CHALS ON THE ROUTE 🎸🎋👩🏼‍🌾

Gladie - Safe Sins (2020)

noreply@blogger.com (Chals) — Wed, 30 Sep 2020 16:06:00 +0000

...con que sencillez y a la vez ingenio están llevadas las guitarras en este disco, y de que manera juguetean con elementos más electrónicos en pinceladas que para nada empalagan, mantiendo su feeling luminoso a lo largo de sus diez canciones sin perder el nervio indie-rock.

Yo sé que en el pop independiente menos conocido por estos lares tal vez este año Waxahatchee se lleve el oro, merecido por otra parte porque es su mejor disco hasta la fecha. pero ojo, porque este Safe Sins de Gladie le va a la zaga. Más apegado a sonoridades independientes y lo-fi, pero igualmente con melodías buenas y adictivas.

Primer largo de la banda de Philadelphia que ya editaron un EP hace un par de años, pero lo que hasta ahora era el proyecto personal de Augusta Koch, procedente de los más punks Cayetana, se ha convertido en una banda con entidad propia que ha alcanzado con Safe Sins una gran calidad en cuanto a canciones y producción, hasta el punto de haber dejado el grupo original en pausa de manera indefinida.

En Gladie, Augusta Koch se asocia al multi-instrumentista Matt Schimelfenig (Three Man Cannon), completan la banda Ian Farmer y Pat Conaboy, bajo y batería respectivamente. Juntos han grabado lo que para mi es uno de los discos pop del año. Koch aporta la voz, las guitarras y unas letras que iban a formar parte de su poemario, letras intensas, sentimientos melancólicos donde la pérdida y los giros inesperados son abordados con esperanza y que ahora en formato canción se muestran luminosos. En "Pray" con un sintetizador, algunos efectos y su voz se bastan para crear su propio universo dream-pop, contrasta con el indie-rock fabuloso de tonadas como "When You leave The Sun" y "Overlooking The Lake". "A Pace far Different" es adictiva, podría ser el hit o el single que debiera radiarse. Melodías que igual pueden retozar en progresiones de country alternativo como "Twenty Twenty", delicias como el medio tiempo "Even At Your Easel" y maravillas pop como "Cosmic Joke" digna de los mejores tiempos del pop alternativo de los 90, maravillosa. Se despide con la balada "Choose" que rompe en ritmos sintéticos para crecer en intensidad para finalmente desvanecerse, otra de sus tonadas destacadas.

No sólo por las canciones pop de trasfondo confesional de melodías que además enganchan, además por el buen gusto a la hora de dar a cada canción el detalle justo, me encanta con que sencillez y a la vez ingenio están llevadas las guitarras eléctricas en este disco y de que manera juguetean con elementos más electrónicos en pinceladas que para nada empalagan, manteniendo su feeling luminoso a lo largo de sus diez canciones y con nervio indie-rock. Uno de los discos que más me está haciendo disfrutar esta temporada desde esta segunda línea músical alternativa. Favorito este Safe Sins de Gladie.

Publicado originalmene en EXILE SH MAGAZINE
Puedes escuchar y comprar el disco en bandcamp:
https://gladie.bandcamp.com/album/gladie-safe-sins

Saint Cloud, el disco más pop de Waxahatchee

noreply@blogger.com (Chals) — Tue, 28 Jul 2020 07:21:00 +0000

...pop cercano al alt-country con su habitual espíritu independiente que en esta ocasión traspasa la frontera hacia sonoridades de más fácil digestión sin que por ello la calidad sea sacrificada...
👇🎸❤️👇
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Song for our daughter, el fantástico nuevo disco de Laura Marling.

noreply@blogger.com (Chals) — Fri, 24 Jul 2020 10:44:00 +0000

La cantautora inglesa lleva más de una década entregando trabajos que no bajan de notable, tiene razones suficientes en su discografía como para no perderle nunca de vista. Para mi es una de las artistas más completas de su generación por su técnica a la guitarra acústica, su interpretación y su gran nivel compositivo. Quienes amamos sus canciones lo tenemos claro, es una grande y única en su género, influencias que enseña con respeto y canaliza con gran calidad acortando distancias transoceánicas desde Laurel Canyon con Joni Mitchell como influencia más evidente, hasta el british folk años 70 que para mi la diferencia del resto en esta actualidad pues la hace especial, Bert Jansch, Roy Harper y la historia de como el rock los absorvió, Led Zeppelin III, Pentagle... etc.

Tengo mis preferencias como "Once I Was An Eagle" que es un disco ineludible, y debilidades favoritas de la vida en formato canción como "What he wrote" del no menos reseñable disco "I Speak Because I Can", o "Sophia" de su disco no muy valorado "A Creature I Don't Know", joyas donde hace gala de su gran facilidad para utilizar esas afinaciones abiertas que tan especiales hacían a nuestros masters del folk setentero. Os invito a sumergiros en su discografía.

Logra de nuevo dejarme totalmente colgado y en bragas, porque puede que Song for our daughter no tenga los arreglos de cuerda tan trabajados y presentes como en su anterior disco, sin embargo las canciones resultan más inspiradas y mejor enfocadas. Según cuenta la propia Laura Marling es un disco escrito a una hija imaginaria sobre lo que significa ser una mujer en los tiempos que corren.

"Alexandra" tiene el encanto acústico de sus primeros discos sin que ello la lleve a retroceder todo lo andado, preciosa la pedal que añade profundidad a cada fantástico aporte de Chris Hillman (no confundir con el byrd). "Held Down" es una tonada marca de la casa acompañada de excelentes coros y armonías vocales, calidad melódica. "Strange Girl" ejerce de gancho "comercial" y podría ser la canción que le tuviera que dar un mayor reconocimiento mediático si ello fuera posible, con una interpretación que me remite a Lou Reed (salvando las distancias estilísticas) por la maestría que tiene Laura Marling arrastrando sus versos, una tonada pop que rompe la norma del disco sin resquebrajarlo.

Marling siempre gana en las tonadas más acústicas como es el caso de "Only The Strong", la joya absoluta del disco y un clásico instantáneo que no debería faltar en ninguna playlist anual, mantiene las distancias cortas y transita territorios comunes con el oyente expandiéndo su esencia en espacios más amplios a travñes de su interpretación. Emociona con lo mínimo cuando encara con la nitidez de "Fortune" y de nuevo demuestra su maestría en el fingerpicking en "How We Meet Again". Digamos que el carácter propio de esta producción podrían ser el cello y una pedal que cuando aparecen aportan detalle sin ser protagonistas.

Song For Our Daughter es otro paso firme en la discografía intachable y admirable de Laura Marling que por suerte basa su evolución artística en una excelsa madurez compositiva más allá de cambios estilísticos o de una mayor complejidad sonora, su unidad de expresión mínima continúan siendo las buenas canciones, y ahí pocos cantautores pueden hacerle sombra en la actualidad.

Por Chals Roig
Reseña basada en la escrita originalmente para Exile SH Magazine.

The Jayhawks - XOXO (2020)

noreply@blogger.com (Chals) — Wed, 22 Jul 2020 07:51:00 +0000

Ya tenemos aquí el nuevo y esperado disco de The Jayhawks. Onceavo de su carrera y cuarto disco desde que volvieran con Mockingbird Time hace nueve años. Además de los inumerables chistes que ha despertado un título no muy afortunado como XOXO (en este país la burla y la desaprobación es lo que mejor se nos da), los medios más profesionales del mundillo musical alrededor del globo, especializados o no, han dado por lo general un notable y han alabado este disco como uno de los grandes discos de su carrera, aunque yo no sé si estamos o no ante uno de sus mejores discos, afirmación que cualquiera con dos dedos de frente se pensará dos veces. Pero ay! a estas alturas no necesito una obra maestra para disfrutar cada nuevo disco de una banda que por estilo, saber hacer, armonías, guitarras, tonadas, melodías... me encandilan casi siempre, con todo a cada nueva escucha tengo más claro que estamos ante un disco con entidad propia dentro de su discografía.

Lo cierto es que parece que despiertan cierto recelo por estos lares, y no voy a decir que es porque sus abundantes y numerosos directos aunque muy correctos suelen acusarse de tibios, o porque de ser una banda conocida por unos pocos entendidos han pasado de tesoro oculto, a un clamor de muchos. O porque ir a la contra confiere cierto halo rebelde. Incluso puede no gustar, todo vale y nadie dispone de la verdad absoluta, los gustos gustos son y hay quien se toma demasiado en serio ciertas disputas. Pero más allá de enarbolar mi personal opinión, otra de tantas, mi intención es situar este disco lo mejor y más justo posible dentro de la larga trayectoria de un grupo que ya sólo por las grandes obras entregadas merece una atención y un respeto.

Llegado al disco, lo primero que me llama la atención es la democratización de las composiciones de la banda, pues entre las co-escritas entre Louris y alguno de ellos, todos los miembros aportan sus canciones, algo que marca el carácter de este disco y que quien ha querido lo ha cogido como una falta de inspiración de Louris y quien ha querido ha visto otra manera de seguir adelante para reiventarse sin traicionar su particular esencia a base de melodías melosas marca de la casa.

Evidentemente lo suyo no es la intensidad rockera (para eso ya tenemos a Dan Baird y allegados), ni seguir los caminos tradicionales de la americana, menos mal!!!. Eso si, pueden marcarse un power-pop americana digno de los mejores tiempos de Golden Smog en tonadas como Dogtown Days, excelente este primer aporte de Tim O'Reagan. Por suerte mantienen su querencia hacia el pop más clásico que denota su amor por los Kinks en algunas tonadas pongamos por caso la crónica de actualidad digital de Living On A Bubble (esos Kinks que en sus tiempos fueron apedreados por críticos de relumbrón con obras como de Village Green), evidentemente algo debería filtrarse de aquel Americana de Ray Davies. La voz de Louris está en muy buena forma, él es más de McCartney que de Hank Williams y las armonías vocales como siempre suenan celestiales, eso por no hablar de la técnica refinada a las séis cuerdas con líneas de sabor a clásico como en This Forgotten Town, par de canciones iniciales que ya valen la edición de este disco. Hay mayor protagonismo del teclado de Karen y las baladas de su puño y letra subrayan esa otra vertiente muy cercana a cantautoras de principios de los 70 en Laurel Canyon y que a muchos les ha venido de perlas para tachar de aburrida, válgame Dios!!!!, me parece una delicia y una suerte que se hagan hoy en día canciones como Ruby y Across My Field, favoritas de esta rodaja. Hay que añadir que lo que Tim O'Reagan ya demostraba en los directos, o sea, un buen contrapunto vocal a Louris a falta de Olson, en este disco se confirma por un aporte vocal más protagonista que me parece muy acertado, además anotar que la composiciones de Marc Perlman como es el caso de Down To The Farm me parecen de un gusto exquisito, que buen gusto tienen siempre para hacer que las acústicas se entrelacen con sencillez y maestría. Homecoming es puro revival sixty pasado por el filtro de Louris, que maravilla! Y es que esa segunda cara menos directa es la que se abre paso como un tesoro a descubrir con maravillas como Illuminate, crescendo y entrelazado de voces mediante, la setentera Little Victories me maravilla y que queréis que os diga, joyas acústicas de pop curativo como Better Pill dignos de manual de autoayuda me encantan sobre manera y me alegran el día tanto como en su día lo hacían tonadas como Save it for a rainy day. Manías de uno. Cierra este disco Looking Up Your Number, una delicada y crepuscular balada acústica a cargo de Tim O'Reagan que me parece mejor a cada escucha y que muestra a O'Reagan como una buena fuente de composicones al servicio del espíritu dulzón de los Jayhawks.

No hace falta decir que sus grandes discos continúan siendo la gran marca no superada, y sería pueril por mi parte intentar buscar argumentos tanto a favor como en contra con comparaciones simplistas, ante todo aquellas referencias llevan mucha ventaja como mínimo en el plano emocional delimitado por los recuerdos musicales de nuestra juventud. También es verdad que grandes discos como Sound Of Lies y Smile quedaron sepultados injustamente y se han mostrado como referencias a tener en cuanta con el tiempo, nunca se sabe. En cuanto a calidad si que sitúo este disco cerca a Back Roads and Abandoned Motels, disco ese de 2018 que se lleva el oro dentro de esta nueva etapa a pesar de su condición de refrito, al igual que también veo este XOXO superior al disco de Proust y a Mokingbird Time, opinión al canto!. Más o menos inspirados, siempre es una suerte poder disfrutar de unas cuantas buenas nuevas canciones de los Jayhawks ¿puede que de las doce canciones haya cinco a la altura de su leyenda? puede, con que no se salgan de su canon ya entregan un disco muy disfrutable que supera la media de obviedades de la americana, no pido más. Al final todo depende de como veas el vaso, si medio lleno o medio vacío.

De momento estoy rendido ante este nuevo disco supuestamente menor de los Jayhawks titulado XOXO, el tiempo ya dirá más allá de culos y opiniones, pasaremos por caja, no?.

Por Chals Roig
Basada en la reseña escrita originalmente para el Exile SH Magazine

Mapache - From Liberty Street (2020)

noreply@blogger.com (Chals) — Sun, 10 May 2020 22:47:00 +0000

Mapache es un dúo acústico compuesto por los californianos Clay Finch y Sam Blasucci y que hasta este momento eran totalmente desconocida para mí. Fue Brent Rademaker (GospelbeacH), quien desde las rrss recomendó efusivamente que estuviéramos atentos a su próximo disco en el cual por cierto participa. Así que me tocó adentrarme en la propuesta artística a partir de su debut y ver hasta que punto tenía razón.

Y tengo que confesar que de primeras me chocó bastante pues no sólo remite a songwriters del Laurel Canyon de principios de los setenta, sino que además tienen una particular querencia por los boleros que valga la paradoja, por estos lares podrían echar para atrás a más de un selecto degustador musical, es más, una de las versiones incluidas de su debut fue ni más ni menos que "Aquellos Ojos Verdes" de Los Panchos. Si, habéis leido bien. Así que disfrutar de esta maravillosa propuesta requiere de primeras superar algún que otro prejuicio. En todo caso me recuerdan tanto a Bart Davenport por su pop soleado, como a Devendra Banhart por la gracia con la que adhieren influencias dispares a su propuesta.

Y que bien lo hacen, que bien plasman el batiburrillo cultural que viven en sus carnes y donde pueden convivir desde los boleros y la música mexicana, pasando por la cósmica americana y hasta el pop, a base de armonías vocales que nos pueden recordar a los Everly Brothers y melodías totalmente deliciosas que nos pueden remitir a Simon y Garfunkel. Una propuesta que aporta un pequeño gran matiz que me resulta original en estos tiempos del todo inventado. Se ponen de nuevo en manos de Dan Horne y continuan por los mismos derroteros con la máxima de provocar en el oyente la misma sensación de familiaridad y proximidad con la que graban y arman sus canciones rodeados de amigos desde el centro de operaciones de su querida Liberty Street.

...con la máxima de provocar en el oyente la misma sensación de familiaridad y proximidad con la que graban y arman sus canciones rodeados de amigos desde el centro de operaciones de su querida Liberty Street

Si bien su seña de identidad es llevar las canciones con suma austeridad y ligereza, en esta ocasión añaden algunos detalles más, instrumentación que con suma medida y sin traicionar la idiosincrasia orgánica de su propuesta musical les hacen avanzar y superarse. Al dúo de guitarras le acompañan melódica, percusiones, violines, pedals y bateria, aparecen para que canciones como "Life On Fire" resulten auténticos caramelos destacados de la añada en curso. No podía faltar la versión de Los Panchos, grupo que adoran, aquí con el simpático himno working class "Me Voy Pa'l Pueblo". En esta generosa colección compuesta por catorce canciones destacan las tonadas cercanas al pop West Coast como es el caso de "Cactus Flower" aderezado con un violín que le aporta un matiz más tradicional, con la misma gracia con la que la instrumental "Liberty Street Blues" introduce la melódica.

