CLAQUETA Y SERIES

Crítica de La constelacion del perro (2026)

noreply@blogger.com (claqueta y series) — Sat, 29 Aug 2026 07:24:43 +0000

Ridley Scott convierte el apocalipsis en un íntimo relato sobre la supervivencia

Ridley Scott vuelve a la ciencia ficción con La constelacion del perro, una película que se aleja deliberadamente de la espectacularidad habitual del cine posapocalíptico para apostar por una historia mucho más pausada, melancólica y centrada en sus personajes. Adaptación de la novela de Peter Heller, la cinta mezcla supervivencia, western y drama humano en un mundo devastado por una pandemia que ha reducido drásticamente la población mundial.

Y quizá esa sea su mayor virtud, pero también su principal riesgo: La constelacion del perro no quiere ser la película de acción que su tráiler parecía prometer.

Scott, acompañado en el guion por Mark L. Smith (El renacido, Twisters) y Christopher Wilkinson (Nixon, Ali), deja en segundo plano las grandes escenas de destrucción para concentrarse en cómo viven aquellos que han quedado atrás. Es una decisión interesante viniendo de un director cuya filmografía está repleta de imágenes monumentales y espectaculares.

Un apocalipsis visto desde la soledad

La historia sigue a Hig (Jacob Elordi), un hombre que intenta sobrevivir en un aeródromo abandonado junto a su perro Jasper y Bangley (Josh Brolin), un antiguo marine que se ha convertido en su principal aliado.

El mundo que conocían ha desaparecido después de una pandemia de gripe que ha acabado con gran parte de la humanidad. Los supermercados están vacíos, las ciudades han quedado abandonadas y cualquier encuentro con otros supervivientes puede convertirse en una amenaza.

Pero Hig todavía conserva algo que Bangley ha perdido: esperanza.

Mientras Hig sigue creyendo que puede existir vida más allá de su pequeño refugio, Bangley se rige por una filosofía mucho más sencilla y brutal: sobrevivir a cualquier precio. Para él, cualquier desconocido que se acerque demasiado es una potencial amenaza y no existe tiempo para sentimentalismos.

La relación entre ambos es, precisamente, uno de los grandes aciertos de la película.

Jacob Elordi aporta una interpretación contenida y profundamente melancólica. Hig es un personaje marcado por la pérdida de su esposa, pero que se niega a dejar de mirar hacia el futuro. Elordi consigue transmitir esa tristeza sin necesidad de grandes discursos, apoyándose principalmente en las miradas y los silencios.

Frente a él, Josh Brolin encuentra en Bangley un personaje perfecto para su registro. Su presencia física y su carácter áspero esconden a un hombre que también ha sufrido, pero que ha decidido afrontar el nuevo mundo desde la desconfianza.

Los dos funcionan especialmente bien juntos porque representan dos formas completamente diferentes de entender la supervivencia.

Ridley Scott vuelve a demostrar quién manda detrás de la cámara

Si hay algo que no sorprende en La constelacion del perro es su espectacular apartado visual.

La fotografía de Erik Messerschmidt convierte los escenarios naturales en auténticos protagonistas. Los bosques, las montañas, los aeródromos abandonados y los restos de la civilización crean un mundo que resulta al mismo tiempo hermoso y desolador.

Las secuencias en las que Hig sobrevuela los paisajes con su avioneta son especialmente destacables. Rodadas en localizaciones de los Alpes italianos y los Dolomitas, que sustituyen a las Montañas Rocosas de Colorado, ofrecen algunas de las imágenes más impresionantes de la película.

Es un cine posapocalíptico muy diferente al habitual. Aquí no importa tanto contemplar cómo terminó el mundo, sino experimentar cómo se siente vivir en él.

Y Scott se toma su tiempo para conseguirlo.

La película dedica buena parte de su primer acto a mostrar rutinas aparentemente insignificantes: conseguir comida, buscar suministros, vigilar los alrededores, volar sobre las ruinas de Denver o regresar a la casa donde Hig vivió con su esposa.

Puede parecer que la historia avanza lentamente, pero esa ausencia de urgencia es deliberada. Scott quiere que sintamos el vacío que rodea a sus protagonistas.

Cuando la esperanza aparece en la radio

Todo cambia cuando Hig capta una misteriosa señal de radio.

Convencido de que puede proceder de otros supervivientes, decide viajar hasta Grand Junction para averiguar su origen. Bangley considera que es una locura, pero Hig necesita comprobar que todavía existe algo más allá de su pequeño mundo.

El viaje termina de forma inesperada y lleva al protagonista hasta Cima (Margaret Qualley) y su padre, Pops (Guy Pearce).

Aquí la película vuelve a cambiar de registro para convertirse en una historia sobre personas heridas que intentan recuperar la capacidad de confiar en los demás.

Cima también ha perdido a su marido y comparte con Hig una experiencia de duelo que permite que ambos conecten sin necesidad de recurrir al romance fácil. Margaret Qualley está especialmente bien en este apartado, aportando humanidad y sensibilidad a un personaje que podría haber caído fácilmente en los clichés del género.

La relación entre Hig y Cima funciona porque Scott no tiene prisa por convertirla en una historia de amor convencional. Hay atracción, pero también miedo, desconfianza y, sobre todo, dos personas intentando descubrir si todavía pueden permitirse querer a alguien.

Guy Pearce, por su parte, interpreta a Pops como un hombre protector y desconfiado que inicialmente no acepta la presencia de Hig. Su actitud recuerda bastante a la de Bangley, aunque desde una perspectiva más familiar y emocional.

Cuando Scott deja salir al director de acción

Aunque La constelacion del perro apuesta principalmente por el drama y la contemplación, Ridley Scott no se olvida de que también sabe hacer cine de acción.

Uno de los mejores ejemplos llega cuando Bangley debe enfrentarse prácticamente solo a los Reapers, un grupo de supervivientes violentos que amenaza su refugio.

La escena, rodada principalmente mediante imágenes de visión nocturna, posee una tensión considerable y permite que Josh Brolin se convierta durante unos minutos en una auténtica máquina de supervivencia.

Sin embargo, aquí aparece uno de los problemas de la película.

Los Reapers tienen una presencia inquietante, pero están poco desarrollados. Más que personajes, funcionan como una amenaza externa destinada a elevar la tensión. Su potencial era considerablemente mayor y su falta de profundidad termina haciendo que resulten algo genéricos.

Mucho más efectiva resulta la posterior confrontación contra un grupo de asaltantes a caballo.

Scott transforma el enfrentamiento en un auténtico western posapocalíptico, con una puesta en escena contundente y una violencia bastante gráfica. Es uno de esos momentos en los que el director recuerda por qué, después de tantas décadas, continúa siendo uno de los grandes maestros de la imagen cinematográfica.

Un tercer acto que rompe el equilibrio

El problema más evidente de La constelacion del perro llega en su tramo final.

Después de construir durante buena parte del metraje una atmósfera sombría, íntima y realista, la película introduce un tercer acto mucho más extraño y surrealista.

La aparición de Allison Janney es divertida y la actriz parece disfrutar interpretando a un personaje completamente desquiciado, pero su inclusión provoca una sensación bastante extraña. Es como si durante unos minutos La constelacion del perro se transformara en otra película.

El cambio de tono resulta demasiado brusco y termina perjudicando ligeramente el impacto emocional que Scott había conseguido construir.

No es que el desenlace carezca de interés, pero sí parece pertenecer a una historia diferente.

La constelacion del perro no es el gran espectáculo de ciencia ficción que algunos espectadores podrían esperar de Ridley Scott. Y probablemente sea mejor así.

La película funciona cuando se concentra en sus personajes, en la soledad de Hig, en la relación con Bangley, en la conexión con Cima y en la necesidad de encontrar algún motivo para continuar viviendo después del fin del mundo.

Su ritmo pausado puede resultar frustrante en determinados momentos, y el cambio tonal del tercer acto no termina de convencer. Los Reapers, además, son una oportunidad desaprovechada para construir unos antagonistas más memorables.

Pero hay mucho que admirar: un reparto sólido, una fotografía espectacular, una atmósfera perfectamente conseguida y un Ridley Scott que demuestra que todavía puede encontrar nuevas formas de aproximarse a géneros que conoce perfectamente.

La constelacion del perro habla menos del apocalipsis que de lo que queda de nosotros cuando todo lo demás desaparece.

No es una obra maestra, pero sí una película con personalidad, capaz de combinar belleza, violencia y melancolía en un relato posapocalíptico más humano de lo habitual.

Valoracion: ⭐⭐⭐½ (3,5 estrellas de 5)

Crítica de Spider-man: Brand new day (2026)

noreply@blogger.com (claqueta y series) — Thu, 30 Jul 2026 16:27:11 +0000

Marvel encuentra el equilibrio perfecto entre emoción y espectáculo

Después de varios años apostando por el multiverso y los grandes eventos, Marvel Studios da un paso en la dirección correcta con Spider-Man: Brand New Day, una película que devuelve el protagonismo absoluto a Peter Parker y demuestra que las mejores historias del trepamuros siguen siendo aquellas donde el héroe y la persona pesan lo mismo.

Tras los acontecimientos de Spider-Man: No Way Home, Peter vive completamente solo. Nadie recuerda quién es y debe reconstruir su vida desde cero mientras continúa patrullando las calles de Nueva York. Este punto de partida funciona como un auténtico renacimiento para el personaje, permitiendo que la historia recupere la esencia clásica de Spider-Man sin necesidad de borrar la continuidad del Universo Cinematográfico de Marvel.

El director Destin Daniel Cretton imprime una personalidad visual que se echaba de menos en las últimas producciones del estudio. La película posee una puesta en escena mucho más cuidada, una fotografía con mayor carácter y una planificación que evita la sensación de artificialidad que ha acompañado a varias entregas recientes del MCU. Nueva York vuelve a sentirse como un personaje más de la historia y no como un simple escenario generado por ordenador.

Tom Holland vuelve a demostrar por qué sigue siendo el Spider-Man de toda una generación. Su interpretación combina perfectamente el humor, la vulnerabilidad y el peso de la responsabilidad que siempre ha definido a Peter Parker. Aunque el actor ya ha alcanzado una edad más madura, consigue transmitir la evolución natural del personaje, preparando el terreno para una versión más adulta del héroe sin perder su esencia.

Uno de los mayores aciertos del guion es que no convierte la nostalgia en el principal motor de la película. En lugar de vivir de referencias constantes al pasado, Brand New Day apuesta por hablar sobre el crecimiento personal, la pérdida, la soledad y la dificultad de seguir adelante cuando la vida cambia para siempre. Son conflictos que enriquecen al personaje y aportan una dimensión emocional que durante años había quedado eclipsada por el espectáculo.

Las conexiones con el resto del universo Marvel están mucho mejor integradas que en otras producciones recientes. Los personajes invitados aparecen porque la historia los necesita y no como simples cameos diseñados para provocar aplausos. Especialmente destacable resulta la participación de The Punisher, cuya personalidad violenta y directa genera un contraste muy entretenido con el optimismo de Spider-Man, dejando algunos de los momentos más memorables de la película.

