La Cinerata

BAILANDO EN LA OSCURIDAD. UNA PELÍCULA DE LARS VON TRIER.

noreply@blogger.com (Óscar Perdomo León) — Fri, 27 Jan 2012 13:00:01 PST

Dancer in the dark (“Bailarina en lo oscuro”, o una traducción que suena mejor: “Bailando en la oscuridad”) que es una película que vio la luz en el año 2000, escrita y dirigida por el danés Lars von Trier, es una especie de drama musical, ambientado a mediados de los años ´60, con un desarrollo muy intenso, que toca los temas de la amistad, el amor de una madre y la pena de muerte.

El argumento trata sobre una mujer checoslovaca (Selma Jeskova), madre soltera, que viaja a los Estados Unidos en busca de una operación de ojos para su hijo. Para lograr pagar la cirugía, trabaja en una fábrica (a veces haciendo turnos de muchas horas), aun con sus propias dificultades para ver. Ella se siente culpable por haber tenido un hijo, aun sabiendo que por su sangre corría una enfermedad hereditaria que lleva a la ceguera. Selma es magistralmente interpretada por la cantante y actriz islandesa Björk.

Desde el primer momento la técnica de cámara al hombro, con enfoque de movimientos activos y de acercamiento y tomas inesperadas, introduce e involucra al espectador en el mundo de Selma, quien ama los musicales donde se baila tap y de vez en cuando sueña despierta, canta y baila y entonces su mundo de trabajo y esfuerzo se vuelve perfecto y con muchas alegrías. Es de hacer notar que toda la música de la película fue compuesta e interpretada por Björk. El inicio de la película me capturó desde elprimer momento que la vi porque cantan el clásico -y ya standard del jazz- “My favorite things”, composición que ya conocía yo a través del saxofón soprano de John Coltrane.

No contaré más, sólo diré que todo este largometraje de ficción es de una belleza inusual, con una coreografía y una música muy particulares. El final es de mucho dramatismo y no sólo nos toca emocionalmente, sino que nos hace reflexionar sobre las conductas humanas y sobre las instituciones que se encargan de impartir justicia en la sociedad. La película tuvo numerosas nominaciones a diversos e importantes premios a nivel internacional. Además contó con las actuaciones de grandes estrellas del cine, como Catherine Deneuve y David Morse, entre otros.

Dancer in the dark la vi la primera vez hace unos 8 años y hace un par de días volví a verla y la disfruté aún más. Es una verdadera obra de arte que, una vez tiene uno la oportunidad de verla, se queda guardada en nuestra memoria.

Cartelera argentina: Cinco estrenos variados

noreply@blogger.com (Pabela) — Thu, 26 Jan 2012 04:17:42 PST

Fantasía,biopic, drama, comedia, thriller. ¿Qué más se puede pedir en una semana de cinco estrenos!. Para todos los gustos, para conformar a todos. Destacamos el estreno de Violencia Rivas, mi alterego, y compañía en la gran pantalla y en 3D. Impagable, amigos. Asique con un nuevo formato aunque siempre basados en la data invaluable de todaslascriticas.com.ar, esta es la cartelera de esta semana para Buenos Aires y resto del país.

Buenos Aires

Nombre original: J. Edgar
Director: Clint Eastwood
País de origen: Estados Unidos
Clasificación: Apta mayores de 13 años
Sinopsis

Protagonizada por Leonardo DiCaprio y dirigida por Clint Eastwood. Biopic de J. Edgar Hoover, que fue nombrado en 1924, a los 29 años, director general del FBI con la intención de reformar la organización. Ocupó dicho cargo hasta su muerte en 1972, y durante su mandato sobrevivió a siete presidentes, alguno de los cuales quiso destituirlo sin conseguirlo. Los archivos que Hoover guardaba celosamente, llenos de secretos inconfesables de muchas personalidades importantes de los Estados Unidos, lo convirtieron en uno de los hombres más poderosos y temidos de la historia de ese país.

Nombre original: Man on a Ledge
Director: Asger Leth
País de origen: Estados Unidos
Clasificación: Apta mayores de 13 años
Sinopsis:

Un ex-policia (convertido en estafador) amenaza con saltar de la terraza de un hotel en el medio de Manhattan. Luego de escuchar los gritos de una mujer, un policía acude a la escena y deberá hacer todo lo posible para evitar que el hombre salte al vacío. Pero detrás de este acto podría esconderse una sorpresa mortal para todos.

Nombre original: Immortals
Director: Tarsem Singh
País de origen: Estados Unidos
Clasificación: Apta mayores de 16 años
Sinopsis:

Teseo es un mortal elegido por Zeus para liderar la lucha contra el despiadado Rey Hyperion, quién está causando graves problemas en toda Grecia mientras intenta obtener un arma capaz de destruir a la humanidad.

Nombre original: Angèle et Tony
Director: Alix Delaporte
País de origen: Francia
Clasificación: Apta mayores de 16 años
Sinopsis:

Angèle es una mujer joven que ha perdido el rumbo. Acaba de salir de la cárcel en la que cumplía condena por su implicación en un accidente que le costó la vida a su marido. Ahora quiere aprovechar esta libertad condicional para dar un giro en su vida y recuperar a su hijo que vive con sus abuelos paternos. Por su parte Tony es un pescador acostumbrado a la dureza y el sacrificio propio de su oficio. Vive con su madre a la que cuida desde la desaparición de su padre pero anhela huir de su soledad y dar rienda a su deseo contenido de disfrutar y vivir con la fuerza de las olas en alta mar. Sus vidas se cruzan por un anuncio y su primer encuentro no será muy positivo, pero ambos buscan un vínculo. Angèle es un poco torpe, bruta y no sabe nada de amor de ahí que sus intentos de seducción choquen contra Tony como en un rompeolas. Así no, no tan rápido. Sin embargo Angéle ha entrado de lleno en su vida, es como una marea imparable y él no se puede creer que ella esté ahí por él.

Nombre original: Peter Capusotto y sus 3 Dimensiones
Director: Pedro Saborido
País de origen: Argentina
Clasificación: Apta mayores de 13 años
Sinopsis:

En épocas donde avanzan las tecnologías y los formatos del espectáculo, dónde el entretenimiento es accesibilísimo en cualquier momento y lugar; Violencia Rivas, una cantante que en los años 60 anticipó el punk en la Argentina, declara que no solo hay demasiado entretenimiento, sino que es nocivo, y forma parte esencial de la decadencia de la humanidad. Es así que Violencia, irá guiando al espectador por una suerte de documental, en dónde a través de historias breves, se irán contando las distintas relaciones que como seres humanos tenemos con el cine, la radio, internet, el video home y otras nuevas costumbres que llegaron con los avances tecnológicos.

La Plata

Peter Capusotto y sus 3Dimensiones | Inmortales | J. Edgar | Al borde del abismo

Mar del Plata

Inmortales | Peter Capusotto y sus 3Dimensiones | J. Edgar | Al borde del abismo

Córdoba

J. Edgar | Peter Capusotto y sus 3Dimensiones | Inmortales | Secretos de estado | Al borde del abismo

Rosario

J. Edgar | Inmortales | Peter Capusotto y sus 3Dimensiones | Al borde del abismo

Salta

Inmortales | Peter Capusotto y sus 3Dimensiones | Robo en las alturas

Nominaciones al Oscar. Análisis Personal por Shaoran Nox

noreply@blogger.com (Shaoran Nox) — Tue, 24 Jan 2012 16:08:15 PST

¡Buenos días/tardes a todos! Hoy por la mañana, a las 7 30 a.m. (hora local de México) se dieron a conocer los nominados a la edición 84 de los premios de la academia, que en mi consideración son muy sobrevalorados al no reflejar constantemente que los galardonados sean siempre los mejores del año. Pero bueno, les dejo aquí la lista

Mejor pelicula

· El artista

· Los descendientes
· Tan fuerte y tan cerca
· Historias cruzadas
· Hugo
· Medianoche en París
· El juego de la fortuna
· El árbol de la vida
· Caballo de guerra

Mejor actriz de reparto
· Bérénice Bejo – El artista
· Jessica Chastain – Historias cruzadas
· Melissa McCarthy – Damas en guerra
· Octavia Spencer – Historias cruzadas
· Janet McTeer – Albert Nobbs

Mejor actor de reparto
· Kenneth Branagh – Mi semana con Marylin
· Jonah Hill – El juego de la fortuna
· Nick Nolte –La última pelea
· Christopher Plummer – Beginners Así se siente el amor
· Max von Sydow – Tan fuerte y tan cerca

Mejor actriz
· Glenn Close - Albert Nobbs
· Viola Davis – Historias cruzadas
· Rooney Mara – La chica del dragón tatuado
· Meryl Streep – La dama de hierro
· Michelle Williams – Mi semana con Marylin

Mejor actor
· Demián Bichir - A Better Life
· George Clooney - Los descendientes
· Jean Dujardin - El artista
· Gary Oldman - Tinker, Taylor, Soldier, Spy
· Brad Pitt - El juego de la fortuna

Mejor director
· Michel Hazanavicius - El artista
· Alexander Payne - Los descendientes
· Martin Scorsese - Hugo
· Woody Allen - Medianoche en París
· Terrence Malick - El árbol de la vida

Mejor guión original
· El artista
· Damas en guerra
· Margin Call
· Medianoche en París
· A Separation

Mejor guión adaptado
· Los descendientes
· Hugo
· Poder y traición
· El juego de la fortuna
· Tinker, Taylor, Soldier, Spy

Mejor pelicula extranjera
· Bullhead (Bélgica)
· Footnote (Israel)
· In Darkness (Polonia)
· Monsieur Lazhar (Canada)
· A Separation (Irán)

Mejor película animada
· A Cat in Paris
· Chico & Rita
· Kung Fu Panda 2
· El Gato con Botas
· Rango

Mejor dirección de arte
· El artista
· Harry Potter y las Reliquias de la Muerte - Parte 2
· Hugo
· Medianoche en París
· Caballo de guerra

Mejor fotografía
· El artista
· La chica del dragón tatuado
· Hugo
· El árbol de la vida
· Caballo de guerra

Mejor diseño de vestuario
· Anonymous
· El artista
· Hugo
· Jane Eyre
· W.E.

