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MODULO 3 (Conclusión) Palestrina

2014-09-08T20:45:00.000-07:00

Palestrina

Palestrina nació en 1525 y murió en 1594, Alrededor de su vida hay una serie de leyendas, una de las cuales narra cómo Palestrina salvó la música polifónica: se dice que en el Concilio de Trento (más de 25 sesiones para discutir la posición de la iglesia frente a diferentes aspectos) el papa, disgustado por los grandes abusos de la polifonía en la música litúrgica, consideró la posibilidad de prohibir la polifonía dentro de las ceremonias religiosas. Palestrina, a peticiones de algunos cardenales, escribió una grandiosa misa a 6 voces, conocida como “la misa del papa Marcelo”.

Agradó tanto al papa la maestría, belleza y sobriedad de ésta música, que la polifonía continuó siendo aceptada dentro de la iglesia misma. Según un músico romántico posterior a Palestrina, “su música es la comunión de las almas, su compenetración con lo ideal y lo eterno. La piedad y el amor han dictado estas obras. Es la verdadera música de otro mundo. Palestrina es sencillo verdadero, ingenuo, piadoso, fuerte y potente, verdaderamente cristiano en sus obras. Sus composiciones son un ejercicio religioso”.

Palestrina representaba pues, el punto culminante de todo un largo período de expresión musical.

Como J. S. Bach (siglo XVIII) es uno de los pocos grandes maestros ante el cual se inclinan todas las generaciones posteriores de músicos y compositores, reconociendo el valor de un genio profundo y universal.

Despues de esta culminación del arte polifónico en el genio de Palestrina y en otros músicos contemporáneos suyos, los madrigales se popularizaron cada vez más.

Monteverdi

El madrigal simboliza la renovación musical. Esta evolución del estilo está representada por uno de los compositores más grandes de todos los tiempos: Claudio Monteverdi, quién escribió más de cien madrigales, y muchas obras más.

Esta época vio la aparición de un género con un porvenir muy brillante: la música de cámara.

Música de cámara

Se entiende por música de cámara, la música para grupos reducidos de ejecutantes, propia para interpretarse en una sala.

Hasta mediados del siglo XV, la música vocal e instrumental no estaba delimitada: algunas voces de la música vocal podían substituirse por un instrumento y viceversa.

Los instrumentos de cuerda punteada más usados eran el arpa, el salterio, el laúd, la guitarra y la vihuela, todos ellos provistos o formados por una caja de resonancia y cuerdas.

La viola, la giga y el rabel (este último de dos cuerdas solamente), eran los más populares de entre los instrumentos de cuerdas frotadas.

También se usaban el clavicordio, instrumento de cuerda y de teclado, y un instrumento muy curioso llamado la zanfonía, combinación de teclado y cuerdas con una manivela.

Entre los instrumentos de viento, destacaban las trompetas, la flauta dulce, que se tocaba como prolongación de la boca, y la flauta traversera, que se toca horizontalmente, la bombarda (antepasada del oboe) y sobretodo, el órgano, que en el siglo XVI era el instrumento más difundido.

Panorama musical del siglo XVI

En resumen, el panorama de la música en el siglo XVI fué:

*La música se convierte en arte independiente, en arte puro, ya no como un arte con finalidad extramusical. Como había sido hasta muy poco tiempo antes (medio mágico en un principio, vehículo religioso más tarde).

*Nace el individualismo, lo que significa que la música empieza a caracterizarse por la personalidad del autor.

*Aparece la música peculiar de diferentes naciones.

*Se separan la música religiosa y la profana.

*La música mundana domina el panorama musical general.

*Se separa la música vocal e instrumental.

*Hay gran libertad de estilo.

*La expresión musical adquiere “naturalidad”.

*Se hace común el empleo de semitonos (cromatismo).

*La música deja de ser la expresión de un sentimiento colectivo como fue durante más de mil años en el ejercicio de la música religiosa.

Hasta aquí, hemos expuesto un breve panorama histórico de la música, desde sus primeros tiempos hasta el siglo XVI, en el cual la música ha desarrollado ya los cimientos de su desenvolvimiento posterior.

Los próximos modulos tratarán de temas relacionados con el lenguaje musical, como su escritura, sus elementos, así como de los instrumentos musicales y las estructuras de las obras.

Con colaboración de: Miguel Angel Gonzalez Plata, guitarrista de "Golden Years Band"

Modulo 3 Tercera Etapa: Los Flamencos (continuación)

2014-03-10T16:01:00.000-07:00

Los Flamencos y Josquin Des Prés

Con la música de los flamencos, se inició un proceso sumamente fecundo, muy similar al que se produjo con la música gregoriana de los apóstoles: la influencia recíproca de una técnica altamente desarrollada y la inspiración autóctona o patrimonio nacional de los diversos pueblos.

Aunque la música de Josquin Des Prés, ya había manifestado un fuerte contenido emocional, esta tendencia fue acentuandose. Naturalmente que la expresión de estas emociones intensas se lograba con cierta audacia en el uso del lenguaje musical como el cromatismo, ya mencionado anteriormente.

El efecto emocional de este recurso expresivo puede facilmente comprobarse con el teclado de un piano presionando por ejemplo, un do y luego un do sostenido. Esta sencilla sucesión comunica una sensación de intensidad.

Al finalizar el siglo XVI un cambio estético musical marca la superación del espíritu medieval. El naciente concepto armónico se convierte de aquí en adelante en un elemento independiente que al lado del contrapunto y en igualdad de derecho, va a revolucionar el tratamiento universal de la música.

Gutenberg inventó la imprenta en 1440. Este gran adelanto contribuyó a la difusión de la música.

En todas partes se empezó a ver intercamio incesante de las composiciones musicales. Simultáneamente se llamaba a los musicos de un sitio a otro, para interpretar partituras musicales, o para estudiar en los centros musicales de más pretigio.

Todo este intercambio propició una especie de lenguaje universal de la música, donde no destacaba todavía la música característica de cada nación.

Estilo Italiano

Sin embargo, Italia siempre mantuvo un estilo musical característico, un estilo autóctono que fue una especie de barrera para la invasión de la fuerte corriente del arte flamenco del contrapunto.

Madrigal

La tendencia más natural, suave y fluida, vocal y espontánea de la música italiana se manifestará en el Madrigal. El origen del madrigal se encuentra en unas canciones de esencia popular, llamadas “frottola”.

Estas canciones, al ser tratadas con mayor refinamiento por las gentes de las cortes, adquirieron elegancia y finura.

El madrigal es una canción polifónica, poética y expresiva, donde el contrapunto se ha suavizado y la linea melódica corresponde a las intenciones del texto de un poema. Este texto poético se destaca sutilmente con los efectos conseguidos por combinaciones rítmicas, por la distribución de las voces, y por algunos efectos armónicos.

Una particularidad del madrigal, que enriquece la creciente expresividad de la música ya subrayada por la creación de Josquin Des Prés, es el hecho de que se cantaba una sílaba por nota, en vez de repetir una sola vocal a lo largo de una serie de sonidos (melismas). Al corresponder a cada sonido una sílaba o vocal se simplificó la linea melódica.

Al amparo de la iglesia católica, todavía con gran poderío en el siglo XVI, se formaron grandes músicos, entre los que se encuentra el genial Giovani Pier Luigi Palestrina.

Con colaboración de: Miguel Angel Gonzalez Plata, guitarra lider de “Golden Years Band”

Modulo 3

2013-04-13T22:23:00.000-07:00

Josquin Des Près

Cuando el siglo XV tocaba a su fin, apareció entre otros músicos destacados, una figura de renombre universal: Josquin Des Près.

El, al igual que sus contemporáneos, se sintió muy pronto cautivado por la tendencia de la música italiana que consistía en una línea melódica fácil, expresiva y fluida muy apropiada para la voz humana.

Josquin Des Près aunque francés, estuvo en Italia desde muy joven y gozo en vida de una inmensa gloria, cosa rara entre los músicos. Todas las grandes personalidades de la época, como los papas y los reyes, se inclinaban ante él; no en vano era llamado “Principe de la música”.

Fuerza expresiva de la música

La cualidad más envidiada en música es la capacidad para comunicar; a esta capacidad se le llama fuerza expresiva. La fuerza expresiva de Josquin Des Près, supero a la de todos los músicos flamencos anteriores a él. Sus discípulos y seguidores fueron un verdadero éxito.

El arte de Josquin Des Près, como todo el arte del contrapunto flamenco, coincidió con la riqueza de la arquitectura gótica. Des Prés intuyó el valor expresivo de los sugestivos semitonos, y los usó con frecuencia en sus composiciones musicales. (Un semitono, es la distancia que existe, por ejemplo entre el Do, y el Do sostenido, o sea, la tecla negra a la derecha del Do.)

Sentido Armónico

En Josquin Des Près se nota ya un sentido de la armonía por la atención que dedica a la coincidencia de los sonidos; ya no parte solamente del desarrollo simultáneo de las melodías. Lutero mismo juzgó a Des Près, con las siguientes palabras:

“La música de Josquin es siempre delicada alegre, agradable, suave y graciosa. Nunca forzada ni sometida a las normas, sino libre como el canto del pinzón.”

Según las crónicas, Josquin Des Près, escribía sólo “cuando le daba la gana”.

Esto que ahora nos parece natural, es el inicio de una libertad creadora que se verá consumada tres siglos después, con Beethoven.

Generos de música polifónica.

Canción

Entre los géneros más importantes de esta época, figura la Misa, que constaba de cinco partes, a la cual nos referimos anteriormente, el motete, religioso o profano, a tres o cuatro voces, y la canción, que nace de combinar la técnica altamente desarrollada y la inspiración popular.

La canción en Francia fue llamada Chanson, en Italia: madrigal, y en Alemania: lied.

La canción consta en sus inicios, de tres voces y luego de cuatro; alguna de ellas, a veces era ejecutada por un instrumento.

La coincidencia de los sonidos empezó a cautivar la atención paulatinamente.

En los diagramas siguientes trataremos de explicar este concepto.

En el diagrama A, aparecen varias melodías; la atención está puesta en el desarrollo horizontal de la música.

En el Diagrama B, indicamos la importancia que se empezaba a encontrar en la coincidencia de estos sonidos.

Esto dará lugar como veremos más adelante, a la Armonía.

Con colaboración de: Miguel Angel Gozalez Plata guitarra lider de "Golden Years Band"

Modulo 3

2013-02-01T23:11:00.000-08:00

Etapas de la Polifonía

Este desarrollo puede dividirse en tres etapas importantes:

A). Etapa de la Catedral de Nuestra Señora de París y Perotin el Grande.

B). Etapa de Guillaume de Machault, y

C). Etapa de los músicos flamencos.

La Catedral de Nuestra Señora de París, naturalmente dotada de los mejores recursos musicales de la época, se convirtió pronto no sólo en centro religioso, sino musical. En ella el arte polifónico halla su máxima expresión.

Primera etapa:

Perotin el Grande (siglos XII y XIII)

Entre los músicos de la catedral sobresale Perotín el Grande, organista a quien se considera “padre de la música polifónica”.

Perotín enriqueció la música con el empleo de melodías de líneas elegantes, y fue el primero que desdeñando el “cantus firmus” , lo sustituyó con texto y melodías originales.

Una de las particularidades de la Edad Media es la mezcla curiosísima de elementos profanos y religiosos, ya que los límites entre unos y otros no estaban definidos totalmente.

Un ejemplo de esto es que encontramos figuras grotescas en las catedrales, de animales imaginarios, caras diabólicas que parecen travesuras maliciosas del constructor.

La música análogamente, combinaba música religiosa y profana con la mayor naturalidad. Un motete, por ejemplo, podía estar entretejido con melodías de origen gregoriano, así como una composición polifónica religiosa podía tener entre sus voces polifónicas, alguna melodía de origen profano.

Toda esta riqueza musical, coincidió con la influencia de la recién fundada Universidad por Robert de Sorbonne, convirtiéndose así París en el centro intelectual de toda la cristiandad.

Muy pronto Alemania, Italia y España adoptaban la polifonía como lenguaje universal o tratamiento universal de la música.

Segunda Etapa:

Siglo XIV Guillaume de Machault

El principal exponente de la música de la segunda etapa fue Guillaume de Machault, muerto en 1377.

Guillaume de Machault es uno de los grandes creadores de la época. Músico y poeta a la vez, representa todavía cierto lirismo trovadoresco; con una fina inspiración y gran habilidad contrapuntística, cultivó gran variedad de géneros e introdujo libertades de todo orden en sus composiciones cortas, llenas de frescura y de poesía.

Así lo demuestra en su lema que se ha conservado hasta nuestgros días:

"Quien no crea por sentimiento, falsifica su palabra y su canto"

Misa

Machault convierte la misa en género musical; por el contraste y parentesco que guardan entre sí cada una de las partes de la misa, ésta se perfila ya con una "unidad formal" casi comparable a la unidad que representa una sinfonía.

