Cine Planeta

La Gira de Documentales Ambulante continúa en Morelia

noreply@blogger.com (Adan Ruiz) — Wed, 17 Apr 2013 17:37:00 +0000

El día de hoy tuvo lugar la conferencia de prensa para el Festival de Cine Documental “Ambulante” en la ciudad de Morelia. En ella se anunciaron algunas cifras que la gira ha obtenido a lo largo de su fundación e inicio de operaciones éste año, además de invitados y la programación.

Asimismo, se informó que habrá mesas redondas y eventos especiales hasta el 25 de Abril, destacando un performance de cine en vivo con los artistas visuales The Kissinger Twins, quienes presentarán “Sufferosa”, film noir interactivo con música de Sonic Youth. También se darán cita Maja Borg (directora de “Futuro mi amor”) y Sophie Mayer quienes tendrán charlas abiertas al público con Mara Fortes (programadora de Ambulante). Otros invitados especiales son Carlos Klein (Donde vuelan los cóndores), Adrián Ortíz Maciel y Sandra Rozental.

La gira arranca mañana en Morelia, siendo “Buscando a Sugar Man” (Searching for Sugar Man) –ganadora del Oscar a Mejor Documental- la función inaugural en Cinépolis Morelia Centro, sede principal del FICM. La entrada es gratuita y los boletos se comienzan a otorgar a partir de las 18 horas. La función inicia a las 20 hrs.

Las otras sedes son: Centro de la Información, Arte y Cultura; Escuela Popular de Bellas Artes, Casa Natal de Morelos, Museo del Dulce, Teatro José Rubén Romero y TortugaJirafa.

Este año son 106 documentales de 27 países, conformando la programación más grande que se ha tenido a la fecha. Con respecto al año pasado, se ha incrementado un 20% la asistencia.

A su vez, se reveló que se está considerando ofrecer películas por cortos periodos de tiempo para su visionado en Internet en la próxima edición, además de llevar Ambulante fuera del país.

En lo personal, éste es uno de los festivales que más aprecio y quiero dentro de México. No dejen de asistir a las proyecciones y eventos. Todos son de carácter gratuito, excepto las exhibiciones en Cinépolis.

El tráiler de "Only God Forgives" con Ryan Gosling

noreply@blogger.com (Ari S.) — Wed, 10 Apr 2013 17:48:00 +0000

Después de deleitar al público y a la crítica con la hipnotizante Drive, el danés Nicolas Winding Refn regresa con su nuevo filme acompañado nuevamente por Ryan Gosling en un thriller ambientado en Bangkok. El estilo y la música (se escucha un tema del grupo tailandés Proud) serán al parecer, nuevos ingredientes indispensables en la cinta de Refn, además de sustanciosas escenas violentas que son ya parte de su estilo. El personaje de Gosling es Julien, un capo de la droga que maneja un club de boxeo en la ciudad oriental como fachada del negocio familiar. Mientras un misterioso policía le sigue la pista. La siempre glamorosa Kristin Scott Thomas hace una aparición como la madre de Julien. A primera vista, el trailer y la historia podrían asemejar una “secuela no oficial” de Drive ya que cuenta con el estilo visual que caracterizó a la cinta del 2011. El filme llega a pantallas Norteamericanas el 19 de Julio. El avance:

Y como bonus, un video donde vemos a Winding Refn en las calles de Bankok en el 2011 mientras buscaba lugares para filmar su nueva cinta. Además tenemos un pequeño vistazo a su procesos de guión:

Trailer de lo nuevo de Neill Blomkamp: Elysium

noreply@blogger.com (Ari S.) — Wed, 10 Apr 2013 16:25:00 +0000

Parece que será un buen año para la ciencia ficción. Tenemos en puerta a Oblivion, Iron Man 3, Pacific Rim, The Man of Steel y Elysium que se suma con un trailer oficial y póster. La cinta está dirigida por Neill Blomkamp (District 9) y protagonizan Matt Damon, Jodie Foster, Alice Braga y Sharlto Copley. Parece que Blomkamp sigue con su tema de división de clases como se vio en su primer trabajo. En Elysium, Tierra está habitada por “pobres” mientras que en el lugar que le da el título a la cinta, viven los privilegiados con la vida resuelta como el personaje de Foster. Visualmente atractiva y aunque parezca un tema repetitivo, veremos si el director sudafricano entrega algo más que dilema social. Elysium se estrena el 9 de Agosto en pantallas Norteamericanas. El trailer y el póster, como sigue:

¡Se filtra el Teaser de “Ant-Man”!

noreply@blogger.com (Adan Ruiz) — Fri, 22 Mar 2013 05:12:00 +0000

El test-footage de “Ant-Man” mostrado en la pasada Comic-Con finalmente ha salido a la luz. Se trata de un pequeño clip de apenas un minuto en donde el actor Henry Pym utiliza hábilmente la capacidad de ant-man para encogerse y estirarse con el objetivo de entrar a una bóveda custodiada por dos guardias.

Quizá por ahora no luce tan impresionante como debería, pero recordemos que es material de prueba. Además, me parece que la secuencia está bien lograda.

El teaser a continuación. Véanlo antes de que Marvel haga el reclamo y sea retirado del servidor en el que está hospedado.

Teaser Tráiler de “The Bling Ring”, lo nuevo de Sofía Coppola con Emma Watson

noreply@blogger.com (Adan Ruiz) — Sun, 10 Mar 2013 05:54:00 +0000

Finalmente ha aparecido el primer clip de vídeo mostrando el más reciente trabajo de la hija de Francis Ford Coppola, “The Bling Ring”, una historia basada en un grupo de adolescentes obsesionados con la fama que utilizan el Internet para rastrear el paradero de celebridades. Posteriormente roban sus hogares. Inspirada en hechos reales, la cinta aún no tiene fecha de estreno confirmada, pero llegará este año a algunos países.

A pesar de contar con Emma Watson en el protagónico, lo más probable es que el lanzamiento sea limitado.

En lo personal, me encanta el trabajo de Sofía Coppola, aunque casi todas sus películas hablen de gente aburrida y con dinero, o nos muestren la vida de alguna celebridad en decadencia con música independiente de fondo.

¿Qué opinan del avance?

Ganadores FICUNAM 2013

noreply@blogger.com (Ari S.) — Fri, 01 Mar 2013 16:34:00 +0000

Leviathan

Ayer 28 de Febrero se entregaron los Pumas de Plata a Mejor Largometraje y Mejor director, además de otros premios en las categorías de Aciertos, Del Público y Ahora México. Aún quedando tres días del festival, quien desee podrá asistir a ver más cintas, exceptuando las de la Competencia -cuyas funciones terminaron ayer-. Los premios, como siguen:

Sección Competencia Internacional de Largometrajes

El premio Puma de Plata a Mejor Director en esta competencia fue para Michael Wahrmann, con la película Avanti Popolo de Brasil.

El premio Puma de Plata a Mejor Película a Leviatán, de los directores Lucien Castaing-Taylor y Véréna Paravel, de Reino Unido, Francia y Estados Unidos.

También se otorgaron una Menciones Especiales para las siguientes películas:

-Dos metros de esta tierra de Ahmad Natche

-El tiempo pasa como un rugido de león de Phillip Hartmann

-Arrainos de Eloy Enciso

-Yumen de J.P. Sniadecki, Huang Xiang y Xu Ruotao

El público que asistió a FICUNAM otorgó el Premio del Público a la película El acto de matar del director Joshua Oppenheimer.

Sección Aciertos

El premio Aciertos a Mejor Cortometraje fue para la película Campo del director Víctor Flores, egresado de la Universidad Arcis – Escuela de Cine, Chile, el cual consistió en una medalla y $35,000.00 pesos mexicanos.

Además hubo tres menciones especiales:

-Pude ver un puma de Eduardo Williams, de la Universidad del Cine, Argentina

-De agua dulce de Damián Saínz Eduardo, de la EICTV- Escuela Internacional de Cine y Televisión, San Antonio de los Baños, Cuba

-Que viva el agua de Cecilia Kang, de la ENERC- Escuela Nacional de Experimentanción y Realización Cinematográfica

Sección Ahora México

Selección TV UNAM. Mejor película ($50,000 pesos M.N) Derechos de transmisión en el canal universitario para ser reproducida en dos ocasiones, en un periodo de 18 meses.

La película ganadora fue Mai Morire de Enrique Rivero

Selección LCI Seguros

Dentro de esta sección, el ganador fue El cuarto desnudo de Nuria Ibáñez, quien recibió un 50% de descuento en el seguro de filmación de su próxima película.

@elcastillo

FICUNAM: Like Someone in Love / Penumbra

noreply@blogger.com (Ari S.) — Wed, 27 Feb 2013 18:57:00 +0000

Like Someone in Love (2012) [★★★☆☆]

"Me interesa la violencia en la sociedad", sea quizá la línea que podría definir el filme, pero la forma en la que se dice y en el momento, uno podría dejarla pasar como un diálogo más, pero no, esa línea toma mayor fuerza al final del filme y es el propósito de la misma. Abbas Kiarostami, después de Certified Copy, hace un filme que bien puede ser una gemela no reconocida de tal cinta, como en aquella, aquí toma fuerza las identidades asumidas, personajes que son confundidos por otras personas y siguen el juego. La solvencia de dirección se entiende desde la primera escena en un bar, la voz de una mujer discute fuera de pantalla con alguien; la demás gente y sus pláticas camuflajean el diálogo de la chica. La chica, llamada Akiko (Rin Takanashi), trabaja de escolta mientras estudia la universidad. La cinta abre con ella y la plática con su jefe quien la persuade para ver a un cliente que vive afuera de Tokio, un cliente importante. Akiko recogería a su abuela que vendría de visita, pero en esos momentos sólo quieres dormir y descansar. Acepta ir con el cliente, dejando a su abuela cerca de una estatua, esperando. La chica llega a la casa de su cliente, Takashi (Tadashi Okuno), un profesor anciano que es impulsado más por soledad que por lujuria al recibirla. Le tiene preparada una cena, parece interesado en lo que ella dice, la trata, vamos, como un caballero.

