De Gusanos y Lombrices

D.E.P. Theo Angelopoulos (1935-2012). Momentos Mágicos del cine: Eleni, 2004.

2012-01-27T07:00:00.011+01:00

"Mis películas tratan de los viajes que todos realizamos. Es el problema universal de no tener un lugar". Theo Angelopoulos.

El pasado martes 24 de enero fallecía en Atenas, víctima de un fatídico atropello, el director griego Theo Angelopoulos, posiblemente el realizador heleno más conocido y reconocido de los últimos años. Una de sus películas lleva el título de La Eternidad y Un Día (1998) que era la duración que parecían tener la mayoría de sus películas para la mayoría de los cinéfilos. El hombre se tomaba su tiempo para contar sus historias que eran unas historias que iban más a velocidad Bizantina y Otomana que al ritmo de la Grecia Romana.

El contemplativo cine plagado de interminables planos secuencia que hacía Angelopoulos me aburría, lo reconozco. Sin embargo, en todas sus películas encontré algún momento o escena de un lirismo conmovedor. Así que hoy vamos a homenajear a Theodoros Angelopoulos con una bellísima escena de una de sus películas más conocidas: Eleni (2004), primera parte de una trilogía sobre la historia griega del siglo XX que, lamentablemente para los fans de Angelopoulos, va a quedar inconclusa.

"Pasaste la mano sobre la hierba y cuando la levantaste algunas gotas rodaron hacia abajo, sobre la tierra, como lágrimas”. ¿Escribían realmente así las cartas a sus mujeres los soldados que murieron en Okinawa?, puede que no, pero hubiera sido tan hermoso que así fuera. Pues ése es el espíritu del desencantado cine de Angelopoulos. Bueno, y también es un espíritu lento, muy, muy, muy, muy lento, pero, jope, qué coreografías escénicas nos regalaba Mr. Angelopoulos.

Disfruten de todo lo hermoso que creó Angelopoulos para Eleni pero, ojo, que he hecho algo de trampa: la música que acompaña a las imágenes de la película no es la original de su score sino que está compuesta por Mikis Theodorakis. La canción se llama Strose to Stroma sou yia do, es una de mis cinco canciones favoritas, hablé de ella aquí y forma parte, en la versión que van a escuchar, del ballet Zorba. El resultado de este mix griego es maravilloso y válido para gafapastas y no gafapastas. A mí ya se me están arrasando los ojos. Cachis... Es que estas imágenes son poesía en estado puro:

Pirateo y Yo.

2012-01-25T06:10:00.001+01:00

***Advertencia: Este post me ha quedado un poco largo. Si pasan del asunto del pirateo, sáltenselo y vayan directos a la canción del final, que mola mazo y no tiene la culpa de las parrafadas del autor.***

Me es imposible militar incondicionalmente en ninguno de los dos bandos que se han creado alrededor del submundo del pirateo. Yo descargo películas, series de tv y música desde páginas como la desaparecida megaupload, desde foros, desde webs de enlaces (con y sin banners publicitarios) e incluso lo hago vía emule, aunque ya suene como algo demodé. Lo hago y me quedo tan ancho. Claro, me quedo tan ancho si no lo pienso demasiado, puesto que si me paro a darle vueltas al hecho de que yo he visto, -por ilustrar este asunto con un ejemplo-, las seis temporadas completas de Dexter, disfrutando como un enano y, a cambio, no he contribuído absolutamente en nada a que los responsables de esta serie de televisión vean reconocido su esfuerzo creativo e interpretativo en forma de dollars pues.., me siento regular. Esto es así.

Para ahogar este gritito de mi conciencia busco en los recovecos de mi inventiva autojustificatoria y comienzo a argumentar: que si el cine y los cds son muy caros (hostias.., ¡el mismo argumento con el que los críos justifican el botellón!), que si la calidad de las copias que exhiben en las salas son malas (y voy y me bajo dvdscreeners), que si la distribución de según qué tipo de cine (sobre todo en provincias) es pésima o nula (esto es cierto, pero luego resulta que me bajo El Topo), que si compartir archivos (bonito eufemismo en muchos casos) no es pirateo (y comienza entonces lo de las analogías absurdo-reduccionistas de cuando grabábamos discos en casettes, como si fuera algo comparable), que si yo tengo derecho a acceder a todo el Arte Audiovisual que el mundo contemporáneo pueda ofrecerme, que no hay alternativas razonables de pago, que si los gestores de derechos de copia son unos mafiosos mientras que yo soy un honrado ciudadano que pago mis impuestos y etc, etc, etc. Pfff.., no sé, ¿pamplinas?.

No lo tengo claro. Pero tampoco me culpo por mi timoratez porque, como le decía el otro día a mi amigo Pepe Cahiers, este de la piratería es un debate muy viciado en un mundo muy gris en donde suelo escuchar solamente voces de blancos o negros. Percibo mucha hipocresía, demagogia y medias verdades en los cantos de las sirenas que me llegan desde ambas orillas. Ni la piratería es la razón única de la crisis de la industria audiovisual clásica (una industria que cuenta de su lado con todo el aparato publicitario de los medios y que tiene tanto poder que consigue que incluso yo baje la guardia y pague por ver mierdas como Misión Imposible 4), ni las páginas de enlaces o de almacenaje de archivos son la Reserva Intelectual de Occidente. O sea, ni los creadores de las webs de descargas son los adalides de la Defensa de la Libertad del siglo XXI, ni los creadores de contenidos de las grandes casas discográficas o grandes productoras de cine son los únicos en el mundo que lo están pasando mal (después de muchos años pasándolo muy bien). Ambas partes deberían replantearse sus histéricas e inamovibles posiciones y reconocer su mutua dependencia repetando los derechos del "contrario".

Para ello yo solamente veo un camino: ceder terreno, como en los problemas de pareja. Los unos se relajan con lo de los incomprensibles derechos de copia de las obras "clásicas" (¿15 años no les parecen suficiente?) y los otros dejan de ensañarse con lo de reventar estrenos cinematográficos o discográficos. Es decir, yo no te pirateo El Origen del Planeta de los Simios pero no me toques los cojones porque comparta El Planeta de los Simios. Lo que sí deberían hacer ambas partes es meter mucha más caña a los principales beneficiados de todo esto: los tipos de las compañías proveedoras de servicios de internet que se están forrando y descojonando con estas luchas mientras se llenan los bolsillos con el cinefanatismo de los frikis y con la inevitable estupidez de la muchachada que le reza a las redes sociales. Nos tienen bien cogidos por los huevos.

Dicho esto, también tengo claro que todos debemos estar vigilantes y protestones para que la represión contra internet no se vaya de madre. Hay que quejarse cuando nos sucedan cosas como la que ya conté aquí, con el fin de evitar que nos tengamos que enfrentar a un futuro distópico en el que nos puedan cerrar nuestro blog por ilustrar alguna de nuestras amateurs pero entrañables reseñas cinematográficas con un inocente fotograma de una película con copyright.

Tengo que confesar que mi indignación por el cierre de megaupload ha sido muy escasa y no precisamente por el efecto de la campaña que los medios (los mismos medios que parasitan para sus programas de saldo muchos vídeos que colgamos los simples mortales en youtube y los mismos medios que, emulando al Pravda, han tenido la desfachatez de proclamar una falacia vergonzosa sobre la recaudación en taquilla del fin de semana siguiente al cierre de megaupload) han orquestado contra el orondo cuerpo de su creador (que a lo mejor era un cretino, pero qué narices me importa a mí eso), sino porque yo sé, al igual que muchos de ustedes, qué es lo que se podía encontrar en megaupload. Y sí, de acuerdo, reconozco que yo también me he preguntado: "¿no tiene el FBI nada mejor que hacer que cerrar megaupload y detener a cuatro frikis en Nueva Zelanda?, ¿las redes pederastas no les parece un objetivo como más prioritario?".

En fin, el caso es que creo que me cabrearé mucho más el día que nos cierren un foro sin publicidad ni ánimo de lucro como pueda ser el ejemplar divxclasico.com, uno de los pocos sitios en los que un cinéfilo como yo puede encontrar un peliculón como, por ejemplo, El árbol de los zuecos (Ermanno Olmi, 1978) gracias al innegable amor desinteresado hacia el Séptimo Arte que demuestran los posteadores de una página como ésa. Si ese día llega, comenzaré a acojonarme y a encabronarme a partes iguales porque será la prueba irrefutable de que lo que están combatiendo no es la piratería sino la Cultura.

Eso sí, lo que no entiendo es por qué debería pagar por ver una película española. ¿No la he pagado ya vía impuestos? (toma chascarrillo).

Una antepenúltima cosa, coincido absolutamente con lo que dijo aquí Pepe Cahiers: los bloggers como él , como yo mismo y como todos los que me leen somos acojonantes porque contribuimos a propagar la cultura por el universo. Y la cultura es la más noble virtud que atesora la Humanidad y, posiblemente, su única esperanza de salvación frente a la barbarie de los totalitarios que quieren que sigamos oyendo la misa en latín, para que no nos enteremos de nada. Internet es la intelectualización libertaria de la masa, que somos nosotros y nosotros somos cojonudos aunque trabajemos haciendo fotocopias. Internet es la Imprenta, el Renacimiento y la Enciclopedia. Pero para cumplir con esta sagrada misión no necesitamos ni los últimos estrenos de Hollywood ni el último disco de Pablo Alborán. Y es que algunos amigos no son sino el enemigo en casa.

Una penúltima cosa. Lean también este post de Angel y este otro de Dvd porque son amigos míos y porque complementan con sus visceras mis adormiladas neuronas.

Y aquí viene la última cosa de hoy: no puedo cerrar este post sin rendir un homenaje al porno de Internet, responsable de los mejores momentos que yo he vivido delante de la pantalla de un ordenador. El día que se metan con mis húngaras favoritas.., ¡entonces sí que me echo al monte con el trabuco!. Y esto va por vosotros meapilas católicos, musulmanes y demás fauna del estilo.

Pffff, vaya ladrillo que he soltado. ¿Qué tal un poco de pirateo?. Disfruten de Diesel Smoke, Dangerous Curves, un temazo del último disco de The Little Willies.

Rimsky-Kórsakov. El rey de la orquestación.

2012-01-23T07:30:00.014+01:00

"El Sultán Shahriar, persuadido de la falsedad e infidelidad de las esposas, juró dar muerte a cada una de las suyas luego de la primera noche. Mas la Sultana Sheherazade salvó su vida interesándolo en los cuentos que le narró durante mil y una noches. Presa de la curiosidad, el Sultán postergó de un día al siguiente el suplicio de su esposa, terminando por renunciar completamente a su sanguinario propósito..."

El color de la guitarra española:

Es posible que alguna vez hayais oído hablar de los "colores orquestales", una expresión con la que se quiere hacer una analogía entre la Pintura y la Música describiendo el sonido de una orquesta sinfónica como si cada uno de sus instrumentos o cada una de las notas emitidas por ellos fueran uno de los colores de la paleta de un pintor. Es decir, una obra musical con "variados colores orquestales" vendría a equivaler en pintura a un cuadro pintado con una gran variedad de colores. Esto no es, en la mayoría de las ocasiones, nada más que una figura retórica que nos ayuda a expresar con palabras algo tan inmaterial como la música.

Pero en el caso de algunos compositores hablar de "colores orquestales" es algo más que un artificio lingüístico y se convierte en algo muy físico. Parece ser que algunos músicos han podido realmente ver colores al escuchar notas musicales. Flipante. Este fenómeno se conoce como sinestesia y es la mezcla involuntaria de impresiones procedentes de sentidos diferentes o, dicho de otra manera, la propiedad de poder percibir mediante un sentido estímulos que normalmente se reciben por otro. De los grandes creadores de nuestra Música Clásica, los sinestésicos más conocidos son los compositores rusos Alexander Scriabin (1872-1915) y Nikolái Rimsky-Kórsakov (1844-1908). Fijaos, en el caso de Scriabin, cómo era su asociación entre las notas de un teclado y los colores que él percibía cuando sonaban:

Un tema muy curioso que nos ha servido como introducción para hablar hoy del gran músico nacionalista ruso Rimsky-Kórsakov quien, sinestésico o no, ha pasado a la historia como uno de los compositores más hábiles a la hora de orquestar sus obras, siendo su famoso Tratado de Orquestación el libro de cabecera de casi todos los compositores del siglo XX. De hecho, muchos musicólogos consideran más genial a R-K en el campo de la orquestación que en el de la composición. Menos mal que nosotros no somos musicólogos y no estamos obligados a decidir si Nikolai hacía mejor una cosa que otra. Pero lo que sí podemos asegurar es que la música de Rimsky-Kórsakov es fácilmente reconocible por su riqueza instrumental y por la maestría que el autor demuestra a la hora de combinar los diferentes instrumentos o "colores" de la orquesta.

Nikolai Rimsky-Kórsakov compuso en 1888 una de sus obras más famosas: Scherezade op. 35. Una suite orquestal formada por cuatro escenas basadas en de Las mil y una noches que, para los que no lo sepan, son aquellos cuentos que la astuta Scherezade dejaba noche tras noche sin terminar ("cuentus interruptus", toma chiste) a su marido, el sultán Shahryar con el fin evitar que el sultán le cortara la cabeza, una afición que le vino al hombre tras un desencanto amoroso.

El color del piano:

La obra completa es una maravilla y merece el ser escuchada íntegramente. Tiene como nexo de unión entre los cuatro cuentos el famoso Tema de Scherezade que sirve como breve introducción para cada uno de ellos. ¿Les suena?. Seguro que sí. Es éste:

Hoy vamos a escuchar los orientales colores del movimiento II (y otros días seguimos con el resto): El cuento del Príncipe Kalender, o la historia del tipo que dejó de ser un poderoso regente para convertirse en un monje mendicante. Disfruten del lánguido canto de Kalender a quien pone voz, al comienzo de la obra, el fagot y todos los maravillosos colores de la orquesta de Rimsky-Korsakov, una de las más bellas de todos los tiempos (ojo al vídeo, que es una preciosidad):

Advertencia Gusana: No vean "El Topo". Es un coñazo.

2012-01-20T07:00:00.008+01:00

Generalmente no hablo de las películas que no me han gustado (soy baziniano en ese sentido) porque creo que "no hay mejor desprecio que no hacer aprecio", pero suelo saltarme esta norma cuando me creo en la obligación de advertir a la población civil de algún peligro inminente que, en forma de película, acecha, arropada por favorables y unánimes críticas, en las salas de nuestros cines. Ya les advertí sobre Origen o Avatar, por poner un par de ejemplos.

Bueno, lo hago por eso y porque llevarle la contaria a la "opinión generalizada", bien sea la del vulgo o la de la élite intelectual, siempre da gustico (reconozcámoslo) y nos reafirma en nuestro convencimiento de que tenemos una personalidad fortísima y aco**nante. Es por ello que hoy quiero recomendarles lo siguiente: no vean El Topo. Es un coñazo.

El director Tomas Alferson realizó hace tres años la que es para mí una de las mejores películas de la década, una obra magistral del cine de terror, del cine de vampiros y del Cine en general: Déjame entrar (2008). El salto a Hollywood era previsible y a Alfredson le ha salido un salto mortal con doble pirueta hacia atrás porque ha llegado a la meca del cine como César: ha llegado, ha visto, ha vencido y ha convencido con su película El Topo, que es una adaptación de una novela de John Le Carré de 1974.

El Topo, que ha maravillado a la mayoría de la crítica, es una película que, sencillamente, no se entiende porque ha sido concebida para no poder ser entendida. Es una narración en la que las relaciones entre los personajes (a los que ni siquiera se presenta porque presuponen que todos somos fans de Le Carré) son más importantes que la exposición de una trama suficientemente compleja como para acabar siendo demasiado oscura si no se dan las claves para seguirla. Es más, yo creo que un espectador que no haya leído la novela de John Le Carré no se va a enterar de casi nada.

Tomas Alfredson, que se ha apuntado a la moda de la fotografía de color azul gélido con la que nos están machacando últimamente, nos cuenta, utilizando brevísimas escenas y confusos flashbacks, una historia de espías de Guerra Fría setentera. El asunto va de desenmascarar a un doble agente que los soviéticos le han colado al servicio secreto británico. A mí la propuesta ya no me parece que sea para echar cohetes porque huele a asunto rancio, pero es que, además, la narración es innecesaria y desesperantemente confusa. El Topo es una película frustrante en la que no hay thriller, solamente hay atmósfera. Es tan arquitectónicamente enigmático-laberíntico-sugerente que aburre. Y su final, el momento ése en el que se supone que encajan todas las piezas del puzzle, no consigue que demos por buenos los bostezos que hemos soltado durante dos plomizas horas.

¿Quién es Karla?, ¿qué es "Circus"?, ¿qué es "Witchcraft"?, ¿quién es "Control"?, ¿y ese ruso?, ¿de dónde han salido esos cuatro personajes con cara de pasmados?, ¿por qué ese tío hace lo que hace?, ¿qué ha dicho ese tipo cuando te he preguntado "qué ha dicho ese otro tipo"?, ¿por qué es todo tan frío?, ¿por qué están todos paranoicos?, ¿pero quién es el que manda?, ¿por qué sale ahora Estambul?, ¿pero este no estaba muerto?, ¿por qué Tom Hardy lleva peluca?... Esas son las preguntas que les van a atormentar si deciden ver El Topo, el primer gran bluff de 2011 hecho a medida para los lectores de John Le Carré. Y yo no soy lector de John Le Carré.

Dicen que a lo mejor le dan un Oscar a Gary Oldman por no mover ni un sólo músculo de la cara de un personaje sin alma que pretende ser la antítesis formal y funcional del arquetipo del intrépido espía, para mostrarnos su lado humano (aunque no es cierto que nos lo muestren, si acaso nos muestra su lado anodino). El Topo tiene un reparto deslumbrante que no sirve absolutamente para nada y una banda sonora, la de nuestro compatriota Alberto Iglesias, que no ayuda mucho a mejorar la cosa porque es molestamente irregular, en el fondo y en la forma, pasando de ser omnipresente y cargante en los primeros treinta minutos a casi desaperecer en muchos tramos de la película.

No me gusta El Topo aunque al final suene La Mer en versión de (achtung!!!) Julio Iglesias. Esta versión popera acompaña los cuatro últimos minutos de la película, unos minutos que son curiosamente, los mejores.

Grande Julio, grande...:

MIL ENTRADAS GUSANAS.

2012-01-18T07:30:00.015+01:00

Esta es la entrada gusana número 1000 (espero que no se acabe el mundo tras la publicación de este post). Gracias a todos los que habéis hecho posible que llegáramos a esta milenaria cifra. Especialmente a aquellos que dedican algo de tiempo a dejarnos sus comentarios.

Cuando yo comencé con esto del blog la verdad es que no hubiera apostado por permanecer casi 4 años perpetrando entradas y siempre, además, manteniéndome fiel a mis principios blogueros; esto es, escribir lo que primero se me viniera a la cabeza, sobre cualquier tema que se me viniera a la cabeza y sin revisar lo escrito salvo para corregir errores ortográficos o para asegurarme de que fechas y demás datos "técnicos" fueran fehacientes (por exigirme un mínimo de respeto para con los lectores, más que nada). El caso es que, a día de hoy, sigo dando la barrila al cibermundo y continúo encontrando comentarios en casi todas las entradas que publico. Acojonante.

Casi todos los bloggers que no aspiramos nada más que a matar el tedio y a darnos placer a nosotros mismos tecleando opiniones con las que estamos de acuerdo y contando chistes con los que nos hacemos gracia a nosotros mismos, sabemos que muchos de los comentarios y comentaristas que nos visitan lo hacen por cortesía, o sea, por devolver alguna visita o comentario previo que hemos realizado a otro blog vecino. Yo nunca he encontrado en ello nada malo. La cortesía es una "cosa hermosa" (recuerden: "cosa hermosa" es el leit motiv gusano).