Más adelante tendremos oportunidad de hablar de la sinfonía como género musical.

Teniendo Machault un espíritu universal, viajó continuamente dejando sentir su influencia sobre casi todos los músicos de la época.

Tercera Etapa

Los Flamencos

Siendo la polifonía una música urbana por excelencia, es natural que naciera en las ciudades más importantes de la época.

La región "flamenca" (Países Bajos y norte de Francia), por su desarrollo económico y espiritual, se prestó para que la polifonía alcanzara en ella su máximo florecimiento y esplendor en los siglos XV y XVI.

El alto nivel de la vida de Flandes quedó reflejado en todas las artes, no sólo en la música, sino también en la pintura y en la arquitectura. Sus músicos se distinguían por una a técnica contrapuntística fantástica y una inspiración aguda; en resumen por una habilidad artística increíble.

Muy pronto todos los centros culturales de Europa se hallaron bajo la influencia de los músicos flamencos: dondequiera que se cultivara el arte de la polifonía, ellos ocupaban los principales cargos.

Otra circunstancia que contribuyó enormemente a lo anterior, fué la edificación de enormes catedrales, donde se instruyeron numerosas "schola cantorum".

La habilidad de estos compositores era tan acentuada, que llegaron a escribir motetes hasta de 36 voces, demostrando una gran maestría en el manejo del contrapunto y los ornamentos musicales.

Ornamentos Musicales

Ornamentos musicales, son la serie de notas o sonidos que rodean los puntos básicos de una melodía (Las notas principales de una melodía), solamente para darle realce y mayor atractivo.

Los príncipes de las cortes empezaron a apasionarse por la música polifónica.Los músicos flamencos, no solamente dirigían el ejercicio de la música en las capillas y catedrales, sino también en las cortes de los reyes de Francia, de Borgoña y otras de gran renombre.

Con colaboración de: Miguel A. Gonzalez PLata guitarra líder de "Golden Years Band"

MODULO 3

2012-02-11T00:21:00.000-08:00

Fabordón

La última forma de polifonía primitiva, llamada “fabordón” (de faux baurdin: falso bajo) consistía en la unión de dos o tres melodías a la distancia de una tercera (por ejemplo: de Do a Mi) o de una sexta (como de Do a La).

Estos intervalos de terceras y sextas habían sido utilizados por los ingleses desde tiempo atrás en la música popular y se cosideraron desagradables hasta el siglo XIII en que se aceptó.

En un piano se puede fácilmente apreciar el efecto de las terceras y las sextas propias del fabordón y compararlo con el efecto de las cuartas y quintas, propias del discantus y el organum.

Haz clic en los videos para ver los ejemplos:

Intervalo de 3ª

Intervalo de 5ª

Intervalo de 4ª

Intervalo de 6ª

Si tocamos al mismo tiempo un Do y un Fa, o un Do y un Sol (cuarta y quinta respectivamente) tendremos un sonido de timbre hueco y pobre, en comparación con la sonoridad obtenida al tocar Do-Mi (tercera) o Do-La (sexta) de timbre más dulce y suave. Más adelante veremos cómo el fabordón será la base del desarrollo armónico.

Mientras el arte de la polifonía iba recorriendo un gran camino, los trovadores iban desapareciendo poco a poco.

Motete

Los últimos trovadores (que ya conocían y utilizaban la notación mensural) empezaron a escribir canciones polifónicas. Estas canciones llamadas “motetes” aparecieron en el siglo XIII, y consistieron, según la técnica polifónica, en tres, cuatro o cinco voces (por voz entendemos “hilos melódicos” o melodías que se desarrollaban al mismo tiempo).

Por su carácter popular (rasgo sumamente apreciado por el pueblo) los motetes cautivaron muy pronto el gusto general. Una particularidad del motete, difícil de comprender para nosotros, es que cada una de las diversas melodías que simultáneamente lo integraban, eran cantadas con textos distintos.

Si oyéramos en la actualidad a cuatro cantantes entonando melodías diferentes que coincidieran armónicamente, pero que tuvieran textos y hasta temas diferentes, nos parecería absurdo. Sin embargo en la época a que nos referimos podemos explicarlo, por la necesidad intuitiva de plenitud sonora, y justificarlo por la independencia rítmica y melódica que así se obtiene.

Contrapunto

La técnica para escribir música polifónica, se llama contrapunto (punto contra punto, o sea nota contra nota) y abarca las leyes y normas que rigen el movimiento simultáneo de las voces.

La técnica ingeniosa del contrapunto, añadida a una rica inspiración popular, hacen del motete la pieza más apreciada de música profana, que alcanzó gran boga en el siglo XIV. A tal punto se popularizó que el Papa Juan XXII en el año 1324 trató de frenar esta popularidad “innoble” con una bula.

Imitación y Canon

Uno de los recursos más utilizados en la música polifónica, es la imitación; así una melodía que aparece en una de las voces, es imitada luego por las otras, mientras todas se desenvuelven simultáneamente.

Pongamos un ejemplo conocido: Todos hemos cantado “Martinillo”, o campanero.

El texto dice así:

Martinillo, martinillo

Dónde estás, dónde estás

Suena la campana, suena la campana

Din don dan, din don dan.

La melodía es introducida por una de las cuatro voces, entendiendo por voz, una línea melódica.

Al empezar el segundo verso de la primera voz, una segunda voz empieza a entonar el primer verso de la melodía. Al terminar este primer verso, otra voz, inicia nuevamente el mismo primer verso de la melodía y así sucesivamente. Cada una de las voces continúa su camino hasta el final, y lo reinicia inmediatamente.

Así aparece una serie de imitaciones ininterrumpidas; este recurso musical, recibe el nombre de “Canon” y antiguamente recibió los nombres de rota, raedel, rueda o rondellus.

Fuga

Otra forma basada en la imitación es la fuga, que se convitió en el esquema predilecto de la música polifónica.

Sobre el Canon y la Fuga, hablaremos extensamente en el tema referente a las formas musicales, La polifonía, como un juguete nuevo, empezó a cautivar el genio de muchos compositores, y por ello a desarrollarse y recorrer un grandioso camino en los centros progresistas y culturales de la época, así como en las grandes catedrales góticas.

Colaboración de: Miguel Ángel González Plata (guitarrista de *Golden Years Band*)

MODULO 3

2011-09-08T01:34:00.000-07:00

DISCANTUS

En el discantus, se seguían utilizando las mismas distancias que en el organum, (cuartas, quintas, octavas y unísono) sólo que en vez de ser movimientos paralelos, se hacía de forma de movimientos contrarios. En otras palabras, las 2 melodías independientes se encontraban separándose y acercándose continuamente, siempre a las distancias permitidas, de cuartas, quintas, octavas y unísono.

Haz clic en el video para ver el ejemplo:

Las melodías gregorianas, núcleo musical de la Edad Media, eran el fundamento del discantus y del organum, y de otras construcciones musicales posteriores.

CANTUS FIRMUS

En el discantus, una melodía de inspiración gregoriana, llamada “cantus firmus”, se veía imitada en movimientos contrarios, por otra voz superior (de más aguda entonación) llamada “superius”.

Algunas veces, la Vox Superius, en vez de seguir paso a paso la melodía gregoriana o cantus firmus, empezaba a rellenar las distancias o tiempo transcurrido entre un sonido y otro, con sonidos de más corta duración, con el fin de darle variedad.

Naturalmente esta complicación inesperada, hacía necesario representar la duración de los sonidos, para que así, el cantante que ejecutaba la melodía sencilla en su forma original (cantus firmus) supiera cuánto tiempo esperar a su compañero que cantaba la vox superius adornada.

Fue así como surgió la notación mensural, donde cada figura se dividía progresivamente en valores de menor duración.

Estas figuras, que señalan solamente la duración de los sonidos y no su entonación, se muestran en el siguiente dibujo:

Esta escritura rudimentaria fue transformándose, paulatinamente, hasta llegar a nuestro sistema actual de notación, que es muy similar.

La notación musical en más detalle, se estudiará más adelante.

Notemos que las dos formas primitivas de polifonía mencionadas hasta ahora (el organum y el discantus) solamente utilizaban las distancias de cuartas, quintas, unísono y octava.

Colaboración de: Miguel Ángel González Plata (guitarrista de *Golden Years Band*)

MODULO 3

2011-04-21T02:18:00.000-07:00

ORGANUM

El organum, como primer forma registrada de polifonía, es el inicio simple, de lo que al paso del tiempo se convertiría en un elemento muy importante dentro de la música, y que en la actualidad es motivo de un estudio profundo y analítico: La Armonía.

Sin embargo, tuvo que pasar mucho tiempo todavía para que la música evolucionara.

En un principio, en el organum, se utilizaban los intervalos, para hacer otra voz, que acompañara a la melodía principal, siguiéndola nota por nota de forma paralela, ya sea con intervalos de 5ª. Superior ó intervalos de 4as. Inferior.

Un ejemplo de melodía monódica, en una sucesión de tonos empezando por la nota Fa:

Haz clic en el video para ver el ejemplo:

Veamos un ejemplo, de cómo se desarrollaba el “organum”, tomando como primer grado el tono de Fa, acompañado de un intervalo de su quinto grado (Do) superior.

Nota: Las notas que van subrayadas, son las notas principales de la melodía, haz clic en pantalla completa del video, para visualizar mejor las notas.

Haz clic para ver el video.

Veamos ahora otro ejemplo con el mismo desarrollo de las notas principales subrayadas, pero ahora con intervalo de su cuarto grado (Do) inferior.

Haz clic para ver el video.

El arte del organum, pronto fue sustituido por otro más refinado: El Discantus

Colaboración de: Miguel Ángel González Plata (guitarrista de *Golden Years Band*)

MODULO 3

2011-04-15T23:37:00.000-07:00

La Polifonía

Si antes la monodia era la música a una sola voz, ahora la polifonía, será el desarrollo simultáneo de dos o más melodías con consonancia. La polifonía, es el resultado de ejecutar dos o más melodías diferentes a la vez, en tal forma que la coincidencia de los sonidos, sea agradable y bien aceptada.

Los primeros intentos polifónicos se pierden en la oscuridad de la historia, a pesar de las múltiples investigaciones.

En el siglo IX, un monje llamado Hucbaldo, escribió que diafonía (como al principio se llamo a la polifonía) es “lo que no consiste en el canto solo, sino en un concierto discordante”.

Otro teórico del siglo XI, dice: “La diafonía es un conjunto de sonidos diferentes, convenientemente unidos. Se ejecuta al menos por dos chantres (cantantes) de tal forma que mientras uno hace oír la melodía principal, el otro, por sonidos diferentes, circula convenientemente alrededor de esta melodía, y a cada pausa las dos voces se unen en unísono u octava”.

Aunque los trovadores se hacían acompañar por diversos instrumentos, éstos solo imitaban el canto, al unísono o a la octava. Si alguna vez se desviaban, era solamente en forma casual, para producir una especie de “heterofonía”.

ORGANUM

La primera forma registrada de polifonía primitiva es la llamada “organum”. Se habla de ella desde el siglo IX. El organum consiste en una melodía que se imita a ciertos intervalos de distancia. Recordemos que un intervalo es la distancia entre dos sonidos.

El organum es una melodía que se imita a un intervalo de quinta superior (cinco grados hacia el registro agudo), o a una cuarta inferior (cuatro grados hacia el registro grave).

Veamos un ejemplo:

Tomemos como primer grado la nota Fa: I - Fa

(Haz click en el video para escuchar la nota)

Buscamos su quinto grado superior (cinco grados hacia el registro agudo):

I – Fa II – Sol III – La IV – Si V – Do VI – Re VII – Mi VIII – Fa

(Haz click en el video para escuchar el intervalo con quinto grado ascendente)

Como habíamos dicho anteriormente, el primer grado es el que va a regir el funcionamiento de los demás grados (sonidos).

A partir del primer grado, a los sonidos ascendentes, se le van asignando los grados consecutivos. Formando los grados superiores.

Ejemplo:

I – Fa II – Sol III – La IV – Si V – Do VI – Re VII – Mi VIII – Fa

Y a los sonidos descendentes, se les va asignando sus grados consecutivos de forma inversa. Formando los grados inferiores.

Ejemplo:

VIII – Fa VII – Sol VI – La V – Si IV – Do III – Re II – Mi I – Fa

Busquemos su cuarto grado inferior (cuatro grados hacia el registro grave):

VIII – Fa VII – Sol VI – La V – Si IV – Do III – Re II – Mi I – Fa

(Haz click en el video para escuchar el intervalo con cuarto grado descendente)

Vemos claramente que los dos intervalos que se forman tanto con el quinto grado de forma ascendente, como el cuarto grado de forma descendente, son el “mismo” tono, pero con diferencia de una octava, o sea en dos posiciones diferentes de Fa.

Colaboración de: Miguel Ángel González Plata (guitarrista de *Golden Years Band*)

MODULO 3

2011-03-29T00:57:00.000-07:00

Introducción

Quizá cuando estuvo en la primaria ó secundaria, en los festivales, participo en algún coro y oyó hablar de la primer, segunda y tercera voz, es por eso que ahora, esta forma de cantar le parece la cosa más natural.