Pero es la verdadera intención de Takashi lo que parece ambiguo, quizá no busque sexo sino compañía, o incluso puede ser un role-play donde el sería el protector y ella quizá, suplantando la esencia de una nieta. Sus intenciones se vuelven aún más discutibles cuando, al otro día, lleva a Akiko a la universidad a hacer un examen. Allí, en la entrada, ella es recibida por su volátil novio -con quien discutía por teléfono la noche anterior- que, sin que nosotros sepamos lo que dicen, permanecemos desde el punto de vista de Takashi, estando retirados de lo que sucede. El cine es sobre lo que se avista en pantalla y lo que permanece secreto a nosotros, aquí sin duda, Kiarostami explota la idea, y podría parecer austero, incluso estéril sin dejarnos adentrarnos e la historia y lo que sucede a un 100%. El novio inestable, Noriaki (Ryo Kase), le pide fuego al anciano que espera a Akiko afuera de la escuela. El anciano accede y pronto ambos se encuentran platicando sobre ella, sobre lo que es y no es. Noriaki lo confunde por el abuelo de ella y Takashi le sigue la corriente aunque haciendo claro que no es verdad, con líneas como: "Soy tanto el abuelo de ella como el tuyo". La incómoda compañía se dilata cuando regresa Akiko y juntos tienen largas y tendidas pláticas mientras transitan por la ciudad.

Este último detalle del viaje en auto recuerda a la obvia cinta de Kiarostami Ten que sucede en su completud dentro de un auto andante. La extensión de los diálogos, el sonido natural de fondo, la posición de su cámara, su fluidez, la duración y composición de cada toma es rigurosamente cuidada y es esta atención al fin, lo que termina sobresaliendo de la cinta. Cada detalle en diálogo y en pantalla son importantes. Kiarostami deja pequeñas huellas que van rellenando un contexto, pero este contexto es de una historia que realmente no da para mucho, es menos ambiciosa e intelectual que su predecesora. La sutileza de la fotografía y el latente sentimiento de alerta parte de que la charada se vaya a descubrir resuena a Haneke y su Caché. Y es con esta última cinta con la que su final podría ser también tenido en cuenta: brusco, inesperado, y en cierta medida, molesto. El título tomado de la canción de Ella Fitzgerald que se escucha en la casa de Takashi refleja los distintos estados emocionales que uno presenta, precisamente cuando se está enamorado contrastándolo en estos tres individuos, pero de ahí en fuera, Like Someone In Love transmite exactamente lo contrario al amor, apatía y soledad.

Penumbra (2013) [★☆☆☆☆]

Tenemos aquí un austero filme -dirigido por Eduardo Villanueva- que retrata los rituales de una pareja anciana en un seco y árido hogar, donde lo más importante del día es ir a cazar y o quedarse en casa preparando la comida. Adelelmo y Dolores son personas reales, y como en un filme de Bresson, sus expresiones son naturales, sus diálogos -con acento típico de la región- dudosos -no obviamente ensayados-, su idiosincrasia se mantiene. Pero el filme es vació. Se infiere la religión en sus vidas, su lóbrega cotidianidad, sus monótonas pláticas y acciones diarias. No sucede, realmente más que eso. Podría incluso confundirse con un documental casi mudo a no ser por el sonido de la naturaleza y los pasos de cada uno. En ese caso, ¿sería un documental sobre qué, exactamente? ¿La vida de estos seres influenciados por sus creencias y ceremonias como ofrendas? ¿El cazar animales y su significado metafísico? ¿Sus ideologías existenciales? Cualquiera de esos tópicos, por buena intención que se haya tenido en concretar, no sucede.

La luz de las escenas es importante y se le da su respectivo cuidado, como también de la precisa cámara que empieza la cinta con una toma secuencia que registra el interior de la casa en 360° mientras Adelelmo se levanta de su cama, la cámara lo abandona unos segundos, para regresar después a verlo encender la estufa y calentar agua; todo esto en casi completa oscuridad salvo por la luz que se trasluce por los vitrales de su puerta. Se captura la muerte de tres animales, reales, y podría justificarse por "el bien del arte" pero cuando este "arte" carece de un punto, no hay excusa alguna. Puede leerse la cinta como un par de ancianos viviendo sus últimos días y esperando la muerte en completa regularidad porque simplemente no hay nada que hacer. Sin embargo, mucho del tiempo de pantalla sucede enfocando a la selva, el cielo, Adelelmo caminando con su escopeta, destazando un animal, platicando sobre su vida con un amigo, étc. No hay un motif a la vista, lo único que regresa en varias escenas es el credo, ya sea su catolicismo o sus creencias en la naturaleza y los dioses prehispánicos. Incluso termina, después de casi completo silencio que abunda el filme, con una pieza de Arvo Pärt, por si el "tema de religión" no haya quedado claro.

@elcastillo

FICUNAM: Aciertos

noreply@blogger.com (Ari S.) — Tue, 26 Feb 2013 15:21:00 +0000

Como en todos los festivales de cine, la variación de formatos y su procedencia es muy importante. Hoy se presentó la primera parte de la competencia Aciertos-Encuentro Internacional de Escuelas de Cine. Aquí se muestran cortometrajes de estudiantes de diversas universidades a lo largo de latinoamérica, y sirve en cierta medida para tener un panorama de lo que se está haciendo en otras latitudes, las diferentes visiones del cine y los nuevos directores que se quieren expresar por este medio. Se presentaron cortos de México, Cuba, Argentina, Costa Rica, Chile y España. Las calidades varían, pero no se olvide que estamos frente a la primer obra de un potencial director, estos proyectos muestran ya las capacidades de cada uno y donde la escuela tomó un valor importante.

El primer corto, Los Murmullos, de Gastón Andrade Juárez -representando al CUEC-, es una obra refrescante en cuanto a su narrativa y la forma expuesta del diálogo. Ningún personaje habla sus lineas, vemos el texto en pantalla y ellos le dejan el sonido y registro al espectador, creando así, quizá, un murmullo en la sala mientras se leen las líneas dándole cierto tono y propósito. La historia es directa: una pareja de jóvenes es feliz en el campo, pero él, quiere irse a los E.E.U.U. para ganar más. Un día, regresando de trabajar no encuentra a Susana; la busca y cuando la encuentra, su vida cambiará para mal, mucho mal. Ya no es el mismo, la gente del área lo sabe; se olvidan de ellos, "como si nunca hubiesen existido". Una buena obra con referencias a Rulfo, Los Hermanos del Hierro, y si nos ponemos muy detallistas, hasta a Pueblerina del Indio Fernández.

El segundo corto fue De Agua Dulce, proveniente de Cuba. Nos presenta a Kinkin, un hombre con un sucio pasado como el río de donde pesca. Este hombre y su vida, es interesante: platica como fue a dar a prisión por una pelea con un policía; el momento en que casi mata a su hermano por robarle dinero, y cuando se disponía a irse, su hermano se abalanzó contra él; pero que no haya duda, como él lo cuenta, no ha lastimado a nadie que no se lo merezca. Este personaje y la forma elocuente y apelativa en que cuenta parte de su vida es hipnotizante, habla con tal espontaneidad y seguridad que no podría uno dudarle nada. El trabajo es de Damián Saínz Eduardo, representando a la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños, Cuba.

El tercer trabajo -y uno de los mejores- viene de la Universidad de Cine de Argentina. Un grupo de chicos juegan en las azoteas. Después vagan por una área desolada donde casas parecen haber sido arrasadas por un tornado. Platican de sueños extraños, platican del infinito, de programas de tv. Pasan por otro lugar todavía más extraño, un lugar donde pareciese que un pueblo fue tragado por el agua, debido a la salinidad, sólo los esqueletos de árboles permanecen. El título, como el inesperado final, revelan una obra onírica, subjetiva y ambigua que podría tener muchas lecturas, pero que a primera vista, resulta muy atractivo en su efectivo uso de temas y diálogos sempiternos que nos van alejando sutilmente de un final inesperado.

El siguiente viene de la Universidad de Guadalajara, titulado Vacaciones Presenta a un hombre en duelo, después de la pérdida de su hijo. Los recuerdos -y el dolor- que le trae el recoger sus juguetes, el ver los videos grabados juntos, cuando todo era mejor. Es, en perspectiva, un tema ya visto en demasía, y quizá no necesariamente devalúe el trabajo hecho o la intención, pero ni narrativamente o técnicamente representa algo nuevo, incluso original. En general, un corto prescindible.