Las escenas de acción mantienen un gran nivel durante todo el metraje. Cretton apuesta por secuencias más dinámicas, creativas y fáciles de seguir, alejándose del exceso de efectos digitales que había restado impacto a otras entregas del estudio. Cada enfrentamiento tiene identidad propia y aprovecha al máximo las habilidades del héroe.

Sin embargo, la película no está exenta de problemas. El guion intenta desarrollar demasiadas líneas argumentales al mismo tiempo y algunas quedan abiertas o se resuelven con excesiva rapidez. También hay decisiones narrativas que evitan llevar determinadas consecuencias hasta sus últimas consecuencias, dejando la sensación de que Marvel sigue siendo demasiado conservadora cuando llega el momento de hacer sufrir realmente a sus protagonistas.

Aun así, estos pequeños tropiezos no empañan una película que recupera gran parte del encanto perdido del Universo Cinematográfico de Marvel. Spider-Man: Brand New Day no pretende reinventar el género, pero sí recordar por qué Peter Parker continúa siendo uno de los superhéroes más queridos de todos los tiempos.

Quizá no alcance la grandeza de Spider-Man 2 de Sam Raimi, ni la espectacularidad emocional de No Way Home, pero sí consigue convertirse en la mejor aventura en solitario del personaje desde Spider-Man: Homecoming. Lo más importante es que vuelve a dejar al espectador con ganas de acompañar a Peter Parker en su siguiente capítulo, algo que pocas películas recientes del MCU habían conseguido.

Valoracion: ⭐⭐⭐⭐☆ 4/5

La Odisea (The Odyssey)

noreply@blogger.com (claqueta y series) — Fri, 17 Jul 2026 14:53:18 +0000

Christopher Nolan convierte La Odisea en un espectáculo cinematográfico monumental que redefine el concepto de épica

Hay películas que se autodenominan "épicas", pero muy pocas merecen realmente ese calificativo. La Odisea, dirigida por Christopher Nolan, no solo adapta uno de los relatos más influyentes de la literatura universal, sino que lo transforma en una experiencia cinematográfica de una escala pocas veces vista. Tras el éxito de Oppenheimer, el cineasta británico vuelve a demostrar que su ambición no conoce límites, ofreciendo una obra colosal que deslumbra tanto por su espectacularidad visual como por la profundidad de su narrativa.

Basándose en el inmortal poema de Homero, Nolan construye una aventura que combina mitología, acción, drama humano y reflexión filosófica. El viaje de Odiseo no es únicamente una travesía repleta de monstruos, dioses y peligros imposibles; también es la historia de un hombre marcado por la guerra, perseguido por sus errores y obsesionado con regresar al hogar que dejó atrás dos décadas antes.

Matt Damon ofrece una de las interpretaciones más sólidas de su carrera dando vida a un Odiseo complejo y profundamente humano. Lejos del héroe perfecto, el personaje es brillante e ingenioso, pero también orgulloso, impulsivo y capaz de tomar decisiones que desencadenan terribles consecuencias.

Esa dualidad convierte su viaje en una experiencia emocional tan poderosa como el espectáculo visual que la acompaña.

El reparto está sencillamente extraordinario. Anne Hathaway emociona como Penélope, símbolo de resistencia, inteligencia y fidelidad frente a los pretendientes que consumen lentamente su reino. Tom Holland aporta sensibilidad y fuerza interpretativa como Telémaco, un joven que crece buscando desesperadamente al padre que apenas recuerda. Robert Pattinson se convierte en un antagonista fascinante dando vida al manipulador Antínoo, mientras que Zendaya aporta una presencia magnética como Atenea, cuya intervención resulta tan sutil como decisiva.

Entre los secundarios también brillan Samantha Morton como la inquietante Circe, Lupita Nyong'o en un doble papel memorable, Jon Bernthal, Charlize Theron, Elliot Page, Himesh Patel y John Leguizamo, completando un reparto coral que mantiene un altísimo nivel durante toda la película.

Narrativamente, Nolan respeta la esencia del poema clásico mientras reorganiza los acontecimientos mediante flashbacks y cambios temporales que enriquecen la historia sin perder claridad. La película comienza con Ítaca esperando el regreso de su rey y, desde ahí, reconstruye el largo viaje de Odiseo tras la caída de Troya, explorando episodios tan icónicos como el Caballo de Troya, el Cíclope, las Sirenas, la hechicera Circe, Calipso y la constante influencia de los dioses sobre el destino de los hombres.

Sin embargo, el mayor acierto del director es utilizar toda esa mitología para hablar de temas profundamente actuales: el trauma de la guerra, la culpa, el liderazgo, el sacrificio, el peso de las decisiones y la eterna búsqueda de un lugar al que llamar hogar. Bajo la aventura fantástica late un poderoso drama humano que conecta con el espectador mucho más allá del espectáculo.

Visualmente, La Odisea es una auténtica maravilla. Rodada íntegramente en formato IMAX de 70 mm bajo la fotografía del siempre brillante Hoyte van Hoytema, cada plano transmite una sensación de inmensidad difícil de describir. Los paisajes naturales de Grecia, Italia, Islandia, Malta, Marruecos y Escocia se convierten en escenarios casi míticos gracias al uso de localizaciones reales y a la apuesta de Nolan por los efectos prácticos frente al abuso del CGI.

El resultado es una película con una presencia física extraordinaria, donde el océano, las tormentas, los monstruos y los templos parecen existir realmente delante del espectador. La combinación de fotografía, sonido, música y diseño de producción crea una inmersión pocas veces alcanzada en el cine contemporáneo.

Pese a su extensa duración, cercana a las tres horas, el ritmo nunca decae. Nolan demuestra un dominio absoluto de la narración, alternando secuencias de enorme tensión con momentos íntimos donde los personajes evolucionan emocionalmente. La película mantiene constantemente el equilibrio entre el gran espectáculo y el desarrollo psicológico de sus protagonistas.

La Odisea confirma una vez más que Christopher Nolan pertenece a ese reducido grupo de directores capaces de convertir cada proyecto en un acontecimiento cinematográfico. No se limita a adaptar un clásico; consigue revitalizarlo para una nueva generación sin perder la esencia que convirtió la obra de Homero en uno de los pilares de la literatura occidental.

Estamos ante una superproducción que impresiona por su escala, emociona por sus personajes y deslumbra por su impecable factura técnica. Una experiencia pensada para disfrutarse en la pantalla más grande posible, donde cada imagen alcanza toda su dimensión.

La Odisea no solo hace honor a su nombre; redefine lo que significa realizar una auténtica epopeya cinematográfica. Una obra monumental, emocionante y visualmente arrebatadora que confirma a Christopher Nolan como uno de los grandes maestros del cine contemporáneo. Imprescindible.

Valoracion:⭐⭐⭐⭐⭐ (de 5)

Obsesion (Obsession)

noreply@blogger.com (claqueta y series) — Sat, 27 Jun 2026 10:00:00 +0000

Obsesion: el amor convertido en pesadilla en uno de los thrillers psicológicos más inquietantes del año.

¿Qué ocurriría si pudieras conseguir el amor de la persona que deseas... pero el precio fuera perderla para siempre? Esa es la perturbadora premisa de Obsesion, la nueva película de Curry Barker, un thriller de terror psicológico que transforma una historia romántica aparentemente inocente en una experiencia sobrenatural tan angustiosa como emocionalmente devastadora.

Desde sus primeros minutos, la película juega con las expectativas del espectador. Lo que parece una historia sobre la soledad y el deseo de ser amado acaba derivando en una reflexión oscura sobre la dependencia emocional, la obsesión y las consecuencias de intentar controlar los sentimientos de otra persona.

La historia gira en torno a Bear (Michael Johnston), un joven tímido e inseguro que vive consumido por su incapacidad para conectar con quienes le rodean. Convencido de que el amor de Nikki (Inde Navarrette) llenará el vacío que arrastra desde hace años, toma una decisión desesperada: pedir un deseo para que ella se enamore perdidamente de él.

Lo que en un principio parece un sueño hecho realidad pronto revela su auténtico rostro.

El deseo altera la realidad de una forma aterradora. Nikki desarrolla una dependencia absoluta hacia Bear, hasta el punto de ser incapaz de existir emocionalmente sin él. Su afecto deja de ser una expresión de amor para convertirse en una necesidad enfermiza, una presencia constante que asfixia cualquier espacio de libertad. Cada intento de separación desencadena episodios de angustia cada vez más extremos, transformando la relación en una prisión de la que ninguno de los dos parece poder escapar.

Curry Barker aborda esta premisa con una sorprendente madurez. Más que un relato sobrenatural, Obsesion funciona como una metáfora sobre las relaciones tóxicas, la codependencia y el egoísmo que puede esconderse detrás de algunos deseos aparentemente inocentes. El verdadero monstruo no surge de una criatura paranormal, sino del momento en que el amor pierde toda libertad y se convierte en una necesidad absoluta.

Uno de los mayores aciertos del filme es mostrar el progresivo derrumbe emocional de Bear. Al principio interpreta la devoción incondicional de Nikki como la felicidad que siempre había buscado. Sin embargo, a medida que esa dependencia se vuelve más intensa, comprende que ha quedado atrapado en la misma fantasía que él mismo creó.

Sus amistades comienzan a alejarse, incapaces de comprender el comportamiento cada vez más inquietante de Nikki y la incapacidad de Bear para detener una situación que se le ha ido completamente de las manos. La culpa, el aislamiento y el miedo terminan consumiendo a un protagonista que descubre demasiado tarde que algunos deseos jamás deberían cumplirse.

Michael Johnston transmite con enorme credibilidad esa mezcla de satisfacción inicial y desesperación creciente, mientras que Inde Navarrette ofrece una interpretación especialmente perturbadora. Su transformación resulta inquietante precisamente porque evita los excesos habituales del género. Nikki no necesita convertirse inmediatamente en una amenaza física para provocar miedo; basta con observar la angustia que refleja su rostro cada vez que Bear intenta alejarse de ella para comprender que algo profundamente antinatural está ocurriendo.

Visualmente, Barker construye una atmósfera opresiva que acompaña perfectamente el deterioro psicológico de los personajes. Los interiores cerrados, la iluminación tenue y una fotografía cargada de sombras crean una sensación permanente de incomodidad. La cámara utiliza primeros planos muy cerrados y encuadres asfixiantes que transmiten la pérdida progresiva de libertad de ambos protagonistas.

El apartado sonoro también juega un papel fundamental. Los silencios prolongados, las respiraciones forzadas y pequeños susurros apenas perceptibles convierten escenas aparentemente cotidianas en momentos cargados de una tensión insoportable. La película entiende que el terror psicológico nace muchas veces de aquello que no vemos, sino de lo que intuimos.

Lejos de recurrir únicamente a sustos fáciles o a la violencia explícita, Obsesion apuesta por un horror mucho más emocional. La verdadera angustia surge al contemplar cómo una relación basada en el afecto acaba transformándose en una dependencia enfermiza donde el amor deja de ser un acto libre para convertirse en una condena.