El origen de De Gusanos y Lombrices partió de la cabecita de mi amigo Monseñor Gusano inspirado por el blog de nuestro amigo Soundtrack. Pero el tiempo transcurre inexorablemente y Monseñor Gusano ya casi no publica en DG&L porque se dedica a darse placer con cosas menos virtuales como puedan ser las croquetas, el gimnasio, las chapuzas caseras, su señora y demás entes sólidos. Y yo, que no leía blogs antes de comenzar a escribirlos, he caído, inevitable y gustosamente, en el círculo de blogs y bloggers que comenzaban a leerme o comentarme. Lo de la pandilla de toda la vida, pero en un nivel cibernético.

"Lo ma importante en la vita e la Famiglia Blioggiera".

Y aquí sigo.

Algunos de estos bloggers, que inspiraron mi forma de entender lo que tiene que ser un blog, han dejado de escribir y publicar por varias razones que no vienen a cuento. Otros siguen con su blog pero no con el mío. Y es que incluso comer cigalas a diario puede llegar a aburrir. Pero bueno, el caso es que hoy quiero dar las gracias públicamente a los pioneros: Redrum (mi más viejo compañero de viaje, el Gusano n. 3, mal que le pese. Él ya estaba aquí cuando celebramos las 100 entradas), Angel "Verbal" Kint, Doctor "Doc" Quatermass, Javier Chacón, Homo Insanus, Charlie (former known as Charly Ramone), Dvd, Lunes y MrMierdas, a los que, pase lo que pase en el futuro bloguero-gusano, siempre consideraré La Puta Vieja Guardia Gusana. ¡Va por ustedes camaradas!.

Y gracias también a todos los que tomaron y toman, fugaz o persistentemente, el relevo generacional de las zarpas de los viejos dinosaurios anteriormente mencionados. Fiona, Santiago Bullard, Borgo, Jeremy Fox, Pepe Cahiers, Tripi, Marcos Callau, David Amorós, Lugnahsad, Luis Cifer, Kinezoe, Míchel, El Becario Lucifer, Moebius, Charlie Furilo, Charlotte Sometimes, Marguis, Monica Jordan, Ferre, Eduardo, Crowley, Isabel, G. K. Dexter, El Chus, Sgt. Crap, Kurtinaitis, Javier Simpson, Mario, Meneillos, Lafcadio, Kinski, Alfie, el bosque fantasma, Tarquin Winot, Lázaro, Lorenzo, Alejandro Candela, Scotty, N-Man, GPCG, diego, Javier, daniel, Cinemagnific, Snake Solido, abril en paris, Guinda de la Plata, Bigmouth, Occam.., más todos los seguidores muditos (los comentarios están abiertos para las quejas de los que se sientan injustamente olvidados. No se lo tomen muy a pecho, que la vejez es muy mala).

Creo que no me olvido de nadie...

Ah, sí, hay un tal David que también suele leernos, pero vaya.., solamente lo hace desde hace años TODOS LOS PUTOS DÍAS QUE PUBLICAMOS una nueva entrada. David, eres el PUTO AMO de los comentaristas.

Y a todos nuestros amigos y familiares de carne y hueso que nunca nos han comentado, ni leído, sea cual sea el motivo que les lleva a comportarse de un modo tan innoble.., que les den mucho por el culo.

Según las estadísticas de Blogger y demás, las entradas de Música Clásica son las menos leídas y comentadas. Ya. ¿Y?.

Venga gañanes. Volumen a tope. Mil entradas son mil entradas.

Nadie se sentirá defraudado si decide escuchar esta obra. La celebérrima Obertura 1812 de Piotr Ilych Chaikovski (1880). Muy conocida, ¿cierto?. Cierto. Pero ojo, esta versión que insertamos a continuación es sublime. Se trata del arrego que creó el director norteamericano Igor Buketoff en 1968 que incluye un imponente coro incial a capella al estilo de los coros de la iglesia ortodoxa rusa. Pero es que, además, la calidad de la grabación y de la interpretación es ESPECTACULAR. De verdad que es un hito del youtube. Asombroso. Solamente la saco para las grandes ocasiones, como la vajilla ésa tan bonita que guarda mi mujer en la alacena.

A todos los lectores gusanos os mando el mismo mensaje que cantan los coros del inicio de la obra: "Dios os proteja".

Obertura 1812, Op. 48, la más celebrada y reconocida obra de Chaikovski a quien, por cierto, gustaba bastante poco.

Mis mejores películas de 2011.

2012-01-16T07:15:00.008+01:00

Here we go!. Con todos ustedes la lista que toda la cinefilia mundial estaba esperando: las mejores películas de 2011 (estrenadas en España o no*) vistas por un servidor durante el pasado año. Los que me conocen un poco ya saben que no voy muy al día con los estrenos cinematográficos, así que seguro que hay ausencias notables (no, no me refiero a El Topo, que es un laberíntico coñazo) pero, en cualquier caso, las películas que relaciono a continuación son buenas o muy buenas o excelentes. El orden de aparición en la lista no significa nada salvo en el caso de la número uno, Drive, que es la que considero como mi mejor pelicula de 2011 (las películas reseñadas en DG&L aparecen con su enlace correspondiente).

¿Por qué estas 17?, porque son películas redondas que cubrieron, con creces, las expectativas que tenía en el momento de verlas. Es decir, no les falta ni les sobra nada (o prácticamente nada) y cumplen perfectamente con el papel para el que (yo asumo) fueron concebidas independientemente de que sean o no ambiciosas en lo que a intelectualidad u originalidad cinematográfica se refiere.

Las mejores son:

1.- Drive (USA) es mi mejor película de 2011 porque es una inteligente puesta al día y una original combinación de algunos clásicos aromas cinéfilos que me gustan mucho y que van desde Raíces Profundas (la historia de ambas películas es casi la misma) hasta El Samurai de Melville (maestro entre maestros). Casi nada.

2.- Carlos (Francia)
2.- El Árbol de la Vida (USA).
3.- The Whistleblower* (Alemania)
4.- Incendies (Canadá).
5.- Jane Eyre, de Cary Fukunawa (UK). .
6.- Winter´s Bone, de Debra Granik (USA).
7.- Trust* (USA)
8.- Tropa de Élite 2* (Brasil)
9.- Headhunters*, de Morten Tyldum (Noruega).
10.- Blue Valentine*, de Derek Cianfrance (USA).
11.- Blackthorn (Sin Destino), de Mateo Gil (España).
12.- La Boda de Mi Mejor Amiga, de Paul Feig (USA).
13.- El Origen del Planeta de los Simios, de Ruppert Wyatt (USA).
14.- En un Mundo Mejor, de Susanne Bier (Dinamarca).
15.- Le Havre, de Akis Kaurismäki (Finlandia).
16.- Rango, de Gore Verbinski (USA).
17.- Nader y Simin, Una Separación, de Asghar Farhadi (Irán).

(Bonus tracks: Podrían estar en esta selección El Discurso del Rey (UK) que fue estrenada a finales de diciembre de 2010 y Animal Kingdom (Australia) y Monsters (USA) que fueron estrenadas en nuestro país en enero de 2011 pero que yo ya incluí en la lista de mis mejores películas de 2010).

También quiero dar una mención de honor a estas notables y hermosas películas que, por supuesto, recomiendo: Código Fuente, Melancolía, Win Win, Cisne Negro, La Legión del Aguila, Criadas y Señoras, 127 Horas, Crazy Stupid Love, Lola, Le Quattro Volte, Stella, Contagio, Martha Marcy May Marlene, Otra Tierra, Tomboy, Warrior.., y seguro que me dejo alguna pero, por hoy, ya vale.

Que les aproveche. Si ya no saben qué bajarse con el bittorrent, quizás sea el momento de que revisen también mis peliculas favoritas de 2010, 2009 y 2008 antes de que nos cierren nustras amadas páginas de descargas o antes de que se les ocurra ver alguna chorrada como Conan, Cowboys y Aliens, Hanna, Linterna Verde, Caballeros, Princesas y Otras Bestias, Super 8, Asesinos de Élite, Acero Puro, Sed de Venganza, Invasión a la Tierra, La Víctima Perfecta y todo ese tipo de películas que ni divierten, ni emocionan, ni conmueven, ni estremecen, ni impactan, ni forman, ni informan, ni edifican, ni denuncian, ni sorprenden, ni tetas, ni culos, ni hostias en vinagre.

De todas formas, la mejor escena de 2011 no pertenece a ninguna de las películas mencionadas anteriormente, porque la mejor escena de 2011 es ésta:

Cómo ha cambiado el cuento: Nöelle Noblecourt.

2012-01-13T07:00:00.002+01:00

Lobo: - ¿ A dónde vas Caperucita?.
Caperucita: - ¡A lavarme el chocho al río!
Lobo (perplejo):- Joder, cómo ha cambiado el cuento...

Nöelle Noblecourt era una presentadora francesa del programa de televisión de la RTF Télé Dimanche. Hace 48 años fue despedida por mostrar sus rodillas en público.

Cómo ha cambiado el cuento... Con todos ustedes, Lianna Grethel y sus primicias informativas.

Meme. Diez Mitos del Cine que no soporto.

2012-01-11T07:30:00.003+01:00

Ladies and gentlemen, con todos ustedes, Diez Mitos del Cine que no soporto (el orden no significa nada):

1.- Cowboy de Medianoche (John Schlesinger, 1969). Una película que ha envejecido peor que el peinado de El Puma. La encuentro absolutamente desfasada y cuenta una historia que no me interesa lo más mínimo. John Voight está ridículo y Dustin Hoffman pasadísimo, pero vaya, que los más listos del lugar siempre ven a un Quijote y Sancho del siglo XX. Vale que es la única película "clasificada X" que ha conseguido el Oscar a la mejor película.... ¿Y?. No soporto ni la ñoño-canción de Harry Nilsson.

2.- Vértigo (Alfred Hitchcock, 1958). Puede que Vértigo tenga el guión más increíble (por poco creíble) de la Historia del Cine Serio. Menos mal que transcurre en San Francisco, una de las más bellas ciudades que he tenido la fortuna de visitar. Con un prólogo magistral y un planteamiento interesante que juega a las historias de espíritus, la trama se va retorciendo hasta llegar a una inverosimilitud insultante. Dicen que está llena de significados ocultos, casi todos de carácter sexual, pero es que están demasiado ocultos para mi cerebro de australopiteco. Le reconozco el mérito de conseguir hacer parecer a Kim Novak como si fuera un travelo.

3.- La Regla del Juego (Jean Renoir, 1939 ). ¡¡¡Súper vaca sagrada!!!. Una película aclamada unánime y universalmente, desde hace muchas décadas, como una indiscutible obra maestra. Aparece en casi todas las listas de best movies ever (Vértigo también). Lo único que principalmente tengo en su contra es que.., ¡es un tostón!. Resulta que hay una mansión o un castillo, no recuerdo bien, con unos aristócratas y unos plebeyos. Y hay un asesinato. Se supone que el asunto va de guardar las apariencias en cualquier circunstancia y no-sé-qué más cosas de radiografía de la sociedad, de la hipocresía y todo eso. A mí me parece un refinado vodevil de enredos. Una película timorata y tontorrona cuya fama no alcanzo a comprender. Otros sí: "Amos y criados se comportan de la misma manera, exhibiendo los mismos defectos y presentando su irracional visión de la existencia como metonimia de una sociedad que se refocila en su propia ignominia". Venga pues.

4.- Ordet (Carl T. Dreyer, 1954). Ya me despaché a gusto sobre esta película aquí. No me voy a cebar otra vez con la pobrecita Ordet, la peli más lenta y beata de la Historia del Cine. El protagonista es oligofrénico. Confieso que la he puesto en varias fiestas caseras, en su VO, para descojone del ebrio personal. Mea culpa, pero es que me lo ponen a huevo:

5.- Old Boy (Park Chan-wook, 2003). Lo del cine de venganza surcoreano suele ser de traca. Y en el caso de Old Boy la trama es un tour de force que para mí rebasa la línea de lo ridículo. Old Boy trata de la venganza, de la requetevenganza y de unos maquiavélicos y elaboradísimos planes para llevarla a cabo. Pero son tan elaborados como algunas pintxos de diseño que tienen tantos ingredientes que acaban no sabiendo a nada. Sale un mayordomo albino que no sabemos para qué sirve. También sale un pulpo vivo (¿o es un calamar?) que es devorado por el protagonista, o sea, que se puede decir que Old Boy es el reverso tenebroso de 20.000 Leguas de Viaje Submarino.

6.- Magnolia (Paul Thomas Anderson, 1999). Magnolia comete el mismo pecado que La Regla del Juego: es un coñazo. También posee ingredientes de Cowboy de Medianoche: sale Tom Cruise haciendo el ridículo. Hay un momento final de comunión de todos los protas en forma de cancioncilla neohippie. Llueven ranas (seguro que simbolizan algo). Son 9 historias, aparentemente inconexas, que nos invitan a reflexionar sobre las casualidades de la vida y las interconexiones de los personajes. Dura 3 horas. Tres intimistas e interminables horas. Si no llega a ser por las ranas, no sé cómo hubiera podido cerrar este hombre tantos frentes abiertos. Julianne Moore está insoportable (como siempre). Una película muy cursi.

7.- Braveheart (Mel Gibson, 1995). Bueno, a lo mejor no es un "mito" del Cine pero creo que es una película que gusta a muchísima gente y.., ¡mira que es mala de narices! (y eso que yo considero que "La Pasión" y "Apocalypto" son dos peliculones como la copa de un pino). Supongo que esta historia de escoceses garulos pretendía ser épica, pero el peinado de William Wallace (personaje supuestamente nacido y muerto entre los siglos XIII-XIV) se parece demasiado al que llevaba Mel Gibson en los 80. Sophie Marceu haciendo las américas con su cara de siempre = inexpresividad total. El berrido final de "¡¡¡Libertaaaaaaaaad!!!" me dio risa. Cosas mías, claro.

8.- Rompiendo las olas (Lars von Trier, 1996). Yo vi esta película en una sala de cine el año de su estreno (a ver quién más puede decir eso). En serio, ¡pagué por verla!. Estaba interesadísimo en ver qué había hecho el director de Europa (1991) y me encontré con este Ordet de finales del XX en el que en la escena final suenan unas campanas en el cielo. Otra vez lo digo en serio, juro que es así. La trama es un delirio. Hay mucha cháchara ultracristiana. Es una historia de amor entre una retrasada mental esquizofréncia y su marido, que es un pervertido de cuidado. Tras Rompiendo las Olas muchos directores (incluso el maestro Allen) comenzaron a marearnos con erráticos movimientos de cámara y a meter ruidos y cortes bruscos en sus montajes. Afortunadamente la moda pasó pronto. A mí nunca me gustó, lo mismo que las hombreras de los ochenta. Rompiendo las olas defiende una famosa escuela de pensamiento danesa que aboga por el tratamiento de la tetraplegia a través de la lectura de historias pornográficas basadas en hechos reales.

9.- Donnie Darko (Richard Kelly, 2001). Bueno, yo creo que el director Richard Kelly se está cavando su fosa cinematográfica él solito. Se superó a sí mismo tras realizar esta majadería perpretando dos engendros titulados "Southland Tales" y "The Box" que son dos mierdas muy grandes (creo yo). El caso es que Donnie Darko es un chalado al que un conejo muerto le dice que el universo se va a colapsar en 28 días. Gracias a ello, el friki de Donnie tiene alguna oportunidad de ligarse a su compañera de clase, Gretchen. Yo no entendí prácticamente nada cuando tuve la desgracia de verla por primera vez. Más tarde, leyendo las interpretaciones de sus seguidores y las del propio director de la peli todavía la entiendo menos. Universo primario, universo tangencial, paradojas temporales.., y pajas mentales. Too much 4 me.

10.- Todo sobre mi madre (Pedro Almodóvar, 1999). Es como un gran chiste. ¿Saben aquel que diu que van una actriz, una madre soltera, una monja, un travesti...?. Tranquilos, todo acaba bien: ¡Un niño nace en Democracia!. Uno de los epílogos que más vergüenza ajena me han dado en una sala de cine en toda mi vida. Antonia Sanjuán está muy graciosa con sus chascarrillos sobre mamadas a camioneros. Una pena, porque a mí el Almodóvar que va desde Laberinto de Pasiones (1982) hasta Tacones Lejanos (1991) me gusta mucho.

"¡¡¡Voten a UPyD!!!"

No me van a convencer enumerando las virtudes de estos 10 magistrales engendros (pero si quieren intentarlo...). Decenas de críticos lo han intentado antes que ustedes. ¿Hay alguien ahí que coincida con alguna de mis opiniones?. ¡Que se manifieste!.
Tampoco me van a cabrear con frases del estilo "no sabes de cine", porque para saber de cine solamente hace falta una cosa: ver películas de todos los géneros y épocas. Y yo he visto muuuuuuuuuuchas películas de todos los géneros y épocas (en ocasiones para mi desgracia).

Si este post no les ha gustado, espero que, al menos, les hayan entrado ganas de desahogarse rajando de sus peores "mejores películas de la Historia", que seguro que las tienen. Pueden vomitarlas en los comentarios o seguirlas en plan meme. No se corten. Demuestren que tienen una personalidad tan acojonante como la mía.

Este post esta inspirado por esta entra de Mondo Mierda.

Mis premios de 2011. Agradecimiento público de un eterno terceror.

2012-01-09T18:00:00.000+01:00

El pasado 19 de Septiembre nos enteramos de que el amigo Crowley decidía cerrar su blog Tengo boca y no puedo gritar para tristeza de muchos de sus lectores y para dedicarse a otros menesteres más importantes como eran las atenciones hacia su hijo natural y hacia el otro, el bastardo cibernético al que de nombre puso La Caja de Pandora. Especialmente desolados quedamos los fanáticos seguidores de su popular concurso cinematográfico. El asunto consistía en adivinar, semanalmente, la película a la que pertenecía el fotograma que MrCrowley publicaba cada domingo. La última edición, la de 2011, duró ¡6 meses!. Agotador. Pero llegué con las fuerzas suficientes como para clasificarme en tercera posición. Como recompensa a mi sapiencia cinéfila y a mi persistencia dominguera, Crowley me hizo entrega de tres premios: un libro de frikis, una película francesa (¡mon dieu!) y un cómic que no es de Marvel, con lo que no estoy seguro de que sea un cómic de verdad. ¿Premio o castigo?. Quién sabe. El caso es que "de bien nacido es ser agradecido" y he leído el libro y el cómic y he visto la película. Faltaría más.

No para aquí la cosa.

Resulta que, a finales del pasado octubre, el director general del blog Como un pato mareado, El Excmo. Sr. Míchel San Silvestre, convocó un concurso de minirrelatos (max. 300 caracteres) en el que 24 bloggers y amiguetes participamos con buena voluntad y mostramos a través de la belleza de nuestros relatos las razones por las que hacemos blogs y no otra cosa. La votación popular volvió a situarme en una tercera posición, lo que me daba derecho a premio. Durate estas pasadas navidades, mis padres (hay que dar siempre el domicilo paternal para estas cosas porque los papis siempre están en casa para recibir al cartero) recibieron un paquete. En su interior, una novela de Fernando Vizcaíno Casas. Mi padre, votante de IU, se preocupó mucho por mis amistades actuales y me dijo que tuviera cuidado con los libros de los escritores derechones, porque se te meten en las tripas y te matan por dentro como el gusano anisakis. El libro se titula La Boda del Señor Cura y lo escribió un señor franquista. Con eso está todo dicho. Cuando ya estaba a punto de tirarlo a la basura, se abrió accidentalmente por su primera hoja y pude leer tres dedicatorias manuscritas, la del propio Míchel, la de Tripi y la de otro ser humano que o bien es un oligofrénico o (y quiero pensar esto) es algún retoño mallorquín que quiso saludar a su tío MrLombreeze. Así que he decidido subir el librito a mi trastero y darle una segunda oportunidad antes de que se acabe el mundo.

Y luego está el libro que me regaló MrMierdas por Navidades. El título y el precio (seguro que se le olvidó quitarlo de la portada) lo dicen todo. Cuando me lo dio, se acercó a mí y me dijo estas emocionantes palabras: "Eres el tercer subnormal que me dice hoy que me ponga un gorro porque está haciendo mucho frío estos días en Zaragoza. Enhorabuena, aquí tienes tu premio, tío tabas".

