好青年的音樂清單

13Lefty《悲傷五部曲》：找的是愛，還是熟悉的痛？

2026-10-11T00:36:47.036+08:00

社恐創作歌手 13Lefty 在 9 月 4 日推出EP《悲傷五部曲》。五首歌以電子流行、Hip-hop寫一段關係裡的逃避、否認、依賴、推開與懷念；主打〈拜託你不要喜歡悲劇成癮的我〉MV 觀看已破十萬。她說，社恐的人把歌寫完，不是為了躲起來，是為了被聽見。

這張 EP 同時是概念專輯《圍城》的先行作品。標題下的法文「RÊVERIE」指白日夢、出神，以及還沒被叫醒的恍惚。五首歌先前已陸續出現在YouTube，像一頁頁深夜日記；收進同一張作品後，13Lefty 才發現，不同的人、不同的離開，問的都是同一句：「愛我好嗎？」

我在不同的時間寫下這五首歌，以為它們在說不同的感情。後來才發現，我只是替同一件事換了不同的名字，用不同的人、不同的離開方式，尋找一樣的東西。

五首歌，五種悲傷的發生方式

開場曲〈對不起我把你埋葬在海邊的紫色花海〉從逃避開始。紫色花海被寫成一段無法盛開之感情的墓地——月光、大海，以及只能在夢裡擁抱的人。她原以為，只要找到一個沒有別人、沒有明天、也不必回答問題的地方，就能和對方一起逃。

到了〈如果不愛你就好了〉，逃避轉成自我懷疑：愛上的究竟是對方，還是那個過於相似的倒影？當一個人必須透過另一個人，才能相信自己值得被愛，對方離開以後，又該怎麼回到自己？

第三首〈D4U〉把依賴推到近乎獻祭。從 I'll lie for you 到 I'll die for you，表面是義無反顧，底下卻是一次次取消自己的需要，只為換取被留下的可能。

第四首〈拜託你不要喜歡悲劇成癮的我〉整首都在說反話。嘴上是「不要喜歡我」「你應該去擁抱陽光」，沒說出口的其實是：即使我會傷害你，即使最後可能失去彼此，也請你不要走。

13Lefty 並不把「悲劇成癮」解釋成享受痛苦，而是：當痛反覆出現，就慢慢被誤認成深刻、真實，甚至被當成愛本身。

終曲〈Nostalgia〉把音量降下來。凌晨的房間、沒出現的訊息、在不同人身上重疊的舊身影，都指向同一句：“Why does it still feel like home？” 輪迴難停，未必是還愛著某個人，而是那份痛已經長成熟悉的形狀。

不給標準出口，把空白留給聽眾

《悲傷五部曲》沒有安排療癒或告別的句點。13Lefty 比較想呈現的是：一個人如何反覆逃開、依賴、推開，又走回同一種痛裡。

我沒有要在最後告訴你答案，因為我也還沒有答案。但我希望有一天，我們都不用再從痛苦和悲劇裡尋找愛，也不用靠其他人證明自己的存在。

這張 EP 最後留下的，仍是那個近乎哀求的願望——這樣的我，也可以被愛嗎？其餘沒有被說明的部分，她選擇交給聽眾，放進各自的故事裡完成。

關於 13Lefty

13Lefty 是擁有迷幻聲線的新生代創作歌手，音樂融合電子流行、Hip-hop 與 Hyperpop，把幾乎不敢出口的細膩情感寫進強烈節奏。私下深受社交焦慮困擾，卻始終想被認識、想被聽見，也想站上那座自己會害怕的舞台；詞曲、編曲、錄音到混音幾乎一手包辦，用作品把自己堆成一個聽得見的人。

害怕靠近人群的人，一直在準備上台。這一次，13Lefty 選擇先用音樂靠近你。

照片提供/ 我宅有限公司

【專訪】邱淑蟬 EP《無爭》：鬆開束縛，練習活出自己的速度

2026-10-08T19:23:08.571+08:00

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從「如果媽媽也寫日記」開始，邱淑蟬寫下了這張全新的 EP《無爭》。

三首作品從不同角度觸碰成長、界線與自由，也延續她對自身生命經驗的凝視。在創作裡一點一點重新認識自己，也重新理解那些曾經困住我們的東西。

這次再度與蕭賀碩合作，三首歌也在不同聲音與情緒之間展開各自的風景。從迷濛、拉扯，到逐漸鬆開，最後留下的，是一種屬於自己的生命速度。

而當我們談到「自由」時，究竟要先放下什麼，才能真正成為自己？

一起聽邱淑蟬聊聊《無爭》，以及那些關於成長、母親、客語與音樂的故事。

Q1：在介紹〈跼〉時妳說最一開始的用意是：「希望我們永遠不會因為年齡、身份、經歷，而限制了快樂的方法。」妳覺得我們是在什麼時候，開始用這些無形的框架把自己關起來的？妳最近有沒有做過什麼覺得此生無憾的快樂小叛逆？

邱淑蟬：每個人開始有偶包的時期不太一樣，時間點不太確定，但提醒我卸下偶包的契機，是在出社會後遇到的主管，我們會笑他 30 幾歲還很幼稚，他會沾沾自喜地跟我們說：「我心中住了一個 17 歲的青少年」，我很嚮往他那樣的自由自在，成熟智慧和幼稚幽默並存的態度。

八月初去馬來西亞演出，帶了 switch 不過沒多帶搖桿，為了跟大家一起窩在客廳打電動，就在空檔衝去買了搖桿，連續三天無論行程多晚都要打一兩場才睡，我覺得十年過後想起這次的演出回憶，switch 搖桿一定至少排前三，這樣印象深刻的美好回憶竟然只花台幣 2000 塊（還有一點點熬夜的肝）！

還有還有！！因為沒量好電梯尺寸，朋友送的沙發塞不進去，抱著「一起創造難忘的回憶吧」的心情，和男友把 210 cm x 91 cm x 81 cm 的實木沙發搬上 13 樓，心情好後悔又好痛快哈哈哈！

Q2：這張 EP 的創作靈感來自妳寫日記時，突然想到「如果媽媽也寫日記」。在妳動筆寫歌的過程中，有沒有哪一個瞬間，妳突然覺得自己「真正讀懂了媽媽」？

邱淑蟬：我覺得我永遠無法讀懂媽媽。她長在沒有選擇的年代，21 歲結婚、成為母親、扶養四個小孩，而我到 29 歲還能繼續探索自己的心之所向，我們小孩經常拋出「你就做自己啊」，但其實這句話對媽媽沒有意義，如果他知道他自己是誰，他怎麼不會去做呢？所以後來我決定要帶媽媽去「找自己」，去體驗他以前沒機會經歷的事情，ex：去網美咖啡廳（大笑）也許在這個過程中，我也能越來越理解她的束縛和壓抑吧。

Q3：EP 的第二首歌〈扭緪〉描寫的是自我意識萌芽，開始練習重新劃定界線。在現實生活中，說出拒絕往往是最難的一件事。淑蟬自己是在哪一個轉折點，學會了「扭緪」去向外對抗、重新安放自己？

邱淑蟬：出社會以後的成長，很大一部分來自我遇到的人，第一張專輯的製作企劃小隊：小碩、楚芳、啟原，有不足時他們願意和我說真話，並且陪伴我變成更好的模樣，我也在過程慢慢建立了對自己的信心，所以也許不是一個「轉折點」，而是「一段期間」，回頭望時才發現那個不敢與人眼神對視的幼鳥，越來越敢表達自己的聲音。

Q4：這次〈扭緪〉邀請了大象體操鼓手涂嘉欽參與編曲以及鼓的錄製。妳曾提到這是「嘉欽先給一個大概的 beat 妳才開始創作」的「節奏先行」作品。這種被強烈節奏帶領的創作初體驗，有沒有幫妳衝破那些被關起來的想像力？有讓妳在音樂裡變得更「叛逆」一點嗎？

邱淑蟬：我記得隨著嘉欽 demo 寫完這首歌的心情是「痛快」，如果是我自己出發的創作，很難有這麼明確和有力量的動態，所以確實是衝出了自己創作的限制和想像力。

Q5：從〈跼〉的迷濛、〈扭緪〉的拉扯，到〈無爭〉最後走向更開闊的自由。這次在編曲上，你們是怎麼用不同的聲音與樂器，去呈現歌曲各自的情緒與故事？

製作人蕭賀碩：

〈跼〉– 小節線模糊，說話般的人聲 phrasing，交纏的電吉他，從線性的中心軸展開，像光束一般直射，微帶光暈到漸漸放射。最後加入的鼓組用節奏伴著合唱，從迷濛走向開放，是家族一起送走父親的心境。

〈扭緪〉– 節奏組代表父母，電吉他是子女。節奏組相互配合、較量、輔助與未必按照牌理。人聲 humming 帶出歌名。最後的副歌子女大聲說出主張，減慢的鼓組是漸緩的腳步。有個架構在錄音室 jam 出來。

〈無爭〉– 跟 demo 的氛圍不同，淑蟬在老家的自彈自唱裡，我聽到不自覺的憤怒。客語跟中文的「無爭」幾乎是相反的意思，想要把這份反差做在編曲中。希望有一天作為女性生理上的、社會性的、自己給的各種束縛，尤其是媽媽們，都能像電吉他的 riff 一樣，抓住耳朵，活出自己的人生速度，跳自己的 disco，跟與生俱來的開放不一樣，那是經過淬煉跟挫折的勇敢，是能夠同理別人的自由。

Q6：經歷了首張專輯《繭的形狀》所獲得的關注，這次妳再度與蕭賀碩老師合作，兩人在錄音室裡的互動有沒有什麼改變？小碩老師這次有沒有給妳什麼音樂啟發？

邱淑蟬：我和小碩在第一張專輯後就一直保持很緊密的聯繫，很多音樂、成長、情感上的困惑與煩惱，都會想和他討論，所以當《無爭》的創作出來時，我幾乎不需要解釋，他就能理解創作背後的糾結與故事，這讓我們在進錄音室配唱時非常有效率，很快就能接到彼此的球！

Q7：淑蟬自己現在在日常生活中，如果感到被束縛時，妳有什麼專屬的方法可以分享給大家？

邱淑蟬：找個安靜的地方想些快樂的事，例如說我很常幻想，等等，我覺得我們可以說是「思考」，思考自己發票中 1000 萬，扣掉印花稅和所得稅後要怎麼分配，或是要買什麼樣的房子、怎麼裝潢，我相信心想事成這個成語是有力量的。（一臉正經講屁話）（怎麼辦在括弧打字是不是很 LKK）（但我無法控制）（光用想的就好開心）

Q8：音樂給人力量，對妳來說，客語給了妳什麼樣的力量與超能力？

邱淑蟬：在客語創作的過程中發現，原來「美濃」有屬於自己的腔調和用字，隨著和不同腔調的客語創作者交流，才體會到用母語創作已經很不容易，能保留自己家鄉的腔調更令人感動！也許有一天，我們真的再也說不到客語，但至少我用音樂留下了可以考古的聲音和記憶，只要想到這個，我就覺得自己在做一件很值得的事情。

Q9：接下來即將迎來巡迴專場演出，妳最期待在現場與歌迷產生什麼樣的連結？

邱淑蟬：如第一張專輯的願望——希望大家在某些時刻，能被我的創作陪伴到。

Q10：最後，可以分享妳最近重複播放、能讓妳感到自由的幾首私房歌曲嗎？

邱淑蟬：單依純〈我管不住我自己〉、鄭宜農〈人如何學會語言〉、Olivia Dean 〈Man I Need〉

[Interview] Shuchan Chiu on Her New EP Metamorphosing

Letting Go of Constraints, Learning to Live at Her Own Pace

It all began with the thought, “What if my mother kept a diary?” From there, Shuchan Chiu began writing her new EP, Metamorphosing.

Across its three tracks, the EP approaches growth, boundaries and freedom from different perspectives, continuing Chiu’s ongoing reflection on her own experiences. Using music as a way to gradually rediscover herself, and to better understand the things that once held her back.

Reuniting with producer Shuo Hsiao, the three songs unfold through distinct sounds and emotional landscapes. From a sense of uncertainty and tension to gradually letting go, what remains is ultimately a pace of life that belongs entirely to her.

But when we talk about “freedom”, what do we have to let go of before we can truly become ourselves?

Shuchan Chiu shared with us about Metamorphosing, as well as the stories of growth, family, language and music behind the EP.

Q1: When introducing “跼”, you said its original intention was: “I hope we never let age, identity or experience limit the ways we find happiness.” When do you think we start putting these invisible frameworks around ourselves? Have you done anything recently that felt like a small act of rebellion you’ll remember for the rest of your life?

Shuchan Chiu: I think everyone develops their own sense of self-consciousness at a different age, so I’m not sure exactly when it happens. But one person who reminded me to let go of that was a manager I had after entering the workforce. We used to laugh at him for being so childish in his thirties, and he would proudly tell us, “There’s a 17-year-old teenager living inside me.”

I really admired that sense of freedom, the way he could be mature and wise while still being childish and humorous at the same time.

When I went to Malaysia for a performance at the beginning of August, I brought my Switch but didn’t bring an extra controller. I wanted to sit around in the living room and play games with everyone, so during a break in the schedule, I rushed out to buy one. For three days in a row, no matter how late we got back, we had to play one or two rounds before going to bed.

I feel like, ten years from now, when I look back on that performance trip, the Switch controller will definitely be among the top three things I remember. It’s amazing that such a memorable and happy experience only cost NT$2,000, and a little bit of sleep!

And there’s more!! We didn’t measure the elevator properly, so a sofa a friend gave us wouldn’t fit inside. With the attitude of “Let’s create an unforgettable memory together,” my boyfriend and I carried a solid-wood sofa measuring 210 cm × 91 cm × 81 cm all the way up to the 13th floor.

I was so full of regret, but it was also incredibly satisfying. Hahaha!

Q2: The inspiration for this EP came from a thought you had while writing in your diary: “What if my mother kept a diary?” While writing these songs, was there ever a moment when you felt you had truly understood your mother?

Shuchan Chiu: I don’t think I’ll ever truly understand my mother.

She grew up in a time when there weren’t many choices. She got married at 21, became a mother and raised four children. Meanwhile, even at 29, I still have the freedom to explore what I want to do with my life.

We children often tell our parents, “You should just be yourself.” But that sentence doesn’t really mean anything to my mother. If she knew who she was, why wouldn’t she have simply been herself?

So eventually, I decided that I wanted to take my mother on a journey to “find herself”, to experience things she never had the opportunity to experience before, like going to trendy cafés. [laughs]

Maybe through that process, I’ll gradually come to understand her constraints and the things she had to suppress as well.

Q3: The second track, “扭緪”, explores the awakening of self-awareness and the process of learning to redraw your own boundaries. In everyday life, saying no is often one of the hardest things to do. Was there a particular turning point when you learned to “扭緪”, to push back against the outside world and find your own place again?

Shuchan Chiu: A lot of my growth after entering the workforce came from the people I met. The production team behind my first album, Shuo, Chufang and Chiyuan, were willing to tell me the truth whenever they felt I was lacking in some way, and they stayed by my side as I worked towards becoming a better version of myself.

Through that process, I gradually built confidence in myself.

So perhaps it wasn’t one particular “turning point”, but rather “a period of time”. Looking back, I realised that the timid little bird who once couldn’t even make eye contact with people had gradually become more willing to speak up and express her own voice.

Q4: For “扭緪”, you invited Chia-Chin Tu, drummer of Elephant Gym, to contribute to the arrangement and record the drums. You’ve mentioned that it was a “rhythm-first” song, where Chia-Chin first gave you a rough beat before you began writing. Did being led by such a strong rhythmic foundation help you break through some of the limitations you had placed on your imagination? Did it make you a little more “rebellious” in your music?

Shuchan Chiu: I remember finishing the song along with Chia-Chin’s demo and feeling this sense of “痛快”, a kind of exhilarating release.

When I start a song entirely on my own, it’s difficult to create such a clear and powerful sense of movement. So yes, it definitely pushed me beyond the limitations of my own creative process and imagination.

Q5: From the haziness of “跼” and the tension of “扭緪” to the more expansive sense of freedom at the end of “無爭”, how did you use different sounds and instruments in the arrangements to express the emotions and stories of each song?

Producer Shuo Hsiao:

“跼” — The bar lines are blurred, with vocal phrasing that feels almost conversational and intertwined electric guitars. Everything develops from a linear central axis, like a beam of light shooting straight ahead, gradually expanding with a subtle halo around it. The drums that enter towards the end accompany the chorus with rhythm, taking the song from a hazy state towards openness. It reflects the emotional state of a family coming together to see their father off.

“扭緪” — The rhythm section represents the parents, while the electric guitar represents the children. The rhythm section interacts, competes and supports one another, without necessarily following the expected rules. The vocal humming introduces the title of the song. In the final chorus, the children loudly declare their position, while the slowing drums represent their gradually slowing footsteps. The structure emerged naturally through a jam session in the studio.

“無爭” — The atmosphere is quite different from the demo. When I heard Shuchan singing and playing the song by herself at her family home, I could hear an anger that she wasn’t necessarily conscious of.

In Hakka, “無爭” carries almost the opposite meaning from the same phrase in Mandarin, and I wanted to bring that contrast into the arrangement.

I hope that one day, the various forms of constraint placed on women—physical, social, and those we impose upon ourselves—especially for mothers, can be broken. I wanted them to be like the electric-guitar riff: something that catches your ear, allowing you to live at your own pace and dance to your own disco.

Unlike an openness that comes naturally, this is a kind of courage forged through hardship and setbacks. It is a form of freedom that also allows you to empathise with others.

Q6: After the attention your debut album Shape of Life received, you’ve reunited with Shuo Hsiao for this EP. Has anything changed in the way the two of you interact in the studio? Did she give you any particular musical inspiration this time around?

Shuchan Chiu: Shuo and I have stayed very closely connected since my first album. We talk about all kinds of things—music, growth, emotional struggles and the things that worry us—so when the ideas behind No Struggle began to take shape, I barely needed to explain anything. She could already understand the conflicts and stories behind the songs.

That made the vocal recording process incredibly efficient. We could pick up the ball from each other almost immediately!

Q7: When you feel constrained in everyday life, do you have any personal method for dealing with that feeling that you could share with us?

Shuchan Chiu: Find somewhere quiet and think about something happy.

For example, I often fantasise about winning NT$10 million. I mean, we could call it “thinking”. I think about how I’d divide it up after stamp duty and income tax, what kind of house I’d buy, how I’d decorate it…

I believe there’s some power in the idea that what you wish for can come true.

[says this with a completely straight face while talking absolute nonsense]

[Wait, is typing things in brackets like this really LKK?]

[But I can’t control it.]

[Just thinking about it makes me so happy.]

Q8: Music can give people strength. For you, what kind of strength or superpower does the Hakka language give you?

Shuchan Chiu: Through creating music in Hakka, I discovered that Meinong has its own particular accent and vocabulary.

After connecting with Hakka artists from different linguistic backgrounds, I realised how difficult it already is to create in your mother tongue. Being able to preserve the accent of your own hometown makes it even more moving.

Maybe one day we really won’t be able to speak Hakka anymore. But at least I can leave behind sounds and memories through music, something that can almost be archaeologically excavated in the future.

Whenever I think about that, I feel that I’m doing something truly worthwhile.

Q9: You’re about to embark on a tour of headline shows. What kind of connection are you most looking forward to creating with your audience in person?

Shuchan Chiu: Just as I hoped with my first album, I hope that at certain moments in their lives, my music can be there to accompany them.

Q10: Finally, could you share a few songs you’ve been playing on repeat recently, songs that make you feel free?

Shuchan Chiu: Shan Yichun “I Can’t Control Myself”; Enno Cheng “How Does One Learn a Language”; and Olivia Dean “Man I Need”.

Robot Swing 倫敦首演：讓意外成為音樂的一部分

2026-10-04T23:30:06.187+08:00

來自台灣的四人器樂樂團 Robot Swing，由昭元（鍵盤、合成器）、聿民（鼓）、恩立（貝斯）與惟農（吉他、聲碼器）組成。9 月 28 日登上倫敦 The Grace 的舞台，與英國當代爵士六重奏 Happy Garden 及 Cosmos Zero 一同演出。這是 Robot Swing 首次來到倫敦的演出，也串起了台灣與英國音樂人之間的交流。

現場也能看到 zine.furyo 不良雜誌發送的報紙與小誌，讓觀眾在音樂之外，也能循著這些紙本作品，進一步走進 Robot Swing 的機器人宇宙。

演出由 Cosmos Zero 與 Happy Garden 先後暖場，替夜晚逐漸升溫。鍵盤手昭元此前已提前抵達倫敦，也正是透過當地的 jam sessions，與 Happy Garden、Cosmos Zero 建立起這次合作的連結。

Happy Garden 熱烈地與台下互動，甚至邀請全場蹲下齊跳，又突然引導大家開圈狂歡，讓原本只是觀看演出的觀眾逐漸成為現場的一部分。倫敦觀眾也很快投入其中，跟著音樂一起舞動，讓整個場地變成一個不斷流動的空間。

Robot Swing 也無預警地加入 Happy Garden 的即興演出，在不同音樂語言之間來回碰撞。還沒等 Robot Swing 正式登台，跨國合作的火花便已經先在舞台上發生。

接著，Robot Swing 正式登場。

開場曲〈Robot Revolution〉沒有太多鋪陳，四個人直接把音樂推向前方，充滿強烈的節奏與衝擊感。時而透過聲碼器發出機器人的宣言，搖滾、放克與爵士等元素交錯其中，節奏不斷變化，四個人的演奏像彼此丟接球一樣，自由地來回移動。

而這種「不按牌理出牌」的現場感，也很快感染了台下。

如果說前一刻的 Robot Swing 正把現場推向舞池，那麼〈Deep Breath〉則讓時間突然慢了下來。

音樂變得舒緩，團員邀請大家放鬆、深呼吸，像是進入一段短暫的冥想。這種強烈的節奏轉換，也正是 Robot Swing 現場有趣的地方：他們不只是一路把情緒推高，也能隨時改變方向，讓觀眾不知道下一秒會發生什麼。

而真正的「意外」，發生在〈Robot in No Man’s Land〉。

演奏途中，惟農的吉他突然斷弦。對許多樂團來說，這可能意味著演出必須暫停，但 Robot Swing 沒有停下來。惟農直接向 Cosmos Zero 與 Happy Garden 求援，臨時借來吉他繼續演出。

這場突如其來的小插曲沒有破壞演出的流動，反而成為當晚最令人印象深刻的片段之一。更有趣的是，斷掉的琴弦最後也沒有被浪費。惟農把它留了下來，最後送給台下呼聲最高的觀眾。原本可能讓人緊張的「當機」，最後反而成了台上台下共同擁有的一個紀念品。

對 Robot Swing 來說，現場的意外並不一定是需要避免的事情，有時候反而會讓四個人進入更即時的反應狀態。那些無法預測的變數，也正是每一場演出只會發生一次的原因。

Robot Swing 也邀請 Cosmos Zero 上台合作。帶著極具個人魅力的即興快嘴饒舌，玩味十足的表演搭配 Robot Swing 的演奏，讓現場氣氛一路推向最高點。

到了尾聲，Robot Swing 帶來的是 1979 年英國前衛搖滾樂團 Supertramp 的經典作品〈Goodbye Stranger〉。在倫敦演出這首作品，似乎也多了一點特別的意味。當熟悉的旋律透過 Robot Swing 的編制重新出現，也像是他們與這座城市的音樂文化進行了一次短暫的對話。

但觀眾顯然還不打算讓今晚結束。

安可曲〈Taiwanese Football〉再次把現場拉回熟悉的 Robot Swing 節奏。從台灣一路來到倫敦，經過不同音樂人的加入、即興、意外與碰撞，最後仍然以屬於自己的音樂收尾。

演出結束後，現場也沒有立刻散去。

不少樂迷拿著海報留下來等待簽名，團員們也親切地和大家聊天。直到場地準備關門，這台來自台灣的「機器人」才終於結束了在倫敦的一晚。

在演出前的專訪裡，我曾問 Robot Swing，什麼樣才算是一場理想的演出。

昭元的回答是：「台上台下都覺得今天這場只會發生一次，那就是最好的演出。」

9 月 28 日的倫敦，或許正是這樣的一晚。

有即興、有舞動，有意外，也真的有一點「當機」。但 Robot Swing 沒有試著把這些變數藏起來，而是讓它們成為演出的一部分。

當一根琴弦斷掉、當下一個聲音無法預測，音樂並沒有因此停止。

它只是繼續往前。

Robot Swing’s London Debut: Letting the Unexpected Become Part of the Music

On 28 September, Taiwanese instrumental quartet Robot Swing took the stage at The Grace in London, performing alongside British contemporary jazz sextet Happy Garden and Cosmos Zero.

From Happy Garden’s improvised set to the ever-shifting rhythms of Robot Swing’s performance, the night was full of spontaneous exchanges between the musicians and the audience. At times relaxed, at times intense, the music kept moving in unexpected directions as the four members responded to one another in the moment.

For Robot Swing, a live show is never simply about replaying the songs. It is about creating something together in the moment with each other and with the audience, making every performance something that can only happen once.

For their London debut, this Taiwanese “robot” left behind a night of its own in a new city.

Taiwanese instrumental quartet Robot Swing consists of ZAOYUAN (keyboard & synthesizer), FlyingPP (drums), NZ (bass), and Wei-Nong (guitar & Vocoder). On 28 September, they took the stage at The Grace in London, performing alongside British contemporary jazz sextet Happy Garden and Cosmos Zero. It marked Robot Swing’s first performance in London, while also bringing together musicians from Taiwan and the UK through music.