Aunque algunos pasajes centrales podrían haber ganado fuerza con un ritmo algo más ágil, Barker mantiene el interés gracias a una puesta en escena elegante y una evolución constante de la tensión. Cuando la historia alcanza su desenlace, el espectador no solo queda impactado por los elementos sobrenaturales, sino también por la amarga reflexión que plantea sobre los límites del deseo y la necesidad de aceptar que el amor nunca puede imponerse.

Valoracion: ⭐⭐⭐⭐☆ 4/5

El dia de la revelacion (Disclosure Day)

noreply@blogger.com (claqueta y series) — Sat, 13 Jun 2026 10:00:00 +0000

El dia de la revelacion: Spielberg vuelve a mirar a las estrellas con un thriller de ciencia ficción tan espectacular como emocionante

Casi cincuenta años después de revolucionar la ciencia ficción con Encuentros en la tercera fase, Steven Spielberg regresa al terreno que mejor conoce con Disclosure Day, una ambiciosa mezcla de thriller conspirativo, misterio extraterrestre y aventura que demuestra que el director sigue teniendo un talento excepcional para convertir lo desconocido en un espectáculo profundamente humano.

Lejos de ser una secuela directa de aquel clásico de 1977, la película funciona como una heredera espiritual de sus grandes historias sobre el contacto con otras formas de vida. En ella vuelven a estar presentes los temas que han acompañado al cineasta durante décadas: la fascinación por el universo, la esperanza, la empatía y la eterna pregunta de si realmente estamos solos.

Tras el tono íntimo y autobiográfico de The Fabelmans (2022), Spielberg encontró una nueva fuente de inspiración en las audiencias celebradas por el Congreso de Estados Unidos sobre los denominados Fenómenos Anómalos No Identificados (UAP). A partir de esa premisa desarrolló una historia que posteriormente escribió junto a David Koepp, colaborador habitual del director en títulos tan emblemáticos como Jurassic Park, La guerra de los mundos o Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal.

La trama sigue dos historias que terminan convergiendo de forma inesperada.

Por un lado está Daniel Kellner (Josh O'Connor), un brillante especialista en ciberseguridad que huye de WARDEX, una poderosa organización privada estrechamente vinculada al Departamento de Defensa estadounidense. Daniel posee varios discos duros con información altamente confidencial y un misterioso artefacto de origen extraterrestre que podría cambiar el destino de la humanidad. Su persecución desencadena una carrera contrarreloj en la que la corporación está dispuesta a eliminar cualquier obstáculo para recuperar aquello que considera suyo.

En paralelo conocemos a Margaret Fairchild (Emily Blunt), una meteoróloga de una cadena local de Kansas City que aspira a convertirse en presentadora principal del informativo. Su vida cambia radicalmente tras un extraño encuentro con un cardenal que entra en su apartamento. A partir de ese instante comienza a experimentar fenómenos imposibles: habla en ruso sin ser consciente de ello, parece leer la mente de las personas y, durante una retransmisión en directo, emite sonidos incomprensibles que parecen pertenecer a un lenguaje desconocido.

Aunque ambos protagonistas no se conocen, una fuerza que escapa a toda explicación parece conducirlos hacia el mismo destino. El único que parece comprender lo que realmente ocurre es Hugo Wakefield (Colman Domingo), antiguo miembro de WARDEX y decidido a revelar al mundo el enorme secreto que Daniel lleva consigo.

En esencia, El dia de la revelacion es una gigantesca película de persecuciones. Durante buena parte de sus casi dos horas y media de duración, los protagonistas no dejan de escapar mientras intentan descubrir la verdad antes de que sea demasiado tarde. El guion se permite algunas licencias para mantener la tensión constante, pero el extraordinario pulso narrativo de Spielberg hace que el espectador acepte el juego sin apenas cuestionarlo.

Uno de los momentos más memorables llega con una espectacular secuencia de acción que involucra dos vehículos, un atacante armado y dos trenes lanzados a toda velocidad. Spielberg vuelve a demostrar por qué sigue siendo uno de los mejores directores de escenas de acción del cine contemporáneo, construyendo una secuencia tan emocionante como perfectamente coreografiada.

Emily Blunt ofrece una interpretación llena de sensibilidad y carisma en su primera colaboración con Spielberg. Su personaje no responde al modelo clásico de heroína de acción; es una mujer guiada por una intuición que ni ella misma logra comprender, convirtiéndose en el corazón emocional de la película.

Josh O'Connor confirma, una vez más, que atraviesa uno de los mejores momentos de su carrera. Después de trabajos tan destacados como Challengers, construye un protagonista cercano, vulnerable y creíble, incluso cuando la historia adquiere dimensiones extraordinarias.

Entre los secundarios destaca especialmente Eve Hewson como Jane, pareja de Daniel. Su personaje aporta una interesante reflexión moral sobre si toda la información debería salir siempre a la luz, especialmente cuando el mundo atraviesa un momento de enorme tensión política y militar.

Como es habitual en el cine de Spielberg, el apartado técnico resulta impecable. La fotografía de Janusz Kamiński vuelve a inundar la pantalla de luz y misterio, mientras el diseño de producción crea escenarios que oscilan entre lo cotidiano y lo extraordinario con absoluta naturalidad. A ello se suma el esperado regreso de John Williams, quien abandona temporalmente su retirada para firmar una partitura que acompaña perfectamente la aventura sin caer en el exceso de nostalgia.

Aunque algunos espectadores podrán encontrar lecturas políticas relacionadas con el tratamiento de determinados colectivos o con la transparencia gubernamental, el dia de la revelacion nunca pretende convertirse en un discurso ideológico. Su verdadera intención es recuperar el gran cine de entretenimiento adulto, ese capaz de combinar espectáculo, emoción y reflexión sin perder nunca el sentido de la aventura.

Es cierto que el desenlace exige al espectador aceptar algunos giros difíciles de justificar y que determinadas resoluciones pueden resultar algo exageradas. Sin embargo, el viaje merece completamente la pena gracias a un ritmo impecable, personajes carismáticos y una dirección que vuelve a recordar por qué Steven Spielberg continúa siendo uno de los grandes narradores de la historia del cine.

Valoracion:⭐⭐⭐⭐☆ 4/5

Backrooms

noreply@blogger.com (claqueta y series) — Sat, 06 Jun 2026 10:00:00 +0000

Backrooms: cuando el terror liminal da el salto definitivo al cine de la mano de Kane Parsons

Lo que comenzó como una inquietante leyenda de internet inspirada en una simple imagen se ha convertido en una de las propuestas de terror más originales de los últimos años. Con Backrooms, el joven cineasta Kane Parsons demuestra que su talento va mucho más allá de YouTube, firmando una película que transforma el miedo a los espacios vacíos en una experiencia cinematográfica tan perturbadora como emocional.

Kane Parsons pasó de ser un creador de contenido especializado en terror analógico a convertirse en un director con un enorme futuro por delante. Tras el éxito viral de sus cortometrajes realizados con Blender, donde exploraba el inquietante universo de los Backrooms mediante un falso metraje encontrado, el fenómeno llamó la atención de A24, que decidió llevar aquella inquietante idea a la gran pantalla.

La película arranca con una intensa secuencia en primera persona en la que un empleado de la empresa Async se encuentra atrapado en el interminable laberinto de pasillos amarillentos. Mientras intenta escapar de una presencia invisible que lo acecha, la grabación termina abruptamente entre interferencias, estableciendo desde el primer minuto un ambiente de inquietud constante.

La historia se traslada después a 1990 para presentar a Clark, interpretado con enorme solvencia por Chiwetel Ejiofor. Antiguo arquitecto y ahora propietario de una modesta tienda de muebles, atraviesa uno de los peores momentos de su vida. Las deudas se acumulan, el negocio apenas sobrevive y su matrimonio ha terminado debido a sus problemas con el alcohol y el control de la ira.

En busca de ayuda psicológica, Clark acude regularmente a Mary, una terapeuta interpretada por Renate Reinsve. Sin embargo, ella también arrastra profundas heridas emocionales relacionadas con una infancia marcada por la enfermedad mental de su madre y una vida dominada por el aislamiento.

Todo cambia cuando Clark descubre accidentalmente una grieta en la realidad escondida tras una pared de su tienda. Al atravesarla, queda atrapado en los Backrooms: un universo infinito formado por oficinas desiertas, moquetas húmedas, luces fluorescentes interminables y una arquitectura imposible de comprender. Cuando Mary recibe un inquietante mensaje de voz que parece confirmar la desaparición definitiva de su paciente, decide adentrarse en ese lugar imposible para intentar encontrarlo, sin imaginar el horror que la espera.

Uno de los mayores aciertos de la película reside en su recreación visual de la década de los noventa. Los tonos marrones, la madera que invade cada estancia y una decoración deliberadamente anticuada transmiten una sensación de incomodidad constante. Incluso el mundo exterior parece ligeramente artificial, como si la propia realidad estuviera deformándose poco a poco ante los ojos del espectador.

Parsons utiliza estos escenarios liminales no solo para provocar miedo, sino también para representar el estado psicológico de sus protagonistas. Clark encuentra cierta lógica dentro del caos infinito de los Backrooms, una metáfora de la prisión mental en la que lleva años encerrado. Mary, por el contrario, revive constantemente los recuerdos de su infancia junto a una madre con graves problemas mentales, convirtiendo el espacio cerrado en una extensión de sus propios traumas.

La película apuesta claramente por el terror psicológico, una tendencia cada vez más habitual en el género durante la última década. Aunque esta aproximación aporta mayor profundidad a los personajes, en algunos momentos la historia parece sobreexplicar conflictos emocionales que quizá no necesitaban ocupar tanto espacio. El propio misterio de los Backrooms y el desconcierto que generan sus criaturas ya resultan suficientemente inquietantes para sostener la narración.

Existe además una pequeña subtrama relacionada con el personaje interpretado por Mark Duplass que funciona más como un guiño para los seguidores del universo expandido que como un elemento realmente importante para la historia principal. Su presencia resulta interesante para quienes conocen el fenómeno original, aunque apenas modifica el desarrollo de la trama.

Donde Kane Parsons demuestra todo su talento es en las secuencias rodadas desde la perspectiva subjetiva. Estas escenas recuperan la esencia de los cortometrajes que lo hicieron famoso y consiguen transmitir una tensión extraordinaria. La sensación de ser perseguido por una amenaza imposible de comprender conecta directamente con uno de los miedos más primitivos del ser humano y mantiene al espectador completamente atrapado.

Sin entrar en detalles que puedan estropear la experiencia, las criaturas que habitan este universo destacan por un diseño visual profundamente perturbador. Más que mostrar monstruos tradicionales, Parsons apuesta por figuras deformes y antinaturales cuya sola presencia genera incomodidad. Es uno de los aspectos más memorables de la película y deja claro que todavía existe mucho potencial para futuras entregas.

Como debut cinematográfico de gran presupuesto, Backrooms supone un logro notable para un director tan joven como Kane Parsons. La película construye una atmósfera opresiva, inquietante y absorbente, apostando por un ritmo pausado que prioriza la tensión sobre los sobresaltos fáciles.

Quienes esperen una sucesión constante de sustos probablemente encuentren una propuesta diferente a sus expectativas. Sin embargo, aquellos que disfruten del terror atmosférico, del misterio y de las historias que juegan con la percepción de la realidad descubrirán una obra mucho más madura de lo que cabría esperar de una adaptación nacida en internet.

