La Cinerata

Adiós a Erland Josephson, el favorito de Ingmar Bergman

noreply@blogger.com (Pabela) — Tue, 28 Feb 2012 03:10:27 PST

Nacido en Estocolmo, Suecia, un 15 de Junio de 1923, el geminiano Erland Josephson falleció el pasado 25 de Febrero a los 88 años luego de luchar largamente contra el Parkinson. Josephson fue uno de los actores fetiches del director sueco Ingmar Bergman con el que debutó en 1946 en el film LLueve sobre nuestro amor en el que interpretaba un papel pequeño, un oficinista en el despacho de un vicario, pero que seguiría con una lista considerable de films y obras teatrales a lo largo de los más de sesenta años de amistad que los unió. Entre otras tantas participó de El rostro (1958), El ojo del diablo (1960), Acerca de todas esas mujeres (1964), La hora del lobo (1967), Gritos y susurros (1972), Escenas de la vida conyugal (1973) y Fanny y Alexander (1982) . Liv Ullmann lo dirigió en varios filmes con guiones de Bergman como Infiel y él, a su vez, escribió guiones con Bergman bajo el nombre de Buntel Erikson. Josephson dirigió también un filme con Sven Nykvist, camarógrafo de Bergman.
Josephson también bordó papeles memorables en filmes del cineasta Andrei Tarkovski como «Nostalgia» (1983) y «Sacrificio» (1986) y en la película de de Philip Kaufman «La insoportable levedad del ser» (1988), a partir de la novela de Milan Kundera. Para recordarlo les dejo una excelente entrevista que realizaron a director y actor. No se la pierdan.

La Hipocresía de Hollywood

noreply@blogger.com (Pabela) — Fri, 24 Feb 2012 13:14:22 PST

Creo que no hacen falta más palabras que ver esta infografía sobre cómo se mueven. Lo triste es que la gente sigue como si nada pensando que esto es pasajero, que la ley no va a salir adelante, que no habrá otro megaupload y ahi seguirán viviendo en una nube. Se viene el Marzo negro, sería bueno que la gente se prenda para que después no tengamos que oir quejas. Está bueno quejarse pero cuando uno toma participación para que las cosas cambien, porque si entienden bien este gráfico de la gente de paralegal verán que no hace falta ni SOPA ni PIPA para que hagan lo que quieran, para que las cosas sea a su manera mientras, total, seguimos comiendo pochoclos en una sala, comprándoles dvdes y blureis y nos ponemos al día con oscarsitos que nunca nos conforman.

Created by: Paralegal

UNA VIDA MEJOR. Una película de Chris Weitz.

noreply@blogger.com (Óscar Perdomo León) — Thu, 23 Feb 2012 19:47:32 PST

El doloroso drama de los emigrantes ilegales mexicanos, salvadoreños, guatemaltecos, etc. es de lo que trata «Una vida mejor». Trata acerca del típico hombre pobre que deja su país latinoamericano, por la falta de oportunidades y en la búsqueda de una mejor situación económica. Trata sobre los sentimientos de amor de un padre hacia su hijo.

La temática de la separación obligada de las familias, a través de la deportación, nos cae a los espectadores como una fuerte bofetada y nos despierta y nos alerta sobre las leyes injustas e inhumanas con las que se rige este mundo, en donde los pobres siempre se llevan la peor parte. Se ve el lado bueno del “sueño americano”, pero también su lado más oscuro y siniestro. Es la cruda realidad que viven nuestros compatriotas día a día, pero en la película tenemos la oportunidad de mirar esa realidad de una forma más humana a través del rostro del personaje principal, Carlos Galindo (Demián Bichir).

Carlos Galindo es un jardinero que trabaja en Los Ángeles, California, de una manera dura y poniendo siempre todo su esfuerzo. Cada día es una lucha constante por ganarse el sustento. Pero en él, el rol negativo (como por ejemplo de vendedor de drogas, etc.), ese cliché que ha infestado las pantallas del cine hollywoodense, no aparece. En él, por el contrario, se pueden encontrar los valores de honestidad, responsabilidad, bondad y amor hacia su familia. Su hijo Luis (José Julián), quien vive su adolescencia de rebeldía y acechado por el riesgo de ingresar a una pandilla, es su razón de vida y de esfuerzo.

Al principio el ritmo de la película, dirigida por Chris Weitz, se siente un poco lento; sin embargo, a medida que los personajes se van dibujando, con todos sus colores y todas sus aristas, y la trama se tuerce creando problemas que desembocarán en la deportación de Carlos, los espectadores se puede llegar a sentir identificados con ese dolor y esa desgracia que sufren nuestros hermanos latinoamericanos. Pero en tratar de resolver todas las dificultades, padre e hijo se unirán de una manera en la que nunca antes habían estado.

La actuación de Bichir es realmente buena; se apodera de su personaje desde la piel hasta la última célula sanguínea. Las escenas finales, cuando se despide de su hijo y cuando va de regreso hacia Estados Unidos a través del desierto, Demián Bichir nos demuestra con lujo de detalles que no es ningún actor improvisado. Muy merecida su nominación al Oscar como mejor actor.

Estrenos de la semana: Ya pueden hacer su quiniela

noreply@blogger.com (Pabela) — Thu, 23 Feb 2012 17:05:45 PST

Ahora sí, casi todas las nominadas han llegado a nuestra cartelera argentina. Al menos las más importantes. Los niños esta semana se quedan afuera, asique si aun no vieron La invención de Hugo, esa podría ser una opción junto a alguna función que sobreviva de El gato con botas. Para los más grandecitos, de todo: terror, thriller, aventura, drama. No se pueden quejar.

Con el Diablo adentro (The Devil Inside) (Estados Unidos, 2012) Género: terror
Director: William Brent Bell.
Reparto: Bonnie Morgan, Brian Johnson, D.T. Carney Hillier, Evan Helmuth, Fernanda Andrade, Ionut Grama.
Argumento: En 1989, el 911 recibió una llamada de María Rossi confesando haber asesinado brutalmente a tres personas. Veinte años después, su hija Isabella busca entender la verdad acerca de lo ocurrido aquella noche. Viaja al hospital psiquiátrico en Italia donde su madre ha sido encerrada para determinar si está mentalmente enferma o ha sido víctima de una posesión demoníaca; así, en Italia, Isabella recluta entonces a dos jóvenes exorcistas para que curen a su madre usando métodos poco convencionales que combinan ciencia y religión. | Crítica.

Tan fuerte, tan cerca (Extremely Loud and Incredibly Close) (Estados Unidos, 2011) Género: drama.
Director: Stephen Daldry.
Reparto: Caleb Reynolds, Dennis Hearn, Julian Tepper, Paul Klementowicz, Sandra Bullock, Thomas Horn, Tom Hanks, Zoe Caldwell.
Argumento: Narra la historia de un chico de nueve años de edad llamado Oskar Shell (Thomas Horn) que, entre otras cosas, es inventor, diseñador de joyas, astrofísico, tamborilero y pacifista. Cuando encuentra dentro de un cofre una misteriosa llave escondida por su padre , antes de fallecer en los ataques del 11 de septiembre, iniciará una búsqueda por toda la ciudad de Nueva York con el fin de encontrar qué abre dicha llave… entre los más de 162 millones de cerraduras existentes en dicha ciudad.

Poder sin límites (Chronicle) (Estados Unidos, 2012)
Género: Fantástico, thriller.
Director: Josh Trank.
Reparto:Michael B. Jordan, Michael Kelly, Alex Russell, Dane DeHaan, Ashley Hinshaw, Anna Wood, Joe Vaz, Luke Tyler, Matthew Dylan Roberts.
Argumento: Tres jóvenes amigos de Portland se ven expuestos a una misteriosa sustancia en el bosque y, como resultado, empiezan a desarrollar increíbles poderes. Entonces deciden trabajar juntos como diversión para pulir sus habilidades, hasta que una serie de problemas personales los empezarán a poner unos contra otros. En Extracine: Trailer e imágenes.

El Topo (Tinker Tailor Soldier Spy) (Estados Unidos, 2011)
Género: Thriller.
Director: Tomas Alfredson.
Reparto: Gary Oldman, Ilona Kassai, Imre Csuja, John Hurt, Mark Strong, Péter Kálloy Molnár, Toby Jones, Zoltán Mucsi.
Argumento:Situada en los años 70, en plena guerra fría, el fracaso de una misión especial en Hungría provoca un cambio en la cúpula de los servicios secretos británicos. Uno de los defenestrados es el agente George Smiley (Oldman). Sin embargo, cuando ya se había hecho a la idea de retirarse, le encargan una misión especial. Se sospecha que hay un “topo” infiltrado en la cúpula del Servicio y sólo alguien externo puede averiguar quién es. Con la ayuda de otros agentes jubilados, Smiley irá recabando información y encajando las piezas para intentar descubrir al traidor.| Crítica

La Carrera del animal (Argentina, 2011)
Género: Drama.
Director: Nicolás Grosso.
Reparto: Julián Tello, Lautaro Vilo, Gonzalo Martínez, Valeria Lois, Ignacio Rogers, Pablo Sigal, Alexis Cesán, Elisa Carricajo, Marcelo Pozzi.
Argumento: El cese de actividades de una fábrica produce en este caso una crisis para tres personas. El dueño de la fábrica y padre de familia, personaje que se mantiene en las sombras, marcando desde allí el destino de los otros dos personajes principales y protagonistas: Valentín, el más joven, quien lleva una vida humilde y alejada de los avatares de la empresa familiar; y Cándido, su hermano mayor, quien en apariencia parece mejor preparado para jugar el juego de poder y violencia que presumen los negocios, incluso si ello implica dañar a su propia familia.

LA LAPIDACIÓN DE SORAYA M. Una película de Cyrus Nowrasteh.

noreply@blogger.com (Óscar Perdomo León) — Tue, 21 Feb 2012 04:58:38 PST

La historia da inicio en el año de 1986, y se lleva a cabo en Irán, cuando el periodista francés-iraní Freidoune Sahebjam (personificado por Jim Caviezel) tiene un desperfecto mecánico en su carro y al llegar a un pequeño pueblo para que se lo arreglen, se encuentra con Sahra (Shohreh Aghdashloo), una mujer que se da cuenta que él es un periodista y, a escondidas de los demás, le cuenta la terrible historia de su sobrina, Soraya.