Also present at the venue was zine.furyo, the independent “Furyo” magazine, distributing its newspapers and zines. Beyond the music, these printed works offered another way for the audience to step into Robot Swing’s robotic universe.

The evening began with opening performances from Cosmos Zero and Happy Garden, gradually warming up the room. Keyboardist ZAOYUAN had arrived in London ahead of the rest of the band, and it was through local jam sessions that he connected with musicians from Happy Garden and Cosmos Zero, laying the groundwork for this cross-border collaboration.

Happy Garden brought plenty of interaction with the crowd, at one point inviting everyone to crouch down and jump together before suddenly opening up a circle for everyone to dance. The audience quickly joined in, turning from spectators into part of the performance and transforming the venue into a constantly shifting space.

Robot Swing then unexpectedly joined Happy Garden for an improvised performance, bringing different musical languages together in real time. Before Robot Swing had even officially taken the stage, the spark of this cross-border collaboration had already happened.

Then, Robot Swing took the stage.

The opening track, “Robot Revolution”, wasted little time with introductions. The four musicians immediately pushed the music forward with a powerful sense of rhythm and impact. At times, a vocoder gave voice to the robots’ declarations, while rock, funk and jazz intertwined throughout. The rhythm kept shifting, with the four musicians throwing musical ideas back and forth like a game of catch, moving freely between one another.

That sense of unpredictability quickly spread to the audience.

If Robot Swing had just pushed the room towards the dance floor, “Deep Breath” suddenly slowed everything down.

The atmosphere became calm and spacious as the band invited everyone to relax and take a deep breath, almost like entering a brief moment of meditation. This sharp change in mood is part of what makes Robot Swing’s live shows so engaging: rather than simply building towards a constant peak, they can change direction at any moment, leaving the audience wondering what might happen next.

The real “unexpected moment”, however, came during “Robot in No Man’s Land”.

Midway through the performance, guitarist Wei-Nong broke a guitar string. For many bands, that might mean stopping the show, but Robot Swing simply carried on. Wei-Nong called on Cosmos Zero and Happy Garden for help, borrowing a guitar and continuing the performance.

The sudden interruption did nothing to break the flow of the show. Instead, it became one of the night’s most memorable moments.

And the broken string did not go to waste either. Wei-Nong kept it and eventually gave it to the audience member who received the loudest cheers. What could have been a stressful moment of “system failure” instead became a small keepsake shared between the stage and the crowd.

For Robot Swing, unexpected moments are not necessarily something to avoid. Sometimes, they push the four musicians into an even more immediate state of reaction. Those unpredictable variables are precisely what make each performance something that can only happen once.

Robot Swing later invited Cosmos Zero back on stage for a collaboration. With his distinctive, rapid-fire improvised rap and playful presence alongside Robot Swing’s musicianship, the energy in the room reached its peak.

Towards the end of the set, Robot Swing performed “Goodbye Stranger”, the 1979 classic by British progressive rock band Supertramp. Performing a British classic in London seemed to give the moment an added sense of significance. As the familiar melody re-emerged through Robot Swing’s instrumentation, it felt like a brief musical conversation between the band and the city’s musical culture.

But the audience clearly was not ready for the night to end.

For the encore, Robot Swing returned with “Taiwanese Football”, bringing the room back to the familiar Robot Swing groove. From Taiwan to London, through collaborations, improvisation, unexpected moments and musical collisions, the night ultimately came to a close with something unmistakably their own.

The venue did not empty immediately after the show.

Many fans stayed behind with posters, waiting for autographs, while the band chatted warmly with the audience. ZAOYUAN continued greeting people until the venue was preparing to close, finally bringing Robot Swing’s first London night to an end.

In our interview with Robot Swing ahead of the show, we asked what an ideal performance would look like.

ZAOYUAN answered: “When everyone on stage and in the audience feels that this performance can only happen once, that’s the best kind of show.”

Perhaps that was exactly what happened in London on 28 September.

There was improvisation, dancing and the unexpected, and, yes, a little bit of “system failure”. But Robot Swing never tried to hide those variables. Instead, they made them part of the performance.

When a guitar string breaks, when the next sound cannot be predicted, the music does not stop.

It simply keeps moving forward.

📷 credit 土豆 Kim @take1_ dou

【專訪】禪波ZENBØ：吹散灰塵之後，重新看見自己

2026-10-02T19:00:00.000+08:00

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禪波 ZENBØ 第三張創作專輯《DUST BLOWING》於 10/1 正式發行！

從《怪胎大雄》、《咖啡氤》一路走到全新第三張專輯，這一次，他選擇卸下過去創作裡的角色與包裝，更直接地把自己放進音樂裡，直面生活，也直面自己。

面對生活裡突如其來的變化，他將焦慮、傷痕與情緒放進音樂裡，記錄一段從「致鬱到治癒」的過程，也在創作之中重新整理自己。

這次專訪，好青年與禪波談到《DUST BLOWING》背後的創作，也分享了關於愛、關係，以及這段時間如何重新看見自己的故事。

Q1：過去的《怪胎大雄》與《咖啡氤》，無論在音樂或視覺上，都有非常鮮明的世界觀與角色感。到了第三張專輯《DUST BLOWING》，你說這是一張「比起以往都更加誠實直面」的作品。回頭看這三張專輯，你覺得《DUST BLOWING》最大的轉變是什麼？又是什麼讓你決定這一次少一點包裝，直接把自己放進作品裡？

禪波ZENBØ：會做出這樣的轉變，源自於今年年初家人因為車禍受傷，讓我意識到現實仍然會隨著時間的流逝不斷改變。以往的我總是在幻想之中創作，我覺得是時候認清現實了，不再只是在幻想裡設計情境，而是更成熟、直接地去面對生活中的問題。

前兩張專輯更多的是妄想與渴望，透過角色形塑與各種創作元素，去暗喻我對現實生活的想像。但這一次，我想試著卸下這些包裝，更從本我的角度出發，去抒發這段期間真正的心情。

Q2：你形容《DUST BLOWING》記錄了自己從「致鬱到治癒」的過程，是一部關於創傷的後日談。專輯名稱《DUST BLOWING》有「吹散灰塵」的意象，而你也提到自己試著拂去身上的灰塵、重新整理迷失的自己。這裡的「灰塵」對你而言，具體來說是什麼？當這些灰塵慢慢被吹散之後，你覺得自己有變得比較輕嗎？

禪波ZENBØ：這就要提到我去年發行的迷你專輯《CASH BURNING》。當時是以生存壓力作為創作靈感，以資本作為整張作品探討的主題，而當金錢燃燒殆盡之後，最後徒留一地灰燼。《DUST BLOWING》正是延續同一個概念的續篇。

在錄製這張專輯的過程當中，我其實沒有特別感受到自己變輕了，反而是在專輯完成的那一刻，才突然有了這樣的感覺。最一開始的焦慮，在我試著透過歌曲與自己對話的過程中，也慢慢被療癒了。

Q3：〈三分鐘熱度〉用復古又跳躍的 Miami Bass 節奏來裝載現代人的「速食愛情」，當初是怎麼構思出這首歌的？寫完之後，你是怎麼發現阿橘 Ahh G 的聲音適合這個作品？

禪波ZENBØ：當初和 chillaxe 製作這首歌的時候，其實我是拿了 NewJeans、KiiiKiii 等韓團的歌給他當作參考。剛好那段時間，很多歐美歌手也開始發行這類型的作品，像 Drake、Tyler, The Creator、Ty Dolla $ign、JID、Metro Boomin 等，當時台灣也比較少有歌手在做這種曲風，所以我就想當那前幾個去做的人。這樣後面才開始抓到這個趨勢的人，就只能先看著我做了。

至於阿橘 Ahh G 的加入，其實一開始我是找他來做專輯其他歌曲的和音。他的聲音有一種 Ariana Grande 般的質感，而我剛好需要在〈三分鐘熱度〉裡加入這種有甜度、同時又具備穿透感的聲音。所以在做完和音之後，我馬上就決定再找他來錄〈三分鐘熱度〉了！

Q4：夢幻單曲〈Destined〉找來南西肯恩的女主唱南西跨界合作，從〈三分鐘熱度〉的速食拉扯，走向了一種更深刻、宿命感的探討。可以和我們分享這首歌的創作概念嗎？當初為什麼會想到找南西合作，而她的加入又替這首歌帶來了什麼不同的化學反應？

禪波ZENBØ：這首歌是在製作人 YONG 的房間裡完成的，大概花了兩個小時就寫完了。當時的想法比較偏向 Mac Miller 或 Frank Ocean 的風格，我想做一首輕輕柔柔的旋律，不想加入太多饒舌的部分。那段時間的我很想多做一些臥房音樂感比較濃厚的作品，也想展示自己比較柔軟的一面。

我覺得人與人的相遇，不論是友情還是愛情，都是一種緣分的連結，當時就是抱著這樣的心情去創作這首歌。南西則是在一次品牌活動上認識的，後來我邀請她來合唱這首歌，她也很爽快地答應了。

我覺得她的聲音有一種純潔、神聖又乾淨的感覺，直到錄音完成、第一次聽到成品的時候，我真的覺得這首歌正在發出強烈的聖光……

Q5：〈三分鐘熱度〉談的是渴望自由、害怕暈船的拉扯，而這張專輯也觸及愛情、不安全感與對未來的想像。回頭看這些創作，你覺得自己在感情裡最在意、也最想弄清楚的事情是什麼？創作完這張專輯後，你對「愛」這件事情有沒有產生新的理解？

禪波ZENBØ：我在感情裡面通常都是被呵護的那一方，而我最在意的，其實是對方的目光，以及兩個人全心為彼此付出、卻不求回報的那種情感。

創作完這張專輯之後，我對於「愛」的定義，反而更接近「分享」。是一種不論遇到什麼事情，都會下意識想著「這裡也有對方的一份」的心情。以前的我比較容易只想到自己，但當真正碰觸到愛之後，也開始變得更懂得替對方著想。

Q6：做完《DUST BLOWING》之後，如果要把這張專輯當成一面鏡子，你覺得它讓你看見了一個什麼樣的禪波ZENBØ？這次創作有沒有推翻你過去對自己的某些想像，或是讓你重新面對一些原本以為已經走過的事情？

禪波ZENBØ：透過這張專輯，我看見了一個用盡全力掙扎，但還得保持微笑與風度的禪波ZENBØ 。

如果說人生是一款遊戲的話，這段時間的我應該是用著 HP 低於 10% 的狀態，在面對各種挑戰。然而也正是在這樣的過程裡，我慢慢學會了在險境中絕處逢生的技能。

從一開始的苟延殘喘，到慢慢調整自己的呼吸，即使已經疲憊不堪，滿是傷痕的雙腳卻還是不曾停下來。

Q7：第三首先行單曲〈氛囲気〉將於 9 月 24 日全球數位發行，可以和我們介紹這首歌的創作背景嗎？它又代表著《DUST BLOWING》的哪一面？

禪波ZENBØ：這首歌是在 Bradd 的工作室完成的。我記得他的工作室在大直，離我滿遠的。那天晚上我們剛好要去中山參加活動，開車前往中山的路上遇到大塞車，我看著高速公路上的車燈和夜景，不自覺地就哼出了這樣的旋律。

隔天我們再約了一天到工作室，就這樣憑著直覺把〈雰囲気〉寫完了。這首歌代表的是《DUST BLOWING》比較藍色的那一面，帶著一點夜色的幻想，有點想沉浸在這樣的氛圍裡，暫時逃避現實的一種妄想。

Q8：有沒有可能像新北 CITY POP 市民 KTV 系列一樣，未來也做一個 Miami Bass 或其他風格的系列。如果要挑經典華語快歌去改編，你腦袋裡浮現的會是哪首歌？

禪波ZENBØ：比起沿用新北 CITY POP 市民 KTV 的模式，我個人還是比較偏好可以跟更多 DJ 合作，讓這樣的曲風真正進到舞池與 Club 裡播放。

另外也推薦大家可以去禪波ZENBØ 的 Spotify 頁面，我有準備一個 Miami Bass 曲風的 Playlist，大家可以好好感受一下這種樂風的能量！

Q9：10 月 5 日即將前往東京參與《Two Waves》演出企劃，你最期待日本樂迷對你的嘻哈音樂產生什麼樣的化學反應？10 月 10 日也將到高雄參與打狗祭，接下來會有個人專場的計劃嗎？

禪波ZENBØ：去年十二月剛好也在同一個地方看了 Leo 王的演出，所以這次能夠前往日本演出真的非常興奮。希望可以透過音樂跨越語言的隔閡，讓更多日本聽眾認識台灣有禪波ZENBØ 這樣風格的歌手。

至於個人專場的計劃，目前還在討論中。當然還是希望聽眾可以多多支持、多聽禪波ZENBØ，也希望廠商和演出單位能夠多找禪波ZENBØ 演出。有了足夠的粉絲規模與演出經驗之後，才有機會進一步討論個人專場的計劃。

Q10：最後想請禪波ZENBØ 和我們分享，你最近重複播放的幾首歌曲或推薦的歌手？

禪波ZENBØ：Brent Faiyaz〈four seasons.〉、Future〈California Girls〉、Erykah Badu〈Witch Doctor〉、Jorja Smith〈I Lied, You Lied〉

🌬️《DUST BLOWING》專輯曲目 TRACK LIST：

① INTRO

② BLUE GRAY Feat.highlee

③ 雰囲気 Feat.鄭雙雙SherryZ

④ 三分鐘熱度 Feat.阿橘 Ahh G

⑤ DESTINED Feat.Neci

⑥ 中中

⑦ DEEPER

⑧ SKY DROWNING

⑨ GOOD TO SEE U （additional vocal by Trout Fresh /呂士軒）

⑩ OUTRO

⑪ BLOW YOUR MIND Feat.李英宏 aka DJDIDILONG

Interview ｜ ZENBØ: Blowing the Dust Away, Finding Myself Again

From Despair to Healing: An Honest Look at DUST BLOWING

ZENBØ’s third studio album, DUST BLOWING, was officially released on 1 October!

From GEEKNONOBITA and Caffeine to his latest record, ZENBØ takes a different approach this time, stripping away the characters and layers that shaped his previous work to place himself more directly at the centre of the music, confronting both life and himself.

Faced with unexpected changes in life, he channels his anxieties, scars and emotions into the record, documenting a journey from despair to healing while using the creative process to make sense of himself along the way.

In this interview, ZENBØ shares the creative process behind DUST BLOWING, as well as his thoughts on love, relationships, and the journey of finding himself again.

Q1: Your previous albums, GEEKNONOBITA and Caffeine, both built striking worlds of their own, with distinctive visual identities and characters woven into the music. With your third album, DUST BLOWING, you described it as a record that is “more honest and direct” than anything you have made before. Looking back across these three albums, what do you see as the biggest shift in DUST BLOWING? What made you decide to strip away some of the layers and place yourself more directly into the work?

ZENBØ: This shift came from an accident earlier this year, when a family member was injured in a car accident. It made me realise that reality continues to change as time passes, whether we are ready for it or not. In the past, I was always creating from a place of fantasy. I felt that it was time to acknowledge reality, to stop simply constructing scenarios within my imagination and instead face the problems in my life in a more mature and direct way.

My first two albums were more about fantasies and desires. Through character-building and different creative elements, I used them to allude to the way I imagined my real life. This time, I wanted to take off some of those layers and approach the music more from my own perspective, expressing what I was genuinely feeling during this period of my life.

Q2: You have described DUST BLOWING as a record that documents a journey “from depression to healing”, almost like an epilogue to a period of trauma. The title evokes the image of blowing dust away, and you have also spoken about brushing the dust off yourself and trying to put the lost pieces of yourself back together. What does that “dust” represent to you? And once it began to clear, did you feel any lighter?

ZENBØ: To answer that, I have to go back to my mini-album CASH BURNING, which I released last year. The inspiration came from the pressures of survival, with capitalism as the central theme of the record. Once all the money has burned away, what remains is a pile of ashes. DUST BLOWING continues that concept.

While I was recording the album, I didn't particularly feel like I was becoming lighter. That feeling only came to me suddenly when the album was finally completed. The anxiety I had at the beginning gradually started to heal as I used the songs to have conversations with myself.

Q3: “三分鐘熱度” wraps the idea of modern-day fast-food romance in a retro, bouncy Miami Bass groove. How did the song first come together? And after writing it, what made you realise that Ahh G’s voice would be a good fit for the track?

ZENBØ: When I was making the song with chillaxe, I actually gave him tracks by K-pop groups like NewJeans and KiiiKiii as references. Around the same time, a lot of Western artists were also starting to release music in this style—Drake, Tyler, The Creator, Ty Dolla $ign, JID, Metro Boomin and others. There weren't many artists in Taiwan exploring this sound yet, so I wanted to be one of the first to do it. That way, when people eventually caught on to the trend, they would have to watch me do it first.

As for Ahh G, I originally brought her in to provide backing vocals on other songs from the album. Her voice has a quality that reminds me of Ariana Grande, and I needed something sweet but still piercing for “三分鐘熱度”. So as soon as we finished the backing vocals, I immediately decided to bring her back to record the song itself.

Q4: The dreamy single “Destined” features Neci, the lead vocalist of Neci Ken, marking an unexpected collaboration. Moving from the push and pull of a fleeting romance in “三分鐘熱度” towards something deeper and more fated, could you tell us about the concept behind the song? What made you think of working with Neci, and what did she bring to the track?

ZENBØ: We made the song in producer YONG’s room, and I think we finished writing it in about two hours. At the time, I was thinking about the kind of atmosphere you hear in Mac Miller or Frank Ocean. I wanted to make something soft and melodic, without too much rapping. During that period, I really wanted to explore more bedroom-music-inspired sounds and show a softer side of myself.

I believe that every encounter between people, whether friendship or love, is a connection shaped by fate. That was the feeling I had when I wrote the song. I met Neci at a brand event, and later invited her to sing on the track. She happily agreed.

I think her voice has something pure, sacred and incredibly clean about it. When the recording was finished and I heard the final version for the first time, I genuinely felt like the song was radiating this intense holy light...

Q5: “三分鐘熱度” explores the tension between wanting freedom and being afraid of falling too deeply, while the album also touches on love, insecurity and imagining the future. Looking back at these songs, what matters most to you in a relationship, and what are you still trying to understand about love? After making this album, has your understanding of love changed in any way?

ZENBØ: In relationships, I'm usually the one being taken care of. What matters most to me is the other person's attention, and the feeling of two people giving everything to each other without expecting anything in return.

After making this album, my definition of love has actually become closer to the idea of “sharing”. It's the feeling of instinctively thinking, whatever happens, “There's a part of this that belongs to them too.” I used to be more inclined to think only about myself, but after truly experiencing love, I've also become more aware of how to consider the other person.

Q6: After completing DUST BLOWING, if you were to treat the album as a mirror, what kind of ZENBØ do you see reflected back at you? Did making this record overturn any ideas you previously had about yourself, or force you to confront things you thought you had already moved past?

ZENBØ: Through this album, I saw a version of ZENBØ who was struggling with everything he had, yet still had to maintain a smile and his composure.

If life were a video game, I'd say I was facing all these challenges with my HP below 10%. But it was precisely through that process that I gradually learned the skill of finding a way out when I'm cornered.

I went from simply trying to survive to slowly learning how to regulate my breathing. Even though I was exhausted and my feet were covered in wounds, they never stopped moving forward.

Q7: Your third pre-release single, “雰囲気”, was released worldwide on September 24. Could you tell us about the story behind the song? And what side of DUST BLOWING does it represent?

ZENBØ: We made the song at Bradd's studio. I remember his studio was in Dazhi, which was quite far from where I was. That night, we were heading to an event in Zhongshan, and we got caught in heavy traffic on the way. I was looking at the headlights and the night view from the highway when I unconsciously started humming this melody.

We met at the studio again the next day and finished “雰囲気” almost entirely on instinct. The song represents the more “blue” side of DUST BLOWING. It carries a little bit of that nighttime fantasy, a desire to immerse myself in the atmosphere and temporarily escape from reality.

Q8: Could you imagine creating a Miami Bass series, or a series exploring other genres, similar to the New Taipei CITY POP 市民 KTV series?

ZENBØ: Rather than following the same format as New Taipei CITY POP 市民 KTV, I personally prefer the idea of collaborating with more DJs and bringing this kind of sound properly into clubs and onto dance floors.

I also recommend checking out my Spotify page. I've put together a Miami Bass playlist there, so people can really feel the energy of the genre.

Q9: You’ll be heading to Tokyo on October 5 to perform as part of the Two Waves showcase. What kind of connection or reaction are you hoping your hip-hop music will create with Japanese listeners? You’ll also return to Kaohsiung for Takao Rock on October 10. Is there a plan for a solo show in the near future?

ZENBØ: I actually watched Leo Wang perform at the same venue last December, so I'm really excited to be heading to Japan to perform there myself this time. I hope music can cross the language barrier and allow more Japanese listeners to discover an artist from Taiwan with a sound like mine.

As for a solo show, we're still discussing it. Of course, I hope listeners will continue to support and listen to my music, and I also hope more promoters and event organisers will invite me to perform. Once I have built a large enough fanbase and gained more live experience, I'll have the opportunity to start seriously discussing a solo show.

Q10: Finally, could you share a few songs or artists you’ve been playing on repeat lately?

ZENBØ:

Brent Faiyaz — “four seasons.”
Future — “California Girls”
Erykah Badu — “Witch Doctor”
Jorja Smith — “I Lied, You Lied”

【專訪】LÜCY：學會逆流生長；從〈Looking at Me〉到〈LOOP〉，在黑暗中到往前的力量

2026-09-30T19:10:22.218+08:00

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台灣創作歌手 LÜCY，從細膩而私密的情緒出發，持續探索聲音與創作的不同可能。近年她也積極與海外音樂人合作，從 Jaguar Sun、羊文學，到這次與挪威製作人 Eirik Hella、電子流行歌手 Moyka 的跨國共創，逐漸將音樂帶向更寬廣的世界。

在〈Looking at Me〉中，她寫下成長過程裡的焦慮與低潮；到了〈LOOP〉，則將視角延伸至原生家庭與代際循環，思考那些不健康的模式，是否能夠在這一代停下來。

「那個循環可以在我們這一代停下來。」

對 LÜCY 而言，寫歌不一定能立刻解決問題，卻能讓她慢慢消化那些難以言說的情緒。那些曾經的徬徨與困難，也在時間裡成為養分，讓她學會「逆流生長」。

從與 Ollie 合作的〈Toy Boat〉，到即將展開的首次歐洲個人巡迴，LÜCY 正帶著一路走來的經歷繼續向前。10 月 16 日，她也將推出兩首全新單曲，而全新迷你專輯目前也正在準備中。

這次，《好青年的音樂清單》與 LÜCY 聊聊創作如何接住低潮、跨國合作帶來的碰撞，以及一路走來，那些讓她成為現在自己的故事。

Q1：〈Looking at Me〉記錄了妳生命中最黑暗的時期。想問 LÜCY 在寫這首歌的當下，這種「把痛苦寫成歌」的過程，對妳而言是一種逼自己直面恐懼的殘忍過程，還是一種被音樂接住的療癒？

LÜCY：我覺得比較像是一種被音樂接住的療癒。對我來說，寫歌是抒發情緒的方式。我喜歡把回憶和感受譜成旋律，變成一首歌，像是替生活寫一份回憶備忘錄。

我也喜歡用寫歌來抱怨生活，好的、壞的都會寫。但不是說寫完一首歌，情緒就完全抒發了，問題也解決了。它不會立刻解決什麼，只是能讓我舒壓。有些事可能要寫到五首歌，我才能慢慢消化過來。

Q2：新歌〈LOOP〉緊接著推出，從歌名到主題都在探討「斷開循環」的生命課題。如果說〈Looking at Me〉是妳個人在黑暗中的掙扎，〈LOOP〉是否是妳將視角放大，發現這種痛苦其實是很多人、甚至整個世代都在經歷的循環？這兩首歌在妳心中有著怎樣的內在關聯？

LÜCY：〈LOOP〉比較確切地是在寫那些可能一代接著一代重複的事。原生家庭對一個人的影響很大；有些不健康的習慣、情緒勒索，甚至暴力，都可能影響下一代，變成一個不好的循環。

這首歌想說的是：那個循環可以在我們這一代停下來。好的東西可以繼承，但不好的，不代表我們也必須繼續帶給下一代。你無法選擇自己出生的家庭，卻可以選擇未來想創造一個什麼樣的家庭。

這也是我說的「逆流生長」。逆流生長很辛苦，但那些經歷也可能變成養分，讓我們更獨立、更勇敢。〈Looking at Me〉比較接近我當時個人的感受；〈LOOP〉則讓我想到，那些感受也會和我們如何長大、如何對待下一代有關。

Q3：這兩首歌都有挪威製作人 Eirik Hella 參與操刀，充滿了迷幻合成器與深沉的重低音。從〈Looking at me〉揮之不去的不安感，到〈LOOP〉催眠般的脈動節奏，妳與 Eirik 是如何建立這種「黑暗、迷惘」的音樂美學的？妳覺得他為妳的音樂帶來了什麼不同的色彩？

LÜCY：我是在 Spotify 上聽到一首 Eirik 製作的歌，覺得很 powerful，有一種女性戰士的力量。我很喜歡他挑選鼓聲的方式，也喜歡他運用合成器和設計音色的能力，所以想找他合作。

〈Looking at Me〉最後其實和我原本的 demo 很接近。一起在錄音室討論編曲時，我告訴他這首歌的故事，為什麼會寫它，甚至給他看我在低潮時寫的日記。我覺得製作人需要知道歌曲裡的故事，才知道要怎麼替它搭出一個空間。

