FYADUB :: MÚSICA, CULTURA E INFORMAÇÃO

Cupom R$ 50,00 :: 10% de Cashback no Lojinha

2025-12-17T21:26:00.003-03:00

Salve Jah,

Em celebração de mais um ano em funcionamento, o lojinha da um presente a todos os inscritos e cadastrados na loja, um cupom de R$ 50,00 de desconto em qualquer compra acima de R$ 100,00. Ou seja é um mínimo de 50% de desconto.

E todos aqueles que fizerem compras até 31/12/2025 recebem 10% de cashback para usar durante o ano de 2026. Se você comprou no lojinha esse ano de 2025, você já tem cashback garantido em 2026.

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🔥 O cálculo do Cashback é feito a partir do total de compras realizados e concluídas em 20205, e concedido um limite de até 5% em cada compra para utilização, você vai receber um cupom parar utilizar em cada compra.

Um ótimo ano de 2026 a todos.

Duvidas, é só mandar uma mensagem.

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Paz a todos.

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SESSION convida Salve o Vinil :: 08/11/2025 (Campo Grande - MS)

2025-10-16T11:48:00.001-03:00

Vamo Apelá, Salve o Vinil, PuroSuco Cultural e FYASHOP apresentam:

SESSION convida Salve o Vinil - Adquira seu ingresso clicando aqui: https://www.sympla.com.br/evento/session-convida-salve-o-vinil/3173796

Vamo Apelá Sistema de Som junta forças com o Salve o Vinil, em uma celebração que carrega uma bagagem monstra e um acervo de discos que dá gosto de ver.

Além do acervo do anfitrião de Roots, Reggae, Dub, Dancehall, Digikal, Steppa iremos fazer a fusão com o Rap Boombap dos brabos!

Clássico atrás de clássico, do underground sujo e autêntico!

É baile 100% vinil, raiz, sem fita, sem pendrive direto do vinil.

Dia 08 de novembro de 2025 a partir das 23h30

Local: Quokka Barbecue, Rua Antônio Maria Coelho, 3640

Cola com nóis e sente o peso do som.

Vinil é movimento, cultura e resistência.

Organização Vamo Apelá e Purosuco Cultural

NOSSO ADEUS AO AMIGO E MESTRE TONINHO CRESPO :: 1955 - 2025

2025-09-23T11:39:00.004-03:00

Nessa última terça-feira, dia 22 de Setembro de 2025, faleceu Antônio Rodrigues Filho, meu amigo Toninho Crespo.

Acredito que um dos músicos mais influentes na minha vida, desde a minha infância - conheci muitos dos meus amigos muito novo. Conheci o Toninho nos anos 1990 quando ele ainda estava usando dreads, com a Banda Jualê. E nos aproximamos muito dos últimos 15 anos para cá. Mesmo eu vivendo fora da capital de SP já há alguns bons anos, continuávamos nos falando sempre.

Foi com o Toninho e com o Jualê, e obviamente com outras pessoas, que me despertou a vontade de conhecer mais o reggae e seus subgêneros como o dub, o dancehall, e por ai seguiríamos. E se não sabe, foi ele quem lançou o primeiro álbum com versões dub no Brasil, junto o Jualê, DJ Cuca e Milton Sales. Com o Jualê chegou a se apresentar em homenagem para Nelson Mandela em São Paulo,

Toninho também tocou com Luiz Wagner "O Guitarreiro" e viajou o mundo, com viagens para Cuba, onde contava histórias e mais histórias, e para a Europa onde falava sobre os lugares que tocou, como era recebido, e os carnavais de Notting Hill na Inglaterra, onde viu diversos sistemas de som que hoje são adorados por aqui.

Toninho Crespo foi um ativista, afrocêntrico, que lutava por direitos humanos musicalmente e poeticamente, escrevendo poesia e cantando. Ele foi um músico completo, tocou reggae, samba, bossa nova, e seu principal apego que sempre conversávamos sobre, era o samba-rock.

Toninho participou de diversos álbuns no Rap Nacional, com Racionais Mc's, tocando guitarra em 'Fórmula Mágica da Paz', também com Thaíde & DJ Hum, Rappin’ Hood, 509-E, RZO e diversos outros grupos. Acredito que seu ápice como músico foi concorrer ao Grammy Latino em 2016 com o álbum 'Bossa Loca'.

Eu sempre reconheci o Toninho como um grande musico, como um grande influenciador, no meu trabalho e naquilo que eu exerci com muito orgulho, o ofício de músico.

Vou sentir muita falta do meu amigo, do mestrão que ele foi por muitas décadas, e das longas conversas que tínhamos quando nos encontrávamos e pelo telefone.

Vai realmente fazer muita falta.

Descanse em paz meu amigo.

Toninho Crespo :: 1955 - 2025

TUDO O QUE SABEMOS SOBRE O 'TARIFAÇO' DOS EUA E COMO ISSO AFETA A COMUNIDADE DO DISCOGS

2025-09-01T12:26:00.001-03:00

Sabemos que há muita confusão em torno das novas tarifas emitidas por decretos executivos nos Estados Unidos e faremos o possível para esclarecê-las. Seu sucesso – seja você colecionador, vendedor ou ambos – é extremamente importante para nós.

Aqui está tudo o que sabemos sobre a situação até agora.

Atualização: Este guia foi publicado originalmente em 27 de agosto de 2025. Desde então, foi atualizado com as informações mais recentes sobre a situação tarifária em desenvolvimento. O Discogs continuará adicionando novos detalhes à medida que tivermos mais informações.

Registros e outras mídias físicas devem ser isentas

Discos de vinil, CDs, fitas cassete e outras mídias gravadas devem ser isentos de quaisquer tarifas, segundo ordem executiva presidencial dos EUA.

A ordem executiva, que entrará em vigor em 29 de agosto de 2025, remove uma antiga isenção tarifária "de minimis" para a maioria dos bens avaliados em menos de US$ 800. No entanto, essa mudança não se aplica a "materiais informativos", como mídia musical, que ainda estão isentos de tarifas de acordo com a lei americana 50 USC 1702(b)(3) .

Em 28 de agosto, a Alfândega e Proteção de Fronteiras dos EUA confirmou essa isenção em suas Perguntas Frequentes sobre Comércio Eletrônico , afirmando que o “tratamento de minimis isento de impostos permanecerá disponível para [sic] bens cobertos pelo 50 USC § 1702(b) – como certas doações e materiais informativos”.

Em suma, música e mídia informativa sempre foram isentas de tarifas e continuam sendo. Isso significa que nem vendedores nem colecionadores no Discogs devem pagar taxas alfandegárias adicionais.

No entanto, não podemos garantir como a Alfândega dos EUA e cada transportadora postal implementarão essas isenções.

Esteja preparado para possíveis atrasos e complicações

Impostos e taxas são difíceis de lidar, mesmo quando as regras não mudam. Embora música e mídia informativa devam ser isentas, alfândega e transportadoras postais podem sofrer atrasos ou erros ao se adaptarem aos novos requisitos.

Muitos serviços postais nacionais já anunciaram que estão suspendendo todas as remessas para os EUA para se prepararem adequadamente. Enquanto isso, transportadoras comerciais como UPS, FedEx e DHL Express continuam enviando remessas para os EUA neste momento, mas essas opções podem ter um preço mais alto do que o normal.

No entanto, também recebemos relatos de que algumas remessas foram avaliadas com essas taxas, enquanto outras não. Também acabamos de descobrir que algumas transportadoras adotaram uma interpretação excessivamente rigorosa, aplicando uma tarifa geral de 10% a 15%, independentemente de os itens exigirem ou não imposto.

Essas alterações podem causar alguma confusão sobre os pedidos, resultando em feedback negativo ou solicitações de reembolso. O Discogs continuará analisando e removendo feedback negativo que viole nossas diretrizes ou seja resultado direto de mudanças recentes nos regulamentos de envio e alfândega.

Infelizmente, não temos como controlar ou prever completamente como isso se desenrolará. Portanto, recomendamos que todos que enviam para os EUA estejam cientes da incerteza, das taxas adicionais que algumas transportadoras adicionaram recentemente e dos riscos potenciais do envio até que a situação seja aplicada de forma mais consistente.

Com a retomada dos serviços de entrega para os EUA, faremos parcerias com vendedores do mundo todo para testar envios por meio de diferentes transportadoras. Compartilharemos dicas práticas de envio à medida que aprendermos mais nas próximas semanas.

Recomendações para Vendedores

Não podemos garantir que tudo correrá bem com os correios ou com a alfândega. No entanto, temos algumas recomendações que devem ajudar no processamento das suas remessas para os EUA.

Forneça descrições claras. Recomendamos fortemente a inclusão de descrições precisas. Por exemplo, em vez de "vinil", use "Materiais informativos: disco fonográfico (vinil)" e, em vez de "cassete", use "Materiais informativos: fita cassete musical", pois essas expressões estão mais de acordo com a terminologia jurídica.

Utilize os códigos SH corretos. Utilize os códigos do Sistema Harmonizado (SH) apropriados, que podem ser encontrados no recibo comercial fornecido pelo Discogs.

Você escolhe como comprar e vender no Discogs

Embora esperemos que todos possam se sentir confiantes sabendo que a mídia musical deve ser isenta de tarifas dos EUA, entendemos que alguns na comunidade podem querer evitar essa situação complicada até que haja mais garantias de que os processos alfandegários estão funcionando corretamente.

Você sempre tem controle sobre onde compra e para onde envia, e há ferramentas disponíveis para ajudar.

Filtros do Marketplace: use o filtro “Enviado de” no marketplace para comprar no mercado interno ou escolha outro país para refinar sua busca.

Comprar meus desejos: aplique o filtro “Enviado de” no Comprar meus desejos para focar nos itens da sua lista de desejos que estão disponíveis nacionalmente ou de vendedores do mundo todo.

Termos do Vendedor: Os Termos do Vendedor são uma maneira fácil de compartilhar ou revisar informações de envio antes de uma compra. Aqui você pode encontrá-los ou atualizá-los em um item.

Políticas de Envio: Vendedores, vocês podem revisar e atualizar suas Políticas de Envio a qualquer momento. Se não souberem como, temos recursos para ajudar vocês a aprender mais sobre as Políticas de Envio.

O que fazer se você for cobrado incorretamente

Vendedores

O Delivered Duty Paid (DDP) é um serviço de transporte internacional que atribui todas as responsabilidades de envio ao vendedor, incluindo todas as taxas, impostos e taxas alfandegárias. O modelo DDP garante que os compradores não sejam cobrados por custos adicionais na entrega. Transportadoras comerciais como UPS, FedEx e DHL geralmente oferecem opções de DDP. Em resposta à evolução das políticas tarifárias globais, transportadoras regionais como a Royal Mail também começaram a implementar novos serviços de DDP para remessas para os EUA.

Quando o DDP estiver funcionando corretamente, ele contabilizará as isenções de taxas alfandegárias. Conforme observado acima, a mídia musical deve estar isenta das novas tarifas, o que significa que taxas alfandegárias adicionais não devem ser incluídas nas taxas de DDP do vendedor.

Nossa recomendação: Se você for cobrado e tiver pago uma taxa alfandegária por itens de mídia musical isentos ao usar o processo de Entrega com Direitos Pagos (DDP), recomendamos que entre em contato com a transportadora para contestar a cobrança e obter um reembolso. Não podemos garantir que o reembolso será emitido.

Compradores

À medida que os fornecedores se adaptam aos novos requisitos, os compradores podem receber uma fatura com tarifa alfandegária dos EUA no momento ou após o recebimento dos itens, caso as transportadoras ou a Alfândega dos EUA não apliquem corretamente a isenção de materiais informativos. Isso pode ocorrer quando um vendedor utiliza termos de envio como Entrega no Local (DAP) ou Entrega com Impostos Não Pagos (DDU), que atribuem a responsabilidade pelo pagamento de taxas e impostos ao comprador, embora muitas transportadoras estejam abandonando esse modelo devido às mudanças nas políticas tarifárias globais.

Nossa recomendação: Se isso acontecer, recomendamos pagar a fatura da alfândega e entrar em contato com a transportadora para iniciar um processo de contestação e obter um reembolso. O processo pode envolver o preenchimento de um formulário diretamente na Alfândega dos EUA, utilizando as informações contidas na sua fatura do Discogs. Não podemos garantir que o reembolso será emitido.

Postagem publicada originalmente no link https://www.discogs.com/about/news/united-states-tariff-impact-music-media-2025/

OS DIFERENTES TIPOS DE AGULHAS PARA TOCA-DISCOS

2022-10-03T15:47:00.001-03:00

Se você pensou que uma agulha era só uma agulha, pense novamente. Existem vários tipos diferentes de agulhas para os toca-discos.

Existem quatro formas principais de agulhas, excluindo uma agulha especifica para registros de 78 RPM em vinil. Como os sulcos dos discos de vinil de 78 RPM são cerca de 3-4 vezes mais largos do que um disco típico de 33 1/3 RPM, eles requerem uma agulha projetada especificamente para esses sulcos. Uma agulha esférica de micro-ranhura padrão ficará muito baixa na ranhura, produzindo um sinal ruidoso e acelerando muito o desgaste da agulha.

Por que a forma da agulha é importante?

Se você é um entusiasta casual de discos de vinil, a verdade é que provavelmente não precisa perder tanto sono por causa disso. Dito isto, a forma (e construção) da agulha, contribui para o quão bem ela replica o som do seu disco, devido ao acesso que ela tem à área da superfície das ranhuras. Também pode contribuir para o desgaste de seus discos de vinil ao longo do tempo. E, claro, essas duas coisas afetarão o preço da agulha. Portanto, se você valoriza o áudio de alta qualidade e tem um pouco de dinheiro extra para colocar em sua configuração de equipamentos de toca-discos, vale a pena conhecer os diferentes tipos de agulhas e os benefícios de cada tipo. Você também pode querer ser mais seletivo sobre sua agulha, dependendo se você está usando para performance de turntablismo (DJing) ou tocando discos em casa.

Construção da agulha

Antes de entrarmos nas diferenças das pontas dos toca discos, vamos dar um passo atrás na construção da haste. A agulha fica no final do cantilever dentro do cartucho do toca-discos, que está conectado ao braço do toca discos. A agulha anexada ao cantilever será um diamante nu ou um diamante com ponta. Com um diamante com ponta, é só isso – a ponta da agulha é de diamante enquanto o resto é metal – ao contrário do diamante nu, onde a agulha é um diamante inteiro colado ao cantilever. Sem surpresa, este último é a opção premium, pois tem uma massa menor e rastreia nos sulcos do vinil com mais precisão.

Tipos de agulha

Esférica

Esférica, ou cônica, é o tipo de agulha mais comum e é o mais barata. Parece um pouco com a ponta de uma caneta esferográfica de perto. Devido ao seu raio relativamente grande, as pontas esféricas traçam menos modulações de sulcos menores que representam frequências mais altas. Alguns afirmam que pontas esféricas produzem mais desgaste nos discos porque a área de contato do diamante é restrita a dois pontos específicos, enquanto alguns outros especialistas afirmam que isso realmente produz menos desgaste.

Elíptica

O próximo tipo de agulha mais comum é a elíptica ou bi-radial. A elíptica faz contato em uma área maior da parede da ranhura devido aos seus raios duplos. Isso permite rastreamento mais preciso, resposta de frequência aprimorada (especialmente agudos), resposta de fase aprimorada e menor distorção, principalmente em sulcos internos difíceis de rastrear. Esses tipos de pontas geralmente se desgastam um pouco mais rápido, e você precisará prestar atenção ao alinhamento do headshell e do braço para obter melhores resultados.

Hiperelíptica

Hiperelíptica, também conhecida como shibata, linha fina ou stereohedron. Como o nome sugere, esse tipo é o próximo estágio de evolução da agulha elíptica, aprimorando o design para fazer maior contato com os sulcos do disco. Quando alinhada corretamente, esta ponta oferece excelente desempenho de alta frequência, vida útil mais longa da ponta, rastreamento aprimorado e menor desgaste do disco. Devido ao seu design avançado e dificuldade de fabricação, eles são mais caros que a agulha elíptica.

Micro-Ridge ou Micro-Linha

A ponta micro-ridge ou microline é o mais avançado dos quatro tipos de agulhas. A ponta projetada por computador se aproxima da forma de uma caneta de corte usada para produzir dubplates. Sua forma de “cume” multinível, permite que esta agulha ofereça o melhor desempenho de alta frequência com gravação estendida e vida útil da agulha (quando alinhada corretamente). Elas são muito difíceis de fabricar e muito caros.

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Originalmente publicado @ https://www.discogs.com/digs/gear/different-types-record-player-needles

TODO MUNDO QUER SER A SER NÓS, MAS NINGUÉM QUER SER NÓS

2021-07-22T12:12:00.003-03:00

Todo mundo quer ser nós, mas ninguém quer ser nós. Todo mundo quer fazer coisas pretas, mas ninguém quer lidar com coisas pretas. Se tentarmos reivindicar nossas coisas, haverá uma reação, uma discussão, uma ofuscação sobre como suas coisas são pretas, e nós também participamos!

