De Gusanos y Lombrices

La RAH tiene razón: Franco no fue un dictador.

2012-05-30T08:00:00.000+02:00

"La Guerra la ganaron los que no tuvieron piedad". Anthony Beevor.

La Real Academia de Historia (RAH, RAH, RAH, ¡España ganará!) describió a Francisco Franco, en su Diccionario Biográfico Español, como un tipo "autoritario, no totalitario". De esto hace un año. Pues bien, ahora se reafirman en su descabellada descripción de un despiadado personaje cuyo régimen dictatorial asoló nuestro país el pasado siglo XX.

Pero resulta que las momias de la RAH tienen razón; Franco no fue (solamente) un dictador, sino (también) un genocida.

Genocida: Aquel o aquella que perpetra actos con la intención de destruir, total o parcialmente, a un grupo nacional, étnico, racial o religioso como tal; estos actos comprenden la matanza de miembros del grupo, lesión grave a la integridad física o mental de los miembros del grupo, sometimiento intencional del grupo a condiciones de existencia que hayan de acarrear su destrucción física, total o parcial, medidas destinadas a impedir nacimientos en el seno del grupo, traslado por la fuerza de niños del grupo a otro grupo.

Leemos en La Guerra Civil Española (2005) del historiador británico Anthony Beevor:

"La naturaleza de la represión nacional no tuvo nada que ver con la de la violencia en zona republicana. En primer lugar hay que tener presente que la idea de hacer «limpieza» formaba parte de los planes golpistas. Ya Mola, en la instrucción del 30 de junio relativa a Marruecos, ordenaba «eliminar los elementos izquierdistas: comunistas, anarquistas, sindicalistas, masones, etc.». Pero Queipo de Llano, que calificó a su «movimiento» de «depurador del pueblo español», ya no hablaba de anarquistas o comunistas, sino de cualquiera que simpatizara «con corrientes sociales avanzadas o simples movimientos de opinión democrática y liberal». Los nacionales, en efecto, tenían que llevar a cabo una represión dura e intensa para arrancar de cuajo la experiencia democratizadora de la Segunda República e impedir que volviera a intentarse. Lo expresó muy bien uno de los jefes de prensa de Franco, el capitán Gonzalo de Aguilera, en la entrevista que le hizo el periodista norteamericano John Whitaker: hay que «matar, matar y matar» a todos los rojos, «exterminar un tercio de la población masculina y limpiar el país de proletarios». Es decir, que la represión que llevaron a cabo los nacionales no fue tanto consecuencia de los enfrentamientos como uno de los requisitos del golpe de estado. Entre julio de 1936 y comienzos de 1937 los nacionales permitieron la matanza «a discreción», bajo el bando de guerra, pero luego la represión se planificó, dirigió y se realizó metódicamente, alentada por las máximas autoridades militares y civiles y bendecida por la Iglesia católica."

Al que le guste, bien, al que no, también.

Ya rezo yo por ti.

2012-05-29T19:38:00.000+02:00

Leemos aquí que "tres españoles lanzan Mayfeelings, una red social para rezar por los demás". ¡¡¡¡España!!!, a la cabeza de las majaderías religiosas one more time.

En exclusiva para todos los lectores gusanos, un vídeo explicativo del funcionamiento del servicio:

Pregúntale a Johannes. El Cine Oriental Oligofrénico.

2012-05-28T07:30:00.000+02:00

Recibimos un email de Angel, responsable del blog Ahí les dejo mi retrato. Dice lo siguiente:

"Estimado amigo, Hay una cosa que le quiero preguntar. No voy a darle demasiadas vueltas a la cuestión dado que soy un hombre conciso de pocas palabras y menos argumentos. ¿Por qué hay gente que va al cine a aburrirse con oligofrénicas cintas orientales y desprecian cualquier película amable, simpática y entretenida?. ¿Su mente funciona de diferente manera? ¿Sufren el efecto Don Quijote? Sin más, me despido agradeciéndole su atención y su amabilidad Un abrazo."

Y esta es la contestación de Johannes:

"Estimado Ángel, En primer lugar, me gustaría dejar claro que Yo no soy tu amigo. Esto no tiene nada de malo, pero deseo que el resto de los lectores del Consultorio no se lleven a engaño por la falsa familiaridad del encabezamiento de tu email. En segundo lugar, también necesito aclarar que Yo solamente respondo una pregunta por lector. Tú has hecho tres, pecas de soberbia, pero en mi infinita bondad y gracias al misterio de la Santísima Trinidad he conseguido fusionar el espíritu de las tres cuestiones en una sola.

Dicho esto, procedo a responder a tu pregunta. Existen cinco motivos (pentateuco) por los que la gente va al cine a ver una película oriental aburrida y oligofrénica despreciando películas amables, simpáticas y entretenidas.

Motivo 1.- El Folleteo. Es decir, cuando se emplea el cine como subterfugio para conseguir hacerle el coito a una hembra aburrida y oligofrénica pero que está muy buena. Esta motivación merece, sin lugar a dudas, todos nuestros respetos, pues el objetivo de la Vida es la Procreación. Y si París bien vale una misa, un buen polvo bien vale La Cabaña del Tío Boonmee.

Motivo 2.- La Falta de Personalidad y la Inseguridad. (Teoría de la Escuela de Zelig o "pánico a ser vulgo"). Es un síntoma del analfabetismo iletrado. La cantidad de ejemplos de genios creadores que han puesto a parir las obras de otros tantos genios creadores es casi inabarcable pero, pese a elllo, el individuo se siente intimidado ante la posibilidad de contrariar la opininión de la autoproclamada élite intelectual compuesta por tipos que no suelen ser ni genios ni creadores. Lo mismo que muchos sumillers y gourmets no tienen los co**nes de enfrentarse a una cata a ciegas, muchos cinéfilos no se atreverían a hacer un videado "a ciegas", es decir, sin saber quién ha dirigido tal o cual película ni saber qué ha dicho tal o cual crítico de tal o cual revista. El día que algún cachondo se atreviera a programar el I Festival de Cine "a ciegas", se iba a montar un escándalo de padre y muy señor mío. La falta de Personalidad y la Inseguridad engendran monstruos como el Mesianismo, así que me voy al cine a ver la peli orientoligofrénica porque lo ha dicho el mesías de turno y si luego la cosa no me gusta es por mi culpa, no por la de la película, que no es que sea un tostón, es que se toma su tiempo para contar la historia. Ah no, que tampoco tenía historia... ¡Qué moderna!.

Motivo 3.- El Neocolonialismo. ¿Tú has oído eso que cuentan los turistas que han estado en, por ejemplo, la India?, ¿eso de "qué felices son las gentes de aquellos lares aunque vivan en chabolas y se bañen en ríos malolientes..." o "con qué poco se conforman..."?. Pues eso es neocolonialismo, una enfermedad del Primer Mundo que afecta a muchos caucásicos. Se contagia también a través del Arte. La tendencia al paternalismo del blanco neocolonialista lleva a muchos cinéfilos a juzgar con diferente rasero las propuestas que llegan de "otras" filmografías. Cuanto más exótica es la filmografía, más baja el nivel de exigencia del cinéfilo (Regla de Bourjois-Trêmont) con lo que la misma historia filmada por John Smith vale menos que la que rueda Athipal Kirishanuba. Ya se sabe: los occidentales.., tan materialistas.., tenemos tanto y tanto que aprender de la filosofía oriental... ¿El cine africano?, ¡que le den pol culo!, que los negros no tienen ni filosofía ni nada, los negros para las Olimpiadas. Curiosamente se da la paradoja de que muchos neocolonialistas se creen, en realidad, antiimperialistas (donde USA = Imperio).

Motivo 4.- La influencia de Platón y el Cristianismo. "Mi Reino no es de este mundo"... Ah, el Mundo de las Ideas: la más perversa y maligna fabulación que padece la Humanidad. Lo religioso, lo místico, lo intangible... La tradición platónica y judeocristiana hizo anhelar estas entelequias y condujo al despreciable ascetismo, que es la negación de la carne y de todos los placeres mundanos (yo lo cuento muy bien en mi película). Lo fisiológico está en un nivel inferior a lo espiritual. Donde esté un buen espíritu que se quiten todos los cumshots del mundo. En lugar de darle placer al body me dedico a lo contemplativo, que ya hos ha dicho Paulo Coelho que es más mejor, así que alcanzo la religiosidad más fácilmente cuanto más parsimoniosa, críptica, silenciosa y meditativa sea la narración cinematográfica. La religiosidad no sirve para nada pero, oye, yo, por si acaso, la alcanzo. Fíjate si no en los monjes, que inventaron el chocolate con leche.

Motivo 5.- La fealdad. Ser feo puede ser un problema, no vamos a negarlo. Ante semejante hándicap, el feo puede enfrentarse a su dura realidad adoptando una de estas dos posturas:

a) la asunción de la fealdad propia y consiguiente resignación (triste pero sencillo).

b) la compensación de la tara facial mediante técnicas potenciadores de otras características físicas o intelectuales. Al igual que los calvos se afeitan la cabeza para parecer interesantes (y para no parecer calvos), los feos se esconden tras unas gruesas gafas de pasta ocultar las desafortunadas facciones de su rostro. Si esta técnica de distracción no es suficiente para dar el pego, el feo intentará aparentar una superioridad intelectual que le permita destacar sobre el resto de la manada (no necesariamente con fines reproductivos) y, puesto que no está al alcance de cualquiera comprender y hablar sobre metafísica, matemáticas, física teórica, ingeniería, etc, etc (y aún en el supuesto caso de que se esté, las posibilidades de que estos temas interesen a alguien son escasas), el feo recurrirá al Cine que es el Arte cafetero por excelencia. Un guaperas puede decir un lunes por la mañana en la cafetera de la oficina "Ayer vi, FastandFurious VII y no veas cómo mola. Bruuuuuuum, bruuuuuuum" y el público pensará "este tío es cojonudo". Pero si esa misma afirmación la suelta un feo, la audiencia concluirá "este tío es, además de feo, un simple".

Estos cinco puntos me llevan a hacerte la siguiente recomendación: en materia de cine haz caso solamente a las recomendaciones de tíos guapos, materialistas, ateos, con personalidad fortísima, que follen mucho y que abominen del neocolonialismo racista occidental. El ejemplo que inmediatamente nos ha venido a todos a la cabeza: Mr. Lombreeze.

Espero haber sido de ayuda. El resto de motivaciones que encuentres durante tu transitar por este valle de lágrimas no serán sino combinaciones de estas cinco principales causas mayores que acabo de relacionar.

El Señor sea contigo y con tu espíritu, mi asexuado angelito.

Johannes, hijo de Dios, danés y luterano."

Recordamos a todos nuestros lectores la dirección de correo electrónico a la que pueden envíar sus consultas si quieren colaborar en la sección Pregúntale a Johannes: preguntaleajohannes@gmail.com

Esta noche... ¡Todos con Engelbert Humperdinck!.

2012-05-26T09:05:00.000+02:00

Que sí, que yo suelo ver Eurovisión como ya confesé el año pasado en este mismo blog. Que sí, que es un festival casposo y todo eso, pero lo que pasa es que yo tuve una infancia setentera de humilde pero feliz familia numerosa, lo que me convierte en un cliché con patas en lo que a nostalgia del Un, dos, tres, Eurovisión, Heidi, Mazinger Z y etc, etc, se refiere. Que sí, que las canciones que van a Eurovisión son, en su grandísima mayoría, malas de narices y blablabla, pero.., qué quieren que les diga..., cada uno con sus traumas que haga lo que quiera.

Así que, esta noche, yo voy a ver el Festival de Eurovisión acompañado de familia, pizzas y Coca-Cola (personalmente no creo que Eurovision tenga menos glamour que la noche de los Oscar o el Festival de Cannes).

Parece que este año van a ganar un grupo de abuelas rusas que responden al nombre de Buranovskiye Babushki. La verdad es que son una panda de yayas bastante entrañables que cantan una canción.., pues oye, que no está mal, es pegadiza y con un tufillo de folklore pueblerino muy simpático.

Peeeeeeeero, este año iunaitid kindon / guayominí está representado por... ¡TACHÁN!... ¡¡¡Engelbert Humperdinck!!!. Toma ya. Otro yayo de 76 añazos.

Mi padre era y es muy fan de Engelbert Humperdinck, aunque mi padre no supiera ni sepa pronunciar correctamente "engelbert humperdinck". Spanish Eyes y Release me sonaron en el tocadiscos de mi casa en multitud de felices ocasiones. Y es que Mr. Humperdinck fue y es un crooner con un vozarrón privilegiado. Los cinéfilos deberían conocerlo por Papillón.

El tema que lleva este año a Eurovisiónl, Love will set you free, es una balada que no está mal y demuestra que este señor, además de seguir teniendo una voz que tira para atrás y continuar luciendo el mismo peinado que hace 40 años, es lo que todo artista debería ser: un currante.

Vamos a recordar hoy a Engelbert Humperdinck con su versión de From Here to Eternity, una canción de Frank Sinatra de 1953. Puede que les suene la introducción; la samplearon el dúo londinenses Kinobe para su exitoso y relajante Slip into something more comfortable.

Las comparaciones son odiosas, pero a mí me gusta más la versión de Engelbert Humperdinck.

The Ultra Right Strikes Again. Esperanza Aguirre vs. la pitada independentista.

2012-05-24T20:19:00.000+02:00

Incluso Jehová, en su infinita sabiduría, prohibió a los hebreos (recordemos: ¡sólo a los hebreos!) tres o cuatro cosillas de nada: matar, robar, tirarse a la parienta del prójimo, onaneársela, meterse cosas por el trasero y poco más. Y, ciertamente, pese a que el Todopoderoso no argumentó las razones de sus prohibiciones al pobre Moisés, no podemos calificarlas de descabelladas si exceptuamos lo del onaneo y lo del trasero, que no hace mal a nadie... (bueno, lo del trasero hay que hacerlo con cariño).

Pero es que Esperanza Aguirre.., ¡hostia puta! / holy shit!.., ¡¡¡Esperanza Aguirre y Gil de Biedma, casada con con Fernando Ramírez de Haro y Valdés, hijo de Ignacio Ramírez de Haro y Pérez de Guzmán, décimo quinto conde de Bornos, grande de España, y de Beatriz Valdés y Ozores, cuarta marquesa de Casa Valdés, condesa de Murillo, con grandeza de España, quiere prohibirlo TODO!!! (a ser posible). Todo lo que no sea privado, porque, en ese caso, cuantas menos prohibiciones, mejor. El neoliberalismo de toda la vida.

Yo creía que ya me había inmunizado ante el torrente de despropósitos que, día sí - día también, aparecían en la prensa con tal o cual declaración de los y las ultraliberales prohibiendo tal o cual cosa:

Como son madres quieren prohibir el aborto porque es un fracaso de la Mujer.

Como tienen perritos quieren prohibir que la gente alimente a los animales abandonados.

Como no tienen conflictos laborales con su empresa quieren prohibir los sindicatos y las huelgas.

Como tienen dinero quieren prohibir la gratuidad de la sanidad y de las autovías.

Como tienen televisiones privadas quieren prohibir la televisión pública.

Como son católicos quieren prohibir la ciencia.., digoooo.., la retirada de crucifjios de los coles públicos, el matrimonio homosexual y las procesiones ateas de Semana Santa.

Resumiendo, como son neoliberales, quieren prohibir todo lo público y como son reaccionarios quieren prohibir el progreso.

Pero, por si todo esto no fuera ya lo suficientemente estrambótico y carca, Esperanza Aguirre ha dicho que si los seguidores del Bilbao y el Barsa le pitan al Himno o al Príncipe, o a las dos cosas, durante la final de la Copa del Rey... ¡a tomar pol culo!, se prohibe la Copa y listo. Jajajaja. Acojonante (pero en el sentido literal).

No seré yo quien defienda una pose tan pueril, provocativa y ventajista como es esa de aprovechar un acontecimiento deportivo para manifestar una militancia política al estilo del hooligan borracho envalentonado por el anonimato que le brinda la masa. Me parece una gilipollez propia de catetos aunque no me sorprende viniendo de donde viene, porque no es que tenga mucha esperanza de ver actuaciones más nobles por parte de los cerriles nacionalismos pueblerinos de nuestro país. Santiago Espot es un provocateur, un demagogo guerracivilístico que quiere conseguir en un campo de fútbol la notoriedad que no consigue en las urnas. Lo mismo que hacían los césares en los circos romanos, solo que Santiago Espot cambia el pan por la butifarra.

Pero yo, como soy un tipo tolerante, pese a que el recurso de la pitada no me merece ningún respeto, lo tolero. Sin embargo, el camino que va de la tolerancia (aunque sea a regañadientes) a la suspensión del evento es el mismo que va desde la democracia al autoritarismo, amén de que declaraciones tan inoportunas como las que ha soltado Esperanza Aguirre alimentan el fanatismo de Santiago (cierra españa) Espot (que lee el Sport).

The Ultra Right ha mordido el cebo nacionalista y Strikes Again.

En fin, si pitan, espero que, por lo menos, piten con gracia. Aquí les va un ejemplo de lo que es pitarle al enemigo con elegancia, dignidad y cojones:

P. S. Para mis amigos y familiares culés y/o leones: Tendréis la oportunidad de comprobar cuan politizados están vuestros equipos muy fácilmente. Solamente necesitaréis un audímetro. Que gane el mejor.

5 Canciones (miniverianas) de Cine. Créditos finales y Meme opcional.

2012-05-23T07:30:00.000+02:00

Mrs. Miniver es una mujer muy sociable y persuasiva: lo mismo le da de merendar a un piloto nazi en su cocina y luego le convence para que se entregue a la policía, que hace amigos en una sala de cine viendo Historias del Kronen. Esta dama salió por peteneras en su blog, hace un par de días, eligiendo 9 Canciones de película que le habían hecho disfrutar a tope. ¿Por qué 9?. No, no es que mara miniver sea una pirada que reniegue del sistema métrico decimal como los ingleses. Tampoco fue una elección que obedeciera a esoterismos cabalísticos. No es más que un guiño al título de la homónima película del insoportable Michael Winterbottom (mis legendarios ronquidos durante la proyección de El Perdón siguen dando de qué hablar en las más prestigiosas tertulias cinéfilas de Zaragoza). Me estoy refiriendo a 9 Songs (2004), hito del gafapastismo y una película en la que una pareja va a conciertos y después fo**a (pero de verdad, como en las porno), que digo yo que no es para tanto porque, quien más - quien menos, hemos ido a bastantes conciertos (e incluso hemos fo**ado). Pero bueno, así son algunos autores y poetas: encuentran la belleza en la cotidianiadieidia.., en la cotidianeididiaaiad.., en la cotidianieidinieideidad.., en lo cotidiano.

Hace un tiempo planteé un meme en el que elegí mis canciones de cine favoritas con la condición de que hubieran sido creadas para la película en cuestión y que hubieran sido cantadas por los actores durante alguna escena en el transcurso de la historia. Ahora proponemos otra cosa: las mejores canciones que hayamos escuchado en los créditos o escenas finales de una película. O sea, las canciones que hayan significado para nosotros el epílogo musical perfecto de la película que acabamos de ver. Todo un subgénero clásico en esto de los listados The Best of.

Ahí van las primeras 5 Canciones que me han venido a la cabeza (lo siento, Jai Ho no es una de ellas porque me dio vergüenza ajena) y que pasan, desde ahora, a formar parte de nuestra legendaria sección del blog Canciones de Cine, una sección que trata sobre canciones de cine:

The Fuse (Bruce Springsteen). Lapidaria. Ese bombo de la batería de la canción del Boss sonaba como un mazazo al finalizar la que yo considero como la mejor película de Spike Lee: La Última Noche (2002).

La Pistola y el Corazón (Los Lobos). Y es que no solamente de cine y música en inglés vive el Cinéfilo. Fronterizo broche musical de oro para la biografía de un pistolero marxista y venezolano: Carlos (aquí la reseña gusana de la película).

La Mer (Charles Trenet). Mítica canción que abre y cierra La escafandra y la mariposa (2007), una película de Julian Schnabel tan hermosa como el tema que popularizó el colaboracionista abuelo de la chanson gabacha Monsieur Charles Trenet.

I Put a Spell on You (Sreamin´Jay Hawkins). Dicen que esta canción sirvió de inspiración para la historia que supuso la entrada triunfal de Jim Jarmusch en el olimpo del cine independiente allá por 1984 cuando sorprendió a unos cuantos con una película ahora de culto: Extraños en el Paraíso. En mi opinión, sigue siendo su mejor película y el primer lugar donde yo escuché I Put a Spell on You.

Una palabra (Carlos Varela). Si se han puesto a tope con el temazo de Screamin´ Jay Hawkins, aquí les traigo un bajonazo musical de cuidado. El desgarrador, expiatorio y redentor final de El Fuego de la Venganza (Tony Scott, 2004) venía acompañado de la conmovedora poesía musical del cantautor cubano Carlos Varela. Algunos no lloraron al escucharla ("porque en tus ojos están mis alas y está la orilla donde me ahogo"). Peor para ellos. Va por ti, "osito" Creasy. Espero que estés en el paraíso de los Hermanos Grimm.

