Cinema, che passione!

Will Hunting – Genio ribelle

2014-08-29T03:34:00.000-07:00

Locandina originale del film.

Will Hunting – Genio ribelle è stato il film per il quale ho versato più lacrime in assoluto, sepolta tra i cuscini del mio divano, e la morte di uno degli attori più bravi di tutti i tempi, a mio parere, mi ha fatto ripensare a questo film.

Ma andiamo con ordine.

La storia ci parla di un ragazzo prodigio, Will Hunting (Matt Damon), che fa le pulizia per il MIT (La famosa università conosciuta anche come Massachusetts Institute of Technology). Nonostante le sue prodigiose e strabilianti conoscenze in ambito matematico, sarà anche costretto ad affrontare e superare le sue paure, specialmente la paura dell'abbandono, a causa del fatto che, essendo un orfano, è stato respinto da tutte le famiglie, e non solo: in una di queste ha subito anche violenze...

Diversamente da come si può pensare, dato che il film è ambientato a Boston, le riprese sono state fatte a Toronto. Anche le riprese interne del MIT e di Harvard sono state girate nell’università di Toronto, la causa sta nel fatto, almeno per quanto riguarda Harvard, che l’università non consente riprese sulla sua proprietà, ma ha consentito riprese limitate dopo l’intervento di un proprio alunno: John Lithgow

(che in seguito diventerà attore cinematografico, teatale, scrittore e cantautore statunitense).

John Lithgow da giovane.

Anche l'ufficio di Sean (Robbie Williams) è stato costruito a Toronto, in una esatta replica di uno al college.

La meravigliosa sceneggiatura del film è firmata da Matt Damon e Ben Affleck, i quali per questo hanno meritatamente vinto l’Oscar.

Matt Damon e Ben Affleck dopo aver appena vinto l'Oscar.

Inizialmente i due avevano pensato ad un thriller: un giovane uomo per le strade di South Boston, che possiede un'intelligenza superiore, mirato dall'FBI.

Inutile aggiungere che, se avessero concluso una cosa del genere, avrei iniziato a fabbricare bambole voodoo.

Fortunatamente l’allora presidente della Castle Rock Entertainment, Rob Reiner, li esortò ad abbandonare l'aspetto thriller della storia e di concentrarsi sul rapporto tra Will Hunting (M. Damon) e lo psicologo Sean (R. Williams, che grazie a quel ruolo, ha più che meritatamente vinto l’Oscar).

Robbie Williams dopo aver vinto l'Oscar.

In conclusione, la Castle Rock Entertainment acquistò la sceneggiatura per la modica somma di 675.000 $.

Logo della Castle Rock Entertainment.

Tuttavia gli studi rifiutarono di ingaggiare Affleck e Damon come protagonisti: molti dirigenti dello studio volevano Brad Pitt e Leonardo DiCaprio in quei ruoli.

Ma il destino, come si sa, andrà diversamente.

Al Momento Damon e Affleck erano riuniti a Castle Rock (città degli Stati Uniti d'America, situata nella Contea di Douglas, nello stato del Colorado), il regista Kevin Smith stava lavorando con Affleck al film “Generazione X”, e vedendo che Affleck e Damon stavano avendo problemi con la casa di produzione, portò la sceneggiatura alla Miramax.

Logo della Miramax.

Dopo l'acquisto dei diritti dalla Castle Rock Entertainment, Miramax diede finalmente il via libera per la produzione del film.

Molti registi famosi furono considerati attentamente, tra cui Mel Gibson e Steven Soderbergh(“Sesso, bugie e videotape”, e più recentemente “Ocean's Eleven” e “Effetti collaterali”).

Affleck e Damon scelsero in seguito Gus Van Sant (Psycho, 1998), con il consenso della Miramax, il cui lavoro su film precedenti come Drugstore Cowboy (1989) aveva lasciato loro una buona impressione.

Durante le riprese, il cast si impegnò in una notevole prova d’improvvisazione durante le prove. Robin Williams, Ben Affleck e Minnie Driver diedero un contributo significativo per approfondire i caratteri e la psicologia dei loro personaggi: la scena della terapia in cui San parla di piccole “imperfezioni” della moglie morta, era una scena improvvisata, che prese tutti di sorpresa. Secondo Damon , questo ha causò il leggero spostamento della telecamera su e giù, dato che il cameraman rise così forte da non potersi trattenere.

Lo so che dovrei parlare anche della trama del film un po’ più approfonditamente, ma cosa si può dire di un capolavoro del genere?

Una scena del film.

Ogni commento mi sembra superfluo perché il film può parlare anche da solo, basti solo sapere che la storia apre letteralmente il cuore: è la storia infrangibile di un carattere fragile come quello di Will, un ragazzo spaccato tra un passato difficile e un presente abbastanza incolore (per uno come lui): Quando Will fa notare a Chuckie, il suo migliore amico, che la sua vita gli va bene così com’è, e che nonostante le sue opportunità non vuole cambiare niente, ne deriva uno dei discorsi che ho apprezzato di più:

Chuckie e Will in una scena del film.

Chuckie: Senti, sei il mio migliore amico perciò non prendertela a male, ma se fra vent'anni tu ancora vivrai qui e verrai a casa mia a vedere le partite e farai sempre il muratore, cazzo io ti uccido. Non è una minaccia, è un fatto. Ti uccido, cazzo.
Will: Ma di che diavolo stai parlando?
Chuckie: Tu hai una cosa che non ha nessuno di noi.
Will: Oh, piantala! Sempre la solita storia; lo devo a me stesso, devo fare questo, quello... e se non volessi farlo?
Chuckie: No no no no. Vaffanculo. Non lo devi a te stesso, lo devi a me. Perché domani mi sveglierò e avrò cinquant'anni, e farò ancora questo schifo. Ma non fa niente, va benissimo. Tu sei seduto su un biglietto della lotteria, ma sei troppo smidollato per incassarlo. Ed è una stronzata. Perché farei qualsiasi cosa per avere quello che hai tu, e lo farebbero anche gli altri ragazzi. Sarebbe un insulto a noi se tra vent'anni stessi ancora qui. Startene qui, cazzo, è uno spreco di tempo.
Will: Non puoi saperlo.
Chuckie: Ah no?
Will: No, non puoi saperlo.
Chuckie: Ah, non posso saperlo. Be', ti dico quello che so. Ogni giorno passo a casa tua a prenderti con la macchina, usciamo, ci facciamo qualche birra, qualche risata, ed è fico. Sai qual è la parte migliore della mia giornata? Sono circa dieci secondi, da quando volto l'angolo fino a quando arrivo alla tua porta. Perché penso che magari arrivo là, busso alla porta e tu non ci sei più. Niente addio, niente arrivederci, niente. Sparito, via. Non so molte cose, ma questa la so.

Chuckie e Will in una scena del film.

E per finire in bellezza, il monologo che amo di più al mondo, quello che Sean fa a Will, dopo che quest’ultimo lo ha provocato attraverso un suo dipinto nel suo studio, arrivando alla deduzione (sbagliata) che la moglie lo avesse lasciato.

“Sean: Pensavo a quello che mi hai detto l'altro giorno, riguardo il mio dipinto.
Will: Ah.
Sean: Sono stato sveglio tutta la notte a pensarci. Poi ho capito una cosa, e sono caduto in un sonno profondo, tranquillo, e da allora non ho più pensato a te. Sai che cosa ho capito?
Will: No.
Sean: Sei solo un ragazzo. Tu non hai la minima idea delle cose di cui parli.
Will: Grazie tante.
Sean: Non c'è di che. Non sei mai stato fuori Boston?
Will: No signore.
Sean: Se ti chiedessi sull'arte probabilmente mi citeresti tutti i libri di arte mai scritti... Michelangelo. Sai tante cose su di lui: le sue opere, le aspirazioni politiche, lui e il papa, le sue tendenze sessuali, tutto quanto vero? Ma scommetto che non sai dirmi che odore c'è nella Cappella Sistina. Non sei mai stato lì con la testa rivolta verso quel bellissimo soffitto... mai visto. Se ti chiedessi sulle donne, probabilmente mi faresti un compendio sulle tue preferenze, potrai perfino aver scopato qualche volta... ma non sai dirmi che cosa si prova a risvegliarsi accanto a una donna e sentirsi veramente felici. Sei uno tosto. E se ti chiedessi sulla guerra probabilmente mi getteresti Shakespeare in faccia eh? ‘Ancora una volta sulla breccia cari amici!’... ma non ne hai mai sfiorata una. Non hai mai tenuto in grembo la testa del tuo migliore amico vedendolo esalare l'ultimo respiro mentre con lo sguardo chiede aiuto. Se ti chiedessi sull'amore probabilmente mi diresti un sonetto. Ma guardando una donna non sei mai stato del tutto vulnerabile... non ne conosci una che ti risollevi con gli occhi, sentendo che Dio ha mandato un angelo sulla terra solo per te, per salvarti dagli abissi dell'inferno. Non sai cosa si prova ad essere il suo angelo, avere tanto amore per lei, vicino a lei per sempre, in ogni circostanza, incluso il cancro. Non sai cosa si prova a dormire su una sedia d'ospedale per due mesi tenendole la mano, perché i dottori vedano nei tuoi occhi che il termine ‘orario delle visite’ non si applica a te. Non sai cos'è la vera perdita, perché questa si verifica solo quando ami una cosa più di quanto ami te stesso: dubito che tu abbia mai osato amare qualcuno a tal punto. Io ti guardo, e non vedo un uomo intelligente, sicuro di sé, vedo un bulletto che si caga sotto dalla paura. Ma, sei un genio Will, chi lo nega questo. Nessuno può comprendere ciò che hai nel profondo. Ma tu hai la pretesa di sapere tutto di me perché hai visto un mio dipinto e hai fatto a pezzi la mia vita del cazzo. Sei orfano giusto? Credi che io riesca a inquadrare quanto sia stata difficile la tua vita, cosa provi, chi sei, perché ho letto Oliver Twist? Basta questo ad incasellarti? Personalmente, me ne strafrego di tutto questo, perché sai una cosa, non c'è niente che possa imparare da te che non legga in qualche libro del cazzo. A meno che tu non voglia parlare di te. Di chi sei. Allora la cosa mi affascina. Ci sto. Ma tu non vuoi farlo, vero campione? Sei terrorizzato da quello che diresti. A te la mossa, capo.”

Un Film assolutamente da non perdere.