Sin embargo, cantar a varias voces no era nada natural en el siglo XI; por el contrario, cantar así, en ese tiempo, era solamente una tímida innovación artificiosa.

Para una mejor comprensión de este modulo, daremos una breve introducción de los GRADOS de la escala y sus INTERVALOS. El análisis profundo del estudio de los grados de la escala y los intervalos, se tratará en su momento.

Los grados de una escala se representan con los números romanos:

I – II – III – IV – V – VI – VII – VIII

Tomemos la escala natural de Do a Do (Teclas blancas del teclado):

Do – Re – Mi – Fa – Sol – La – Si – Do

Ahora veamos como se forman los grados en esta escala de Do:

I.- Do II.- Re III.- Mi IV.- Fa V.- Sol VI.- La VII.- Si VIII.- Do

El primer grado es el que va a regir el funcionamiento de los demás grados (sonidos).

Veamos ahora los modos, de las demás escalas, tomando en cuenta siempre la forma ascendente de éstas y la disposición de los grados. (Recordemos que estamos utilizando solo las teclas blancas del teclado).

I.- Re II.- Mi III.- Fa IV.- Sol V.- La VI.- Si VII.- Do VIII.- Re

I.- Mi II.- Fa III.- Sol IV.- La V.- Si VI.- Do VII.- Re VIII.- Mi

I.- Fa II.- Sol III.- La IV.- Si V.- Do VI.- Re VII.- Mi VIII.- Fa

I.- Sol II.- La III.- Si IV.- Do V.- Re VI.- Mi VII.- Fa VIII.- Sol

I.- La II.- Si III.- Do IV.- Re V.- Mi VI.- Fa VII.- Sol VIII.- La

I.- Si II.- Do III.- Re IV.- Mi V.- Fa VI.- Sol VII.- La VIII.- Si

A la distancia entre dos sonidos, ya sea que se ejecuten de forma simultanea ó sucesivamente, se llama INTERVALO.

A los intervalos se les llama por su función con respecto a la distancia del primer grado.

Por ejemplo, en la escala de Do; A la distancia entre el Do y el Mi se llama intervalo de tercera, puesto que abarca tres grados:

I.- Do II.- Re III.- Mi

Analicemos los intervalos de la escala de Do, con respecto a sus distancias:

I.- Do a II.- Re Intervalo de segunda

I.- Do a III.- Mi Intervalo de tercera

I.- Do a IV.- Fa Intervalo de cuarta

I.- Do a V.- Sol Intervalo de quinta

I.- Do a VI.- La Intervalo de sexta

I.- Do a VII.- Si Intervalo de septima

I.- Do a VIII.- Do Intervalo de octava

De igual forma, tomando los demás tonos como primer grado y sus tonos consecutivos, podemos analizar los intervalos de cada escala.

I.- Re a II.- Mi Intervalo de segunda

I.- Re a III.- Fa Intervalo de tercera

I.- Re a IV.- Sol Intervalo de cuarta

I.- Re a V.- La Intervalo de quinta

I.- Re a VI.- Si Intervalo de sexta

I.- Re a VII.- Do Intervalo de septima

I.- Re a VIII.- Re Intervalo de octava

Y así, sucesivamente con cada escala de tonos naturales (teclas blancas).

(Se recomienda como ejercicio, escribir en un cuaderno todas las escalas y sus intervalos, siguiendo los ejemplos ya descritos).

Música Polifónica de Occidente

Hasta este punto de la nuestra exposición, toda la música se ha desarrollado en forma monódica (un tono (sonido) tras otro); pero muy pronto, la monodia empieza a ser insuficiente como expresión musical de la vida. La existencia en la época feudal, recelosa y solitaria, concentrada alrededor de un castillo, empieza a hacerse más segura, más cómoda y tranquila. Se desarrollan las ciudades donde aparecen nuevas actividades artísticas, se inventa la imprenta y se descubre América.

En esta transición, el espíritu se orienta hacia horizontes más variados; y si antes el ideal estaba en la vida de ultratumba y se plasmaba en música de inspiración religiosa, ahora, a través de los juglares y trovadores, y del resurgimiento de la música popular, la música refleja ideales mundanos.

Todos estos cambios se ven retratados en una innovación musical: La Polifonía.

Colaboración de: Miguel Ángel González Plata (guitarrista de *Golden Years Band*)

MODULO 2 EL CAMINO DE LA MUSICA (PARTE 5)

2011-03-19T02:11:00.000-07:00

El Camino de la Música (Parte 5)

La música eclesiástica transformada por el pueblo.

El pueblo, por su parte, al tiempo que se desarrollaba la música de los trovadores, iba poco a poco haciendo suya la música de liturgia.

En la Abadía de San Gall, dos monjes, Tutilo y Notker Balbulis, idearon formas de simplificar para el pueblo algunos cánticos de por si complicados por medio de trucos ingeniosos, llamados secuencias y tropos.

Melismas

Los cantos melismáticos gregorianos (música oficial de la iglesia, y única permitida), eran de ejecución sumamente complicada, pues no siempre correspondía una silaba a una nota, sino que por lo general, a una sílaba le correspondían una serie de notas (sonidos), en la siguiente forma:

Naturalmente, entonar toda esa serie de “adornos” (ornamentos musicales) resultaba demasiado complicado para el pueblo, que no podría aprenderse de memoria tanta complicación. Fue por eso que los monjes de la Abadía de San Gall, Tutilo y Notker, idearon formas de facilitar estas melodías, acomodando a estos adornos musicales, llamados melismas, textos diferentes a la repetición de las vocales, en la siguiente forma:

Tropos, originados en el “Kyrie eleison” (Señor ten piedad)

Muy pronto estos melismas se empezaron a rellenar, no ya en latín, sino en lenguajes vulgares, y los textos nuevos crecieron desmesuradamente. Una consecuencia increíble de los tropos, fue el desarrollo gradual que fueron teniendo los textos que se intercalaban, a tal grado que dieron origen a verdaderas representaciones teatrales en los atrios de las iglesias; los misterios o Autos Sacramentales.

Origen del Teatro

Después, como una derivación de los misterios, aparecieron otras representaciones de índole popular y profana llamados “Jeux” o juegos. El jeu más antiguo es el “Jeu de Robin y Marion”, (juegos de Robin y Marion) atribuido a Adam de la Halle, de fines del siglo XIII: Esta obra es una especie de popurrí, integrado por todos los aires de danza y francachelas de la época, que hasta hace poco tiempo representaban anualmente los estudiantes de Soborna.

A la par que se extendía la música de los trovadores y que se popularizaba la música eclesiástica, se iba haciendo necesario inventar sistemas mejores de escritura musical, ya que la notación gregoriana, a base de neumas, resultaba insuficiente.

Primero se utilizaron dos líneas para escribir los sonidos, una roja y una amarilla, donde se escribían el Fa y el Do; las demás notas se entonaban en relación a estas.

El número de líneas fue variando mucho hasta que posteriormente quedo determinado.

Guido D’Arezzo

Por esos tiempos, en el año de 1025, Guido D’Arezzo, gran teórico musical italiano, al entonar un himno a San Juan, observo que la primera silaba de cada verso empezaba un grado de la escala (teclas blancas) más arriba del anterior, y decidió llamar a cada uno de estos sonidos de acuerdo con la silaba que le correspondía.

El texto de este himno (para pedirle a San Juan la preservación de la voz), decía:

Ut quaent laxis

Resonare fibris

Mira gestorum

Famuli tuorum

Solve poluti

Labi reatum

Sancte loanis

El resultado fue la sucesión ascendente: ut (do), re, mi, fa, sol, la.

Hay que aclarar que las escalas de aquella época tenían solamente 6 notas; la séptima fue un agregado posterior.

Fue en el siglo XII, cuando apareció una forma de representar la duración de los sonidos.

Canción Popular

Todos estos progresos coincidieron con el desarrollo de las lenguas vulgares (las lenguas de las diferentes naciones que fueron substituyendo al latín) y con el nacimiento y desarrollo de la canción popular. La música popular, como la mayor parte de la música, fue el resultado de la mezcla de restos de música autóctona y de música cristiana o canto gregoriano.

Instrumentos

Los instrumentos que acompañaban casualmente la música popular de esta época, eran principalmente laúdes, salterios, órganos portátiles, arpas, y algunos instrumentos rudimentarios de cuerda con arco: Recordemos que simultáneamente con esta música, la música religiosa se ejecutaba sin ningún acompañamiento instrumental, ya que los instrumentos, por sus orígenes paganos, eran considerados como indeseables por las autoridades eclesiásticas.

Este género de inspiración libre, espontánea, y natural, de parte del pueblo mismo, tomo gran importancia en el siglo XIV, en tal forma que se considera el año 1300, como la cuna de la canción popular.

Crónica de Limburgo

Una crónica de 1370, llamada Crónica de Limburgo, relata que un monje leproso que vivía en una isla del Main, “era el autor de las mejores canciones del mundo de la poesía y la música, que cantaba la gente con verdadero placer”.

Este florecimiento de la canción popular fue muy notable en Alemania, donde hay una colección de canciones, verdaderas joyas musicales de la época, agrupadas en el Cancionero de Manheim, que data de la primera mitad del siglo XV.

Colaboración de: Miguel Ángel González Plata (guitarrista de *Golden Years Band*)

MODULO 2 EL CAMINO DE LA MÚSICA (PARTE 4)

2011-03-08T21:07:00.000-08:00

El Camino de la Música (Parte 4)

Música popular de la Edad Media

Siempre ha existido la música popular, no hay pueblo sin música. Paralelamente al canto monódico de la iglesia, existió una música profana. Sin embargo, esta música parecía muy desagradable y estridente a los tranquilos oídos cristianos, acostumbrados al canto gregoriano, como se relata en una crónica de los primeros siglos de nuestra era, donde se habla de la música popular: “….Entre los pueblos, los galos (ingleses) y los alemanes son los que están menos en situación de adoptar el canto gregoriano. Ello es debido a su ligereza y salvajismo. Las voces ásperas, duras, salvajes, enronquecidas por el alcohol de las gentes de los Alpes, que braman como truenos, no son aptas para la suave modulación….”

Otra crónica escrita en el siglo VII dice: “….Solo son capaces de cantar aquellas suaves melodías en forma parecida al estruendo que hace un carro al bajar rápidamente por una pendiente, de tal manera que en vez de acariciar con su canto, excitan con sus bramidos”….

La música popular que coexistía con la música gregoriana, era de origen pagano y en una época en que el cristianismo luchaba por extenderse, tuvo necesariamente que ser combatida. Ludovico Pío, hijo de Carlomagno, proscribió en el siglo IX definitivamente los cantos populares y solo reconoció el canto eclesiástico como única expresión de la cultura musical. En esa forma, la música autóctona, o sea aquella música propia de las diferentes regiones, fue relegándose poco a poco a los marginados de la sociedad. Estas tradiciones musicales no se extendieron totalmente, gracias a la existencia de músicos ambulantes que continuamente recogían melodías autóctonas y las divulgaban en sus correrías.

Bardos y Goliardos

En la antigua Grecia existieron unos poetas ambulantes sumamente apreciados, llamados bardos, que recorrían el país cantando poemas clásicos. Los bardos fueron desapareciendo paulatinamente, dejando su lugar a distintos grupos herederos de este género, aunque de prestigio muy diferente. Estos personajes muy curiosos fueron los llamados “clérigos vagantes”. Estos personajes legendarios eran jóvenes que se decían herederos de una tradición sacerdotal. Procedían, según ellos, de una orden sacerdotal fantástica fundada por un tal obispo Golias, por esa razón se llamaban también goliardos.

Aparecieron en tiempos de Carlomagno, y agrupaban personas de todas las nacionalidades. Los goliardos sabían leer y escribir, y generalmente, hasta donde se ha podido saber, aplicaban cantos regionales a las poesías cuyos textos podían ser graciosos, burlescos, y hasta obscenos y escandalosos. Aunque conocían la lengua oficial, el latín, les gustaba convertirlo en un lenguaje deformado y vulgar, pero simpático.

Juglares

Con frecuencia los clérigos vagantes eran seguidos e imitados por otro tipo de personajes llamados juglares; los juglares recibieron diferentes nombres según las regiones: guibilari, juglares, jougeurs, menestriers, ministrels, etc. Eran además de músicos, hábiles malabaristas y saltimbanquis. Divertían a la gente con su gran variedad de habilidades, a cambio de una copa de vino, unas monedas o albergue. Como los goliardos, los juglares vagaban siempre de un sitio a otro, ya que la poca extensión de su repertorio los obligaba a ir en busca de un nuevo auditorio para sus gracias.

Los juglares eran objeto de continuas persecuciones, pues su existencia era desaprobada no solo por las autoridades de la iglesia, sino también por las civiles. A pesar de ser desaprobados públicamente, eran muy apreciados por el pueblo, ya que hablaban el lenguaje musical propio del pueblo mismo.