Hale, ya saben. Sigan la ruta goear.com - jdownloader - reproductordearchivosmp3 para disfrutar de ellas cuando quieran.

Y sigan el meme en sus blogs si con ello van a ser un poquito más felices.

Clásicos Imprescindibles: Días sin huella (1945, Billy Wilder). 5 Days in the Life.

2012-05-21T07:30:00.000+02:00

Todos debemos inclinarnos ante el genio incontestable que el director austriaco Billy Wilder demostró poseer para la comedia. Fernando Trueba lo expresó mejor que nadie en su famoso e inspirado discurso de agradecimiento por el Óscar que ganó en 1993: "Me gustaría creer en Dios para agradecérselo. Pero solamente creo en Billy Wilder". Sensacional. En mi opinión, lo mejor que ha hecho el Sr. Trueba en toda su vida.

Sin embargo, reconozco que yo caigo rendido ante las películas "serias" del judío Samuel Wilder (dejando aparte la inclasificable El Apartamento). Traidor en el infierno, Testigo de cargo, El crepúsculo de los dioses, Perdición, El Gran Carnaval y Días sin huella son a bunch of fucking masterpieces del cine y me gustan más que las comedias wilderianas porque creo que han envejecido incluso mejor. ¿Será que soy un tipo serio?.

Don Birman (Ray Milland), el protagonista de Días sin huella, es un escritor fracasado, una eterna promesa literaria desde sus tiempos universitarios que, sin embargo, todavía no ha conseguido publicar nada a sus 33 añazos. Esta frustración le conduce a un desencanto que intenta ahogar sumergiéndose en el inframundo del alcoholismo hasta alcanzar un grado de adicción extremo (la escena en la que tiene que abandonar una representación de La Traviata tras, literalmente, alucinar con el famoso brindis, es ilustrativa). Pero, al mismo tiempo, Don Birman es un tipo culto y atractivo del que se enamora Helen (Jane Wyman), una estupenda señorita que, junto al abnegado hermano de Don, intentará rescatar de las garras del alcochol a su amado:

Don: Let me work it out my way, I'm trying. I'm trying!

Helen: I know you're trying, Don. We're both trying. You're trying not to drink and I'm trying not to love you.

Quién sabe de dónde se sacaron los distribuidores patrios el desafortunado título español, porque el original, "The lost weekend", alude al arranque de la historia cuando Don se dispone a disfrutar de un largo fin de semana, junto a su novia y hermano, en una casa familiar en el campo. Pero su adicción malogrará esos bucólicos planes comenzando así una pesadilla y descenso a los infiernos durante el que Don mostrará un comportamiento degradante y patético, merecedor de nuestra burla o compasión, dependiendo del grado de cinismo del espectador. En la balanza de la vida de de Don Birman... (hostias, qué horror de metáfora, rectifico)... Para Don Birman, media botella de bourbon colgando de una cuerda de su ventana pesa más que todo el amor de sus dos seres más queridos.

Días sin huella es mi película favorita (y para muchos es la GRAN película) sobre el descorazonador y sórdido mundo del alcoholismo y las adicciones (con permiso de Días de vino y rosas). Su protagonista Ray Milland (merecidísimo Oscar) se enfrenta a la cámara, durante gran parte del metraje, casi "solo ante el peligro" y ofrece una lección de interpretación que, con el tiempo, se ha convertido en legendaria, sin alardes y sin esos tics e histrionismos de yonki con síndrome de abstinencia tan recurrentes y cargantes en este tipo de papeles (me estoy acordando del coñazo de Leaving Las Vegas, película en la que salía una prostituta con cara de monja).

Coescrita por el propio Billy Wilder basándose en una novelita que compró para entretenerse durante un viaje en el metro, Días sin huella posee con una ambientación más propia del cine negro que del melodrama. Está contada mediante el uso de diversos flashbacks y elipsis que dotan a esta oscura película, con estructura circular y fotografía cuasi expresionista, de un ritmo narrativo perfecto. Dicen que es la primera producción hollywoodiense que abordó, sin contemplaciones, la problemática del alcohol, una droga adictiva y peligrosa que juega con la ventaja que le confiere su privilegiado camuflaje social.

Por si todo esto fuera poco, Días sin huella está arropada por una estupenda banda sonora del maestro Miklos Rozsa (que no ganó el Oscar por esta película pero sí lo ganó por Recuerda... ¡en esa misma edición!) de clara influencia debussyana en la que, por cierto, se escucha un theremin que, en algunas escenas, suena como una prolongación sonora del torturado cuerpo de Don Birman.

Días sin huella es una película dura, asfixiante y llena de dolor. Es magistral. Pese a que fue un fiasco en taquilla, los académicos americanos le concedieron el Oscar a la Mejor Película, Mejor Dirección y Mejor Guión Adaptado. Todo un pleno. Ah, y la Palma de Oro en Cannes. Toma ya.

Y tras rodarla, Billy Wilder se fue a Europa a combatir a Hitler con su cámara. Pero ésa es otra historia...

D.E.P. Donna Summer (1948-2012).

2012-05-18T20:35:00.000+02:00

La música disco de los 70 mola y siempre molará. Y no mola porque tenga un aroma kitsch o vintage o retro o cool o yoquésé palabra que empleen ahora los veinteañeros modernos para referirse a las cosas que siempre han sido buenas pero que ellos acaban de descubrir.

La música disco mola porque detrás de ella sonaba el trabajo de músicos de estudio virtuosos y de productores muy competentes, buscando dollars, sí, ofreciendo "solamente" entretenimiento, sí, pero competentes.

La música disco de los 70 no reivindicaba otra cosa que bailar y follar, que son dos de las actividades que más han hecho avanzar a la Humanidad. Y es que hay que bailar y follar el fin de semana para poder volver los lunes por la mañana a la oficina con las pilas cargadas. A los hippies no les gustaba ni les gusta la música disco, pero es que los hippies no van a la oficina los lunes por la mañana, buscan respuestas en el viento.

Ha muerto Donna Summer y a todos nos gusta recordar que, a los 27 años, Donna Summer grabó un temazo que duraba un cuarto de hora en el que se escuchan más jadeos que en una película de Rocco Siffredi. Pero es que esta señora tenía, además, una voz maravillosa.

D.E.P. Mrs Summer. D.I.S.C.O... she was D.I.S.C.O... Todos los bajistas bien nacidos amamos los ritmos sincopados del disco. Oh yeah.

35 Años de... I Feel Love. Temazo - temazo.

Pregúntale a Johannes. Series de TV. UK también existe.

2012-05-16T07:30:00.000+02:00

Reproducimos el email que Ricardo Alfranca Sesgo, un lector de nuestro blog residente en un pueblecito llamado Erla, ha remitido a nuestra celebérrima sección de consultas "Pregúntale a Johannes":

"Estimado Johannes,
Ante lo que parece ser una crisis crónico-creativa de los guionistas cinematográficos, me veo en la obligación de recurrir a las producciones televisivas para llenar mis innumerables horas de ocio audiovisual. He leído en un blog (y lo que dicen los blogs para mí va a misa y no necesita ser contrastado) que durante estos últimos años estamos viviendo una edad de oro de la televisión gracias, sobre todo, a las creaciones de la cadena por cable norteamericana HBO (Los Soprano, The Wire, Hermanos de Sangre, Carnivàle, Deadwood). Sin embargo, tengo que confesarte que a mí todo esto me da igual y solamente lo incluyo en mi consulta para hacerme el interesante. Así que tras este cortés e inútil preámbulo, me dispongo a ir al grano y preguntarte: ¿Qué series de tv me recomiendas para paliar ese vacío artístico e intelectual que dejan en mi alma la mayoría de las estúpidas-estúpidas películas que veo?. Por favor, no me recomiendes Juego de Tronos (HBO), que esa ya me sé que es muy-muy buena.
Gracias y un saludo a Tu Padre de Ricardo Alfranca Sesgo."

Transcribimos ahora la respuesta de nuestro particular illuminati: Johannes, el hijo pirado de Dreyer y Dios:

"Estimado Ricardo,
No sólo de HBO vive el Hombre. No olvides que también existen en los USA Showtime (Dexter, Homeland), AMC (Mad Men, Breaking Bad) e incluso la CBS (si quieres descojonarte con series ligeras como Reglas de Compromiso, Dos Hombres y Medio o The Big Bang Theory). Pero, sobre todo, no hagas como el PP y mantén tu fe en la calidad de la televisión pública, pero en la de la televisión pública británica, claro. No te pierdas estas 5 series made in UK (más bien miniseries, o sea, mejor, porque lo de las series muy largas de muchas temporadas es un coñazo). Las distinguirás fácilmente de las norteamericanas porque en las series british los policías no llevan pistolas:

Luther (BBC)

Sherlock (BBC)

The Fades (BBC)

The Shadow Line (BBC)

Whitechapel (ITV)

Ponme a los pies de tu esposa, aunque dudo mucho que un friki como tú al que le "sobra" tanto tiempo como para necesitar ver televisión, haya conseguido en la vida algo más que cubrir a las ovejas de su pueblo, algo que, por cierto, es pecado por muy placentero que a ti te parezca. En cualquier caso, recibe un cordial saludo de Johannes, danés y oligofrénico.
P. S. Otra cosa: Yo te recomendaré Juego de Tronos cuando me salga de los co**nes, que para eso soy el Hijo de Dios. Ni se te ocurra ver Spartacus; salen muchas tetas y potorros".

Recordamos a todos nuestros lectores la dirección de correo electrónico a la que pueden envíar sus consultas si quieren colaborar en la sección Pregúntale a Johannes:
preguntaleajohannes@gmail.com

Pero sepan ustedes que Johannes, a veces, tiene ataques de ira divina y que, en general, camina, habla y responde muy despacio. Todas las series recomendadas disponibles aquí.

Bullhead (2011, Michael R. Roskman). La angustia existencial de un ganadero.

2012-05-14T07:45:00.000+02:00

Odio a las mafias... ¡Odio a las putas mafias!. Las mafias son el anti-sistema de nuestra sociedad. Las mafias me ponen enfermo porque enferman todo lo que tocan. También la carne que comemos. Profesión: Traficante de carne hormonada.., ¡no me jodas!.

Lo que más asusta de Bullhead, la película belga candidata al Oscar que hoy recomendamos, es concluir que eso que acabamos de ver en la pantalla pueda suceder en la vida real, porque Bullhead es ora un drama shakesperiano ora una tragedia griega que transcurre entre los establos de las granjas, que son esos lugares donde se crían los animales que luego nos comemos y que resulta que también contienen oscuros inframundos. Ya es suficientemente rocambolesco saber que las vacas comen pescado (en forma de pienso) como para añadir a nuestros temores, además, todo el asunto de las sustancias químicas que veterinarios y granjeros sin escrúpulos inyectan a los bichos para acelerar artificialmente su crecimiento. El resultado: la cosa adquiere tintes nauseabundos (nos dan ganas de hacernos vegetarianos, pero es entonces cuando vienen a contarnos otras oscuras historias acerca de pesticidas).

Uno de estos granjeros es Jacky Vanmarsenille quien, siguiendo la tradición familiar y local, engorda a su ganado con mucho cariño y unas cuantas inyecciones de sustancias prohibidas. Jacky es un tipo eternamente malhumorado y taciturno que luce un físico testosteronado y amenazante bajo el que intuimos que esconde una rabia acumulada cuyo traumático origen conoceremos a lo largo de la historia.

Jacky se ve indirectamente envuelto, muy a su pesar, en una trama mafiosa que incluye el asesinato de un policía. Con esto ya tenemos la patina de thriller para esta historia que esconde un secreto terrible de la infancia de nuestro protagonista. Y ya conocen la ecuación: Infancia = Primer Mejor Amigo + Primer Amor o, lo que es lo mismo: Infancia Perdida = Primer Mejor Amigo Perdido - Primer Amor Perdido.

El imponente actor Matthias Schoenaerts personifica ejemplarmente a Jacky V., un tipo bruto por fuera y tierno por dentro que habita en las antípodas de la angustia existencial en la que vive el personaje del adicto al sexo de Shame (2011, Steve McQueen). Jacky intenta salir de una espiral de fatales coincidencias, o sea, intenta escapar a su destino, algo que, según nos dijeron los antiguos griegos, resulta imposible para los pobres humanos.

Si Jacky quiere conseguir su objetivo (su anhelo) tendrá que combatir los demonios hechos carne que personifican los traficantes de ganado y, sobre todo, tendrá que acabar con los demonios internos que le acompañan, incansable y cruelmente, desde su infancia. Jacky V., siempre rodeado de bestias, luchará por no ser aquello a lo que la fatalidad parece haberlo condenado: luchará como una bestia para dejar de ser una bestia.

Este es el gran drama de Bullhead: el drama personal de Jacky V. envuelto en una apariencia de thriller que, en esta película, pasa de ser un género cinematográfico a casi convertirse en el macguffin que nos permite adentrarnos en el alma de uno de los personajes de cine más atormentados de los últimos años. La excelente - excelentísima fotografía es de Nicolas Karakatsanis, un señor que no sé quién es pero al que me veo en la obligación de mentar en este post para alabar su maravilloso trabajo en esta película: Bullhead, una historia de amor y amistad, de tragedia y melancolía.

40 Años de... Vitamin C (en lata).

2012-05-12T09:40:00.000+02:00

Pfff, no tengo palabras.

Con todos ustedes, Vitamin C (1972) del grupo alemán Can. Magistral e inmortal canción para el que esto escribe.

150 Años de... El nacimiento de Claude Debussy + 100 Años de... Preludio a la siesta de un fauno de Nijinsky.

2012-05-10T07:30:00.000+02:00

Este año se cumplen 150 años del nacimiento de uno de los más trascendentales músicos del siglo XX: Claude Debussy (1862-1918), el gran maestro del delicado cromatismo postwagneriano.

En 1894 Debussy compuso su merecidamente célebre e inmortal Preludio a La Siesta de un Fauno, una obra de 10 minutitos en forma de poema sinfónico con la que Debussy quiso expresar musicalmente las impresiones que en su sensible alma habían dejado los versos del poeta simbolista Stéphane Mallarmé (1842-1898). El poema se titulaba... La Siesta de un Fauno (1876):

Pero el alma,
de palabras vacante, y este cuerpo sombrío
tarde sucumben al silencio del estío:
sin más, fuerza es dormir, lejano del rencor,
sobre la arena sitibunda, a mi sabor
¡la boca abierta al astro de vinos eficaces!.

50 años después del nacimiento del maestro, el mítico bailarín ucraniano Vassili Nijinsky decidió coreografiar la música de Preludio a la Siesta de un Fauno.

El sueño del fauno debussiano original ya tenía un aire muy sensual que, acertadamente, había sido, en parte, sugerido por el compositor mediante una revolucionaria orquestación en la que la flauta tomaba el papel protagonista. Pero el provocador Nijinsky transformó esa insinuación musical en una coreografía mucho más explícitamente erótica, lo que supuso un escándalo mayúsculo el día de su estreno: 29 de Mayo de 1912. La versión de Nijinsky ni siquiera gustó al propio Debussy quien declaró: "Ha interpretado groseramente la palabra satisfacer".

Y es que habrá muchas maneras de que os cuenten, muy líricamente, de qué va el bailecito de Vassili Nijinsky, pero aquí va el grosero resumen al estilo gusano: "Un fauno se despierta de una veraniega siesta como habitualmente solemos despertarnos los varones: enfaunado. Se encuetra con unas ninfas con las que juguetea "inocentemente", pero las chavalas huyen despavoridas ante semejante... fauno. Una de las ninfas pierde, en su huída, un pañuelo. El fauno lo recoje, aspira su aroma, rememora a la ninfa y se la onanea sobre el pañuelo...".

¿Se ha entendido?. Ya saben que los varones somos como el 7-Eleven: nos la onaneamos 363 días al año pero no lo reconocemos ni bajo tortura, así que no nos gusta que nos recuerden, y menos sobre un escenario, todo lo que tenga que ver con este desagradable asunto.

Polémicas y bromas aparte, el caso es que Preludio a La Siesta de un Fauno está unánimemente reconocida como una de las composiciones más trascendentales del siglo XX y uno de los pilares de la modernidad musical.

Para todo aquel al que esto se la traiga al pairo tengo buenas noticias: Preludio a la Siesta de un Fauno es una composición hermosísima que cualquiera, con un mínimo de sensibilidad musical (el mínimo exigido a los humanos para diferenciarse de los artrópodos) podrá disfrutar por muy lego que en materia musical sea.

Les invito a que así lo hagan y a que se relajen con este contemplativo y delicado poema musical que surgió de la mente del gran, gran, gran compositor francés Claude Debussy, incontestable maestro al que debemos, en gran parte, la liberación de las ataduras formales de la música del siglo XX.

A la batuta, otro genio: mi admiradísimo Georges Prêtre.

Tomboy (Céline Schiamma, Francia, 2011). Un verano Azul... oscurocasinegro.

2012-05-08T09:00:00.000+02:00

Cuando mi esposa y yo terminamos de ver Tomboy, ella me dijo: "los americanos cuentan sus películas usando palabras y los franceses lo hacen utilizando imágenes". Lección de cine gratis por cortesía de Mrs. Lombreeze.

Tomboy (que, en nuestro idioma, vendría a signifcar algo así como "marimacho") es una película francesa que cuenta una historia de verano y de infancia, una coincidencia espacio-temporal idónea para la vivencia de algunas experiencias que pueden marcarnos para toda la vida. Tomboy es la historia de Laure, una niña de 10 años con el pelo corto y de aspecto andrógino que se muda con su familia a una barriada de las afueras de París y que decide presentarse ante sus nuevos amigos como si fuera un chico: Mikael. ¿Por qué se comporta de esta manera?. No busquen la respuesta en esta película de 82 minutos que solamente les va a contar lo que ya les he dicho, o sea, cómo le va a una chica de 10 años que, durante un verano parisino, decide hacerse pasar por chico.

La pubertad es una de las épocas de nuestra vida en las que el deseo de experimentar nuevas sensaciones se manifiesta más potente que nunca. Uno de los factores que mejor actúan como catalizador para este tipo de reacciones vitales es el que nos regala la inevitable deshinibición que experimentamos durante las vacaciones escolares. Si a esto le unimos una circunstancia tan especial como la de Laure (nueva barriada = nuevos amigos), obtenemos el cóctel perfecto para un experimento pre-adolescente que puede reafirmar o hacer tambalear la personalidad presente y futura. Pero ya se sabe que, desgraciadamente, con el final del verano llega también el comienzo de la realidad que, en no pocas ocasiones (y no hace falta ser un marimacho para comprenderlo) puede ser traumático (que les pregunten a los de Verano Azul).

En Tomboy no hay familias desestructuradas o padres que no comprenden a los hijos, pero lo que sí hay es un problema de falta de sincronía entre género y sexo. Y los problemas tienen que resolverse, claro, pero.., ¿quién resuelve los problemas de los niños?. De seguro que no va a ser Jeanne, la pequeña hermana de Laure que parece encantada con la impostura de su hermana mayor. El papelón recaerá sobre la madre. ¿Hasta qué punto sus decisiones, seguro que bienintencionadas, serán correctas y cómo influirán en la futura personalidad de la pequeña Laure?. Esta es la gran pregunta que se hace Tomboy pero, ojo, porque la película no da la respuesta. Para eso estamos los espectadores.

Tomboy está escrita y dirigida por la realizadora francesa Céline Sciamma quien confesó haber sido una niña algo marimacho. La directora parece militar en el cine de temática lésbica dentro del subgénero de "despertares sexuales" de sus jóvenes protagonistas.

En Tomboy hay pocos planos, pocas secuencias, pocos minutos, poco diálogo, nada de psicoanálisis, nada de denuncia, prácticamente nada de banda sonora, pocas localizaciones, cuatro actores adultos y media docena de niños. Algunos de ellos lloran. Y un niño llorando le parte el corazón al adulto más pintado.

Tomboy, 82 minutos, francesa. A very good movie que no es drama ni melodrama. Ustedes mismos, o mismas, o lo que quieran. Por nosotros no se corten en frotar sus genitales (o no) contra lo que les dé la gana. No somos católicos, ni musulmanes ni judíos.

Hoy es el Día de las Mamis.

2012-05-06T09:00:00.000+02:00

Me voy a ver a mi mami. ¡¡¡Que nadie intente detenerme!!!.

Polisse (2011, Maïween Le Besco). No sin mi mami. Algo tendrán las mamis cuando su ausencia es dolorosamente inconsolable:

Las películas del manco. Un breve viaje por mi convalecencia cinéfila.