Mejor documental
· Hell and Back Again
· If a Tree Falls: A Story of the Earth Liberation Front
· Paradise Lost 3: Purgatory
· Pina
· Undefeated

Mejor corto documental
· The Barber of Birmingham: Foot Soldier of the Civil Rights Movement
· God is the Bigger Elvis
· Incident in New Baghdad
· Saving Face
· The Tsunami and Cherry Blossom

Mejor edición
· El artista
· Los descendientes
· La chica del dragón tatuado
· Hugo
· El juego de la fortuna

Mejor maquillaje
· Albert Nobbs
· Harry Potter y las Reliquias de la Muerte - Parte 2
· La dama de hierro

Mejor score
· Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio
· El artista
· Hugo
· Tinker, Taylor, Soldier, Spy
· Caballo de guerra

Mejor canción original
· "Man or Muppet" – Los Muppets
· "Real in Rio" – Rio

Mejor corto animado
· Dimanche/Sunday
· The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore
· La Luna
· A Morning Stroll
· Wild Life

Mejor corto live
· Pentecost
· Raju
· The Shore
· Time Freak
· Tuba Atlantic

Mejor diseño de audio
· Drive
· La chica del dragón tatuado
· Hugo
· Transformers: El lado oscuro de la luna
· Caballo de guerra

Mejor mezcla de sonido
· La chica del dragón tatuado
· Hugo
· El juego de la fortuna
· Transformers: El lado oscuro de la luna
· Caballo de guerra

Mejores efectos visuales
· Harry Potter y las Reliquias de la Muerte - Parte 2
· Hugo
· Gigantes de acero
· El planeta de los simios (R)evolución
· Transformers: El lado oscuro de la luna

Ustedes dirán cuales merecen ganar y cuáles se quedaron fuera. Por lo pronto, hay que ver todas las películas para poder opinar y luego hacer nuestra propia quiniela.

La Chica del Dragón Tatuado vs. Los Hombres Que No Amaban a Las Mujeres

noreply@blogger.com (Shaoran Nox) — Mon, 23 Jan 2012 18:42:09 PST

The Girl With the Dragon Tatoo es una obra más en la filmografía de David Fincher, genio que nos ha entregado thrillers tan buenos como Se7en y Zodiac, y otras exitosas como Red Social y El Curioso Caso de Benjamin Button. Sin embargo, muy al contrario de lo que mucha gente está comentando, me parece que esta película no debería sumarse como un éxito más, y les voy a exponer mis razones. No planeo compararla con la versión sueca (que sin embargo, es algo necesario), sino con el libro del cuál se sirve de fuente.

De entrada, el cineasta usa el país natal del autor, Stieg Larsson, Suecia, como marco del filme, y usando casi las mismas locaciones que su homónima sueca. Y aquí yo me pregunto, si están en suecia, y los personajes son suecos, ¿Cómo es que todos hablan inglés?.

Para seguir con los elementos erróneos, aunque de esto no culpo al director, sino a la editorial americana, el título "La Chica del Dragón Tatuado" poco o nada tiene que ver con la verdadera trama de la película. Uno de entrada, por el título y el póster aquí expuesto, pensaría que la película trata íntegramente sobre una chica que por alguna razón tiene un tatuaje de dragón. Y sin embargo, el título original Man Som Hatar Kvinnar, cuya traducción literal seria Los hombres que odiaban a las mujeres, es mucho más adecuado a lo que la historia intenta contar. Y no es que Salander no sea la protagonista, porque entre ella y Blomkvist intentan resolver la desaparición de Harriet Vanger, sobrina de un empresario poderoso, y cuyo asesinato quedó sin resolver desde hace cuarenta años. Pero insisto, de esto hay que culpar a la editorial estadounidense que por alguna razón le cambió el título al libro.

Fincher nos entrega un filme narrado desde dos perspectivas: la de Mikael Blomkvist, periodista obligado a un retiro temporal al ser acusado de difamación por Wennerstrom, poderoso empresario que tiene negocios sucios pero que sin embargo se sale con la suya, y que posteriormente es contratado por Henrik Vanger, al sentirse cerca de la muerte para investigar la desaparición de su sobrina Harriet hace 40 años. Y por otro lado, Lisbeth Salander, investigadora independiente que se enreda en el caso por haber sido ella quien llevó a cabo el seguimiento de Blomkvist para que el grupo Vanger lo contratara.Sin embargo, es necesario que transcurra una hora entera del filme para que medianamente nos introduzca de lleno en el caso, y sin embargo, nunca lo hace de una manera completa, nunca hace que tengamos empatía por la víctima, ni tampoco por los investigadores. La trama es lenta y plana en un principio y sin embargo termina exactamente igual, y uno sale de la sala pensando si la verdadera trama de la película era el romance Salander-Blomkvist, la resolución del crímen o la vida por separado de Mikael o de Lisbeth.

Fincher se toma un par de libertades creativas, probablemente en un afán de hacer más ágil la trama, sin embargo, hay escenas totalmente fuera de lugar, que contrastan peligrosamente con el libro. Es comprensible que una adaptación literaria siempre cambie cosas para agilizar su traslado a la pantalla grande, que ciertos detalles sean agregados o desaparecidos, asi como personajes intrascendentes. Pero aquí funciona muy poco. Si alguien ha leído la novela (Y si no lo ha hecho, corra a hacerlo, pues es una de las más grandes obras del último siglo, les dejo la reseña del libro en mi blog), estará de acuerdo en que, aunque el libro también empieza muy lento y la resolución del crímen se alarga por toda la novela de modo que no hay un sólo cílmax, sino varios, la película se pierde totalmente entre las varias tramas que les menciono y no se define sobre si el clímax es el descubrimiento del asesino, el paradero de Harriet o la "apertura" al mundo de Salander.

Y si, también creo que Fincher debería estar nominado a los oscares como mejor director, y que la película también se merece alguna nominación a su edición, fotografía o maquillaje; no tanto al soundtrack, porque al igual que Red Social que también fue musicalizada por la pareja Trent Reznor y Atticus Ross, funciona de maravilla con la película, pero por separado no tiene mucha armonía. Pero si alguien me dice que The Girl With The Dragon Tatoo merece una nominación o un premio a los oscares, globos de oro o cualquier otro premio como mejor película, Los Hombres Que No Amaban A Las Mujeres (Suecia, 2009) debió haberlo ganado. Y si alguien más me dice que Rooney Mara se mereció una nominación al globo de oro a mejor actriz y que se merece una más al oscar en la misma categoría, entonces Noomi Rapace (versión sueca) debió haber ganado uno de esos premios. Porque en general, la versión sueca, es más fiel al libro, y con eso, es más dinámica, más envolvente y respeta de una mejor manera la escencia de los personajes, especialmente de Salander, quien por cierto, es uno de mis personajes literarios favoritos.

Es un buen filme, que sin duda disfrutarán muchisimo más si no han leído el libro o no han visto la versión sueca, a mi gusto mucho mejor en términos generales. Pero de cualquier modo es un buen filme que puede ganar algún premio en varias categorías.

Calificación:

Los Descendientes (The Descendants) Cuando el paraíso está lejos

noreply@blogger.com (Pabela) — Mon, 23 Jan 2012 15:13:52 PST

8/10

Historias pequeñas en apariencia, íntimas y cercanas que terminan siendo un buen disparador reflexivo, Alexander Payne es un director sagaz a la hora de plantarse ante un conflicto que no necesita de grandes estridencias para hacerse oír. Y si en About Schmidt teníamos a un personaje apático de la vida que tras la pérdida de su esposa su vida pareciera recién acomodarse en jerarquías, en The Descendants Payne vuelve a rescatar aquellas cosas que realmente deberían importarnos antes de perderlas por completo.

También aquí el director y co guionista recurre a la adaptación, la novela de la hawaiana Kaui Hart Hemmings quien además tiene un pequeño cameo en el film, para contar la historia de un hombre que tras el accidente sufrido por su esposa y que la ha dejado en coma, debe rearmar un hogar quebrado mientras intenta hacer malabares con el resto de sus responsabilidades. George Clooney interpreta quizá uno de sus papeles más emotivos y sinceros que bien le ha ganado el Globo de oro reafirmando su talento fuera del canon de galán que desde años atrás tiene como estigma.
Pero Clooney no es el único acierto de la película, su personaje cobra fuerza gracias al increíble trabajo de un reparto que funciona como un gran rompecabezas para darle sentido al argumento. Nadie es opacado y cada uno se mueve con fluidez generando simpatía o antipatía por igual. Incluso los jóvenes actores, Shailene Woodley y Amara Miller, como las hijas del protagonista y hasta el insoportable amigo de la mayor de ellas, Nick Krause, articulan un trío correcto en el desarrollo de los acontecimientos.

El film se esfuerza por demostrar que aun en pleno paraíso terrenal como es Hawái la vida puede ser tan complicada como en cualquier otro rincón del mundo, y aun cuando los aciertos del film son muchos, sobre todo los escasos toques de comedia que favorecen el desarrollo de la cinta dándole un sabroso equilibrio, pareciera que en algún punto hay ingredientes que sobran haciendo que el ritmo por momentos sea un tanto lento y hasta por momentos melodramáticos. Las interacciones con el personaje de la madre en coma, interpretado por una irreconocible Patricia Hastie emocionan tanto como abruman, pareciera que todos tienen que escupirle algún reproche a la cara y si bien es entendible dentro del conflicto general no deja de tener aires, aunque muy suaves por suerte, de manipulación emotiva.