Que no es tiren para atrás sus canciones cantadas en castellano porque tanto "Me Da La Muerte", como "Igual", son dos tonadas que hacen atractivas las influencias de las que beben, y eso en un mundillo donde el elemento latino es desechado de primeras tiene un valor inconmensurable. Magnífica la intervención de la pedal en "Face is Blue" y en "To Play For All of You". Que maravilla es "I Just Steal Away And Pray", versión del prolífico compositor americano Albert Brumley interpretada por Austin McCutchen y que cierra el disco, con que sencillez son capaces de mezclar folk pastoral a base de sonoridades acústicas cercanas al country.

From Liberty Street pertenece a ese pequeño grupo de discos capaces de seducir en apenas un par de compases, maravilla musical que auna pop, folk-rock, boleros y cósmica americana, y es que Mapache cuentan con el encanto de las cosas simples, rara avis que parte de la West Coast y se extiende con inusitada luminosidad en un cruce cultural difícil de ver incluso en estos días de globalización desmedida. Muy recomendable.

Escrito originalmente para Exile SH Magazine

Isobel Campbell - There Is No Other (2020)

noreply@blogger.com (Chals) — Thu, 30 Apr 2020 20:45:00 +0000

...una colección de canciones refinadas y variadas entre el folk y el twee pop, guiadas por su dulce voz y grabadas con suma exquisitez, un equilibrio perfecto entre la amabilidad melódica que la caracteriza y su carisma desbordante, otra muestra de como es capaz de caminar por la fina línea que separa la sencillez de la sofisticación...

A Isobel Campbell siempre le acompañará el nombre de Belle & Sebastian, lógico y normal atendiendo a los grandes discos que editaron mientras perteneció al combo liderado por Stuart Murdock, aunque se puede afirmar con tranquilidad que es una gran artista tanto por los discos no muy conocidos detrás del nombre Gentle Waves, como por sus discos en solitario tocados por el british folk, hay que sumarle la más popular colaboración con Mark Lanegan donde desarrolló su especial querencia por la americana y de las que hay que subrayar que ella fue la que aportó la mayor parte de las composiciones y ejerció de jefa del invento. Es una maestra de la canción y su bagaje tiene.

Después de más de una década sin material nuevo, esperaba este disco con mucha ilusión. Una pausa provocada por problemas con la discográfica y que retrasó tres años la salida del disco. A pesar del tiempo transcurrido, There Is No Other no defrauda, la escocesa entrega una colección de canciones refinadas y variadas entre el folk y el twee pop, guiadas por su dulce voz y grabadas con suma exquisitez, un equilibrio perfecto entre la amabilidad melódica que la caracteriza y su carisma desbordante. Una maravilla, una debilidad.

...un disco de gran exquisitez sonora que resume muy bien el recorrido de toda su carrera artística, entre tonadas vaporosas, pop ligero y folk, su dulzor y ligereza esconden en There Is No Other una honesta y potente declaración de intenciones...

No es que "Hey World", la canción que adelantó, me entusiasmara de primeras, sin embargo con las escuchas ha sido el contexto del disco el que ha dado gran valor musical y sonoro a la tonada, con un halo que roza lo kitsch, aparentemente naif si no fuera por la precisión con la que acomete la tonada y por una letra que desde la ingenuidad que sugiere su voz nos lleva a una verdadera declaración de intenciones, de persistencia, y como no, de realizar una crónica entre líneas de su papel como mujer artísticamente independiente en un mundo de hombres.

Como decía, es un disco variado. "City Of Angels" es folk acústico con detalles orquestales de suma exquisitez, por los mismos derroteros folkies lleva a la maravillosa Vultures, y se atreve con una versión muy atítpica de nuestro querido Tom Petty, "Runnin' Down A Dream" se sale de la copia, puede que tal transgresión no guste a algunos de los más consabidos fans de nuestro rubio de Florida, yo confieso que me encanta que la saque de su estado natural más sólido y orgánico y lo lleve al gaseoso con un marcado ritmo de intención no sé si decir "industrial" o "techno". Si os digo la verdad, con tonadas como "Ant-Life" hace suyos los postulados indie-pop que en su día hicieron grandes a B&S. La suave y amable "The Heart Of It All" es magnífica, favorita del disco, si Isobel no se caracteriza por una voz prominente con multitud de registros, no importa, aquí unos coros de intención gospel elevan la tonada.

La exquisitez de Isobel para arropar sus canciones y mecernos en melodías vaporosas no tiene parangón, tonadas de nivel como "The National Bird Of India" y "See Your Face Again" son otra muestra de como es capaz de caminar por la fina línea que separa la sencillez de la sofisticación, una maestra. He de confesar que su vena british-folk es pura debilidad, y aquí tiene canciones a considerar auténticas gemas, sobretodo en su tramo final en "Counting Fireflies" y "Bellow Zero" con un tono confesional y dando mayor protagonismo a su fingerpicking. en ese aspecto también es de agradecer la versión deluxe con muchas de estas canciones en acústico.

Isobel Campbell ha entregado un disco de gran exquisitez sonora que resume muy bien el recorrido de toda su carrera artística, entre tonadas vaporosas, twee pop y folk, su dulzor y su ligereza esconden en There Is No Other una honesta y potente declaración de intenciones. Muy recomendable.

Texto escrito originalmente para el Exile SH Magazine

The Innocence Mission y la voz balsámica de Karen Peris. See You Tomorrow

noreply@blogger.com (Chals) — Thu, 02 Apr 2020 21:42:00 +0000

The Innocence Mission es un trío formado por la pareja de multi-instrumentistas Karen y Don Peris más el bajista Mike Bitts, acaban de sacar un disco maravilloso. See You Tomorrow es su doceavo en tres décadas desde su aparición y me resulta delicioso. Rozaron la popularidad gracias a la canción que colaron en un film en los 90, pero han transitado vías secundarias alejados de la popularidad y nunca han gozado de una visibilidad merecida. Además Karen Peris debería constar como una de las mejores cantautoras de su generación en estas lides delimitadas por el folk y el pop etéreo aunque venga acompañada detrás del nombre de un grupo, pues ella siempre está en el centro. En este disco toca casi todo (guitarras, piano y teclados varios, acordeón, melódica, armónica, bajo, melotrón...etc), a parte de haber escrito diez de las once canciones, un portento a la sombra y que nunca ha sido suficientemente valorada.

See You Tomorrow logra trascender sobre sus obras inmediatamente anteriores gracias al empuje cinematográfico que transmiten unas tonadas hipnóticas y gráciles dirigidas mayormente por un preciosista piano y por arreglos orquestales edificados sin complejos, así consiguen sobrepasar la etiqueta folk que tan bien han defendido en este nuevo milenio y vuelven sobre la idea de dream-pop que los dió a conocer, esta vez más sofisticado y sin perder el carácter próximo y confesional que caracteriza sus composiciones. Opino que es uno de sus discos más completos, uno de los mejores trabajos de la banda al nivel de favoritos de los 90 como son Glow y Birds Of My Neighborhood, y sin desmerecer su anterior Sun On The Square que es una joya de folk más sencilla y poco conocida, pero no menos recomendable, a descubrir para todo aquel amante del género.

Por el resultado de la producción uno no puede imaginar que el disco fue grabado entre el sótano y el salón de los Peris, eso sí, filtran el arropo del hogar y la naturalidad de quien va en zapatillas de andar por casa mientras cuenta sus pequeñas cabilaciones. See You Tomorrow busca atrapar esos pequeños momentos de felicidad estática a la lumbre de la buena compañía y a su vez deja entrever la desazón de saber que nada es para siempre, explora así el paso del tiempo que se escurre como la arena de la playa entre los dedos. Elucubrando en silencio a altas horas de la madrugada con los auriculares y a tenor de las letras y las cadencias musicales caí en la cuenta del sentimiento tan difícil de expresar entre la felicidad y el miedo, ufanos sentimientos que Peris traduce en canciones que desprenden una humanidad y una calidez apabullantes. Es normal que Sufjan Stevens quedara prendado de ellos, su fantástica versión de la tonada The Lakes Of Canada así lo atestigua.

Abrir con una canción como The Brothers Williams Said es empezar mejor que bien, pues es una de las mejores tonadas del disco y a la vez te mete en su duermevela si aguantas atento los primeros compases con sólo la voz de Karen y unos pocos acordes de piano, pues te llevará a su congoja sónica en un crescendo instrumental que me recuerda a los mejores momentos de Damien Jurado cuando se dejaba llevar por Richard Swift. On Your Side fue el adelanto, la canción que me hizo plantar las orejas desde la página de su sello Bella Union, con esta tonada no queda otra que admitirlo sin más, preciosa, maravillosa y adictiva, remite a unos 60 bohemios a Jane Birkin, a Lee Hazlewood y a los años dorados de la Nouvelle Vague.

Cuando hablaba del sentido cinematográfico no era de manera gratuita, pués Movie revela la intención de Karen de llevar sus pequeñas historias folk a un plano superior, otra canción tremenda. Karen parte del folk y lo lleva hacia territorios dream-pop, y aunque los teclados ganan protagonismo no faltan sus arpegios acústicos en canciones como St Francis and the Future y Stars That Fall Away From Us, maravillosas, empero, donde Karen lleva el sonido de principios de los 60 del Village en volandas en una placentera ensoñación de melancolía marinera y dulzura como la Isobell Campbell en su mejores tiempos. Tonadas como We Don't Know How To Say Why y At Lake Maureen me resultan difíciles de encontrar a este nivel de calidad en lo que ha dado por llamarse indie-folk, o llamadlo pop de cámara si queréis. Solo en Mary Margaret in Mid-Air la parte vocal es cedida a Don Peris, la historia lo requiere y además fluye en el mismo tono como parte del todo. El disco cierra con I Would Be There, un jangle pop fabuloso.

Para muchos un disco de estas características puede resultar lánguido y falto de garra, para nada se podrían romper guitarras con él, pero si quizás pianos de cola, acordeones y melotrones, está en otra liga menos concurrida en cuanto a oferta se refiere porque los discos de Karen Peris hay que tenerlos entre los de Hope Sandoval y Richard Hawley, en esa tierra de nadie que más allá de adscribirse a un estilo concreto solo busca generar endorfinas en tu cerebro más que adormecerlo. El único defecto que se le puede sacar es que las canciones funcionan mejor en el contexto del disco que entiendo como un todo y del que de momento solo On Your Side detecto como tonada que puede sobrevivir como hit en cualquiera de las playlists y podcasts fugaces que colman nuestras copas musicales. En todo caso See You Tomorrow es un auténtico caramelo, una delicatessen para los sentidos, una banda sonora invernal perfecta para quedarse un domingo por la tarde mirando las gotas de lluvia deslizarse por el cristal de la ventana. Claro que no puede afirmarse que estamos ante una obra maestra, pero no me cabe la menor duda de que los pocos seguidores de estas cadencias tranquilas y de Karen Peris que lleguen a estas palabras sabrán valorar el gran tesoro que acaba caer en sus manos. Este disco me tiene enganchado hasta las trancas con sus suaves cadencias y su arreglos de ambrosía y la voz de Karen... oh! la voz de Karen me hace creer que aún quedan lugares sonoros para la paz interior. Muy recomendable.

Escrito originalmente para el EXILE SH MAGAZINE

Shea Roberts - Good Times Don't Last Forever (2019)

noreply@blogger.com (Chals) — Mon, 30 Mar 2020 10:58:00 +0000

...se desenvuelve muy bien por las latitudes cósmicas que estandarizó Gram Parsons, al igual que parece sumido en la melancolía reflexiva de Gene Clark, y viste la americana con suma elegancia al estilo de Lee Hazlewood. Querencias sónicas llevadas con mimo y que convierten esta colección de canciones en un caramelo...

El año pasado reseñaba para el exile el disco Good Times Don't Last Forever de Shea Roberts, californiano que se destapaba con su primer disco en solitario alejado de su banda de garage The Richmond Sluts con los que lleva ya una década. De las primeras impresiones que leí en su momento me llamó la atención la que afirmaba que es el disco que cabría esperar de Neil Young. Si, nos puede llevar irremediablemente a Shakey, pues se trata de country-rock que nos remite a los primeros años setenta. Y es que Roberts en este disco se desenvuelve muy bien por las latitudes cósmicas que estandarizó Gram Parsons, al igual que parece sumido en la melancolía reflexiva de Gene Clark, y viste la americana con suma elegancia al estilo de Lee Hazlewood. Querencias sónicas llevadas con mimo y que convierten esta colección de canciones en un caramelo.

...tonadas inspiradas y con sabor a clásico que se suben con notable habilidad al carro del country-rock de terciopelo de los 70.

Acaba de volver Shea Roberts con el video que ha grabado junto a su mujer y que abre este disco, titulada Hacienda, este easy listening es llevado con gustosas guitarras y teclados. Tampoco se se pueden dejar escapar delicias como You Left Me There, armónica mediante y que da para pensar que lo de Hazelwood no es gratuito dado su timbre de voz y u interpretación. Ootra prueba es la gracil balada Don't Know Anymore. Fantástica pedal en la versión de John Prine Angel From Montgomery (cuanto te echo de menos Ben Keith!!), que gran homenaje a un grande como Prine, delicatessen. Y que grandísima Where My Heart Is y la crazyhorsiana Bottle Up, tonadas inspiradas y con sabor a clásico que se suben con notable habilidad al carro del country-rock de terciopelo de los 70. Se persona el espíritu del joven Clint Eastwood en el espaghetti western Old John, quizás la que desentona del lote y aún así me parece divertida y muy bien llevada. Esquiva por los pelos el copycat a grandes como Gene Clark en That Place To Go, incluso entre Cash y Gram Parsons en otra como la desenfadada Look Out Floor versión esta vez del mítico Don Chapel, incluso con una interpretación imponente y segura cuando opta por el camino más acústico de Keep You Alright, otra que remarco.

Shea Roberts es otro joven americano que recurre a los palos santos y a las fuentes lejos del rock'n'roll de su banda, ¿un pasatiempo? podría, aunque sus versiones ya dejan entrever que tiene buen gusto y sabe de que habla. Lo que si os aseguro es que el disco no desentonaría para nada al lado de artistas como Jimmy Carter and the Dallas County Green en la fantástica reco titulada Wayfairing Strangers que en su día me recomendó mi amigo Jesús Burgaleta desde el Cierzo y que aún suelo escuchar asiduamente, o sea, que si sóis afines a la cosmic american music os agradará mucho.

Ya sabemos que todo está dicho y que si al menos lo que canta lo canta con pasión y con una interpretación con mucha verdad, pués adelante, por mi que no sea y recomendado queda, para mi juega un papel importante entre los discos de americana de los últimos años, aunque después el maremagnum de la actualidad engulla una propuesta como ésta. Quien sabe si éste es el primer paso de un muy buen artista. Si queréis escucharlo, Shea Roberts regala su disco en su bandcamp, así pués os podéis descargar su música con formato al gusto, os aseguro que en hi-fi estas canciones suenan de de escándalo. Muy buena la producción, un disfrute oigan.

Actualizado a partir de la reseña original para EXILE SH MAGAZINE

Good Times Don't Last Forever by Shea Roberts

https://shearoberts.bandcamp.com/releases

Chencho Fernández - Baladas de plata (2020)

noreply@blogger.com (Chals) — Sun, 22 Mar 2020 19:51:00 +0000

...una puesta en escena que empieza desde la portada, unas 'noches de blanco satén' underground de amores imposibles que buscan las grietas de la relación convencional, con actitud de supervivencia frente a la vida y con el trasfondo de un mundo a estas alturas incomprensible.