2012-05-03T08:00:00.000+02:00

Un mes con el codo del brazo derecho roto da para mucho.., ¡para mucho aburrimiento!. Y, lamentablemente, el cine no es que haya contribuido demasiado a aliviar este indeseado efecto secundario. He visto mucho cine gabacho. Supongo que ha sido un mecanismo inconsciente de defensa ante el dolor que a mi alma le produjo el saber que el 20% de los votantes de uno de los países que más admiro son ultraderechistas. Y es que, como dice uno de los protagonistas de Declaración de Guerra: "Tengo miedo de que mi hijo se quede ciego, sordo, mudo, enano, gay, negro... ¡y que vote a la ultraderecha!".

Siempre me ha hecho ilusión lo de mini-reseñar películas y ponerles estrellitas puntuadoras al final del texto. Sea pues. Esto es lo que me han parecido las películas que he visto durante mi mes de convalecencia con el codo roto:

- Chronicle (2012, Josh Trank). Uy, ésta es muy buena. "Un gran poder conlleva una gran responsabilidad".., pero la adolescencia es la edad más irresponsable de todas. Chronicle es una found footage movie que mezcla sci-fi, serie B, súper héroes, cine teen y unos estupendos FX al servicio de una narración que no necesita más de 80 minutos para aparentar originalidad y garantizar un entretenimiento totalmente satisfactorio. Que no les cuenten nada de la trama. ****

- Sherlock Holmes: Juego de Sombras (2011, Guy Ritchie). Insoportable. *

- Contraband (2012, Baltasar Kormákur). Tostón. Remake yanki de la notable Reykjavik-Rotterdam. *

- Pariah (2011, Dee Rees). Episodios de la vida de una adolescente lesbiana de Brooklyn. Rebosa naturalidad.****

- Los Lioneses (2011, Olivier Marchal). Confieso que soy fan del cine de Olivier Marchal, el realizador y ex-policía gabacho que cuenta siempre el mismo tipo de historias (y yo encantado): bajos fondos, gángsteres y también despachos y brigadas de policías con sus luces, sus sombras, sus tipos más duros que el acero del norte acompañados por unos pocos tiros y otras pocas sentencias lapidarias. ****

- Al borde del abismo (2012, Asger Leth). La hija de El Puma está buenísima. Y luego hay un robo rocambolesco con el que se pretende hacer justicia. Entretenida para momentos de paladeo cinéfilo de sofá poco exigente. ***

- Polisse (2011, Maïwenn). Entresijos, vida, obra y milagros de la Brigada Infantil del Departamento de Policía de París. El director nos muestra a estos vocacionales policías como unos hombres y mujeres totalmente dedicados a su labor de protección del menor. No envidio su día a día lleno de pornografía infantil, abusos, violaciones, abandonos, explotación y maltratos hacia los más débiles: los niños. Este horror les pasa factura en su vida personal, claro. Rodada en tono cuasi documental, posee un curioso y sorprendente final que es mitad poético mitad ridículo. Si alguno la ha visto, o la piensa ver, estaré encantado de conocer su opinión al respecto. La película navega entre muchas aguas y aunque no llega a naufragar tampoco sale victoriosa de su propia ambición.***

- Jim Jeffries: I Swear To God. (2009, John Moffitt). Dios mío, qué descojone (activar "Anotaciones" para subtítulos del vídeo). ****

- Shame (2011, Steve McQueen). Al terminar de ver Shame me entraron ganas de borrar todo el porno que tengo en mi PC... Que va, ni de coña, tras respirar profundamente y pensarlo un momento con más calma me di cuenta de lo poco que tengo que ver (afortunadamente) con el protagonista de esta película. Creo que voy a ser, en el futuro, muy fan de este realizador británico pero esta historia de adicto sexual agobiado por su "adicción" (hay psiquiatras que no la consideran como tal) y por su estúpida hermana no consiguió atraer mi atención. ***

- Présumé Coupable (2011, Vincent Garenq). Angustiosa. No le deseo a nadie que sufra la misma pesadilla por la que tuvo que pasar el auténtico Alain Marécaux, acusado injustamente de abusar sexualmente de sus hijos. Un inexperto juez que enarbola la bandera de la "presunta culpabilidad" empeorará las cosas. ¡Acthung!: Basada en hechos reales. ****

- Cinco Metros Cuadrados (2011, Max Lemcke). En el costumbrismo bien entendido es donde encontré su mayor virtud. Los diálogos son muy cercanos. Posee un arranque muy interesante pero un desenlace frustrante. De todas formas, cine español notable. ***

- London Boulevard (2010, William Monahan). Una película intrascendente plagada de lugares comunes. Ya saben: "El último trabajo y me retiro". Sí, ya.., más te valía haber visto Carlito´s Way, macho. La química entre Colin Farrell y Keira Knightley es inexistente. **

- Intrusos (2011, Juan Carlos Fresnadillo). No entendí el final. Que alguien me lo explique. Una pena, porque hasta ese momento estaba disfrutando de un cuento de terror bastante potable. ***

- The Grey (2011, Joe Carnaham). Una gran y grata sorpresa ante lo que parecía que iba a ser una tontada del tamaño de California. Un grupo de supervivientes de un accidente aéreo en Alaska tiene que vérselas con una peligrosa panda de... ¡lobos!. Es mucho más interesante de lo que este mini argumento aparenta y su fotografía es deliciosa. Esperen hasta el final de los créditos. ****

- Un lugar para soñar (2011, Cameron Crowe). A un tipo viudo con dos hijos le da un chimbolazo y compra un zoo para cuyo mantenimiento necesita hipotecarse hasta los ojos. Este planteamiento tiraría, en principio, para atrás a cualquiera. Sin embargo, la amabilidad del tono de la historia es contagiosa. ***

- L´ apollonide (2011, Bertrand Bonello). Es la historia de un puticlub parisino de comienzos del siglo XX. A mí los putiferios siempre me han parecido unos lugares muy sórdidos. El director estiliza esta sordidez con una exquisita ambientación y fotografía. Es una película lenta, aburrida, superficial, fría y mentirosa. A los críticos les ha encantado. Viene con guiño incluído a El Hombre que Ríe. *

- Take Shelter (2011, Jeff Nichols). Inquietante. La atmósfera con la que el director cuenta la extraña historia de un tipo corriente que comienza a tener una serie de misteriosas y atmosféricas premoniciones, engancha. ***

- Los Vengadores (2012, Josh Whedon). Bueno, pues es un poco lo que todos esperábamos. Posee las virtudes del primer Iron Man y los defectos de El Capitán América. Buenos gags a cargo de Tony Stark. Entretenida. ***

- Haywire (2011, Steven Soderbergh). Vergonzosa. Un thriller de arte y ensayo. Contiene escenas rodadas con un excelente gusto cinematográfico pero con un resultado ridículo. Gina Carano, la "actriz" protagonista, no cambia la jeta en toda la peli. Ella es, en sí misma, el mcguffin de esta estúpida historia de mercenarios traicionados por sus jefes. **

- Declaración de Guerra (2011, Valérie Donzelli). El ego de los directores franceses de la nouvelle vague ahogaba la mayoría de las trivialidades burguesas que nos contaron en sus míticos filmes. Valérie Donzelli, protagonista y directora de Declaración de Guerra, ha creado una hermosa película truffautiana y nos ha contado una historia de la que ha sabido extirpar el tumor del egocentrismo para cambiarlo por un drama personal que admite tantas lecturas como miradas cinéfilas pueda reflejar, lo que convierte a su personal vivencia en una historia universal contada a veces en tono de comedia a veces en tono de drama. ****

- Un Dios Salvaje (2011, Roman Polanski). Es una obra de teatro filmada. No me gusta el teatro. **

- Metrópolis (1927, Fritz Lang). No soy digno de escribir sobre esta Obra Maestra. *****

Listo.

Y ahora: Sonata en fa menor K 466 de Domenico Scarlatti. Suena en Profesor Lazhar (2011, Philippe Falardeau). ****

1 de Mayo. Este año homenajeamos a...

2012-05-01T09:00:00.000+02:00

Oliver Law, negro, texano, comunista, sindicalista y comandante del Batallón Lincoln formado por voluntarios estadounidenses de las Brigadas Internacionales de nuestra Guerra Civil. Murió y fue enterrado hace 75 años tras el cuasi suicida ataque al Cerro del Mosquito durante la ofensiva republicana de Brunete. Héroe Gusano.

"El Mediador entre el Cerebro y las Manos ha de ser el Corazón". Eso nos decía Fritz Lang hace 85 años en la magistral, insuperable y eterna METROPOLIS. ¡Cuidado con Moloch!, creo que ahora se hace llamar "Reforma Laboral"...

Canciones de Cine. An Education (2009, Lone Scherfig).

2012-04-29T09:00:00.000+02:00

An Education es una película británica muy bien hecha, con una deliciosa fotografía, con muy buenas interpretaciones pero que tiene un final muy precipitado y algo decepcionante para una historia que realmente me importó un comino.

El caso es que las canciones que adornan el desvirgamiento intelectual, emocional y vaginal de la jovencita Jenny están todas muy bien y yo estuve todo el rato expectante, a lo largo de metraje, de cuál sería la siguiente que iba a sonar. De todas ellas, me quedo con esta estupedísima "Comin´ Home Baby!" (1962) de Mel Tormé.

Fetichismo gusano: Diez uniformes militares.

2012-04-26T09:00:00.000+02:00

El único trauma que me quedó por no hacer la mili, tras terminar mi prestación social sustitutoria, fue (además de descubrir que un sindicato funcionaba tan mal como el resto del Universo conocido) que no pude lucir un uniforme como dios manda. Así que mi madre tiene que llevar en su monedero fotos mías vestido de civil que, la verdad, tampoco es que luzcan demasiado bien. ¿Qué les costaba a los señores y señoras del Ministerio de Defensa haber diseñado para los objetores de conciencia un uniforme molón para cobardes como yo?. Con lo que me ha gustado a mí eso de disfrazarme de representante de la Ley y el Orden: Policía o Sheriff, pero yo siempre del lado correcto cuando jugábamos a pegarnos tiros los unos a los otros. Personalmente hubiera cedido las 45.000 pesetas que me dieron para "mis gastos" (con los que me compré unas botas Sendra) y el sueldo mensual (no recuerdo qué cantidad era) a cambio de pasear por Zaragoza uniformado aunque fuera con algo discreto como esto:

En fin, lo he superado. O no, no sé. El caso es que me ponen muchísimo los uniformes. Escribir entradas sesudas con el brazo derecho escayolado es una lata y una pérdida de tiempo (y de energía) todavía superior a hacerlo con el miembro útil (sigo hablando del brazo). Así que me encuentro hoy aquí, aburrido en mi angustia existencialista, redactando una entradita light y de fácil digestión, como la ensaladilla rusa. Hoy, con todos ustedes, Mis 10 Uniformes militares fetiche (sí, en serio, la entrada de hoy va de eso). Agárrense los machos que viene el listado (el orden no significa nada y el post tampoco):

1.- Infantería colonial británica de finales del XIX. El de la guerra anglo-zulú, vaya. Un clasicazo. Elegancia británica; la casaca roja del Imperio es uno de mis grandes leit motivs en esto de mi fetichismo militar. Me imagino al diseñador del uniforme respondiendo a la pregunta de los jerifaltes británicos: "- Yo creo, mis queridos señores jerifaltes, que el mejor color para combatir en Sudáfrica es el rojo, pero un rojo bien vivo, que se vea de lejos con claridad. -¿Y el casco?. - Pues blanco, hombre, bien blanco.., y que se jodan los zulús".

2.- La Real Policía Montada del Canadá (los "mounties"). Ladies and gentlemen, lo reconozco: éste es mi favorito. Otro clasicazo de rojo británico. Con ese gorro de campaña, esas botas de cuero marrones, esos guantes de manga larga, esa banda amarilla en los laterales del pantalón... ¡Maravilloso!. I´m loving it.

También me pone mucho sus "versiones" yankis; especialmente el uniforme de la policía del Estado de Rhode Island. Cualquiera le replica una multa a un tío con estas pintas. Pero, eso sí, qué botas más chulas.

3.- Grupo de Fuerzas Regulares de la Infantería española. Son, de lejos, los más elegantes de nuestro desfile patrio del Día de las Fuerzas Armadas. Mi padre y miquel zueras hicieron una mili norteafricana (aunque mi padre calzando alpargatas) que se les debió hacer más larga que un día sin pan. Gorro moruno (tarbuch), capa blanca, uniforme color garbanzo con la camisa de manga corta (desabrochada dejando toda la pechera al aire) y guantes blancos de gala. Joder, acojonante.

4.- Policía de NY / San Francisco. Los hemos visto en 125.000 películas hollywoodienses y a mí me siguen fascinando. Van de negro de arriba a abajo. Elegancia urbanita y minimalista. Estupendo. Si vas a NY o a Frisco y no te haces una foto con ellos te pierde algo grande. Aunque últimamente ya no se dejan. La de la foto, Heather Fong, fue jefa de la policía de San Francisco hasta hace un par de años. Estas cosas solamente pasan en los USA.

5.- Húsares napoleónicos. Sabido es que el listo de Napoleón disfrazaba a cualquier mindundi con un uniforme despampanante para que el iluso de turno se creyera el amo del mundo y se dejara lancear, cañonear o ser cosido a navajazos en los lodazales y las callejuelas más infect@s de Europa. Ese gusto por los excesos llevó al dictador gabacho a conquistar medio continente, o sea, que la cosa parece que funcionaba (Hitler tomó buena nota). De entre el extensísimo catálogo de uniformes napoleónicos (donde hasta el aguador parecía un general) me quedo, lamentándolo mucho por los coraceros, con el clasico húsar de interminable y plumífero sombrero.

6.- Oficial Allgemeine-SS (brazo político de las SS). Pffff, me resistía a incluír el uniforme de estos hijos de la gran puta en mi lista, pero me estaría engañando a mí mismo si no lo hiciera. Diseñados por un nazi cuyo nombre no recuerdo y fabricados por Hugo Boss (sí, el de las boutiques molonas), los uniformes de las SS arrinconaron a las (y a los) camisas pardas de las SA para reivindicar la elegancia del negro - luto - muerte. La gorrita de plato desprende connotaciones terroríficas y fetichistas a partes iguales por culpa del nazisploitation de las narices. Una vez sostuve una de las repugnantes dagas SS (supuestamente era original) en mis manos y la verdad es que reconozco que pasaba algo parecido a lo del chiste del tricornio de la Guardia Civil. No voy subir la foto de ningún nazi a este blog si no es para ponerlo a parir. Y como no es el caso, pues...

7.- Zapador de la Legión Extranjera francesa. No es que la labor de un zapador en tiempos de guerra pueda considerarse como la más idónea para ser cantada y recordada por los bardos, al menos no al mismo nivel que la de otros guerreros de infantería o caballería, pero estos chavales, que llevan el característico quepis blanco, portan un hacha, lucen barba de varias semanas, se rapan la testa, se adornan con un delantal de cuero y calzan botas que parecen compradas en la tienda de Dr Martens de London, me recuerdan mucho a mí cuando ayudaba a mi padre en la pescadería. Imposible que te arresten por ir mal afeitado.

8.- 7º Regimiento de Caballería de los Estados Unidos de América (los "Garryowen") de las Guerras Indias. Tan favorito como el de la Policía Montada del Canadá. Demasiado mítico como para dejarme llevar por el esnobismo y obviarlo en esta selección. Sin otro comentario más que... ¡sublime!.

9.- Comisario político del NKVD (1937-1942). Ellos fueron los grandes especialistas de la modalidad de ejecución "tiro en la nuca". Con este uniforme me sucede lo mismo que con el de las SS: solamente con verlo y recrear en mi mente algunas de las atrocidades cometidas por algunos de estos hijosdelagranputa, me cago en los pantalones. Sin embargo, he consumido demasiada literatura hazañas bélicosoviéticas de la WWII como para ignorarlo. Vistiendo este uniforme se combatió contra el invasor nazi con la misma intensidad con la que se oprimió y masacró a los propios camaradas. En fin, prefiero recrearlos en mi cabeza alentando a los soldados del Ejército Rojo a resistir en Stalingrado que imaginármelos reunidos, solamente un año antes, con miembros de la Gestapo para diseñar la estrategia de la "pacificación" de Polonia (o sea, el reparto).

10.- La boutade de toda lista que se precie: Infantería ligera del Regimiento de Voluntarios de Aragón de 1762. Lucharon, al final la Guerra de los Siete Años (¿se acuerdan de Barry Lyndon?), a las órdenes de Carlos III contra los portugueses, que estaban aliados, como siempre, con los perros ingleses. ¡¡¡Un soldado en alpargatas!!!. Venga hombre, esto es insuperable. Orgullo de patria chica que incluyo en este listado (a mucha honra).

*Premio Especial al Mejor Tocado Guerrero. Ex aqueo para
- El "slouch hat" que lucían Mel Gibson y Mark Lee en Gallipoli.

- El alucinante Czapka polaco.

- El súper alucinante gorro de los Húsares "de la calavera" prusianos.

* Premio Especial Imposible ser más nenaza. Para todo aquél o aquella que siga pensando en lo guapo que estaba Richard Gere, todo vestidito de blanco, en Oficial y Caballero. Jo, qué moñada de uniforme. Yo comulgué vestido así, más o menos.

* Premio Especial Imposible ser más ridículo. Ex aequo para
- La guardia griega presidencial.

- La esperpéntica guardia suiza vaticana cuyo uniforme diseñó (yo creo que a mala hostia) el maestro Miguel Angel.

* Premio Especial Imposible ser más bizarro. Atención.., los húsares de la caballería polaca... ¡¡¡Llevaban armaduras con alas!!!.

Supera eso George Lucas.

Frases no de Cine. Cristianos y Musulmanes.

2012-04-24T12:45:00.000+02:00

"Me parece que la reconciliación entre cristianos y musulmanes sólo es posible en tres hipótesis: Primera, que los cristianos se hagan musulmanes, segunda, que los musulmanes se hagan cristianos, y tercera, que ambos se vuelvan ateos."

Gustavo Bueno, declaraciones en El Mundo, 19 de Mayo de 2004. Lógica aplastante.

Hoy es el Día de Aragón y el Día del Libro.

2012-04-23T09:00:00.000+02:00

Hala pues, un libro (el que estoy leyendo actualmente) ...

... y una jotica de mi patria chica.

Mein Liebster Freund... Otro premio a la saca.

2012-04-20T20:20:00.000+02:00

No por inesperado deja de ser merecido: mi amigo miquel zueras del imprescindible blog borgo acaba de honrarnos con un premio de esos memeros. Es éste:

Como somos bien nacidos, somos también agradecidos así que: Vielen Dank Mein Liebster Freund Miquel Z.

Las reglas del meme me obligan a conceder otros 5 Premios Liebster a sendos blogs con la condición de que tengan menos de 200 seguidores (?), así que, sin más preámbulos y como Isabel, miquel y Pepe C. ya tienen uno, enhorabuena a:

Fiona por Se me tiene que antojar.

David Amorós por Lost Highway Blog.

Frente Popular Antigafastil (FPA), formado por Ángel de Ahí les dejo mi retrato y MrMierdas de Mondo Mierda.

Dvd por El indéfilo cinesnable.

Lughnasad por Zentolos.

¡¡¡Larga vida a los blogs y m***da para el twitter!!!.

Y, tras este exabrupto, con todos ustedes "Mein Liebster Freund" de Bastien und Bastienne, singspiel compuesto por W. A. Mozart en 1768.

Momentos hilarantes del cine: Withnail y yo (Bruce Robinson, 1987).

2012-04-18T10:00:00.000+02:00

Withnail y yo: una obra maestra del Cine escrita y dirigida por Bruce Robinson en 1987.

Hasta el momento solamente he sido capaz de conseguir convencer a tres personas de la conveniencia de su visionado: mi mujer, mi hermano y redrum. En todos los casos con satisfactorio resultado, lo que confirma que acerté casándome con mi mujer y sigo acertando al leer a redrum y a mi hermano. Atentos:

La película está basada en las experiencias de juventud del propio Bruce Robinson (el "yo" de la peli) durante su época de actor teatral y cuenta algunos episodios de su rocambolesca amistad con Vivian McKerrell (el Withnail). Los actores protagonistas del film, Paul McGann (yo) y Richard E. Grant (Withnail), dan vida a dos jóvenes actores de teatro clásico, eternamente en paro, eternamente hambrientos y eternamente alcoholizados / drogados, que deciden ir a pasar una temporada al campo para renovar de sus pulmones el viciado aire londinense. Para ello piden prestada a un tío de Withnail su idílica casita en la campiña inglesa. Pero de idílica nada, porque la supervivencia en aquellos bucólicos parajes será tan dura como la de la city. Para complicar un poco la cosa les visitará el tío Monty, un aristócrata homosexual y muy pesado en todos los sentidos, personaje inspirado en la figura de Franco Zefirelli (en cuya compañía de teatro trabajó Bruce Robinson).

Una película extraordinaria, de las de culto por derecho propio, es decir, sin tripas, ni sangres, ni pajas físicas ni mentales, que cuenta con algunas de las escenas más divertidas de toda la Historia del Cine y que regaló a la Humanidad un personaje mítico: Withnail.