Soraya (Mozhan Marnò) está casada con Ebrahim (David Diaan), con quien tiene dos hijos y dos hijas. Pero Ebrahim se ha enamorado de una chica de 14 años de edad y para divorciarse de Soraya tiene que darle una especie de herencia, la cual él se niega a brindar, de tal manera que, de una manera fría y calculadora, maquina una forma de deshacerse de Soraya: la acusa de adulterio, un delito grave bajo la religión islámica, para lo cual el castigo es la muerte por lapidación.

En este punto es fácil para el espectador comprender que las mujeres iraníes no tienen voz ni voto en las decisiones grandes de su país, así como también puede establecer y ser testigo de la injusticia llevada a sus máximas consecuencias.

En un país donde la vida de los ciudadanos y el accionar del gobierno están supeditados a una religión, con sus preceptos antiguos y violentos, llenos de ignorancia y prejuicios, no puede resultar nada bueno. Un país donde el laicismo está ausente, el atraso en la educación y en las relaciones sociales es evidente.

Y de esto es lo que trata «La lapidación de Soraya M.», (conocida en español como «La verdad de Soraya»), producción estadounidense que vio la luz en el año 2008, y cuyo guión está basado en el libro que escribió Freidoune Sahebjam, «La Femme Lapidée».

Este largometraje también aborda esencialmente la injusticia inclinada en contra de la mujer y su ausencia de derechos.

Si el Islam justifica el asesinato (como también lo hace el antiguo testamento de la Biblia), y si esta religión es seguida de una manera fundamentalista por muchas personas en el mundo, podemos decir con tristeza que la violencia no tendrá fin.

La escena de la lapidación es tan real que me parece que nadie puede quedarse indiferente ante tal acto de bestialidad.

Las actuaciones son exquisitas, sumamente creíbles, dignas de ser premiadas en cualquier gran festival de cine. Y la música es muy importante y bella en la historia. Pero lo principal es que su realismo conmueve y nos sensibiliza ante un problema de machismo, de brutalidad y de muerte con tortura que aún se sigue empleando en varios países islámicos fundamentalistas.

Shame, el infierno hedonista

noreply@blogger.com (Pabela) — Sat, 18 Feb 2012 08:46:13 PST

El reflexionar sobre la incomunicación en épocas de tecnología de punta donde todos vivimos en “red” queda ya casi como un cliché; lo mismo si partimos de la base de que la mayoría de las sociedades valoran más el placer del cuerpo, el éxito material y las relaciones fugaces antes que el amor o la familia. Sin embargo estas reflexiones casi de manual contemporáneo no dejan de ser necesarias y hasta obligadas. En Shame, el director londinense Steve McQueen, un realizador con apenas dos largometrajes en su haber pero que no han pasado inadvertidos, hace una impecable cirujía al alma de un personaje que incapaz de relacionarse con el otro hunde su vacío en la obsesión sexual.

McQueen no se queda en el mero estereotipo del hombre treintañero que le teme al compromiso, aun cuando en alguna escena el protagonista casi se defina como tal; Brandon, interpretado grandiosamente por Michael Fassbender es presentado con todo su bagaje dramático que explica sustancialmente el porqué de sus obsesiones y efímeros encuentros sexuales. Con detalles prácticamente minimalistas pero certeros, el director nos expone la causa del infierno de un hombre que tal cual reza el título del film siente cualquier cosa menos placer real. Una sola contrafigura, la de su hermana en la piel de la cada vez más ascendente Carey Mulligan, y la relación con esta nos dan claras muestras del porque de sus carencias y tormentos. Y a la vez, sintetiza con una gran habilidad dos formas contrastantes de enfrentar casi la misma realidad. Él, incapaz hasta de aceptar el cariñoso abrazo de su hermana; ella, una dependiente patológica que le teme a la soledad.

Puestos a pensar en los dramas que el 2011 nos ha ofrecido, me cuesta entender porqué Shame ha sido tan ninguneada por la Academia. No solo porque la película compone con gran maestría una historia que ronda una temática que quizá podría resbalar para el lado del grotesco y sin embargo no lo hace; sino porque Fassbender- que ya en Fishtank demostró su talento dramático- ofrece una de las mejores interpretaciones masculinas del año. Su Brandon es un hombre contenido, casi inexpresivo, que poco a poco desbordará en una crisis infernal con el que el espectador, sea este del género que sea, identificará inmediatamente.

Shame, incluso, hay que decirlo, logra mucha más profundidad psicológica sobre el tormento de un hombre sometido a actos auto reprochables que lo que logra un pretendido film sobre psicología como fue otro de los recientes estrenos en el que participó el actor irlandés, A Dangerous Method. Sin demasiado academicismo ni retóricas innecesarias, McQueen elabora con ritmo sosegado al principio pero in crescendo, casi como una regla inversamente proporcional, un verdadero descenso a los infiernos. Cuanto más parece caer el protagonista más ritmo toma la narrativa pero sin por eso parecer que de buenas a primeras quiere tirarse sobre la mesa todo aquello que no se contó antes.

Para entender a este Brandon hay que centrarse en los detalles, sus reacciones, su modo de andar por la vida; y para eso el director se sirve de una primera parte en apariencia banal, cotidiana, hasta desembocar en el verdadero meollo de la crisis. Hay escenas muy bien logradas que dicen con poco todo lo necesario, como esa corta conversación con su compañera de trabajo en una primera cita o la discusión entablada con su hermana frente al televisor.

La tensión creada por el director está tan bien madurada que aunque entendemos que el personaje en algún momento tiene que explotar no intuimos en absoluto el cuándo o cómo. La última media hora del film es una maravillosa exposición de extremismos en los que cae el protagonista con tal de hacer desaparecer ese vacío que el espectador no se impacta por la mera imagen desplegada, sino por el genuino dolor que exhala su incapacidad de conectar con alguien.

Puede que algunos encuentren en ese ahorro de diálogos y en esos constantes encuentros casuales algún elemento de reproche, de hecho me cuesta aceptar que aunque haya sociedades cada vez más liberales y que Fassbender rezuma sensualidad irresistible, haya tanta mujer dispuesta así como así a mantener relaciones con un desconocido. Pero eso es prejuicio mío, claro. Después de todo lo que importa es que este es un drama bien contado, bien actuado y excelentemente planteado, ¿qué más se podría pedir?. Incluso la música y la fotografía, una gracias a Harry Escott, la otra a Sean Bobbitt confeccionan un film sencillo en recursos pero altamente perturbador.

El film es perturbador porque más allá de las escenas de alto voltaje, que en definitiva no muestran nada diferente a lo que podríamos ver en la televisión de los últimos años, por ejemplo, en muchas escenas de sexo de series de éxito, sino porque no deja de ser un fiel retrato de la sociedad en la que vivimos. Porque aunque parezca una simbología de moralinas conocidas, Shame a fin de cuentas nos muestra a lo largo de la película la hipocresía en la que vivimos hoy, en la incapacidad que tenemos de relacionarnos verdaderamente, en las adicciones que todos tenemos por algo, en la avidez de consumirlo todo, lo que sea, en la necesidad de exponernos todo el tiempo, de hacernos notar, de que nos vean, todo para tapar la gran soledad en la que realmente las grandes ciudades viven inmersas. Escenas repetidas, como las de la ventana, reafirman este hecho, un simbolismo patente de la necesidad de exposición. Shame es en cierta medida un grito visual que todos damos de continuo pero que nadie está dispuesto a escuchar, pare ello basten las palabras de Sissy a su hermano:

Si me voy, no volveré a oir de tí. ¿No crees que eso es triste? Eres mi hermano.

Publicado originalmente en Extracine

Terror y Cliché: La Dama De Negro

noreply@blogger.com (Shaoran Nox) — Sat, 18 Feb 2012 08:47:46 PST

La Dama de Negro (The Woman In Black), protagonizada por Daniel Radcliffe (Harry Potter) y dirigida por James Watkins (Eden Lake, 2008) es la nueva cinta de terror que nos llega esta semana. Basada en la novela escrita por Susan Hill, pero con algunas libertades editoriales típicas de cualquier adaptación.

Sin necesidad de ser muy críticos, nos enfrentamos a una película de terror que se llena de los mismos clichés una y otra vez y repite la tan gastada fórmula de: viajero + casa abandonada + pueblo con historia = misterio que seguramente incluye fantasmas y muertes. Toda la película es terriblemente oscura, y no lo digo en el sentido de que existan entes paranormales, sino que la mayor parte de la trama se desarrolla en lugares cerrados y de noche, por lo que, obviamente, los juegos de sombras, movimientos imperceptibles y apariciones de la nada son la principal arma de la que se sirve la película. Si a eso le agregamos la típica edición de recorrer un lugar con la cámara y los sonidos que de la nada suben de intensidad, tenemos algunos brincos garantizados y no necesariamente porque en verdad estemos asustados. Salvo un par de escenas que sí logran sacar un buen susto, no hay nada que no hayamos visto en películas como Los otros, La profecía, Poltergeist, o por hablar más reciente, Actividad Paranormal. Los sustos están premeditados, así como la resolución del caso, aunque ésto hay que ponerlo aparte, porque difiere mucho de la obra original y creo que es lo que ligeramente rescata la hora y media de bostezos que me pasé dando en el cine, y el que por cierto, es hasta cierto punto filosófico: ¿Gracias?

La fotografía es bastante buena, y Radcliffe entrega una sólida actuación, aunque le costará muchísimo trabajo que la gente deje de identificarlo con el mago Potter. Las actuaciones secundarias son transitorias, salvo Ciarán Hinds, que es quien lo acompaña la mayor parte del tiempo, la película se centra exclusivamente en el personaje de Daniel, Arthur Kipps quien es un joven abogado viudo que viaja a una casa abandonada para poner en orden los papeles y poder vender la propiedad, pero comienzan a sucederse asesinatos de niños y él tendrá que descubrir la historia y dar con la clave para que todo termine. La dirección, en ese sentido, no se compromete mucho al tener la mayor parte del tiempo uno o dos personajes en pantalla y no abusar de los efectos.

Si quieren llevar a una chica asustadiza al cine para sentirla pegada a ustedes, háganlo, o si tienen por ahí a una hija adolescente es una buena opción para pasar un fin de semana. Pero si lo que buscan es cine de calidad, mejor ni se acerquen.

P.D. Se los dejo de tarea a quienes la vean. ¿Alguien sabe que pasa con la perrita?