Era difícil imaginar como Chencho Fernández iba a dar continuación a su anterior "Dadá estuvo aquí", disco que considero de lo mejor editado en este país en la última década. Hay que sumarle que han sido séis años los que han pasado, es mucho tiempo para pensar en una continuidad o en cierta lógica. El caso es que la espera ha valido la pena, valga el tópico, y tenemos aquí "Baladas de Plata". Todas las dudas se disipan de inmediato. Evidentemente ya no cuenta con el factor sorpresa y por otra parte falta la pegada pop de aquel, podríamos considerarlo inconvenientes si no fuera porque el cantautor lo compensa entregando una colección de canciones de gran calidad, otro gran disco que ratifica al sevillano como una de los grandes artístas de nuestros tiempos.

"Baladas de plata" extiende el universo sonoro de "Una buena noche", la obra maestra que cerraba el anterior disco, y mejora considerablemente la influencia de la chanson que introducía "La garçonne", se adentra en su lado baladista con mayor profusión y acierto apoyado por una producción impecable y detallista dirigida de nuevo por Jordi Gil. Claro que no esconde sus influencias, Rolling Stones, Lou Reed, Tom Waits continuan aquí, pero no debería temblarnos el pulso al afirmar que hacía muchos años que nadie como Chencho ha sabido adherir otros estilos latinos y europeos al rock que mayormente suele desarrollarse en términos anglófilos, pues la influencia de Serge Gainsbourg es evidente al igual que vienen a la memoria algunas luminarias de la canción ligera popular española, casi diría que desde los tiempos del Loquillo atrevido que transgredía el rock a base de vestirlo de etiqueta y desde el Sabina cronista de los bajos fondos del alma.

...el gran encanto de este disco es su inmersión total en estilos más propios de la canción ligera...

"Las fosas de Las Marianas" empieza con rigor rockero, tonada que recurre a los postulados del riff'n'roll que los stones estandarizaron a partir de Sticky Fingers, hay otras que se desarrollan en los mismos términos como es el caso del glam-rock "En boga" que puede llevarnos incluso al Bowie clásico setentero, los coros le delatan. Dos maravillas que piden a gritos el directo. No es el tono general del disco, hasta me atrevería a decir que el gran encanto de este disco es su inmersión en estilos más propios de la canción ligera, auténticas delicias como "Te quiero sin querer", un cruce entre Serge Gainsbourg y la celebérrima balada de Procol Harum, una de las grandes canciones aquí incluidas.

"Un hit" ahora con una sección de cuerdas se abraza al pop sixty europeo sin resultar kitsch y se descubre como un crooner fabuloso que te mantiene a la escucha de sus historias con arcos argumentales románticos brillantes. "Mi pequeña muerte en mi" se convierte en el centro neurálgico del disco, un clásico instantáneo que puede llevarnos a influencias dispares pero que inclinan la balanza por un estilo propio gracias a su fraseo único ya escuchado en Dadá.

Así se suceden baladas como "La canción de Nadia" que me llevan a pensar en grandes de la canción melódica como un Camilo Sesto crepuscular llevado a la penumbra de la madrugada. Imposible no acordarse del Tom Waits de Rain Dogs en "Salvador en la plaza del pan" hasta en la manera como la guitarra recuerda a los riffs latinos y crudos de Marc Ribot, y cabe destacar una producción brillante, capaz de disimular tan bien un ritmo de bolero como es "Como se odian los amantes", tonada con la que dan ganas de bailarse un agarrado como los de antes con flor en la solapa. "Calle Imagen" conforma la triada más rockera, entre acústica, piano y coros al más puro estilo Cohen se descubre como magnífico contador de historias cargadas de referencias clásicas en "Suicidio en Hollywood" (de su anterior grupo Las Muñecas de la Calle Feria). Y como en el anterior disco termina con una epopeya agridulce que pone la guinda apropiada, "Noche americana" crece apoyada en una sección de vientos, tiene ese espíritu de "última canción" de los disco míticos, un título que tal vez hace referencia a la película de Truffaut, podría ser por el tono francés del disco, en todo caso una grandísima canción que lo sitúa a la altura de otros cronistas del desencanto como Nacho Vegas, que manera de terminar un disco!.

Con "Baladas de plata" afianza su discurso original con su particular fraseo, compone verdaderos cuadros expresivos de una carga lírica importante, lo consigue sin perder su gancho con historias que se sitúan en el centro y una puesta en escena que empieza desde la portada, unas 'noches de blanco satén' underground de amores imposibles que buscan las grietas de la relación convencional, con actitud de supervivencia frente a la vida y con el trasfondo de un mundo a estas alturas incomprensible. Chencho Fernández da otro paso maestro, compone sin prisas una discografía que con toda seguridad figurará entre las grandes obras musicales cantadas en castellano del s.XXI. ¿El mejor disco de este año?, sin lugar a dudas.

Otras reseñas de interés de "Baladas de plata":
Juanjo Mestre en el Exile SH Magazine: https://bit.ly/3acou20

Jorge Addison en Rock and More: https://bit.ly/396vEDr

Texas - Mother's Heaven (1991)

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 19 Mar 2020 17:05:00 +0000

Un disco considerado menor situado entre dos discos con mayor acogida, sin embargo aún hoy me parece un disco de gran nivel, aquí la voz de Sharleen Spiteri brilla, una escocesa con espíritu del delta, y Ally McErlaine se luce casi a cada canción y demuestra su gran dominio a las séis cuerdas, lástima que con los años no supieran gestionar sus grandes dotes.

La prensa especializada nunca ha tratado bien a Texas, no entiendo porque se les critica tan duramente con argumentos que empiezan con el típico "- no aportaron nada nuevo", no hay que ser muy listo para percatarse de ello y no creo que fuera su intención aportar novedad a las listas inglesas más allá de su versión de una americana amable a base de canciones acabadas con clase. Tal vez no se les perdonara que apostaran por un sonido americano en una época en la que ser escocés y querer irse por los derroteros tradicionales americanos pudiera resultar inapropiado. Aunque confieso que son debilidad personal, lo sé, Texas es uno de esos grupos que no le queda bien a un tipo que pretenda recomendar buena música con todo lo que tenemos a nuestro alcance, podría incluso encuadrarse como guilty pleasure, pero con estas edades estoy yo para guilty's, lo dejo con pleasure a secas que para el caso igual voy a quedar.

El debut de los escoceses es mundialmente conocido aunque en la memoria ha quedado como parte del paisaje mainstream de aquellos años, y es que Southside contenía el famoso e hipertérrito de las kisses-efe-emes I don't want a lover, aunque entre las menos conocidas habían canciones que han envejecido muy bien como Prayer for you, Future is promises y la que da título al disco, una joya.

Un grupo de sus características lo tenía realmente mal para alzar el vuelo después del mega éxito, al menos hablando en términos de ventas, en lo musical tenían dos bazas que aseguraban una calidad mínima y que además son primordiales para este disco, una es por supuesto Sharleen Spiteri, una escocesa con espíritu del delta aquí con voz más segura y potente, la otra baza es Ally McErlaine que se luce casi a cada canción y demuestra su gran dominio a las séis cuerdas, su técnica a la guitarra es realmente buena para como estaba el patio por aquel entonces en cuanto al Top Of The Pops se refiere, blues muy bien digerido y un toque slide que sin ser virtuoso si era refinado y único en su ecosistema.

...el sonido es denso y no tan fácil de digerir como su predecesor, tiene esa aura oscura de desencanto de los discos de bajada de la ola...

En el caso de Mother's Heaven el sonido es denso y no tan fácil de digerir como su predecesor, tiene esa aura oscura de desencanto de los discos de bajada de la ola. De ponerle un pero a la producción me metería con la sección rítmica demasiado procesada, lo mismo que unas reverbs en ocasiones extremas pues estoy convencido que con un tratamiento más acústico y directo hubiera dado a este disco un aire mucho más atemporal, un "pero" menor a juzgar por el total del disco que para mí en su cómputo global es sin lugar a dudas superior a su debut, aunque todas las reseñas mundiales digan lo contrario.

La apertura señala sin tapujos sus querencias básicas con una banda funeraria de New Orleans sonando a lo lejos, rota ante la imponente densidad que introduce Mother's Heaven, primer canción que da título al disco, sección rítmica potente y riffs marca de la casa, en cierta manera continuista de su anterior mega-hit en versión darkness, aunque aquí la voz de Spiteri ya se denota superior y sentida hasta rasgar, Why Believe In You demuestra lo que digo de Ally McErlaine, es un muy buen guitarra, y el gospel particular de Sharleen que se despliega sin contención alguna y a chorro, Dream Hotel baja la intensidad instrumental que no la vocal, voz privilegiada la suya en este tonada más cercana al pop. Y llega una de mis favoritas, This Will All Be Mine, una de esas joyas escondidas en su discografía, Sharleen Spiteri con acompañamiento minimalista de bajo, slide y algunos acentos de batería, etérea y sugerente. Y en el ecuador del disco Beliefs, la más extensa, casi 7 minutos, canción que habría elegido yo de single por representar como ninguna el espítiru del disco, aire ochentas con producción noventas, denso, oscuro, una Sharleen que se sale y un solo de guitarra que haría enrojecer al mismo Slash por esos años, magistral.

Por la segunda cara empezamos con Alone With You, la tonada más amable y single que les salvó del ostracismo, slide-gospel para masas con un coro para anotar en dorado, ni más ni menos que Maria McKee, ahí es nada. Pensándolo bien podría interpretarse como una rendición a uno de los referentes de Sharleen. In My Heart tiene un solo de guitarra de caerse de espaldas, aunque la intención comercial y el tratamiento de la sección rítmica, demasiado producida, no le favorece. Waiting es a Mother's Heaven lo que Southside a su disco, una instrumental que en este caso suena a descanso publicitario o carta de ajuste, menor pero no molesta, en el tramo final del disco se lamenta Sharleen en Wrapped In Clothes Of Blue con lucimiento de Ally en una canción casi a ralentí, hay que ver lo desaprovechado que estaría este chico a partir de su 4º disco, y por favor, dadle al video de abajo, Return es una de las mejores canciones de Texas, olvidada hasta por sus propios fans acérrimos, voz y guitarra en estado de gracia que consiguen aquí una de esas canciones que vale sus quilates y que los amantes del roots y delta-blues deberían llevar en procesión río abajo por el Mississippi. Y cierra Walk The Dust donde la voz y la acústica son cortadas por la densidad propia del sonido de Mother's Heaven.

Un disco considerado menor situado entre dos discos con mayor acogida, sin embargo aún hoy me parece un disco de gran nivel. Lástima que con los años no supieran gestionar sus grandes dotes y centraran la imagen/sonido del grupo en Sharleen Spiteri buscando descaradamente la popularidad pero a base de decisiones no muy acertadas artísticamente hablando. Lo dicho, Mother's Heaven un disco único y con unas cuantas joyas olvidadas a tener en cuenta.

Bruce Springsteen - The Ghost Of Tom Joad (CBS, 1995)

noreply@blogger.com (Chals) — Tue, 17 Mar 2020 10:25:00 +0000

...siempre fue mejor que el Bruce que vino después, el de largas giras, el del espectáculo en mayúsculas con su banda. Este es un Bruce lúcido y combativo que desde su posición privilegiada es capaz de armar un discurso sólido con mucho tacto y sensibilidad en favor de los más desfavorecidos, oscuro y dulce a la vez...

Aún recuerdo el día que salió The Ghost Of Tom Joad, aún recuerdo el primer día que estuvo a la venta y el ansia de quien sostiene un tesoro por abrir camino a casa. También recuerdo como si fuera ayer la gran decepción que me llevé desde la primera escucha al comprobar que no había ni rastro de la E Street Band, ni de la reunión que había tenido lugar gracias al Greatest Hits de aquel mismo año, ningún Murder Incorporated, ningún atisbo de guitarras eléctricas, ni de poderío en su voz. La edición del EP Blood Brothers tampoco me resarció en meses de aquel agravio.

Los 90 pasaron sin pena ni gloria para el Boss, quizás por culpa de Human Touch, si no fuera por la estupenda caja de las Tracks (visto desde una perspectiva oficial claro). Al mismo tiempo se esfumaban mis esperanzas por la vuelta de Bruce con su banda en su formato más festivo y eléctrico (tardaría siete años!!!!). Mi juventud tensaba las ganas de volúmen. Sin embargo con el tiempo este disco ha entrado a formar parte de mis favoritos más allá de su etapa clásica, quizás uno de sus discos más infravalorados, y es que llegó a destiempo en una década en la que las guitarras más punzantes llegaban a televisión, Springsteen optaba por el sentido contrario. Incluso podría parecer que se empeñaba en autosabotear su carrera y más si tenemos en cuenta que años antes dió un paso similar, mientras todos desenchufaban su instrumentos para la Mtv, él los enchufaba para ofrecer un recital de fuerza eléctrica, sin embargo nuestro Bruce pagó caro no llevar de la mano a la E Street Band, aún con la grandeza que demuestra. ¿Soy el unico que piensa que debería haber afianzado la química con su nuevo grupo con otro disco?. Pero decidme, que daríamos porque hoy nuestro Bruce se sacase de la manga un disco como aquel!

En este disco sus historias son las auténticas protagonistas, versos que descubrí gracias a las fabulosas traducciones a cargo de Steve J. Powell con la colaboración de Ángeles Martín y Matías Uribe que regalaba el magazine de apasionados del Stone Pony. Ellos lograron que con el tiempo y letras en mano, aquella desilusión que tanto se había arraigado en mi percepción de mi ídolo, me hiciera adentrarme en el mundo en blanco y negro que tenía la mirada puesta en Las Uvas de la Ira. Me forzó a descubrir a Steinbeck, descubrí al tiempo a John Ford en toda su grandeza. Y descubrí de manera más cercana la actualidad que me rodeaba y el reverso de la norteamérica que hasta aquel momento había idealizado. Me dí cuenta de que mi adorado Nebraska tenía el mejor hermano pequeño que pudiera haber parido mi padre putativo.

Bruce se acercaba al folk protesta desde una interpretación íntima más que inflamada, de nuevo brilla una armónica que llora igual que cuando cruzó el Río.

Bruce se acercaba al folk protesta desde una interpretación íntima más que inflamada, de nuevo brilla una armónica que llora igual que cuando cruzó el Río, desde la sombría apertura inicial The Ghost Of Tom Joad, la canción que da título al disco y que puede servir como aliento/himno para los desagraciados que pueblan las cunetas de esta sociedad. Su guitarra acústica envuelve cada verso de arpegios amables a la par que sentidos, Straight Time así lo atestigua, canción con mimbres de clásicos pretéritos hermana directa de las cadencias nebraskeras, como Highway 29 road movie sobre la huida hacia adelante dejando un reguero de sangre detrás. Youngstown se alza como uno de los puntos álgidos, acompañan pedal steel y violín, como en otros momentos del disco, y nos ayuda a situarnos mentalmente en alguna frontera inhóspita, con un colchón de sintes que convierte este folk en una banda sonora de travellings excelsos. Bruce canta desde un lugar entre la nostalgia, la melancolía y el fuerte sentimiento de dignidad que surge de la propia supervivencia. The Line es posiblemente una de mis canciones favoritas, una joya, una historia de amor que supera fronteras físicas y de clase, junto a Dry Lightning, otra de las canciones que elevan la lírica de Bruce a cotas nada despreciables, y donde los pequeños detalles del día a día pintan un lienzo de deshazón dignas de las mejores escenas de Wim Wenders. Across The Border obra el milagro, imprime al disco un punto de fuga hacia la esperanza, un amago positivo, un querer pensar que todo saldrá bien en la tonada más adictiva. My Best Was Never Good Enough cierra este disco, un pequeño caramelo que utiliza todos los refranes y rimas populares con maestría, quizás como siempre nuestro Bruce canaliza sus vivencias personales a través de las canciones para acercarnos a situaciones reales, desmitificando todos los mitos bien pensantes que encuentra a su paso. Musicalmente no es un disco a menospreciar gracias al buen gusto que su buen amigo Chuck Plotkin imprime a cada rincón de este tracklist.