Y es que no todo en los 80 fue un horror. No se la pierdan y únanse al club "amigos de Withnail y yo" que yo mismo presido y del que ya he expedido tres carnés. ¿Quién quiere el número 004?.

La tormenta Mortal. Frank Borzage, 1940. Que vienen los nazis.

2012-04-16T17:45:00.000+02:00

Aunque ahora nos pueda parecer algo sorprendente, son pocas las películas hollywoodienses de temática abiertamente antinazi anteriores al bombardeo de Pearl Harbour. (7-dic-1941). "La tormenta mortal" es una de ellas. Y es la primera película en la que se puede escuchar el nombre de "Hitler" y cuya acción está ambientada en la Alemania nazi. Toma ya.

"La tormenta mortal" está basada en una novela del escritor británico Phyllis Bottome y la historia que nos cuenta es un puñetazo directo y sin miramientos a la mandíbula nazi. A la de todos los totalitarismos. Algo doblemente meritorio teniendo en cuenta que en 1940 la MGM todavía se cuidaba de que sus películas no molestaran demasiado al pueblo alemán que, por su parte y tacita a tacita, estaba invadiendo Europa por aquellos días.

No nos narra ninguna de las barbaridades que los ejércitos de Hitler cometieron por toda Europa cuando ya la cosa tenía poco remedio (salvo un buen bombazo en la cara de la cúpula nazi, como infructuosamente intentó el malogrado von Stauffenberg). La acción nos sitúa un poco antes, en el origen del Mal, en un pueblecito universitario bávaro en 1933, justo el año en que Hitler sube al poder gracias al voto democrático de la mayoría del pueblo alemán que, enardecido por su mensaje ultranacionalista, está dispuesto a entregar a un loco el poder absoluto del Estado, cuyos intereses estarán, a partir de ese momento, por encima del pensamiento y las voluntades individuales.

El profesor Roth, un respetado catedrático de la universidad y un eminente científico y médico admirado por todos sus colegas y alumnos, está felizmente casado. Es padrastro de 4 hijos que lo consideran su auténtico padre. Su hija Freya (Margaret Sullivan) es una linda muchacha que tiene coladitos a dos jóvenes estudiantes: Martin Breitner (James Stewart) y Fritz Marberg (Robert Young).

El día del 60 cumpleaños del veterano profesor, Adolf Hitler sube al poder. Los dos hijos mayores y su futuro yerno, Fritz, abandonan la fiesta familiar, excitadísimos por la noticia, para acudir a la sede del partido nazi a celebrar el triunfo del Führer. ¡Alemania va a recuperar su antigua gloria y va a poner en su sitio a las potencias europeas!. Martin rehúsa la invitación porque comenta que "cree que la paz es mejor que la guerra" y es acusado por sus amigos de toda la vida de "pacifista". Martin, intuyendo lo que se avecina, se retira a la granja familiar en las montañas para evitar futuros roces con sus amigos de infancia.

Pero las circunstancias le obligarán a involucrarse en el inminente conflicto social que supondrá el sistemático acoso y derribo que los jóvenes cachorros nazis (incluídos sus tres amigos) impondrán contra todo aquel librepensador que vaya contra las ideas del partido. Ya sabéis, lo de traidor a la patria y todo eso. Hay un asuntillo más: el profesor Roth es un no-ario.

Un día, uno de los alumnos de Herr Roth pregunta al profesor si hay alguna diferencia entre la sangre de los arios y la de los no-arios. El profesor Roth defenderá la Ciencia y la Verdad...

"La tormenta mortal" es la mejor y quizás menos conocida película de Frank Borzage, notable realizador que entró en la Historia del Cine al ganar el primer premio de la Academia americana concedido al mejor director de una película dramática. Fue por "El Séptimo Cielo" en 1928.
Borzage era un especialista del melodrama y un romántico ("Adios a las armas") pero en esta película se lanzó de lleno a la denuncia del totalitarismo, -encarnado en aquellos días por el diabólico III Reich-, denunciando a los silentes y mostrando la ignorancia de los fanáticos e irracionales seguidores del partido nazi.

Borzage nos pone el corazón en un puño con varias escenas duras. Como aquélla de la taberna del pueblo cuando un grupo de "valientes" quiere linchar a un viejo maestro de escuela "no-ario" (se evita en todo momento a lo largo del metraje la palabra "judío"). La película se cierra con un hermoso y trágico final sobre las nieves de los Alpes.

Una lección de cine de denuncia donde se airean los peligros del ultranacionalismo, el horror de la limpieza étnica y la amenaza de conseguir el pensamiento único a base de hostiar al que no traga. 72 años después seguimos con la misma historia. También en nuestro país.

Hoy es mi Cumpleaños.

2012-04-15T09:00:00.004+02:00

Yo lo noto: cómo me voy volviendo
menos cierto, confuso,
disolviéndome en aire
cotidiano, burdo
jirón de mí, deshilachado
y roto por los puños.

Yo comprendo: he vivido
un año más, y eso es muy duro.
¡Mover el corazón todos los días
casi cien veces por minuto!

Para vivir un año es necesario
morirse muchas veces mucho.

Ángel González
Del libro Áspero mundo (1956).

Por fuera parezco así:

Pero por dentro soy más asá:

Música Poética. Marble Halls, 1843.

2012-04-11T09:10:00.004+02:00

A todos los que se estremecieron con esta escena de La Edad de la Inocencia en la que sonaba de fondo el Marble Halls en la versión de Enya...

... dedicamos hoy la versión original del maestro irlandés Michael W. Balfe (1808 - 1870) que incluyó en su célebre ópera The Bohemian Girl (1843) una de las más hermosas arias jamás compuestas, I dreamt that I dwelt in Marble Halls.

La versión es la de Dame Joan Sutherland quien, en mi opinión, es la mejor intérprete de este bellísimo pasaje. Disfruten de esta preciosidad que, más o menos y según mi libre traducción, viene a decir:

I dreamt that I dwelt in marble halls, Soñé que habitaba entre salones de mármol,
With vassals and serfs at my side, Con vasallos y siervos a mi alrededor,
And of all who assembled within those walls, Y de todos los que habitaban entre esos muros,
That I was the hope and the pride. Que yo era la esperanza y el orgullo.
I had riches too great to count Tenía tantas riquezas que no se podían contar,
Could boast of a high ancestral name; Podía alardear de tener un apellido ilustre;

But I also dreamt, which pleased me most, Pero también soñé, y fue lo que más me gustó,
That you lov'd me still the same Que tú me amarías siempre
That you lov'd me, you lov'd me still the same, Que tú me amarías siempre lo mismo.
That you lov'd me, you lov'd me still the same. Que tú me amarías, me amarías siempre lo mismo.

I dreamt that suitors sought my hand; Soñé que muchos pretendientes me cortejaban
That knights upon bended knee, Que los caballeros se arrodillaban ante mí,
And with vows no maiden heart could withstand Con promesas que el corazón de ninguna dama podría resistir
They pledg'd their faith to me; Ellos ponían toda su fé en mi:
And I dreamt that one of that noble host Y soñé que uno de ellos
Came forth my hand to claim. Se adelantaba suplicando por mi mano.

But I also dreamt, which joyed me most, Pero también soñé, y fue lo que más me alegró,
That you lov'd me still the same Que tú me amarías siempre
That you lov'd me, you lov'd me still the same, Que tú me amarías siempre lo mismo.
That you lov'd me, you lov'd me still the same. Que tú me amarías, me amarías siempre igual.

50 Años de... Lawrence de Arabia (David Lean, 1962).

2012-04-09T08:00:00.000+02:00

"Si tú eres el hombre que tiene el dinero y alguien viene y te dice que quiere hacer una película de cuatro horas de duración, sin estrellas, ni mujeres, sin historia de amor y con poca acción y que además quiere gastarse una gran cantidad de dinero para poder filmar en el desierto, ¿qué le dirías?". Omar Shariff.

Lawrence de Arabia (David Lean, 1962) una película eterna y deslumbrante que permanece inamovible en mi particular Top 5. ¿Me iré al otro barrio sin verla, majestuosamente proyectada, en una pantalla de cine?.

50 años de una Obra de Arte Total arropada, magistralmente, por la inspiradísima banda sonora de Maurice Jarré.

Uno se da cuenta de que se hace viejo cuando se sorprende a sí mismo diciendo: "ya no saben filmar amaneceres como éste"...

Feliz Viernes Santo les desean MrLombreeze y...

2012-04-06T09:00:00.001+02:00

... Christopher Hitchens.

Jueves Santo. Comienza el puente de Semana Santa.

2012-04-05T09:00:00.001+02:00

Tengan mucho cuidado ahí fuera con el coche durante estos días y, si son católicos, recuerden: nada de carne en Semana Santa.

Para todos los demás: SEREBRO...

Hoy es el cumpleaños de la mia mamma.

2012-04-03T09:00:00.001+02:00

Mi mamma es como las pilotos soviéticas de la WWII: bajita y rechoncha. Y también es, más o menos, así, como la señora Corleone. O sea, cuesta abarcarla pero no cuesta nada abrazarla:

¡Felicidades mamma!. Siempre has tenido razón: los dos más grandes músicos del siglo XX fueron Pérez Prado y Renato Carosone. Tú los cantabas y bailabas muy bien hasta el momento en que llegamos el Grupo de los Seis y te fastidiamos el invento, las rodillas y unos cuantos sueños. Gracias por todos los madelmanes.

Clásicos Imprescindibles. La Obertura de "Ruslan y Ludmila" (1842).

2012-04-02T07:00:00.001+02:00

"Mi máxima admiración es para Glinka". Rimsky-Korsakov.

En 1820, -antes de palmarla en un duelo de honor a los 37 años-, el escritor ruso Alexander Pushkin publicó un largo poema épico titulado "Ruslan y Ludmila" en el que cantaba y contaba las desventuras de la joven princesa Ludmila, hija de Vladimir "Sol Brillante" regente de Kiev y prometida con el valiente príncipe Ruslan. Un poema con uno de las más hermosos y célebres versos que como ya sabéis dice así:

У лукоморья дуб зелёный;
Златая цепь на дубе том:
И днём и ночью кот учёный
Всё ходит по цепи кругом;

Pero hete aquí que, el día de la boda de los dos jóvenes príncipes, una misteriosa sombra, surgida de la nada, rodea a la hermosa Ludmila quien se desvanece en los brazos del atónito Ruslan. El rey ofrece como recompensa, para aquel caballero que encuentre a su hija, la mano de la princesa. En su búsqueda partirán el propio Ruslan y tres caballeros que habían pretendido a Ludmila: Farlaf, Ratmir y Rogdai, que suenan juntos a atragantamiento con hueso de pollo. Será un sabio anciano el que ponga a Ruslan tras la pista del raptor de la joven, el enano Chermonor. Finalmente, OJO SPOILER, todo saldrá bien y los príncipes se casan, son felices y comen perdices (куропатка). FIN DEL SPOILER.

Son, precisamente, estos tres protagonistas del poema de Pushkin los que inspiraron al padre del nacionalismo musical ruso, Mihail Glinka (1804-1857), para componer los correspondientes temas musicales que conforman la gloriosa Obertura de su ópera: Ruslan y Ludmila ("Руслан и Людмила", 1842).

Glinka se formó operísticamente en Italia cuya tradición musical de obras ligeras con trágicas tramas palaciegas o históricas, tan del gusto de la clase alta, primeramente le conquistaron. Pero el huéfano Mihail pronto rememoró su acomodada infancia y los problemas que tuvo con su rica abuela por relacionarse con demasiada frecuencia con la servidumbre. Y así liberó todas esas canciones populares que había escuchado cantar en su niñez para, una vez más, conseguir alcanzar la cumbre musical al unir lo más excelso de la música popular y la música culta, o sea, lo que llamamos nacionalismo musical.

Claro, la aristocracia rusa comentaba de sus obras que sonaban como "la música de un cochero", pero eso fue antes de que los integrantes del Grupo de los Cinco proclamaran a los cuatro vientos que Glinka era, musicalmente hablando, lo más grande que había parido Rusia y la aristocracia rusa cambió de opinión y listo.

El caso es que esta obertura que vamos a escuchar ahora es un auténtico prodigio orquestal que se eleva a las más altas cimas del Arte cuanto más rápido tocan las cuerdas y más fuerte suenan los timbales de la orquesta que la interpreta.

Disfruten de la Obertura de la ópera Ruslan y Ludmila. Folklore ruso 100% y uno de los cinco fragmentos musicales que me llevaría a una isla desierta. Volumen y subwoofer a tope, por favor.

Ah, una cosa: ¿han visto alguna vez dirigir a un maestro con un ramo de flores en la mano?, ¡a que no!, pero es que quizás no conozcan al GRAN director ruso Valeri Gérgiev. No va trompa; él es así: genial y desaliñado.

The WTF Movies: Insidious (James Wan, 2010). El Descojone padre.

2012-03-30T07:00:00.014+02:00

Hacía meses que no me reía tan a gusto viendo una película en casa. En serio. Pero es que... ¿¿¿¡¡¡¿¿¿ cómo no me voy a descojonar viendo un bicho como éste???!!!???.

Me refiero al bicho rojo de atrás, no al actor Patrick Wilson aunque sea, -junto a Sam Worthington y Daniel Brühl-, uno de los más inexpresivos rostros de la actualidad cinematográfica.

Reconozco que disfruté viendo Saw allá por el año de su estreno, aunque posteriores visionados parciales en tv me han decepcionado un poco porque es una película con una premisa argumental que quema su único cartucho tras el primer visionado pero, vaya, que la propuesta era original y, en cierta medida, sí que revitalizó el género de terror-gore (al menos del terror que nos dan los sicópatas sevenianos). El resto de la filmografía de su director, el austaliano James Wan, no me había atraído en absoluto hasta que me decidí el fin de semana pasado a ver Insidious, una película cuyo principal atractivo residía en que parecía despertar filias y fobias a partes iguales. Así que, finalmente, he visto Insidious con una expectativa tan poco exigente como la de que me revitalizara un poco el viernes noche. Con eso me conformaba.

Ahora espero que ninguno de mis amigos fans de Insidious se sientan ofendidos ni incómodos en esta su casa (porque no es ésa mi intención para con ellos) por lo que voy a decir a continuación: Insidious es una memez (todo lo contrario que yo opinan my friends Insanus y David Amorós).

Prácticamente no existe nada en Insidious que no esté directamente tomado de alguno de los clásicos del cine de terror que van desde la magistral Suspense (1961) o la acongojante El Carnaval de las Álmas (1962)..,

.., pasando por la icónica Poltergeist (1982) o las inigualables e inalcanzables El Exorcista (1973) y El Resplandor (1980), y continunando con etc, etc de innumerables similitudes argumetales y estéticas de multitud de películas de casas encantadas amityvillianas, y posesiones demoniacas. Indisidious incluye también, of course, un epílogo sorpresa como lo han venido haciendo casi todas las películas malas de terror desde Viernes 13 (1980). Una firma que viene a decir "vale, es verdad que todo esto que te acabo de contar es una chorrada como un piano, pero a que esto otro del final no te lo esperabas". Una pena.

Tanta referencia en Insidious me hace llegar a la bienintencionada conclusión de que la película es un condensado homenaje a todo un género, lo que no tiene, a priori, nada de malo. Lo malo es el resultado final: es lo que técnicamente se conoce en el mundo del cine con el término "batiburrillo". Y es que el guionista Leigh Whannell monta todo un elaborado planteamiento metafísico para que unos fantasmas acaben por venir a darnos sustos haciendo chirriar puertas, tirando al suelo jarrones y apareciendo repentinamente como hacía mi abuelo por las noches cuando se levantaba a mear.

El protagonista de Insidious no es ni la casa, ni el niño, ni la madre, ni el padre, ni la abuela médium, ni los bufones cazafantasmas, ni los fantasmas, ni el demonio de pezuñas y garras. Son todos a la vez pero ninguno en concreto. ¿Eso es bueno o malo?. A la vista de los resultados es catastrófico.

Los fantasmas de Insidious son estéticamente ridículos (esto es imperdonable) y no dan mucho miedo por lo que el compositor Joseph Bishara ha tenido que currarse lo de la banda sonora para enfatizar el asunto y redundar con los chirridos de sus violines los de las bisagras de las puertas de las enormes mansiones de la película (al final va a resultar que mi padre tenía razón cuando decía: "cuanto más grande es la casa, más hay que limpiar").

Pero seamos justos y vamos a concederle a Insidious el par de méritos que sí tiene: 1.- conseguir que una casa muy bonita resulte inquietante a plena luz del día (aunque más mérito tuvo lo de Chicho cuando lo consiguió con un pueblo entero) y 2.- conseguir que el guión dé un giro inesperado en la primera parte de la trama. Pero no es suficiente para salvar a Insidious del abismo cinematográfico al que pertenece porque la segunda mitad es.., es que es.., delirante, chapucera, precipitada, torpe y ridículamente naíf (esto último es lo que resulta a muchos atractivos, como la perenne sonrisa de oligofrénica que lucía Audrey Tautou en Amélie). Ah, casi me olvido, quédense hasta el final de los títulos de crédito que cierran la película porque, ¡¡¡no se lo van a creer!!!, se van a llevar un sorpresón (espero que se note la ironía).

Es verdad que Insidious no deja indiferente: mi mujer pasó miedo y yo me partí el ojete.

Infierno de Cobardes. La Huelga del 29-M.

2012-03-28T07:30:00.001+02:00

***Este post fue publicado originalmente con motivo de la Huelga General del 29 de septiembre de 2010.***

Capítulo I. Once upon a time...

“En todas las épocas, cuando la situación del pueblo ha llegado a un punto tal en que una gran parte se queja de las injusticias existentes, la clase poseedora responde que las censuras son infundadas, y atribuye el descontento a la influencia de ambiciosos agitadores. La historia se repite. Pero aunque los obstáculos que se opongan al progreso parezcan insuperables, siempre han sido vencidos, y esta vez no constituirán una excepción a la regla”.

Adolfo Fischer, anarquista ejecutado el 11 de Noviembre de 1886 junto a otros de los tristemente célebres mártires de Chicago.

La Huelga General y el 1 de Mayo también se inventaron en los USA: 8 horas para el trabajo, 8 horas para el sueño y 8 horas para la casa. Si no podemos conseguir mantener un mundo así para las futuras generaciones, lo mejor es que el mundo se vaya a tomar por el culo cuanto antes.
Esta petición de los trabajadores norteamericanos que amenazaron con ir a la huelga el 1 de mayo de 1886, si no se atendía su reivindicación de reducción de jornada laboral a 8 horas, fue calificada por los periódicos de entonces de "indignante e irrespetuosa", "delirio de lunáticos poco patriotas", "lo mismo que pedir que se pague un salario sin cumplir ninguna hora de trabajo".

Afortunadamente hoy día ya no les tiramos bombas a los jefes pero, no nos engañemos, es solamente porque los jefes ya no pueden llamar a la policía o al ejército para que nos peguen tiros a los obreros. El día que un policía mate a mi mujer de un disparo durante una manifestación a petición de su jefe, iré a su oficina y le tiraré una bomba casera. Y, si no me cuelgan por anarquista, cuando salga de la cárcel iré a ponerle flores a la tumba de mi mujer y a mearme en la de su jefe.
Y ahora viene eso de que el que no conoce la Historia está condenado a repetirla...

Capítulo II. Present day. History repeating...

La falta de regulación y de control por parte de los Gobiernos y Bancos Centrales a las actividades de la Banca permitió una peligrosa especulación de los listos de siempre que las prestigiosas agencias de riesgo no detectaron (otros listos), que salió mal y que fue la principal causa que nos ha precipitado a la crisis que estamos sufriendo ahora. O sea, algunos bancos metieron la pata apostando al caballo perdedor y se quedaron sin dinero para prestar a otras actividades empresariales y a particulares. Otros bancos engañaron a sus clientes y sin verguenza alguna, echaron la culpa al pueblo que quiere tener una casa y un coche propio y eso está muy mal, pese a que es lo que ellos evangelizaban. Los Estados también se quedaron sin pasta porque tuvieron que dársela a los bancos para que no se fueran a tomar viento. Las consecuencias han sido despidos masivos y van a ser recortes en las conquistas sociales que ha conseguido el movimiento obrero.

Yo nací pobre, tonto y sin talento, como mi padre y mi madre, quienes ya me advirtieron que era la peor combinación que te podía tocar en la vida. Pero no nací tan tonto como para no darme cuenta de que la única forma de subir a la Torre Eiffel o navegar por los canales de Brujas, antes de morirme, era sacrificándome de alguna manera. Así que elegí no tener hijos ni casa para poder ver la bahía de San Francisco y la de Tokyo que son una preciosidad que mis padres nunca verán porque tuvieron 6 hijos pobres y tontos.

Capítulo III. The strike.