我們沒有刻意先設定什麼「黑暗、迷惘」的美學。那些 demo 就是在那樣的回憶和情緒裡寫出來的，聲音自然會從那裡長出來。Eirik 幫我把原本想表達的東西傳遞得更完整，編曲也更完整。我常常告訴他腦中想到的聲音，他很快就能理解，選出來的音色通常第一個就很合適。我們在音樂上很合拍，不太需要花很多話解釋。

Ｑ4：在〈LOOP〉中，妳與 Moyka 進行了中文、挪威語、英語的三語交織，展現了妳在人聲實驗上的大膽嘗試。這樣的編排是創作當下直覺的靈感，還是錄音室裡撞擊出的火花？

LÜCY：〈LOOP〉裡的語言編排，真的是在錄音室裡碰撞出來的。我原本計畫去挪威找製作人 Eirik，剛好在錄音室遇到 Moyka。既然三個人都在同一個房間，就想試試看一起寫一首歌。那天沒有事先準備好要做什麼，我們想到什麼就直接做出來。他們擅長電子音樂，我們也想做一首可以跳舞、比較燃的歌。

開始寫之前，我們先花時間認識彼此，聊各自成長的經歷。我和 Moyka 發現彼此有相近的地方：我們的原生家庭都不是那麼完整，長大的路比較坎坷，也讓我們比較獨立。這成了〈LOOP〉的起點。

Eirik 和 Moyka 成長時最熟悉的是挪威語，我成長過程中也經常使用中文，而英語是我們三個人一起溝通的語言。我不想只是和 Moyka 做一首全英文歌；我希望這首歌裡也能留下我們各自成長時最熟悉的語言。所以最後中文、挪威語和英語都進來了。對我們來說，這也是一次很新鮮的嘗試。

Q5：這次在〈LOOP〉中與挪威電子流行歌手 Moyka 合作，兩位的唱腔一溫暖神祕、一空靈浮遊，極具火花。妳們在彼此共創的過程中有著什麼樣的共鳴？

LÜCY：我覺得我和 Moyka 的聲音確實各有特色，但放在一起又融合得非常好。有時候我自己在聽〈LOOP〉時，甚至會忘記哪一個部分是她唱的、哪一個部分是我唱的。我覺得我們兩個人的音色非常相容。

共創過程中的共鳴，對我來說比較多是來自人與人之間的認識和連結。我很重視在一起做歌之前，先真正地認識對方，了解對方的故事。

就像前面提到的，我們的原生家庭和小時候成長的背景有一些相似之處，這成為了我們很重要的共同點。聊天的時候，我們聊起彼此的經歷，甚至一度都紅了眼眶。所以我覺得，這次共創不只是一起完成一首歌，整個認識彼此、理解彼此的過程也非常美麗。

Q6：從之前的 Jaguar Sun、羊文學到這次的 Moyka，妳一直有不少跨國協作經驗。和來自不同文化背景的音樂人合作，有沒有帶給妳什麼意想不到的思考視角，或是完全不同的音樂表達方式？

LÜCY：沒錯。當我開始以獨立音樂人的身分工作，可以完全替自己做選擇、企劃每一張專輯和每一個作品之後，我確實更常找海外的音樂人合作。對我來說，這也是一種讓自己開開眼界的方式，可以認識不同國家的音樂產業、工作方式和創作環境，再從中學習。

最近和我合作的海外音樂人也都是非常獨立的創作者。他們真的從零開始，自己寫歌、編曲、製作、混音，有些人也是連周邊商品都自己設計。我們之間有很多共同點，所以我也會想知道，他們是不是有一些我還不知道的做法和經驗，是我可以學習的。

我覺得他們身上有一種很自由的感覺。可能正是因為他們是獨立音樂人，他們的音樂和整個人的狀態都比較自在、自然，也比較貼近生活。你會感覺到他們的生活和音樂是真的連結在一起，而不是被分開的。

跟這些自由的獨立音樂人合作，也會提醒我要偶爾停下來想一想：我現在做音樂的方式和風格，真的是我自己想要的嗎？跨國合作讓我看見更多不同的選擇，也讓我有機會停下腳步重新思考自己前方的方向。

Q7：〈Looking at Me〉歌詞裡提到來自長輩的碎念與網絡時代被注視的集體焦慮。而在〈LOOP〉中，妳試圖探討如何靠自己的力量打破這種反覆的惡性循環。對現在的妳來說，面對這些焦慮時，通常會用什麼方式找到自己的安全感？

LÜCY：寫〈Looking at Me〉的時候，我的焦慮很大一部分來自長大，也來自被別人注視的感覺。那個「別人」可能是家人、朋友、網路上的人，也可能是我想像中的所有人。大概十八到二十一歲那幾年，我常常不知道自己屬於哪裡、能做什麼，或者自己的價值在哪裡。那時候還要上學，家裡經濟狀況也不容易，我會想是不是該休學去工作，又不知道該怎麼面對自己的夢想。

現在回頭想，我覺得要不斷嘗試，慢慢找到自己熱衷的事，也找到一個出口。有些人會寫歌，有些人會拍照、拍影片、畫畫或寫作。能把生活裡的矛盾和不開心記錄下來，也是一種抒發。那時候陪我走過來的，是耳機裡的音樂和瑜伽；我也慢慢學著用比較健康的習慣照顧自己。

我們那時候的人生才剛開始，正因為覺得沒什麼好失去，反而敢去試以前沒做過的事。你可能有擅長的事情，只是根本還沒開始做。如果不去試，永遠不會知道。所以我覺得，做就對了。

Q8：很多人開玩笑說「藝術家需要痛苦作為養分」，但身處痛苦之中往往是非常折磨的。現在回頭看寫出這兩首黑暗與循環之作的時期，妳覺得這些日子留給現在的 LÜCY 最珍貴的東西是什麼？

LÜCY：那些日子留給我最珍貴的東西，是讓我學會了逆流生長。當時有很多徬徨，也有很多困難，但它們後來都變成了我現在的養分，讓我更獨立。

也因為那時候覺得自己沒什麼可以失去，我反而更敢去嘗試不同的事，追逐自己感興趣、真正想要的東西。我覺得那個時候的自己，生存能力是最強的。

如果現在可以重新選擇，我不會選一條比較簡單的路。我還是會走同一條路。我這個人好像就是喜歡走難走的路，這樣才讓我覺得自己真的在活著。

Q9：10 月即將展開首次個人歐洲巡迴，到柏林、倫敦和巴黎演出。之前已經有過國外演出的經驗，這次的專場對妳來說有沒有什麼不一樣的心情或特殊意義？會帶來什麼專屬的內容嗎？

LÜCY：這是我第一次到歐洲舉辦個人專場。之前雖然也在海外演出過，但都是音樂節。音樂節比較像拼盤式的演出，有很多不同的音樂人，台下有些觀眾可能只是剛好路過，聽到聲音停下來。

但專場比較不一樣：是一個半小時的專場，大家是為了聽我的歌，買票、搭車來到現場。想到這件事，我很興奮，也比平常更緊張。

因為是第一次到歐洲，我想帶大家聽一聽最初認識我的那些歌，所以這次會比較偏向樂團的聲音。由於第一次在歐洲做巡演，預算有限，沒辦法把所有樂手都帶過去，但我會和這次同行的夥伴一起，用現有的編制盡我所能地呈現這些歌。

我想現場可能絕大多數會是在歐洲工作或讀書的華人，非常期待見到他們。但同時也很好奇會不會有歐洲當地的聽眾前來。

Q10：最近也推出了與 Ollie 合作的新歌〈Toy Boat〉，聽說還有一張全新的迷你專輯正在路上。能跟好青年的讀者透露一些接下來的消息嗎？最後，也想請 LÜCY 分享幾首陪伴妳度過那些低潮時期的私房歌單。

LÜCY：最近和 Ollie 推出的〈Toy Boat〉，寫的是童年，長大、追逐夢想的過程。有時候會覺得自己像一艘在海上漂流的小船，乘風破浪地也不知道明天會漂泊到哪裡，但我們還是保護著自己的初心一直往前走。

新的迷你專輯還在準備中，希望今年底之前可以順利發行。另外，10 月 16 日也會有兩首新單曲釋出。

如果要從自己的歌裡選一首，我會推薦〈Looking at Me〉。那真的是我在低潮時寫下的歌，大概已經是五年前的事了。現在我已經走過那段日子，再回去聽，感受很不一樣。

如果是推薦其他音樂人的音樂，我會推葡萄牙歌手 MARO。寫〈Looking at Me〉的那段時間，我聽了很多她的歌。特別想分享〈Still Feel It All〉和〈So Much Has Changed〉，這兩首歌陪我度過了很多低潮的時刻和眼淚。

Interview | LÜCY: Growing Against the Current

From “Looking at Me” to “LOOP”, finding the strength to move forward through the darkness

Taiwanese singer-songwriter LÜCY has built her music around intimate emotions, constantly exploring new possibilities in sound and songwriting. In recent years, she has also expanded her creative world through international collaborations, working with artists including Jaguar Sun, Hitsujibungaku, Norwegian producer Eirik Hella and electronic pop artist Moyka.

On “Looking at Me”, LÜCY turns anxiety and growing pains into music. With “LOOP”, she looks beyond her own experience, exploring family, intergenerational cycles and the possibility of breaking them.

“The cycle can stop with our generation.”

From “Toy Boat”, her recent collaboration with Ollie, to her upcoming first European solo tour, LÜCY continues to move forward while carrying the experiences that have shaped her. She is also set to release two new singles on October 16, with a new mini-album currently in the works.

In this interview, we talk with LÜCY about music, growing against the current, international collaboration, and finding her own direction along the way.

Q1: “Looking at Me” reflects one of the darkest periods of your life. When you were writing the song, did turning that pain into music feel like a brutal process of confronting your fears, or more like being held and healed by music?

LÜCY: I think it was more like being held by music. For me, songwriting is a way of processing and expressing my emotions. I like turning memories and feelings into melodies and songs, almost like keeping a diary of my life through music.

I also like using songwriting as a way to complain about life. I write about both the good and the bad. But it’s not like writing a song immediately releases all the emotions or solves the problem. It doesn’t instantly fix anything; it simply helps me release some of that pressure. Sometimes it takes writing five songs before I can slowly process what I’m feeling.

Q2: “LOOP” followed closely after “Looking at Me”, and both the title and the song explore the idea of breaking a cycle. If “Looking at Me” reflects your personal struggle in the dark, does “LOOP” represent a wider perspective, recognising that these kinds of pain and patterns can be experienced by many people, even across generations? What is the connection between these two songs for you?

LÜCY: “LOOP” is more specifically about the things that can be repeated from one generation to the next. Our family background has a huge impact on who we become. Unhealthy habits, emotional manipulation, and even violence can all affect the next generation and become part of a destructive cycle.

What I wanted to say with this song is that the cycle can stop with our generation. We can inherit the good things, but that doesn’t mean we have to pass the bad things on to the next generation. You can’t choose the family you’re born into, but you can choose what kind of family you want to create in the future.

That’s also what I mean by “growing against the current.” It’s difficult to grow against the current, but those experiences can also become nourishment, making us more independent and courageous. “Looking at Me” is closer to how I felt personally at the time, whereas “LOOP” made me realise that those feelings are also connected to how we grow up and how we treat the next generation.

Q3: Both songs were produced with Norwegian producer Eirik Hella, with psychedelic synths and deep, weighty low-end shaping their sound. From the lingering unease of “Looking at Me” to the hypnotic pulse of “LOOP”, how did you and Eirik build this dark, disoriented musical aesthetic? What different colours do you think he has brought to your music?

LÜCY: I first heard a song produced by Eirik on Spotify and thought it was really powerful. It had this sense of strength that reminded me of a female warrior. I really liked the way he chose his drums, as well as his ability to work with synthesisers and sound design, so I wanted to collaborate with him.

“Looking at Me” actually ended up staying quite close to my original demo. When we were discussing the arrangement in the studio, I told him the story behind the song and why I wrote it. I even showed him some of the diary entries I had written when I was going through a difficult period. I feel that a producer needs to understand the story inside a song in order to know how to build a space around it.

We didn’t deliberately set out to create a “dark” or “disoriented” aesthetic. Those demos were written from those memories and emotions, so the sound naturally grew out of them. Eirik helped me communicate what I originally wanted to express more fully, while also developing the arrangements. I often tell him about the sounds I hear in my head, and he understands very quickly. Usually, the first sound he chooses feels just right. We’re very in sync musically, so we don’t need to spend a lot of time explaining things to each other.

Q4: On “LOOP”, you weave together Mandarin, Norwegian and English, showcasing a bold approach to experimenting with the voice. Did this arrangement come from instinct in the moment, or was it something that emerged organically through the energy of the studio?

LÜCY: The language arrangement on “LOOP” really came out of what happened in the studio. I had originally planned to go to Norway to work with Eirik, and I happened to meet Moyka at the studio. Since the three of us were in the same room, we thought, why not try writing a song together? We didn’t have anything prepared that day. We simply made whatever came to mind. They specialise in electronic music, and we also wanted to make something that people could dance to, something with more energy.

Before we started writing, we spent some time getting to know each other and talking about our experiences growing up. Moyka and I realised that we had some similar experiences. Neither of our family backgrounds was particularly complete, and we both had difficult paths growing up, which made us more independent. That became the starting point for “LOOP”.

Norwegian was the language Eirik and Moyka were most familiar with growing up, while Mandarin was a language I used frequently throughout my own childhood. English was the language we all used to communicate with each other. I didn’t want to simply make an all-English song with Moyka; I wanted the song to preserve the languages that were most familiar to each of us as we were growing up. That’s why Mandarin, Norwegian and English all found their way into the song. For all of us, it was a very fresh and exciting experiment.

Q5: You and Norwegian electronic pop artist Moyka bring very different vocal qualities to “LOOP”, warm and mysterious on your side, ethereal and weightless on hers, yet they blend beautifully. What kind of connection did you find through the process of creating the song together?

LÜCY: I think Moyka and I definitely have distinct voices, but when we put them together, they blend surprisingly well. Sometimes when I listen to “LOOP”, I can’t even remember which part she sang and which part I sang. I feel that our tones are very compatible.

For me, the connection we found through creating the song came more from getting to know each other as people. I really value taking the time to genuinely get to know someone and understand their story before making music together.

As I mentioned earlier, we had some similarities in our family backgrounds and the way we grew up, and that became an important point of connection between us. When we talked about our experiences, there was even a moment when we both became emotional. So for me, the collaboration wasn’t just about making a song together. The whole process of getting to know and understanding each other was also something really beautiful.

Q6: From Jaguar Sun and Hitsujibungaku to Moyka, you’ve had quite a rich history of international collaborations. Has working with musicians from different cultural backgrounds given you any unexpected perspectives or introduced you to completely different ways of expressing music?

LÜCY: Definitely. Once I started working independently as a musician and could make my own choices and plan each album and project myself, I began collaborating more frequently with musicians from overseas. For me, it’s also a way of broadening my horizons, to experience different music industries, ways of working and creative environments, and learn from them.

Many of the overseas musicians I’ve worked with recently are also very independent artists. They really build everything from the ground up: writing, arranging, producing and mixing their own music. Some of them even design their own merchandise. We have a lot in common, so I’m always curious to see whether there are approaches or experiences they have that I haven’t encountered yet and could learn from.

I think there’s a real sense of freedom in them. Perhaps because they are independent musicians, their music and their lives feel more relaxed, natural and closely connected to everyday life. You can feel that their lives and their music are genuinely intertwined rather than being treated as separate things.

Working with these free-spirited independent artists also reminds me to stop occasionally and ask myself: Is the way I’m making music, and the style I’m pursuing, really what I want? International collaborations have shown me more possibilities and given me opportunities to pause and rethink the direction I’m heading in.

Q7: The lyrics of “Looking at Me” touch on criticism from older generations and the collective anxiety of being watched in the internet age. Meanwhile, “LOOP” explores how we might find the strength to break out of destructive cycles. How do you find a sense of safety when you face these anxieties today?

LÜCY: When I was writing “Looking at Me”, a large part of my anxiety came from growing up and from the feeling of being watched by others. That “other” could be family, friends, people online, or even everyone I imagined was watching me. Between the ages of around 18 and 21, I often didn’t know where I belonged, what I could do, or what my value was. I was still in school at the time, and my family was also going through financial difficulties. I wondered whether I should leave school and find a job, while also not knowing how to face my dreams.

Looking back now, I think you have to keep trying things, slowly find what you’re passionate about, and find an outlet for yourself. Some people write songs; others take photographs, make videos, paint or write. Being able to document the contradictions and unhappiness in your life can also be a form of release. At that time, what helped me through was the music in my headphones and yoga. I also gradually learned to take care of myself through healthier habits.

We were only just beginning our lives back then. Maybe because we felt like we had little to lose, we were actually more willing to try things we had never done before. You might have something you’re good at. You just haven’t started doing it yet. If you don’t try, you’ll never know. So I think the answer is simply: do it.

Q8: People often joke that artists need pain as creative fuel, but being in pain can also be deeply difficult. Looking back on the period when you wrote these songs about darkness and cycles, what is the most precious thing those years have given the LÜCY you are today?

LÜCY: The most precious thing those years gave me was learning how to grow against the current. There was a lot of uncertainty and difficulty at the time, but those experiences eventually became nourishment for me. They made me more independent.

And because I felt like I had little to lose back then, I became more willing to try different things and pursue whatever genuinely interested me and whatever I truly wanted. I think that version of myself had the strongest instinct for survival.

If I could choose again now, I wouldn’t choose an easier path. I would still take the same one. I think I’m just someone who likes taking the difficult road. It’s what makes me feel truly alive.

Q9: You’re about to embark on your first European solo tour in October, with shows in Berlin, London and Paris. Having performed overseas before, does this solo tour carry a different feeling or special significance for you? Will you be bringing anything exclusive to these shows?

LÜCY: This is my first time doing solo shows in Europe. I’ve performed overseas before, but those were all at festivals. Festivals are more like a mixed bill, with many different artists, and some people in the audience might simply be passing by and stop when they hear the music.

A solo show feels different. It’s a one-and-a-half-hour set, and everyone there has come specifically to hear my music. They’ve bought a ticket, travelled to the venue, and made the effort to be there. Thinking about that makes me really excited, but also more nervous than usual.

Since this is my first time touring Europe, I want people to hear some of the songs that first introduced them to me, so the shows will lean more towards a band sound. Because it’s my first European tour, we have a limited budget and can’t bring all of the musicians with us. But I’ll be performing with the musicians who are joining me on the tour, and we’ll do our best to present these songs with the lineup we have.

I imagine that the majority of the audience may be Chinese-speaking people who are working or studying in Europe, and I’m really looking forward to seeing them. At the same time, I’m curious to see whether local European listeners will come to the shows as well.

Q10: You recently released “Toy Boat” with Ollie, and a new mini-album is also on the way. Can you share any upcoming news with the readers? And finally, could you share a few songs that helped you through some of your lowest moments?

LÜCY: “Toy Boat”, which I recently released with Ollie, is about childhood and the process of growing up and pursuing your dreams. Sometimes I feel like a little boat drifting out at sea, battling the waves without knowing where I’ll end up tomorrow. But we still protect that original sense of who we are and keep moving forward.

The new mini-album is still in the works, and I hope it can be released by the end of this year. There will also be two new singles coming out on October 16.

If I had to choose one of my own songs, I’d recommend “Looking at Me”. It’s a song I wrote when I was going through a very difficult period, about five years ago now. I’ve moved on from that chapter of my life, so when I listen to it again now, it feels very different.

If I were to recommend music by another artist, I’d choose Portuguese singer MARO. I listened to a lot of her music while I was writing “Looking at Me”. In particular, I’d like to share “Still Feel It All” and “So Much Has Changed”. Both songs stayed with me through many difficult moments and many tears.

She Her Her Hers 倫敦現場：在聲音與霓虹之間，走進夢幻璀璨的夜

2026-09-28T07:10:04.768+08:00

現場紀實｜Live Report

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來自日本東京的 She Her Her Hers，由 Hiroyasu Takahashi（主唱／吉他）、Tomasong（合成器）與 Taiki Matsuura（鼓）組成。音樂風格融合瞪鞋、夢幻流行與迷幻電子，打造出既空靈、沉浸，又富有情感共鳴與電影感的聲響世界。

於 2026 年 9 月展開大型英國暨歐洲巡演，這也是樂團至今規模最盛大的一次海外巡演，橫跨 5 個國家、13 座城市。今年 9 月 23 日，他們帶著五人編制來到倫敦，登上 The Garage 舞台，與滿場的觀眾相遇。

演出在〈Pulse〉為背景音樂的烘托下揭開序幕，Hiroyasu Takahashi、Tomasong、Taiki Matsuura，連同小提琴手 Moemi Harada 與吉他手 Shogo Ishizaki 陸續登台。〈Law of Attraction〉前奏一下，懷舊氣息逐漸瀰漫，〈Bloody Mary Girl〉帶領大家放開身心，舞台與觀眾之間的距離也在音樂裡慢慢拉近。台下既有安靜聆聽的樂迷，也有人隨著節奏熱烈擺動；除了亞洲樂迷，也能看見來自不同文化背景的觀眾，呈現出樂團日益國際化的現場樣貌。

〈Diagram X〉轉向冷峻與銳利的質地，〈Imaginary line〉則像霧氣慢慢散去，光線從其中穿透而出。〈non zero sum game〉充滿舞動感，五光十色的燈光在舞台上流動，像城市夜晚不斷閃爍的霓虹，也讓聲音之外的視覺成為演出不可分割的一部分。

She Her Her Hers 回來了。

Tomasong 感謝去年與今年都來到倫敦觀看演出的樂迷，也笑著邀請大家今晚一起喝酒、跳舞，度過一個愉快的夜晚。〈Blue Moon Night〉隨後響起，仿佛身處深夜酒吧；〈drip〉逐漸加入緊張感，透過〈SPIRAL〉把情緒往內收，內心卻很澎湃。最後來到〈s〉，沉靜的氛圍，與自我面對面。這段由外而內的轉換，也讓原本全滿的場地出現另一種安靜。

團員談起這趟歐洲巡演漫長的移動。一路上輪流開車，也自嘲每個人的車技都在旅途中進步了不少，笑稱成了卡車司機樂團。經過長途跋涉後，終於再次抵達倫敦，他們提起去年在 Oslo Hackney 的演出，也為今年來到 The Garage 感到開心。

接下來的〈Tomorrow’s Sun〉像是朝著未來緩緩走去，節奏放慢，情緒也從剛才的內省逐漸向外擴展。〈Pre-logue〉重新帶起了舞動的節奏，〈Day Tripper〉最終走向迷幻。〈Episode 33〉響起，幻想與壯闊的聲響逐漸填滿整個空間，五人編制在這裡展現出更加完整的層次。吉他、合成器與鼓組建立出厚實的音牆，小提琴穿梭其中，沒有刻意突出自己，反而讓整體音樂多了一層細緻的色彩。燈光也隨著聲音在不同情緒之間轉換，從冷冽、幽暗，到逐漸開闊，讓整場演出像是一部完整的電影。

與台下觀眾寒暄，團員逐一介紹彼此。特別的是，這趟巡演期間也恰好遇上主唱高橋啓泰的生日。在長途巡演、城市與城市之間不斷移動的日子裡，倫敦成為他今年生日旅程中的其中一站。

專場進入最後一段，〈CHELSEA〉像是幕布重新揭開，現場的情緒也被一層一層解開。〈Brutalist〉冰冷的感覺像電流穿過身體，〈Thirsty〉對渴望的追求已經無法克制。〈Bystanders〉則將整晚的聲音、燈光與情緒集中到同一個時刻。隨著歌曲節奏起舞，帶有一種幽藍的底蘊，彷彿身處怪奇物語的時空，經歷刻骨銘心的感受。

演出沒有安可，但結束後觀眾並沒有立即離開，周邊商品區排起長長人龍，團員們也親切地走出來與樂迷簽名、打招呼。舞台上看似遙遠的距離，在演出結束後重新被拉近。

從東京出發，穿過亞洲，再一路來到歐洲，She Her Her Hers 的音樂或許從來不需要太多語言上的解釋。瞪鞋的迷濛、夢幻流行的漂浮、電子聲響的冷冽，以及現場燈光不斷變化的色彩，共同構成一個屬於他們的聲響空間。

She Her Her Hers 就在聲音與霓虹之間，在倫敦這座城市再次留下屬於他們的一晚。

Setlist 演出歌單

01. Law of Attraction
02. Bloody Mary Girl
03. Diagram X
04. Imaginary line
05. non zerosum game
06. Blue Moon Night
07. drip
08. SPIRAL
09. s
10. Tomorrow’s Sun
11. Pre-logue
12. Day Tripper
13. Episode 33
14. CHELSEA
15. Brutalist
16. Thirsty
17. Bystanders

She Her Her Hers in London: Between Sound and Neon, Into a Dreamlike Night

23 September 2026 · The Garage, London

Tokyo-based alternative band She Her Her Hers, consisting of Hiroyasu Takahashi (vocals/guitar), Tomasong (synthesiser), and Taiki Matsuura (drums), have developed a distinctive sound that draws from shoegaze, dream pop, and psychedelic electronics, creating an immersive world of hazy textures, emotional resonance, and cinematic atmosphere.

In September 2026, the band embarked on their largest overseas tour to date, spanning five countries and thirteen cities across the UK and Europe. On September 23, they returned to London with a five-piece lineup, taking the stage at The Garage to a packed room.

The show began with “Pulse” setting the atmosphere as Takahashi, Tomasong, and Matsuura gradually appeared onstage alongside violinist Moemi Harada and guitarist Shogo Ishizaki. The opening notes of “Law of Attraction” immediately brought a sense of nostalgia, before “Bloody Mary Girl” loosened the room further, pulling the audience deeper into the band's hazy orbit. Some listeners stood quietly, absorbed in the performance, while others moved freely with the rhythm. The crowd included Asian fans alongside audiences from a range of other backgrounds, reflecting the band's increasingly international reach.