Voto:

5/5

I vampiri al cinema

2013-04-21T04:44:00.003-07:00

La presenza dei vampiri nelle pellicole cinematografiche ha sicuramente radici ben molto profonde, e mi viene difficile quale sia in assoluto il primo film sui vampiri della storia, ma “Le manoir du diable” è forse in assoluto uno dei primi film horror nella storia cinematografica.

Si tratta essenzialmente di un corto di circa tre minuti, pubblicato per la prima volta alla vigilia di Natale del 1896 nel teatro Robert Houdin, a Parigi.

Ma credo che difficilmente gli spettatori che quel giorno erano andati a vedere il corto, o lo stesso regista – Georges Méliès – si sarebbero mai immaginati che proprio da quella pellicola, che durava poco più di tre minuti, ne sarebbe scaturito il successo non solo dei film di genere horror (anche se di horror quel corto aveva poco e nulla anzi, il suo scopo era di far principalmente divertire il pubblico), ma anche quello dei vampiri nel cinema.

Da quell'unico corto ne scaturirono montagne di film, e solo per citarne alcuni esempi: “Dracula”, prodotto in Russia nel 1920, e di cui nessuna copia è sopravvissuta, “Nosferatu il vampiro” (Germania 1922), “La figlia di Dracula” (USA 1936), “Il figlio di Dracula (USA 1943), “L'invasione degli ultracorpi” (USA 1956) e molti altri.

Nel 1994 esce “Intervista col vampiro”, trasposizione cinematografica dell'omonimo romanzo di Anne Rice e, nonostante le varie omissioni e differenze rispetto al libro, la pellicola fu un successo, incassando 230 milioni di dollari.

Ancora oggi viene da molti ricordato come uno dei migliori, e più popolari, film sui vampiri.

La storia viene ambientata a San Francisco, mentre un giornalista ascolta interessato la storia di Louis (Brad Pitt): un ricco proprietario terriero che ha la “particolarità” di essere un vampiro.

La vicenda si sposta nel 1791, e colui che ha trasformato Louis si chiama Lestat (Tom Cruise), il quale diviene il suo mentore. Ben presto i due iniziano subito a “mietere vittime” nella “Taverne du chat noir”, come negli ambienti nobili di New Orleans.

La pellicola, diretta da Neil Jordan,

ovviamente è un po' – molto – gotica, ma è anche capace di rivalutare del tutto e in maniera magistrale, la figura del vampiro che era stata affrescata fino a quei anni.

Altra pellicola popolare e molto più recente è sicuramente quella della “Twilight saga” ma, a quanto sembra, davanti a questa ennesima “avventura vampiresca” pochi estimatori del genere ne sono rimasti pienamente soddisfatti, se non nessuno.

Twilight e tutt'altro che una storia dell'horror. Quando sono andata per la prima volta a vederlo al cinema, sopra la locandina stava posizionato nella categoria, in maniera palesemente erronea, “Azione/Horror”. Evidentemente chi aveva avuto la brillante idea di scriverlo o non aveva visionato il film e sentendo la parola “vampiri” ha sparato un nome e una tipologia a caso, o soffriva prepotentemente di cataratta. Twilight è una saga prettamente adolescenziale, piena di dialoghi tipici per quella fascia d'età che se portati per le lunghe possono apparire noiosi e assolutamente banali.

Parte del problema è sicuramente anche dato da parte della regia (almeno per quanto riguarda la prima trasposizione cinematografica), ma il vero tallone d'Achille di tutta l'intera saga, sembrano proprio essere gli attori, che hanno una mimica, un'espressione facciale e di linguaggio simile a quella di un cucchiaino. Un qualche esempio? Per il mio modesto parere – ma non tutti possono essere d'accordo con me – nella scena dell'aula di scienze, dove i protagonisti si siedono per la prima volta l'uno accanto all'altro, Edward più che tormentato e attratto dall'odore di Bella, sembra che le stia quasi vomitando addosso. Per non parlare (ma qui le “doti artistiche” di Pattinson non c'entrano nulla) di quando il protagonista si mostra alla luce del sole e sembra che soffra di qualche problema di acne.

E le scene di azione? Praticamente inesistenti, e per la bellezza di centodiciassette minuti si ripete soltanto un susseguirsi di frasi scontate e banali del tipo: “Edward ti amo” e “Bella tu sei tutta la mia vita adesso”.

In sostanza, non è uno dei peggiori film che abbia mai visto, ma sicuramente neanche uno dei migliori, e sembra assolutamente perfetto per gli spettatori al quale è indirizzato: un pubblico quattordicenne.

Ted: Un'insopportabile orso

2012-12-05T12:07:00.000-08:00

John è un bambino timido e introverso, che non riesce a fare amicizia con i suoi coetanei, così riceve in regalo dai genitori un bel orsacchiotto di peluche: il bambino si affeziona talmente al pupazzo che esprime il desiderio che questo possa prendere vita e stare per sempre con lui. Inaspettatamente il suo desiderio si realizza.

Passati la bellezza di ventisette anni l'orsetto si è “trasformato”, diventando sboccato, consumatore abituale di droghe, sessuomane, e chi ne ha più ne metta, provocando problemi a Jhon, che nel frattempo ha trovato lavoro e si è fidanzato con Lori, la quale – giustamente – non sopporta ne il pupazzetto, ne il rapporto che il suo ragazzo ha con l'orso.

Dal creatore dei Griffin, che sono di per sé una rappresentazione di una realtà a tratti – se non sempre – vuota, ci si può aspettare di tutto, meno quello che si visiona realmente sul grande schermo, perché va bene la rappresentazione di una “realtà vuota”, ma da qui all'esaltazione, all'elogia, ce ne passa di acqua sotto i ponti...

Sul serio, pensavo che si era visto di tutto, e il culmine della sopportazione era arrivato con i classici cinepanettoni di natale all'italiana, dove tutto va ai limiti del ridicolo e del sopportabile. Ma qui si va ben oltre, perché il suddetto film di ridicolo non ha nulla, e sarebbe stato meglio che ce l'avesse.

Il continuo disporsi di frasi come “sono strafatto”, “ero strafatto”, “facciamoci” e così via, o come il susseguirsi ininterrotto di scene scabrose in modo del tutto gratuito in cui tutti, animali, ragazzi, adulti e più che adulti, si affogano di tequila e rum, e non solo, altre scene orrende che, per pubblico pudore, non mi va neanche di descrivere, farebbe venir voglia di vomitare anche alla persona più resistente di stomaco. Il protagonista poi è un fallito che a trentacinque anni ancora non sa fare praticamente nulla se non fumare bong stravaccato sul divano con l'amico orsacchiotto, che è più cerebroleso di lui. Inoltre i personaggi femminili, oltre alle loro praticamente nulle doti artistiche, sembrano selezionate fra le conigliette di playboy.

E il finale? Praticamente scontato, banale e orrendo: sarebbe stato infinitamente meglio che il protagonista fosse stato buttato nella pattumiera.

Voto:

0/5

Breaking Bawn - parte 2

2012-11-26T04:32:00.000-08:00

Nell'ultimo capitolo della serie Isabella Swan, detta anche Bella, si era lasciata trasformare in vampira dal suo amato Edward dopo aver partorito, e proprio partendo con l'ultima immagine dei suoi occhi color rosso fuoco, ora viene svelato il seguito.

Al suo risveglio la ragazza trova la famiglia Cullen ad attenderla e si rende immediatamente conto dei cambiamenti straordinari del suo corpo dopo la trasformazione: ha un super udito altamente sviluppato, riesce a vedere gli oggetti in maniera migliore di qualsiasi essere umano, ha una super forza e una super velocità che, essendo ancora neonata, la rendono più forte di qualsiasi vampiro. La famiglia di vampiri avverte però Bella della sua imprevedibile reazione al sangue umano, ma ciononostante Bella riesce a dimostrare un notevole e straordinario autocontrollo.

Al rientro della prima battuta di caccia con il marito Edward, Bella riesce a vedere sua figlia, e si rende conto che la creatura, Renesmee, cresce in maniera non del tutto normale:Infatti la bambina dimostra quasi un anno d'età a soli pochi giorni dalla nascita. Inoltre la giovane vampira viene a conoscenza del dono mentale che possiede sua figlia: Renesmee riesce a trasmettere i suoi pensieri attraverso un semplice contatto, una sorta di capovolgimento del potere di suo padre.

Intanto l'imprinting subito da Jacob, che Bella non riesce ad accettare all'inizio, crea finalmente una tregua tra i Quileute e i Cullen, e sembra che tutto va verso il meglio, ma il pericolo è sempre dietro l'angolo, e durante una battuta di caccia nei boschi, la bambina viene notata da Irina e quest'ultima, credendola una bambina immortale, ovvero un bambino trasformato in vampiro, pratica assolutamente bandita tra i vampiri, va diritta dritta in Italia a informare i tanto temuti Volturi.

Comincia così per la famiglia Cullen un frenetico reclutamento in tutte le parti del mondo nel disperato tentativo di arrestare l'imminente arrivo dei terribili Volturi, che con la scusa di uccidere la piccola, vogliono distruggere l'intera famiglia Callen, e rispondono all'appello tutti i vampiri amici di Carlise provenienti da ogni parte del pianeta.

Si conclude così un ciclo che, a parer mio, era iniziato male, è continuato peggio, si è prolungato tragicamente, ed è finito inaspettatamente nel migliore dei modi. Finalmente si sono potuti vedere in questa saga decenti effetti speciali, (se si fa eccezione dell'inquietante bambina neonata creata a computer) come anche le inquadrature, non convince del tutto però la sceneggiatura di Melissa Rosenberg. In cambio però finalmente, verso il finale si ha qualche colpo di scena in più della solita noia piatta fatta di “Bella ti amo” e “tu sei tutta la mia vita adesso” che poteva andar bene forse nei primi momenti del primo film, ma che è stata fritta e rifritta per la durata di ben quattro pellicole. Non solo, durante la pellicola il licantropo Jacob ha trovato l'occasione di ritrovarsi mezzo nudo soltanto una volta, e non ogni quindici minuti come accadeva precedentemente, e questo è già un record.

Voto:

3/5

Viva l'Italia: Uno spaccato di verità.

2012-11-10T04:08:00.000-08:00

Il film è diretto da Massimiliano Bruno, al suo secondo esordio in regia.