Yo soy un white collar worker de una planta española de una multinacional yanki. Nuestra planta tiene unos resultados económicos envidiables, un montón de cafeteras y un comité de empresa fuerte que piensa que los administrativos somos unos jetas que nos tocamos los huevos todo el día y que los únicos trabajadores de verdad son los blue collar workers como ellos. Pero bueno, no se lo tengo en cuenta.

Soy un puto proletario, sí, pero agraciado por la diosa Fortuna. Pese a ello yo hago huelga porque creo que es necesario protestar y porque lo peor que me va a pasar es que me van a quitar 100 euros de sueldo a final de mes que, en mi caso, me toca los cojones porque no tengo ni hijos ni hipoteca (vivo de alquiler). Pero esta situación, mi situación, no es la de todos los trabajadores españoles.

Mi mujer no puede hacer huelga porque si la secunda, dentro de cuatro días la trasladarán de la tienda en la que trabaja (a 5 minutos de casa), a otro establecimiento que tiene la empresa en una carretera perdida a tomar pol culo de todo y que es como la Siberia particular de su jefe.
Mi hermana no puede hacer huelga porque trabaja de camarera en una cafetería y si la secunda le cambiarán el turno de mañana y el único fin de semana libre que tiene al mes por el turno de tarde, sin fines de semana libres, que se ha estado chupando durante los últimos 8 años.
Mi cuñado no puede hacer huelga porque está en paro desde hace 1 año. Y así, hasta el infinito y más allá.

La lucha entre el capital y el obrero sigue existiendo y probablemente siempre existirá por definición. A lo mejor no tiene nada de malo que la cosa funcione así. Pero hay una diferencia entre un combate de boxeo y la paliza de un abusón.

Esta es la puta realidad del mundo en el que vivimos muchos de nosotros. Así que yo hago huelga también por mi mujer, mi hermana y mi cuñado. Unos tipos a los que no les he oído quejarse durante toda su vida de casi nada y a los que yo, desde mi privilegiada posición actual, no tengo los santos cojones de pedirles que sean los héroes de un día para que luego se tiren 300 días más yendo a trabajar a Siberia las noches de los fines de semana.

Pero me cago en todos los que, como yo, lo tienen fácil para secundar esta huelga y creen que no es una propuesta descabellada, pero no les ha salido de los cojones secundarla para que no les descuenten 100 putos euros a final de mes. Son los mismos que se acogen a todas las conquistas sociales de permisos paternales y maternales, días de asuntos propios, permisos por mundazas, enfermedad de familiares. Los que se toman 3 días libres porque se les ha muerto un tío en Cuenca al que no ven desde 1983 y los que se quejan de que les van a quitar el cheque bebé el año que viene.
Los muy gilipollas se han cogido el día de vacaciones o la baja o se han ido de viaje de negocios o han entrado por la puerta de atrás a la empresa para que no les vean los del piquete o yoquésé, y encima se piensan que son más listos que los demás.

A estos chavales y chavalas quiero deciros 4 cosas:

1.- F*ck U.
2.- Peseteros.
3.- Así os gastéis los 100 euros en medicinas.
4.- Ojalá vuestros hijos trabajen 14 horas al día como los obreros de Chicago de 1886.

El hamburguesamiento del primer mundo nos hace vivir en un infierno de cobardes, (yo el primero), pero, coño, hasta en el infierno de Dante había categorías.

100 Años de... PAN Y ROSAS.

Canciones de Cine. El Havre (2011). Aki Kaurismäki nunca defrauda. Siempre genial.

2012-03-26T07:00:00.014+02:00

I love Aki Kaurismäki. Lo admiro más a él que a la mayoría de los directores a los que él dice admirar porque estos últimos suelen ser mucho más aburridos que el maestro finlandés. Y es que Kaurismäki puede que sea el poeta del eterno retorno al desencanto (puede) pero sus versos cinematográficos siempre contienen dos indispensables ingredientes que no son, en absoluto, secretos: el humor y la música.

Por eso Kaurismäki es un maestro. Sus películas podrían titularse "Qué feo es vivir" o "Qué triste es vivir" o "Qué gris es vivir" o "Qué jodido es vivir" o etc, etc, pero, en cualquier caso, siempre llevarían el subtítulo de "pero hay que vivir". Y esa es la puñetera realidad. Además, no puedo considerar pesimista a alguien que incluye el rockandroll en las bandas sonoras de sus películas por mucho que su tragicómica mirada, su cali-gélida mirada, parezca estar siempre obsesionada con los desheredados, los desfavorecidos, los desafortunados y, también, con los desaliñados.

Casi todas las películas de Kaurismäki incluyen una escena en la que los protagonistas bien asisten a un concierto de rock, bien escuchan esta música en la radio o en un jukebox de algún bar, así que, como diría Santos Trinidad, ¡¡¡rockandroll!!!, un género musical que no entiende de edades, nacionalidades o altura. Compruébenlo por boca de la estupendísima voz de una pequeña figura del rock francés: Little Bob que aperece en El Havre, la última película de Aki Kaurismäki, parodiando los conciertos solidarios. Se parece a mi abuela, pero qué marcha y qué voz tiene el tío.

A Kaurismäki siempre se le acusa de quedarse en esteta del inframundo que es como acusar a una mujer arrabalera de ser hermosa, pero una mujer puede ser muy hermosa aunque sea una camarera de la más cutre taberna portuaria de los más bajos fondos de la más triste y fría de las ciudades del norte de Europa (una zona del mundo triste y fría por definición). ¿Les parece poco?. No diga cine de autor, diga Kaurismäki.

Dicho esto en su "defensa", no me voy a enrollar más hablando del cine de mi amado Kaurismäki del que ya recomendamos en nuestro blog dos de sus grandes películas: La Vida de Bohemia y Contraté un Asesino a Sueldo. Su último trabajo se titula El Havre y es un cuento en el que sale un policía con pinta de malo sentado en un bar con una piña.

El Havre es, también, un canto a la civilizada desobediencia civil que no a la de estos de analfabetos rompe-cristales-de-McDonalds que, básicamente, son idiotas y no saben hacer otra cosa. Pero Kaurismäki no es idiota y los personajes de sus películas tampoco. El protagonista de El Havre es un lúcido, pobre, viejo, pícaro y optimista limpiabotas llamado Marcel Marx (André Wilms), un personaje que ya aparecía en La Vida de Bohemia, con 20 años menos, intentando triunfar como escritor en el bohemio París (ya veis cómo acaban los cuentos de Kaurismäki: más o menos como la vida misma, con desencanto).

El caso es que Marcel Marx es un tipo muy pobre que se encuentra con un joven africano (un inmigrante ilegal al que busca la policía) que es muy, muy, muy pobre y Marcel Marx, héroe gusano, hace lo que hay que hacer en estos casos: le da al joven su propio bocadillo. Porque el no haber triunfado en la vida no te convierte, obligatoriamente, en un cínico y resentido hjodeputa insolidario. No se pierdan El Havre. Es una película maravillosa y es, por ahora, la última perla del personal, lacónico, socarrón, silencioso, incorruptible e inconfundible universo kaurismäkiano.

Una de mis canciones favoritísimas ever es Things Will Turn Out Right (1965), en la versión de The Renegades, un grupo inglés que desarrolló gran parte de su carrera musical en tierras finlandesas. No sé nada más de ellos pero qué bien suena este temazo que me grabó en una cinta de cassette un amiguete que pinchaba discos en un garito cuando ambos lucíamos en nuestras testas unos cuidados y relucientes tupés. Things Will Turn Out Right:

Akis Kaurismäki ha recuperado a The Renegades para mi castigada memoria al incluír en los créditos finales de El Havre uno de sus temas más exitosos: Matelot (1965).

Tres temazos en un solo post. Qué más se puede pedir... Bueno, si acaso, un vinito, ¿no?. A la salud de Akis Kaurismäki, de parte de uno de sus incondicionales fans.

Diez Momentos del Cine (para todos los públicos) que me pusieron a 100 (1ª Parte).

2012-03-21T07:30:00.002+01:00

"Malos recuerdos, sin embargo sed bienvenidos, sois mi juventud lejana..."

Con este aforismo comenzaba la magistral película El Ejército de las Sombras (1969) del realizador francés Jean-Pierre Melville, director por el que los gusanos profesamos una gran devoción cinéfila. Permítaseme hoy, en homenaje al maestro Melville y a mi cada vez más lejana juventud, despojar de amargura a esta cita para convertirla en "Buenos recuerdos, sed bienvenidos. Sois mi juventud lejana".

Y es que a propósito de nuestra anterior entrada acerca de Diez Películas de Cine Impactantes, se me ha ocurrido crear esta segunda parte bastarda y lasciva en la que vamos a darle al término "impactante" una connotación sexual o, más bien, de despertar sexual, que queda como más inocente. Es por ello que hoy me dispongo a relacionar, para todos ustedes, Mis Diez Momentos de Cine que me pusieron a 100.

Para suavizar el asunto y no entrar en la pornografía (contra la que no tengo nada pero hoy no viene al caso), la selección se limitará a películas no pornográficas ni eróticas que hayan sido vistas antes de cumplir los 18 años (lo aclaro por si alguien quiere meme-tizar este post y seguir estas reglas).

He dado prioridad a aquellas que me sorprendieron en una situación especialmente incómoda para un púber: viendo la tele en casa con toda la familia alrededor. Podríamos volver a parafrasear a Melville diciendo: "Incómodas erecciones, sin embargo sed bienvenidas, sois mi pubertad lejana". No sé si me explico (¡malditos skijamas!) pero quiero recordar a la chavalería del siglo XXI que en los años 80 conseguir estímulos sexuales era un poquito más complicado que ahora.

Estas son las 5 primeras Elegidas (el próximo viernes, las otras 5):

1.- El Tigre de Esnapur / La Tumba India (1959, Fritz Lang). Este díptico que rodó el maestro Lang de vuelta a su Alemania natal es una de las aventuras cinematográficas más emocionantes de toda mi vida. Tiene de todo: salen leprosos, arenas movedizas, parajes y construcciones exóticas, fanáticos monjes hindúes, un arquitecto alemán ligón, un vengativo maharajá despechado y una maciza llamada Seetha a la que dio vida la guapísima actriz norteamericana Debra Paget. La danza ritual de Seetha fue demasiado hot para mi pequeño corazoncito de espectador de la Primera Sesión de los sábados. Las películas bíblicas o exóticas eran la única ventana por la que podía colarse un buen muslo o un generoso escote para alegría de un jovencito como yo. La danza de Seetha sigue siendo, todavía hoy, un baile muy, muy sensual y pueden comprobarlo si buscan por Internet la infinidad de referencias y vídeos de esta escena que vamos a ver a continuación. Debra Paget es la primera tía buena que yo recuerdo haber visto en una película. Empecé a lo grande:

2.- Viva Las Vegas (1964, George Sidney). Una película de Elvis. A mí me encantaban. En esta le acompañaba una Ann-Margret de 23 añitos. En el número musical de la canción que da título a la película, Ann-Margret simplemente... ¡¡¡no llevaba falda!!! pero sí llevaba unas medias negras. No descarto la posibilidad de que el fetichismo que, todavía hoy, me inspiran los pantys, las lycras, los spandex y demás, provenga de este primer recuerdo de la sueca Ann-Margret bailando (¡sin falda!) al ritmo de la música del Más Grande: Elvis Presley.

3.- ¡Viva María! (1965, Louis Malle). ¡Viva!. Una película con un guión delirante. Una especie de comedia con aroma de western revolucionario mexicano en el que dos señoritas llamadas "María" inventaban el striptease fronterizo. Ellas eran la potentísima Brigitte Bardot y la atractiva Jean Moreau. Este striptease que, seguramente, vi una noche de sábado (Sábado Cine) es el primero que conservo en mi cocorota. Atentos al careto de los mexicanitos ante el improvisado show de las mademoiselles:

4.- Barbarella (1968, Roger Vadim). El cuerpazo de Jane Fonda es un cuerpazo de belleza atemporal. Recuerdo la emisión de Barbarella por la Segunda Cadena de RTVE. Yo pensaba que era una peli de sci-fi y de sopetón me encontré, ya en los créditos iniciales, con un striptease. A partir de ahí, el desfile de modelitos de Barbarella / Jane Fonda supone uno de mis más calenturientos y fetichistas momentazos de cine visto en tv. Creo que el responsable del diseño del vestuario fue Paco Rabanne. Dios le bendiga. Mi madre me caló y cambió a otra cadena. Más concretamente a la Primera Cadena (no había más).

5.- La Leyenda del Indomable (1967, Stuart Rosenberg). Pero vamos a ver.., ¿quién podía imaginarse que a mitad de una película como ésta me iba a encontrar, de repente, con una escenta como la que vamos a ver a continuación?. Venga, hombre... Y mi padre delante. Eso no se hace Mr. Rosenberg, eso no se hace. En fin. Mítica. La calientabraguetas de Joy Harmon poniendo a tono a los pobrecitos presidiarios cuando inocentemente sacaba lustre a su coche. Espectacular. Antológico. Gran vídeo con música de Cake:

Hoy es el Día del Padre.

2012-03-19T07:30:00.011+01:00

Feliz Día del Padre a todos los hijos que tenemos la suerte de tener papás cojonudos y a todos los padres que tienen la suerte de serlo.

Pertenezco a una generación y a una clase social en la que lo habitual era que la mami estuviera en el hogar limpiando, cocinando, planchando y demás "sus labores". Se pasaba casi todo el día en casa y solamente salía al mercado para comprarnos comida o para conseguirnos ropa con la que vestirnos lo más dignamente posible. En invierno nos ponía leotardos y pasamontañas. El caso es que parecía que la mamma estaba siempre disponible para ayudarte con cualquier problema de cualquier índole que pudiera surgirte.

Y luego estaba el papi. Era todo lo contrario. Casi nunca estaba en casa. Mi padre se iba muy pronto y volvía muy tarde. Se duchaba (qué coño se duchaba, se bañaba, lo de ducharse es más moderno) y volvía a irse para comprar un montón de cosas más. Siempre comprando. Los domingos por la mañana traía bandejas gigantes de cruasanes y nos alimentaba como lo que éramos: polluelos desquiciados. Los veranos nos metía a los 6 churumbeles en el 127 y nos tranportaba como lo que éramos, becerros desbocados, hasta un destino veraniego en el que nos tirábamos dos meses con nuestra mami, claro, que se pasaba las vacaciones limpiando, cocinando y planchando. El papi subía a vernos los findes y siempre traía más y más cosas.

Cuando yo era niño, mi padre era enorme, altísimo. Tenía unas manos todopoderosas. Su mano derecha era como Mjolnir y su mano izquierda como el puño de Mazinger Z. Tenía unas cuchillas de pescadero también enormes y yo le acompañaba cuando iba a afilarlas y contemplaba cómo echaban chispas cuando chocaban contra la piedra de tal manera que parecían haber sido forjadas por el mísmisimo Völundur. Así permaneció mi padre, todopoderoso en la cima de su monte Olimpo (aunque era más de Moncayo) durante muchos años hasta que, un día, murió mi abuelo que era el padre de mi padre. Mi abuelo había sido ferroviario. También se había ido a trabajar muy pronto y había vuelto muy tarde. Y había vuelto de trabajar y se había bañado. Y había salido a comprar un montón de cosas más. Siempre comprando. Y se había ido a comprar churros los domingos por la mañana. Y mi abuelo había sido enorme, altísimo, con unas manos todopoderosas. Y el ciclo neorrealista de nuestras vidas parecía no tener fin.

El caso es que, un día, mi padre se echó a llorar y yo corrí a abrazarle y me di cuenta de que mi padre estaba tan caliente y olía tan bien como mi madre. Y ya nunca he dejado de darle abrazos y besazos.

A mi padre lo que más le gustan son los westerns, las mujeres, la música y la comida. A mí, sin embargo, lo que más me gustan son los westerns, las mujeres, la música y la comida.

Yo, por mi padre, sería capaz de hacer esto...

... porque sé que mi padre, por mí, sería capaz de hacer esto otro:

Well done papa, well done.

Frases de Cine. Machine Gun Preacher (Marc Forster, 2011).

2012-03-16T07:00:00.003+01:00

"Yo quiero preguntarles a todos ahí fuera, a cada uno que tenga un hijo, a cada uno que tenga hermano o hermana: si su hijo o un miembro de su familia fuera secuestrado hoy, si un loco entra, si un terrorista entra y secuestra a un miembro de su familia o a su hijo y yo les dijera "puedo traer a su hijo a casa"... ¿les importaría cómo lo hiciera?".

Dicho por boca del auténtico Sam Childers (ex convicto - motero - gángster - drogata - traficante) evangelizando su particular teología para la liberación de niños del infierno ugando - sudanés. Ya saben, Uganda, Sudán: esos sitios donde los niños soldado son obligados a asesinar a sus madres como parte del examen de ingreso forzoso en el grupo terrorista ultracristiano ugandés LRA (Lord´s Resistance Army, liderado por el súper hijo de la gran puta Joseph Kony) y donde las niñas se convierten en esclavas sexuales de esos guerrilleros cristianos que aspiran a instaurar una teocracia observadora de los Diez Mandamientos del Antiguo Testamento. En serio.

Aquí tienen al Sam Childers de cine (Gerard Butler) predicando...

... con el dramático ejemplo de las atrocidades que encontró en Sudán.

Sam Childers, predicador norteamericano cristiano pentecostalista, es el fundador y gestor de Angels of East Africa, un orfanato situado en el corazón de las tinieblas del sur de Sudán donde se da refugio, comida y educación a centenares de niños desde hace más de diez años.

Machine Gun Preacher es un correcto biopic de la figura del polémico Sam Childers (¿héroe o villano?, ¿es peor el remedio que la enfermedad?, ¿quien a hierro mata a hierro muere? y etc, etc de dudas morales por el estilo). La película está dirigida por el siempre correcto aunque algo ñoño Marc Forster y su mayor virtud es dar a conocer los terribles hechos que llevaron a un ex motero de Pennsylvania a convertirse, AK-47 en mano, en un predicador que, para salvar niños africanos, decidió dedicarse a combatir contra los terroristas del LRA. La historia que cuenta Machine Gun Preacher justifica su visionado. Una película convencional pero bienintencionada. A mí me vale. Justo, pero me vale.

En cuanto a la frase del principio del post, cada uno tendrá su opinón. Yo no tengo hijos pero...

La Svastica de Louis Glass.

2012-03-13T18:05:00.002+01:00

Supongo que debe ser más difícil reemplazar a un marine francotirador del ejército norteamericano que a un administrativo del departamento de Compras de una empresa como en la que yo trabajo (y ahora, todavía menos difícil: 20 días de indemnización y listo). Esa debe ser la razón por la que el ejército yanki no ha expulsado de sus filas a esta panda de retrasados mentales que patrullan por Afganistán:

Joder, ¡qué asco!. Si los paracaidistas de la Compañía Easy levantaran la cabeza...

... y vieran sus amadas barras y estrellas junto al diabólico símbolo de la guardia personal de Hitler, seguramente les darían su merecido a estos marines idiotas que en su defensa han dicho esta memez: las SS son las iniciales de "Snipers Scouts" (Francotidarores Exploradores) y no tienen, en su caso, nada que ver con las nazis aunque también estén, "casualmente", escritas con letras rúnicas. Ya ven: tontos y mentirosos.

Ay, los símbolos.., tan pequeños y tan grandes al mismo tiempo. Nosotros también tenemos los nuestros, no se crean que no...

Los repelentes Boy Scouts tuvieron que dejar de usar uno de sus símbolos por culpa de la propaganda nazi. Me estoy refiriendo a la esvástica hindú (la rueda de la vida) que fue fagocitada por los acólitos de Hitler y provocó que cualquier referencia a ella desapareciera de la cultura europea y norteamericana. No es que se perdiera mucho, en mi opinión, pero siempre jode que una panda de fanáticos se apoderen y perviertan el significado de un icono cuasi universal como es el de la cruz con brazos, un símbolo venerado a lo largo y ancho de todo el planeta desde hace muchos siglos. Y si no que se lo digan a la Orquesta Filármonica de Munich (la "Orquesta del Movimiento Fascista") que le tenía tanto amor a la esvástica, que no la retiró de sus partituras impresas hasta la década de los 90 (!).

Louis Glass (1864-1936) fue un notable compositor danés que, atraído por la teosofía, una seudoreligión muy de moda a principios del siglo XX, compuso en 1916 su Sinfonía n. 5 a la que dio el sobrenombre de "Svastica".

Como pueden imaginarse, en este caso sí que es verdad que el homenaje nada tiene que ver con el mundo nazi (que por aquel entonces ni existía) sino con el asunto antes mencionado del misticismo hindú y su patraña de la rueda de la vida y todas esas mandangas que tanto repelús nos dan a los materialistas.

¿Quieren escuchar del final de la Sinfonía n. 5 "Svástica" de Louis Glass?. Pues nada, pulsen play.

Ya saben: es muy bonita...

The Right Strikes Again: Aborto Ruíz Gallardón.