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Con este prometedor comienzo, todo apunta a que A24 ha encontrado una nueva franquicia de terror con un enorme recorrido por delante. Si las futuras secuelas consiguen potenciar aquello que hace especial a esta primera entrega —su atmósfera, su sensación de aislamiento y el terror a lo desconocido—, estaremos ante una de las sagas más interesantes del género en los próximos años.

Valoracion: ★★★½☆

Critica de La maldicion de Shelby Oaks (2025)

noreply@blogger.com (claqueta y series) — Fri, 20 Feb 2026 21:00:00 +0000

Una mujer perdida y metraje encontrado

La búsqueda de una persona desaparecida se convierte en una experiencia macabra y desconcertante en este debut de terror, tan inquietante como deudor de fórmulas ya conocidas.

Trece años después de la desaparición de su hermana Riley, Mia Brennan (Camille Sullivan) descubre unas cintas de vídeo que podrían revelar, por fin, qué ocurrió en el pueblo abandonado de Shelby Oaks.

Así arranca el debut como director del youtuber y crítico Chris Stuckmann, siguiendo la estela de creadores digitales que han saltado al cine de terror.

La película brilla especialmente en su arranque pseudo-documental. Recrea con acierto la estética del YouTube de finales de los 2000 —presentaciones exageradas, comentarios tóxicos y espíritu amateur— y consigue generar una inquietud creciente a base de planos sostenidos y repeticiones perturbadoras. En esta parte, el misterio atrapa con fuerza.

Cuando evoluciona hacia un enfoque más convencional y al found footage, el filme mantiene sustos efectivos (principalmente jump scares bien construidos) y destaca en secuencias concretas, como la inquietante visita a la prisión y el tramo en el bosque. Sin embargo, el guion deja a Mia como un personaje poco desarrollado y demasiado reactivo, lastrado además por decisiones típicas y poco inteligentes del género. Aun así, Sullivan sostiene el peso emocional con solvencia.

El último acto es su punto más débil: una mezcla de ideas derivativas que diluyen la tensión y restan personalidad al conjunto.

Con todo, Shelby Oaks funciona como carta de presentación: un debut prometedor, con una atmósfera inquietante y una nostalgia generacional que engancha, aunque tropiece en su recta final. Ideal para amantes del terror indie con sabor a misterio digital.

Valoracion: ⭐⭐⭐(de 5)

Critica Frankenstein (2025)

noreply@blogger.com (claqueta y series) — Fri, 07 Nov 2025 20:00:00 +0000

“Frankenstein”, de Guillermo del Toro: el monstruo más humano del cine.

Guillermo del Toro lleva años refiriéndose a Frankenstein como su “Everest”, la cima creativa que siempre soñó escalar. Tras décadas de preparación —él mismo ha dicho que cada una de sus películas era un ensayo para llegar a esta—, el cineasta mexicano por fin logra su propósito con el apoyo de Netflix, un presupuesto de 120 millones de dólares y seis meses de rodaje.

El resultado es todo lo que cabía esperar de su autor: un espectáculo visual apabullante, narrativamente ambicioso y profundamente humano. Su versión del mito de Mary Shelley no busca el horror, sino la compasión. Aquí el relato no termina en violencia, sino en una catarsis de reconciliación que rescata el sentido más puro del texto original.

El filme abre con un tropiezo: una secuencia de acción excesiva en las heladas tierras del norte. Allí, el capitán Anderson (Lars Mikkelsen), al mando de una expedición en busca de una nueva ruta comercial, encuentra entre los témpanos a un hombre moribundo: el doctor Victor Frankenstein (un formidable y gélido Oscar Isaac). Poco después, la tripulación es atacada por una criatura deformada y de fuerza sobrehumana (Jacob Elordi), decidida a acabar con el científico.

A salvo en el barco, Frankenstein narra su historia. Del Toro respeta la estructura esencial de Shelley, pero la enriquece con nuevas capas y giros narrativos. La película ahonda en el pasado del protagonista, marcado por la muerte temprana de su madre (Mia Goth) y la exigencia de su padre, Leopold (Charles Dance), un cirujano que le inculca una obsesión enfermiza por la perfección. El joven Victor acabará superando al maestro, decidido a derrotar a la muerte misma.

Expulsado del ámbito académico por sus ideas heréticas, encuentra apoyo en Harlander (Christoph Waltz), un magnate de la industria armamentística que financia sus experimentos. En un torreón abandonado, Victor se entrega a su labor con un fervor casi religioso, hasta que la visita de su hermano William (Felix Kammerer) y su prometida Elizabeth (también interpretada por Goth) amenaza con distraerlo.

Durante la primera hora, Del Toro se detiene en construir un mundo moralmente decadente y materialmente exuberante. La dirección artística de Tamara Deverell es un festín gótico: un equilibrio entre la pompa aristocrática del siglo XIX y la sordidez de un laboratorio convertido en osario. Cada decorado parece diseñado para ser fotografiado, con un nivel de detalle que hace que cualquier efecto digital palidezca.

Las secuencias dedicadas a la creación del monstruo son de las más potentes del filme. Frankenstein cose, ensambla y recompone cuerpos extraídos del campo de batalla con una precisión quirúrgica que resulta más fascinante que grotesca. Del Toro muestra a su científico como un artista en pleno trance creativo, convencido de que está esculpiendo la inmortalidad.

Cuando la criatura finalmente cobra vida, el relato se transforma. Al principio, Victor se comporta como un padre orgulloso, hasta que la decepción y el horror se imponen. Es Elizabeth quien ve humanidad donde otros solo ven deformidad, y en su breve ternura reside el corazón emocional de la película. Jacob Elordi logra un trabajo notable: su criatura no es un monstruo, sino un niño perdido, de mirada inocente y torpe curiosidad, cuya tragedia será descubrir la crueldad del mundo que lo rechaza.

La segunda mitad sigue al ser en su búsqueda de pertenencia. Rechazado por todos, encuentra refugio en una cabaña donde vive un anciano ciego con su familia, de quienes aprende el lenguaje y el afecto. Pero cuando es descubierto, el miedo lo condena otra vez al exilio. Desesperado, regresa a Frankenstein para suplicarle que le cree una compañera, un acto que solo puede conducir al desastre.

Pese a sus dos horas y media de duración, la película mantiene un ritmo sostenido gracias a la armonía entre todos sus elementos: la fotografía atmosférica de Dan Laustsen, el diseño de producción monumental de Deverell, la música de Alexandre Desplat y la dirección apasionada de Del Toro. Todo encaja como un mecanismo de relojería gótica.

Algunos puristas podrán objetar los desvíos respecto al texto de Shelley, pero Del Toro no traiciona el espíritu del original. Más bien lo amplifica. Toma influencias de James Whale, de La novia de Frankenstein, de la estética Hammer y del arte de Bernie Wrightson, para fundirlas en una obra que, lejos de parecer un collage, respira coherencia y devoción.

El resultado es una película majestuosa, introspectiva y conmovedora, que invita a revisarla más de una vez para descubrir sus múltiples capas. Como su protagonista, Del Toro ha ensamblado diversas piezas para dar vida a algo nuevo. Pero, a diferencia del científico, su creación no es un monstruo, sino una obra maestra.

Valoracion: ⭐⭐⭐⭐⭐( de 5 )

Critica de No other choice (2025)

noreply@blogger.com (claqueta y series) — Tue, 14 Oct 2025 11:00:00 +0000

Familia, trabajo y caos: la farsa negra de Park Chan-wook

58.º Sitges Film Festival 2025 – Crítica

Nunca presumas de tenerlo todo. El destino tiene un sentido del humor demasiado retorcido. Hoy disfrutas de una cena familiar perfecta; mañana te echan tras veinticinco años de lealtad a una empresa que ya no necesita humanos, solo máquinas. En No Other Choice, Park Chan-wook toma esta premisa devastadora y la convierte en una tragicomedia feroz sobre la desesperación laboral, la masculinidad herida y el absurdo de un sistema que te empuja a perder la cabeza —o a cortarla.

Basada en la novela The Ax de Donald E. Westlake, la película traslada la historia al contexto surcoreano y sigue a Man-soo (Lee Byung-hun), un hombre de familia que ve desmoronarse su existencia cuando su industria —la del papel— comienza a extinguirse. Su talento, otrora valioso, se vuelve inútil. Su orgullo, una carga. Y su amor por los suyos, una justificación para lo impensable. En su cruzada por recuperar el control, Man-soo descubre que la línea entre la necesidad y la locura puede ser tan fina como una hoja recién impresa.

Park, junto a sus guionistas Lee Kyoung-mi, Jahye Lee y Don McKellar, disecciona con ironía quirúrgica la ansiedad del hombre moderno. Cada escena empuja a Man-soo un paso más allá de la cordura: mendigando trabajo de rodillas en un baño, mintiendo a su esposa sobre dónde pasa las noches, o contemplando el asesinato como una estrategia de supervivencia. Lo inquietante —y lo brillante— es que todo se desarrolla con un tono de comedia negra, como si el horror cotidiano se diluyera en una carcajada nerviosa.

Lee Byung-hun ofrece una interpretación magistral, lejos del héroe implacable que suele encarnar. Su Man-soo es patético y entrañable a la vez, un hombre común que se ahoga en el propio barro que intenta escalar. Su esposa, interpretada con sutileza por Son Ye-jin, aporta una mirada de incredulidad y agotamiento que ancla el relato en la realidad: mientras él se degrada, ella se reinventa. Su regreso al trabajo —al que había renunciado por él— simboliza una inversión de roles tan natural como dolorosa.

Park orquesta esta tragedia con ritmo preciso y un humor que recuerda a sus mejores obras, pero también con una madurez diferente. Aquí no hay estilización gratuita ni violencia operática: todo se siente contenido, casi doméstico, como si la desesperación pudiera ser un electrodoméstico más en la casa. La puesta en escena, llena de simetrías y encuadres opresivos, convierte cada entrevista laboral en un campo de batalla silencioso.

Los “rivales” de Man-soo —interpretados por Park Hee-soon, Lee Sung-min y Cha Seung-won— son espejos distorsionados del protagonista: hombres que podrían ser él en otro contexto, víctimas del mismo engranaje que tritura vidas y dignidades. La sátira funciona porque el espectador, en el fondo, comprende su desesperación. El capitalismo tardío que retrata Park no necesita monstruos: basta con padres de familia arrinconados por la obsolescencia.

La película encuentra su fuerza en esa ambigüedad. Nos reímos de Man-soo, pero también nos duele su caída. Queremos que pare, pero seguimos mirando. Park juega con esa incomodidad con maestría, alternando momentos de tensión absurda, torpeza criminal y ternura doméstica. Incluso cuando el guion se permite algún giro redundante, la dirección mantiene un equilibrio perfecto entre sátira y tragedia.

No Other Choice es una fábula negra sobre la crueldad de la estabilidad perdida. Una comedia moral en la que la risa se atasca en la garganta. La nueva película de Park Chan-wook confirma que el autor de Oldboy y Decision to Leave sigue explorando los límites de lo humano, ahora con menos sangre pero con más vértigo existencial. Al final, Man-soo no es un monstruo. Es todos nosotros, buscando sentido en un mundo que ya no tiene sitio para los que trabajan demasiado.