Il film, li quale in parte è stato girato all'Aquila, pone una domanda cui pochi si sono fatti:

Cosa accade se un politico a causa di un grave malore perde i freni inibitori e dice tutto ciò che gli passa per la testa diventando così una minaccia per se stesso e per il suo partito?

E' a questa domanda che il regista cerca di dare una realistica risposta, anche se nel filmato non mancano numerose e gustose gag divertenti. Un film sicuramente da non perdere, uno dei pochi film italiani degli ultimi anni che è capace di far ridere a crepapelle, commuovere e riflettere allo stesso tempo.

La pellicola racconta la storia di un politico corrotto, l'onorevole Michele Spagnolo (Michele Placido) e dei suoi tre figli (Ambra Angiolini, Alessandro Gassman e Raoul Bova), ognuno dei quali viene “spinto” nelle diverse occupazioni tramite una dovuta raccomandazione. Quando però loro padre subisce una ischemia cerebrale, tutto cambia: il malore improvviso costringe il politico a dire tutto ciò che gli passa per la mente, scompigliando improvvisamente le carte e rovinando tutti gli equilibri. Michele, preso dall'impeto che non può far a meno di dire la verità, inizia così a confessare alla moglie di non averla mai amata e di averla tradita innumerevoli volte; rivela al figlio Valerio (Gassman) che è uno stupido e che la moglie Anna lo tradisce; sbatte in faccia alla figlia Susanna la sua totale incapacità di recitare... non solo, ad una conferenza stampa afferma che lui non ha mai creduto a niente di ciò che affermava in politica, che lo diceva solo per prendere voti, che in realtà non crede nella famiglia, così come non lo credevano i suoi colleghi. Inutile aggiungere che il protagonista viene cacciato dal partito, e a risentirne ne è la sua sessa famiglia, che non potendo più godere delle raccomandazioni dovute inizia ad assaporare un'amara verità.

La figura di Michele diventa così il perno di tutta la pellicola che, forte della sua “malattia”, si libera dai sensi di colpa urlando a pieni polmoni tutta la verità nascosta da un'intera vita di falsità, e permettendo così anche agli altri personaggi di crescere, di evolversi, di maturare da “eterni bambini” a cui tutto era dovuto, a “uomini” e riparare i disastri della loro vita. Nel film il sopraggiungere della “malattia” quindi è visto non come uno stato di “delirio”, ma come al ritorno ad uno stato di salute, come ad affermare che non è la malattia del protagonista ad essere delirante, ma è lo stato delle cose ad essere afflitto da una accecante delirio collettivo, di cui la maggior parte della politica ne è affetta. E l'unico modo per uscirne è proprio iniziare a dire e a pretendere la verità, come lo stesso protagonista afferma in un bellissimo monologo finale.

Voto:

5/5

Quasi amici

2012-10-13T03:13:00.001-07:00

Quasi amici: la realtà che si scontra con la favola

Philippe, miliardario paraplegico, è alla ricerca di un badante personale. Driss, giovane immigrato senegalese con vari problemi, si presenta come candidato, ma in realtà non ha alcuna intensione di farsi assumere: vuole soltanto ottenere il sussidio di disoccupazione.

Successivamente il ragazzo torna al piccolo appartamento che condivide con la sua famiglia in uno squallido sobborgo. Sua zia, stanca ormai di non aver avuto sue notizie per quasi sei mesi, lo butta fuori di casa

Il giorno dopo, Driss torna alla villa di Philippe per ritirare i suoi documenti e gli viene comunicato, con suo enorme stupore, che è stato assunto per un periodo di prova della durata di un mese.

Data la profonda disabilità di Philippe, Driss è costretto ad assisterlo in ogni momento della sua vita, scoprendone con stupore aspetti completamente diversi da quel che si aspettava. Nonostante alcune difficoltà iniziali, Driss si prende diligentemente cura del suo assistito, aiutandolo a non cadere in depressione a causa del suo stato.
In seguito si scopre che Philippe intrattiene una relazione epistolare con Eleonore. Molto divertenti su questo proposito sono i molteplici interventi di Dress:

"E se è una cozza?”
“Non mi interessa, con lei voglio un rapporto spirito e spirito!”
“Sì ma se lei è una cozza allora è un rapporto tra spirito e cozza!”

La donna però non è a conoscenza della disabilità Philippe, e Driss lo incoraggia ad incontrarla. Il ragazzo diventa così l'elemento cardine che smuove le acque di un mare piatto e alto borghese fatto di fin troppe rigide regole, si trasforma in un portatore sano di vitalità e scurrilità nella vita di Philippe, portandolo cambiargli in meglio la vita.
Molto toccante il discorso che fa Philippe quando qualcuno fa notare che Dress, dato il suo passato, potrebbe non avere “nessuna pietà” con lui:

“E' esattamente questo quello che voglio: nessuna pietà. Spesso mi passa il telefono, sai perché? Perché si dimentica.
E' vero, non ha una particolare compassione per me, però è alto, robusto, ha due braccia, due gambe, un cervello che funziona, è in buona salute. Allora di tutto il resto a questo punto, nel mio stato, come dici tu, da dove viene, che cosa ha fatto... io me ne frego.”

I registi Olivier Nakache e Eric Toledano realizzano un film tenero e “duro” allo stesso tempo,

commuovente, ma che fa morire dalle risate, rappresentando due estremi della società con una tenerezza e una bellezza senza eguali, il tutto senza essere mai scontati: la storia non segue neanche per un momento i soliti intrecci sentimentali come incontro – unione – scontro – riconciliazione, cosa che lo spettatore gradirà non poco.

La pellicola inoltre riesce a infondere un'aria prettamente realistica ad un film che poteva facilmente naufragare in acque favolistiche.

Il merito è anche di un cast straordinario che ha avuto il coraggio di allontanarsi dalle fisionomie dei personaggi originali senza però allontanarsi dalla trama.

In conclusione, un film bellissimo, che saprà sorprendere anche i più scettici.

Il Cavaliere oscuro - il ritorno. Un connubio perfetto tra suspance e azione

2012-09-19T10:25:00.003-07:00

Devo ammetterlo, non sono molto esperta di fumetti, ma siccome tutti in famiglia li leggevano non ho potuto far a meno di “apprendere” qualcosa, poi da quando i fumetti hanno “traslocato” nel cinema (si veda X Man, Spiderman, Ironman, Thor, Capitan America, ecc...) sono diventata praticamente una fan dei Supereroi.

L'ultimo che mi sono andata a vedere al cinema è stato “Il cavaliere oscuro – il ritorno”, e c'è da premettere che avevo già visionato i primi due film della saga, e che avevo in special modo apprezzato il secondo, “Il cavaliere oscuro”.

Nei fumetti il personaggio di Batman debutta sul numero 27 di Detective Comics del maggio 1939, pubblicato dalla National, oggi detta “DC Comics”.

Il personaggio fu creato da Bob Kane e Bill Finger, ed è diventato una dei simboli più importanti dei fumetti dei supereroi.

Per la creazione del personaggio Kane si ispirò dai progetti ingegneristici di Leonardo da Vinci e dalle visioni suggerite da due film in particolare: “Il segno di Zorro” del 1920, con l'eroe solitario che combatte contro le ingiustizie, e l'horror “The Bat”. A questi si devono poi aggiungere anche l'influenza dei così detti “pulp magazine” (economiche riviste di racconti che ebbero un discreto successo tra il 1920 e il 1950).

Ma, tornando al film:

Sono passati otto anni dagli avvenimenti de “Il cavaliere oscuro”, e la città di Gotham gode di un meritato periodo di pace: con il decreto Dent, promulgato in seguito alla tragica morte dello stesso procuratore distrettuale, il dipartimento di polizia di Gotham ha quasi eliminato tutta la criminalità organizzata.

Brtman è scomparso, Bruce Wayne è sparito dalla circolazione, auto reclusosi nella sua grande dimora con la sua società che cade in rovina, e il Commissario Gordon si sente in colpa per aver coperto i crimini compiuti da Due Facce (Il procuratore distrettuale Dent, dopo essere impazzito) incolpando Batman, così scrive un discorso per rivelare la verità alla popolazione di Gotham, ma decide infine che essa non è ancora pronta per sentirlo.

Durante una missione di ricerca di un membro del Congresso scomparso, Gordon viene rapito e trascinato nelle fogne dallo spietato terrorista mascherato detto “Bane”, che entra in possesso del testo del discorso del commissario.

Gordon rimane ferito durante la fuga e soccorso dall'agente di pattuglia John Blake (Che anche lui riserverà delle sorprese).

La figura di Bane è quella centrale dell'antagonista della pellicola. Un super criminale, un mercenario reso mostruoso da una maschera antidolorifica che gli copre metà volto.

Il criminale prima riduce la società Wayne in bancarotta e poi ruba il segretissimo reattore nucleare convertendo il nucleo, pensato per produrre energia pulita infinita, in un letale ordigno atomico.

Mentre il protagonista è rinchiuso in una prigione in cui è impossibile uscirne, che è situato in un profondissimo pozzo, malridotto e con la schiena spezzata, Bane instaura in città una vera e propria dittatura, una tirannide, un vero e proprio regime del terrore, e affida il detonatore della bomba nucleare ad un cittadino misterioso di cui, all'inizio, non se ne sa l'identità.

Intanto Bruce ascolta impotente il piano di Bane per illudere i gothamiti e poi ucciderli tutti senza pietà, dopo aver posizionato nel pozzo un televisore, cosicché il suo prigioniero osservi la distruzione di Gotham senza poter far nulla.

"Quando Gotham sarà in cenere, avrai il mio permesso di morire".

In questo ultimo capitolo della saga i fratelli Nolan decidono di dare una nuova sfaccettatura al termine “terrore”: dopo il “terrore” inteso come caos affrescato (per me) dal per sempre insuperabile Joker di Ledger

e quello del caso personificato da Due Facce, in questo terzo capitolo il terrore si impersona in una spaventosa e sanguinaria guerra civile.

Mai, come in questo caso, Gotham è esplicitamente assurta a sineddoche del mondo, e questa è una megalomania che ben si adatta al capitolo finale di una delle saghe più seguite di sempre.
Riassumendo, un film spettacolare che saprà non deludere.