Lo dicho, soy el eterno terceror. Dedico esta foto a Crowley, los Patos, MrMierdas y a todos los afortunados lectores de DG&L que van a tener la oportunidad de contemplar a MrLombreeze en el corazón de su guarida secreta.

"¿Qué tal, maños?"

Clásicos Imprescindibles. Sinfonía n. 5 "de La Reforma" (1830) Felix Mendelssohn Bartholdy.

2012-01-07T09:00:00.011+01:00

"Si los judíos se niegan a convertirse, no debemos sufrirlos ni soportarlos más tiempo." Lutero, 1542.

En mi opinión, todo aquel que se considera cristiano es un lunático o un analfabeto. Es verdad que algunos cristianos "culturales" pueden ser entrañables por su reduccionista concepto de cristianismo = amar al próiimo, pero también los hay absurdos y peligrosos. Los protestantes sacan pecho frente a los católicos porque dicen que Lutero y su Reforma le quitaron el polvo a la anquilosada y corrupta Iglesia de Roma y que, gracias a ellos, los humanos no necesitamos de intemediarios terrenales para interpretar la Palabra de Dios, que es la Biblia, que es un conjunto de escritos rebosante de desérticas y fabulosas supersticiones, leyendas y normas judías que los cristianos más peligrosos se toman al pie de la letra. O sea, que los reformistas hicieron algo parecido a legalizar los opios de Dios con el fin de hundir el emporio que habían montado los traficantes de la Palabra de Cristo (los curas).

Por eso los protestantes se creen más modernos que los católicos aunque a mí siempre me han parecido igual de estúpidos por creer que un zarrapastroso e iluminado rabí judío, del que ni si quiera existe un registro histórico fiable, predicó en desiertos palestinos hace 2000 años un mensaje alucinante: él era el Hijo de Dios hecho carne. Toma ya.

Yo he leído la Biblia entera de cabo a rabo y no he podido extraer nada útil. Y digo yo, lo mismo que para interpretar un vademecum agradecería la asistencia de un médico, ¿por qué no un cura para la Biblia?... Al menos los curas católicos te hacen el trabajo y pueden concederte la salvación eterna por el método ése de las buenas obras. Los protestantes ni eso: Si Dios quiere te salvas, pero si no quiere.., da igual el número de vacunas que regales a los negritos africanos porque te vas al infierno de cabeza (calvinistas dixit)

Pero bueno, el caso es que en la centroeuropa del siglo XIX el antisemitismo era moneda de uso corriente, especialmente entre las altas esferas. Tanto es así que al padre del extraordinario compositor alemán Felix Mendelssohn (1809-1847) se le ocurrió añadir al suyo el otro apellido no judío de su familia (el húngaro "Bartholdy") con el fin de disimular, en la medida de lo posible, sus raíces hebreas que eran, además, muy ilustres (como otro día contaremos). No sirvió de mucho porque lo cierto es que la música de Mendelssohn fue prohibida por los nazis casi 100 años después de su muerte.

Para demostrar su, por otra parte, sincera militancia luterana, Mendelssohn compuso en 1830 su Sinfonía n. 5 conocida como "de La Reforma" pues se conmemoraba, por aquel entonces, el tercer centenario del nacimiento de los cristianos más modernos y enrollados, los de Lutero (Confesión de Augsburgo, 1530).

El eminente musicólogo inglés Gerald Abraham dijo que la Sinfonía n. 5 de Mendelssohn era "una obra sin vida" y que no hay por donde cogerla. Al propio Mendelssohn tampocó le gustaba y quiso destruirla. Afortunadamente esta tragedia no aconteció aunque la partitura no fue impresa hasta 20 años después de su muerte. Pero yo, que no soy musicólogo ni compositor sino un humilde y ateo administrativo de una empresa sita en un polvoriento polígono industrial, en verdad os digo que me vais a amar mucho más después de escuchar el maravilloso y delicado III Movimiento, Andante, de la Sinfonía n. 5 "de La Reforma" del gran Felix Mendelssohn Bartholdy a quien Dios tenga en su gloria.

Son 4 minutitos. Ánimo.

D.E.P. Rogelio Hernández (1930-2011). Maestro Doblador.

2012-01-05T07:30:00.007+01:00

¿Un homenaje a un actor de doblaje en un blog como el nuestro, tan cinéfilo, tan cool, tan gusano?... Pues sí, porque yo he crecido viendo y escuchando muchas de las películas dobladas por D. Rogelio Hernández, que tenía nombre de notario de pueblo pero voz de tipo duro. Así que: Descanse usted en Paz, maestro.

Rogelio Hernández era uno de esos actores españoles que hacen cuestionarte, de vez en cuando, si el doblaje de las películas es algo tan satánico como proclaman los cinéfilos puristas. Y es que para mí, pese a que hago todo lo posible por ver, siempre que puedo, las películas en VOSE, Lara Zhivago siempre tendrá la voz de Elsa Fábregas. Cosas de la infancia.

El caso es que Rogelio Hernández fue la voz española habitual de, entre otros muchos, Paul Newman, Jack Nicholson, Marlon Brando o Michael Caine. Casi nada.

Pero

para el jovencito cinéfilo que todavía vive dentro de MrLombreeze

la voz de Rogelio Hernández

siempre será, por encima de todas las demás,

la desgarradora voz del Rudolph Petersen (Montgomery Clift) clamando contra el sadismo nazi en Vencedores o Vencidos (Stanley Kramer, 1961).

Impresionante escena la que nos ofrecen el rostro de Monty Clift y la voz de Rogelio Hernández. Los pelos como escarpias. Disfruten de uno de mis momentos más favoritos de la Historia del 7º Arte: "Mi madre.., ¿qué dicen de mi madre?. Era una mujer.., una sirvienta que trabajaba sin descanso, una mujer muy trabajadora y no está bien lo que dicen de ella...". Pffff.

Carlos (2010, Olivier Assayas). Las aventuras y desventuras de un terrorista internacional que se creía revolucionario.

2012-01-03T07:45:00.012+01:00

Yo nací en los 70, una década durante la que todavía respiraban unos cuantos dictadores fascitas y/o comunistas en la civilizada Europa. Y también fue la década prodigiosa de los movimientos terroristas internacionales que se autoproclamaban marxistas, antiimperialistas, anticolonialistas, antisionistas, panarabeislamistas, maoístas y etc, etc. Un cóctel bastante indigesto y caótico que tenía como referencia de lucha armada conflictos como los de Vietnam o Chile en los que los débiles plantaban cara al Imperio USA, ése que intentaba oprimir a los pueblos del Tercer Mundo (según unos) o atajar todas las intentonas comunisto-revolucionarias que se expandieron por el planeta durante aquellos años (según otros).

Total que en los 70 jóvenes marxistas de nacionalidad venezolana o japonesa o alemana o sabediosdequé rincón del planeta hacían cosas como pedirles a sus camaradas vasco-etarras (por poner un ejemplo de la película que recomendamos hoy) que, por favor, pusieran una bomba, si no era mucho pedir, a los capitalistas de Radio Libre Europa de Munich para que sus imperialistas emisiones de radio dejaran de molestar a los felices rumanos de Ceaucescu que vivían en su idílico paraíso comunista. Eran como el reverso tenebroso de United Colors of Benetton. Para ello necesitaban el dinero que les prestaban países amigos como la URSS o la RDA a traves de su tristemente famosa Stasi y unos cuantos colegas musulmanes o árabes de Argelia, Libia, Irak, Siria, Yemen, Sudán y demás ejemplos de Libertad, Igualdad y Fraternidad. Y todo con el fin de liberar al pueblo palestino, of course, que sigue siendo la causa más noble a la que puede apuntarse, todavía hoy, nuestra progresía burguesa de iPods, iPads, iPhones e iDiotas que miran en internet cómo colocarse correctamente una kufiyya. En fin, Marxismo&Islam vs. Capitalismo: el gran combate de la segunda mitad del siglo XX.

El que caso es que un acomodado matrimonio de abogados venezolanos y marxistas, los Ramírez, tuvieron tres hijos varones a los que llamaron, Vladimir, Ilich y Lenin (en serio). Menos mal que no tuvieron un cuarto que, de ser niña, estaba destinada a llamarse "PlazaRoja" (esto es un chiste de mi cosecha). Al joven Ilich le pasó algo parecido a lo que le sucedió a Johannes (el loco de Ordet) o a nuestro Quijote: de tanto leer libros rojos acabó chalado y se convirtió en un terrorista internacional que mataba a unos pocos con el fin de liberar a otros muchos de la opresión de esos pocos. Para ello utlizaba las armas fabricadas por esos pocos que compraba con el dinero del petróleo que esos muchos le vendían a esos pocos a los que Ilich Ramírez quería matar. No sé si me explico. Buen material para una película.

Sea.

Carlos es un biopic no autorizado dirigido por el realizador francés Olivier Assayas. Al ser una biografía desautorizada por el auténtico Carlos (que está pudriéndose actualmente en una cárcel francesa) la película tiene más credibilidad que las memorias de este fulano. Carlos es un excelente film episódico que sirve para el lucimiento actoral absoluto de su protagonista, Edgar Ramírez, un actor venezolano a quien, además de verle el pene una o dos veces (estamos hablando de cine europeo, o sea que tienen que salir penes porque somos más modernos que los yankis), le podrán escuchar hablando en español, alemán, inglés y árabe. La verdad es que Edgar Ramírez está estupendo en este thriller político que hoy les recomendamos.

Carlos es una película que posee una gran virtud: desmitifica, sin miramientos, la todavía hoy admirada por muchos (Hugo Chávez y demás "revolucionarios" del estilo) mediática figura de un asesino al que sus papás llamaron Ilich pero al que la clandestinidad rebautizó como "Carlos, el Chacal", el hijo bastardo del Mayo del 68 que pensaba que tenía una pistola en medio de sus dos cojonazos de machote latino-revolucionario.

Existen dos versiones disponibles para disfrutar de este pedacito de Historia de finales del siglo XX. El formato original de mini serie de TV de tres capítulos (duración: cinco horas y media) y el formato película para cine que dura unas dos horas y media. Yo les recomiendo que se vean, con tiempo, los 330 apasionantes minutos de Carlos, una película que ha batido todos los récords mundiales de cigarrillos fumados por escena en toda la Historia del Cine.

Feliz Año Nuevo.

2012-01-01T09:00:00.000+01:00

Feliz Año Nuevo 2012, amigos lectores de DG&L.

Como cada 1 de Enero, con todos ustedes nuestra versión favorita del vals El Bello Danubio Azul (1867, Johann Strauss II). ¿En qué consiste la versión?. Pues, como dirían nuestros compays cubanos, simplemente "échale salsita" al asunto. Sabe mejor

La cosa tiene mérito: los arreglos son del músico noruego Sverren Indris Joner. Toma ya. Salsa sin Fronteras.

¿Qué vas a hacer en Nochevieja?.

2011-12-31T08:00:00.004+01:00

No sé ustedes pero esta Nochevieja yo voy a emborracharme y a bailar como Fred Astaire en Quince Días de Placer (Holiday Inn, Mark Sandrich 1942). Que ustedes lo pasen bien esta noche. Nos vemos el año que viene con más y mejores posts en cuanto me reponga de mis vacaciones navideñas.

Mis chalados favoritos. 50 Años de... Adiós a Céline. El Indignado n. 1 del siglo XX.

2011-12-27T09:00:00.000+01:00

"La chusma acabará con todo". Céline parafraseando a F. Nietzsche.

Céline (1894-1961) se ha quedado este año sin homenaje en su patria, la Francia. La razón de que el país chovinista por excelencia no aproveche la efeméride del 50 aniversario del fallecimiento de Céline para restregarnos al resto del mundo que los gabachos la tienen más gorda que nadie con otro ejemplo de su brillante literatura, es que la figura de Céline, el creador de una de las más estupendísimas novelas del siglo XX, sigue levantando ampollas. Sus diatribas antisemitas, su racismo y su claroscuro pasado colaboracionista le siguen pasando factura diez lustros después de su fallecimiento. Ahí va esa perla:

"Personalmente encuentro a Hitler o a Mussolini, admirablemente magnánimos, infinitamente más a mi gusto, destacados pacifistas, en una palabra, dignos de 250 premios Nobel".

Todos los antisemitas del mundo están vetados en DG&L y no ensucian nuestro blog si no es para que nos desquitemos poniéndolos a parir. Una de las poquísimas excepciones a esta regla es el escritor Céline, autor de la que es, para mí, una de las mejores novelas de todos los tiempos: Viaje al fin de la noche (1932), o el imprescindible, agresivo, descarnado, desilusionado y autobiográfico cabreo nihilista de un ex combatiente de la Primera Guerra Mundial.

"¿cuántas cartas de insultos recibo al día? Siete u ocho...¿y cartas de admiración inmensa?... casi otras tantas... ¿acaso he pedido algo? ¡de ningún modo! ¡nunca!... anarquista soy, he sido, sigo siendo, ¡y me traen sin cuidado las opiniones!"

Céline tenía motivos para preguntarse el por qué de tanto interés por su figura y tanta controversia por las opiniones que había escrito un tipo como él: un viejo cojo que ejercía de médico rural para gente sin recursos en un pueblucho a las afueras de París, ¿acaso no opinaban muchos otros igual que él?. Pero el interés por Céline no era, ni es, gratuito, caprichoso o morboso, sino vital. Los que admiramos las dos primeras novelas de Céline (Viaje al fin de la noche y Muerte a crédito) sentimos la natural pulsión a admirar a su autor y recibimos, sin embargo, un jarro de agua fría en forma de una biografía, la suya, que puede, a primera vista, resultar nauseabunda. Y en esa tesitura seguimos. Gajes del oficio de genio creador. A los bloggers de medio pelo, como yo, no nos pasan estas cosas.

Voy a usar un truco para poder digerir a Céline. Lili, su compañera durante los últimos quince años de vida, declaró que Céline era antisemita porque era pacifista, o sea, era de la opinión de que los judíos fomentaban las guerras para enriquecerse. Lili juró que cuando su marido se enteró de lo de los campos de exterminio nazis se sintió realmente conmovido. Este truco que me saco de la manga me permite abrir una pequeña brecha por la que hoy se cuela en nuestro blog uno de los más controvertidos escritores del siglo XX: el tipo que odiaba a una Humanidad que le dio unas cuantas razones para hacerlo en forma de trincheras de la Primera Guerra Mundial: Louis Ferdinand Auguste Destouches, alias "Céline".

¡Maldito seas Céline!, tú que perdiste la fe en la Humanidad y que abominaste por igual de ricos y pobres, de hombres y mujeres, de franceses y extranjeros europeos, americanos o africanos. Tu falta de fe te llevó a escribir algunas de las páginas más brillantes de la literatura universal y, a cambio, cargas sobre tus espaldas con esa maldición que te persigue todavía hoy, 50 años después de tu muerte.

Nosotros queremos recordar tu nombre, oscuro y deslenguado Céline, porque nosotros somos, al fin de al cabo, solamente hombres y "los hombres se aferran a sus cochinos recuerdos, a todas sus desgracias y no se les puede sacar de ahí".

40 Años de... I´d like to teach the world to sing. We are the Better Angels of our Nature.

2011-12-24T09:30:00.001+01:00

Al mundo entero quiero dar un mensaje de paz...

I´d like to teach the world to sing es una canción de 1971creada para servir como fondo musical a una campaña publicitaria en tv de la compañía Coca-Cola que sabiamente supo fusionar, en su celebérrimo spot "Hilltop", su tradicional márketing buenrrollista con el espíritu y el look del movimiento hippie imperante en aquellos setenteros años en los que la URSS se frotaba las manos ante lo que aparentaba ser el hundimiento de la testosterona capitalista y el acojone generalizado de los soldados yankis de pelo largo que lloraban como nenas porque tenían que combatir en la jungla en unas condiciones que eran un juego de niños comparadas con las de la generación anterior, la que había guerreado contra el imperialismo japonés en esas mismas junglas.

Pero hoy día, cuando la Unión Soviética perdura solamente en la fría memoria de los historiadores o en el idealizado recuerdo de trasnochados comunistas europeos o en la dolorosa realidad de Corea del Norte o Vietnam, hoy día, cuando el movimiento jipi se ha onege-izado adoptando mil y una apariencias diferentes, ¿qué nos queda de aquellos maravillosos años?, pues el Arte, que es lo que siempre perdura por encima de todo lo demás.

¿La publicidad es un arte?, ¿y los anuncios de tv?, para mí es indudable que sí, no importa que la letra original de esta canción no nos cantase I´d like to teach the world to sing in perfect harmony (me gustaría enseñar al mundo a cantar en perfecta armonía) sino algo mucho más mercantilista: I´d like to teach the world to buy Coca-Cola (me gustaría enseñar al mundo a comprar Coca-Cola). Y no importa porque el pueblo es soberano y hace lo que le sale de los mismísimos co**nes, también con las campañas publicitarias, así que la cancioncita de Coca-Cola perdura, como la belleza en nuestro recuerdo, muchos años después de la caída del muro de Berlín o el estreno de Hair (Milos Forman, 1979).

El gusano es el animal buenrrollista y optimista por excelencia. Qué le vamos a hacer. Y, en estas fechas tan entrañables (por qué no), queremos desear a todos nuestros lectores (que han demostrado ser buena gente el 85% de su tiempo) lo siguiente: aprovéchense de la artificiosa atmósfera de buenrrollismo navideño para disfrutar de los bellos momentos que estas festividades (con toda su intrínseca hipocresía y todo el tendencioso consumismo que ya sabemos que incluyen) pueden proporcionarles a poco que quieran ustedes esforzarse por que así sea. Los pobres estamos recuperando, día a día, cada vez más y más dinero del que nos robaron los ricos durante siglos. Los cristianos les quitaron las navidades a los paganos y los ateos se las quitamos a los cristianos. Hora es ya de que todos los seres bellos y bondadosos que habitamos el planeta hagamos que estos días sean nuestros días. Y no pasa nada por consumir un poco más de lo habitual, coño, que los dependientes de los grandes almacenes y los propietarios de pequeños comercios también tienen derecho a poder pagar la calefacción o la factura eléctrica (incluída la súper subida de tarifa que se avecina). El mundo va a mejor, lo dice Steven Pinker en un libro de hermoso título (The Better Angels of our Nature, 2011): ni siquiera Hitler fue tan malo, ni de lejos, como Gengis Khan.

Yo no quiero dar un mensaje de paz al mundo entero, sino solamente a la buena gente (que es mucha) de nuestro mundo. Al resto, a los malos, les deseo la cárcel y cosas peores que no voy a detallar por respeto al niño Jesús que cumple en estos días 2011 años y sigue siendo tan muermo como siempre.

Recuerden siempre que los nazis vestían de gris pero, al mismo tiempo, ella vestía de azul.

Felices Fiestas.

Tomen, un poquito más de azúcar, que sé que se han quedado con ganas:

P.S. En Nochebuena yo ceno con Coca-Cola, como Dios manda.

El Invierno comienza... ¡ahora!. Día del Señor 22 diciembre 2011, 06:30 h. Viva Vivaldi.

2011-12-22T06:30:00.006+01:00

¿Conocen esa confortable y placentera sensación de estar tumbado en el sofá de tu casa, bien calentito tapado con una manta, durante una lluviosa y fría tarde invernal?. ¿Cómo la describirían ustedes?. Vivaldi solamente necesito un par de minutos para ello y, de paso, creó una de las más maravillosas e inolvidables melodías de la Historia de la Música Clásica.

Esta: Segundo movimiento, Largo, del Concierto n. 4 en fa menor Op. 8, aka El Invierno, de Las Cuatro Estaciones (1723) del compositor veneciano Antonio Vivaldi. Desde 1723 el pizziccato siempre nos suena a lluvia.

Disfruten de la versión del majareta de Nigel Kennedy (la introducción de los veinte primeros segundos es cosecha propia de este violinista inglés), yo creo que le imprime la velocidad justa que necesita esta música.