Valoracion: ⭐⭐⭐⭐( de 5 )

Critica de Honey Bunch (2025)

noreply@blogger.com (claqueta y series) — Mon, 13 Oct 2025 21:00:00 +0000

Un amor que huele a formol: la dulce pesadilla de Honey Bunch

58.º Sitges Film Festival 2025

Honey Bunch llega como una fábula gótica prometedora, pero a lo largo del metraje va perdiendo el azúcar de la sorpresa hasta quedar en un eco disonante. El filme de Madeleine Sims-Fewer y Dusty Mancinelli alterna belleza visual con un giro narrativo que no siempre convence.

La historia arranca con potencia: una mujer enferma y un hombre melancólico caminan hacia el mar, y luego todo guarda una extrañeza melancólica que va desdoblándose. La mujer, Diana (Grace Glowicki), sufre un trauma cerebral tras un accidente y tiene una pérdida masiva de memoria. Su esposo, Homer, decide mudarse con ella a una mansión aislada para someterla a tratamientos experimentales liderados por Farah (Kate Dickie). Pero pronto la línea entre terapia, control y paranoia se difumina, y Diana empieza a sospechar que lo que vive no es todo lo que parece.

En su primer tramo, Honey Bunch construye con pulso esa tensión gótica: la atmósfera opresiva del sanatorio, los pasillos húmedos, las sombras que se extienden como frases no pronunciadas. La química entre Glowicki y Petrie ayuda: su vínculo parece verdadero, su comunicación se descompone con dolor. Las intervenciones curativas, las imágenes con luces estroboscópicas, los murmullos que emergen de la nada: todo contribuye a que el extraño se infiltre en lo cotidiano.

Pero el problema es que cuando el giro principal —ese gran “revelado” que la película llevaba cocinando— llega, la maquinaria interna se resiente. Lo que podría haber sido un golpe dramático se transforma en sátira involuntaria: las decisiones argumentales requieren saltos de fe que no están bien fundados. A partir de ese momento, Honey Bunch empieza a perder coherencia emocional, y la que era una trama fascinante se vuelve un collage de piezas que no acaban de encajar. Lo simbólico se vuelve forzado, el misterio se sobrecarga, el horror se siente más calculado que visceral.

La estética retro-setentera funciona como rescate visual. Los encuadres, los zooms dramáticos, las texturas gastadas y la simetría inquietante crean una apuesta estética romántica del malestar. Pero no basta con belleza: cuando el argumento cede, el contraste resalta su fragilidad.

Jason Isaacs, como Joseph (padre de otra paciente que aparece en escena), añade un contraste poderoso frente a Homer: su apertura, su candidez frente al silencio del protagonista, su modo de habitar ese mundo compartido refuerzan la atmósfera ambigua del filme. Pero ni su presencia puede sostener lo que el guion desmorona en el tramo final.

Honey Bunch es película de dos mitades: una primera, seductora y tensa, que promete más de lo que su segundo acto logra cumplir. El giro dramático la desinfla y convierte sus mejores elementos —el horror psicológico, el trauma, la memoria fragmentada— en notas sueltas. Es una obra visualmente elegante con ambición, pero que no encuentra del todo el pulso narrativo.

Valoracion:

⭐⭐( de 5 )

Critica de Si pudiera, te daria una patada (2025)

noreply@blogger.com (claqueta y series) — Mon, 13 Oct 2025 20:30:00 +0000

Si pudiera, te daría una patada: la ansiedad como parto inevitable

58.º Sitges Film Festival 2025

Si pudiera, te daría una patada no es simplemente una película sobre la maternidad: es un mapa de claustrofobia emocional y culpa convertido en metáfora corporal.El film de Mary Bronstein se adentra con ambición en los rincones más oscuros del instinto maternal, aunque a veces se enreda en su propia complejidad.

La película coloca a Linda (Rose Byrne) en el ojo de un huracán doméstico: una inundación, una hija que se desmorona alrededor de un trastorno alimenticio inexplicable, un matrimonio ausente y la sensación constante de que el juicio ajeno ya decidió su condena. Paralelamente, la misteriosa desaparición de una paciente con depresión posparto tiñe la narración de una preocupación siniestra, como si lo real y lo imaginado se alimentaran mutuamente hasta confundirse.

Bronstein dirige con una audacia que aplaudir: la cámara invade el espacio íntimo de Linda, casi respira con ella. Esa proximidad transforma gestos mínimos en detonantes; una toma prolongada, un respiración entrecortada, un silencio se vuelven golpes. El diseño de sonido —los llantos que se arrastran, el crujido doméstico, los silencios que parecen rugir— construye una presión constante que obliga al espectador a sentir la fatiga y la vergüenza en primera persona.

Rose Byrne carga con el peso dramático y lo hace con densidad: su Linda es una figura de dignidad exhausta, un volcán contenido que estalla en ráfagas. Danielle Macdonald, como contrapunto, ofrece una interpretación que apunta hacia lo metafórico sin renunciar a la humanidad de su personaje. Los secundarios, vistos siempre desde la óptica de Linda, se vuelven fragmentos que completan un paisaje social asfixiante.

Sin embargo, la película tropieza cuando su ambición formal deviene en su propia trampa. Bronstein mezcla lo simbólico y lo sobrenatural con lo doméstico hasta que la frontera entre ambos queda borrosa —a veces con riqueza metafórica, otras con una sensación de desorden. Las piezas oníricas y surrealistas —algunas brillantes, otras excesivas— desvían la atención del drama íntimo que, en su esencia, es lo que más duele y más interesa.

Hay secuencias memorables: una escena grotescamente cómica con un hámster animatrónico; un pasaje que roza lo corporalmente insoportable con una intensidad que sobresalta; instantes de silencio que pesan más que cualquier diálogo. La película sabe tensar la cuerda, aunque no siempre acierte en dónde soltarla.

Si pudiera, te daría una patada no busca consuelo: propone confrontación. Su mirada sobre la maternidad, la culpa y el juicio social es punzante y valiente, aunque la mezcolanza de tonos la haga flirtear con la sobrecarga simbólica. La pelicula funciona como un disparo emocional: no siempre certero, pero difícil de ignorar.

Valoracion: ⭐⭐⭐( de 5 )

Critica de Todos los males (2025)

noreply@blogger.com (claqueta y series) — Mon, 13 Oct 2025 14:00:00 +0000

Todos los males: cuando el silencio pesa más que la historia

58.º Sitges Film Festival 2025

El cine chileno ha sabido construir en los últimos años un lenguaje propio para explorar las grietas de la memoria y la identidad, pero en Todos los males, Nicolás Postiglione se queda atrapado entre la ambición estética y la tibieza emocional. Lo que promete ser un drama psicológico inquietante termina por diluirse en una puesta en escena impecable pero distante, donde la forma devora al fondo.

Ambientada en el sur de Chile, la película sigue a Daniel, un niño que tras la muerte de su madre es enviado a vivir con la familia alemana de su padre. En ese entorno de aparente calma, marcado por la rigidez y el silencio, una desaparición sacude el equilibrio y despierta sospechas que nunca terminan de resolverse. El problema no es la historia, sino cómo se cuenta: Postiglione construye un relato de secretos y represión, pero su ritmo contemplativo termina por aletargar cualquier tensión.

Visualmente, Todos los males es irreprochable. La fotografía captura la humedad del bosque, la melancolía de las casas antiguas, la luz filtrada entre las cortinas. Sin embargo, esa belleza termina asfixiando al relato, que nunca logra traspasar la superficie. Todo luce perfecto, pero vacío.

Las actuaciones se mueven en un registro contenido, casi anestesiado. Los personajes hablan poco, se miran mucho, pero el subtexto no siempre llega. La película parece pedir paciencia para revelar algo trascendente… que nunca termina de aparecer. Ni el misterio central ni el trasfondo emocional logran sostener el interés más allá de su estética de postal.

En su tramo final, Todos los males busca densidad simbólica, pero el desenlace se siente más impostado que revelador. Lo que podría haber sido un estudio sobre la hipocresía, la culpa o la herencia moral, se queda en una sucesión de imágenes que prometen más de lo que entregan.

Todos los males es cine de atmósfera, sí, pero de poca alma. Postiglione demuestra talento visual, aunque la emoción y el conflicto se le escapan entre las manos. Queda la sensación de una obra contenida, pulcra… pero sin riesgo.

Valoracion: ⭐⭐( de 5 )

Critica de Exit 8 (2025)

noreply@blogger.com (claqueta y series) — Mon, 13 Oct 2025 07:00:00 +0000

Exit 8: el metro se convierte en laberinto del alma

58.º Sitges Film Festival 2025

Exit 8 nos invita a sumergirnos en un laberinto psicológico donde el espacio y el tiempo se pliegan sobre sí mismos. Vista en el 58.º Sitges Film Festival 2025, esta mezcla de horror existencial y thriller mental eleva el concepto de “estar perdido” a un terreno literal y simbólico.

La película se abre con una secuencia precisa: un joven en el metro de Tokio, absorto en su teléfono mientras resuena el Boléro de Ravel. Un llanto de bebé irrumpe, un hombre exige silencio. Nuestro protagonista, apodado “Hombre perdido”, recoge una llamada inesperada: su pareja le anuncia que está en el hospital y que espera un hijo. La señal indica Exit 8, pero escapar no será tan sencillo. Pronto descubre que está atrapado en un bucle: debe recorrer el andén, encontrar anomalías, resolver pistas… o la salida le será esquiva.

Ese pasillo, aparentemente monótono, se convierte en un escenario de tensión creciente. Cada vuelta introduce leves variaciones, nuevos personajes, pistas inquietantes y destellos de lo fantástico. El corredor se vuelve familiar pero extraño, una pesadilla de déjà vu con reglas que cambian sin aviso.

La cinematografía explota el claustrofóbico corredor, jugando con luces artificiales y sombras repetidas que alteran la percepción. La edición va dosificando la información, manteniendo el suspense del “¿qué cambia ahora?” como motor narrativo. El diseño de sonido —notas bajas, estridencias y mutaciones del ruido ambiente— amplifica el desasosiego.

Kazunari Ninomiya, como Hombre perdido, es el ancla humana que permite atravesar la experiencia sin perder el pulso. Su mezcla de vulnerabilidad, confusión y determinación sostiene la película aún en los momentos más abstractos. Los secundarios aportan capas de misterio y complejidad en las intersecciones del bucle.

No obstante, Exit 8 tropieza cuando sus ideas más ambiciosas se vuelven explícitas. La insistencia en la paternidad y la moral del personaje empiezan a repetirse, transformando lo simbólico en lección. Sin embargo, hay pasajes que funcionan como cuchillas: la transición entre cada vuelta del corredor, la aparición de anomalías, y los enfrentamientos internos del protagonista.

Exit 8 no entrega todas sus respuestas, pero pocas películas capturan tan bien la sensación de estar atrapado en uno mismo. Sus momentos más poderosos dejan cicatrices mentales. Es un film imperfecto, ambicioso y profundamente inquietante.