Certo, di sicuro non riesce ad equivalere (sia qualitativamente che emotivamente) il secondo capitolo della saga (e dubito che un altro film mai ci riuscirebbe), e non sono pochi gli “strafalcioni” ne gli episodi paradossali e inverosimili, come ad esempio il fatto che tra il secondo e il terzo capitolo della serie non ci sia un apparentemente soluzione di continuità, e la formula della trama sembra essere un po' quella della ripetizione, ma, in mezzo al racconto di cotanta articolata corruzione tanto orrore e terrore, così verosimilmente presenti nella pellicola, le azioni e la trama del film riescono a coprire quasi completamente le mancanze e a coinvolgere lo spettatore tanto da farlo rimanere con il fiato sospeso fino all'ultimo secondo.

Voto:

4/5

(Non metto 5/5 solo perché quello lo metterei comunque al secondo capitolo della saga).

Gomorra, un viaggio nei meandri della camorra

2012-08-27T09:12:00.001-07:00

L’altra sera, senza sapere neanche come, mi sono trovata a discutere con degli amici sul film “Gomorra”.

Ora, per quei pochi che non lo sapessero Gomorra è un film diretto da Matteo Garrone, che si è basato sul best-seller di Roberto Saviano: Gomorra, e ancora per quei pochi che non lo sapessero, Il libro è un viaggio nel terribile e criminale mondo della camorra e dei luoghi dove questa è nata e vive. Il libro si basa principalmente su esperienze di vita propria dello scrittore (come per esempio quando ad un certo punto si parla di un abito realizzato per Angelina Jolie in una fabbrica dell'interland nord di Napoli, dove lo dichiara espressamente in un breve estratto del libro: “Pasquale mi iniziò al complicato mondo dei tessuti. Avevo cominciato anche a frequentare casa sua […]. Pasquale aveva acceso la televisione, cambiando i vari canali era rimasto immobile davanti allo schermo, aveva strizzato gli occhi sull'immagine come un miope, anche se ci vedeva benissimo […]. In tv Angelina Jolie calpestava la passerella della notte degli Oscar indossando un completo di raso bianco, bellissimo [...]. Quel vestito l'aveva cucito Pasquale in una fabbrica in nero ad Arzano. Gli avevano detto solo: 'Questo va in America' […] Si ricordava bene quel tailleur bianco. Si ricordava ancora le misure, tutte le misure […]. Non avrebbe potuto dirlo a nessuno […]. Non poteva dire: 'Questo vestito l'ho fatto io'. Nessuno avrebbe ceduto ad una cosa del genere. La notte degli Oscar, Angelina Jolie indossa un vestito fatto ad Arzano da Pasquale. Il massimo ed il minimo.” ), atti processuali e sulle indagini della polizia.

Numerose sono state le collaborazioni di Savaino con le più importanti testate giornalistiche italiane ed internazionali. Attualmente in Italia collabora con L’espresso e La Repubblica, negli Stati Uniti con il Washington Post, il New York Times e il Time, in Spagna con El Pais, in Germania con Die Zeit e Der Spieghel, in Svezia con Expressen e in Gran Bretagna con il Times. A causa del successo ottenuto da Gomorra Saviano ha avuto diverse ripercussioni sulla sua vita privata: ricevendo lettere minatorie, telefonate mute e, sopra ogni altra cosa, una sorta di “isolamento ambientale”.

A causa delle minacce ed intimidazioni subite, l'allora Ministro dell’Interno Giuliano Amato, decise di assegnargli una scorta per motivi di sicurezza il 13 ottobre 2006 .

Il 14 ottobre 2008 arrivò la notizia di un attentato nei confronti dello scrittore: un ispettore di Polizia della DIA informò la direzione distrettuale antimafia di essere venuto a conoscenza, dal pentito Carmine Schiavone, di un piano per uccidere lo scrittore e gli uomini della scorta entro Natale con un attentato sull'autostrada Roma-Napoli. Tuttavia, Carmine Schiavone smentì di essere a conoscenza di un piano dei Casalesi per uccidere Saviano, provocando l'immediata risposta dello scrittore: "È ovvio che lo dica; se lo dicesse, implicitamente dovrebbe ammettere di avere ancora rapporti con la criminalità organizzata". Tuttavia ^.Carmine Schiavone, pur negando di sapere dell'attentato, ha confermato che Saviano è stato condannato a morte dal clan dei casalesi.

Nel 2008 Saviano decise di lasciare il paese in seguito alle minacce, confermate da informative e dichiarazioni di collaboratori di giustizia, che svelarono il progetto di eliminarlo da parte del clan dei Casalesi.

Ora, tornando finalmente al film, che parla per’appunto di ville sfarzose di boss malavitosi create a immagine e somiglianza di quelle di Hollywood, di campagne pregne di rifiuti tossici smaltiti per conto di mezza Europa, di una parte di popolazione che non solo convive con questa “realtà”, ma addirittura la difende e ne approva l'operato. Il film racconta di un “Sistema” (questo il nome usato per riferirsi alla camorra) che adesca reclute non ancora adolescenti,

dei bambini, facendo loro credere che la loro sia l'unica possibilità di vita, bambini convinti che l'unico modo di morire e vivere come un uomo vero sia quello di morire ammazzati, di imbracciare pistole e armi, come nella storia di Marco e Ciro, detto Pisellìno

i quali sono due giovani delinquenti che decidono di alzare la posta: cominciano così attività illecite in proprio; prima rubano della droga ad un gruppo di extracomunitari, quindi arrivano a rubare delle armi in un deposito della camorra, compiendo anche rapine. Dopo aver ignorato i primi avvisi di minacce, i due vengono attirati in un desolato tratto del litorale domizio. Lì vegono uccisi brutalmente, ed i loro corpi fatti sparire, sotterrati con una ruspa.

La pellicola racconta di un fenomeno malavitoso che viene influenzato dalla spettacolarizzazione mediatica, in cui i boss si ispirano negli abiti e nelle movenze ai divi del cinema.

Un particolare interessante del film è il linguaggio in cui gli attori si cimentano: curato con estremo realismo.

Con sconcertante semplicità dialettica si prendono le decisioni su chi ammazzare e non esistono sfumature. O si è da una parte, o dall'altra, o dentro o fuori.

Per far comprendere meglio il linguaggio del film poi, la pellicola viene sotto intitolata: i sottotitoli infatti rappresentano un'italianizzazione di espressioni dialettali napoletane.

Per quanto riguarda l’ambientazione, Nel film sono presenti molti luoghi fatiscenti, quasi “astratti”, se così si può dire.

Gli interni, pur essendo poveri, mostrano la predilezione per l’arredamento vistoso: per esempio, nel film si vede un trasloco nel quale vengono spostati una poltrona dorata in velluto viola e molti altri oggetti vistosi.

In fine mi sento di affermare che, nonostante i casi mediatici in cui in seguito è stato implicato il film (come il caso di Bernardino Terracciano, interprete di “Zi' Bernardino”, che fu arrestato in seguito per favoreggiamento, estorsione e detenzione abusiva di armi da fuoco, il quale fu seguito poi da Salvatore Fabbricino, che interpretò uno dei tanti camorristi nel film, e Giovanni Venosa, che interpretò un capoclan), la storia che racconta il film rimane comunque quella che è: una storia vera che parla di verità.

Voto:

4/5

Orgoglio e Pregiudizio 2005

2012-08-21T05:46:00.000-07:00

Nell'Inghilterra di fine settecento un giovane aristocratico, Charles Bingley, affitta la tenuta vicina a quella della famiglia Bennet, a cui non mancano delle figlie da maritare (come troppo spesso fa notare la signora Bennet). Una sera, durante un ballo, Bingley fa il suo ingresso nella sala, accompagnato dall'altezzosa, irritante sorella e dal bello quanto ombroso e presuntuoso Signor Darcy. Quella sera Bingley si innamora perdutamente della primogenita dei Bennet, la timida e placida Jane, un amore a prima vista che ci si aspetterebbe anche per Darcy e la secondogenita delle Bennet: Lizzie, se non fosse per la loro indole ribelle e poco incline al confronto. Troppo orgogliosa lei, troppo precluso lui. E da qui la storia la sanno quasi tutti.

Corre voce che Jane Austen non scrivesse i suoi romanzi nella tranquillità e silenzio di uno studio, ma in un soggiorno ricolmo di baccano, immersa nella vita quotidiana della sua numerosa famiglia. Energica, numerosa e rumorosa è anche la vita della famiglia Bennet: fra attacchi di nervi e trappole matrimoniali – entrambi personificati dalla chiassosa Mrs. Bennet – (una meravigliosa Brenda Blethyn, perfetta nel ruolo di madre afflitta dall'ansia di accasare tutte e cinque le figlie).

E a Mr. Bennet (un Donald Sutherland così simile al personaggio del romanzo da far meravigliare anche i più scettici).

Questo film non esprime la passione e il sentimento attraverso parole strappalacrime, scene memorabili o baci mozzafiato. Vedere Orgoglio e Pregiudizio solo una volta non è certo sufficiente per addentrarsi nel livello più profondo del film, quello di un amore che nasce e si sviluppa gradualmente.

Ammetto che ho letto un'infinità di volte “Orgoglio e Pregiudizio”, poiché la lettura, per me, è l'unica cosa che riesce a stare sullo stesso livello del cinema. Mi piace leggere. Mi piace così tanto che spesso, sono stata capace di leggere 500 pagine di un libro in una sola notte, come ad esempio ho fatto con CRYPTO, (primo romanzo thriller di Dan Brown, scritto nel 1998 e pubblicato in Italia il 27 giugno 2006), della lunghezza di 425 pagine.

Ma, tornando alla pellicola, trovo che sia fatta, costruita e montata, in modo molto più che eccellente.

Trovo che sia il film che meglio esprima la vera anima del libro, con tutte le sue pause e riflessioni.

Tutto della storia riporta inevitabilmente all'Ingilterra rurale di fine settecento, in modo molto superiore rispetto alla versione del 1940, o ancora rispetto alla serie televisiva del 1995. E anche se Matthew Mcfayden impersona un Darcy più insicuro e ombroso che arrogante e altezzoso, come lo vuole la Austen, l'ho trovato molto più simile al personaggio rispetto agli altri attori che l'avevano impersonato.

Anche Keira Knightley l'ho trovata molto più adatta rispetto alle precedenti, e azzeccatissima per il ruolo della frizzante,furba e ironica Lizzie.

Secondo certa critica il regista Joe Wright è stato troppo frettoloso e non ha dato spazio alla psicologia dei personaggi. Ma nonostante io trovi quest'accusa infondata, c'è da porsi una domanda: non è forse evidente che in un romanzo c'è molta più opportunità di dar voce ai sentimenti, alle emozioni, e alla stessa psicologia dei personaggi? Specialmente in quelli della Austen, dove ne vengono riempite dalla stessa scrittrice pagine e pagine?