“Diagram X” shifted into a colder, sharper feel, while “Imaginary line” felt like mist slowly clearing, with light breaking through. “non zero sum game” brought a more pronounced danceable energy, as a kaleidoscope of colours moved across the stage. The shifting lights evoked the neon glow of a city at night, making the visual dimension of the performance inseparable from the music itself.

She Her Her Hers were back.

Tomasong thanked everyone who had come to see them in London both this year and last, warmly inviting the crowd to drink, dance, and enjoy the night together. “Blue Moon Night” followed, evoking the atmosphere of a late-night bar. “drip” gradually introduced a sense of tension, while “SPIRAL” pulled the energy further inward, its restraint carrying a restless intensity underneath. By the time “s” arrived, the room had grown noticeably quieter, an intimate moment of turning inward and facing oneself. The shift from danceable energy to introspection created a different kind of stillness within an otherwise packed venue.

The band then spoke about the long stretches of travel that had come with the European tour. They had been taking turns behind the wheel, joking that everyone's driving skills had improved along the way and laughing that they had become something of a “truck-driver band.” After the long journeys between cities, they were finally back in London, recalling last year's show at Oslo Hackney and expressing their happiness at returning to the city, this time to The Garage.

“Tomorrow’s Sun” followed like a slow walk towards the future. Its measured pace allowed the introspective mood to gradually expand outward. “Pre-logue” brought the dancing energy back into the room, while “Day Tripper” pushed the set further into psychedelic territory. When “Episode 33” arrived, its expansive, dreamlike sound gradually filled the venue.

The five-piece arrangement revealed another dimension of the band's sound. Guitar, synthesiser, and drums layered into a dense, immersive sound field, while the violin moved through the arrangement without demanding attention, adding another subtle layer of colour and texture. The lighting shifted with the music, moving from cold, shadowy tones towards something increasingly expansive, giving the set a distinctly cinematic sense of progression.

After some interaction with the crowd, the band introduced each member. The European tour also happened to coincide with Takahashi's birthday, adding another memorable moment to a journey already defined by long hours on the road and constant movement between cities.

“CHELSEA” opened up the final stretch of the set, gradually releasing the tension that had accumulated throughout the night. “Brutalist” brought a cold, electric intensity, while “Thirsty” continued to build a sense of desire and longing to the limit.

Then came “Bystanders,” bringing the night's sound, lighting, and emotional tension into a single final surge. Its rhythm kept the crowd moving even as a deep blue melancholy settled underneath, creating an uncanny, almost otherworldly atmosphere. As the song reached its closing moments, the music and lighting pushed together towards the emotional peak of the night.

There was no encore. Yet the audience did not leave immediately. A long queue formed at the merchandise table, while the band themselves came out to sign merchandise and greet fans. The distance between the stage and the crowd seemed to disappear.

From Tokyo, across Asia, and now into Europe, She Her Her Hers make music that speaks across language barriers. The haze of shoegaze, the weightlessness of dream pop, the coolness of electronic textures, and the ever-changing colours of the stage lights came together to create a sonic space entirely their own.

Between sound and neon, She Her Her Hers left their mark on another night in London.

Setlist
01. Law of Attraction
02. Bloody Mary Girl
03. Diagram X
04. Imaginary line
05. non zero sum game
06. Blue Moon Night
07. drip
08. SPIRAL
09. s
10. Tomorrow’s Sun
11. Pre-logue
12. Day Tripper
13. Episode 33
14. CHELSEA
15. Brutalist
16. Thirsty
17. Bystanders

Photo: Ryohey Nakayama

【專訪】Robot Swing：我們其實很期待當機！從台灣到倫敦，在即興、默契與意外之間持續 Override!

2026-09-23T19:11:04.607+08:00

來自台灣的四人器樂樂團 Robot Swing，由昭元（鍵盤、合成器）、聿民（鼓）、恩立（貝斯）與惟農（吉他、聲碼器）組成。Funk、R&B、Soul、Jazz 等各種元素在他們手上交錯，沒有固定的框架，也沒有太多預設好的答案。

從首張《SYSTEM BOOTING...》到第二張《Override!》，Robot Swing 一路在創作、演出與即興之間摸索自己的聲音。曾獲金音獎最佳樂團、最佳現場演出等肯定，也陸續登上 AXEAN Festival、Proweek Festival、Clockenflap 等海外舞台。

這次，他們終於要把這台機器開進倫敦。

9/28，Robot Swing 將於倫敦演出，並邀請英國 Contemporary Jazz 六重奏 Happy Garden 與 Cosmos Zero 一同演出。鍵盤手昭元也提前抵達倫敦，從當地 Jam Session 開始，串起這次跨國音樂連線。

這次專訪，我們聊了倫敦音樂場景、Robot Swing 的現場哲學、《Override!》如何從 Jam 裡長出來，以及四個人接下來還想 Override 什麼。

人類們，準備好了嗎？

📍 The Grace, London @thegraceldn
📅 28 September 2026
🎸 Robot Swing × Happy Garden × Cosmos Zero

Q1：即將於 9/28 來到倫敦演出，也邀請了英國的 Contemporary Jazz 六重奏 Happy Garden 與 Cosmos Zero 助陣。鍵盤手昭元作為「先遣隊」抵達英國，也參與了這次合作的連線。當和倫敦當地音樂人交流後，有沒有發現什麼和台灣音樂場景不同、或特別讓你們感到興奮的地方？而和 Happy Garden、Cosmos Zero 的合作，又是怎麼發展出來的？

昭元：我觀察到最大的差別，是倫敦的音樂人跟聽眾都用一種特別輕鬆、自然的方式在接觸、聆聽、創作音樂。儘管市場飽和到這種程度，高手層出不窮，厲害的樂團一個接一個冒出來，你卻很少會覺得這是一場激烈的「競爭」。每個人都很 open-minded 地敬佩其他音樂人，想要合作，想從別人身上學到兩招。

這件事跟 Robot Swing 四個人的音樂旅程其實不謀而合。我們都是為了自己的喜悅、為了對音樂的喜歡才去練樂器、不斷精進自己的演奏，也一直很期待能遇到厲害的同儕，一起往更高的境界走。

Happy Garden 和 Cosmos Zero 都是我在倫敦各個 jam session 上遇到的音樂人，技術精湛，舞台主宰力特別強烈。當初是緊張到不行地走到他們面前自我介紹，結果馬上一拍即合，很快就開始緊密合作。我想這就是倫敦的魅力。

惟農：可是我還沒交流啊？！

Q2：你們的 Live 有一個鮮明的特色：不依賴 Program，而是讓一首歌自然接到下一首，像 DJ 接歌一樣讓音樂一直流動。這種演出方式很考驗四個人的默契。這次面對可能第一次認識 Robot Swing 的英國觀眾，你們會怎麼讓他們跟上這台機器人的節奏？

有趣的是，四個人沒有一個打算「讓觀眾跟上」。

昭元：Robot Swing 演出的魅力就在彼此丟接球的過程。在安排精緻的表演段落之中，我們會故意留白一些高風險的橋段跟銜接，創造一些「意外」。都是那些意外會激發我們的危機處理能力，讓演出變得特別好看。倫敦的聽眾特別喜歡意外的發展、喜歡享受音樂的樂手、喜歡全情投入的表演，我想大家一定會喜歡這個演出。

恩立：我覺得這種接歌方式對他們來說應該不陌生，只希望他們會滿意我們的接法。

聿民：其實不一定是要觀眾跟上節奏，我們也會依據現場氣氛調整節奏，所以節奏算是兩方互相拉扯、互相調配出來的。

惟農：在台灣表演也會遇到觀眾還沒準備好、但我們還是上了的狀況。我覺得讓他們跟不上，就是讓他們跟上的方式吧。

Q3：第一張專輯《SYSTEM BOOTING…》像是 Robot Swing 的開機，到了第二張《Override!》則直接選擇強制覆寫。回頭看《SYSTEM BOOTING…》，那張專輯對 Robot Swing 而言是怎麼樣的一個起點？而經過這幾年的創作與演出後，你們又覺得《Override!》和當時相比，出現了哪些明顯的變化？

聿民：《SYSTEM BOOTING…》是 Robot Swing 開拓、實驗的第一個作品，像是要從學生階段步入社會一樣，帶著很多不確定性，也是四個人第一次比較深入地和彼此磨合的作品。《Override!》則是在我們四個都深入音樂圈之後，各自擁有更多想法、技巧也更好的狀況下，相互碰撞出來的作品，每個人的個人特質更鮮明，作品的融合度也更高。

昭元：《SYSTEM BOOTING…》本身比較像是以我的創作靈感為主發展而成的專輯。到了《Override!》，我們嘗試全團一起創作所有的音樂，從而做出超越我們任何一個人想像邊界的作品。

恩立：那張的創作模式是靠純 jam 出來的，這讓我們必須好好聽彼此想用樂器說什麼，算是一個試著理解彼此想法的起點吧。

而且因為昭元不在，近一年的演出（雖然不多）都是三人 trio 編制、用 jam 的方式進行，這讓每次演出的曲目就算一樣，歌曲的長相也都不一樣。所以《Override!》裡的歌對我來說已經不算是有個固定的形狀，比較像是一個概念，這種感覺蠻酷的。

惟農：平衡和特色更顯著了。

Q4：「Robot」與「Swing」本身就像是理性與感性的兩種力量。在《Override!》裡，你們一方面可以把音樂拆解得非常精準，另一方面又有〈Robot Revolution〉這種情緒強烈、甚至帶著失控感的作品。在創作 Robot Swing 的音樂時，你們通常怎麼在精準的編曲與演奏，以及自由的律動之間取得平衡？

四個人的答案幾乎是把「精準」這個前提推翻了。

惟農：我們都是先 jam 再說。

恩立：老實說這張專輯沒什麼特別精準的編曲，所有恰似精巧的安排都是自然而然、無意間發生的，不論是在練團室寫歌，或是在錄音室同步錄音的某個 take。真的要說靠什麼做編曲上的決定，應該是相信身體，還有相信彼此。

聿民：這張專輯的特色是所有歌的 motif 都是 jam 出來的，所以可以聽出比較多原始、情緒性的部分，因為 jam 也沒辦法事先編好。後續當然就是依靠一層層的器樂調整，想辦法讓原本的 motif 長出前後文、長出故事線。加上我們的作品通常都會留出部分的即興空間，錄音的時候就可以用當下的感覺去補滿既定的編曲，所以可以形成這樣的作品。

昭元：說真的，其實就是團員之間的個性與品味中達成的一種美麗的恐怖平衡。創作階段每一個橋段的顏色、情緒、演奏內容都反覆調整過，但同步錄音的時候還是有大量自由發揮的餘地。努力讓專輯聽起來像是充滿誠意而不過度修飾的演奏，是我們的目標。

Q5：你們曾獲得金音獎「最佳現場演出」肯定，也有不少觀眾認為 Robot Swing 是「為 Live 而生」的樂團。對你們自己而言，什麼樣才算是一場真正理想的 Robot Swing 演出？

昭元：當台上台下所有人都覺得，今天這場演出只會發生一次，我想那就是最好的演出。

聿民：四個人都融合在演奏的流裡。

恩立：對我而言，不論是不是 Robot Swing 的，理想的演出都必須帶著某種企圖心，並在音樂上和表現上展現出來，讓觀眾共感，這樣就會是一個很棒的現場演出。

惟農：應該沒有真正理想這回事吧，我們是見招拆招的。每個地方和環境都會有變數，而那些變數會讓那場演出獨特。我偏好獨特勝過理想。

Q6：Robot Swing 的現場保留了不少即興，也有很多需要四個人即時反應的段落。隨著編曲越來越複雜，有沒有遇過樂器、器材或現場狀況突然反撲，差點讓整台機器人當機？最後又是靠什麼默契把它救回來？

與其說怕當機，他們更像是在等當機。

昭元：不如說我們很期待現場出現狀況。因為大家都太熟練了，偶爾甚至還會互相弄一下、空出一些段落，看看彼此怎麼反應，這種時候都特別好玩。

恩立：好像就是因為即興的部分蠻多的，所以不管出了什麼狀況都能互相 cover。

聿民：像是 vocoder 可能突然沒聲音，就需要其他人延長段落，或是直接先來一段 solo，再重新 cue 進原本的段落。

惟農：之前很常斷弦，一開始很煩，但會靠氣勢演過去。斷久了之後就習慣了。

Q7：從〈AI 敢會愛？〉到〈為什麼我無法成為我想成為的人〉，Robot Swing 曾和不同音樂人合作。到了《Override!》，有沒有哪一次合作讓你們覺得特別有趣，甚至在排練或錄音時出現超乎預期的結果？

昭元：《Override!》的目標是重新定義 Robot Swing 身為樂器演奏團的聲音。也因此這次的〈I Think We're OK〉更像是兩個 artist 強強對撞，而不是樂團去配合 vocal，那個融合了兩方的份量感，我非常喜歡。

恩立：〈I Think We're OK〉樂器的部分，是一次練團前亂 jam 中誕生的驚喜。原本專輯的歌曲都已經確定了，但我們一致認為這首歌要收錄進來。

聿民：《Override!》的第一首〈Lullaby〉裡的口白，是錄音師 Andy Baker 錄的。當初只是想像他來念口白應該會很有感覺，沒想到成品真的很契合。

惟農：跟程杰合作吧？程杰可愛又充滿實驗精神。後來他介紹的母帶工程師也超厲害，雖然沒碰到。

Q8：這次來倫敦除了演出和排練，有沒有什麼是四位團員各自列在「必須完成」清單上的行程？唱片行、樂器行、音樂現場，甚至某一家 Pub 都可以。

昭元：這題我讓其他團員回答，我當導遊。（笑）

恩立：Blue Note London 剛好在我們去的那段時間開幕，得去看一下。

聿民：我自己是一定要看演出，特別是剛好遇到 Blue Note London 開幕，所以一定要看。

惟農：鰻魚凍、Pie & Mash。

Q9：如果《Override!》代表的是突破原本的設定，那走到現在的 Robot Swing，下一個最想突破、覆寫或挑戰的又會是什麼？是音樂、現場、合作對象，還是某個你們現在還不知道自己能不能做到的事情？

昭元：最終要突破的好像都是各自想像力的極限。我們還可以做什麼？還可以去哪些地方？還想做什麼樣的音樂？需要大家各自突破自己的想像，然後再一起決定要前往哪個有趣的地方。

聿民：我覺得可能是具有全球範圍的「標誌性」「代表性」，聽了會覺得這就是 Robot Swing 的 sound。

恩立：繼續精進編曲、默契，還有美感的建立，這是練不完的。

惟農：學其他樂器吧，我最近在練貝斯。

Q10：最後，想請四位團員各自推薦最近喜歡，或是一直放在自己音樂清單裡的歌曲。為什麼喜歡？

昭元：corto.alto 的〈IJUSTIDONTKNOW〉。昨天剛看完演出，覺得帥瘋了，又精密又狂野，是最棒的英國電子樂 influence 與爵士樂的融合。

恩立：Dolphin Hyperspace 的〈Dolphin Samba〉超 turn。最近也很常聽 Nate Smith、Kiefer、CARRTOONS 他們組的 FATHERS，那張同名專輯。

聿民：推一首 Mark Guiliana 的新作品〈D.RUM〉，是一首兼具機械性和原始性的美的歌曲，是我很喜歡的風格。

惟農：9Lana 的〈螺旋〉acoustic 版。因為最近在看《死神千年血戰篇》的動畫，織姬犧牲自己跟友哈巴赫一換一的那段，配上特別改編的片尾曲，實在印象太深刻了。

【專訪】鄒序第二張創作專輯《無端 Ends》：從聚散無常出發，記錄生命裡的無端

2026-09-13T19:21:13.714+08:00

從聚散無常出發，記錄生命裡的無端。歷時三年，鄒序帶著第二張創作專輯《無端 Ends》回到我們面前。從首張《把水開著》到這次的新作，生活與創作的累積，讓他對情緒有了更細緻的理解，也開始用不同的方式，梳理那些難以言說的感受。

《無端 Ends》延續鄒序對聲音的探索，在 Indie Pop、黑樂、流行與實驗 Fusion 之間，尋找新的可能。那些關於相遇與別離、時間與自我、焦慮與自由的思考，也在這張作品裡慢慢展開。

對鄒序而言，創作不只是尋找一個好聽的答案，更是不斷嘗試、推翻，再找到新的聲音。而當生活裡有些事情無端發生，我們又該如何與它們相處？

讓我們從《無端 Ends》出發，聽鄒序談談創作上的轉變、音樂合作，以及那些讓自己重新歸零的時刻。

Q1：從首張專輯《把水開著》到歷時三年打磨的第二張創作專輯《無端 Ends》，覺得這段期間自己最大的轉變是什麼？

鄒序：覺得自己在體驗情緒還有理解事情的方式或許又更成熟了。我在這個階段體驗到情緒的解析度會比上一張專輯時更高，像是把情緒整個光譜分割得更細，所以相較上一張比較「帥」的樣態，這張更著重在敘事。

Q2：專輯名稱《無端》源自工作室植物奇蹟復活的幽默日常，這段經驗對你面對音樂或生活低潮時帶來什麼樣的啟發？

鄒序：植物的故事有一點被誤植了哈哈哈，其實這故事是來自專輯做完之後某一次觀察到的感悟，但是這個故事也是一個近期在小事之中找到可愛而且無端之處有很大的啟發，對我偶爾無端的焦慮或無端的傷感得以有個靈巧的出口。

Q3：首位同名主打〈無端〉巧妙取材自白居易《長恨歌》與李煜《浪淘沙》等詩詞，將古典聚散無常揉合現代節奏，當初是怎麼萌生這個想法？你最喜歡哪一段歌詞？

鄒序：自己寫作的習慣本就有點愛引用古人寫得很巧妙的字句，可以把很美而且有歷史淵源的畫面搬運進我的歌裡是我很喜歡做的事情。

其實很喜歡「有時會恨花飛盡」這句是我偷蘇軾《水龍吟》裡面的句子然後改了幾個字（詳情請洽水龍吟），覺得這句簡短地把對於時間流轉、跟對於美妙事物消逝的感受寫完整了。

Q4：〈想想而已〉是跟守夜人團長秦旭章共同寫出的作品，這首偏向細膩溫柔的風格，在創作和編排時，他有帶給你什麼完全不一樣的思維轉換嗎？

鄒序：覺得跟旭章的共創，在這首歌有讓我找到新的寫歌跟唱歌邏輯，而且也是個讓我偶爾創作上不要鑽牛角尖，或著別唱太複雜旋律的一次很好的學習。

Q5：你這幾年也參與了許多優秀音樂人的作品，這些經歷有帶給自己創作或製作新專輯時，什麼樣的養分嗎？

鄒序：參與到別人的作品有讓我更可以學習換位思考，更需要深刻了解對方想要的東西是什麼，而非只是我最主觀的審美。在我專輯裡的話就是可以跟來自不同背景的音樂人更加全面的交流跟溝通，把更酷的聲音加到作品裡。

Q6：歌曲〈難解〉是你向偶像方大同的致敬，想透過這首歌捕捉或釋放心中怎樣最難解的情緒？Flowstrong 的饒舌助唱為這首歌加入什麼樣的力量與溫度？

鄒序：這首歌最想講的是在有限的時間裡無愧自己的活著，縱然在時間長河裡會遇到很多不一定有解答的問題，但是有時候有沒有答案也不重要。我的好朋友Flowstrong 一直都是我心目中 top 3 rapper，他的觀點總是成熟、獨特又有力量，而且有時候會有想像不到的 punchline 跟韻腳，所以對歌曲來說無疑是把這種，對歌曲來說就是更強化了 be free be me 的態度。

Q7：這次新專輯在 Indie Pop 與黑樂的基礎上，加入了流行與實驗 Fusion 等多元曲風。在編曲上最挑戰、最好玩的地方在哪裡？

鄒序：編曲是把詞曲還有整首框架搭上最適合最好看的衣服，所以對我還有我的夥伴來說最好玩跟挑戰的部分，就是要盡可能每次都做出創新的選擇，如果用一套確定會好聽的做法一直複製，對我們來說就是最無聊的事，所以就像是研發新菜一樣，不斷嘗試、失敗、找到新配方，就是做音樂最有樂趣的地方，也才能保持不可被取代性。

Q8：面對創作與音樂圈的無形壓力，除了做家務與玩手遊，聽說你很喜歡去衝浪？海上漂流的時刻如何幫助你的腦袋紓壓？

鄒序：在海上要時刻注意跟大自然的互動，有舒適也有比較挑戰的海相跟浪況，所以在衝浪時會 focus 在生存還有判斷是否好的浪形成、再動用全身協調跟力量去追。所以全身上下感官都會打開而且極度專注，這時候所有作繭自縛與不必要的想法都會隱去，對我來說就是最棒的歸零。

Q9：最後想請鄒序推薦幾首你近期無限循環、或影響你最深的私房愛歌給讀者嗎？

鄒序：自救&沈思神曲

Mac Miller - Self Care
Radiohead - Everything in its Right Place
John Mayer - Covered in Rain
梅艷芳 - 親密愛人
Daniel Caesar - Who Knows
藤井風 - 満ちてゆく
蛋堡 - 給我一點時間
Dominic Fike - King of Everything

蘇珮卿全新單曲〈Every Second’s A Treasure〉正式發行，揭開第三張專輯序幕

2026-09-11T17:55:58.544+08:00

全方位音樂創作人蘇珮卿全面回歸！全新單曲〈Every Second’s A Treasure〉以豎琴為基底再現音樂電影奇幻聲響

全方位音樂創作人蘇珮卿正式回歸！宣告將於 9 月 25 日推出第三張全創作專輯《The Best of the Worst of Times》，並於即日起全面啟動黑膠預購，邀請樂迷再次見證探索生命的無限可能。隨著新專輯發行在即，蘇珮卿搶先釋出首波單曲〈Every Second’s A Treasure〉，除了將擅長的豎琴音色全面融合於奇幻旋律之中，新歌更是一首醞釀長達十年的珍貴逸曲，歷經時間淬鍊後，選在最好的時間點曝光，也是蘇珮卿送給樂迷一路支持的珍貴禮物，她表示：「這首歌其實在10年前就大概有了雛型，但一直被我放在電腦某個角落，直到去年才終於解鎖，並完成我自己很滿意的模樣，某程度來說也跟歌名有所呼應。」

去年全家移居紐約生活！第三張專輯《The Best of the Worst of Times》全程美國錄音蘇珮卿探索「音樂映像賽倫」攜手葛萊美團隊探索成長歲月另類音樂養分

憑著上一張專輯《You’ll Live Forever in My Songs》奪下金音獎年度專輯殊榮，也成功入圍金曲獎肯定，相隔三年半時間，蘇珮卿帶著全新音樂作品《The Best of the Worst of Times》回歸樂壇，以「音樂映像賽倫」做為主軸，透過底片記憶，追尋藏於心中生根的記憶旋律。整張專輯不僅再次以另類流行樂風追尋生命的好壞片刻，更是去年正式移居美國紐約生活後所完成的一張極限之作。

特別攜手美國音樂人 Benjamin Lazar Davis 共同製作，加入多位國際級樂手加持，包含曾替Phoebe Bridgers、sombr 合作的吉他手 Mason Stoops，以及榮獲葛萊美提名的美國樂團 Arc Iris 的鍵盤手 Zach Tenorio-Miller 等，齊力探索 90 年代音樂養分，藉由蘇珮卿獨有品味的器樂長才，最終交出一張歷經重生之後，迎接全新人生風景的生命大碟。蘇珮卿表示：「這張作品，是把我自己關在美國洛杉磯錄音室兩個禮拜下所完成，雖然幾乎是與世隔絕，但每天醒來就是與音樂為伍，也算是實現我一直想要擁有的夢想。」

首發單曲〈Every Second’s A Treasure〉近期已在數位平台全面發行，事實上歌曲早在十年前就開始醞釀，直到去年蘇珮卿才錄製完成，她提到：「在美國和 Benjamin 製作時，我們腦中一直有個很有趣的畫面：像在玩電動，騎著水上摩托車，在閃閃發亮的水面上一路往前衝。很開心、很自由，還有一點不真實的感覺。」新作除了再次以擅長豎琴作為主要編曲樂器，也為歌曲注入溫暖又帶點奇幻的聽覺色彩，蘇珮卿也笑說：「電豎琴加上意想不到的類比合成器以及電吉他聲響的堆疊，最後加上很瘋狂的鼓點，好像真的有打電動非常歡樂的感覺。」

新單曲封面富有巧思兒時影像疊上現今自我蘇珮卿感恩「走過的每分每秒都是生命寶藏」

新單曲除了在製作上融入許多巧思，單曲封面上也對蘇珮卿有格外意義，特別把自己小時候的照片，疊上現在由兒子所拍下的樣貌，象徵不同階段的自己再次相遇，她解釋：「一張由養育我的家人拍下，另一張則是我養育的孩子長大後為我拍下。兩個時間、兩個不同階段的我重疊在一起，正好呼應了〈Every Second’s A Treasure〉想說的『走過的每一分、每一秒，最後都可能成為生命裡的寶藏。』」

挑戰前進台北知名「機車瀑布橋」拍攝單曲宣傳影片蘇珮卿優雅過馬路跟等紅燈騎士打招呼

另外蘇珮卿還邀請來自紐約的影像導演 HAO YEN of America 拍攝歌曲前導影片，特地前往台北知名「機車瀑布橋」景點台北橋取景，挑戰與紅燈時間賽跑的快閃捕捉，蘇珮卿必須在抓準紅綠燈切換時，走到斑馬線中央，以一種輕鬆優雅姿態拿起相機拍下正在等紅燈的「機車瀑布騎士」們，她笑說：「要走到一大群騎士們前面拍照其實有點小小尷尬，但最後完成的成品效果我非常喜歡！」