Valoracion:⭐⭐⭐⭐( de 5 )

Critica de Decorado (2025)

noreply@blogger.com (claqueta y series) — Sun, 12 Oct 2025 18:30:00 +0000

Decorado: cuando el mundo es solo un escenario roto

58.º Sitges Film Festival 2025

Decorado de Alberto Vázquez es un golpe visual: una fábula amarga disfrazada de animación luminosa, donde los colores pastel ocultan veneno. Vista en el 58.º Sitges Film Festival 2025, esta película dibuja un escenario inquietante —un mundo estético en el que incluso lo bello se tambalea— y lo presenta como espejo de nuestra propia alienación.

La historia nos coloca en los zapatos de Arnold, un ratón de mediana edad atrapado en una crisis brutal. Su matrimonio se desmorona, la vida le pesa y, ante su percepción de que algo no cuadra, empieza a dudar si todo lo que lo rodea no es más que una escenografía, un montaje que alguien —o algo— ha construido para mirarle. La muerte de un amigo cercano desencadena su percepción paranoica y le obliga a buscar fisuras en ese decorado cotidiano.

Visualmente, Decorado juega con contrastes para herir. Vázquez mezcla un estilo que recuerda los dibujos clásicos de los años 30 con la estética kitsch de la propaganda publicitaria de mitad de siglo, logrando que lo familiar se vuelva inquietante. Los personajes se mueven con una fluidez engañosa, los escenarios brillan pero resuenan con vacío, y en cada plano se siente presente una fractura: algo que no cuadra, una línea fuera de lugar.

El humor negro es la daga con que Vázquez perfora sus temas: desde píldoras que prometen “felicidad extra” hasta personajes absurdos alusivos al consumo y la vigilancia —como un pato Ronald que parece una broma macabra más que un guiño simpático—. Este cinismo no es gratuito, pues refuerza la idea de que vivimos interpretando un papel impuesto, en un mundo que nos exige vestimenta emocional y actuaciones de normalidad.

Sin embargo, Decorado no es una comedia cruel sin fondo. Bajo su humor y colores se asienta una tristeza profunda, un vacío existencial que late. Lo que cree sutilmente cuestionar es si existe una salida real o si permanecer consciente ya es una forma de resistencia silenciosa.

Aun así, algunos momentos muestran debilidad. En ciertos pasajes, la paranoia estética no se traduce en acción o conclusiones claras —el filme prefiere dejar puertas entreabiertas, pero a veces el espectador se queda dando vueltas sin encontrar el eje. Puede que se pierda algo en la elipsis narrativa: elipsis que pretenden misterio, pero que en ocasiones entregan ambigüedad forzada.

Pero cuando Decorado acierta —y lo hace en muchos tramos— el impacto es hondísimo. La escena en que Arnold percibe que el mundo se fisura es casi metafísica; el modo en que los diálogos se disuelven en silencios incómodos duele; el contraste entre la ternura del dibujo y la angustia de su mensaje permanece.

Decorado es una obra de animación adulta tan brillante como implacable. Alberto Vázquez confirma que puede conjugar estética y crítica con un lenguaje visual dotado de una melancolía metalúrgica. Una película para ver con los ojos abiertos… y el corazón en guardia.

Valoracion: ⭐⭐⭐⭐( de 5 )

Critica de La vida de Chuck (2025)

noreply@blogger.com (claqueta y series) — Sun, 12 Oct 2025 09:30:00 +0000

La vida de Chuck: Flanagan mira la muerte con ojos de vida

58.º Sitges Film Festival 2025

La vida de Chuck es una de esas películas que miran la muerte sin morbo, con una serenidad casi poética. Mike Flanagan adapta el relato de Stephen King con un pulso más emocional que terrorífico, proponiendo una historia sobre el fin del mundo… y el comienzo de una vida. Vista en el 58.º Sitges Film Festival 2025, se erige como una fábula sobre la fragilidad, el amor y el rastro que dejamos al desaparecer.

La película se divide en tres actos narrados al revés, empezando por el colapso del mundo: un planeta que se apaga mientras en todas partes aparecen carteles que dicen “39 maravillosos años – Gracias, Chuck”. ¿Quién es ese Chuck? La respuesta se desvela a través de fragmentos de su vida, retrocediendo desde su muerte hasta su infancia, hasta llegar al origen de todo: un niño curioso, sensible y testigo de una extraña danza entre lo real y lo sobrenatural.

Flanagan se aleja del horror explícito y se adentra en el terreno de la melancolía cósmica. Su puesta en escena es íntima y grandiosa a la vez. La fotografía de Eben Bolter es hipnótica: luces cálidas, cielos en disolución, interiores cargados de memoria. La música de The Newton Brothers completa el tono de despedida, de viaje interior.

Tom Hiddleston interpreta a Chuck con una contención admirable. Su presencia es un ancla silenciosa, un hombre que irradia humanidad incluso en medio del colapso. Benjamin Pajak y Jacob Tremblay, como sus versiones jóvenes, aportan ternura y asombro. Y en los márgenes del relato, rostros conocidos del universo de Flanagan (Mark Hamill, Kate Siegel) aparecen como sombras que completan el mosaico emocional.

Sin embargo, no todo fluye con la misma fuerza. El filme se atreve con lo trascendental, pero en ocasiones cae en cierta sobreexplicación o sentimentalismo. Algunos pasajes buscan la emoción con insistencia, en lugar de dejar que llegue sola. Aun así, cuando Flanagan acierta —y lo hace a menudo—, toca fibras muy profundas: la secuencia del baile callejero, por ejemplo, es pura vida condensada, una celebración del instante antes del apagón final.

Más que un relato sobre la muerte, La vida de Chuck es un recordatorio de lo que significa estar vivos. Habla del tiempo, de los pequeños milagros y del valor de la conciencia. Su conclusión —ese silencio lleno de luz— no busca respuestas, sino aceptación.

La vida de Chuck no es perfecta, pero sí profundamente humana. Flanagan firma su obra más introspectiva, un homenaje a la existencia misma y al poder de los recuerdos. Una película que no aterra, sino que reconcilia. Cuando el último plano se desvanece, lo que queda no es miedo, sino gratitud...

Valoracion: ⭐⭐⭐⭐⭐( de 5 )

Critica de We bury the dead (2025)

noreply@blogger.com (claqueta y series) — Sat, 11 Oct 2025 21:00:00 +0000

We Bury the Dead: la muerte que no perdona la espera

58.º Sitges Film Festival 2025

We Bury the Dead surge como un drama zombi meditativo que mezcla melancolía, horror y una búsqueda de cierre emocional tan ambiciosa como desigual. Visto en el 58.º Sitges Film Festival 2025, este filme protagonizado por Daisy Ridley logra momentos de belleza inquietante, aunque algunas de sus apuestas quedan a medio camino.

Desde su arranque, la película se plantea en tonos oscuros: un experimento militar falla y un pulso electromagnético hace que miles de personas mueran instantáneamente. Pero algunos regresan: zombis que no son agresivos en su totalidad, sino ecos pálidos de lo que alguna vez fueron. En ese mundo fragmentado aparece Ava (Daisy Ridley), quien se une a un equipo de recuperación de cuerpos con la esperanza de hallar a su marido desaparecido. A su lado está Clay (Brenton Thwaites), un compañero inesperado con un espíritu rebelde que actúa como contrapunto frente al luto y la desesperación.

Lo más fascinante de We Bury the Dead es su capacidad para abordar el género zombi desde el duelo en lugar del terror visceral puro. Zak Hilditch opta por un ritmo pausado: los encuentros con los muertos son escasos al principio, inquietantes más por lo silencioso que por lo explícito. Pero cuando el horror se deja ver, tiene intensidad: cada aparición se siente significativa, acompañada por una tensión casi ritual.

Visualmente, la película es sobresaliente. La naturaleza devastada, los paisajes abiertos y el contraste entre luz y sombra componen cuadros de desolación que retumban en la memoria. El uso del sonido, desde gemidos apagados hasta crujidos cercanos, refuerza ese ambiente espectral. Ridley está muy bien: su Ava no es una heroína típica, sino alguien erosionada por la pérdida, herida pero decidida, cuyas emociones se revelan a través de miradas y silencios más que de discursos.

Sin embargo, We Bury the Dead tropieza en varios puntos. Primero: su gran apuesta final, tan ambiciosa como provocativa, termina por desconectarse del resto y dejar más preguntas que respuestas. Esa coda añade ideas de destino y renacimiento, pero no siempre se siente coherente con el viaje que hemos visto.

Segundo: aunque los ingredientes novedosos están ahí —el origen del brote, la aproximación más psicológica—, Hilditch nunca termina de alejarse del territorio familiar del cine de zombis y el dolor humano. Hay promesas de originalidad que se insinúan pero no siempre se exploran.

Pese a esos deslices, hay varios momentos que convulsionan: una escena de descubrimiento temprano que te sacude el pecho, el modo en que se entrecruzan pasado y presente, el peso emocional del silencio más que del acto violento.

We Bury the Dead es imperfecta, pero ambiciosa. No es el zombi que espera sangre a raudales, sino heridas abiertas y búsqueda existencial. Cuando acierta —y lo hace en sus mejores secuencias— impacta. Cuando duda, deja cicatrices. Su valentía para salirse del terreno trillado merece reconocimiento, aunque no siempre convenza del todo.

Valoracion: ⭐⭐⭐( de 5 )

Critica de The Furious (2025)

noreply@blogger.com (claqueta y series) — Sat, 11 Oct 2025 20:00:00 +0000

The Furious: adrenalina pura que quema los sentidos

58º Sitges Film Festival 2025

Hay películas que no buscan convencer: te asaltan, te sacuden y te dejan exhausto. The Furious pertenece a esa estirpe. Una experiencia de acción total, salvaje y catártica que redefine lo que significa el combate físico en el cine contemporáneo.

Desde su primera secuencia, la película marca su territorio con una confianza casi temeraria. En cuestión de minutos, el espectador está inmerso en una vorágine de peleas, explosiones y acrobacias que no dan respiro. Cada plano, cada corte, cada impacto está pensado para sentirse en el cuerpo.

La trama no pretende reinventar el género —dos hombres impulsados por la pérdida y la furia cruzan caminos en una ciudad que devora a los débiles—, pero la simplicidad narrativa juega a favor del ritmo: todo lo innecesario desaparece para dejar paso a la pura fisicidad.

Las coreografías de combate son, sin exagerar, una lección magistral. Espadas, martillos, flechas, bicicletas… cualquier objeto sirve como extensión del cuerpo. Lo que podría ser un caos visual se convierte en una danza precisa, filmada con una claridad que recuerda al mejor cine de acción asiático de los 90. Aquí cada golpe tiene peso, cada movimiento, intención.

Kenji Tanigaki —veterano coordinador de acrobacias convertido en director— demuestra una comprensión casi musical del ritmo cinematográfico. Sabe cuándo acelerar hasta el frenesí y cuándo dejar que un silencio o una mirada respiren. Su puesta en escena es elegante incluso en la brutalidad: convierte la violencia en un lenguaje visual.

