Ohm Sweet Ohm

Eles Vivem (They Live, 1988)

noreply@blogger.com (fabiopl) — Fri, 09 Oct 2009 17:18:00 +0000

Você provavelmente não conhece esse filme mas já ouviu uma de suas frases mais marcantes: "I have come here to kick ass and chew bubblegum... and I'm all out of gum." A frase, dita por Duke Nukem no jogo que leva seu nome, saiu de um obscuro filme de pseudo-terror e cunho comunista dirigido por John Carpenter (Halloween). É um clássico perdido no tempo e esquecido pelos nostálgicos.

O personagem principal, encarnado pelo lutador de luta-livre Roddy Piper, chama-se George Nada (que nome!), um sem-teto que chega a Los Angeles em busca de trabalho. Conversa vai, conversa vem, começa a notar um certo rebuliço na igrejinha local. Aos poucos vai investigando e acaba descobrindo que a tal igreja nada mais é que uma fachada para algo muito maior: um equipamento que transmite palavras de ordem e entra como uma interferência na programação normal da televisão. No meio das parafernalhas ele encontra uma caixa de papelão com uns óculos escuros dentro, e mais tarde descobre que eles permitem que se veja a verdade por trás das coisas.

No mundo de They Live, alienígenas vivem entre nós, escondidos por baixo de uma aparência humana. Além disso, toda a mídia é dominada por eles, de forma que, ao se colocar os tais óculos, é possível enxergar nos outdoors, revistas, placas etc. mensagens como "obedeça", "submeta-se", "case-se e reproduza", e minha preferida: "trabalhe por 8 horas, durma por 8 horas, divirta-se por 8 horas". A galera da igrejinha na verdade é um grupo de resistência, que é reprimido pelas autoridades com violência. Por que será, hein?

Junto com Frank Armitage (Keith David), George se lança numa cruzada contra os aliens (não sem antes cair numa porrada incrível com Frank, que dura uns 10 minutos, tudo para convencê-lo a usar os óculos), resolvendo as coisas da forma mais 1988 possível: impulsiva e violentamente. Algumas cenas beiram o inacreditável, como a mega-explosão no meio do momento romântico de George com Holly (Meg Foster) e o massacre no vilarejo, em que George Nada passa incólume por dentro da chacina, como que invisível aos policiais.

É possível fazer uma analogia dos óculos com a pílula vermelha tomada por Neo, o que nos leva a crer que They Live é um Matrix dos anos 80 - e, consequentemente, muito melhor.

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Mini! Flaming Pie (Paul McCartney, 1997)

noreply@blogger.com (fabiopl) — Thu, 24 Sep 2009 17:01:00 +0000

Gravado entre 1995 e 1997 paralelamente ao projeto Beatles Anthology, Flaming Pie é um disco simples, nostálgico e agradável, tanto para quem gosta de Beatles como para quem curte Wings e McCartney solo. Algumas participações especiais enriquecem o disco, como Ringo Starr (que co-escreveu e batucou em Beautiful Night), Jeff Lynn (em Really Love You) e James McCartney (filho do hômi), mas no fim das contas Paul toca quase todos os instrumentos e de quebra ainda co-produziu com Lynn e George Martin. The World Tonight é um rockão estilo Wings no começo, Little Willow lembra a suavidade de Ram (1971), Really Love You é uma bobagem improvisada divertida, e Somedays contrasta melancolia com um refrão otimista. Macca aqui se redimiu de vez da chatice que permeava seu trabalho nos anos 80.

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Mini! Captain America and the Avengers (NES, 1990)

noreply@blogger.com (fabiopl) — Thu, 24 Sep 2009 16:45:00 +0000

Joguinho interessante pela história -- os Avengers foram raptados e cabe a Hawk-eye e Cap. America resgatá-los (que foi? Estamos falando de 1992, ora bolas. Para a época é inusitado) e pelo grande número de fases, representadas por cidades dos EUA. O mapa mostra a cidade onde está o chefe final desde o começo, sendo possível chegar lá por vários caminhos. Cada um dos dois personagens controláveis possui habilidades específicas que vão sendo desvendadas à medida que o jogador recolhe itens e sobe de nível. Se você não se incomoda com cenários repetidos com cor mudada, é diversão por um bom tempo.

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Professor Layton - a série como um todo (Nintendo DS) 2007-2009

noreply@blogger.com (fabiopl) — Thu, 10 Sep 2009 03:22:00 +0000

Resolve essa: A primeira letra do alfabeto é A. Depois do A, vem o B. Mas o mais importante nesse caso é a última letra. Qual é? Uma dica: não é Z.

Mais uma: No desenho ao lado, 10 moedas formam um triângulo equilátero, que aponta para cima, mas você consegue fazê-lo apontar para baixo movendo apenas 3 das moedas?

Pensou? No final do post tem as respostas. Antes disso, falemos da série Professor Layton, lançada para Nintendo DS a partir de 2007. Cada jogo contém mais de uma centena de quebra-cabeças do estilo dos anteriores, desde charadas até desenhos intrincados. Professor Layton é para quem gosta de quebrar a cabeça - às vezes literalmente, dependendo da dificuldade do problema que a pessoa estiver tentando resolver.

A jogabilidade é estilo point-and-click (tipo King's Quest, Sam & Max, Monkey Island e outros), mas ela serve mais como uma ponte para o que realmente importa: os supracitados quebra-cabeças. A combinação desses dois aspectos é perfeita.

O jogo se passa na Inglaterra do começo do século XX. Professor Layton, um "gentleman" de cartola, e seu aprendiz Luke, viajam por localidades diversas, sempre esbarrando em (e resolvendo) mistérios. Os personagens das dublagens ocidentais falam inglês britânico de verdade, o que ajuda a criar o clima. O traço lembra bastante uma mistura de Tin-Tin com Estúdio Ghibli (A Viagem de Chihiro, My Neighbor Totoro). Não adianta nada ter um monte de puzzles interessantes e legais, sem um invólucro atraente e que alivie a tensão das tentativas de resolvê-los. O texto do jogo é mais um elemento nesse sentido. Tanto os diálogos como as descrições dos puzzles são bem escritas, envolvendo o jogador nas tarefas a serem cumpridas.