O mundo ama nossa cultura: nossa música, nossa dança, nosso cabelo, nosso vestido, nosso dialeto e gírias, nossa comida, nossa arrogância. O mundo nos ama. Eles querem ser nós. Mas ser realmente a gente, permite que eles não tenham que nos reconhecer. Eles não precisam da gente se eles se tornarem a gente. Mas assim que partirmos, o que acontecerá com eles? Eles deixam de saber ser a gente. Se não existirmos, eles serão apagados. Mas se existimos, eles também são apagados. Esse parece ser o medo. Apagamento. Isso é tudo que posso pensar. Se eles nos reconhecerem total e completamente, de alguma forma deixarão de ser importantes em suas próprias mentes. Algo será tirado deles, então devemos ser eliminados para que eles possam prosperar. Mas sem nós, eles não podem criar a nossa imagem neles. Eles estão perdidos.

Portanto, eles devem lutar para provar que fizeram parte de nossa criação. Eles devem lutar e reclamar. Eles devem se debulhar e rebolar. Eles devem dizer que nós e nossas experiências não são mais importantes. Não se trata de raça! Estamos todos juntos nisso, para que eles possam continuar a se tornar a gente, sem a gente, porque não se trata da gente, é sobre eles.

E é por isso que dançarinos negros em Tik Tok entraram em greve.

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Por Alison Crockett, originalmente publicado @ https://www.facebook.com/alison.crockett2/posts/10157721978896790

JUNIOR DREAD & DUB KAZMAN - EQUALITY (LP) - PRÉ VENDA

2021-07-16T11:40:00.005-03:00

Dub do futuro... Hoje é dia de ofertar a pré venda do LP ‘Equality’ do Junior Dread e Dub Kazman / Rough Signal Records JPN. Fechamos no lojinha o mesmo valor do vinil vendido no Japão e Europa (£21.00), convertidos em reais R$ 170,90. Esse valor é o de Pré Venda. A quantidade de cópias é limitada e não tem reserva. O valor pode ser parcelado em até 6x sem juros no lojinha. Qualquer dúvida só falar com a gente. A prévia de entrega é até 15.10.2021. Dúvidas entre em contato.

🔘 Junior Dread & Dub Kazman – Equality (LP) – Pré Venda

- https://fyashop.com.br/junior-dread-equality-lp

ROUGH SIGNAL RECORDS JP · RSRLP001 - EQUALITY - JUNIOR DREAD - SAMPLE -

Outros títulos do Junior Dread no lojinha:

🔘 Junior Dread - No War (10")

- https://bit.ly/3wVbIjR

🔘 Junior Dread - Saiba Viver: Vocals and Instrumentals (AIF)

- https://bit.ly/3zOa4Ct

🔘 Junior Dread - Vocal Pack 1 (AIF)

- https://bit.ly/3jejMbh

🔘 Junior Dread - Vocal Pack 2 (AIF)

- https://bit.ly/3qok40N

🔘 Junior Dread - Vocal Pack 3 (AIF)

- https://bit.ly/3zOafh7

💥 Lista de novidades em estoque no lojinha do mês de maio no link: https://bit.ly/3h3Fm0D

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O ATIVISMO CRIATIVO DO ARTISTA GRÁFICO MICHAEL THOMPSON AKA FREESTYLEE

2021-07-12T19:18:00.003-03:00

“O primeiro trabalho de Michael Thompson em que coloquei os olhos foi meu rosto em um pôster, a maneira como eu era quando tinha metade da idade que tenho agora. No final das contas, eu conheci o próprio artista algumas semanas depois. Ele veio me ver, trazendo presentes; duas estampas esplêndidas, uma do meu retrato e a outra, um pôster para a Escola Alpha em Kingston, sobre a qual ouvi muito de Horsemouth, outro ilustre ex-aluno daquela instituição milagrosa. É uma composição simples, em preto, silhueta contra um fundo carmesim. Um menino, com o trombone erguido, apontando quase para cima, a cabeça para trás, está prestes a soar a primeira nota. Mas o que revela a perspicácia artística de Michael Thompson é a cadeira vazia atrás do menino. O destino do aluno, sentar naquela cadeira e aprender. A cadeira agora deixada para trás. O menino pode não ter asas, mas está prestes a voar, seu trombone o puxando para o céu. É assim com todo o trabalho de Michael Thompson. Uma recompensa emocional espera por você cada vez que você olha para um deles. Os retratos incomparáveis de heróis nacionais e grandes lendas do reggae, não apenas as estrelas, mas os construtores da fundação; The Great Sebastian, Prince Buster, Sir Coxsone, King Tubby com sua coroa ... você não está olhando para uma adaptação habilidosa de uma imagem fotográfica, está olhando para o rosto de uma vida. Ou uma criança magricela brincando em sua bicicleta, dreadlocks dentro de sua touca volumosa, vivendo de momento a momento como uma folha ao vento.” - Ted Bafaloukos (Diretor de Rockers)

Michael Thompson (também conhecido como Freestylee) nasceu em Kingston, Jamaica e agora mora na pequena cidade de Easton, Pensilvânia, Estados Unidos. Ele estudou design gráfico no início dos anos 1980, na Escola de Arte da Jamaica, agora chamada Edna Manley College of the Visual and Performing Arts (Edna Manley College de Artes Visuais e Cênicas). Dos muitos artistas que influenciaram Freestylee durante os anos de formação, poucos fizeram mais do que o artista Rastafari Ras Daniel Hartman. A prolífica produção de desenhos de Hartman na década de 1970 representou para Freestylee uma rica fonte de referências e tradições Rastafaris que estavam crescendo com profundas influências na cultura popular jamaicana. As influências do Freestylee não eram, no entanto, exclusivamente jamaicanas ou do movimento Rastafari. Como outros jovens artistas progressistas na Jamaica na época, as lutas anti-apartheid e os movimentos de libertação na África do Sul foram muito inspiradores, assim como as lutas na América Latina. Os temas eram evidentes em seus primeiros projetos pessoais, desenhos e pinturas (1970-80).

Nesse período, ganhou dois concursos de pôsteres sucessivos na Jamaica, o que lhe deu a oportunidade de participar com a delegação jamaicana no 11º Festival Mundial da Juventude e do Estudante em Havana, Cuba em 1978 e novamente em Moscou em 1985. Ele descreve sua visita a Cuba como “uma experiência transformadora e uma tremenda oportunidade”. Lá conheceu a arte do pôster cubana criada pelo ICAIC, (Instituto Cubano do Cinema) OSPAAAL, (Organização para a Solidariedade com os Povos da África, Ásia e América Latina) e Casa de Las Américas. A visita de Freestylee a Cuba e sua exposição a pôsteres cubanos criados por designers dessas organizações inspiraram muito a estética de design de seus pôsteres. No momento, seu principal campo de design gira em torno da arte de pôsteres, design gráfico, ilustrações de marca e arte de apresentação. É no campo da arte do pôster que o trabalho da Freestylee é reconhecido internacionalmente. Freestylee vê sua arte de pôster como narrativas visuais que exploram as muitas facetas das lutas globais da subclasse e acredita em retribuir à comunidade e ao mundo por meio do que ele chama de Ativismo Criativo e Design Social.

Os designs do pôster do ativista criativo Freestylee possuem uma vivacidade moderna nas peças, com imagens exuberantes e coloridas, acompanhadas por ilustrações vigorosas. Freestylee usa sua arte de forma eficaz com as mídias sociais para estimular a consciência global e para iniciar conversas sobre muitas questões sociais. Ele usa a arte de pôster para expressar solidariedade ou protestar questões pelas quais ele se sente apaixonado: pobreza global, racismo, anti-guerra, políticas de migração, paz e justiça, Usando Pinnacle e Bob Marley com “One Love” como temas. Ele também desenhou vários pôsteres celebrando e promovendo a herança cultural histórica e popular da Jamaica. Esses tópicos exploram os gêneros musicais populares da Jamaica; Reggae, Ska, Rocksteady, Dub, Dancehall e o Sistema de Som Jamaicano. Um exemplo do ativismo social do Freestylee é o bem-sucedido Concurso Internacional de Cartaz sobre Reggae, que ele visualiza como uma plataforma para uma ideia catalisadora; a peça central de sua visão é o reggae, e seu objetivo final é ver um Museu do Hall da Fama do Reggae do calibre de Frank Gehry erguido em Kingston, Jamaica. Este intuito também ajuda a aumentar a conscientização para a Alpha Boys School, que tem os músicos com um papel fundamental no desenvolvimento da música Ska e Reggae. O concurso International Reggae Poster arrecadou mais de US $ 10.000 para a instituição para meninos acolhidos pela Escola Alpha Boys.

Outros pôsteres capturaram a evolução e o espírito revolucionário da “Primavera Árabe” e receberam tremenda atenção da imprensa internacional. Esses trabalhos foram publicados em várias revistas e blogs internacionais, incluindo a revista francesa Straadda, a revista de design alemã Page e Graphic Art News. Uma menção notável é o pôster da Revolução Egípcia "Get Up, Stand Up", uma referência ao hino desafiador de Bob Marley, este pôster foi publicado na revista britânica Arise 2011 e no site de Arte Digital da África.

Os pôsteres de reggae e Rastafari do Freestylee também atraíram muita atenção internacional e foram publicados na principal revista alemã de reggae, Riddim. Uma coleção de pôsteres também percorreu a Europa como parte da Exposição do Movimento Reggae em 2011-2012. A exposição traça a jornada do sistema de som de reggae da Jamaica nos anos 1950 ao Reino Unido e seu crescimento nos anos 1960 e 1970, e depois se espalhou pela Europa. Exibido pela primeira vez no YAAM em Berlim em outubro de 2011, e seguido na The Little Green Street Gallery, Dublin e outras cidades europeias. Outras exposições pessoais em 2010 incluíram: Bienal de Gráficos da National Gallery of Jamaica em Kingston, Jamaica. Os pôsteres do Freestylee também foram exibidos no Drum Art Centre, em Birmingham, durante os Jogos Olímpicos de Londres 2012 e as celebrações do 50º aniversário da Jamaica. Outras exposições incluem Freestylee, Artist Without Borders, Rototom Sunsplash, Espanha, Allentown Art Museum, EUA e "Edna Manley’s Bogle: A Contest of Icons" na National Gallery of Jamaica. Recentemente, seus trabalhos de reggae e Rastafari foram exibidos no Metrô da Cidade do México, oficialmente denominado Sistema de Transporte Coletivo, em duas das principais estações metropolitanas, Pino Suárez e Jamaica, na Cidade do México.

A arte da consciência do Freestylee está profundamente enraizada e inspirada pelas raízes conscientes da música reggae dos anos 1970 e 1980. Seus pôsteres com fusão de reggae estão fundamentalmente ligados às imagens e mensagens do mesmo período. Ele acredita que o sucesso do gênero não é por acaso, mas pode ser atribuído diretamente às mensagens humanas de esperança com as quais todas as pessoas podem se relacionar e ao sentimento de solidariedade que acompanha isso. Freestylee está totalmente imerso em tentar capturar a extraordinária energia de Bob Marley e outros cantores rastafari que levaram a música da Jamaica para o mundo. O sucesso de artistas de reggae como Burning Spear, Culture, U Roy, Abyssinians, Peter Tosh e o lendário Bob Marley é um lembrete de que mensagens positivas na música são extremamente poderosas. O que esses grandes cantores têm a dizer ao mundo também pode ser traduzido visualmente e esta é a missão do Freestylee, “Esta é a música e os músicos que cresci ouvindo em Jones Town, Kingston, e não é surpreendente essas músicas do período são a trilha sonora da minha vida. ... A "livity" (vivência) do Rastafari alimentada pelo mantra da Unidade e do Amor Único ainda é relevante hoje.”

“Quando Michael Thompson tem ideias, elas são grandes demais para serem contidas por fronteiras políticas - são globais. O artista jamaicano conhecido como Freestylee, agora baseado perto de Easton, Pensilvânia, ganhou reconhecimento mundial por seus poderosos designs de pôsteres. A consciência social de Thompson e suas habilidades de design o levaram a criar imagens comoventes inspiradas em eventos mundiais, como a recente revolução Egípcia, o movimento Occupy e as vítimas do terremoto no Haiti. A tecnologia de design atual e a web permitem ao artista a oportunidade de se expressar digitalmente para um público global. ” Coordenador de programas universitários e adultos da John Pepper - Allentown Art Museum

VISÃO DO REGGAE HALL OF FAME

A pergunta "por que não?" Uma importante instituição de Reggae na Jamaica para celebrar e preservar a história e o legado da música está sempre presente em minha mente. O "por que não?" pergunta que me assombra há algum tempo e eu me pergunto o que posso fazer como indivíduo para alardear essa necessidade óbvia e acender uma chama para tornar essa visão uma realidade. É óbvio que a marca Reggae é um poderoso fenômeno musical global. A visão é clara para mim, sempre senti e acredito que a música e a cultura Reggae são forças poderosas para a mudança social e tiveram um impacto positivo em nosso planeta. O 'First International Reggae Poster Contest' (Primeiro Concurso Internacional de Cartaz de Reggae) é uma plataforma para aumentar a conscientização e apresentar essa visão ao mundo, para garantir o estabelecimento de um icônico museu de Reggae no estilo Frank Gehry e um espaço de artes performáticas no coração da capital da Jamaica, Kingston. Kingston chegou a ser o epicentro da música e onde a música foi inventada. A partir daqui, os ramos se estenderam ao redor do mundo, da Ásia à África, da Europa à América, América Latina e Pacífico. A Jamaica deve encontrar um portal para alavancar essa cultura poderosa, para ser benéfica para as comunidades de Kingston e da Jamaica como um todo. Essa visão pode trazer o centro de gravidade do Reggae de volta para Kingston. Não é preciso muita imaginação para ver o impacto que um Hall da Fama do Reggae construído por Frank Gehry terá na Jamaica e em sua economia incipiente. O Concurso Internacional de Cartazes de Reggae é mais do que apenas um concurso, é uma haste estimulante para uma ideia catalisadora. Esta é uma visão ousada que se tornará uma atração central para os amantes da música em todo o mundo; uma Meca do Reggae para os amantes do reggae. Esta visão mudará a face de Kingston e como o mundo vê a música Reggae. Ajude-nos a começar a discussão e espalhe a palavra de que grandes coisas estão para acontecer para a música Reggae e todos os gêneros relacionados, ou seja, Ska, Rocksteady, Roots Reggae, Dub e o sistema de som único. ~ Michael Thompson

Galeria

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Artigo baseado na home page do artista 'Michael Thompson aka Freestylee': https://www.freestylee.net/about/

ROCKERS - THE MAKING OF REGGAE'S MOST ICONIC FILM - CAPA DURA

2021-07-09T10:55:00.009-03:00

Rockers: The Making of Reggae's Most Iconic Film Capa dura – 16 junho 2020

- https://fyashop.com.br/Rockers-Making-Of-Reggaes-Most-Iconic-Film-Capa-Dura

Uma incrível história de fundo do reggae; ilustrado por imagens não vistas espetaculares. - Revista MOJO

Situado no cenário reggae do final dos anos 70 na Jamaica, o filme Rockers alcançou status de cult instantâneo entre os fãs da música e cinema. O diretor de Rockers, Ted Bafaloukos, recebeu muitos elogios por seu trabalho no filme, mas o fato de que ele também foi um ótimo escritor e fotógrafo disfarçado, frequentemente esquecido. Bafaloukos escreveu esta autobiografia vívida em 2005 e foi aprovada em 2016.

Além da fascinante história de Bafaloukos sobre o "making of" dos Rockers, ele conta a história de um imigrante grego de uma família de marinheiros e sua mudança para Nova York, eventualmente se embrenhando com nomes como The Velvet Underground, Robert Frank, Jessica Lange e Philippe Man em Wire Petit. Mas há uma reviravolta nessa história de Nova York dos anos 1970: Bafaloukos se apaixonou pelo reggae quando ele ainda era apenas uma faceta underground da cultura jamaicana na cidade. Suas experiências em Nova York eventualmente o levaram a filmar Rockers, elogiado pelo retrato que pinta da cena musical do final dos anos 70 de Kingston, juntamente com seu estilo, mentalidade e moda únicos.

As experiências intensas do diretor na Jamaica e Nova York entre '75 - '78 fornecem a substância das histórias escaldantes do filme, incluindo; tiros em seu primeiro show de reggae no Brooklyn, a prisão bizarra do diretor por suspeita de ser um agente da CIA, paranóia no complexo de Bob Marley, travessuras de meninos rudes, e de músicos transformados em atores, e naturalmente, lembranças simpáticas e altamente descritivas da música que primeiro atraiu Bafaloukos para a música e cultura da Jamaica.