Joe Taslim y Miao Xie cargan con el corazón de la película. Ambos logran transmitir un dolor genuino que se filtra entre las escenas más frenéticas, recordándonos que detrás de cada golpe hay una herida emocional. Los villanos, interpretados por Brian Le y Yayan Ruhian, aportan el equilibrio perfecto: ferocidad, carisma y un punto de locura.

Sí, el metraje puede resultar agotador —casi dos horas de intensidad constante son una prueba física tanto para los personajes como para el espectador—, pero ese cansancio es parte de la experiencia. Cuando llega el último enfrentamiento, no solo has visto la película: la has sobrevivido.

En definitiva, The Furious es una descarga de adrenalina con alma. Una pieza de cine que no solo celebra la acción, sino la eleva a un arte. Vigorosa, hermosa y devastadora, confirma que el género sigue vivo cuando se filma con pasión, precisión y respeto por el movimiento.

Valoracion: ⭐⭐⭐⭐⭐ (de 5).

Critica de Gaua (2025)

noreply@blogger.com (claqueta y series) — Sat, 11 Oct 2025 09:30:00 +0000

Gaua: el canto oscuro del folk horror vasco

58º Sitges Film Festival 2025

Paul Urkijo Alijo regresa al territorio del folk horror vasco con Gaua, presentada en el 58º Sitges Film Festival 2025, y lo hace con una madurez que consolida su lugar como uno de los autores más personales del fantástico español. Tras Errementari e Irati, Urkijo entrega su obra más contenida, atmosférica y emocionalmente afinada.

La historia arranca con Kattalin (Yune Nogueiras), una mujer que tras envenenar a su marido huye a través de un bosque donde la noche parece tener vida propia. En su camino se cruza con tres misteriosas mujeres que lavan ropa junto al río, beben, se confiesan y narran fábulas envenenadas por la culpa, el deseo y la superstición. Lo que comienza como una huida se transforma en una travesía interior, un descenso a las raíces más oscuras del mito.

Urkijo vuelve a apoyarse en la tradición vasca, pero aquí su mirada es más sobria, más madura. La estructura fragmentada del relato no confunde, sino que hipnotiza, envolviendo al espectador en una sensación de ensoñación ritual. Cada historia dentro de la historia funciona como un eco, un reflejo distorsionado de la protagonista y de las sombras que la persiguen.

La factura técnica es impecable: la fotografía de Gorka Gómez Andreu construye imágenes de una belleza casi pictórica, donde la luz y la niebla se funden en un mismo lenguaje. El diseño de criaturas, siempre perturbador, demuestra que el terror español puede alcanzar un nivel estético internacional sin perder su raíz cultural. La música, cargada de ecos primitivos, termina de sellar el hechizo.

Yune Nogueiras brilla con una interpretación magnética. Su Kattalin no necesita grandes gestos: su mirada basta para sostener el peso de la culpa y el miedo. Frente a ella, el elenco femenino que la rodea refuerza esa sensación de destino compartido, de círculo que se cierra bajo la luna.

Gaua no busca asustar, sino inquietar. No golpea, sino que se filtra lentamente, como una sombra que se instala en la conciencia. Es un relato sobre la culpa, la ley y lo sobrenatural; sobre la oscuridad que habita tanto fuera como dentro.

En definitiva, Paul Urkijo se consagra con su obra más refinada y ambiciosa hasta la fecha. Gaua confirma que el folk horror ibérico tiene voz propia, y que en manos de un autor así, la noche sigue siendo un lugar donde el mito y la emoción se dan la mano.

Valoracion: ⭐⭐⭐⭐(de 5).

Critica de Good Boy(2025)

noreply@blogger.com (claqueta y series) — Fri, 10 Oct 2025 20:00:00 +0000

Un cuento de horror íntimo, donde lo humano se revela a través de los ojos de un animal.

58e Sitges Film Festival

Good Boy, ópera prima de Ben Leonberg, se atreve con algo tan extraño como hipnótico: contar una historia de terror casi por completo desde la mirada de un perro. Lo que podría sonar como un experimento excéntrico se convierte, en realidad, en una experiencia profundamente inquietante y emotiva. Verla en Sitges fue ideal: la oscuridad, el silencio del público y ese ambiente predispuesto al desconcierto hicieron que cada sombra, cada ruido fuera aún más perturbador.

La película sigue a Todd (Shane Jensen), un joven que se muda a la vieja casa de su abuelo junto a su perro Indy, tras una pérdida familiar que aún le pesa. Desde ese momento, el relato se va desplazando poco a poco hacia lo paranormal… pero lo hace desde una perspectiva inusual: la de Indy, cuyos sentidos captan presencias y amenazas que el ojo humano apenas percibe.

Esa decisión narrativa es el alma del film. Leonberg utiliza la cámara a ras del suelo, el sonido amplificado, las respiraciones, los pasos, para construir una tensión que nunca explota del todo. Lo que no se muestra es precisamente lo que más inquieta. Hay una elegancia en esa contención, una forma de filmar el miedo desde lo sensorial, que recuerda a los mejores ejercicios del terror psicológico moderno.

El perro —sí, el verdadero protagonista— es extraordinario. Su mirada, su lenguaje corporal, su fidelidad inquebrantable, transmiten más emoción que muchas actuaciones humanas. Good Boy consigue algo muy raro: hacernos sentir el miedo no desde el raciocinio, sino desde el instinto.

Quizá algunos secundarios se quedan algo desdibujados y el tramo final no logra mantener la fuerza de su primera hora, pero la propuesta es tan singular que esos pequeños tropiezos se perdonan fácilmente. Lo importante aquí no es el susto, sino la atmósfera, la sensación de estar presenciando algo vivo, sensible, que respira miedo y ternura al mismo tiempo.

Good Boy ha sido una de esas experiencias que confirman por qué el festival es el hogar natural de este tipo de cine: arriesgado, atmosférico, distinto.

Good Boy no es solo una pelíc ula de terror; es un ejercicio de empatía, una mirada al miedo desde la pureza de un ser que no entiende lo que pasa, pero lo siente todo. Una historia pequeña, contenida, pero con una sensibilidad enorme.

Valoracion: ⭐⭐⭐⭐( de 5 )

Critica de La Hermanastra fea(2025)

noreply@blogger.com (claqueta y series) — Fri, 10 Oct 2025 18:00:00 +0000

Cenicienta como nunca la habías visto: cruel, obscena y fascinante.

58e Sitges Film Festival

En un festival como el de Sitges, donde el riesgo y la provocación son casi norma, La Hermanastra fea se presentó como una de las sorpresas más audaces del año. Lejos de cualquier reinterpretación complaciente del mito de Cenicienta, la directora Emilie Blichfeldt ofrece una versión grotesca, cruel y fascinante de un cuento que creíamos conocer.

La historia sigue a Elvira (interpretada por una magnética Lea Myren), una adolescente torpe e insegura que anhela belleza y aceptación. Lo que comienza como un relato sobre la marginación social se transforma pronto en una pesadilla corporal donde lo grotesco se convierte en lenguaje. Gusanos, deformidades y heridas abiertas no son solo recursos de impacto, sino símbolos de una podredumbre más profunda: la de una sociedad obsesionada con la apariencia.

El film abraza lo feo con una valentía inusual. Su estética —a medio camino entre lo onírico y lo repulsivo— recuerda a las primeras obras de Andersson o a las fábulas más enfermizas de En compañia de lobos. Pero aquí no hay romanticismo alguno: Blichfeldt utiliza la deformidad como espejo de una humanidad que se devora a sí misma.

Lea Myren construye a Elvira desde la vulnerabilidad, pero también desde una fuerza inquietante. Su interpretación es física, extrema, y a ratos incluso dolorosa de ver. La acompañan secundarios que oscilan entre la caricatura y el horror, reforzando la atmósfera de fábula deformada que domina todo el metraje.

Hay humor negro, sí, pero también un malestar constante, un tono ácido que se mantiene hasta el final. A veces uno desearía más pausas, más silencios que permitieran digerir el exceso visual, pero quizás esa saturación es parte del mensaje: no hay respiro posible cuando se vive bajo la tiranía de la belleza.

Verla en Sitges fue la experiencia perfecta: el público, entre risas nerviosas y gestos de incomodidad, reaccionaba como ante un espejo incómodo. La Hermanastra fea no busca complacer; busca incomodar, provocar, obligarnos a mirar lo que normalmente esquivamos.

En un panorama saturado de remakes insulsos y relecturas inofensivas, esta película destaca por su audacia. No es para todos, pero quienes se atrevan a entrar en su mundo retorcido encontrarán una obra que, bajo su capa de horror grotesco, encierra una verdad tan amarga como necesaria: la verdadera fealdad no está en el rostro, sino en la mirada.

Valoracion:⭐⭐⭐⭐(de 5)

Critica de The Home (2025)

noreply@blogger.com (claqueta y series) — Fri, 10 Oct 2025 13:00:00 +0000

The Home promete más de lo que ofrece.

Vista en el 58e Sitges film festival, The Home llegaba con el reclamo de estar dirigida por James DeMonaco (sí, el de The Purge) y protagonizada por Pete Davidson, en un papel bastante más serio de lo habitual. La premisa prometía: un joven conflictivo cumple servicio comunitario en una residencia de ancianos con secretos oscuros y un ala prohibida. Pero como suele pasar, una idea interesante no siempre da como resultado una buena película.

La historia arranca con cierto interés. El tono es misterioso, con ecos a The Shining(El Resplandor), y el lugar —Green Meadows— funciona como escenario cerrado donde todo puede pasar. Pronto empezamos a ver visiones, gritos nocturnos y traumas del pasado que se mezclan con lo sobrenatural. Hay intención, hay atmósfera… pero también una narrativa algo torpe y un ritmo irregular que va minando la tensión.

Pete Davidson, en el papel principal, es probablemente el mayor problema. Su presencia —más allá de lo físico o su estilo actoral— no termina de encajar con el tono de la historia. Le cuesta transmitir dolor o profundidad emocional, y en escenas clave su interpretación se queda corta o directamente desconecta. Tal vez en una propuesta más irónica o con humor negro habría funcionado mejor, pero aquí desentona.

El resto del reparto cumple, con secundarios veteranos que aportan cierta dignidad al conjunto. La dirección de DeMonaco intenta ir subiendo el nivel de violencia e intensidad hacia el tramo final, y aunque el clímax es brutal (en el buen sentido), llega cuando ya es un poco tarde para que importe demasiado.

The Home es una de esas pelis que parecen querer ser más de lo que realmente son. Tiene ideas potentes —la culpa, el abandono, la locura—, pero nunca las desarrolla del todo. Le falta personalidad, o quizá le sobra contención. En Sitges hay que arriesgar más.

Valoracion: ⭐️⭐️(de 5).

Crítica de “Expediente Warren: El último rito”

noreply@blogger.com (claqueta y series) — Sun, 07 Sep 2025 18:30:00 +0000

El miedo persiste, aunque el hechizo se debilite

Más que una simple saga de terror, Expediente Warren ha sabido convertirse en una especie de franquicia emocional para los amantes del género. Desde su primera entrega en 2013, el universo creado por James Wan ha demostrado que el horror puede convivir con la sensibilidad, la fe y el romanticismo sin traicionar su esencia. Con El último rito, la saga se despide —al menos por ahora— en una película que busca ser homenaje, clímax y cierre espiritual… aunque no siempre lo logra con la contundencia que prometía.