Calificación:

Estrenos de la semana: Los equinos vienen marchando

noreply@blogger.com (Pabela) — Thu, 16 Feb 2012 02:36:21 PST

Este Jueves arrancamos con 5 estrenos de los cuales hemos visto dos: Caballo de guerra, una pretendida épica sobre un valiente caballo - bastante yeta por cierto- y los quinientos "dueños" con que se topa en medio de la guerra, y The Artist, de la que esta tarde saldrá la crítica, un imperdible homenaje al cine. Y si les gustan los caballos, también estrena Yatasto ópera prima de Hermes Paralluelo, film independiente y argentino que tuvo muy buena acogida en los BAFICI del año pasado sobre la vida de un "carrero" cordobés. Para los más chicos, otra más de los pequeños espías y para el finde de lluvias que se pronostica, la última comedia de Adam Sandler podría ser una buena opción para el entretenimiento más pochoclero. Por último, los fanáticos de la gran obra de George Lucas, Star Wars tendrán la posibilidad de disfrutar del re estreno 3D del Episodio 1.

Yatasto

Director: Hermes Paralluelo
País: Argentina
Clasificación: Apta todo público
Críticas: 4 ✔ de 4

Bebo (15 años), Pata (14) y Ricardo (10); primos, amigos y compañeros de trabajo, aprendices de este oficio al que también se lo conoce como “carrero”. Sus conversaciones, la transmisión de conocimiento (la abuela Chinina, el tío Canario, la madre de Bebo), y –notoriamente– su manera de hablar y su visión del mundo constituyen los núcleos de Yatasto.

Caballo de Guerra (War Horse)

Director: Steven Spielberg
País: Estados Unidos
Clasificación: Apta mayores de 13 años
Críticas: 16 ✔ 4 ✖ de 20

Narra la historia acerca de un joven muchacho llamado Albert y su adorado caballo, Joey, está ambientada durante el estallido de la Primera Guerra Mundial. Cuando el padre de Albert vende el animal a la caballería británica para que éste sea enviado a la línea de combate, Joey comienza un extraordinario viaje en el contexto de esa gran guerra. Pese a los obstáculos que enfrenta a cada paso de su travesía, él tocará y cambiará la vida de todos los que encuentre en su camino. En tanto, Albert, incapaz de olvidar a su gran amigo, también dejará su hogar y marchará a los campos de batalla en Francia para encontrar a su caballo y traerlo de vuelta a casa.

El artista (The Artist)

Director: Michel Hazanavicius
Países : Francia, Bélgica
Clasificación: Apta mayores de 13 años
Críticas: 19 ✔ de 19

Corría el año 1921 y en Hollywood George Valentin es una estrella del cine mudo al que todo le sonríe. La llegada del cine sonoro marca el final de su carrera y lo lleva a caer en el olvido. Pero la joven extra Peppy Miller empieza a ser propulsada hacia el firmamento de las estrellas.

Jack y Jill

Director: Dennis Dugan
País de origen: Estados Unidos
Clasificación: Apta todo público
Críticas: 2 ✔ 6 ✖ de 8

Jack y Jill son dos hermanos gemelos que no se llevan especialmente bien. Jack es un hombre felizmente casado y con hijos. Jill se presenta en la casa de Jack para pasar unos días en Acción de Gracias... pero finalmente se quedará más tiempo de lo que a Jack le hubiese gustado, rompiendo la tranquilidad de la familia. En ese tiempo, ambos hermanos no tendrán más remedio que ponerse de acuerdo y tratar de entenderse mutuamente...

Mini espías 4 y los ladrones del tiempo (Spy Kids: All the Time in the World in 4D)

Director: Robert Rodriguez
País: Estados Unidos
Clasificación: Apta todo público
Críticas: 4 ✔ 4 ✖ de 8

Un maníaco conocido como Timekeeper (Jeremy Piven) amenaza con apoderarse del planeta y ella es llamada por el jefe de la OSS, el hogar donde fue criada como una espía cuando era niña. Con Armageddon acercándose rápidamente, Rebecca y Cecil se ven empujados a la acción cuando se enteran que su aburrida madrastra fue una vez una superagente, y tendrán que dejar a un lado sus diferencias para combatir el mal. Ellos recibirán una pequeña ayuda de un par de mini espías, Carmen (Alexa Vega) y Juni Cortez (Daryl Sabara). Sólo así podrán salvar al mundo, e incluso mantener la familia unida.

Star Wars Episodio 1, La amenaza fantasma

Re estreno del film en el que Lucas nos remonta al inicio de la saga, en la que Darth Vader es un prometedor niño de nueve años, llamado Anakin Skywalker, y Obi-Wan Kenobi es un determinado y joven caballero Jedi. Este primer capítulo, que es majestuoso en arte, diseño, vestuario, arquitectura y tecnología, sigue el viaje que Anakin emprende para ir en búsqueda de sus sueños, y en el que enfrenta sus miedos en medio de una galaxia en caos.

Resto del País

Fuentes: todaslascriticas | cinesargentinos

LA NOVIA DE FRANKENSTEIN

noreply@blogger.com (Óscar Perdomo León) — Wed, 15 Feb 2012 09:46:58 PST

La historia empieza en el incendio en donde se trataba de matar al monstruo creado por el doctor Frankenstein; el monstruo se esconde en el bosque; pero es descubierto por los pobladores y es atrapado y encarcelado, sin embargo, escapa de la cárcel y vuelve al bosque. Ahí escucha salir de una cabaña una música dulce y triste, interpretada por un anciano ciego. Ambos traban amistad y el monstruo disfruta del amor y la felicidad de no sentirse despreciado.

Mientras tanto el doctor Pretorius, otro científico que trabaja en crear seres vivos, pero de manera diferente al doctor Frankenstein, trata de convencer a éste de construir una novia para el monstruo, objetivo que finalmente consiguen.

El final de la película es trágico para el monstruo, para su novia y para el doctor Pretorius; sólo el doctor Frankenstein sobrevive para terminar abrazado en el último minuto con su esposa.

***

Nuevamente el blanco y el negro me sorprenden. La belleza de los grises sigue teniendo para mí una magia que me envuelve. Esto fue lo primero que pensé al ver «La novia de Frankenstein», película de 1935 dirigida por James Whale; realmente me hizo experimentar varios sentimientos.

Tuve la sensación de entender a los actores de aquella época. Déjenme explicarles. Todas las escenas de la película están llenas de actuaciones un poco teatrales, es decir, un poco exageradas para lo que entendemos hoy por actuaciones en el cine; sin embargo, si nos ponemos a pensar que hacía poco que el cine mudo había quedado atrás y que apenas eran los primeros años del cine sonoro, es fácil comprender y hasta ser condescendientes con este tipo de actuaciones.

Debo decir que eso no le quita belleza a la película, que es un drama mezclado con película de terror, pero muy bien salpicado con toques de buen humor.

Las actuaciones principales son muy buenas. Colin Clive personifica al doctor Frankenstein y Boris Karloff, al monstruo. En el papel de la novia está Elsa Lanchester. Un personaje muy atrayente y fundamental en la historia es la del doctor Pretorius, personificado por Ernst Thesiger.

«La novia de Frankenstein» es un clásico que vale la pena ser visto.

Melancholia y The Tree of life nominadas a los Weirdest Pictures awards

noreply@blogger.com (Pabela) — Wed, 15 Feb 2012 03:10:46 PST

Ya conocemos a los nominados para los próximos premios de la academia; pero a su vez la ingeniosa página 366 Weird Movies ha lanzado sus propios nominados para la categoría de película, actor, actriz y escena más rara de las estrenadas en el 2011. Si les gustan las pelis WTF, esta es una lista que habrá que tener en cuenta. Lo bueno es que ingresando a la página todos podemos ser miembros de la Weirdcademy, y en forma muy graciosa explican cómo votar en clara alusión al enrevesado método que la Academia de Hollywood ha lanzado este año. El método no es otro que pulsar con el mouse la opción que más les guste que gane, asique tienen tiempo hasta el mismo 26 de Febrero para votar. ¿Y ustedes qué votarían? Si vieron alguna de estas rarezas, sacando Uncle Boonmee, The tree of life y Melancholia, ¡dejen sus comentarios!.

Nominadas a Película más rara del 2011

El ACTOR MÁS RARO del 2011

Antonio Banderas por The Big Bang
Steve Little por The Catechism Cataclysm
Andy Lau por Detective Dee and the Mystery of the Phantom Flame

LA ACTRIZ MÁS RARA del 2011

Autumn Reeser por The Big Bang
Amy Groening por Father's Day
Leslie Pulsipher por The Oregonian
Emlily Browing por Sucker Punch
Jessica Chastain por The Tree of Life Jessica Chastain

LA ESCENA MÁS RARA del 2011

Frankie in Blunderland: El cameo de Debbie Rochon como una araña oráculo.

Mega Python vs. Gatoroid: La pelea entre dos íconos pop, Tiffany y Debbie Gibson

Melancholia: Todo el montaje inicial, especialmente la novia caminando entre vides

The Oregonian: El arcoiris en la secuencia del orín.

The Tree of Life: El gracioso dinosaurio.

Tinker Taylor Soldier Spy (El Topo)

noreply@blogger.com (Shaoran Nox) — Wed, 15 Feb 2012 15:08:16 PST

Permítanme que ponga mi segunda calificación "perfecta" del año. Tinker Taylor Soldier Spy (El espía que sabía demasiado, o simplemente El Topo) es una película excelente, una más que se suma a mi lista de sorpresas ante su ausencia en las nominaciones de los oscares a mejor película, aunque Gary Oldman lucha por Mejor Actor, en donde Clooney y Dujardin llevan la delantera, en soundtrack y en guión adaptado donde espero que se lleve la estatuilla.

Es un thriller apasionante, de espías en plena guerra fría y al más puro estilo de los años '50s o '60s. No esperen ver explosiones, efectos especiales al por mayor o tecnología de punta. Acá lo que cuenta es la intuición, el intelecto, el análisis, la capacidad para trabajar y la inteligencia, como debe de ser, sin necesidad de artilugios extraños. Gary Oldman nos entrega una actuación sólida, como George Smiley, ex agente secreto de un grupo de élite inglés llamado "El circo" que trabaja contra los espías rusos, principalmente contra el nombre clave Karla. Sin embargo, después de una fallida misión, Control (John Hurt) y Smiley son echados del grupo. A pesar de ello, Smiley es contratado por el primer ministro Inglés ante la advertencia de la existencia de un espía en el grupo, que pasa información a los rusos. Es así como lentamente se va develando el misterio, en medio del drama y la tensión necesarios para mantenernos al borde del asiento durante las 2 horas que dura el filme. Y con un reparto tan excelso como Colin Flirth, Tom Hardy, Ciarán Hinds, Michael Fassbender y Mark Strong complementan la brillante puesta en escena.