Warrior (2011, Gavin O´Connor). ¡Vivan los lugares comunes!.

2011-12-19T07:30:00.011+01:00

Érase una vez dos hermanos estadounidenses que crecieron bajo la desgarradora tutela de un padre irlandés, alcohólico y maltratador quien era, además, uno de los mejores entrenadores de lucha de los USA. Su infancia tenía muchos boletos para que la futura desestructuración y dispersión familiar estuviera garantizada. Los dos hermanos se hicieron mayores y se convirtieron en dos seres tan extraños entre ellos como lo eran ambos para el padre al que odiaban. Pero hete aquí que una competición de MMA (una aberración de ésas en la que dos descerebrados se dan de hostias de mil maneras diferentes) ofreció un suculento premio económico que fue el panal de rica miel al que estas tres moscas irlandeso-americanas se vieron irremediablemente abocadas a acudir. Qué cosas.., carambolas del destino.., ¿llegarán los hermanos a tener que pelear entre ellos en la gran final?...

¿Cuántas veces nos han contado algo parecido en el Cine?: decenas (Rocco y sus hermanos, La Ley del Silencio, Rocky, Campéon, Fat City, Cinderella Man, The Wrestler, The Fighter...). Entonces, ¿para qué y por qué volver a ver una drama pugilístico plagado de lugares comunes?. Pues por la misma razón por la que vamos todos los domingos a comer la paella de la mamma que es, cómo no, la mejor paella del mundo. Cuando una combinación de "sabores" funciona y su eficacia está probada, ¿por qué no repetir si se sabe cómo cocinarla?. Que se lo digan a Tarantino.

Warrior es un excelente refrito de muchas constantes del subgénero del cine de boxeo. Destaca ésa que parece ser tan atractiva para los espectadores: la esperanza de poder sacar de la miseria a los tuyos aunque sea a costa de pagar el alto precio que supone arriesgar tu vida en el intento. Toma ya. Pero claro, en 2011 el boxeo es un ¿deporte? absolutamente carca y demodé que, además, parece hoy día un juego de nenas comparado con las nuevas bestialidades que hacen las delicias de los aficionados más embrutecidos del planeta, así que actualicemos el asunto recurriendo a las MMA y listo.

El caso es que en Warrior encontramos a un padre de familia que tiene que volver a luchar profesionalmente para ganar un dinero con el que salvar su casa de un embargo bancario que le viene encima al no poder afrontar el pago de la segunda hipoteca que ha tenido que pedir para poder pagar la operación de corazón de su hijita...

...

... en serio...

...

¡Esto sucede en Warrior!. Pero no nos da risa, sino que nos conmueve.

Todavía hay más.

Dos hermanos, a los que une y separa al mismo tiempo una desgraciada infancia a la sombra de un padre alcohólico, terminarán peleando en una competición de MMA para conseguir una victoria que ambos necesitan y, de paso, exorcizar sus demonios y ajustar cuentas con su pasado. Pero si es que incluso el tipo duro de la competición, el malo, un tal Koba, ¡es ruso y comunista!. Tremendo.

Pero en Warrior, esta rocambolesca situación aparenta ser tan natural como la vida misma. No repele sino que atrapa desde el comienzo. Esto tiene mérito. Y el mérito de que todo este monumento a lo archiconocido no chirríe ni aburra es de la climática narración de su director Gavin O´Connor y de las interpretaciones de los dos protagonistas, los actores Tom Hardy y Joel Edgerton que, jugando a Caín y Abel, nos regalan, con su gran trabajo actoral y una estupenda coreografía de peleas, un catálogo muy completo de cómo hostiar a un berraco encima de un ring. Al mismo tiempo, consiguen tocarnos la fibra al mostrarnos los espurios pero resultones motivos que llevan a dos losers a pelear profesionalmente muchos años después de su exitoso pasado como luchadores amateurs de High School. Y ¡achtung!, porque los motivos de los que hablo son por un lado la Familia y, por el otro, la Patria (¡sale un coro de soldados cantando el himno de los marines!). Toma ya again. Marchando una ración doble de reconocimiento gusano al realizador y coguionista Gavin O´Connor que ha conseguido convencernos de que Warrior es un gran trabajo y lo ha hecho jugando con unas cartas tan marcadas como las que os acabo de mostrar.

Warrior es una película muy buena, emotiva y directa, que representa el triunfo del convencionalismo bien entendido sobre la modernez insulsa de forzadas ínfulas rompedoras. Ya nos lo ha demostrado Drive (posiblemente la mejor peli de 2011) este mismo año. ¿Será que la nueva modernidad va a consistir en ser un clasicón ultraortodoxo?. Cosas más raras se han visto.

Moraleja1: los tíos cachas de gym, como yo, también lloramos y tenemos nuestro corazoncito.

Moraleja2: por cinco millones de dólares le partimos la cara, si no queda más remedio, a nuestro propio hermano. Ahora bien, la sangre es y será siempre la sangre. Y la sangre tira.

Vean Warrior. No se arrepentirán y, a lo mejor, sueltan alguna lagrimilla al final...

Adiós a Christopher Hitchens (1949-2011), azote de necios.

2011-12-16T18:50:00.000+01:00

"Lo que los terroristas islamistas abominan de "Occidente" no es aquello que los progresistas occidentales rechazan y no pueden defender de su propio sistema, sino lo que sí les gusta y deben defender: sus mujeres emancipadas, su investigación científica, su separación entre religión y Estado.Yo siempre estaré del lado de la peor versión de la democracia estadounidense frente a la mejor de las concreciones de una teocracia fundamentalista.". Maestro Christopher Hitchens.

Imposible ser más moderno: Franz Liszt (1811-1876). Feliz 200 Aniversario.

2011-12-15T07:30:00.006+01:00

Es bastante conocida la anécdota que nos cuenta que Franz Liszt no fue admitido en el Conservatorio de París por ser húngaro. Es decir, Liszt fue rechazado por no ser francés pese a sí ser un genio de la Música. Lo irónico del asunto es que el director de esa institución era, por aquel entonces, Luigi Cherubini, un compositor tan italiano como su nombre indica. Así que Liszt fue, en cierta medida, una víctima del rechazo irracional al extranjero que todavía padecemos hoy día. Un adelantado este gran compositor húngaro también para lo malo. Y, desde luego, muy adelantado para lo bueno. Ejemplos: se amancebó con condesas y princesas, inventó el recital de piano tal y como lo conocemos hoy día (destacando el papel protagonista del intérprete), apoyó y promocionó a multitud de jóvenes compositores y, resumiendo, revolucionó la técnica pianística (inspirado por el genial violinista Niccolo Paganini) con su virtuosismo como intérprete con el que, ya desde niño, dejaba boquiabiertos a todos sus auditorios.

Franz Liszt es uno de los músicos más modernos que han pisado jamás nuestro planeta. Le puso nombre al "poema sinfónico" que había esbozado Hector Berlioz con su Sifonía Fantástica (la primer gran "revelacion" para Liszt) dándole entidad propia como género musical independiente. Abrió las puertas al cromatismo (que llegaría a su apoteosis con la música de su yerno Richard Wagner) con sus nuevas armonías de sorprendentes acordes. Fue uno de los más profundos experimentadores que la Música Clásica ha conocido y es, probablemente, el último gran revolucionario de la música comprensible para los melómanos aficionados.

En 1853 Franz Liszt terminó su famosa Sonata en Si menor que dedicó a Clara Schumann quien, tras escucharla interpretada a manos de su ferviente admirador, Johannes Brahms, escribió en su diario: "Cuánto ruido sin razón. Todo esta enredado sin una idea clara. Ni siquiera se puede encontrar un encadenamiento armónico claro. Al escucharla me siento muy infeliz". Agradecida que era la mujer.
Sin embargo, Richard Strauss opinaba de esta obra (representativa de otro revolucionario concepto lisztiano: la "variación temática") lo siguiente: "Si Liszt sólo hubiera escrito esta Sonata en Si menor, gigantesca obra salida de una sola célula, ella habría bastado para demostrar la fuerza de su espíritu.". Demasiado moderna para Clarita.

En este 2011 se cumple el 200 aniversario del nacimiento de Franz Liszt y, aunque ha fallecido recientemente el cutre director Ken Russell, no os voy a recomendar una aberración cinematográfica que Russell tituló Lisztomania (1975) porque nosotros, que somos más carcas, os recomendamos Sueño de amor (Charles Vidor, 1960), donde se nos cuenta los amoríos de Liszt (Dirk Bogarde) con la princesa rusa Carolina Sayn-Wittgenstein, de una manera empalagosamente romántica. La peli no es gran cosa; sólo para incondicionales.

Para ilustrar musicalmente el post de hoy ni voy a insertar el celebérrimo nocturno Sueño de amor (1850), ni la Sonata en Si menor (que es algo heavy para los no melómanos), ni su colorista y folclórica Rapsodia Húngara n.2 (1853). Casi mejor algo más intimista. De su ciclo de Seis Consolaciones (1850), la maravillosa Consolación n. 3, una auténtica exquisitez para el paladar de cualquier ser humano que posea una sensibilidad artística superior a la de los artrópodos. Liszt decía que sus Consolaciones eran "miniaturas sin pretensiones". Como tiene que ser.

El mini meme de Borgo. Escenas de Cine Favoritas.

2011-12-12T07:30:00.008+01:00

El pasado viernes, December the 2nd, nuestro amigo miquel zueras, aka borgo, aka Illustratorman, aka the man with the golden voice, aka the saboteur of the porno movies dubbing, publicó un meme muy breve y muy bonito al que yo, como casi siempre, me apunto hoy porque me apetece y porque yo soy así porque sí.

Es fácil. Tres únicas categorías. Incluso el más vago de los bloggers puede seguirlo si se lo propone. Aquí van mis elegidas.

1.- Una cabalgada de película (con caballos, ¿eh?, nada de porno.., ¡ni de bestialismo!).
La de los míticos Scottish Grey, el regimiento de caballería más temido de las guerras napoleónicas, que cabalgaron en la monumental Waterloo, estupendísima película de 1970 dirigida por el realizador soviético Sergei Bondarchuk. A cámara lenta y con música de Ennio Morricone. Impresionante (lo mismo que todas las escenas de batalla de esta espectacular película).

2.- Un tango de película.
Una cagoría muy bizarra, pero bueno. Lo que está claro es que hay que tener mucho cuidado con lo incluír escenas de tango en el Cine, porque cuanto más ridículo es el argumento de una película más posibilidades existen de que sus dos protagonistas hagan la risa intentando parecer muy sensuales bailándolo.

En fin, tranquilos, que no voy a elegir a Pacino sobreactúando en Esencia de Mujer (¡ja!) ni al robótico Chuache de Mentiras Arriesgadas, porque lo cierto es que si de bailar en el cine hablamos, uno de los persajes que me vienen a la cabeza siempre suele ser...

3.- Unos créditos de película. Subclasifiquemos.

3a.- Iniciales.
Me gustan mucho los créditos de las películas de Gaspar Noé (y las películas también) pero cuando estaba a punto de seleccionar los créditos iniciales de Enter the Void (2010), me he acordado de Hermanas, una interesante película de 1973 dirigida por Brian de Palma. Tiene unos breves, sencillos pero contundentes créditos iniciales, aco**nantes en varios sentidos, en los que la música de Bernard Herrmann juega un papel importantísimo. Puro homenaje a Hitchcock.

3b.- Finales.
Unos muy recientes. Los de Blue Valentine (Derek Cianfrance, 2010) son hermosísimos y creo recordar haber leído que ganaron un montón de premios en esto del arte crediticio. Disfruten de esta maravilla.

Hala, a animarse y a seguir el meme.

Escalofrío (2002, Bill Paxton). Cuestión de fe.

2011-12-09T07:22:00.001+01:00

M. Night Shyamalan nos preguntó "¿eres de los que ven Señales?" el mismo año que los americanos se apuntaron a la moda de pálidos niños muertos japoneses que iban dando sustos a la gente. En 2002 también resucitaron los zombies (aka infectados) para hacer turismo por Londres mientras que Ridley Scott hacía la risa con una estúpida incursión en el universo del despreciable Hannibal Lecter. Pero también sucedió que...

... Wesley Doyle (Powes Boothe), agente del FBI encargado de atrapar a un asesino en serie que se hace llamar "La mano de Dios", recibe la visita de un misterioso joven, Fenton Meiks (Mathew McConaughey), que afirma que su hermano Adam es el serial killer que está buscando la policía. Ante semejante confesión el agente se muestra desconfiado. Es entonces cuando Fenton le descubre el origen del desequilibrio mental de Adam revelando un alucinante suceso de la infancia de los hermanos Meiks: su padre les juró haber recibido la visita de un ángel. Y no sólo eso, el ángel le encomendó, en el nombre de Dios, una sagrada misión: exterminar a los demonios que vivían en la Tierra bajo la apariencia de seres humanos. Uno de los dos pequeños, el que tuvo fe, pronto creyó en la angelical aparición y, a partir de ese momento, ayudó a su padre a desenmascarar y eliminar a los malvados demonios. Mientras que el otro hermano, el escéptico, comenzó a convencerse de que su padre y su hermano estaban paranoicos y eran, cada vez, más peligrosos...

Éste es el interesante planteamiento de la primera película como director del actor Bill Paxton, quien nos tenía acostrumbrados a papeles e historias mucho menos inquietantes y , desde luego, menos terroríficas que la que elegió para su debut como realizador. Bill Paxton se adjudicó para sí mismo el papel del iluminado padre que está convencido de tener la delirante misión de acabar con los engendros del Averno que, bajo forma humana, pululan por nuestro mundo. Un personaje que nos cae simpático a nosotros, los ateos, pues, en el fondo, desearíamos que la respuesta a la pregunta que tanto nos angustia, "¿por qué existe el Mal?", la tuviera una fábula tan simple como esa de la eterna lucha entre Ángeles y Demonios, con sus flamígeras espadas y sus alas blancas o negras. Una idea naíf, desde luego, pero resultona y gratificante (por liberadora). En fin. No caerá esa breva.

El caso es que el guionista Brent Hantley cita como fuentes de inspiración para su guión las películas de Alfred Hitchcok, la obra maestra del cine La noche del cazador y la música de Leonard Cohen (???). Por su parte, el debutante Bill Paxton, a quien apasionó la historia, debió de acordarse de sus años mozos como trabajador a las órdenes de Roger Corman y, temeroso de que otro director desvirtuara o suavizara el oscuro tono de la trama, decidió colocarse también tras las cámaras para rodar la película que hoy recomendamos: Escalofrío. Una película de terror e intriga con un clásico aroma de puro cine de género, con un estupendo ritmo narrativo, con unos acertados giros de guión y con un eficaz empleo del recurso de los (largos) flashbacks con los que se nos muestra la bizarra historia de la familia Meiks.

La guinda la pone un inesperado y sorprendente final de una historia donde nada es lo que parece. Suspense del bueno; sin exceso de sangre ni sustos facilones. Meritoria apuesta para una peli de 2002, época en el que la cinematografía asiática era la que acaparaba la atención de los amantes del género de terror.

Es una película muy buena, muy redonda, pero si no me creen a mí, veamos qué opinan otros: "Electrizante" (James Cameron). "La película de terror más inquietante que he visto desde El Resplandor" (Sam Raimi). "Única, provocadora, te mantiene agarrado a la butaca" (Stephen King). "No la entiendo" (Un amigo tonto que tengo).

No se la pierdan. Es todo un clásico contemporáneo del cine de terror que hoy, desde nuestro blog, queremos reivindicar.

Epílogo patriotero. Spanish Village.

2011-12-06T08:30:00.006+01:00

Spanish Village es el título de un ensayo fotográfico del merecidamente célebre fotógrafo estadounidense William Eugene Smith. 1500 fotografías del pueblo de Deleitosa, Extremadura, España, que publicó la revista Life en 1952. Una mirada parecida, aunque menos descarnada, a la que veinte años antes había realizado, también en tierras extremeñas, nuestro Luis Buñuel para su mítico documental de 30 minutos Las Hurdes, Tierra sin pan.

¿Se reconocen en alguna de estas fotos? (y cuando digo "reconocen" no me estoy refiriendo a sus entes corpóreos, malditos egoístas, sino a todo lo que ustedes realmente son: la suma de su presente, su pasado y el pasado de los suyos).

En 1982, treinta años después de la publicación de las fotografías de W. Eugene Smith, el fotógrafo francés Jean Gaumy volvió a Deleitosa y esto fue lo que encontró:

El año que viene se cumplirán otros 30 años más de las fotografías de Jean Gaumy. Habrá que pasarse por Deleitosa con nuestro smartphone en la mano para ver cuánto hemos cambiado los habitantes de España, esa camisa blanca de mi esperanza que la canción y el poeta decían que nos hacía a su imagen y semejanza. ¿No será al revés?.

Pues sí, me siento español, ni orgulloso ni acomplejado, pero amante del café con churros y con eso está casi todo dicho si se es buen entendedor. Nací en España, un lugar que se encuentra entre Henry Kamen y Pérez-Reverte. No seré yo el que diga que los españoles la tenemos más larga que nadie, pero tampoco me verán hacerle el juego a los perros ingleses del XVI, a los enciclopedistas gabachos del XVIII, a los nacionalistas radicales del XX o a los indigenistas bolivarianos del incierto XXI.

Luis Bagaría: ¿No crees Federico, que la patria no es nada, que las fronteras están llamadas a desaparecer? ¿Por qué un español malo tiene que ser más hermano nuestro que un chino bueno?

Federico García Lorca: Yo soy español integral, y me sería imposible vivir fuera de mis límites geográficos; odio al que es español por ser español nada más. Yo soy hermano de todos y execro al hombre que se sacrifica por una idea nacionalista abstracta por el solo hecho de que ama a su patria con una venda en los ojos. El chino bueno está más cerca de mí que el español malo. Canto a España y la siento hasta la médula; pero antes que esto soy hombre de mundo y hermano de todos.

Amén.

Grandes Covers de la Humanidad. La Ritirata de Luciano Berio (1975). Los italianos le cantan a España.

2011-12-04T09:00:00.000+01:00

En 1780 nuestro amado compositor Luigi Boccherini compuso la que es, posiblemente, su más reconocida y célebre creación: un quinteto para cuerdas titulado La Música Nocturna de las Calles de Madrid que, como pueden ustedes imaginar, está basado en la música popular de la Villa y Corte de nuestra España de finales del XVIII. Una obrita magistral que dura unos 15 minutos y por la que profeso una profunda veneración musical.

La música del quinteto es claramente descriptiva y viene a resumir, en sus siete movimientos, lo que podríamos llamar como una jornada vespertino musical madrileña que comienza con la llamada de las campanas de las iglesias para el rezo del Ave María y termina con la marcha de la Guardia Nocturna y su toque de queda de medianoche. Entre tanto escuchamos las canciones de ciego y los bailes de la muchachada jovenzana dieciochesca.

Es una obra maravillosa. Imprescindible. Españolísima. Tanto es así que el propio Boccherini convenció a su editor de que no publicara la obra fuera de España, ya que los oyentes e intérpretes no españoles no iban a encontrar sentido alguno a una música de un carácter tan marcadamente folclórico.

Pero claro, eso lo dijo el maestro antes de que se el mundo se globalizara y, hoy día, La Música Nocturna de las Calles de Madrid es conocida y canturreada en todos los rincones del mundo civilizado. Un ejemplo: incluso los perros ingleses del Surprise la tocaban, según Peter Weir, en sus camarotes durante su tiempo libre. ¿Recuerdan Master and Commander, una de las últimas obras maestras del cine de aventuras?.

Casi 200 años después de que Boccherini le cantara a las calles madrileñas, el compositor italiano Luciano Berio decidió arreglar el último movimiento de La Música Nocturna: La Ritirata, el momento en que los soldados de la guardia nocturna marchan en procesión por la ciudad anunciando el toque de queda y cerrando las puertas de Madrid. Y las Cuatro Versiones que compuso el vanguardista y electrónico compositor Luciano Berio las vamos a escuchar ahora mismo en esta estupenda versión de la Orquesta de RTVE dirigida por el maestro López Cobos.