Indudablemente pese a todo lo que uno podría encontrarle de positivo y negativo, este es un film que tiene grandes chances camino al Oscar. Es una historia honesta, pequeña y grande a la vez, que bien sale airosa con lo que cuenta y cómo lo cuenta. Armada con un reparto nada desdeñable, aun cuando varios apenas aparecen unos instantes, como aquel primo interpretado por Beau Bridges o el huraño abuelo en la piel de Robert Forster, y sobretodo con una banda de sonido que no termina por ser la protagonista como muchas veces suele suceder en films de este tipo.

Puede que la algarabía que generó The Descendants en esta temporada de premios, con su Globo de oro a Mejor drama incluido, puede generar altas expectativas en los espectadores, algo tan bueno como peligroso; pero ciertamente no puede negarse que Payne vuelve con un drama sólido que no pasará inadvertido. Y en una época donde la industria pareciera apostar a lo seguro con tantas remakes y reboots siempre se agradece que surjan historias cotidianas en las que las relaciones humanas y los valores de la vida toman protagonismo.

Este bien puede ser un film que pareciera no contar algo nuevo, es un tipo de drama que ya hemos visto pero su narrativa es fresca, reconfortante aun cuando el conflicto es doloroso. No es por ello un guión perfecto, insisto que tiene momentos que parecieran desbordar pero es gratificante y bien vale la pena verla. The Descendants es una historia que se disfruta, que emociona de la misma manera que nos arranca alguna sonrisa, es agridulce y contemplativa.

Originalmente publicado en Extracine

EL SECRETO DE SUS OJOS. UNA PELÍCULA DE JUAN JOSÉ CAMPANELLA.

noreply@blogger.com (Óscar Perdomo León) — Fri, 20 Jan 2012 18:38:55 PST

9.5/10

Acabo de ver «El secreto de sus ojos», una película argentina que, como todos saben, en el 2009 ganó el Oscar como mejor película de habla no inglesa del año, así como también fue ganadora en varios festivales de cine. Fue dirigida por Juan José Campanella, quien además hizo el montaje. (Estoy atrasado, es cierto, pero con tantas películas que salen cada año, no creo que alguien sea capaz de verlas todas. Pero bien, el objetivo de escribir hoy es hablarles de esta gran producción.) El largometraje cuenta con las actuaciones de Ricardo Darín, Soledad Villamil, Guillermo Francella, Pablo Rago y Javier Godino, entre otros.

La trama gira alrededor de la violación y el asesinato de una bella joven. Benjamín Espósito (Ricardo Darín), que al principio iba de mala gana a la escena del crimen, se obsesiona con descubrir al asesino. La solución del crimen toma un giro inesperado, cuando un abogado no muy amigo de Espósito, supuestamente resuelve el crimen, adjudicándolo a dos pobres diablos que nada tenían que ver, con tal de quedar bien con el máximo jefe. Espósito no tolera esto y continúa, con grandes dificultades, la investigación, con la ayuda de su asistente, Pablo Sandoval (Guillermo Francella) y de su jefe inmediato superior, Irene (Soledad Villamil).

Una cosa que llamó mucho mi atención desde el principio fue la actuación impecable de la mayoría de los actores, especialmente de Darín, Villamil y Francella. A veces sólo basta una mirada o un leve gesto para decirnos lo que habría necesitado varias frases intensas o todo un párrafo escrito. El argumento y el guión son realmente buenos; pero personalmente creo que la clave del éxito de este largometraje son las maravillosas actuaciones y una dirección inmejorable.

Mientras transcurren los eventos que van acercando a Espósito al verdadero asesino, va creciendo también los detalles del amor tácito y recíproco que hay entre él e Irene. Todo este embrollo amoroso se muestra tan sutilmente y tan puro, que uno se enamora del amor de ellos.

El desenvolvimiento y la conclusión de esa madeja llamada trama se dan hasta el final sorpresivo, que nos deja con emociones encontradas entre lo que es correcto y lo que no lo es.

Todo lo anterior ocurre en un flashback muy bien hecho, mezclado con el presente, a través de Espósito, quien se acaba de jubilar de un Juzgado Penal y siente que hay varios cabos sueltos en su vida. Se propone escribir por fin la novela que siempre quiso escribir y que trata sobre el asesinato que lo ha obsesionado (el de la bella joven); pero en el enfrentamiento entre la investigación y los recuerdos para escribir su libro, colisiona inevitablemente con un desenlace inesperado sobre el caso del asesino y, además, con su amor de siempre: Irene.

La película está basada en la novela de Eduardo Sacheri «La pregunta de sus ojos». El guión fue escrito por Eduardo Sacheri y Juan José Campanella.

La música, de Federico Jusid y Emilo Kauderer, estuvo muy bien lograda.

Esto dijo Pabela del film

Caballo de guerra (War Horse) Spieldberg al Cubo

noreply@blogger.com (Pabela) — Fri, 20 Jan 2012 18:36:32 PST

4/10

A pesar de haber estado nominada a Mejor Drama este año en los Globo de Oro, premio que no sé porqué me inspira un tanto más de respeto que los de la Academia, War Horse es una película de la que no tenía altas expectativas. Es que sepan disculpar mi mediocridad cinéfila si comento que toda película que tenga un animal como protagonista me resulta un tanto pesada salvo, claro, que esté extraordinariamente hecha, que tenga un guión firme o que por lo menos sea realmente entretenida. Y a pesar de que muchos vean últimamente en Steven Spielberg un director demasiado quedado en lo clasicista no puedo negar que siempre lo defendí como alguien que sabe muy bien cómo contar una historia por más tópica que fuere y que es innegable cuánto conoce su oficio.

Sin embargo, este caballo de guerra es una historia que destaca sobretodo por la extraordinaria fotografía, aplausos para Janusz Kaminski en este sentido, pero que sin ánimos de entrar en disputas me atrevería a decir que es la más floja que ha hecho este director oriundo de Ohio.

Si uno ha visto al menos unas cinco o seis de sus películas, sabe qué elementos son infaltables en las historias de Spieldberg: niños protagonistas, animales o extraterrestres,escenas de confraternidad, primeros planos emotivos, la famosa ‘mirada’ Spieldberg, etc. Pues es en War Horse donde no sólo se repiten estos elementos sino que además se dan con un estilo narrativo bastante manipulador. Más allá de tratarse de una adaptación de la novela infantil de Michael Morpurgo, posteriormente llevada al teatro en una pieza recreada con marionetas, el guión es un verdadero catálogo que enlista escenas hechas para que el espectador tenga que soltar las lágrimas.

Pero este no es un factor que arruine la película enteramente, es algo que muchos le han estado achacando al director en varias de sus últimas entregas, recursos que después de todo dependerá de cada espectador que resulten o fastidien. El problema real surge de la propia historia en que siendo básicamente, o al menos eso nos prometían, la amistad entre un muchacho y su caballo, la proliferación de otros personajes que se meten en la historia como ‘posibles dueños’ también y la relación ulterior que mantienen con el animal provoca que la historia se parta, se diluya y se vuelva a rearmar hacia el final.

El guión carece de solidez desde que se intenta contar un recorrido ineficazmente lineal desde el nacimiento del caballo, su relación con su dueño, su posterior participación en la guerra y el reencuentro de una manera totalmente dispersa que impide que el espectador logre identificar con Albert (Jeremy Irvine) o con Joey.

War Horse es una película que pretende ser varias películas donde finalmente entonces podemos obtener un recorte de varias de las historias de Spieldberg en una sola, con sus consabidos buenos y malos, sus felicidades e infortunios, pero sin la posibilidad al menos de defenderla como un auto homenaje. Así, el reparto de esta cinta con nombres tan elocuentes como el de Emily Watson o Peter Mullan, aquí los padres de Albert, se destiñen por completo aun cuando hacen inmensos esfuerzos por no quedar por debajo de lo que siempre saben ofrecer. Más que personajes terminan todos siendo estereotipos. Y si la gran lucidez del director fue siempre encontrar un niño o muchacho revelación para contar sus historias, es evidente lo mucho que lamentablemente le falta a Irvine para entrar en la lista de grandes pequeños actores con los que Spieldberg nos ha sabido emocionar aun cuando sus carreras posteriores se hubiesen diluido en el tiempo.

Pero ¿podría culpársele al joven Irvine de mal actor?, ciertamente no. El problema, insisto, es justamente el poco espacio que la historia da a un personaje que teóricamente es el centro junto al caballo en cuestión. No me atrevo a dar ejemplos detallados de los incontables baches que me hacen asegurar esta falencia por no arruinar con spoilers la trama, pero para que se den una idea si era poco un muchacho en los tópicos Spieldbergianos (si cabe un término semejante) en War Horse terminamos teniendo un total de cuatro de ellos, cada uno como intermitente dueño de turno del sufrido Joey con su correspondiente historia. Así, el espectador se queda con ganas de varias de las historias que se truncan en pos del final, predecible por otra parte y un tanto abrupto, en las ya por entonces extensivas dos horas y cuarto que dura el film.

A cara de los próximos premios de la Academia es indudable que la mayor apuesta de Steven Spieldberg fue justamente realizar una película de las llamadas ‘oscarizables’; no puede negarse que tiene todo lo que la Academia adora en un film de estas características y es más que probable que se haga con una estatuilla a mejor fotografía o banda de sonido, pero sería verdaderamente triste que derrotara como mejor films a otras un tanto más sencillas pero mucho mejor contadas.

Así y todo, a no desmoralizarse si aun no la vieron. War Horse no deja de ser una muy buena opción familiar pues aunque se toque el tema de la guerra, esta no está vista desde los ojos más crueles o a través de los golpes más bajos. Es un film que a los más jóvenes puede gustar y que ya por su apartado visual bien vale un visionado en pantalla grande.

Publicado originalmente en Extracine

LOS SOSPECHOSOS DE SIEMPRE: SOBRE SECRETOS DE ESTADO

noreply@blogger.com (Analía Casero) — Thu, 19 Jan 2012 15:28:35 PST

8/10

Las relaciones entre cine y política han existido casi desde el mismo origen del séptimo arte; el primer film que se ocupó del tema fue El nacimiento de una nación de David W. Griffith (1915). La tierra que más títulos brindó dentro de este "género" fue (y es) Estados Unidos; este país siempre se debatió entre mostrar la Historia o ser propagandista, pero más allá de sus matices, mostró las belicosidades eternas entre republicanos y demócratas y retrató (con innumerables biopics) a sus presidentes.