機車瀑布冒險影片：https://www.instagram.com/p/Dc0_HpxBmsJ/

第三張專輯《The Best of the Worst of Times》實體黑膠啟動預購首批加贈神秘單曲七吋小黑膠收藏

隨著新單曲正式發行，蘇珮卿也預告第三張專輯《The Best of the Worst of Times》將啟動實體黑膠預購，獻給樂迷今年最棒的珍藏禮物，她特別提到，黑膠發行一直是希望可以完成的夢想，因此在著手新專輯錄製時，此計畫就被放在心中，終於來到實現這天。為了這次難能可貴的實體黑膠發行計畫，蘇珮卿還砸重本準備另一首神秘隱藏曲目，並以另外一張「七吋小黑膠」的形式，作為本次的首批預購限定收藏禮，她表示：「這首歌目前還不能揭曉，但我很期待大家收到時的驚喜。它是專門留給收藏實體黑膠的人，一份很特別的小祕密，也讓整套作品更完整、更值得收藏。」

黑膠預購網址：https://linktr.ee/peiching.su

照片/ 賽蓮音樂；新聞稿/ 鈞光閃閃

【專訪】Andr 的感官脫皮論述：在全新迷你專輯《SKIN》中，探索未經修飾的有機瑕疵

2026-09-04T19:06:14.117+08:00

台灣新生代創作人 Andr，2024 年以首張專輯《shhh, it's under my bed》寫下藏在床底、那些不願被輕易看見的私密情緒。時隔兩年，她帶著全新迷你專輯《SKIN》回來，這一次目光從床底走向皮膚，也更加靠近自己。

皮膚每天都在悄悄脫落，人也在不知不覺之間改變。對 Andr 而言，成長並不總是清晰可見的，有些變化甚至發生得無聲無息；而那些始終沒有改變的部分，也可能依然固執地留在身上。

這一次，她不再急著替音樂設定方向，而是跟著當下最有趣、最有感覺的選擇走。《SKIN》留下了更多未經修飾的聲音、瑕疵與意外，也讓作品變得更加有機、更加貼近此刻。

「瑕疵和意外本來就有很迷人的地方。」

脫皮或許不是一次完成的成長，而是我們與世界接觸時，不斷發生的細微變化。

這次 Andr 和好青年聊了聊《SKIN》裡的聲音與身體、脆弱與不安，也分享她如何在一次次創作與演出之間，慢慢找到現在的自己。

就在 9/5，Andr 的亞洲巡迴即將登陸香港 PORTAL，隨後也將回到主場台北，帶來限定規格演出。今晚一起讀讀這場關於蛻變的魔幻實驗，聽見那些正在長出來的新聲音，也觸摸那層全新長出來的《SKIN》吧！

Andr [Shedding Skin 脱皮] 2026 Asia Tour in Taipei [Special Edition]

演出日期：2026/9/19 (六)

演出時間：19:30

演出地點：Legacy Taipei

Q1：首張專輯《shhh, it's under my bed》像是在探討藏在床底的私密怪獸，這次新作品則直接命名為《SKIN》。從「外在的藏匿」到「本體皮膚的裸露」，這兩者在妳的心境上，象徵了什麼樣的成長或心理轉變？

Andr：前陣子看到人每天都會掉零點幾克的皮屑，跟我自己對轉變的感覺很像，好像永遠在不知不覺中就發生說不清楚的變化。一邊覺得人活著就是每一個瞬間都有 input 在改變我，但有時候又覺得自己某些方面固執且沒有長進，我看待我的作品也有這樣的感覺。

Q2：生物脫皮是為了適應生長，但過程往往是脆弱且敏感的。在創作《SKIN》的過程中，妳覺得自己脫去了什麼？哪一個部分的自己是在這個過程中「最感到陣痛」卻也最渴望迎來新生的？

Andr：第一張專輯的慎重感和某種儀式感我覺得有影響到我想要做什麼樣的音樂，但做這張迷你專輯的時候好像完全就沒有這些有的沒的的想法，很自然的就傾向去做當下覺得最有趣最有感覺的選擇（雖然做第一張專輯也是這樣但又有點不一樣）陣痛每天都發生，像是〈night night〉的人聲錄了 N 個小時一直想找到更好的呈現方式可以映照 Whys Young 的聲音，但最後的結果都讓我很開心。

Q3：妳曾提到《SKIN》的曲風更為「有機且稜角分明」，創作時不預設方向。在編曲或採樣上，這張專輯運用了哪些過去沒嘗試過的元素或樂器？妳是如何在錄音室裡刻意保留那種「未經修飾的粗糙美感」？

Andr：這次用了我去年年底買的 kaossilator 2S 裡面的其中一個 drum loop，塑膠小小一台很像玩具，但是當初一聽到那個 loop 就覺得有機會拿來寫歌，聲音非常 lo-fi 沒什麼低頻我很喜歡，每次按下去都會有點隨機有點不一樣的 pattern，後來變成〈Cry In Your TV〉的起點。

我覺得瑕疵和意外本來就有很迷人的地方，最乾淨、執行最徹底的 take 不一定是最好的 take，可能難的點是每次的取捨吧。

Q4：延續上一張專輯與韓立康老師的合作，這次在《SKIN》中，兩人的默契有了什麼樣的新變化？有沒有什麼不一樣的驚喜與撞擊？

Andr：已經有點忘記第一張專輯的時候是怎麼樣的狀態了，但我們一直都很常聊天，聊最近在聽什麼、下一張作品有什麼想嘗試的事情，默契好的影響是我可以用幾乎像是只有我一個人的放鬆狀態，但又同時有夥伴可以一起討論和爭執，我覺得很珍貴。

Q5：開場曲〈Cry in your TV〉充滿英倫搖滾精神，這是妳首次嘗試這種曲風嗎，對妳來說是一種宣洩還是挑戰？

Andr：那陣子很喜歡聽 The Cranberries、Goo Goo Dolls 的〈Iris〉這種 90 的音樂，我喜歡他們的旋律有種直接感，雖然是受到這樣的音樂啟發但我覺得最後做出來還是很不一樣，並不是真的太復古，我蠻喜歡最後歌的狀態。錄人聲的時候嘗試了很多錄音的方式，站著錄、半蹲著錄、離很遠大吼的錄、隨便亂唱的錄，很舒壓。

Q6：主打單曲〈安 Nest〉中直視了女性的恐懼。在音樂表現上，妳是如何利用實驗聲響的鋪陳，把那種抽象的不安感，具象化地傳達給聽眾？

Andr：很喜歡這個問題...歌曲後半我想讓聆聽時的體驗可以更不安、更緊張一點，但希望是用聽眾不一定會發現的方式辦到。後來我們決定對著吉他的拾音器嘶吼放在編曲裡，隱隱約約其實聽不太清楚，但我覺得成功用很難以察覺的方式讓張力變得更大，很符合這首歌的感覺。編曲上我們也做了很多像是槍響的鼓聲、此起彼落的哼唱等等聲響，堆疊成現在的樣子。

Q7：專輯中的〈FACES〉在歌詞裡寫到了“Tired of all these faces, I sleep better in my bed”。這兩句話讀起來，像是從的外在的疲勞中，又再度回望了上一張專輯的私密空間。這首歌在整張《SKIN》的「脫皮」概念裡，扮演著什麼樣的過渡角色？

Andr：這首歌是迷你專輯裡第一首完成也第一首發的歌，那陣子很常有機會在世界各地演出，一邊覺得很新鮮有趣，認識很多新的人、在很多陌生的臉孔前面演出，一邊又很想念熟悉的味道（例如魚酥羹麵還有小火鍋）還有家人朋友。這首歌也許可以看成現在的狀態和發第一張專輯的狀態中間的過渡吧。

Q8：這次與韓國音樂人 Whys Young 合作了〈night night〉，像是〈安 Nest〉的雙生歌曲，也為專輯溫暖收尾。跨越語言與地域的限制，妳們在音樂語彙上是如何對話的？有影響妳創作音樂的方式嗎？

Andr：剛開始傳了這首歌的 demo 還有一個落落長的 word 文件想和 Whys Young 說這首歌背後的故事、為什麼想找她 feature 之類的，我覺得在音樂完成前讓其他人聽總是覺得很赤裸，當時很緊張不知道她會不會答應。但她很快的就回覆我最近剛好也和身邊的女性音樂人朋友聊到相關的事情，覺得很有共鳴。聽到她的 verse 之後我記得我呆坐著蠻久，就算還沒了解歌詞都可以感受到那種很脆弱、輕薄但又有某種很 raw 的力量的感覺，啟發了我們去花很長的時間嘗試我應該怎麼錄我的人聲。我們其實沒有太多文字的討論或是來回，更多的是因為彼此的音樂所以讓我們想也用音樂試著回應！

Q9：妳正在進行《Shedding Skin》亞洲巡演，其中台北場還特別強調是「Special Edition 限定規格」。妳最想對來看演出的歌迷們說些什麼？

Andr：很感動第一次的亞洲巡迴可以回到主場台北辦，時隔上次在台北辦專場大概一年多，是一段不長也不短的時間，有點緊張底下會有哪些熟面孔新面孔來玩。因為是在 Legacy，其實我們在這裡演出過蠻多次了，我覺得是時候嘗試一些新花樣、新的演出形式，所以我覺得不管有沒有看過我的演出應該都會感覺到有種脫皮的新鮮感。會很好玩，希望大家有空都可以來看，應該還剩下一些些票，到時候見！

Q10：妳會希望《SKIN》這張專輯，能在聽眾們的什麼時刻或是空間裡陪伴著他們，讓他們能好好享受？

Andr：任何時間都好，自己一個人或是跟朋友一起也都很讚。但我自己最喜歡在移動、通勤的時候聽音樂，或是深夜一個人待在房間的時候，音樂常常會帶給我魔幻的體驗，如果有人也在聽這張專輯的時候有類似的感覺就太好了。

Q11：最近有在聽什麼，能跟我們分享幾首 Andr 喜歡的私房歌曲？

Andr：最近常常在搭飛機，我很喜歡下載專輯然後在飛機上從頭聽到尾，有種回到小時候用CD專心聽整張專輯的感覺。最近很喜歡 Bloc Party 的《Silent Alarm》這張專輯，主唱半饒半唱的感覺配上很緊湊、刺激的鼓，然後不想暴雷但我很喜歡最後一首歌的設計，很爽，推薦。最近剛去完 Summer Sonic 演出，這次竟然可以看到 DEAN 難得表演，很開心很興奮...

最後想分享一個我的朋友 LAWA 發的新歌〈火花〉，音樂和 MV 都很美，是會讓人覺得某種傷口被輕撫的音樂！

【專訪】Echo of Your Soul 回聲樂團：在世界消失之前，將靈魂化作永恆的回聲

2026-08-20T18:54:56.559+08:00

睽違 12 年，那個曾以《感官駕馭》走過我們無數人青春的樂團回來了。只是這一次，他們把「Echo」完整拓展成了「Echo of Your Soul」。

這次回歸，他們不只帶來新歌，更特別打造了雙 CD 豪華編制。一邊是全新創作的《靈魂的回聲》，一邊是重新錄製六首樂團早期經典的《記憶的回聲》。對回聲樂團來說，這雙專輯就像是一個「連通現在與過去的蟲洞」，你可以從任何一邊進去，最後都會遇見同一個、在時間裡歷練成熟的他們。

這不只是一場懷舊，而是一場明知萬物終將消逝、卻依然浪漫的「末日告白」。

「如果你以前曾經聽過回聲，我們很想邀請你回來看看，這些年我們各自走了多遠，又怎麼重新走到一起；如果你是最近才第一次聽到回聲，那更歡迎你來。你不需要知道我們以前發生過什麼，因為這就是現在的我們。」

他們將於 8 月 29 日在 Legacy Taipei 舉行「靈魂的回聲 + 記憶的回聲」專輯首演演唱會。串流上的音樂可以聽一萬次，但現場的那一次，就是那一次，不會再發生。讓我們一起走進這個時空蟲洞，聽見自己靈魂最真實的回聲。

購票連結：https://tixcraft.com/activity/detail/26_echo

Q1：這次回歸不僅推出新專輯，還把團名從原本的「Echo」改為「Echo of Your Soul」。這個轉變背後，對現階段的你們來說象徵著什麼樣的全新完整性？

回聲樂團：其實「Echo」這個名字一開始滿隨性的。19 歲的時候，柏蒼跟清大迴聲社的朋友在新竹酒吧演出，臨時需要一個團名，就這樣叫了 Echo。後來樂團發展得很快，這個名字也就一路跟著我們二十幾年。

但「Music is the Echo of Your Soul」一直是我們很重要的一句話。音樂是靈魂的回聲，你經歷過什麼、愛過什麼、失去過什麼，最後都會以某種形式留在音樂裡。所以這次改成 Echo of Your Soul，反而不是變成一個新的樂團，而是終於把原來沒有說完的名字說完整了。

二十幾歲的我們可能比較在意「我要做出什麼樣的音樂」，現在重新回來，反而會去想「我們為什麼還要做音樂」。經歷休團、家庭、工作、人生很多變化之後，最後五個人還願意回到同一個練團室，我覺得這件事情本身，就已經回答了這個問題。

Q2：歷經長達 8 年的休團與各自成家立業、創業，大家重新聚在一起練團、找回手感時，有沒有遇到什麼有趣的摩擦或感動？

回聲樂團：很有趣的是，我們的人生改變很多，但一拿起樂器有些東西幾乎沒有變。這幾年每個人其實都去了非常不同的地方。有人創業、有人做健身產業、有人研發吉他、有人把時間留給家庭跟孩子，搬到台南生活。大家已經不是以前那群可以一個禮拜練很多次團的狀態，所以光是要把五個人的時間湊在一起，有時候就比編曲還困難。可是開始演奏之後，那種默契又很奇妙地回來。

印象很深的是浪人祭之後，我們發現台下真的還有人記得這些歌，甚至有人因為看到我們重新站在台上而哭。那時候才意識到，原來這個樂團不只是我們五個人的記憶，它也存在在很多人的人生裡。

所以後來我才會想把大家重新找回來。既然我們都還喜歡一起演奏，也還有話想說，那是不是可以不要只停在一次限定復出，而是真的再做一張新的作品？

Q3：專輯以「末日浪漫主義」為核心，你們心中浮現的是什麼樣的畫面？

回聲樂團：我們想像的末日，其實不一定是隕石掉下來、世界爆炸那種電影式的末日。它也可能是我們現在每天正在經歷的世界，AI、戰爭、氣候變遷、社群媒體、數位焦慮，所有事情都變得非常快。我們擁有的科技越來越強大，但人好像沒有因此比較不孤單。

所以「末日浪漫主義」真正想問的其實是：如果所有東西最後都會消失，那什麼東西還值得留下？專輯裡有一句很簡單的話：「這種時候，覺得身邊有你就已足夠。」我們覺得那差不多就是整張專輯的核心。

不是因為世界很美好，所以我們浪漫；反而是因為知道萬物都會消失、人生很短暫，所以此刻還能夠相遇、喜歡一個人、跟一些人一起做音樂，才變得特別珍貴。

Q4：專輯中非常抓耳的〈Because I Love You So〉，聽起來非常復古且迷人。這首看似浪漫的情歌，在合成器流行與吉他包裹下，想傳達的是一種什麼樣的末日告白？

回聲樂團：這首歌表面上可能是整張專輯最像情歌的一首，但它其實在講「存在」。歌詞裡我們寫：「也許相遇過後只剩無常的詠嘆，但若你記得我，我就會存在。」

宇宙這麼大，人的生命其實非常短，我們彼此相遇的時間可能只是一瞬間。但如果那個瞬間曾經被另外一個人記得，它是不是就以某種形式繼續存在？所以它的末日感不是悲壯的，比較像是在世界消失之前，我不需要再說什麼很複雜的話，只想讓你知道因為我如此愛你。

音樂上我們反而故意讓它非常浪漫，用 Synthpop 的合成器、很大的吉他音牆，加上尹均那種很日系、英雄式的吉他 solo。它有一種八、九零年代科幻愛情電影的感覺。好像兩個人在非常巨大的宇宙裡短暫碰到彼此，然後又各自離開。

Q5：專輯中也收錄了像〈訂閱冥想〉這樣探討現代人社群焦慮與荒謬感的歌曲。在數位生成與快節奏的時代，你們覺得「實體與真實經驗」為什麼無可替代？

回聲樂團：〈訂閱冥想〉裡有一句我們自己很喜歡：「購買焦慮之後，訂閱了冥想。」我們現在很多問題跟解決問題的方法，其實都是同一套系統提供給你的。它先讓你焦慮，再賣一個解除焦慮的方法給你；讓你覺得自己不夠好，再告訴你要怎麼成為更好的自己。

但我們不是站在外面批判這件事，因為我們自己也活在裡面。所以歌詞才會寫「蠢得無法自拔，我們都一樣」。也因為這樣，我們反而越來越珍惜那些不能被數位取代的東西。

像五個人真的待在一個空間裡演奏，鼓的空氣震動、吉他 amp 推出來的聲音，甚至某個人彈快了一點、慢了一點，大家跟著改變，那些不完美其實才是「人」存在的證明。你可以在串流上聽一萬次一首歌，但站在演唱會裡，跟幾百個人一起唱同一句歌詞，那一次就是那一次，不會再發生。

對我們來說，那種不可複製性，反而變得比以前更珍貴。

Q6：〈誰的心忘了〉是從舊硬碟挖出來的早期 Demo，時隔多年重新整理它，當時和現在的心境有什麼微妙轉變？

回聲樂團：很有趣的是，一首歌被放在硬碟裡這麼多年，再打開的時候，已經有點不像是在聽自己的作品，而像是在看以前的自己。

〈誰的心忘了〉本來就在寫記憶這件事。鑰匙、雨傘、心跳、時間，很多生活裡很小的東西都會忘記，可是有些情感的身體記憶反而一直留著。

年輕的時候寫「忘記」，可能比較接近一段關係或某個當下的情緒；現在重新唱它，會覺得「忘記」本身其實也是人生的一部分。

我們記得的、忘掉的，最後都慢慢變成現在的自己。

所以這次沒有想把它硬做成年輕時候的樣子，而是接受它已經經過這些時間，讓現在的回聲樂團重新把它說一次。Lo-fi 的吉他、空間感和那些帶毛邊的聲音，也很像記憶本身，不完全清楚，但反而因此更真實。

Q7：這次首批實體專輯特別採用了雙 CD 的豪華編制，一邊是全新創作的《靈魂的回聲》，另一邊則是重新錄製六首樂團早期經典的《記憶的回聲》。樂團曾形容這像是一個「連通現在與過去的蟲洞」。可以和我們聊聊當初怎麼會決定用這種「雙專輯」的形式來作為睽違 12 年的回歸見面禮？在曲目挑選上有什麼特別的考量？

回聲樂團：因為我們不希望這次回來只是做一張懷舊精選。所以《靈魂的回聲》裡的十首歌全部都是重新聚首之後的新創作。對我們來說，如果要重新成為一個樂團，就一定要有「現在」的作品，而不是只靠以前的歌活著。

但另一方面，我們也想回顧過去。所以才有了第二張《記憶的回聲 Echo of the Echo》，重新錄製〈天馬神風〉、〈感官駕馭〉、〈繞〉、〈解放〉、〈OK?〉、〈瞬間〉這六首歌。挑這六首，一方面是因為它們的實體版本已經絕版很多年；另一方面，它們經過團員更迭、休團、甚至二十幾年的時間，在今天的現場還是非常有生命力。

所以我們一直覺得這兩張 CD 很像一個蟲洞。一邊是現在的我們，一邊是二十幾年前的我們。你可以從任何一邊進去，最後都會遇見同一個樂團。

對一路陪著我們走過來的人，它像是一份見面禮；對第一次認識回聲的人，也可以一次聽見我們從哪裡來，以及現在走到了哪裡。

Q8：這次專輯除了主唱柏蒼領銜製作，更邀請到了配樂大師侯志堅與知名製作人韓立康。兩位音樂人的加入，在專輯的「電影感配樂美學」和「英式搖滾撞擊」上，有為你們帶來了什麼樣火花或妥協？

回聲樂團：這次我們其實很想保留「回聲就是一個樂團」這件事，所以整張專輯的核心還是五個人的演奏，以及我們原本很熟悉的英倫、華麗搖滾和日系搖滾血統。但這次的世界觀比以前大很多，有宇宙、科技、末日、數位世界，所以我們也希望聲音可以超越一般 Band Sound。

侯志堅老師參與的〈Take a Shine〉就是很明顯的例子。那首歌本來就是柏蒼在坂本龍一過世之後寫下的作品，侯老師用鋼琴跟電子聲響，把它帶進一個非常有 90 年代坂本龍一電影配樂氣質的空間。那已經不太像一般樂團在「編一首歌」，而比較像是在替一個不存在的電影配樂。

韓立康帶來的則是另外一種撞擊，他對樂團聲響、吉他和製作有非常鮮明的想法，會讓我們原本熟悉的英式搖滾語言被重新檢視。

Q9：8 月 29 日即將在 Legacy Taipei 舉辦「靈魂的回聲」專輯首演演唱會，這也是繼回歸後難得的大型專場，這次會帶給樂迷什麼樣的視聽編制與驚喜？

回聲樂團：這張專輯有大量的合成器、電子聲響、吉他音牆，以及非常極端的動態，有〈撲向那隻狼〉這種大家可以一起唱的 Arena Rock，也有〈Take a Shine〉這種很安靜、很電影感的作品。當然，既然是睽違這麼久的大型專場，也不可能只有新歌。我們會讓現在的《靈魂的回聲》和過去的《記憶的回聲》在 Legacy 同一個晚上真正接在一起。

Q10：對一路支持到現在的老歌迷，以及新聽見回聲樂團的年輕世代，有沒有什麼話想對大家說，並邀請大家來聽專場？

回聲樂團：我們最近演出的時候，有一個畫面其實讓我們很感動。台下不只有以前一路聽回聲的樂迷，也有他們的孩子，甚至我們自己的孩子。

音樂很神奇，它可以讓二十年前的一首歌，在今天重新發生；也可以讓一個今天第一次聽見回聲的人，跟二十年前的我們產生連結。所以如果你以前曾經聽過回聲，我們很想邀請你回來看看，這些年我們各自走了多遠，又怎麼重新走到一起。如果你是最近才第一次聽到回聲，那更歡迎你來。你不需要知道我們以前發生過什麼，因為《靈魂的回聲》就是現在的我們。

8 月 29 日，我們想把過去、現在，甚至下一個階段的回聲，都放在同一個晚上。

【專訪】阿蘭 AC〈漫漫長夜〉當 2000 年代 R&B 遇上現代靈魂樂

2026-08-05T18:36:36.943+08:00

當城市逐漸安靜，思念與情感卻在夜深人靜時變得格外清晰。阿蘭 AC 全新單曲〈漫漫長夜〉以兩千年代的復古 R&B 律動為底，揉合細緻的碎拍與弦樂，唱出那些在黑夜裡最真實的依戀與承諾。走過樂團與比賽舞台，現在的他唱歌少了一絲掙扎，多了一份時間沉澱下來的從容與純粹。

在漫漫長夜裡，與好青年一起走進阿蘭 AC 的音樂溫室，聊聊音色裡的直覺、創作身分的切換，以及對於未來的音樂許願。

Q1：新歌〈漫漫長夜〉的歌詞展現了極大的陪伴感。請問這首歌最初的創作靈感，是源自於你生活中的某個特定深夜，還是長久以來積累的感觸？

阿蘭 AC：都有。

的確得經歷過了很多很多的拉扯，才能在某一天的晚上，將所積累的靈感創作出來。

我們或許都經歷過無數次的夜晚，有時這份孤獨很美好，有時很殘酷，如果剛好能夠有一盞燈光靜靜陪伴著，所有情緒都會被放大，於是這首歌就產生了。

Q2：這首歌充滿了 2000 年代流行情懷的抒情 R&B 律動。你之前提過周杰倫對你的音樂啟蒙很大，在製作這首歌時，你有揉合了哪些那個黃金年代的音樂元素嗎？又是如何加入阿蘭 AC 專屬的現代靈魂樂質感？

阿蘭 AC：我認為從「節奏型態」跟「音色」能夠表現風格及年代感。

這首歌最明顯的應該是在「律動感」。Kick 很多時候會安排在結尾 1 4 7 bar 進行過門，還有 Percussion 常使用三角鐵 808 hihat 表現碎拍。再來對我來說一直是華語流行不可或缺元素之一的弦樂，還有一些旋律上的音階走向。

因為過去深受黑人音樂及福音風格的影響，和聲按照自己聆聽內化的經驗呈現，副歌就大量地用和聲堆疊取代 Lead Vocal，而我再穿插其中、最後拉回主軸。這個安排其實蠻有趣的，感覺之後在專場或演出場合也可以跟大家合唱。

Q3：作為這首歌的詞曲、編曲兼製作人，你用了非常絲滑且溫柔的音色去烘托「長夜」。在編曲設計上，你最喜歡哪個樂器的編排或小細節？

阿蘭 AC：當然會說每個經過細心處理的設計（笑）。

不過認真說的話，在開始製作這首歌的時候已經預想好需要由弦樂鋪陳，因為更能夠扣人心弦，並在緊湊的旋律中點綴、在豐沛的情緒中烘托、在綿密的歌詞中碰撞，豐富作品整體層次。