A día de hoy me ratifico en la idea de la grandeza de un disco que no pasa de moda porque está fuera de ella, porque habla de como nuestra memoria se va perdiendo y con ella la empatía se va diluyendo. Bruce utiliza el personaje de Steinbeck para contarnos que la historia se repite, todos somos inmigrantes en este mundo y la historia no ha cambiado. Este fantasma es el hilo conductor que une a quienes buscaron sin éxito la tierra prometida en la gran depresión provocada por las grandes familias adineradas para tomar el poder y deshacer aquella máxima que rezaba el famoso "Libertad, igualdad y fraternidad", los mismos que arriesgan su vida atravesando la frontera huyendo de una situación que paradójicamente se originó en el país a donde van, hermanos de quienes intentan subirse a una maltrecha barca con su familia para buscar un poco de dignidad más allá de la guerra y el hambre hacia un primer mundo que no sólo les ha expoliado hasta el último gramo de dignidad, sinó que además les cierra la puerta. El fantasma de Tom Joad acompaña a todas esas familias que se quedan en la calle mientras unas entidades financieras cebadas con dinero público acumulan viviendas vacías. El fantasma que acompaña a tantos niños y niñas que quedan atrapados en una frontera entre fuego cruzado de gases lacrimógenos y la violencia ultranacionalista ante la mirada impasible de la comunidad internacional. Hay un verso en la primera estrofa de la primera canción que dice algo así como - Bienvenidos al nuevo orden mundial, una idea recurrente en la literatura distópica y en los círculos más conspiracionistas y que aquí Bruce encuadra en la realidad social de la actualidad, una actualidad que alarga su sombra y que parece culminar en nuestros días.

Un disco como éste viene a recordamos la vileza de nuestra condición humana, nuestra doble moral, la manera tan sutil en la que giramos la cabeza hacia otra parte. Pero lo más importante que logra este disco es acercarnos a personas normales como tú y como yo llevadas al límite de sus posibilidades sin remedio, esas familias que podrían ser las nuestras y que las noticias nos despersonalizan entre cifras de geopolítica y deportes. Uno de los grandes discos que ha hecho nunca Bruce Springsteen aunque la plana mayor del rock'n'roll se empeñe en su enquistada valoración a limitar su grandeza entre el 73 y el 84. El Bruce que nos trae The Ghost of Tom Joad ha sido menospreciado con el paso de los años, y para mí siempre fue mejor que el Bruce que vino después, el de largas giras, el del espectáculo en mayúsculas. Este es un Bruce lúcido y combativo que desde su posición privilegiada es capaz de armar un discurso sólido con mucho tacto y sensibilidad en favor de los más desfavorecidos, oscuro y dulce a la vez. Uno de sus grandísimos discos.

Entre las brumas cósmicas de Rose City Band.

noreply@blogger.com (Chals) — Mon, 16 Mar 2020 11:45:00 +0000

...apuesta por desarrollar capas ambientales de psych-folk pastoral y country cósmico setentero con el que forma una brumosa nube sónica, más orgánico que en el proyecto con su mujer, menos experimental que los Wooden Shjips, transmite calidez y sosiego imbuido por el espíritu lejano de Laurel Canyon pero sin caer en el revivalismo...

El año pasado aparecía este disco de Rose City Band, misteriosa formación que se presentaba como un colectivo musical procedente de Portland, nombre que parece rendir homenaje a su ciudad, enigmático disco que se editó sin apenas promoción y con poca información al respecto, tampoco no hubo gira de presentación.

Desde las primeras escuchas me llenaron el vacío que dejaron Beachwood Sparks con sus primeros discos. Con el tiempo la incógnita se fue despejando. Ni más ni menos que tenemos al inquieto Ripley Johnson, maestro en el arte de la psicodelia rock y más conocido por sus otros proyectos como vocalista y guitarra en los grandes Wooden Shjips, y por su otro proyecto junto a su mujer tras el nombre de Moon Duo.

En esta encarnación apuesta por desarrollar capas ambientales de psych-folk pastoral y country cósmico setentero con el que forma una brumosa nube sónica, más orgánico que en el proyecto con su mujer, menos experimental que los Wooden Shjips, transmite calidez y sosiego imbuido por el espíritu lejano de Laurel Canyon pero sin caer en el revivalismo, un disco que invita a dejar las preocupaciones y responsabilidades de lado haciendo de su escucha un intercambio de iones negativos que nos transporte a orillas del mar en una playa solitaria y tranquila de un verano cualquiera, una auténtica gozada.

A las canciones más directas se contraponen otras donde priman las capas sónicas entre las que encuentra un espacio más libre donde desarrollar su maestría a la guitarra...

"Rip City" abre con el rasgar de una limpia acústica ayudada por unas simples líneas de guitarra que me llevan a esos primeros discos de los hermanos Rademaker con The Tyde. En esas horas de atardeceres y sol rojizo deslizándose tras el horizonte, Ripley se aplica en tonadas pop como "Wide Roll" y "Wandering Feeling"que sin despegarse de su tono vocal pastoral resulta más cercano al indie de los 90 más melódico.

A las canciones más directas se contraponen otras donde priman las capas sónicas entre las que encuentra un espacio más libre donde desarrollar su maestría a la guitarra, como en los viajes "Me and Willie" y "Fear Song" canciones envueltas en un halo etéreo de más de siete minutos, y como la sublime psicodelia coutnry-rock de "Rivers Of Mind", un mantra triposo que incluso puede recordar a los viajes más psicotrópicos vividos en los 70, lo bueno es que lo consigue sin resultar engorroso. Cierra este disco por todo lo alto con "Fog Of Love" una gran tonada dirigida por una línea de guitarra que me hace pensar en un Tom Petty pasado de ácido.

Según el artista su intención era pasar desapercibido, quería apartarse de la rueda y hacer un pequeño disco que no le llevara a tener que cumplir ciertas obligaciones promocionales. La suerte es que aún con esa humilde intención ha entregado una colección de canciones de gran calidad más que recomendable. Un disco de sólo siete canciones, breve y fluido, un disfrute. Que tengáis un agradable y buen viaje.

Micah P. Hinson - The Baby & The Satellite (2005)

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 15 Mar 2020 12:07:00 +0000

...con veintitantos años el muy jodido consigue transmitir lo que un viejo curtido en mil y una batallas, sin golpes de efecto ni artimañas, con su guitarra, unos cuantos acordes y arreglos más bien austeros, y donde su voz es el mejor instrumento en unas canciones que se arrastran entre melancólicas, tristes y extrañamente reconfortantes...

Es difícil otorgarle la misma autenticidad que a grandes fuerzas de la naturaleza como Johnny Cash, y más si atendemos a su fecha de nacimiento en el carné, aunque la música está ahí y con veintitantos años el muy jodido consigue transmitir lo que un viejo curtido en mil y una batallas, sin golpes de efecto ni artimañas, con su guitarra, unos cuantos acordes y arreglos más bien austeros, y donde su voz es el mejor instrumento en unas canciones que se arrastran entre melancólicas, tristes y extrañamente reconfortantes.

Micah es un songwritter prematuro que ya sabe que es estar a las puertas del infierno, cumple todos los clichés, drogas, cárcel, infancia difícil, internado psiquiátrico, joven problemático...etc suele dársele demasiado peso a estas experiencias, y puede que justificando su juventud, pero no es necesario, si pasamos de la prensa amarilla su música es suficiente crónica de su experiencia vital. Y lo transmite perfectamente, es esa facultad para cantar para sí mismo cuando afronta mil y una penas, como si nadie mirara, otorgando al oyente una primera fila en cada historia.

Por supuesto, tampoco hay que perder el norte como leí en su día en diversas publicaciones que le otorgaban sin pestañear el título de "nuevo" Cash, Cohen, Dylan... una obsesión periodística de la que hay que hacer caso omiso para no llevarse decepciones, él mismo bromea sobre estas consideraciones, es obvio que no sería quien es sin esas influencias, no lo esconde y bebe de ellos, también los regurgita como pocos, pero como todo el mundo todos los lunes vuelve a su curro en el videoclub donde trabaja, tiene los pies en la tierra.

Hoy me he decidio a traerme a la route el que tal vez es mis disco favorito de Hinson. Se trata de The Baby & the Satellite, un disco que editó después del muy bien recibido "...and the Gospel of Progress". Hinson regrabó para la ocasión la primera demo que hizo en el 2000 y el resultado es este, puede que no sea un buen disco por el que empezar si no conoces a Micah P. Hinson, o puede que sí, eso si no os importa su condición de EP y por tanto de obra menor, que además suena destartalado, también sincero y visceral. Ocho canciones con una novena pista de las llamadas "fantasma" después de 30 minutos de silencio que reproduce la grabación original tal y como las volcó en la cinta cuando nadie le conocía, sin trampa ni cartón.

A Micah le va el menos es más, cosa que comprobé en directo acompañado tan sólo de su guitarra, cervezas y una batería. Ahora ya hace mucho del éxito, de la calenturienta novedad y de las portadas en el indie-mainstream, también de sus visitas incluidas a los festivales veraniegos. Al final queda la música que por cierto sigo escuchando pese a la rapidez de la rueda, y a mí modo de ver sus canciones son la mejor prueba para constatar que fuera de booms de nuevo folk y de alt.country de cartón-piedra, Micah tiene uno de los cancioneros más honestos y sinceros, uno de los que más me gustan de la nueva hornada nacida en este milenio en ésto de los sonidos acústicos y folkies. Su austeridad me parece sublime, las canciones fluyen sin artificio alguno, atrapan la atención. La rítmica The Dream You Left Behind, la melancólica Wasted Away, los ojos del enamorado en la sencilla y romántica For You Eyes, y Day The Volume Won que considero una de sus joyas escondidas, voz, acústica y guitarra son suficientes para dar cuerpo a esta nana para adultos. Utiliza algunos ritmos programaods, algún sinte, pero por lo general el tono es lo-fi, acústico, íntimo, sincero.

Hay discos que sin ser obras maestras de la música pertenecen a ese reducido número de discos que nos definen y que parece que siempre estuvieron allí, este para mi es uno de esos discos. The Baby & the Satellite puede que sea una obra menor aunque para mi es muy grande, si no fuera porque las fechas no me cuadran diría que el espíritu de Cash encontró en el cuerpo de este pequeño gran artista otro hogar donde reinventarse por enésima vez. Favorito de la vida.

The Dreams You Left Behind

To Bring You My Love, la obra maestra de PJ Harvey. 25 años después.

noreply@blogger.com (Chals) — Sun, 08 Mar 2020 11:40:00 +0000

...una obra que continúa siendo actual y necesaria 25 años después de su edición, disco ante el que siento respeto y admiración profunda, uno de los discos de mi vida de una artista que debería considerarse de las más grandes que nos ha dado el rock por su enorme talento y por la grandiosidad de su obra...

En plena era del grunge y el brit-pop pocos fueron los artístas que supieron manejarse con éxito masivo fuera de la tendencia de aquel momento ofreciendo una versión personal del rock y al tiempo entregando calidad. PJ Harvey es una de esas artistas que reinaron en los 90 en estas condiciones, en sus propias condiciones, y me resulta especialmente importante en cuanto a que ofreció una visión transgresora y genuinamente femenina dentro del ámbito del rock ya desde sus inicios en solitario con dos discos crudos y punzantes como son Dry y Rid Of Me.

Parándome a escuchar atentamente estas primeras canciones aún adquieren hoy un valor mayor más allá del denominador común que la une musicalmente a su generación, ya que Polly Jean no utilizaba su condición femenina para entregar un compendio de reflexiones victimistas, ni bien intencionadas, ni buen rollistas, se imponía su talento a través de una profundidad descarnada empezando por sus letras que desmonataban algunos tópicos tanto en las formas como en el contenido utilizando por ejemplo imágenes bíblicas como hablando de la masturbación, temas recurrentes que a aquellas alturas de la película aún no eran aceptados de la misma manera si es que venían de una mujer artista.

...aquí se alinean todos los astros: la calidad de las canciones, sus letras y la intensidad de su interpretación, y hasta una producción más refinada que para nada difumina la crudeza de sus primeros discos...

En "Rid Of Me" dejaba que Steve Albini desarrollara todas las virtudes sónicas que lo caracterizaban aprovechando una tanda de canciones inspiradas. Es sin lugar a dudas uno de los mejores discos que pueden definir la década de los 90. Aunque es su siguiente disco "To Bring You My Love" el que marca el momento en el que Harvey se convirtió en una de las rockeras más grandes de todos los tiempos más allá de escenas, género, estilos y tendencias. Aquí se alinean todos los astros: la calidad de las canciones, sus letras, la intensidad de su interpretación y una producción más refinada que para nada difumina la crudeza de sus primeros discos.

Empieza de cero sin su banda habitual, aparece en escena John Parish y ambos con el apoyo primordial de Flood (Mark Ellis), y una amplia nómina de músicos entre los que cabría destacar a Mick Harvey, consiguen facturar una producción repleta de detalles y efectos puestos al servicio de las canciones y que apuntalan el enfoque de las mismas, al mismo tiempo no lo deja todo en manos ajenas y se reafirma como una multi-instrumentista intuitiva. Y lo más importante para mi es que consigue convertirse en el último gran icono del empoderamiento femenino sin que tuviera que recurrir en su discurso a la lucha de géneros de una manera explícita, ella lo consigue con su sola existencia como artista y con una interpretación majestuosa, gran talento que demuestra tratando con total maestría temas trascendentales, la muerte y el dolor se funden con la vida, canta sobre el amor como nunca nadie había cantado sobre el amor, supera toda clase de estereotipos convirtiendo la pasión en religión más allá de cualquier placer terrenal y el rock en su vehículo místico.

Su blues minimalista a base de riffs cortantes como estiletes se abre paso como un mantra en la apertura in crescendo de "To Bring You My Love", adereza de ritmo industrial y rockero la adictiva "Meet Ze Monsta", tan seductora como desafiante en "Working For The Man", introduce piezas más acústicas y cercanas al folk con secciones de cuerda incluidas como "Send His Love To Me", en los mismos términos es la grandísima "C'mon Billy" la gran destacada del lote, junto a una inspirada "Down The Water" que podría considerarse el centro neurálgico del disco. "Teclo" reinventa un Robert Johnson si este existiera en la actualidad, y si se trataba de hacer sonar las guitarras como la que más "Long Snake Moan" es un proyectil del mejor rock alternativo capaz de amedrentar al grunger más resabido. Hace del menos es más su santo y seña alcanzando en piezas como "I Think I'm A Mother" una expresividad arrolladora. La sugerente "The Dancer" cierra esta obra maestra del rock sin desperdicio alguno, canciones en las que Harvey además de tocar la guitarra, se sirve del órgano como principal arma, omnipresente a lo largo del disco junto con arreglos donde aparecen marimbas y vibráfonos, y secciones cuerda que son desarrollados con gran acierto sin que por ello pierda tensión en ningún momento.

To Bring You My Love es una obra que continúa siendo actual y necesaria 25 años después de su edición, disco ante el que siento respeto y admiración profunda, uno de los discos de mi vida de una artista que debería considerarse de las más grandes que nos ha dado el rock por su enorme talento y por la grandiosidad de su obra.

Bonny Light Horseman - Bonny Light Horseman (2020)

noreply@blogger.com (Chals) — Wed, 04 Mar 2020 20:31:00 +0000

...la amabilidad melódica con la que se desenvuelven, junto a la familiaridad de las tonadas, las interpretaciones vocales que van alternando entre ellos y una intención sonora que más que acomodarse en la parquedad del folk, lo expande, convierten este artefacto en una auténtica maravilla.