Uma coleção inestimável de fotografias tiradas durante a concepção, escrita e produção do filme captura o espírito do tempo e dá vida ao livro. A produção de estilos e fotos tiradas durante a era de ouro do reggae por Bafaloukos, formam a espinha dorsal visual e cinematográfica do filme, reproduzindo fielmente as pessoas, estilos e locais incríveis em cores vivas e vibrantes. Juntos, o texto e as imagens dentro do filme Rockers irão descobrir novas facetas desta era tão importante na música Reggae, mesmo para os aficionados de reggae mais experientes. Além dos círculos do reggae, esta nova antologia oferece um instantâneo e incomparável je-ne sais-quoi altamente fantasiado e procurado: o cool jamaicano de todos os tempos.

Sobre o Autor

Ted Bafaloukos (1946 - 2016) - Ted nasceu na Grécia e deixou Andros Grécia aos 17 anos em meados dos anos 60 para estudar na RISD (1964 - 1968). Ele serviu 2 anos no exército grego. Ele então se mudou para Nova York logo depois e eventualmente ficou fascinado pela música jamaicana depois de ver um show intimista ao vivo no Brooklyn.

Seb Carayol - Editora, curadora, escritora de filmes e livros. Carayol foi curadora do jornal 'Jamaica Jamaica!' e Hometown HiFi Exhibitions, e foi o autora do livro Agents Provocateurs para a Gingko Press.

Cherry Karou Hulsey - Cherry é a viúva de Patrick Hulsey, produtor de Rockers, o filme, e estava no set para as filmagens. Ela concebeu o livro Rockers e atuou como editora sênior do projeto.

Eugenie Bafaloukos - Eugenie é figurinista e viúva do diretor Ted Bafaloukos. A Sra. Bafaloukos mora em Andros, Grécia.

Detalhes do produto

Autor: Ted Bafaloukos (Autor), Seb Carayol (Editor), Cherry Karou Hulsey (Editor), Eugenie Bafaloukos (Editor Consultor)

Editora: Gingko Press (16 de junho de 2020)

Idioma: Inglês

Capa dura: 320 páginas

ISBN-10: 3943330486

ISBN-13: 978-3943330489

Dimensões: 23,37 x 3,3 x 30,73 cm

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INDIGENOUS RESISTENCE: O COLETIVO ANARQUISTA GLOBAL FAZENDO DUB DECOLONIAL

2021-07-07T12:49:00.003-03:00

Quando John Cage escreveu 4’33”[1], a composição notória que abalou silenciosamente a América burguesa nos anos 1950, ele imaginava ser recebido por um público africano ou ser tocado por músicos africanos? As primeiras exibições da peça no continente aconteceram na África do Sul. Um foi interpretado por um homem branco dos EUA e outras instâncias foram executadas em particular dentro das universidades de elite do país.

Embora o imperialismo possa ter se manifestado indiretamente nesses considerandos, algumas das obras de Cage tinham conotações coloniais mais flagrantes. Como um dos percussionistas mais requisitados da América, ele foi contratado para escrever música "primitiva" inspirada na Ásia e na África para uma apresentação em Seattle na década de 1940. A apropriação indébita e os abusos culturais intencionais como esse continuam a enfurecer as comunidades indígenas e seus aliados.

IR 59 Eritrea Dub Journey:E-Book & Soundtrack by Indigenous Resistance

O coletivo e o selo Indigenous Resistence são um desses grupos. Com membros localizados em todo o mundo, a intervenção mais recente do coletivo é “When Silence Rises from Earth”, um curta-metragem de uma performance única de 4’33” filmado em seu Dub Museum em Kampala, Uganda (o centro de suas operações). Menos uma performance do que uma cerimônia silenciosa para preparar o tradicional tambor djembe, é significativo em sua autonomia do mundo institucional de financiamento corporativo, festivais de música, academia e cenas de arte de vanguarda.

O conceito veio a eles em uma visão. “Ele também veio de um desejo - um desejo de equilíbrio”, disse o grupo, falando em conjunto e anonimamente. “Tal como acontece com o dub reggae, o 4’33 de Cage” tem sido frequentemente discutido por seu uso do silêncio como uma fonte de experiência mística. Escolhemos adaptar a composição de Cage e enfatizar uma dimensão política, ao mesmo tempo que enviamos a mensagem de que o ativismo político requer uma prática espiritual.” Então segue seu mantra e chama às armas: “Em silêncio nos preparamos.”

IR 48 Indigenous Resilence:Caballo feat Simon Paul Dene by Caballo feat Simon Paul Dene

Remoção e opressão indígenas fizeram parte da história de muitos países, e a luta continua até hoje. Os integrantes do IR estão particularmente preocupados com os papuásios ocidentais originais que foram anexados pelo Estado indonésio e com o povo Rohingya que foi desalojado de suas casas em Mianmar. Cada um dos membros do IR tem uma "história pessoal de estudo dos sistemas coloniais e neocoloniais de opressão e resistência anticolonial", bem como "anarquistas e outras filosofias, tradições e expressões culturais politicamente radicais". Eles querem cortar o barulho do capitalismo ocidental para exigir seus direitos humanos por meio do ativismo baseado na experiência vivida e no conhecimento tradicional.

Embora o trabalho de Cage não aborde explicitamente o (pós) colonialismo, ele compartilha alguns preceitos fundamentais com o IR: um compromisso com o ruído politicamente carregado, a escuta socialmente engajada e a centralidade da percussão. O grupo observa que quando os africanos foram escravizados, seus tambores foram proibidos e confiscados. “Os proprietários de escravos e plantações reconheceram claramente que os africanos eram capazes de se comunicar usando aqueles tambores e temiam que essas comunicações pudessem levar a revoltas”, afirmam. “A música vem com um código que tem o poder de organizar as pessoas. É uma ameaça à estrutura de poder.”

Anarchist Africa::When Visions Fall From Sky by IR::Sankara Future Dub Resurgence

O lendário encontro de Thomas Sankara e Fela Kuti veio para simbolizar essa convergência natural do musical e do político para a Resistência Indígena. O primeiro foi o líder socialista de Burkina Faso que desafiou a exploração colonial francesa e o elitismo, mesmo depois que a independência foi assegurada. Sua política revolucionária complementou o Afrobeat anti-establishment de Fela durante os anos 1980, mas sua camaradagem foi rompida quando Sankara foi assassinado aos 37 anos. (Um dos grupos que lançam no IR é Sankara Future Dub Resurgence, nomeado em homenagem óbvia.)

Os lançamentos do Indigenous Resistence se encaixam amplamente na categoria "dub", mas quando questionados sobre sua relação com o subgênero, a questão foi invertida. “Para o IR, dub não é uma coisa - é a qualidade de uma coisa, a qualidade do dub de qualquer coisa. Vivemos em um mundo onde a música, bem como outras formas de resistência, protesto e linguagem de justiça social, são institucionalizadas, neutralizadas e desvitalizadas na corrente branca capitalista colonial. Dub é o lado B desses momentos de assimilação e cooptação. Trata-se de fermentar a revolta, fazendo tremer a Babilônia. Isso lança nossas percepções de como as frequências sônicas podem e devem ser usadas em total desordem”, dizem eles.

IR 36 Galdino: Extension Of Truth by Indigenous Resistance

Produtores como Ramjac, The Fire This Time e Dhanghsa, também conhecido como Dr. Das da banda Asian Dub Foundation (bem como convidados como Adrian Sherwood, Jah9 e Herman Soy Sos Pearl), há muito exploram o lado mais pesado e industrial do dub. Os lançamentos do IR são quase austeramente eletrônicos, deixando de lado as raízes reconfortantes do reggae em favor de uma artilharia sônica devastadora. É uma filosofia compartilhada pela inspiração nominal do IR, a inovadora equipe de techno de Detroit, Underground Resistance, que se opôs igualmente ao opressor sistema de poder da Babilônia.

Ambos os grupos fazem referência ao Afrofuturismo, mas onde a iconografia e estética de UR eram amplamente mitológicas, o trabalho de IR é baseado em eventos históricos - casos violentos de expropriação de terras, extração de recursos e genocídio cultural, bem como tradições pré-coloniais que eles insistem que estão vivendo, as tradições coloniais e opressoras estão vivas. Uma história que aparece com frequência em sua discografia é a de Galdino Jesus dos Santos: líder da tribo Pataxó no Brasil que foi queimado até a morte em 1997 pelos filhos de juízes e advogados de elite em Brasília. “Eles receberam tratamento privilegiado durante o tempo de prisão enquanto aguardavam julgamento”, diz o coletivo IR. “Eles receberam sentenças incrivelmente leves e logo estavam de volta às ruas, festejando na praia sem remorso.”

IR 59 Eritrea Dub Journey:E-Book & Soundtrack by IR: Indigenous Resistance & UR Underground Resistance

A Resistência Indígena contribui para essas tradições vivas com obras originais de palavras, sons e poder (para usar uma frase do Rastafarianismo). Assim como seu desprezo por fronteiras, seu processo artístico flui entre e através das mídias. Eles fizeram documentários, gravaram podcasts e organizaram pinturas murais em cidades de todo o mundo. Seu último lançamento, Eritrea Dub Journey, é um e-book e trilha sonora de 300 páginas que leva o ouvinte em uma jornada pelos “mundos dub da Eritreia, Etiópia, Vietnã, Marrocos, Senegal, Jamaica e Ilha da Tartaruga”. Mas, em última análise, onde quer que vaguem, eles sempre voltarão a soar como o meio principal para sonhar com um futuro mais parecido com nosso passado pré-colonial.

“Uma versão IR não precisa ser atemporal”, dizem eles. “Só precisa ecoar no tempo. Porque às vezes, leva muito tempo para uma mensagem chegar até nós do lado B do mundo.”

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[1] 4'33" é uma música, de 1952, do compositor e maestro John Cage, a qual é composta de quatro minutos e meio de silêncio. A obra se enquadra no movimento happening e é uma peça precursora da arte conceitual, por criar a expectativa, mas não executar uma única nota musical.

Por Oliver Walkden, originalmente publicado @ https://daily.bandcamp.com/label-profile/indigenous-resistance-label-profile

A VIDA NÃO É ÚTIL - CAPA COMUM - POR AILTON KRENAK

2021-07-01T14:39:00.002-03:00

A Vida Não é Útil Capa Comum – 7 agosto 2020 - https://fyashop.com.br/a-vida-nao-e-util-capa-comum

Em reflexões provocadas pela pandemia de covid-19, o pensador e líder indígena Ailton Krenak volta a apontar as tendências destrutivas da chamada “civilização”: consumismo desenfreado, devastação ambiental e uma visão estreita e excludente do que é a humanidade.

Um dos mais influentes pensadores da atualidade, Ailton Krenak vem trazendo contribuições fundamentais para lidarmos com os principais desafios que se apresentam hoje no mundo: a terrível evolução de uma pandemia, a ascensão de governos de extrema-direita e os danos causados pelo aquecimento global.

Crítico mordaz à ideia de que a economia não pode parar, Krenak provoca: “Nós poderíamos colocar todos os dirigentes do Banco Central em um cofre gigante e deixá-los vivendo lá, com a economia deles. Ninguém come dinheiro”. Para o líder indígena, “civilizar-se” não é um destino. Sua crítica se dirige aos “consumidores do planeta”, além de questionar a própria ideia de sustentabilidade, vista por alguns como panaceia.

Se, em meio à terrível pandemia de covid-19, sentimos que perdemos o chão sob nossos pés, as palavras de Krenak despontam como os “paraquedas coloridos” descritos em seu livro Ideias para adiar o fim do mundo, que já vendeu mais de 50 mil cópias no Brasil e está sendo traduzido para o inglês, francês, espanhol, italiano e alemão.

A vida não é útil reúne cinco textos adaptados de palestras, entrevistas e lives realizadas entre novembro de 2017 e junho de 2020.

Pesquisa e organização de Rita Carelli.

Sobre o Autor

AILTON KRENAK nasceu em 1953. Ativista do movimento socioambiental e de defesa dos direitos indígenas, organizou a Aliança dos Povos da Floresta, que reúne comunidades ribeirinhas e indígenas na Amazônia. É comendador da Ordem de Mérito Cultural da Presidência da República e doutor honoris causa pela Universidade Federal de Juiz de Fora, em Minas Gerais. Autor de Ideias para adiar o fim do mundo.

Detalhes do produto

Autor: Ailton Krenak (Autor), Alceu Chiesorin Nunes (Arte de Capa)

Editora ‏ : ‎ Companhia das Letras; 1ª edição (7 agosto 2020)

Idioma ‏ : ‎ Português

Capa comum ‏ : ‎ 128 páginas

ISBN-10 ‏ : ‎ 8535933697

ISBN-13 ‏ : ‎ 978-8535933697

Dimensões ‏ : ‎ 16 x 10.67 x 1.02 cm

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IDEIAS PARA ADIAR O FIM DO MUNDO [NOVA EDIÇÃO] - POR AILTON KRENAK

2021-07-01T14:31:00.003-03:00

Ideias Para Adiar o Fim do Mundo (Nova Edição) Capa Comum – 24 julho 2020 - https://fyashop.com.br/ideias-para-adiar-o-fim-do-mundo-nova-edicao-capa-comum

Uma parábola sobre os tempos atuais, por um de nossos maiores pensadores indígenas.

Ailton Krenak nasceu na região do vale do rio Doce, um lugar cuja ecologia se encontra profundamente afetada pela atividade de extração mineira. Neste livro, o líder indígena critica a ideia de humanidade como algo separado da natureza, uma “humanidade que não reconhece que aquele rio que está em coma é também o nosso avô”.

Essa premissa estaria na origem do desastre socioambiental de nossa era, o chamado Antropoceno. Daí que a resistência indígena se dê pela não aceitação da ideia de que somos todos iguais. Somente o reconhecimento da diversidade e a recusa da ideia do humano como superior aos demais seres podem ressignificar nossas existências e refrear nossa marcha insensata em direção ao abismo.

“Nosso tempo é especialista em produzir ausências: do sentido de viver em sociedade, do próprio sentido da experiência da vida. Isso gera uma intolerância muito grande com relação a quem ainda é capaz de experimentar o prazer de estar vivo, de dançar e de cantar. E está cheio de pequenas constelações de gente espalhada pelo mundo que dança, canta e faz chover. [...] Minha provocação sobre adiar o fim do mundo é exatamente sempre poder contar mais uma história.”

Desde seu inesquecível discurso na Assembleia Constituinte, em 1987, quando pintou o rosto com a tinta preta do jenipapo para protestar contra o retrocesso na luta pelos direitos indígenas, Krenak se destaca como um dos mais originais e importantes pensadores brasileiros. Ouvi-lo é mais urgente do que nunca.

Esta nova edição de Ideias para adiar o fim do mundo, resultado de duas conferências e uma entrevista realizadas em Portugal entre 2017 e 2019, conta com posfácio inédito de Eduardo Viveiros de Castro.

Sobre o Autor

Detalhes do produto

Autores: Ailton Krenak (Autor), Alceu Chiesorin Nunes (Arte de Capa)

Editora ‏ : ‎ Companhia das Letras; 2ª edição (24 julho 2020)

Idioma ‏ : ‎ Português

Capa comum ‏ : ‎ 104 páginas

ISBN-10 ‏ : ‎ 8535933581

ISBN-13 ‏ : ‎ 978-8535933581

Dimensões ‏ : ‎ 15.8 x 11 x 1 cm

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MALCOLM, MARCUS, MARLEY E MARTIN: UMA OLHADA NAS CONEXÕES ENTRE QUATRO ÍCONES DE KEYAMSHA, O DESPERTAR

2021-06-29T21:54:00.001-03:00

Malcolm X ... Marcus Garvey ... Bob Marley ... Martin Luther King, Jr. Esses quatro nomes são sinônimos do Keyamsha, o Despertar. Curiosamente, todos os seus nomes têm a letra “M.” Nesta postagem, examinamos vários fatos que conectam esses homens. O que levou a essas conexões? Coincidência? Sincronicidade? Destino? Fé? Algo que não podemos começar a compreender? Tudo acima?

Começamos com a conexão entre Malcolm X e Marcus Garvey. Os pais de Malcolm, Louise Langdon Norton Little e Earl Little, se conheceram em uma convenção em1918 no Canadá da organização sob a qual Marcus Garvey era o presidente geral: a Universal Negro Improvement Association ou UNIA. O tio de Louise, Edgerton Langdon, era membro da UNIA. O pai de Malcolm, Earl, ocupou vários cargos de liderança na UNIA. Seu pai também fez uma petição ao presidente dos Estados Unidos da América, Calvin Coolidge, pela libertação de Marcus Garvey da prisão. O primeiro capítulo da “A Autobiografia de Malcolm X” trata essencialmente de três tópicos:

O pai de Malcolm, o reverendo Earl Little
Marcus Garvey e,
a UNIA.