In un film, dove il tempo è ridotto, quando la voce narrante viene a mancare e dove i personaggi si trovano a “presentarsi” mentre sono in azione, è ovvio che si punta tutto sulla capacità espressiva degli attori che sul resto. I quali, se bravi, possono anche sopperire alla descrizione dei processi psicologici dei personaggi che interpretano.

Inoltre anche la scenografia, spettacolare a mio modesto parere, rende bene il tormento dei personaggi (come, nella prima dichiarazione di Darcy, che viene fatta sotto la pioggia... molto bella, romantica, a tratti passionale, e suggestiva).

Infine, a parer mio, rispetto alle precedenti versioni che sono state create, quest'ultima è la più coinvolgente, romantica ed emozionante che sia stata mai creata.

La ciliegina sulla torta? La meravigliosa, finale, dichiarazione di Darcy: “mi avete stregato anima e corpo e vi amo, vi amo, vi amo...” Una battuta che fa emozionare a tal punto lo spettatore che egli rimarrà a bocca aperta.

La scena finale poi è meravigliosa, molto meglio dell'attesissimo bacio, (che comunque è stato aggiunto come finale alternativo nella versione DVD)

con Lizzie che bacia la mano a Darcy con la luce del sole che fa da sfondo creando un meraviglioso spettacolo di luci e ombre. Magnifico.

In conclusione, un film magico che, a mio parere, appassionerà anche i meno romantici del mondo.

Voto:

4/5

La tigre e la neve di Benigni: le facce dell'amore

2012-08-17T16:02:00.002-07:00

Stroncato da “un certo tipo” di critica, quella politicizzata, che in Italia è fatta di destra e di sinistra, (e a questo punto aggiungo che, a mio parere, non riesco proprio a capire certi atteggiamenti della critica quando delle volte applaude film, sempre a mio avviso, del tutto insignificanti, e altre volte discrimina pellicole eccelse come questa) ma a ragion veduta acclamato dal pubblico.

Attilio è un poeta che costantemente ogni notte sogna di sposare la sua amata, Vittoria, che nella realtà lo rifiuta di continuo e lo sfugge. Quando lei, partita per un'intervista al più importante poeta iracheno rientrato in patria in prossimità della guerra, verrà gravemente ferita, Attilio la raggiungerà in fretta e farà di tutto per salvarla. Non ci saranno ostacoli che potranno fermarlo nel tentativo di farla sopravvivere: dalla mancanza di medicinali (in quel luogo non esistono farmacie a portata di mano) al posto di blocco in cui verrà ritenuto un terrorista.

È una storia d'amore quella che Benigni ci propone questa volta, un amore con la A maiuscola. Quell'amore che porta la vita al suo massimo splendore. Il regista e attore toscano non ci offre un film “comico”, anche se non mancano gag esilaranti, ma una riflessione poetica sul bisogno di speranza che il mondo odierno nutre, anche quando il cinismo domina su larga scala.

C'è chi crede di aver arti così grandi da poter abbracciare il mondo, ma in realtà ha braccia così troppo corte anche solo per accogliere un amico. L'Attilio di Benigni è esattamente l'opposto, e abbraccia tutti, senza distinzioni, facendo comprendere che anche nel grigio mondo di oggi non tutto è perduto, ma per salvarsi bisogna fare le azioni concrete, e non dare aria solo alla bocca.

Sono fortemente sicura che questo film piacerà a tutti, anche se a livelli diversi: ci saranno quelli che scorgeranno Montale e Ungaretti fra i vari personaggi (solo per citarne alcuni), sorridendo appena con un po' di aria di superiorità per chi ha frequentato le “scuole alte”, e alle anime libere, che magari non conoscono la poesia, ma la vivono ogni singolo secondo di ogni singolo giorno della loro vita.

Il film custodisce una di quelle storie che emoziona, che ti spacca il cuore, che fa sognare, meravigliare e rimanere con il fiato sospeso, utilizzando lo stesso rigore emozionale de “La vita è bella”: alterna momenti di umorismo e di dramma, facendo anche spesso dell’umorismo sul dramma.

E’ un film che sostanzialmente parla d’amore, nel modo più profondo, quello vero, non fatto solo di parole eclatanti, ma di gesti concreti: Attilio fa di tutto per la sua amata, dai piccoli gesti, semplici ma dolcissimi, al rischiare la vita per salvarla.

Perché non è detto che il romanticismo e l'amore si dimostrano con le parole, ma con i fatti, le azioni, quelle vere.

Per esempio Shakespeare, che è il simbolo del poeta romantico per eccellenza, che parla quasi sempre d'amore nelle sue opere, per alcuni studiosi pare che non sia stato altrettanto “romantico” con sua moglie.

Per carità, sono soltanto speculazioni e nulla di fatto, poiché la scarsità di documenti rinvenuti che riguardano la sua vita privata ha fatto sorgere numerose riflessioni riguardo al suo vero aspetto fisico, alla sua sessualità, alla sua religione e persino all'attribuzione delle sue opere.

Sta di fatto però che William Shakespeare e sua moglie Anne Hathaway, per la maggior parte della loro vita matrimoniale, lui visse quasi sempre a Londra, scrivendo e recitando le proprie opere, mentre lei rimase stabilmente a Stratford.

Quindi, alla luce di queste personalissime riflessioni sostengo che se qualcuno mi dovesse chiedere cos'è l'amore, io risponderei che è questo: non è passione, non solo, perché quella parte rispecchia soltanto l'un percento di quello che è l'amore, amare è entrare in una dimensione diversa, del tutto nuova, cambiare orbita e pianeta.

Significa spostare il centro della nostra vita e orbitare attorno ad un nuovo punto. Il nostro pensiero si concentra e rischiara un’unica figura: quella dell'altro, e il resto rimane sullo sfondo, offuscato, come un paesaggio indistinto. Non c'è nient'altro se non quello, se non il benessere dell'altro. Questa figura, questo bisogno, si sovrappone a tutte le altre cose, è presente dappertutto, in ogni singolo istante.

Ed è questo che racconta la pellicola. Esattamente questo.

Ricordo un monologo del film in cui Benigni dice disperato, perché la sua amata rischia la vita:

"E dai, trovamela questa glicerina, perché se non me la trovi quella muore... quella muore proprio... e se muore lei, per me tutta questa messa in scena del mondo che gira... possono anche smontare, portare via, schiodare tutto, arrotolare tutto il cielo e caricarlo su un camion col rimorchio, possiamo spegnere questa luce bellissima del Sole che mi piace tanto... ma tanto... lo sai perché mi piace tanto? Perché mi piace lei illuminata dalla luce del sole, tanto... portar via tutto questo tappeto, queste colonne, questo palazzo... la sabbia, il vento, le rane, i cocomeri maturi, la grandine, le sette del pomeriggio, maggio, giugno, luglio, il basilico, le api, il mare...".

Ecco, se dovrei descrivere cos'è l'amore, direi che è questo.

Voto:

5/5

Star Wars: la storia dietro la storia.

2012-08-08T14:27:00.000-07:00

Tra i tanti film che mi hanno sempre affascinata Guerre Stellari è senz'altro uno tra i primi.

Sono fortemente convinta che la passione che ho per i film e, in special modo, per il cinema si è fondamentalmente radicata nel mio DNA prima ancora che si potessero strutturare i miei caratteri somatici, ma ho intuito di essere una cinefila convinta soltanto quando ho guardato per la prima volta Guerre Stellari. Non ero ancora nata quando l'hanno dato per la prima volta nei cinema, ma non potrò mai dimenticare l'entusiasmo che mi avvolgeva quando, da bambina, una volta spente le luci del salone di casa e sedutami comodamente sul divano, iniziava il film con il famoso incipit: “tanto tempo fa, in una galassia lontana lontana...”

Come si sa, l'idea originaria di George Lucas era quella di un film d'avventura fantascientifico.

Con questo progetto, insieme al produttore Gary Kurtz, tentò di acquistare i diritti della serie Flash Gordon, per produrne un remake, ma l'alto costo di diritti e il troppo controllo creativo che pretendevano i detentori, costrinsero il regista ad abbandonare il progetto.

Ma Lucas non si arrese, iniziando poi a scrivere una sceneggiatura completamente scritta di suo pugno, ispirandosi a diversi generi letterali e cinematografici, come i western, i telefilm seriali, le opere del regista Akira Kurosawa, riferimenti ai serial degli anni trenta in generale e in fine alla mitologia classica.

In seguito, nel 1974, ampliò la bozza della sceneggiatura, che comprendeva già elementi come i Sith, la Morte Nera e un giovane protagonista chiamato Annikin Starkiller. Nella seconda versione della bozza, il regista semplificò la storia e introdusse l'eroe proveniente da una fattoria, cambiandone il nome in Luke. Il padre del protagonista era ancora un personaggio presente nella storia, e la Forza si era trasformata in un potere sovrannaturale.

Nella versione successiva venne eliminato il personaggio del padre, che venne sostituito con un sostituto: Ben Kenobi.

Nel 1976 venne preparata una quarta bozza per le riprese e il film venne intitolato “Le avventure di Luke Starkiller, come narrate nel Giornale dei Whills, Saga I: Le Guerre stellari”. Durante la produzione, Lucas cambiò il cognome di Luke in Skywalker e modificò il titolo in “Star Wars”.

“La gente chiedeva, 'tra tanti soggetti, perché scegliere proprio quello?' e io dicevo: 'beh, è bello fare film per i giovani, voglio parlare alla loro immaginazione'. Questo è il mio intento”. Racconta Lucas riguardo alla pellicola.

Il progetto per il film fu presentato sia alla Universal che alla United Artists, ma entrambe bocciarono subito la pellicola. Solo la 20^th Century Fox l'approvò, ma solo grazie all'intervento di Alan Ladd, all'epoca direttore creativo.

Con l'accordo preliminare in tasca, nel 1974 Lucas iniziò a rifinire il copione e la sceneggiatura:

“Diventò un copione molto corposo, quasi duecento pagine. La storia mi aveva preso la mano, dovetti scendere ad un compromesso e dissi: 'ne prenderò un terzo, il primo atto, e ne farò un film. Ma avevo scritto tanto, avevo passato un anno a scrivere la storia, e mi dissi che non volevo buttare due terzi di un anno perché non potevo permettermi altro, solo perché mi davano i soldi solo per un film, perciò lo misi da parte e dissi: 'costi quello che costi, finirò questo film'”.