Háganse un favor a ustedes mismos: no se la pierdan. Son 8 minutos maravillosos de una música irónicamente marcial que, sin embargo, estoy seguro que va a poner los pelos de punta incluso al más descastado y apátrida de nuestros hispanolectores. Una música que emociona y hace aflorar nuestra vena más patriotera y nacionalista, siempre entendida en el mejor de los sentidos.

Quattro versioni originali della Ritirata Nottuma di Madrid (1975) de Luciano Berio.

Nuestros 300 patrios. The Peak of the Spaniards. El día que Rob Roy nos dejó plantados.

2011-12-02T07:30:00.004+01:00

La cosa estaba así en las Islas Británicas de comienzos del siglo XVIII: había una Guerra Civil. Mal asunto. Los católicos jacobitas partidarios de Jacobo III Estuardo guerreaban contra las tropas gubernamentales del rey Jorge I de Hannover. A los católicos jacobitas les apoyaban los paletos escoceses y los españoles de Felipe V en uno de los últimos intentos del Imperio Español de recuperar el esplendor pérdido de tiempos pasados y también, por qué no, en una nueva oportunidad de tocar los cojones a los hijos de la Gran Bretaña que se habían quedado con Mallorca y Gibraltar tras la firma del Tratado de Utrecht (1713).

300 soldados españoles llegaron como avanzadilla a Escocia para animar el levantamiento de los clanes pueblerinos escoceses. Con este alzamiento pensaban distraer la atención de los ingleses para luego atacar a la pérfida Albión por el sur con el grueso de las tropas jacobitas y españolas. Pero, pese a ser parte de una maniobra de distracción, estos 300 españoles tampoco podían hacer milagros ni aún contando con la sublevación escosa de su lado. Nuestros 300 antepasados esperaban unos prometidos refuerzos que finalmente nunca llegaron debido, ¡¡¡UNA VEZ MÁS!!!, al mal tiempo que dispersó la flota que transportaba a las tropas de apoyo que habían partido de Cádiz. Y ahí quedaron esos 300 hombres dando vueltas por tierras escocesas al mando del coronel Nicolás Bolaño. Año del Señor de 1719.

Aún sabedores de que los refuerzos nunca iban a llegar, los españoles lograron convencer a unos 500 escoceses, pertenecientes a diferentes clanes, para combatir a los perros ingleses del general Wigthman. Entre ellos se encontraba el famoso Rob Roy quien al mando de 40 hombretones con faldas (guau, ¡40!) se unió una mañana del 10 de Junio al grupo hispano-escocés para enfrentarse a los ingleses en la Batalla de Glenshiel.

El asunto empezó bien para nuestros compatriotas pero cuando Rob Roy fue herido, su clan se retiró de la pelea. Tras ello, casi todos los scottish siguieron el ejemplo del clan McGregor sabedores de que si los ingleses los capturaban les cortarían sus cabezas sin pensárselo dos veces. Los españoles resistieron durante varias horas el ataque de los más de 1.000 soldados ingleses pero finalmente se rindieron y 274 de ellos fueron llevados presos a Edimburgo desde donde serían liberados y devueltos a la patria.

La colina donde acontecieron estos hechos que acabo de resumiros se llama El Pico de los Españoles en honor a la heróica resistencia de aquellos 300 soldados que han pasado a la Historia por ser los últimos soldados extranjeros que pusieron sus pies en la invencible Gran Bretaña. Toma ya.

Singing in the Spain. Paco Ibáñez, Lucía y 40 años del Mediterráneo de Joan Manuel Serrat.

2011-11-30T07:30:00.006+01:00

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Now listen and repeat: Love, love me do. You know I love you. I´ll always be true. So please, love me do.

Casi era mejor canturrear estas canciones cuando no sabíamos lo que significaban que ahora que sabemos las mamarrachadas que dicen. Sin embargo, siempre supe que esto que vais a leer a continuación era, es y será, 4ver and ever, belleza en estado puro: Vuela esta canción para ti, Lucía, la más bella historia de amor que tuve y tendré. Es una carta de amor que se lleva el viento pintado en mi voz a ninguna parte a ningún buzón. Si alguna vez amé, si algún día después de amar, amé, fue por tu amor, Lucía.

"El viento pindado en mi voz...". ¿Soy el único que tiene ahora mismo la carne de gallina?

Y es que la lengua une mucho. Por eso es siempre el target number one de las políticas de limpieza étnica de los nacionalismos radicales. Bienaventurados los que poseais la riqueza cultural para poder emocionaros en cuantos más idiomas mejor. Yo, lamentablemente, sólamente me derrito cuando me cantan en español. No matter the singer is checo o bilbilitano.

Uno de los grandes poetas del siglo XX es, indiscutiblemente creo yo, Joan Manuel Serrat, el inmanipulable cantautor barcelonés que tuvo los cojonazos de dejar plantado al Festival de Eurovisión de 1968 para protestar, cuando tocaba protestar, por el maltrato del Estado franquista-español a la lengua catalana. Eso se llama tenerlos bien puestos. Serrat ha cantado en español y en catalán cuando le ha dado la gana, como tiene que ser.

En esta semana patriotera gusana vengo a hablar de Serrat para recordar que es uno de los autores que mejor han sabido cantarle a mi idioma. Además se cumplen 40 años de la publicación de Mediterráneo, obra maestra de la cultura hispano parlante del siglo XX.
Me llaman sagerao cuando digo que toda la discografía junta de los Beatles y los Rolling no puede competir con la letra de un bolero, pero es que I cant get no satisfaction though I try I try I try.

En 1995 se publicó un estupendo disco homenaje titulado Serrat... eres único, que incluía una hermosísima versión del Lucía de Serrat en la voz de Rosario. Yo creo que es un cover magistral que os voy a dedicar a vosotros, mis amados lectores, recurriendo a una estrofa de otro cover; la canción del valenciano Paco Ibáñez (del álbum Paco Ibáñez canta a Brassens, 1979. Otra obra maestra, por cierto) con la que abríamos el post, Canción para un maño.

Es para ti este cantar. Tú, maño, tú que sin hablar me diste leña el día aquél que el frío me hería la piel.
Tú que me diste leña en vez de rechazarme a puntapiés cuando la gente del lugar no me quiso junto a su hogar.
Un braserito que sólo fue para mi cuerpo una ilusión, pero alumbró mi corazón más que fallas en San José.

Pues eso son vuestros comentarios para mí: "braseritos". Una palabra que solamente me emociona si la digo o la oigo en español.

Y ahora, Lucía en la versión de Rosario.

Semana Patriotera Gusana. A mí dame churros para desayunar.

2011-11-28T07:30:00.000+01:00

Ahora que la derecha va a campar a sus anchas por sus nuevos dominios me entran ganas a mí de tocarles un poco donde más les duele: en los cataplines de uno de sus autoadjudicados monopolios. La Patria, la Bandera y demás eufemismos que empleamos para hablar de España, son conceptos que fueron fagocitados, hace ya muchos años ante la desidia de la izquierda, por la derecha más rancia, carca y reaccionaria. Y eso me jode, lo reconozco.

Durante mi adolescencia existía en mi ciudad una zona de Zaragoza que todos conocíamos por "zona pija" o simplemente "La Zona" (un nombre que acojonaba un poco) y que no eran más que cuatro calles del centro que habían sido tomadas por algunos energúmenos que se creían ultraderechistas y que lucían un montón de complementos rojigualdas. Decían que si cruzabas esas calles luciendo "malas pintas", te exponías a que las patrullas (pijas) de vigilancia te interceptaran y te soltaran unas cuantas hostias de intensidad variable dependiendo de lo "malas" que fueran esas "pintas". Las mías, por aquel entonces eran, más o menos, éstas:

O sea, lo que viene a ser un macarra elegante. Bien peinado, camisa y vaqueros siempre Levi´s, botas siempre Sendra y chupa de cuero. Yo me veo ahora (el b/n de la foto era por motivos artísticos, que no soy tan viejo) y me sigo encontrando guapísimo, pero los españoles puros 100% de aquellos años no opinaban lo mismo (¿demasiado tupé?).

El caso es que mis colegas y yo nos internábamos temerariamente por La Zona a veces buscando jaleo, a veces sin darnos cuenta, a veces buscando tías y el resultado fueron unas cuantas tanganas de consecuencias poco graves (afortunadamente) y un bajísimo porcentaje de folleteo con las niñas pijas de mi ciudad.

Uno de los ritos de la horda de elegantes y perfumados macarras a la que yo pertenecía consistía en conseguir, tras alguna de nuestras victorias, "trofeos". Algo similar a lo que hacían los sioux con las cabelleras de los desdichados colonos yankis. Arrancábamos de las muñecas, cuellos o travillas de los pantalones, los llaveritos, pulseras, collares, etc que lucían los tipos duros de La Zona con la banderita de España. Y era entonces cuando les espetábamos: "Yo también soy español, gilipollas". Y cosas por el estilo.

Pues eso vengo a decir ahora a los derechones más tontos: Yo también soy español, gilipollas. Y soy español porque hablo español, desayuno churros, como dos platos y postre a las dos de la tarde, ceno una cantidad insana de comida y no me voy a la cama antes de las 23.59 hrs. O sea, no soy español porque me la menee con la foto de Isabel la Católica. Soy español, ateo, estoy a favor del matrimonio entre homosexuales, del derecho de la mujer a abortar, del derecho a que los beatillos vayan a misa los domingos y del de que cada uno se sienta lo que le salga de los cojones.

Decía Juan Nadie que cuando escuchaba la música de "Barras y Estrellas" un escalofrío le recorría la nuca. A mí me gustaría que me ocurriera lo mismo cada vez que escucho el himno español pero nuestro himno es, musicalmente hablando, lo suficientemente horroroso como para que esto no pueda suceder per se, por lo que necesito una victoria deportiva o un deportista mirando al cielo que adorne un poco la Marcha Granadera.

Dicen que nuestro himno patrio debería tener una letra que nos permitiera cantarlo con orgullo y yo estoy de acuerdo, desde luego, pero ya se demostró que en este país lo de consensuar qué tendría que decir esa letra puede resultar imposible. Así que yo propongo una medida más drástica: cambiar nuestro actual himno por este otro que va a sonar a continuación. Un himno de mi juventud que también nos arrebataron los niños pijos a los que vi muchas veces cantarlo (brazo en alto) en discotecas de moda y que yo, hoy, vengo a reivindicar como mío. El himno español de un socialdemócrata ateo y calvo.

Esta semana: Semana Patriotera Gusana (a ver cuántos tontos me malinterpretan). Comencemos a lo grande:

Frases no de Cine. La Patria. Mi Patria.

2011-11-27T10:00:00.008+01:00

"La raza, eso que tú llamas así, es solamente esa gran pandilla de gente mísera como yo, legañosos, pulgosos, ateridos, que han acabado aquí perseguidos por el hambre, la peste, los tumores y el frío, llegados tras ser vencidos de los demás rincones del mundo. No podían ir más lejos por el mar. Pues eso es nuestra nación y esos son nuestros compatriotas."

Viaje al fin de la noche (1932), Céline.

100 Años de Goyescas y el día que los alemanes nos mataron a Enrique Granados.

2011-11-25T07:00:00.007+01:00

24 de marzo de 1916. Estamos en plena Primera Guerra Mundial. Un submarino de guerra alemán torpedea el SS Sussex, un barco a vapor de pasajeros que navega por el Canal de la Mancha. Las autoridades alemanas juran que tal atrocidad no ha sido sino un lamentable y trágico error militar. Dicen los boches que han confundido al Sussex con un barco minador. Ya se sabe: los desastres de la guerra... Ochenta civiles murieron. Entre ellos, nuestro compatriota y genial compositor catalán Enrique Granados (1867-1916).

El maestro Granados volvía de Nueva York tras el estreno en el Metropolitan Opera House de su exitosa ópera Goyescas. No pudo embarcar en el buque trasatlántico que le llevaba directo a España al ser invitado por el presidente de los USA para tocar en la Casa Blanca. Cumplido el compromiso cogió el primer barco que le llevaba a Europa. Su destino: Gran Bretaña y desde ahí, un corto trayecto desde Londres hacia la Barcelona de sus amores...

El vapor Sussex, tras el torpedazo alemán, se partió en dos. Una mitad se hundió inmediatamente permaneciendo la otra a flote. Un bote salvavidas rescató a Granados. Podemos intentar imaginarnos el alivio de una persona que, como él, sufría fobia al agua y no sabía nadar. Fue entonces cuando vio cómo su esposa Amparo caía al agua. Enrique Granados se zambulló en el mar para rescatarla y ni él ni su esposa regresaron jamás al mundo de los vivos. Murieron ahogados. Esto sucedió de verdad y no la tontada del Titanic de Cameron. That´s true love, my friends.
Existe otra versión de los hechos que asegura que Enrique Granados, presa del pánico, se arrojó al mar y que fue su mujer Amparo, experta nadadora y conocedora del miedo al agua de su marido, la que se lanzó a rescatarlo. Anyway, still true love.

La ópera Goyescas está basada en la obra homónima para piano que había publicado Granados en 1911. ¡Feliz 100 Aniversario!. Cuando comenzaban los preparativos para su estreno mundial en Nueva York, el empresario del Metropolitan comentó a Granados que, en su opinión, a la ópera le faltaba un intermedio instrumental. Granados compuso las que, a la postre, iban a ser sus últimas páginas musicales: el Intermedio de la ópera Goyescas que, para el que no lo sepa, es, ni más ni mejos, una jota de mi tierra, una jota aragonesa. "¿Acaso no era Goya aragonés?", contestó Pau Casals a Enrique Granados cuando el compositor le confesó las dudas que albergaba. No estaba seguro de haber acertado con la elección de una música tan popular, tan.., ¿vulgar?. Casals sí acertó con su predicción.

El Intermedio de Goyescas es bellísimo. Si no me creen, júzguenlo por ustedes mismos. Romanticismo español con aroma catalano-aragonés:

La Saga Crepúsculo. By Mr. Lombreeze.

2011-11-23T07:30:00.007+01:00

Algo huele a podrido entre los teens de nuestros días si tienen que recurrir a esto para onaneársela:

Pero bueno, que los de mi generación tampoco nos libramos de payasadas de similar calibre:
El caso es que la actualidad manda y hoy nos toca hablar de la Saga Gusana más Crepuscular de la Historia. Aquí van las IV Partes por orden cronológico.

Primera Parte. El Crepúsculo de los Dioses (1876), ópera (duración: 5 horas) de Richard Wagner (1813-1883).

Segunda Parte. El Crepúsculo de los Ídolos (1889), libro (duración: cortito de leer, algo más largo de asimilar y entender) de Friedrich Nietzsche (1844-1900). Algunas perlas:

"El gusano se enrosca cuando le pisan. Esto es una medida inteligente, pues de esa forma reduce las posibilidades de que le vuelvan a pisar. En el lenguaje moral, a eso se le llama humildad."

"Para que haya arte, cualquier hacer y mirar estético, es imprescindible un requisito fisiológico: la embriaguez. Hasta que la embriaguez no haya acrecentado la excitabilidad de todo el mecanismo no aparece el arte. Todas las clases de embriaguez, por diferentemente determinadas que estén, tienen este poder; lo tiene, sobre todo, la embriaguez de la excitación sexual, forma antigua y primaria de la embriaguez. Como también la embriaguez que deriva de todos los grandes apetitos, de todos los fuertes afectos; la embriaguez de la fiesta, de la rivalidad, de la hazaña, del triunfo, de todo movimiento extremo; la embriaguez de la crueldad; la embriaguez de la destrucción; la embriaguez derivada de determinados factores meteorológicos, por ejemplo, la embriaguez de la primavera o de la acción de los narcóticos.".

"Tanto el cristiano como el anarquista son décadents. Mas también el cristiano, cuando repudia, difama y vitupera al “mundo”, lo hace llevado por el afán que impulsa al trabajador socialista a repudiar, difamar y vituperar la sociedad; aun el “juicio final” es el dulce consuelo de la venganza, la revolución deseada por el trabajador socialista, proyectada en un futuro un tanto más lejano... El propio “más allá”, ¿no es en el fondo un medio de difamar este mundo?"

"Una sugestión para los conservadores. He aquí algo que antes no se supo y ahora se sabe: no es posible la regresión, el retorno, en ningún sentido ni grado. Los fisiólogos, por lo menos, lo sabemos. Mas todos los sacerdotes y moralistas han creído en esta posibilidad; pretendían retraer a la humanidad por la fuerza a una medida anterior de virtud (...) Hasta los políticos han seguido en esto las huellas de los predicadores de la virtud; hay aún partidos que sueñan con la regresión de todas las cosas. Quiérase o no, hay que avanzar."

Tercera Parte. El Crepúsculo de los Dioses (1950), película (duración: 110 minutos) de Billy Wilder (1906-2002). No se pierdan este sensacional vídeo resumen, -con spoilers incluídos-, de esta obra maestra del genial Mr. Wilder que un iluminadísimo y brillante usuario del youtube decidió adornar con la música Salomé del sublime compositor Richard Strauss. Es una obra maestra:

Cuarta y última Parte. Una de mis canciones favoritísimas; The Twilight Time (1944) compuestar originalmente por The Three Suns..,

,.. pero inmortalizada en 1958 por The Platters.

The End.

Momentos Mágicos del Cine. Línea no regular (Slobodan Sijan, 1980).

2011-11-21T18:00:00.001+01:00

Long-long-long, long time ago el cine de Emir Kusturica se puso de moda entre la cinefilia de nivel medio (aquellos que, a finales de los 80, creíamos estar situados entre la vanguardia experimental plomiza y el cine palomitero intrascendente) e incluso alguna de sus películas llegó a tener una repercusión notable entre el público en general y las taquillas de los cines en particular. Yo me subí al carro del cine del diretor serbio, lo reconozco. Y no me arrepiento, pese a que sigo considerando a Kusturica un mejor creador de escenas que de películas. Lo que sí consiguió meterme en vena, y ya para siempre, fue lo de la música de los gitanos centroeuropeos. Sigo enganchado al folclore balcánico, rumano, húngaro, turco, etc.

El caso es que algunos nos creíamos muy listos cuando tertuliábamos de cine (esto ha sido y será siempre así). Parloteábamos.., "Kusturica tal, Kusturica cual" y "Goran Bregovic tal, Goran Bregovic cual". Pero ya se sabe que en toda pelea hay siempre uno más bruto (o más listo) que acaba dándote sopas con ondas. Una de esas mentes preclaras nos dijo un día: "esto que hace ahora Kusturica ya lo hizo hace 10 años Slobodan Sijan en Línea no regular". Silencio dramático. No sabíamos quién narices era Slobodan Sijan. Y cuando lo supimos fue peor: el muy malandrín llevaba algo de razón y eso escocía. Afortunadamente el universo, en su infinita sabiduría, mantenía el equilibrio del cosmos castigando a la mente superior de ese listillo con una novia inferior (inferior a la mía).

Línea no regular es una buena película de 1980 dirigida por el realizador (entonces yugoslavo y, hasta hace una año que murió, serbio) Slobodan Sijan. La película ha envejecido con dignidad y narra las peripecias de un variopinto grupo de pasajeros de un autobús de línea que intenta llegar a Belgrado justo el día de antes de la invasión nazi de Yugoslavia (6 de Abril de 1941).

Entre los pasajeros viajan dos músicos gitanos quienes nos van presentando, con sus canciones, cada uno de los capítulos de la historia de esta Línea no regular. Una de esas escenas, en la que cantan A Belgrado, se convirtió para mí y para muchos otros (tal y como demuestra el youtube) en un momento inolvidable del cine que hoy quiero compartir con ustedes.

Disfruten de estos dos pintorescos juglares del siglo XX. Son entrañables. Y la canción.., buenísima (música de Voki Kostic): "Soy un miserable. Así es como nací. Canto para alejar mis penas...".
Mi mujer la conoce bien, se la suelo cantar, adaptando la letra para cada ocasión, cada vez que quiero quejarme de algo. Pobrecica mía, qué paciencia le ha dado Dios...