Dirigida por Tomas Alfredsson (Let The Right One In, 2008, otra hermosa adaptación literaria), y ganadora de dos premios BAFTA (algo así como los oscares versión Inglaterra) a Mejor Película Inglesa y Mejor Guión Adaptado. Sin duda, una excelente opción para quienes gustan de las buenas películas de espías y de drama y busca alejarse de los efectos tan sobrecargados en estos últimos tiempos.

Calificación:

Hugo Cabret, sin demasiadas invenciones

noreply@blogger.com (Pabela) — Wed, 15 Feb 2012 15:38:57 PST

Vuelvo a sacar a colación el libro ¿Qué es una buena película?, donde el crítico francés Laurent Jullier establece seis criterios para tratar de abarcar el tema del juicio del gusto : Éxito del film, técnica, edificación, emoción, originalidad y coherencia. La última cinta del gran Martin Scorsese, cumple muy bien algunos de estos criterios; ha provocado un entusiasmo importante por parte de la crítica marcando un éxito asegurado, no puede negarse que su técnica visual es impecable, tampoco que causa en la mayoría una emoción significativa y que gracias a esa emoción muchos se sentirán edificados con la historia. Sin embargo aquellos que tuviesen en cuenta objetivamente todos los criterios juntos, posiblemente no se vieran cautivados casi tan fanáticamente por un film que presenta algunos fallos importantes.

He llegado a leer ciertas críticas en la que se compara esta incursión de Scorsese por el cine de “aventuras” como una forma de haberse spielbergizado (término tomado tal cual rezan algunos artículos) por sus grandes cuotas de sentimentalismo . Sin embargo creo que lo que justamente le faltó a esta adaptación de la novela de Brian Selznick es la verdadera emotividad y magia que desplegaría muy bien, un tanto manipuladoramente para qué negarlo pero efectiva, Spielberg. Scorsese es un magnífico narrador, un puntilloso cineasta que esta vuelta no ha logrado, al menos a esta humilde servidora, ofrecer un mundo tan fantástico y seductor como el que propone con su homenaje al cine.

En una historia con un protagonista casi dickensiano, el relato se escinde en dos partes bien diferenciadas que no pueden pasarse por alto conformando, más que dos capítulos de una misma historia, un quiebre narrativo singular. Lo que comienza siendo la historia de un niño por aferrarse a la memoria de su padre fallecido termina por mudarse a la historia de uno de los primeros realizadores de cine como fue Georges Méliès. Así es como un elemento narrativo en un principio importante que marcaría un aparente punto de inflexión, como es el autómata, finalmente se reduce a un simple MacGuffin que pierde por el camino cualquier atisbo de magia.

Es cierto que muchos adoradores del séptimo arte no podrían menos que sentirse emocionados con esos flashbacks en que presenciamos prácticamente el nacimiento del cine, pero la realidad es que otros tantos sentimos que si hay algo que le falta al film es alma, una coherencia clara a la hora de contar que llegue a causarnos la identificación necesaria para desprender la misma cantidad de lágrimas que sus protagonistas. La invención de Hugo Cabret como se la conoce en español y como iba a llamarse en un principio es un homenaje a medias aun cuando decidamos hacer la vista gorda a la cantidad de imprecisiones biográficas que ofrece. Es un intento de preservar en la memoria la magia del cine pero sin verdadera magia.

Incluso la cantidad de personajes livianos con las que se sirve el director para ilustrar tanto época como contexto de la historia abren engañosos relatos tangenciales que no aportan más que eso: pura atmósfera que dilatan el paso de una primera parte a la segunda. El guardia de la estación,por ejemplo, un caricaturesco villano bastante insulso en la piel de Sacha Baron Cohen, otorga muy fríamente el marco de riesgo con el que debe vivir Hugo su día a día; un poco como esa primera impresión de tipo huraño con que se nos presenta Mèliés que finalmente queda en poco más que un recurso para dibujar un enigma a través de una libreta perdida que a poco conduce a la resolución final.

Debo admitir que me encanta el cine de aventuras, los relatos nacidos de novelas infantiles, que Scorsese es uno de mis favoritos por lejos; sin embargo Hugo se me hizo por momentos un relato demasiado dilatado, bastante irregular en sus contenidos y con una serie de personajes con los que no llegué a identificar del todo. Aburrida por momentos, incluso, no podía dejar de pensar en que si de grandes homenajes al cine hablamos, Hugo quedaría en una escala muy por debajo de otros films, incluídos The Artist, uno de sus grandes competidores en esta próxima entrega de premios, más sencilla en lo que cuenta, quizá, pero a la vez mucho más honesta y directa.

Scorsese juega a ser niño otra vez, viaja en el tiempo para tratar de hacernos sentir la maravilla que ese ahora curador del museo sintió cuando de niño conoció a Mèliés en su esplendor, relaciona no en vano literatura y cine en varias de las escenas, todo el tiempo, pero no llega a plasmar por completo la verdadera magia y energía que muchos de los originales.

Incluso la técnica del 3D, aquí utilizada soberbiamente al servicio de la narración y no al simple artilugio del truquillo fácil, no deja de ser después de todo una ilusión más que despliega visualmente lo que no logra el guión. Un film hecho más con el intelecto que con el verdadero corazón de un cinéfilo queriendo hacer honor a su objeto de deseo.

Calificación:

Originalmente publicado en Extracine

5 Grandes declaraciones de amor

noreply@blogger.com (Pabela) — Tue, 14 Feb 2012 02:39:13 PST

Me encantan las comedias románticas. Sí, ya sé, muchos dirán "como a toda mina". Pero es que me encantan porque aunque sea la más pedorrina de todas las películas de ese género, siempre tendrá alguna escena con la que nos arranque un suspiro. Melosas, críticas, graciosas, dramáticas. Todas caen en algún momento en mi visionado y me gusten más o menos siempre termino reviéndolas cuando caen por la tele. Casi todas tienen esa típica escena donde él o ella declaran su amor, vamos que sino no sería una peli romántica, ¿ verdad? Asique el otro día enganché por la tele "Cómo saberlo", con Reese Witherspoon, Paul Rudd, Owen Wilson y el casi casi fetiche del director, Jack Nicholson. La peli es de James L. Brooks, un director que ha sabido estar detrás de grandes títulos como La fuerza del cariño y de otras menos talentosas pero no por ello menos entretenidas como Spanglish. En fin, el punto es que la declaración de amor en este film ( que en realidad tiene dos que me han gustado) es la típica declaración que me gusta a mí, nada de formulismos cliché, ni de explicaciones grandilocuentes, son declaraciones sencillas, sorprendentes y como llamo yo "a corazón abierto" y por eso se me ocurrió hacer mi top 5 de declaraciones para este San Valentín que junte 5 de esas declaraciones que más me han impactado. Ojo, es una listita muy personal donde quedan afuera esas grandes películas como puede ser Casablanca o tantas otras que seguramente, espero y los invito, me dejen en sus comentarios. Asique estas son sin orden estipulado. De yapita sí, les dejo un video "fuera de top" pero que creo todo recordaremos como el súmmum del amor no sólo de pareja por las imágenes sino de amistad más grande que nos brindó el cine.

1. How Do you know.

El único video que encontré en toda la red es espantoso, está filmado en mano de la tele! pero bueno, algo es algo. No está subtitulado asique les cuento brevemente la situación. Ella tiene novio (Wilson) pero las cosas con él no van bien. Entre las irritantes cosas que tiene es que no la respeta en cosas sencillas como por ejemplo, darle tiempo a abrir un regalo cuidadosamente para no romper las envolturas que tanto le gustan. De ahí que al comienzo de la escena ella le agradezca a Rudd no apurarla para abrir el suyo. Bien, en pleno cumple se aparece este hijo de un vecino (Rudd) y le regala algo muy particular para "hacerle entender" que él reconoce su situación pero que si no actúa las cosas jamás cambiarán, y se da el siguiente diálogo que verán en el video.

Él:- Sólo es la mitad del regalo. No funciona sin la historia.
Esta cosa la inventó un hombre en Ohio central como una pasta blanca. Y la usaba para quitar el hollín que producía la calefacción en el papel tapiz . Cuando llegó la calefacción eléctrica y de gas, se eliminó la necesidad de la plasta blanca. El tipo estaba quebrando. Pero su cuñada era maestra de jardín de niños.
Ella:- ¿Es una historia verídica?
Él:- El tipo se llamaba Joe McVicker. Su cuñada era Kay Zufall.
Ella:-Bueno, te creo.
El:- Kay Zufall descubrió que a los niños les gustaba más apretar la pasta que usar plastilina. Así que le sugirió a Joe que le pusieran color y la llamaran "Play-Doh".
Ella:- Qué lindo.
Él:-Entonces yo he guardado esto mucho tiempo como prueba que todos estamos a un pequeño ajuste de hacer que nuestras vidas funcionen. Entiendes por qué pensé en esto para ti, ¿no?
Ella:-Sí. Gracias. Lo voy a guardar, porque..si me preguntan qué es, jamás podría contar la historia tan bien.

2. When Harry met Sally

Mítica película romántica si las hay. Dos desconocidos que se hacen amigos y posteriormente terminan como todos esperábamos, enamorados. Si bien la escena en la que se da esta declaración es super cliché: fin de año, fiesta, ella sola, él corre a buscarla antes de que sea demasiado tarde luego de una revelación, etc... nadie puede negar que lo que le dice él es justamente para terminar respondiendo lo que responde ella!.

3. Novia Fugitiva

Película mala, mala si las hay!. Un Richard Gere y una Julia Roberts con menos onda que tomar té sin azúcar; pero si hay algo que no puede negarse es que esta es una gran declaración de amor: honesta y llana como pocas, pero con mucho sentimiento.

4. Watchmen

Bueno, para empezar reput&%$** a Youtube o aquellos que estúpidamente dejan un video como público pero evitando la inserción del mismo! cosa más tarada no vi en mi vida, ¿si es público por qué caxo uno no puede embeberlo?, asique acá una escena que ya habíamos rescatado en su momento. Una entreverada declaración de amor pero la más maravillosa que he escuchado en mucho tiempo. Coherente con el personaje y para arrancar el mayor de los suspiros. Miren el video acá.

5. Love Actually

Es que esta no podía faltar, es LA película romántica y ciertamente esta declaración de amor realizada a una ¡mujer recientemente casada! es maravillosa. Un tanto edulcorada sí, pero soberbia. También van a tener que reverla desde la maldita página de youtube.

Hasta aquí el recorrido por cinco escenas que dejan afuera a otras tantas tantas, incontables. Pero de regalito final, ¿ quién no recuerda una escena tan lacrimógena y maravillosa como esta?