Per realizzare concretamente il progetto e conquistare il consiglio di amministrazione delle Fox, Lucas ingaggiò l'artista concettuale Ralph McQuarry, che creò delle immagini spettacolari, le quali conquistarono il consiglio di amministrazione che approvò un budget di 8, 250, 000 milioni di dollari.

Una volta concluso il contratto Lucas andò alla ricerca degli attori che avrebbero dovuto prendere parte al film, accompagnato dal suo amico Braian Depalma, che cercava anche lui attori per “Carrie”, un horror di Stephen King. Il regista ci mise sette mesi per completare il casting di Star Wars.

Per il ruolo di Luke Lucas voleva un uomo che esprimesse intelligenza e integrità morale,

così venne scelto Mark Hamill, il quale rammenta divertito: “ricordo una battuta del provino che non dimenticherò mai. Luke dice: 'non possiamo tornare indietro, la paura è la loro più grande difesa, la sorveglianza li non può essere più stretta che su Aquali o Solust, e forse è diretta ad un assalto su larga scala.' Ho letto la battuta e ho pensato: 'ma chi parla così?' Ma l'ho recitata con intensità”.

Per il ruolo di Han Solo invece ci voleva una persona più grande e decisamente molto più cinica. Harrison Ford sembrava perfetto per la parte, ma avendo già lavorato in “American Graffiti”, e dato che Lucas pretendeva per il suo film volti del tutto ignoti nel mondo del cinema, fu solo preso per dare la battuta agli attori nei provini.

“Mi diedero le parti e mi chiesero se volevo aiutare gli altri attori a recitarle. Il mio compito era di spiegare ai vari attori che provavano quale era la loro parte, e qual'era il senso della battuta che dovevano dire”, spiegherà in seguito lo stesso Ford.

Ma non passò molto tempo che Lucas rimase affascinato dall'interpretazione dell'attore, che diede a Han Solo un misto di spavalderia mercenaria e noia di vivere.

La parte della principessa Leia, un personaggio che pur avendo la stessa età del protagonista era molto più matura, venne data Carrie Fisher, a patto che andasse in una clinica specializzata per dimagrire di cinque chili.

Nel ruolo di Obi-Wan Kenobi invece il regista volle scritturare una star affermata, e scelse Alec Guinness, (oscar al miglior attore nel film “Il ponte sul fiume Kwai”).

In seguito, per il ruolo chiave di Dart Fener, in cui occorreva un fisico forte e imponente, venne scelto il sollevatore di pesi massimi David Prowse.

Chewbecca invece venne interpretato dall'altissimo Peter Mayhew (la sua altezza era di 2 metri e 21cm).

Trovare gli interpreti giusti per i robot invece non fu semplice: per i androidi C3PO e R2D2 (Che nella versione italiana della serie originale, R2-D2 era stato ribattezzato in sede di doppiaggio in C1-P8 mentre C-3PO aveva preso il nome di D-3BO. Forse ciò è dovuto al fatto che abbiano ipoteticamente cambiato codice dalla fine del terzo episodio), ci vollero attori in carne ed ossa.

Per le parti vennero scelti gli attori Kenny Baker (perfetto nella parte di R2D2, con i suoi 112 cm di altezza) e Anthony Daniels.

Per supervisionare gli effetti sonori di “Una nuova speranza”, Lucas ingaggiò Ben Burtt, il cui lavoro fu talmente all'avanguardia che l'Academy gli conferì uno speciale riconoscimento. La Lucasfilm sviluppò poi il sistema audio THX per il film “Il ritorno del Jedi”, primissimo film ad essere presentato con questo sistema sonoro.

Mentre, per quanto riguarda gli aspetti tecnici, tutti i film della serie vennero girati con un aspect ratio (cioè il rapporto d'aspetto matematico che indica la larghezza e l'altezza dell'immagine) di 2.35:1.

Dopo aver scoperto che il settore della 20^th Century Fox dedicato agli effetti speciali era stato fatto smantellare (in parte per gli alti costi, e in parte perché il gusto e la cultura cinematografica in generale si indirizzavano verso film essenzialmente realistici), Lucas fondò la “Industrial Light & Magic”.

Per la creazione di molti degli effetti visivi venne utilizzato il Motion control photography, con il quale si poté creare l'illusione che faceva credere grandi oggetti di piccole dimensioni tramite l'uso di modellini e di telecamere molto lente. I modelli delle astronavi vennero creati in base ai disegni di Joe Johnston e colorati da McQuarry.

Quando le riprese iniziarono nel deserto della Tunisia per le scene sul pianeta Tatooine, il cast dovette affrontare diversi problemi, tra i quali il peggior temporale che ci fosse mai stato in Tunisia, il malfunzionamento del materiale e il guasto dei dispositivi elettronici.

Dopo le riprese in Tunisia, lo staff si spostò agli Elstree Studios (Londra) per girare gli interni. Qui i problemi non mancarono: le rigide norme sindacali inglesi imponevano a Lucas di dover cessare le riprese alle 17:30, il regista poteva chiedere alla troupe un altro quarto d'ora, ma gli venne sempre negato. Un altro problema era lo scarso interesse da parte del cast nei confronti del film: in molti infatti lo consideravano un “film per bambini”.

Lo stesso Kenny Baker, (R2-D2), confessò di aver pensato che il film potesse essere un fallimento.
“C'era una principessa con delle strane crocchie nei capelli e un gigante vestito da scimmia. Era buffo davvero, molto, molto buffo”. Ricorda poi in seguito Harrison Ford.

Ford criticò anche i dialoghi dei personaggi dicendo a Lucas: “Puoi mettere questa merda nei copioni, George, ma sono sicuro che tu non riusciresti mai a parlare così.”

La produzione del film divenne così stressante per Lucas che ad un certo punto ebbe un infarto e i medici gli diagnosticarono un'ipertensione ed un esaurimento nervoso dovuto ad uno stress eccessivo.
Un altro problema fu quello delle voci dei personaggi e gli effetti sonori. Il sound designer Ben Burtt si occupò di questo, creando quella che venne poi definita da Lucas stesso la "colonna sonora organica".

Per i rumori delle pistole blaster utilizzò un misto tra diversi rumori metallici tra i quali delle funi. Per la voce di Chewbecca miscelò i versi di diversi animali come orsi, leoni, cani, e tigri. Per R2D2, Lucas e Burtt crearono i suoi "bip" registrando le proprie voci grazie ad un sintetizzatore elettronico. Per Fener, Lucas utilizzò la voce di James Earl Jones, che era caratterizzato da una voce profonda ed autoritaria.

Le riprese del primo film iniziarono il 22 marzo 1976 e terminarono il 16 luglio 1976.

All'uscita del film nessuno voleva programmarlo, e solo quaranta sale accettarono di programmarlo.

Alla vigilia del debutto nelle sale del film, Giorg Lucas, gli attori e tutto lo staff, si strinsero aspettandosi il peggio.

Ma comunque sarebbe andata a finire, il 25 maggio del 1977, sarebbe stata una data memorabile nella storia del cinema.

Fu un successo.

“Non avevo mai visto effetti speciali così reali. Rimasi a bocca aperta”, commenterà in seguito il cineasta Steven Spielberg.

I film di Star Wars sono stati quelli che hanno aperto la strada alla nuova tecnologia, cambiando radicalmente il modo stesso di fare cinema.

Nel1978 la pellicola vinse numerosi Premi Oscar: alla Migliore scenografia a John Barry, Norman Reynolds, Leslie Dilley e Roger Christian. Migliori costumi a John Mollo. Miglior effetti speciali a John Dykstra, Richard Edkund, Grant McCune, Robert Blalack e John Stears. Miglior montaggio a Marcia Lucas, Tichard Chew e Paul Hirsch. Migliore colonna sonora a John Williams. Miglior sonoro a Don MacDougall, Ray West, Bob Minkler, Derek Ball, e uno Special Achievement Award a Ben Burtt. E questo solo per il primo film.

Niente male, per quello che doveva essere un “film per bambini”.

Film 1998: The Truman show

2012-08-02T04:18:00.000-07:00

Stavo giusto facendo zamping davanti al televisore, quando mi sono apparse davanti una serie infinita di Reality show. Da non credere quanto l'essere umano sprechi così tanta energia per costruire simili idiozie. Mi viene subito alla memoria il film “The Truman Show”. Forse il paragone non è un gran che azzeccato, visto che almeno il protagonista non aveva la benché minima percezione di quello che gli stava accadendo, ma guardando per un secondo quelle immagini, non ho potuto far a meno di pensare.

Nel 1998 Peter Weir (regista del film) irrompe sul grande schermo quasi come una sorta di profezia tanto temeraria quanto giusta e veritiera per gli anni futuri: la visione di una televisione dal potere incontrollato e devastante, e dell’impatto che i reality Show avrebbero avuto sul pubblico.

Sono passati più di 10 anni dall’uscita nelle sale di “The Truman Show”, e da quando questo film è comparso nei cinema la televisione si è trasformata in qualcos'altro: dal primo reality ne è sopraggiunto un secondo e poi un terzo, un quarto... fino ad arrivare a intere produzioni in serie, il cui successo è andato oltre ogni aspettativa (ahimè, purtroppo è così), e il fenomeno sembra non subire crisi. Ed è stato così che i palinsesti di quasi tutte le emittenti televisive sono stati inondati da questo nuovo, funesto, tsunami. I film trasmessi in prima serata sono diventati sempre più delle eccezioni, quasi dei ricordi sbiaditi, e anche i talk show hanno dovuto adattarsi ai nuovi format. A fare audience sono le vicende private della gente comune, e ci si è spinti così tanto in questa direzione che oramai risulta invisibile il confine che separa la finzione televisiva dalla realtà umana, fin quando non si trasforma tutto in una grande bolgia. Ad esempio, protagonisti del Grande Fratello sono personaggi sempre meno “comuni” e sempre più “estroversi” (se così si può dire).

Ma, tornando al film, la storia di Truman in breve è questa: per i primi trent'anni - esattamente 10909 giorni - nella vita insapore di Truman Burbank (Jim Carrey) sono stati banalmente lisci come l'olio nella tranquilla e incolore comunità suburbana di Seahaven. Un giorno, però, accade qualcosa di insospettabile: dal cielo piove un gigantesco riflettore, poi iniziano ad accadere delle cose insolite.