El quinto fue Campo, que viene de Chile representando a la Universidad Arcis. Se trata de un ejemplar ensayo visual que no necesita hacerse uso de diálogos o prólogos; tiene un interesante tono a documental que se hace de comparaciones para mostrar su punto. Vemos, imágenes del campo, una mujer agricultora en una paz con la tierra y el aire. Por el otro lado, vemos a la industria, el materialismo dañino que perjudica el aire, el suelo, los animales. Las imágenes se yuxtaponen creando en el público la clara imagen de lo que está mal. Una cierta declaración al cuidado del ambiente que no es precisamente propaganda ya que se mantiene imparcial, y es aquí donde el espectador termina de armar el filme: es el significado que le demos a las imágenes en frente y cómo se complementan mutuamente.

El sexto viene de la Universidad Veritas de Costa Rica, y es, un corto prescindible más. Se titula La Sed, y es, ciertamente, una sed de líbido. Un chico es recogido de la escuela por su, tal vez, futura madrastra. Sin duda, la mujer es atractiva, y el niño lo reconoce en seguida por lo que sigue sus impulsos, poniendo en una situación muy incómoda a la mujer. La trama del niño que está deseoso de un encuentro físico con alguien mayor, y una fijación inmediata en ese alguien, también, se ha visto muchas veces. Lo que resultaría notable es la fotografía que es quizá la mejor de todas las vistas hasta ahora en la sección, como también la calidad del sonido. En conclusión, un corto que no ambiciona mucho.

El último, titulado Distopía, viene de la Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña, dirigido por Jeffrey Frígula. Una muy interesante metáfora en el cambio emocional de alguien. Un niño ve llegar a otro a la calle donde vive. Lo va a ver, éste, cuando emerge de su casa rodante, trae puesta una máscara de extraterrestre y una pistola de juguete con luces. Encuentran sus gustos en común. Pronto entra la adolescencia, las prioridades del llegado inquilino ya no son las películas de ciencia ficción, ahora son las chicas. El primer chico no sabe qué hacer. Todo esto sucede sin diálogos, ilustrando el paso de tiempo por las palabras FASE # y un número que representa el avance o cambio en el primer niño. Es un sombrío cortometraje que trata del cambio emocional y psicológico de un experimento del que es presa, y que no necesariamente es llevado a cabo por enanitos verdes con antenas, sino un humano común.

@elcastillo

FICUNAM: The Act of Killing / The Terrorizers

noreply@blogger.com (Ari S.) — Mon, 25 Feb 2013 05:50:00 +0000

The Act of Killing (2012) [★★★★☆]

Un soberbio documental que funciona también como una confesión y al mismo momento, como un catalizador de emociones y acciones de los sujetos principales. Ellos son un grupo de asesinos que trabajaron para el grupo paramilitar Pancasila Youth en el golpe de estado de 1965 en Indonesia. Su tarea era ayudar a asesinar presuntos comunistas, en su mayoría chinos, llegando a haber despachado -juntos- más de un millón en un año. Un crimen de guerra que permanece sin castigo, salvo en la conciencia de cada uno de los participantes. Es también, en cierta manera una apología a tales actos por parte de sus protagonistas que hablan de ello con toda la calma del mundo, incluso recrean, en los lugares reales, cómo mataron a varias víctimas. Se habla del origen del principal grupo de "gangsters", Anwar Congo, y cómo fue reclutado mientras se ganaba la vida vendiendo boletos de cine. En este ambiente se relacionó con éste arte y fue emulando a los héroes de westerns, de cine negro y de acción, lo que lo llevará -durante este documental- a organizar una película retratando sus "grandes hazañas" haciendo uso de trajes estrafalarios, locaciones ambiciosas y con un mensaje que parece defenderlo con todo su ser.

Sin embargo, mientras ve avances de su película junto a sus amigos ex-gángsters, se va abriendo un poco y habla realmente de lo que sucede. Los presuntos comunistas, podían serlo o no, a él no le importaba y daba muerte a quien tuviese pinta de chino. Aunque tales acciones ya no se realizan "oficialmente", los habitantes chinos aún pagan derecho de piso por vivir en la región y se ve en una escena, cuando les van a cobrar a los mercados. Se ve en los rostros de los hombres chinos un miedo, una molestia cuando se enfrentan a estos asesinos, porque si se negasen a algo, saben lo que les pasaría. Congo y compañía, platican sobre el tema con un tono cómico, siempre defendiendo su patriotismo e importándoles poco si fue moralmente correcto o no. Incluso, en el día a día con sus amistades, uno podría tener cierta empatía con ellos, sus personalidades hacen difícil resistirse a su singular encanto. Aun sabiendo que lo que hicieron, era en gran parte una farsa y mataron a gente inocente, ello continúan con su vida, con sus familias, con sus relaciones en la política, como si lo sucedido fuese algo normal. El punto culminante y espléndido del filme sucede cuando Congo, después de haber recreado una escena de tortura poniéndose él como el castigado, le es difícil continuar con la escena porque hay algo que no está bien. Su muerte ficticia es ahorcado con alambres y en el momento de actuarlo, empieza a sentir cierto malestar, su mente regresa a esos tiempos, y por primera vez piensa en lo que debió de ser para la gente que mató, esos últimos momentos de sus vidas a manos de él. Se pregunta ingenuamente si se sintieron tan mal como él recreando la escena; el director Joshua Oppenheimer le contesta que fue peor, porque al menos Congo sabe que está actuando, mientras que ellos ya daban por hecho su asesinato.

Es un espléndido documental donde, mientras se narran los particulares caracteres de los individuos, estos personajes piensan realmente en sus acciones y en si fue correcto o no. En especial afecta a Congo en sobremanera y aquí se descubre una virtud más del documento: mostrar la realidad, quizá sin querer, a sus propios protagonistas, haciéndoles recapacitar lo hecho. Un inesperado experimento que muestra una faceta más del documental y sus repercusiones en sus actores. Una cinta que empieza como apología y termina siendo una declaración de culpa.

*Werner Herzog y Errol Morris, resultan ser productores ejecutivos

The Terrorizers (1986) [★★★★★]

Lo único que tiene en común con The Act of Killing es que ambos terminan con personas vomitando, literalmente, en pantalla; eso sí, causado por circunstancias diferentes, pero que al espectador le generará la misma incomodidad. Edward Yang dirigió este impecable filme sobre sobre tres grupos de personas que, se entrelazan de manera trágica. Ni Gonzáles Iñárritu pudo idear algo semejante. Un técnico de laboratorio y su mujer escritora pasan por cierta fricción en su relación: los bloqueos de creatividad de ella, la aparición de un viejo romance, el esposo absorbido por el trabajo, la pérdida de un bebé; empieza su desenlace al inicio del filme. Un chico fotógrafo y su novia. El joven retrata un asesinato que es la escena que abre el filme. Un hombre tirado en el suelo, baleado, mientras sirenas se oyen a lo lejos. El asesino -que forma parte del tercer grupo- junto a su novia, planean escapar de la policía, pero sólo ella lo logra, no sin antes ser fotografiada por el chico que recuerda en sus acciones e idiosincrasia a David Hemmings en Blowup.

Las tres relaciones se desbaratan eventualmente, y empieza a germinar cierta soledad entre todos los incluidos. El fotógrafo es echado por su novia por encontrar fotos de la chica que escapó del crimen y con quien el joven desarrolla una fijación. Mientras, la chica de la fotografía -en medio de una crisis emocional , empieza a hacer bromas telefónicas donde hace llegar a bomberos al departamento donde vivía con su novio, y en una de esas veces, llama a la escritora para ir a visitar a la persona que le llamó de forma anónima; todo esto sin abandonar su actitud rebelde. Es, al final, la relación de la escritora y el técnico la más poderosa y la que sobrelleva el filme. El hombre empieza a tener dudas sobre la intención de su esposa cuando le pide tiempo para estar sola; obviamente, el viejo romance con su ahora nuevo jefe tiene algo que ver, pero su marido. envuelto en su trabajo para alcanzar una mejor posición, no tiene ni el menor conocimiento. Empieza a buscarla, le dice que regrese, que al fin leyó sus novelas y sabe lo que ella nunca le dijo. Es este choque con la realidad que hace del esposo una nueva persona, con la que nos engaña Yang al final del filme, dándonos dos posibles finales, ninguno más verosímil que el otro, ambas son reacciones "naturales" y eso es el mayor logro de The Terrorizers, el instinto humano y su reacción con la verdad.

La película fue proyectada en una impecable restauración que figura, dentro de la filmografía de Yang, entre lo mejor visto. El último cuadro, y sus connotaciones, quedarán indelebles en la mente de quienquiera el afortunado de ver este crudo, pero maravilloso filme.

@elcastillo

FICUNAM: Vida en Sombras / Escuela Normal / The Capsule

noreply@blogger.com (Ari S.) — Sun, 24 Feb 2013 05:44:00 +0000

Vida en Sombras (1948) [★★★★☆]

El cine es un veneno. Corrompe, nubla el juicio se antepone a todo lo demás haciéndolo parecer inútil, banal. Es una fuerza invisible que te atrae, te sujeta y por momentos, te suelta, para regresar después como un antiguo amor que no te dejará ir nunca más. Desde la primera escena hasta la complementaria última queda por entendido el juego meta y autoconsciente de la dirección del catalán Llorenç Llobet-Grácia. Vida en sombras es un manifiesto del director en cuanto su pasión por el cine, y en esa acción, crea una obra en la que muchos cineastas y cinéfilos más se podrían identificar. Es algo más que un homenaje al cine, algo un poco más sutil que Cinema Paradiso en su obvia referencia al medio, algo más inocente que un Sunset Blvd, pero sin duda, igual de efectiva.