La Democracia es un acto de fe. Yo tengo fe, ergo voto.

2011-11-18T17:35:00.004+01:00

La Democracia actual es un acto de fe de los demócratas comparable a la devoción religiosa de los creyentes o a la fe que las mentes racionales tienen en la Ciencia.

La Democracia es un acto de fe porque la realidad es que (salvo contadísimas excepciones) no sabemos exactamente qué formación intelectual o académica poseen aquellos candidatos a los que votamos, no tenemos del todo claro para qué votamos a quien votamos, no conocemos en profundidad qué nos proponen esos a los que votamos, no sabemos si van a querer cumplir ese programa electoral que no conocemos en profundidad, pero, es más, tampoco sabemos si van a ser capaces (limitados por su propia incapacidad o por la que les venga impuesta por factores coyunturales o estructurales) de cumplirlo aún en el desable caso (tampoco nos pasemos de cenizos) de que realmente estén decididos a hacerlo. Así y todo les votamos. A la vista de lo expuesto, ustedes me dirán: ¿la Democracia es o no es un acto de fe?.

Sin embargo, ¿es tan malo todo lo que acabo de escribir?, ¿es tan infundada en este caso nuestra fe?, ¿debería el ciudadano tener la obligación de poseer los conocimientos y la formación necesaria para entender los programas de todos los partidos políticos que se presentan a las elecciones, -cada uno de ellos con sus respectivas políticas económicas, de comercio y relaciones internacionales, de estrategia de defensa, seguridad ciudadana, recaudación de impuestos, etc-, y poder así involucrarse en cuerpo y alma, día a día, en la política de sus instituciones?, ¿pero es que acaso es esto posible?, ¿es tan deseable y necesario como dicen algunos?, ¿no basta con tener unas pocas convicciones sobre lo que consideremos irrenunciable y dejar lo de cómo conseguirlo a los expertos?. ¿Necesitamos terminar la carrera de medicina para ir al médico a que nos curen?. ¿Necesitamos conocimientos profundos de física o de electrónica o de informática para encender la tele, el microondas o el pc?. ¿No resultaría abrumador?. ¿Es que acaso alguien cree, de verdad, que la solución de conflictos de una tribu de 50M de personas puede resolverse de manera asamblearia?.

La Democracia es un acto de fe, sí (algo menos en el caso de la política local) pero comparte con la fe en la Ciencia algo que las distingue de la fe irracional de las religiones. Es una fe que se sustenta en "milagros". Yo tengo fe en el médico porque me cura el menisco. Y tengo fe en la Democracia porque tengo un blog en el que escribo lo que me sale de las narices. Y tengo fe en algunos políticos o partidos políticos o tendencias políticas porque los he "visto en acción".

Esto no es apología de la aristocracia o un llamamiento a la desidia, al apoltronamiento acomodaticio de clase media o a confíar ciegamente en todo lo que hagan nuestros políticos porque," oye, que se regulen ellos solitos", como decían los neoliberales de los MERCADOS. No, no es esto. El que lo haya entendido así, en realidad, no me ha entendido. Pero no me quiero alargar más en este apecto que sé que es donde muchos ven un fallo estructural de nuestro sistema democrático que deslegitima todo lo que se construya a partir de ahí. Yo, sin embargo, creo que los que así opinan se equivocan ya que tienen innecesariamente alto el objetivo de cumplimiento eficaz de los deberes y derechos de la ciudadanía. Es que ellos también tienen fe, claro.

Como yo tengo fe en la Democracia, voto. Como, además, me considero más de izquierdas que otra cosa, voto todavía más convencido porque de todos es conocido a quién ha favorecido históricamente la abstención activa (la pasiva favorece a los bares de tapas). Supongo que soy un socialdemócrata. Un timorato para la izquierda más radical y un iluso para los neoliberales.
No comparto los argumentos abstencionistas aunque estén tan bien representandos y expuestos como, por ejemplo, por gente como Antonio García-Trevijano, uno de los más conocidos representantes del abstencionismo activo, pacífico y racional. Participar en el tinglado electoral no tiene por qué significar estar plenamente de acuerdo ni con el sistema de financiación de los partidos, ni con la ley electoral que apuesta por el bipartidismo, ni con tantas y tantas otras cosas que sabemos que no nos gustan.

Yo sigo creyendo que la cosa se puede cambiar desde dentro. Que los políticos que elijamos pueden hacerlo cada vez mejor. Creo que la clase política no está todavía en plena forma (ni de lejos) pero estoy convencido de que es debido, en parte, a que la cultura de nuestra sociedad tampoco está en plena forma. Hay mucha noria y poca la clave. Los políticos nos representan más de lo que nos gusta reconocer. Se nos llena la boca reprochándoles su falta de ética el mismo día que vamos a firmar la hipoteca y le adelantamos nosecuantos miles de euros en dinero negro a la promotora para ahorrarnos impuestos. Creo que hay mucha desconfianza fundada hacia la clase política, desde luego, sobre todo en lo que a su indignante blindaje legal anti-asunción de responsabilidades se refiere. Pero también hay mucho recelo hacia ellos que nace de la demagogia, lo que siempre ha demostrado ser un caldo de cultivo excelente para los totalitarismos.

Yo tengo fe. Yo voto. Yo creo que cada vez somos más inteligentes, más cultos, menos ruines, menos crueles, menos insolidarios y que, impepinablemente, nuestros políticos serán, cada vez, más inteligentes, más cultos, menos ruines, menos crueles y menos insolidarios.
Y también creo que la Historia nos demuestra que la mayor parte de los logros y conquistas de nuestro Estado de Bienestar nos han adelantado por la izquierda.

Y dicho esto.., hala, a votar en conciencia.

Odio en las Entrañas (1970, Martin Ritt). Dinamitando la lucha obrera.

2011-11-16T07:50:00.001+01:00

No soy un defensor a ultranza de la sacralidad de los títulos originales de las películas (porque Solo ante el Peligro mola más que High Noon), pero reconozco que en el caso de esta estupendísima película de Martin Ritt me quedo con su título original: The Molly Maguires.

6 de Septiembre de 1869, Luzerne County, noreste de Pennsylvania. 110 mineros mueren abrasados en un incendio en la mina Avondale. Los familiares de las vícitimas culpan al propietario de ser responsable de la magnitud del desastre: se había negado a invertir el dinero que se necesitaba para construír una salida de emergencia. "Compañeros, si tenéis que morir con las botas puestas, hacedlo por vuestras familias, vuestras casas, vuestro país, pero no consintáis nunca más morir como ratas por aquellos a los que les importais tanto como las herramientas con las que picais las paredes de la mina". Trabajadores del carbón de toda Pennsylvania se afilian al sindicato minero. Casi todos ellos son emigrantes irlandeses (más de 20.000 solamente en el norte de Pennsylvania). Las huelgas de protesta fracasan. Las posturas de algunos miembros del sindicato se radicalizan y nace una sociedad secreta llamada los Molly Maguires que se autoproclama defensora de los mineros oprimidos. Los Molly Maguires empiezan a sabotear algunas instalaciones mineras y a llevar a cabo acciones de represalia (palizas y asesinatos) contra algunos de los encargados de las minas. Comienza la guerra sucia en ambos sentidos. Franklin B. Gowen, propietario de algunas de las minas más importantes, contrata los servicios de la mítica agencia de detectives Pinkerton para acabar con los "terroristas". El plan de la agencia consiste en infiltrar entre los mineros a uno de sus hombres: James McParland, cuya misión será ganarse la confianza, identificar y delatar a los responsables de los Molly Maguires.

Hasta aquí los hechos históricos que inspiraron la novela en la que se basó el guionista Walter Bernstein (que tuvo el honor de aparecer en la lista negra de Hollywood y su caza de brujas) para crear el guión de Odio en las Entrañas, la película que, encarecidamente y pese a su horroroso título en español, recomendamos hoy.

El director Martin Ritt manejó brillantemente el enorme presupuesto de esta película que, lamentablemente, fue un fracaso de taquilla. Yo no puedo encontrar dos actores más idóneos para interpretar al minero Jack Kehoe (líder de los Molly Maguires) y al detective James McParland que los elegidos por Martin Ritt para esta adaptación: son Sean Connery y Richard Harris (I love this guy!) respectivamente. Sobresaliente para el cásting.

Sean Connery está más que correcto en su papel de inconformista, luchador, rebelde, expeditivo e íntegro minero irlandés, un papel que a su físico y a su mirada le va de perlas. Pero Richard Harris es el auténtico protagonista de la película y su actuación eclipsa a las del resto de sus compañeros de reparto. Su James McParland es el personaje más jugoso de la historia, es el que sufre la tortura del tormentoso debate moral que agita sus detectivescas tripas, el tipo que está atrapado en el clásico dilema que se plantea cuando se ha que elegir entre hacer cumplir la Justicia o hacer lo que realmente es Justo, especialmente si la Ley está comprada por el dinero de los poderosos. En fin, lo de la agonía del delator que ya nos han contado magistralmente señores como John Ford, Elia Kazan o Mike Newell. Esta obra de Martin Ritt puede codearse con esos tres magistrales ejemplos de todos conocidos.

El minero Jack Kehoe y el detecive James McParland fueron dos caras de una misma moneda. Emigrantes irlandeses en los USA que huyeron de la terrible hambruna que despobló su país y que intentaron salir adelante en un Nuevo Mundo, en el país de las oportunidades. Les prometieron que si se partían el lomo podrían progresar y vivir dignamente, pero se encontraron con otra realidad de la que ambos intentaron escapar, cada cual a su manera. Martin Ritt toma partido, tácitamente, por uno de los bandos. A ver si averiguan por cuál.

La fotografía de James Wong, como siempre, resulta acertadísima en su uso de un cromatismo tan mortecino y apagado como los pulmones de un minero. Un excelente diseño de producción con una recreación histórica que, por momentos, roza el realismo pictórico en lo que a vestuario y diseño de decorados y localizaciones se refiere, sumado a la pegadiza banda sonora de Henry Mancini completan la afortunada conjunción estelar que da como resultado una de las mejores películas que parió el Holllywood setentero reivindicativo y revisionista de la historia de los USA. Una historia llena de claroscuros, como todas las historias personales y estatales.

Admiramos y añoramos tanto al Hollywood de aquella década... Luego llegaron R2D2 y sus muñecos a fastidiarlo todo y a perpetrar eso que se llama cine de los 80, cine palomitero o como el recientemente fallecido Sidney Lumet, más o menos, lo definió: la muerte del cine comprometido producido por los grandes estudios.

No se pierdan Odio en las Entrañas. Es una obra que está muy injustamente relegada a un segundo plano de reconocimiento cinéfilo. Además de que aprenderán historia (y serán menos tontos) van a disfrutar de una película de una factura impecable en la que no se dice ni una sola palabra durante los primeros 15 minutos. Ah, y la primera palabra que se escucha es "Cerveza".

Odio en las entrañas. Una peli magnífica.

Joder, es que me encanta. Una muestra de la belleza de algunos de sus planos y escenas:

¡Puedo ver la habitación entera y ahí no hay nadie!. Populismo Gusano, las Matemáticas y Vilfredo Pareto.

2011-11-14T07:00:00.011+01:00

Coro: Esto no es una opinión. Son matemáticas...

MrLombreeze (el profeta): Vivimos en un mundo en el que existen señoras y/o señores que gastan 31M de euros en Obras de Arte como ésta: "¡Puedo ver la habitación entera y... ahí no hay nadie!" (1961) del pop-ero pintor neoyorkino Roy Lichtenstein, epítome personificado de la estulticia generalizada en las artes plásticas del siglo XX. Juzguen la obra por sí mismos:

Efectivamente, no hay nadie; tu puta madre ya salió a buscar más clientes (si no suelto algo así, reviento). En fin.., que yo prefiero esto otro:

En ese mismo mundo vivimos señoras y/o señores que ganamos 1400 euros mensuales. Antes nos decían que éramos los afortunados. Ahora nos dicen que somos los afortunadíiiiiiiiiisimos aunque tengamos que trabajar casi 2000 años para comprarnos un cuadro de Liechtenstein, porque, fíjate tú, a los otros, a los que ganan 900 euros al mes, les costaría casi 3.000 años comprar el cuadro de marras. Mil años más esperando.., y todo para acabar dándonse cuenta de que, efectivamente, tal y como nos aseguraba el protagonista del cuadro de Roy Lichtenstein, en la habitación no hay nadie.

A algunos de los que me escuchan o me leen, estas comparaciones les resultan odiosas. A los que, como yo, venimos exponiéndolas con desvergüenza desde hace más de 20 años nos resultan necesarísimas (¿existe esta palabra?) y por ello estamos todo el día dando la tabarra con estas cuentas de la vieja. Nos echamos a la espalda el sambenito de "populistas" y seguimos con nuestra labor evangélica que es una mezcla de denuncia, indignación, café, copa y puro.

Coro: Esto no es una opinión. Son matemáticas...

Mr L: Por eso me gusta mandar a la mierda a los Consejeros de Tal y a los Consejeros de Cual que nos lanzan ahora sus discursos alarmistas para asustar a nuestros abuelos. Les abroncan diciéndoles que gastan mucho en recetas de la Seguridad Social y que son unos sinvergüenzas porque no quieren medicamentos genéricos o que van mucho al médico de cabecera o que no se terminan las pastillitas de la caja o que se saltan la consulta del especialista (ésa que te dan 4 meses después de que la pidas) porque les coincide con las vacaciones de Semana Santa. Y añaden que si 1 millón de abuelos no hicieran esas barrabasadas, la Sanidad se ahorraría 10M de euros, que es un dinero que vendría muy bien para pagar el primer plazo de "¡Puedo ver la habitación entera y... ahí no hay nadie!", porque Christie´s permite financiar la compra en 3 meses sin intereses. Una ganga.

Pues yo en verdad os digo que mientras existan señoras y/o señores que compren cuadros, coches, relojes, futbolistas, mansiones y hamburguesas de 30M, no me voy a apretar el cinturón ni medio agujero ni voy a evitarle gastos "superfluos" a nada o a nadie. Y si el Estado de Bienestar se va a tomar por el culo algún día, cogeré el trabuco, me echaré al monte, llegaré hasta la finca del Consejero, le descerrajaré la puta cabeza de un trabucazo y miraré por el agujero. A ver si hay alguien.

Coro: Esto no es una opinión. Son matemáticas...

Mr L: Vilfredo Pareto fue un economista italiano que pasó a la Historia por su archiconocidísimo Principio de Pareto (la regla del 80-20 o Clasificación ABC), que decía más o menos eso de que el 20% de la gente tenía el 80% de las cosas. Los economistas de hoy día siguen recitando los versos de Pareto en sus másters de 10.000 euros por barba (los inventores de esos nuevos ardides elitistas que filtran a los universitarios para separar a los ricos de los pobres). Los tipos de los másters nos cuentan que atacando el 20% de las más grandes causas resolveremos el 80% de los grandes problemas.
Pues hala, Pareto para todos y a por el 20%. Avísenme cuando lleguen a los míos, a los Cs.

Y ahora, la rajada del comentarista norteamericano Dylan Ratigan. De verdad que les aconsejo que no se pierdan el vído porque es de aúpa.

Coro: Esto no es una opinión. Son matemáticas...

Modernos de verdad. Erik Satie.

2011-11-13T09:00:00.002+01:00

"Cuando era joven me dijeron "Ya lo verá usted cuando tenga cincuenta años". Ahora tengo cincuenta y aún no he visto nada".

Broche de oro para la semana gusana dedicada a los modernos y sus moderneces; traemos hoy un ejemplo de la música de uno de los grandes excéntricos de la Historia del Arte: Erik Satie (1866-1925), el abuelo de los minimalistas que, todavía hoy, repiten la fórmula inventada por el maestro Satie, pero sin gracia (Glass, Nyman & Coñazos por el estilo).

Cuando todos los jóvenes músicos europeos admiraban las apabullantes y cromáticas catedrales musicales que estaba construyendo la gigantesca figura musical de Richard Wagner, llegó Satie desde un apartamentucho de un suburbio de París a rescatar a toda una generación de compositores de la tiranía germana y fue así como pasamos del Romanticismo alemán al Impresionismo francés lo mismo que se viaja desde la Puerta de Brandenburgo al barrio de Montmartre. ¿Cómo lo hizo?, pues reivindicando la simplicidad, creando nuevas armonías y despojando a su música de la solemnidad teutona a la par que le añadía un igrendiente secreto: el humor.

Satie es universalmente conocido por dos obras de juventud inspiradas por la música de la Edad Media y por la Historia y los mitos de la Grecia Clásica: sus Tres Gymnopédies y sus Seis Gnossiennes, un conjunto de inclasificables danzas compuestas para piano que se han adjudicado, por mérito propio, el título de "música más melancólica jamás compuesta". Todas son recomendabilísimas, aunque algunas sean más célebres que otras.

Yo he elegido para hoy la Gnossienne n. 1 publicada en 1913. Algunos dicen que el término "Gnóssienne", inventado por Satie, procede de "Gnosis" o "Conocimiento" que, en su sentido místico es un concepto que nunca he llegado a entender ni por el que albergo interés alguno. Otros apuntan que hace referencia a las danzas de la mítica ciudad de Cnosos, en Creta (la del laberinto y el minotauro) cuyos restos arqueológicos fueron descubiertos en 1900. Y a otros les da completamente igual de dónde venga el palabro.

Tuve una amiga poetisa que, a petición mía, le puso letra a esta música. Era muy bonita (la poesía y la poetisa), pero han pasado 20 años y no recuerdo nada más que la primera frase que decía "Ya estoy dentro del dragón...". Qué enigmático. Le iba muy bien a la música de Satie. Como pueden ustedes imaginarse mi petición no era mas que un ardid para intentar llegar a su sensible corazoncito y ligármela. No funcionó y llegó una peluquera pelirroja que no sabía quién era Satie ni de dónde venía "Gnossienne". That´s Life.

Con todos ustedes, Gnóssienne n. 1 de Erik Satie, siempre moderna y siempre fascinante. La han escuchado decenas de veces en decenas de películas. Pueden bailarla si quieren, pues para eso la compuso el que fue, posiblemente, el más moderno (pero de verdad, sin imposturas ni poses) de los compositores franceses de entre siglos. Música siempre inmortal que nunca aspiró a serlo.

Modernos coñazos: Meek´s Cutoff (Kelly Reichhardt,2011).

2011-11-11T07:40:00.002+01:00

Ah, el cine de género... Irresistible incluso para el/la más "moderno" de l@s directores...

Oregón, 1845. Meek´s Cutoff (El Atajo de Meek) nos cuenta las desventuras de un grupo de 6 colonos (3 matrimonios) perdidos en mitad del desierto de Oregón. El guía que han contratado, un fanfarrón explorador llamado Stephen Meek (personaje histórico), parece no tener la menor idea de hacia dónde ir por mucho que se esfuerce en convencer a los colonos de que pronto llegarán a su destino. La desesperación por conseguir agua lleva a los colonos a adoptar una cuestionable decisión: dejar de confíar en Meek para seguir a un indio alopécico(el único indio alopécico de la historia del cine: esto sí que es moderno) y solitario con el que se encuentran casualmente y con el que son incapaces de hacerse entender. La fe mueve montañas...

Meek´s Cutoff es el reverso tenebroso de La Conquista del Oeste. Su directora, Kelly Reichhardt, que venía de dirigir una película muy bonita (Wendy y Lucy), despoja de todo atisbo épico a la odisea oregoniana de estos desdichados y se esfuerza por situar el horizonte, en casi todos sus planos, lo más alto posible para recordarnos la insignificancia de estos seis nómadas perdidos en la inmensidad de la nada. Y todo ello con un estilo tan seco como las yermas tierras del desierto oregonés.