Malcolm nasceu em 17 de maio de 1925. Isso aconteceu sete anos depois do linchamento de Mary Turner, grávida de oito meses, em Valdosta, Geórgia, em 17 de maio de 1918. A Black Star Line foi formada como Delaware Corporation em 27 de junho de 1919, apenas um mês após o aniversário de um ano do linchamento de Turner. Seu linchamento também pode ter sido um catalisador para o Red Summer (Verão Vermelho), os ataques de negros nos EUA por brancos durante 1919. Um ano após o Red Summer, a primeira Convenção Internacional da UNIA ocorreu em 1º de agosto de 1920. Essa convenção levou ao que foi referido como a “Segunda Proclamação da Emancipação”, a Declaração dos Direitos do Povo Negro do Mundo. Na Declaração de Direitos, a declaração 39 declara que as cores Vermelho, Preto e Verde são as cores de todos os negros em todo o mundo.

É este o livro a que Bob Marley se referia na canção Redemption? Assista ao vídeo aqui (logo acima) para ver por si mesmo.

Bob Marley e Marcus Garvey nasceram na paróquia jamaicana de Saint Ann. Marcus Garvey nasceu em 1887 na capital de St. Ann’s Bay, enquanto Marley nasceu na cidade de Three Mile.

Martin Luther King nasceu em Atlanta, Geórgia, em 15 de janeiro de 1929. Apenas dois anos antes, Marcus Garvey foi libertado da Penitenciária Federal de Atlanta, onde havia sido detido sob acusações falsas de fraude postal.

Martin Luther King era membro da Montgomery Improvement Association. A organização que Marcus Garvey liderou como presidente-geral e foi chamada de Universal Negro Improvement Association, também conhecida como UNIA.

Malcolm X era membro da Nação do Islã. O fundador da Nação do Islã, Elijah Muhammad, era ex-membro da UNIA.

Martin Luther King escreveu uma carta famosa da prisão em Montgomery, Alabama, onde usa a frase "Devemos usar o tempo criativamente, sabendo que o tempo está sempre pronto para ser colhido para fazer o que é certo." Marcus Garvey escreveu uma carta famosa enquanto estava detido na penitenciária de Atlanta. “The First Message to the Negroes of the World” (A Primeira Mensagem para os Negros do Mundo) é a declaração na qual ele incentiva seu público a “Procure-me no no meio do furacão”.

Em 26 de março de 1964, o Dr. King e Malcolm se reuniram no Senado dos Estados Unidos para debater o Projeto de Lei dos Direitos Civis. Eles apertaram as mãos e riram após uma entrevista coletiva realizada pelo Dr. King sobre o debate.

Dr. Martin Luther King, Jr. Ralph David Abernathy e Malcolm X
fora do edifício do Capitólio dos Estados Unidos em 26 de março de 1964.

Antes de seu assassinato em fevereiro de 1965, Malcolm se encontrou com Coretta Scott King em Selma, Alabama. Ele falou sobre suas lutas pessoais. Ele também expressou interesse em trabalhar com o movimento não violento e fez um discurso em uma igreja enquanto estava lá.

Telegrama do Dr. Martin Luther King Jr. para Betty al-Shabazz (esposa de Malcolm X)
expressando sua solidariedade pela morte de seu marido, Malcolm X.

Em fevereiro de 1965, o Dr. King enviou um telegrama para a viúva de Malcolm, Betty Shabazz, expressando sua tristeza quando Malcolm X foi assassinado. O Dr. King afirmou que, embora eles não concordassem com os métodos para resolver o problema racial, ele tinha uma profunda afeição por Malcolm e que ele tinha uma grande capacidade de apontar a existência e a raiz do problema.

Em junho de 1965, Martin Luther King Jr. visitou a Jamaica com sua esposa Coretta Scott King. Enquanto estava lá, o Dr. King depositou uma coroa de flores no santuário de Marcus Garvey em 20 de junho de 1965. Ele foi o primeiro dignitário internacional a visitar a Jamaica e prestar sua homenagem no túmulo de Garvey. King afirmou que Garvey foi o primeiro a dar aos negros "um senso de dignidade". Durante seus comentários na Universidade das Índias Ocidentais, o Dr. King disse aos ouvintes que era na Jamaica que ele se sentia um ser humano.

O Dr. Martin Luther King Jr. (segundo da direita) estuda as fotografias penduradas no suporte
de pedra do Mausoléu Garvey depois de colocar uma coroa de flores no santuário de Garvey
no Parque Memorial George VI ontem (20 de junho de 1965). Outros na foto são da esquerda,
Sr. Frank Hill, presidente da Jamaica National Trust Commission; Sra. Amy Jacques Garvey
(viúva do Sr. Garvey) e Sr. Eustace White, secretário da filial da Jamaica da ONU.
(Legenda do Jamaica Gleaner)

Quando o corpo de Marcus Garvey foi trazido para a Jamaica por ocasião de ele ser nomeado o primeiro herói nacional da Jamaica e consagrado no National Heroes Park em Kingston, seu caixão desfilou pelas ruas da Jamaica antes das cerimônias em homenagem a seu sepultamento. Bob Marley também é um Herói Nacional da Jamaica. Ele também desfilou pelas ruas de Kingston em seu caixão antes de ser sepultado em sua casa em Saint Ann.

Bob Marley citou Marcus Garvey, que disse: "Vamos nos emancipar da escravidão mental, porque embora outros possam libertar o corpo, ninguém além de nós mesmos podemos libertar a mente." Em Sydney, Nova Scotia, durante outubro ou novembro de 1937.

Em sua conhecida “Redemption Songs”, Bob Marley canta “Emancipem-se da escravidão mental, ninguém além de nós mesmos pode libertar nossas mentes”. Essa é uma citação parafraseada de Marcus Garvey. Em seu discurso intitulado "The Work That Has Been Done" proferido em 1937 em Sydney, no Menelik Hall, Nova Escócia onde Marcus Garvey da disse: "Vamos nos emancipar da escravidão mental, pois embora outros possam libertar o corpo, ninguém além de nós mesmos pode libertar a mente. A mente é nosso único governante; soberano." Durante o vídeo de “Redemption Song” às 2:15, Marley canta a letra “nós temos que cumprir o livro”. Pode-se presumir que o livro sobre o qual ele é a Bíblia cristã. No entanto, conforme as palavras são cantadas, a imagem de Marcus Garvey aparece, removendo todas as dúvidas de que o livro mencionado não é outro senão “The Philosophy and Opinions of Marcus Garvey”.

Em um discurso intitulado "Where Do We Go From Here", proferido antes da Convenção Anual da Conferência de Liderança Cristã do Sul (SCLC) em 16 de agosto de 1967, o Dr. King declarou:

“O negro só será livre quando descer às profundezas de seu próprio ser e assinar com a pena e a tinta da coragem assertiva sua própria proclamação de emancipação.”

Notavelmente, foi exatamente isso que os membros da UNIA e Marcus Garvey fizeram em 13 de agosto de 1920. Nessa data, eles produziram o documento conhecido como Declaração dos Direitos do Povo Negro do Mundo. Na declaração de direitos, uma das declarações 39 afirma:

“Que as cores, vermelho, preto e verde, sejam as cores da raça negra.”

Por mais de trinta anos, o Empire State Building foi iluminado em vermelho, preto e verde em homenagem ao Dr. Martin Luther King Jr. A prática começou na primeira celebração do Dia do Rei e tem continuado desde então.

O Dr. Martin Luther King Jr. era conhecido como alguém que “usava o poder das palavras e atos de resistência não violenta, como protestos, organização de base e desobediência civil para alcançar objetivos aparentemente impossíveis”. Uma de suas táticas menos conhecidas ou discutidas é aquela da qual ele falou apenas uma semana antes de seu assassinato. Em 25 de março de 1968, o Dr. King fez uma declaração que mostra que ele pode ter se movido em outra direção na época em que sua vida terminou prematuramente.

“Há pontos em que vejo a necessidade da segregação temporária para se chegar à sociedade integrada. Posso apontar alguns casos. Eu vi isso no Sul, nas escolas sendo integradas, e eu vi isso nas Associações de Professores sendo integradas. Muitas vezes, quando eles se fundem, o Negro é integrado sem poder ... Não queremos ser integrados sem poder; queremos estar integrados no poder.”

“E é por isso que eu acho que é absolutamente necessário ver a integração em termos políticos, ver que existem algumas situações em que a separação pode servir como um ponto de passagem temporário para o objetivo final que buscamos, que eu acho que é a única resposta em uma análise final para o problema de uma sociedade verdadeiramente integrada. ”

Nesse ponto, terminamos este artigo. Esperamos que você tenha gostado e esteja vendo esses ícones do Keyamsha, o despertar sob uma luz muito diferente. Hotep!!!

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Por Nnmadi Azikiwe, originalmente publicado @ https://keyamsha.com/2017/09/11/malcolm-marcus-marley-and-martin-a-look-at-connections-between-four-icons-of-keyamsha-the-awakening/

FYASHOP :: NOVIDADES EM ESTOQUE :: 2021-06

2021-06-28T18:45:00.004-03:00

A lojinha continua crescendo com o cadastro dos títulos do estoque antigo e novos títulos. E o lojinha abriu uma seção de downloads com Arcanjo Ras e Junior Dread logo no início. São 8 álbuns novos e alguns lançados em meados dos anos 2000 e 2010. Além dos Downloads, livros com autoria de Frantz Fanon, Nei Lopes e Muryatan S. Barbosa, e as biografias de Jimmy Cliff com autoria de David Katz e um achado que é a biografia de Joseph Hill e do Culture. Além de todas as novidades em 7inch's, 10inch's, 12inch's e LP's.

Destaques para: Arcanjo Ras, Junior Dread, Anthony B, Subatomic Sound System, Horace Andy, Singer Blue, Tristan Palmer, Roots Garden, Robbie Valentine, Danny Red, Eva Keyes, Jah Warrior, Tony Roots, Barry Issacs, Reggae On Top, Jah Mason, Prince Alla, Johnny Clarke, Vivian Jones, Pablo Gad, Culture Freeman, Bush Chemists, Ricky Lewis, Jonah Dan, Bunnington Judah, Centry, Manasseh, Million Stylez, Skarra Mucci, Conscious Sounds, Dan I Locks, Alpha & Omega, Indica Dubs e muito mais.

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Downloads

7inch's

10inch's

12inch's

Ras Tuffy Irie - Hail Rastafari / Battlefield (12")

Culture Freeman / The Bush Chemists - Light Up Your Spliff / Maniac Dub (12")

Jah Mason ‎– Jah Jah Calling (12")

Jah Mason / Jah Warrior - So Long / Jungle Warrior (12")

Prince Alla / Sister Maria / Brian Bless ‎– Get Burned / Movin / None Shall Escape The Judgement

Fikir Amlak / Russ D / King Alpha - I Am That I Am (12")

Errol Dunkley Ft Daddy Freddy / Million Stylez / Deadly Hunta / Louie Culture - You've Been Bad Riddim (12")

Cardopusher - Gibold (12")

Balkansky - East Operations Prt 1 (12")

Syntonics - Material (12", Yel)

Danny Red & Paul Fox - Lion In Me / Still Chanting (12")

Danny Red - Babylon Sick / Jah Is Here (12")

Vivian Jones - Physical (12", RE)

Steven Wright - Visions Of Jah (12", RP, Gre)

LP's

Million Stylez - Revelation Time (LP, Album)

Raggamuffin Power (LP)

Reggae Loves Soul (LP, Comp)

Skarra Mucci - Greater Than Great (LP, Album)

Alpha & Omega - Who Jah Bless (LP, Comp, Ltd)

Livros

Jimmy Cliff: An Unauthorized Biography Capa comum – Ilustrado, 15 novembro 2011

The Life And Times Of Joseph Hill and Culture Capa comum – 23 setembro 2019

Bob Marley Capa comum – 4 dezembro 2014

Dub Poets In Their Own Words Capa comum – 2 julho 2017

Filosofias Africanas: Uma introdução Capa comum – 30 novembro 2020

Sound System: The Political Power of Music Capa comum – 15 abril 2017

The Autobiography of Malcolm X – Capa Comum – 12 outubro 1987

Dancehall: The Rise of Jamaican Dancehall Culture Capa comum – Ilustrado, 12 outubro 2017

Emancipated From Mental Slavery: Selected Sayings of Marcus Garvey Capa comum – 2 maio 2019

Message to the People: The Course of African Philosophy Capa comum – 31 outubro 2020

Pré Venda - This Is Still Studio One Capa Comum 2020

Selected Writings and Speeches of Marcus Garvey Capa comum – 11 janeiro 2005

Souls of Black Folk Capa comum – 20 maio 1994

The African Origin of Civilization: Myth or Reality Capa comum – 1 julho 1989

The Encyclopedia of Reggae: The Golden Age of Roots Reggae Capa comum – 1 novembro 2012

The Tragedy of White Injustice Capa comum – 1 julho 2020

Studio One Records: Original Cover Art of the Legendary Label Capa dura – 30 novembro 2011

Studio One Records: Original Cover Art of the Legendary Label Capa dura – 30 novembro 2011

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LUIS WAGNER GUITARREIRO DEIXOU VASTA OBRA MUSICAL A SER EXPLORADA

2021-06-21T21:42:00.002-03:00

Com sua morte, cena fica órfã de um dos artistas mais plurais e criativos da música brasileira.

MARIANA BERGEL/BOIA FRIA PRODUÇÕES/DIVULGAÇÃO/JC

Luis Vagner Lopes, o "Guitarreiro", faleceu quando esta reportagem começava a ser escrita. Com a gentileza pela qual era conhecido de todos, o músico havia, tempos antes, aceitado o pedido de entrevista. "Vai ser o maior prazer falar contigo, Cristiano", disse-me, em breve conversa pelo WhatsApp. Não deu tempo. Ele acabou se indo, aos 73 anos, após sofrer uma parada cardiorrespiratória. Vagner encontrava-se, então, ao lado da filha Manauara, com quem, nos últimos tempos, morava em Itanhaém, no litoral de São Paulo.

O Guitarreiro, que se recuperava de dois AVCs, partiu em 9 de maio de 2021, um domingo - apenas dois dias depois de Cassiano, que, ao lado dele, foi um dos grandes pioneiros da black music brasileira. Como poucos, Luis Vagner especializou-se, numa carreira de mais de cinco décadas, em amálgamas sonoras que trafegavam por inúmeras vertentes da música negra mundial. Soul, funk, jazz, reggae, samba, rock, brega, blues, ritmos latino-americanos: tudo que o Guitarreiro tocava resplandecia originalidade e sentimento.

Fernanda Braz, última esposa de Vagner, com quem tiveram dois filhos (Cacaia Iolanda e Pedro Mar y Raio), sublinha que, apesar do baque decorrente do AVC, o ex-companheiro encarou as adversidades sem jamais "perder a ternura". E sempre, ela completa, com um sorriso estampado no rosto: "Ele [Vagner] mantinha o bom astral e, seja lá quem fosse, valorizava todas as pessoas. O Luis levava muito a sério a máxima do budismo, que ele professava desde 1987, de 'prezar cada pessoa'. Eu acredito que isso transformava não só a vida dele quanto a dos outros", diz Fernanda.

Filho de mãe índia, seu nome foi escolhido pelo pai, Vicente, que era músico (saxofonista, clarinetista e também violonista) da Orquestra Copacabana Serenaders. "Vagner", explicou o filho, veio do compositor erudito alemão Richard Wagner e Luis, das emanações solares. "O meu velho me falava que Luis é nome de luz. E Wagner, por sua vez, foi um revolucionário. 'Tu és, portanto, Luz Revolucionária!'"

E seu nome outra vez seria revolucionado ao ganhar do cantor paraguaio Fábio seu ilustre apelido: "Guitarreiro". Cognome eternizado, depois, na canção Luis Vagner Guitarreiro, de 1981, na qual Jorge Ben Jor louva sua exímia habilidade de guitarrista. E também de ritmista, como Jor, com malemolência, pede na letra: "Luis Vagner Guitarreiro/ Liga essa guitarra/ E anima o terreiro/ Toca jongo, samba, partido/ Maracatu e calango/ Funk, rock e baião".

Genuíno cidadão do mundo, o percurso do Guitarreiro parte da fronteiriça Bagé, onde nasceu e, entre outras "estações", passa por Porto Alegre, São Paulo, Rio de Janeiro, Paris. Mas, sempre que podia, fazia questão de valorizar a cultura rio-grandense. Como ele grafou na introdução do essencial livro Suingue, samba-rock e balanço, de Mateus Mapa, na qual se refere à uma "confluência afro-brasileira, euro cisplatina e andina": "Sempre acreditei, como artista do Sul, que existia em nós [gaúchos] um modo diferente, único. Um sotaque que se fazia novo e não reconhecido como uma vertente da música popular planetária brasileira", escreveu.