Prohibida durante la dictadura Franquista, la cinta nos presenta a Carlos Durán -Fernando Fernán Gómez-, nacido en la época donde empezaba el cine; su mismo padre fue cautivado por el mismo y le heredó un zoótropo. De niño sus héroes eran los Chaplin; el cine dejó una semilla desde entonces en él, lo que lo impulsaría en un futuro a ser documentalista. Ya adulto, se encuentra con una amiga de la niñez -Ana-, y deciden vivir juntos. Pero el cine, como una novia celosa, lo controla; empieza a descuidar a su esposa en los inicios de la guerra civil. El cine lo envuelve y le costará caro su enajenamiento.

Llobet-García tiene sus referencias muy claras: se hace referencia a The Jazz Singer -el primer filme en incluir sonido (aunque sólo en las partes cantadas)-; se hace un explícito guiño a Rebecca de Hitchcock; a la diva Ingrid Bergman; a la cinta de Georges Cukor, Romeo and Juliet; en incluso en una plática con su amigo de la infancia sobre el director de cine, Carlos suelta una opinión con ribetes a la politique des auteurs. Pero referencias a otras cintas y en general, a los elementos del cine, no completan una película, y el director lo confirma llenando a su cinta de planos secuencia en los momentos posibles, destacando uno en especial mas o menos a la mitad de la película, cuando se encuentra cenando con su esposa Ana mientras escuchan por la radio las noticias que empiezan a dar indicios de una posible guerra; la secuencia, sin cortes y que toma lugar en un comedor, tarda poco menos de diez minutos y en ningún momento se siente forzada para darle cierta "estética" que es casi siempre bienvenida en festivales europeos. Presenta también su economía al presentar el avance del tiempo con primeros planos de pósters indicando fechas, calendarios, y gigantes números que se sobreponen a las imágenes de guerra. Es en general, una cinta hecha por y para cinéfilos que, además de tener un contenido referencial, crea una historia muy natural y evocadora, una tragedia y a la vez una defensa al medio aunque en una de esas puede controlarte por completo.

*Cabe destacar la hazaña de la restauración a partir de las únicas copias en 16mm, y la inclusión misma de la cinta en el festival

Escuela Normal (2012) [★★★☆☆]

En este moderado documental -à la Frederick Wiseman- se evidencia el día a día de la primera Escuela Normal en Argentina. La directora, Celina Murga -egresada de ahí mismo-, captura la política de la escuela, cómo se instruye a los alumnos a ser social y políticamente activos, como es común en este tipo de escuelas. Pero lo hace sin intervenir, ni siquiera hace preguntas, no hay ni un sólo momento en que alguien se dirija a la cámara -en el estilo de doc observacional-, es una testigo más y lo presenta de tal forma que podría no parecer documental, simplemente deja que los participantes actúen y ella registra todo con bastante cuidado.

Aquí se ven a los alumnos: en un momento debatiendo con una profesora sobre porqué se incluye la religión en su constitución cuando no todos son Católicos y la ley lo da por sentado, la chica dice que por qué no se incluye de una vez a los judíos o musulmanes; en otro momento se ve a la pasiva directora indicando al nuevo intendente lo que debería hacer en los baños, ella lo hace todo y no parece molestarse, incluso da la impresión de, o ser una persona demasiada amable o alguien que podría pasar por blandengue y que se nota cuando encuentra a unos alumnos tirando a la calle globos con agua y cuando varios profesores se ausentan sin avisar. En una escuela con 700 alumnos como esta, en medio del caos pubescente, lo menos que se podría permitir uno es ser eso, tímida en la toma de decisiones; otro momento notable y que se toma la mayoría de tiempo de la cinta es cuando los alumnos están por escoger a nuevos representantes a nivel escolar quienes se encargarían de hablar por ellos y reproducir sus inquietudes. Desde aquí se nota ya el tipo de educación que han recibido, inclinados a la ser activos en cuanto a hacer escuchar sus opiniones y a la responsabilidad que un encargo así, puede conllevar. Pero se toma el tiempo también de verlos como personas, no solo imágenes o moldes que contienen el tipo de enseñanza de una Normal: se ven con sus novios/as, jugando, su momento de graduación, incluso la directora antepone el resultado de esta educación al final del filme, cuando un grupo de egresadas se reúne. Es un documental interesante, pero quizá de un nicho o tema muy específico, que quizá podría no atraer a muchos, pero abre las puertas a cierta perspectiva a la educación que no sólo es de Argentina, sino de muchos otros países, incluido México y Europa.

The Capsule (2012) [★★★★★]

Bizarro, irreal, quimérico resulta éste cortometraje de la cineasta griega Athina Rachel Tsangari. Después de la sorpresiva Attenberg, la directora continúa por el camino que ha sobresalido en el cine de Grecia reciente, pero esta vez tiene una gran excusa para hacer de su obra algo bastante impenetrable a priori: el corto nació de una comisión por parte del coleccionista de arte Dakis Joannou y Dennis Friedman, director creativo. Aquí se usa como instalación y adornos piezas de arte, moda y esculturas. Por más distinta que sea una rama creativa a la otra, Tsangari combina estos elementos más su peculiar visión de dirección en un "gótico corto griego", como la etiquetó ella en la función.

Una montaña de sillas de derrumba en cámara lenta, de sus entrañas aparece una mujer; del interior de una cama nace otra; una más yace escondida tras una pieza que asemeja a un jarrón gigante, otra aparece en miniatura en la boca de otra; otra aparece dentro de la cara despellejada donde debería estar su cerebro; una más, con bigotes pintados toca a la puerta de la casa en una montaña en las Cícladas Juntas en un lúgubre ritmo y sutil música reverberante, despiertan a su ama quien les enseñará ciertas cosas sobre "las mujeres". Efectúan rituales, como abrir y cerrar ventanas (en slow-no, claro) mientras que a sus espaldas corren niñas en medio de la oscuridad y la luz efímera; caminan por la isla (vestidas en haute couture de Marc Jacobs y Ying Gao) conduciendo cabras; bailan a espasmódicos pasos A Horse With No Name; ingieren "la cápsula" que asemeja un huevo de alguna ave; los cuellos les dan vueltas, se sisean unas a otras, en momentos cobran cuerpo de cabras, perros e hidras.

Algunos rostros se pueden reconocer: Ariane Labed, protagonista de Attenberg y Alps, la más reciente cinta de Yorgos Lanthimos; Isolda Dychauk que participó en la más reciente cinta de Alexandr Sokurov, Faust; Clémence Poésy, más reconocida por Harry Potter and the Goblet of Fire. Es un magnifico corto de alto nivel estético, aún con su bastante ambigua narrativa, mantiene a uno hipnotizado en su extrañeza, por lo tanto, ingeniosamente, no lo hace algo necesariamente austero y de difícil acceso, es, vamos, la moda y arquitectura adaptándose al cine o viceversa dependiendo de las lecturas que se le den. Dentro de esta amalgama de artes, hay una ligera linea narrativa filosófica donde la matriarca preside una suerte de iniciación, sobre la inmortalidad de la mujer, su renovación y eventual expiración. Son instruidas y castigadas por sentimientos y emociones intrínsecos en el instinto humano. La guía lo ha vivido y declara: "este ciclo infinito debe terminar". Un exquisito banquete visual con un trasfondo de romance femenino con indicios de Buñuel que desafía tajantemente lecturas a priori.

@elcastillo

FICUNAM: Vers Madrid / Taipei Story

noreply@blogger.com (Ari S.) — Sat, 23 Feb 2013 06:02:00 +0000

Vers Madrid - The Burning Bright! (Scene From the Class Struggle and the Revolution) [★★★★☆]

Un documento histórico desde el tema a tratar: el Movimiento 15-M, nacido en Madrid en Mayo del 2011, también conocido como el movimiento "de los indignados". No es un documental per se, no hay talking heads, la cámara del director Sylvain George deja que las acciones cuenten la historia. El movimiento, además de abogar por la democracia y postularse en contra del capitalismo, tiene eco también en defensa de los inmigrantes, la crisis económica y el racismo. Filmada en blanco y negro, con una muy necesaria cámara en mano, Vers Madrid se establece, no sólo como un documental más, sino un testigo de una lucha de quizá el mayor movimiento del siglo XXI.

Además de retratar honestamente a sus personajes anónimos y sus acciones, George se preocupa también por la estética del documento. Aun con los problemas que pudiese conllevar un filme grabado cámara en mano, el director se da el momento para captar y "acomodar" sus tomas en ciertos momentos: Estatuas, eslóganes, personajes, avenidas y plazas. Tiene además, la estructura de tableaux, siendo dividido el doc en varias partes, empezando y terminando cada una de ellas de manera considerada en cuanto a estética visual.

Es un simposio de voces y opiniones donde se ve desde el lado de un inmigrante viviendo en un departamento donde fue colocado y que le parece más a él una prisión; pasando por un personaje que, por la crisis depende de sus padres; hasta las confrontaciones con la policía, poniendo en prueba que se trata de un movimiento pacífico, en ningún momento se ve a los "indignados" ejerciendo fuerza o resistencia. Se trata, en general, de un acontecimiento histórico retratado imponentemente sin ser necesariamente parcial.