Es muy probable que la mayor parte de los juglares no compusieran sus canciones, sino que solo aplicaban sus composiciones poéticas en latín vulgar a melodías ya conocidas.

Al paso del tiempo, con el incremento de la tradición juglaresca, las persecuciones cesaron y ya para el siglo XI, los juglares mas notables eran recibidos en las cortes, y con frecuencia se veía a un caballero noble haciéndose acompañar por un juglar.

Trovadores

Muy pronto los juglares contagiaron a los señores de la corte, lo que dio origen a los trovadores, que eran caballeros cortesanos que imitaban a los juglares.

El movimiento de los trovadores nació en el sur de Francia, llamado entonces “tierra de Oc.”, y rápidamente se extendió al resto de Francia y Europa. Se supone que los trovadores, o al menos la mayor parte de ellos, a diferencia de los juglares, componían a la vez la letra y la música de sus canciones, que en sus manos adquirieron matices más delicados.

Las Cruzadas y su influencia

Las cruzadas, iniciadas en el año de 1095, facilitaron que se ampliara el radio de acción de los trovadores, con los continuos y largos viajes de los caballeros guerreros. Los trovadores, jóvenes de origen noble, cuya educación con frecuencia era confiada a algún monje, absorbieron el sentido espiritual de la cultura de la iglesia y lo incorporaron a sus cantos. Pero muy pronto los trovadores, que con frecuencia cantaban a la Virgen María, con parecido respeto y admiración volvieron los ojos hacia sus damas, dando origen a un género riquísimo de canciones de amor profano. En igual forma, de los himnos a las imágenes sagradas, muy pronto se derivaron cantos heroicos, así como leyendas e historias tristes del campo de batalla, historias de fidelidad en la amistad, lucha por un ideal, etc.

El carácter de las canciones de los trovadores, se comprueba por el nombre que estos “poetas musicales” recibieron en Alemania: “minnesinger”, que significa cantores de amor.

La llegada de un trovador a la corte era un feliz acontecimiento que venia a alegrar la triste y fría vida de los castillos solitarios, aislados por la necesidad de defenderse de los ataques de los demás estados feudales.

Los trovadores tuvieron gran popularidad por los temas profanos de sus canciones. Su producción fue muy grande. Se conocen más de 400 nombres de trovadores (oriundos del sur de Francia), y 260 de sus canciones. De los troveros (trovadores del norte de Francia) se conocen cerca de 2,000 canciones. Al entonar su música, los trovadores se hacían acompañar, generalmente, por un arpa o laúd, o por un órgano portátil, que es un instrumento profano de muy antiguo origen.

Por su contenido, las canciones de los trovadores pueden dividirse en los siguientes grupos:

a). Historias cantadas o canciones de gesta, llamadas también canciones de telar o rueca. En ellas se narraban hechos heroicos, largas historias de amantes lejanos, o historias de ambiente pastoril.

b). Canciones de amor. c). Canciones de carácter político y satírico, y d). Canciones piadosas.

En cuanto a su forma, podían ser: a). Canciones con estribillo. Por estribillo se entiende por ejemplo, el trozo “Mexicanos al grito de guerra…..” de nuestro Himno Nacional que se intercala con las estrofas. b). Canciones sin estribillo y c). Canciones con estribillo diferente entre cada estrofa.

El estribillo y la estrofa, son los elementos que más tarde darán origen a las estructuras musicales de nuestros tiempos.

El papel de los trovadores influyo grandemente en la estructura de la música. Los juglares y los trovadores relataban sus canciones en verso, lógicamente tenían que ajustar los patrones musicales a la estructura poética.

Naturalmente existía también música de danza, que se distinguía por su regularidad rítmica necesaria para bailar.

Reyes Trovadores

Entre los trovadores hubo algunos reyes que se distinguieron por su inspiración y talento. Entre ellos se destacan: Ricardo Corazón de León y Alfonso X el Sabio (1221-1289), Rey de Castilla y de León, autor de las Cantigas de Santa Maria.

En forma paralela al desarrollo de esta música profana, el latín iba paulatinamente desapareciendo, y dando origen a las lenguas vulgares, en las que los últimos trovadores escribieron sus canciones.

Colaboración de: Miguel Ángel González Plata (guitarrista de *Golden Years Band*)

MODULO 2 EL CAMINO DE LA MUSICA (PARTE 3)

2011-03-02T13:24:00.000-08:00

EL CAMINO DE LA MUSICA (PARTE 3)

La música occidental es totalmente diferente a la oriental. Pero es en Oriente donde debemos buscar las raíces de nuestra música.

La música de los primeros cristianos

La música de los primeros cristianos es música eminentemente oriental. En el año 54 después de Cristo, San Pedro fundo en Roma la sede del cristianismo, y la ebullición subterránea de este nuevo espíritu en las catacumbas de Roma, impulsó a los primeros cristianos a alabar a Dios por medio de cánticos.

Sin embargo, la música romana de la época estaba asociada a la vida pagana y superficial que llevaban la mayor parte de los romanos. Por ello los primeros cristianos no adoptaron estos cánticos para acompañar sus oraciones, y fácilmente se sintieron subyugados por el carácter de las melodías orientales que San Pedro introdujo a Roma.

Los salmos son cantos de origen Hebreo con letra tomada del antiguo testamento, y los himnos, son canciones de alabanza de origen griego. Estos cánticos de origen oriental, introducidos a Roma, estaban basados en una melodía, sin acompañamiento de ninguna clase, y fueron la base del desenvolvimiento de la música durante mil años.

Los cristianos tenían la costumbre de reunirse en un día determinado al amanecer, para alabar a Cristo, con un canto alterno, que es el que se desarrolla entre dos coros, uno de los cuales responde al otro. En la liturgia católica, el canto alterno recibe el nombre de antífona y se canta con la participación de dos coros, ó bien, con un solista y la congregación.

Los Himnos de San Ambrosio

En el año de 323 d.C. Constantino declaro el cristianismo como religión oficial. Este suceso acelero la propagación de la fe cristiana por todo el imperio romano, y la nueva música cristiana fue un arma poderosa para catequizar a las tribus bárbaras de tierras europeas. San Ambrosio, Obispo de Milán (333-397 d.C.), influyo grandemente en el desarrollo de esta música, al introducir de Antioquia una serie de cánticos en forma de antífona. Compuso también himnos de gran encanto melódico de carácter popular.

Los himnos de San Ambrosio, más los ya existentes, pronto se divulgaron por toda Italia, e inspiraron la creación de otros nuevos. Algunos de estos himnos, aun se cantan en la Catedral de Milán.

Antifonario del Canto Gregoriano

El imperio romano, en aquellos tiempos, sufría constantemente agresiones por parte de los pueblos bárbaros, con las consecuentes migraciones de sus pobladores. Esta situación provoco una dispersión muy desordenada de estas melodías, además de la alteración natural producida por el gusto de los habitantes de cada región

En el año 600, después de haberse disuelto el imperio romano de Occidente, el Papa San Gregorio Magno se preocupo de la dispersión de estos cantos cristianos y ordeno una recopilación y ordenación de ellos. Esta agrupación contenía variantes de todas las melodías de la Iglesia Católica primitiva, y constituye hasta hoy, el canto litúrgico católico oficial, que sigue teniendo los elementos orientales, hebreos y griegos de su origen.

Este conjunto de melodías constituye el Antifonario del Canto Gregoriano, llamado así en honor de San Gregorio. Los elementos que lo integran son melodías propias para cada uno de los actos litúrgicos y las fiestas de la Iglesia. Es por así decirlo, el lenguaje típico de la Iglesia Católica, y se canta en latín.

Durante muchos siglos, el Antifonario original permaneció atado al altar de San Pedro, pero posteriormente se perdió. A fines del siglo XIX, se organizo en Francia una verdadera cruzada a favor del canto llano, como también se le llama al canto gregoriano. Después de muchos esfuerzos en la búsqueda de los más antiguos manuscritos, se reconstruyeron las melodías con toda su pureza primitiva. El Papa Pío X confió a los monjes benedictinos de la abadía de Solesmes, la misión de organizar una edición de esos cánticos, que se llamo Edición Vaticana del Canto Gregoriano. Esta edición se hizo oficial el 22 de noviembre de 1903, cuando el canto gregoriano quedo reconocido como canto oficial de la Iglesia Católica. En la actualidad, algunos actos litúrgicos de la Iglesia Católica se acompañan por melodías gregorianas entonadas, como toda la música gregoriana en latín.

Fundación de las Escuelas de Canto

Alrededor del siglo VIII se hizo evidente la necesidad de fundar hermandades monacales donde se entrenaran monjes que supieran ejecutar con la mayor pureza todos estos cánticos espirituales. Estas hermandades se llamaron “Schola Cantorum” y se fundaban en las abadías, conventos, capillas o catedrales.

Una de las más famosas y la más importante en el ejercicio de la música durante toda la Edad Media, fue la Schola Cantorum de la Abadía de San Gall, fundada en el año 720, en una región de la Suiza actual, y muy pronto se convirtió en el modelo de toda la ejecución del canto gregoriano de la época.

La Leyenda del Monasterio de San Gall

Cuenta la leyenda que siendo Carlomagno emperador de los francos (año 768 d.C.), después de haber impuesto la unidad de fe y rito en todo su inmenso reino, pensó que era necesario mandar traer una copia autentica del Antifonario del Canto Gregoriano, para unificar así la forma de entonar esos cánticos, ya que cada pueblo quería cantar “a su manera”. Recordemos que aun no hablamos de escritura musical; la ejecución de estos cánticos se transmitía oralmente ayudada solamente por ciertos signos llamados “neumas”.

Ante la petición de Carlomagno, el Papa Adriano comisiono a dos monjes, Pedro y Romano, para que llevaran desde Roma copias del autentico antifonario. Uno de ellos Romano, enfermo en una etapa de su viaje y se quedo en el monasterio de San Gall con una copia del antifonario que fue rápidamente reproducida por los monjes. Fue así como San Gall, destinada a ser un gran núcleo cultural de la época, se convirtió en un importante centro del canto litúrgico autentico, y es allí donde surgirán algunas innovaciones importantes de la música.

Monodia y Ritmo Libre

Todos los cánticos son monódicos, es decir, consisten en una sola línea melódica, sin armonía y sin acompañamiento alguno. La melodía puede ser entonada por una persona ó por un grupo de cien, por decir algo, sin perder su carácter monódico.

El canto gregoriano no tiene “medida”, no esta organizado en un esquema preciso de igual duración donde se agrupan los sonidos: esta basado en lo que podemos llamar ritmo libre. Los sonidos se reúnen en grupos de dos o tres, pero su sucesión es libre. Se cantan con acentos naturales que equivalen a los acentos naturales que se hacen al hablar, sin un lugar fijo de colocación. En cambio en poesía, los acentos recurren cada cierto tiempo.

Los modos del canto gregoriano están basados en los modos griegos que mencionamos anteriormente, pero en sentido inverso, ya que en el canto gregoriano las escalas son ascendentes. De ellos utilizaban cuatro, equivalentes a las escalas resultantes de las notas blancas del teclado yendo de Re a Re, de Mi a Mi, de Fa a Fa, y de Sol a Sol. Estos se llamaban modos auténticos, en contraposición a otros, llamados plagales.

Neumas

La notación de toda la música griega era a base de letras, mientras que la notación del canto gregoriano era a base de “neumas”, pequeños signos, puntos y acentos que se escribían sobre los textos, agrupándose ó distanciándose, como un recurso para que los cantantes, que ya habían recibido la melodía por tradición, pudieran entonarla con mayor precisión rítmica. Esta notación musical, seguía siendo un recurso nemotécnico solamente, estando muy lejos aun de la moderna escritura musical.

Las melodías gregorianas son de honda inspiración religiosa y comunican una gran paz. Hablan de un mundo extraterreno y se pueden definir como una gran concentración de lo espiritual, donde se encierra la esencia del cristianismo.

Colaboración de: Miguel Ángel González Plata (guitarrista de *Golden Years Band*)

MODULO 2 EL CAMINO DE LA MÚSICA (PARTE 2)

2011-02-18T18:49:00.000-08:00

EL CAMINO DE LA MUSICA (PARTE 2)

La música desde su nacimiento en la prehistoria, dado el poder divino que se le atribuye, siempre estuvo ligada íntimamente con las creencias religiosas de los pueblos.

Como hemos visto en la cultura China, que es una de las civilizaciones más antiguas (más de 3,000 años a. de C.), la música era sumamente importante.

La música en Asia, se fue extendiendo hacia otros países y otros continentes, ya sea por guerras, conquistas, viajeros, mercaderes, y un sinnúmero de situaciones en el transcurso del tiempo y a través de los siglos.

LA MÚSICA EN EL PUEBLO HEBREO.