Os jogos também apresentam conteúdo extra via downloads. Isso, somado aos minigames e aos já muitos puzzles, significam mais horas ainda de diversão, frustração e diversão de novo.

Professor Layton and the Curious Village e ...and the Diabolical Box já foram lançados em inglês. Os outros dois - The Last Time Travel e The Specter's Flute - ainda não, e a tradução desse tipo de jogo é trabalhosa, ou seja, não espere jogá-los em breve, a não ser que você seja fluente em japonês.

E agora, como prometido, as soluções dos puzzles do começo do post. O primeiro é muito mais simples do que você imagina: a primeira letra de Alfabeto é A. A última é O, ora bolas. AlfabetO! A solução do segundo está na seguinte figura:

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A Lenda de Beowulf (Beowulf, 2007)

noreply@blogger.com (fabiopl) — Fri, 04 Sep 2009 15:37:00 +0000

A Lenda de Beowulf, adaptação de épico conto nórdico que data do século VIII, passou desapercebido pelo público brasileiro, que preferiu ficar fazendo graça com as cenas estilo Austin Powers (quando o personagem principal aparece nu, algum objeto é estrategicamente colocado para cobrir suas vergonhas), e nem percebeu que se tratava de um filmaço de animação que aliava tecnologia, um roteiro bem escrito, ótima direção, uma história clássica, cenas de ação empolgantes e a Angelina Jolie, tudo isso num só filme.

Beowulf é uma das primeiras histórias registradas por escrito. Trata-se de um poema épico de várias partes. O filme é livremente baseado no poema. O roteiro foi escrito por Neil Gaiman (sim, aquele) e Roger Avary, e a direção ficou a cargo de Robert Zemeckis (De Volta Para o Futuro, Forrest Gump). A técnica da rotoscopia foi feita com maestria e conferiu um visual altamente realista. Muitos dos personagens têm a mesma aparência do seu respectivo dublador. Quem esperava ver algo parecido com Shrek se decepcionou.

Logo no começo é ditado o clima do filme: é retratado um banquete com gente do povo bebendo loucamente e o rei Hrothgar da Dinamarca (Anthony Hopkins) pelado e completamente alcoolizado. É o extremo oposto dos tempos antigos retratados em filmes da Disney, com todo mundo limpinho e comportado. A festa é interrompida pelo monstro Grendel (Crispin Glover, o George McFly(!)) que, incomodado com o barulho, invade o recinto e mata muitas pessoas de forma bastante gráfica. O rei então decide dar uma enorme recompensa para quem matasse Grendel. A proposta chamou a atenção do famoso e nada modesto herói Beowulf (Ray Winstone), que foi para a Dinamarca com seus homens no seu navio. A credibilidade do herói é contestada por Unferth (John Malkovich), conselheiro do rei Hrothgar. A partir daí a trama se desenvolve, com alguns plot twists instigantes envolvendo a mãe de Grendel (Angelina Jolie).

O Beowulf retratado neste filme é um verdadeiro fanfarrão que adora contar vantagem e aumentar seus feitos, no melhor estilo Nelson Rubens. É muito divertido vê-lo contando vantagem e depois, com o tempo, mudando sua visão do mundo. É uma história bem ampla e muito bem contada por Zemeckis e cia.. É especialmente recomendado para quem não teve saco de ler o poema, que por sinal é gigantesco.

(Há uma versão filmada de Beowulf, feita em 1999 e estrelada por Cristopher Lambert. Este humilde escriba ainda não teve a oportunidade de conferir essa pérola.)

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Mini! - Secret Agent (PC, 1992)

noreply@blogger.com (fabiopl) — Fri, 28 Aug 2009 13:52:00 +0000

No distante ano de 1992, quando o Super Nintendo e o Mega Drive/Sega Genesis estavam no auge e Wolfenstein 3D era o ápice da tecnologia em games, havia a Apogee Software (hoje 3D Realms), que lançava vários joguinhos de plataformas estilo Super Mario Bros., inclusive um tal de Duke Nukem (não, o 3D não é o primeiro da série). Mas Secret Agent é um desses, e bem divertidinho, com 16 níveis estilo labirinto e vários itens espalhados, portas trancadas e suas respectivas chaves, além, claro, de inimigos malas. Todas as fases são jogáveis a qualquer momento, sem ordem definida, exceto a última, que só é habilitada depois que o jogador vence as outras 15. De bônus, há vários trocadilhos que fazem referências a filmes de espionagem, como o codinome do personagem principal (Agent 006½) e o título de fase The Hunt for Red Rock Rover, que parodia The Hunt For the Red October (Caçada ao Outubro Vermelho). Quem quiser degustar essa relíquia pode procurar em sites de abandonware. Para jogar, recomendo o programa DOSbox, que simula um ambiente de MS-DOS e roda com perfeição jogos do tempo de Matusalém.

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Mini! - Orcs & Elves (Nintendo DS, 2007)

noreply@blogger.com (fabiopl) — Fri, 28 Aug 2009 13:35:00 +0000

Como eu queria ter gostado desse jogo. A id Software, que fez fama e escola com as séries Doom e Quake, tem tido sobrevida no mercado de games para celular, com Doom RPG, Wolfenstein RPG e Orcs & Elves 1 e 2, todos RPGs do tipo dungeon crawler, em primeira pessoa, usando a mesma engine. O sucesso gerou para a softhouse a oportunidade de estrear no Nintendo DS com uma versão do primeiro Orcs & Elves. Infelizmente o jogo não tem o mesmo apelo das adaptações de Doom e Wolfenstein para celular. A fluidez dos gráficos impressionam mas, a jogabilidade é truncada pela péssima interface, que sofre do mesmo problema de vários jogos de DS: usam a touch screen por obrigação contratual, mas sem idéias de como utilizá-la a favor do jogador, tornam o jogo maçante. Vamos torcer para que a id acerte a mão e faça um Doom RPG para DS jogável.

