegue identificar o que está escrito abaixo ?
Dica: a imagem acima mostra o que significa cada símbolo, ai é só ir montando as palavras e formando uma frase.

Vamos lá? mais um desafio!