2012-03-12T07:30:00.005+01:00

Gallardón se ha quitado la careta de liberal progre, la de tío enrollado de portada del Zero, la de majorette de la cabalgata del Orgullo Gay y nos ha enseñado su verdadero rostro. Qué pena. Y es que no es lo mismo tener las responsabilidades pueblerinas de un alcalde (porque por muy grande que una ciudad sea no deja de ser un conglomerado de pueblos a los que llaman barrios, y lo de poner una cerca alrededor de la acequia para que no se desnuquen los quintos borrachos viene a ser lo mismo que cubrir la M30) que llevar las riendas de los grandes asuntos, los asuntos de Estado, y mucho menos de los Más Grandes Asuntos: los asuntos de los Derechos de los Ciudadanos.

La derecha social ya no es tan carca como para seguir con su eterno discurso de prohibiciones y restricciones. No son tan tontos como para no darse cuenta de que a la gente no nos gusta que nos prohiban casi nada. Así que Gallardón se ha sacado de la manga lo de "el derecho a la maternidad de las mujeres", un derecho que, por cierto, según su Iglesia Católica, fue sustituído por castigo hace unos 6.000 años ("parirás a tus hijos con dolor", Génesis, 3:16). ¡Pero él nos lo vende como un logro social por el que hay luchar!. Toma ya. Gallardón se ha puesto el delantal de matrona y va a perseguir a todos "los malos" que no dejan ser madres a las mujeres (qué pesados son los católicos con lo de el "Salvador"). Lo que no ha dicho es quiénes son los malos: ¿los hombres irresponsables?, ¿los empresarios?, ¿los abortistas?, ¿los padres que las visten como putas?, ¿la sociedad laica?, ¿el capitalismo?, ¿los sodomitas?, ¿el lobby de fabricantes de anticonceptivos?, ¿las chicas webcam que favorecen el onanismo en detrimento del misionero?, ¿las descargas ilegales?. Y no lo dice porque se expone a qué veamos el verdadero color de las plumas de su plumero.

Voy a recordarle a Gallardón dos cosas:

1.- Los abortistas no somos partidarios de que las mujeres aborten, solamente de que aborten si quieren.

2.- Hace muchos años que, con y sin Ley de aborto, con y sin plazos de aborto, muchas madres llevan renunciando a su maternidad (y hombres a su paternidad) porque con sus sueldos no llegan para dar de comer a más de un churumbel. Mi padre y madre criaron a 6 matracos con 1 sueldo de pescadero. Y mi suegro y mi suegra a 8 con 1 sueldo de albañil. Pero mis cuñad@s se han plantado en un crío porque ya no les llega para el segundo ni juntando 2 sueldos.

Breve Historia del Aborto.

Las mujeres comenzaron a abortar para que en el pueblo no las llamaran putas. Eran los curas y las monjas de Gallardón (dice que es católico) los que las llamaban putas si parían solteras. Y eso le quitaba las ganas incluso a la más valiente de las mamis. Pero siempre ha habido y habrá mujeres súper valientes y es por ello que unas cuantas putas decidieron parir solteras. Eran de izquierdas, qué horror.

Hoy día, los curas y las monjas llaman putas a las mujeres pero no por parir sino por todo lo contrario porque les ha dicho Dios que una madre soltera es menos puta que una madre abortista. Joder, si es que ¡una madre soltera ahora es una señorita de derechas como Dios manda!. Hay que ver cómo se moderniza la Iglesia. Para que luego digan que es una organización anquilosada en el pasado. No se enteran de que las mujeres abortan porque les sale de los ovarios. Y eso, pese a quien pese, es una conquista social y un hito en la carrera hacia la igualdad entre hombres y mujeres.

Gallardón dice que "ninguna mujer debería verse obligada a renunciar a la maternidad por un conflicto familiar, laboral o social" y que "van a estar más cerca de las mujeres más vulnerables". Me recuerda a lo que decía su Iglesia cuando proclamaba que ninguna mujer "debería verse obligada a renunciar" al sagrado sacramento del matrimonio por un conflicto familiar, laboral o social y prohibía el divorcio mientras aconsejaba a las mujeres saber encajar con elegancia las hostias del marido.

Gallardón ha hecho el ridículo con su Evangelio del Aborto según San Alberto porque siempre se hace el ridículo cuando se intenta intelectualizar o racionalizar las supersticiones de tus ancestros. Si quiere acercarse a la mujeres más vulnerables que empiece por fijarse en las 350.000 mujeres que mueren todos los años en el mundo intentando parir en condiciones miserables. A esas desdichadas mujeres nadie les pregunta si prefieren preñarse o conocer París. Afortunadamente, las "nuestras" ya pueden elegir. Alabado sea el Señor.

Righters, por favor, no toquéis los cojones, que ya es bastate duro, para hombres y mujeres, renunciar a tantas y tantas cosas por tantos y tantos conflictos familiares, laborales y sociales con los que tenemos que lidiar todos los días. Qué menos que nos dejen renunciar a lo que nos salga de los hu**os.

Así es la derecha, tan hipócrita como siempre: ten muchos hijos, no te separes de tu maromo ni de tu parienta bajo ningún concepto, fíjate en lo bien que llevan los chinos lo de su esclavitud (qué productivos que son, qué competitivos y cuánto podemos aprender de ellos), no te llenes la boca con tantos "derechos" que te vas a atragantar, ¡la familia es lo más importante! pero oye, si hay que irse a trabajar a Pernambuco pues te vas y que le den por el culo a tu familia, que ya la verás en Navidades... Y etc, etc, etc. Lo de siempre: mantener a la masa controlada y en perfecto estado de reproducción.

Anda a la mierda, hombre. ¿Qué cojones tiene que ver la promoción de la natalidad con el derecho al aborto libre y gratuito?. Llena España de guarderías públicas y machaca a los empresarios que discriminen a las embarazadas y ya verás cómo pronto volverás a ver el cielo lleno de cigüeñas.

Frases no de Cine. Los chinos y el Mercadona. The Right Strikes Again.

2012-03-10T18:25:00.000+01:00

'Los bazares chinos practican la cultura del esfuerzo que nosotros no hacemos'. Juan Roig, Presidente de Mercadona.

Jajajajajajaja. De verdad, es que no encuentro palabras para replicar esta majadería. Esperpéntico. Me río por no llorar, claro. No escuchaba nada tan absurdo desde que José María Castillejo (Presidente de Zinkia, productora de Pocoyó) dijo en el programa del follonero que a los ricos no se les podían subir los impuestos porque entonces se irían de España. Jajajaja. Otro figura. Joder, con lo listos que son para hacer negocios y lo tontos que demuestran ser cuando filosofan fuera de su campo.

The Right Strikes Again.

Temazo:

Paul Leni y Victor Hugo crearon a El Joker. El Hombre que Ríe (1928).

2012-03-08T07:40:00.002+01:00

Esto es algo que siempre me gusta decirles a los fans de los tebeos (lo hago para intentar chincharles, como si lo que voy a decir les fuera a quitar méritos a los artistas del cómic): El director de cine alemán Paul Leni inventó el look del personaje de El Joker, antítesis (o como dicen ahora "némesis") de Batman. Los que no me crean que tecleen en Google Imágenes "The Man Who Laughs, 1928".

¿Qué?, ¿a que mola?. Efectivamente, este personaje de cine fue la inspiración de los creadores del famoso payaso loco del Manicomio Arkham. Pero bueno, tampoco todo el mérito de la invención es del realizador alemán Paul Leni porque su película, la que hoy recomendamos, El Hombre que Ríe (1928), está basada en una novela homónima de 1869 del escritor francés Victor Hugo, uno de los reyes de la denuncia social novelesca. La historia incluye un detalle ¿histórico? escalofriante y macabro: Los Comprachicos (así, en español, fue como Monsieur Hugo inventó la palabra para su novela), un grupo de indeseables nómadas que, según Victor Hugo, "trabajaban con los hombres de la misma manera que los chinos trabajan con los árboles". O sea, eran una especie de hermandad de traficantes que se dedicaba a la compraventa de niños procedentes de familias muy pobres. Los pequeños eran deformados para ser exhibidos como monstruos de feria. O eso decían las leyendas urbanas de la Inglaterra del siglo XVII. Tremendo.

Paul Leni (1885-1929, nacido como Paul Josef Levi) fue un realizador alemán de estética expresionista que arrastraba un pasado de pintor de vanguardia. Buena combinación. Y ya saben cómo es el expresionismo cinematográfico: su poderío visual es tan potente, gracias a sus ángulos imposibles y a sus magistrales juegos de luces y sombras, que la más nimia de las historias rodadas al estilo expresionista puede resultar terrorífica.

En 1927 la Universal fichó a Paul Leni quien en su primer trabajo en los USA prácticamente inventó el género de las "casas encantadas" con un impecable vodevil detectivesco: El Legado Tenebroso (aquí la reseña de dvd). Al año siguiente, Paul Leni realizó El Hombre que Ríe que, pese a lo que pueda parecer por sus imágenes, no es, en realidad, una película de terror, sino un melodramón con amoríos, venganzas y freaks. Un cocktail irresistible. Fíjense en esta romántica escena de la película:

El protagonista es el joven aristócrata Gwynplaine, interpretado magistralmente por el mítico actor Conrad Veidt. Y no me estoy pasando con lo de "mítico" porque este actor fue, entre otros, el Cesare del Doctor Galigari y el Mayor Strasser de Casablanca. Casi nada. No me resisto a copiar y pegar la descripción que la wikipedia hace de Gwynplaine. Atentos:

"Llamado realmente Fernando Clancharlie. Fue el único hijo legítimo de lord Lineus Clancharlie, nacido en el exilio. “Fue vendido a la edad de dos años por diez libras esterlinas, que dieron al Rey por su compra". Lo compró el doctor Gerhardus Geestemunde, de la banda de Compraniños. Lo desfiguró Hardquanonne, un flamenco poseedor de los secretos del doctor Conquest, que le practicó la operación Bucca fissa que le deformó el rostro para siempre marcándolo con una sonrisa. Podía suprimir su sonrisa con una concentración y un dolor inmensos, pero cuando lo hacia en vez de ser cómico era temible. Los compraniños le dieron su nombre, le deformaron las articulaciones, le tiñeron el cabello para siempre y lo educaron para ser saltimbanqui, pero tuvieron que abandonarlo a sus diez años por las persecuciones de la justicia. Suele cuestionar el orden de la sociedad, es reflexivo, introvertido y temeroso, ama a Dea por sobre todas las cosas. Dea fue encontrada (recién nacida) por Gwynplaine junto al cadáver de su madre, una vagabunda que fue sepultada por la nieve en medio de la noche."

Este planteamiento tan tremendo con estos personajes tan desdichados víctimas de la arbitraria injusticia de la clase alta, son lo más atractivo de la adaptación cinematográfica de Paul Leni. El arranque es impactante, sin duda. La trama se va resintiendo un pelín a medida que la historia avanza y va adquiriendo tintes de folletín. De todas formas es una película más que recomendable que fue, en su día, todo un taquillazo para la Universal. Otro más tras El Jorobado de Notre Dame (1923, basada también en una novela de Victor Hugo con otro protagonista deforme) y El Fantasma de la Opera (1925, pues eso: otro freak). Todo muy gótico, muy del gusto del morboso público de finales del XIX y principios del XX. Gwynplaine es otro personaje más atormentado por su grotesco aspecto. Su deformado rostro impide ver a los demás la belleza interior que se esconde tras su macabra sonrisa. O de cuando la tortura física se convierte en tortura espiritual como nos contó también el gran Tod Browning.

Vean El Hombre que Ríe, aunque solamente sea por darse ese malsano gustazo del marisabidillo al que le gusta soltar en alguna tertulia eso de que El Joker de Batman es, simplemente, una copia de este personaje de Victor Hugo y Paul Leni. El triunfo tertuliano está asegurado.

Bueno no, casi mejor vean El Hombre que Ríe para admirar el trabajo actoral de Conrad Veidt quien, en un alarde interpretativo antológico, consigue gracias solamente a los recursos expresivos de su mirada, que su personaje (pensado en principio para otro "monstruo" de la interpretación: Lon Chaney), transmita una gran variedad de diferentes sentimientos siempre enmarcados por una sonrisa perpetua que consiguió mantener gracias a una nada cómoda prótesis dental.

De nada.
Para eso estamos.

Diez Películas que me impactaron enormemente al primer visionado.

2012-03-05T18:15:00.006+01:00

Es que si una película te impacta tras un segundo o tercer visionado.., no es lo mismo, ¿no?, se intelectualiza la cosa. Por eso el cine francés no impacta. Es broma, es broma. Dos de los documentales más impactantes de la Historia son franceses: Noche y Niebla (Alain Resnais, 1955) y La Sangre de las Bestias (Georges Franju, 1949). Hagan click en los enlaces si tienen lo que hay que tener.

A ver cómo aclaro lo que quiero decir con mi particular concepto de "impactar". Creo que todos nos vamos a entender si lo ejemplifico con esta imagen:

Es Sharon Stone en Desafío Total (1990, Paul Verhoeven). La película, vista en su día, no estaba mal (vista hoy es horrorosa). Era entretenida, tenía algunos FX buenos, salían Chuache e Ironside, tenía una música potente (plagio de la bso de Conan).., todo muy bien.., pero entonces apareció el personaje de Sharon Stone vestida con unas mallas de lycra negra jugando al tenis. Al día siguiente, todo el mundo me hablaba del bicho que salía de las entrañas de un marciano, pero yo no podía escucharles porque yo babeaba recordando a Sharon Stone. Pues eso es impactar.

Esto no me impacta.

Esto es un travesti gordo comiendo caca de perro. Provocación barata, lo mismo que casi todo el exploitation.

En fin. Bromas aparte, en nuestra particular Historia del Cine seguro que todos recordamos un montón de grandes momentos y películas que nos impresionaron o marcaron durante unas horas, unos días e incluso para toda una vida. Obviamente todo depende de a qué edad ves qué, por eso las películas que más suelen impactarnos son aquellas que hemos visto durante nuestra adolescencia. De todas formas, siento desilusionar a los lectores de mi generación porque no van a encontrar en mi selección goonies, princesas prometidas, ETs, indianas ni regresos al futuro. Ya he dicho muchas veces que fui un jovencito de ínfulas cinefilo-intelectuales.

Anyway, basta de preámbulos nostálgicos. Con todos ustedes, Diez Películas que me impactaron enormemente al primer visionado y que dejaron una profunda e indeleble huella en mi cinefilia (faltan muchas, como en toda selección que se precie, pero son todas las que están). No son disturbing, ni banned, ni extreme, ni shocking. No al menos en el sentido al que nos han mal acostumbrado los frikis. En orden cronológico (como siempre, de originalidad voy justito):

El Infierno, 1911. Francisco Bertollini, Adolfo Padovan, Giuseppe de Liguoro,. No, no soy un esnob. ¿A que les ha impactado el primer fotograma que encabeza el post?. No me prejuzguen por incluír una película que tiene 100 años, no es una pose de cinéfilo erudito. La primera vez que la vi tenía menos de 80 años (la película). El Infierno es una adaptación la Divina Comedia de Dante y su imaginería está basada en los impresionantes grabados que para esta obra realizó el gran Gustave Doré. Sus efectos visuales siguen siendo impactantes consiguiendo que, todavía hoy, algunas de sus imágenes y escenas nos resulten inquietantes. Tecleen "L´Inferno 1911" en el Google Imágenes, denle al Enter y me cuentan.

La Parada de los Monstruos, 1932. Tod Browning. Si tuviera que elegir mi película más impactante de la Historia del Cine, elegiría este Freaks de Tod Browning. La vi por primera vez una oscura madrugada de hace muchos años sin saber absolutamente nada de ella. En el Cineclub de la Segunda Cadena, of course. No pude pegar ojo en toda la noche. Fue la primera película que busqué desesperadamente nada más comprarme el vídeo VHS. Es terrorífica, sobrecogedora y magistral. Sublime. Eterna. Imprescindible. Su genial director, Tod Browning, se cargó su carrera con esta película.

Mi Tetralogía de Mi Serie B de los años 50. La invasión de los Ladrones de Cuerpos (1956, Don Siegel), El Increíble Hombre Menguante (1957, Jack Arnold), La Mosca (1958, Kurt Neumann) y Drácula (1958, Terence Fisher). Disculpen esta licencia del 4 x 1, pero es un trauma que tengo desde mi niñez. Estas cuatro películas las venden siempre juntas en el videoclub de mi cabezota. El género de terror podría haber empezado con la primera y haber terminado con la última y, con sólo estas cuatro películas, seguiría siendo uno de los grandes géneros del cine. Entre las cuatro reúnen casi todos los ingredientes y constantes de dicho género. Es el triunfo de la voluntad creativa sobre la falta de medios económicos. Todas tienen más de cincuenta años y vistas hoy día siguen siendo geniales y sus efectos especiales siguen funcionando. Las tres primeras tienen finales "filosóficos" y la cuarta... antológico.

Mondo Cane, 1962. Paolo Cavara, Franco Prosperi y Gualtiero Jacopetti. No solamente es una de las películas documentales que más me ha impactado sino que creo que es una de las más trascendentales de la Historia del Cine. Inventó y dio nombre a todo un nuevo género: el mondo, el favorito de los alcagüetes morbosos que hoy, 50 años después, siguen explotando nuestras televisiones. La realidad es más extraña que la ficción.Ya hablé de ella aquí y no voy a extenderme más. Reto a cualquiera que no la haya visto y que crea estar curado de espantos a que la vea y luego me cuente si impacta o no impacta. ¡¡¡ Feliz 50 aniversario, Mondo Cane!!!.

2001, Una Odisea del Espacio, 1968. Stanley Kubrick. Un profesor de de E.G.B. (yo tenía 8 años) nos recomendó que fuéramos a verla (no el año de su estreno, que no soy tan viejo). Yo le hice caso. Me llevó mi hermana E. No entendí absolutamente nada de lo que había visto pero salí igualmente impresionado. La música de Richard Strauss sonó en mi cabeza durante muchos, muchos años. Ese espacio vienés-sideral, esos FX (en mi opinión siguen siendo los n.1 ever), esa banda sonora, ese ordenador parlante... Eran unas imágenes tan poderosas que cautivaban aunque, en aquel entonces, casi carecieran de significado alguno para mí. Cada vez que la veo me gusta más. Aquí encontrarán un post que dediqué a esta película.

Grupo Salvaje, 1969. Sam Peckinpah. Los títulos de crédito iniciales ya eran toda una declaración de intenciones. La primera vez que la vi no sabía quién era Peckinpah ni, obviamente, que este señor había inventado lo de la lírica intrínseca de la violencia estilizada. Yo no era consciente de lo revolucionario que había sido eso de filmar las salpicaduras de sangre a cámara lenta. Pero el resultado estaba ahí y era impresionante. El sacrificio final de los protagonistas era algo sobrecogedor y la coreografía de la ensalada de tiros era apabullante. Y, sin embargo, al finalizar la película no podías evitar preguntarte "¿qué significa eso del principio.., lo de los niños, las hormigas y el escorpión...?".

Waterloo, 1970. Sergei Bondarchuk. Nunca antes, en toda mi vida, había visto tal cantidad de extras, armamentos y caballos en una película. Tampoco lo he vuelto a ver después. Hoy día resultaría imposible ni siquiera planteárselo a un productor. Ojo, esta no es su única virtud. Waterloo es una buena película de innegable interés para cualquier cinéfilo y muy especialmente para los aficionados a la Historia y a las guerras napoleónicas (hablé de ella aquí). Pero reconozcámoslo: lo que más me impactó de Waterloo es la increíble espectacularidad de sus escenas de batalla que dicen que reproducen fielmente lo que en aquella trascendetal batalla aconteció. Todavía no me he recuperado. Dicen que fue la inspiración de Peter Jackson para las escenas de su Trilogía del Anillo. No me extraña. Van a flipar si ven esto:

Defensa (Deliverance), 1972. John Boorman. ¿Necesitan que les expliqué por qué me impacto?. Bueno, les voy a explicar al menos el entorno en el que la vi por primera vez. Cine de Medianoche, 1985. Yo estaba preparado para onaneármela, estaba listo para dar la bienvenida a los culos y las tetas que la Radiotelevisiónespañola me había prometido. Fue entonces cuando la vi llegar: su nombre era Deliverance. Los pañuelos de papel cumplieron otra función diferente a la que se les había preasignado, sirvieron para limpiarme las babas que caían de mi boca. Acción, suspense, terror y unas cosas llamadas "montañeses" que resultaron ser unos seres tan terroríficos como los monstruos de la Hammer. Bueno no, más terroríficos porque estos tarados existían de verdad. Tras verla quise comprarme un arco. En serio. Puede ser muy útil en según qué circunstancias... El niño del banjo me sigue produciendo pesadillas.