Taipei Story [★★★★☆]

Se trata del segundo filme del taiwanés Edward Yang y que abrió la retrospectiva a su carrera, y cuya función fue presentada por la directora del festival -Eva Sangiorgi- y el embajador de Taiwán en México. Es sin duda un filme sobrio, desde entonces Yang aborda la relación humana, balanceándola con el entorno que avanza a zancadas mientras sus habitantes se atrasan en relaciones difíciles. Su trato a la industrialización y modernización de Taiwán en los 80's trae a la memoria al trabajo de Michelangelo Antonioni y su L'Eclisse. El país es un cómplice de la historia dramática de Lon -interpretado por el cineasta Hou Hsiao-Hsien-, un antiguo prospecto de jugador de béisbol que regresa a Taiwan de Estados Unidos para operar la fábrica textil de su familia. A su regreso, se muda a un nuevo departamento con su novia Chin -interpretada por la cantante Tsai Chin, y eventual esposa de Yang-, una promotora inmobiliaria.

Su relación empieza a decaer con la renuncia de Ching a su empleo, una deuda que contrajo el padre de ella y que Lon se ofrece a cubrir, y la melancolía de este último por sus años de jugador. Pero hay también un tema de infidelidad por ambos bandos, lo que hará de su vínculo algo incómodo. Yang no retrata la historia en un mero sentido y estética dramáticamente exagerada ni la hace ver ligera. El filme está permeado de silencios, es sólo en un par de ocasiones cuando se llega a escuchar música, el vacío es también aquí un personaje principal. Hsiao-Hsien, como Lon, ilustra un personaje cuya mente no se decide en qué tiempo vivir, en su pasado alegre, o en el presente nublado donde su compañía no va del todo bien al mismo tiempo que la ciudad evoluciona y no puede mantener el paso. Chin, que esconde su debilidad emocional detrás de lentes oscuros que usa de día y noche, es también, una presa de las circunstancias; al momento de resignar en su empleo, toma un aire más liberador, empieza a vivir un poco, acompañada de su hermana menor y sus amigos. Taipei Story es, la historia de una ciudad, al igual que la historia de estas dos personas que representan en cierta manera el cambio del país, con sus avances y retrocesos: por un lado, la idealización de América que como dice Lon en un momento, "no es la panacea". Chin, con sus inclinaciones hacia lo occidental es un polo opuesto a las ideas de Lon, y en general, a sus muy distintas personalidades e inclinaciones, pero es dentro de todo esto, cuando encuentran un momento de acuerdo y paz.

@elcastillo

FICUNAM (3ra Edición): Día 1

noreply@blogger.com (Ari S.) — Fri, 22 Feb 2013 05:41:00 +0000

Cineplaneta, por primera vez, cubrirá el festival de FICUNAM en su ahora ya, 3ra edición. Las dos anteriores fueron decisivas; se tendría que ver la reacción y recibimiento del público a un nuevo festival, uno que nace después de la muerte de otro, el FICCO. Se inició con retrospectivas a cineastas casi desconocidos en México: el tailandés Apichatpong Weerasethakul, se siguió después con la trayectoria del guionista nipón Masao Adachi y con Peter Tscherkassky. En esta nueva edición, no es la excepción un cine diferente, desconocido y de trascendencia como lo es el de Edward Yang, Jonas Mekas y Darezhan Omirbayev.

Tomando en cuenta la programación de las ediciones pasadas, se infiere de cierta manera "el estilo" del FICUNAM. No necesariamente un cine estrictamente art-house, ni mucho menos un cine comercial, sino uno que incite a recordar al cine como arte, en varias de sus formas y géneros. Tomando en cuenta la retrospectiva de esta edición, el cine de Mekas, el de un documentalista de la vida pop de los 60's es igual de importante que la del chino Edward Yang cuya cinta más conocida y aclamada, ganó el premio de Mejor Director en el festival de Cannes del año 2000 por su cinta Yi Yi.

Y no es sólo en los sujetos que forman las retrospectivas donde se ve el enfoque del festival; como en todos hay muchas variedad, pero hay una coherencia dentro de tanta algarabía, hay un marco estilístico y narrativo.

Éste año, la competencia internacional de largometraje la integran 14 cintas de países como Palestina, Francia, Argentina, España, Nueva Zelanda y Alemania por nombrar algunos.

El jurado lo conforman Jean-Pierre Rehm (director del FIDMarseille), Athina Rachel Tsangari (cineasta), Dennis Lim (crítico), Nicolás Pereda (cineasta), y Mark Peranson (programador y cineasta). La dirección del festival corre a cargo de Eva Sangiorgi, y la programación por Maximiliano Cruz, Sebástien Blayac y Roger Koza, éste siendo además crítico de cine que será parte de una conferencia sobre el crítico y la crítica de cine que se llevará a cabo con más invitados referentes al tema. Además habrá conferencia magistral con Mekas y Omirbayed, como también presentaciones de libros.

Concluyendo el recuento del festival: serán más de 100 películas que se proyectarán desde hoy jueves 21 al 3 de Marzo. Se dio esta noche la inauguración del festival con la cinta Student, de Omirbayev, y que por una que otra razón no pude asistir, pero espero poder verla en alguna función posterior.

Por supuesto que sería imposible ver todas las cintas, pero no queremos quedarnos sin hacer el intento, así es que estaré actualizándolos día a día con los filmes que se me sean posibles de ver, dando prioridad a las cintas de competencia para que tengan un contexto a la hora de que se anuncien los premios.

Esperemos sea otra edición exitosa del FICUNAM. Pueden ver la programación y demás eventos, en la página oficial: http://www.ficunam.unam.mx/

@elcastillo

Con Ustedes, la Primera Imagen Oficial de “Sin City: A Dame to Kill For”

noreply@blogger.com (Adan Ruiz) — Sat, 16 Feb 2013 01:34:00 +0000

Robert Rodriguez ha publicado en su cuenta de twitter dos imágenes; una foto detrás de cámaras con Josh Brolin como Dwight (interpretado por Clive Owen en la primera cinta) y un render rápido mostrándonos más o menos cómo quedará la toma final.

La película estrenará el 4 de Octubre, basada en la novela gráfica de Frank Miller y con las actuaciones de Mickey Rourke, Jessica Alba, Bruce Willis, Rosario Dawson, Jaime King, Joseph Gordon-Levitt, Eva Green, Dennis Haysbert, Christopher Meloni, Jeremy Piven, Jamie Chung, Ray Liotta, Juno Temple, Julia Garner y Stacy Keach.

Lucasfilm cancela el re-estreno en 3D de Star Wars II y III, Nuevas Imágenes de “Kick-Ass 2” y “The Wolverine” y los ganadores de Sundance 2013

noreply@blogger.com (Adan Ruiz) — Tue, 29 Jan 2013 06:36:00 +0000

Debido a las diversas ocupaciones de la vida diaria me veo obligado a cambiar un poco el formato y frecuencia (como ya lo habrán notado) de las actualizaciones del blog. De momento probaré el concentrar todas las notas relevantes que hayan surgido en el día dentro de un solo post.

Antes que nada, Deadline informa que Lucasfilm ha cancelado los re-estrenos de los episodios II (Attack of the Clones) y III (Revenge of the Sith) de Star Wars en 3D para enfocarse por completo en el desarrollo del VII, del cual J.J. Abrams se encargará. Ha pesar de que una nueva trilogía está planeada, es muy probable que la conversión al formato tridimensional se realice en el futuro.

En otras noticias, las primeras imágenes oficiales de “Kick-Ass 2: Balls to the Wall” mostrando a Chloe Moretz como Hit-Girl han aparecido por MovieWeb (sacadas de unos scans de Empire), junto a otra ya conocida con Jim Carrey como Colonel Stars y Aaron Johnson como Kick-Ass. Se espera el estreno para el 28 de Junio. Nicolas Cage, Lyndsy Fonseca, Christopher Mintz-Plasse, John Leguizamo y Donald Faison coprotagoniza. Jeff Wadlow dirige.

A continuación tienen las imágenes antes citadas, seguidas por dos fotos de “The Wolverine” (también sacadas de la revista Empire) de James Mangold, donde podemos ver a Hugh Jackman como Logan portando un traje en algún lugar de Japón.