Gaúcho de Bagé com o pernambucano Paulo Diniz no projeto Mestres da Soul

MARIANA BERGEL/BOIA FRIA PRODUÇÕES/DIVULGAÇÃO/JC

O pernambucano Paulo Diniz (do big hit I want to go back to Bahia) deu voz ao primeiro sucesso comercial de Luis Vagner, a balada soul Como?, de 1972. A canção era uma declaração de amor à chacrete Índia Potira, pela qual o Guitarreiro era apaixonado. Diretamente da Praia de Boa Viagem, em Recife, o cantor não segura a emoção ao falar sobre o velho parceiro, a quem, afetuosamente, chama de "irmão". Do alto de seus 80 anos, Diniz é sucinto, mas sábio: "A obra de Vagner, imensa e linda, vai existir até o final dos tempos", avaliza.

Uma brasa, mora

Segundo Guitarreiro, que tinha 18 anos quando foram a SP, imaturidade contribuiu com o fim de Os Brasas
MARIANA ALVES/JC

Luis Vagner também é um dos precursores do rock no Rio Grande do Sul. Formado em 1965, o conjunto Os Brasas (inicialmente The Jetsons) foi, ao lado do Liverpool Sounds, o único grupo gaúcho que conseguiu gravar um LP nos longínquos anos 1960. Lançado em 1968, o álbum, homônimo, trazia um muito bem-acabado crossover entre rock inglês, psicodelia e Jovem Guarda - antecipando, de certa forma, desvenda o jornalista e pesquisador do rock nacional Fernando Rosa, a linha mestra da construção da sonoridade do chamado "rock gaúcho".

O disco abre com A distância, numa ótima versão para Oriental sadness, original dos britânicos The Hollies, além de outras canções de orientação "beat", como Benzinho não aperte, Beija-me agora, Pancho Lopez (de Trini Lopez) e a fuzz-garageira Não vá me deixar. Depois de assumir o nome Os Brasas em definitivo, o grupo passou a apresentar-se no programa Juventude em Brasa, na TV Piratini, com grande sucesso. E, após alcançar o sucesso na capital gaúcha, o grupo migrou para São Paulo, onde foi o conjunto-base do programa O Bom, de Eduardo Araújo, junto com a orquestra do maestro Peruzzi.

Os Brasas se radicaram na pauliceia quando Luis Vagner contava então 18 anos. Naquela época, contou o Guitarreiro no livro Gauleses irredutíveis, a banda era um tanto relapsa e "relaxada" com o próprio trabalho. A falta de maturidade, para ele, contribuiu para que a chama dos Brasas se extinguisse. "Tínhamos saído do Rio Grande do Sul e ido para Sampa sem conhecimento de quase nada. Éramos puros demais, guris demais. Sem malícia nenhuma para lidar com as coisas do show business musical."

Zero pro festival que julga música

Luis Vagner criou samba-rock Só que deram zero pro Bedeu inspirado em fato real
MARIANA BERGEL/BOIA FRIA PRODUÇÕES/DIVULGAÇÃO/JC

De passagem por São Paulo, o cantor e compositor Bedeu inscreveu a canção Deixa a tristeza (de seu primeiro compacto, lançado em 1971) - baseado num poema da amiga Delma Gonçalves - em um festival promovido por uma rádio.

Para o desconcerto de Bedeu, a música amargou nota zero do corpo de jurados. Uma das razões para a desclassificação, analisa Delma, teria sido a "exaltação à negritude" da letra, cujos versos declamam: "Já raiou a liberdade/ Preconceito chegou ao fim". Foi com esse episódio que, sensibilizado com o amigo, Luis Vagner teve o insight para criar Só que deram zero pro Bedeu, até hoje, um dos samba-rock mais conhecidos e tocados em bailes Brasil afora. Com eloquência, a música acaba por denunciar as vicissitudes de uma esbranquiçada sociedade que, em pleno século XXI, ainda se acredita "não preconceituosa".

A letra nada subliminar de Vagner decanta primorosos versos: "Lá no festival/ que julgam músicas/ O Bedeu levou um samba/ que falava da esperança de alguém/ E a mulher do padeiro lá da padaria/ a senhora padeira disse/ 'que bonito samba' ()/ Alta sensibilidade, espirituosidade/ só que deram zero pro Bedeu". A cantora Claudia (hoje Claudya), na primeira interpretação da música - que também tornou-se a mais conhecida -, ainda arremata, irônica e didática: "Que nota é essa, negão?".

Claudya diz que, antes de Luis Vagner lhe dar a canção, já gostava muito do trabalho do Guitarreiro como compositor. Os dois, ela conta, conheceram-se no Rio de Janeiro e, a partir daí, firmaram uma amizade. Certo dia, lembra a cantora, o músico a procurou na gravadora Odeon, da qual era contratada.

"Ele [Vagner] me mostrou pessoalmente Só que deram zero pro Bedeu. Faltava apenas uma música para completar meu LP Deixa eu dizer. A música caiu numa luva no repertório do disco", afirma a intérprete. Claudya apenas lamenta não ter tido a oportunidade de gravar outras composições de Vagner. Ela, no entanto, diz que vem estudando seu caudaloso repertório para, tão logo, promete, fazer alguma homenagem ao Guitarreiro.

Incríveis encontros

Registro do último show de Luis Vagner Lopes, antes da morte, em maio
/MANDRAQUE FILMES/DIVULGAÇÃO/JC

Em 2002, Luis Vagner participou do aclamado álbum O incrível caso da música que encolheu e outras histórias, da Ultramen. Dele é a letra e a melodia do "rocksteady" Coisa boa, música, inclusive, que celebra os encontros. Banda e artista também atuaram juntos na gravação de Grama verde, clássico de Bedeu, presente no mesmo disco.

O tecladista Leonardo Boff considera que da parceria, que marcou época, o melhor de tudo foi a amizade: "Luis Vagner era um cara, acima de tudo, querido, gentil, generoso e também humilde. Não havia fronteiras, em nossa relação, por causa da idade ou por qualquer tipo de vaidade". E as conversas, acrescenta, nunca eram "unilaterais".

Outras parcerias aconteceram mais tarde. A última, pontua Leonardo, rolou junto à Funkalister. Gremista fanático, Guitarreiro, percebendo tratar-se de um grupo 100% colorado, presenteou-lhes com a música-homenagem Gigante da Beira-Rio. "Ele gravou conosco, guitarra e voz, injetando na faixa seu ritmo e suingue únicos. Quem sabe, um dia, ainda poderemos retribuir com uma homenagem ao seu imortal tricolor?", sugere.

O percussionista Luciano Lima, o Malásia, tem o Guitarreiro como um acontecimento em sua vida. Desde o primeiro momento, os dois tiveram forte identificação. "No dia em que nos conhecemos, Luis já saiu me chamando de 'Bedeuzinho'. Trocávamos muitas mensagens e, através dele, virei praticante do budismo Nichiren [escola que segue o ensinamento de Nichiren Daishonin, monge budista que viveu no Japão no século XIII]. Sinto-me honrado de poder ter sido amigo do Guitarreiro, esse ser tão talentoso, iluminado e essencialmente livre."

Dores do mundo

Guitarreiro estava com o cantor Hyldon quando ele compôs a canção
/BELA GREGORIO/DIVULGAÇÃO/JC

Em meados dos anos 1970, no Rio de Janeiro, Luis Vagner Lopes foi morar no mitológico Solar da Fossa (pensão que abrigou de Paulo Leminski a Caetano Veloso, entre outros ícones da cultura e da contracultura). Quem também morava por lá, antes de estourar nacionalmente hits como Na rua, na chuva ou na fazenda e Na sombra de uma árvore, era o cantor de soul baiano Hyldon.

Em comum, o fato de que tanto ele quanto Vagner adoravam jogar conversa fora e isso, segundo ele, acabou por aproximá-los. Tornaram-se amigos de música e de longos bate-papos. Hyldon revela que Vagner estava com ele quando, do nada, veio-lhe, inteirinho, aquele que se tornaria um dos seus maiores sucessos: a canção As dores do mundo ("E eu vou!/ Esquecer de tudo/ As dores do mundo/ Não quero saber/ Quem fui/ Mas sim quem sou"). O primeiro a ouvi-la, antes ser gravada, garante Hyldon, foi o Guitarreiro.

Uma noite, depois de refestelarem-se no restaurante Cervantes (onde serviam o famoso sanduíche de porco com abacaxi, marca registrada do local), os dois amigos pegaram o rumo de Copacabana. Ao chegarem lá, após terem passado pelo túnel da avenida Princesa Isabel, Hyldon disse para o Guitarreiro: "Ô, Luis, acabei de fazer uma música. E ele: 'Pô, dentro do túnel, neguinho?'. E eu: 'Sim, fiz a música e, aliás, já fiz a letra. Tudo junto. Daí ele falou: 'Canta, então, pra mim!". Eu cantei e, antes mesmo de terminar, ele falou assim: 'Poxa, bicho, essa música aí é sucesso certo'. Daí, ao voltarmos para o Solar, eu terminei a canção. E, dito e feito, As dores do mundo foi um estouro daqueles em todo o Brasil".

Ourives do pop

Em 1973, Raul Seixas e Luis Vagner dividiram o estúdio para gravar suas estreias solo
/JUVENAL PEREIRA/AE/JC

Acaso o destino tivesse barrado Raul Seixas, bastaria, porém, apenas uma de suas canções para assegurar-lhe eternidade: Ouro de tolo. É a música-chave do álbum Krig-há, bandolo!. Em uma semana apenas, o compacto da música conseguiu gigantesca popularidade. Naqueles tempos de milagre econômico, a letra autobiográfica de Raulzito soou como sonoro tabefe desferido na cara da classe média. A canção também embalou audaciosa tacada de marketing, bolada pelo "mago" Paulo Coelho, coautor da letra, para transmitir aos lares brasileiros preceitos da Sociedade Alternativa.

No dia 7 de junho de 1973, no Centro do Rio de Janeiro, Raul Seixas convocou a imprensa e entoou Ouro de tolo em rede nacional. A cena foi exibida no Jornal Nacional e Raul ganhou o Brasil. Luis Vagner, assim como na história narrada por Hyldon, também vivenciou, ao lado de Raul Seixas, a previsão feita pelo também baiano Raulzito para Ouro de tolo.

Na ocasião, Raul e Guitarreiro estavam gravando suas estreias solo no mesmo estúdio (Vagner o disco Simples e Rauzlito, Krig-há). Certo dia, amanhecidos da labuta fonográfica, que varara madrugada adentro, atravessavam a pé a cidade do Rio quando Raul, em tom profético, falou: "Escute, Luis, o que vou dizer: amanhã, o País inteiro vai ligar o rádio e escutará uma música minha".

E, contou Vagner, Raulzito cantou para ele a imbricada letra de Ouro de tolo. No outro dia, sem mais lembrar o que o "retado" baiano lhe dissera, o Guitarreiro ligou o rádio e, não deu outra, a popular poesia de Ouro de tolo ressoou das caixas de som.

Música Planetária Brasileira

Luis Vagner Guitarreiro em meio a muitos outros músicos do Estado na Travessa dos Venezianos
MANDRAQUE FILMES/DIVULGAÇÃO/JC

Guitarreiro partiu, mas a música do artista vai continuar tocando nas ondas sonoras em vários lançamentos previstos para este ano. O primeiro deles, adianta o produtor-executivo Claudiomar Carrasco, que deve sair em junho e estará disponível em todas as plataformas digitais, é o álbum O espírito dos lanceiros.

Trata-se da aguardada estreia solo de Paulo Dionísio (vocalista e fundador da Produto Nacional). No disco, Dionísio faz um resgate da memória dos Lanceiros Negros, guerreiros escravizados que integraram as fileiras do exército farroupilha e foram atraiçoados no episódio conhecido como Massacre de Porongos. A produção leva a inconfundível assinatura de Luis Vagner, que também contribui, no disco, com a faixa Homem rasta.

Outra novidade é o relançamento, em vinil, pela Warner Music, de Simples, o debute solo de Luis Vagner, lançado em 1974. O LP, que sairá, inicialmente, com tiragem de 1.250 cópias, está previsto para agosto.

Também pronto para ganhar o mundo é Música planetária brasileira, álbum no qual Guitarreiro vinha trabalhando desde 2015. Voltado para o mercado internacional, com 16 faixas gravadas em francês e italiano, traz canções como a romântica Lamore, Roma, lamore (com participação especial da cantora Tati Portella) e Monte Carlo-Mônaco.

Em produção e, por enquanto, sem data para ser publicada, também está uma biografia sobre Luis Vagner, escrita pelo etnomusicólogo Mateus Mapa. E, ainda, também idealizado por Mapa, em parceria com o videomaker Antonio Padeiro, da Mandraque Filmes, começa a ser realizado o documentário O Guitarreiro (subtítulo em definição).

A ideia, explica Padeiro, é dar abrangência nacional, recorrendo à miríade de artistas, de todas as gerações, que beberam no cancioneiro vagneriano, além dos músicos com os quais tocou. As gravações, interrompidas pela pandemia, serão retomadas com a ampliação da vacinação.

Enquanto o documentário não fica pronto, pode ser visto, produzido pela Mandraque, o primeiro e único videoclipe gravado por Luis Vagner em seus mais de 50 anos de carreira. Simbora YaYa abre o álbum de título longo - condizente, todavia, com a amálgama sonora tão própria da concepção musical perseguida por ele - Samba, rock, reggae, ritmos em blues e outras milongas mais, lançado em 2020.

Mestres da Soul

Di Melo, Carlos Dafé, Tony Tornado, Paulo Diniz, Luis Vagner e William Magalhães (Banda Black Rio)
MARIANA BERGEL/BOIA FRIA PRODUÇÕES/DIVULGAÇÃO/JC

Com apresentações que já reuniram lendas da black music brasileira, como Di Melo, Paulo Diniz, Tony Tornado, Lady Zu, Calos Dafé, banda Black Rio e, é claro, o Guitarreiro Luis Vagner, o projeto Mestres da Soul, idealizado pela Bóia Fria Produções, tem à frente a jornalista Mariana Bergel.

Na edição de 2014, o projeto conseguiu o feito de, após muito tempo, reunir os grandes parceiros e amigos Luis Vagner e Paulo Diniz. Entre outras pérolas do cancioneiro soul nacional, os dois reviveram juntos as emoções despertadas pela balada “fundo d’alma” Como?, grande sucesso na poderosa voz de Diniz.

Com o Mestres da Soul, diz Mariana, a intenção é colocar em evidência artistas consagrados no gênero musical “black”, que, cada vez mais, vem ganhando força tanto no cenário underground quanto no mainstream.

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Por Cristiano Bastos, originalmente publicado @ https://www.jornaldocomercio.com/_conteudo/especiais/reportagem_cultural/2021/06/797235-luis-vagner-guitarreiro-deixou-vasta-obra-musical-a-ser-explorada.html

Cristiano Bastos é jornalista e autor dos livros 'Gauleses irredutíveis – Causos & Atitudes do Rock Gaúcho', 'Julio Reny' – Histórias de amor e morte', 'Júpiter Maçã: A efervescente vida e obra', 'Nelson Gonçalves: O rei da boemia' e 'Nova carne para moer'. Também dirigiu o documentário 'Nas paredes da pedra encantada', sobre o álbum Paêbirú, de Lula Côrtes e Zé Ramalho.

A RAZÃO AFRICANA: BREVE HISTÓRIA DO PENSAMENTO AFRICANO CONTEMPORÂNEO

2021-06-20T12:54:00.006-03:00

A Razão Africana: Breve História do Pensamento Africano Contemporâneo Capa Comum – 7 agosto 2020

- https://fyashop.com.br/a-razao-africana-breve-historia-do-pensamento-contemporaneo-capa-comum

O colonialismo não se ocupou apenas de territórios. Também se provou bastante eficaz em povoar as mentes. E, por causa da hegemonia europeia e branca, durante muito tempo soubemos pouco a respeito da produção intelectual nos países africanos. Terminado o período colonialista, demorou ainda muitos anos para passarmos a valorizar ― e a articular ― nomes fundamentais da filosofia e das ciências sociais daquele continente. Temas como nação, autonomia cultural, racismo, identidade e entendimento da questão negra perpassam o melhor pensamento vindo da África nos últimos dois séculos. E nos ajudam, latino-americanos e brasileiros, a ler com mais acuidade a nossa própria posição no Ocidente. É o que propõe este livro pioneiro, escrito com clareza exemplar pelo historiador Muryatan S. Barbosa; uma obra de síntese, abrangente e sofisticada, para ser lida por qualquer pessoa interessada na construção de um sistema intelectual original e inovador. O autor oferece um panorama claro e articulado (no percurso social e na história das ideias) sobre pensadores e conceitos que ajudaram a romper os grilhões da África. E do mundo inteiro.

Sobre o Autor

Nasceu em 1977 em Lund, na Suécia. Historiador, é autor de Guerreiro Ramos e o personalismo negro. É professor da graduação e do Programa de Pós-Graduação da Universidade Federal do ABC (UFABC).