Una de los grandes reclamos de este disco es que tras el nombre de Bonny Light Horseman se esconden tres grandes artistas en lo que suele llamarse un supergrupo. Ellos son Eric Johnson de Fruit Bats, el multi-instrumentista Josh Kaufman, que a pesar de no ser muy conocido ha trabajado con gente de la talla de Bob Weir, Josh Ritter y The Hold Steady entre otros, y Anaïs Mitchell, cantautora reconocida en el ámbito del folk, últimamente metida en saraos de Broadway y de la que cabe destacar el gran disco Child Ballads que sacó junto a Jefferson Hamer hace más de un lustro. (reseña: http://bit.ly/38bfedv)

Otro de los reclamos primordiales para que estas canciones me resulten de obligada parada este inicio de año es el mismo concepto del disco, pues tratan de adaptar canciones que ya pertenecen a la gran historia del folk, una premisa que en principio podría dar como resultado otro aburrido disco de versiones y que en sus manos cobra sentido. No sólo se limitan a modernizar antiguas tonadas, además las transforman, cambian el título, la letra, o simplemente se quedan con el motivo principal y la reescriben para contextualizarlas en la difícil y controvertida actualidad. De Bert Jansch a Fairport Convention, personajes míticos del imaginario folk como John Henry, murder ballads y viejos espirituales, con su visión expansiva y universal del folk consiguen que todas y cada una de las referencias que aluden tiendan un maravilloso puente musical que recorre la historia del folk desde los Apalaches hasta las islas británicas en diez maravillosas canciones.

Desde la tradicional "Bonny Light Horseman" cantada por la dulce voz de Mitchell, una Cindy Lauper del folk, no esconden su apego hacia los orígenes británicos de la música americana. "Deep in Love" esta vez cantada por Johnson, es una tonada rescatada de sus Fruit Bats y grabada en una sola toma, compenetración total que se acomoda en el tracklist tradicional como si hubiera sido pensada para esta colaboración, hay que ver lo bien que le queda el folk al sr.Johnson. Me vienen a la memoria Cowboy Junkies y Maria McKee con "The Roving", es maravillosa por como se acercan al suave dream-pop a partir de una letra de más de quinientos años.

Johnson, Kaufman y Mitchell cumplen esa gran máxima que no está escrita y dicta que el folk debe estar vivo y en constante movimiento, y lo consiguen sin que resulte forzado pues las canciones fluyen naturales, se denota verdadera pasión en sus interpretaciones

Cada tonada tiene su espacio y su carácter, el motivo que traza la guitarra en "Jane Jane" tiene su gancho, un juego vocal a dos bandas con el que se llevan este viejo espiritual afroamericano a su territorio, de nuevo Johnson y Mitchel cantan juntos en la magnífica relectura de "Blackwaterside", la canción que popularizó Bert Jansch, favorita, que elegancia. "Magpie's Nest" lleva el fingerpicking a una eclosión final apoyado por el órgano, y la colaboración vocal de lujo a cargo de Justin Vernon en el espiritual de los apalaches "Bright Morning Star" propicia un muy buen juego de armonías vocales y uno de los mejores momentos del disco, y es que no podía faltar el sr.Vernon, pieza clave que tiene parte de culpa de esta colaboración, suyo es el sello y el festival donde participaron con la coartada del folk. No sobra nada en este disco que encara la recta final con la exquisitez de la balada "Lowlands" y la sencilla "Mountain Rain", termina con "10.000 Miles" ahondando un paso más en el territorio sonoro grácil y etéreo al que llevan el folk, empero, que maravilla.

Sin traicionar el sentido de las tradicionales originales, Johnson, Kaufman y Mitchell cumplen esa gran máxima que no está escrita y dicta que el folk debe estar vivo y en constante movimiento, y lo consiguen sin que resulte forzado pues las canciones fluyen naturales, se denota verdadera pasión en sus interpretaciones y en cada arreglo instrumental, acústicas, eléctricas limpias, pianos y órganos, ritmos suaves, sin sorpresas inesperadas, al contrario, la amabilidad melódica con la que se desenvuelve, junto a la familiaridad de las tonadas, las interpretaciones vocales que van alternando entre ellos y una intención sonora que más que acomodarse en la parquedad del folk, lo expande, convierten este artefacto en una auténtica delicatessen.

Escrito originalmente para Exile SH Magazine

Drive-By Truckers vs The Flat Earhtist. El ruido y la furia.

noreply@blogger.com (Chals) — Mon, 02 Mar 2020 20:26:00 +0000

Después de más de dos décadas en activo la banda de Athens continua con muchas cosas que decir, pero sobretodo han conseguido escapar de las etiquetas estilísticas que siempre les han acompañado para convertirse en una de las bandas más grandes del rock americano

Me gustan mucho los grupos que saben armar una buena canción para dar voz y visibilizar situaciones de extrema exclusión social. En la música americana tenemos ejemplos de grandes artistas que se han posicionado, con el permiso de Woody Guthrie tengo entre mis primordiales Darkness y Nebraska de Bruce Springsteen, The Revolution Starts Now de Steve Earle, incluso Election Day de Ry Cooder, son discos que enfocan con precisión y no dudan en poner nombres y apellidos. Hay muchos otros artistas en los últimos tiempos con esta misma necesidad de utilizar el escenario como altavoz de su protesta, ya tenga un largo recorrido como es el caso de Lucinda Williams o Chuck Prophet con sus últimas canciones, también el infravalorado Union de Son Volt, o cantautores noveles como mi querida Katie Blount. En el caso de Drive-By Truckers, ha sido un grupo que desde sus inicios ha contado historias de la America profunda, caminando del lado del perdedor, comprometidos con su procedencia y con una gran sensibilidad que los ha acercado a sus personajes más que utilizar su situación con condescendencia.

No, no ha sido casualidad subtitular El ruido y la furia este especial a Drive-By Truckers, como en la novela de Faulkner, el sur sirve de escenario y plataforma a partir de la cuál el grupo de Athens ha construido un universo propio que ha explicado a lo largo de su trayectoria el devenir político y social de un país en descomposición, nadie como ellos han enfocado su escritura hacia el sur tradicionalista y temeroso de Dios, incluso han hablado de maltrato como pocos, al igual que no podía faltar la denuncia a la difícil situación laboral de la clase trabajadora de la norteamérica actual, hasta la industria discográfica también ha sufrido la ira de los truckers. Así que más que no sorprenderme, no es de extrañar que en estos dos últimos discos hayan redirigido sus diatribas más punzantes hacia la administración de Donald Trump visto el despropósito que está alcanzando su gobierno. Y más que en lo musical, me parece una gran noticia que hayan conseguido una colección de canciones de tal calado político a este nivel de calidad.

Porque en lo musical nunca vi momento de flaqueza con la salida de Jason Isbell, me supo peor la salida de Shonna Tucker por el contrapunto femenino que aportaban sus composiciones y su voz. En definitiva son músicos de gran trayectoria que han mantenido el nivel a lo largo de los años. Tampoco es novedad que se despeguen de las sonoridades más sureñas, es más, pienso que su "sino" siempre fue no encontrar un lugar propio que los alejara de la etiqueta southern que siempre les acompaña, recuerdo el más rockero A Blessing An A Curse o el ecléctico English Oceans, incluso el infravalorado Go-Go Boots con su acercamiento al r&b y al soul, discos a destacar en ese aspecto de búsqueda. Lo que está claro es que nunca han sacado el pie del todo, pues por su venas siempre correrá la sangre sureña con mayor o menor intensidad.

Aunque nadie ha reparado en el detalle, me parece primordial la especial debilidad que siempre ha mostrado Patterson Hood por el disco Darkness On The Edge Of Town, seguro que no será un secreto para sus seguidores más acérrimos la mini-gira que hizo hace unos años con repertorio del disco de Springsteen, al igual que recuerdo como en las rrss recomendaba fortografiarse al menos una vez en la vida en la portada del disco. Es un detalle que me parece primordial porque estoy convencido de que lo que anda buscando el combo desde hace ya unos años es encontrar un espacio propio al igual que el Boss en su obras más míticas ha conseguido que nadie le cuelgue una etiqueta resultando al mismo tiempo ser más americano que el que más.

...muestra a unos Drive-By Truckers comprometido y valientes como nunca, un disco que abre un nuevo episodio en la historia de la banda y deja las espectativas muy altas...

Así pues lo que para mi hace de estos dos últimos discos primordiales en su carrera discográfica es que consiguen su propósito sin recurrir a ejercicios de estilo ni tener que escocarse hacia territorios poco transitados. Al mismo tiempo la manera de doblar las voces y utilizar los teclados o la misma composiciones de sus estribillos los llevan hacia un rock americano de corte más clásico. En todo caso es ahora cuando ocupan un territorio que les es propio y en el que las etiquetas ya no pueden delimitarles, el propio título de American Band condensa esa percepción y proyecta a la perfección tal apelativo, y lo mejor es que lo consiguen con calidad. Bien es cierto que el disco de 2016 resulta más directo y además fue recibido como un regreso triunfal y no es de extrañar porque tiene verdaderos trallazos a considerar himnos como "Surrender Under Protest". también les honra abrir con un dardo envenenado a la nefasta asociación del rifle en "Ramón Casiano", no van con chiquitas y se agradece además que sus guitarras se alcen con riffs que ilusionan.

Aunque tengo que confesar que para mi es "Sun Don't Shine" la verdadera joya de este disco, una balada melancólica con poso pesimista y tono confesional. Las composiciones se equiparan entre ambos guitarras, curioso que las tonadas con guitarras más prominentes (no todas pero casi) corresponden a Cooley como es el caso de los himnos nombrados, añado "Filthy and Fried" y "Kinky Hipocrite", quedando Hood que a excepción de "Darkness Flags At The Cusp Of Dawn" ejerce un papel más reflexivo a nivel sonoro, para el caso las magníficas "Guns Umpqua" y "Even South". Otra de las joyas de la corona es "What It Means", una denuncia contra el racismo institucionalizado que aún en el siglo XXI se padece en EEUU. concretamente el caso del asesinato de Trayvon Martin y la polémica resolución Ferguson que Hood denuncia desde hace años. Sin lugar a dudas American Band muestra a unos Drive-By Truckers comprometidos y valientes como nunca, un disco que abre un nuevo episodio en la historia de la banda y deja las expectativas muy altas.

...un disco corto y secuenciado a la perfección, uno de sus trabajos más refinados...

Con todo, las canciones que me han empujado a escribir este texto son las contenidas en The Unraveling. Aunque no sea una apreciación compartida, el disco que han editado este año es el que para mi les pone definitivamente en el sitio que les corresponde como una de las grandes bandas del rock (a secas), pues han encontrado un espacio propio y reconocible, y que al igual que el Darkness (si fuera editado en la actualidad) necesita de su tiempo y atención para adentrarse entre sus surcos, dedicación que se salda con sobrada satisfacción musical. En esta ocasión Patterson Hood asume la autoría de la mayor parte de las canciones. Fantástica la apertura "Rosemary with a Bibble and a Gun" una de esas historias pequeñas protagonizadas por personajes al límite de sus posibilidades y al tiempo una tonada que retrata un problema de mayor embergadura. "Armageddon's Back in Town" es un gancho directo a la mandíbula digna de los grandes del rock. la canción que hace décadas que Springsteen no hace.

Con todo "Thoughts And Prayers" se lleva el gato al agua, una grandísima tonada a colocar entre las grandes de su repertorio, un country-rock protesta además adictiva que señala con el dedo al máximo responsable de esta barbarie incluso tildándole de "tierraplanista" (The Flat Earthist), geniales es poco. De las dos firmadas por Mike Cooley, "Slow Ride Argument" se alza con el título de la más guitarrera del lote, un cruce perfecto entre The Hold Steady y los Replacements y con unos coros que nos llevan hacia los años ochenta del aquel llamado heartland rock, una maravilla que pone las pilas. Aunque para mi los truckers actuales ganan mucho cuando bajan las revoluciones, otras como "21th Century USA" o la punzante "Babies in Cages" son gran prueba de ello. Un disco de esta envergadura no podía tener otro final, la densa "Awaiting Resurrection" con casi nueve minutos cierra este disco como una elegía, casi recitado, que se debate entre el pesimismo y la esperanza. Me gusta además porque es un disco corto y secuenciado a la perfección, uno de sus trabajos más refinados, todo sea dicho, con la ayuda del productor David Barbe habitual a los mandos y al que se le puede considerar uno más de la banda.

Drive-By Truckers han encontrado en la actualidad de su país un propósito que les hace tensar su creatividad como no recordaba. Dos discos unidos en su trasfondo pero diferentes en lo musical: American Band más directo y The Unraveling más denso. Después de más de dos décadas en activo la banda de Athens continua con muchas cosas que decir, pero sobretodo han conseguido escapar de las etiquetas estilísticas que siempre les han acompañado para convertirse en una de las bandas más grandes del rock americano.

Aoife Nessa Frances - Land Of No Junction (2020)

noreply@blogger.com (Chals) — Tue, 25 Feb 2020 17:01:00 +0000

...su música de ascendente pastoral y esencia independiente me lleva a pensar en una Courtney Barnett del folk, una Cat Power época Moon Pix pasada por el tamiz british, la prima indie del último Paul Weller, incluso la revisión contemporánea femenina de Nick Drake salvando todas las distancias posibles, y todo con trazas de psicodelia muy medida y deliciosa que se va descubriendo a lo largo del disco a través de numerosos detalles instrumentales...

Uno de los discos destacados de este año en curso va a ser sin lugar a dudas este Land Of No Junction, el debut de la irlandesa Aoife Nessa Frances. Artista que más que salir de la nada ya tiene antes de sus treinta años sus tablas en la escena underground de Dublín con el dúo Princess con el que desarrolló su sello personal a base de shoegaze y noise de calado experimental, sin complejos ni ataduras.

En esta nueva etapa en solitario, Aoife Nessa Frances ha reunido una muy buena banda de colaboradores alrededor de la figura del más popular y experimentado Cian Nugent quien ejerce de socio musical ocupándose de guitarra y bajo. Razón inicial por la que me ha llamado la atención este disco, pues Nugent es uno de los artistas destacados del folk actual con influencias que van de la escuela primitiva de John Fahey a la británica de Bert Jansch, base a la que es capaz de aplicar otros ingredientes del rock alternativo guitarrero como The Velvet Underground y Television, y no sólo ha actuado junto a Steve Gunn, sino que su disco Night Fiction de hace unos cuatro años bien hubiera merecido más atención (recomendado queda). Sumemos a Brendan Jenkinson quien además de encargarse de los teclados está a los mandos y es parte fundamental del equipo de Nugent en solitario al igual que Ailbhe Nic Oireachtaigh que aporta gran parte del carácter del disco con sus maravillosos arreglos de cuerda, completa la formación Brendan Doherty en la percusión.

Un equipo que se conoce y que era preciso nombrar porque se nota la química, y que nada más lejos de acaparar protagonismo se ponen al servicio de las canciones pues aquí es Aoife Nessa Frances quien está en el centro con sus composiciones y su interpretación.

La música es la extensión lógica de las letras de Aoife, muy particulares y subjetivas, dan pinceladas sobre experiencias personales además de resaltar su carácter femenino y reivindicativo siempre en un tono más sosegado y sombrío que triste.

Conviene escuchar atentamente su personalísima manera de entender la música de ascendente pastoral y esencia independiente que me lleva a pensar en una Courtney Barnett del folk, una Cat Power época Moon Pix pasada por el tamiz british, la prima indie del último Paul Weller, incluso la revisión contemporánea femenina de Nick Drake salvando todas las distancias posibles, y todo con trazas de psicodelia muy medida y deliciosa que se va descubriendo a lo largo del disco a través de numerosos detalles instrumentales. La música es la extensión lógica de las letras de Aoife, muy particulares y subjetivas, dan pinceladas sobre experiencias personales además de resaltar su carácter femenino y reivindicativo siempre en un tono más sosegado y sombrío que triste.