Finalmente el prestigioso Festival de Cine de Sundance ha llegado a su final, siendo “Fruitvale”, de Ryan Coogler la mejor película independiente en la categoría de drama. El Gran Premio del Jurado para película documental es de “Blood brother”, de Steve Hoover. La lista de palmarés a continuación:

Grand Jury Prize, Dramatic: "Fruitvale," de Ryan Coogler
Grand Jury Prize, Documentary: "Blood Brother," de Steve Hoover
World Cinema Jury Prize, Dramatic: "Jiseul," de Muel O
World Cinema Jury Prize, Documentary: "A River Changes Course," de Kalyanee Mam
Dramatic Audience Award: "Fruitvale," de Ryan Coogler
Documentary Audience Award: "Blood Brother," de Steve Hoover
World Cinema Dramatic Audience Award: "Metro Manila," de Sean Ellis
World Cinema Documentary Audience Award: "The Square," de Jehane Noujaim
The Best of NEXT Audience Award: "This Is Martin Bonner," de Chad Hartigan
Directing Award, Dramatic: Jill Solloway por "Afternoon Delight"
Directing Award, Documentary: Zachary Heinzerling por "Cutie and the Boxer"
World Cinema Directing Award, Dramatic: Sebastián Silva por "Crystal Fairy"
World Cinema Directing Award, Documentary: Tinatin Gurchiani por "The Machine Which Makes Everything Disappear"
Waldo Scott Screenwriting Award: Lake Bell por "In a World"
World Cinema Screenwriting Award: Barmak Akram por "Wajma (An Afghan Love Story)"
Documentary Editing Award: Matthew Hamachek por "Gideon's Army"
World Cinema Documentary Editing Award: Ben Stark por "The Summit"
Excellence in Cinematography Award, Dramatic: Bradford Young por "Ain't Them Bodies Saints" and "Mother of George"
Excellence in Cinematography Award, Documentary: Richard Rowley por "Dirty Wars"
World Cinema Cinematography Award, Dramatic: Michal Englert por "Lasting"
World Cinema Cinematography Award, Documentary: Marc Silver & Pau Esteve Birba por "Who Is Dayani Cristal?"
Special Jury Prize: Dramatic (Acting): Miles Teller & Shailene Woodley por "The Spectacular Now"
Special Jury Prize: Dramatic (For Sound Design): Shane Carruth & Johnny Marshal por "Upstream Color"
Special Jury Prizes: Documentary: "Inequality For All," de Jacob Kornbluth, "American Promise" de Joe Brewster & Michèle Stephenson.
World Cinema Special Jury Prize: Documentary: "Pussy Riot: A Punk Prayer," de Mike Lerner & Maxim Pozdorovkin
World Cinema Special Jury Prize: Dramatic: "Circus" de Srdan Golubovic
Alfred P. Sloan Prize: "Computer Chess," de Andrew Bujalski
The Short Film Audience Award: "Catnip: Egress to Oblivion," de Jason Willis
The Short Film Grand Jury Prize: "The Whistle," de Grzegorz Zariczny
The Short Film Jury Award: U.S. Fiction: "Whiplash," de Damien Chazelle
The Short Film Jury Award: International Fiction: "The Date," de Jenni Toivoniemi
The Short Film Jury Award: Non-fiction: "Skinningrove," de Michael Almereyda
The Short Film Jury Award: Animation: "Irish Folk Furniture," de Tony Donoghue
A Short Film Special Jury Award for Acting: Joel Naglein por "Palimpsest"
A Short Film Special Jury Award: "Until the Quiet Comes," por Kahlil Joseph

Confirmado: J.J. Abrams dirigirá “Star Wars: Episode VII”

noreply@blogger.com (Adan Ruiz) — Sat, 26 Jan 2013 05:53:00 +0000

A pesar de lo anteriormente declarado por el propio Abrams, se ha confirmado mediante un comunicado de prensa de Walt Disney Pictures y Lucasfilm que finalmente este director es la opción elegida para traer de regreso a una de las sagas más famosas de todos los tiempos mediante una nueva trilogía: Star Wars.

J.J. Abrams dirigirá Star Wars: Episode VII, la primera de una nueva serie de películas de Star Wars que vendrán de Lucasfilm bajo el liderazgo de Kathleen Kennedy. Abrams estará dirigiendo, y el escritor ganador del Academy Award, Michael Arndt, escribirá el guión.

"Es muy emocionante tener a J.J. haciéndose cargo de la nueva película de Star Wars," dijo Kennedy. "J.J. es el director perfecto para esto. Más allá de tener grandes dotes como realizador, él tiene una intuición y compresión de la franquicia. Entiende la esencia de la experiencia Star Wars, y traerá ese talento para crear una cinta inolvidable.”

George Lucas continuo "He sido impresionado por J.J. como director y contador de historias. Él es la opción ideal para dirigir el nuevo film de Star Wars, y el legado de la franquicia no podría estar en mejores manos."

"Es un honor absoluto ser parte de un nuevo capítulo en la saga, colaborar con Kathy Kennedy y su distinguido grupo de personas.” dijo J.J. Abrams. “Podría estar más agradecido ahora con George Lucas que cuando era niño."

Además, asesorando el proyecto están Lawrence Kasdan y Simon Kinberg. Kasdan tiene una larga historia con Lucasfilm, como guionista de The Empire Strikes Back, Raiders of the Lost Ark y Return of the Jedi. Kinberg fue también guionista de Sherlock Holmes y Mr. and Mrs. Smith.

Ese es parte del comunicado. En mi opinión, se trata de una decisión acertada. Por otro lado, se sabe que Abrams producirá la tercera entrega de Star Trek, y es probable que también la dirija. Una cuestión muy curiosa que el mismo director se encargue de las dos franquicias, ¿no lo creen?

Este es el Nuevo Tráiler de “Stoker”, lo más reciente de Park Chan-Wook

noreply@blogger.com (Adan Ruiz) — Wed, 23 Jan 2013 04:53:00 +0000

Park Chan-Wook nos ofrece otro vistazo a lo que será su debut en el cine americano mediante un nuevo avance de “Stoker”; se trata de un tráiler con un excelente montaje que no consigue otra cosa más que incrementar los ánimos y las ganas de verla. Lamentablemente, aún no hay fecha de estreno en la mayor parte del mundo, y al parecer, su distribución será limitada en algunos países.

La película fue exhibida recientemente en el Festival de Cine de Sundance cosechando varias críticas buenas.

El thriller es protagonizado por Nicole Kidman, Mia Wasikowska, Matthew Goode, Lucas Till, Dermot Mulroney y Jacki Weaver. ¿Qué les parece?

Es Oficial: Tendremos “Jurassic Park 4”

noreply@blogger.com (Adan Ruiz) — Sun, 13 Jan 2013 04:30:00 +0000

Desde hace mucho tiempo que se viene especulando acerca de una cuarta entrega de “Jurassic Park” (Parque Jurásico). El día de hoy se reveló oficialmente que tendremos la película para el próximo año. La cinta estrenará el 13 de Junio del 2014 para ser exactos.

Aún no se anuncia quién será el director, pero sí sabemos de la mano de Deadline que Steven Spielberg fungirá como productor, que será rodada en 3D y que el guión está a cargo de Rick Jaffa y Amanda Silver.

Esa es toda la información existente hasta ahora. ¿Qué opinan, en verdad necesitamos un “Jurassic Park 4”?

La primera película fue estrenada en 1993, y se reestrenará en 3D éste año.

La Academia da a conocer los Nominados al Oscar

noreply@blogger.com (Adan Ruiz) — Thu, 10 Jan 2013 21:14:00 +0000

El día de hoy, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de los Estados Unidos ha revelado la lista de candidatos en la carrera por el Oscar. “Lincoln” de Spielberg encabeza las nominaciones con 12 posibles premios, seguida de “Life Of Pi” con 11 y “Les Miserables” con 8.

Parece que éste año será un poco más difícil prever quienes se llevarán la estatuilla. La lista a continuación:

Mejor película
Bestias del sur salvaje (Beasts of the Southern Wild)
El lado bueno de las cosas (Silver Linings Playbook)
La noche más oscura (Zero Dark Thirty)
Lincoln
Los miserables (Les Misérables)
La vida de Pi (Life of Pi)
Amor (Amour)
Django desencadenado (Django Unchained)
Argo

Mejor director
David O. Russell por El lado bueno de las cosas
Ang Lee por La vida de Pi
Steven Spielberg por Lincoln
Michael Haneke por Amor
Benh Zeitlin por Bestias del sur salvaje

Mejor actriz
Naomi Watts por Lo imposible
Jessica Chastain por La noche más oscura
Jennifer Lawrence por El lado bueno de las cosas
Emmanuelle Riva por Amor
Quvenzhané Wallis por Bestias del sur salvaje

Mejor actor
Daniel Day-Lewis por Lincoln
Denzel Washington por El vuelo (Flight)
Hugh Jackman por Los miserables
Bradley Cooper por El lado buena de las cosas
Joaquin Phoenix por The Master

Mejor película de animación
Frankenweenie
Piratas (Pirates: Band of Misfits)
¡Rompe Ralph! (Wreck-It-Ralph)
El alucinante mundo de Norman (Paranorman)
Indomable (Brave)

Mejor Película de Habla No Inglesa
Amor de Austria
No de Chile
War Witch de Canada
Un asunto real (A Royal Affair) de Dinamarca
Kon Tiki de Noruega

Mejor actriz de reparto
Sally Field por Lincoln
Anne Hathaway por Los miserables
Jacki Weaver por El lado bueno de las cosas
Helen Hunt por Las sesiones (The Sessions)
Amy Adams por The Master

Mejor actor de reparto
Christoph Waltz por Django desencadenado
Phillip Seymour Hoffman por The Master
Robert de Niro por El lado bueno de las cosas
Alan Arkin por Argo
Tommy Lee Jones por Lincoln

Mejor guión adaptado
Argo – Chris Terrio
Bestias del sur salvaje – Lucy Alibar y Benh Zeitlin
La vida de Pi – David Magee
Lincoln – Tony Kushner
El lado bueno de las cosas –
David O. Russell

Mejor guión original
Amor – Michael Haneke
Django desencadenado – Quentin Tarantino
El vuelo – John Gatins
Moonrise Kingdom – Wes Anderson y Roman Coppola
La noche más oscura – Mark Boal

Mejor canción original
‘Before My Time’ de J. Ralph – Chasing Ice
‘Pi’s Lullaby’ de Mychael Danna y Bombay Jayshree – La vida de Pi
‘Suddenly’ de Alain Boublil, Claude-Michel Schönberg y Herbert Kretzmer – Los miserables
‘Everybody Needs a Best Friend’ de Walter Murphy y Seth MacFarlane – Ted
‘Skyfall’ de Adele y Paul Epworth- Skyfall

Mejor fotografía
Seamus McGarvey – Anna Karenina
Robert Richardson – Django desencadenado
Claudio Miranda – La vida de Pi
Janusz Kaminski – Lincoln
Roger Deakins – Skyfall

Mejor diseño de vestuario
Jacqueline Durran – Anna Karenina
Paco Delgado – Los miserables
Joanna Johnston – Lincoln
Eiko Ishioka – Blancanieves (Mirror Mirror)
Colleen Atwood – Blancanieves y la leyenda del cazador (Snow White and the Huntsman)

Mejor montaje
William Goldenberg – Argo
Tim Squyres – La vida de Pi
Michael Kahn – Lincoln
Jay Cassidy y Crispin Struthers – El lado bueno de las cosas
Dylan Tichenor y William Goldenberg – La noche más oscura

Mejor banda sonora
Dario Marianelli – Anna Karenina
Alexandre Desplat – Argo
Mychael Danna – La vida de Pi
John Williams – Lincoln
Thomas Newman – Skyfall

Mejor maquillaje y peinado
Howard Berger, Peter Montagna y Martin Samuel – Hitchcock
Peter Swords King, Rick Findlater y Tami Lane – El Hobbit: Un Viaje Inesperado (The Hobbit: An Unexpected Journey)
Lisa Westcott y Julie Dartnell – Los miserables

Mejor diseño de producción
Anna Karenina – Sarah Greenwood (Diseño de producción); Katie Spencer (Decoración de escenografía)
El Hobbit: Un Viaje Inesperado – Dan Hennah (Diseño de producción); Ra Vincent and Simon Bright (Decoración de escenografía)
Los miserables – Eve Stewart (Diseño de producción); Anna Lynch-Robinson (Decoración de escenografía)
La vida de Pi – David Gropman (Diseño de producción); Anna Pinnock (Decoración de escenografía)
Lincoln – Rick Carter (Production Design); Jim Erickson (Decoración de escenografía)

Mejor edición de sonido
Argo – Erik Aadahl y Ethan Van der Ryn
Django desencadenado – Wylie Stateman
La vida de Pi – Eugene Gearty y Philip Stockton
Skyfall – Per Hallberg and Karen Baker Landers
La noche más oscura – Paul N.J. Ottosson

Mejor sonido
Argo – John Reitz, Gregg Rudloff y Jose Antonio Garcia
Los miserables – Andy Nelson, Mark Paterson y Simon Hayes
La vida de Pi – Ron Bartlett, D.M. Hemphill y Drew Kunin
Lincoln – Andy Nelson, Gary Rydstrom y Ronald Judkins
Skyfall – Scott Millan, Greg P. Russell y Stuart Wilson

Mejores efectos visuales
El Hobbit: Un Viaje Inesperado – Joe Letteri, Eric Saindon, David Clayton y R. Christopher White
La vida de Pi – Bill Westenhofer, Guillaume Rocheron, Erik-Jan De Boer y Donald R. Elliott
Los Vengadores (Marvel’s The Avengers) – Janek Sirrs, Jeff White, Guy Williams y Dan Sudick
Prometheus – Richard Stammers, Trevor Wood, Charley Henley y Martin Hill
Blancanieves y la leyenda del cazador – Cedric Nicolas-Troyan, Philip Brennan, Neil Corbould y Michael Dawson

¡Guillermo del Toro retoma “At the Mountains of Madness”, además, se le ofreció dirigir un Episodio de la Nueva Trilogía de “Star Wars”!

noreply@blogger.com (Adan Ruiz) — Tue, 08 Jan 2013 03:52:00 +0000

Esta es sin lugar a dudas una de las mejores noticias que hemos recibido en mucho tiempo. El director Guillermo del Toro no se ha dado del todo por vencido e intentará una vez más llevar al cine una adaptación del famoso libro “At the Mountains of Madness” (En las Montañas de la Locura) de H.P. Lovecraft.

“Lo intentaré una vez más. Haremos una gran presentación del proyecto a principios de año y veremos si hay estudios interesados. Tom Cruise sigue adjunto. Creo que será fantástico hacer la película con él.”

Esto lo reveló mientras promocionaba la cinta de terror “Mama”, de la cual es productor. A la vez, confesó que los directivos de Lucasfilm le ofrecieron dirigir el Episodio VII de la nueva trilogía de Star Wars, oferta que rechazó porque al parecer ya está lo suficientemente ocupado. Según Del Toro, Brad Bird (Los Increíbles, Mission Impossible – Ghost Protocol) es el indicado para eso.

Recuerdo la tristeza que me invadió hace tiempo cuando GDT anunciaba que dejaba el proyecto. Esta es, en mi opinión, una gran noticia. Esperemos que el proyecto se concrete.

La peculiar historia de Juan López Moctezuma, un director en el olvido

noreply@blogger.com (Adan Ruiz) — Sun, 30 Dec 2012 03:36:00 +0000

Juan López Moctezuma es quizá uno de los directores mexicanos de culto menos conocidos a pesar de que cineastas como Roman Polanski o Guillermo del Toro le hayan manifestado alguna vez su admiración. Músico, actor, dramaturgo, locutor de radio… Fueron tan sólo algunas de sus facetas. Amigo y colaborador de Jodorowsky, incursionó en el cine como productor de sus primeras películas; “Fando y Lis” y “El topo”, y llegó a ser director de Televisa Cine en España durante 8 años, participando también en el nacimiento de la televisión mexicana con su amigo Emilio Azcárraga.

En su carrera como realizador hizo solamente cinco cintas. “La Mansión de la Locura”, “Mary, Mary, Bloody Mary”, “Matar a un extraño”, “El alimento del miedo”, y su más conocida, “Alucarda, la hija de las tinieblas”.

En 1993 fue internado en un hospital psiquiátrico de la ciudad de México a causa de alzhéimer. Fue entonces cuando dos fanáticos de su obra, Lalo y Manolo, raptaron a López Moctezuma por tres días, llevándolo a las locaciones de sus películas, mostrándole su propia obra y haciéndole escuchar Jazz (debido a que él conducía el primer programa dedicado a éste género en América Latina). En ese tiempo el director recordó su pasado y posteriormente los nombró herederos de su legado, concediéndoles los derechos de todas sus películas. Dos años después, falleció.

A partir de esta interesante historia se desarrolló un documental con testimonios de Carlos Monsiváis, Tina Romero, Eduardo Moreno, Alessandra Moctezuma y Jorge Ayala Blanco, entre otros, cuando Lalo y Manolo se acercaron al director Ulises Guzmán. El trabajo se tituló “Alucardos: Retrato de un vampiro”.

Recomiendo revisar los siguientes links para conocer un poco más sobre Juan L. Moctezuma:

Guillermo del Toro presenta el cortometraje de terror “Mamá”

noreply@blogger.com (Adan Ruiz) — Sun, 30 Dec 2012 00:18:00 +0000

El reconocido director Guillermo del Toro se encarga de presentar “Mamá”, el cortometraje de apenas 3 minutos dirigido por Andres Muschietti que lo llevó a producir un largometraje del mismo. Debo confesar que la escena que al inicio parece no tan bien lograda terminó por asustarme como ningún otro material audiovisual en muchísimo tiempo.

El tráiler del largometraje puede ser visto a continuación. Contará la historia de dos niñas que desaparecieron en el bosque luego de que sus padres fueran asesinados. Años después son rescatadas y se les ofrece una nueva vida, pero se dan cuenta de que algo regresa para perturbar sus noches.

Pese a todo, la película no me da muy ‘buena espina’. Estará llegando en enero del 2013 a Estados Unidos, sin fecha de estreno confirmada para México.

Por cierto, el cortometraje es del 2008.

Se Filtran 9 Minutos de “Star Trek Into Darkness”

noreply@blogger.com (Adan Ruiz) — Tue, 25 Dec 2012 00:29:00 +0000

Como es sabido, nueve minutos de “Star Trek Into Darkness” son proyectados en algunas pantallas IMAX antes de “The Hobbit”. Sólo era cuestión de tiempo para que el metraje se filtrara. Hoy tenemos disponible el video (en mala calidad) gracias a los chicos de Salón del Mal.

Yo no he podido verlo completo, pero a continuación les dejo el reproductor con el clip. No sé sabe cuánto tiempo más esté disponible el material antes de que sea retirado, así que si les interesa y no pueden esperar un poco, véanlo cuanto antes.

Si existe algún problema con el reproductor, pueden ver el clip desde aquí. JJ Abrams dirige, Benedict Cumberbatch, Chris Pine, Zachary Quinto, Zoe Saldana y Karl Urban protagonizan. Estrenará el 17 de Mayo próximo.

Tráiler de “Scary Movie 5”

noreply@blogger.com (Adan Ruiz) — Sun, 23 Dec 2012 00:35:00 +0000

El primer tráiler para “Scary Movie 5” con Ashley Tisdale, Lindsay Lohan, Charlie Sheen, Simon Rex, Molly Shannon, Heather Locklear, Mike Tyson, Audrina Patridge, Kendra Wilkinson y Terry Crews ha sido revelado.