En Secretos de Estado, Stephen, un joven responsable de la campaña por la presidencia del demócrata Mike Morris, descubrirá que en los caminos de la política sobrevivir a la corrupción, no es nada fácil.

George Clooney es el responsable de llevar a la pantalla grande la obra de Broadway Farragut North; es el cuarto trabajo que dirige el actor y el segundo que se ocupa del ámbito político; el primero fue Buenas noches y buena suerte (2005), donde el director se interesó por la caza de brujas (léase comunistas) llevada a cabo por el senador Mc Carthy. Clooney ha admitido abiertamente su tendencia demócrata y su apoyo a Barak Obama.

El título original (y mucho más meritorio) de Secretos de Estado es: The ides of March, Los Idus de Marzo; un dato para nada menor, ya que es interesante ver como el director enlazó el peso histórico de la frase con la actualidad; hay que recordar que los idus eran días de buenos augurios que tenían lugar los días 15 de marzo, mayo, julio y octubre y los días 13 del resto de los meses; los idus de Marzo son famosos porque Julio César fue asesinado en esos días. El enlace que hace Clooney quizás se refiere a que las cosas en la política no han cambiado mucho desde los días del Imperio Romano: la tentación al engaño existió y existirá, la lucha de algunos políticos por resistirla (no siempre con éxito) también. Por otro lado, los dioses y los días de augurio no siempre corren para los mismos beneficiarios.

Ryan Gosling interpreta al idealista Stephen, George Clooney al carismático pero cínico Morris, Philip Seymour Hoffman al fiel Paul, Paul Giamatti al calculador Tom, Evan Rachel Woods a la conflictuada Molly y Marisa Tomei a la tenaz periodista Ida. Gosling está muy bien pero podría estar mejor, al igual que Clooney, las damas consiguen un bueno y los restantes un excelente.

Secretos de Estado es una película oportunista (porque no es casual que se estrene a escasos meses de las elecciones presidenciales de Estados Unidos, aunque Clooney haya afirmado que “no se trata de una película política” que más bien “es un drama sobre un hombre que quiere tener éxito a cualquier costo, el viaje de un joven político que trabaja para un candidato en las primarias. Trata sobre la pérdida de la inocencia y la dignidad. Es un thriller político, no una lección cívica”) y políticamente correcta (porque podría haberse excedido un poco más en los enfrentamientos y no lo hizo). De todos modos su mayor logro es ser entretenida y a la vez, poner en el tapete un tema, que aunque trillado, es necesario tener presente.

50/50: El equilibrio en su punto justo-Jonathan Levine 2011

noreply@blogger.com (Pabela) — Wed, 18 Jan 2012 18:05:55 PST

8/10

Hay ciertos temas en el cine difíciles de plantear sin caer en el melodrama lacrimógeno; por ello se agradece cuando de pronto aparece un film aparentemente pequeño, de tintes casi indies que dejan un buen sabor de boca por su sano equilibrio entre el drama y la comedia sin caer desmesuradamente en la lágrima fácil o la irreverencia desubicada.

Siempre doloroso, sobre todo cuando compete a personas jóvenes, el cáncer parecería quedar fuera de toda broma, incapaz aparentemente de hacer reír. Sin embargo Will Reiser, guionista de este film y primo del legendario protagonista y productor de la serie televisiva Mad About You, Paul Reiser, tras ser diagnosticado con cáncer cuando apenas tendría veintipico de años y convencido por su mejor amigo, el comediante Seth Rogen, para que escribiera su historia, nos narra en forma terrenal, cotidiana, casi sobria por momentos, su triste experiencia en un film impecablemente dirigido por Jonathan Levine.

En carrera por el Globo de oro en dos nominaciones, esta película enfrenta en forma modesta pero nunca superficial la crisis de un joven que intenta lidiar con la idea de la muerte mientras sus relaciones personales, amigos, novia, padres, se reacomodan totalmente provocándole por momentos el vacío inevitable de la soledad e impotencia.

Aun cuando en su título varios han interpretado la famosa alegoría del vaso medio lleno, medio vacío, este es un film que pone de manifiesto la importancia de las relaciones humanas y cómo estas juegan un papel preponderante para aferrarnos a la vida. Incluso cuando la historia se sirve de algún que otro cliché nunca cae en lo banal o ridículo demostrando que es posible hablar de la muerte sin la necesidad del golpe bajo o de la manipulación emocional para que el espectador se identifique, se emocione.

50/50 despliega en un reparto sorprendente, un continuo equilibrio entre la comicidad y el drama donde cada personaje cumple una función precisa. Nadie sobra en esta historia y cada escena está efectivamente planteada para llevarnos a un final sencillo pero encomiable. Gran parte de esta efectividad viene dada por la excelente química entre Joseph Gordon-Levitt y Seth Rogen quienes guardan prácticamente todo el peso del film balanceándolo entre la lágrimilla y la risa franca.
La clave en toda la historia está justamente en el tono que utiliza para contar algo tan dramático como el cáncer. Allí donde pareciera que se nos forma un nudo en la garganta de pronto aparece una línea de diálogo mordaz que nos suelta una risotada, donde pareciera que la comedia se despliega entera, se nos ofrece una reflexión evidente.

Demasiado comedida para algunos, quizá, el film constantemente demuestra que no todos precisamos rasgarnos vestiduras ni llorar gritando para enfrentar adversidades en la vida. La vida como tal transcurre día a día, a veces más luminosa, otras más oscura pero es gracias a quiénes nos rodean lo que verdaderamente nos hace vivir o morir. Film pequeño pero intenso con grandes posibilidades de cara a las temporadas de premios.

Artículo originalmente publicado en Extracine

Review: Glee Season 2 (o de como echar a perder un buen producto)

noreply@blogger.com (Shaoran Nox) — Tue, 17 Jan 2012 14:26:40 PST

Glee se convirtió rápidamente en un fenómeno global, al reflejar las inquietudes de los jóvenes en su entorno escolar y al ser tan universal en las canciones que tan bien interpretaban y tan buenas coreografías tenían. Apenas estaba produciéndose la mitad de la primer temporada cuando ya habían dado luz verde a la segunda y hasta la tercer temporada.

Sin embargo, para decepción de muchos, la segunda temporada no fue lo que se esperaba. A pesar de haber creado una buena base de fans a través de las diferentes personalidades de los alumnos, de irse desarrollando y de meter canciones adecuadas a la historia, como ya lo hemos hablado en el review de la temporada uno, esta temporada dos perdió el enfoque, se olvidó de lo que la hizo grande y terminó por ser una temporada completamente irregular con un par de episodios muy buenos y algunas coreografías bastante buenas que sin embargo no logran salvar los 22 episodios de esta nueva temporada.

Poniendo aparte el episodio 3 "Grilled Cheesus" donde abordan el tema de la religión y el escepticismo de los jóvenes ante una imagen bastante desgastada de la iglesia, de una manera muy exacta y muy bien interpretada, ante la cercanía de la muerte por parte de uno de los personajes secundarios; el episodio 21 "Funeral" que ante la emotividad de la muerte de uno de los personajes incidentales que mucha gente llegó a querer; y una mención honorifica al capítulo 2 "Britney/Brittany" por el homenaje y la participación de la princesa del pop, no hay mucho más para rescatar.

Todos los episodios en general son planos, sin desarrollo de los personajes, atorándose siempre en las mismas situaciones: engaño/desengaño, acoso o bullying, homosexualidad y muy de vez en cuando cuestionamiento de la personalidad, pero no progresamos de tener los mismos conflictos una y otra vez. Las canciones, que tan bien funcionaban en la primer temporada y que estaban al servicio de la historia, invirtieron su función. Ahora, más que preocuparse por escoger una canción que contara la historia, la historia daba un giro para poder meter la canción popular del momento. Ejemplo de ello es "Friday" de Rebecca Black, que al ser un fenómeno popular de youtube se buscó la manera de integrarla a la serie aún cuando la letra nada tuviera que ver con la situación. Uno entiende que la serie se trata de un club coral, pero si en la primera temporada habían marcado la pauta de cantar las canciones respecto a la forma de sentir de los actores, acá cambian totalmente esa línea y las canciones se pierden totalmente. Aún cuando la idea principal de todo esto era tener más acercamiento con la actualidad, saber que era lo que estaba de moda, (y como ejemplo ponemos la integración al casting de Charice Pempengco, estrella musical del canal de videos), se pierde totalmente el hilo argumental y nos da como resultado una pésima temporada en contraste con el éxito obtenido anteriormente.

Así, que quienes la hayan visto quizá se arrepientan de hacerlo. Y quienes no la hayan visto, acérquense con reservas. La única mejora presentada aquí son las canciones originales, y es que los creativos se pusieron a trabajar en serio, no sólo para obtener más licencias, sino para escribir sus propias canciones. Y por lo menos hay que reconocerles que son buenas. Además de la excelente participación de Gwyneth Paltrow.

Para terminar, les dejo el top 10 de las mejores interpretaciones de esta temporada, aunque fue más difícil elegirlas ante la pésima calidad también de sus interpretaciones, pues la presión por entregar un capítulo tras otro también afectaba la imaginación de los coreógrafos. Pero bueno, ustedes juzgarán mejor que yo si se atreven a verla.

10. Dancing Queen (ABBA).Santana y Mercedes- Ep. 20 "Prom Queen
9. Forget You (Cee Lo Green). Holly Holliday - Ep. 7 "The Substitute"
8. Toxic (Britney Spears). New Directions- Ep. 2 "Britney/Brittany"
7. Somewhere Only We Know (Keane). The Warblers- Ep. 18 "Born This Way"
6. Singin´ in the Rain/Umbrella (Gene Kelly/Rihanna). ND y Holly Holliday- Ep. 7 "The substitute"
5. Pure Imagination (Willy Wonka & The Chocolat Factory). New Directions- Ep. 21 "Funeral"
4. Born This Way (Lady Gaga). New Directions- Ep. 18 "Born This Way"
3. Thriller/Heads Will Roll (Michael Jackson/Yeah Yeah Yeahs!). New Directions - Ep. 11 "The Sue Sylvester Shuffle"
2. All By Myself (Eric Carmen). Sunshine Corazon- Ep. 17 "A Night of Neglect"
1. Loser Like Me (Canción Original). New Directions- Ep. 16 "Original Song"

VITUS, UNA PELÍCULA DE FREDI M. MURER.

noreply@blogger.com (Óscar Perdomo León) — Sat, 14 Jan 2012 08:28:28 PST

Los que hayan leído algunas de las reseñas que he hecho para “La Cinerata” habrán ya notado que tengo una especial inclinación hacia las películas que están llenas de música, ya sean directamente musicales o largometrajes cuyo tema central esté impregnado de este arte del sonido.

«Vitus» es una película suiza, muy musical, que llegó a los teatros en el año 2006. Dirigida por Fredi M. Murer, un experimentado profesional a quien lo precede una veintena de películas, la trama parte al contar la historia de Vitus, un niño prodigioso para la música, pianista, pero también con una inteligencia muy superior al promedio y que también es muy hábil en muchos de los otros campos del conocimiento humano.

Sin embargo, el niño crece arrogante y, en cierta manera, solitario.El primer golpe que recibió fue cuando sus padres, al ver su grandiosa habilidad para la música, deciden cambiar a su tutora, a quien el niño quiere mucho. El segundo gran golpe es que sus padres resuelven cambiar a su niñera,Isabel, una preadolescente muy simpática de quien el pequeño Vitus se había enamorado.

Cuando Vitus alcanza la edad de 12 años, se cansa de ser superior ya normal, con su IQ tan elevado que casi es inmedible; entonces inventa y actúa un accidente en donde finge golpearse la cabeza. Después de eso, se muestra como un niño común y corriente. Lo mandan entonces a una escuela normal. El piano apenas lo puede tocar. Sus padres se decepcionan, en especial su madre.

Pero en la vida de Vitus hay un pilar en donde él se sostiene, un punto de equilibrio para sus emociones y su amor: su abuelo paterno. Entre ellos hay, desde el principio, una amistad muy sincera, cariñosa, de respeto mutuo. Son cómplices muy cercanos.

Vitus, más adelante, comprando discos en una tienda de música,reconoce a Isabel, ya una mujer joven, muy bonita. Vitus continúa enamorado de ella. Me gusta mucho la escena donde ella, sin saber que él es el niño Vitus a quien cuidaba, le muestra y recomienda algunos discos, y Vitus la mira totalmente enamorado.

Mientras tanto, algunos problemas familiares se presentan: su padre es despedido de la empresa en la que ha trabajado durante tanto tiempo, y su abuelo tiene un accidente muy serio.

Durante todo el largo, hay un asentamiento de apoyo muy fuerte en la historia, que es la música clásica, la cual no sólo es fondo, sino actriz,bella y caprichosa.

Como es mi costumbre, no contaré cómo se resuelve la trama de esta película, pero para los que no la hayan visto, les garantizo un final muy emocionante y lleno de música grandiosa.

Sherlock Homes: Juego de sombras- Guy Ritchie

noreply@blogger.com (Pabela) — Thu, 12 Jan 2012 15:15:16 PST

8/10

Guy Ritchie es un director que suele abusar de ciertos recursos estilísticos que hacen de su cine un sello bastante personal. Adorador del Slow motion, no escatima en usarlo con vehemencia en esta segunda entrega del detective inglés interpretado por un encantador Robert Downey Jr. Sin embargo, el tono entre cómico y adrenalínico que bien supo administrar en la primera parte, hace de Juego de sombras un film un tanto hiperbólico pero a la vez más ordenado, claro y entretenido que el anterior.

Es entendible que esto suceda, ya que la historia ahora está basada en el relato corto de Conan Doyle, The problem, con algunos elementos de otros relatos como The Dying Detective, The second stain o Valley of fear. A pesar de cuánto se lo ha criticado a Ritchie por las características impresas al protagonista, demuestra claramente que aunque ponderado en sus rasgos, exploró fuentes originales del detective condimentándolo con más humor e irreverencia. Todo lo cual se evidencia aún más en esta segunda parte donde los momentos de humor están continuamente presentes haciendo de la película algo así como una buddy movie, un Starsky y Hutch del siglo XIX.

Pero el film termina funcionando justamente por la gran química entre Downey Jr. y Jude Law añadido a un reparto que incluye a un eternamente fantástico Stephen Fry, como el hermano de Holmes, y un estupendísimo antagonista, el archienemico Profesor Moriarty, interpretado por un sensasional Jared Harris. El film entonces es una verdadera explosión de acción, un duelo magnífico entre protagonista y villano dentro de un contexto mucho más real y terrenal que aquel de la primera parte. La película no deja de ser un juego con todas las letras en el que se destacan algunas muy buenas escenas para ver en pantalla grande- y como siempre digo- con el balde de pochoclos más grande que consigan. La escena del bosque por ejemplo, aunque intensamente saturada de slow motions, es una verdadera delicia que dejará a más de uno sin aliento. Suma puntos la incorporación de la bellísima Noomi Rapace (la chica del tatuaje del dragón original) para conformar entonces un trío en aprietos bien entretenido.

Por lo demás no negaremos que tiene cosas reprochables, como una larguísima introducción hasta llegar al verdadero meollo de la cosa que podría haberse acotado un poco, así como también algunas líneas de diálogo magistrales en contraposición con otras un tanto forzadas. Pero a esta altura le disculpo todo tanto a Ritchie como a Downey Jr., dupla que admite seguramente una tercera parte.

Cartelera argentina: jueves 12 de Enero del 2012

noreply@blogger.com (Pabela) — Thu, 12 Jan 2012 01:45:22 PST

Volvemos a retomar los estrenos cada semana luego de algunos inconvenientes técnicos en los que luego de maldecir a Fibertel resultó la causa del inconveniente mi querida Marmo, una cachorra que se le da por mordisquear todo desde el diario de cada Domingo cuando lo arrojan a mi puerta hasta la Pelopincho, pasando por obviamente el cable de Fibertel. En fin, que esta semana es bastante interesante en estrenos. LLegan los queridos Muppets, cuya reseña nos había adelantado ya Shaoran en su columna; el famoso Sherlock y su amigo Watson, en una segunda entrega bastante mejor que la primera y de la que prontamente estaremos hablando en horas nomás y The Help, o Historias cruzadas, una mezcla de drama y comedia muy bien planteado de la que también contarán con reseña esta tarde. Estamos con todas las pilas puestas asique acá la cartelera completa:

Resto del país:

Córdoba
Sherlock Holmes: juego de sombras | Los Muppets (con la rana René) | La última noche de la humanidad
Rosario
Los Muppets (con la rana René) | Sherlock Holmes: juego de sombras | La última noche de la humanidad
Mendoza
Los Muppets (con la rana René) | Sherlock Holmes: juego de sombras | La última noche de la humanidad
Mar del Plata
Los Muppets (con la rana René) | Sherlock Holmes: juego de sombras | La última noche de la humanidad | Historias cruzadas
La Plata
Los Muppets (con la rana René) | Sherlock Holmes: juego de sombras | Historias cruzadas | La última noche de la humanidad
Salta
Sherlock Holmes: juego de sombras | Los Muppets (con la rana René)
Bahia Blanca
Los Muppets (con la rana René) | Sherlock Holmes: juego de sombras | La última noche de la humanidad
Santa Fe
Sherlock Holmes: juego de sombras | Los Muppets (con la rana René) | La última noche de la humanidad
Neuquen
Los Muppets (con la rana René) | Sherlock Holmes: juego de sombras | La última noche de la humanidad | La prima cosa bella
Tucumán
Sherlock Holmes: juego de sombras | Los Muppets (con la rana René) | La última noche de la humanidad
Corrientes
Sherlock Holmes: juego de sombras | Los Muppets (con la rana René) | La última noche de la humanidad
San Luis
Sherlock Holmes: juego de sombras | Los Muppets (con la rana René) | La última noche de la humanidad

Fuente: todaslascriticas / cinesargentinos.

Protocolo Fantasma. Misión: entretenimiento

noreply@blogger.com (Shaoran Nox) — Wed, 11 Jan 2012 06:56:46 PST

Creo que ya se habrán dado cuenta que sólo hablo de cine comercial. No es que no me guste el denominado cine de arte, pero hasta que alguien no me explique claramente la división entre estas dos "ramas" del cine, seguiré igual. Además, las grandes cadenas de cine no le hacen mucho espacio a estas últimas, ya sea por las distribuidoras o más claramente, porque no obtendrían las mismas ganancias. Ahora bien, soy fan del cine y me gusta ir cada semana cuando la economía (y las promociones) lo permiten, así que hoy les vengo a platicar un poco sobre la nueva producción de Tom Cruise, Misión: Imposible, Protocolo Fantasma

Siguiendo con el agente Ethan Hunt, de las tres primeras entregas, el debutante director (hablando de películas con actores reales) Brad Bird (Llos Increibles, Ratatouille), nos llega esta entrega llena de adrenalina, explosiones, revelaciones y hasta una que otra escena de melcocha.

Situados en la ciudad de Dubai, ante el fracaso de una misión que consistía en atrapar a un maniático que lo único que desea es iniciar la tercera guerra mundial, el gobierno decide eliminar su división, por lo que deberán seguir adelante solos, sin apoyos y entre 4 agentes, con todo y sus secretos y problemas y hasta alguna puntada graciosa.

Por ahí ya se habían quejado de la saga, que si tiene muchos altibajos, que si la 2 es aburrida y la 3 no tiene historia. Pero vamos, lo que uno espera al ver la palabra acción, como género de una película no es una historia intrincada con laberintos y giros de tuerca. Una que otra revelación está bien y una línea argumental creíble bastan. Lo que impresiona son las escenas de acción, lo que las secuencias nos hagan sentir a uno como espectador, como por ejemplo, si le tienes fobia a las alturas y de repente ves a la cámara en el piso 200 de un edificio. Es lo que realmente importa aquí

Llena de adrenalina, la película cumple con su objetivo: dar dos horas de entretenimiento palomero. Si lo que uno busca es divertirse y tener acción, acá la encontrará, incluido algún taco de ojo para chicos y chicas. Cumple con lo esperado, y aunque el guión no es lo más importante, si lo son las escenas impactantes, con o sin efectos. Vale la pena verla para entretenerse.

Dirección cumple, actuaciones, cumplidoras (sobre todo con las escenas sin stunts, ya todos saben que Cruise se arriesgó a filmar en el edificio más alto del mundo el mismo) y acción sin parar.

Calificación:

CAMINO A LOS GOLDEN GLOBE: A SEPARATION

noreply@blogger.com (Analía Casero) — Tue, 10 Jan 2012 09:35:00 PST

8/10

Simin y Nader se están separando. Ella quiere irse de Irán para llevar una vida mejor. Él quiere quedarse y cuidar de su padre enfermo. La pareja tiene una hija: Termeh. Al mudarse Simin a la casa de sus padres, Nader contrata a Razieh para que lo ayude con las tareas domésticas, pero lo que nunca sospechó es que esa situación provocaría grandes cambios en la vida de todos.

El iraní Asghar Farhadi (Fireworks Wednesday, About Elly) dirigió este impecable e interesante drama.

A separation es un film que va enriqueciéndose a medida que pasan los minutos, ya que adquiere una complejidad que no muchas historias consiguen; lo que parece ser sólo la radiografía del resquebrajamiento de una pareja se convierte en la autopsia de una sociedad; porque A separation va más allá y muestra a Irán con todas sus contradicciones; principalmente aquellas que refieren a los ámbitos religioso,cultural y económico: seguir al Corán o ser práctico, ser tradicionalista o adquirir un pensamiento moderno, poseer trabajo y dinero o estar desocupados sin tener para vivir; y allí, en ese abismo que existe entre dos clases sociales: la acomodada y la humilde, A separation muestra la forma de pensar y de enfrentar el día a día que tiene cada una de ellas y obtiene su mayor logro: el debate moral al que nos expone.

Simin es interpretada por una estrella del cine iraní: Leila Hatami, Nader por Peyman Moaadi y Termeh por Sarina Farhadi (la hija del director); los tres personajes a los que estos actores dan vida, conducen al espectador por un intrincado camino dónde no hay buenos y malos, sólo seres humanos con errores, fracasos y también con esperanzas. He decidido no develar más acerca de la trama porque considero que lo efectivo de la historia es que se vaya desenvolviendo por sí sola.

El director expresó que con el film quiso mostrar no sólo las confrontaciones sociales entre los personajes sino la confrontación que cada uno tenía consigo mismo. Farhadi tuvo algunos inconvenientes a la hora de llevar a cabo la filmación de la película debido a que se le retuvo el permiso oficial para realizarla luego de que apoyara a su coterráneo Jafar Panahi (quien se encuentra detenido). Hay que recordar que Irán esta pasando por momentos de tensión y censura; en la actualidad, después de las controvertidas elecciones que vivió el país en 2009 (que terminaron con un gran número de muertos y heridos), abogados, fotógrafos y cineastas son detenidos con frecuencia. El realizador declaró que lo que más le interesa es generar reflexión en aquellos que vean A separation, y, al menos en mi caso, lo logró; espero que a muchos les genere esto porque el film lo merece.

EL PLUS:

A separation ganó el primer premio en el Festival de cine de Berlín. Se verá que suerte corre en la inminente entrega de los Golden Globe donde esta nominada a mejor film extranjero.

The Girl With the Dragon Tattoo: Impactantes créditos iniciales y cómo se hicieron

noreply@blogger.com (Pabela) — Tue, 10 Jan 2012 03:16:20 PST

La semana próxima se estrena en Argentina la remake del éxito sueco The Girl With the Dragon tatoo dirigida por David Fincher (The Social Network) y protagonizada por Daniel Craig, Rooney Mara, Christopher Plummer y Stellan Skarsgård.
El guión, adaptado de la saga novelística de Stieg Larsson, fue escrito esta vez por Steven Zaillian quien tiene en su haber películas como Hannibal, Gangs of New York o la recientemente estrenada Moneyball y es una de las remakes más esperadas por estas pampas sobre todo luego de las excelentes críticas que ha recibido luego de su estreno en EE.UU.
Pero lo que quería compartir hoy con ustedes son los impactantes créditos del inicio del film y partes de la entrevista que el sitio web i09 realizó con su creador Tim Miller sobre cómo se hicieron y el concepto que tomaron para su realización.

Tim Miller es el responsable creativo de Blur, compañía dedicada a efectos visuales, que ha participado en la realización visual de films como Hideaway y Scott Pilgrim vs the world.

Asique los dejo primero con el video de dichos créditos y finalmente una traducción de algunos de los momentos de esa entrevista donde Miller explica en qué se inspiró para realizar tamaña presentación. Eso sí a leer con cuidado que se puede llegar a soltar algún tipo de minispoiler si no vieron las originales o leyeron los libros.

La secuencia de créditos se suponía que debía ser una versión muy abstracta de momentos claves del libro y sobre Lisbeth. Se suponía que debían representar secuencias de sus pesadillas. Ser una hacker es parte de su pesonalidad, de quien ella es, necesitábamos algo de esa imaginería pero era difícil representarlo abstractamente. Asique lo primero que se nos ocurrió fueron los elementos del teclado.
Escribí algunas viñetas que luego mostré a David. Ibamos a tratar el teclado como esta especie de gran ciudad con dedos presionando las teclas. Después dimos con el líquido corriendo por las ranuras.

También escribí algo llamado "El hacker interior", donde queríamos revelar su naturaleza interior. El primero fue algo más al estilo cyberpunk de lo que luego quedó. El primer diseño era muy robótico y futurista. Cada vez que le enseñaba el diseño a David me decía ¡más Tandy!, hasta que terminamos con algo parecido a un rejunte de partes de computadoras pegadas. Así dimos con el diseño de Ciber Salander.

Sobre las referencias al libro escondidas en las imágenes respondió:

Creo que las referencias a las flores... Por ejemplo, queríamos representar el círculo de la vida y la muerte que estas flores representan. Ellas son enviadas a Vanger en cada cumpleaños. Asique escribí algunos borradores con ellas como protagonistas.Una de ellas sale de esta cosa negra, florece y luego muere. Se supone que representaría el ciclo del asesino enviando flores. Termina siendo muy abstracto entrecortado con otras escenas incluídas en los cortes.
Hay dos secuencias diferentes con manos, una con Lisbeth, mi favorita. Las manos salen y acarician su rostro, luego se derriten con él.(...) Hicimos una similar con Blomkvist excepto que él es destruído por las manos. David quería que las manos en Lisbeth representaran todo lo malo del ser humano.
Hay una de una mujer siendo golpeada y su cara termina destrozada. Se supone que representa a la madre de Lisbeth golpeada por su padre, lo que se sabe en el segundo libro recién. Lisbeth está atrapada en esa clase de violencia. Los créditos no son solo de este film sino de los tres libros. Queríamos contar la historia de los tres en estos dos minutos y medio.

LA SECRETARIA, UNA PELÍCULA DE STEVEN SHAINBERG

noreply@blogger.com (Óscar Perdomo León) — Sun, 08 Jan 2012 07:11:28 PST

La química que se puede producir–o no- entre dos protagonistas de una película, es un factor fundamental para que ésta alcance el éxito o el fracaso, desde el punto de vista artístico. Y así, los productores o directores siempre andan buscando esa chispa que se encienda cuando un actor y una actriz se miran el uno al otro o cuando se besan.

En el caso de la cinta «La secretaria», los responsables de encontrar a James Spader y Maggie Gyllenhaal dieron en el clavo con exactitud. La química y la combustión entre ellos son innegables, y sus actuaciones brillantes son una verdadera delicia.

«La secretaria», una de las películas que más me ha gustado, vio la luz en el año 2002, y su tema es la relación sadomasoquista entre un abogado y su secretaria. Todo inicia cuando Lee Holloway (Maggie Gyllenhaal) sale de un hospital psiquiátrico el mismo día que su hermana se casa. Su madre la llega a traer y se la lleva directamente a la fiesta nupcial. Poco a poco se va develando que Lee había sido ingresada debido a su tendencia a la automutilación.

Luego, en su deseo de incorporarse a la sociedad, aprende mecanografía; sin embargo en ocasiones, y siempre a escondidas, continúa causándose heridas en los muslos.

Por un anuncio en el periódico se entera que un abogado, Edward Grey(James Spader), necesita una secretaria. Ella se presenta y él la contrata, y es aquí en donde empieza la verdadera trama de la película. El actuar dominante de él y el papel sumiso de ella, hacen que se forme inmediatamente un lazo de unión entre ellos, lo cual los va llevando hasta lo sexual y gradualmente al amor. Pero entre un paso y otro ocurren varias situaciones que complican la relación.

Creo que una de las mejores cosas de esta película es la tensión entre los dos principales protagonistas que desemboca en un amor no muy común, que nos muestra que la variedad en las relaciones de pareja puede existir. Nos hace también experimentar y entender que todos tenemos un poco de sádicos y de masoquistas.

Una escena de intenso erotismo sadomasoquista es cuando ella se equivoca en la escritura de una carta y él la llama a su oficina y la reprende de una manera inusual e inesperada. Le ordena apoyar sus codos sobre el escritorio e inclinarse y leer en voz alta la carta. Ella le obedece. Él,detrás de ella, empieza a suministrarle fuertes nalgadas. En el rostro de Lee se observa la sorpresa, pero también el disfrute paulatino, escalonado, de un placer desconocido hasta entonces por ella. Esa escena es realmente memorable.

Los diálogos en toda la película son interesantes. La manera de contar la historia, con escenas muy realistas y con otras hasta oníricas y coloridas, le dan, además, a este largometraje un gran atractivo artístico.

La otra protagonista que le da mucho carácter y calidad a este drama es la música, compuesta por Angelo Badalamenti.

Camino a los Golden Globe: THE FLOWERS OF WAR de Zhang Yimou.

noreply@blogger.com (Analía Casero) — Sun, 08 Jan 2012 16:00:00 PST

6/10

1937. Segunda guerra mundial. Los japoneses invaden China, específicamente Nanjíng; allí, el único lugar que parece estar a salvo del caos es una catedral en la que viven trece colegialas que deberán recibir a las prostitutas del lugar. A todo esto se suma la llegada de un indolente norteamericano.

Zhang Yimou (La linterna roja, Héroe, La casa de las dagas voladoras) digirigió este pretencioso film; utilizo este calificativo porque el director apuesta a la espectacularidad y a la falsa emoción para lograr sus objetivos, que son que la película traspase los límites chinos y sea vista en gran parte del mundo. Esto se ve claramente en la gran puesta en escena para mostrar los bombardeos. Lamentablemente el film consigue a medias lo que se propone ya que titubea a la hora de plantarse en una visión política (no se juega por una postura enteramente nacionalista) y en el tono de la narración (no se decide entre lo puramente dramático o los toques de humor, además, los musicales quedan descolocados). Otro de los defectos se vincula con la historia de la cinta, que resulta algo gastada: el tema del insensible que logra cambiar, historias dolorosas que vuelven a repetirse, el tratamiento de los malos y de la solidaridad, los rasgos e historia de vida de las heroínas; y aquí es oportuno agregar que Yimou tiene larga trayectoria en contar historias de heroínas (Qiu Ju, una mujer china, Ni uno menos, El camino a casa), pero desafortunadamente las de esta película no brillan como las anteriores. La historia de amor tampoco es muy convincente.

Podría decirse que a la película más cara de China le faltó vigor y convicción; pareciera sólo un producto hecho y pensado para el mercado. Con respecto a la emoción que quiere lograr, más bien se trata de sensiblería ya que acude a la utilización de golpes bajos.

El rol del norteamericano enterrador, es interpretado por Christian Bale (Batman inicia, El luchador); se buscó su participación para dar más internacionalidad a la película. John, su personaje, está atravesado por el amor de dos mujeres: Shu, una inteligente colegiala y Yu Mo, una prostituta bella y seductora; de las dos aprenderá diferentes enseñanzas.

Yimou quiere hablarnos de estas mujeres (tanto de las colegialas como de las prostitutas) como si lo hiciera acerca de flores que sobreviven en un jardín destruído, pero le falta encanto para hacerlo. El film deviene así en un proyecto fallido. A esto hay que sumarle que la sociedad china no quedó muy satisfecha con el film debido a que no cree que muestre de modo acertado la masacre de Nanjíng; otras películas parecen haberlo hecho mejor: City of life and death de Lu Chuan y Nanking de Bill Guttertag y Dan Sturman. Yimou fue acusado de suavizar las relaciones con el régimen comunista y de hacer de un norteamericano la figura central.

Veremos como le va a The flowers of war en los Golden Globe y si queda también nominada para los premios Oscar.

Madagascar 3: Nuevo poster animado

noreply@blogger.com (Pabela) — Tue, 03 Jan 2012 16:47:41 PST

Dreamworks vuelve a la carga con Madagascar y desde la Paramount de México nos llega este nuevo poster animado del film que es toda una gracia. Dirigida por Eric Darnell y con el nombre de Los fugitivos, la sinopsis nos cuenta:

Después de escapar hacia África en su última aventura, Alex y sus fieles amigos del zoológico: Marty, Gloria y Melman quieren volver a casa, a su amado zoológico del Central Park en Nueva York y harán cualquier cosa por conseguirlo. Seguidos por el rey Julien, Maurice y los pingüinos en la que será la aventura de sus vidas, el camino lleva a nuestros héroes a través de Europa, donde encuentran la coartada perfecta: un circo ambulante, y junto a una serie de encantadores personajes nuevos, se reinventan al más puro estilo Madagascar.

Luego del poster pueden ver el teaser trailer para más diversión.

Los Muppets - James Bobin- 2011

noreply@blogger.com (Shaoran Nox) — Tue, 03 Jan 2012 14:19:27 PST

Hace poco salió una noticia en varios medios, donde se acusaba a Los Muppets de ser comunistas. Me pareció algo totalmente fuera de lugar intentar encontrar demonios donde no los hay, considerando que en verdad el comunismo sea un demonio como tal y no un espejismo de lo que el capitalismo nos quiere vender. Pero este no es un blog de teorías económicas. Acá es de cine y como tal, hablemos de lo que nos corresponde sin ponernos a buscarle tres pies al gato.

¿Qué son los muppets? creados en 1964 por el ya fallecido Jim Henson, son peluches o marionetas (o teleñecos, como les llaman en España), que han sido estrellas de varias películas y programas de televisión, siendo un clásico "El Show de los Muppets" entre 1976 y 1981 y más recordado por nuestras generaciones en "Los Muppets Babies" por ahí de los años 90. Su última aparición en la pantalla grande data de la genial "Navidad de los muppets" de 2002, y más disimuladamente en "Los Muppets de Oz" de 2005 (¿alguien oyó hablar de esa?)

Pero la que hoy nos ocupa es el más reciente estreno de 2011, simplemente titulada como "Los Muppets" bajo la dirección de James Bobin (Flight of the Conchords), y con la ayuda de Jason Siegel en el papel principal y en el guión; nos traen una película fresca, llena de simpatía, momentos hilarantes, cameos famosos y demás personajes que a más de uno le podrán sacar una lagrimita por la nostalgia, pero sin duda, más de una sonrisa por la genialidad de la película.

Walter es el fan número uno de los muppets, y cuando su hermano Gary (Siegel) anuncia que se va de vacaciones a Los Angeles con su novia Mary (la siempre genial Amy Adams), los acompaña en persecución de su sueño que es conocer el teatro de los Muppets; sin embargo, se entera de que un magnate quiere destruirlo y entonces hará cualquier cosa por salvarlo, lo que termina en una campaña por reunir a los Muppets dispersados por todo el mundo y en todo tipo de ocupaciones, para hacer un Teletón y juntar el dinero necesario para pagar el inmueble. El resultado de todo esto es una comedia con ciertos tintes dramáticos, nostálgicos y hasta románticos que harán pasar un rato muy agradable.

Quien no esté familiarizado con la cultura pop se perderá varios de los gags de los que se sirve la película. Tanto por los actores que aparecen parodiándose a sí mismos, como de los chistes que hacen entre los personajes. Pero más de una vez reirán y reirán por la película en sí que es enteramente disfrutable. No cabe duda que regresos así se disfrutan. No se abusa de los efectos, y las canciones, típicas de producciones de Disney, y por supuesto de los Muppets son enteramente geniales, tanto que más de una tiene probabilidades de colarse a la nominación por el Oscar a mejor canción original (Man or Muppet es inolvidable).

Así que lleven a sus pequeños a disfrutarla pero no se sorprendan si ustedes la disfrutan más que ellos.

Calificación:

La obsesión del nuevo cine español: Mientras Duermes

noreply@blogger.com (Shaoran Nox) — Sun, 08 Jan 2012 17:28:49 PST

¡Hola! Tomo unas líneas para mi presentación: Mi nickname es Shaoran Nox y espero ser colaborador asiduo en este blog, al que amablemente Pabela me ha permitido acceder, para platicar de series y demás cosas relacionadas con el cine y la tv.

Hoy les vengo a hablar de la más reciente producción de Jaume Balagueró, director ya conocido por la terrorífica Rec, en mi opinión, de las mejores películas de terror de años recientes (y quizá de todo lo que yo haya visto): Mientras Duermes.

Hay que reconocer que el cine español viene en ascenso. Antes hablábamos de actores o directores aislados: Almodóvar, Banderas, Amenábar. Pero eran casos aislados. A últimas fechas ha llegado este repunte de producciones totalmente españolas que han dado mucho de que hablar, por mencionar dos de mis favoritas: El Orfanato y El Laberinto del fauno (aunque esta última dirigida por el mexicano Guillermo del Toro).

Uno se pone a mirar el trailer y esperaría una típica producción hollywoodense, que una y otra vez nos entrega remakes y refritos: César es un hombre solitario y amargado, que trabaja de portero en un edificio y no puede ser feliz. Cada día le cuesta mucho trabajo levantarse, pues no tiene un buen motivo para hacerlo: su madre está en un hospital a punto de morir, no tiene esposa, hijas, novia, ni siquiera un hermano con quien pelear. Hasta que descubre que lo qu ele hace feliz es borrar la sonrisa de los demás, especialmente de sus inquilinos. Conoce todos sus movimientos, horarios, hábitos, pero se obsesiona con Clara, la chica guapa del 5B.

Creo que hasta aquí no he contado más de lo que debería, puesto que fácilmente me vienen a la cabeza algunos títulos gringos que manejan el mismo concepto, el más reciente de ellos, Oculta obsesión, de este mismo año, con Hillary Swank. Entonces, ¿Qué es lo que hace diferente a esta película?

Bueno, en primer lugar, las actuaciones. Luis Tosar, quien interpreta a César,, y que es quien carga todo el peso del filme lo hace de una manera impecable. En ningún momento dudas de él, al contrario, crees en todo lo que hace, y te mantienes al pendiente de sus pensamientos y acciones. Marta Etura, como la siempre sonriente Clara. Se nota una excelente dirección y una discreta pero bien llevada fotografía.

En fin. Se junta todo lo necesario para un buen thriller de suspenso. Pero acá la cosa cambia, y no les voy a contar porque la idea es que les atraiga y la vean. Me sorprendió el tobogán de emociones manejados y lo pendiente que se está en cada minuto del filme. Habrá a quienes les parezca lenta, sobre todo porque un buen tramo de la película se desarrolla planamente, sin altibajos, sin efectos, sin nada "destacable". Pero créanme cuando les digo que cada minuto vale la pena. Un film ampliamente recomendable, para aquellos a quienes no les gusta los blockbuster o para aquellos que buscan un rato de entretenimiento, solos o en pareja. Y la próxima vez que le abran la puerta a un "desconocido", lo van a pensar dos veces.

Calificación:

Oscar 2012: Los votantes confundidos sobre el nuevo sistema de nominación

noreply@blogger.com (Pabela) — Mon, 02 Jan 2012 03:32:14 PST

Hace dos años la "Academia" anunciaba que la categoría de Mejor film se expandiría a diez títulos. El hecho causó bastante revuelo en su momento porque el número parecía demasiado y muchos deducíamos que en un año bueno la cosa podía ser justa, en uno malo, un desastre. Asique en Junio de este año The Hollywood reporter nos contaba una nueva mecánica a implementarse para la votación en esta categoría. Antes los votantes recibían una papeleta con 10 espacios para rellenar con los títulos a nominarse en orden de preferencia. Este año, los votantes recibieron una con apenas 5 espacios en los cuales también debieron llenar con los films a nominarse en el mismo orden. Pero, para que un film entre en juego debe figurar al menos en el 5% de todas las listas de votantes en los primeros lugares.

Lo que la Academia pretendía era "añadir un giro a la categoría y un nuevo elemento de sorpresa al anuncio de nominados" ya que no se garantizan ahora 10 títulos sino que podrían ser 5, 6 u 8 dependiendo de la cantidad de primeros lugares que ocupen los films en cada papeleta. Suena justo cuando afirman que lo que se busca con este nuevo método es valorar el verdadero peso de un film y no su mera aparición en la mayor cantidad de boletas.

En la mayoría de las papeletas, el 1º puesto lleva el peso real, aunque el 2º y 3º puesto podrían entrar en juego. El 4º y 5º tendrán mínimas chances en la selección; del 6º al 10º, aun cuando hayan sido elegidos, no tendrán un verdadero impacto en los resultados finales"- explica Gregg Kilday en THR

El proceso entonces se describe así:

Primero, todos los votos son divididos en pilas según cuál es la película en el 1º lugar.
Segundo, cualquier film que alcance el 5% es automáticamente nominado para Mejor Film. Luego esas pilas de papeletas se redistribuyen para, tras una fórmula matemática no develada, se obtengan los segundos y terceros films con mayor peso.
Tercero, aquellos films que hayan recibido menos del 1% serán también subdivididos para ver si entran en la categoría de nominados si fuera necesario ya que la Academia garantiza un mínimo de 5 films.

Si bien el proceso pareciera un tanto engorroso no deja de ser un poco más justo pues busca dar con aquellas películas que la mayoría realmente adoró y no simplemente aquellas que más gustaron. De por sí, aceptemos, que elegir 5 films por orden de preferencia requiere una selección bastante más pensada y meticulosa que completar 10 espacios en blanco. Por muy fructífero que haya sido el 2011 en cuanto a films, lo cierto es que intuyo una categoría de 5 films antes que 10, acortando las injusticias y aumentando las sorpresas.

A pesar de haberse anunciado ya en Junio este nuevo proceso, parece que los votantes han dado claras muestras de asombro a distintos medios cuando por correo les llegaron las papeletas. La mayoría aun esperaba diez títulos por rellenar y no apenas cinco. ¿Falta de atención o comunicación tal vez?.

Pensemos entonces en los film mejor valorados por la crítica este año, perdón ¡el año pasado!, y por las preferencias generales de la Academia, los llamados films oscarizables, y podremos seguramente encontrarnos con una muy buena posibilidad para: The artist, Drive, The Tree of life, Hugo y Shame. Pero el próximo 24 de este mes ya se sabrán los nominados y lo cierto es que los votantes no la tienen fácil y dependiendo de quienes queden en esta categoría claramente se generarán las otras.

LA LEY DE HERODES. Una película de Luis Estrada

noreply@blogger.com (Óscar Perdomo León) — Mon, 02 Jan 2012 20:21:57 PST

"La ley de Herodes", es una película dirigida por Luis Estrada, que vio la luz en 1999 y está ubicada en el tiempo a finales de los años ´40 del siglo XX. Esta cinta es tan actual, sincera y cruda que se le ponen a uno los pelos de punta al mirarla, porque a pesar que su temática trata sobre el México del siglo pasado, perfectamente puede extrapolarse todo ese drama a El Salvador de este año de 2011, con las variantes del caso.

La película tiene un poco de comedia, un poco de erotismo, un poco de drama... todos los ingredientes que debe tener una buena película.

La corrupción de los políticos y su completa insensibilidad hacia los problemas reales de la sociedad es reflejada de una manera tan cercana, con diálogos muy acertados y un argumento muy bien hecho.

La historia empieza cuando un alcalde (presidente municipal) de un pequeñísimo pueblito, perdido en medio de la nada, comete un asesinato y se roba el dinero de las arcas públicas; pero en su huida es atrapado y decapitado por una trifulca de los habitantes del pueblito. Para sustituirlo, mandan a un viejo miembro del partido político PRI, que trabaja administrando un basurero y que al ser nombrado alcalde, se llena de felicidad y orgullo. Lo interesante es que al principio él trata de comportarse éticamente; pero muy pronto, al contacto con la dueña de un prostíbulo, con el sacerdote católico y otros, va cediendo rápidamente a sus sobornos, la famosa "mordida".

La ridiculez de los discursos políticos, sus intrigas y sus ansias de poder están tan bien presentadas que ya a uno no le queda duda que encontrar un político honrado será como encontrar rosas en elmar, como decía una vieja canción.

No les contaré por supuesto el final; pero les diré que la música y la fotografía son muy buenas y que después de verla no quedarán decepcionados. Me gusta mucho también el ritmo de la película. Además creo que la dirección de arte está muy acertada. Las actuaciones son definitivamente excelentes y el largometraje cuenta con un elenco de lujo, entre ellos Damián Alcázar, Pedro Armendáriz hijo, Guillermo Gil, Isela Vega y Leticia Huijara, entre otros.Es una verdadera obra de arte que todo latinoamericano debería ver. "La ley de Herodes: o te chingas o te jodes".

Crítica de Las Aventuras de Tin Tin: El secreto del Unicornio

noreply@blogger.com (Shaoran Nox) — Fri, 30 Dec 2011 04:18:39 PST

Tin Tin no es lo que uno pueda decir una animación o cómic muy conocido en latino américa. Creado por el belga Georges Remi (Hergé) por allá de 1930, su distribución en américa no fue muy extensa. Sin embargo, es claro que existen fans, puesto que la película de la que hoy hablamos tiene detrás de la pantalla a gente de la talla de Steven Spielberg, Peter Jackson y Edgar Wright (y si alguien no los conoce, corra a ver más películas).

En fin, que por esos mismos nombres, uno escucha a Steven Spielberg intentando dirigir algo relacionado con el motion capture y debería huir -¿O es que no recuerdan la malísima Expreso Polar con Tom Hanks?- y no por la historia, sino por lo inverosímil de los personajes, sin expresión en la mirada y con una animación mal aprovechada. Pero si ahora le añadimos el mágico toque de Peter Jackson, acompañado por Andy Serkis, maestros consumados de ésta técnica, olviden cualquier falla. Estamos ante la inminente ganadora del Oscar a mejor película de animación, a menos que Chico y Rita de producción española - y que aun debo ver- se cuele y le arrebate la estatuilla; por que es claro que ni Cars 2 ni Rango (aunque con un poco más de chances), son mejores que esta puesta.

La película arranca con un evidente homenaje a las caricaturas de las épocas del cineasta, y avanzando lentamente, como a tientas, nos mete de lleno en la trama, de imprevisto; cuando uno menos se lo espera, ya está viajando por el mar en busca del Unicornio, o sus réplicas, mítico barco que sir Francis Haddock heredó a sus tres hijos con el mensaje oculto para encontrar un tesoro. Y se vienen barcos piratas, persecuciones, planes malévolos y demás ingredientes para pasar poco más de 1 hora y 45 minutos entretenido. Los personajes no son precisamente entrañables, pero ojo con Milú, el perro de Tin Tin, que más de una vez roba cámara aunque esté en segundo plano. El capitán Haddock se lleva también unas cuantas palmas y aunque por ahí hay una subtrama innecesaria, nada hay que le impida superar con facilidad las otras propuestas animadas.

Se nota la mano de Jackson desde el principio. Hay tomas en las que si uno no estuviera consciente de que la película es animada, juraría que son actores de carne y hueso los que participan en las escenas. El realismo es increíble, y la cámara es ágil, entendiendo que es totalmente ficción y animación y que puede colarse donde quiera y como quiera. No hay límites. El 3D quizá no sea tan espectacular, pero cumple. Y por ello es que ya hay luz verde a una secuela (claro, Hollywood siempre tiene un as bajo la manga, como el capitán Haddock), y será dirigida enteramente por Jackson. Habrá que esperar. Por lo pronto, la película cumple muy bien con lo planeado y es un perfecto platillo para los niños y los no tan niños. Cuando les llegue a su país, no duden en verla.

Por cierto, como posdata, hay sistema de calificaciones. El mío será sobre 5 estrellas, así que acá está

Apenas dos estrenos para esta semana

noreply@blogger.com (Pabela) — Thu, 29 Dec 2011 01:54:41 PST

Quizá por las fiestas que nos dejan económicamente pelados, por las vacaciones de muchos que ya enfilan para zonas costeras en su mayoría, lo cierto es que esta semana hay solo dos estrenos para ver. Por lo demás siempre nos queda un Arteplex o un Gaumont para ver algo más. Asique después de un breve parate con respecto a la publicación de estrenos, acá van los de hoy gracias a la siempre buena info de todas las críticas.