Que no os confunda la base programada de la tonada inicial "Geranium" y fijaros simplemente en los elegantes y tímidos punteos de guitarra que asoman en un segundo plano tras la voz de Aoife, suficiente para prestar atención a lo que tiene que venir. Me gusta que nunca cruce del todo la línea que separa el pop con cierto calado lo-fi y el folk de la vieja escuela, buena muestra de la elegancia con la que lo consigue es la tonada "Blow Up", a la voz y a la acústica se van sumando bongos, órgano y sección de cuerdas hasta llegar a un clímax instrumental que derrocha clase y elegancia, canción que junto a la maravillosa y lisérgica "Here in the Dark", siempre en un tono sosegado y misterioso, quizás son las mejores del disco o mejor dicho aquellas más fáciles de retener. Nueve canciones de las cuales "A Long Dress" sirve de pausa instrumental y enlaza con "Less Is More" que junto a "Libra" y "In The End" conforman una parte central donde la psicodelia toma mayor protagonismo a través del tejido instrumental del órgano y la guitarra de Nugent. En la recta final "Heartbreak" se destapa como una deliciosa balada más cercana al pop que al folk y "Land Of No Junction" ejerce de excelente despedida de nuevo con la excelente parte de viola a cargo de Ailbhe, que con gran maestría confiere un carácter a la vez orgánico y etéreo.

...el orden y la progresión de este tracklist va envolviendo al oyente poco a poco en una especie de subida y bajada.

Un disco que pasa como un supiro ayudado por el orden y la progresión del tracklist que va envolviendo al oyente poco a poco en una especie de subida y bajada, y es que tras la joven dublinesa Aoife Nessa Frances y este "Land Of No Junction" se esconde una asociación brillante que espero que nos depare más colaboraciones pues estamos ante una artista con una gran proyección y ante uno de los discos destacados de este año en curso. Muy recomendable, una delicatessen.

*Escrito originalmente para el Exile SH Magazine

Liam Gallagher - Why Me? Why Not (2019)

noreply@blogger.com (Chals) — Fri, 21 Feb 2020 06:44:00 +0000

Si vas a decirme que Liam Gallagher es un engreido, que Oasis se nutrió de claros casos de plagios a grandes de los 60 y 70, que fue un grupo sobrevalorado que más allá de sus dos primeros discos no vale nada, que hubo otros grupos mucho mejores e inteligentes en los 90 y además mucho más brillantes con menor éxito, que incluso vive de las rentas del pasado y se dedica a repetir la fórmula, que este disco se lo han hecho, que se va a cocer las pelotas dentro de esa parca que no se quita ni para dormir, que no necesita esta reseña porque seguro que ha vendido lo invendible en discos a estas alturas....etc vale, ya lo sé, mejor cambia de canal porque ésto no va contigo, además podrías sufrir una úlcera si sigues leyendo. Dicho ésto tengo claro que lo expuesto en mayor o menor medida lleva algo de razón, pero a estas alturas también os digo que de elitismos y manías estoy más que curado y me importa bien poco quedarme sin reputación (si es que me quedaba alguna) alabando las nuevas canciones de Liam Gallagher y por extensión las del anterior disco, simplemente porque los he escuchado y disfrutado, me encanta lo que hace Liam ahora, casi diría que desde Don't Believe The Truth de Oasis no disfrutaba tanto un disco salido de la familia Gallagher.

Diréis lo que queráis, pero es uno de los mejores vocalistas de su generación, su interpretación es única y es reconocible a la legua, es un frontman de cuna y los seguidores de los Gallagher estamos de suerte porque el hermano pequeño está totalmente dedicado a hacer bien su trabajo en esta nueva etapa, está centrado en la música. Si, es muy popular y busca el éxito descaradamente, es una de esas estrella del rock como las de antes que busca complacer a su audiencia y disfruta con el éxito y se le nota, pero lo hace sin dejar de lado la esencia del rock y el pop que tanto le gusta, ni la calidad. Y aquí tenemos a esta vieja gloria del Brit-Pop al pie del cañón a un gran nivel. Su importancia tiene el equipo de productores y músicos que le acompañan capitaneados por Greg Kurstin y Andrew Wyatt, con el apoyo de Damon McMahon, Simon Aldred y Michael Oliver, todos ellos aparecen en los créditos como coautores en mayor o menor medida. Se saben la lección y son conocedores de los entresijos de las canciones de pop de los 60 y 70, coescriben y dominan a la perfección el versos-puente-estribillo que bien mirado pocos saben sintetizar tan bien en la actualidad a estos niveles.

...en esta nueva etapa lograr ganar sin sorprender, cumpliendo lo que se espera de él. Incluso logra estar bien considerado en algunas revistas de prestigio rockero a pesar de las reticencias de los sectores más retrógrados y fundamentalistas, que total y en definitiva le cerraron la puerta ya en tiempos del Be Here Now...

Si bien As We Were llevaba de serie una producción digamos más moderna y compacta con un bateria en ocasiones comprimida en exceso (escúchese Wall Of Glass o Bold), en este Why Me? Why Not? se denota un trabajo de grupo más orgánico y con la guitarra mucho más presente, también arreglos orquestales que añaden detalle pero no son para nada protagonistas, es cuestión de gustos, en todo caso a nivel compositivo no hay sorpresas ni encuentro grandes diferencias y no me parece un incoveniente pues en ambos podemos encontrar hits imbatibles, el primero con las adictivas Wall Of Glass, Greedy Soul, For What It's Worth y las baladas Paper Crown y Chinatown, suficiente para que de vez en cuando vuelva a escucharlo. Why Me? Why Not? también está plagado de trallazos como la inicial Shockwave muy de los Who, la popera y adictiva Now That I've Found You, la rockera The River, y oh! me gana totalmente con cancions más relajadas como Once y Alright Now. Más allá de las destacadas todas entran muy bien y van calando con las escuchas, no puede faltar el descarado toque casi plagio a los rolling stones en tonadas como Halo (el pianito de "let's spend the night together"?) y a los beatles en Meadow dedicada a George Harrison, ni su deje Lennon en Why Me? Why Not?, alguna concesión excesivamente comercial como One Of Us dedicada a su bro, y cuando digo comercial me refiero a lo que significaba la radiofórmula en los 90. También me gusta como Gone introduce orquestaciones con mucho tacto y ya en la recta final Invisible Sun tiene un riff sencillo pero efectivo marca de la casa. A mi modo de ver es un disco un poco más completo y mejor producido que su predecesor, porque incluso en los números menos relevantes, digamos Glimmer, logra sacarse una gran canción pop.

Sin renunciar a la socarronería inherente al personaje cuando encara los derroteros de la reafirmación personal, sus cabilaciones además de mostrarse con cierta nostalgia hacia los recuerdos de tiempos de gloria, destapa una madurez inusitada en la que parece reconocer los errores del pasado y encontrar la redención. Se nota que el menor de los Gallagher ha encontrado su lugar que no es otro que junto a los seguidores que demandaban una reunión de la banda madre, ha sabido jugar bien sus cartas y ahora ya no le hace falta tal reunión, llena todos los conciertos y ya van dos discos en los que ha superado con creces al pop cósmico bailable de su hermano mayor.

Liam Gallagher en esta nueva etapa logra ganar sin sorprender, cumpliendo lo que se espera de él. Incluso logra estar bien considerado en algunas revistas de prestigio rockero a pesar de las reticencias de los sectores más retrógrados y fundamentalistas, que total y en definitiva le cerraron la puerta ya en tiempos del Be Here Now, no está mal después de todo. Sé que me dirás que seguro que hay más de cien discos mucho mejores, mucho más originales, inteligentes... de acuerdo, pero ¿sabéis que? poco me importa a estas alturas pues este ha sido de los discos que más he escuchado últimamente y sé que lo escucharé en un futuro junto a los grandes discos de Oasis. Puta nostalgia.

Be At Rest. En favor de la educación especial.

noreply@blogger.com (Chals) — Tue, 18 Feb 2020 10:09:00 +0000

Hoy he publicado la reseña del nuevo disco de Possessed by Paul James en el Exile, tenía muchas ganas. Es una de esas veces que me puede la ansiedad por mostrar a un gran artista porque sé que seguramente pasará desapercibido. Puede gustar más o menos los palos que toca el sr.Konrad Wert, así que más que nada gustará a quienes estén más familiarizados con las sonoridades más tradicionales americanas, folk y bluegrass de acústicas, banjo y violines. Pero me he lanzado a publicar este otro texto apuntalando lo ya escrito para resaltar una de las virtudes por las que la propuesta que presenta PPJ debería sobresalir. Y es que además de buenas canciones y además de ser una gran músico (atención al dominio del fingerpicking), es un tipo comprometido con una causa y utiliza todo su arte para visibilizarla.

Como comentaba en la reseña del Exile, Wert es profesor de educación especial y está en contacto en su día a día con niños que necesitan otro tipo de atenciones. Y eso me conmueve sobremanera, y más después de una experiencia personal que me ha dado otra visión diferente y me ha dado otra perspectiva. Fue gracias a una colaboración con el Donyet Contacontes de mi amigo Juanvi, muchas veces le acompaño en sus contacuentos tocando la guitarra, la percusión y demás aparamenta instrumental, la última vez hicimos un concierto benéfico en favor de la asociación ANEC que se encarga de ayudar a niños con necesidades especiales.

Aquel día los niños me emocionaron, porque puede ser que la sociedad los encuadre con la etiqueta del autismo pero su capacidad para vivir el momento y emocionarse me hacen ver que la sociedad realmente no está preparada para aceptar a seres humanos que simplemente son diferentes. Me siento más cerca de ellos que de esta sociedad en general. Una gran tarea la que hace esta asociación para ayudarles a ellos y a sus padres. Tal vez hay esperanza en este mundo.

Es una pequeña experiencia que me ha marcado y que me ha hecho ver al instante el gran valor humano de artistas como Konrad Wert, porque no es normal en nuestros días y concretamente en este mundillo musical encontrar a personas capaces de empatizar con los más desfavorecidos. Aquello de lo que Woody Guthrie sentó cátedra. Ya no se trata de lanzar proclamas incendiarias, una actitud que muchas veces cae en saco roto o bien por la pretensión de construirse una "imagen" o bien por su falta de profundidad y su gran carencia a la hora de buscar un territorio común y conciliador, pues la finalidad es ayudar, no plantear guerras innecesarias.

De este disco titulado As We Go Wandering, doy el protagonismo a Be At Rest, una gran canción que habla de esto que os contaba, me parece una maravilla y no solamente por la tonada y la melodía, además por la gran sensibilidad que demuestra este cantautor. Os dejo con ella.

Reseña en el Exile SH Magazine:
http://www.exileshmagazine.com/2020/02/possessed-by-paul-james-as-we-go.html

El dia del contacuentos:
https://elscontesdeldonyet.blogspot.com/2020/02/cullera-benefic-anec.html

Classic Albums: Bob Dylan - Time Out Of Mind (1997)

noreply@blogger.com (Chals) — Thu, 13 Feb 2020 09:46:00 +0000

...uno de los discos más desgarradores e intensos en la discografía de Bob Dylan y de cuantos he escuchado en mi vida atendiendo a unas letras desoladoras y profundas...

Cada vez que me paro a intentar hablar de Bob Dylan tengo la sensación de que me voy a meter en un berengenal. Primero porque quienes realmente entienden de su obra (menos de los pretendidos) realmente saben mucho, y segundo porque querencias particulares a parte la obra de este señor lo sitúa por delante de todo lo demás, y claro, un don nadie como yo es lógico que se sienta insignificante hablando de Él, como un satélite remoto en medio de una galaxia.

Pero aún así aventuraré unas palabras sobre uno de mis discos favoritos de Bob Dylan, que ni fue grabado en los 60, ni en los 70, y eso por lo que a mi respecta y frente a una discografía que quita el hipo ya tiene un mérito fuera de lo normal. De Time Out Of Mind no voy a entrar en todo aquello que podréis encontrar online, sesiones de grabación, microfonías, la relación con Lanois, el retorno glorioso, premios, banda y demás, todo eso lo tenéis a un golpe de click.

Si que os puedo afirmar que alucino a cada escucha con el sonido del disco, su riqueza instrumental y esta producción que es capaz de espaciar cada una de las partes y meterte dentro con su sensación de directo tal y como hacían las producciones de Rudy Van Gelder en el jazz. Pero principalmente me resulta uno de los discos más desgarradores e intensos en la discografía de Bob Dylan y de cuantos he escuchado en mi vida atendiendo a unas letras desoladoras y profundas, incluso no sé si decir confesionales porque en el caso de Dylan su dominio en el arte de fingir la verdad es catedralicio, esa es realmente la razón de ser del arte no?, hay quien lo llama subjetivación. El caso es que me da igual si lo que aquí canta el bardo es cierto a un nivel personal o no, yo me quedo con las canciones y ellas me dicen que en los dominios de la música si lo son, y ahí me arrodillo.

...durante las milésimas de segundo en los que tu mente se transporte a través del tiempo y el espacio a un recuerdo concreto, a la eternidad de aquel momento, todo parecerá haber valido la pena...

Porque... ay! el Amor es quizás el tema de los temas, tan manido que la línea que separa escribir una gran canción de una mala es muy muy delgada. Y Time Out Of Mind es un disco que habla del amor como pocos discos que he escuchado en mi vida, aunque más bien a través de la falta de él que siempre me pareció mucho más interesante y cautivador. Aquí, un artista que siempre ha cantado como si se hubiera tragado un bluesman y que después de tantos años y tantos discos, despoja su alma para contarnos que no vale para nada la experiencia que uno pueda tener porque el amor te cogerá desprevenido, te hará levitar, te hará prisionero y cuando menos te lo esperes te tirará al suelo para macharcarte hasta que ya no tengas ganas de seguir adelante, e incluso en ese momento no podrás escapar de él porque durante las milésimas de segundo en los que tu mente se transporte a través del tiempo y el espacio a un recuerdo concreto, a la eternidad de aquel momento, todo parecerá haber valido la pena. El toma y daca eterno y tan difícil de explicar y que aquí Dylan borda, nostálgico, desolador, profundo, cogiéndose al blues como quien se coge a un clavo ardiendo.

Love Sick y Not Dark Yet son de una belleza y de una humanidad brutales, versos que parecen surgidos de la frontera entre el hastío y las ganas de vivir, es de lo mejor que a escrito nunca, al menos yo las tengo en el top50 y no precisamente hacia el final. Pero este disco tiene mucho más, esas canciones metidas en contexto te llevan a otras de grandeza exquisita, música vieja y aún adictiva como Dirt Road Blues, mantras sureños y orgánicos que hacen que los minutos sean segundos, perfecta Standing in the Doorway que te mece como una nana hecha para adultos insomnes y transnochadores como nosotros, y la grandeza del tejido instrumental de Cold Irons Bound es inconmensurable junto con una letra realmente escalofriante y desoladora. En el terreno de la balada en el que a veces se mueve incluso deja fuera de juego a su dueño y señor el sr.Waits en por ejemplo Make You Feel My Love, preciosa, es como una ventana abierta por donde entra aire fresco ante el descalabro sentimental, el 'da igual que no me quieras porque yo te quiero a tí y me sobra' que aquí canta es gigante y universal. Oh! y Can't Wait se erige como el final del camino, el latigazo final que atiza el corazón, que le cierra la puerta por necesidad. Y es que el disco entero no tiene desperdicio, grandioso incluso hasta ese más de cuarto de hora que cierra el disco en Highlands, no hay nadie hoy por hoy capaz de hacer una canción de estas dimensiones sin caer en la completa vacuidad o la reiteración, no es el caso, al menos a mi no me lo parece.