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AS PESSOAS AINDA COMPRAM CD'S? A RESPOSTA É SIM - MILHÕES AINDA SÃO VENDIDOS TODOS OS ANOS

2021-06-18T22:28:00.001-03:00

A resposta curta à pergunta que tantos fãs de música fizeram - 'as pessoas ainda compram CDs?' - é absolutamente 'sim'. Mas, apesar de dezenas de milhões de vendas de CDs em todo o mundo, as evidências indicam que muito menos consumidores estão comprando CDs em meio a pandemia (do COVID-19). É parte de uma tendência que pode continuar mesmo depois do COVID estar no retrovisor.

Quase 11 milhões de CDs foram vendidos durante o primeiro semestre deste ano (de 2020) - somente nos Estados Unidos. Vá para o segundo maior mercado musical do Japão e os CDs continuam sendo o formato dominante, com mais de 70% de todas as vendas de músicas gravadas. Mas com a COVID fechando as lojas de discos, as vendas de CDs em ambos os mercados podem enfrentar sérias quedas no futuro.

De acordo com a Recording Industry Association of America (RIAA), as receitas de música gravada nos EUA aumentaram 5,6 por cento durante o primeiro semestre de 2020, para US $ 5,7 bilhões em valor de varejo, em comparação com o mesmo período de 2019. O fato de que esse crescimento ocorreu em meio à pandemia é significativo, com os fanáticos por CDs ainda fazendo compras, apesar do fechamento de lojas de discos e bloqueios generalizados.

Claro, a maior parte do aumento semestral é atribuível ao streaming. Mas os fãs dos Estados Unidos compraram cerca de 10,6 milhões de CDs, com receita total de US $ 129,9 milhões, durante os primeiros seis meses de 2020. Embora substanciais, os números representam uma queda clara em relação ao primeiro e segundo trimestres de 2019, quando os fanáticos por música física gastaram cerca de US $ 247,9 milhões em cerca de 18,6 milhões de CDs.

A maioria dos executivos de música ao vivo acredita que concertos baseados na multidão e festivais de música ressurgirão em algum momento de 2021, e o sucesso clínico preliminar da vacina contra o COVID-19 da Pfizer, sem dúvida, é um bom presságio para o período de tempo e o retorno da música ao vivo. Conforme as coisas voltam ao normal e os fãs voltam a desfrutar de shows não socialmente distantes, será interessante ver como - ou se - as vendas de CD mudam.

Embora seja fácil presumir que as vendas de CDs irão se recuperar automaticamente aos níveis pré-COVID, alguns fatos sugerem que a mudança em curso vai durar mais que o vírus. Primeiro, o streaming está ganhando força - o que significa que alguns ex-amantes do CD podem optar por continuar aproveitando a conveniência e acessibilidade das plataformas digitais pós-pandemia. De modo geral, nos últimos meses e anos, os principais serviços de streaming adicionaram um número considerável de usuários aos seus serviços.

Em seguida, o vinil amarrou silenciosamente 14 anos de crescimento consecutivo, e até mesmo a pandemia (bem como os shows cancelados e lojas de discos fechadas que trouxe) provou ser incapaz de quebrar a seqüência de mais de uma década. As remessas de novos discos de vinil tiveram um salto de 2,3 por cento entre o primeiro semestre de 2019 e o primeiro semestre de 2020, totalizando 8,8 milhões de unidades e US $ 232,1 milhões em receita, de acordo com a RIAA. Os ganhos do mercado de vinis usados são mais impressionantes e as tendências gerais parecem capazes de diminuir ainda mais as vendas de CDs.

Claro, esta resposta abrangente à velha questão - as pessoas ainda compram CDs? - refere-se a vendas apenas nos Estados Unidos. Mas o pivô doméstico do formato parece se refletir em outras nações - incluindo o Japão, onde os CDs há muito são a forma preferida dos consumidores de curtir música.

Embora os CDs representassem cerca de 70 por cento das vendas de músicas gravadas na 'terra do sol nascente' no ano passado, a participação de mercado dos serviços de streaming cresceu para 15 por cento. Alguns analistas do setor acreditam que o número chegará até 20% no final 2020. O tempo dirá se a previsão é verdadeira, mas os dados atuais sugerem que os CDs podem estar cedendo para streaming de uma vez por todas.

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Por Dylan Smith, originalmente publicado @ https://www.digitalmusicnews.com/2020/11/11/do-people-still-buy-cds/

40 ANOS DO SELO EXPERIMENTAL DE DUB ON-U SOUND RECORDS :: NOVE LP'S ESSENCIAIS

2021-06-17T22:58:00.002-03:00

Aos 21 anos, Adrian Sherwood já havia feito várias tentativas de lançar uma gravadora. Sherwood - então um jovem produtor e DJ londrino que trabalhava com bandas de reggae e pós-punk - co-fundou o Carib Gems, selo criado para distribuir gravações jamaicanas localmente, seguido por Hitrun, por meio do qual ele começou a lançar algumas de suas próprias produções. Então veio a 4D Records, brevemente. Foi só em sua quarta tentativa, On-U Sound, que ele co-fundou com Kishi Yamamoto em 1980, que Sherwood acabou explorando seu amor pelo reggae e mergulhou no que ele chama de "jornada de vida".

“Eu vim de uma formação reggae. Eu ainda tinha 22 anos e tinha muitas dívidas de aventuras anteriores”, disse Sherwood de sua casa no Reino Unido. “Eu era muito jovem e conheci membros do The Pop Group, Slits, Public Image Limited, e fiz alguns shows com o The Clash no início de 1980. Comecei a conhecer muitos músicos diferentes. E como não sou músico, sou produtor, estava fazendo sessões com quem eu conhecia. Gravei um monte de coisas não reggae, e com On-U, era uma questão de estar entre o grupo certo de pessoas na hora certa.”

On-U Sound completa 40 anos este ano, tendo construído um catálogo de centenas de discos. Sherwood, que inicialmente dirigia o selo de sua casa, diz que no início seu único objetivo era "sobrevivência", e cada remix de alto perfil que ele acabaria fazendo para um artista como Depeche Mode ou Simply Red acabaria financiando seu próximo lote de lançamentos. E essencialmente tudo que sua gravadora lançou foi um experimento de uma forma ou de outra. Na verdade, quase todas as bandas que lançam discos regularmente pela gravadora nem existiam até que começaram a gravar suas estreias no On-U Sound. O potencial de expressão era ilimitado.

“Todos tiveram a oportunidade de ser criativos”, diz Sherwood de sua casa no Reino Unido. “Eu dei muita liberdade para muita gente. Como a maioria dos músicos, há muita experimentação e eu estava incentivando as pessoas a se arriscarem. Nenhum deles era uma banda adequada, eles eram interesses secundários, e então eles evoluíram para bandas depois que entraram no estúdio. Para ser bem honesto, eu estava improvisando.”

Fundado em 1980, o On-U Sound passou por uma evolução significativa - desde suas primeiras permutações de dub a industrial, jazz, blues e pós-rock, até suas raízes de reggae - todos, exceto um punhado deles produzidos ou co-produzidos pelo próprio Sherwood. Aqui está um guia introdutório para nove dos melhores lançamentos da gravadora.

Off The Beaten Track by African Head Charge

A citação de Brian Eno sobre sua "visão de uma África psicodélica", em relação à sua colaboração de 1981 com David Byrne, 'My Life in the Bush of Ghosts', capturou a imaginação de Sherwood em seus primeiros 20 anos. Para ver esse conceito abstrato frutificar, ele recrutou o percussionista da Creation Rebel; Bonjo Iyabinghi Noah, cujas permutações de ritmos africanos tradicionais forneceram uma espinha dorsal para os experimentos de estúdio de gênero cruzado de Sherwood. A mais amplificada e animada dessas colaborações é Off the Beaten Track, um híbrido de dub e industrial que foi um pouco menos hostil do que o álbum Missing Brazilians’ do Warzone (1984). É um estudo de contrastes, seja na justaposição de tambores intensamente altos contra uma melódica serena ("Release the Doctor") ou nos loops das leituras de Albert Einstein de "The Common Language of Science" contra misteriosos teclados psicodélicos ("Language & Mentality"). Embora de forma alguma o lançamento mais extremo em termos de efeitos ou frequências, Off the Beaten Track, no entanto, está entre os lançamentos mais criativos e ilimitados do On-U Sound.

The Modern Sound Of Harry Beckett by Harry Beckett

O trabalho do trompetista de jazz britânico Harry Beckett remonta à década de 1950 e lista mais de 200 apresentações, incluindo 22 álbuns de sua autoria. Lançado apenas dois anos antes de sua morte, The Modern Sound of Harry Beckett é o único álbum de Beckett lançado pela On-U Sound, embora tenha dado ao som do veterano do jazz uma atualização única. Em parceria com Adrian Sherwood e um grupo eclético de músicos, incluindo o vibrafonista de jazz Orphy Robinson e o guitarrista de blues Skip MacDonald, Beckett reintroduziu sua música em um contexto totalmente novo. Ele tece suas performances sutis e melódicas através de uma faixa totalmente trip-hop como "The Storyteller" e entrando em um portal de espaço dancehall heavy metal em "Facing It". O fato de ser um dos lançamentos mais ecléticos de On-U Sound, sem falar em um dos de Beckett, mostra a reputação bem merecida do selo por virar sons familiares completamente de cabeça para baixo.

End Of The Century Party by Gary Clail & On-U Sound System

No mesmo ano em que Adrian Sherwood e o mestre de cerimônias de Bristol, Gary Clail, se juntaram para o icônico álbum de funk industrial do Tackhead, 'Friendly As a Hand Grenade', os dois artistas lançaram um conjunto similarmente maximalista de caos dub-funk com a 'End of the Century Party'. Apoiados por membros do Tackhead, que trazem uma intensidade de funk-metal hiper-carregada a este conjunto de bangers de dance alternativo politicamente carregados, Clail e Sherwood abrem um caminho anárquico de caos movido a batidas sobre tudo que se passa. Enquanto Sherwood e outros membros do On-U Sound Artists vinham explorando permutações mais intensas da dance music industrial durante grande parte dos anos 1980, End of the Century Party é mais um álbum industrial influenciado pelo dub, e vice-versa - retocado com elementos de acid house e trip-hop de Bristol - exibindo um peso agressivo que não é ouvido com tanta frequência no reggae.

Starship Africa by Creation Rebel

Os ingleses do Creation Rebel criaram raízes nos anos 1970 como a banda de apoio da lenda do dub jamaicano Prince Far-I. Dado o espaço para explorar sua própria abordagem sonora, no entanto, o grupo procurou levar o dub a lugares muito mais distantes e estranhos. Starship Africa — originalmente o único lançamento de 4D Rhythms antes de ser pego pela On-U Sound — se desdobra em duas suítes longas, cada uma apresentando uma visão de dub em sua forma mais cósmica e psicodélica. Concebido apócrifamente por Sherwood como trilha sonora de um filme dirigido por Don Letts sobre “terrores alienígenas além das estrelas” (alien dreads from beyond the stars), suas faixas de ritmo foram gravadas duas vezes, com overdubs sobre as fitas originais conforme eram reproduzidas de trás para frente. As cinco seções de “Starship Africa” embarcam em uma longa jornada através do ritmo e do espaço, viajando de seus sons mais estranhos para um dub mais básico e despojado. O similarmente épico “Space Movement” inclina-se mais tenso, mais urgente, mas ainda impregnado de efeitos alucinatórios e paisagens sonoras misteriosas, completando a segunda de duas metades interestelares complementares.

35 Years From Alpha by Deadly Headley

O saxofonista Felix Headley Bennett nunca recebeu o mesmo reconhecimento de músicos de sessão (de estúdio) como Ernest Ranglin ou Sly & Robbie, apesar de ter um currículo que ostenta mais de 400 participações em discos de nomes como Bob Marley, Bunny Wailer e Black Uhuru. Em 1982, "Deadly" Headley Bennett lançou o álbum '35 Years from Alpha', uma mistura eclética de ska, roots reggae e dub impulsionado principalmente pelas performances de saxofone de Headley. O título é uma referência ao Alpha Institute da Jamaica, uma escola famosa por seu programa de música, do qual Headley frequentou, e o álbum é um reflexo conciso da história da música jamaicana, desde o dub espaçoso de “Little Dove” ao mais som mais inspirado pelo jazz de "Headley's Medley."

Warzone by The Missing Brazilians

Em meados dos anos 80, a abordagem de Sherwood para o dub tinha se tornado mais desagradável e espinhosa, fundindo a moagem viciosa do industrial com os ritmos staccato do reggae. Em Warzone, a colaboração musical de Sherwood com Kishi Yamamoto - co-fundador da gravadora e artista visual que forneceu fotografia e design de capa para uma série de lançamentos anteriores do On-U Sound - que muitas vezes equivale a uma música que não tem nenhuma semelhança imediata com o reggae. “Frequency Feast” está entre as músicas mais intensas que a gravadora já lançou, todas as trilhas sonoras de terror e frequências distorcidas. Mesmo as faixas mais imediatas em Warzone são tratadas com os rituais de obscurecimento de Sherwood e Yamamoto; “Savanna Prance,” apresenta a vocalista promissora e mais tarde colaboradora do Massive Attack, Shara Nelson, que constrói um groove pop hipnotizante para a pista de dança apenas para ser assumido por um ruído percussivo cada vez mais ameaçador.

New Age Steppers by New Age Steppers

The New Age Steppers são uma referência na história do On-U: sua faixa de 1980 "Fade Away" foi o primeiro single lançado pela gravadora, e o álbum completo de 1981 foi o LP inaugural da gravadora On-U. O New Age Steppers era composto por um elenco aleatório de vocalistas pós-punk e membros de bandas de dub e reggae jamaicanas e inglesas que cultivavam uma fusão única. Apesar de as primeiras impressões lerem com destaque “Uma produção de Adrian Sherwood” na capa, a natureza lúdica e exploratória do álbum surge por meio de suas personalidades variadas. Ari Up do Slits fornece uma dose de energia nervosa dentro do som cavernoso de "Fade Away", e Mark Stewart do The Pop Group zomba e rosna do que parece estar a duas salas de distância no desorientador "Crazy Dreams and High Ideals". Mesmo quando perseguindo uma abordagem puramente instrumental, no entanto, The New Age Steppers ainda encontrou muitas maneiras de virar a base do reggae do avesso, como fazem na estrutura abrasiva do funk de "Radial Drill".

#N/A by Nisennenmondai

O álbum #N/A de Nisennenmondai de 2016 oferece um vislumbre do futuro da On-U Sound, moldado em parte pelos ecos de seu passado. Embora este trio de mulheres de Tóquio se destaque geográfica e estilisticamente à parte do dub vintage e do reggae roots dos primeiros anos da gravadora, as técnicas de produção de dub industrial de Sherwood e a direção tensa e rítmica da banda parecem espiritualmente conectadas a ancestrais como African Head Charge ou Missing Brazilians.

#N/A é hipnótico e expansivo: suas duas primeiras faixas sozinhas se estendem bem além da marca de 10 minutos e levam seu tempo para chegar aonde estão indo. Ainda assim - da mesma forma que Creation Rebel fez uma jornada fora das excursões de dub espacial lateral - Nisennenmondai estão constantemente se empurrando mais longe em nome do ritmo, suas batidas de chimbal ecoando e efeitos de guitarra agitados formando um halo ao redor da bola pulsante de dentro das chamas.

War Of Words by Singers & Players

O nome de Singers & Players deve ser interpretado literalmente. Sherwood reuniu um coletivo de cantores e músicos de reggae e punk que incluiu o ícone do dub Prince Far-I, o cantor Bim Sherman, Keith Levene da Public Image Ltd. e Ari Up do The Slits, entre dezenas de outros. Por mais longa que seja a lista de créditos, o álbum War of Words existe em seu próprio reino calorosamente intoxicante, filtrando os ritmos que ecoam de Kingston através de uma lente pós-punk do Reino Unido. Junto com a grossa e pesada torragem de fogo e visões de enxofre de Far-I na dublagem cavernosa de "91 Vibration", existem exercícios divertidos de punky reggae como "Sit and Wonder" e ritmos assustadoramente funky em "World of Dispensation". Embora as funções e o pessoal tenham mudado ao longo dos sete anos de Singers & Players, War of Words é uma introdução eclética, mas coesa, ao que se tornaria uma espécie de reunião do On-U Sound All Stars.

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Por Jeff Terich, originalmente publicado @ https://daily.bandcamp.com/label-profile/on-u-sound-records-guide

POR UMA REVOLUÇÃO AFRICANA :: TEXTOS POLÍTICOS POR FRANTZ FANON

2021-06-17T13:52:00.002-03:00

Por uma revolução africana: Textos políticos Capa comum – 8 março 2021
- https://fyashop.com.br/Por-Uma-Revolucao-Africana-Textos-Politicos-Capa-Comum

Uma poderosa coletânea que marca o desenvolvimento político e filosófico de um dos mais importantes pensadores da luta antirracista e anticolonial.