La película comienza y los pioneros caminan, y caminan, y caminan, y caminan, y caminan. Se van quedando sin agua y cada vez tienen más sed. Y caminan, y caminan, y caminan, y caminan. Conversan entre ellos, susurrando, y hablan un poco sobre Meek y sobre sus intenciones, ¿deben confíar en él?. Nadie tiene respuestas.Tienen más sed. Y caminan, y caminan, y caminan, y caminan. Tienen mucha más sed. Tienen algún percance. Conversan un poco más utilizando medias frases sin mucho sentido. Y caminan, y caminan, y caminan... Todo muy minimalista, muy lánguido, muy silencioso, muy contemplativo, muy estático, muy seco y todo ¿para qué?. No tengo ni puta idea. Hay un poco de feminismo bien entendido que nos despierta de vez en cuando del sopor que produce el tono general de esta película. Pero muy poco.

Meek´s Cutoff: un canto a la nadería, un cortometraje estirado hasta los 104 minutos. Los críticos la van a encontrar deliciosa. Seguro. Veredicto: Modernez insulsa. Seguramente la Conquista del Oeste no fue tan apasionante, heróica y triunfalista como nos contaron las pelis de los cincuenta, pero me niego a creer que fuera tan aburrida como Meek´s Cutoff.

El cinéfilo moderno bien temperado. Killer of Sheep (Charles Burnett, 1977). El risorgimento del neorrealismo en Los Angeles.

2011-11-09T08:35:00.002+01:00

"Todo este trabajo para nada".

Hale, comencemos el nuevo curso cinéfilo con buen pie.

10.000 dólares de presupuesto, actores no profesionales, rodaje en localizaciones de la barriada afroamericana de Watts con una cámara de mano y estilo documental, etc, etc... ¿Les suena?. Pero Killer of Sheep transcurre en Los Angeles de 1977, no en la Italia post WWII.

Hector Berlioz subtituló su magistral Sinfonía Fantástica como "Episodios de la Vida de un Artista" y claro, con ese material, con esas vivencias artísticas tan apasionadas y apasionantes del protopio de artista romántico, el resultado fue un trabajo, pues eso, fantástico. Pero el director Charles Burnett de tener que haber elegido un subtítulo para su también magistral Killer of Sheep tendría que haber parafraseado al músico francés y subtitular su película "Episodios de la Vida de un Killer of Sheep", es decir, de un matarife de ovejas. Una vida monótona, una vida en blanco y negro, como su fotografía.

¿Qué nos cuenta Killer of Sheep?. Mmmm, ¿nada?. Ésa podría ser una de las posibles respuestas, pues Killer of Sheep carece de la estructura de una trama de narrativa convencional. No hay introducción en la que se presenten a los personajes, no hay nudo que vaya tensando la trama y no hay desenlace que la alivie. Killer of Sheep es a la narrativa lo que un álbum de fotos es la Vida del dueño del álbum.

Stan trabaja en un matadero de ovejas de Los Angeles. Tiene mujer y dos hijos. No se considera pobre, aunque lo sea. Mantiene una lucha diaria con the bitter earth para conseguir dinero con el que mantener a su familia y, con un poco de suerte, salir de su rutina, algo que parece convertirse en su obsesión y que le impide dormir por las noches o hacer el amor con su mujer. Stan vive en un suburbio marginal de población afroamericana de Los Angeles, un lugar en el que no es fácil mantener la dignidad propia. Stan se rebela con apatía, pero parece que el Destino no le depara lo mejor. Ni lo peor. No le depara nada.
Hay dos escenas que son una mezcla de costumbrismo y fatalismo de tragedia griega. En una de ellas Stan intenta conseguir un nuevo motor para su furgoneta. En la otra, intenta irse al campo en coche un sábado. El resto son retazos inconexos de vidas de habitantes de Watts. Unos habitantes que son como los guardianes de la cárcel de la vida de Stan. Pero aquí no hay melodrama, ni drama. Hay vida, que es una de las cosas más aburridas y frustranes que pueden sucederle a un ser humano.

La banda sonora de Killer of Sheep incluye música de Paul Robeson, Gershwin, Dinah Washington y Rachmaninoff, entre otros. Es maravillosa, pero también es la culpable de que la película permaneciera 30 años en un cajón tras recibir el premio de la Crítica del Festival de Berlín. Su distribución comercial (que tampoco hubiera sido masiva, no nos engañemos) fue imposible debido a la complejidad que suponía para una producción modesta la gestión de los derechos de autor de las canciones que suenan en la película. Killer of Sheep fue reeditada en dvd en 2007 y la crítica especializada la calificó unánimemente de obra maestra. Está incluída en el Registro Nacional de Cine de la Biblioteca del Congreso de los EEUU y es una de las 100 películas fundamentales de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine americana. Pero es que además es una película hermosa y conmovedora aunque yo no sepa muy bien explicarles el por qué.

80 minutos imprescindibles. No se la pierdan. Es otro ejemplo de cinéfilo bien temperado.

"Este amargo mundo, ¿qué fruto da?". This Bitter Earth, Dinah Washington.

Quiero dedicar esta entrada a mi amigo redrum, porque confieso que la escribí con la esperanza de que la leyera y me hiciera caso. Sí hombre, redrum, el redactor jefe de Cineuá, ya saben: tu revista de cine.

Los Modernos. Esta semana se la dedicamos a ellos.

2011-11-07T07:00:00.003+01:00

«Siempre las mismas intrigas, siempre los mismos personajes, siempre las mismas frases. Ésta es la razón por la cual yo me he disparado un tiro». Dorothy Parker, 17 de diciembre de 1927. Tenía en su haber 34 primaveras.

Estimados lectores y/o amigos modernos, como habéis podido comprobar, hace 85 años vuestros correligionarios ya se aburrían de todo.

En fin. Ser clásico o moderno, he ahí la cuestión.

Los modernos tienen más fácil eso de angustiarse vitalmente, reconozcámosles ese hándicap autoañadido a su existencia. Ese afán suyo por la transgresión, la novedad y la originalidad a toda costa sumado a su apatía y desinterés por las historias de siempre, pueden derivar en soluciones tan drásticas como las de Ms. Parker. Así que cuidado, platónicos míos.

Los clásicos tienen ataques leves de angustia cuando les invade la nostalgia de épocas más doradas y más glamurosas, pero se chutan cine hollywoodienese en blanco y negro y pueden sobrevivir una temporada más hasta que salga lo nuevo de Allen o Eastwood. Los clásicos tienen asegurada su ración de belleza en el recuerdo.

Y finalmente estamos los aristotélicos que nos hemos instalado comodamente en la posmodernidad. Lo tenemos más fácil y le tenemos menos miedo al cine. ¿Y qué es la felicidad sino la ausencia de miedo?. ¿Y qué es la Vida sino la búsqueda de la felicidad?. Moraleja: Posmodernízate.

Tranquilos, que la Parker fracasó en sus dos intentos de suicidio y murió a los 74 años de edad. Su vida acabó con un happy end, como la del longevo Goethe. Qué poca coherencia... Nadie es tan moderno como se cree. Ni siquiera los franceses de la nouvelle vague. On the Bowery (1956), Lionel Rigosin, (before the nouvelle vague happened):

Esta semana hablaremos de dos películas "modernas": una buena y otra mala. Please Stand by.

SANTIAGO AUSERÓN. Premio Nacional de Músicas Actuales 2011.

2011-11-05T09:00:00.011+01:00

El camino que nos llevó de canciones como esta Noche de Fuego de 1985...

... a esta otra Noche de Fuego de 1997...

... está jalonado de los mejores poemas cantados que han visto la luz en nuestra patria, en nuestro idioma: los nacidos de la prodigiosa inventiva de D. Santiago Auserón, aka Juan Perro, aka el líder de los Radio Futura, el mejor grupo de pop-rock español ever.

Santiago Auserón, zaragozano de nacimiento casi por accidente pero, a fin de cuentas, zaragozano, ha sido y es la más lúcida mente del panorama musical español desde hace más de 25 años. A Santiago Auserón le acaban de conceder el Premio Nacional de las Músicas actuales por escribir y cantar versos como los que acabamos de escuchar:

Cuando la luz se apaga
caen mis brazos
como un papel
de seda en aguas del océano más negro.
El viento las cenizas me trae
del mundo que ayer
hice arder
Vienen a recordarme el precio...

Santiago Auserón es uno de los seres humanos vivos a los que más he admirado y admiro. Una de las mentes creativas que me han proporcionado más horas y horas de placer musical que yo he intentado corresponder comprando todos y cada uno de los trabajos que ha publicado. Qué menos. (Pueden comprar su último trabajo, Río Negro, aquí).

Aprovechando el premio que, merecidísimamente, acaban de concederle a sus 57 añazos, quiero añadir a mi histórico desembolso monetario unas pocas palabras más: Gracias maestro por tantos y tantos versos que tantas y tantas veces he cantado estando sobrio y ebrio (que para todas las ocasiones tiene Mr. Juan Perro estrofas).

Mi mano inocente ha elegido, de entre otros 25 papelitos que incluían mis 25 mejores canciones de Radio Futura/Juan Perro, un temazo con el que vamos a cerrar este mini homenaje a Santiago Auserón.

50 Años de... El Último Atardecer (Robert Aldrich, 1961).

2011-11-02T18:00:00.000+01:00

No se engañen, El Último Atardecer no es un western de verdad. Es un culebrón.

Pero, en cualquier caso, un magistral culebrón fronterizo dirigido en 1961 por el gran Robert Aldrich con guión de Dalton Trumbo. Tiene un final que.., ¡tienen que verla!.

Salen Kirk Douglas, Rock Hudson, Joseph Cotten (quien, por cierto, realiza una interpretación conmovedora) y también salen los ojazos de Dorothy Malone.

"Pretty Little Girl in a Yellow Dress"...

Se cumplen ahora 50 años de su estreno, inmejorable excusa para revisionar este clasicazo que incluye esta escena en la que Kirk Douglas vuelve a revalidar su vitalicia pertenencia al club de los Top 5 mejores actores de la Historia del Cine.

Con todos ustedes, cantando en español, Kirk Douglas: el actor que nunca se ponía un sombrero que eclipsare su orgulloso pelazo.

Un corto de Terror: Fleurs Du Mal (2011, Justin Anderson).

2011-10-31T21:00:00.002+01:00

Fleurs Du Mal, terrorífico cortometraje que recomiendo para esta noche de Halloween.

No se lo pierdan. Roza el magisterio corto - cinematográfico.

Dejar atrás el pasado. El sobreviviente.

2011-10-28T07:00:00.000+02:00

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El sobreviviente, un poema de Javier Sicilia (Ciudad de México, 1956), escritor mexicano al que los asesinos del crimen organizado le mataron un hijo. Un poema que hoy quiero dedicar a todos los sobrevientes, familiares y amigos, de todos las víctimas de nuestro crimen organizado patrio, las víctimas de los asesinos etarras.

Estimados sobrevivientes, va por ustedes. Vais a tener que tragaros unos cuantos sapos de amargo sabor y pestilente hedor. Que vuestro sacrificio no sea en vano. Recibid, al menos, el agradecimiento del resto de sobrevivientes. Recibid, al menos, mi agradecimiento en forma de poema mexicano robado al ciberespacio.

Toda ausencia es atroz
y, sin embargo, habita como un hueco que viene de los muertos,
de las blancas raíces del pasado.
¿Hacia dónde volverse?;
¿hacia Dios, el ausente del mundo de los hombres?;
¿hacia ellos, que lo han interpretado hasta vaciarlo?
¿Hacia dónde volverse que no revele el hueco,
el vacío insondable de la ausencia?

Hacia ellos, los muertos, que guardan la memoria
y saben que no estamos contentos en un mundo interpretado.
Mas las sombras, las sombras que la interpretación provoca
y nos separa de ellos,
las sombras con su viento todo lleno de la abierta ventana hacia el espacio,
las sombras donde no hay anunciación
trabajan nuestro hueco.
¿Será que ya no hay nada atrás de ellas,
o el oscuro dolor por nuestros muertos
–como el amanecer que empieza a medianoche,
a la hora más oscura de la noche–
anuncia su retorno en el sigilo?

¿No es tiempo de encontrarlos nuevamente
donde nada parece retenerlos,
así el roshi descubre el todo en el vacío que no contiene nada?
Tal vez sí, porque sus voces vienen de lo oscuro,
de su vacío vienen
como un rumor de río en un riachuelo,
como un dulce reclamo imperceptible,
como una tenue estrella entre las sombras
vienen sus voces, vienen desde lejos.
Óyelas, corazón, como sólo los monjes sabían escucharlas
atendiendo en el rezo su incesante llamado
con los pies en la tierra.

Así los escuchaban,
escuchando el arriba y el abajo,
preservando en sus tumbas el suelo que habitaron con nosotros.
No es así que tú puedes escucharlos en el espacio en sombras de un mundo interpretado.
Pero escucha la queja de lo Abierto,
el mensaje incesante, esa advertencia que viene desde lejos,
ese rumor tan suave que casi nadie escucha
y llega a ti de todas las iglesias,
como si en esas piedras, que guardan la memoria de los muertos,
habitara la llama de su estar con nosotros,
de su sola presencia en la resurrección
y descorriera un poco nuestras sombras.

Porque es difícil vivir en un mundo sin ellos,
difícil no sentir a nuestros muertos alimentando las obras de los hombres;
difícil no seguir sus costumbres, que apenas conocimos;
difícil habitar en las sombras
como un alucinado que repentinamente recobra la memoria
para luego volver a su intemperie;
difícil ver aquello que los hacía nuestros flotar en el espacio y diluirse.

Estar vivo es penoso,
y nosotros, nosotros, que los necesitamos con sus graves secretos,
nosotros, que sabemos que no podrán volver a un mundo interpretado,
a veces escuchamos, como un ligero viento, ascender de las sombras
la música primera
que forzando la nada trajo a Eurídice al mundo;
una nota tan tenue, tan pura como el Cirio
que promete su vuelta en medio de las sobras
y nos trae el consuelo.

Secuestro Express (2005, Jonathan Jakubowicz). Las víctimas y los victimistas.

2011-10-26T07:00:00.008+02:00

Una película que me da mucho miedo, aunque no pertenezca al género de terror, es Secuestro Express, una interesante producción venezolana de 2005 que nos abre los ojos al maravilloso mundo de los secuestros express (el fast food de la gastronomía delictiva) modalidad traumática de conseguir dinero fácil cuya invención se la debemos a la depravada mente colectiva del hampa de los suburbios de las grandes metrópolis de México y otras babilónicas y rurales poblaciones de Sudamérica. Una zona en la que se secuestra a la gente a la velocidad de 1 persona / hora. Lamentablemente el 70% de las ocasiones el asunto acaba mal.

Secuestro Express está escrita y dirgida con mucho talento, en formato de vídeo digital HD, por el realizador venezolano Jonathan Jakubowicz y nos cuenta las desventuras, de una noche, de una joven pareja de novios, pertenecientes a la clase alta de Caracas, que son secuestrados por.., ¿tres indeseables criminales o tres víctimas de la pobreza y la desigualdad de la sociedad en la que les ha tocado vivir? que responden a los nombres de Trece, Budu y Niga.

La tragedia de la pobre Carla (la chica secuestrada) es que la Caballería resultará ser tan salvaje como los Indios. Carla intentará manipular emocionalmente a sus secuestradores para conseguir su libertad. Pero en ese juego habrá momentos en los que empatizará peligrosamente con ellos...

La película fue un bombazo en su país convirtiéndose en la más taquillera de la historia de su cine y, como cabía esperar, fue muy mal digerida por las autoridades venezolanas que la calificaron de “película miserable, sin valor artístico” (otro argumento más a su favor para verla) porque supongo que la miseria, el hambre, la injusticia y la desesperación de sus ciudadanos les provocan ardores estomacales. No sé cuan fiel es a la realidad social de Venezuela, no soy un experto en el tema, pero seguro que invitó a la reflexión a muchos venezolanos.

Para los que tenemos la fortuna de no ser vícitimas de los efectos colaterales del terrorismo basado en la lucha de clases y defensa de los oprimidos (en cuyo elitista club acaba de ingresar España), la película se puede ver con un entretenido thriller de acción, con toques pulp, con un montaje trepidante y unas actuaciones muy convincents.

Totalmente recomendable. No se la pierdan.

Cagadas astronómicas.

2011-10-24T18:07:00.000+02:00

Hola amiguitos, aquí estamos de nuevo. Intentaremos que mis pausas (¡que soy Monseñor Gusano!) no sean tan prolongadas. Hoy vamos con errores de bulto. Con unos errores gordos, muy gordos.

Nos dijeron que habían descubierto unas partículas que viajaban más rápido que la luz. Sí, sí, los neutrinos, esos viajeros que van de Francia a Italia más que volados. Casi todos se emocionaron, otros sospecharon, todos se pusieron a replantearse la física de igual manera que suceció cuando lo de las leyes de Newton quedaron circunscritas a un "pequeño" ámbito (nuestro planeta). Einstein se la había jugado en aquel entonces con sus teorías y ahora parecía venirse todo abajo.

Pues nada, el Universo se expande y la Física aún se iba a expandir más. A estudiar a tope y a reinventarla. Pero no amiguitos, parece ser que la cagada vino al no tener en cuenta las mediciones erróneas de los relojes GPS. Bueno, es que es difícil captar la diferencia de una velocidad de 300.000 km/sg ó 300.006 km/sg. Yo no lo veo ni para poner una multa. Eso no es sobrepasar el límite.

Otra cagada, la destrucción de la tierra por parte de un minúsculo meteorito, el Elenin. Pues bien, se ha derretido en cuanto se ha acercado un poco al solete. Ni siquiera lo hemos visto… ¿Pero quién narices se inventa semejantes películas?. Otros pirados fueron más lejos y dijeron que si era una nave espacial, que si traía virus.., en fin, una serie de despropósitos. Jajajaja, y el cine produciendo sin parar mierdas y mierdas sobre estos temas. ¡Hollywood fichad a estos alarmistas rápido!.

Y ahora viene la cagada más gorda, la que no tiene perdón de dios… ¿Habéis visto los anuncios de Punset con el pan de molde?. Jajajaja, es que, vamos.., me chirría de una manera este hombrecito con su acentazo hablando de la dureza...

Una de las chiquillas bien que le pregunta si se pone duro.., ¿el pan?. En fin. Eduard, me has hundido. Y has tirado a tomar pol culo tu imagen de seriedad. Pero oye, cada vez que te veo hacer una actuación tan excepcionalmente lograda, me descojono.

Aaaaaaaaaay.

Hijosdeputapeligrosos. La ETA y MI breve historia de la gloriosa lucha de los luchadores vascos por la Libertad.

2011-10-22T09:00:00.002+02:00

Fundación: ETA se llama "ETA" porque "ATA" (Aberri Ta Askatasuna, que era la primera opción) significa "pato". Buen comienzo.

Primeros pasos: Lo primero que mató ETA en 1960 fue una niña de 22 meses que se llamaba Begoña, la hija de Jesusa que saltó por los aires a causa de una bomba que los terroristas pusieron en una estación de tren se San Sebastián. Y lo último a lo que le quitó la vida en 2010 fue a un policía francés y negro de 53 años que se llamaba Jean-Serge, que tenía 4 hijos y que murió víctima de una bala perdida disparada durante un tiroteo improvisado. Así que su primera y última victimas fueron "accidentales", fueron dos pato-txadas de una ETA que, en el fondo, siempre quiso llamarse ATA.

Jugando a revolucionarios: Luego mataron a un policía franquista que se llamaba Melitón y también volaron a Carrero Blanco, y la ETA se disfrazó de Resistance heroica antifascista y jugó a los libertadores en el competitivo mundo setentero-ochentero de los grupos paramilitares de la extrema izquierda europea que no se habían enterado que a los fascismos los habían derrotado los Aliados hacía ya 30 años. Hablaban por aquel entonces de "lucha de clases".

Negociaciones: En 1982 el Gobierno de UCD ofreció la amnistía a todos los presos etarras. A todos, a los que tenían delitos de sangre también. Pero ETA era ya una mafia tan arraigada en esos valles vascuences que la mitad de los etarras dijeron que no dejaban las armas y pocos años después la ETA puso una bomba en el Hipercor de Barcelona matando a 20 personas que fallecieron no por culpa de la bomba sino por la ineptitud de la policía, que es que no se entera de nada.