¡FELIZ SAN VALENTIN AMIGOS!
y recuerden que un te quiero a tiempo puede cambiar una vida ¡sea a quien sea!

The Devil Inside, fallida entrega de William Brent Bell

noreply@blogger.com (Pabela) — Sat, 11 Feb 2012 19:02:03 PST

Suelo ser bastante cobarde para el género del terror aun cuando de adolescente, allá por la gloriosa década de los ochenta, he visto muchos de los ahora considerados grandes clásicos del género de entonces: Fright Night, Friday 13, Haloween, Pesadilla, etc. Luego sobrevino la ola del gore y ya no me animé a tantos visionados como antes. Agreguemos el hecho de que luego de ver apenas media hora de The Exorcist, porque más no aguanté, y entera Amityville II: The Possession, la temática de los exorcismos ya me echan siempre para atrás. Pero debo reconocer que The Devil Inside tuvo una buena campaña de publicidad, comenzando por un tráiler que me llamó la atención. Parecía una buena mezcla entre thriller y terror donde la dualidad ciencia-religión prometía darle un toque interesante.

Estando detrás aquellos mismos de la, ahora ya, saga Paranormal Activity muchos de los que estamos un poco saturados del mockumentary teníamos nuestras dudas, pero insisto, la campaña que fueron hilvanando poco a poco antes de su estreno, confieso, me atrapó. Por otro lado aun cuando Paranormal Activity tenía un ritmo realmente cansino por momentos, hasta quedado y lento, debo reconocerle que resultaba después de todo muy buen recurso para agarrarnos desprevenidos con las pocas escenas “de susto”, efectivas finalmente.

El problema con The Devil inside es que aquí el argumento promete mucho más de lo que finalmente la cinta ofrece. Lo que se plantea al principio con ritmo pausado pero intrigante termina siendo un guión bastante desdibujado. La película se vuelve tan predecible que cualquier recurso sorpresa no cumple lo que debería. Esta servidora se asusta con cualquier cosa pero terminó realmente aburrida y hasta saturada de una cámara en mano que más que intimista termina siendo irritable con tanto movimiento, además de ciertos detalles argumentales un tanto confusos.

Es una pena que una película que cuenta con muy buenas actuaciones y algunas escenas muy bien armadas termine siendo un fiasco. Seguramente agradará a algunos espectadores, después de todo depende siempre de la sensibilidad de cada uno, pero seguramente aquellos más exigentes o amantes del género encontrarán que este film está muy lejos de ser aunque sea entretenido. La narración presentada como un falso documental acaba por transformarse de repente en una suerte de confesionario de gran hermano donde la tensión que debería estar puesta en lo que sucede se transfiere de inmediato a los protagonistas que si antes se los retrataba valientemente decididos de pronto, y porque sí, se vuelven desesperados testigos de situaciones que ahora los sobrepasa. Uno termina preguntándose qué ocurrió en el medio para que con este poseso no se asusten ni se desmoronen y con este otro sí.

Así mismo si los primeros cuarenta minutos del film, aunque con algunos clichés de por medio pero bien resueltos, plantean un hilo argumental atractivo, poco a poco este se va consumiendo en una seguidilla de intentos de escenas impresionables que no son otra cosa que muchos gritos y rezos, imprecaciones e insinuaciones sobre el pasado de cada uno que dejan con ganas de más. De repente el film termina siendo un ruido ensordecedor que pretende volcar toda junta la adrenalina que jamás llegó a plasmar por completo y hasta algunos personajes terminan contradiciéndose a sí mismos en diálogos bastante descolocados del contexto.

A riesgo de equivocarme me atrevería a decir que por momentos incluso la película está mal editada. Quizá ese sea uno de los factores desencadenantes de una última hora muy pobre para una película que prometía bien provocando que eventualmente el espectador no esté muy seguro de lo que está pasando o de qué se nos quiso contar después de todo. Por momentos se abren algunas líneas sobre el pasado de los personajes que posteriormente quedan en nada. Es obvio que tal vez esta sea una argucia para una posterior segunda parte, no me extrañaría; pero William Brent Bell, director y guionista de la cinta no logra provocar una atmósfera en la que la audiencia después de todo se asuste- como se supone para una historia de este género- ni tan siquiera, al menos, se entretenga.

Admito que ya esta moda del mockumentary personalmente ya me aburre bastante. Pocos son los films que posteriores a aquella pionera The Blair Witch Project, aunque con diferencias pues esta no era en sí un supuesto documental sino el llamado found footage, pocas películas que emulen esta estética son realmente buenas. The Devil inside no dejará de ser una más de las tantas películas que hay sobre exorcismos que no llegan ni a los talones de la clásica joya dirigida por William Friedkin en 1973.

Una opción para ver, si es que aun quieran incurrir en la aventura de sacarse la curiosidad, en la comodidad del hogar cuando se la lance en DVD o Blu-Ray. Por lo demás, no digan que no se los avisé cuando se estrene a fines de este mes.

Originalmente publicado en Extracine modificado en partes para La Cinerata

LA LLAMADA FATAL de Alfred Hitchcock.

noreply@blogger.com (Óscar Perdomo León) — Fri, 10 Feb 2012 12:45:01 PST

De izquierda a derecha: Robert Cummings, Grace Kelly y Ray Milland.

Hace un par de días vimos un clásico de la cinematografía mundial: “DIAL M FOR MURDER”, que se tradujo al español como “La llamada fatal”, “Crimen perfecto” o “Con M de muerte” y que tiene como protagonistas principales a Ray Milland, Grace Kelly y Robert Cummings. Es una película de 1954, dirigida magistralmente por Alfred Hitchcock.

La película está basada en la obra teatral del mismo nombre, la cual fue estrenada en 1952, y fue escrita por el dramaturgo inglés Frederick Knott,quien además escribió el guión de la película.La historia inicia con un triángulo amoroso. El esposo (Ray Milland),sabedor ya de las infidelidades de su esposa (Grace Kelly), decide después de varios meses de minuciosa planificación, asesinarla y quedarse con su dinero, y para conseguirlo contrata a un viejo compañero de estudios para que realice la tarea sucia. En la trama hay dos puntos objetivos interesantes: una carta que prueba la infidelidad y una llamada telefónica, la cual será el señuelo y la señal para que el asesino realice su trabajo.Esta cinta cinematográfica es impresionante en varios sentidos. Lo primero es la elegancia y la belleza deslumbrante que muestra en el largometraje Grace Kelly, de tan sólo 25 años de edad para entonces.Lo segundo es la actuación impecable de ella y de Ray Milland, quienes llenan la pantalla con un talento histriónico inigualable.Lo tercero es el suspenso que sostiene la trama de la obra. La cuerda de la historia se estira una y otra vez al antojo de Hitchcock. Ese suspenso se intensifica con las tomas y los paneos bien planificados, con los diálogos y las reacciones de los actores ante el progreso de la obra.Lo cuarto es la sencillez bien cuidada de la escenografía, ya que casi el 95 % de toda la historia toma lugar en una habitación, y sin embargo, no hay en ningún momento, para el espectador, una sensación de aburrimiento, monotonía ni claustrofobia.Lo quinto son las imágenes de una belleza fríamente calculada. La sobriedad resalta sobre todo. Hay un juego de imágenes bien hechas y encadenadas en perfecta sintonía

Un dato curioso.Como es bien sabido, Alfred Hitchcock salía de extra en todas sus películas y “Crimen perfecto” no fue la excepción, sin embargo aquí es más difícil descubrirlo, ya que la manera que escogió el genio director para salir esta vez en pantalla, fue una fotografía que es mostrada sólo durante un par de segundos en la película.

Disfrutamos mucho mirando “Crimen perfecto”.

Alfred Hitchcock -maestro del suspenso- nos demuestra con esta película que en la aparente sencillez hay en verdad una gran profundidad y complejidad, características que muchas de las “grandes”producciones del Hollywood de hoy en día ya quisieran tener

NOTA: Este texto lo co-escribí con mi esposa Érika.

Arrugas de Ignacio Ferreras: una mirada a la vejez

noreply@blogger.com (Pabela) — Fri, 10 Feb 2012 07:40:00 PST

En mayor o menor medida la animación siempre se ha considerado como algo exclusivo del público infantil. Posteriormente gracias a grandes estudios como Dreamworks o Disney, en sus últimos tiempos al menos, el género fue pensado para que tanto chicos como grandes pudieran disfrutar en las salas por igual. Pero Arrugas se diferencia en estar totalmente dirigida al público adulto con una historia que a priori podría parecer poco atractiva: la vida de los ancianos en un geriátrico.

El film basado en la novela gráfica de Paco Roca y dirigida por Ignacio Ferreras, ha logrado colarse en los Goya - y casi casi en los oscars- muy justificadamente pues estamos ante una historia abrumadoramente realista y humanamente invaluable. Aun cuando el film cuenta con un tono marcadamente triste y pesimista logra retratar excelentemente el mundo de la tercera edad y su soledad; pero a la vez el increíble valor de la amistad y los recuerdos. Imposible no sentirse identificado con lo que sucede, sobre todo, si ha de vivirse de cerca el tener familiares en las mismas circunstancias o aquejados de la penosa realidad del Alzheimer como el protagonista.

Con un ritmo sosegado pero nada aburrido, Ferreras se toma el tiempo de contar la vida de Emilio, nuevo húesped del hogar de ancianos, su relación con otros residentes y cómo crece la amistad entre él y Miguel, su compañero de cuarto. La magnífica mano que muestra el director para darle espacio a los personajes para que se desarrollen es exquisita y se agradece que sazone los momentos dramáticos con alguna cuota de humor, escasas pero siempre efectivas.

Arrugas, hay que decirlo, es un film realmente osado para los tiempos que corren que hay que ver, no sólo por su temática o su aparente tono de melodrama llevado a un género como la animación, sino porque es una historia que tarde o temprano a todos nos tocará vivir de alguna manera. Es una película que rescata el valor de las relaciones humanas, desde la amistad hasta el amor. Su atmósfera nos puede llegar como algo demasiado claustrofóbico y pesadamente desolador, pero si comparamos con la novela gráfica ciertamente es bastante más luminosa. Así y todo a no confundirse, esta es una animación totalmente alejada de los happy moments de muchas de su género, es una historia adulta, llena de grandes momentos, intensa y profundamente melancólica.

Estéticamente muy similar a The Triplets of Belleville o L’illusionniste, esta es una historia más cercana a la melancolía y desolación del ilusionista que a la gracia y ternura de las trillizas; pero que gracias a una narrativa plagada de ensueños y flashbacks nos conducen por la emotiva mirada de los protagonistas en todos los ámbitos de su triste condición sin caer en golpes demasiado bajos ni la manipulación de la lágrima fácil. Por supuesto que es un relato triste, inmensamente lúgubre por momentos pero lleno de magia.