Q4：近期你為 A-Lin、丁噹、曾沛慈等眾多華語天后操刀創作，好評不斷。在幫別人量身打造，與回歸自己唱出個人心聲之間，你在創作心態與切換角色時，最大的挑戰與樂趣是什麼？

阿蘭 AC：創作心境的切換是必然，一直是工作的一環。

雖然在為別人寫歌的時候，都會設身處地從他人著想及出發，有時更會事前做足功課，把歌手過去作品聽一輪，研究對方的音域、詮釋方式等，最後成品出爐時還是會投射到自己身上，進而發現一件事：原來我也可以這樣唱？

過程中我也在學習跟認識自己，不再被慣用的創作思維侷限，跳脫出來會發覺其實可以嘗試更多可能性。

挑戰的話應該就是女 Key 實在不好駕馭。

Q5：你曾幽默地稱自己為「音樂農夫」，在名為音樂的溫室裡耕耘著不同曲風。從先前的單曲〈Dust〉到現在的〈漫漫長夜〉，你覺得自己的「音樂溫室」裡，最近又長出了什麼樣全新或有趣的品種？

阿蘭 AC：這幾年有一些轉變，不論工作的環境、認識的朋友、吸收的新知，都讓我心態上有很多不同的看法。

過去的我可能會專注在自己的「音樂溫室」創作出品種，接下來我很想走出去，試試看自己一直以來沒有碰過的東西，也許是過去想要嘗試而沒嘗試的，抑或是過去抗拒而現在已能接受的，享受踏出舒適圈碰撞的火花跟產生的酷東西！

Q6：與過去在樂團唐貓或《聲林之王》的時期相比，現在的狀態給了你什麼樣的自由度？你在創作上是否變得更「任性」或更純粹了？

阿蘭 AC：感覺因為時間跟經驗的累積，創作起來更順也更成熟了一些，過去會一直思考的盲點後來大部分都能夠解決。

反倒對於自己的「自由度」這題值得反思。應該說需要更加任性地表現純粹？還是別想太多忠於自我當下的感受才是純粹？這對於我這種想比較多的人有太多種解讀了。

不過唯一有感的是，唱歌不再如此用力，過去有時會出現的掙扎感似乎消除了一些，也可能是不再年輕的關係。

Q7：既然新歌叫做〈漫漫長夜〉，大家很好奇「蘭哥」在深夜的生活型態。你通常是一個熬夜創作的夜貓子嗎？在那些漫漫長夜裡，除了做音樂，什麼樣的事情最能讓你放鬆、重新充飽電？

阿蘭 AC：好消息是最近這一兩年的睡眠時間已經校正回歸，非必要不會熬夜，並在早上固定時間起床吃早餐。壞消息就是基本上不會熬夜創作，其實蠻傷身。

過去幾年就是因為每天熬夜到早上，身體狀態出現問題。奉勸各位創作人要多留意，除非肝還很新鮮。擁有健康的身心狀態，才是能繼續往前的關鍵！所以我會運動、會健身、會去戶外走走，重點就是暫離原本的工作範圍或環境。

Q8：面向未來，你有給自己設定什麼樣的音樂里程碑，例如專輯、專場，或是非常渴望的跨界合作嗎？

阿蘭 AC：告訴自己在工作之餘，多多留給自己時間去累積作品。

希望未來可以有一場專場，因為從首張專輯至今還沒有舉辦過。

至於渴望的事情就先賣個關子，目前都在努力許願跟實踐中，相信會在時機成熟時展現給大家囉！

Q9：這首歌就像是一封寫給所有聽眾的陪伴情書。最後，有沒有什麼話想對一直支持你，在深夜循環播放〈漫漫長夜〉的歌迷們說？

阿蘭 AC：夜深人靜時，就讓這首歌〈漫漫長夜〉陪伴你度過一個夜晚。

其實我才要感謝歌迷跟聽眾，讓我的聲音參與到你們的人生，哪怕一小段而已。

Q10：如果請你為正在經歷漫漫長夜的人推薦幾首你私心最愛、最能療癒靈魂的歌曲，你的清單會有哪些歌？

1. Frank Ocean - Self Control

2. 方大同 - 才二十三

3. 阿蘭 AC - Dust

【專訪】aDAN薛詒丹，攜手 Gummy B 譜出深夜〈出口〉，日落後的世界，換我駐守。」

2026-07-31T18:59:25.948+08:00

「日落後的世界，換我駐守。」

從《孤獨金魚圖鑑》的都市孤獨，到全新單曲〈出口 Way Out〉，aDAN薛詒丹這次在 Sōryo 鋪陳的霓虹夜色中，與 Gummy B 展開了一場深夜的迷惘對話。那些獨自前行的遺憾，都在另一個聲音加入後被溫柔接住。

這次《青年的音樂清單》邀請到阿丹，聊聊這首由她親自操刀製作、與 Gummy B 共同詞曲創作的單曲。不只記錄了她在聲音演繹上的調整，更揭密了這場「演出先行」的熱血合作，並搶先預告了 2026 下半年的音樂計畫。

這首歌，想送給在都市裡努力了很久的你。既然時間一直往前，那我們就一起往前走，尋找屬於自己的出口。

Q1：這次的合作源自於妳三年前在金音獎看完 Gummy B 的演出，當時是被哪一個瞬間給擊中？

aDan：很強的氣場跟表演感，歌又好聽，那天現場的音場也很棒，回家路上馬上打開《安泰》來聽。

Q2：這次和 Gummy B 的合作是根據 Demo 一起討論編曲的鋪陳、以及演唱與饒舌段落的分配。這種腦力激盪的過程，跟以往妳獨自做歌、或是傳統的合作模式相比，帶給妳什麼不一樣的共創火花？

aDan：這次其實一起討論了很多很細節的東西，從整首歌的 flow、和弦怎麼調整，到段落的安排，比如這裡要不要換一個走向、最後要不要再多加一段 hook，都是一起討論出來的。

雖然這首歌最初的雛形是從我這邊開始，但經過這樣來回的腦力激盪之後，整首歌突然有一種煥然一新的感覺，而且不是誰去配合誰，而是真的一起找到這首歌最適合的樣子。

我也很喜歡最後呈現出來的狀態，就是我唱的地方還是很「阿丹」，Gummy B 的段落也非常「Gummy B」。彼此的聲音定位都很明確，在保留各自特色的同時，又可以在同一首歌裡找到一個很自然的交集，我覺得這就是這次共創最有趣的地方。

Q3：Gummy B 曾形容這首歌的 Demo 給他一種「夕陽西下、一個帥帥的背影走掉」的畫面感。妳自己當初寫這首歌時，腦海中的畫面也是如此嗎？後來透過 Sōryo 的編曲，妳們是如何聯手把這個抽象的背影，具體化成這首充滿都會霓虹與夜色感的歌曲？

aDan：其實我當初的畫面跟 Gummy B 蠻不一樣的。印象中兩年多前寫下這首歌的時候，腦海裡反而是一個有點潮濕的陰天。當時甚至還沒有歌詞，只有旋律，我只是隨機用一些日文哼唱把它記錄下來。

但隨著時間推移，到了 2026 年，我自己對這首歌的感受也已經改變了。所以當我們重新打開這首 Demo 的時候，我覺得它其實也重新開放了命題，不需要被兩年前的想像綁住。

對我來說，一起做歌很重要的一件事，就是去找到彼此對歌曲感受的交集。Sōryo 在開始編曲之前，特別花時間理解我當初的創作動機，以及現在重新面對這首歌時的心境；Gummy B 也帶進了他聽見這首 Demo 時所產生的畫面。

所以最後大家聽到的那種都會、夜色，或某種帶著距離感的氛圍，其實不是我們一開始就設定好要做成什麼樣子，而是在三個人都願意分享、也願意理解彼此感受的過程裡，很自然產生出來的交集。

Q4：你們在文字和概念上的對話，當時在分配這首歌的「敘事視角」時，你們是怎麼溝通的？他寫的詞有沒有哪一句讓妳特別有共鳴？

aDan：我們其實沒有特別去分配敘事視角。我先完成了自己的歌詞，Gummy B 再按照他對這首歌的感受去發展他的部分。

結果他的詞一來，我就覺得太讚了。因為我寫的部分比較像是一個人在迷惘裡前進，走在無人的街道上，不太確定出口在哪裡；但 Gummy B 的段落一出現，突然像是多了一個同行的人。原本我沒有預設這首歌會有這樣的角色，但聽到之後才發現：對，這首歌真的很需要有這個人在。

尤其是「也會有出口，日落後的世界換我駐守。」這句一出來，我覺得整首歌的視角突然被打開了。前面那些迷惘似乎有人接住了，有一種很安心的感覺。

Q5：這首歌的詞句非常細膩，描寫了人在低谷中的迷惘、荒涼與遺憾。在錄音或創作時，妳是否也投射了自己近幾年在音樂路上、或身為都市人的真實脆弱？妳希望這首歌能給正處於同樣狀態的人什麼樣的「出口」？

aDan：我的歌其實一直都融入很多很「入世」的體會，因為創作對我來說本來就來自生活，而我就生活在這座城市裡。

從以前的〈生存偏見〉、〈怎樣的大人〉、〈故事依然繼續〉，到第二張專輯《孤獨金魚圖鑑》，其實一直都在寫都市生活裡的孤獨、迷惘與渴望，也寫人在這些狀態之中，怎麼繼續尋找自己的方向。所以〈出口〉對我來說，也是這幾年生活和創作經驗很自然的延續。

我想把這首歌送給那些已經有點累了、覺得自己努力了很久的人。想跟他們說：再給自己一點時間，也不要放棄希望。即使現在還看不清楚方向，只要繼續往前走，沿途的風景會慢慢改變，也一定會找到屬於自己的出口。

Q6：這首歌其實是上一張專輯《孤獨金魚圖鑑》籌備初期的 Demo。當時專輯用「金魚在魚缸裡兜圈」隱喻都市人的孤獨。如今這首新單曲取名為〈出口〉，是否代表著這幾年下來，薛詒丹在心理狀態或創作視角上，已經找到了打破魚缸、走向更開闊地方的方法？

aDan：歌名是我們一起討論的，而且很快就定調叫〈出口〉，因為覺得切題、簡單，也很有力量。

如果把它跟《孤獨金魚圖鑑》放在一起看，我不確定自己是不是已經找到了「打破魚缸」的方法，但經過這幾年，的確多少長出了一些能撐在心裡的力量。以前可能更常停留在困惑裡，現在則會覺得，即使還不知道出口確切在哪裡，也還是可以選擇繼續往前。

畢竟我們正在經歷的每一秒，到了下一秒就已經成為過去。既然時間一直往前，那我們好像也只能、也應該繼續往前走了。

Q7：妳過往的音樂偏向精緻的 R&B 與爵士。這次為了融入嘻哈的語境與強烈的節奏顆粒感，在聲音演繹上，妳有刻意做出什麼以往比較少見的嘗試或調整嗎？

aDan：這次有提醒自己把咬字放鬆一些，錄音時也更在意節奏感和口氣，希望聲音可以自然地融進整首歌的 groove 裡。

Q8：回顧妳過往的男女合唱，從李英宏的〈沙發危機〉、鶴 The Crane 的〈差一點的我們〉，到這次與 Gummy B 合作〈出口 Way Out〉。跟這三位風格截然不同的男歌手合作，有分別帶給妳什麼不一樣的化學反應嗎？

aDan：不只是三位音樂人的風格不同，其實三次合作的起點和方式也完全不一樣，所以很難一一比較。

比較特別的是，這次和 Gummy B 是第一次「演出先行」的合作。我們先在《孤獨金魚：自由的練習》專場首唱，之後才正式進入單曲製作。從決定合作、一起把歌完成，到直接搬上舞台，整個過程很熱血，但同時也很理性、有效率。現在回頭看，很像是一起完成了一個原本覺得不太可能的任務。

Q9：〈出口〉是妳二專後的首支主導單曲，也預告了接下來還會有更多全新作品。可以提前跟《好青年的音樂清單》的讀者透露接下來的音樂計畫嗎？

aDan： 2026 下半年預計還會有兩首合作歌曲以及另一首主導單曲發行，每首歌都非常不一樣，可以期待

Q10：最後，想請 aDAN 推薦幾首感到迷惘時最常聽的私房歌曲？

aDan：很偶爾我會重聽自己 2022 年發行的〈怎樣的大人〉。有時候回頭聽，反而會被當時的自己安慰到。這首歌真的蠻療癒的，當然還有新歌〈出口〉，都很推薦給大家。

【專訪】洪安妮的倫敦音樂自白：在《a piece of peace》裡，允許自己休息

2026-07-26T19:00:00.000+08:00

「點亮一盞午夜的燈，在這個空間裡，

你可以允許自己脆弱與瓦解。」

如果你曾被〈我喜歡你〉的青澀告白打動，或在〈好好〉裡被溫柔拉住，那你一定知道洪安妮。她的歌聲像是一道不刺眼的微光，總是在人們最孤獨、最需要陪伴的時刻，悄悄遞上一條手帕。她不僅是療癒無數靈魂的創作歌手，也是深夜裡用《好晚安電台》撫平失眠者的溫暖陪伴者。

你也是那個在理想與現實間拉扯，

連休息都帶著罪惡感的人嗎？

這次，《好青年的音樂清單》特別邀請到安妮。

帶著今年發行的新專輯《a piece of peace》與即將在倫敦百年古蹟 St. Pancras Old Church 舉辦的專場，安妮與我們聊聊那些在異鄉、在都市裡流浪的心情。安妮說，這張專輯就像是一個環境音，她不想大聲宣讀什麼大志，只想溫柔地告訴你：「把自己做得到的小事做好，就很棒了。」

無論你是在異鄉打拼的流浪靈魂，還是在深夜獨自流淚的失眠者，這場專訪與安妮推薦的私房歌單，都將成為你今晚的避難所。

Q1：新專輯《a piece of peace》給人一種非常溫柔、像是在微光中被擁抱的感覺。如果要把這張專輯具象化，妳覺得它最像什麼？

洪安妮：我覺得它像是一個房間，午夜窗外已暗，寂靜到有點孤單，但房間裡亮著一盞我很喜歡的燈。

Q2：我們常在理想與現實間拉扯。妳在新歌〈無大志〉中唱出「只想一直休息」的心聲，這是在什麼樣的狀態下寫出來的？妳是如何看待「躺平」的渴望？

洪安妮：有一天早上起床，覺得自己怎麼還沒成大事的無力感，就用有點算了吧的心情哼哼唱唱出來。另一方面，因為我本身是屬於野心比較小的性格，或者是說，我喜歡做我喜歡、擅長的事情，也會樂於在之中努力，但不是因為想到達某個成就或社會目的而做。這樣的價值觀在世界上常常會被認為是不夠努力、不夠有用，但現在的我認為，把自己做得到的小事做好，就是很棒的了，大志或小志的大小標準、分數框架，我認為不是只有唯一的評斷標準，最重要的是無愧於心、坦蕩蕩。

躺平這件事，我覺得看每個人的恢復機能，有長有短，但不能沒有。真正心無旁騖地休息我覺得很難達到，因為我們甚至連做夢都在擔心和焦慮。「休息是為了走更長遠的路」這句話，我其實是感到壓力的，因為這個休息還是帶著目的，但我覺得如果能做到「就只是休息」就能感受到非常高品質的充電。休息過後，又是新的一輪了。如果能做到，我覺得是很厲害的。

Q3：很多人覺得妳的歌聲很療癒，但「療癒者」往往也承載了很多情緒。當妳自己感到疲憊、或找不到平靜時，都靠什麼方式幫自己充電？

洪安妮：我創作最初的目的其實是要療癒自己的，但音樂和歌詞和人可以連在一起，所以也療癒了其他人。前一陣子我處在非常糟糕的狀態，某一些時刻，突然被我好久以前寫的歌療癒了，好像以前的自己在鼓勵現在的自己，穿越時空對話的感覺。另外，雖然看起來我是療癒者，但也經常被歌迷的回饋和文字鼓勵大大療癒，所以我很珍惜和享受這份雙向的療癒能量。再來是，獨處是我最常做的充電模式，也是很重要的時間。

Q4：妳的專輯《A Room in Brockley》與新專輯《a piece of peace》都是在倫敦創作的。空間的轉變對妳的創作帶來了什麼質變？倫敦這個城市有改變你觀察世界的方式嗎？

洪安妮：我的創作大部分是透過觀察和體驗生活而來，所以空間的轉變雖然很快，但觀察和體驗是需要比較長的時間去吸收、消化、再轉變成我的表達方式，因此我覺得那個變化一開始很難感覺到。但一直到最近，時間拉長，我發現我很多以前沒發現的自己：「原來我不是那樣的人啊」、「原來我是喜歡這些啊」......，我覺得這些是因為我離開安全舒服的家鄉，來到倫敦體驗很多事情、經歷以前沒經歷過的情緒、感覺，認識不同的人、聽到不同的價值觀和故事，同時也更了解自己，這些都改變我觀察世界的方式。這些改變的確是因為身在倫敦這個既複雜又豐富的物理環境而接收到的一切訊息。

Q5：新專輯名為《a piece of peace》，這張專輯彷彿是妳為大家建造的一個「避難所」。在聽覺與編曲上，這次有做什麼特別的嘗試或堅持嗎？

洪安妮：製作上，我把這張專輯做成好像是一整首歌，也很像在工作、通勤或準備睡覺前的環境音，放完好像沒感覺，但一旦停止播放好像又覺得奇怪。希望是有這樣的效果。

編曲上這次也是非常極簡，整張專輯用的樂器是一把我在 yard sale 買到的尼龍弦吉他。那時候我就想用尼龍弦吉他錄專輯，但我手上只有鋼弦的，所以就再查要買哪款。結果隔幾天為了拜訪 Ripley（我在倫敦第一年認識的鄰居貓，她陪我走回家好多個夜晚，但在去年回喵星）的主人，回到第一年倫敦住宿的社區，結果就遇到這把尼龍弦吉他。我覺得我和這把吉他是有緣份的，而且是 Ripley 也連在其中，所以對我來說是很有意義的，雖然那只是 30 鎊的基礎練習琴，但我還是決定用在錄製專輯。

Q6：在倫敦生活期間，有沒有哪一個瞬間，讓妳覺得「啊，這就是我想記錄在音樂裡的畫面」？

洪安妮：其實每一首歌都是～〈a piece of peace〉比較具體一點，這首歌的 MV 是我在 Hastings 的山坡公園上錄下的影片（雖然不是倫敦），那天的日落我待了兩三個小時，一個人看著那樣的風景，想著：「啊！這就是我的 dream life 啊，好想一直在這裡～」那是一個非常寧靜的氛圍，一片景色中有山、有海、有月亮、有小徑、有被風緩緩吹動的雲。所以我錄下影片，保存那時候非常 peace 的時光。也是久違感受到內心的寧靜。

購票連結：https://gotobeat.com/gig/anni-hung-live-in-london-st-pancras-old-church-a1/

Q7：這次即將在 8 月 14 日登上倫敦古老歷史古蹟 St. Pancras Old Church（聖潘克拉斯老教堂）演出！當初怎麼會選擇這個如此神聖又神祕的場地？有什麼期待與驚喜嗎？

洪安妮：這次想辦在一個符合專輯主題的空間，剛好有機會在這邊辦～之前知道這個場地是因為英國研究所同學有在這邊演出過，那時候就想說哇好美，希望以後也有機會在老教堂演出，很幸運～

其實我也蠻期待當天會怎麼樣的氣氛，我覺得跟當天的觀眾也會有關，所以這一切是未知且令人興奮的～驚喜還沒確定，但目前有一些想法，請大家當天來感受一下！！

Q8：對於當天會來到現場、在異鄉打拼的聽眾們，妳希望這場演出能像一個什麼樣的「存在」陪伴他們？

洪安妮：在異鄉打拼的流浪的人們～我覺得我會一直存在某種孤獨，平常忙碌的話還好，但只要低潮、遇到很糟的事、很不順的狀態的話，那個感覺會立刻浮現並且放大。我在倫敦其實看過不少人在路上或地鐵上哭，我也有過，而路人可能會裝作沒事給你空間，也可能會遞給你衛生紙，或是給你一個擁抱。我希望這場演出可以是很舒服程度地存在，允許自己脆弱、瓦解，在這個三個小時的時間、這個平靜的空間，可以暫時隔絕一切，就只是休息、只是聽音樂、只是疼愛珍惜自己。

Q9：妳自己也經營 Podcast 節目《好晚安電台 A Good Night Radio》，在深夜陪伴許多失眠的靈魂。如果此時換成是主持人 nn 自己需要被治癒，能否請妳推薦幾首能帶給妳片刻平靜的私房歌曲？

青葉市子《qp》專輯
方大同《未來》專輯
落日飛車《Quit Quietly》
還有我的《a piece of peace》

【專訪】許瓊文 NinjaWenWen 個人首支單曲〈自溺者〉，澆灌你的渴

2026-07-19T19:00:00.000+08:00

這十年來，她的聲音在好樂團裡溫暖、陪伴著無數個需要安慰的靈魂。但這一次，她決定以個人的模樣跳出來，大膽探索不同的聲音色彩。全新出發，帶著滿滿挑戰欲的創作者，NinjaWenWen 許瓊文。

首支個人單曲〈自溺者 The Drowned〉，是她對現代人集體焦慮的一場大型側寫。瓊文把那些細微的人類行為，揉進古老的神話裡。

如果現在你也正被某種焦慮淹沒，不妨點開這首歌，搭配好青年的專訪。在許瓊文全新勾勒的腦內喧嘩裡，放心地跟著她自溺一次。

Q1：好樂團今年邁入第十年。在有固定音樂夥伴子慶的狀態下，為什麼會在這個時間點，突然想「一個人」跳出來做音樂？心情上有什麼最大的不同？

許瓊文：這十年來我以好樂團主唱的身分在音樂工作中打滾，也陸續與不同音樂人合作，過程中我也持續進修自己的唱歌部分、創作上也隨著年齡增長有更多不同面向的靈感。我發現自己學得越多，想挑戰的事情也越來越多，對於不同風格的音樂創作產生好奇，於是決定在今年首度嘗試用不同的風格去詮釋更多想法。

對我來說，我把自己視為一個新人在經營，有種一切重新開始慢慢建立的感覺。和樂團不同的地方在於樂團的一切決策和行動都是兩人一起，而做自己的作品就是一個人籌備、執行一切，難免會有更多的緊張和自我懷疑。所以也滿感謝身邊的人支持我，以及現在有 AI 可以一起分析一些數據，試圖去找方法了解作品的狀況、優化宣傳內容。

Q2：〈自溺者〉充滿了迷幻、電子與 Emo 的色彩。這樣的風格是妳一直想嘗試的嗎？

許瓊文：對的，我其實一直很想試試看自己的聲線搭配這樣的編曲風格會碰撞出什麼樣的火花，加上平常我自己也滿喜歡聽這樣的音樂。這首歌有兩位製作人，一位是擅於整合不同風格編曲、加入聽覺巧思的殷陽；一位是擅長用 beat 編排說故事的 Beatmaker Neil YEN，我覺得找他們合作讓這首歌得以有了完整又有趣的聽覺體驗！

Q3：歌詞中使用了「女媧造人」的傳說。當初是怎麼把這個古老神話，跟現代人在「包裝自我形象」的行為連結在一起的？

許瓊文：當初是先想到了我們不斷給自己塑造「殼」的概念，去比擬不斷塑造外在形象的行為。那因為殼是空心的（很容易一直被打碎）所以我就想到了「女媧造的人是實心的」，成為了整首歌的第一句歌詞。

Q4：妳把「倒水」這個日常動作轉化為「澆灌認同渴望」的意象。在妳自己的生活中，最容易讓妳感到「自溺」或被渴望淹沒的時刻是什麼？

許瓊文：我想應該是有時候會把自己的價值建立在外在給自己的回饋上。以我把音樂當職業這件事來說，有時候很容易會陷入各種分析裡面，從數字、各種留言、各種貼文去尋找自己的作品到底是不是「好的」的蛛絲馬跡。很矛盾的是我覺得把音樂作為職業的話，這些分析和了解市場是必要的，但也很容易陷在裡面、過度在意而忘了創作的純粹快樂。

Q5：歌曲中段特別邀請了音樂劇演員周家寬加入一段黑色幽默的口白。這個點子是怎麼來的？在歌裡扮演了什麼樣的角色？

許瓊文：這個一開始是製作人殷陽的巧思，希望在這首歌詞比較批判、emo 的歌裡面，添加一點荒謬感和幽默感，讓它更有層次，也更有一種「自溺」的感覺。

我們希望大家從歌曲開頭的戶外故事感，到進入重節奏的副歌，接著聽到一個彷彿電影裡的男子開始侃侃而談，會覺得準備聽一些正經內容，沒想到是一個冷笑話。這也是決定用英文冷笑話的原因，如果是中文的話聽眾一開始就會發現了。

我在 2024 年和周家寬合作演出《搖滾芭比》音樂劇，一直都知道他的聲音表現能力非常強（也是這首歌的英文歌詞翻譯者），邀請他來獻聲非常適合！

Q6：這首歌由妳的先生殷陽與 Beatmaker Neil YEN 共同製作。和這麼親近的人一起做音樂，過程中有沒有發生什麼好玩或意見分歧的趣事？

許瓊文：我和先生的討論一直都偏冷靜和盡量客觀，先生時常會提出一些我原本沒有想到的思考切角，也提出很多有趣的點子，在企劃上幫忙我很多。除了加入冷笑話口白以外，歌曲開頭和中間的戶外聲景也是他的想法，是我們一起到戶外去錄的。在 MV 中加入狗狗轉圈的畫面也是他想的。

和 Beatmaker Neil YEN 是認識很久的朋友，我很欣賞他用 beat 說故事的能力，每一次都會很有畫面！當時我們做完 Demo 以後，就交給他發揮。後來還有把我的 Vocal 和口白做取樣放在歌曲尾奏，有了大家的創意才讓這首歌更完整。

Q7：歌曲開頭是隨性的烏克麗麗與環境音，副歌卻突然轉進厚重的電子節奏與高音哼唱。這樣極端的「情緒反差」，在錄音室配唱時，妳是如何調配自己的聲音表情的？

許瓊文：我在錄音的時候腦子也會有整體的畫面，所以我們都會和製作人先討論出「唱這一段的時候我身在怎麼樣的環境和什麼樣的狀況裡」以及「我現在的情緒應該是什麼」，然後我就會把自己安排在那樣的空間裡去帶入來唱。我覺得這樣的想像，對於我要用什麼樣的唱法、力道、語氣、情緒等等都非常有幫助，也更貼近我們想透過歌曲傳達的感受。

Q8：〈自溺者〉是一個起點嗎？接下來有計畫推出個人專輯、EP，或者是好樂團的新作品嗎？

許瓊文：如果順利的話，我個人會繼續做歌，可能在明年推出一張 EP！也可能會規劃個人演出。好樂團則是會繼續寫歌，也會有合作作品，像近期（7/14）有發行一首翻唱歌曲〈大風吹〉！大家可以都去追蹤相關消息。

Q9：用飲料來形容，「好樂團的瓊文」與「許瓊文 NinjaWenWen」分別代表什麼？

* 好樂團的瓊文：熱燕麥拿鐵  溫暖、陪伴的感覺，在人需要安慰時出現。

* 許瓊文 NinjaWenWen：冰蘋果紅茶＋茶凍  清新感、卻也有茶的層次和深度，偶爾會有些驚喜和突如其來的怪想法，就像茶凍。

Q10：最後，能否請瓊文推薦幾首當妳自己陷入 Emo 或自溺狀態時，最常重複播放的「私房自溺歌單」？

Daniel Caesar – Moon (feat. Bon Iver)

鮮于貞娥 – run with Me

Billie Eilish – When the party’s over

Keshi - bandaids

草東沒有派對 – 床

Linkin Park – Faint

Lizzy McAlpine - Where Do I Go?