Recém-formado, em 1953 Frantz Fanon deixa a França para chefiar a ala psiquiátrica de um hospital na Argélia, encontrando um país em combustão social. No ano seguinte, eclode a guerra pela independência. Mergulhado na situação dramática vivida pelo povo argelino e africano em geral, ele adere ao movimento revolucionário como intelectual e militante da Frente de Libertação Nacional.

Por uma revolução africana é uma bússola do percurso de Fanon, oferecendo um panorama privilegiado do desenvolvimento de sua obra e de suas teses políticas, filosóficas e psicanalíticas. Escritos entre 1951 e 1961― anos decisivos em que produziu os clássicos Pele negra, máscaras brancas e Os condenados da terra ― e agora reunidos nessa poderosa coletânea de artigos, ensaios e cartas, seus textos políticos dão prova da potência transformadora e original que fez de seus pensamentos e ações um modelo paradigmático do intelectual ativista.

Médico, filósofo político, teórico do colonialismo e das possibilidades de superá-lo, militante da independência africana, o psiquiatra martinicano foi antes de tudo um revolucionário, inspiração central para os movimentos negros e de direitos civis no mundo. Por meio de uma profunda análise da situação do colonizado ― que pode diagnosticar através de sua experiência médica diária ―, Fanon disseca a opressão imperialista e o efeito psicológico devastador causado pelo racismo, examinando questões como o panafricanismo, os sentidos da negritude na África e no Caribe e a atitude da esquerda francesa diante da Guerra da Argélia.

Autor incontornável, Frantz Fanon nos dá as chaves para compreender os mecanismos da estrutura racista e colonial que segue nos assombrando.

O livro tem prefácio de Deivison Faustino, professor da Unifesp e especialista na obra de Fanon.

“O mais poderoso teórico do racismo e do colonialismo do século XX.” ― Angela Davis

Sobre o Autor

FRANTZ OMAR FANON nasceu na Martinica em 1925. Psiquiatra, filósofo político e militante revolucionário, foi um dos mais importantes pensadores e ativistas a tratar das questões antirracistas e anticoloniais. Autor de obras fundamentais como Peles negras, máscaras brancas e Os condenados da terra, morreu precocemente em 1961, aos 36 anos.

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JIMMY CLIFF: AN UNAUTHORIZED BIOGRAPHY - CAPA COMUM (PRÉ VENDA)

2021-06-11T14:35:00.002-03:00

Jimmy Cliff: An Unauthorized Biography Capa comum – Ilustrado, 15 novembro 2011 - https://fyashop.com.br/Jimmy-Cliff-An-Unauthorized-Biography-David-Katz-Capa-Comum

Um dos intérpretes mais prolíficos e inovadores da Jamaica e recém-nomeado para o Rock and Roll Hall of Fame, Jimmy Cliff foi aclamado como o primeiro verdadeiro superastro da música jamaicana. Como um cantor e compositor de talento único, ele é um dos primeiros artistas responsáveis por disseminar a música reggae para um público global. Com mais de 25 álbuns de estúdio em seu nome, Cliff é o único músico vivo a possuir a Ordem do Mérito por suas contribuições à cultura jamaicana. Mas o caminho para a aclamação internacional não tem sido simples. Nascido James Chambers em uma cidade subdesenvolvida do interior perto da costa norte da Jamaica, Cliff lutou contra a pobreza, a controvérsia e o preconceito. Seu papel principal como Ivan no filme inovador ‘The Harder They Come’ se baseou em aspectos das próprias experiências juvenis de Jimmy. Escrito por um dos mais importantes escritores do reggae, David Katz.

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🍌 REPUBLIQUETA DOS BANANAS 🍌

2021-06-10T11:56:00.005-03:00

Nos Correios…

Atendente: Oi.

- Oi.. boa tarde.

Atendente: Só isso hoje?

- Sim.

Atendente: Pêrae!

- ...

Atendente 2: Vou pegar os pacotes já registrados. Registra no sistema a etiqueta e me dá esse que está na sua mão.

Atendente: Não! Espera, eu não sei escrever o nome dele, é difícil.

- Eu posso te dar o meu documento ou soletrar para você.

Atendente: Você sabe soletrar?

- Sim, desde que aprendi a escrever na pré-escola, eu sei ler, escrever e soletrar.

Atendente: É muito difícil seu nome, ‘UELITU’.

- É Wellington.

Atendente: Nome chique, é americano?

- Não senhora, Wellington é um nome europeu, (a partir daqui me arrependi) ... Vem da Inglaterra, do Duque de Wellington e é o nome da Capital da Nova Zelândia, que recebeu esse nome depois da Batalha de Waterloo nos Países Baixos.

Atendente: O que?

- Waterloo!

Atendente: Ah tá... Seu filho tem nome difícil também?

- Não, foneticamente e gramaticalmente é mais fácil, Davi.

Atendente: Davi é mais fácil né, você só tem um?

- Sim, só um.

Atendente: O próximo se você tiver vai ser fácil ou difícil.

- Se um dia eu tiver mais um, vai se chamar Fidel se for homem, Helena se for mulher.

Atendente: Fidel, igual o ditador?

- Qual ditador?

Atendente: O daquele país lá na Europa.

- Fidel não é um ditador na Europa, não! Você quer dizer o Fidel Castro, de Cuba. Eles são americanos, como nós, Cuba fica na América Central, no Caribe.

Atendente: Isso mesmo! Nossa que horror lá né.

- (um certo tom de revolta com a ignorância) ... Senhora! A senhora está errada, Cuba apesar de não ser uma democracia, e com todos os embargos econômicos, não tem mendigo, criança dormindo na rua, analfabetismo, e saúde é de primeiro mundo, nós aqui precisamos de médicos Cubanos, em Cuba todos tem acesso a saúde pública e educação. Em Cuba são pouco mais de mil mortes por covid. Sua visão de ditadura e democracia é deturpada. A senhora prefere uma democracia com mais de 470 mil mortos pela ignorância e pela pandemia, seu emprego em risco por causa da privatização dos Correios, ou uma ditadura com política pública de saúde e educação?

Atendente: Quer levar uma Telessena?

- Eu não apoio quem apoia o Bozo.

Atendente: Quem?

- O Abravanel apoia o Jair.

Atendente: Abravanel é uma empresa?

- A senhora pode me dar os comprovantes? Eu assino.

Atendente: Deixa que eu preencho... U-E-L-I-T-O C-A-B-R-I-N-E.

- A senhora é concursada?

Atendente: Sim, graças a deus.

- Graças a Deus...

Atendente: Quer levar um livro, O Livro da Graça?

- Não só os comprovantes por favor. A senhora lê?

Atendente: Eu não, me dá dor de cabeça. ‘Tó’, aqui seus ‘comprovante’.

Queria muito inventar isso da minha imaginação... que país lamentável.

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O MUNDO É RÁPIDO, MAS BAD BRAINS É MAIS RÁPIDO

2021-06-09T23:35:00.005-03:00

A lendária banda de hardcore (de Washington) D.C. correu à frente de seu tempo, e ainda estamos nos atualizando

(Foto por Glen E. Friedman e ilustração por Tayler Ayers)

ELETROCUÇÃO, CONVULSÃO, POSSESSÃO, todas as opções acima, todas de uma vez. É assim que parece, mas não é. É H.R., vocalista do Bad Brains, liderando sua intocável banda punk de hardcore em um baile de três noites no CBGB de Nova York em dezembro de 1982, durante o qual várias forças parecem estar guiando seu corpo: correntes elétricas, falhas de ignição neurais, espíritos sagrados. Mas há apenas uma força em ação aqui, a música, e ele a está canalizando por toda a sua forma física até que o abandono total (da consciência) e a autoconsciência completa pareçam se unir. É isso que é liberdade?

Tudo isso acontece dentro dos 60 minutos de "Bad Brains Live at CBGB 1982", que não é realmente reproduzido como um filme de show, mas como evidência de uma câmera de vídeo de um evento sobrenatural repetido três vezes em 72 horas. Precisamos de uma filmagem como essa. Caso contrário, podemos não acreditar totalmente nas testemunhas que ainda descrevem o Bad Brains como a melhor banda ao vivo que já visitou nosso plano (terrestre).

Dito isso, provavelmente não rejeitaríamos os crentes como o tipo de pessoa que viu a Virgem Maria em seu brinde. Isso porque os dois álbuns indomáveis que o Bad Brains lançou nesta época - uma estreia homônima de 1982 e 1983 com "Rock For Light", ambos reeditados este ano junto com a maior parte da produção dos anos 80 da banda - estão repletos de hinos de velocidade estimulante, sutileza secreta, propósito profundo e otimismo imutável. O mundo acelerou nas últimas quatro décadas, mas essa música ainda parece rápida. Em tempos cada vez mais hiperbólicos, permanece extraordinário.

E daqueles que tiveram a sorte de tê-lo lançado no ar entre 1979 e 1983, o depoimento é praticamente unânime. “Eu nunca tinha visto nada parecido com eles”, disse Denise Mercedes, guitarrista dos Stimulators, descrevendo seu primeiro show do Bad Brains nas páginas de “NYHC”, a história oral de Tony Rettman sobre o hardcore de Nova York. “No momento em que eles tocaram, foi como uma bomba explodindo. Foi mais alto, foi mais rápido.”

Então, uma explosão? Isso pode descrever o poder cinético do Bad Brains como uma sensação física, mas não explica totalmente o significado da música. E por mais detonante que suas músicas parecessem, esta banda não estava destruindo nada. Em vez disso, eles estavam inventando um som poderoso que aderia ao seu credo fundamental de "atitude mental positiva", um conceito que o H.R. havia pegado emprestado do popular tratado de autoajuda de 1937 "Think And Grow Rich" (livro de Napoleon Hill, aqui no Brasil chamado 'Pense e Enriqueça'). A defesa do grupo por essa mentalidade, abreviada nas letras de H.R. como "P.M.A." (Positive Mental Attitude), registrou um contraste brilhante com a melancolia niilista que obscureceu o início da era punk. Em vez de gritar com um apocalipse iminente, Bad Brains parecia estar abrindo caminho em direção ao que quer que pudesse vir depois.

Esses álbuns também estão repletos de outras contradições cósmicas. As canções soam furiosas e extáticas, as performances parecem cruas e precisas, e todas juntas, o que parece ser uma volatilidade derretida finalmente esfria em um ato sustentado de controle supremo. A única característica inequívoca do som do Bad Brains é a velocidade.

Bad Brains, cerca de 1981, foto a partir da esquerda: Dr. Know (Gary Miller),
H.R. (Paul Hudson), Earl Hudson (front) e Darryl Jenifer. (Glen E. Friedman do livro “My Rules”)

TEMPO É UMA COISA CONTÁVEL. É uma forma quantitativa de tentar entender os mistérios qualitativos da música. Mas com Bad Brains, a velocidade é algo em que você deve dedicar sua atenção, mesmo que você já tenha ouvido as músicas 500 vezes. Há uma generosidade não perecível para a música que se move tão rápido. E ela pode revelar novas informações cada vez que passar por ela.

Ainda assim, é fácil ficar atordoado com o simples feito físico disso. Imagine quatro atletas olímpicos correndo 100 metros em sincronia em direção a uma gravata de acabamento fotográfico para ouro e você está começando a ter uma imagem da telepatia cinestésica entre o guitarrista Gary “Dr. Know” Miller, o baixista Darryl Jenifer, o baterista Earl Hudson e seu irmão mais velho H.R. (nascido Paul Hudson). De acordo com a banda, Earl ditou o tempo, começando as músicas com uma simples contagem de quatro, mas em Bad Brains ninguém lidera, ninguém persegue, ninguém se apressa à frente, ninguém fica para trás. A velocidade se torna uma expressão da coletividade. Ou talvez até uma virtude.

Em termos de carreira, o quarteto não começou da maneira mais rápida. O Bad Brains foi formado em Washington no final dos anos 70, primeiro como Mind Power, um grupo de jazz fusion inspirado em Chick Corea e Mahavishnu Orchestra, mas acabou mudando de nome e visão depois de descobrir Sex Pistols and the Damned. Na esperança de combinar aqueles escárnios britânicos com o esplendor do reggae jamaicano, eles começaram a fazer um barulho sem precedentes que inspiraria o D.I.Y. etimólogico de Minor Threat e seus pares, rapidamente tornando Washington o epicentro do hardcore americano.

Quando Bad Brains se mudou para Nova York em 1981, eles deram o pontapé inicial na cena lá também, então passaram o resto da década se esquivando da fama. Um dos primeiros empresários da banda, Mo Sussman, vendeu o grupo para grandes gravadoras como os "Black Beatles", mas a banda já havia desenvolvido uma fobia de letras miúdas em contratos de gravação - especialmente HR, cujo comportamento inconstante, e prenunciou suas lutas posteriores com sua saúde mental. Mais tarde, nos anos 80, quando H.R. supostamente faltou a uma reunião com Chris Blackwell, o fundador da Island Records creditado pelo lançamento de Bob Marley e U2, parecia que Bad Brains permaneceria uma proposição intermitente.

Em 1981, a banda ainda estava de pé, pelo menos no palco. “A maneira como o mundo estava se movendo naquela época estava fazendo todos nós tocarmos mais rápido”, disse Daryl Jenifer, a virtuose mais discreta da banda, à revista Filter em 2007. “Nossa intenção era tocar rápido, mas não tão rápido quanto nos transformamos em tocar. Estávamos apenas acelerando com o tempo, o movimento de toda a cena.”

Capa do álbum dos Bad Brains de 1982 de nome homônimo. (Bad Brains)

Essa é uma maneira de sobreviver em um planeta que está girando muito rápido: ultrapasse ele. Você pode ouvir a banda vencendo a corrida em seu primeiro álbum autointitulado, algo que eles gravaram rápido e erraticamente durante a primavera, verão e outono de 1981 no 171-A, um estúdio de gravação de quatro canais e espaço para apresentações no Lower East Side de Manhattan, onde a banda às vezes vivia e ensaiava. Os resultados soam tão brilhantes, escaldantes e irrepetíveis quanto aquele relâmpago atingindo a cúpula do Capitólio desenhada na capa icônica do álbum. É o tipo de registro que forma uma dobra permanente em sua memória no momento em que você o encontra pela primeira vez.

Ouça pela 501ª vez e você ouvirá novas faíscas disparando também. Por exemplo, você já percebeu que os momentos mais torrenciais dos solos de guitarra do Dr. Know tendem a subir no braço da guitarra como uma tempestade ao contrário? Ou como, no final de uma explosão de palavras especialmente locomotiva, H.R. gosta de curvar sua última sílaba em um grito vertical? Agora ouça a seção rítmica e tente imaginar aquele traçado de 100 metros novamente, só que desta vez com uma inclinação de 45 graus. Velocidade é velocidade mais direção. Esta é a música da ascensão - um som que se eleva na direção de uma consciência superior.

H.R. do Bad Brains dando um backflip (salto mortal de costas) no palco no CBGB
em Manhattan, cerca de 1982. (Glen E. Friedman do livro “My Rules”)

PARECE UM ABSURDO que um livro como "Think And Grow Rich" teve qualquer tipo de influência formativa sobre uma cena punk em desenvolvimento, cética em relação ao capitalismo, espiritualidade e a noção de esperança em geral, mas tudo sobre Bad Brains parecia desafiar as probabilidades. Escrito durante a Grande Depressão pelo empresário fracassado Napoleon Hill, o livro oferece técnicas para acumular riqueza pessoal por meio do pensamento positivo, e seu sucesso como best-seller perene ajudou a estabelecer todo o conceito de autoajuda americana - uma indústria de otimismo que Barbara Ehrenreich meticulosamente desmascara em seu livro de 2009 "Bright-Sided: How Positive Thinking is Undermining America". Ehrenreich descreve "Pense e Enriqueça" como um dos "clássicos da auto-ilusão", projetado para "atrelar a mente subconsciente à ganância consciente".

H.R. supostamente se agarrou à ideia de "atitude mental positiva" por completo acidente, puxando o livro da estante de seu pai após uma discussão sobre a direção de sua vida. Em "Finding Joseph I", uma biografia de RH de 2017 por Howie Abrams e James Lathos, o cantor descreveu a ideologia permanente da banda como um turbilhão de auto aperfeiçoamento tenaz e clarividência desejosa: "Acho que a filosofia era ter algo positivo a dizer - ter algum tipo de mensagem profética que provaria às pessoas que poderíamos fazer algo melhor.”

O que manteve Bad Brains ’P.M.A.' da evaporação para o woo-woo hardcore foi a capacidade da banda de moldar a realidade, de transpor seu otimismo em um som que literalmente comoveu as pessoas - incluindo HR, que ocasionalmente pontuava os gestos sonoros ininterruptos de seu colega de banda dando cambalhotas no palco, algo que ele primeiro praticou como um criança enquanto nadava no oceano. Essa fisicalidade se estendeu ao público também. Antes de se tornar ritualizado, o slam-dancing emergiu como uma resposta instintiva ao punk hardcore, e acredita-se que o termo “mosh” tenha se originado do Bad Brains falando em gíria reggae e dialeto jamaicano de cima do palco, pedindo à multidão para “misturar tudo” (mash it up).