Es impecable el retrato de los personajes, cómo con gran sutileza se pasa del protagonismo de Emilio al de la relación de este con su amigo para después centrarse en Miguel y cómo lo ha afectado todo. Es gratificante ver que los personajes y la historia forman un conjunto íntegro y prolijamente armado a servicio del argumento, un argumento que si tiene alguna falla se vuelve completamente imperceptible. La historia funciona porque los personajes se mueven y actúan de manera creíble, porque el ritmo se mantiene siempre firme y con una finalidad clara.

En este punto quiero personalmente destacar el personaje de Miguel, un español criado en Argentina que por ende es más nuestro en sus costumbres. Sorprende que se haga un calco tan bien puesto de lo que es el argentino promedio, un oportunista que pareciera que no le importa nada y que finalmente termina siendo el más fiel y humano de la cinta. Una radiografía de todo lo bueno y todo lo malo que tenemos pero que a la larga nos deja bien parados!.

Personalmente me fascina que una buena historia se pueda disfrutar así, simple, desde su argumento y su buena elaboración. En tiempos donde la tecnología del 3D parecería inundarlo todo, Arrugas se asienta como un oasis magnífico en el 2D, sin grandes pretensiones, honesta y humana. Merece aplausos que la animación española pegue un salto como este y demuestre que no todo tiene que venir del norte en este género y que no es privativo ni de la comedia ni de la audiencia más pequeña.

De cara a los Goya no puedo arriesgar cómo le irá a este film pues no he visto a las otras nominadas en su categoría. Intuyo que si evaluamos la calidad del film tiene grandes chances por delante; lo que sí puedo afirmar es que este no es un film para dejar pasar si aún no lo han visto. Puede que la historia y su contexto no atraiga a muchos pero justamente por ello los insto a que no prejuzguen y le den una oportunidad. Está llena de grandes escenas muy bien acompañadas por la maravillosa música de Nani García y dejará huella en la mayoría de los espectadores.

Originalmente publicado en Extracine

Tres Estrenos para esta semana

noreply@blogger.com (Pabela) — Thu, 09 Feb 2012 02:17:29 PST

Pocos pero interesantes! Llegan a nuestra cartelera dos de las películas más esperadas; por un lado La Invención de Hugo Cabret, el último film de Martin Scorsese que unánimemente la audiencia y críticos parecen poner por las nubes, por otro, La Dama de negro, con un otrora Harry Potter - vale Daniel Radcliffe- fuera de Hogwarts!. El tercer estreno, un film nacional: Penunbras. ¿Cuál van a ir a ver?

11 Críticas: 8 ✔ , 3 ✖

Nombre original: The Woman in Black
Director: James Watkins
Países de origen: Reino Unido, Canadá
Clasificación: Apta mayores de 16 años

Un joven abogado es enviado por su empresa a vender la casa de una viuda recientemente fallecida. El abogado se encontrará que los residentes son reacios a hablar sobre la casa o a acercarse a ella, y por supuesto, nadie le explicará o reconocerá a la mujer de negro que él asegura ver. Ignorando las advertencias de la gente del lugar, el abogado se dirigirá a la casa donde descubrirá una historia horrible y llegará a ser parte de su legado aun más terrible.

19 Críticas: 17 ✔ , 2 ✖

Nombre original: Hugo
Director: Martin Scorsese
País de origen: Estados Unidos
Clasificación: Apta todo público

La invención de Hugo Cabret se basa en el libro homónimo de Brian Selznick, uno más de entre los muchos best-sellers juveniles de los últimos años. Selznick lo escribió con una técnica casi cinematográfica que incluía ciento cincuenta ilustraciones, para contar una historia ambientada en la Francia de 1931 y protagonizada por un huérfano que completa un pato de cobre ideado por su padre (capaz de comer y viajar hasta la Luna) así como un autómata humanoide.

10 Criticas: 7 ✔ , 3 ✖

Nombre original: Penumbra
Directores: Adrián García Bogliano, Ramiro García Bogliano
País de origen: Argentina
Clasificación: Apta mayores de 16 años

Penumbra cuenta la historia de Marga (Cristina Brondo), una mujer de negocios española de paso por Argentina que acude a mostrar un departamento en alquiler a unos potenciales arrendadores. No tardará en darse cuenta de que sus “clientes” no son lo que parecen y que tienen macabros planes para ella y su departamento...

Córdoba
La dama de negro | Hugo
Rosario
Hugo | La dama de negro
Mendoza
La dama de negro | Hugo | Don't think : The chemical brothers
Mar del Plata
Hugo | La dama de negro
La Plata
La dama de negro | Hugo
Salta
La dama de negro | Hugo
Bahia Blanca
Hugo
Santa Fe
Hugo | Don't think : The chemical brothers
Neuquen
Hugo | La dama de negro
Tucumán
Hugo
Corrientes
Hugo
San Luis
Hugo

Fuentes: todaslascriticas.com.ar| cinesargentinos.com

Él dice: Man on Wire

noreply@blogger.com (Ángel Jiménez) — Thu, 09 Feb 2012 01:51:11 PST

Además de los kilitos y visitas familiares de más propias de la temporada, estas navidades me han traido un documental que bajo el título Man on Wire relata la proeza de Phillipe Petit, un funambulista francés que en los años 70 decidió cruzar las Torres Gemelas neoyorquinas con el único respaldo de un fino cable de metal, unos amiguetes tornados en cómplices necesarios y, por encima de todo, una determinación inquebrantable.

La al menos para mí poco atractiva premisa inicial venía no obstante avalada por una ristra de premios en numerosos festivales internacionales y un gran éxito de crítica, por lo que merecía la pena al menos darle la oportunidad. A las malas, aún tenía tiempo de descambiarla.

Con un metraje que apenas llega a la hora y media, Man on Wire reconstruye la peripecia de Petit y compañía a través de testimonios de los protagonistas en la actualidad, extractos de vídeos caseros y fotografías personales de la época, y algunos (pocos, afortunadamente) extractos rodados con actores para unir los huecos y aportar algo de tensión y dramatismo en los momentos clave de la historia.

Cuando me alegro por el predominio de los testimonios actuales y el material casero por encima de las recreaciones peliculeras o el énfasis en realzar las dificultades sobrevenidas durante las últimas etapas del rocambolesco plan, lo hago porque creo que el gran mérito de este documental reside no en la proeza del descerebrado Phillipe, sino en el camino que lo lleva hasta allí. Man on Wire es la historia de un sueño tornado en necesidad imperiosa e inexorable, contándonos de primera mano y sin sentimentalismos innecesarios o arquetipos requetevistos cómo merece la pena superar cualquier obstáculo para alcanzar un sueño, por absurdo que pueda parecer a los demás. Es ahí donde, insisto, el documental resulta bello e inspirador, y en ello es donde para mí radica su excelencia.

Resulta igualmente entrañable el viaje a un mundo más inocente (o al menos, más informal) como es el de los años 70, donde unos chavalines consiguen llevar a cabo el más rocambolesco de los planes de la forma más disparatada posible. Seguramente, de haber tenido lugar hoy en día, el funambulista no habría pasado de los controles del aeropuerto y el documental sería una denuncia cruda y descreida de los brutales métodos policiales norteamericanos.

Puntuación: 7,5/10

Ella dice: Man on wire

noreply@blogger.com (Paula Pérez) — Thu, 09 Feb 2012 01:51:02 PST

7/10

Nos remontamos a 1974. El funambulista y acróbata Philippe Petit, ayudado por amigos y algunos agregados simpatizantes, entra de forma clandestina en el World Trade Center, en Nueva York, para realizar un número de funambulismo sobre un cable tendido entre las dos torres, a 400 metros del suelo.

Sin más motivo que el deseo y una imperiosa necesidad interna, el documental nos muestra retazos de imágenes y conversaciones de los acontecimientos grabadas por los propios protagonistas, así como entrevistas actuales.
Paso a paso se nos desvela cómo se llevó a cabo el plan, la entrada en los edificios o cómo subieron el pesado material a las azoteas (caminar por un cable de acero es mucho más que tirar una simple cuerda entre dos puntos).
Pero además del cómo la cinta se detiene, a través de la figura de Philippe, en una necesidad nacida desde el momento en que vio el proyecto de las Torres Gemelas, antes de su construcción, y cimentado en toda una vida de búsqueda de la realización artística. Como él mismo revela, no importa el porqué, sino el hecho de querer hacerlo por encima de cualquier otra cosa.

Man on wire es la historia de una voluntad, de un deseo, de un sueño y de un cambio. La voluntad que hizo posible, gracias a la ayuda desinteresada de amigos y conocidos, una hazaña que en momentos parecía imposible. Un deseo y un sueño, que es también una magnífica lección sobre la búsqueda del propio camino, sobre la identidad de cada cual y la certeza de que, si en nuestro más interior anhelo sentimos que estamos haciendo lo correcto, entonces todo lo demás es secundario. También, y como no podía ser de otra manera, la historia es el cambio después del todo. Después del riesgo, del miedo, de las dudas, de la explosión final de felicidad, nada vuelve a ser lo mismo.

Ver a Philippe Petit caminar entre las torres, aún con casi cuarenta años de distancia, es y debe ser inspirador para cualquier persona que tenga un sueño. Hay que perseguirlo. Hay que dejarse ayudar por aquellos que nos quieren. Hay que realizarlo.

Como documental sin duda es una hazaña muy bien narrada. Prueba de ello son los premios recibidos. Pero desde el punto de vista humano me parece una gran lección, emotiva y, desde cualquier ángulo que se la mire, educativa.

Hay algo muy hermoso que dice Petit en la cinta: “Era como si las hubiesen construido para que caminase entre ellas”.
Yo creo que así era.

Top 10: Mejores Escenas de lluvia

noreply@blogger.com (Pabela) — Wed, 08 Feb 2012 10:00:14 PST

Al mal tiempo buena cara dice el viejo dicho y luego de la tormenta de ayer que parece continuará hoy sobre estas pampas, y después de recordar en face y twitter algunas escenas de lluvia pues qué mejor que hacer nuestro top 10 de grandes escenas de lluvia.