El pueblo Hebreo tenía un gran talento para la poesía y la música, que se distinguía por su carácter eminentemente religioso. Las sagradas escrituras se encuentran llenas de referencias musicales, en el antiguo testamento, David, rey de Israel (1010-970 a. de C.), siempre es representado con un arpa en las manos, y Salomón su sucesor, autor de “El Cantar de los Cantares”, tenia fama de gran músico, que cuenta la historia que la reina de Saba, atravesó todo el desierto desde su lejano país en Arabia, para escucharlo, ya que era célebre por su arte musical.

Siendo el pueblo judío eminentemente tradicionalista, ha sabido conservar el sello oriental de su música a pesar de su dispersión por el mundo.

LA MÚSICA EN GRECIA.

Aunque Grecia pertenece a Europa, no podemos considerar la música griega de la antigüedad como “europea”. Grecia representaba la suprema cultura de un mundo eminentemente asiático. La música que conocemos por europea, se iniciara hasta algunos siglos más tarde, durante la Edad Media.

La música griega de la antigüedad tiene para nosotros una gran importancia, ya que su teoría musical es la base de la música actual.

La historia griega en el mundo antiguo abarca más de 1,000 años a. de C. y durante todo ese tiempo, sufrió grandes altibajos ésta gran cultura. Como la música y el arte en general son testimonio de la vida y la cultura de un pueblo, es lógico pensar que la música griega no haya podido sustraerse a esos cambios.

LA MÚSICA Y LOS ACTOS RELIGIOSOS GRIEGOS

Los actos religiosos de los griegos iban acompañados de música. Entre ellos destacan las ceremonias musicales en honor del dios Dionisos ó Baco, en las cuales aparece un factor muy importante del drama griego: el Coro.

El coro griego tenía múltiple acción en las representaciones teatratales y ceremonias religiosas; era relator, consejero del actor, voz divina ó conciencia, y también actuaba como las modernas orquestas, llenando los intervalos de la acción dramática con los fondos musicales.

INSTRUMENTOS GRIEGOS

La música griega fue esencialmente vocal. Todas las obras líricas se cantaban, y solo se hacían acompañar de instrumentos para sostener la voz, ó para proporcionarle ritmo. Estos instrumentos podían ser de percusión, como el crótalo y las castañuelas; de cuerdas como la lira y la citara; de viento como la siringa, formada por una serie de cañas unidas, como la flauta de pan, y el aulos, instrumento muy parecido al clarinete.

MODOS GRIEGOS

Los griegos tuvieron sistemas musicales muy avanzados, y al igual que los chinos, seguían considerando la escala musical “descendente”.

También atribuían a cada sistema musical el efecto que tienen en el espíritu humano.

A estos sistemas musicales les llamaron “Modos”, cada uno de estos modos recibía el nombre de diferentes regiones griegas.

Daremos un ejemplo muy sencillo para explicar los “Modos”.

Volvamos al teclado del piano:

Si presionamos las teclas blancas, de Do a Do de forma “descendente” (de agudo a grave) estaremos produciendo una escala que los griegos llamaron el “MODO LÍDIO”

Modo Lidio: Do–Si–La–Sol–Fa–Mi–Re–Do

De Re a Re “MODO FRÍGIO”

Modo Frigio: Re–Do–Si–La–Sol–Fa–Mi–Re

De Mi a Mi “MODO DÓRICO”

Modo Dórico: Mi–Re–Do–Si–La–Sol–Fa–Mi

De Fa a Fa: “MODO HIPOLÍDIO”

Modo Hipolídio: Fa–Mi–Re–Do–Si–La–Sol–Fa

De Sol a Sol: “MODO HIPOFRÍGIO”

Modo Hipofrígio: Sol–Fa–Mi–Re–Do–Si–La–Sol

De La a La: “MODO HIPODÓRICO”

Modo Hipodórico: La–Sol–Fa–Mi–Re–Do–Si–La

De Si a Si: “MODO MIXOLIDIO”

Modo Mixolidio: Si–La–Sol–Fa–Mi–Re–Do–Si

El Dórico de Mi a Mi, fue considerado como modo de éxtasis de carácter incitante, transmitido a las melodías basadas en él. El Lidio era el tono de la gracia, el Mixolidio de la queja, etc. Los modos mencionados ejemplifican el sistema musical griego, pero debemos advertir que los griegos utilizaron también otros sistemas más complicados.

La música griega, como toda la música en la antigüedad, carecía de acordes ó acompañamiento. Constaba solamente de una melodía acompañada por instrumentos al unísono ó a la “octava”. Por “unísono” entendemos la ejecución simultánea de una melodía con la misma entonación, en 2 instrumentos, ó con la voz y un instrumento, ó por un grupo de voces que cantan las mismas notas. Por ejecución a la octava entendemos una ejecución como la anterior, solo que con la distancia de una octava de por medio entre cada voz ó instrumento. Es muy importante saber que las obras atribuidas a Homero (siglo X a.C.), como la Ilíada y la Odisea, eran dichas con una especie de canto recitado, como el que acabamos de describir.

ESCRITURA MUSICAL GRIEGA

Uno de los grandes meritos de los griegos, fue la invención de un sistema de escritura musical, en el cual utilizaban letras del alfabeto y otros signos auxiliares para determinar la posición del sonido. Hay indicios de que en alguna época tuvieron 2 sistemas de escritura musical diferentes, uno para la música vocal y otro para la música instrumental.

El ritmo del verso determinaba el ritmo de la música, lo mismo pasó con la música cristiana. La música en Grecia estaba totalmente incorporada a la vida y acompañaba siempre todo tipo de celebraciones. Al estar tan estrechamente ligada a la vida, la música se convierte en patrimonio general y se empieza a vislumbrar en ella toda la fuerza de un arte independiente.

LA MÚSICA EN ROMA

Al perder Grecia su poderío en manos de los romanos, sucedió el común fenómeno de que el pueblo vencedor adopte gran parte de la cultura del pueblo vencido. Por eso los romanos absorbieron gran parte del patrimonio musical griego. Sin embargo, el pueblo romano, guerrero por excelencia, no supo comprender la gran profundidad y refinamiento de la música griega, y en manos de ellos aquel arte de magnifica tradición se convirtió, de solaz espiritual, en una simple distracción.

Los grupos musicales en Roma adquirieron grandes proporciones y se instituyeron orquestas de viento y coros descomunales. En el año 60 antes de Cristo, la música paso a ser obligación de los esclavos, como elemento de goce para sus amos.

Los romanos sentían verdadera pasión por el ritmo, la danza y el canto. Los instrumentos de origen griego como la lira, la cítara, la cornamusa (instrumento antiguo muy parecido a la gaita), unidos a instrumentos de percusión, acompañaban las voces.

Entre la alta sociedad había músicos apasionados como Nerón, cuyo valor musical desconocemos, pero de quien sabemos que al morir exclamo: “¡Qué gran artista pierde el mundo conmigo!”

La música en Roma acompañaba las representaciones teatrales, los juegos, los banquetes y hasta los sacrificios en el Gran Circo Romano, donde muchas veces, al son de la música, los primeros cristianos fueron sacrificados.

Los romanos, al igual que los griegos, utilizaron letras de su alfabeto para representar los sonidos, y aunque cambiaron el sentido espiritual de la música, conservaron la teoría musical griega.

La primera música cristiana nace en el corazón de Roma, en las catacumbas, y es ahí en donde comienza la enorme proyección hacia el panorama universal de la música actual.

Colaboración de: Miguel Ángel González Plata (guitarrista de *Golden Years Band*)

MODULO 2: EL CAMINO DE LA MÚSICA (PARTE 1)

2011-02-15T12:57:00.000-08:00

LA MÚSICA CHINA

El material sonoro en occidente consta de 12 sonidos diferentes. Estos 12 sonidos se repiten 10 octavas dando un total de 120 sonidos.

De los 12 sonidos distintos que constituyen una octava, siete de ellos, constituyen una escala, que es una sucesión de sonidos ascendente ó descendente en la cual esta basado un sistema musical determinado.

Como ejemplo de una escala de nuestro sistema, tenemos a las teclas blancas de Do a Do (teclas blancas)

En contraste con nuestro sistema, las escalas chinas se componían de cinco sonidos (teclas negras). Posteriormente (siglo XII a. de C.) se agregaron 2 sonidos más a su sistema, pero solo como notas de paso ó adornos. La escala formada por los cinco primeros sonidos de los 23 obtenidos por Ling-Lung estaba formada por estas notas.

Recordemos la escala “Pentatónica” de forma descendente (de agudo a grave):

1.- Fa sostenido - King - emperador.

2.- Re sostenido - Chang - ministro.

3.- Do sostenido - Kio - servicios públicos.

4.- La sostenido - Yu - población urbana.

5.- Sol sostenido - Chi - población rural.

Esta secuencia puede alterarse poniendo las notas en diferente orden:

2, 3, 4, 5, 1 ó 3, 4, 5, 1, 2 ó 4, 5, 1, 2, 3 ó bien 5, 1, 2, 3, 4, etc.

A cada una de estas distintas ordenaciones se les llama “modos”. Los chinos, como casi todos los pueblos orientales de la antigüedad, atribuían a estas escalas y a sus modos, la capacidad de despertar ciertas emociones ó evocar ciertas imágenes. Así las melodías que utilizaban el modo de la escala que empezaba en el sonido King, eran propias para despertar buenas ideas. Las melodías sobre los sonidos de la escala iniciada en el sonido Chi, proporcionaban alegría y servían para las conquistas amorosas.

Estas consideraciones eran validas no solo para la música en China, sino también para casi todas las civilizaciones avanzadas orientales de la antigüedad. Aun en nuestros días, el contenido de la música en Oriente sigue siendo profundo y místico.

LA MÚSICA EN JAPÓN

La música en Japón no difiere mucho de la música en China, ya que Japón es heredero de la gran cultura China. La música japonesa se fundamenta también en una escala Pentatónica.

La música más antigua del Japón es llamada “No”, que se inicia en los siglos XV y XVI. Se trata de dramas histórico-religiosos basados en mitos y leyendas de la antigüedad. Dentro del drama, a cada situación típica corresponde cierta sucesión de sonidos, ó en otras palabras, ciertas pequeñas melodías típicas ó “melotipos” (similar a los modos). En la interpretación de estos dramas se utilizaban grandemente el Koto y el Shamisen, instrumentos de cuerda tradicionales japoneses.

En Japón, al igual que en las demás culturas orientales, la creación musical esta íntimamente ligada a la tradición. En esas culturas se utiliza la música para expresar un sentimiento común al grupo social. En otras palabras no se trata de la expresión de un sentimiento personal, según el concepto de nuestra música actual, sino de un sentimiento colectivo. Sin embargo, mientras el músico oriental se atenga a la base inicial de su música, tendrá cierta libertad para variar ó adornar los patrones básicos y dar curso a la creación musical.

La música tradicional de la cultura de los países orientales, aun se ejecuta en algunos círculos con respeto por la pureza de la tradición, aunque es de todos conocida la influencia de la música occidental en Oriente debido a los medios modernos de comunicación.

LA MÚSICA HINDU Y SU SENTIDO FILOSOFICO.

Se conoce del culto a la música en la India, desde fechas anteriores al año 3,000 a.C.

Dice la leyenda que el dios Brama, creador de los dioses y los seres, dio a su pueblo la Vina, instrumento nacional de los hindúes. El culto concebido a la música en ese pueblo, queda comprobado por los libros sagrados, como el Sama Veda de los Brahamanes.

La música, siguiendo la antigua tradición, guardaba una relación estrecha con la filosofía y era sinónimo de religión; significaba la armonía del mundo.

Aun en nuestros días, la música hindú sigue teniendo tanta importancia mística que nos parece interesante extendernos en este tema, dada la difusión que recientemente han tenido en nuestro medio occidental la música y la filosofía hindúes.

El material sonoro hindú (los sonidos que abarca la “octava”) consta de 22 sonidos. La teoría musical hindú en general, es de una gran riqueza y profundidad. En varias ocasiones nos hemos referido a los “modos”, ó diferentes estructuras de sucesión de sonidos sobre los cuales se escriben las melodías. En teoría en la música hindú, hay una gran cantidad de modos; se dice que un buen músico puede tocar hasta en 100 modos diferentes. Por contraste, pensemos que nuestra música occidental esta basada en dos modos principales; el modo mayor y el modo menor.

Los modos hindúes se llaman “ragas” y tienen una estructura diferente al ascender y al descender. O sea son escalas que suben y bajan de diferentes formas.

La música en la India no debe escribirse, pues, según los músicos hindúes, el escribirla le resta pureza. Un buen ejecutante debe utilizar solamente la memoria y su sentido musical y rítmico. Los ritmos hindúes llamados “tala”, son de gran riqueza y pertenecen a una tradición oral y secreta.

INSTRUMENTOS MUSICALES HINDÚES.