心愛的艾莉，《氣體人第一號》的宿命羈絆

2026-07-18T22:16:28.842+08:00

2026 年的現代科幻驚悚 🌬️

新版《氣體人第一號》由日韓頂尖團隊攜手打造，《噬亡村》片山慎三執導，《屍速列車》延尚昊編劇，更由奧斯卡特效團隊「白組」操刀視覺。故事講述能自由化為氣體的「氣體人」提田蓮（內田雅樂 UTA 飾），對社會展開瘋狂的無差別獵殺。但這不是單純的恐怖攻擊，他其實是 27 年前「白色中心」的受害者。新版以現代體制剝削與階級復仇為殘酷背景，並由停職刑警岡本賢治（小栗旬飾）負責追查這起連續離奇命案。然而，故事最核心的焦點則是在提田蓮與共同追尋真相的社會部記者甲野京子（蒼井優飾）之間，那段跨越立場、無比深刻的靈魂羈絆。

1960 年的昭和特攝純愛 ✨

這部影集大有來頭，它改編自日本電影巨頭東寶株式會社於 1960 年上映由本多豬四郎執導的同名傳奇特攝電影。橫跨 66 年的重啟，故事內核發生了巨大轉變。舊版的故事非常純粹且浪漫，講述圖書館員因實驗意外變成氣體人，他沒有想摧毀體制，他犯罪搶銀行，純粹是為了捧紅他心愛的日本舞蹈家。舊版是浪漫至上的個人純愛悲劇；而新版則是把怪物外殼剝開，裡面滿是被現代體制集體霸凌後的憤怒冤魂。

大間間昂編制氣體組曲：崩壞與再生 💨

為了襯托新版的現代黑暗風格，配樂大師大間間昂展現了極具壓迫感的音樂美學。他拋棄了舊版舊式的昭和浪漫，改用層層堆疊的弦樂與充滿攻擊性的低頻電子環境音，精準模擬出氣體在密閉空間中蔓延、擴散、讓人窒息的聽覺質感。

💖 南方之星〈心愛的艾莉〉（いとしのエリー）

這首 1979 年的國民經典情歌，在劇中被賦予了最極致的反差美學。編劇延尚昊透露自己在撰寫後半段劇本時，一直是聽著這首歌進行創作。當〈心愛的艾莉〉那無比深情、溫柔的旋律在冰冷的現場緩緩響起時，它根本不是氣體人的犯罪主題曲。那是一首蓮叔叔唯獨唱給京子聽的悲歌，他在這個利用完他就將他抹殺的現代社會裡，對這個世界上唯一願意傾聽他、直視他痛苦的家人，所留下的最後一絲溫柔。

“エリー my love so sweet” 🍜

新版《氣體人第一號》令人深刻的關鍵，就在於「用最溫柔的旋律，襯托最殘酷的現實」。獻給心中的那個艾莉，下次戴上耳機追劇，聽著那首老歌，你一定能聽見隱藏在霧氣背後，那聲屬於他們兩人的宿命嘆息。

#氣體人第一號 #小栗旬 #蒼井優 #南方之星 #いとしのエリー

RIP 永遠的鐵肺歌后 Bonnie Tyler 1951 - 2026

2026-07-11T00:38:03.939+08:00

Bonnie Tyler（邦妮·泰勒）是英國威爾斯的傳奇搖滾女歌手，以充滿爆發力、極具辨識度的沙啞嗓音聞名於世。她的音樂橫跨搖滾、鄉村與流行樂，演藝生涯留下了多首全球傳唱的經典金曲。

Bonnie Tyler 本名 Gaynor Hopkins，1951 年出生於英國威爾斯一個普通的煤礦工人家庭。她從小在大家庭中長大，並在教堂的詩班中接觸音樂。16 歲輟學後，她原本沒有想過未來會成為歌手，直到在威爾斯的俱樂部駐唱時被星探發掘。在早期的歌唱生涯中，她動過聲帶息肉切除手術。沒想到手術復原後，她的聲音帶上了一層低沉且富有磁性的沙啞質感。這種獨特的嗓音不僅成為了她的正字標記，更為她贏得了「英國洛史都華（Rod Stewart）」的稱號。

1976 年以單曲〈Lost in France〉首度打入英國排行榜前十名。1977 年推出的鄉村搖滾風格單曲〈It's a Heartache〉，是她早期的重大突破，成功打入英美單曲排行榜前段班，在全球獲得極大迴響。

1983 年的史詩級抒情搖滾神曲〈Total Eclipse of the Heart〉，由知名音樂人 Jim Steinman 創作與製作，一推出便橫掃全球榜單，不僅使她成為首位在美國單曲榜奪冠的威爾斯人，更讓她獲得了葛萊美獎最佳流行女歌手的提名。

旋律與靈感源自於 Steinman 想為音樂劇《Nosferatu 吸血鬼》創作的主題曲，原本副歌歌詞甚至帶有「吸血鬼的愛意」。富有歌德式、黑暗且濃烈的情感，最終完美轉化為〈Total Eclipse of the Heart〉中對逝去愛情的痛苦與哀求。

實體單曲至今已累積突破 1,300 萬張，數位串流平台上更有超過 10 幾億的播放量和觀看量。另外，每逢日食，這首歌就會「復活」，成為天文奇景的「指定國歌」。

1984 年為電影《Footloose 渾身是勁》錄製熱血插曲〈Holding Out for a Hero〉，由 Jim Steinman 譜曲與製作，充滿節奏感的搖滾曲風使其成為 80 年代的經典代表作之一。該曲至今仍頻繁被影視作品使用並廣為翻唱。

美國傳奇魔術師 David Copperfield（大衛·考柏菲）於 1984 年表演的「飛越大峽谷」（Floating Over the Grand Canyon），是他職業生涯中最經典的空中懸浮魔術之一。“I need a hero” 在 Bonnie Tyler 演唱〈Holding Out for a Hero〉的歌聲烘托下，他在眾人目擊下騰空而起，緩慢地漂浮並橫越了壯麗的科羅拉多大峽谷上空，留下令人難忘的震撼瞬間。

1986 年推出華麗硬式搖滾單曲〈If You Were a Woman (And I Was a Man)〉，在流行樂史上最著名的身份，便是 Bon Jovi（邦喬飛）世界金曲〈You Give Love a Bad Name〉的「親生前身」。兩首歌皆出自金牌製作人 Desmond Child 之手。當時這首原作在美國並未大紅，不甘心旋律被埋沒的製作人，隨後將副歌原封不動地重新譜寫並交給 Bon Jovi，進而誕生了橫掃全球的告示牌冠軍作。儘管在美國成了遺珠，但這首歌憑藉澎湃的歌劇式編曲、強烈的女性意識歌詞，搭配 Bonnie Tyler 極具爆發力的招牌煙嗓，依然在歐洲市場大獲成功，成為樂迷心中的搖滾經典。

於 2013 年代表英國到瑞典參加「歐洲歌唱大賽」（Eurovision Song Contest），演唱曲目〈Believe in Me〉。同樣由 Desmond Child 創作，這是兩人在將近 30 年後再度為聯手，別具意義。

個人生活方面，她在 1973 年與奧運柔道運動員兼地產富商 Robert Sullivan 結婚，兩人攜手走過 50 多年婚姻，始終恩愛如初。在 2023 年獲頒英國王室的 MBE 勳銜（大英帝國員佐勳章），以表揚她對音樂及娛樂界的終身貢獻。

Bonnie Tyler 於 2026 年 7 月 8 日傍晚在葡萄牙的一家醫院不幸因病過世，享壽 75 歲。她的家人與團隊證實，她是在接受疾病治療期間「出乎意料地」在醫院離世。在此之前的 2026 年 5 月，她曾因緊急腸道手術住進葡萄牙法魯的醫院，並一度接受誘導昏迷以利復原，未料最終仍不敵病魔。

她的死訊震驚了全球樂壇與無數歌迷，英國首相 Keir Starmer 公開哀悼，稱她是「英國最偉大的錄音室歌手之一與標誌性人物」；與她有遠親及多年好友關係的奧斯卡影星 Catherine Zeta-Jones 也痛心表示自己「心碎了」，形容她是擁有無敵唱功的非凡女性。

不老的搖滾精神，她的一生都在舞台上度過，直到晚年仍持續在歐洲各地巡迴演出。她曾向媒體說過，自己永遠不會唱膩那些經典作品：「我熱愛唱這些歌，因為所有人一聽到都忍不住跟著大合唱！」

RIP 永遠的鐵肺歌后 Bonnie Tyler!

Alesso 與 OneRepublic 聯手推出全新單曲〈In Your Eyes〉，再次展現前衛浩室魅力！

2026-07-09T04:41:48.202+08:00

瑞典 DJ Alesso 與 OneRepublic 聯手推出 2026 年全新單曲〈In Your Eyes〉，這是 Alesso 與 OneRepublic 主唱 Ryan Tedder 繼〈Calling (Lose My Mind)〉、〈If I Lose Myself〉和〈Scars〉相隔十幾年再度合作，展現前衛浩室的魅力。Tedder 一貫充滿共鳴的人聲感染力，加上 Alesso 賦予振奮激昂的編曲製作，帶領大家重回 2010 年代的流行電音抒情，一起感受愛的力量。

Lyrics & Translation 歌詞：(by 好青年中譯)

Written by Ryan Tedder, Philp John Plested, Ben Johnson, Grant Joseph Boutin and Alessandro Rodolfo Renato Lindblad

[Verse: ]

Every time you take me down

每次當你帶我沉淪

It's like a deeper dive

就像是趟深海潛泳

I turn around, I'm on the other side

當轉過身，我已抵達彼岸

You help me find my faith

是你幫我重新找回了信念

[Pre-Chorus: ]

Highs and lows

無論人生的高潮或低谷

I've lived them all, you never let me go

我皆已歷盡，而你從未放開我

Yeah, life without you is one I'll never know

是啊，無法想像沒有你的生活

You're my hideaway

你就是我的避風港

#https://www.musicmaniactw.com

[Chorus: ]

In your eyes

在你的眼中

The only love I know

我唯一的愛

In your eyes

在你的眼中

I'm always coming home

我總能找到回家的路

And I ain't going anywhere

而我哪兒也不會去

Only you can take me there

只有你能帶我前往

In your eyes

在你的眼中

I'm always coming home

我總能找到回家的路

#https://www.musicmaniactw.com

I'm always coming home

我總能回到家的港灣

[Verse]

[Pre-Chorus]

[Chorus]

[Outro: ]

I'm always coming

我一直在路上

I'm always coming home

我總能找到回家的路

I'm always coming home

我總能回到家的港灣

I'm always coming home

家是我永遠的歸宿

小宇宋念宇 Xiao Yu〈我還有個夢 Still Dreaming〉

2026-07-04T06:45:00.000+08:00

做了個夢　醒來記不清了

有時錯過　也是一種獲得

積累遺憾提醒我還活著

繼續做　下個夢　終其一生

小宇宋念宇

2026 全新音樂創作

首發坦然開場曲〈我還有個夢〉

全能音樂人小宇宋念宇繼加盟索尼音樂，去年 2025 第一首曝光單曲〈學舌鳥〉後，在各大社群與排行榜皆創下許多現象級的反饋；如今睽違五年，終於在 2026 的夏天，小宇將發行全新個人創作專輯。〈我還有個夢〉作為專輯的開場白，揭示整張專輯的脈絡，圍繞著「遺憾」為主體進行抒發，表達那些曾經存在過的、沒能完整的、以為已經放下的人事物，小宇則透露這樣的呈現與好友離世帶來的衝擊有關，這件事對他的影響不只有情感上的錯愕與難過，更讓他重新思考：既然還能夠創作、還有聽眾支持，那為什麼不更誠實地做自己現在想做的音樂？

小宇作為〈我還有個夢〉的作曲兼製作人，為了不讓音樂作品過度主觀，請到了曾多次合作的金曲混音師黃文萱，透過她的音樂美學在混音中融入不同的聲響觀點、誕生驚喜，更放大了小宇演唱中的從容、鬆弛感，彷彿聽著歌者細數人生閱歷，由惆悵轉為釋然的過程。

陳漢典飾演直播主 MV 大秀演技與舞技

MV 由父子情切入延伸長照議題引人動容

〈我還有個夢〉MV 邀請導演 Austin Liu 劉晉維執導，將生活感與電影鏡頭語彙融合，創造高戲劇張力的影像作品。在團隊討論初期便決定 MV 要以敘事方式傳達小人物的故事，從父子間的親情切入並延伸長照議題，畫面雖在拍攝日常，卻著重在傳達兩人「未完成的人生」。MV 團隊希望找到一位在鏡頭前討喜、能輕鬆讓觀眾投射並貼合生活感軸心的主演，眾人竟不約而同想到了綜藝小天王陳漢典。陳漢典看完腳本後便一口答應，在 MV 中飾演照顧久病父親的帶貨直播主，前一秒還在賣笑，下一秒又透露出對生活的無力感，呈現巨大的反差也展現出精湛演繹實力。MV 中更讓陳漢典配合著歌曲帶來一大段即興舞蹈，他將複雜的心境用肢體語言表述，具象化了角色被生活推著走、卻還不放棄做夢，就算走得慢一些也不能敗下陣來的決心。

小宇宋念宇即將發行的全新創作專輯，在首發歌曲〈我還有個夢〉呈現一別以往的音樂狀態，邀請聽眾開始試著放慢腳步，給自己一點時間與空間，在音樂之中細數自身的矛盾，與自己對話，承認遺憾、與之共存，試著成為更坦然的我們。

Lyrics 歌詞：

作詞/ 李玟萱

作曲、編曲、製作、合聲/ 宋念宇

吉他/ 江鎮宇

混音/ 黃文萱

遠方的歡呼　舉起香檳杯

我獨坐得分之前的殘壘

有人喊單飛　我還沒高飛

被看見　曇花一現　像幻覺

不離開　看似勇敢

原地　最為難

放不下的夢　放不下的夢　一邊懷疑一邊追

還記得當年　單純的少年　從不跟自己妥協

差那麼一點　就那麼一點　說不在乎是欺騙

掌聲變無聲　沒機會感謝　辜負身邊某個誰

路走到一半　前進或後退

甘⼼嗎　問了不只　一百遍

享受在每個起伏的細節

就忘了　低潮來襲　的肆虐

風吹散　負面塵埃

誠實　很痛快

我還有個夢　我還有個夢　一邊懷疑一邊追

就算到今天　熱血轉熱淚　不願跟自己違約

差那麼一點　就那麼一點　說不在乎是欺騙

還能有感覺　就值得感謝　珍惜身邊某個誰

（一邊懷疑⋯⋯ 一邊追）

（說不在乎⋯⋯ 是欺騙）

把每個問號　磨成驚嘆號

未來啊　笑笑以對　走多遠　我奉陪

【專訪】全新專輯《1997》與倫敦現場實錄，雲端司機 aka 李權哲的魔幻與日常

2026-07-01T09:38:33.864+08:00

最新專輯《1997》封面

剛結束熱鬧的金曲週末，不妨隨好青年將頻道切換回雲端司機 aka 李權哲的魔幻頻率。

李權哲 Jerry Li 是台灣當代極具才華的音樂製作人、樂手、詞曲創作者兼歌手，受 The Beatles 的音樂啟發，開始嘗試寫歌。從臥室出發，由滾石唱片代理，2017 年憑藉個人首張全創作專輯《醒著不醉》入圍第 29 屆金曲獎最佳新人獎，音樂風格融合了復古的搖滾、放克、藍調、靈魂樂與 R&B 等元素。

2018 年以虛擬化身「雲端司機 CLOUDRIVER」發表了《低成本專輯》，一人樂團形式展現出更加搖滾隨性、Lo-Fi、實驗性且帶有強烈幽默感與生活感的音樂美學。2021 年加入顏社，繼續以「雲端司機」名義發行 EP 《SUNNY AFTERNOON》，加入更多合成器的低頻，點起一根菸、開車兜風的舒適浪漫；渾然天成的自由敘事，同年底以第二張個人專輯《愛情一陣風》，榮獲第 33 屆金曲獎最佳專輯製作人獎以及第 13 屆金音創作獎最佳專輯獎，愛音樂是一輩子的事。

2023 年跨界影視，為台劇《人選之人—造浪者》片尾曲〈得意的一天 A no is a no〉編曲，拿下第 58 屆金鐘獎戲劇原創歌曲獎。此外，李權哲還身兼露波合唱團的樂手與製作人，跳脫框架注入多元樣貌。無論是以本名活動還是化身為雲端司機，他都以獨特的慵懶唱腔與優異的編曲、製作能力，不斷地展現新的可能性，在華語樂壇中獨樹一格。

《These Days》EP 封面

暌違五年，「雲端司機」再度上路，今年一月底發行 EP《These Days》，溫柔袒露初為人父的細緻與脆弱；六月初更帶著這份浪漫跨越洋流，站在倫敦 Troxy 的舞台上，在異地的空氣與觀眾來了一場最赤裸的音樂對決。6/17 隨即帶著全新專輯《1997》強勢回歸，專輯名稱剛好是他的出生年，收錄 9 首歌曲，與王昱辰（老王）共同製作，孵化精修了整整三年，再度將聽眾捲入他標誌性的黑樂律動與英倫迷幻中。

除了個人創作，身為製作人的他，今年同樣交出亮眼的幕後成績單。幫馬念先製作充滿都會雅痞的新作《櫻桃可樂的滋味》，更一手操刀今年第 37 屆金曲獎最佳新人陳嫺靜大放異彩的《如果每天都可以 happy happy 誰想要sad:)) – 一起去度假》，還有幫同樣入圍新人獎的 JOYCE 就以斯製作甜度爆表的三拍子純愛主打〈靠很近〉，成為幕後具代表性的金曲推手。

從台北錄音室的小鼓聲，到倫敦舞台的黑色地板，再到家務的洗碗與收衣。好青年有幸與雲端司機訪問，分享完整的問答實錄，看他如何用直覺的空耳打破假設，以及快閃英國的真實感覺與探險，聽聽他最赤裸的音樂偏執與生活拉扯：

▮ 你在新專輯《1997》丟出了非常多大膽的音樂假設，像是「Prince 在曼徹斯特出生長大」、「A Tribe Called Quest & The Neptunes 去製作披頭四的《Sgt. Pepper》」。這些瘋狂的英倫與黑樂大碰撞，是怎麼在你的腦海中成形的？這張專輯花了三年打磨，在「編曲和聲音處理」上，你和共同製作人老王（王昱辰）拉扯最久、最大的突破是什麼？

雲端司機：我覺得自己真正喜歡的東西會很自然的變成自己的一部分，而且在寫這些歌的時候我也沒有意識到這些脈絡從何而來，都是後來回想才發覺的。這些歌詞曲都寫得很快，花最久的時間都是在錄音/混音上面。這張專輯很多歌的鼓跟貝斯都是主角，只要他們的質地/聲音有些微改變整首歌的意思也會變（跳不起來）。就好比說在混音時最常被討論的就是小鼓，我總是覺得小鼓不夠大聲，不夠穿透，光是為了這些小鼓我與老王就幾乎花了一年半在錄音室混了超多版本。

陳嫺靜客串 MV

▮ 首波主打〈Sit Down n' Hesitate〉使用了極具東方神秘色彩的西塔琴（Sitar）搭配太空氛圍。可以和我們分享這首歌當初創作的靈感來源嗎？歌詞裡描繪在阿姆斯特丹街頭流轉的虛無畫面，是來自你真實的記憶，還是一場純粹的復古幻想？

雲端司機：〈Sit Down n' Hesitate〉這首歌其實沒有用到西塔琴，而是用了一種 Drone 式的印度樂器叫做 Tanpura 還有印度鼓 Tabla 在最後一段 Outro 堆疊進來，當然還有無數軌的合成器哈哈。這首歌詞其實也沒有任何的意思，完全是照著自己亂哼的 Guide Vocal 空耳填字出來的。不過也因為這樣有很多驚喜，像是裡面有一句我很喜歡的歌詞：「Finest in the Catalogue」。雖然不是很清楚其意圖跟含義，但是我認為他都表達了某一個時期的自己的氣氛。

香港夏日高峰會 Summer Summit 演出

▮ 專輯中的〈Dr. Ricardo〉錄音室版是與 SMY 合作，但許多樂迷對你跟陳嫺靜在現場合作的版本也念念不忘，當初收錄時有過什麼取捨嗎？或者，你可以和我們介紹另一首你個人私心最推、希望大家特別細聽的專輯歌曲？

雲端司機：與 SMY 還有 Piers 一起寫 + 錄這首歌大約是在 2023 年某一天內就完成了。也沒想過要改版。是因為後來與陳嫺靜在香港有一場表演，當時她聽了這首歌就覺得可以一起在現場唱。

我個人覺得每首歌都有它們自己的世界與風格。不過我覺得〈Castaway〉這首歌自己蠻常聽的，很喜歡最後突然出現的 Synth Bass。

▮ 6 月 9 日你剛站在倫敦 Troxy 的大舞台上擔任落日飛車的演出嘉賓。第一次在英國演出，踏上舞台那一刻的身體感覺是什麼？台下的海外觀眾對於你音樂裡的 Funk 律動或中西方元素歌曲，又有什麼樣最直接的反應？

雲端司機：我一直都很喜歡倫敦，還記得十年前第一次去倫敦的時候就覺得走在大街上好像走在自己的地盤，哪裡的節奏跟路上帶電的感覺好像是自己身體莫名奇妙很熟悉的（雖然當時是第一次去，而後來又去了好多次）這次是第一次在這個熟悉的城市上台，還記得當時的燈光是某種慘白，照在舞台被刮花、佈滿線的黑色地板上會有某種反光，讓自己有自己在 1960 年代表演的錯覺。因為燈光都沒有變化，每一首歌演完的時候其實是非常赤裸的對決，若大家喜歡及是最直接的歡呼，好險第一首歌演完就馬上得到了這個反應⋯但若閃過一絲絲心虛或瑕疵，空氣似乎也會停了幾拍。我認為英國一直給我一種”直接”的感覺，不管是逛街時遇到的店員，或是人與人之間相處的細微末節，著讓我覺得與美國/台灣非常不一樣。

▮ 這次的倫敦行，除了站在 Troxy 舞台上演出，有沒有什麼私房的街頭奇遇、逛唱片行挖掘老唱片的收穫，或是這趟英倫的空氣，如何印證了你在台北寫《1997》時的音樂幻想？

雲端司機：這次幾乎是快閃倫敦，逛街的時間跟之前比很少，不過還是發現了一個在 Church Street 的 Alfies Antique Market，它是一棟非常奇幻的大樓，像是穿越不完的迷宮。

▮ 除了個人創作，你同時也常身兼製作人。近期你幫馬念先製作了新專輯，也和陳嫺靜有非常精彩的合作。這兩位音樂人的音樂質地完全不同：一位是充滿城市雅痞、復古浪漫的「馬哥」，另一位則是文字與流動感都極具當代實驗性的嫺靜。可以跟我們分享擔任這兩位音樂人製作人時的幕後故事嗎？面對兩位反差極大的創作人格，你通常是用什麼樣的「秘密配方」去挖掘並調配出屬於他們的音樂頻率？

雲端司機：與馬念先工作他就是會丟一個 Demo 給我，然後我就會自己在錄音室直接開始錄音（通常由鼓開始），等到幾乎整首歌的基本樂器錄完了我才會傳給他聽，雖然非常冒險，但他幾乎都是一聽就跟我說過關，在所有的環節他都非常信任我的決定，給我所有的自由跟主宰權，整張專輯的過程與合作可以說是一氣呵成。陳嫺靜的話是完全相反，我做什麼大小事她都會在旁邊 or 後面全程參與，做她的專輯整個過程就像是在進行一場需要屏氣凝神的手術，兩個戴眼鏡的人盯著手術台細細的拉著縫線的感覺。

▮ 你現在的身份非常多元：是創作歌手、製作人、露波合唱團樂手，同時又有「李權哲」與「雲端司機 CLOUDRIVER」兩個音樂人格。在 1 月底發行的《These Days》EP 裡你展現了初為人父、溫柔袒露脆弱的一面，但隨後的《1997》你又變回在地下俱樂部彈著狂暴吉他的雅痞浪子。在這些截然不同的身份（生活中的父親、音樂裡的浪子、幕後的製作人）之間切換，你會感到拉扯嗎？你如何平衡這些不同的人格？

雲端司機：我不覺得拉扯欸，只能說自己人在哪個甕就做哪個事哈哈。所有的事情裡面我覺得做家事最難平衡，有時候才剛錄完了自己覺得史上最屌的東西，轉個身就要收心去洗碗，收衣服，這個絕對最拉扯。

▮ 最後，可以和我們分享你最近私底下或開車時，都在聽什麼專輯或歌曲嗎？

雲端司機：因爲開長途車程時我會請老婆放歌（比較安全）實在是開啟我的世界與眼界。我非常推薦 Mariah Carey 〈Mine Again〉，林憶蓮〈傷痕〉，Mariah Carey〈Bye Bye〉，Britney Spears〈Mind Your Business〉。

收錄於 2008 年專輯《E=MC²》

《1997》專輯曲目 Tracklist：

01. Sit Down n’ Hesitate

02. Weird Fuzz XXX

03. Castaway

04. Serenade All Day

05. Premier

06. Slick Girls

07. Dr. Ricardo (feat. SMY)

08. Babysitting

09. Casio

實體專輯可於顏社KAO!INC 官網購買：連結

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English version 英文版文章：

Just wrapped up a bustling Golden Melody Awards weekend? Let’s switch the channel back to the magical frequency of CLOUDRIVER aka Jerry Li.

Jerry Li is one of the most talented music producers, multi-instrumentalists, songwriters, and singers in Taiwan. Inspired by The Beatles, he began writing songs from his bedroom. Distributed by Rock Records, his 2017 debut fully self-created album Stay Sober earned him a nomination for Best New Artist at the 29th Golden Melody Awards. His musical style seamlessly blends vintage rock, funk, blues, soul, and R&B.

In 2018, adopting the virtual alter ego "CLOUDRIVER," he released Low Budget Album. This one-man band project showcased a more casual, lo-fi, experimental rock aesthetic infused with a strong sense of humor and daily life. Joining the label KAO!INC. in 2021, he continued under the moniker CLOUDRIVER to release the EP SUNNY AFTERNOON, introducing more low-frequency synthesizers—the cozy romance of lighting a cigarette and driving around. With his natural, freewheeling narrative style, his second solo album AI CHING (released at the end of that year) won Best Album Producer at the 33rd Golden Melody Awards and Best Album at the 13th Golden Indie Music Awards. For Jerry, loving music is a lifelong commitment.

In 2023, he crossed over into film and television, arranging the ending theme song 'A no is a no' for the Taiwanese drama Wave Makers and winning Best Original Song for a Drama Series at the 58th Golden Bell Awards. Beyond that, Jerry also plays instruments and acts as producer for The Loophole, constantly breaking boundaries to inject diverse textures into his music. Whether performing under his real name or transforming into CLOUDRIVER, he continues to push new possibilities with his signature lazy vocals and exceptional arranging and producing skills, carving out a completely unique lane in the Mandopop scene.

After a five-year hiatus, "CLOUDRIVER" is back on the road. At the end of this January, he released the EP These Days, tenderly exposing his nuance and vulnerability as a new father. In early June, he carried this romance across the ocean, stepping onto the stage at Troxy in London for a raw, naked musical showdown with foreign air and an unfamiliar audience. On June 17, he made a powerful return with his brand-new album 1997. Named after his birth year, the 9-track album was co-produced with Yuchain Wang and meticulously polished over three full years, once again drawing listeners into his signature black music grooves and British psychedelic vibes.

In addition to his personal creations, Jerry delivered a stellar track record behind the scenes as a producer this year. He produced Ma Nien-hsien’s urban-chic new album Cherry Cola Vibes, masterminded Chen Hsien-ching’s sensational project If we can be happy happy every day, who wants to be sad:)), which swept through the 37th Golden Melody Awards with a Best New Artist win, and also produced the ultra-sweet, triple-meter pure romance track "Close To You" for fellow Best New Artist nominee JOYCE. He has indisputably become one of the most representative hitmakers behind the Golden Melody generation.

From the snare drum hits in a Taipei studio, to the black wooden floors of a London stage, and back to the domestic chores of washing dishes and folding clothes, I had the privilege of interviewing CLOUDRIVER. Here is the full Q&A transcript, revealing how he breaks assumptions with intuitive phonetic writing, his genuine impressions of a flash trip to the UK, and his most naked musical obsession clashing with the pull of everyday life.

Q: You threw out some very bold musical hypotheses in this album, such as "What if Prince was born and raised in Manchester?" or "What if A Tribe Called Quest & The Neptunes produced The Beatles’ Sgt. Pepper?" How did these wild collisions of Brit-rock and black music take shape in your mind? Having spent three years polishing this album, what was the longest struggle and the biggest breakthrough in "arrangement and sound engineering" between you and co-producer Yuchain Wang?

CLOUDRIVER: I feel that the things I truly love naturally become a part of me. When I was writing these songs, I wasn't consciously aware of where these influences were coming from; I only realized it later upon looking back. The songwriting and lyrics came together very quickly; the part that took the longest was the recording and mixing. In this album, the drums and bass are the main characters in many songs. If their texture or tone shifts even slightly, the whole meaning of the song changes (it loses its groove). For instance, during mixing, the snare drum was the most heavily debated topic. I always felt the snare wasn't loud or piercing enough. Just for those snare drums, Wang and I spent nearly a year and a half in the studio mixing countless versions.

Q: The lead single "Sit Down n' Hesitate" features a space-like atmosphere paired with what sounds like a sitar, giving it a very mystical Eastern color. Could you share the inspiration behind this song? The lyrics paint a picture of a hollow, drifting scene on the streets of Amsterdam. Does this stem from a real memory, or is it a piece of pure vintage fantasy?

CLOUDRIVER: "Sit Down n' Hesitate" actually didn't use a sitar. Instead, we used a drone-style Indian instrument called a Tanpura, along with the Indian drum Tabla, which layer into the final outro, along with countless synthesizer tracks, haha. The lyrics actually don’t have any specific meaning; they were filled in purely by copying my own gibberish from the guide vocal by ear. But because of that, there were a lot of surprises. For example, there’s a line I really love: "Finest in the Catalogue." Though the intent and meaning aren't entirely clear, I think it perfectly captures the vibe of who I was during that specific period.

Q: The studio version of "Dr. Ricardo" on the album is a collaboration with SMY, but many fans are still obsessed with the live version you did with Chen Hsien-ching. Were there any dilemmas or trade-offs when choosing which version to include? Alternatively, could you introduce another song from the album that is your personal favorite, the one you hope listeners will pay extra close attention to?

CLOUDRIVER: Writing and recording this song with SMY and Piers took about a single day back in 2023. I never really thought about changing it. It was only later, when Chen Hsien-ching and I had a show together in Hong Kong, that she heard the song and felt we could perform it together live.

Personally, I think every song has its own world and style. However, I find myself listening to "Castaway" quite often. I really love the synth bass that suddenly kicks in at the very end.

Q: On June 9, you stood on the massive stage at Troxy in London as a guest performer for Sunset Rollercoaster. Performing in the UK for the first time, what was the physical sensation the moment you stepped onto that stage? How did the overseas audience react to the funk grooves or the East-meets-West elements in your music?

CLOUDRIVER: I’ve always loved London. I remember my first time visiting ten years ago; walking down the main streets felt like walking in my own backyard. The rhythm of the city and the electric energy on the streets felt bizarrely familiar to my body, even though it was my very first time there, though I’ve been back many times since. This time was my first time performing in this familiar city. I still remember the lighting was this sort of stark, pale white. When it hit the scuffed, wire-laden black floor of the stage, it created a reflection that gave me the illusion of performing in the 1960s. Because the lights didn't change throughout, it felt like a very raw, naked showdown after every single song. If people liked it, the cheers were instant. Thankfully, I got that reaction right after the first song. But if a hint of insecurity or a flaw slipped through, the air felt like it froze for a few beats. I think the UK has always given me a very "direct" vibe, whether it's the shop clerks you encounter while browsing, or the subtle nuances of interpersonal interactions. It feels very different from America or Taiwan.

Q: Aside from performing on the Troxy stage, did this London trip bring any hidden street encounters, crate-digging finds at record stores, or ways in which the British air validated the musical fantasies you wrote back in Taipei for 1997?

CLOUDRIVER: This trip was pretty much a flash visit, so I had much less time to walk around compared to previous trips. However, I did discover Alfies Antique Market on Church Street. It’s a highly surreal building, almost like an endless maze you keep traveling through.

Q: Beyond your personal projects, you frequently work as a producer. Recently, you produced Ma Nien-hsien’s new album and also had a brilliant collaboration with Chen Hsien-ching. These two artists have entirely different musical textures: "Brother Ma" is all about urban-chic and retro romance, while Hsien-ching’s lyricism and flow are deeply experimental and contemporary. Can you share some behind-the-scenes stories from producing for them? Facing two drastically different creative personalities, what is your "secret formula" for uncovering and tuning into their unique musical frequencies?

CLOUDRIVER: Working with Ma Nien-hsien, he usually just throws a demo my way, and then I’ll head into the studio and start recording on my own (usually starting with the drums). Once almost all the basic instrumentation is tracked, I’ll send it to him to listen. Though it sounds risky, he almost always listens and tells me it’s good to go. He completely trusts my decisions across all stages, giving me total freedom and creative control. The process and collaboration for the whole album was incredibly seamless. With Chen Hsien-ching, it’s the exact opposite. No matter how big or small the task, she’s right there beside or behind me, participating the entire time. Making her album felt like performing a surgery that required you to hold your breath. It was like two people wearing glasses, staring down at the operating table, meticulously pulling at the sutures.

Q: You wear many hats right now: singer-songwriter, producer, member of The Loophole, while juggling two musical personas, “Jerry Li" and "CLOUDRIVER." In the These Days EP released at the end of January, you showed a tender, vulnerable side as a new father, but with 1997, you transformed right back into a bohemian dandy shredding a wild guitar in an underground club. Do you ever feel a pull or conflict when switching between these drastically different identities (a father in daily life, a rogue in music, a producer behind the scenes)? How do you balance these various personas?

CLOUDRIVER: I don’t really feel a pull. I guess you could say I just play the part depending on the vessel I'm in, haha. Out of everything, I find doing household chores the hardest to balance. Sometimes I’ll finish recording something that I think is the dopest track in history, but the moment I turn around, I have to snap out of it and go wash dishes or fold clothes. That is definitely where the real pull happens.

Q: Lastly, could you share what albums or songs you’ve been listening to lately in your private time or while driving?

CLOUDRIVER: Because I usually ask my wife to play music when we’re on long drives (it’s safer), it has truly opened up my world and horizons. I highly recommend Mariah Carey’s "Mine Again," Sandy Lam’s "Scars", Mariah Carey’s "Bye Bye," and Britney Spears’ "Mind Your Business."

Thanks for reading, share it if you like it.

落日飛車 Sunset Rollercoaster〈Satellite〉，迷幻抒情的漂流悲歌

2026-06-28T07:43:25.804+08:00

恭喜落日飛車獲得金曲 37 最佳樂團，推薦收錄於去年 8 月 8 日發行專輯《QUIT QUIETLY 悄悄消消》中的〈Satellite〉，在迷幻抒情的框架下，展現出極致細膩的情感層次。專輯版本邀請竇靖童 Leah Dou 和聲，獻給歷史上第一隻被蘇聯送上太空的流浪狗萊卡（Laika），描述化為人造衛星永遠漂流的悲傷身影。

From the album QUIT QUIETLY released on August 8, 2025, ”Satellite“ embeds psychedelic ballad with delicate emotions, featuring backing vocals by Leah Dou. It is dedicated to Laika, the first Soviet stray dog sent into space, describing its tragic, eternal journey as a man-made satellite.

Lyrics & Translation 歌詞：(by 好青年中譯)

[Verse: ]

Take off to the sky, silver satellite

飛向天空吧，銀色的衛星

You'll rotate alone in the night

你將在黑夜中獨自旋轉

Take off to the sky, silver satellite

飛向天空吧，銀色的衛星

You'll turn down most of the orbital lights

關掉大部分的軌道燈光

So you know, we'll be floating in the dark

你知道，我們將在黑暗中漂浮

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[Chorus: ]

Leaving home

離開家鄉

Just let you go

就這樣讓你走

Does the world ever make you wonder why your love is not enough

這個世界是否曾讓你懷疑，為何你的愛付出了卻還不夠

In the end

到頭來

The answer might be wrong

答案也許是錯的

You'd better go

你最好還是啟程

Floating to the unknown

漂浮向未知的遠方

Forever on your own

永遠獨自一人

Don't cry, you'll have to

別哭，你必須學會

Forget us all

遺忘我們所有人

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[Verse]

[Chorus]

[Outro: ]

You'll find your stars

你會找到屬於你的星群

Love's always inside your heart

愛一直都在你的心中

From now you'll be on your own

從今以後，你將獨自前行

休團一年半，大象體操帶著全新單曲〈公路 Highway〉正式回歸！

2026-06-23T04:23:02.782+08:00

休團一年年，大象體操帶著全新單曲〈公路 Highway〉正式回歸！再度展現了他們極具畫面感的編曲魔力，這首作品像是將巡演途中的奔馳風景與舞台外的日常心境化為旋律，在沒有語言的器樂交織中，細膩堆疊長途旅程的各個時刻，讓人細細品味充滿層次的聽覺公路旅行。

After a year-and-a-half hiatus, Elephant Gym is officially back with their brand-new single, "Highway"! Once again showcasing their magical talent for creating deeply cinematic arrangements, this track translates the scenery of life on the road and their off-stage state of mind into music. Through a seamless blend of wordless instrumentation, it beautifully captures every nuanced moment of a long-distance drive, inviting you to savor a richly layered, sonic road trip.

單曲資訊 Single Info：

製作人 Producer｜張凱翔 Tell Chang
編曲 Arrangement｜大象體操 Elephant Gym
作曲 Composer｜大象體操 Elephant Gym

電吉他 Electric Guitar｜張凱翔 Tell Chang
貝斯 Bass｜張凱婷 KT Chang
鼓 Drums｜涂嘉欽 Chia-Chin Tu

錄音工程師 Recording Engineer｜康奇維 Kiwi Kang（淺動藝文 Micro Movment Arts）
錄音室 Recording Studio｜大象體操錄音室 Elephant Gym Studio
混音工程師 Mixing Engineer｜康奇維 Kiwi Kang（淺動藝文 Micro Movment Arts）

母帶後製工程師 Mastering Engineer｜莊鈞智 Thomas Chuang
母帶後製錄音室 Mastering Studio｜Sketch Studio

封面攝影 Photographer｜湯
封面燈光 Lighting｜ Ella
封面手模 Model｜張凱翔

蘇格蘭獨立搖滾樂團 The Snuts 推出夏日電擊主打〈Defibrillator〉

2026-06-20T09:20:24.824+08:00

蘇格蘭獨立搖滾樂團 The Snuts 預計 10/23 發行全新第四張專輯《Joy In Short Moments》，收錄 11 首歌曲，回歸日常本質，在微小事物中尋找意義。推薦首支夏日電擊主打〈Defibrillator〉，描繪了在人生盡頭選擇與摯愛共同狂歡、重拾活力的豁達心境。面對生活的黑暗與無常，我們不必看得太過嚴肅，及時行樂，盡情享受當下。

The Scottish indie rock band, The Snuts, is set to release their brand-new fourth album, Joy In Short Moments, on 23 October. Featuring 11 tracks, the album strip things back to the core of life, seeking meaning within the small things. The leading summer single, "Defibrillator," is highly recommended. It depicts an open-minded attitude toward the end of life, choosing to celebrate with loved ones to recapture vitality. Faced with life's darkness and uncertainties, we don't have to take it too seriously. Seize the day and fully enjoy the present moment.

Lyrics & Translation 歌詞：(by 好青年中譯)

[Verse 1: ]

Lay me down

將我安葬吧

In the middle of a lonely town

在這座孤寂小鎮的中央

King of nothing

成了一個一無所有的國王

With a paper crown

頭上戴著一頂紙做的皇冠

All my people come and gather 'round

我所有的人民啊，請過來聚集在我的身邊

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[Pre-Chorus: ]

'Cause when it's said and done

因為塵埃落定之後

You can't take it all with you

世俗的一切你什麼也帶不走

Celebrate it all with everyone you love

不如與你所愛的每一個人，盡情慶祝這趟人生吧 

[Chorus: ]

And c'mon

所以來吧

It could be heavenly after all

畢竟這一切可以像天堂般美好

Meet me at the revelry

在狂歡的派對上與我相見吧

Yeah, c'mon

沒錯，來吧

It could be heavenly

這感覺會像置身天堂一樣

Don't ya know

難道你不知道嗎？

If that doesn't save ya

如果連這都救不了你

Defibrillator

那就用除顫器來電擊靈魂吧 

[Verse 2: ]

Hear me say

聽我說

Troubles coming

麻煩與困境即將接踵而至

And there's hell to pay

我們也必須付出慘痛的代價

It don't mean nothing

但這根本微不足道

'Cause we'll find a way

因為我們總會找到一條出路

To scatter light

去把光芒灑向四方

Above the darker days

驅散那些籠罩著黑暗的日子

Into brighter nights

並將它們化作更明亮的夜晚

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[Bridge: ]

Woo-hoo

嗚呼

It's kinda like

這感覺有點像是

Woo-hoo

嗚呼

We'll stay alive

我們一定能活下去的

[Chorus]

[Outro: ]

Defibrillator

心臟除顫器

Defibrillator

心臟除顫器

Defibrillator

強力電擊吧

Tracklist 專輯曲目：

01. In Motion

02. Youth Ain't Easy

03. Defibrillator

04. Joy In Short Moments

05. PTS

06. Get Up, Get Out

07. Country Music

08. Summer Rain

09. Motherlands

10. Warsaw

11. Little Marathon Man

Temper City 首支單曲〈Self Aware〉延續復古搖滾精神

2026-06-16T08:10:53.299+08:00

來自洛杉磯的搖滾三人組 Temper City，由以色列裔詞曲創作者兼製作人 Eytan Peled、Chen Kordova 和 Aviv Barenholtz 組成。擁有豐富音樂產業經驗，曾為 Barns Courtney、Dimitri Vegas、Fuerza Regina 和 Zelda Dead 等創作，三人玩音樂一拍即合最後組團。

今年 2/15 釋出首支單曲〈Self Aware〉，強調沒有使用 AI 技術，只有純粹的室內演奏，憑藉著另類搖滾的洗腦復古旋律和情感拉扯的寫實歌詞，推出即爆紅。目前正在世界巡迴演出，預計年底前發行首張專輯，帶來更多原始的音樂能量。

Temper City, a rock trio based in Los Angeles, consists of Israeli singer-songwriter and producer Eytan Peled, Chen Kordova, and Aviv Barenholtz.

Drawing from their extensive industry experience writing for artists like Barns Courtney, Dimitri Vegas, Fuerza Regina, and Zelda Dead, the three shared an instant musical chemistry that led them to form the band.

On February 15 of this year, they released their debut single, ”Self Aware.“ The track proudly features no AI technology, only pure, live room recordings. Driven by an infectious, retro alternative rock melody and raw emotionally resonant lyrics, the song became an instant hit.

The band is currently on a world tour and plans to release their debut album by the end of the year, promising to deliver even more raw musical energy.

Directed by Temper City & Tsuf Kazaz

Lyrics & Translation 歌詞：(by 好青年中譯)

Written by Eytan Peled, Chen Kordova & Aviv Barenholtz

[Intro: ]

噢

[Verse 1: ]

No smoke with no fire

無火便無煙，事出必有因

No silence if there's no sound

若無喧囂，何來寂靜

One way or another

無論如何

You're going to put me out

你都會將我熄滅

Drinks flowing like water

美酒如流水

Too drunk to turn off the light

醉得連燈都忘了關

Stay under the covers

躲在被窩裡

Who knows how we'll end the night

誰知道我們今晚會如何收場

#https://www.musicmaniactw.com

[Pre-Chorus: ]

Just don't hang your hopes on me

只是別把你的希望寄託在我身上

I wanna feel something

我想真切地感受到

God, you look so pretty

天啊，你真漂亮

When you tell me that you love me

當你對我說你愛我的時候

[Chorus: ]

I wish that I could lie

多希望自己能口是心非

But my mind gets in the way

但我的理智總是來阻撓

I know you think that I'm

我知道你覺得我

Always way too self-aware

總是過度清醒

Oh, we could never be together

噢，我們永遠不可能在一起

But it's nice to play pretend

但偶爾假裝一下也不錯

I wish that I could liе

多希望自己能撒謊

But I'm way too self-aware

但我真的太過理性

#https://www.musicmaniactw.com

[Verse 2: ]

Mood swings like thе weather

情緒像天氣一樣陰晴不定

Body's under pressure

身體感官承受著緊繃壓力

Oh, I love the way you're using your imagination

噢，著迷於你那天馬行空的想像

Laws of attraction

將吸引力法則

Put 'em into practice

徹底付諸實行

[Pre-Chorus]

[Chorus]

[Pre-Chorus]

[Chorus]

小宇宋念宇 Xiao Yu〈記得忘了我 Don't Forget to Forget Me〉

2025-08-06T06:29:00.000+08:00

無數次的告別

也無法忘了你

如果可以重來

請你　記得忘了我

小宇宋念宇全新創作

〈記得忘了我〉

寫給愛過、錯過，也終於說出口的你

〈記得忘了我〉由小宇譜曲製作，歌詞邀請長年合作的創作夥伴黃文萱再次攜手，共同完成這一封從記憶深處寄出的情書。在〈記得忘了我〉歌詞中，黃文萱用平靜語氣寫出最尖銳的痛，將逃避型人格的愛情心理深層剖析，想靠近又怕受傷、想保護對方卻選擇先放手。歌詞不帶劇烈情緒、不強調破碎場面，而是像一次深夜對自己的慢慢傾訴。看似放下，但心裡其實藏著無法痊癒的執著，一種極其溫柔卻也無奈的放手。

〈記得忘了我〉整首歌 90% 以上的編曲刻意不使用節拍器與節奏修正，每一軌樂器從頭到尾真實演奏、反覆詮釋，只保留心中最動人的一版，不是最完美，但最誠實。小宇在製作這首歌不追求技巧層面的華麗展現，而是專注營造一種敘事的氛圍。簡單、乾淨、毫不矯飾，卻在每個留白裡藏著情緒，讓聽眾在聽完他雲淡風輕地說完一切後，忽然感到悲傷。

在《Who You Are 音樂分享會》上，小宇特別準備驚喜，邀請觀眾在進場時於紙飛機上寫下那句藏在心裡很久的話，那些來不及說出口的遺憾、放不下的名字，以及無法釋懷的過去。在〈記得忘了我〉時，小宇親自帶領全場觀眾一同拋出彩色紙飛機，瞬間，上千封心事劃過 Legacy 上空，在安靜而動人的氛圍中，讓每個人都將那段難以告別的情緒，隨著歌曲一起釋放。

小宇希望透過〈記得忘了我〉陪伴大家靜靜地經歷那些放不下的回憶，讓那些說不出口的話，有一個可以安放的出口，也讓每一位願意與過去和解的自己，都能在這首歌裡，找到一種溫柔的告別方式。

導演 Director /剪輯 Editor｜吳曉蘆 Phebelulu

插畫繪製 Illustration｜吳語馨 Gipi

動畫製作 Animation｜葉芮君 Gigi Yeh

Lyrics 歌詞：

作詞/ 黃文萱

作曲、製作、合聲/ 宋念宇

編曲/ 宋念宇、劉品賢

混音/ 黃文萱

親密的孤獨感受　想討好卻推開擁抱

我多想好好把握　明明你是我最重要

你想著誰　或是誤會　那就不打擾

後悔那天的沉默　面對面卻不懂爭吵

像場無聲的墜落　一切慢動作往下掉

我的自卑　你的眼淚　全逃脫不了

如果重來過　寧願沒遇過

就擦肩而過　都算了

沒人會回頭　沒人捨不得

遺憾將不會存在

如果重來過　讓愛情錯過

讓時間交錯　這一刻

我會先放手　好過你難過　記得忘了我

還在心上的承諾　想無視卻更加困擾

回憶進化成折磨　深夜裡會加倍索討

還能有誰　讓我體會　自己多渺小

我們都沒有失蹤　只是無法一起變老

我學會適時冷漠　反正最後都得徒勞

我愛過誰　再錯過誰　有什麼重要

如果重來過　寧願沒遇過

就擦肩而過　都算了

沒人會回頭　沒人捨不得

遺憾將不會存在

如果重來過　讓愛情錯過

讓時間交錯　這一刻

我會先放手　好過你難過　記得忘了我

難得的卻最難得　為何永恆　只剩過程

曾經擁有最真最輕的快樂

曾經相信天生就是彼此的

原來那麼痛呢　牽過的手　要放開

記得忘了我　我也原諒我

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