En pleno entierro, en declaraciones de amor desesperadas, en el famosísimo baile de Gene Kelly, todos recordamos alguna escena donde la lluvia tenga una presencia fuerte. Son muchas, incontables asique como todo top 10 faltarán muchas, muchísimas. Están invitados desde ya a dejar las suyas si no aparecen en este top 10. ¿Cómo fueron elegidas? pues primero y ante todo, como el que parte y reparte se lleva la mejor parte, en forma subjetiva; es decir, las que yo recuerdo que más me hayan impactado o guardado en la memoria. Segundo, he tomado un par de sugerencias de las que me tiraron por el hashtag #Escenasdelluvia. Tercero y finalmente, he decidido sacar todo lo que es cine clásico, la obvia Singin' in the rain que ya casi medio mundo, la haya visto o no, conoce y centrarme mayormente en pelis un poco más populares. Como podrán comprobar, sí he dejado una peli de las "clásicas" que me parecía no podía faltar un poco en compensación a ese cine y porque amo a la protagonista. Algunos videos no tienen permitida la inserción pero les dejo el link para que lo puedan ver en youtube directamente.

10. Jeux d'Enfants

Sugerida por mi amiga Patricia Relats de Rincón Filmico, este film belga fue dirigido en el 2003 por Yann Samuell. Protagonizado por Guillaume Canet y la maravillosa Marion Cotillard quienes entablan un peligroso juego del que terminarán siendo las víctimas. Toda una vida para decir te quiero, reza la sinopsis, y todo por culpa de un juego.

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9. Spider-man

Tobey Maguire, Kirsten Dunst y el famoso beso de cabeza. ¿Quién no habrá pegado el grito de excitación por ver que alguien finalmente se le anima a desenmascarar al héroe?, pero nos han dejado con las ganas. Igual el beso bien lo vale en una escena donde obviamente no podía faltar la lluvia.

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8.Polstergeist

Y aunque la lluvia es bien representativa de las escenas de romance, cosa que esta lista tiene bastante, dejémos un poco de lado los arrumacos para una de las escenas de este film de terror de 1982, hito del género. Dirigida por Tobe Hooper y con Steven Spielberg en el guión (co- escrito ojo) ¿ quién no recuerda el horror de esta pobre familia viviendo sobre un cementerio indio? ¿A que después de verla nunca más pudieron dejar la tele encendida sin transmición ?

7. Jurassic Park

Otra de Spielberg para cortar la respiración. El Dr. Grant, interpretado por Sam Neill, ayuda a los pobres niños a escapar del T-Rex, mientras que vean lo que le sucede al pobre abogado. ¡Escena de antología si las hay!

6.The Shawshank Redemption

Basada en el cuento corto de Stephen King, Rita Hayworth and Shawshank Redemption, esta es una que se la dedicamos a nuestro amigazo Ulises, fanático de este título dirigido por Fran Darabont en 1994. No lo culpamos, el film es de lujo!

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5. Breakfast at tiffany's

Por supuesto que no podía faltar esta escena de una película que particularmente no me dijo mucho, es meramente entretenida. Pero ¿cómo no poner a la diosa de Audrey en una lista como esta? Además, para qué negarlo, esta es la mejor escena de toda la película. Una muchacha totalmente perdida en la vida, negada al amor y cuyo gato es el verdadero símbolo de todo lo que se cuenta.

4. The Notebook

Porque no solo amo a Ryan Gosling sino porque además está de moda, porque esta es una de ESAS escenas que si no la pongo junto a la que viene después en el puesto 2 seguramente todos los comentarios apuntarían a que me olvidé de... Una "velada" que comienza con sol y sonrisas y termina con lluvias y reproches. AAAA pero no me digan que no es suprema!

3. El Hijo de la novia

Este film ya emblemático de Campanella, no solo es un lujo para nuestro cine nacional sino que además tiene una de las escenas de "perdoname-me-equivoqué" más hermosas que he visto y por supuesto tenía que ser de noche y con lluvia. Un Darín desesperado y una maravillosa escena de amor.

2.The Bridges of Madison County

Y si gente, cómo no ponerla. Esta no entra en el puesto número uno por muy poco. Una sublime Meryl Streep y un, por primera vez, no tan duro Clint Eastwood en una historia que medio mundo adora. ¿Quién no se habrá desesperado gritando "pero bajate!!! bajate ahora!!"?, ¿quién no habrá terminado de ver el film diciendo "y vos que hubieras hecho"?. Si hablamos de escenas románticas de lluvia , esta es por lejos LA escena.

Bien, hasta acá muchos se preguntarán: si Los puentes de Madison es la número 2, qué queda como el número 1?, pues una de las escenas más magníficas de una de las películas más maravillosas que he visto. Esos films que uno no se cansa de ver y cuya escena a continuación nos ha dejado a todos con la cara del wtf más grande del mundo. Si no la vieron, háganlo.

1. Magnolia

Calidad medio chotis del video, me disculpo de antemano pero cada vez es más difícil encontrar algo como la gente en youtube y sobre todo que dejen embeberlo en la web. Pero acá va la asombrosa lluvia de sapos de este film de 1999 dirigido por Paul Thomas Anderson con uno de los repartos más geniales y una de las historias más singulares, insisto, que no hay que perderse.

VENGADORES DE AYER Y DE SIEMPRE: SOBRE DRIVE

noreply@blogger.com (Analía Casero) — Tue, 07 Feb 2012 15:50:06 PST

El danés Nicolas Winding Refn, quien ya se había ocupado del mundo criminal en Pusher (Traficante) I, II y III y Bronson, es el responsable de este film; aquí cuenta la historia de Driver (Conductor), de quien nunca conocemos el nombre, un joven que en soledad lleva una doble vida: de día, trabaja como extra de cine conduciendo automóviles para las escenas de acción y en el taller mecánico de Shannon; y de noche, ayuda a ladrones a salir indemnes de sus atracos. Todo da un vuelco cuando Driver conoce a Irene, su vecina; ella vive sola con su hijo mientras espera que su marido salga de la cárcel. Esta situación y la posibilidad de dedicarse a manejar autos de carrera le hacen repensar su vida y anhelar un cambio, pero: ¿será esto algo fácil de lograr? Y en ese momento es donde el destino, no sin ser ayudado por sucias manos, hace lo suyo. Drive es una película con tantos puntos a favor como en contra; comencemos con los primeros:

La creación de un personaje enigmático y por demás interesante por su aislamiento, por sus silencios, por sus mañas (cuando acude a los asaltos en los que participa, siempre lleva guantes negros, roba autos, coloca un reloj en el volante, muerde un palillo y usa una campera blanca con una estampa de escorpión atrás).

· Hay elementos que juegan un papel importante: el ascensor del edificio donde viven Driver e Irene, la máscara que usa El conductor cuando hace de extra.

Ahora continuemos con los desaciertos:

· Hay abuso del ralenti.
· La película promete mucho en los primeros minutos (que son muy adrenalíticos y atrapantes) pero a medida que avanza va cayendo debido a que la historia pierde ese tono inicial y se vuelve predecible.
· Los mafiosos resultan muy estereotipados (aunque Albert Brooks haya recibo varias nominaciones por ponerse en la piel de uno de ellos).

El hecho de que Driver sea una persona muy violenta y al mismo tiempo dulce, recuerda a personajes como el de Nishi en el film Flores de fuego (1997), interpretado y dirigido por Takeshi Kitano.

Hay fragmentos de Drive, como el tratamiento estético de la ciudad de Los Ángeles, que llevan a pensar en Taxi driver (1976) de Martin Scorsese.

Ryan Gosling (Blue Valentine, Secretos de Estado), el actor del momento, interpreta a Driver, la impecable Carey Mulligan (Enseñanza de vida) a Irene, Bryan Cranston Contagio) a Shannon y Albert Brooks (Educando a J) y Ron Perlman (Hellboy) a los mafiosos Bernie y Nino; Gosling recibió importantes nominaciones por este papel, y no es para menos, teniendo presente que encarna con excelencia a ese hombre que por amor, se vuelve vengativo; un vengador que a pesar de cargar con todos los clisé de esa figura cuenta con renovados guiños. A Driver también se lo puede ver como a un héroe.La distribuidora de la película fue demandada por publicidad engañosa, ya que la cinta fue promocionada como una nueva Rápido y furioso cuando en realidad Drive no es una película de acción; y en este punto es en donde es interesante detenerse, ya que a la hora de clasificar al film se lo ha hecho bajo el rótulo de neo-noir, es decir como perteneciente al género del cine negro pero con nuevos aires y hay que decir que si no existiera esta innovadora clasificación sería muy difícil etiquetarla y hasta se quedaría sin género o algo descolocada; el tema de que el clima setentoso-ochentoso de la cinta (tanto en el estilo narrativo de la historia como en la puesta en escena, que se percibe hasta en la banda sonora) sea tan marcado a veces parece jugarle en contra. Al final de los créditos se apunta que Drive es un tributo al escritor, actor y cineasta chileno Alejandro Jodorowsky (El topo) quien fue maestro del director. Para terminar, se podrían rescatar algunas palabras de la canción A real hero de feat-Electric Youth que se escucha en el film: “And you, have proved, to be a real human being, and a real hero” (has probado ser un verdadero ser humano y un verdadero héroe).

Calificación:

Posters para Mejor Film de los BAFTA

noreply@blogger.com (Pabela) — Mon, 06 Feb 2012 13:19:21 PST

Cada año la British Association of Film and Television Awards, más conocidos como los premios BAFTA, convocan a distintos artistas para recrear posters de la categoría de Mejor Film. Hoy les traigo los de este año diseñados por Eda Akaltun & StudioSmall para The Artist, The Descendants, Drive, The Help y Tinker Sailor Soldier Spy. Ni que hablar de que están geniales, sobre todo me encanta que hayan rescatado para The Artist una de las escenas más hermosas de la película. Asique pinchen en las imágenes para verlas con más claridad.

Jodaeiye Nader az Simin (La Separación), Asghar Farhadi

noreply@blogger.com (Pabela) — Sun, 05 Feb 2012 18:23:59 PST

Asghar Farhadi supo demostrar gracias a About Elly que el cine iraní no era exclusivo de Abbas Kiarostami, mucho más popular por entonces. Ahora con A Separation se afianza como uno de los directores asiáticos más prometedores gracias a la cantidad de reconocimientos que viene cosechando en distintos festivales internacionales y en ser el segundo film iraní en obtener una nominación al Oscar para mejor película extranjera y el primero en entrar dentro de la categoría de mejor guión original.

Filmada con una extraña prolijidad si consideramos el uso de la cámara en mano, Farhadi, quien también estuvo a cargo del guión, retrata con detalle y sin apuro los problemas de una sociedad difícil como la Iraní donde no se deja de lado ni los entresijos de la justicia, sobre todo, ni las diferencias sociales, religiosas o aquellas más universales, incluso, como la ruptura familiar, la agresividad, la cólera, la injusticia.