El Exorcista, 1973. William Friedkin. La primera gran película de terror "para adultos" que vi. Más tarde llegarían El Resplandor y La Semilla del Diablo y, tras ellas, prácticamente no he vuelto a ver ninguna otra de este género que les llegue ni a la suela de los zapatos. El Exorcista sigue siendo la mejor película de terror de todos los tiempos y una de mis favoritísimas. De "brutal" podría calificase el impacto que recibí aquella noche que la vi por primera vez. Era el mal caprichoso hecho carne que venía a divertirse con nuestro sufrimiento. Los médicos no podían con ello, Dios tampoco. Tremendo.

Superman, 1978. Richard Donner. Esta sí es la película de mi infancia: Superman. Nunca he alucinado tanto en una sala de cine como la primera vez que la vi. Sus FX me parecieron absolutamente increíbles (siguen siendo estupendos vistos hoy día). Recuerdo que estuve semanas dándole vueltas a cómo habían podido conseguir que un tren pasara por encima de un actor. Yo no había visto nada parecido. Un niño soportaba con sus manos el peso de una camioneta, un adolescente corría más rápido que un tren, un periodista paraba una bala con sus manos, Superman salvaba a Lois Lane tras el accidente con el helicóptero y etc, etc, etc. Una película maravillosa con una primera parte magistral. Buena suerte para todos los cineastas que intenten superar esto:

Ahora soy talludito. ¿Es tarea fácil impactar con una película a un cinéfilo talludito?. Evidentemente es más difícil que algo te sorprenda cuando crees haber visto casi de todo en una pantalla de cine o tv. Cronenberg siempre fue para mí un Jim Henson que contaba cuentos de terror cyberpunk. Lynch me aburre con su incansable onirismo. Haneke emplea siempre el mismo truco de la pistola de Chéjov (además Lynch y Haneke dan mucho la lata con lo de el lado oscuro de las personas y alguien debería decirles que hay muchas personas que no tenemos lado oscuro). Von Trier se dispersa en su intento de revolucionar tal o cual cosa. El misticismo de Jodorowsky me dio risa (un ejemplo aquí) y el mundo de Fassbinder lo encontré ajeno al mío. Aronofsky tiende a la pedantería. El nuevo gore francés se repite (pero reconozco su mérito al intentar estilizar los intestinos humanos). No entiendo el cine asiático. El 3D no me engancha. Estamos vacunados contra los FX, la sangre y las pollas. El cine experimental no es cine, es un experimento. Muchos realizadores poco conocidos demuestran méritos para ser, efectivamente, poco conocidos. Y etc, etc, etc.

¿Entonces?...

Entonces llegó Él...

Epílogo. Mi Trilogía de Gaspar Noé, Solo Contra Todos (1998), Irreversible (2002, mi reseña aquí) y Enter the Void (2009). Venga, que la suelto: Gaspar Noé es un genio del cine. Nadie hace nada parecido a lo que él hace. Puede que alguien lo intente pero que nadie consigue lo que él consigue. Es el Buñuel y el Kubrick de nuestros días, o sea, tan transgresor (ojo, que no provocador) como ellos pero contando, además, con todos los medios técnicos que estos dos maestros no tuvieron a su alcance. Y Noé sabe cómo emplearlos, sabe hacer cine. No se limita a filmar escenas bizarras para después pegarlas unas con otras en una sala de montaje. Eso lo sé hacer hasta yo. La genialidad y maestría cinematográfica de este director argentino queda siempre sepultada bajo tal o cual polémica por las explícitas y crudas imágenes o situaciones de sus películas (que si le pegan a una embarazada, que si me quiero acostar con mi hija, que si violan a la Bellucci por el culo, que si apología de las drogas...). Son pamplinas. No dejen que los árboles les impidan ver el bosque. Vean estas tres incómodas películas de Gaspar Noé y prepárense porque les espera un viaje alucinante. Un viaje sin moralinas ni visceras ni trucos ni bichos de látex. Eso sí, estarán ustedes solos contra todo. Luego no me vengan con reclamaciones.

El "Sistema" según Bruce Willis y RATM.

2012-03-02T06:52:00.001+01:00

"No es un "Sistema". Es un país. ¡¡¡Estás hablando de gente!!!. Un país lleno de gente. Sentados en sus casas, solos. Muertos de miedo en sus casas. Así que si ya has terminado con tu momentito nostálgico a lo mejor puedes pensar un poco y ayudarme a atrapar a esos tíos."

John McClane (Bruce Willis), Héroe del Pueblo, en La Jungla 4.0 (Len Wiseman, 2007), impartiendo otra de sus magistrales lecciones de filosofía práctica a un hacker oligofrénico que le acaba de explicar la razón por la que ha ayudado a los malos: quería acabar con el "Sistema". Ya saben el "Sistema".., esa cosa que tiene la culpa de todos nuestros males pero con la que nosotros no tenemos nada que ver...

"La Máquina(el Sistema) puede ser cualquier cosa, desde la policía de Los Angeles, que pueden sacar a la gente de sus coches, golpearlos fuertemente y salirse con la suya; la maquinaria del estado capitalista que trata de hacerte un "lavado de cerebro" para que te comportes de forma estúpida y nunca te enfrentes al Sistema y solamente pienses en esperar el fin de semana para tener otro six pack de cerveza".

Tom Morello, guitarrista de Rage Against the Machine (que se podría traducir algo así como Ira contra el Sistema).

"Los desafíos que enfrentamos, van más allá de las administraciones, más allá de las elecciones, más allá de cada cuatro años de tirar palancas, más allá de eso. Porque todo este Sistema podrido se ha vuelto tan vicioso y cruel que, para sostenerse, necesita destruir países enteros y sacar provecho de su reconstrucción para sobrevivir y eso no es un sistema que cambia cada cuatro años, es un Sistema que tenemos que romper, generación tras generación tras generación tras generación tras generación ... Despierta".

Zack de la Rocha, vocalista de Rage Against the Machine. Un tipo que se queja de casi todo.

A finales de este año se cumplirá el XX Aniversario de la publicación del álbum Rage Against The Machine que es, indiscutiblemente, uno de los 10 mejores discos de la Historia de Mi Música. No puedo expresar con palabras lo apasionadamente fanático que soy de este grupo y este disco, así que, casi mejor, que hable su música por mí:

Hijosdeputa Peligrosos: El Obispo Hudal y la impunidad de los Crímenes de los Totalitarismos.

2012-02-29T07:30:00.012+01:00

Los nazis eran unos hijosdeputa. Esto lo sabemos todos los hombres y mujeres de buena voluntad. Y, lamentablemente, los nazis también eran consecuentes con sus "ideales" que, en cuestiones de política racial, se podrían resumir en que ellos estaban convencidos de que los judíos, los comunistas, los gitanos, los homosexuales y los eslavos eran seres inferiores cuyas vidas no tenían el mismo valor que las de los arios. Un concepto perverso, repugnante y erróneo. Con esa base ideológica y el apoyo de la mayoría de sus militantes y de la población alemana, los mandatarios nazis actuaron en consecuencia y exterminaron y esclavizaron a millones de judíos, comunistas, gitanos, homosexuales y eslavos. Lo dicho: los nazis eran unos hijosdelagranputa pero sus actos eran consecuentes con lo que pensaban sus enfermos cerebros.

Luego están los tipos de la calaña de Alois Hudal, de profesión: Obispo católico, un oficio que, teóricamente, sirve para hacer el bien a los demás.

Dice la wikipedia que el Obispo Hudal era hijo de un zapatero pero en verdad os digo que, en realidad, lo que era es un hijodeputa peligroso (bad motherfucker) que soltó perlas de este calibre:

"La guerra de los Aliados contra Alemania no fue una Cruzada, sino una rivalidad entre complejos económicos en la cual habían luchado para conseguir la victoria. Este negocio usó lemas como democracia, raza, libertad religiosa y cristiandad como anzuelo para las masas. Por todas estas razones después de 1945 me sentía obligado a dedicar todo mi trabajo de caridad principalmente a antiguos Nacionalsocialistas y Fascistas, especialmente a los así llamados "Criminales de Guerra". Agradezco a Dios que me permitiera visitar y confortar a muchas víctimas encarceladas o detenidas en campos de concentración, ayudándolas a escapar con papeles falsos."

En contra de lo que la mayoría de la gente piensa, el revolucionaro mensaje de Jesucristo no es "ama a tu prójimo" donde prójimo = tus seres queridos (es que hubiera sido una obviedad boba), sino "ama a tu enemigo", que es una de las estupideces más gordas que se han soltado en los últimos 2000 años de pensamiento mediterráneo pero que, reconozcámoslo, se encuentra ideológicamente en las antípodas del pensamiento nacionalsocialista.

De todas las víctimas que padecieron la maldad y la injusticia que campó a sus anchas en Europa durante la WWII, el Obispo Hudal decidió ayudar a las "víctimas" de la desnazificación alemana: a los nazis. Y yo me pregunto, ¿a quién ayudaba Alois Hudal?, ¿a su enemigo?, ¿a su prójimo?. Y yo os respondo: a sus semejantes (los hijosdeputa).

Finalizada la WWII los Aliados comenzaron a perseguir a todos los responsables nazis que habían conseguido escabullirse de las patrullas militares. El propósito era darles caza y hacerles responder ante la Justicia por todas las barbaridades que habían cometido contra hombres, mujeres y niños, o sea, contra la Humanidad. Europa ya no era un lugar seguro para esta panda de locos asesinos que se vieron obligados a buscar refugio en la impunidad que les ofrecían las dictaduras bananeras de América del Sur y de los países árabes de Oriente Próximo.

Algunos hijosdeputa nazis se libraron del linchamiento público que se merecían porque los norteamericanos y soviéticos les encontaron útiles para tal o cual tarea científica. El caso más famoso fue el del ingeniero alemán Wernher Von Braun, un nazi hijodeputa pero útil. Al menos sabía algo sobre fabricar cohetes. Que se lo pregunten a los 50.000 esclavos que trabajaron para fabricar los Cohetes V durante la WWII o a los 7.000 británicos que murieron "gracias" al genio destructivo-creador del alemán. Yo hubiera preferido que los aliados hubieran atado a Von Braun a la punta de uno de sus cohetes y lo hubieran lanzado sobre el Polo Norte aunque a la Humanidad le hubiera costado 10 añitos más llegar a la Luna. Total, para lo que encontramos allí. Pero bueno, estas injusticias fueron daños colaterales de la doble moral que los vencedores tuvieron que usar, todavía con más desvergüenza, al comienzo de la Guerra Fría. Nos da asco, desde luego, pero podemos llegar a entender el pragmatismo que se esconde tras estas decisiones político-estratégicas tan repugnantes.

Pero Alois Hudal.., joder con Hudal... ¡¡¡Que era Obispo!!!. Se supone que su Reino no era de este Mundo.

Alois Hudal no se limitó a reconfortar espiritualmente a los fugitivos nazis, a darles la extrema unción o a cualquier otra de las supersticiones que practican y predican los católicos. Llegar hasta ese punto hubiera sido coherente con la "filosofía" cristina. Pero no, qué va, eso no era suficiente para un alma como la suya, tan entregada a los demás. Hudal participó activamente en la creación de rutas de escape seguras (las famosas "Ratlines" o "Líneas de Ratas") para facilitar la huída de los genocidas hacia los mencionados paraísos sudamericanos (Argentina, Paraguay, Chile, Brasil...) usando su prestigio obispal para impresionar a las autoridades de la Cruz Roja (al estilo Urdangarín) y conseguir para los asesinos visados y pasaportes expedidos por esta organización humanitaria. Qué ironía. Y es que a ver quién era el valiente que iba a poner en duda el aval de todo un señor obispo católico. Un obispo católico que demostró, una vez más, tener muy poca fe en su propia fe pues se esforzó más en salvar los cuerpos que las almas de sus amigos nacionalsocialistas.

¿A quién "salvó" el Obispo Hudal?. A ver qué les parecen estos cuatro ejemplos:

* Franz Stangl. Comandante del Campo de Exterminio de Treblinka. 900.000 asesinatos.

Hudal le ayudó a huír a Siria. Felizmente Stangl fue, años más tarde, arrestado en Brasil y condenado a muerte en 1970. La palmó en la cárcel de un ataque al corazón. Happy End.

* Eduard Roschmann, "El Carnicero del Gueto de Riga". 50.000 asesinatos. Roschmann murió, supuestamente, en Paraguay en 1977. El cazanazis (qué gran oficio) Simon Wiesenthal nunca lo creyó.

* Joseph Mengele, "El Angel de la Muerte de Austchwitz". No necesita presentación. Murió en 1979 en Brasil. Se ahogó en el Atlántico mientras nadaba. Tenía 68 años.

* Adolf Eichmann, responsable de "La Solución Final", o sea, el plan de exterminio de los judíos europeos. Huyó a Argentina donde permaneció hasta 1960, año en que el fue abducido por el Mossad israelí que lo llevó a Israel para ser juzgado. Eichmann fue ejecutado y colgado hasta morir en 1962 en la que fue la culminación de uno de los actos de justicia más publicitados del siglo XX. Happy End.

Por supuesto los Católicos siguen diciendo hoy día que el Vaticano no sabía nada de las actividades de Hudal y que su caso es algo excepcional. El buen obispo incluso sigue dando nombre a una congregación que tiene blog. En serio. Es éste. Simon Wiesenthal (que llamaba a Hudal el "Obispo Negro") no estaba tan seguro del supuesto desconocimiento papal e investigaciones más recientes parecen concluír que algo olía a podrido en el Vaticano. En cualquier caso, la triste noticia es que Alois Hudal murió en su cama en la ciudad de Roma a los 78 años de edad.

¿A qué venía todo esto que he contado?. Ah, sí. Que resulta que Garzón ha sido absuelto por el Tribunal Supremo del delito de prevaricación del que le acusaban por esa manía suya que tiene de investigar lo de los muertos de las fosas comunes de nuestras cunetas.
Si Simon Wiesenthal levantara la cabeza...

Pavel Haas también era hijo de un zapatero pero, además, era judío y músico. En 1941 fue deportado al campo de concentración de Theresienstadt (norte de Praga). Allí compuso hasta 8 obras incluyendo una ópera: Bundibár. También creó la música que vamos a escuchar ahora: un estupendo Estudio para Cuerdas de 1943. Un año después falleció en Auschwitz, el mismo campo de concentración en el que murieron Santa Teresa Benedictina de la Cruz y San Maximiliano Kolbe...

Un ateo (yo) en defensa de El Árbol de la Vida. Lo que nos faltaba por ver...

2012-02-27T07:45:00.002+01:00

Tras los ataques de los comentarios de David y MrMierdas (cuasi en comandita) contra la controvertida y hermosa película El Árbol de la Vida (2011, Terrence Malick), me veo en la obligación de responder a estos dos amiguetes y, de paso, defender los valores que yo sí encuentro en el último trabajo de este realizador, un tipo que parece ser más rarito que un perro verde. Pero esa es otra historia.

Lo primero que hay que dejar claro es una certeza que creo que es más que obvia y sobre la que todos los que hemos visto la película estaremos de acuerdo: El Árbol de la Vida es una película que está narrada de forma que sus imágenes admiten numerosas interpretaciones. Muchas más que las que admiten la mayoría de las creaciones artísticas.

Pero solamente dos de ellas podrían considerarse como exactas:

1.- La interpretación que nos diera Dios, que es un ser infalible.

Pero como Dios no existe, la única que nos queda es...

2.- La interpretación de Terrence Malick, que es el creador de la obra y el que ha decidido narrarla de una forma no explícita. Pero aunque Malick es un señor que sí existe (eso dicen) dudo mucho que alguna vez nos explique qué significan cada una de las escenas de El Árbol de la Vida porque, como ya he dicho, es un tipo más raro que un perro verde y, además, creo que su intención era dejar esa posibilidad abierta a la mente de cada espectador que es exactamente el mismo principio que aplicó Stanley Kubrick para su 2001, Una Odisea del Espacio. Esta peculiaridad es la que hace más similares, en el fondo, a estas dos grandes películas (lo de los planetas es una similitud mucho más superficial).

Hay otro asunto que también creo que es importante aclarar: no es lo mismo Religión que Espiritualidad, aunque se parezcan. Por eso nunca podrá ser lo mismo El Árbol de la Vida (se interprete como se interprete) que Ordet (1955, C. T. Dreyer) porque en Ordet ***SPOILER*** ¡¡¡sale un señor cristiano que resucita a una muerta!!!***FIN DEL SPOILER*** y eso no es interpretable, eso es propaganda Reformista. Y es por ello que odio Ordet, como ya dije aquí.

Así y todo, yo, que no soy sospechoso de ser creyente, ni siquiera comparto no ya las interpretaciones religiosas sino tampoco las místico-espirituales que muchos hacen de El Árbol de la Vida. ¿Y por qué no las comparto?. Pues precisamente porque no soy religioso ni tengo tendencias hacia lo espiritual o lo místico. Yo miro la película con el color de los cristales de mis gafas. ¿Estoy desvirtuando el mensaje de Malick lo mismo que el fotón desplaza la posición del electrón heisenbergiano?. Y yo que sé?!?!?. Pregúntele a Terrence Malick; él es el único que puede responder a esta cuestión.

Resumiendo: El Arbol de la Vida posee muchos momentos abandonados por el autor a la interpretación personal de cada espectador. Eso puede molestar a todo aquel al que le guste que le den todo bien mascado (ojo, no es un reproche porque me parece una exigencia del público hacia la obra del artista tan respetable como cualquier otra). No hay una interpretación correcta del mensaje de El Árbol de la Vida salvo que venga Malick y nos diga "sois unos obtusos, lo que yo he querido decir es exactamente ESTO" pero, como ya he dicho, no creo que esto vaya a suceder.

MrLombreeze observa cómo su querida mami quiere más a MrMierdas.

Hoy no voy a ser tan prepotente como para decirle a nadie que no ha entendido la película de Malick (hoy no, otro día igual sí), pero lo que sí voy a decir es lo que yo entendí y, para no hacer un post larguísimo , me voy a centrar, muy brevemente, en los dos o tres puntos más polémicos.

El Universo y la Naturaleza son ambientes hostiles, violentos y peligrosos para el ser humano. Esto es así. Ya nos lo dijo Darwin pero todavía antes nos lo había adelantado la Biblia cuando nos contó aquello de la expulsión del Jardín del Edén (la "chufa" divina). Y una de las obligaciones de los padres es advertir de estos peligros a sus hijos y, si es posible, enseñarles también a lidiar con ello.
El Árbol de la Vida comienza con esta cita de la Biblia: "¿Dónde estabas tú cuando Yo fundaba la Tierra?". ¿Ven ustedes religión en esta cita bíblica inicial?, pues yo no. Yo veo la respuesta de un padre defendiendo sus actos de los reproches de un hijo cabreado que no le entiende del todo. "¿Por que sufro?", le preguntó Job a Dios, y Dios le respondió con la cita del inicio de la pelicula al estilo "¿pero quién eres tú para pedirme cuentas a mí que te he dado la vida y todo lo que tienes?", lo mismo que muchas veces nos hemos podido preguntar "¿para qué cojones me trajeron mis padres a este mundo si ni siquiera pueden comprarme una Playstation?". Mi padre podría responderme "¿Dónde estabas tú cuando pedí el primer préstamo para el traspaso del primer negocio que tuve?". Al papá de la película (Brad Pitt) se le ha acusado de tirano pero les confieso que es algo que yo no veo por ninguna parte. De hecho, creo que es uno de los padres más ejemplares de la Historia del Cine. Y creo que queda demostrado que el personaje de Sean Penn (el adulto del niño y alter ego de Terrence Malick) también piensa lo mismo.

¿Dónde "estábamos nosotros" cuando se "fundó" el Universo y la Tierra?. En ello están los físicos y astrónomos de nuestros días. Pero ya no se lo preguntan al Cielo, sino a la Tierra o, mejor dicho, a lo que hay bajo tierra: el acelerador de partículas del CERN.

¿Por qué eligió Malick una cita bíblica y no una del Corán o de algún otro libro no sagrado?. Ni idea, puede que le movieran los mismos motivos que a Quentin Tarantino cuando puso versículos bíblicos en boca de Jules. O quizás es que Malick emplea las referencias culturales del Texas de su infancia que, casi seguro, son influencias cristianas (el personaje de la madre así parece confirmarlo). En cualquier caso, esta elección no me predispuso contra la película. Es más, la encuentro muy lírica (y yo os pregunto "¿dónde estabáis vosotros cuando abrimos este blog?").

¿Para qué sirven los dinosaurios de la película?, ¿a santo de qué los mete Malick?. ¡Y yo qué sé!. Pero aquí tienen lo que significa para mí (tras el segundo visionado, en el primero no me dio tiempo a pensar nada sobre este punto): puede simbolizar el nacimiento de la conciencia, de la moral. ¿Es por ello que el dinosaurio depredador perdona al otro, al que está herido?. Pudiera ser. Y también pudiera ser que Malick no eligiera primates para no aparentar tantas semejanzas con la obra kubrickiana. Bonus track: mostrando dinosaurios, Malick les da un guantazo a los creacionistas, no se vayan a pensar que es un fanático de esos que creen en la literalidad de la Biblia. Recuerden que en Texas y en los USA hay muchísimos tarados de esos (si quieren reírse de ellos pueden visitar una esperpéntica web que se llama creacionismo.net).