...en un hipotético juicio celestial y presentando estas canciones como pruebas incriminatorias, claramente el jurado declararía al AMOR culpable de todos los cargos...

Time Out Of Mind es un disco de bella factura sonora y con una producción perfecta que habla de nuestra condición contradictoria como especie, el "sólo se que no se nada" del sabio, un viaje que nos lleva por lugares sombríos del alma poco transitados desde el teclado inicial que separa sin miramientos el romanticismo vacuo, de la verdad del amor, hasta la odisea final que marca una huida que posiblemente ni el propio protagonista sabe de qué, quizás de la mentira del amor, y de la verdad del amor, y del final del amor como escape al sufrimiento, o quizás trata de abrazarlo como única vía de salvación aunque sólo sea a través de su recuerdo. Sólo podría finalizar diciendo que en un hipotético juicio celestial y presentando estas canciones como pruebas incriminatorias, claramente el jurado declararía al AMOR culpable de todos los cargos. Obra maestra.

Reseñado a partir del texto escrito originalmente para Exile SH Magazine.

The Hold Steady - Thrashing thru the passion (2019)

noreply@blogger.com (Chals) — Mon, 10 Feb 2020 13:36:00 +0000

Que delicia escuchar los efluvios de las alcantarillas de la calle E en Traditional Village y comprobar que mientras el Boss se quita las legañas de buena mañana para hacerles fotos a sus caballos en la granja, esta banda ya se ha hecho el café con leche y está en la calle recuperando el tiempo perdido con rock de guitarras y mucha calidad

Vuelven The Hold Steady después de más un lustro desde su anterior disco. Regresan con este Trashing Thru The Passion, tiempo suficiente como para haber olvidado a la banda de Brooklyn, tiempo en el cual Craig Finn ha iniciado una carrera en solitario publicando cuatro discos notables del que me quedo con el primero sin lugar a dudas. Este disco tiene más particularidades, como el regreso a la formación de Franz Nicolay una década después de su marcha, teclista original y coescritor de algunas de las canciones junto a Finn y Kubler. Y además no es un nuevo disco al uso pues la mitad de las canciones ya han aparecido desde 2017 en EP's.

Son muchos los reencuentros y las explicaciones, y la verdad es que no tenía puesta ninguna expectativa en este retorno, y más estando entre mis discos favoritos de la banda la tripleta inicial, cuando les pretendían como jóvenes relevos de Springsteen (junto a The Gaslight Anthem). Salvando las distancias si que tenían bastante del vigor rockero que antaño hizo grande al de Freehold. Pero su música siempre fue mucho más que un pretendido relevo, sonaban a bar un sábado por la noche, a rock a secas sin etiquetas, con la particularidad de llevarlo a un estadio más indie-rock guitarrero y sin concesiones, a veces más setenteros, a veces más new wave, y unas canciones desprejuiciadas y frescas.

Finalmente me ha sorprendido, y ahora este disco es uno de mis favoritos del año en curso y de la banda. El inicio con Denver Haircut y Epaulets no deja lugar a la duda, sus guitarras continúan afiladas y las historias de Finn adentrándose en los sustratos más bajos son mejores, eso por no hablar de la estupenda labor de Kubler y sus riffs de guitarra, se luce en T-Shit Tux y en The Stove & The Toaster, que guitarra!. El vigor aun está y la lírica fugaz también, es verdad que You Did Good Kid denota los años, y les sientan bien hasta cuando se acercan a la carrera en solitario de Finn y para prueba la fantástica Blackout Sam, teclados, sección de viento, guitarra, y un Finn en estado de gracia, favoritísima y para apuntar en un supuesto 'Songs 2019'. Que delicia escuchar los efluvios de las alcantarillas de la calle E en Traditional Village y comprobar que mientras el Boss se quita las legañas de buena mañana para hacerles fotos a sus caballos en la granja, esta banda ya se ha hecho el café con leche y está en la calle recuperando el tiempo perdido con rock de guitarras y mucha calidad. Cierran con la incisiva Confusion in the marketplace estas diez canciones que pasan en un suspiro, que no aburren y que superan lo que esperaba.

Me reencuentro con The Hold Steady como no imaginaba pues para mi Thrashing Thru The Passion es uno de sus mejores discos, me entusiasma. Será que después de tanto tiempo sin saber de ellos el factor sorpresa se vuelve a confundir, será porque el regreso de Nicolay ha añadido más matices, que echaba de menos los riffs de Kubler, la rima despierta de Finn o quizás por esa sección de vientos callejera tan bien puesta, quien sabe. Ya no son jóvenes y se nota, pero los años no empañan ni un solo segundo de la música, les sientan bien y me alegra muchísimo. Con estas canciones dan unas ganas tremendas de verles en directo. Un muy buen disco de rock americano de guitarras. Un gran regreso. Muy recomendable y favorito del año en curso.

Escrito originalmente para Exile SH Magazine:
http://www.exileshmagazine.com/2019/11/the-hold-steady-thrashing-thru-passion.html

Charlie Sutton - Primitive Songs for Modern Times (2020)

noreply@blogger.com (Chals) — Thu, 06 Feb 2020 12:36:00 +0000

...estamos ante un trovador genuino al que seguirle la pista, un hobo moderno que se conoce los palos santos americanos a la perfección, sus canciones enlazan a los viejos sucesos de presos y mafias, tragedias y amores perdidos, critica la modernidad ramplona y respira en espacios rurales abiertos.

El año ha empezado muy bien. Ya hay unos cuantos discos que me estan gustando mucho y con los que tengo carrucha para soportar toda clase de temporales. Uno de ellos es este Primitive Songs for Modern Times del americano Charlie Sutton, uno de los primeros discos que asomaron esta temporada y que me descubrió Nikochan en el Exilio. Además viniendo de él que es un gran degustador de sonidos amables de raíz americana ya era garantía de calidad. Adentrándome en sus canciones ya he caido lo suficientemente rendido a sus pies como para dedicarle su correspondiente reseña. Un disco desde ya favorito de la añada en curso, ya puede correr M.Ward con su próximo disco...

Charlie Sutton no es un recién llegado a pesar de no ser muy conocido pues ya lleva unos cuantos trabajos de consabida calidad para los pocos conocedores de su obra, empezando por el disco que editó junto a Ryan Curtis y los Scavengers. del mismo 2018 habría que recuperar "Slick Willie: The ballad of Willie Sutton" visto el resultado del disco que me traigo entre manos. Además si mi Eilen Jewell se lo lleva de gira no hay nada más que hablar.

Puede acercarse tanto al folk en tonadas como Someone New con una armónica deliciosa, la fantástica The Old Wharfrat, la favorita High Desert donde aparece un banjo delicioso, o Modern Man que me recuerda a las tonadillas que Woody Guthrie solía entonar, como irse al country-blues en la fantástica Penitentiary o Radioactive Hound donde demuestra su flexibilidad y maestría guitarrera, hasta invocar al mismísimo Robert Johnson en Devils Dust, y sin despeinarse se marca la garagera High Heels, hay más guitarras sucias en Heart in a Can.

es un disco extenso y también una demostración de poderío y conocimiento musical para amantes del folk, el blues y el country, sin aspavientos, sin efectismos innecesarios, honesto y brillante.

Y claro, tratándose de un pretendido catálogo americano no podían faltar alguna tonada más rural de la mano de Slick Willie y Good Time Gal. Destila clase y elegancia con su carisma hobo de carretera y manta en Huckleberry Henry & Molly Morel. Y no puedo más que caer rendido a canciones como Wendy que parece sacada de una vieja gramola de bar de carretera donde es capaz de recordarme a mi Chet Baker querido por ese tono bucólico sin salirse de su territorio folk country blues. A medida que van cayendo escuchas se van descubriendo auténticas maravillas, y esto no acaba hasta la última canción, pues Incinerator mantiene el nivel, una coda en un tono más sombrío, digno de las murder ballads.

Con Charlie Sutton estamos ante un trovador genuino al que seguirle la pista, un hobo moderno que se conoce los palos santos americanos a la perfección, sus canciones enlazan a los viejos sucesos de presos y mafias, tragedias y amores perdidos, critica la modernidad ramplona y respira en espacios rurales abiertos. Me sorprende la gran versatilidad estilística que demuestra dentro de los márgenes de la raíz americana. Primitive Songs for Modern Times es un disco extenso y también una demostración de poderío y conocimiento musical para amantes del folk, el blues y el country, sin aspavientos, sin efectismos innecesarios, honesto y brillante. Muy recomendable.

Podéis seguir la reseña de Nikochan al Exile:
http://www.exileshmagazine.com/2020/01/charlie-sutton-primitive-songs-for.html

Bill Callahan - Shepherd in a Sheepskin Vest (2019)

noreply@blogger.com (Chals) — Mon, 03 Feb 2020 20:18:00 +0000

Son veinte canciones y lo que de primeras puede resultar engorroso y largo, para mí se convierte en un saco del que comer caramelos a manos llenas, a cada escucha aparecen nuevos detalles, nuevos versos, nuevos arreglos, una maravilla que por su duración desafía por completo la rapidez de la actualidad, y eso me gusta mucho, me encanta, además con esta colección de canciones se reafirma como uno de los compositores más tenaces y mordaces en estas lides de la música de autor.

Para mí, Bill Callahan es de la clase de Cohen, un cantautor personal y exquisito con unas letras a las que hay que prestar atención porque son parte fundamental de sus canciones, quedarse en el envoltorio, en como suena y que influencias tiene es quedarse a medias pues su música no tiene el gancho del rock'n'roll, si tiene el soul sosegado del Georgia on my mind. Para alguien como yo que no es nativo puede resultar una empresa difícil llegar hasta el tuétano del asunto, así que es de agradecer su dicción y su interpretación, muy personal pero clara y transparente, y letras en mano claro. Dicho ésto tengo que aclarar que Callahan es de los mejores letristas que existen ahora mismo, a la altura de David Berman y en la vitrina de campeones con Vic Chesnutt y toda la retahíla de songswritters de su generación, y es que lleva la friolera de tres décadas sacando discos como mínimo notables, firmados tanto como Smog como a su nombre, una larga trayectoria en la que nunca ha dejado de pertenecer a ese reducido grupo de artistas que mantiene una regularidad en sus entregas fiel a su particular manera de entender la música. Deberíamos considerarlo una leyenda viva de los singer song-writers.

Tenía este Shepherd in a Sheepskin Vest pendiente de reseñar pues siempre he tenido la música de Bill Callahan necesitada de un momento de escucha atenta, aunque el precio ha sido alto respecto a su ausencia de la lista de mejores discos, no pasa nada ya que por suerte la buena música carece de fecha de caducidad y en el caso que nos ocupa la densidad y las cadencias musicales que aplica hace de sus canciones manjares que aguantan el paso del tiempo como si de encurtidos folkie se trataran. La duda es si con el tiempo este disco permanecerá entre mis favoritos y entre mis venerados Dongs Of Sevotion, Sometine I Wish I Were An Eagle y Apocalypse, por decir tres ejemplos que me resultan clásicos.

Podrá escorarse hacía territorios más densos o dejar abierta la ventana de par en par, en todo caso la calidad nunca se puede cuestionar en el caso de Callahan, si a caso surge la necesidad a cada entrega de situarlo más cercano al experimento de interiores impermeables o a la accesibilidad amable y agradable. Y ciertamente me ha sorprendido este nuevo disco que a pesar de su formato doble con veinte canciones en líneas generales podría calificarse de fácil digestión, y si hay otra particularidad que diferencia este disco respecto de su obra es su enfoque más distendido que reflexivo. Un tracklist de tal profundidad y extensión sería difícil comentar en su totalidad, así que no me queda otra que recomendar algunas de las tonadas que considero destacadas. Por su impacto más inmediato empezando por Black Dog, la encantadora The Ballad Of The Hulk, la lúcida de Call Me Anything, favorita Son Of The Sea. Después están esas otras, como Angela, que sin entrar a la primera como las nombradas, me conmueven sobremanera, y es que despliega auténtica grandeza en When We Let Go que sintetiza en escuetos versos desprovistos de drama inecesario sentimientos reales de amor y ruptura, imperdible en ese aspecto What Comes After Certainty, es grandiosa, una de las canciones y de las letras del año pasada, ya es favorita de la vida. Imagínate que Nick Drake no hubiera muerto, imagina que hubiera superado su enfermedad, que estuviera casado y que tuviera un hijo, después una casa nueva, e incluso un coche último modelo. Esta es la canción que haría sentado debajo de un árbol cerca de su casa hablando de que el amor no es mágico, es certeza, pero que hay después de la certeza?. No pueden faltar caramelos folk como Lonesome Valley, sencillez y genialidad al alcance de muy pocos. Son veinte canciones y lo que de primeras puede resultar engorroso y largo, para mí se convierte en un saco del que comer caramelos a manos llenas, a cada escucha aparecen nuevos detalles, nuevos versos, nuevos arreglos, una maravilla que por su duración desafía por completo la rapidez de la actualidad, y eso me gusta mucho, me encanta.

Podrá escorarse hacía territorios más densos o dejar abierta la ventana de par en par, en todo caso la calidad nunca se puede cuestionar en el caso de Callahan, si a caso surge la necesidad a cada entrega de situarlo más cercano al experimento de interiores impermeables o a la accesibilidad amable y agradable.

Claro que en lo musical no me cabía la menor duda de que la excelencia iba a estar presente, moogs, wurlitzers, lap steel, contrabajo, hasta kalimba, hasta su característica voz grave que recita más que canta, interpreta y es uno de los instrumentos. Su delicadeza musical jazz, sus jugueteos con ritmos programados, toda clase de aparamenta y una aparente seriedad que resuelve con la habitual mordacidad que despliega en sus letras de la forma más natural posible, son elementos que continúan estando ahí. En esta ocasión Callahan se enfunda en su traje de maduro padre de familia y lo propio sería tal vez reducir el impacto de sus letras, pero su lectura humanista que saca punta de entre las líneas de la normal cotidianidad no pierde músculo, ni el humor, ni la crítica inteligente, más bien se va amoldando a cada momento y afirmaría que, disculpen el tópico, el poso de madurez y la sabiduría adquirida con los años engrandecen aún más cada disco que va editando.

Un gravísimo error si no aparece entre los discos destacados de su temporada pues sin lugar a dudas lo es, si este Shepherd in a sheepskin vest despunta entre sus grandes discos el tiempo dirá, eso sí, ahora mismo y con esta colección de canciones se reafirma como uno de los compositores más tenaces y mordaces en estas lides de la música de autor. Muy recomendable.

Escrito originalmente para Exile SH Magazine:
http://www.exileshmagazine.com/2020/01/bill-callahan-shepherd-in-sheepskin.html

Gillian Welch y Dave Rawlings, la azada y la cosecha.

noreply@blogger.com (Chals) — Sun, 02 Feb 2020 18:25:00 +0000

...la parquedad de la instrumentación junto con la profusión de los arreglos acústicos, un conocimiento total y sin compromisos estilísticos hacia la raíz americana donde caben bluegrass, country y blues, incluso pop y rock, y principalmente el gran talento que atesoran, los convierten en los más importantes artistas que han surgido en décadas en cuanto a música de base folk se refiere.