Parecería que la efusiva acogida que le ha dado la crítica internacional no nos deja lugar a dudas de que estamos ante una obra maestra, una incisiva mirada a la sociedad de nuestro tiempo, sea esta del país que sea. La increíble proliferación de films refritados y regurgitados del cine actual posiblemente explique la grandeza de un film sencillo, humano, realista y el por qué tanto espectadores como críticos la han tomado como el aire fresco que la gran pantalla necesita, al menos, como opción aparte. Sin embargo, personalmente me atrevo a nadar un poco contra la corriente y expresar abiertamente que del film me esperaba otra cosa.

Quizá el problema venga dado a las expectativas que uno se crea a priori cuando un film es promocionado. Desde todos los elementos paralingüísticos, y lingüísticos claro, uno va elaborando la posibilidad de una determinada historia. Por supuesto que sería totalmente ingenua si esperase que porque el film llevase la palabra separación en su título, de eso tenga que hablarme específicamente. Farhadi concentra tanta fuerza en los personajes secundarios que termina desdibujando de alguna manera a los protagonistas. Las interpretaciones de Peyman Maadi y Leila Hatami quedan en sombras, lucen frías gracias al extraordinario poder escénico que el director otorga a personajes como Sareh Bayat, e incluso, a su propia hija Sarina Farhadi, quien interpreta a la hija del matrimonio, testigo silencioso y doloroso del drama, verdadera víctima del conflicto.

La separación aquí es usada como un disparador de otro tipo de conflicto distinto al de la separación en sí. Aunque se nos cuenta en la escena inicial el por qué del deseo de divorciarse de Simin, el director no se detiene a contarnos sobre la pareja sino en las consecuencias funestas que esa decisión termina por desencadenar. A partir de ahí, un hecho provocado por la cólera dará lugar a discusiones, muchas, todo el tiempo, con la fuerza necesaria para gritarnos que los problemas son muchos, son serios, son graves.

Y ahí es donde personalmente termino por desconectar de la historia. Es indudable la maestría de Farhadi para retratar la tensión, para ambientarnos dentro de ese mundo en que los personajes se mueven y cómo se interrelacionan pero a la vez carece de la habilidad necesaria para asentar el relato y provocar una identificación con los personajes que nos permita emocionarnos con lo que les pasa. ¿Quiere hablarnos de la burocracia insufrible de una justicia en la que uno debe pelear por su cuenta, sin abogados entendidos, discutiendo como lo harían los hermanos frente a una autoridad paternal?, ¿hablar de la mentira y cómo esta puede constituir un pecado tremendo dentro de los conceptos religiosos regidos por el Corán?, ¿quiere hablarnos de cuánto lamenta Simin que a su marido no le importe si ella se queda o se va?, ¿si es que se lamenta de todavía amar a un hombre capaz de perder el juicio hasta provocar un crimen?. Posiblemente de todo ello, claro.

Lo sé, muchos podrían acometerme, y seguramente lo harán, con todas las respuestas posibles. Después de todo así se plantea la historia, como la vida misma en la cual a veces todo nos sucede al mismo tiempo, un hecho termina generando una cadena de circunstancias indomables. Pero, a riesgo de sonar mediocre, y quizá sea que no la haya entendido bien del todo, tanta fuerza puesta ahora aquí, luego allá, no me dio oportunidad de interesarme del todo por lo que estaba pasando. El ritmo por momentos acelerado, por otros, extremadamente contemplativo me rindió al aburrimiento, ¿para qué negarlo?.

Eché de menos la profundidad de los diálogos que Farhadi supo elaborar en About Elly constituyendo la música que casi no tiene el film, la destreza de plantear una historia sencilla sin pretenciones grandilocuentes. A separation no deja de ser una película para ver, valoro la mano austera pero certera de este director para crear escenas que aunque sencillas no dejan de impactar y llegarle al espectador; después de todo a la mayoría, les ha encantado que es lo que cuenta.

Arrasadora en la Berlinale del año pasado, este es un film que seguro ganará el corazón de la Academia; un pronóstico que lanzo un tanto apresurado pues no he tenido oportunidad de ver a sus competidoras extranjeras. Pero que a pesar de su ritmo un tanto desordenado para mi gusto le reconozco mucha fuerza en ciertos tramos, un final excelentemente planteado, de esos que no necesita palabras ni ademanes para hacerse entender; ese tipo de clima y logro es el que me hubiera gustado ver sólidamente a lo largo de las dos horas de duración.

Calificación:

Originalmente publicado en Extracine.

Necesitamos Hablar de Kevin, Lynne Ramsay (2011)

noreply@blogger.com (Shaoran Nox) — Sun, 05 Feb 2012 09:16:50 PST

¿Alguna vez les ha pasado que una película los impresiona tanto que no saben qué calificación ponerle, y peor aún, no saben cómo hablar de ella? Pues es lo que me ha pasado ayer que fuí a ver Necesitamos Hablar de Kevin, de Lynne Ramsay, quien no tiene ninguna película tan sonada como esta última.

Tilda Swinton se luce en su papel de Eva Khatchadourian, madre de Kevin. Y yo me pregunto, ¿en serio nominaron a Rooney Mara por una interpretación plana y melosa de Lisbeth Salander, y dejaron fuera a esta magnífica actuación de una nominación? Ya no les creo nada a esos señores.

Pero bueno. La historia comienza con unas secuencias metafóricas de un sueño, y al principio es un poco confusa, alternando imágenes de Swinton con cabello largo/corto, indicando que son diferentes épocas. Conforme avanzamos, nos damos cuenta que Eva es señalada por mucha gente pero desconocemos el caso. Y ya desde esas escenas nos atrapa. ¿Por qué la señalan? ¿Por qué todo mundo la mira? Y comenzamos a adentrarnos en su pasado, su matrimonio con Franklin (John C. Reilly en un papel muy disimulado), y su historia de cómo crío al pequeño Kevin.

No les voy a revelar nada más de la trama porque significarían Spoilers, pero lo que uno va observando en las casi 2 horas que dura la cinta es impactante, profundo. Son de esas cintas que no son explícitas, salvo un par de escenas, y me refiero a explícitas no que tengan sexo o sangre, sino que dejan que el espectador saque sus propias conclusiones de las escenas. Y yo les recomiendo que si buscan entretenimiento, no la vean, que si planean pasar una cita romántica, no la vean, y si son acompañados por alguien sensible, no la vean. Es una película muy dura, que nos hace reflexionar sobre la condición humana. Que lindo yo que me la paso diciendo que las películas son para reflexionar, pero me gusta ese tipo de cine, que te hagan pensar, que te hagan reflexionar sobre quienes somos, por qué hacemos las cosas y cómo es que llegamos a ser lo que somos. Curiosamente no la iba a ver en el cine, planeaba ver Hugo, pero ante la falta de horarios, mi pareja y yo decidimos entrar a verla y los dos salimos con la boca cerrada ante la falta de comentarios. Dura, fría, y que te deja con la pregunta final en el aire para que cada quién encuentre su propia respuesta: ¿Por qué?

Una historia maravillosa, con unas actuaciones impecables, y una dirección, edición y fotografía bien logradas. Todavía no me puedo creer que se haya ido sin nominaciones.

Calificación:

LA OTRA TIERRA. UNA PELÍCULA DE MIKE CAHILL.

noreply@blogger.com (Óscar Perdomo León) — Sun, 05 Feb 2012 12:43:43 PST

8/10

La idea de un universo paralelo, con realidades alternativas, es una teoría basada en las probabilidades. La inmensidad del universo es algo inabarcable. Pero también inmensas son las emociones humanas: el sentimiento de culpa, el odio, el amor, el perdón… Este es el centro y la médula de la película «La otra Tierra», que vio la luz en el año 2011, y fue dirigida por Mike Cahill. Fue co-escrita por Mike Cahill y, por su actriz principal, Brit Marling.

Este largometraje es un drama bastante intenso con una historia original; aunque hay momentos que pareciera que el ritmo es lento, en realidad la mayor parte me gustó, y creo que esto fue gracias principalmente a la actuación bastante buena de Brit Marling.

Todo inicia cuando la adolescente Rhoda Williams (Brit Marling) va manejando su vehículo, con unos tragos de más, mientras escucha en la radio sobre la existencia de un planeta similar a la Tierra, conocido como “La Tierra 2” y que se mira sólo como un punto azul.

A unos metros de allí se encuentra haciendo alto un automóvil en donde se conducen una familia de tres: un padre, una madre (que además está embarazada) y su hijo.

Rhoda, distraída mirando a través de su ventana ese planeta, se estrella contra ese automóvil. La escena es impactante, tanto por el ángulo en que fue filmada, como por el silencio que la antecede.

En el accidente mueren la mujer y el niño. El padre, cuyo nombre es John Burroughs, personificado por el actor William Mapother, permanece en coma durante mucho tiempo.

Rhoda va a la cárcel por cuatro años y al salir, decide trabajar en limpieza en una escuela, que sería una especie de autocastigo por los asesinatos cometidos, aunque involuntariamente, pero la culpabilidad la sigue hiriendo.

“La Tierra 2”, que al principio sólo era un puntito azul en el cielo, poco a poco se va acercando a la Tierra, con luna incluida, como en una imagen en espejo. Pronto se organiza un viaje estelar, cuyos boletos son carísimos, pero en Internet hacen un concurso para ganarse un boleto en ese vuelo especial; para ganarlo hay que escribir una prosa con las razones convincentes de por qué se querría ir a ese viaje. Rhoda escribe y gana el boleto.

Leyendo un periódico, se da cuenta que John Burroughs ha salido del coma. Va a su casa para pedirle perdón, pero pierde el valor de hacerlo y le dice una mentira: que ella es de una organización de limpieza gratis.

En este punto, y con el trascurrir de los días, se alcanza y se forma una relación entre ellos, que crece hasta el romance.

La película es muy interesante porque se mezcla la vida contemporánea con la ciencia ficción de una manera bastante creíble. Es una cinta sin mucho diálogo, pero sí, a través de imágenes, con cambios de luz, de vestuario y de maquillaje, nos va contando la evolución sentimental de los dos principales personajes.

¿Viajará Rhoda al espacio exterior? ¿Llegará a saber John Burroughs que Rhoda fue la adolescente que manejaba irresponsablemente el vehículo que causó el fatal accidente?

Por supuesto que no les voy a contar el final, pero les puedo decir que, a mi parecer, la película termina muy bien con un giro inesperado para el espectador.

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