Como todos los pueblos orientales, el tambor tiene un papel relevante. “Es un instrumento que habla, que canta, que refuerza un sentimiento, que dialoga con el cantor, y no solamente produce efectos rítmicos como comúnmente sucede en nuestra música occidental”. La música hindú utiliza también instrumentos de viento parecidos a la flauta y el clarinete. El gran misticismo que rodea a la música hindú se ve reflejado continuamente en el pensamiento de este pueblo. Con solo ejecutar de manera defectuosa un “raga” se considera que se trastornan poderosamente todos los mundos visibles.

Se recomienda escuchar algunas de las grabaciones contemporáneas de música hindú disponibles en el mercado, como las grabaciones de Raví Shankar. Al escuchar estas grabaciones hay que tener en cuenta que esta música ha sido escrita para oídos educados en un medio totalmente distinto al nuestro.

LA MÚSICA EN ASIA MENOR Y EGIPTO

Entre los pueblos de Asia Menor, la civilización Asirio-Babilónica legó una gran cantidad de manuscritos relativos a la música. En ellos se puedo ver una interesante variedad de instrumentos persas. Como dato curioso se menciona que existe una lira de 5,000 años de antigüedad encontrada en Ur, Mesopotamia. Dentro de los instrumentos más usuales en esta civilización se encuentra el Arpa egipcia.

En Egipto la vida musical fue muy intensa, a juzgar por las escenas retratadas en las tumbas y en otros documentos. Poseían los egipcios, como los pueblos anteriormente mencionados, una serie de instrumentos de cuerda, de viento y de percusión. Se cree que la música intervenía en todas las fiestas religiosas y públicas, y que ya había separación entre la música popular y la música culta.

También existían cantos colectivos para marcar el ritmo a algunas faenas corporales. En Egipto la música empezó a perfilarse como un patrimonio general, y no de grupos selectos como en otras culturas.

Colaboración de: Miguel Ángel González Plata (guitarrista de *Golden Years Band*)

MODULO 1 RESUMEN

2011-02-11T18:36:00.000-08:00

NOCIONES PRELIMINARES DE LA MÚSICA

RESUMEN: MODULO 1

01.- LA MÚSICA: es el Arte y la Ciencia de los SONIDOS y los SILENCIOS.

02.- EL SONIDO: Es el resultado de las VIBRACIONES REGULARES que produce un cuerpo sonoro ó un elemento elástico.

03.- TRANSMISION DEL SONIDO: Se transmite por tres medios que son: Sólido, Líquido y Gaseoso.

04.- VIBRACIONES: Es el resultado de los movimientos de vaivén, que ejecutan las moléculas de un cuerpo sonoro, principalmente por efecto de percusión ó frotamiento.

05.- LAS FRECUENCIAS: Es el número de oscilaciones completas (Hertz), que un elemento que vibra, realiza en 1 segundo.

06.- CUALIDADES DEL SONIDO: El sonido tiene tres cualidades: Altura (ó Entonación), Intensidad (ó Fuerza) y Timbre (ó Color del sonido).

07.-ALTURA DEL SONIDO: Es la cualidad que nos hace distinguir un sonido AGUDO de un sonido GRAVE, debido al número de vibraciones que ejecuta un cuerpo sonoro en un segundo.

08.- INTENSIDAD DEL SONIDO: Es la cualidad que nos hace distinguir un sonido FUERTE de un sonido SUAVE, debido a la AMPLITUD de las vibraciones.

09.- TIMBRE DEL SONIDO: Es la cualidad que nos hace distinguir diferentes instrumentos y órganos de producción del sonido, debido a la FORMA de las vibraciones originadas por los sonidos armónicos.

10.- SONIDOS ARMÓNICOS: Son los sonidos que acompañan al sonido más grave, llamado FUNDAMENTAL ó GENERADOR, de la serie que se percibe de cualquier sonido producido por un cuerpo sonoro.

11.- RUIDO: Es el resultado de las VIBRACIONES IRREGULARES de los cuerpos que no son sonoros.

12.- SILENCIO: Es la ausencia del sonido.

13.- ELEMENTOS DE LA MÚSICA: Los principales son tres: Melodía, Armonía y Ritmo.

14.- MELODÍA: Es la SUCESION de sonidos de diferente altura y silencios que, animados por el ritmo, expresan una idea musical.

15.- ARMONÍA: Es la parte de la música que estudia la formación y combinación de los ACORDES.

16.- RITMO: Es el ORDEN y la PROPORCION en que se agrupan los sonidos y los silencios en el tiempo, determinados por acentos.

Fin del Modulo 1

“Nociones Preliminares de la Música”

Colaboración de: Miguel Ángel González Plata (guitarrista de *Golden Years Band*)

ELEMENTOS DE LA MÚSICA.

2011-02-10T19:24:00.000-08:00

La música es el arte de expresar emociones por medio de combinaciones de sonidos y silencios.

De la forma de combinar estos sonidos y silencios (ausencia de sonido) resultan los elementos de la música.

Los principales Elementos de la música son:

1.- MELODIA

2.- ARMONIA

3.- RITMO

LA MELODIA:

Es la SUCESION de sonidos (notas) de diferente altura y silencios que, animados por el ritmo, expresan una idea musical.

Al combinar sucesivamente los sonidos y silencios, de acuerdo con ciertas leyes que se verán más adelante, en tal forma que “musicalmente” se exprese una idea completa, se tendrá una melodía.

Para identificar fácilmente lo que es una melodía, por ejemplo, pensemos en una canción conocida por todos: “Cielito lindo” ó también podría ser alguna canción de navidad como, “Martiníllo”.

Al “cantar” la letra de estas canciones ó silbarlas, precisamente estamos interpretando la melodía.

En un lenguaje ordinario, la melodía de una canción se podría decir que es su “tonada”.

Generalmente, en una canción, la melodía es la forma de cantar las palabras, sin embargo, recordemos que también existe la música instrumental, en donde la melodía es interpretada por instrumentos solistas, como por ejemplo: un violín, un saxofón, una marimba, una flauta e infinidad de instrumentos musicales, inclusive, varios instrumentos combinados.

Una melodía de una obra musical instrumental conocida, podríamos mencionar a: El Bolero de Ravel.

LA ARMONIA:

Es la parte de la música que estudia la formación y combinación de los acordes.

A la combinación de tres ó más sonidos que se producen simultáneamente (en bloque) de acuerdo con ciertas leyes ó cierta “lógica musical” se le llama acorde. La formación de estos acordes y su relación determinan la armonía.

Se puede entender fácilmente este concepto, relacionándolo con lo que en lenguaje ordinario se conoce como “acompañamiento” de una pieza musical. Una situación usual de cantar con una guitarra, generalmente la voz humana lleva la melodía y la guitarra produce la armonía.

De forma básica, podemos decir que un acorde, se forma como mínimo con 3 notas que se tocan “al mismo tiempo” ó en forma de “Arpegio”, ó sea una nota tras de otra, llevando una rítmica y formando el “acompañamiento”. Un acompañamiento por todos conocido, por ejemplo, es cuando cantamos algún “bolero” famoso “acompañándonos” con la guitarra ó piano. El estudio de la “ARMONIA” es un punto muy importante e interesante, que se verá en su momento.

EL RITMO:

Es el ORDEN y la PROPORCION en que se agrupan los sonidos y los silencios en el tiempo.

El ritmo se obtiene por la combinación de la duración de los sonidos y los silencios. En música, el termino “ritmo” tiene un sentido muy amplio, que se aplica a varios aspectos de la misma.

El ritmo se determina por medio de “ACENTOS” que es la intensidad dada de manera especial a cada nota, para hacer resaltar su importancia rítmica y expresiva.

Todos los instrumentos musicales (incluyendo la voz humana), al interpretar una obra musical, conllevan un ritmo. Incluso, como lo mencionamos en nuestro artículo de “El Ruido”, en donde mencionamos instrumentos percusivos, como las maracas, las castañuelas, el güiro, el tambor, que subrayan el ritmo y el color de una pieza.

Generalmente, los instrumentos de percusión, son los que tienen a cuesta la misión de llevar el ritmo en una obra musical, sin embargo, todos los instrumentos implicados en el desarrollo de la obra, llevan también una rítmica de acompañamiento.

Los instrumentos de percusión, están constituidos por placas de metal, madera ó membranas tensas, que vibran y producen sonidos ó ruidos al ser golpeadas. A este grupo pertenecen instrumentos como los platillos, la marimba, los tambores, etc.

A través de los siglos el ritmo ha determinado épocas, y es el elemento de la música más antiguo. Como se menciono en nuestro articulo “La Música y la Danza en la Antigüedad”, se descubrió aun antes de que el ser humano se comunicara por medio del lenguaje.

Podríamos hacer una lista interminable de ritmos que han hecho épocas importantes en el desarrollo del ser humano en toda la historia de su civilización, desde el ritmo primitivo con piedras y madera, sus danzas imitando los movimientos de los animales y la naturaleza, hasta los ritmos modernos del siglo XXI.

Con este articulo terminamos con los tópicos de lo que en música se conoce como: “NOCIONES PRELIMINARES DE LA MÚSICA” y que será el titulo de nuestro siguiente articulo, en donde se hará un resumen de todos nuestros artículos escritos hasta hoy, y poder pasar a lo que será nuestro “Modulo 2” en donde estudiaremos los principales signos de la escritura musical.

Colaboración de: Miguel Ángel González Plata (guitarrista de *Golden Years Band

Las Frecuencias y Las Notas (Parte 3)

2011-02-09T13:00:00.000-08:00

Sigamos con las notas:

El signo # (sostenido) y el signo b (bemol), son “alteraciones”.

Estas alteraciones toman su nombre de la nota que la precede.

Cuando es de forma “ascendente” (o sea “caminando” ó “tocando” las teclas del piano hacia “tú” derecha, produciendo de sonidos graves a sonidos agudos) se usan los sostenidos, por ejemplo:

El Do y el Do#, que tienen diferentes frecuencias cada una, el Do# tiene frecuencia más aguda en comparación con el Do.

Cuando es de forma “descendente” (ó “caminando” hacia “tú” izquierda, produciendo de sonidos agudos a sonidos graves) se usan los bemoles por ejemplo:

El Si y el Sib, que tienen diferentes frecuencias cada una, el Si tiene frecuencia más grave en comparación con el Sib.

El estudio de las alteraciones, es un tema especifico, y que se tratará más adelante, por ahora solo veremos las más usuales para esta clase, y que son: el sostenido (#) y el bemol (b).

La música se lee de izquierda a derecha, como cuando leemos un libro o una revista.

Pensemos en una escalera; Cuando subimos, “ascendemos”:

Ahora, veamos la escala “ascendente” de una octava, ayudándonos con números:

Do – Re – Mi – Fa – Sol – La – Si – Do

1 2 3 4 5 6 7 8

Vamos leyendo de izquierda a derecha, “ascendiendo” en nuestra “escalera” con las notas de grave a aguda (Tocamos las teclas blancas una por una, desde el primer Do grave, pasando por todas las teclas, hasta el segundo Do agudo, de izquierda a derecha).

Cuando bajamos, “descendemos”:

Veamos ahora la escala “descendente” de la misma octava:

Do – Si - La – Sol – Fa – Mi – Re - Do

8 7 6 5 4 3 2 1

Igual vamos leyendo de izquierda a derecha, “descendiendo” en nuestra “escalera” con las notas de aguda a grave (Aquí, regresamos tocando cada tecla blanca en forma inversa, de toda la escala del piano, desde el Do agudo hasta el Do grave de derecha a izquierda).

Nota: una cosa es leer las notas y otra es tocarlas, según su altura.

Las alteraciones, como regla general normalmente se usan de la siguiente manera:

Cuando se recorre una escala de forma “ascendente”, se usan los sostenidos (#).

Cuando se recorre una escala de forma “descendente”, se usan los bemoles (b).

Y las notas alteradas, toman el nombre de la nota que la precede.

Veamos la escala con los 12 sonidos en forma “ascendente”, también auxiliándonos con números:

Do - Do# - Re - Re# - Mi - Fa - Fa# - Sol - Sol# - La - La# - Si

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12

Veamos ahora nuestra “escalera”, representando la escala “ascendente” con sostenidos:

Y ahora de forma “descendente” (de izquierda a derecha):

Si - Sib - La - Lab - Sol - Solb - Fa - Mi - Mib - Re - Reb - Do

12 11 10 9 8 7 6 5 4 3 2 1

Veamos ahora nuestra “escalera”, representando la escala descendente con bemoles:

Y por ultimo, veamos una imagen general del piano con todos estos elementos:

Vemos que las teclas negras, tienen diferente nombre, según como las usemos, de forma ascendente: “sostenidos”, de forma “descendente”: bemoles, tomando su nombre de la nota que las precede.

El cómo y cuándo se usan los sostenidos ó los bemoles, se verá en su momento.

Colaboración de: Miguel Ángel González Plata (guitarrista de *Golden Years Band*)

Las Frecuencias y Las Notas (Parte 2)

2011-02-08T17:00:00.000-08:00

Bien, tenemos que una “OCTAVA” consta de 7 notas más la repetición de la primera, pero con un sonido (frecuencia) más agudo.

Do – Re – Mi – Fa – Sol – La – Si y Do

(Las teclas blancas del piano)

Pero tenemos también, que una “octava”, esta dividida en 12 sonidos.

¿Cuáles son éstos 5 sonidos (notas) que nos faltan?

Do# - Re# - Fa# - Sol# - La# (Las teclas negras del piano.)

¿Recuerdan la leyenda China de Ling Lun, en donde se forma la escala Pentáfona ó Pentafónica (escala de 5 tonos)?

Y así tenemos nuestros 12 sonidos que componen una “octava”.

En forma “ascendente”:

Do – Do# - Re – Re# - Mi – Fa - Fa# - Sol – Sol# - La – La# - Si

Aquí, parecería una incongruencia, por que si tenemos 7 notas conocidas (del Do al Si) que son las teclas blancas del piano, más las 5 notas que son los teclas negras del piano, 7 + 5 = 12; Pero resulta que la “octava” se completa hasta el siguiente Do que resultaría ser en nuestro grupo de notas, el número 13.

Bueno, solo recordemos que ese segundo Do es la nota número 8 de la escala natural (por eso se le llama “OCTAVA”) de las 7 notas naturales (teclas blancas) conocidas, más, la repetición de la primera; Y que es el “INICIO” de la siguiente escala, que forma una nueva “octava”; Y que también es el resultado de doblar la frecuencia del primer Do, que suena “IGUAL” pero más agudo.

Esto lo debemos tener muy presente siempre en el recorrido que haremos para el estudio de la música; Debemos de tener paciencia, conforme vayamos avanzando, las dudas que pudieran surgir se irán aclarando poco a poco.

A las teclas blancas del piano se les denomina “notas naturales”.

A las teclas negras del piano se les denomina “notas alteradas”.

En nuestra imagen tenemos las 12 notas de una “octava”, más el Do que formará la siguiente “octava” en forma “ascendente” y que será más aguda que la anterior.

Es por eso que decimos que en la música, hay 7 notas y 12 sonidos.

El piano acústico y los órganos musicales tienen aproximadamente entre 8 y 9 octavas.

Existen teclados, sobre todo portátiles electrónicos, que están formados de 4, 5 ó más octavas, depende mucho del tamaño del teclado electrónico. Una ventaja del teclado electrónico es que se pueden “mover” las octavas, o sea, por ejemplo:

Un teclado de 5 octavas, podría tener de la octava 2, a la octava 7, pero si hay necesidad de moverlas de la octava 3 a la octava 8 para obtener sonidos más agudos, se puede programar dicho teclado; Aunque también depende de que dicho teclado sea semi-profesional ó profesional y tenga ésta función. Otra cosa muy importante que debemos saber, es que no todos los teclados, comienzan ó terminan en un Do, pueden empezar, por ejemplo, desde una tecla de Fa; Existen teclados que tienen 4 octavas y media ó 5 octavas y media.

El piano acústico funciona, de la siguiente manera: Cada tecla mueve un mecanismo que acciona un pequeño “martillo” que golpea una cuerda afinada a cierta frecuencia, la cuál vibra y produce el sonido, a cada tecla corresponde una cuerda, y cada cuerda es de diferente tamaño para lograr los sonidos del más grave al más agudo. El cuerpo mismo del piano, funciona como caja acústica (bafle), aprovechando el fenómeno de la resonancia, para amplificar el sonido. También cuenta con mecanismos que funcionan con pedales para dejar libre la vibración de la cuerda ó detenerla a voluntad al accionar dichos pedales.

Colaboración de: Miguel Ángel González Plata (guitarrista de *Golden Years Band*)

Las Frecuencias y Las Notas (Parte 1)

2011-01-31T13:35:00.000-08:00

Las Frecuencias y Las Notas

Si se produce un sonido de una frecuencia cualquiera y luego otro del doble de frecuencia, nuestro oído encontrara una relación sumamente estrecha entre esos dos sonidos. Sonaran “igual”, pero el de mayor frecuencia, será mas agudo.

Por ejemplo:

Un sonido de 512 hertz y otro de 1,024 hertz (lo doble de frecuencia), el segundo sonará igual, pero más agudo que el primero.

Conociendo el campo de frecuencias que percibe el oído humano (16 a 16,000 hertz), podemos concluir que el hombre es capaz de oír sonidos comprendidos en 10 divisiones a las que llamaremos “escalas” (escalera).

Para explicar con mayor presición, tomaremos como ejemplo las teclas de un piano, que es considerado, el más completo de los instrumentos musicales por el amplio rango que tiene de producir sonidos desde los más graves hasta los más agudos.

Si la primer nota percibida es de 16 hertz, la siguiente nota que sonará igual, pero más aguda será la de 32 hertz, y así tendremos la siguiente serie de frecuencias correspondientes a notas que “inician” cada “escala”:

16 – 32 – 64 – 128 – 256 – 512 – 1,024 – 2,048 – 4,096 – 8,192 – 16,386

A estas frecuencias que “suenan” igual pero cada una más aguda que la anterior, conforme se van doblando las frecuencias; Se les dio el nombre de nota “DO”.

Se da nombre de “NOTA” a la calidad misma del sonido. Las notas representan Sonidos.

En la música hay siete notas que son: DO – RE – MI – FA – SOL – LA – SI.

Son las teclas “Blancas” del teclado; Si observamos con atención nuestro dibujo, nos damos cuenta que, después de la séptima tecla de la nota “SI”, empieza una nueva “escala” con la nota “DO”, pero con un sonido más agudo que el primer Do.

Así se forma una “OCTAVA”, cada octava ascendente es más aguda que la anterior.

A la distancia que existe entre el primer Do y el segundo Do se le llama octava, ya que el segundo Do es la octava tecla blanca si empezamos a contar desde el Primer Do. Pero también ese segundo Do se convierte en el inicio de una nueva octava, hasta el siguiente Do. Este esquema se repite aproximadamente 8 veces en el piano; por eso podemos decir que el piano abarca 8 octavas. No hay un instrumento que tenga el rango completo de frecuencias de 16 a 16,000 hertz, el órgano tubular es el que tiene como tono de inicio más grave, el sonido del “Do” de 32 vibraciones por segundo (32 htz).

Si recorremos todos los sonidos (teclas) que se encuentran entre el primer Do y el segundo Do, descubriremos que ninguno de los sonidos suena “igual” a ellos.

La distancia (en frecuencia) entre el primer Do y el segundo Do, se dividió en doce secciones, y se obtuvo una serie ascendente de frecuencias, correspondiente a doce sonidos. A esos sonidos se les llama: “NOTAS”.

Ahora veamos; Si tenemos que la primera frecuencia que percibe el oído humano es un DO de 16 hertz hasta el de Do de 16,386 hertz, tendremos el siguiente resultado:

16 a 32 hertz: octava 1

32 a 64 hertz: octava 2

64 a 128 hertz: octava 3

128 a 256 hertz: octava 4

256 a 512 hertz: octava 5

512 a 1,024 hertz: octava 6

1,024 a 2,048 hertz: octava 7

2,048 a 4,096 hertz: octava 8

4,096 a 8,192 hertz: octava 9

8,192 a 16,386 hertz octava 10

Estos son los intervalos de frecuencia de las diez octavas, y como cada “octava” tiene 12 sonidos, tendremos como resultado 120 notas, que utiliza nuestra música.

Entonces tenemos que, en la música hay siete notas, pero nuestra “escala” (octava) esta formada por 12 Sonidos.

Esto lo veremos en el siguiente artículo.

Colaboración de Miguel Ángel González Plata (guitarrista de *Golden Years Band*)

El Sonido (Parte 6)

2011-01-27T19:33:00.000-08:00

El Ruido

Ya hemos visto las tres cualidades del sonido, que en resumen son:

1.- ALTURA (ó Entonación); Cualidad que nos hace distinguir un sonido AGUDO de un sonido GRAVE, por el NUMERO DE VIBRACIONES por segundo.

2.- INTENSIDAD (ó Fuerza); Cualidad que nos hace distinguir un sonido FUERTE de un sonido SUAVE, debido a la AMPLITUD de las vibraciones.

3.- TIMBRE (ó Color del Sonido); Cualidad que nos hace distinguir diferentes instrumentos, voces y órganos de producción de sonidos, debido a la FORMA de las vibraciones, originadas por los sonidos armónicos.

Ahora sabemos que las vibraciones, forman ondas sonoras “regulares” que nos dan como resultado estas tres cualidades del sonido.

Veamos ahora una última forma de onda, y es:

El Ruido:

Los cuerpos que no son “sonoros”, producen únicamente RUIDO, y se debe a que las vibraciones que lo producen, son VIBRACIONES IRREGULARES.

Al romper un vidrio, golpear una caja de madera, arrastrar una silla, cuyas patas vibran, ó cuando cerramos una puerta, por ejemplo, se producen vibraciones irregulares que llegan a nuestro oído en forma de ruido.

Como estas vibraciones son irregulares, no corresponden a ninguno de los sonidos que utiliza la música en la formación de lo tonos. Sin embargo, el ruido tiene un valor musical importante. El uso del ruido a través de instrumentos musicales de percusión como son: Las maracas, el tambor, los platillos, las castañuelas y el güiro, puede subrayar el ritmo y el color de una pieza musical.

El oído humano es un maravilloso receptor del sonido. Es capaz, como ya se ha visto, de percibir sonidos de un gran campo de frecuencias (16 a 16,000 hertz).

También puede diferenciar frecuencias con gran presición: Se ha comprobado que el oído humano es capaz de diferenciar sonidos cuyas frecuencias difieren en uno por ciento. Por ejemplo, un oído muy fino podría diferenciar un sonido de 99 hertz de uno de 100 hertz.

Por ahora daremos por terminado el capitulo de las cualidades del sonido, se recomienda que, por ejemplo, si estas interesado en la ingeniería de audio, estudies más a fondo este concepto.

Como Melómano, esperamos te sirvan estos conocimientos de nociones preliminares, para que disfrutes mucho más tu pasión por la música.

Como músico, te sugiero leer cada artículo con atención, y si es necesario recurrir a libros ó a maestros en caso de querer acrecentar tus conocimientos, por nuestra parte, tratamos de escribir estos artículos de una manera sencilla, útil, practica y lo más comprensible que se pueda, sin embargo, si surgiera alguna duda, puedes dejarnos tus comentarios para poder despejarla.

También te invitamos a que nos envíes tus comentarios y opiniones acerca de estos artículos, tu opinión nos ayudara a mejorar, ya que lo que nos interesa, es precisamente, el poder compartir nuestros conocimientos a toda persona que este interesada en aprender ésta, que es una de las más bellas artes que ha creado el ser humano para la máxima expresión de sus sentidos: LA MÚSICA.

En el próximo artículo, incursionaremos en como las frecuencias determinan la formación de los TONOS, y como estos tonos forman las NOTAS musicales.

Colaboración de: Miguel Ángel González Plata (guitarrista de *Golden Years Band*)

El Sonido (Parte 5)

2011-01-25T16:28:00.000-08:00

El Timbre

En este artículo veremos la tercera cualidad del sonido:

TIMBRE (ó Color del Sonido).

Es la cualidad que nos hace distinguir diferentes instrumentos y órganos de producción del sonido, y esto se debe a la FORMA de las vibraciones, originadas por los sonidos ARMONICOS.

Ya hemos visto como se forman las ondas sonoras, pero las líneas que forman la onda no son lineales, ni se produce una vibración pura.

Tomemos otra vez como ejemplo la vibración de una cuerda de guitarra.

Al mismo tiempo que la cuerda vibra en toda su extensión, cada uno de los pequeños elementos que la forman, vibran también.

La vibración principal, ó sea, la de la cuerda en total, produce lo que se llama TONO FUNDAMENTAL y las vibraciones secundarias producen los ARMONICOS.

El sonido que percibimos no es puro, sino que es, una mezcla formada por un tono fundamental y los armónicos (llamados también sonidos secundarios ó concomitantes).

Los armónicos ó sonidos secundarios, casi nunca se oyen aisladamente sino que se confunden con el tono fundamental, dando la sensación de que escuchamos un sonido cuando en realidad oímos un bloque de tonos.

Los armónicos determinan lo que en música se llama TIMBRE ó COLOR del sonido.

Y es gracias al timbre ó color del sonido que podemos identificar que instrumento esta sonando ó que persona esta hablando. El timbre es la cualidad del sonido que hace posible diferenciar sonidos de la misma frecuencia y amplitud provenientes de instrumentos ó personas distintas.

Un ejemplo podría ser una misma melodía que tocaran juntos, un violín y una flauta, a una sola voz, produciendo sonidos de la misma frecuencia y amplitud, ó sea de la misma entonación e intensidad, Fácilmente podemos identificarlos por que cada uno tiene diferente timbre de voz. Lo mismo sucede para cada uno de los instrumentos; Cada uno tiene un timbre en particular. Como las personas que conoces, reconoces la voz de quien habla.