Sin duda la escena que, a priori, puede provocar más aversión entre nosotros, los ateos materialistas, es la escena final. ¿Qué es lo que estamos viendo?, ¿El Paraíso?, ¿la imaginación de Sean Penn?, ¿El final de Perdidos?... Cada uno la interpretará según sus propias convicciones y creencias que es exactamente lo mismo que pasaba en 2001 (algunos creyeron ver a Dios en el monolito y los extraterrestres). Y es que siempre habrá gente que querrá creer. Yo no soy uno de ellos pero compruebo que muchos de ustedes sí.., ¿es que son ustedes de los que ven Señales?.

Yo no vi ningún Creador al comienzo de la película sino que vi el Origen del Universo, ese que Hawking dice que se creó a sí mismo de la nada porque existe una cosa que se llama Ley de la Gravedad. Tampoco vi ningún Paraíso aka Reino de los Cielos aka Vida después de la Muerte en el final de la película sino que vi el anhelo de un hombre por reencontrarse con todos los seres queridos que ya no están a nuestro lado (los muertos y los vivos que ahora pertenecen a nuestro pasado, que es como la muerte de una parte de nosotros), el deseo de volver a abrazarlos, a tocarlos, a olerlos, a verlos y de decirles cuánto sentimos no haberles dicho a tiempo lo mucho que los amábamos o cuánto deseamos que sepan que les perdonamos por todas esas ofensas que un día creímos haber recibido de ellos. Esto es lo que yo creo que me dijo Malick. Y ese anhelo suyo lo comparto. Por eso me parece una película tan emocionante. A mí me encajó todo a la primera.

Repito lo que dije en su día: El Arbol de la Vida es una película que no es ni magistral ni incomprensible. Es hermosísima.
Puede que para el Universo la vida de un ser humano signifique menos que nada pero, para mí, la vida de mi hermano significa más que un millón de universos juntos. Si yo supiera hacer cine y quisiera expresar esta idea en una pantalla hubiera rodado una película como El Árbol de la Vida.

Estimado Alberto Iglesias, los gusanos te desamos buena suerte y ojalá que ganes el Oscar.

2012-02-26T09:00:00.003+01:00

Pues sí. Y eso que no nos gusta mucho la banda sonora que has creado para la película El Topo. Pero da igual porque a la tercera tiene que ir la vencida. Nos va a dar mucho gustirrinín ver recoger un Premio de la Academia a Alberto Iglesias, quien es, para mí, un auténtico orgullo patrio. Un compositor donostiarra que ha creado maravillas musicales como esta:

Oscars 2012. A Fucking Bunch of Undistinguished Movies. El año de la NOSTALGIA, las novelas y los niños.

2012-02-23T07:30:00.011+01:00

Las películas que optan este año a conseguir el Oscar a la Mejor Película son tan mediocres como lo han venido siendo la mayoría de las candidatas de las últimas ediciones. Hasta aquí, sin novedad en el frente. Eso sí, la gala del próximo domingo llega con una buena nueva importantísima. Evidentemente no me refiero al presentador del show que va a ser, one more time, Billy Crystal, un actor que a mí nunca me ha hecho gracia y que ahora, además, tiene una desagradable cara de abuela. La novedad de este año a la que me refiero está en que la tradicional cuota de cine europeo, que suelen adjudicarle al cine shakesperiano-británico, ha sido ocupada, esta vez, por una película gabacha. Una gala gala (¿lo pillan?).

Yo no me voy a quedar sin dormir para ver la ceremonia porque a la mañana siguiente hay que madrugar y no soy tan fanático como para arriesgarme a darme un hostión en la autopista camino del curro. En estos cuatro años que llevamos de blog creo que he dado muestras de que no me interesan especialmente ni los Festivales ni los Premios de Cine (a mí me gusta Eurovision), así que escribo poco sobre ellos salvo que esté muy aburrido. Pues bien, habéis tenido mala suerte: estoy bastante aburrido esta mañana. Así que, con todos ustedes, una breve y personal reseña de todas las candidatas al Oscar 2012 a la Mejor Película.

La edición de este año tiene un leit motiv clarísimo: la Nostalgia. Ah, y ¡los niños!. Este año viene cargadito de cuentos para niños. Seis de las nueve películas nominadas tienen guiones basados en novelas. Parece que lo de la crisis de guionistas en Hollywood va camino de convertirse en dolencia crónica.

Nominees are:

*Los Descendientes. Es una película en la que sale George Clooney. Y poco más se puede decir de ella. El personaje de George Clooney siente nostalgia por las hazañas de sus antepasados. La música hawaina que la adorna es maravillosa. Salen niños. Está basada en una novela.

*Moneyball. Es una película en la que sale un amigo de George Clooney: Brad Pitt. Está muy bien hecha, es casi impecable por fuera, pero por dentro cuenta una historia que me importa un comino. El personaje de Brad Pitt siente nostalgia de su época de jugador de béisbol y decide confíar irracionalemente en las teorías deportivas de un friki con sobrepeso para desarrollar una nueva estrategia que cambiará la forma de entender la selección y entrenamiento de los jugadores profesionales de la liga profesional de béisbol americana. Guau. ¡Apasionante! (es ironía). Sale una niña, la hija del personaje de Pitt. Está basada en una novela.

*La Invención de Hugo. Es una película de Martin Scorsese hecha con muchos ordenadores donde salen niños de ojos azules. Es como un reloj suizo. Cada uno de los fotogramas de la película funciona con una precisión exquisita, con una factura de artesano (olé tus huevos Dante Ferretti). Pero ya digo que es como un reloj: juntas todos las piezas de su mecanismo, le das cuerda, todo funciona perfectamente, miras las manecillas de la esfera y el tiempo pasa.., despacio.., despacio.., despacio.., salen niños de ojos azules y abuelos de barba cana.., hay una llave misteriosa.., el tiempo pasa.., ¿o no?, porque se me está haciendo larguísima... Sale Georges Melies que siente una obsesiva nostalgia de su glorioso pasado de pionero del cine. Es un cuento bastante aburrido que a los niños no les va a gustar. Ya lo he dicho pero lo repito: salen niños. Está basada en una novela.

*El Árbol de la Vida. Es un poema de métrica libre y rima asonante realizado por Terrence Malick. En mi opinión es la mejor de las candidatas. Y con diferencia. Opiné sobre ella aquí. Terrence Malick siente nostalgia de su infancia. Salen niños. Guión original de Terrence Malick.

*The Artist. Es una película nostálgica, francesa, muda y en blanco y negro. Es un homenaje muy bienintencionado al Hollywood más glamuroso, al del comienzo de los grandes estudios (los que inventaron el cine de entretenimiento). Es graciosa, cortita, entretenida, entrañable, divertida y sus protagonistas están en estado de gracia. Es un notable divertimento cinematográfico. No me cabrearé si finalmente le dan el Oscar. No salen niños pero sale un perrito que hace la misma función en la historia. Guón original de su director Michel Hazanavicius.

*War Horse. Es boba y torpe. Da vergüenza ajena. Spielberg siente nostalgia de Ford y del cine épico del Hollywood clásico pero de la nostalgia de Spielberg no sale un homenaje (como le salió al director de The Artist) sino que lo que se perpetra es una serie de escenas y situaciones enlazadas por un caballo algo ridículo. Opiné de ella aquí. Sale un niño que busca a su caballo. Está basada en una novela.

*Midnight in Paris. Es una de las películas más flojas de Woody Allen. El protagonista siente nostalgia de otra época: el esplendoroso París de los locos y geniales años 20. Qué años tan maravillosos, ¿verdad?. Qué ebullición de genialidad artística, ¿verdad?. Eso nos pensamos ahora. Luego nos enteramos de que los protagonistas de aquellos maravillos años 20 también sienten nostalgia pero del París de Toulouse Lautrec... No salen niños en Midnight in Paris, pero su adulto protagonista sí se comporta como un niño malcríado a.k.a. "bohemio". También es un cuento, pero con guión original de Woody Allen.

*Tan Fuerte, Tan Cerca. Oskar, el protagonista de la pelicula, es un niño de 10 años. Siente nostalgia de los momentos que compartió con su padre antes de que el pobre hombre falleciera vícitima de los atentados del 11S. Es un niño-viejo muy pedante que filosofa sobre la vida y la muerte. La película es un cuento (como Hugo) que parece una especie de Código Da Vinci para niños. Es muy aburrida, muy ñoña y muy emocionalmente tramposa. Hay una llave misteriosa (también como en Hugo). Está basada en una novela de Jonathan Safran Foer. Me gustó más otra película también basada en una obra de Foer: Todo Está Iluminado.

*Criadas y Señoras. Es un drama con pinceladas de comedia en el que no salen niños. No es un drama nostálgico sino, más bien, todo lo contrario: nadie añora los tiempos de la segregación racial sureña (salvo los tarados del KKK). Es una fábula (un cuento con moraleja) bienintencionada con un toque feminista. Muestra un poquito de Historia del Racismo en USA que no nos importa un comino porque el tema de la intolerancia puede asumirse como universal. No es una gran película pero se puede ver con agrado pese a algunos innecesarios subidones de azúcar y a algunos de sus estereotipados personajes (salen negras de ojos saltones muy abiertos). Está basada en una novela que, a ratos, resulta emotiva. Tampoco me extrañaría demasiado si fuera esta la película ganadora de este año.

La ausencia más notable es Drive que, a priori, lo tenía todo para colarse, al menos, entre las nominadas.

Y la mejor película de todas las que optan a algún premio en cualquier categoría es, en mi opinión, Nader y Simin, una separación, la película del director iraní Asghar Fahardi o la demostración fílmica de que

a) el cine es un lenguaje universal
b) mientras haya historias que contar, habrá cine.

Y, como dijo el sabio, mientras haya personas que sepan contar algo tan sencillo como su propia biografía, habrá historias que merezcan la pena ser contadas.

Juegos cinéfilos. Atención, pregunta: "¿Cuál es tu pelicula favorita?".

2012-02-20T07:30:00.017+01:00

El Cine.., ¿entretenimiento o ejercicio intelectual?, ¿o las dos cosas?, ¿o es que acaso es posible que la mente pueda entretenrse sin darle un poquito al intelecto?. Tarkovski se oponía al entretenimiento en el cine porque decía que era "degradante para la audiencia" (!!!). Claro que Tarkovski era un filósofo que hacía cine.., y bueno.., los filósofos.., filósofos son. ¿Y la filosofía?, ¿sirve para algo?. Según Stephen Hawking ya no: La Filosofía ha muerto («La filosofía no se ha mantenido al corriente de los desarrollos modernos de la ciencia, en particular de la física. Los científicos se han convertido en los portadores de la antorcha del descubrimiento en nuestra búsqueda de conocimientos.», de su libro "El Gran Diseño").

Estemos o no de acuerdo con la conclusión de Hawking (yo lo estoy), creo que nadie cuestionará el hecho de que Stephen Hawking mantiene en forma a su intelecto. Y yo me pregunto: ¿qué buscará Stephen Hawking en el cine?. Pues no he podido averiguarlo, pero seguro que es algo que tenga que ver con Marlon Brando, su actor favorito.
En las antípodas de Hawking encontramos a Slavoj Zizek (el filósofo mediático de moda en estos últimos años). Sabemos que Zizek va al cine a disfrutar del personal universo de David Lynch, lo que no nos sorprende en absoluto. Como yo no admiro el intelecto de este filósofo provocateur ni el cine de Lynch, sus preferencias cinéfilas me impotan un bledo y mi cinefilia se reafirma en sus convicciones gracias a este sencillo asociacionismo.

¿Y el conjunto de profesionales del cine?, ¿cuál es su película favorita?. Es difícil saberlo, claro, pero generalmente se suele considerar a la lista de mejores películas que la revista Sight & Sound elige cada 10 años (desde 1952) como el referente más fiable para responder a esta cuestión. En aquel lejano 1952 la primera lista la encabezó la genial Ladrón de Bicicletas (Vittorio de Sica, 1949) pero en las siguientes décadas la película que ha liderado imbatible la clasificación de Sight & Sound es Ciudadano Kane (Orson Welles, 1941). Yo prefiero la de De Sica.

Aunque, ¡¡¡achtung!!!, que no es lo mismo responder a esta pregunta razonando con la cabeza o rugiendo con las tripas porque como, muy acertadamente, dijo Spike Lee: "La mejor película de la Historia del Cine es Chinatown pero mi película favorita es En Busca del Arca Perdida". Está clara la diferencia, ¿no?. A Buñuel la película que le empujó a hacerse cineasta fue la magistral Las Tres Luces (1921, Fritz Lang), no sé si la han visto pero les aseguro que es muy, muy entretenida. Otro grande del cine resolvió muy acertadamente esta cuestión con la moraleja de su inmortal e imprescindible película Los viajes de Sullivan (1941, Preston Sturges):

Seguro que todos los cinéfilos hemos hecho alguna vez el ejercicio de buscar las películas favoritas de nuestros ídolos. ¿Cuáles eran las pelis favoritas de Kubrick o de Hawks o de Melville?, ¿cuáles son las películas favoritas de Gaspar Noé o de James Gray?. Y fuera del mundo del Cine, ¿cuáles son las películas favoritas de.., yo qué sé... Richard Dawkins o Antony Beevor?. Muchos son los que han respondido a la llamada de este entrañable juego y muchas son las sorpresas que nos encontramos entre sus respuestas. Algunas refuerzan nuestras propias convicciones y otras nos decepcionan profundamente. Otras son previsibles; entre las 10 películas favoritas de Ingmar Bergman solamente encontramos dos americanas El Crepúsculo de los Dioses de Wilder y El Circo de Chaplin.

En fin. ¿No saben divertirse los intelectuales?, ¿no quieren entretenerse los gafapastas?. Echemos un vistazo a unos cuantos ejemplos:

¿Saben cuál era la película favorita de...

¿André Bazin?. Les Vampires (1915-16, Louis Feuillade).
¿Y la de Nicola Tesla?. Frankenstein (1931, James Whale).
¿Y la de Ray Bradbury?. King Kong (1933, Merian C. Cooper/Ernest B. Schoedsack)
¿Y la de King Vidor?. Intolerancia (1916, D. W. Griffith)
¿Y la de Buñuel?. La Ley del Hampa (1927, Josef von Sternberg)
¿Y la de Albert Einstein?. Luces de la Ciudad (1931, Charles Chaplin)
¿Y la de Tarantino?. El Bueno, el Feo y el Malo (1966, Sergio Leone)
¿Y la de Spielberg?. Lawrence de Arabia (1962, David Lean)
¿Y la de Los Hermanos Coen?. Dos pillos y una herencia (1974, Mike Nichols) (¿alguien la ha visto?).
¿Y la de Clint Eastwood?. El Tesoro de Sierra Madre (1948, John Huston)
¿Y la de Hugh Hefner?. Casablanca (1942, Michael Curtiz)
¿Y la de Almodóvar?. La Noche del Cazador (1955, Charles Laughton)
¿Y la de Benedicto XVI?. Bakhita, La Santa Africana (2009, Giacomo Ciampotti) (¿alguien la ha visto?)
¿Y la de Michael Jordan?. Matrix (1999, Wachowski Bros.)
¿Y la de Brad Pitt?. El Planeta de los Simios (1968, Franklin J. Schaffner)
¿Y la de George Clooney?. 2001: Una Odisea del Espacio (1968, Stanley Kubrick)
¿Y la de Santiago Auserón?. El Cielo sobre Berlín (1987, Wim Wenders)
¿Y la de Godard?...

... venga, que les dejo un rato para que piensen...

... no conozco su favorita en la categoría absoluta pero la película americana favorita de Godard es... ¡¡¡Scarface!!! (1932, Howard Hawks). Toma ya. Genial. Por eso siempre nos ha caído tan bien este tipo aunque no nos guste ni su jump-cut ni gran parte de su cinematografía.

¿Quieren saber cuál es mi película favorita?. Seguro que a la mayoría de ustedes se la trae al pairo, pero de nada les va a servir resistirse porque se la voy a decir de todas formas: El Tercer Hombre (1949, Carol Reed).

¿Y la suya?. Recuerden: "solamente puede quedar una". Con sus elegidas prepararemos una encuesta para elegir nuestra película favorita de los lectores gusanos.

Ya sé que no es fácil. Ni siquiera Al Pacino puede decidirse entre El Padrino y El Padrino II...

D.E.P. Enrique Sierra (1957 - 2012).

2012-02-18T19:10:00.008+01:00

Me acabo de enterar de que ayer murió Enrique Sierra, el guitarrista de Radio Futura. Tenía 54 años y era el autor del mejor riff de guitarra de todos los tiempos. Es este:

No me voy a enrollar con los detalles de su biografía (podéis encontrar un resumen en el enlace a wikipedia). Hoy solamente quiero decir una cosa: Las guitarras de Enrique Sierra en el disco La Ley del Desierto, La ley del Mar (1984) son, para el que esto escribe, los mejores guitarrazos del pop-rock español.

Descanse en paz maestro. Lo conseguiste tío: vivirás para siempre gracias a tu música.

Mis Canciones Favoritas: God Help The Girl.

2012-02-18T09:00:00.002+01:00

Por culpa de David nos hicimos súper fans de este grupo: God Help The Girl (un experimento musical de los escoceses Belle & Sebastian). También nos hicimos súper fans de su homónimo disco de 2009 "God Help The Girl". Y si digo "por culpa" suya es porque, desde entonces, parecemos menos viriles a los ojos de las féminas. Cachis.

El track 2 de este estupendísimo álbum que hoy les recomendamos lleva por título.., sí.., "God Help The Girl" y está interpretado por Catherine Ireton, una cantante irlandesa que canta como los ángeles.

Con todos ustedes God Help The Girl interpretando God Help The Girl de su disco God Help The Girl:

Momentos Mágicos del Cine. 85 Años de Tres Obras Maestras del Cine Mudo.

2012-02-16T07:30:00.021+01:00

En 1927 se estrenaron, al menos, tres obras maestras del Cine:

1.- Amanecer (USA, Dir: Fiedrich Wilhelm Murnau). Murnau fue un genio del cine. Vaya descubrimiento. Aquí traigo una prueba: el siguiente plano secuencia está a puntito de cumplir 85 años y, a día de hoy, todavía existen directores que no saben hacer travellings como esta celebérrima y mítica lección de cine:

2.- Napoléon (Francia, Dir: Abel Gance). Absolutamente imprescindible. Es una película tan buena, tan genial, sigue tan vigente y es tan moderna que, desde aquí, reto a cualquiera de los que no la hayan visto y se muestren reticentes a hacerlo a que se pongan a ello en cuento puedan y, a cambio, yo les prometo que, si tras ver sus más de 200 mudos minutos no quedan satisfechos, me autocastigaré (otra vez) con el revisionado de Magnolia, Réquiem por un Sueño, Inland Empire y una película española a elección del insatisfecho e ignorante sujeto de marras.

Para todos los fans de esta obra maestra tengo buenas noticias. El mes que viene se estrenará en los USA una versión restaurada por Kevin Brownlow que incluye una nueva banda sonora creada por el gran músico escocés Carl Davis, uno de los compositores que mejor han sabido acompañar con música las grandes obras cinematográficas de la época muda (recordemos su gran contribución a El Gran Desfile). A ver cuándo podemos hacernos con esta versión. Mientras tanto nos conformaremos (que no es poco) con la que tenemos: la restauración de 1980 de Francis Ford Coppola que musicó, y muy bien, su padre Carmine Coppola. Ah, por cierto, Napoleón de Abel Gance va a cumplir 85 años y todavía no se pueden subir vídeos al youtube por rollos del copyright...

3.- El Maquinista de la General (USA, Dir: Buster Keaton). Venga, que la suelto bien gorda: El Maquinista de la General es, en mi opinión, la mejor pelicula de la Historia del Cine Mudo. Ni montaje eisensteiniano, ni expresionismo alemán, ni súper Griffith, ni súper Chaplin, ni amaneceres murnauianos, ni avariciosos von stroheims... (jo, casi nada lo que acabo de descartar), porque si me veo en la angustiosa tesitura de tener que elegir al mejor cineasta del cine mudo (me gustan estos jueguecitos), me quedo con el maestro Buster Keaton. Aquí tienen una muestra de ello. En este sencillo gag de El Maquinista de la General descubrirán cuál es el secreto para conseguir que la convivencia con su pareja dure toda la vida:

¿A qué viene todo esto?. Pues viene un poco a propósito del éxito de The Artist, ya que en 1927 también se estrenó El Cantor de Jazz (USA, Dir: Alan Crosland), la primera película sonora. El Cine, que estaba en la cresta de la ola en lo que calidad artística se refiere, cambió para siempre jamás. ¿A mejor?. Hombre, pues claro, que tampoco somos tan carcas...

Dedicado a mi mami, claro: