La Cinerata

Cartelera Argentina: Llega Blancanieves y el Cazador

noreply@blogger.com (Pabela) — Thu, 31 May 2012 06:41:36 PDT

Esta semana contamos con apenas dos estrenos que verdaderamente llame la atención, Blancanieves y el Cazador, por su buena campaña de promoción y sus efectos visuales nada desdeñables y Abrir puertas y ventanas, el film de Milagros Mumenthaler sobre la vida de tres hermanas tratando de sobrellevar una relación de incomunicación. Por lo demás, otros dos estrenos independientes que acompañan una cartelera en la que seguramente la pálida princesa se llevará las de ganar en recaudación.

Buenos Aires

Blancanieves y el Cazador

Nombre original: Snow White and the Huntsman
Director: Rupert Sanders
País de origen: Estados Unidos
Clasificación: Apta mayores de 13 años
Argumento

En la aventura épica de acción Blancanieves y la leyenda del cazador, Kristen Stewart (Crepúsculo) encarna a la única mujer que supera en belleza a la malvada reina (la oscarizada Charlize Theron) decidida a destruirla a toda costa. Pero la pérfida soberana ignora que un cazador (Chris Hemsworth, Thor) cuya misión era matarla, ha enseñado a la joven a defenderse.

Abrir puertas y ventanas

Nombre original: Abrir puertas y ventanas
Director: Milagros Mumenthaler
Países de origen: Argentina, Holanda, Suiza
Clasificación: Apta mayores de 13 años
Argumento

Narra la historia de tres hermanas, Marina (21), Sofía (20) y Violeta (18). Viven en la vieja y amplia casa de su abuela, Alicia, con quien se criaron desde chicas. Alicia falleció hace un par de meses y esta perdida pone en evidencia la relación entre las tres hermanas. Un estado de incomunicación, de ocultamiento y de mentiras se apropia de la casa, que se tiñe de un atmósfera cada vez más densa. Cada una afronta el duelo a su manera. A Violeta, personaje enigmático, parece no importarle nada; de un día para otro decide irse con un hombre mayor que veía cuando sus hermanas no estaban en la casa. Frente a esta nueva ausencia, que reactualiza la de Alicia, Marina y Sofía reaccionan de maneras muy distintas. Sofía, la rebelde respecto a la educación que tuvieron, vive la perdida como una liberación. En cambio, Marina, la más cercana a su abuela, se siente muy desequilibrada y le cuesta encontrar sus marcas de identidad frente a tantos cambios. Etapa de cuestionamientos, de afrontamientos y de búsqueda, el periodo de un duelo que les toca vivir allí a Marina y a Sofía. El tiempo pasa y las cosas, poco a poco, se van acomodando. La muerte de la abuela y la partida de Violeta van quedando atrás. Ya falta poco para que Violeta regrese.

Putos peronistas, cumbia del sentimiento

Nombre original: Putos peronistas, cumbia del sentimiento
Director: Rodolfo Cesatti
País de origen: Argentina
Clasificación: Apta mayores de 13 años
Argumento

17 de Noviembre de 2007, la Marcha del Orgullo Gay coincide con el día del militante peronista. Pablo Ayala, portero de escuela y militante de la juventud Peronista de La Matanza, "La Matías" peluquero de barrio y transformista de noche y “La Iara” mucama travesti de día y prostituta de noche llegan a la Plaza de Mayo con un cartel que desafía el glamour reinante: “Putos Peronistas La Matanza , Presente”, dice. Es la presentación en sociedad de la “Agrupación Nacional Putos Peronistas”, la primer agrupación peronista gay de la Argentina desde su antecedente, el Frente de Liberación Homosexual, creado a principios de los años 70´s, hasta llegar a nuestros días. Ellos sufren una doble marginación, la de ser gays y pobres, viven fuera de la frontera gay friendly que marca la General Paz. Son sobrevivientes del conurbano bonaerense donde el gay es marginado y no tiene acceso a la salud, la educación ni el trabajo. Pero desde ese conurbano profundo se lanzan a la arena política apropiándose de la palabra Puto para vaciarla del sentido ofensivo y llenarla de sentido político, transgrediendo todas las normas de lo políticamente correcto y rompiendo su estigma para comenzar a ser como los descamisados del 45´ protagonistas de la Historia. Este documental vive con los militantes de Putos Peronistas los acontecimiento políticos más trascendentes de los últimos años acompañándolos en su trayecto por los lugares más insólitos, desde “paradas” de ruta, hasta boliches de todo tipo, su difícil inserción en el movimiento peronista y su crecimiento detrás de la convicción de que el peronismo es el único movimiento capaz concretar la utopía para “Que reine en el pueblo el amor y la igualdad”.

Tiempo Muerto

Nombre original: Tiempo muerto
Directores: Baltazar Tokman, Iván Tokman
País de origen: Argentina
Clasificación: Aún sin resolución
Argumento

En 1950 la Argentina organizó y ganó el primer mundial de básquet. Como aficionados a este deporte sabíamos que Argentina había salido campeón, pero desconocíamos que había una historia política detrás. Un día hojeando el diario nos enteramos que Oscar Furlong, quienhttp://www.blogger.com/img/blank.gif fue la estrella de ese equipo, ingresaba al salón de la fama. La nota terminaba con la siguiente frase. “Oscar Furlong vio cortada su carrera en 1957 cuando la dictadura militar lo suspendió de por vida”. La película narra el suceso histórico-político y la historia de vida y de amistad que une al equipo desde hace 60 años.

Interior

Córdoba

Blancanieves y el cazador | Faithless: Pasando el bastón | La separación

Rosario

Blancanieves y el cazador | Faithless: Pasando el bastón

Mendoza

Blancanieves y el cazador

Mar del Plata

Blancanieves y el cazador

La Plata

Blancanieves y el cazador | Faithless: Pasando el bastón

Salta

Blancanieves y el cazador | [REC] 3 Génesis | No te enamores de mi

Bahia Blanca

Blancanieves y el cazador

Santa Fe

Blancanieves y el cazador

Neuquen

Blancanieves y el cazador

Tucumán

Blancanieves y el cazador

Corrienteshttp://www.blogger.com/img/blank.gif

Blancanieves y el cazador

San Luis

Blancanieves y el cazador

San Juan

Blancanieves y el cazador

Fuente: todas las criticas |cinesargentinos

LOS OLVIDADOS. Una película de Luis Buñuel.

noreply@blogger.com (Óscar Perdomo León) — Wed, 30 May 2012 18:45:20 PDT

Sí, otra vez, el blanco y el negro: maravillosa combinación de grises que le dan una fuerza extraña y mágica a las historias.

Esta película, “Los olvidados”, es una clásica, una de esas que uno tiene que mirar o no ha visto nada. Salió a la luz en 1950, dirigida por Luis Buñuel, y a través del tiempo ha sido considerada por los críticos de cine como una de las mejores películas de todo el mundo.

La cinta narra un ambiente de pobreza y violencia, en donde los niños y los jóvenes van halando el hilo conductor de la historia. Nos remite a un pasado tan lejano y aun así tan cercano al mismo tiempo a nuestra realidad latinoamericana. Lo que nos cuenta la película, se repite una y otra vez en nuestros países. La lucha de los jóvenes por hacerse sentir, sin importar que ello conlleve actos delictivos; la lucha de los adultos por conseguir un poco de dinero para sobrevivir, olvidando darles atención y amor a sus hijos: esa es la esencia de esta película.

Pedro (Alfonso Mejía) y el Jaiba (Roberto Cobo) son los dos personajes principales. Pedro, siendo aún un niño, carece del amor de su familia y lo busca en la calle. El Jaiba, que acaba de escaparse de una correccional, es el líder nato, pero también el más apegado a los vicios criminales.

Pero eso no quiere decir que los adultos no tengan gran influencia en la historia. Otros dos personajes importantes son don Carmelo, el ciego (Manuel Inclán) y la madre de Pedro (Stella Inda). Ambos, cada quien en su propio mundo, encarnan la pobreza. La madre de Pedro, viviendo en una pequeña casa, en un hacinamiento que promueve la violencia, pasa todo el tiempo preocupada por conseguir el sustento diario de sus hijos; don Carmelo, por su lado, viviendo en un cuartucho, se la pasa guardando y acumulando mezquinamente unos pocos pesos.

Los personajes actúan principalmente movidos por las emociones, por las bajas pasiones, el deseo de venganza, etc. Pero en su actuar no hay nada superficial ni fingido, todo es intenso y salido primitivamente con naturalidad de sus corazones.

El español Luis Buñuel, que había llegado exiliado a México, traía una influencia surrealista y un talento muy grande. Por eso una de las partes más impresionantes del largometraje, y que es una de las que más me gusta a mí, es una escena onírica, tratada con cámara lenta y sobre-posición de imágenes, en donde Pedro recibe de su madre un trozo de carne, cruda, y el Jaibo se la arrebata.

Los invito a que, a la menor oportunidad que tengan, miren “Los olvidados”. El final trágico, duro, justiciero, no los va a decepcionar.

No puedo terminar sin dejar de mencionar que el director de fotografía de esta película fue Gabriel Figueroa.

Pueden ver “Los olvidados” en YouTube, repartida en ocho fragmentos, siguiendo este enlace: http://www.youtube.com/watch?v=BrOlkGgwU8A&feature=endscreen&NR=1

Battleship, Batalla naval: Transformers a nadar

noreply@blogger.com (Shaoran Nox) — Tue, 29 May 2012 13:20:55 PDT

De la línea de juguetes y juegos de mesa de Hasbro, que anteriormente nos trajeron Transformers, películas que visualmente nadie puede negar que son impresionantes (hasta nominaciones al oscar tuvo), pero que en cuanto al guión quedaron mucho a deber, llega ahora Battleship: Batalla Naval, dirigida por Peter Berg (Hancock), y estelarizada entre otros, por Taylor Kitsch (John Carter), Liam Neeson, y Brooklyn Decker y Rihanna en el "atractivo visual".

Si la nota dice "transformers a nadar", es porque, literalmente, nos encontramos con más robots, sólo que ahora en el mar. La premisa es sencilla: en medio de unos juegos navales (como una especie de olimpiadas pero para la Marina), se encuentran con una nave en medio del océano que resulta ser el inicio de una invasión alienígena. Y aunque la película se tarda mucho (mucho) en despegar, cuando lo hace, se agradece que el componente cursi quede a un lado, centrándose exclusivamente en la batalla, por dos frentes. Con situaciones inverosímiles como corresponden a este tipo de películas, llega el momento en que se justifica el nombre: se ponen a jugar en pleno tablero intentando adivinar en dónde está la nave enemiga para matarla.

Y la verdad es que está entretenida. No va más allá de intentar entretener al público, con una historia sencilla y el mero pretexto de lucir efectos especiales bastante impresionantes, que ayudados por la inmensa complejidad y al mismo tiempo, sencillez del mar, tienen una profundidad muy diferente. Tenemos la batalla en primer plano, con barcos y fuerzas armadas; aunque yo me pregunto, ¿cómo es que Rihanna sale sin un rasguño?

Al final, termina dando un giro, si no inesperado, por lo menos bastante fuera de lo común, pero al mismo tiempo, innecesario. Y sobre todo, el final decepcionante. No quiero dar spoilers, pero pues ya sabemos como acaba la mayoría de estas películas: los buenos siempre ganan. Solo que en este caso, la forma en la que lo hacen es bastante... inverosímil. No sé si su intención fue hacer un tributo a la marina, o algo parecido, pero el final me pareció bastante fuera de lugar.

Eso, si, otra cosa que es bastante recomendable, es el soundtrack. Canciones de Creedence Clearwater Revival, Rolling Stones o los Stone Temple Pilots, hacen una delicia la parte auditiva. Cumplidora en efectos, aunque con actuaciones bastante planas. La edición y la fotografía es lo que más sobresale. Si quieren llevar a los pequeños de la familia o a los adolescentes que disfrutan de un espectáculo visual, al menos, por ese lado, no defrauda.

Calificación:

Sólo para cinéfilos, cómo ver más allá de las películas de Richard T. Kelly

noreply@blogger.com (Pabela) — Sun, 27 May 2012 18:51:57 PDT

Antes que me lluevan comentarios sobre dónde está el link para descargar este libro, les comento que felizmente este lo recibí de manos de mi amigazo mge, responsable detrás de El día de la Tromba, a quien además le agradezco enormemente la atención que ni me esperaba. No obstante pueden chusmear muchas páginas en la biblioteca de google books.

Creo que todos los cinéfilos, sobre todo aquellos con blog, no podemos resistirnos en algún momento de nuestra existencia a confeccionar listas. Que las 10 mejores películas que vimos, que las 10 peores, que el top 5 de actores o actrices, el de directores, etc. Pues bien, este libro no es otra cosa que esa incontable cantidad de listas que a fin de cuentas tanto nos gustan. ¡Pero ojo!, no se crean que estamos ante un libro más de esos que recopilan esas listas previsibles que citábamos más arriba. No, Richard T. Kelly, autor, periodista y crítico cinematográfico, no tuvo mejor idea que reunir a varios nombres resonantes del medio: cineastas como los hermanos Coen y críticos de cine, entre otros, y pedirles que hicieran sus listas, listas que finalmente encuadraron dentro de temáticas que bien nos demuestran sin ningún tipo de academicismo y con toda la frescura del mejor hijo de vecino, qué films destacan dentro de estas categorías de diez títulos.
Así entonces encontraremos, por ejemplo, "10 películas (no de terror) que me traumatizaron de pequeña", "películas que hay que evitar si uno se medica", 10 "con menos probabilidades de ser elegidas entre las Mejores de la historia", etc. Estas listas son además abordadas de forma muy original, por ejemplo podríamos pensar que esas que nunca serán elegidas como mejores de la historia es porque son pésimas representantes de la cinematografía, sin embargo al leer las explicaciones que acompañan cada título podemos desentrañar qué géneros y qué elementos son los que más prejuicios tienen encima en esta industria para finalmente nunca ser elegidas en este tipo de categorías. Así mismo, entonces, encontramos 10 interpretaciones de actores que deberían haber sido premiados por algún papel y sin embargo sabemos que jamás obtendrán más atención que los vituperios que generan sus films, Adam Sandler entre ellos.

El hecho de que el título de este libro rece "cómo ver más allá de las películas" no quiere decir que tengamos explicaciones académicas o categóricas sobre cómo hacerlo. Es un recurso más de la ironía que inunda el estilo de cada autor de las listas. Algunos, realmente forzados, otro más naturales, varios realmente ácidos e imperdonables, pero siempre con ese estilo ameno que hace que se lea de un tirón y que se disfrute tanto siendo cinéfilo acérrimo como mero espectador gustoso de leer curiosidades.

Matt Damon en The Good Shepherd integra la lista de actores vestidos de mujer

En este aspecto estos textos siempre terminan sorprendiéndonos con algunos datos realmente asombrosos como aquel relacionado a cómo surgió la máscara del famoso asesino de Halloween, Mike Myers. Punto a favor además que muchos de los films a los que se aluden en las distintas listas son variados, nada elitistas y que probablemente la gran mayoría de nosotros hayamos visto ya.
Dos son las cosas que irremediablemente tengo que criticarle al libro. La primera es esa maldita costumbre, así como pasaba con 1001 películas que hay que ver antes de morir, en la que de sopetón y sin decirte agua va te machacan el final de un film o escena épica, asique a leerlo con cuidado o sabiendo de antemano que se arriesgan al peor de los pecados cinéfilos. Lo segundo, quizá lo peor de lo peor, es la seguramente pésima traducción de Joan Sardá. Algunas oraciones se intuyen traducidas literalmente en vez de buscarle el sentido más próximo o claro al castellano, en otras se enreda en la elaboración de oraciones terriblemente largas por esta cosa del inglés de usar tan frecuentemente las construcciones netamente sustantivas. También por momentos encontramos varias incongruencias entre sustantivos masculinos y adjetivos femeninos o entre el género plural y singular. Eso es algo realmente lamentable ya que nos impulsa por momentos, más de una vez incluso, a releer oraciones o párrafos para tratar de interpretar realmente qué se nos está diciendo. Quizá el problema sea, por supuesto, de la editora en sí, ya que incluso encontramos en una de las tantas fotografías que ilustran este libro una leyenda que pertenece a otro film.

Así y todo créanme que este es un libro que hay que leer, que es sumamente divertido y que seguramente después de leerlo realmente miraremos el cine de una manera un tanto diferente, y lo mejor de todo es que, ciertamente, logrará que esas tediosas listas y tops que inundan la web al menos se rediseñen en temáticas un poco más relajadas y entretenidas.

La Antena surrealista de Esteban Sapir (2007)

noreply@blogger.com (Pabela) — Tue, 22 May 2012 11:58:22 PDT

El año pasado un tal Michel Hazanavicius parecía revolucionar con The Artist al espectador promedio. Su homenaje al cine mudo en pleno siglo XXI era una vuelta por aquellos años de glamour hollywoodense y una entrañable mirada melancólica para aquellos que sentimos una predilección especial por el cine de aquellos años. El film, tan odiado como adorado, sin medias tintas por parte de la crítica, se servía de una historia sencilla, tan sencilla como los musicales o romances de aquella época; sus recursos, los mismos de aquel entonces con algunos toques de "sonoridad" que hacían al fluir del argumento. The Artist fue un film que me llegó tanto que difícilmente encontré palabras para hablar de él, al menos por ahora.
Sin embargo, Hazanavicius no había descubierto oro, muchos son los que utilizaron de una u otra manera esa vuelta a lo clásico en sus films, lo que diferenciaba al realizador francés era otra cosa que ahora no viene al caso. De hecho cinco años atrás llegaba desde estas pampas un cine similarmente arriesgado, un film mudo, argentino, también de homenaje, pero rotundamente diferente a cualquier cosa vista por estas tierras. Una locura surreal de imposible descripción.

En "El análisis del texto fílmico", Francisco Javier Gómez Tarín cita muy efizcamente a Gubern con respecto a los significados de la imagen:

La imagen cinematográfica es una imagen necesariamente connotada, no sólo por las características adjetivas del objeto o sujeto mostrado, por los atributos afectivos del referente, sino sobre todo por el punto de vista elegido para la cámara, su angulación, la iluminación que baña al sujeto u objeto, etcétera. En el acto de encuadrar e iluminar un objeto, el director no puede renunciar a una muy específica producción de sentido, producto de una investidura emocional o crítica, que se corresponde precisamente con su punto de vista psicológico o moral sobre el sujeto u objeto encuadrado e iluminado.

Ateniéndome apenas a estas palabras todo lo polisémico que puede ser un film se haya justamente muy bien ejemplificado en La Antena. Sapir elabora no una historia, sino un inalcanzable mundo de interpretaciones sobre lo que queramos leer: un homenaje al cine clásico sobre todo de ciencia ficción con innumerables referencias claras a Meliés o Lang, un ensayo sobre la comunicación y el dominio de masas, una metáfora sobre la creación artística y sus peculiaridades, una comedia bizarra y negra sobre las tiranías o genocidios, o directamente todo eso metido dentro de una licuadora sazonada con el expresionismo alemán. La Antena, así, termina conformándose en un producto que amarán u odiarán,también, pero que desde ya no los dejará inpasibles. En este punto me causa mucha gracia encontrar todavía comentarios del tipo "no aportan nada nuevo", algo que ocurre entonces - reconozcámoslo de una vez- desde que Shakespeare muriera.

La estética patchwork

O quizá debería decir, más acriollada, una estética cambalache. Sapir no ahorra ningún recurso expresivo para presentar tanto a personajes como situaciones. Desde juegos de sombras, maquetas, iluminación y planos superpuestos hasta recursos propios del diseño gráfico o cercano también al comic, este film es una delicia visual en sí misma. Imagínense encarando uno de estos films a la 1 am y que logre acaparar desde la primera escena tu atención. Unas manos que alocadamente tipean en el aire al ritmo de la música, otro acierto excepcional de la película gracias a Leo Sujatovich , y así de plano meterte en una historia loquísima en la que un pueblo ha perdido la voz. A pesar de que el film no es completamente silente, pues hay un par de únicos personajes capaces de hablar, tenemos desde ya intertítulos para saber qué se dicen unos a otros, pero lo genial del caso es cómo aparecen en escena, tan vivos y flexibles como un personaje más. Ahí entonces es cuando nos damos cuenta que La Antena no es un film para disfrutar simplemente desde lo conceptual o argumental, por decirlo así, sino además desde lo semántico. Es un film delicioso para darle palo y palo de análisis estructurales y desentrañar las incontables interpretaciones simbólicas que guarda. Lo cual, claro, tiene mucho que ver con lo que está contando.

Lo único que quizá le recriminaría al director es que luego de ver el detrás de escena, que además les comparto aquí abajo porque no tiene desperdicio, creo que ha pecado de cobarde a la hora de la duración del film. Las escenas eliminadas me hubieran gustado verlas en el film porque creo que agregarían más de lo que restarían, al menos la mayoría de ellas. La Antena no es un film perfecto, pero como siempre digo, la imperfección es también parte de la perfección y esta no es una película de esas que nos gustan pero no volveríamos a ver en un tiempo. Si no fuera porque eran las 3 am y había que madrugar le hubiera dado al play de nuevo para verla una segunda vez. De hecho cuando en una película me pasa de tener que rebobinar algunas escenas para poder apreciar algún detalle, es cuando me doy cuenta lo mucho que me ha cautivado.

Si aun no la vieron, dénle una oportunidad, más no sea para ver con qué poco nuestro cine puede dar mucho también, que los arriesgados hacen falta y que aunque terminen por odiarla- no es un cine para todos lo reconozco- no van a poder negar que hay que conocerla. Sapir es un director que ya desde su anterior film, "Picado Fino", dio que hablar y que duele que este tipo de películas, la primera en abrir en 36 años el Rotterdam Film Festival en el 2007, no tengan la consideración masiva con las que cuentan otros desabridos directores argentinos.

Si quieren saber más sobre este film, o si ya lo vieron y quieren leer un análisis extraordinario sobre él, lean esto!

AFTER SHAVE. Una película de Hany Tamba.

noreply@blogger.com (Óscar Perdomo León) — Sun, 20 May 2012 18:23:31 PDT

“After shave” es un maravilloso cortometrajedel año 2005 dirigido por el libanés Hany Tamba. Su argumento es muy sencillo,pero rodeado de muchos pequeños detalles que enriquecen la historia.

Todo inicia con un barbero (personificadopor el actor Mahmoud Mabsout) con pocas entradas económicas, el cual un día,para su suerte, es requerido por un hombre adinerado (Rafic Ali Ahmad), quien posee unacasa grande y bonita. El hombre, que tiene una pintura de su esposa a medioterminar, es viudo y se encuentra sumido en una depresión. No sale de su casa ysólo le hace compañía una tortuga.

El barbero, que es todo un personaje, de lo más simpático, con toques de comicidad muy bien logrados, acude a brindar susservicios. Al terminar, el barbero queda asombrado y feliz con la paga grande ygenerosa que el hombre adinerado le da. El barbero continúa llegando yatendiendo al hombre rico y se establece entre ellos una relación que se podría catalogar como una casi deamistad.

Mientras el barbero le corta elcabello al hombre adinerado, de pronto, en una escena, se aparece la esposamuerta (Julia Kassar) bailando y hablando con su esposo viudo. Su voz y supresencia nunca son captadas por el barbero. Hay una magia en todo esto. Suaparición nos muestra no sólo quién fue esa mujer ahora muerta, sino lapsicología más profunda del hombre adinerado. Los diálogos entre ellos sonreveladores, cordiales, a veces tristes, a veces llenos de romance…

Un día, cuando el barbero llega a la mansión, encuentra que la pintura de la esposa del rico está terminada, y que su cliente ha decidido por fin salir de su casa. Los eventos que siguen a esto son insospechados.

El final es feliz y para nadacursi. No voy a contarlo, por supuesto, pero es un final fantástico, que aunque sabemos queno es verdad, nos gusta y deseamos que sea verdad. Y si sentimos eso, elguionista y el director han tenido éxito.

Esta obra de arte nos muestra loque se ha dicho muchas veces: que los mejores perfumes van en pequeños frascos. Es decir, el cortometraje, como instrumento de comunicación y creatividad deimágenes, cuando está bien hecho, no es menor que el largometraje.

Les recomiendo con mucho énfasismirar, cuando se les presente la oportunidad, el corto “After shave”.

Les dejo aquí para ver un avance de este grandioso cortometraje:

Ojo atento esta vez vía redes sociales (Solucionado)

noreply@blogger.com (Pabela) — Sat, 19 May 2012 10:38:01 PDT

Ayer lanzamos vía Facebook y Twitter otro de nuestros abandonados juegos fílmicos, el ojo atento, donde el chiste es reconocer estrellas cinematográficas o de la tv en sus angelicales rostros de niños o, al revés, esos niños que han hecho historia con sus personajes años atrás y que ahora de grandes no son tan fáciles de reconocer. Pues esta vuelta le tocó a Noah Hathaway, cuyo nombre real es Noah Leslie Hathaway, nacido un 13 de Noviembre de 1971 y cuya participación en un ya icónico film de 1984 inmortalizó su nombre en un grito emblemático. ¿Lo reconocen?

Síii, el famoso Atreyu, el niño héroe junto a Sebastian en la película "La historia interminable" dirigida por Wolfgang Petersen, basada en la novela de Michael Ende del mismo nombre. Las dos primeras en reconocerlo casi al mismo tiempo fue mi queridísima amiga Alexandra Morán en el grupo del face Cinefilofagotófilos y Manuela Lamas en nuestra página oficial de la misma red. Bien por ellas que lo sacaron al toque!!.

Noah Hathaway, quien lleva en su sangre antepasados Mohicanos por parte de su padre, está hoy casado con Sameerah Hathaway con quien tiene un hijo. A la escasa edad de tres añitos participó de varios comerciales hasta aterrizar en la popular serie televisiva de Battlestar Galactica donde interpretaba al pequeño Boxey. En su tardía adolescencia se dedicó a dar clases de jazz y street dance hasta que una herida lo forzó dejar esas clases. No obstante se dedicó más tarde a las artes marciales concursando como amateur en Muay Thai Boxing.
En el año '94 volvió a la pantalla grande con el film To Die, to Sleep y aunque luego se dedicó a otros ramos fuera del cine, como montar su propio negocio de motocicletas, oficiar de bartender en varios bares de los cuales fue llenándose de tatuajes y continuar su trabajo como entrenador de distintas disciplinas marciales, este año estrenará nuevamente dos films: Sushi Girl en la que interpretará a un ex presidiario junto a Tony Todd y otro de los grandes íconos de nuestra adolescencia Mark Hamill, el chiquito ese de Star Wars que hacía de Luke, y The Obsession dirigida por Gregory Hatanaka donde personificará a nada más y nada menos que a un malvado crítico de cine.

Los dejo con el video del tema musical que tiene imágenes del film y que tan famoso se hizo en los '80 promocionando la película. Nostálgicos pueden llorar!

Cartelera Argentina: 5 estrenos, mucho drama

noreply@blogger.com (Pabela) — Thu, 17 May 2012 05:52:22 PDT

Estrenos bastante singulares entre los que destaca la llegada de "Elefante Blanco", la última película de Pablo Trapero, joven director obsesionado con esa realidad de los argentinos que pocos parecen mostrarse interesados. Un drama de época basado en la novela de Andrés Rivera, un thriller de la mano de Richard Gere que da la cuota de pochoclismo necesario y una comedia para dejar en claro la variedad. Recuerden que pinchando en los títulos pueden acceder a todaslascriticas.com para conocer todas las medias de cada película y las reseñas de todas ellas realizadas por los distintos medios.

Buenos Aires

Elefante Blanco

Nombre original: Elefante blanco
Director: Pablo Trapero
Países de origen: Argentina, España
Clasificación: Apta mayores de 16 años

Gerónimo es un hombre de 45 años, devastado por un suceso trágico. Julián íntimo amigo de él, viaja para rescatarlo y le ofrece integrarse en su proyecto en una villa de emergencia. Ambos son sacerdotes de la Iglesia Católica, que decidieron dedicar su vida los más pobres: Julián en la Argentina y Gerónimo en los países del Tercer Mundo. A partir del encuentro, ambos se dedicaran a trabajar en la Villa Virgen, un enorme asentamiento en el conurbano bonaerense. Gerónimo comenzará a replantearse si la Iglesia es el mejor lugar para ayudar, mientras Julián buscará mejoras a través de la política. En la vida de estos dos hombres aparecerá una abogada atea, dos formas de defender las convicciones, la construcción de un hospital público y un intento de asesinato. Villa es, claro, un relato sobre la amistad y la fe.

Misión Secreta

Nombre original: The Double
Director: Michael Brandt
País de origen: Estados Unidos

Misión secreta se centra en la misteriosa muerte de un senador que tiene todos los signos de un asesino soviético cuyo nombre en clave es Cassius y del que se creía que llevaba años muerto. Para dar caza al criminal, un retirado agente de la CIA, que pasó gran parte de su carrera siguiendo a su némesis asesino. Para ayudarle estará un joven agente del FBI.

Al Final la Vida sigue Igual

Nombre original: Al final la vida sigue, igual
Director: Raúl Perrone
País de origen: Argentina

Los personajes que habitan en las calles de Ituzaingó vuelven otra vez y Perrone los retrata instalando su cámara entre ellos, no para juzgarlos sino para acercarnos retazos de vidas que siguen, igual a como las dejamos en la última película. Hay una ausencia notable esta vez, ya que no está Galván. El abuelo de los chicos que aparecen en la película y a quien Perrone le reserva un plano para que lo veamos seguramente por última vez, deambulando a través de una especie de bosque. Una aparición fantasmal que lejos de provocar miedo transmite paz y serenidad.

Los Padrinos de la Boda

Nombre original: A Few Best Men
Director: Stephan Elliott
Países de origen: Reino Unido, Australia

David, está a punto de casarse con Mia y viaja con sus amigos hasta el pueblo de su novia, en el interior australiano, donde tendrá lugar la ceremonia. El padre de la novia es un rico senador, la madre es una mujer algo alocada, aficionada a la cocaína y al alcohol. En la despedida de soltero las cosas se complican y la boda no resulta ser nada de lo esperable. Del escritor y productores de Muerte en un funeral.

La Revolución es un Sueño Eterno

Nombre original: La revolución es un sueño eterno
Director: Nemesio Juárez
País de origen: Argentina

Basada en la novela de Andrés Rivera, reconstruye en forma de ficción hechos históricos como el Cabildo abierto del 22 de Mayo, la jura del 25, el fusilamiento de Liniers y otros jefes realistas en la campaña del Ejército del Norte, la arenga de Castelli a los pueblos originarios ante la Puerta del Sol de Tiahuanaco, con motivo de celebrarse el primer aniversario de la Revolución de Mayo y otros sucesos vividos por Juan José Castelli, Bernardo de Monteagudo, Manuel Belgrano, Mariano Moreno y Pedro José Agrelo.

Interior

Mi semana con Marilyn: Ser o No Ser

noreply@blogger.com (Shaoran Nox) — Fri, 11 May 2012 22:59:07 PDT

My week with Marilyn (2011), dirigida por Simon Curtis y basada principalmente en el libro "El Príncipe, La Corista y Yo" de Colin Clark, quien es al mismo tiempo el co-protagonista de la cinta, es de las películas que tardíamente nos llegan y que estuvo nominada a mejor actriz y mejor actor de reparto en la pasada edición de los Oscares. Finalmente ha llegado a las salas de México y a pesar de la tecnología que nos inunda en estas épocas donde ver una película aun no estrenada es pan de todos los días, ir al cine siempre será especial, ya sea por el olor a palomitas, la pantalla con sonido y simplemente el disfrute de una película tal y como fue concebida.

Michelle Williams nos entrega una actuación simple y sencillamente magistral. Y me atrevo a decir que el oscar que le dieron a Meryl Streep solo fue porque la academia no podía ya negarle una segunda estatuilla ante su brillante carrera. Pero acá, Williams, a pesar de no tener mucho parecido físicamente con uno de los primeros sex symbols que existieron en Hollywood, la personalidad y la interpretación que nos regala es simplemente sublime, sencilla, como dicen que debía de ser Marilyn: con su simple presencia opaca a los demás, sin importar si se trata del mismísimo Kenneth Branagh, quien interpreta a ser Lawrence Olivier. Menos mal la reconocieron con un Globo de Oro.

La película se centra en Colin (Eddie Redmayne) , un chico de pueblo que aspira a trabajar en el cine y encuentra su oportunidad de la mano de Olivier quien está apunto de empezar la filmación de una nueva cinta con Monroe de protagonista. Y tal como la película lo indica, es sencillamente una semana intensa, una semana en donde Marilyn quiere ser alguien más y Colin, como tantos hombres, se enamoran de ella. Más que una biopic o un homenaje, es un poco de ambos, es una cinta romántica, de amor y desamor, de los sueños, de una cuestión de moral. ¿Vale la pena vivir felices complaciendo a los demás o solo complaciéndonos a nosotros mismos? ¿Vale la pena vivir de sueños, o vale la pena cumplirlos aunque nos duren un suspiro?. Porque como lo dice el gran Pedro Calderón de la Barca: "Somos del mismo material con que se tejen los sueños".

Y por cierto, también es válido cuestionar la figura de la famosa actriz/cantante. ¿De verdad era lo que ella quería?¿De verdad era así o es solo una figura exaltada por los ojos del amor y la admiración? Saque cada quién sus conclusiones.

Grandísimas actuaciones, dirección sencilla pero cumplidora, fotografía y edición maravillosa. Simplemente una película para disfrutar en pareja. Habrá a quien le parezca lenta, y si buscan un film de homenaje o de Biografía, mejor absténganse. Básicamente es una película romántica y de reflexión sobre a dónde nos llevan nuestros anhelos y sobre qué es realmente la felicidad: un instante o toda la vida.

Calificación:

Les presentamos YonkiPops canal de mediaNOmedia para todos los cinéfilos

noreply@blogger.com (Pabela) — Wed, 09 May 2012 18:01:31 PDT

mediaNomedia es una productora audiovisual que acaba de estrenar un espacio web sobre cine y series de TV, YonkiPops. En su canal en Youtube podemos mantenernos al tanto de todo lo que se cuece en la industria cinematográfica en episodios semanales con toda la info presentada en forma dinámica y entretenidísima. El canal está casi a punto de superar las 50000 visitas y el último episodio, el número 4, ha llegado a los 11390 reproducciones ¡a solo 3 días de ser publicado!.
Para aquellos que no siempre queremos leerlo todo, este canal es de visita obligada y hay que estar muy atentos porque en horas se viene el episodio 5 que, estoy segura, todo amante de House no se querrá perder. Asique los dejo con el último episodio que trata, entre otras cosas y como verán en el banner de arriba, sobre la taquillera The Hunger Games y la tan esperada Prometheus! Vale como aclaración que los contenidos del programa y demás son completamente independientes y de producción propia asique a no confundirse por el nombre!

Puedes seguir a mediaNomedia en Twitter y facebook!

Qué pasa con Hollywood?

noreply@blogger.com (Pabela) — Mon, 07 May 2012 19:55:02 PDT

¡Saquen sus propias conclusiones!

ENAMORADA. Una película del Indio Fernández.

noreply@blogger.com (Óscar Perdomo León) — Mon, 07 May 2012 11:04:18 PDT

Las palabras que siguen representan mi opinión libre y llana como espectador y amante del cine, no como experto, que no lo soy.

“Enamorada”, estrenada en 1946, es una de las más bellas películas que he visto en mi vida. Desde la primera vez que la vi quedé embelesado con la trama y con los tonos exquisitos del blanco y negro y toda la escala intermedia de grises que se lucen en la pantalla; pero especialmente quedé atrapado por la actuación de sus principales protagonistas: María Félix y Pedro Armendáriz. Esta película fue dirigida magistralmente por Emilio “El Indio” Fernández.

La trama, que transcurre durante los años de la Revolución Mexicana, inicia cuando el general José Juan Reyes (Armendáriz) se toma la ciudad de Cholula y empieza a exigir dinero a los ricos del pueblo para “La Revolución”. Hay fusilados, apaleados, así como actos de justicia, como cuando el general le da dinero al profesor de la escuela, que no había recibido dinero de parte del gobierno en meses. La historia tiene sus partes de ternura, de comedia y de tragedia también.

Sin esperar el amor, el general, cuya mente estaba ocupada sólo con ideas para “La Revolución”, se topa accidentalmente con Beatriz Peñafiel (María Félix), la mujer más bonita y adinerada de la ciudad y, a primera vista, se enamora de ella. Sin embargo, hay varias dificultades que el general enfrenta: ella ya está comprometida, es de una clase social muy diferente y además, con su deliciosa altivez, lo rechaza y lo humilla.

Hay una escena que es para ser recordada por siempre, que es precisamente cuando Beatriz tiene su primer encuentro con el general Reyes. Éste, al verla pasar cerca, pero de espaldas, la piropea y al mismo tiempo le hace una broma. A ella, al subir unas gradas, se le había levantado un poco el vestido y se le había alcanzado a ver una parte de sus piernas. El general grita en medio de otros militares, que por mirar otra vez esas piernas, él aceptaría gustoso una cachetada. Beatriz se detiene en el acto, voltea su rostro y le dirige una mirada fulminante. El general se queda asombrado, pero también admirado de su belleza. Luego ella se levanta un poco el vestido y le deja ver nuevamente las piernas y el general está casi atontado mirando. Entonces ella se acerca y lo abofetea. Y le dice que como miró dos piernas, pues que entonces son dos bofetadas las que se ha ganado. Éste, con una sonrisa pícara, le presenta la otra mejilla y Beatriz lo golpea tan fuerte que lo tira al suelo. La risa de los otros militares fue inmediata y el general está más impactado por la belleza de Beatriz, que por las cachetadas que acaba de recibir. Esa escena vale la pena mirarla.

A partir de ahí, la presión intensa de la película se centra en el cortejo del general y en los rechazos de Beatriz. A medida que va avanzando la historia, poco a poco se van conociendo el uno al otro.

Hay otra escena que me encanta y es cuando el mayor Joaquín Gómez aconseja al general Reyes sobre las mujeres y sobre pedir perdón. Me gusta mucho la actuación que hace aquel.

Los colores y el paisaje de fondo son factores de belleza innegable en esta película, como en la escena de la foto (arriba), donde Beatriz camina a través de un portal y el general la sigue por la calle montado en su caballo.

El romanticismo llega a su máxima expresión cuando el general le pide perdón a Beatriz por quererla y renuncia a ella, así como también cuando Beatriz, justo antes de firmar el acta de matrimonio, lo abandona todo y corre enamorada hacia el general Reyes.

El primerísimo primer plano de María Félix en la escena donde escucha la serenata (La Malagueña) de pedido de perdón por parte del general Reyes, es una toma cinematográfica intensa, embriagante, especialmente por la mirada con la que María Félix nos muestra toda una gama de sentimientos. Del asombro y la curiosidad, pasa a otro sentimiento muy parecido a la tolerancia y al amor.

Por supuesto que hay algunos huecos en la historia, como la aparición de la niña llamada Adelita, adoptada por el general Juan José Reyes, que sólo aparece un par de minutos en escena y desaparece después por completo de la película; pero son minúsculos estos detalles si los comparamos con todos los aciertos del guión y la puesta en escena. (En una nueva versión que se hizo de «Enamorada», de la cual hablo más adelante, sí aparece en otras escenas Adelita). El guión fue escrito, por cierto, por el mismo Indio Fernández, con la ayuda de Íñigo de Martino y de Benito Alazraki.

Emilio “El Indio” Fernández (1903-1986) fue uno de los directores, productores y actores más destacados de México. Su filmografía es extensa.

En 1949 salió a la luz una nueva versión de «Enamorada», pero en inglés, siempre dirigida por Emilio Fernández, cuyo nombre fue «The Torch»; en el papel estelar masculino siempre estaba Pedro Armendáriz, pero en el femenino ya no estaba María Félix, sino Paulette Goddart. En esta la historia es básicamente la misma, sin embargo, como es natural en cualquier versión, tiene sus propias particularidades. Muy buena película; pero, aunque las comparaciones son odiosas, como alguien dijo, me quedo con la «Enamorada» de 1946. Además en esta primera versión aparece Manuel Inclán, que me gusta cómo hace su papel de Bocanegra, el oficial más cercano al general.

Para los que quieran ver «Enamorada» lo pueden hacer a través de YouTube, en donde está repartida en once partes. He aquí el enlace para la primera parte:

ENAMORADA. Parte 1.

Atentos cuarentones!: Tráiler de Soledad y Larguirucho

noreply@blogger.com (Pabela) — Sun, 06 May 2012 09:12:50 PDT

A pesar de que muchos ya empiezan a tirar abajo este nuevo film de Ferré, creador de aquellos adorables personajes con los que muchos de nosotros nos hemos criado, es una bendición saber que todavía se apuesta a un cine familiar, a la animación nuestra, propia, llena de otras estrellas de la música como la propia Soledad, el chaqueño Palavecino y un maestro indiscutible para todos los niños, de pie por favor, Carlitos Balá.
La oriunda de Arequito, Soledad Pastorutti, vuelve a la pantalla grande después que estrenara en 1999 "La edad del sol". Filmada en San Luis de la mano de Manuel García Ferré y bajo la dirección de Nestor Montalbano, la película combina animación con actores. Nestor Montalbano estuvo detrás de otros proyectos tales como Pájaros Volando, Soy tu Aventura y el genialísimo programa Todo X $2 asique no es de extrañar encontrar a Diego Capusotto en este film también.

Los personajes de Manuel García Ferré fueron parte de mi infancia, y de la de mis viejos y son todos queribles. Es un proyecto muy interesante, desde el punto de vista de los dibujos animados para mí es un desafió muy importante para mi carrera. Estoy agradecida por este trabajo ya que es para los chicos y tiene mucha alegría y música .Mi participación en esta película es mucho más repartida. Hay mucho trabajo de dibujo animado principalmente. Se ha hecho un plan de rodaje bastante ágil para que pueda estar con mi hija y no suspender la agenda de recitales.

Así se expresaba la Sole con respecto a esta cinta que estrenará el próximo 12 de julio en Buenos Aires y el 5 de julio en el interior del país. El tráiler muestra que estaremos dentro de un género principalmente enfocado a los chicos, como bien sabe hacer Ferré, pero seguramente muchos de los adultos que acompañen a los peques a las salas se verán trasladados en el tiempo cuando la bruja Cachabacha se llevaba nuestros abucheos y todos metíamos en alguna conversación el infaltable : Hablá más fuerte que no te escucho!.

Visto en: Qué vemos hoy

Segunda escena pos créditos de The Avengers!

noreply@blogger.com (Pabela) — Wed, 09 May 2012 17:36:20 PDT

Era cuestión de tiempo nomás que alguien nos diera la alegría de mostrarnos esa segunda escena pos créditos que hasta ahora solo pudieron ver en Estados Unidos. Aviso que si no vieron la peli, vamos, no es para tanto y pueden verla, no será spoiler con todas las letras! Asique a disfrutarla, es calidad Cam pero vale la pena! Para algún descolgado que sí la haya visto y no relaciona qué está pasando recordarles que SPOILER AHORA SÍ...

En una parte Stark tirado en el piso hecho goma después de la super batalla sugiere que conoce un lugar fantástico a dos calles de donde estaban para comer shawarma, una especie de empanada árabe. La ciudad derroída por el ataque y él diciendo eso para luego ver esta escena es realmente gracioso!!

Vía Comicsen8mm

The Avengers, diversión asegurada en un relato nada original

noreply@blogger.com (Pabela) — Wed, 02 May 2012 15:36:56 PDT

The Avengers era desde el vamos un proyecto realmente ambicioso. Aun cuando estuviera basada en un comic bien conocido y que Marvel no se ahorra las ganas de adaptarlo todo, tantos superhéroes juntos se transformaba en una apuesta fuerte por parte de un estudio que tenía que encontrar a alguien bien capaz de distribuir muy bien el protagonismo de cada uno. Era un cara o seca, un vivir o morir, que aun cuando estuviera excelentemente maquetado en su publicidad podía sucumbir de un soplido.

Pero el nombre de Joss Whedon no era para pasar inadvertido, sus títulos le dan un crédito más que fiable. Toda la popularidad que ganó en su momento Buffy, la cazavampiros, así como la buena acogida en general de Serenity se lo debíamos a él. El problema es cuando luego de su estreno pareciera que no hay un punto medio. Todo el mundo parece adorarla y hasta he llegado a leer por ahí que es una verdadera innovación del género. Pues bien, sin llegar a unos extremos tan taxativos debo reconocer que la cinta tiene sus aciertos.

El primero es que justamente aunque sobresalga un poco más el personaje de Iron Man interpretado por el carismático Robert Downey Jr., cada uno tiene su momento, su rol bien definido y por supuesto, su importancia dentro del conjunto. Aquí el reparto destila buena química algo imprescindible para este tipo de uniones protagónicas. Nadie pisa a nadie y aunque honestamente me vienen sobrando las nuevas adquisiciones representadas por Scarlett Johansson como Black Widow y Jeremy Renner como Hawkeye en este aspecto la película gana al no otorgarles más de lo que el público seguramente pedía. Vamos, que los films que cada héroe tuvo individualmente como antecedente de esta unión hacía que el público se centrara en ellos se haya o no conocido el comic de donde nacen. Mención realmente especial merece acá el verdoso Hulk en la piel de Mark Ruffalo, actor que siempre me ha caído apenas simpático pero que aquí logra dotar al atormentado Bruce Banner de un muy buen carácter que bien le valdría otra oportunidad en la pantalla grande. Whedon logra un balance tan bien medido que hasta aquellos que nos hemos perdido alguno de los films precedentes, en mi caso Capitan America, nos entran las ganas de completar la serie, aunque personalmente Thor, por ejemplo, no me haya parecido un film para echar porras.

El segundo gran acierto de The Avengers es el humor. Sin llegar a ser una película de “ensamblaje” como The Expendables que no se toma en serio nunca, aquí tenemos continuos toques muy bien puestos de verdadera gracia. Si bien casi el sesenta por ciento de ellos pertenecen a la figura de Stark, todos en algún momento protagonizan alguna escena que nos arranca una risa espontánea, varias de esas risas vienen dadas por líneas de diálogo graciosas y muy atinadas que seguramente quedarán en el ideario de muchos. El film tiene mucho parloteo del que siempre se encuentra en una superproducción de este tipo, pero engalanados con mucha simpatía que levanta el ritmo narrativo de manera satisfactoria, porque si vamos al hecho, la acción real se desata sólidamente en la segunda hora de proyección, mientras que la primera puede que exaspere un poco al espectador ansioso. A partir de entonces me sorprendí de que la película me divirtiera tanto.

Y si un film de estos gana en humor, el aspecto visual le otorga también una buena cantidad de créditos. De hecho creo que nunca llegué a pensar que terminaría recomendando que de ser posible paguen unos pesos más por verla en 3D, tecnología que aquí está realmente muy bien empleada. Mucha acción, insisto en esto de que sobretodo en la segunda mitad del film, mucha dinámica y mucho humor parecería que es suficiente, sin embargo el film, en lo que en argumento se refiere, no deja de ser una verdadera excusa, correctamente planteada eso sí, para presentar a este conjunto de superhéroes luchando juntos. El malo consigue un arma mortal, el mundo corre peligro, los únicos que pueden salvarlo son los vengadores. Lo demás, explicaciones sobre protones, iones y muchas computadoras que sostienen la inmensa excusa para sobrellevar la acción. No es algo que importe demasiado cuando el film no pretende ser más de lo que ofrece, buen entretenimiento y muchas peleas épicas. Pero para los más exigentes, o para aquellos que no sepan todos los dimes y diretes de las historias originales, bien pueden padecer algunos momentos en que el guión se vuelve una meseta importante.

The Avengers hay que verla con ganas de divertirse, sin sumar grandes dosis de expectativas de lo que se diga por ahí, es un film correcto, bien armado, inteligentemente ofrecido, y sobre todo vendido, pero que no trasciende más allá de lo que el género de este tipo nos ha ofrecido hasta ahora. Super producción a gran escala que no ahorra nada, mucha espectacularidad visual que bien merece la pantalla grande. Una de las más esperadas del año ya ha pasado y me alegra que haya sido en forma satisfactoria.

No se muevan del asiento hasta que pasen los créditos!!

Dato curioso [sin riesgo de demasiado spoiler pero por las dudas atenerse sin no la vieron]

Además de la escena pos créditos que está en todas las versiones, en Estados Unidos hay una más- no sé porqué acá se la ahorraron- en donde aparecen todos los vengadores entrandole con ganas a las Shawarmas, esta es una captura de baja resolución donde puede verse la escena.

Calificación: ★★★✩✩
Publicado originalmente en Extracine

Ella dice: The killing

noreply@blogger.com (Paula Pérez) — Mon, 30 Apr 2012 10:53:36 PDT

8/10

Tenemos una afición común mi compañero Ángel y yo (y espero que no se moleste por declarar esto en público) que consiste en ir probando series nuevas (la mayoría de emisión reciente) y, tras visionar los primeros capítulos, decidir si le concedemos el beneplácito de seguirla hasta el fin de la temporada, o bien descartarla como “no recomendable”.

Muchas son las series que empezamos, pero pocas las que concluimos. Algunas (y aunque suene esto un poco presuntuoso, tengo que decirlo) han aguantado apenas un par de episodios. Otras, uno o incluso medio. Y otra -que no voy a mencionar porque tampoco es el objeto de este post (Terra Nova)- ni siquiera llegó a finalizar los créditos iniciales.

No quiero con esto decir que seamos muy exigentes (bueno, quizá un poco), pero el escaso tiempo libre que dispone uno al final del día no está para desperdiciarlo en filmes que no convenzan; que sean meras copias de series más antiguas; que suenen a recauchutados de alguna mala película; o que, pese a que la idea puede ser buena, la deficiente realización o la poca inventiva de los guionistas no dé para más de dos horas de interés. Es difícil, lo admito, hacer una buena serie para televisión. Pero entre la dificultad que encierra encontrar un tema o perspectiva novedosos que capte al espectador, su creador siempre puede apostar a lo seguro, que es coger una serie-tipo y darle su toque personal.

Éste es el caso de The killing. La historia ya la conocemos: un asesinato, un policía que investiga el crimen y un montón de sospechosos posibles sobre los que ir haciendo conjeturas. Es un modelo que funciona, y que gusta, y a poco que se haga con oficio gustará también a los televidentes. Intentar encajar las piezas siempre es divertido, mientras éstas se muestren poco a poco y sin contradicciones.

En The killing sucede todo esto. Rosie Larsen (Katie Findlay), una joven de 16 años, es encontrada muerta en un coche oficial del concejal Darren Richmon (Billy Campbell). En plena campaña para las municipales de la ciudad de Seattle, Richmon se ve manchado por el suceso. La serie deja entrever la apariencia de una conspiración creada para que el concejal pierda dichas elecciones, pero sin dejar de mostrar evidencias donde cualquiera, desde las personas más cercanas a Rosie, pasando por todos los miembros de la campaña de Richmon e incluso por el séquito del actual alcalde Lesley Adams (Tom Butler), puede ser el asesino.

Si he de destacar algo de esta serie es el ritmo, tranquilo y firme, casi a la par que la vida real (cada episodio corresponde a un día tras la muerte de Rosie), donde cabe espacio para apreciar con fidelidad tanto el duelo de la familia, como los pasos de los detectives Linden y Holder (Mireille Enos y Joel Kinnaman, respectivamente), así como las reacciones al suceso en los ámbitos de la política y la sociedad de Seattle. El marcado carácter de cada personaje también está muy logrado y le confiere ese halo de realismo donde todo, cada acto y cada consecuencia, tiene repercusión en los aspectos privado y público de la ciudad.

Si he de destacar algo negativo, diría que abusa de las frases de diálogo vagas e imprecisas y que, además, se recrea en exceso en tramas secundarias que parecen no conducir a ningún sitio. Quizá sea (y es lo que creo) que no tienen otro objeto más que rellenar los 13 episodios de cada temporada, lo cual no justifica el recurso.

De momento, y a falta de siete capítulos para el final de la segunda, hay que reconocer que han sabido retomar el misterio y añadir elementos que mantienen la intriga, así como reincorporar a personajes casi olvidados de la primera. Sólo queda esperar cómo lo resuelven.

Al igual que hicimos en su momento con Laura Palmer en Twin Peaks, hoy nos preguntamos: ¿Quién mató a Rosie Larsen?

De momento, tengo una teoría.

Lee lo que Ángel Jiménez dice de esta serie.

Él dice: The killing

noreply@blogger.com (Ángel Jiménez) — Mon, 30 Apr 2012 10:56:21 PDT

7/10

La crisis de ideas de la industria del entretenimiento audiovisual en Estados Unidos es un hecho que ni siquiera ellos mismos se molestan en esconder. Basada en una serie de televisión danesa de nombre seguramente impronunciable, y con un gancho comercial -“¿Quién mató a Rosie Palmer?”- que busca con más bien poquita sutileza vampirizar el factor nostalgia de los seguidores de Twin Peaks, The Killing consigue sin embargo mantener el tipo y se erige como una de las propuestas más interesantes de la parrilla televisiva yanqui.

Las similitudes entre la mítica serie de David Lynch y esta The Killing son más que evidentes. La trama gira en torno al crimen en extrañas circunstancias de una joven y su consiguiente (y cada vez más compleja) investigación policial. Pero lo que realmente conecta a ambas producciones es el papel protagonista que juega la propia ciudad en la que se desarrollan los acontecimientos, una Seattle de espíritu lánguido y oscuro, lluvioso y deprimente, casi espectral.

Resulta pues casi irónico que sea esta ciudad la que dota de vida y personalidad a los personajes que la habitan, que son a fin de cuentas quienes soportan el peso de una historia que, en honor a la verdad, acaba yendo de más a menos, especialmente en el último tramo de la primera temporada.

El problema con la trama no radica tanto en su calidad (media-alta en todo momento) como en las expectativas generadas por los primeros episodios, que acaban resultando más interesantes por lo que sugieren que por lo que de hecho esconden.

El arranque de la segunda temporada, sin embargo, ha conseguido en mi opinión reactivar con éxito la historia y, al menos hasta donde he visto (el quinto capítulo), introducir suficientes elementos nuevos de interés como para darle vida a la serie hasta su conclusión definitiva al final de la temporada.

A falta de saber cómo terminará, y sin poder realizar, por desconocimiento, comparaciones con el danés original, animo a todos los fans del género negro y policiaco a seguir The Killing, una serie hecha con oficio que estoy convencido cuenta con la aprobación del mismísimo agente Cooper.

Lee lo que Paula Pérez dice de esta serie.

Avengers: Los vengadores de Marvel

noreply@blogger.com (Shaoran Nox) — Fri, 27 Apr 2012 18:53:22 PDT

Hablar de cintas tan comerciales como lo son las películas de cómics siempre resultará un poco injusto, pues aunque la mayoría de las veces resultan ser productos atractivos para los consumidores, al mismo tiempo resultan en gasto excesivo de dinero que no siempre refleja la calidad de la película; y peor aún, siempre será difícil complacer a los miles de aficionados a las historias impresas que buscan fidelidad al momento de la adaptación a la pantalla grande.

El ambicioso proyecto de Marvel comenzó allá por el año 2008 con la producción de Hulk e Iron Man, que, a pesar de ser producciones "independientes", es decir, no tenían nada en común mas que el productor y la casa de estudios (Paramount), las escenas post-créditos de ambas películas nos anunciaban que algo grande se venía: en Iron Man, la aparición de Nick Fury (Samuel L. Jackson) presentando la iniciativa "vengadores" y en Hulk, con el mismo Robert Downey Jr (Tony Stark a.k.a. Iron Man) presentando la misma iniciativa al hombre verde (en ese entonces Edward Norton y reemplazado este año por Mark Ruffalo). Y de ahí nos iríamos con Iron Man 2 (2010), Thor (2011)interpretado por un acartonado Chris Hemsworth y finalmente Capitán América: El Primer Vengador (2011) con un polémico Chris Evans, pues mucha gente se oponía a verlo con el traje rojo y azul al haber interpretado previamente la fallida 4 Fantásticos; donde ya era una completa realidad el ambicioso crossover de todos estos personajes, hablando incluso de un teaser trailer en la escena post-créditos del Capitán.

Muchos creíamos este sueño algo completamente utópico, no por los efectos, porque hemos sido testigos de como la tecnología avanza día a día por la misma creación de estas películas, sino porque, hablar de una película con tantos héroes (X-Men, La liga extraordinaria) siempre termina por convertirse en un filme que no desarrolla por completo a los personajes, que no presenta muchas veces un reto que justifique la unión de tantos héroes, y sobre todo, que el líder siempre termina acaparando toda la atención y los secundarios parecen más de relleno que otra cosa. Sin embargo, Marvel planeó bien cada paso, justificando orígenes y problemas en cada filme individual para llegar al clímax anticipado que hoy nos llega a las salas de cine.

Hay que destacar que, teniendo directores de la talla de Kenneth Branagh en la silla (Thor) o Jon Favreau (Iron Man 1 y 2, y el productor detrás de todo), hasta Louis Leterrier y Joe Johnston; decidieron dejar todo el paquete grande al casi inexperimentado Joss Whedon, que si algo tenía a su favor era ser el fanboy deseoso de participar en algo grande. La cinta, básicamente es un mero pretexto de ver reunidos a los personajes más populares de la casa de cómics, y muchos esperaban simplemente una película al estilo de Michael Bay: explosiones por doquier sin un guión convincente. Pero nada más lejos de la realidad.

La película empieza con adrenalina, para relajarnos un poco mientras nos presentan una verdadera causa que requiera el ensamble de los "héroes más poderosos del planeta", encabezada por un brillante Loki (Tom Hiddleston, quizá el tercer mejor villano en cintas de cómics, el número uno de Marvel por su actuación), cuyo plan es simplemente apoderarse de la tierra con un ejército de aliens (Chitauri) que a cambio piden un precio alto. Es así como, siguiendo el fiel estilo de una película de héroes, empiezan bien, tienen un conflicto interno que resuelven para terminar siendo los que salven el día. Y hasta ahí esperamos una película mediana.

Pero cuando llega el segundo acto es cuando todos nos convertimos en niños de nuevo. Los efectos son simplemente espectaculares, batallas en primer plano sin rayar en lo ideal (nada que no hayamos visto en otras películas) y con una total justificación de actuaciones, explosiones, amenazas y el ensamble de un equipo de gente "disfuncional" con la correspondiente dosis de humor (casi siempre cortesía de un inigualable Robert Downey Jr.) a la que nos tienen acostumbrados. No necesitamos el dramatismo de Nolan para lograr, a mi parecer, la mejor película de Marvel hasta la fecha y la segunda mejor de superhéroes (solo detrás de The Dark Knight, y a la espera de The Dark Knigh Rises).

Entretenida, cómica, espectacular, con un 3D que sirve a la historia y le da, si se puede, un mayor asombro ante la complejidad visual que resulta de la presencia de tantos héroes. Se nota que los actores pusieron de su parte y el director solo tenía que decir acción para que cada uno supiera que hacer en equipo y en sus momentos de gloria (porque todos tienen uno donde lucirse), y que cualquier error de continuidad o incluso en efectos, pase desapercibido. Quizá la única crítica que podríamos encontrar se la dejamos a los puristas sobre todo con lo relacionado a Hulk, Hawkeye (un Jeremy Renner en crecimiento), Black Widow (Scarlett Johansson) y la formación del equipo. Y también a esa falta de liderazgo de Chris Evans que se ve completamente opacado ante Downey Jr. que, por más que lo intentó, Iron Man sigue siendo más genio y figura que el Capitán. Pero cumple, para entretener no solo a los más pequeños de la casa, sino a cualquiera que se jacte de ver una buena película, sea del género que sea.

Calificación:

P.D: Atención con la escena final. ¡Se viene algo aún más grande (si se puede)!

Estrenos del 26 de Abril: Cine extranjero con poco pochoclo

noreply@blogger.com (Pabela) — Thu, 26 Apr 2012 06:04:00 PDT

Finalmente llegamos a un fin de mes con buenas opciones para ir al cine, y si este clima se mantiene en un fin de semana largo como el que nos espera pues qué mejor que ir a las salas en manada. Llega la tan esperada The Avengers, el film que reúne a todos los héroes que nos han hecho conocer por capítulos individuales. Por su parte Shame, la película que dio que hablar a los "miembros" de la Academia sobre el "miembro" de Fassbender, también recala pero con la noticia de que la cadena Cinemark no la proyectará por su contenido altamente sexual, una buena excusa para decirnos que prefieren apostar a la recaudación de los vengadores antes que a este ejercicio fílmico independiente. Asique esto es lo que hay para elegir y si ya viste alguna ¡no olvides dejarnos tu recomendación!:

Los Vengadores

Nombre original: The Avengers
Director: Joss Whedon
País de origen: Estados Unidos
Sinopsis:

Los vengadores de Marvel es la mayor reunión de súper héroes en la pantalla grande. Cuando un inesperado enemigo emerge para amenazar la seguridad mundial, Nick Fury, el director de la agencia internacional para la paz conocida como Shield se encuentra en la obligación de convocar a todo un equipo de valientes para rescatar a la humanidad de un inminente desastre.

Shame: Sin reservas

Nombre original: Shame
Director: Steve McQueen
País de origen: Reino Unido
Sinopsis:

Brandon es un neoyorquino de treinta y pico de años con dificultades para la intimidad con las mujeres pero al mismo tiempo es adicto al sexo y tiene relaciones compulsivamente. En general, siempre citas ocasionales o romances condenados al fracaso de antemano. Cuando Sissy, la caprichosa hermana menor de Brandon y una prometedora cantante, aparece en su casa sin previo aviso y se instala allí, su estilo de vida tan particular y aislado, colapsa y al mismo tiempo, afloran recuerdos del doloroso pasado familiar en común. Tratará de escapar de los reclamos de su hermana y de las memorias que le trae, hundiéndose en lo más oscuro de Nueva York.
Crítica por Pabela

La Fuente de las Mujeres

Nombre original: La source des femmes
Director: Radu Mihaileanu
Países de origen: Francia, Bélgica, Italia
Sinopsis:

En un pequeño pueblo, en algún lugar entre el norte de África y Oriente Medio, la tradición exige que las mujeres busquen agua en la fuente que nace en lo alto de una montaña, bajo un sol ardiente. Leila, una joven casada, propone al resto de mujeres una huelga de sexo: no mantendrán relaciones sexuales hasta que los hombres colaboren en el traslado del agua hasta la aldea.

Pie de página

Nombre original: Hearat Shulayim
Director: Joseph Cedar
País de origen: Israel
Sinopsis:

Es la historia de una gran rivalidad, la que mantienen un padre y su hijo. Ambos, profesores excéntricos que se dedican en cuerpo y alma a su trabajo. El progenitor parece un terco purista que desprecia los parabienes del stablishment mientras que Uriel, su hijo, se esfuerza en la búsqueda de reconocimiento y elogios. Pero un día, las cosas cambian. El veterano maestro pronto será premiado con el honor más valioso que se pueda recibir. El joven se debate entre el orgullo y la envidia. ¿Será capaz de sabotear la gloria de su padre?.

Mientras Duermes

Nombre original: Mientras duermes
Director: Jaume Balagueró
País de origen: España
Sinopsis:

César trabaja de portero en un edificio. Puede que no sea el mejor trabajo del mundo, pero la verdad es que no lo cambiaría por ningún otro, ya que su trabajo le permite conocer a fondo a todos los inquilinos del inmueble, sus movimientos, sus hábitos. Desde su posición resulta fácil controlar sus idas y venidas, estudiarlos, descubrir sus puntos débiles, sus secretos. Si quisiera podría incluso controlar sus vidas, influir en ellas como si fuera Dios, abrir sus heridas y hurgar en ellas. Y todo sin levantar ninguna sospecha. Porque César tiene un secreto, un juego particular: le gusta hacer daño, mover las piezas necesarias para crear dolor a su alrededor. Y la nueva vecina del 5ºB no deja de sonreír. Entra y sale cada día radiante y feliz, llena de luz.Así que pronto se convertirá en el nuevo objetivo de César. Un reto personal. Una obsesión. El juego de César va a empezar a complicarse más de la cuenta. Pronto se volverá impredecible. Peligroso. Si no tiene cuidado, incluso podría volverse contra él.

Crítica por Shaoran Nox

El Último Elvis

Nombre original: El útimo Elvis
Director: Armando Bo
País de origen: Argentina
Sinopsis:

Un hombre (John Mclnerny) vive en un olvidado barrio de Buenos Aires como si fuera la reencarnación de Elvis Presley. Ya a punto de llegar a la edad que Elvis tenía al morir, la decisión de seguir a su ídolo hasta el final y la lucha por evitar que la realidad se le venga encima, lo embarcarán en un viaje de locura y música.

Para más información no olvides visitar Todas las Críticas donde encontrarás los tráilers de cada film, sus puntajes promedio y las críticas de todos los medios !!

MATANZA. Una película de Roman Polanski.

noreply@blogger.com (Óscar Perdomo León) — Wed, 25 Apr 2012 16:44:00 PDT

Si juntamos en una casa, casi en su totalidad en la sala de estar, a cuatro personas, y hacemos de esa escena toda una película, cualquiera pensaría que se trataría de un aburrimiento total. Sin embargo, si les dijera que en esa habitación se juntaron a cuatro grandes actores y les dieron una gran obra dramática salpicada con toques de comedia (y de la cual no habría una gran diferencia en esencia si se presentara como obra de teatro o como un largometraje de ficción), entonces quizás pensarían dos veces antes de sacar conclusiones prematuras. Les aseguro además que en ningún momento tampoco se tiene la sensación de claustrofobia, aun cuando casi todo transcurra en una sola habitación.

La película “Matanza”, que vio la luz en el año 2011, fue dirigida por Roman Polanski y está basada en la obra de teatro “El dios de la matanza”, escrita por la dramaturga, actriz y novelista francesa Yasmina Reza, y toda la trama se origina y gira alrededor de una pelea entre los hijos de las dos parejas de esposos formadas por los cuatro protagonistas.

Uno de los muchachos ha golpeado con un palo la cara del otro, destrozándole un par de dientes e hinchándole los labios. Kate Winslet y Christoph Waltz son la pareja de esposos cuyo hijo usó un palo como arma, y han ido a la casa de Jodie Foster y John C. Reilly a tratar de arreglar de una manera civilizada el problema. Sin embargo, en el transcurso de la charla amistosa y educada que se establece entre ellos, las ideas sobre la moral y la ética van saliendo a la luz, con lo cual salen a relucir las diferencias más extremas entre ellos, como su visión del mundo o sus dilemas conyugales. La charla educada y serena, se transforma en una lucha de ataques e insultos altisonantes. Entonces las causas de la pelea y la conducta de sus hijos no parecen ya tan descabelladas.

La película es una verdadera obra maestra, sostenida en las actuaciones de Kate Winslet, Christoph Waltz, Jodie Foster y John C. Reilly, actuaciones que son impecables, y en el argumento y en los diálogos sumamente interesantes.

“Matanza” es una de esas películas que uno no debe perderse.

Sobre la película CAMINO. 7/10

noreply@blogger.com (Analía Casero) — Tue, 24 Apr 2012 05:02:43 PDT

Camino

España, 2008. 143’.

Dirección y guión: Javier Fesser

Intérpretes: Nerea Camacho, Carmen Elías, Mariano Venancio, Manuela Vellés.

Casi una experiencia religiosa

Camino cuenta la historia de una niña, cuya vitalidad se ve truncada por una grave enfermedad, pero sobre todo por un entorno religioso asfixiante.

Para realizar Camino, El director español Javier Fesser tomó como punto de partida la historia verídica de Alexia González Barros, la hija menor de una familia perteneciente al Opus Dei, que falleció en 1985 a los 14 años de edad, y que actualmente está en proceso de canonización.

El realizador al dedicarle la película a Alexia suscito una gran polémica, especialmente con los familiares de la joven ya que no creen que la película refleje lo que ella paso. Así, han escrito una carta abierta en respuesta a Camino y en ella expresan declaraciones como la siguiente: “El director Javier Fesser en una de sus cartas escribe que “a vuestra hermana Alexia le gustaría” la película, ¿cómo puede sostener eso cuando la retrata ridículamente a ella misma y a quienes ella más quiso: sus padres y su única hermana; y se burla de Dios y de aquello en lo que creía?”. Uno de los hermanos de Alexia ha afirmado que los aplausos que se ven en la película al morir la niña son enteramente ficcionales. Según el propio Fesser, Camino está basada no sólo en el caso de Alexia, sino también en otros casos reales. La Oficina de Información del Opus Dei también dio su opinión publicando una nota en la que afirma que la película ofrece una visión del Opus Dei “muy alejada de la realidad que deforma temas esenciales como las actitudes y sentimientos que mueven a quienes forman parte de esta realidad de la Iglesia”. Fesser tiene"la absoluta convicción de que nada de lo mostrado debería disgustar al Opus Dei, y si así fuera no sería por culpa de esta película", la única crítica posible a la organización desde su punto de vista es que "considere haber encontrado la verdad y se empeñe en venderla".

"He mostrado argumentos de todas las posturas ya que mi opinión al respecto no interesa a nadie ni me interesa a mí mismo como autor", asegura el director, que en Camino muestra cierto "aprovechamiento de un dolor que no se puede reparar y que no es provocado, pero que utiliza para otro tipo intereses. No corresponde a la película decir si esos intereses son saludables o no".

En Camino no hay "crítica ni burla", asevera el director, quien comprende que "cuando se ve el dolor como algo redentor, algo que te hace sentir privilegiado, es fácil encontrar la parte sobrenatural en ello, aunque la grandeza de Camino esté en su naturalidad a la hora de enfrentar la muerte".

El libro sobre la niña que llevo al director a interesarse por su historia no fue Alexia (escrito por el capellán de la Clínica Universitaria de Navarra) sino el de María Victoria Molins; el cual se escribió antes de iniciarse el proceso de beatificación y de despertar el interés del Opus Dei en el caso.

Pero cuando a Fesser lo acusan de estereotipar al Opus y convertir a sus miembros en seres monstruosos, él contesta mostrándoles a sus críticos fragmentos de la biografía de Alexia que no usó en la película. Por ejemplo: “Tres días antes de morir, sumida en un dolor de cabeza insoportable, se le obstruye la garganta y el médico de guardia de la Clínica Universitaria de Pamplona acude a la habitación. Esta es la conversación: ‘Lo estás pasando mal, ¿verdad Alexia?’. ‘Sí, doctor.’ ‘Ofrécelo por el Papa’”. O: “En la habitación, cuando el dolor es intenso o el malestar mayor, su madre dice despacio en voz alta una oración, que es el punto 208 del libro Camino: ‘Bendito sea el dolor, amado sea el dolor, santificado sea el dolor. ¡Glorificado sea el dolor!’”.

La eterna dicotomía entre fe y razón sustenta esta cinta, en la que el director de El milagro de P. Tinto intercala un ambiente familiar sobrio y marcado por la educación religiosa con el reducto onírico en el que se refugia la joven protagonista, encarnada por la increíble Nerea Camacho, la escogida por Fesser entre una selección de más de 500 aspirantes.

Una ambición visual hecha de "múltiples e inconscientes referentes estéticos" es el instrumento escogido por Fesser para crear este mundo de los sueños con el que representar "cómo una niña puede enfrentarse a sentimientos complejos sin la madurez necesaria y, en este caso concreto, sin la libertad moral para expresarlos".

En la película se muestra, según palabras del director, "de un modo explícito y directo el contraste entre la salud del cuerpo y la salud del alma".

El título de la película no es para nada casual ya que Camino es el nombre que pertenece al libro de referencia para los seguidores del Opus Dei que escribió su fundador José María Escrivá de Balaguer en 1939.

La película tiene un pie en la más descarnada realidad (los primeros e impresionantes planos de las operaciones, el retrato de la rutina aniquiladora de la casa en la que vive la hermana mayor de Camino, el sufrimiento de una madre, la rebeldía nunca manifestada de un padre) y otro en la fabulación extrema (encuentros familiares en una idílica playa, charlas con Mr. Meebles, persecuciones de un ángel guardián aterrador, sueños de cenicienta). Los fragmentos oníricos de Camino permiten oxigenar el clima intensamente dramático de la historia.

Camino está enamorada de Jesús, el primo de su mejor amiga y el perfecto príncipe para un clásico cuento de amor.

Camino se vincula con dos películas recientes: La decisión más difícil y Desde mi cielo, ya que en ellas se cuenta la historia de jovencitas descubriendo el amor y enfrentándose a la muerte y que tienen su propio mundo funcionando.

En las dos horas y media que dura el film es inevitable que se experimenten sentimientos cruzados y que no aparezcan nudos en la garganta; pero a pesar de todo esto y de que algunas de las críticas y vueltas de tuerca que utiliza resulten un poco exageradas, es una historia que plantea una visión y que por lo mismo invita a pensar y a discutir.

Na nana nana liiiiderrr o como no meterse con Liam Neeson

noreply@blogger.com (Pabela) — Sat, 21 Apr 2012 21:20:24 PDT

Para hablar de una película como The Grey supone subordinarse siempre a la dualidad de los aspectos: el visual y el argumental, lo creíble y lo inverosímil, la finalidad o su mensaje. Joe Carnahan sabe muy bien cómo manejar los recursos de la acción, ya en Narc o en la disparatada Smokin’ Aces supo demostrarlo. Sin embargo si en aquellas tenía en claro qué estaba contando, en The Grey vaga entre un excelente film de supervivencia y un drama humano con infructuosos tintes poéticos. Carnahan intenta ir más allá de lo que el film debiera de pretender, presiona por demostrar aquello que la propia situación sola ya demuestra, como pasa en la mayoría de los buenos films de este tipo: el hombre lucha todo el tiempo, como cualquier otra criatura sobre la Tierra, por sobrevivir.

Si el film sale medianamente airoso es porque su factura es realmente impresionante, es uno de esos films que debieran verse en pantalla grande, que sabe cómo mantener la tensión, que recurre al impacto visual bien logrado haciendo que el espectador no se aburra aun cuando lo que se cuenta esté plagado de baches y situaciones realmente inverosímiles. Es un film entretenido, sí, pero que dejará mayor sabor de boca cuanto menos preguntas se haga el espectador sobre qué se está contando. Es que películas sobre hombres que luchan por sobrevivir al medio salvaje al que caen por accidente, hombres que luchan contra climas intempestivos y violentos, hay muchos. Pienso ahora, por ejemplo, en The Edge y si bien podría tener escenas un tanto hiperbólicas lo cierto es que terminaba siendo un film creíble desde que las amenazas del medio eran variadas y verosímiles. En The Grey parecería que la única amenaza es una manada de lobos asesinos, tan pensantes como un ser humano, más cercano a un film de ciencia ficción que a una verdadera experiencia salvaje.

Lian Neeson dará durante todo el film incontables explicaciones sobre el comportamiento de estos animales para dejar bien en claro lo que Carnahan cree que no entenderemos, el macho alfa, el líder, es quien imperará. O Neeson o el lobo por lo que de ahí en más podemos intuir casi todo el resto de la película. Esto, insisto, no sería un problema si el film cumpliera con un cometido único, ser una excelente película de aventuras, un film que aun cuando derrocha tópicos y personajes estereotípicos, es efectivo por la tensión que crea; pero los elementos dramáticos con los que el director intenta dar profundidad a la historia terminan cortando los climas bien logrados, provocando muchas veces el revoleo de ojos del espectador que después de todo quiere saber cómo este grupo saldrá del laberinto blanco al que han caído por desgracia.

Pensamientos sobre la fe, Dios y la familia terminan siendo distracciones con las que adornar un relato que de por sí ya pintaba interesante sin necesidad de que se nos quiera provocar la lágrima o la reflexión facilona. The Grey, Infierno blanco o El Líder para Hispanoamérica, bien podría funcionar mejor como una historia más del hombre contra el medio hostil de la naturaleza, un film que reafirmaría, con un guiño de ojo, aquello de que mejor no meterse con Neeson. Tanto se ha destacado de su actuación aquí, que pensé que estaría ante un film diferente, sobresaliente. Lejos de eso, esta cinta es una más, sí, pero lamentablemente no destaca.

¿Estoy diciendo que The Grey es mala?, no; simplemente estoy destacando que se disfrutará más si vamos con bajas expectativas, sabiendo que ante todo es un certero film de acción, exagerado y bien realizado- increíble que casi no se haya usado efectos especiales en cuanto a lo climático, dicen que lo difícil de esta realización fue justamente hacerla bajo las tormentas de nieve reales- sin embargo no pidamos una historia sólida, mucho menos una relato que cierre.

Calificación:
Publicado originalmente en Extracine

¿POR QUÉ HA GUSTADO TANTO LA SERIE SALVADOREÑA “CAPITÁN CENTROAMÉRICA”?

noreply@blogger.com (Óscar Perdomo León) — Tue, 17 Apr 2012 07:29:05 PDT

La serie CAPITÁN CENTROAMÉRICA es una parodia, realizada por salvadoreños, de la caricatura estadounidense Capitán América.

En septiembre de 2011 apareció en YouTube el primer capítulo de esta interesante serie que ha captado la atención de un amplio público salvadoreño, especialmente de la audiencia que navega con frecuencia en el mundo virtual del Internet.

Quizás lo primero que hay que decir es que en esta serie participa, como actor, el cineasta salvadoreño André Guttfreund, quien es miembro activo de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Los Estados Unidos, y es, además, ganador del Oscar de 1976, por dirigir el cortometraje ”En la región del hielo”.

Lo segundo que tendría que decir es que el CAPITÁN CENTROAMÉRICA es una producción de bajo presupuesto. (Hay que aclarar que en El Salvador es muy difícil conseguir presupuesto para una producción cinematográfica, a diferencia de otros países de la región americana.)

Pero… ¿por qué ha gustado tanto el CAPITÁN CENTROAMÉRICA?

La primera respuesta a nuestra interrogante, para mí, sería que la serie tiene una calidad bastante buena.

Pero no sólo la evidente calidad es la que gusta a la gente, es también la comicidad que baña buena parte de cada uno de los guiones. Todos los actores y actrices han sabido cargar muy bien con el humorismo y con el rol que se les ha asignado. Y me agrada que no partan de la vulgaridad para hacer reír. Más bien nos reímos de nuestra cotidiana idiosincrasia. Además, las actuaciones son buenas y convincentes.

Otra cosa importante que creo que es importante para que esta serie haya cautivado al público es una cosa muy básica del séptimo arte: El cine es un espejo de la sociedad y a los salvadoreños nos ha gustado mucho vernos reflejados en la pantalla (aunque sea en la pequeña pantalla de una computadora). Ver rostros familiares, escuchar hablar sobre comidas muy nuestras y oírlo con el acento tan típicamente salvadoreño es algo que necesitamos los salvadoreños. Vemos en la pantalla el rostro del Capitán Centroamérica y de sus ayudantes (el Mudo y Marimba) y nos reconocemos.

Además, el hecho de mirar unidos a nuestros países, en la gran patria centroamericana –el sueño de Francisco Morazán- es algo que muy en el fondo nos agrada, nos hace vernos más grandes y fuertes; quedan atrás las divisiones absurdas y las peleas inútiles entre hermanos centroamericanos.

Sin embargo, me parece que el punto medular del éxito del CAPITÁN CENTROAMÉRICA, es que los salvadoreños saboreamos la justicia, aunque sea por un momento y aunque sepamos que no es de verdad, disfrutamos realmente de ver por fin a alguien impartiendo justicia. Al CAPITÁN CENTROAMÉRICA lo amamos porque tiene un sentido de servicio hacia el prójimo que vemos como algo raro y perdido entre los que se supone que deben tenerlo.

La frustración que el pueblo salvadoreño siente con respecto a sus políticos, la indignación que siente hacia la corrupción, la angustia y el temor que experimenta a diario debido a la violencia y a las extorciones, se ve todo solucionado por un superhéroe nacido del pueblo, un hombre agradable que deja el egoísmo a un lado y piensa en alguien más que sí mismo.

Esa es la clave principal. El CAPITÁN CENTROAMÉRICA personifica la justicia que tanto necesitamos en nuestro país.

Pero aparte de todas estas impresiones personales, quiero decir que mi alegría se suma a la del pueblo salvadoreño, al ver surgir una serie nacional tan emocionante. Felicitaciones para Andrés Díaz (guionista y director) y para todos los que han participado de una u otra manera en ella.

Para finalizar, para quienes no lo hayan visto, los dejo con el capítulo dos del CAPITÁN CENTROAMÉRICA, que me parece que muestra muy bien de lo que les he estado hablando.

Rec 3: del terror a la comedia

noreply@blogger.com (Shaoran Nox) — Sat, 14 Apr 2012 20:08:03 PDT

Hablar de Rec y Rec 2 es hablar de un género de terror que se había olvidado hace algunos ayeres, y cuya fórmula copiaron muchas películas como actividad paranormal, o de las más recientes con el diablo adentro; por no hablar del remake americano, Quarantine, que no tuvo tanto éxito como la fórmula original. El estilo found footage cautivó al mundo entero al hacer una película que empezaba como un trabajo rutinario de una reportera hasta transformarse en un sitio de cuarentena absoluta en un edificio plagado de entes deseosos de carne humana. Sosteniéndose al principio como si de un documental o un video real se tratara, Rec se ganó reconocimientos por igual de la crítica y el público, generando una ola de terror como pocas veces se ha visto en éste tipo de películas.

Aunque Rec 2 no generó el mismo entusiasmo por parte de sus fanáticos, sobre todo por ese final controversial en el que (spoiler) los zombies no eran sino meras posesiones demoniacas investigadas en secreto por la iglesia y salidas de control debido a la negligencia del padre investigador (spoiler), aún continuábamos entusiasmados por la tercera parte que, ante un trailer prometedor, parecía que tendríamos una nueva entrega de sustos.

"Joder, ¿tan mal nos quedó?"

Dirigida por Paco Plaza, quien formara mancuerna con Jaume Balagueró para la primera parte, pero quien ahora se encuentra en la pre-producción de Rec 4 (si, habrá una cuarta parte), empieza lenta, incluso confundiendo a muchos sobre un posible error en el proyector del cine (yo también caí), como el video de una boda (lo que se nos promete desde el trailer) y seguimos con la cámara en mano, para después pasar a la acción en una primera media hora cansada, convirtiéndose en un filme real. Y esto lo menciono porque se abandona el recurso del aclamado found footage que añade mucho suspenso, y aunque entre sus ventajas podemos destacar que la acción se aprecia de una forma mejor y ya no marea tanto como en las primeras dos entregas, lo cierto es que se extraña el recurso, pues ese suspenso adicional, se pierde; de ser un personaje más en la historia, se abandona y nos deja un extraño sabor de boca, como si estuviéramos ante una película de terror tan mala como la que más.

Clara y Koldo, los novios, se convierten en los protagonistas, tratando de encontrarse uno al otro en medio del apocalipsis zombie. Pero esta dualidad termina por convertirse en un romanticismo completamente fuera de lugar, dando origen a situaciones tan cómicas que uno se pregunta si lo que planeaban era seguirnos asustando o hacerla mucho más ligera para un público más amplio.Cualquiera que haya sido su intención, lo que en las primeras dos partes de la saga nos parecía lo suficientemente real y terrorífico, se convierte en un producto de juguete, endeble, sin pies ni cabeza, como si fuera una mala parodia americana de esas que están de moda en los últimos años. Y peor aún, con un final que realmente no deja con ganas de más, tan sobreactuado (considerando que toda la película es bastante sobreactuada), con añoranzas o referencias, como uno prefiera verlo, a películas como Resident Evil, o hasta cierto punto Zombieland, pero sin definirse si su intención era hacer una verdadera continuación de la saga, o contar sólo una historia paralela con algún detalle con el que podamos hacer la conexión con las precuelas. Es más, el título génesis ni siquiera es por referirse al verdadero origen de la plaga, dejando esto como un misterio y tener un pretexto para seguir sobreexplotando la saga (porque con esta última entrega pareciera que es lo que pretenden: sacar dinero gracias a la buena fama de las dos primeras).

Si le regalo la segunda estrella es porque los efectos todavía siguen teniendo calidad y hay un par de escenas de asesinato que siguen valiendo la pena (mención especial para la escena de la sierra que no defrauda). Pero en general, una película que sólo recomendaría si su acompañante es lo bastante asustadizo o intolerante a la sangre para hacerle pasar un rato de sustos. No más.

Calificación:

THE ARTIST. Una película de Michel Hazanavicius.

noreply@blogger.com (Óscar Perdomo León) — Fri, 06 Apr 2012 11:36:25 PDT

Los que nunca hayan visto un largometraje cinematográfico en blanco y negro, y, además, mudo, se preguntarán cómo es posible que una película así le pudiera gustar a alguien. Pues bien, una respuesta perfecta a esa pregunta sería “The artist”, la gran ganadora del Oscar como mejor película de este año 2012, escrita y dirigida por Michel Hazanavicius.

No terminará defraudado el que vea esta película, que es básicamente una historia de amor, de lucha, de éxito y caída, de amistad y orgullo, todo en medio de la industria hollywoodense entre las décadas de los ‘20 y los ’30 del siglo XX.

La película, hecha en pleno siglo XXI, es también un gran homenaje a las grandes producciones de cine mudo de los inicios del siglo XX.

De principio a fin, esta obra de arte lo mantiene a uno entretenido, mezclando escenas cómicas, con otras de tristeza y otras emociones diversas. No se necesitan palabras más que las que salen escritas de vez en cuando en los clásicos cuadros de fondo negro.

Hay tres grandes protagonistas en esta cinta: George Valentin (protagonizado por Jean Dujardin), Peppy Miller (Bérénice Bejo) y la música. Valentin es una estrella del cine mudo, el más grande, admirado por todo el mundo; sin embargo, cuando llega la era del cine sonoro, es despedido por los estudios; a partir de ahí, la vida de Valentin empieza una caída en avalancha hasta tocar fondo. Peppy Miller, que es una joven común y corriente que conoce a Valentin cuando éste era una gran estrella, empieza su carrera como actriz gracias a la ayuda de él, hasta alcanzar el estrellato en pleno inicio del cine sonoro. Ella, ya siendo rica y famosa, no se olvida de su mentor y en todo momento trata de ayudarlo a salir de su desgracia.

Ahora bien, la música juega un papel preponderante en esta película. Podríamos decir que la música es el lenguaje de los actores, de las escenas de grandeza y de alegría, así como de las de depresión y desdicha. Fue compuesta, con pequeñas excepciones, por Ludovic Bource.

Es de hacer notar también la relación de amistad y de respeto que se establece en la historia entre Valentin y su chofer (protagonizado por James Cromwell). Hay escenas muy conmovedoras entre ellos.

Las actuaciones. Por un lado, la actuación de Dujardin le valió ganar como mejor actor en Cannes y un Oscar como mejor actor del año. Su actuación es realmente impresionante y en más de una ocasión le arranca las lágrimas al público. A mi parecer, Bérénice Bejo no se queda atrás en la calidad de su actuación. (Quizás si Bejo no hubiera tenido que competir contra la gran actuación de Meryl Streep en “La dama de hierro”, quizás hubiese tenido más posibilidades de ganar).

También la mascota de Valentin, un pequeño perro simpático, nos brinda escenas de ternura, de actuaciones de fidelidad a su amo y hasta de heroísmo.

Para quien no haya visto aún “The artist”, le recomiendo que lo haga. Es una experiencia realmente inolvidable.