Veamos una representación gráfica de ondas sonoras con armónicos.

La representación gráfica de dos sonidos de igual amplitud y frecuencia pero de distinto timbre, por la serie de armónicos que acompañan al tono fundamental.

Como resumen tenemos que:

ARMONICOS son los sonidos que acompañan al sonido llamado Fundamental ó Generador, de la serie que se percibe de cualquier sonido producido por un cuerpo sonoro.

Colaboración de: Miguel Ángel González Plata (guitarrista de *Golden Years Band*).

El Sonido (Parte 4)

2011-01-19T15:30:00.000-08:00

La Intensidad del sonido

Ahora vamos a ver la segunda cualidad del sonido y es:

La Intensidad (ó Fuerza).

Esta cualidad nos hace distinguir la diferencia de un sonido FUERTE de un sonido SUAVE. Esta diferencia se debe a la AMPLITUD de las vibraciones.

Experimentalmente se ha determinado que una vibración de amplitud grande produce un sonido “fuerte”, un sonido que es mas fácilmente percibido por el oído.

Una vibración de menor amplitud de onda producirá un sonido “suave” en contraposición al anterior.

A esta calidad de “fuerte” ó “suave” se le llama INTENSIDAD del sonido.

A la distancia que existe entre la línea de tiempo y el punto máximo de la “cresta” de la onda, es la distancia que se llama AMPLITUD, y es la que define la INTENSIDAD del sonido.

Ahora veamos una gráfica que nos representa una onda de sonido “fuerte”

En esta gráfica de onda podemos ver la distancia que hay entre la línea de tiempo y el punto máximo de la onda (cresta) que es igual tanto en la parte de arriba (positiva +) como en la parte de abajo (negativa -). Y nos indica que la amplitud es mayor, por lo tanto nos da un sonido fuerte.

En esta otra gráfica podemos ver que las “crestas” de la onda están más cerca de nuestra línea de tiempo. Esto nos indica que la amplitud es menor y como resultado nos da un sonido más suave.

En la música se utiliza bastante esta cualidad para poder darle “vida” a una obra musical, y tener la posibilidad infinita de expresión de sentimientos de los autores, compositores y músicos.

Aunque se puede apreciar en la música de todas las culturas, representaciones teatrales, cantos religiosos, danzas, música oriental y occidental y desde su nacimiento hasta la música actual, es en la música clásica, en donde se puede apreciar en toda su magnitud y esplendor.

Colaboración de Miguel Ángel Rodríguez Plata (guitarrista de *Golden Years Band*)

El Sonido (Parte 3)

2011-01-18T14:58:00.000-08:00

La Altura del sonido

El Sonido tiene tres cualidades y son:

1.- Altura (ó Entonación)

2.- Intensidad (ó Fuerza) y

3.- Timbre (ó color del sonido)

Altura del sonido:

Esta cualidad es la que nos hace distinguir la diferencia entre un sonido AGUDO de un sonido GRAVE.

Un ejemplo de un sonido AGUDO, es la voz femenina, así como también podría ser la voz de un niño pequeño ó el canto de un pajarillo.

Un sonido GRAVE es por ejemplo, la voz masculina, el sonido de un claxon de trailer ó bien de un buque.

Esto se debe al NUMERO DE VIBRACIONES que ejecuta un cuerpo sonoro en un segundo.

Un cuerpo elástico que vibre a alta frecuencia (mayor numero de vibraciones por segundo), producirá un sonido AGUDO (alto).

Un cuerpo elástico que vibre a una frecuencia menor (menor numero de vibraciones por segundo), producirá un sonido GRAVE (bajo).

Ahora veamos una representación grafica de las ondas de un sonido AGUDO.

Y ahora veamos la representación grafica de las ondas de un sonido GRAVE.

Supongamos que el periodo de tiempo es el mismo en las dos graficas, o sea que nuestra línea horizontal de tiempo “mide” un segundo en los dos ejemplos.

Fácilmente podemos ver la diferencia de cómo en el primer dibujo hay un mayor numero de ondas (vibraciones), que determina que es un sonido AGUDO, a diferencia del segundo dibujo, en el que hay menos numero de ondas (vibraciones) y determina que es un sonido GRAVE.

A esta característica del sonido, derivada de la frecuencia de las vibraciones, se le llama Entonación del sonido. También suelen usarse los términos altura y tono.

Así tenemos que:

Alta frecuencia es, mayor número de vibraciones por segundo; Crea un sonido AGUDO.

Baja frecuencia es, menor número de vibraciones por segundo; Crea un sonido GRAVE.

Gran parte de nosotros conocemos los ecualizadores, que son dispositivos para excitar las frecuencias.

La mayoría de estos dispositivos vienen incluidos en los estereos que comúnmente tenemos en casa para escuchar nuestra música, los mas sencillos incluso no lo tienen pero por lo menos traen los botones para agudo y grave, algunos incluso para los sonidos medios.

Los que tienen ecualizador, puede que sean sencillos de tres o cinco bandas (deslizables), pero existen de hasta de 30 ó más bandas.

Viendo de frente los ecualizadores, las barras deslizables que se encuentran a nuestra izquierda, son para excitar los sonidos graves, en la parte de abajo de cada deslizable leeremos el número de Hertz al que corresponde. En la parte de en medio (que corresponde a los sonidos medios), veremos que aparece la palabra: Khz. (que es la abreviación de Kilohertz), y así hasta el ultimo deslizable a nuestra derecha, que corresponde a los agudos.

Así tenemos que 1,000 hertz es = a 1 Khz. (ó sea 1,000 vibraciones por segundo)

Recordemos que el oído humano, es capaz de percibir las frecuencias de entre 16 Hertz hasta 16,000 Hertz. Ó sea: de 16 Hz. a 16 Khz.

Colaboración de: Miguel Ángel Rodríguez Plata (Guitarrista de *Golden Years Band*)

El Sonido (Parte 2)

2011-01-16T16:19:00.000-08:00

LAS FRECUENCIAS

Las FRECUENCIAS:

Como ya hemos visto, un cuerpo elástico al vibrar esta generando ondas sonoras, y esto a su vez produce el Sonido.

En los instrumentos de cuerdas como son: la guitarra, el violín, el violoncelo, la viola, el arpa, guitarron, el tres, la vihuela, contrabajo, etc., el sonido se produce por medio de pulsar las cuerdas con los dedos, plumillas, uñas de los dedos ó uñas artificiales de diferentes materiales, y también frotando las cuerdas con arcos especialmente hechos para este fin, como en el caso del violín.

En los de instrumentos de percusión, como son los tambores, congas, bongos, tamborines, etc., el sonido se obtiene “golpeando” los cueros (parches) de diferentes maneras (con las palmas de las manos, con los dedos ó con baquetas), antiguamente estos parches se obtenían de la piel de animales, pero en la actualidad existen parches sintéticos de varios materiales.

En los instrumentos de viento, como son: la trompeta, el saxofón, la flauta, el trombón, el clarinete, el oboe, etc., el sonido se produce por el movimiento vibratorio de la columna de aire (el aire que se reposa precisamente dentro del instrumento), al ser impelida (manipulada por medio de soplar en la boquilla del instrumento), en determinada forma.

Ahora analicemos, como se generan las FRECUENCIAS.

Como en nuestro ejemplo del artículo anterior de la cuerda de la guitarra, en donde vemos que la cuerda al pulsarla comienza su movimiento de “ida y vuelta” pasando por su punto de reposo infinidad de veces.

Cuando la cuerda inicia su movimiento ondulatorio, un movimiento hacia arriba (+ positivo) y un movimiento hacia abajo (- negativo), completan un ciclo al cual se le llama una oscilación completa, y a esta oscilación completa se le define como un hertz.

Onda Positiva (+)

Onda Negativa (-)

Se llama frecuencia al número de oscilaciones completas (hertz) que un elemento que vibra realiza por unidad de tiempo.

Por ejemplo: Si nuestra cuerda realizara 100 veces este movimiento de ida y vuelta completo (100 ciclos) por un segundo, tendríamos como resultado; Una vibración cuya frecuencia seria de 100 oscilaciones por segundo, ó de 100 Hertz por segundo.

La medida de tiempo estándar que se utiliza para medir la frecuencia, es un segundo.

Teóricamente puede haber vibraciones de cualquier frecuencia (oscilaciones por segundo), desde cero hasta infinito. Sin embargo, el oído humano puede percibir como sonidos, únicamente las vibraciones de frecuencias mayores de 16 hertz y menores que 16,000 hertz. Recordemos que un hertz es una oscilación por segundo.

Dentro del campo de frecuencias que pueden ser percibidas por el oído humano, los diferentes instrumentos musicales pueden producir ciertas secciones de ese gran campo (16 a 16,000 hertz). Por ejemplo, el órgano abarca un campo muy amplio, esto es, puede producir desde sonidos muy graves hasta sonidos muy agudos.

La flauta, como ejemplo que contrasta, abarca sólo una sección pequeña del órgano; algo similar pasa con la voz humana.

Al campo de frecuencias de los sonidos que puede producir un instrumento ó una voz humana, se le llama tesitura ó registro.

Resonancia: es otro fenómeno relacionado con el sonido, y se produce cuando las ondas sonoras de determinada frecuencia llegan a un espacio que contiene aire que puede vibrar a la misma frecuencia. Este fenómeno es aprovechado en la construcción de los instrumentos musicales. La guitarra, por ejemplo tiene una especie de caja de madera llamada caja de resonancia. Los instrumentos de tesitura aguda, como el violín, necesitan una caja de resonancia chica, y los graves, como el contrabajo, una caja de resonancia grande.

Colaboración de: Miguel Ángel Rodríguez Plata (Guitarrista de *Golden Years Band*)

El Sonido (Parte 1)

2011-01-13T20:34:00.000-08:00

El sonido es el resultado de las vibraciones de un cuerpo sonoro ó de un elemento elástico. Las vibraciones producidas por los cuerpos sonoros son: REGULARES.

Como dijimos en nuestro primer artículo, La Música, es El Arte y La Ciencia de Los Sonidos y Los Silencios.

¿Pero que es un Sonido?

El Sonido se produce como resultado de las vibraciones (movimientos de vaivén que ejecutan las moléculas) de un cuerpo sonoro ó de un elemento elástico, por efecto de percusión ó frotamiento principalmente.

En los instrumentos de viento, como la trompeta o la flauta por ejemplo, el sonido se produce por el movimiento vibratorio de la columna de aire al ser impelida (soplada, empujando el aire con la boca) en determinada forma. (Pero este tópico lo veremos más adelante.)

Tomemos como ejemplo algo muy familiar; la guitarra.

La guitarra en si, es el cuerpo sonoro. Ahora pensemos en una de sus cuerdas. Al estirar la cuerda y soltarla, tiende como todos los cuerpos elásticos, a volver a su longitud y posición iniciales.

En este proceso, la cuerda vibra; es decir, oscila, con un movimiento similar a un péndulo.

No vuelve inmediatamente a su posición de reposo, sino que pasa por ese estado repetidas veces, en un proceso de “ida y vuelta”. Las vibraciones de este tipo producen el sonido.

Representación gráfica del movimiento de una cuerda de guitarra al pulsarla.

Fig. 1

En nuestra Fig.1, la línea A-B es la cuerda de la guitarra, al pulsarla, la cuerda comienza su viaje hacia el punto C, pasa por el punto de reposo y sigue su viaje hacia el punto D, luego vuelve a pasar por el punto de reposo y sigue hacia el punto C, y así, este proceso, en teoría, se repite infinitamente y a una velocidad casi imperceptible al ojo humano. Cada paso de C a D tomara un determinado tiempo.

Ahora veamos la grafica de un movimiento que en Física se conoce como movimiento ondulatorio, y nos representa las vibraciones de un cuerpo elástico que produce sonido.

Fig. 2

En nuestra Fig. 2, la línea horizontal del centro nos representa el tiempo que transcurre, y las líneas punteadas nos indican las crestas (punto máximo) de las ondas, que también nos representa que las ondas son REGULARES.

Transmisión del Sonido.

El sonido se transmite por tres medios que son:

1.- Sólido

2.- Líquido

3.- Gaseoso

Desde el punto de vista musical, el medio más usual es el aire. Teóricamente el sonido (las ondas sonoras) se propagan libremente en la atmósfera a una velocidad de 340 metros por segundo.

En los líquidos la velocidad es mayor, y en los sólidos mayor aun que en los líquidos.

Al propagarse puede encontrarse con obstáculos que producen efectos especiales como el eco y la resonancia.

El eco ocurre cuando las ondas viajan libremente por un tiempo considerable, después del cual chocan con un obstáculo que las refleja y hace que el sonido vuelva a escucharse en su punto de emisión. Esta experiencia del eco, es muy común en las montañas.

La resonancia, la veremos mas adelante, cuando veamos como se generan las frecuencias.

Colaboracion de: Miguel Angel Rodriguez Plata (Guitarrista de *Golden Years Band*)