Michael Chaves, que ya había dirigido La Llorona y Expediente Warren: Obligado por el demonio, vuelve a ponerse al frente con un estilo visual muy pulido, efectivo en su composición pero algo predecible. La película sabe construir atmósferas tensas: pasillos oscuros, puertas entreabiertas, susurros en la penumbra… Todo está ahí, funcionando como un reloj bien engrasado. Sin embargo, la sensación de "ya visto" pesa en varios momentos, y la originalidad que una vez definió la franquicia se diluye entre fórmulas conocidas.

A pesar de ello, hay secuencias verdaderamente logradas: el probador de vestidos, la muñeca que se arrastra, o ciertos encuadres reflejados en espejos que aprovechan el fuera de campo para generar verdadera incomodidad. Chaves demuestra que domina el oficio, aunque quizás le falta el riesgo que Wan imprimía con tanta naturalidad.

El film se toma su tiempo para desarrollar tanto el caso sobrenatural como la vida personal de los Warren. Este equilibrio, que en otras entregas fluía con naturalidad, aquí se siente forzado. Hay momentos en los que el drama doméstico se impone sobre la investigación paranormal, y aunque esto aporta humanidad, también ralentiza el ritmo narrativo.

La historia de la familia Smurl, que podría haber sido un detonante poderoso para el terror, se queda un tanto desdibujada frente al protagonismo absoluto de Ed y Lorraine. El guion parece más interesado en el legado emocional de la pareja que en el caso que investigan, y eso termina restando urgencia a los momentos más aterradores.

Lo que sí se mantiene —y de forma conmovedora— es la conexión entre Vera Farmiga y Patrick Wilson. La química entre ambos sigue siendo el alma de la saga. Sus personajes ya no solo enfrentan demonios: también enfrentan su propia fragilidad, el desgaste del tiempo, la fe puesta a prueba.

Este enfoque más íntimo es, al mismo tiempo, lo más valioso y lo más arriesgado del film. Aporta profundidad, pero también desvía el foco de lo que los fans más esperan: el terror puro. Y sin ese equilibrio que definió a las entregas anteriores, el resultado termina siendo más emocional que escalofriante.

Expediente Warren: El último rito no es una mala película. De hecho, está por encima del promedio de cintas de terror comercial actuales. Pero en el contexto de una saga que nos dio algunas de las secuencias más memorables del cine de horror moderno (la escena del armario en la primera, el cuadro de la monja en la segunda), este cierre se siente contenido, casi tímido.

Lejos de ser un clímax espectacular, apuesta por la introspección y por una atmósfera sostenida más que por sustos impactantes. A algunos les parecerá una decisión elegante; a otros, una oportunidad desaprovechada.

Para quienes han acompañado a los Warren desde la primera entrega, este filme no será el final explosivo que imaginamos. Pero si apagas las pretensiones y te dejas envolver por los detalles —un corredor silencioso, un reflejo en un espejo, un susurro que eriza—, El último rito te recuerda otra vez por qué este universo narrativo se ha ganado el corazón (y los sustos) de los amantes del terror consciente.

Valoracion: ⭐️⭐️⭐️( de 5 ).

Crítica – Devuélvemela (Bring Her Back)

noreply@blogger.com (claqueta y series) — Fri, 01 Aug 2025 19:00:00 +0000

El horror más real no necesita fantasmas

Con Devuélvemela, los hermanos Philippou abandonan lo sobrenatural para adentrarse en un thriller psicológico brutal, incómodo y profundamente humano. Una película que golpea más por lo que sugiere que por lo que muestra.

Después del bombazo que supuso Háblame, los hermanos Philippou regresan con una propuesta que, aunque muy distinta, mantiene su sello: incomodidad, tensión constante y una mirada afilada al horror más humano. Devuélvemela no recurre al terror sobrenatural, sino que opta por algo mucho más perturbador: el miedo real, tangible, que nace de la violencia, el abandono y el dolor emocional.

Andy y Piper son hermanastros que acaban de perder a su padre. Él, a punto de cumplir 18, quiere quedarse con ella —que además es ciega—, pero el sistema decide lo contrario. Son enviados a vivir con una madre de acogida (una Sally Hawkins tan magnética como inquietante), y desde ahí, la historia se convierte en un descenso incómodo hacia un tipo de horror más psicológico que efectista.

Aquí no hay fantasmas ni rituales: lo que asusta es la manipulación, el poder, y la total indefensión de los más vulnerables. Y eso lo hace aún más potente. La atmósfera es opresiva, seca, y por momentos, casi insoportable. Los Philippou construyen un relato duro, crudo, donde cada plano parece pensado para incomodar sin caer en lo gratuito.

Las interpretaciones son uno de sus grandes aciertos. Billy Barratt transmite una mezcla brutal de ternura y rabia contenida, mientras que Sora Wong —quien realmente es parcialmente invidente— ofrece una actuación conmovedora, llena de matices y sin caer en el sentimentalismo fácil. Juntos, logran que te preocupes por sus personajes desde el minuto uno.

Eso sí, no es una película perfecta. Hay momentos en los que se siente excesiva, como si disfrutara demasiado del sufrimiento que retrata, y el tercer acto no está tan pulido como el resto: hay decisiones de guion que resultan algo forzadas y que pueden descolocar al espectador.

Aun con todo, Devuélvemela es una película que se queda contigo. No busca asustarte con sobresaltos, sino hacerte pensar. Es incómoda, valiente y emocionalmente devastadora. Y si algo queda claro, es que los Philippou han llegado al cine de terror para quedarse, explorando nuevas formas de incomodarnos… sin necesidad de recurrir a lo paranormal.

Valoracion: ⭐⭐⭐⭐☆ 4/5

Critica de 28 años después (2025)

noreply@blogger.com (claqueta y series) — Fri, 20 Jun 2025 16:00:00 +0000

28 Años Despues es una secuela inesperada que renueva el género zombi con estilo radical y una atmósfera pagana inolvidable

Después de más de dos décadas, Danny Boyle vuelve a un universo que redefinió el cine de infectados con 28 días después y su secuela 28 semanas después. Esta vez, el director británico no solo retoma las riendas del proyecto, sino que se atreve a reformular el tono y la estética de la saga en una tercera entrega que no teme ensuciarse, experimentar ni perturbar.

“28 años después” es una obra tan audaz como necesaria. Rodada en gran parte con iPhone 15 Pro, la película recupera la urgencia visual del primer filme, pero le añade una capa de crudeza rural que la convierte en una experiencia sensorial más cercana al folk horror que al cine de acción convencional.

La historia arranca con una premisa clásica: un nuevo brote del virus en Escocia obliga a un grupo de personajes dispares a enfrentarse tanto a los infectados como a la desintegración de sus creencias.

Sin embargo, lo que parece una simple aventura de supervivencia se convierte pronto en una exploración inquietante de la violencia tribal, la fe rota y los rituales atávicos. Aquí, el miedo no solo proviene de los infectados, sino de lo que los humanos son capaces de hacer cuando se enfrentan a su propia extinción.

El joven Alfie Williams sorprende como protagonista, con una actuación contenida pero profundamente emocional. Y Ralph Fiennes, en un papel secundario pero esencial, aporta gravedad y carisma a una historia que podría haber caído en el exceso.

Boyle, por su parte, se luce en la dirección con secuencias frenéticas, planos crudos y un ritmo que apenas da respiro. El uso del iPhone como herramienta principal de rodaje no es solo una decisión estética, sino conceptual: la cámara se convierte en un testigo más del caos, aportando realismo, inmediatez y una textura sucia que encaja perfectamente con la narrativa.

¿El punto flaco? El guion no siempre está a la altura. Algunas tramas quedan abiertas o parecen simplemente sembradas para lo que será la próxima entrega, “28 meses después (The Bone Temple)”, confirmada ya como continuación directa. El final abrupto y claramente diseñado para enlazar con esa secuela resta impacto a un desarrollo que, hasta entonces, había sido brillante.

“28 años después” es una secuela atrevida, estilizada y cargada de energía salvaje. Más allá de su contexto postapocalíptico, la cinta ofrece una mirada fascinante sobre el miedo, la tradición y lo que ocurre cuando la civilización se quiebra. Un regreso más que digno, que no solo revitaliza la saga, sino que deja con ganas de saber qué viene después.

¿Ya viste "28 años después"? Cuéntame en los comentarios qué te ha parecido. ¿Está a la altura de las anteriores?

Valoración final: ⭐️⭐️⭐️⭐️½ (4.5 de 5 estrellas)

Los pecadores(Sinners)

noreply@blogger.com (claqueta y series) — Fri, 18 Apr 2025 17:00:00 +0000

Vampiros, blues y crítica social con mucha garra

Si eres de los que ya están un poco cansados de ver siempre lo mismo en el cine de terror, Los pecadores puede ser un soplo de aire fresco que no esperabas. Esta peli mezcla vampiros, música y una buena dosis de mensaje político sin volverse pesada ni pretenciosa. Suena raro, ¿no? Pues justo ahí está su magia.

La dirige Ryan Coogler (sí, el de Black Panther y Creed), y eso ya es una garantía de que lo que vas a ver tiene carácter. Aquí se atreve con algo muy distinto: una historia ambientada en el sur de Estados Unidos durante los años 30, en plena segregación racial. Dos hermanos afroamericanos regresan a su pueblo natal para abrir un club de blues... pero las cosas se tuercen cuando descubren que el Ku Klux Klan ha evolucionado (o degenerado, más bien) en una secta de vampiros sedientos de poder y sangre. Literalmente.

Uno de los puntos fuertes de la peli es cómo mezcla géneros sin que se sienta forzado. Tiene terror, sí, pero también momentos musicales muy potentes y una ambientación que te transporta directo a esa época. El blues no es solo decorado, sino parte del alma de la película. Y eso se nota. La fotografía y el diseño de producción son una delicia: todo está envuelto en un aire oscuro, cálido y melancólico que encaja perfecto con la historia que se cuenta.

Michael B. Jordan se luce en un doble papel que sorprende. No vamos a hacer spoilers, pero su interpretación es intensa y tiene algunos momentos que se quedan contigo después de que sales del cine. También hay espacio para secundarios interesantes y un villano que, sin decir demasiado, da bastante mal rollo.

Lo mejor de todo es que Los pecadores no intenta dártelo todo masticado. Tiene sus momentos simbólicos, su crítica social muy clara pero bien integrada, y ese tipo de escenas que te hacen pensar sin dejar de entretenerte. No es una película perfecta —hay partes que podrían haberse pulido más, y algún giro que se siente un poco rápido—, pero es de esas cintas que se disfrutan tanto por lo que cuentan como por cómo lo hacen.

En resumen, si te gustan las historias originales, con personalidad y un trasfondo potente, esta película merece tu tiempo. Tiene estilo, mensaje y un enfoque muy fresco que no suele verse en el terror mainstream. Y aunque no es para todos los gustos, si conectas con su propuesta, te va a dejar dándole vueltas durante días.

Valoracion:⭐️⭐️⭐️⭐️ de 5.