Ando obsesionado con la canción Everything is free que curiosamente ha coincidido con la lectura de un par de artículos, uno americano y su réplica en castellano. Textos que desmitifican el éxito de los músicos, de los buenos músicos. Un espejismo pues casi nadie vive de ello hasta el punto en el que no perder dinero es un triunfo, lo podemos hacer extensible a muchos campos. La apariencia lo domina casi todo y el debate casi nunca ha salido a la luz, se da por sentada dicha gratuidad, todo vale. En 2001 Gillian Welch junto a David Rawlings editaba esta canción inspirada por el efecto Napster que en gran parte destapó esta era digital que forma parte ya de nuestro día a día. En unos versos lo cuenta dando unas pinceladas, se trata de trabajar duro para que cualquiera haga uso de tu obra y al final por el pequeño bote que se haga en el bar de la esquina que con suerte dará para la gasolina, la ilusión puede ser un motor pero no da de comer. No conozco ninguna otra canción que explique tan bien y con tanto tacto y sensibilidad la precariedad del éxito. O quizás una precariedad a la que hoy en día no escapa nadie, seas músico, escribas o seas un currito. Normal que Courtney Barnett haga su versión, es una POM.

Con el empuje de esa canción me apetecía hablar de música, concretamente de la música de Gillian Welch y David Rawlings, y hacerlo en retrospectiva. El tiempo es revelador cantaba la pareja, y a mi me gusta mucho dejar que el tiempo transcurra suavemente entre canción y canción, entre disco y disco. Que me revele sus verdades y me embelese con esos pequeños detalles que me voy encontrando y enriquecen mi relación con la propia música.

Me pasa con no muchos artistas entiéndase que en la actualidad y a unas décadas vista. Me pasa con Vic Chesnutt que un día me traeré en los mismos términos de grandeza, me pasa con M. Ward porque haga lo que haga ya me ha ganado, me pasa con Lucinda Williams también adorada en este exilio porque es la más grande (https://bit.ly/2LiiHQq), y me pasa con Gillian Welch y David Rawlings en cualquiera de las formas en las que se presenten.

Siempre vuelvo a ellos como se vuelve a los favoritos de la vida, me dejo llevar por la dulce obsesión, verdaderamente disfruto mucho la música sumergiéndome de lleno, rastreando cada tracklist en busca de mi siguiente canción favorita, examinando las letras en busca del secreto de su lírica, profundizando en la técnica a la guitarra, examinando la portada, o unas fotos, o un video.

No se trata solamente de la habilidad con la que reproducen estructuras antiguas, si sólo fuera eso estaríamos hablando de una propuesta simplemente revivalista, y no. Se trata de la especial conjunción de ambos. Welch domina el lenguaje del folk, tiene una gran capacidad para transmitir una idea o una emoción sintetizándola en sugerentes imágenes pintadas a base de versos aparentemente arcaicos y aplicados a los grandes temas que nos acucian en la actualidad, ella no alecciona, pero adhiere a cada composición de un grado de lucidez y humanidad realmente alto mientras con su delgado perfil y su arqueada espalda sostiene su gran Guild y argumenta progresiones que nos llevan directamente a Woody Guthrie y a sus adorados Stanley Brothers.

Con David Rawlings no estamos ante un guitarrista al que se le pueda llamar virtuoso, o si, depende de con quien se le compare. Con su inseparable y viejuna Epiphone Olympic del 35 se le puede adivinar el bluegrass de Doc Watson al igual que su querencia hacia su admirado Johnny Marr (si, habéis leido bien) con lineas de guitarra que se desarrollan entre notas al aire y disonancias con las que pisa la modernidad con aplomo, él es de la cofradía del Mi menor y de la sencillez de Neil Young, domina los silencios y las pausas al más puro estilo del jazz modal de Miles Davies al que por cierto adora abiertamente. Un músico con mucho estilo, o mejor dicho con estilo propio, algo que hoy por hoy no se puede decir de casi nadie. Juntos son un equipo perfecto.

No podría aseverar de ninguno de sus discos que es el mejor. Cada uno tiene su espacio en mi esquema musical, con The Harrow And The Harvest mi devoción se apuntaló de manera decisiva, un disco que fue determinante para consolidar mi adoración incondicional. Sin embargo con los años Time (The Revelator) es el que más he escuchado a nombre de Gillian, y Nashville Obsolete el correspondiente a nombre de David. En todo caso llegan donde tenían que llegar y encapsulan la idea de que el folk puede subsistir en la actualidad sin perder su esencia primitivia. Y eso es muy grande.

Con todo, a la hora de recomendar unos discos he preferido irme por los márgenes, incluso a través de discos de otros y algunos bootlegs.

Boots No. 1: The Official Revival Bootleg (2016)
Empiezo este repaso desde el principio pero con un poco de trampa con este bootleg editado hace pocos años. Revival fue el debut de Gillian Welch y David Rawlings, uno de sus discos menos conocidos confeccionado a la medida de T. Bone Burnett que aplicó su country estilizado y de etiqueta al estilo que Eilen Jewell ha hecho suyo los últimos lustros. En parte, pués aquí empiezan ya a mostrar sus postulados de folk avanzado en las canciones que pudieron zafarse del inefable Burnett. Pero me inclino a recomendar este bootleg official generoso en cuanto a canciones entre inéditas que aparecerían oficialmente más tarde como Red Clay Halo, demos casera deliciosas como la inicial Orphan Girl y versiones alternativas en las que llevan aquel repertorio al folk austero que desarrollarían con más profusión con los años. Que no os engañe su condición de disco menor porque hay mucha grandeza en cada uno de los cortes.

Live & Obscure (1999)
Otro bootleg y no será el último en este repaso. Hay varios momentos en este directo no muy conocido que explican muy bien quienes son y hacia donde querían ir. Aún no habían conseguido la amplia popularidad que la película O Brother les facilitaría. La versión del mítico Billy de Bob Dylan lo dice todo, explica que lo del Nashville Obsolete no fue de rebote. Pero es que además se marcan un excelente Alburqueque de nuestro Tito Young y entre otras de su puño y letra interpretan de manera exquisita clásicos como Long Black Veil o el Pancho & Lefty del maestro Townes Van Zandt. Ellos tienen claros sus santos y mártires. Un disco para iniciados, una maravilla que tal vez sólo puedas conseguir en formato digital, aún así vale su peso en oro.

The Destroyer Sessions (2000)
Heartbreaker del (ahora) malogrado Ryan Adams fue el disco que me puso en el mapa a Welch y a Rawlings. Desde entonces se han ido haciendo un hueco en mis preferencias musicales. Perfectamente podría haber elegido aquel debut brillante y conocido por todos, pero me decanto por este bootleg no muy conocido que sirvió de puente a Adams entre Whiskeytown y su carrera en solitario. Atención a la versión que se marca de la canción escrita por Welch: Revelator. Brutal. Un pirata de sonido perfecto aunque con las evidentes carencias de un disco por producir. Para muchos un pirata como éste sería su mejor disco oficial.

Time (The Revelator) (2001)
El que más he escuchado a su nombre en dura pugna con The Harrow & The Harvest. Totalmente inspirado tanto en la grabación como en la composición de las canciones. Es el disco que acumula mayor número de POMs, la grácil Revelator, la visionaria Everything is free, inspiradísimas Elvis Presley Blues y I Want to Sing that Rock and Roll. Un disco que los define muy bien, música folk de su tiempo que empapada de su interpretación melancólica y a ralentí nos cuenta en un tono agridulce las contradicciones de una cultura que nos ha dado tan buena música. Como leí en su momento en numerosos tabloides, un disco de folk que no suena a folk.

Spooked (2004)
No soy un seguidor de Hitchcock, artista al que puntualmente me acerco cuando los amigos exiliados me recomiendan el disco que se tercie. Pero oh! este desconocido disco del inglés es una auténtica joya desconocida para el común de los mortales. A Spooked me acerqué en mi afán completista por saber que podrían haber hecho mis folkies favoritos. Una sociedad que da como resultado un disco de pop acústico con toques de pop psicodélico. Una exquisitez producida por Rawlings, una auténtica maravilla desconocida por la mayoría de seguidores de ambos artistas

The Sweet Harmony Traveling Revue (2004)
Esta recomendación es como una cara B. La mítica Emmylou Harris no sólo se postra ante composiciones de Lucinda Williams, sino que además en esta gira se hizo acompañar por nuestros protagonistas en aquellos años en los que cabalgaban la cresta de la ola por la inercia de la celebérrima BSO. Welch y Rawlings aunque no muy prolíficos con sus carreras discográficas respectivas, se fueron convirtiendo con los años en artistas de otros grandes artistas, imprescindibles para cualquier proyecto que se desarrollara en estas latitudes sonoras y que en esta gira ejercieron de retaguardia de lujo encima de las tablas para la mítica Harris.

Big Iron World (2006)
No se que puñetas estaba escuchando yo cuando salió este disco, porque que tiene (atención a la afirmación... redoble) la mejor canción folk protesta que se ha grabado en este siglo (con el permiso de Billy Bragg), así a lo burro lo digo y no es ni más ni menos que I Hear Them All, escrita entre Secor y Rawlings, una de tantas como James River Blues, otra maravilla. No sé si lo he leído en boca de Rawlings quien produce el invento, o lo he soñado, pero diría que de querer estar en un grupo a David le hubiera gustado estar en éste, sociedad que cuenta además con su nada desdeñable disco de debut. Para el tercero OCMS ya saltaron al prestigioso Don Was, pero para mí aquí tocaron el cielo.

A friend of a friend (2009)
Faltaría. Nashville Obsolete se recordará como el mejor disco de la pareja y difícilmente superable mientras no demuestren lo contrario. Pero ojo, este disco es cada vez más impepinable para el que aquí os escribe. Un disco con aparente informalidad y despreocupación, con poca producción y que ha pasado como una obra menor tal vez por contener algunas versiones poco relevantes para parte de la crítica, como el To Be Young a pachas con Ryan Adams. Pero ojo!, es una auténtica maravilla del folk de nuestros días, o si preferís de la música americana de las últimas décadas. Imprescindible si es que os gustan la sonoridades acústicas de raíz añeja y espíritu libre. Aquí esta la semilla del folk orquestado que su último disco desarolló. Oh Ruby! un clásico instantáneo.

En este particular repaso acentúo su trayectoria más que descubrirla pues me dejo en el tintero el nada despreciable Hell Among The Yearlings y Soul Journey que tiene su más celebérrima Look At Miss Ohio, el disco que menos gusta a la crítica aunque ojo, Greg Leisz anda por ahí y eso es un plus. El ya mencionado The Harrow & the Harvest que ya reseñé en el espacio propio (https://bit.ly/2GX6JHO). También el referenciado Nashville Obsolete reseñado en este Exile por Joserra Rodrigo (reseña que aconsejo leer: https://bit.ly/2GTFTjA) y el más reciente Poor David's Almanack reseñado por Nikochan (pasen y lean háganse el favor: https://bit.ly/2vrzp5d) otro disco considerado menor y que en los últimos tiempos y fuera de la rueda de la novedad me está gustando muchísimo, pués sin aspirar a decir nada nuevo ni a acapar la atención de nadie, de manera relajada ofrece un catálogo de música de raíces americanas realmente exquisito que no hace más que agrandar una discografía impoluta, y con Cumberland Gap y Guitar Man, dos clásicos instantáneos al alcance de muy pocos artistas. Ni que decir queda que lo que más me gustó de los Oscar y de la última película de los Coen fue su canción.

La parquedad de la instrumentación junto con la profusión de los arreglos musicales acústicos, un conocimiento total y sin compromisos estilísticos hacia la raíz americana donde caben bluegrass, country y blues, incluso pop y rock, y principalmente el gran talento que atesoran, los convierten no sólo en una de mis propuestas musicales favoritas, sino además en los más importantes artistas que han surgido en décadas como mínimo en cuanto a música de base folk se refiere. Dos artista que sin prisas, con coherencia, sencillez y humildad agrandan a cada paso una de las carreras musicales más interesantes y auténticas de la actualidad. Hoy puede ser un buen día para que descubras a estos artistas si no los conoces, o descubras alguna joya si ya eres un iniciado. El tiempo es revelador.

Escrito originalmente para Exile SH Magazine:
http://www.exileshmagazine.com/2019/05/gillian-welch-y-david-rawlings-la-azada.html

Postcards - The Good Soldier (2020)

noreply@blogger.com (Chals) — Thu, 30 Jan 2020 20:06:00 +0000

Estamos hablando de pop independiente, de pop etéreo, reverbs de catedral y guitarras que compiten en protagonismo con la dulce voz de Sabra, melodías que recurren al folk-rock anglosajón, tonadas de la familia de Galaxy 500, Slowdive y Mazzy Star, dream-pop, shoegaze, slowcore, jangle-pop, una delicatessen.

Este es el segundo disco del trío libanés Postcards, formado por Marwan Tohme, Pascal Semerdjian y Julia Sabra en 2012. Obviamente es imposible no imaginar el entorno en el que ha nacido este grupo con sede en Beirut, en pleno conflicto bélico con Siria y cargando a sus espaldas el gran drama humano que se ha vivido y aun se vive en el país, transfondo tan desolador que contrasta con su deliciosa propuesta.

En ese marco empezaron a rodar con sus primeros EP's, consiguieron popularidad en la capital libanesa encabezando una escena musical con ganas de resurgir de las cenizas de la guerra, llegando a llamar la atención de algunas de las publicaciones más destacadas del rock independiente, y llegando a un mayor público en algunos festivales y con alguna mini-gira por Europa. Hace un par de años debutaron con su primer largo I'll Be In The Morning, un muy buen disco que ya los encuadraba definitivamente en el dream-pop como una de las bandas a tener en cuenta no sólo de su país, sino de todo aquel que guste de la buena música.

Sin desmerecer su debut, ha sido con su nuevo disco The Good Soldier con el que he quedado totalmente prendado, un disco que va a marcar mi principio de año musical. Estamos hablando de pop independiente, de pop etéreo, reverbs de catedral y guitarras que compiten en protagonismo con la dulce voz de Sabra, melodías que recurren al alt-rock, tonadas de la familia de Galaxy 500, Slowdive y Mazzy Star, dream-pop, shoegaze, slowcore, jangle-pop, una delicatessen.

Si algo tiene este disco que puede diferenciarlo de su debut son las guitarras, precisamente la canción que abre este colección de canciones, la pausada Dead End deja la dulce voz de Sabras perdida en el fondo mientras la distorsión de la guitarra los acerca al shoegaze, una maravilla, será tónica a lo largo del disco. En estas latitudes musicales las capas sonoras son fundamentales y aquí son llevadas con excelente factura gracias a Fadi Tabbal en quien vuelven a confiar para que se siente a los controles.

Para prueba su primer single Fossilized, una auténtica maravilla que bascula a la perfección este sonido más crudo con la delicadeza de su pop. A veces etéreos hasta el extremo de Last Resort, también con jangle-pop de nivel con Hunting Season, no se limitan a cadencias a ralentí y son capaces de sacarse delicias indie-pop como Spiderwebs y Freediving. Y es que con este disco y canciones como The Good Soldier, Julia Sabra pasa a formar parte de mis vocalistas favoritas del rock independiente, delicada y a la vez expresiva, que maravillosa manera de terminar este disco con la intensa y volátil Little Lies.

Contrasta el sentimiento que transmite la voz de Julia Sabra y las letras entre la desolación y la esperanza con esta música que invita a la ensoñación. Esta vez con The Good Soldier las guitarras de Marwan cobran protagonismo, ayudado por la batería, los colchones sonoros, sintetizadores y samplers de Pascal. Un claro ejemplo de como la belleza puede surgir incluso de las situaciones más difíciles y dolorosas. Que maravilla que existan grupos como Postcards. Yo sé que estamos dando los primeros pasos esta temporada y aseverar que estará entre los mejores discos quizás pueda sonar descabellado aunque así lo pienso, lo que si tengo claro es que este disco me acompañará en próximas escuchas. Muy recomendable.

Escrito originalmente para Exile SH Magazine:
http://www.exileshmagazine.com/2020/01/postcards-good-soldier-2020.html