Em todo aquele empurrão, uma espécie de otimismo do Fim dos Tempos (End Of Time) começou a se fomentar em torno dos Bad Brains. A banda tornou-se mais fervorosa em sua espiritualidade e adotou totalmente o rastafarianismo em 1982 com H.R. cantando sobre a queda da Babilônia, um conceito bíblico que se encaixava perfeitamente com a frase de condenação tão comum ao punk no início da era Reagan. Assim como ele adaptou o mantra da ganância pseudo-metafísica de Hill em um grito de guerra humanista subterrâneo, ele aprendeu a articular uma visão pacifista em um rosnado punk serrilhado. “Não queremos violência, não precisamos de guerras”, canta H.R. em “Rock for Light”, o flash de utopismo mais brilhante da banda. “Nós só queremos o que é certo: Rock para a luz.”

Em uma imagem-frame de quadro combinado, Bad Brains se apresenta no Rock Hotel
em Manhattan em julho de 1985. A partir da esquerda, Dr. Know (Gary Miller),
H.R. (Paul Hudson), Earl Hudson e Darryl Jenifer. (Ilustração fotográfica de Steven Hanner)

É ESTRANHO COMO USAMOS A PALAVRA "INTEMPORAL" para elogiar a música à qual nos sentimos mais leais - especialmente porque a música é uma arte temporal que depende do tempo para ser experimentada. E embora possa ser tentador pensar no som gravado como uma amostra reproduzível de tempo congelado, cientificamente, apenas a luz experimenta a verdadeira atemporalidade. Einstein nos ensinou que o tempo e o espaço são relativos: quanto mais perto você chegar de viajar pelo espaço à velocidade da luz, mais devagar o tempo se moverá - e na velocidade da luz, o tempo para. O físico matemático Roger Penrose tinha uma maneira simpática de colocar as coisas: “A eternidade não é grande coisa para um fóton”.

Capa do álbum do Bad Brains "Rock For Light". (Bad Brains)

Tente manter essas ideias em sua mente ao ouvir “Rock For Light”, um álbum no qual o produtor Ric Ocasek ajudou a levar o Bad Brains ainda mais perto da velocidade da luz ao acelerar as fitas enquanto remixava o álbum com Daryl Jenifer em 1991. As vésperas da reedição de “ Rock for Light”restaura as performances à sua velocidade original (mais lenta) e tom (mais baixo). Parece infinitamente melhor. (Talvez possamos perdoar um cara que chamou sua banda de 'Cars' (carros) por querer fazer uma coisa rápida ir mais rápido).

E na velocidade da vida, as ideias da banda atingiram com mais força, especialmente o refrão cósmico da faixa-título: 'Rock for light, rock for light, rock for light' (Rock para a luz). Neste momento, e em tantos outros, Bad Brains nos convida a ansiar por eles, a nos mover com eles, a correr ao lado deles enquanto eles aceleram para um reino de pura energia e liberdade total onde esta música pode viver para sempre e a eternidade não é um grande negócio.

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Por Chris Richards, original post @ https://www.washingtonpost.com/arts-entertainment/2021/04/08/bad-brains-dc-hardcore-fast/

TONINHO CRESPO @ FYASHOP

2021-06-09T14:49:00.003-03:00

Toninho Crespo

Hoje é aniversário do meu irmão saudoso Toninho Crespo TC, fundador da banda Jualê e um dos meus professores no Reggae e no Panafricanismo aqui em São Paulo. São mais de 40 anos de trabalhos a música preta brasileira, no reggae, no samba (rock), no rap, no Brasil e mundo afora. Tocando e gravando em Cuba, e na Europa. Toninho passou uma temporada extensa no exterior. O álbum Jualê, homônimo ao nome da banda, é responsável junto ao produtor DJ Cuca e o também pelo saudoso produtor artístico Milton Sales pelo primeiro álbum a conter versões dub das músicas. Produção do início dos anos 1990 muito distante do reggae praieira ou dito 'cachoeira'. E hoje 100% da venda do álbum ‘Jualê’ é revertido ao musico.

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PS. Sobre o primeiro Dub gravado no Brasil, esqueça aquele disco do Paralamas do Sucesso, porque aquilo é um instrumental para quem não sabe, dubs no mínimo tem delay e tem eco.

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DANNY RED @ FYASHOP

2021-06-08T16:11:00.002-03:00

Dubs do futuro... Que Danny Red é um dos cantores mais icônicos do reggae atual não é novidade, ele tem uma carreira extensa. Passa pelo Roots, Dancehall, levadas sutis de Rub A Dub e o Steppa e até por alguns BoomBap’s. Nessa lista tem a vanguarda do UK Reggae e a nata contemporânea do Steppa com Partial Records, Paul Fox, Douglas Wardrop, Chazbo, Centry, Bush Chemists, Nick Manasseh, Scruff, Indica Dubs, Kai Dub, Drumma Zinx, e também títulos no selo Ababajahnoi. Cada 12” (RF001 e AJ006) nessa promo sai por R$ 140,00 comprando qualquer outro 12”, 10” ou 7” do Danny Red. Valores pagando via PIX, TED ou DOC. Catálogo completo do Danny Red no link https://fyashop.com.br/index.php?route=product/search&search=danny%20red

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O SIGNIFICADO ORIGINAL DA PALAVRA "NEGRO" TEVE UMA CONOTAÇÃO LIGADA AOS DEUSES

2021-06-04T22:28:00.001-03:00

A palavra "nigger" costumava ser a palavra mais venerada e sagrada do universo. Era o "epíteto divino" e as pessoas que usavam a mãe de todas as palavras originadas dessa palavra maculada pelos britânicos eram os antigos egípcios ou melhor, os kemitas, que chamavam sua terra de "Kemet" ou " The Black Land " (A Terra Preta), e também usou o nome," Ta-merri "ou" The Beloved Land " (A Terra Amada).

A PALAVRA "N-G-R" SIGNIFICA "DEUS" NO KEMET ANCIENTE

O pai da palavra "negro" era a palavra usada pelos antigos KEMITES para "Deus". Essa palavra era "N-G-R" e como se pode ver, não há vogais nesta palavra. Nas línguas africanas antigas e mesmo nas línguas africanas atuais (a família linguística afro-asiática), vogais como "a, e, i, o, u" não são encontradas em muitas traduções, particularmente das línguas hebraicas e keméticas antigas.

Na tradução dos antigos kemitas e hebraicos (que é fortemente influenciado pelo kemita), nem sempre encontraremos vogais, portanto, muito poucas pessoas perceberão que a palavra para Deus, que é "NGR" pronunciada "En-ger", que era o Palavra kemética para Deus. Na verdade, a palavra kemética para "natureza" também é a palavra usada para designar Deus. Essa palavra é "ntyr" (pronuncia-se net-jer. "Agora pronuncie a palavra" nigger (por exemplo) "e a palavra" net -jer ", e verá a conexão clara.

MUITAS PALAVRAS EM AFRICANO QUE NEGAM PESSOAS OU PESSOAS IMPORTANTES COMEÇA COM "N"

Em muitas línguas africanas, especialmente na família linguística Níger-Congo. Palavras que se conectam com pessoas, Deuses e grupos começam com "n" e essa palavra é sempre a primeira palavra. Por exemplo, a palavra "Nkosi" em Xhosa é "Deus". A palavra "Ndaba" em outra língua sul-africana é "conselho" (ou reunião de anciãos). Muitos nomes comuns também começam com "N".

PALAVRAS DE ORIGEM AFRICANA QUE VIERAM DA PALAVRA ORIGINAL, "N-G-R" (PROUNUNCED EN-JER)

N-G-R (Kemético; pronuncia-se en-jer) = Deus

N-T-Y-R (Kemet; pronuncia-se net-ger) = Deus, Devine

Negash (Etiópia; ne-gash) = Rei

Negus (Etiópia; ne-goos) = Imperador

Nkosi (Xhosa; n-kosi) = Deus

Ndaba (Zulu; n-daba) = Conselheiro / Funcionários,

Naga (Índico Oriental, Núbio) = Pessoas

Nugarmarta (África Ocidental) = Pessoas (veja os escritos da jornada de Ibn Buttata à África Ocidental)

COMO O 'N' FOI CORROMPIDO

Os romanos são provavelmente os primeiros europeus a deturpar a palavra para Deus, que era "N-G-R"

No início do século I, os romanos tentaram invadir a Etiópia. (veja a TABELA DE HISTÓRIA NEGRA http://community.webtv.net/nubianem/blackworldnubianempire ou vá para http://community.webtv.net/paulnubiaempire para uma lista de Faraós e Rainhas da Núbia.

Os romanos que falavam latim sempre souberam dos negros, havia negros em Roma, a Itália tinha uma antiga presença negra muito antes dos latinos migrarem da Ásia Central e do nordeste da Europa durante as migrações "arianas". Na verdade, os grupos étnicos latinos ainda existem na parte norte da Itália até hoje. Esta parte da Itália ainda se preocupa com a invasão de Aníbal, que aconteceu há cerca de dois mil e duzentos anos !!!!

Os romanos tinham um nome para negros, era "Níger" e significava negros ou pessoas de origem africana. Assim, Septimus Níger significaria Septimus, o Negro. No entanto, como os romanos ligaram a palavra "Níger" a preto.

Nos tempos antigos, os negros eram adorados como deuses. Os deuses da Grécia vieram de Kemet. A adoração da Madona Negra está conectada com a adoração de Auset (Ísis), a Deusa Kemita. Além disso, os negros em Kemet chamavam seus Faraós de "En-ger" ou "N-G-R", ele era literalmente referido como "O DEUS".

É bem possível que quando os romanos tentaram invadir a Núbia, eles tenham perguntado o nome do Deus e o termo "N-G-R" provavelmente tenha sido usado no lugar de "líder" ou "rei". Em Angola, o mesmo também aconteceu durante os anos 1600, quando a palavra "N-Gola", que significa "Rei" (repare no "N" e no "G" também nesta palavra), passou a ser "Angola", o nome de um reino no sudoeste da África.

(Leia mais sobre o comércio núbio, o Kemita, a África Ocidental e as antigas conexões comerciais e comerciais americanas nos tempos antigos; consulte o livro "Susu Economics: The History of Pan-African Trade, Commerce, Money and Wealth", publicado pela 1stBooks Library, www.1stbooks.com consulte também www.barnesandnoble.com.

ONDE OS ROMANOS OUVIRAM PELO SENTIDO ORIGINAL DA PALAVRA "NIGGER".

Um general romano que invadisse a Núbia vindo de Kemet provavelmente teria usado o termo kemita para Faraó, que era "N-G-R" (Deus). Este termo foi então usado para se referir a todos os negros e com o passar do tempo, a palavra N-G-R tornou-se Níger (Negro). Na verdade, os romanos também classificaram seus imperadores como "deuses", para seguir o estilo kemita. Além disso, como o History Channel apontou, "Roma era uma coleção de aldeias antes que os Kemitas a construíssem e civilizassem". (parafraseado).

A palavra "em-peror" (imperador) soa muito próxima da palavra "en-jer". Essa não é uma conexão casual.

A PALAVRA "N-G-R" (EN-JER) APÓS FOI CORROMPIDA PELOS EUROPEUS

Níger = (latim ou preto / africano pronunciado "ni-ger.")

Nero = italiano para preto

Negre = Francês para Preto

Negro = espanhol para preto

Os ingleses chamavam os negros de "Moor" (Mouro) ou "Black-a-Moor" antes de começarem a usar a palavra "Negro" para se referir aos negros. DESTA PALAVRA VEIO O EPITETO RACIAL, "NIGGER" (NEGRO).

Da mesma forma, o termo racista para japonês é a mutilação da palavra para encurtá-la em um epíteto. Além disso, o nome original do Japão é o chinês "Ni-Han". Agora, aqui está outro grande mistério que as pessoas que estudam a família linguística Níger-Congo perceberiam rapidamente. ATÉ A PALAVRA "Ni" no chinês "Ni-Han" tem uma antiga conexão africana. Na verdade, como Clyde Walters aponta, a língua chinesa está diretamente relacionada à língua Níger-Congo, que tem suas raízes na região dos Camarões, na África. Na verdade, existem milhares de palavras africanas de Camarões ao Quênia que têm prefixos e sufixos idênticos às línguas chinesa e japonesa (ver também African Presence in Early Asia, por Ivan Van Sertima; Transaction Publishers)

No caso de "Ni-Han", que pode significar "sol nascente", também há um significado sagrado que é encontrado na palavra "n-ger" ou "ne-gro". No entanto, os termos racistas "nip" e "nigg..." ou "jap", usados por racistas foram e estão sendo usados sem qualquer compreensão de seus significados originais. Apenas ódio e inveja saem da boca daqueles que usam epítetos raciais em sua tentativa de insultar e denegrir os outros. No entanto, nos cabe estudar a nossa história e tornar impotentes estas palavras racistas, ao mesmo tempo que compreendemos o seu significado original.

Conexão com o prefixo "ni" com sagrado e vida:

Ni'le = Rio Nilo, Vida para os Kemitas

Ni-ger = Rio na África Ocidental

Níger = Nação na África Ocidental

Nigéria = Nação na África Ocidental

Nago = termo racista usado por alguns asiáticos do sudeste para se referir aos melanésios negros de origem africóide

Nago-Mina = nacionalidade africana na Nigéria

Naghual = palavra asteca para Xamã ou sacerdote. Os primeiros xamãs olmecas no México vieram da Nigéria e de outros lugares da África Ocidental (consulte lack Civilizations of America http://community.webtv.net/paulnubiaempire

AS ORIGENS DO TERMO "HUN".

O termo racista para brancos também vem de uma palavra que amedrontava os brancos durante os tempos antigos. Essa palavra é "Hun". Os hunos eram bárbaros mongóis da Mongólia que tentaram invadir a China e finalmente conseguiram. Eles invadiram a Euroásia da Rússia até a Alemanha e se misturaram aos caucasianos. Conseqüentemente, os britânicos começaram a chamar os alemães de "Hun".

Os países da Hungria, Alemanha Oriental, norte da Itália, Rússia, Polônia e grande parte da Europa Oriental estão misturados com os invasores mongóis. Houve invasores mongóis na Turquia, Afeganistão, Índia e muitas outras nações.

OS MONGOLS FORAM DERROTADOS POR NUBIANOS E MAMELUKES

Quando os hunos tentaram invadir Kemet (em algum momento dos anos 1100 - a.C), eles foram recebidos por uma forte força de núbios e mamelucos (escravos brancos eslavos, turcos da Bósnia, Sérvia, Albânia, Turquia e outras nações), que eram soldados do Regentes Kemitas. Os mongóis foram derrotados e esse foi o fim do Império Mongol. Além disso, eles estavam pouco espalhados pela Euroásia. Eles também conheceram uma excelente cavalaria de cavaleiros e arqueiros núbios, que tinham uma tradição de arco e flecha que remonta aos tempos antigos de Kemet.

Quando se estuda a história dos hunos na Europa, é um dos genocídios mais horríveis que existiram (o genocídio contra os sudras negros e os australoides negros, na Índia é outro grande genocídio; veja "Sudrology, http://dalitstan.org)

Os hunos devastaram a Europa e dizem que espalharam a peste negra atirando em ratos infestados pela peste nas cidades muradas dos europeus para infestá-los.

DEVEMOS ESTUDAR NOSSA HISTÓRIA PARA DESENVOLVER NOSSA CONSCIÊNCIA E IMPOTAR AS OBSERVAÇÕES RACISTAS DAS PESSOAS

Devemos estudar nossa história. É sabendo quem somos que os comentários racistas e os epítetos raciais se tornarão impotentes. Cada vez que alguém usa a palavra "negro" para se referir a uma pessoa negra, eles estão na verdade chamando essa pessoa de "Deus". Quando nós, negros, dizemos que nossos afros e cabelos são "naturais", não percebemos o significado da palavra ou o verdadeiro significado. Mas algo em nossa consciência simplesmente não pode ser destruído. Dizer que vamos ser "naturais" significa que vamos voltar a ser "deuses", porque a palavra "natural" vem da palavra kemética original, "N-T-Y-R", que significa "Deus". Os antigos Kemitas usavam uma palavra semelhante para chamar seus Faraós. Essa palavra era "N-G-R". A palavra "Faraó" nunca foi usada para se referir a qualquer Rei Kemético. Faraó veio da palavra "Per-o", que era o termo para o Grande Templo, onde o Rei vivia.

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Por Hotep AmunRa WakwaNtu, original post @ https://www.facebook.com/hotepamunra.wakwantu/posts/126887669546302

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