ETA y mi pueblo: Cuando yo tenía 15 años, la ETA puso una bomba en Zaragoza y mató a 5 niñas y a 6 adultos, y los zaragozanos les hicimos un monumento a las niñas en el Parque de la Esperanza para que no se nos olvide nunca que tenemos que derramar unas lágrimas cada vez que pasamos por la Avenida de Cataluña. Josu Ternera puso esa bomba y luego se hizo parlamentario. Hace 3 años decían que Josu se estaba muriendo de un cáncer terminal pero el muy hijoputa sigue vivo (espero que con dolores). También siguen vivos casi todos los franceses que nos volcaban los camiones y les servían cafés olés a los etarras en su santuario gabacho.

Politiqueo: Los políiticos pactaban, despactaban, planificaban y desplanificaban. Diseñaban estrategias, hojas de ruta y cosas así. Y, mientras tanto, la policía y la guardia civil seguían dándose hostias con los etarras.

Cerrando el negocio: En al año 2000, ETA mató a Ernest Lluch, que era un señor que hablaba en la SER pidiendo al Gobierno español que se sentara a negociar con ETA para terminar con la violencia. Ernest Lluch estuvo muerto, con dos agujeros en la cabeza, durante una hora y media tirado en el suelo de su garaje. ¿Por qué mataron a Ernest Lluch?, porque Ernest Lluch fue el que escribió en el diario El Correo que a esa niña de 22 meses, que se llamaba Begoña, la había matado, en realidad, la ETA de hacía 40 años aunque los etarras siguieran negándolo de la vergüenza que les daba el haber comenzado su heróica historia matando bebés de 22 meses. Y así cerraron los etarras su círculo vicioso y patoso de 40 años de asesinatos al que le pusieron un absurdo...

... Epílogo de 35 muertos más en los diez años posteriores volviendo a visitar mi pueblo para matar a un señor del PP que iba con su hijo a ver al Real Zaragoza aquel año que ganamos nuestra quinta Copa del Rey. Lo mataron en la calle Princesa que es donde les compro a mis padres un pan muy rico que hornean en la mejor panadería de Zaragoza. Hoy les llevaré ese pan tan rico que siempre me produce escalofríos.

Moraleja del "cuento": ETA mató a mecánicos, obreros, taxistas, camareros, periodistas, jubilados, niños, jueces, policías, militares, políticos del PP, políticos del PSOE, e incluso a dos ecuatorianos y a un brigadier francés de color negro como queriendo demostrar que ellos no eran racistas y que mataban a españoles blancos e inmigrantes de color por igual.

Pero ETA nunca mató a nadie del PNV ni a ningún cura.

Yo guardo demasiado rencor hacia el mundo abertzale, nacionalista, independentista o como quieran autoproclamarse, así que no esperéis verme paseando por San Sebastián, Bilbao o Pamplona. Ya visité sus partes viejas en los 90 y se me indigestaron los pocos pintxos que pude tragarme. No invito al revanchismo y que comulgue con ruedas de molino el que quiera (faltaría más), pero es que esta breve historia mía de la gloriosa lucha de los Luchadores Vascos por la Libertad & Co. me revuelve las tripas, me produce hemorroides crónicas y tengo que tomar baños de asiento en valles con aires más frescos.

Ah, por cierto, Willy Toledo ¡¡¡VETE A LA PUTA MIERDA!!!.

Payaso.

1816, el Año sin Verano en el que nació Frankenstein de entre las cenizas de un volcán indonesio (ah, y un poquito de Frank Sinatra).

2011-10-21T07:00:00.006+02:00

La actualidad manda, así que parece oportuno hablar un poquito acerca de volcanes, ¿cierto?. Pues vamos a por el más tremendo de la Historia contemporánea.

Los árboles estaban sin hojas, las montañas marrones
La faz del país estaba herida por un ceño fruncido
Desoladas estaban las colinas, y el follaje marchito
Como jamás se había visto en ese tiempo del año.

El 5 de abril de 1815 tuvo lugar la explosión del volcán Tambora (Indonesia). La erupción fue de tal magnitud que se calcula que Tambora soltó a la atmósfera un millón y medio de toneladas de cenizas y polvo volcánico. El cielo se oscureció durante dos días en gran parte del planeta. Los efectos inmediatos de la furia de Tambora fueron devastadores: más de 10.000 muertos. Tremendo. Pero los efectos "secundarios" fueron igualmente trágicos y escalofriantes. La gran cantidad de ceniza arrojada a la atmósfera, unida a la fatal casualidad de la baja actividad mágnetica solar durante ese período (conocido como "Mínimo Dalton"), provocó un descenso global de las temperaturas en todo el hemisferio norte.

Europa, Estados Unidos, India o China sufrieron uno de los años más fríos y lluviosos de la Historia reciente. Se malograron numerosas cosechas y el hambre campó también por nuestro Viejo y supuestamente moderno Continente que venía de sufrir otra tragedia: los desastres de las guerras napoleónicas. Según algunos historiadores, unas 200.000 personas murieron de hambre en 1816, el año sin verano que sufrió la peor hambruna del siglo XIX (Un ejemplo: la población suiza llegó a comer musgo y el gobierno tuvo que declarar el estado de emergencia nacional). Los científicos también llaman a 1816 el "mil ochocientos y congelados a muerte". Qué cachondos.

Pero también sucedió aquel verano de 1816 que un grupo de jóvenes escritores ingleses se hallaban en Suiza intentando disfrutar de sus vacaciones. No les fue fácil, pues aquel verano estaba resultando ser "inusualmente lluvioso" según escribió uno de ellos en su diario. El encierro involuntario y las largas y plomizas horas de confinamiento forzoso les llevó a plantear un juego con el que matar el tiempo. Cada uno de ellos debía escribir un relato de terror. Mary, la joven esposa del poeta Percy Byshe Shelley, presentó a tan peculiar "concurso" una idea sobre un Moderno Prometeo, o sea, el monstruo de Frankenstein, un bicho que está a punto de cumplir 200 años y con el que una jovencita de 19 años inventó la ciencia ficción un lluvioso y ventoso junio de un año que se quedó sin verano por culpa de un volcán indonesio.

150 años después de aquel cruel y severo año 1816, Frank Sinatra le cantaba a un viento del verano mucho más benigno en su mítico álbum Strangers in the Night de 1966. La canción: Summer Wind que comienza diciendo " The summer wind came blowing in from across the sea...".

Disfrútenla porque es una maravilla y permítanme que se la dedique, especialmente, a Borgo y a Marcos Callau con los que compartí ayer unas amenas horas bloguero-poético-musicales en el zaragozano Pequeño Teatro de los Libros. (Nótese que la primera parte del post está escrita al estilo borgo y la segunda es para una canción de Sinatra, con cuyas fotos adorna su carpeta del insituto el señor Callau).

Hijosdeputapeligrosos. El abominable escuadrón 731 de Shiro Ishii.

2011-10-19T07:00:00.000+02:00

- Adiós cariño. Me voy al curro.
- Qué orgullosa estoy de que mi chico trabaje como investigador en el prestigioso Laboratorio de Investigación y Prevención Epidémica del Ministerio Político Kempeitai, a.k.a. Unidad 731.

Bueno, hay que reconocer que la Sra Ishii tenía razón en una cosa: El doctor Shiro Ishii investigar, lo que se dice investigar, sí que investigaba. Lo que pasaba es que este hijodemalamadre se olvidaba de anestesiar a los humanos con los que experimentaba cuando, por ejemplo, decidía viviseccionarlos. Disponía el doctor Ishii de un extenso y completo catálogo de "experimentos científicos" que ponía a disposición de sus prisioneros: les lanzaba granadas, les amputaba extremidades, los quemaba con lanzallamas, los congelaba y descongelaba, les hacía abortar, los infectaba con enfermedades venéreas, los colgaba boca abajo hasta que morían asfixiados etc, etc. Eso sí, siempre tomando cuidadas notas de los efectos de sus barbaridades.

La población civil de los alrededores de su prisión - laboratorio de las afueras de la ciudad china de Harbin (construída en la Manchuria ocupada por los japoneses en 1931 y donde los prisioneros eran jocosamente denominados "maruta" / "troncos" pues las instalaciones eran oficialemente un aserradero) también tuvo el honor de formar parte de sus pruebas de guerra bacteriológica. Pruebas que fueron un éxito como atestiguan los 200.000 ciudadanos chinos que se llevó por delante el teniente general, doctor en medicina y grandísimo hijo de la gran puta de Shiro Ishii.

Todas las barbaridades que cometió este malnacido y su equipo de científicos degenerados en nombre de la Ciencia, -con el beneplácito del Emperador Hirohito y del Ejército Imperial nipón-, están muy bien contadas, de nuevo, en la wikipedia. Allí os remito para saber más sobre este terrible asunto y este repugnante personaje que deja a Mengele a la altura del barro.

Pero una vez más la Guerra Fría post WWII jugó a favor de los villanos y en contra de algunos héroes (nuestros republicanos anti-franquistas). Los EEUU de Douglas MacArthur, temerosos de que la URSS se hiciera con los secretos de los hallazgos del equipo de Ishii, concedieron la inmunidad a gran parte de los militares nipones, incluído el propio doctor Ishii, a cambio de sus "valiosas" conclusiones en el campo de la guerra bacteriológica. El Pragmatismo derrotó a la Justicia, algo que vuelve a estar de moda estos días también en nuestro país.

Con la aministía en el bolsillo, Shiro Ishii y algunos de sus secuaces que se libraron de los soviéticos (solamente 12 de ellos fueron juzgados y condenados por la URSS) llegaron a ocupar cargos importantes en los estamentos oficiales japoneses: gobernador de Tokio, presidente de la Asociación Médica Japonesa e incluso alguno lo fue del Comité Olímpico del Japón (!).

Un cáncer de garganta se llevó a Shiro Ishii a los infiernos en 1959, veinte años antes que el mundo conociera los crímenes y aberraciones cometidas por la Unidad 731, una de las más abominables perversiones que la Ciencia y la Humanidad han conocido.
A día de hoy Japón sigue sin pedir perdón por estos hechos.

En 2008 el director ruso Andrey Iskanov estrenó Philosophy of a knife una película rodada en blanco y negro en tono documental, que dura 4 horas, que es muy heavy, que no os recomiendo, que no vi terminar y que narra las tropelías de estos bárbaros. La peli es para valientes. He leído por ahí que la han definido como "gore de arte y ensayo". En mi opinión es una obra morbosa que se escuda en el supuesto rigor histórico para mostrar tripas y cia. Estáis avisados.

También existe otra mierda hongkongnesa titulada Men Behind the Sun que puede verse en youtube y que es otro ejemplo de exploitiation disfrazado de película histórica. Lo de siempre. Ésta, afortunadamente, no la he visto (ni pienso).

Aquí un estupendo documental sobre el tema (en inglés).

Madalyn Murray O´Hair. La mujer más odiada de América.

2011-10-17T07:00:00.001+02:00

Eso dijo la revista Life en 1964. Una mujer odiada por decir cosas como éstas:

"El ateo se ama a sí mismo y a su prójimo en vez de a un dios. El ateo sabe que el paraíso es algo por lo cual deberíamos trabajar ahora (aquí en la tierra) para que todos los hombres juntos lo disfruten. El ateo cree que no puede obtener ayuda a través de la oración, sino que debe encontrar en sí mismo la convicción y la fuerza interna para encontrarse con la vida, aferrarla, someterla y disfrutarla. El ateo cree que sólo en el conocimiento de sí mismo y de su prójimo puede encontrar el entendimiento que lo ayudará a vivir una vida plena de logros.

Por lo tanto, busca conocerse a sí mismo y a su prójimo más que conocer a un dios. El ateo sabe que debería construirse un hospital en vez de una iglesia. El ateo sabe que se debe realizar una acción en vez de rezar una plegaria. El ateo lucha por involucrarse en la vida, no escaparse hacia la muerte.

Quiere que la enfermedad sea sometida, la pobreza derrotada, y la guerra eliminada. Quiere que el hombre entienda y ame al hombre. Quiere una forma ética de vida. Sabe que no podemos poner nuestra confianza en un dios, ni enfocar acciones con una plegaria, ni tener esperanza de que los problemas se terminen en el más allá. Sabe que somos los cuidadores de nuestros hermanos y de nuestras propias vidas; que somos personas responsables, que el trabajo se hace aquí y que el momento es ahora".

Fundadora de la American Atheists, Madalyn Murray O´Hair saltó a la fama en 1960 cuando interpuso una demanda contra la lectura obligatoria de la Biblia en la escuela pública norteamericana que, tres años después, terminaría con la prohibición de esa insalubre costumbre al dictaminar la Corte Suprema de los USA su inconstitucionalidad.

Madalyn murió en 1995 trágica y cruelmente asesinada junto a uno de sus hijos y a su nieta, pero no a manos de algún talibán cristiano, como parecía estar predestinada, sino de uno de los miembros de su organización a quien habían despedido por chanchullero. Los dioses pueden ser muy irónicos cuando quieren.

Vamos a dedicar un poquito de música gusana a la memoria de este controvertido personaje de claroscura biografía que, sin embargo, marcó un hito en la separación Iglesia-Estado en los USA y, por ende, en todo el Imperio.

Y es que los ateos también le cantamos a nuestros dioses. Le cantamos la Sinfonía de la Ciencia.

El cine español entre Tinieblas (González).

2011-10-15T18:41:00.005+02:00

Visto en el blog Homo Insanus. Dura 1 hora. Merece la pena. ¿Verdades como puños?. Yo diría que sí.

Dos Cuentos Daneses en Sitges. La fábula de von Trier y la fabulosa Drive.

2011-10-14T10:30:00.001+02:00

La mayoría de los cinéfilos patrios tienen sus ojos puestos, durante estos días, en el Festival de Cine Fantástico de Sitges. Como da la casualidad de que he visto recientemente dos películas que se van a proyectar (o quizás ya se han proyectado) este año en dicho festival, voy a hablarles, muy brevemente, de dos cuentos cinematográficos: Melancholia, de Lars von Trier y Drive de Nicolas Winding Refn, dos directores tan daneses como Hans Christian Andersen.

Érase una vez un hermoso, travieso, huérfano y azulado planeta llamado Melancholia que vagaba errante y errático por nuestro sistema solar y que decidió acercarse, peligrosamente, a visitar la Tierra...

Así comienza el nuevo cuento de Lars von Trier, bufón oficial de Cannes. Como von Trier no sabe o no quiere escribir sobre personajes masculinos en sus guiones, vuelve a encabezar su fábula con dos féminas: dos hermanas que resultan ser antagonistas en casi todo. Justine (Kirsten Dunst) es guapa y rubia. Es inconformista y poco amiga de convencionalismos. Decide mostrar al mundo su rebeldía y publicitar toda esa angustia existencial que la tiene sumida en una profunda depresión justo el día que se supone que debiera ser el más feliz de su vida: el día de su boda. Para ello se dedica a sabotear la ceremonia amargando la jornada a todo el mundo. Justin es un personaje antipático rodeado de personajes todavía más antipáticos que ella.

Su hemana Claire (Charlotte Gainsbourg) es morena y fea, muy fea. Ella no tiene la culpa, pero nosotros tampoco (nótese la cita cinéfila). Claire está casada con un tipo atractivo (Kiefer Sutherland), muy rico y muy racional. La pobrecita está muerta de miedo porque no confía en la Ciencia pese a que los científicos le juran y le perjuran que Melancholia no colisionará contra la Tierra. Pero el miedo es irracional, of course.
Claro, no olvidemos que esto es una película made in von Trier, o sea, esto es de la escuela de pensamiento de Dreyer&co. El mundo es una mierda y está lleno de maldad, ya saben.

El planeta Melancholia colisiona con la Tierra aniquilando todo rastro de vida (esto no es un espoiler porque nos lo muestra el director justo al comienzo de la peli) así que gana la surperchería maya del efecto 2012 y jaque mate a las matemáticas, a la física, a la astronomía y a todas esas herejías que se ha inventado el Hombre para intentar comprender el Universo. La moraleja es vomitiva. Los personajes racionales se vuelven locos como cuando los animales y las plantas enloquecen si la Naturaleza se vuelve del revés. Sin embargo, el místico personaje de Claire acepta dignamente su propio final, el fin de todo bicho viviente y la desparición de todo rastro de vida inteligente en el Cosmos. Y lo hace con una resignación ejemplar. Qué horror.

El prólogo de la película es un videoclip de un tema de Richard Wagner (que era nazi, como von Trier.., venga, bah, nótese el sarcasmo y la ironía). Esta introducción con look a lo losingmyreligion es como un homenaje a las pinacotecas europeas. Muy bonito, aunque no conmueve.
La primera parte de la película, la de la deprimida Justine, posee un extraño atractivo y una atmósfera que engancha. Es lo mejor de Melancholia.
El capítulo II, el de la angustia vital y existencialista de Claire, es bastante más aburrido y chorras.

Moraleja Gusana: Una película interesante pero con un mensaje muy perverso. Lo de siempre en el caso del cine de von Trier, el enfant terrible de las modistillas de palacio. Pero Melancholia se digiere bastante bien como cuento sin moraleja.

Intermedio: Preludio al Acto I de la ópera Tristán e Isolda, compuesta por Richard Wagner en 1865.

"- Lo siento ranita. No he podido evitarlo. No puedo dejar de ser quien soy, ni actuar en contra de mi naturaleza, de mi costumbre y de otra forma distinta a como he aprendido a comportarme.
Y poco después de decir esto, desaparecieron los dos, el escorpión y la rana, debajo de las aguas del río...".

Érase una vez un lacónico, parco y atractivo conductor de coches que arrastraba un oscuro y misterioso pasado y que encontró en su camino a una desvalida princesita que necesitaba su ayuda...

Ryan Gosling es The Driver. Un tipo con un don para conducir coches que llegó a Los Angeles procedente de ninguna parte. Por el día se gana la vida como especialista de cine y por la noche se saca un sobresueldo como conductor mercenario al servicio de atracadores de bancos. También trabaja en un taller como mecánico de coches. Un día se cruza en su vida una vecinita muy mona y muy modosita que tiene un hijo muy simpático que tiene a su papá en la cárcel y The Driver cree, como tantos y tantos otros protagonistas de tantas y tantas películas clásicas del noir o del western, que en esa familia, que bien pudiera o incluso (¿por qué no?) debiera ser la suya, puede encontrar su redención. Pero la cosa se complicará y sucederá lo del cuento del escorpión y la rana.

Drive es una película con un argumento que hemos visto cientos de veces. Su director dedica Drive a Jodorowsky. Pues vale. Yo encuentro su argumento un calco del de Raíces Profundas, lo que no tiene nada de malo. El atractivo principal de Drive está en su estética, resultado de mezclar lo mejor de los mejores ingredientes del gore, el cómic o la serie B. Los créditos iniciales son toda una declaración de intenciones. La película posee un tono, una fotografía y un ritmo muy seductores.

La otra gran baza de Drive es su protagonista y me refiero tanto al carisma del actor Ryan Gosling como al de su personaje sin nombre: The Driver, un tipo que roza lo icónico, que es enigmático y al que se le adivina, con sólo mirarlo, que esconde algunos demonios tras su cuasi inexpresivo y hierático rostro. The Driver es un tipo que mola a primera vista, lo mismo que molaba Clint y su leonesco personaje sin nombre o el Alain Delon de las películas del gran Melville (estos dos referentes vendrán a la cabeza de cualquier cinéfilo que me haga caso y vea esta estupenda película). Es el tío que te gusta tener a tu lado (aunque no sepas muy bien el por qué) en el caso de que las cosas se pongan feas.

Pero un escorpión siempre será un escorpión y los sueños.., sueños son. Y como decía Shane al pequeño Joey antes de perderse herido (¿de muerte?) tras el horizonte: "corre a casa y dile a tu madre que ya no quedan revólveres en el valle". La amargura de la frase está en que Shane era uno de esos revólveres que deseaba vivir en el idílico valle.

No se pierdan Drive. Es una obra bellísima que funciona de maravilla, lo mismo que funcionan los cuentos, las fábulas y las parábolas.., cuando se cuentan bien.