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Duro de Matar 4.0 (Live Free or Die Hard, 2007)

noreply@blogger.com (fabiopl) — Mon, 24 Aug 2009 00:22:00 +0000

Numa década em que filmes de ação pura, simples e politicamente incorreta estão em processo de extinção, Duro de Matar 4.0 (como ficou conhecido Live Free or Die Hard fora dos EUA) chegou para saciar a fome do público fã do gênero. Prepare a pipoca e desligue seu cérebro.

A ideia do filme teve origem no artigo "A Farewell Tale", publicado em 1997 na revista Wire, que falava sobre um ataque terrorista cibernético. Após lê-lo, David Marconi começou a esboçar um roteiro, sem ter inicialmente um objetivo definido. Com os ataques terroristas do 11 de setembro, o projeto ficou na gaveta até 2005, quando foi reescrito e transformado no que viria a ser Duro de Matar 4.0. John McClaine (Bruce Willis), divorciado e com uma filha adolescente, é convocado para escoltar o pirralho hacker Matthew Farrell (Justin Long), que se envolveu por acidente com um mega-ataque terrorista que planejava parar todas as formas de comunicação dos EUA, explorando assim a suposta vulnerabilidade de uma nação controlada por computadores. Como sempre, McClaine se vê obrigado a salvar o dia, indo sozinho de encontro aos inimigos da paz.

A classificação PG-13 desanimou muitos espectadores e gerou críticas antes mesmo do lançamento do filme, porém ele está longe de ter sido uma decepção. Duro de Matar 4.0 pode não ser tão empolgante como o primeiro da série, mas ganha fácil do segundo (boring) e do terceiro (co-estrelado por Samuel "El Jackson"). Várias cenas acertaram na mosca o espírito da franquia, como a luta contra a vilã Mai (Maggie Q) em que ele enfia a porrada sem dó na pobre (!), a sequência no elevador (que não pode faltar) e as escapadas sensacionais, como uma em que Bruce Willis sai rolando de um carro em alta velocidade ou outra em que ele salta de um caça, cai num viaduto de uma altura de uns 10 metros e sai praticamente intocado. Mentira? Sim, mas é disso que são feitos os melhores filmes de ação. Afinal, a vida real é muito sem graça, não?

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Silent Hill (PS1, 1999)

noreply@blogger.com (fabiopl) — Fri, 21 Aug 2009 13:42:00 +0000

Era uma vez um jogo chamado Alone in the Dark, lançado em 1992 para PC. O jogo mostrava um sujeito que andava por uma mansão fugindo de monstros e resolvendo puzzles, com ângulos de câmera a la Hitchcock. Até que um dia surgiu Resident Evil, que também apresentava muitas semelhanças com Alone in the Dark. Pouco tempo depois veio Silent Hill, que segue mais ou menos a mesma fórmula do anterior, porém com mais foco na atmosfera assustadora feita com maestria pelo pessoal da Konami.

O jogo começa quando Harry Mason, o personagem principal, acorda na cidade de Silent Hill e percebe que Cheryl, sua filha, desapareceu. Harry havia sofrido um acidente de carro, e ao acordar começa a vagar pela cidade em busca de Cheryl. Logo de início a atmosfera do jogo surpreende quem não está acostumado com esse tipo de aventura. A neblina, o silêncio e a inércia remetem a uma cidade-fantasma. Se o objetivo do Team Silent (responsável pela grande maioria dos jogos da série) era criar um ambiente verdadeiramente perturbador, conseguiram com folga.

Jogar SH é como ver um filme estilo thriller psicológico. Não é de se espantar que tenham feito um filme baseado nele. Cada nova locação visitada por Harry é certeza de mais sustos para quem joga. Para isso, o diretor Keiichiro Toyama criou uma ambientação perfeita de suspense. A iluminação (ou falta da mesma), os jogos de câmera, a sonoplastia, o silêncio, a trilha sonora, as pegadinhas estilo não-tem-nada-aqui-opa-tem-sim-AAAAAAAH, tudo isso é muito bem feito e bem colocado, sem ficar exagerado ou banal.

Um dos artifícios de suspense usados por SH é o rádio carregado pelo personagem principal. Ele não funciona, porém emite uns ruídos de estática cada vez que algum monstro está por perto. Agora você imagine a situação: você está praticamente sozinho numa cidade repleta de monstros, dentro de um colégio todo escuro, tendo como única fonte de luz sua lanterna, e de repente você ouve estática saindo do seu rádio detector de monstros do inferno. Você começa a olhar para os lados, tentando saber onde eles estão. A tensão aumenta. Ao longe, você começa a ouvir barulhos estranhos, mas eles podem estar vindo de qualquer lado. É ou não é bizarro?

Além da cidade propriamente dita, o jogo conta com vários locais que devem ser explorados para dar proseguimento à história: uma escola, um hospital, um shopping center, entre outros. Tais locais contam com vários itens, puzzles e monstros. Em dado momento, cada uma dessas fases do jogo é substituída por uma versão "from hell" da mesma, com chão feito de cercas de metal, sangue nas paredes e nos objetos, cadáveres em decomposição, como num pesadelo bem real. Não recomendo esse jogo para cardíacos.

O jogo em si é bastante difícil, mas não de uma forma idiota, com monstros absurdamente fortes, como se vê em muitos games que tentam ser desafiantes mas acabam sendo frustrantes. Harry Mason é um ser humano normal tentando sobreviver numa situação inesperada e extrema, portanto não tem superforça nem nada do gênero, apenas as armas que encontra em seu caminho. Por isso, pode ser complicado se livrar de monstros rápidos e que se beneficiam da escuridão para se esconder e atacar sem aviso prévio. Os controles demoram um pouco para se acostumar, mas não são ruins.

Silent Hill é uma experiência, que recomendo para todos, principalmente quem gosta de jogos e filmes de terror com suspense. No entanto, quem não aguenta fortes emoções é melhor que fique longe dele.

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Nascido Para Matar (Full Metal Jacket, 1987)

noreply@blogger.com (fabiopl) — Fri, 14 Aug 2009 02:47:00 +0000

Baseado no livro The Short-Timers, por Gustav Hasford, e dirigido pelo gênio Stanley Kubrick, dos clássicos 2001, Dr. Strangelove (post sobre esse num futuro próximo), Laranja Mecânica e O Iluminado, FMJ é um chocante relato sobre a guerra do Vietnã, suas neuroses, suas contradições e sua crueldade.

Só a primeira metade já vale o ingresso, aluguel do dvd, ou o que seja: o Sgt. Hartman (R. Lee Ermey), um dos mais marcantes militares do cinema, esculhamba até não poder mais um bando de recrutas, dando seu melhor para que se tornassem um pelotão de respeito. Seu método consistia no básico de exército: terror psicológico, palavrões, essas coisas. Mas o mais incrível de Hartman é que ele é o rei do trash talk. Para ganhar o papel, Ermey, ex-sargento da Marinha americana e ex-combatente na guerra do Vietnã, enviou para Kubrick uma fita onde improvisava xingamentos de inúmeras maneiras, sem se repetir, por coisa de uma hora, tudo isso enquanto permanecia imóvel e era praticamente linchado com laranjas e bolas de tênis. Esse é motherfucker mesmo.

Essa primeira metade do filme mostra, através da figura de Hartman, aspectos do exército da época um tanto assustadoras para quem é de fora, como o uso da religião para justificar a guerra, e a lavagem cerebral imposta aos recrutas para que matassem quase que por reflexo. O recruta Gomer Pyle também tem grande importância na história, tendo sido brilhantemente interpretado por Vincent D'Onofrio. A transformação do personagem ao longo da trama é bastante convincente.

A outra metade da película é centrada no recruta Joker (Matthew Modine), servindo no Vietnã, em princípio apenas como jornalista, mas que, levado pelas circunstâncias, acaba indo a combate. A ambientação é urbana, contrariando o normal de filmes do gênero. Aspectos da guera in loco são abordados, como prostitutas ("sucky sucky ten doraa") e o resultado da supracitada lavagem cerebral, que resulta em soldados que matam sem pensar em quem estão matando, muitas vezes até por diversão.

Ao longo do filme pode-se perceber a importância de sua trilha sonora, que conta com os sinistros temas escritos por Abigail Mead (pseudônimo de Vivian Kubrick, filha de Stanley), bem como os hits da época da guerra, como Surfin' Bird (The Trashmen), These Boots Are Made For Walkin' (Nancy Sinatra) e Paint It Black (Rolling Stones). A música é brilhante, mas o silêncio a complementa, entrando nos momentos certos e ajudando a compôr o clima pesadíssimo.

Falar da inconfundível direção de Kubrick é chover no molhado. O uso moderado, porém certeiro de steadicam, parelelismo, simetria, são alguns dos elementos kubrickianos que estão em FMJ.

Um filme para quem gosta de filmes de guerra, sim, mas antes de tudo, um filme para quem gosta de cinema. A visão única de Kubrick é coisa rara de se ver, visto que o diretor fez apenas treze filmes em toda sua carreira.

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Face Dances (The Who, 1981)

noreply@blogger.com (fabiopl) — Thu, 13 Aug 2009 13:45:00 +0000

Três anos após a morte de Keith Moon, o Who tenta juntar os caquinhos e se sai com Face Dances. Duramente criticado pelos fãs na época, o disco até é bem apreciável, mesmo com a ausência do falecido baterista.

Se você quer ter uma noção da mudança na sonoridade da banda com a troca do baterista, ouça o disco anterior, Who Are You (1978) e, logo em seguida, Face Dances. Não que Jones seja mau baterista, mas ele tem um estilo totalmente diferente do de Moon, o que acaba causando uma disparidade enorme. O estilo de Face Dances é mais pop, mais leve e meio new wave, por vezes lembrando Elvis Costello (Did You Steal My Money, Don't Let Go the Coat). Agradável, sim, mas nada a ver com o Who de Who's Next, por exemplo.

O álbum abre com o hit You Better You Bet, com uma seqüência de sintetizadores bem típica de Pete Townshend e um riff de guitarra com chorus. Outros pontos altos: a alegrinha Don't Let Go the Coat e a empolgante The Daily Records.

A voz de Daltrey não está nos seus melhores dias (seu ponto mais baixo foi em Who's Last, álbum ao vivo de 1984), mas ainda assim se apresenta melhor que em Who Are You. O baixista John Entwistle continua uma máquina, com técnica apurada e composições certeiras, apesar da voz já meio estragada. E são justamente dele as melhores letras de Face Dances: a misógena You e a autobiográfica The Quiet One. Pete Townshend, por sua vez, soa musicalmente cansado e velho, com guitarras burocráticas e mais limpas do que nunca.

O álbum foi relançado em 1997 com três sobras e duas faixas ao vivo, incluindo uma versão de How Can You Do It Alone completamente diferente da original.

(Cá entre nós, Zak Starkey, filho de Ringo Starr, que vem tocando com o Who desde 1994, dá um pau no Kenny Jones.)

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Jon Lajoie

noreply@blogger.com (fabiopl) — Thu, 13 Aug 2009 12:50:00 +0000

O que você acha de um sujeito que assina versos poéticos como: "Women are stupid and I don't respect them./That's right! I just have sex with them."? Pois essa pessoa existe e atende pelo nome Jon Lajoie, ator e comediante canadense. Seu maior talento é fazer humor com coisas corriqueiras que ninguém diz e que não teriam graça se ditas por outra pessoa. Ele tem um timing de humor raro, com tiradas excelentes e na maioria das vezes inesperadas. Além de ser um maluco do cacete, claro.

O primeiro sucesso no Youtube foi Everyday Normal Guy, onde Lajoie é um rapper que conta sobre seu dia-a-dia normal de zé mané da vida real, sem carros, sem dinheiro e sem "bitches". O vídeo gerou uma trilogia que culmina em Everyday Normal Crew. Nesse, o rapper mostra seus amigos, igualmente comuns e chatos.

Rapist Glasses é um de seus comerciais fictícios. O produto é um par de óculos que dá instantaneamente ao usuário a cara de um estuprador inveterado. É incrível a transformação do garoto-propaganda após colocar os tais óculos.

Show Me Your Genitals é uma das esquetes estreladas pelo personagem MC Vagina, um branquelo mal-vestido metido a rapper que não leva o menor jeito pra coisa, sempre erra a mão e termina sendo ofensivo, óbvio e sem graça. A graça do personagem é justamente sua sem-gracice, aliás. O resultado são versos como o citado no primeiro parágrafo. Mais um, de Show Me Your Genitals 2: E=MC Vagina: "My love is like lightning/It gives girls orgasms/My dick is like an airplane/It gives girls orgasms". Tudo isso é cantado enquanto faz uma dancinha indescritível, que na cabeça do personagem deve ser megasexy.

Michael Jackson Is Dead é o mais recente vídeo de Lajoie, um soco no estômago de quem passou anos falando mal de Jacko e passou a idolatrá-lo depois de sua morte.

Um show desse cara deve ser uma coisa indescritível. Se você tiver a sorte de estar nos EUA ou Canadá nas próximas semanas e quiser acompanhar as datas da turnê, ou se quiser comprar seu álbum You Want Some of This, ou simplesmente rir com bizarrices como suas listas "Top 5" e seu vídeo About Me, confira seu (surreal) site.

Vários outros vídeos merecem menção honrosa, como Dating Tape, I Kill People e Mysteries of the Universe. Confira seu canal no Youtube para assisti-los.

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Snatcher (Sega CD, 1994)

noreply@blogger.com (fabiopl) — Mon, 10 Aug 2009 15:21:00 +0000

Que Blade Runner é um dos maiores filmes de ficção científica, isso todo mundo sabe. O que pouca gente sabe é que o filme deu cria na forma de um jogaço estilo adventure da Konami escrito e dirigido por Hideo Kojima, conhecido pela série Metal Gear. Pena que no Sega CD só Snatcher e mais uma meia dúzia de jogos prestavam.

O personagem principal é Gillian Seed, claramente inspirado em Rick Deckard (ele é a cara do Harrisson Ford. Aliás, isso era prática comum na Konami). O personagem perdeu a memória e é recrutado pela J.U.N.K.E.R., uma força-tarefa japonesa, para combater os snatchers, andróides maléficos que tomam secretamente o lugar de seres humanos.

A história se passa na cidade Neo Kobe, cinqüenta anos depois de um holocausto nuclear de proporções mundiais. Não é de se espantar que a cidade se pareça muitíssimo com a Los Angeles de Blade Runner. Porém, o filme de Ridley Scott não é a única influência do jogo: Os snatchers lembram bastante os andróides de Exterminador do Futuro.

O progresso no jogo é feito através de investigação: procurando pistas, falando com pessoas... Falando assim parece chato, mas a história é tão envolvente e o clima do jogo é tão deliciosamente cyberpunk que não dá para largar. Além disso, há também cenas de ação: em determinados momentos você tem que atirar nos snatchers, numa fase de reflexo embalada por uma música empolgante de ação.

Como quase tudo que tem o dedo de Kojima, Snatcher tem bem a cara dele. É como um diretor de cinema que imprime sua visão no jogo. Kojima é um dos poucos que conseguem fazer isso tão bem num game, comparável talvez somente a Shigeru Miyamoto.

Snatcher é uma ótima aventura interativa, que infelizmente não teve a atenção que merecia em nível mundial. Um jogo que faz tantas referências a cultura pop ocidental ficou inexplicavelmente quase que restrito ao Japão. Foi lançado para diversas plataformas, como MSX2, Playstation One e Saturn, mas só a versão para Sega CD foi lançada oficialmente em inglês. Com certeza vale o esforço correr atrás desse -- por que não? -- clássico, que pede um remake para consoles da nova geração.

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Final Fantasy (NES, 1987)

noreply@blogger.com (fabiopl) — Fri, 07 Aug 2009 16:58:00 +0000

A produtora Square (hoje conhecida como Square Enix) estava à beira da falência. Um de seus funcionários, o programador Hironobu Sakaguchi, decidiu começar a fazer um jogo que seria seu último projeto no ramo. Numa demonstração de zé-gracice, decidiu chamá-lo de Final Fantasy. Depois de muito batalhar, conseguiu que a Square lançasse o título, e o resto é história.

Vinte e dois anos e muitos remakes depois, a versão original, lançada para o NES, está bem datada e primitiva, principalmente se compararmos com RPG's de décadas posteriores. Ainda assim, consegue reter a famosa aura de clássico. FF1 foi o primeiro RPG de console de muita gente, incluindo deste que vos escreve, e sua simplicidade contribuiu para que muitos tomassem gosto pelo gênero.

No jogo, você escolhe entre seis classes básicas de RPG, daquelas que se acha em qualquer GURPS da vida, forma seu personagem sem personalidade e sai por aí matando monstros, trolls, dragões etc. e salvando o mundo. Premissa básica. Precisa de mais?

Os gráficos são bem pobrezinhos. Algumas coisas eram bem feias até pra época, como as janelinhas parte cenário, parte fundo preto, que englobam monstros e heróis nas cenas de batalha. Mas dá pro gasto.

Vale mencionar ainda a trilha sonora, a décima-sexta de *Nobuo Uematsu, que conta com temas que foram re-utilizados e citados até em entradas mais recentes da série, como o de abertura e o de vitória.

Para quem quiser apreciar o FF1 original mas não tem a coragem de encarar os gráficos 8 bits, sugiro que tentem o remake para Playstation One, que além de gráficos e música melhorados e cenas em CG tem um seletor de dificuldade. Sugiro também que evitem a versão para Gameboy Advance, que contém dungeons novas chatíssimas e teve sua dificuldade mongolizada, tornando a experiência um porre.

*Antes de FF, Uematsu fez música para jogos como Rad Racer e King's Knight.

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Morre John Hughes

noreply@blogger.com (fabiopl) — Fri, 07 Aug 2009 13:27:00 +0000

A quem não está ligando o nome à pessoa, vou dar uma ajuda: Férias Frustradas, A Garota de Rosa Shocking, Mulher Nota 1000, Quem Vê Cara Não Vê Coração, Esqueceram de Mim, e... Curtindo a Vida Adoidado. John Hughes trabalhou como diretor, roteirista e/ou produtor desses e de outros clássicos da Sessão da Tarde e faleceu ontem, 6 de agosto de 2009, aos 59 anos, vítima de um ataque cardíaco. Em memória a ele, verei Curtindo..., com a dublagem original.

Fonte: G1

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Au contraire - Se os filmes fossem vistos ao contrário…

noreply@blogger.com (fabiopl) — Wed, 05 Aug 2009 12:49:00 +0000

Ricardo Cali postou em sua coluna no Último Segundo e eu estou reproduzindo. Alguém teve a idéia de fazer sinopses de filmes famosos, só que contando a história ao contrário. Aí vão os filmes postados por Ricardo, seguidos por contribuições do Ohm Sweet Ohm:

“Tubarão”: um tubarão fica regurgitando pessoas até que elas decidem abrir uma praia.

“Thelma e Louise”: duas mulheres com um carro voador lentamente descobrem que seu lugar é na cozinha.

“Um Sonho de Liberdade”: um sujeito invade uma cadeia através de um túnel de excremento.

“Touro Indomável”: um comediante gordo se torna campeão de boxe e quanto mais ele bate em sua mulher e seu irmão mais gostam dele.

“Titanic”: os habitantes da Cidade Perdida de Atlântida escapam para a superfício em um barco gigante.

“Matrix”: Neo perde sua fé, deixa a Resistência e vai trabalhar em um escritório.

“A Mosca”: um inseto se transforma em Jeff Goldblum.

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E aqui estão nossas sinopses:

"Desejo de Matar" - Assassino em série se regenera e vira arquiteto e pai de família.

"O Curioso Caso de Benjamin Button" - Homem nasce criança e morre velho. (baseado em idéia de AlexKrauser)

"Karate Kid" - Campeão de karatê é achincalhado pela molecada local.

"Robocop" - Robô de uso da polícia vira humano através de tecnologia avançada.

"Filadélfia" - Advogado cura-se da AIDS e se apaixona pelo Antonio Banderas.

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Convido a quem quiser entrar na brincadeira e postar suas inversões. Os comentários estão aí em cima pra isso.

Bookworm (celular, 2007)

noreply@blogger.com (fabiopl) — Tue, 04 Aug 2009 04:24:00 +0000

É incrível o quanto um jogo pode ser viciante. Bookworm é um dos vários jogos criadas pela Popcap para escravizar a humanidade. Você vai ficar grudado nele... pelo menos enquanto seu apelo durar.

A franquia teve início como um jogo de Flash em que você forma palavras em inglês, lembrando uma versão para um jogador do popular Scrabble. Quanto maior a palavra, e quanto mais raras são as letras nela usadas, maior o número de pontos adquiridos. A partir de um certo número de letras numa mesma palavra formada, você começa a ganhar letras coloridas, que valem mais pontos. Conforme se avança no jogo, a pontuação por letra vai aumentando gradativamente. Se você ficar sem formar palavras por algum tempo, começam a aparecer letras flamejantes, que se não usadas numa palavra chegam ao fundo da sua biblioteca, queimando-a e causando o famigerado game over.

Claro que não vale qualquer palavra. O jogo tem uma base de dados de dezenas de milhares de palavras, possibilitando uma enorme variedade na jogabilidade. Uma partida de Bookworm pode demorar horas, e felizmente é possível salvar o jogo para recomeçar depois.

(a foto acima é da versão Flash)

Por mais legal e viciante que Bookworm seja, ele tem suas falhas. Primeiro, ao contrário da versão Flash, não são mostradas descrições de palavras mais incomuns como "qua", "hew" e "senhor" (acredite, isso existe em inglês). Isso tira parte do aspecto didático do jogo. Há umas limitações chatinhas também, como o máximo de 8 letras por palavra e o nível 37, que dá o ranking máximo bookworm supreme que se repete infinitamente depois disso e que limita a evolução da pontuação, tornando a experiência repetitiva. Mas até lá, você se divertirá muito com Bookworm -- principalmente se quiser praticar seu vocabulário em inglês.

(A versão para PC é mais completa, porém não é portátil. Há um free trial pra quem quiser experimentar.)

Jackie Chan: Uma potência

noreply@blogger.com (fabiopl) — Tue, 04 Aug 2009 03:54:00 +0000

Já que o post sobre o filme do Tony Jaa fez sucesso, vou continuar mais um pouquinho nesse tema. Aí vai um vídeo incrível com várias loucuras cometidas por Jackie Chan em filmes seus. É um top 10 de cenas mais bizarras do chinês, feito por James Rolfe, que também é conhecido pela alcunha de Angry Videogame Nerd.

No vídeo, cenas memoráveis de grandes filmes como Armour of God e Police Story, nas quais Chan faz coisas de que duvida Satanás. Esse aí não morre nunca mais. Confiram aí e morram de nervoso.

Tom-Yum-Goong (2005)

noreply@blogger.com (fabiopl) — Thu, 30 Jul 2009 18:05:00 +0000

Agora um post de MACHO, PORRA!!!

Há muito tempo não surgia um filme de porrada grosseira como Tom-Yum-Goong (também conhecido nos EUA como The Protector - não confundir com a película homônima de Jackie Chan de 1985). Tony Jaa, mestre em Muay-Thai, é um porradeiro de primeira, uma grande revelação dos últimos anos que não pode passar despercebido por quem gosta de filmes de luta.

A premissa é inusitada, porém boboca: rapaz tailandês tem dois elefantes de estimação que são raptados por traficantes de animais. Para resgatá-lo, ele vai que nem um rolo compressor pra cima dos seus inimigos. Mas a simplicidade da história trabalha a favor do filme, deixando o pau comer solto, que no final das contas é o que importa. E o pau come solto DE VERDADE.

Sério. Para vocês terem uma idéia da potência de Jaa: com menos de vinte minutos de filme ele já enfia uma joelhada voadora na fuça de um, empurrando-o contra uma parede de vidro. Mas o filme contém várias outras cenas memoráveis, como a luta com o capoeirista (Lateef Crowder), a cena em que Jaa luta contra uns quatrocentos capangas e mostra de quantas maneiras diferentes se pode quebrar ossos do corpo humano, a luta contra os quatro gigantas a la Abobo do Double Dragon, e, claro, a cena do prédio com quatro minutos ininterruptos de pancadaria num take só.

A cena em questão envolveu muitos atores e teve que ser coreografada e cronometrada até nos mínimos detalhes. O resultado é incrível, e quase fatal: numa das oito tentativas de gravação feitas, um dos figurantes foi derrubado por Jaa de uma grande altura e quase morreu, pois haviam esquecido de colocar o colchão protetor. Tony Jaa segurou o sujeito e o impediu de cair para a morte.

Só vejo uma falha relevante no filme: a maioria das pessoas que falam inglês nele não são nativas, então muitas vezes fica difícil entender o que elas dizem. Mas, conforme já disse, a história e os diálogos pouco importam nesse festival de pancada perfeito pra ver com os amigos. Fiquem de olho em outros títulos estrelados por Tony Jaa, como Ong Bak e The Bodyguard 2, sobre os quais um dia escreverei aqui.

Fontes: MovieXclusive.com, Wikipedia.

Programa (2002, BMG) - Lulu Santos

noreply@blogger.com (fabiopl) — Thu, 30 Jul 2009 17:40:00 +0000

Na época que esse disco foi lançado eu lembro de ter visto várias cópias encalhadas, a preço de banana. Mas apesar do fracasso comercial, Programa é um disco muito bom, que resgata sonoridades que Lulu Santos não aplicava há algum tempo. O que estraga é um pretensiosismo que volta e meia pipoca, seja em forma de letras esquisitinhas ("Figurativa"), auto-referências (refrão de "Tempo Real"; o som de mar que abre e fecha "A Mensagem", remetendo a coisas como "Sereia"), citações alheias (o final de "Walkpeople®" cita "Samba de Verão", de Marcos Valle), ou de viagens experimentais ("Luca").

Por falar em experimentalismo, é curioso como o disco vai ficando menos pop ao longo de seu curso, culminando no remix do instrumental reggae/rock "4 do 5". Isso acaba lembrando a estética de discos do David Bowie como Low e Heroes. Mas como nos discos citados, a parte mais acessível compensa largamente certas chatices quase inevitáveis quando se toma esse tipo de direção. "Todo Universo", primeiro single (lembra do clip do Lulu com gravidade zero?), resgata toda uma sonoridade pop/rock de hits deliciosos como "Satisfação", "Tempos Modernos" e "Um Certo Alguém". Nessa linha também tem "Figurativa", que foi o segundo single, mas tocou muito pouco. Vale destacar também o rock quase KidAbêlhico "Do Outro Mundo", a melodia simplesmente bacana de "Amém" (belo trabalho de guitarra) e "Tempo Real", cujo refrão cita "Último Romântico" e "Toda Forma de Amor", e ainda brinca com isso na letra ("Nada nessa vida é como na televisão/Mesmo o que parece/É só imitação").

A parte mais experimental tem altos e baixos. O ponto alto aqui é o quase-sambinha "Compaixão", com sua guitarra havaiana tipo "Como Uma Onda". "Walkpeople®", parceria de Lulu com Ed Motta, até que não é ruim, mas é um bocado repetitiva (a faixa dura 5'32", a mais longa do disco). "Luca", homenagem ao neto homônimo de Lulu, é uma chatice eletrônica com um efeito vocal esquisitóide. "Éros e Tânatos" é uma marchinha de carnaval pontilhada por tecladinhos bestas. É o recorrente sambinha mala que sempre tem nos discos do Lulu. "4 do 5", instrumental ameaçador, bem Police, teve a participação dos Paralamas do Sucesso. Fechando o disco, "4 do 5 (Sub Dub do Bi & d Ba)" entra como faixa bônus. Acabou ficando uma espécie de meio-termo entre dance, rock e dub. Vale como curiosidade.

Em entrevista recente para O Dia divulgando Bugalu (2003), Lulu falou que está numa fase que dá graças a Deus de ter que tocar sempre a mesma coisa. Palavras de quem se escaldou na empreitada anterior. No entanto, é pena que nessa fase ele tenha se afastado desse esquema "volta às raízes" de Programa, que é um disco legal, ainda que incompreendido pelo grande público.

(texto adaptado de um antigo blog meu, o Refresco de Tamarindo, postado em setembro de 2003)

Willy Wonka and the Chocolate Factory (1971) e Charlie and the Chocolate Factory (2005) - parte 2

noreply@blogger.com (fabiopl) — Thu, 30 Jul 2009 12:33:00 +0000

Conforme prometido, aí vai a continuação deste post que é um doce. HAR HAR HAR

5 - Os "oompa-loompas"

[1971] Uma meia dúzia de anões com rostos expressivos, pele laranja e cabelos verdes. Parece pouco? Não é. Os pequeninos ficaram nas mentes de mais de uma geração e cumpriram muito bem seu papel de ajudantes de Wonka. É deles a tarefa de despachar as crianças malcriadas, não sem cantarem uma musiquinha, claro.

[2005] Aqui os pequeninos ganham mais destaque. Encarnados pelo queniano Deep Roy - sim, todos eles, graças à tecnologia - eles são bem menores do que os originais, mas têm um papel mais teatral e muito divertido, com vários trejeitos, dancinhas e vozes diferentes. Ademais, neste filme é contada a origem da raça, que foi levada à Inglaterra por Wonka, que na época viajava pelo mundo em busca de sabores exóticos.

4 - A bebida mágica

No filme de 1971 eles bebericam da água gasosa e se salvam arrotando (cena brilhantemente parodiada em Family Guy). No filme de 2005 não tem nada disso. Nem no livro.

3 - A trilha sonora

[1971] Escrita por Leslie Bricusse and Anthony Newley, a trilha é um clássico do cinema. O destaque, claro, são as canções dos oompa-loompas, que têm um tema que permeia em todas as intervenções dos pigmeus. As letras, por sua vez, contêm alguma lição de moral relacionada à criança que teve trágico destino na fábrica. Tais lições são simples e diretas, dando o recado com eficiência.

[2005] A música foi toda escrita por Danny Elfman. Por sinal, é a primeira vez desde Dead Presidents (1995) que Danny contribui para uma trilha sonora de filme usando seus próprios vocais em canções. Danny apresenta grande variedade de estilos, como rock psicodélico, funk e até heavy metal. Já as letras, são fidelíssimas às contidas no livro, a ponto de Roald Dahl ser creditado no filme como autor da letra. As lições de moral estão lá, porém em segundo plano. Os versos se preocupam mais em maldizer as crianças traquinas. (Nossa, gírias idosas ftw.)

2 - O foco da história

[1971] É engraçado, porque o nome é WILLY WONKA and the Chocolate Factory, mas o foco nesse filme é o Charlie. O filme passa bem uns 40 minutos só contando toda a saga do garoto e sua família em busca do cartão dourado. Ah, neste filme não há devaneios flashbéquicos de Wonka.

[2005] Mais fiel ao livro, CHARLIE and the Chocolate Factory é centrado na figura de Wonka e seus problemas com o pai. Charlie também tem seu destaque, mas não tanto como no primeiro filme.

1 - Mensagens subliminares

[2005]
Todo mundo fala que o Willy Wonka de Depp é gay, que não sei o quê. Pode até ser, mas eu acho forçação de barra falar que o cavalo marinho rosa seria um símbolo disso. Gente, aquilo é uma fábrica de doces fantasiosa. É um maldito barco feito de doce! Tutti-fruti, pra ser mais exato. Parem de enxergar cabelo em ovo!

E agora, a anunciada GRANDE REVELAÇÃO...

[1971] OLHA ISSO!!! Isso sim que é uma mensagem subliminar de respeito!

Willy Wonka and the Chocolate Factory (1971) e Charlie and the Chocolate Factory (2005) - parte 1

noreply@blogger.com (fabiopl) — Sun, 26 Jul 2009 20:49:00 +0000

Sabe filme antigo? A atmosfera é inconfundível. As Sessões da Tarde da vida entranharam essa impressão nas mentes de quem cresceu assistindo filme na TV aberta nos anos 80. E por mais que haja ondas de nostalgia, não é possível reproduzir com fidelidade a experiência que é assistir a um filme como Willy Wonka and the Chocolate Factory, que tem Gene Wilder como o hilário e, por vezes, sinistro Willy Wonka.

Corta para 2005. Tim Burton dirigiu e Johnny Depp estrelou o segundo filme, que leva o mesmo nome do livro. Alguns adoraram, outros torceram o nariz para a atuação afetada de Depp. No entanto, não cabe comparar os dois filmes. Cada qual tem seu mérito, e conta a história à sua maneira. Para inaugurar esta possilga, este que vos escreve preparou uma espécie de top 10 das diferenças entre as duas versões desse clássico conto. A segunda parte da lista virá quando Deus der bom tempo.

Texto completo

10 - A família de Charlie

Não tem muita diferença. Em ambas versões Granpa Joe (Jack Albertson em 1971, David Kelly em 2005) é bonachão, a mãe (Diana Sowle em 1971, Helena Bonham-Carter em 2005) é dedicada e o resto da velharada é inexpressiva. A mais óbvia diferença é a inclusão do pai de Charlie (Noah Taylor) na versão de 2005.

9 - Os efeitos especiais

[1971] Star Trek, a série (1966-69), Tron (1982) e... W. W. and the Chocolate Factory. Todos exemplos de produções revolucionárias em suas épocas em matéria de efeitos visuais. Aqui você não vai encontrar CG, Photoshop em tempo real, nem um stop-motion sequer. É tudo na base de luzes, explosões, perspectiva, chroma key, gosminha, maquiagem estilo clown, e outros. Mesmo assim - e talvez justamente por isso - o clima do filme é perfeito, mostrando um mundo de fantasia e refletindo ao mesmo tempo o imaginário infantil e a mente deturpada de Wonka.

[2005] Espalhafatoso, exagerado, sim, mas whatever... Mandaram bem. Chama a atenção a quantidade de movimento e de cores, quase provocando ataque epiléptico em quem vê. Os gráficos CG, muito bem elaborados, foram sabiamente utilizados em cenas pontuais.

8 - Charlie Bucket

[1971] Peter Ostrum, hoje em dia um veterinário com 51 anos de idade, não compromete no papel do menino pobre. Só é de se estranhar que ele não tenha sotaque britânico.

[2005] O menino é melhor ator que Ostrum, se mostrando determinado, forte e... britânico!

7 - Willy Wonka

[1971] Gene Wilder é mais conhecido por seus filmes de comédia como Cegos, Surdos e Loucos (See No Evil, Hear No Evil - 1989), mas aqui encarna um Wonka amargurado e sisudo. O Wonka de Wilder é também cínico, quando dá a entender que está pouco se lixando para o que vai acontecer com as crianças, fingindo mal e porcamente se importar com suas traquinagens. E é também macabro, como na viagem de barco com imagens perturbardoras - surpreendente, considerando-se que era um filme infantil. Infelizmente, o personagem nunca poderia ser mostrado da mesma maneira no mundo de hoje.

[2005] Afetadaço. É a melhor palavra para descrever o Wonka 2k5. Burton optou por mostrar um Wonka mais esquisitinho, com trejeitos efeminados. Houve quem odiou, e houve quem achou perfeitamente verossímil. Pra mim, Gene Wilder rules forever. Mas enfim.

6 - Scarlett Beauregarde

Na versão '71 a mãe de Violet Beauregarde mal aparece e nem tem o primeiro nome, mas na de '05, ela (Missi Pyle) é uma loira com botox na sobrancelha e olhar de punhal. Como se não bastasse, ainda dá em cima do Wonka! Coitada.

Em breve, os cinco primeiros itens da lista e uma grande revelação no final. Aguardem!