Truman si sente quasi seguito, le fotografie di famiglia sembrano quasi finte, le macchine e i cittadini si comportano in maniera quasi strana. Insomma, Truman avverte che c'è qualcosa che non va nella sua vita, e ben presto ne scopre l'orrendo motivo: La sua vita non esiste.

L'isolotto su cui abita, Seahaven, è un gigantesco studio televisivo creato dal regista Christof (uno spietato Ed Harris). Tutte le persone che Truman incontra e con le quali si relaziona sono degli attori, compresi i genitori, l'amico Marlon

(Noah Emmerich) e sua moglie Meryl (Laura Linney), che sembra essere quasi uscita da un cartellone pubblicitario perché durante il film non perde mai tempo a rivolgersi alla telecamera per fare pubblicità in diretta, anche quando il marito sta andando sull'orlo di una crisi di nervi.

Tutte le vicende sono pianificate e deviate dalla produzione; anche il giorno e la notte non sono veri, ma artificiali, così come il cielo - dipinto sulla cupola del mega studio - , il mare, i fenomeni atmosferici le abitazioni e le strade.

I nomi dati ai personaggi nel film non a caso sono pieni di significati simbolici.

Il nome del protagonista, Truman Burbank è composto da due parole inglesi: "True" (vero) e "Man" (uomo). Questo indica subito che Truman è l'unico ad essere reale nello show, e ogni altro uomo è finto. Il significato contenuto nel nome è ulteriormente sottolineato nel dialogo finale fra Truman e Christof:

Truman: "Non c'era niente di vero?" Christof: "Tu eri vero!".

Il cognome di Truman, Burbank, fa riferimento alla città di Burbank in California, sede di molti studi televisivi e cinematografici.

Invece Meryl, la consorte di Truman, è così chiamata in riferimento a Meryl Streep, l'omonima attrice. Infatti anche lei non è nient'altro che un'attrice che recita il ruolo di qualcuno che ama Truman, ma lei in realtà non prova nessun sentimento per lui. Marlon invece, che è il presunto miglior amico di Truman, prende il nome da Marlon Brando. Anche lui, come Meryl, è solo un attore che non ha veri sentimenti di amicizia. E in fine c'è Christof, il “creatore”.

Il suo nome di fatti è un'allusione a Cristo: Christof osserva il “suo mondo” dal cielo, all'interno della falsa luna dove ha sede lo studio. Un ulteriore punto di vista propone "Christ"-""of(f)" cioè “l'assenza di Cristo”, per sottolineare come il personaggio sia maledettamente simile ad un diabolico burattinaio. Ogni strada o piazza nella città di Truman ha il nome di un attore (come ad esempio “Lancaster Square”). Il nome della barca con la quale Truman decide di affrontare il mare per fuggire dalla città, è la Santa Maria, come una delle caravelle di Cristoforo Colombo che uscirono dal mondo allora conosciuto varcando l'ignoto per approdare a un nuovo mondo. La città artificiale nella quale vive si chiama Seahaven, letteralmente "rifugio di mare", o "porto sicuro", riferito a un luogo che doveva apparire a Truman il più rassicurante possibile (come si vede, in tutta la sua vita il protagonista viene continuamente dissuaso dal tentare di uscire dalla città), e il nome inoltre, con la sua assonanza con heaven (in inglese, paradiso) richiama a un'idea di luogo ameno e idilliaco. Nella targa dell'auto di Truman, inquadrata in primo piano in una scena del film, si legge: “Seahaven - il posto migliore in cui vivere”.

La sferzante ironia del regista Peter Weir però non condanna solo il mezzo televisivo e i suoi manovratori, comunque altamente condannabili. Che hanno sempre la smania di essere superiori a tutto, (significativa la frase di Christof mentre parla con Truman, verso la fine, «Io sono il Creatore - pausa - di uno show televisivo»), ma anche il pubblico, che segue ininterrottamente le vicende di Truman dalla sua nascita, non riuscendo a staccarsi mai dalla TV, quasi come se ci si fosse incollato sopra.

Per anni esso segue come ipnotizzato lo show in tv. Gli spettatori hanno persino le case piene di gadget dello show, cuscini con la faccia di Truman, tazze, e accessori. Il pubblico segue costantemente le vicende di Truman, a qualsiasi orario e da qualsiasi luogo in cui si trova (anche a lavoro o addirittura in bagno), del giorno e della notte (guarda la televisione persino mentre Truman non fa altro che dormire, di notte).
Truman fa quasi integralmente parte della sua vita.

Certo, fa il tifo per lui durante la sua fuga, ma solo perché in cerca di uno spettacolo maggiormente appassionante, mentre per trent'anni non si è mai indignato. Non ha fatto mai nulla.

In conclusione, un ottimo film, assolutamente da vedere.

Voto:

5/5

Film 2009: La dura verità (sugli uomini e sulle donne)

2012-07-30T10:06:00.001-07:00

Prendete una donna, estremamente romantica, sempre alla ricerca dell'uomo perfetto, un po' “maniaca del controllo” e molto nevrotica, poi prendete un uomo cinico, arrogante, che non crede assolutamente nell'amore, ma molto controllato. E poi costringeteli a lavorare insieme. Tutto questo è la dura verità (titolo originale: "The ugly truth").

Abby infatti è una bravissima produttrice televisiva di un noto show a Sacramento. Molto romantica e molto nevrotica. Tornando a casa la sera, le capita di vedere un pezzo di uno show televisivo locale intitolato "La dura verità", il suo conduttore è Mike, il cui cinismo sulle relazioni fra uomini e donne incita un'irritata Abby a telefonare allo show per discutere con lui in diretta.

Il giorno dopo la produttrice viene a conoscenza che la stazione televisiva sta per cancellare il suo show per via dei pochi ascolti, per cui, nell'intento in extremis di salvare lo show, il direttore della stazione assume proprio Mike per ravvivare gli ascolti.

In un primo momento, e quasi per tutta la durata del film, i due hanno un rapporto molto più che conflittuale: Abby pensa che Mike sia rozzo e disgustoso mentre lui trova Abby una “maniaca del controllo”. Eppure, quando Abby trova l'uomo dei suoi sogni, un avvenente dottore chiamato Colin nonché suo vicino di casa, Mike la convince a seguire i suoi consigli. Lei accetta il suo aiuto, e se fosse riuscita a far colpo su Colin avrebbe lavorato felicemente con Mike, al contrario se non ci fosse riuscita Mike si sarebbe dimesso.

Raggiunta la notorietà nel 2007 con la serie tv Grey's Anatomy, Katherine Heigl è il perfetto esempio di esordiente attrice comica del pubblico Americano che si presta in maniera eccellente in questo nuovo film, dove recita la parte dell'innamorata inesperta. La coppia Heigl/Butler è a dir poco esilarante, frizzante, sopra le righe e quindi il pubblico si diverte non poco.

Il regista Robert Luketic (regista anche del film “La Rivincita Delle Bionde”), dirige con maestria, giudizio e giusto senso del ritmo questa nuova commedia sentimentale, e ciò aggiunge molto allo stile visivo e narrativo de "La Dura Verità". La pellicola è sostenuta da innumerevoli gag (non necessariamente “scatologiche”, come sostiene il protagonista stesso). Altro punto di forza è l'attore Gerard Butler, che con il suo personaggio con le sue “teorie di conquista”, e la sua opinione della “dura verità” tra gli uomini e le donne e tutti “gli annessi e connessi”, è fonte indiscussa di divertimento, e origine di innumerevoli dibattiti tra lui e la protagonista.
Non tutto però funziona, e a saltuariamente passa qualche minuto prima di tornare a ridere; ma comunque ci si diverte, eccome. Una bella prova di commedia per un'artista esordiente come Katherine Heigl e una vera e propria rivelazione in ambito comico per Gerard Butler.
In conclusione, un film simpatico. Assolutamente da vedere se si vuole passare una serata in allegria.

Voto:
4/5

Indiana Jones: uno sguardo dietro la macchina da presa

2012-07-28T08:59:00.000-07:00

Indiana Jones e I predatori dell'arca perduta

La prima volta che ho guardato Indiana Jones avevo cinque anni, ed ero comodamente seduta sul grande divano di casa. Non ricordo come o in che modo mi trovai a vederlo, ma ricordo con piacere lo stupore crescente che mi animava ad ogni scena, e la cosa straordinariamente con l'avanzare degli anni non è cambiata.

Henry Walton Jones Jr., meglio noto come Indiana Jones è, come tutti sappiamo, un personaggio cinematografico ideato da George Lucas, i cui omonimi film sono stati diretti da Steven Spielberg.

Nato il 1° luglio 1899 Indiana Jones è un brillante professore universitario di archeologia, che all'occorrenza veste i panni dell'avventuriero partendo per i luoghi più esotici della terra alla ricerca di reperti straordinari.

La storia della sua nascita inizia nel 1973, quando un giovane e neolaureato regista, George Lucas, era alla ricerca di nuove idee e progetti da sviluppare per il grande schermo.

La prima ispirazione per il personaggio gli venne da un poster di un vecchio film che gli riportò alla mente gli anni trenta e i film d'avventura dell'epoca, suggerendogli così la figura di archeologo dal doppio ruolo, quello di preciso ed impeccabile professore universitario e quello di avventuriero vestito di giacca di pelle e vecchio borsalino in testa, con la barba incolta, un revolver e una frusta come sole armi, in giro per il mondo alla ricerca di antichi reperti e civiltà perdute, capace di superare numerose insidie.

La storia però iniziò a prendere corpo solo nel 1977 in una spiaggia delle Hawaii, quando Lucas contatta il suo amico d'infanzia Steven Spielberg per dirigerlo. Il progetto conquista immediatamente l'immaginazione sfrenata del regista, che arrivò insieme a Lucas già a gettare le basi di una sceneggiatura incentrata sulla ricerca della mitica Arca dell'Alleanza.

Dovettero passare, però, altri quattro anni prima che il progetto andasse finalmente in porto, e nel frattempo Lucas era impegnato nella realizzazione dei primi due episodi della serie di Guerre stellari, che riscossero, come si sa, un grandioso successo.

Al momento della realizzazione del film, Lucas vestì i panni dello sceneggiatore e del produttore, mentre Spielberg lo aiutò con il copione e curò la regia. Per il ruolo del protagonista venne scelto inizialmente Tom Selleck, il quale si dovette tirare indietro all'ultimo momento a causa del contratto di esclusività che aveva con la rete televisiva CBS.