Como siempre, el argumento se encarga de parodiar algunas cintas de una forma medianamente cómica. Todas las bromas vistas en el avance son fáciles, algunas muestran irreverentes estereotipos que podrían ofender a ciertos grupos, pero tratándose de Scary Movie seguramente nadie le dará importancia. Debo confesar que la parte de Inception me resultó especialmente graciosa.

Malcolm Lee dirige. Estrenará el 12 de Abril. Chequenlo a continuación:

Tráiler para “To the Wonder”, lo nuevo de Terrence Malick

noreply@blogger.com (Adan Ruiz) — Fri, 21 Dec 2012 01:02:00 +0000

El inconfundible estilo de Terrence Malick se hace presente en el tráiler de su última película protagonizada por Ben Affleck, Olga Kurylenko, Rachel McAdams y Javier Bardem: “To the Wonder”.

El avance luce muy prometedor. Las críticas que ha recibido en su corrida por diversos festivales han sido favorables. La fotografía y el talentoso cast son una razón más para verla, además de la dirección de Malick que seguro resultará más que interesante. Algo curioso es la actitud de Ben Affleck, que al igual que Sean Penn se quejó al ver minimizada su participación luego de la post-producción.

En un principio se decía que este drama con un triangulo amoroso entre la esposa del protagonista y su amor de la infancia sería un poco más experimental que la pasada “The Tree of Life”.

Por lo pronto, Malick está trabajando en la post-producción otras películas: Voyage of Time (con Brad Pitt), Knight of Cups (Christian Bale, Natalie Portman, Cate Blanchett, Antonio Banderas, Isabel Lucas, Freida Pinto) y un proyecto aún sin título que terminó de rodar el mes pasado en Yucatán (con Ryan Gosling, Michael Fassbender, Rooney Mara y Benicio Del Toro).

Napolitano 63: Premios y más premios

noreply@blogger.com (Adan Ruiz) — Sat, 15 Dec 2012 23:52:00 +0000

Por Andrés Olascoaga | @AndresOlasToro

En los últimos días han comenzado a salir las primeras premiaciones que cada año entregan los críticos de cine a lo mejor de lo estrenado en Estados Unidos este año que próximamente acaba, también en estos días, fueron dados a conocer los nominados para dos de los premios más importantes en cuanto al séptimo arte se refiere: los Globos de Oro y los Screen Actors Guild Awards. Esto nos marca un parámetro de lo que podemos esperar y no de las nominaciones a los Oscar, el máximo galardón que se entrega a lo mejor del cine.

Pero como siempre en estos premios nos presentan sorpresas y vienen a desbalancear los pronósticos rumbo a la temporada de premios. Aquí un recuento de esas elecciones que a más de uno dejaron con amplias expectativas.

ZERO DARK THIRTY

De esta cinta no se esperaba tanto como los últimos premios nos han arrojado. La cinta de Kathryn Bigelow (The Hurt Locker) se ha alzado con el National Board of Review y los premios del gremio de críticos en Boston, Nueva York y Washington; dejando atrás a otras cintas de las que se esperaba que dominaran en este ámbito, como Argo (premiada en San Diego) ó Los Miserables. Al parecer la cinta, que ahora compite por el Globo de Oro a Mejor Película Drama, es el enemigo a vencer.

¿DÓNDE ESTA JOAQUIN PHOENIX?

Desde que The Master llego a las salas de cine se decía que el papel de Phoenix sería el máximo exponente en actuaciones este año, pero ese sueño se acabo muy pronto. Phoenix ha sido olvidado en los SAG y los Globos de Oro. Quienes parecen arrancar con la suerte en la categoría son Daniel Day Lewis, ganador en cualquier premiación y nominado al Globo y SAG por Lincoln y Bradley Cooper, nominado en ambos premios por Silver Linnings Playbook.

Cabe mencionar que el compañero de Phoenix, Philip Seymour Hoffman ha corrido con más suerte, siendo premiado como Actor de Reparto por el círculo de críticos de Washington y ahora compite por el Globo de Oro y el SAG en la misma categoría.

EL REGRESO DE NICOLE KIDMAN.

En la categoría de Mejor Actriz de Reparto se habían mencionado varios nombres, Anne Hathaway (por Los Miserables), Sally Field (por Lincoln) y Amy Adams (The Master) parecían ser los únicos nombres seguros, pero tanto en los Globos de Oro como en los SAG ha surgido otro nombre que nadie esperaba.

La ganadora del Oscar, Nicole Kidman compite por su participación en la cinta The Paperboy, dirigida por Lee Daniels (Precious), papel que le valió elogios en Cannes y posteriormente en el estreno comercial de la cinta.

Este sería el regreso de Nicole Kidman a los premios de la Academia, tras su nominación por Rabbit Hole en 2010 y su premio Oscar como Mejor Actriz en 2002 por Las Horas.

MEJOR PELÍCULA ANIMADA

Este año la competencia en la categoría de Mejor Película Animada no tiene precedentes puesto que no hay un ganador anunciado desde meses atrás como había sucedido en las anteriores entregas de cualquier premio.

Los Globos de Oro nominaron a Valiente (Brave), Frankenweenie, Hotel Transylvania, La Leyenda de los Guardianes (Rise of the Guardians) y Ralph: El Demoledor (Wreck-It Ralph), de estas cintas la favorita sería el proyecto de Tim Burton, Frankenweenie, premiada en Boston, Los Angeles y Nueva York. Paranorman, favorita de la crítica, ha sido premiada en Boston, Washington, Las Vegas y San Diego.

¿Y MÉXICO?

Cada año se persigue el sueño de que México se pueda alzar con un premio, este año, la cinta Después de Lucia fue la seleccionada para representarnos con resultados poco favorecedores, pues el filme de Michel Franco fue despreciado en cualquier premiación, a pesar de su reconocimiento Una Cierta Mirada en el pasado festival de Cannes.

En la categoría a Película Extranjera, la cinta Amor (Amour) de Michael Haneke parte como favorita siendo nominada al Globo de Oro y reconocida como Mejor Película en los Premios de Cine Europeo, además de contar con el respaldo de los críticos de Los Angeles, Nueva York, Washington, Boston, Las Vegas y el National Board of Review.

Y después de estos premios ¿Quiénes podemos asegurar que competirán por una estatuilla dorada?

MEJOR PELÍCULA

En esta categoría se pueden elegir hasta diez nominadas, de las cuales tenemos por seguras seis: el enemigo a vencer, Zero Dark Thirty de Kathryn Bigelow, Argo de Ben Affleck, Life of Pi de Ang Lee, Lincoln de Steven Spielberg, Silver Linnings Playbook de David O. Russell y Los Miserables de Tom Hooper. Los cuatro puestos restantes se los pelean, el drama independiente Beasts of the Southern Wild de Benh Zeitlin, el western Django sin Cadenas (Django Unchained) de Quentin Tarantino, la feel good movie Un Reino bajo la Luna (Moonrise Kingdom) de Wes Anderson y The Master, el drama psicológico de Paul Thomas Anderson. Incluso Amour de Michael Haneke se podría colar entre estas nominaciones, aunque su lugar y premio en la categoría de Mejor Película Extranjera es algo seguro.

MEJOR DIRECTOR

Kathryn Bigelow, Ben Affleck y Steven Spielberg tienen su nominación segura este año y los dos escaños restantes se pelean entre Tom Hooper, David O. Russel, un eterno olvidado de la Academia, Ang Lee y Michael Haneke. Otro nombre que podría sonar pero será evitado es el de Paul Thomas Anderson.

MEJOR ACTOR

Daniel Day Lewis subirá al escenario a recibir su tercer Oscar, eso si la Academia no decide darnos una sorpresa premiando a Bradley Cooper, quien ha sido alabado por su papel en Silver Linnigs Playbook, o Hugh Jackman. Otros nominados serán Denzel Washington por Flight y John Hawkes por The Sessions.

MEJOR ACTRIZ

La Academia tiene, al menos, 9 posibles contendientes a este premio: Jennifer Lawrence por Silver Linnings Playbook, Jessica Chastain por Zero Dark Thirty, Marion Cotillard por Rust and Bone, Emmanuelle Riva por Amour, Naomi Watts por The Impossible, Rachel Weisz por The Deep Blue Sea, Quvezhané Wallis por Beasts of the Southern Wild, Keira Knightley por Anna Karenina y Helen Mirren por Hitchcock, las primeras cinco son quienes más oportunidades tienen.

MEJOR ACTOR DE REPARTO

Los ya ganadores de un Oscar Tommy Lee Jones, Robert DeNiro, Philip Seymour Hoffman y Alan Arkin podrían competir por el Oscar a Actor de Reparto con Leonardo DiCaprio y Matthew McConaughey quienes en sus actuaciones en Django sin Cadenas y Magic Mike convencieron a la crítica.

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

Todo parece indicar que este premio está peleado entre dos actrices: Anne Hathaway y Sally Field, quienes por Los Miserables y Lincoln respectivamente serán los caballos a vencer. Helen Hunt por The Sessions, Amy Adams por The Master y Maggie Smith por El Exótico Hotel Marigold serán quienes completen la terna para elegir a la mejor actriz de reparto.