Quando arrivò il veto della CBS (a preparativi già molto avanzati), venne scelto l'emergente Harrison Ford, che aveva già recitato in un ruolo importante nei film di Guerre stellari, quello di Ian Solo.
La decisione venne presa a sole tre settimane dal primo ciak

Tuttavia rimangono comunque alcuni interessanti filmati del provino di Selleck, nei panni di Indiana, che recita alcune scene del copione.

Il nome originario del personaggio, scelto da Lucas, doveva essere Indiana Smith, tuttavia Spielberg detestava questo nome, poiché pensava non suonasse bene, al che Lucas avrebbe risposto: "Chiamalo Indiana Jones, o come ti pare, il film è tuo ora". Il nome “Indiana”, tra l'altro, pare che derivi proprio dal nome del cane di George Lucas.

Anche se il personaggio di Indiana Jones ha tutti i requisiti di un eroe dalla doppia vita, non sembra essere invincibile o perfetto come un supereroe: non possiede poteri sovrumani, e ha svariati difetti, tra i quali la sua incontrollabile fobia per i serpenti.

Fu lo stesso Spielberg a voler conferire al personaggio una personalità a tratti quasi infantile, romantica e cinica, con atteggiamenti che ricordano quelli di un lupo solitario, cacciatore di tesori e detective incallito.
Il regista voleva che il pubblico potesse dubitare veramente che Indy l'avrebbe scampata oppure no alle sue roccambolesche avventure, voleva che sul suo volto si potesse vedere la paura e il dolore, dato che nei film viene picchiato molto spesso, e che si rendesse conto che il protagonista era un uomo che poteva anche fallire.

In fine Indiana Jones ha ispirato nel corso di quasi trent'anni diversi altri personaggi di archeologi-avventurieri presenti in opere successive, (come ad esempio Richard "Rick" O'Connell nei film de “La Mummia”, oppure Benjamin Gate, nel film “Il mistero dei templari”, solo per citarne alcuni) e non solo, ha avuto anche il merito di aver riportato in auge l'archeologia e il brivido dell'avventura e della scoperta.
Impresa non da poco.

Biancaneve e il Cacciatore

2012-07-25T01:49:00.001-07:00

Ormai è celebre la tendenza del

cinema contemporaneo a

rinnovare il repertorio dei

classici,e il regista Sanders

non fa eccezione, pescando

tra le fiabe quella dei fratelli Grimm,

una delle più famose, e realizza un film

in costume di tutto rispetto,

contraddistinto da modifiche sostanziali

nella trama e nella caratterizzazione dei

personaggi di “Biancaneve e il

Cacciatore”.
Rilevanti sono i “ritocchi” apportati alla struttura

stessa della pellicola.

Sanders rivoluziona in tutto

e per tutto la protagonista: Biancaneve diventa una

guerriera, una Giovanna D'arco a tutti gli effetti,

che per fronteggiare la matrigna viene addestrata

all'arte della guerra proprio dal cacciatore,

compiendo la sua ascesa a colpi di spada e

coraggio. Biancaneve ha una nuova identità,

più decisa, più da

eroina, e si rivolge al pubblico femminile negandogli

ogni abituale gratificazione: nessun principe azzurro

dalla chioma fluente e la spada tratta in sella ad un

bianco destriero trae in salvo la principessa, che al contrario

si salva quasi da sola, e viene “supportata” da un team

di uomini fuori dal comune (sette nani minatori convertiti

al furto e un cacciatore vedovo e sbronzo).

Ma la particolarità del film sta nella psicologia dei

personaggi. Per la prima volta in assoluto si comprende

il passato della regina Ravenna, spietata sterminatrice di

fanciulle e regni, che nella pellicola appare agli occhi

dello spettatore decisamente più umana, ma anche molto

più crudele.

E allora si costruiscono psicologie definite, e un background

profondo a figure prima d'ora sempre trascurate

(si veda il cacciatore), attribuendo loro un nome, un passato

e un trauma che ne giustifichi il loro modo d'essere

e le loro azioni.
Anche la protagonista dalle “labbra rosso sangue”

e “chioma di nero fulgore”, sopravvissuta all'immancabile

mela grazie al fatidico bacio, ha un passato e una

psicologia molto più profonda, che la portano a lottare

per la vita e la libertà.

 
E se convince la protagonista forte delle sue debolezze,

volta alle scelte estreme e proiettata verso lo scontro

uno a uno con la propria matrigna, che armata di scudo

e corazza, guida coraggiosamente le schiere dei suoi

fedelissimi all’assalto delle mura del castello, meno

convincente è chi la interpreta: Kristen Stewart sembra

essere affetta dalla stessa e monotematica espressione

sofferente che la perseguita da anni inTwilight.

Se la si vuole paragonare alla sua antagonista poi è

ancora peggio.

Charlize Theron nel suo ruolo di perfida matrigna è

decisamente “superba”. Crudele al punto giusto, tanto

da far rizzare i capelli in testa.

Chris Hemsworth (il cacciatore) invece per il momento è stato apprezzato soltanto per il suo ruolo in Thor (tralasciando il suo ruolo in “Quella Casa nel Bosco”) , passa positivamente il primo bando di prova post-Thor.
Anche se il ruolo del Cacciatore sembra molto simile a quello del dio del tuono, molto fisico, per certi versi arrogante, ma sotto sotto buono e con un cuore tenero.

Per quanto riguarda la sceneggiatura, essa ha regalato momenti di pura e stupefacente azione, alternata però con pause forse un po' troppo lunghe, ma in compenso la pellicola sembra essere molto più realistica delle altre trasposizioni cinematografiche.
Scrivendo di un film dark-fantasy, sembra difficile non descrivere le ambientazioni e gli effetti speciali usati per rendere ancora più spettacolare il film.
La “foresta nera” a dire il vero non è mai stata così “nera”: la fiaba per bambini è soltanto un vago e pallido ricordo, e ad un certo punto è sembra quasi di vedere un horror, con creature orrende che appaiono per ogni dove.
Il troll che attacca Biancaneve e il cacciatore ai confini della foresta è stato realizzato magnificamente, e questo ne è solo un esempio, un ottimo effetto visivo è stato compiuto anche con l’esercito delle tenebre della perfida regina Ravenna.
Forse il make up digitale è stato probabilmente in certi aspetti troppo trascurato, e trattandosi di una grossa produzione forse si poteva fare di più.
Al contrario, i combattimenti anche non essendo al centro della storia, hanno dato una magnifica idea di una vera e propria battaglia epica.
In conclusione si può di sicuro affermare che “Biancaneve e il Cacciatore”, pur avendo qualche difetto nella scelta degli attori, è il miglior adattamento cinematografico tratto dalla fiaba dei fratelli Grimm, la scelta che sembrava azzardata di rendere “adulto” il racconto è stata vinta da tutti coloro che c'avevano investito, passando l'esame quasi a pieni voti.
Per questo la visione del film è assolutamente consigliata, in modo da avere finalmente una visione differente (ma non per questo meno bella), più coinvolgente e realistica di una delle fiabe più antiche della storia.
E' chiaro anche che se siete amanti della storia originale potrete lievemente (si fa per dire) rimanere stupiti dal cambiamento, ma a volte cambiare sembra l’unica scelta possibile per non rimanere intrappolati nel passato.

Voto:

3/5

Biancaneve di Tarsem Singh

2012-07-24T13:53:00.001-07:00

Nel 2010 ci aveva pensato Tim Burton a riportare sul grande schermo “Alice in Wonderland”, e il film è stato un successo quasi senza precedenti, piazzandosi nella decima posizione dei film che hanno incassato di più nella storia del cinema. Poi è stata la volta di “Cappuccetto rosso sangue” nel 2011, diretto da Catherine Hardwicke, stessa regista di Twilight, e la trama sembrava persino più banale e deprimente di quest'ultimo. Ora invece tocca a “Biancaneve”, film del 2012 diretto da Tarsem Singh.

La storia è sempre la stessa: ossessionata dalla propria bellezza la matrigna cattiva (Julia Roberts) rinchiude la povera principessa tra le mura del proprio castello subito dopo la morte del padre, e ogni giorno chiede al suo specchio, “specchio specchio delle mie brame, chi è la più bella del reame?” Ma in uno di questi giorni lo specchio le da una risposta diversa: Biancaneve (Lily Collins) è la più bella. Livida d'invidia la regina chiama il suo fedele servo, e gli chiede di portare la principessa nel bosco per poi ucciderla, e come prova della sua morte dovrà portargli il suo cuore.

Riuscita a mettersi in salvo Biancaneve trova rifugio nella casa di un gruppo di nani, che invece di essere semplici minatori, sono esperti ladri.

Lily Collins veste i panni di Biancaneve, dove in questo film non le somiglia minimamente (inoltre, per tutta la durata della pellicola non si può far a meno di notare le sue enormi sopracciglia), ne da una brillante prova di recitazione.

La vera punta di diamante nel film è la matrigna cattiva interpretata da Julia Roberts, che la riempie non solo di cattiveria, ma anche di fascino e molta ironia. Celebre la frase dove descrive con disprezzo e sarcasmo la figliastra: “bla, bla, bla... non sono neri i suoi capelli, sono corvini, ha diciotto anni e la sua pelle non ha mia visto il sole, per forza è bella!”

Forse non sarà la più bella del reame, ma per tutto il tempo non fa che oscurare Biancaneve, dando l'impressione che fosse lei la vera protagonista.

Ma Julia Roberts non basta per risollevare le sorti del film: i vestiti di Eiko Ishioka sono vistosamente troppo voluminosi e colorati, la stessa Julia Roberts ha raccontato che i suoi costumi erano talmente ingombranti che non era facile muoversi dopo averli indossati, al punto che durante una scena si era fatta anche male.

La poi trama si presenta banale e scontata, con fin troppi riferimenti, gli spettatori sono costretti a sopportare sette nani a dir poco irritanti e maneschi, un principe ai limiti dell'ingenuità (per non dire della stupidità) e una Biancaneve che vuole imitare troppo Robin Hood.

Peccato per il film, perché l'idea di base era buona, andava bene rivisitare o modificare una favola antica, però bisogna averne anche le capacità.

Il prossimo film basato sulla favola sarà “Biancaneve e il Cacciatore”: Si spera vivamente in qualcosa di meglio.

Voto: 2/5