películas y libros míticos

"La venganza de Frankenstein" de Terence Fisher

noreply@blogger.com (troncha) — Thu, 17 Nov 2011 11:03:00 +0000

La Hammer siempre ha sido muy traída y llevada, por defensores y detractores, el caso es que a mi particularmente siempre me ha encantado. Me ha recordado muchísimo a mi etapa juvenil, cuando podía ver ciertos mitos del terror (y otros no) en la pantalla. Como saben si son seguidores de este espacio, no soy de los que defiende el género de terror sino más bien lo contrario, pero en este caso siempre me ha sido simpático.

Casi siempre la mujer ocupa un papel bastante significativo, mujeres bellas y atractivas aunque a veces no lo sean tanto como actrices. Además la forma de vestirlas con esos vaporosos trajes, semejantes a la seda y por supuesto con sus generosos y estupendos escotes. Por ultimo esos laboratorios que se usaron en ocasiones para más de una película pero que me resultan apasionantes, tubos de ensayo y demás echando humo y burbujas que no paran de bullir.

Identificar una película de estos estudios es relativamente sencillo, si ya has visto anteriormente algunos ejemplos. A continuación doy alguna pista o ejemplo de lo que para mí las diferencia de cualquier otra. Lo primero la sangre, el liquido vital que se derrama en las producciones hammerianas, tienen un color particular, no digo mejor ni peor, pero que es completamente suyo.

Todo ello, al igual que utilizar una serie de actores, directores e incluso guionistas icono, no tenía más que un cometido y por supuesto era el de rentabilizar dichos trabajos. Durante un tiempo funcionó y contaron con éxitos sonados, pero también con muchos fracasos. Aun así es de agradecer que esta modesta productora se lanzara a la aventura y nos dejara el amplio legado que ha llegado a nuestros días.

Ocupándonos de la producción en si, estamos ante la siguiente parte de “La maldición de Frankenstein” (1957), a causa del éxito de la primera surge la segunda, algo muy típico de la Hammer. El caso es que el Barón sigue interpretándolo Peter Cushing, que se ha librado de la horca a cambio de una promesa que realizó a su sirviente para que este lo pudiera liberar. Precisamente su vida actual está dedicada a cumplir esa promesa aunque en ello vaya antes su propia satisfacción personal.

El caso es que Frankenstein no abandona sus ya habituales prácticas por mucho que estas casi le hayan costado la vida. No conforme con perseguir el hecho de crear vida y desenterrar cadáveres para que sirvan a su propósito. Su retorcida mente va mas allá creando un hospital de indigentes don el que suministrar miembros y más miembros para sus retorcidos experimentos.

Pero claro estábamos mal acostumbrados, el monstruo para nada tiene el porte del primero (Christopher Lee). Parece menos engendro que el anterior, es más humano y por tanto menos creíble. Todos sabemos lo que va a ocurrir de un momento haciendo bastante previsible la historia. Incluso el personaje del Barón se hace casi insufrible al dar la sensación de inmortalidad que nos quiere transmitir el final de la película.

TRONCHA

"Big bad sis" de Chung Sun

noreply@blogger.com (troncha) — Fri, 04 Nov 2011 18:51:00 +0000

Viendo algunos ejemplos de cine como este, en concreto de Hong Kong, nos damos cuenta que los años setenta no fueron demasiado distintos por aquellas latitudes. En honor a la verdad hay que decir que dicho país sufría el “protectorado” de Gran Bretaña, algo decisivo para su desarrollo. Por supuesto el cine no iba a ser menos y también sufre cierta occidentalización, este es uno de esos casos.

El contrapunto a todo esto lo pone la banda de turno que está plagada de personajes y personajillos que antes o después van a hacer la vida imposible a quien quiere abandonarles. El que quiere purgar sus culpas tendrá que jugarse el pellejo para poder librarse de la carga y la deuda contraída con los de dicha organización, en nuestro caso sería la hermana Ying (Ping Chen)

El caso es que durante aquella época y sobre todo con una intención totalmente dirigida a la taquilla, proliferaron los trabajos de acción. Sobre todo callejera, personas que por unas causas u otras se veían avocadas a converger en el lado oscuro de la ley. Gente que tenía siempre buenas intenciones con sus semejantes, pero que algo les impedía llevar a cabo sus venerables propósitos.

En ente caso la película de Chung Sun , gira en torno al mundo de las féminas, son ellas las verdaderas protagonistas del film, el hombre en general ocupa un papel secundario. Han decidido dejar de estar subyugadas y combatir si es necesario contra quien les oprimen, ya sean padres, novios o jefes. Con esta excusa de liberación femenina asistimos a las más variopintas situaciones, todas ellas encabezadas por la protagonista.

No se equivoquen y estas alturas del cuento vayan a pensar que estamos ante un film totalmente reivindicativo de la feminidad. Justo todo lo contrario. Se aprovecha esa especie de complacencia con la mujer para mostrarnos en momentos determinados los cuerpos desnudos de ellos, por supuesto para servir de aliciente a un público masculino. No deja de ser un curioso trabajo con un planteamiento un poco distinto pero que contiene todos los tipos y arquetipos de aquella época.

TRONCHA

"Templario" de Jonathan English

noreply@blogger.com (troncha) — Wed, 20 Jul 2011 11:42:00 +0000

Pues una vez más ante una película de las denominadas del montón o como otros muchos prefieren llamarlas, entretenidas. Mucha gente no pretende más del cine, pasar un buen rato y definí, pues si ustedes son de esos adelante, atrévanse con “Templario” que es su cine. Quizás estén en lo cierto y pasen un buen rato con ella, pero el que suscribe estas palabras se niega a ir a una sala y pagar el dineral que ello implica para llevarse un producto mediocre como este a casa.

Y es que lo que nos muestra “Templario” ya lo hemos visto unas cuantas veces más y de ello son totalmente conscientes sus “padres”, con lo cual han decidido atraernos hasta el film con los clásicos reclamos. Un trailer que derrocha energía y velocidad, un cartel bastante atractivo y cuidado en el que se refleja una frase legendaria ‘basada en hechos reales’, un concepto con una amplitud grandísima del que muchos abusan de una manera totalmente consciente.

El caso es que nos situamos ante la recuperación de Inglaterra por parte del rey Juan (Paul Giamatti), porque estos ingleses siempre han sido así, una isla que no se crean que es muy grande pero que siempre la han querido tener todos, los del norte, los del sur, los del centro, en fin. Hasta que un grupo de unos pocos deciden defender el castillo de Rochester punto clave del dominio del país. De ahí la famosa frase que muchos ponen en sus películas para dar base a lo que poca tiene, “basada en hechos reales”.

Los “reclutados” recuerdan de una forma muy vaga al reclutamiento de "Los siete samurais” (con todos mis respetos) y al de “Los siete magníficos” (también con todos mis respetos), quizás estoy cometiendo un sacrilegio porque tan solo lo recuerda en lo estructural del film para nada en lo coyuntural, sería un verdadero pecado asentirlo. A lo mejor su realizador era lo que pretendía, pero para nada lo consigue.

Lo que hace es que a la producción le imprime cierto tono gore, durante las batallas, a falta de historia o más bien ante la incapacidad de contarla para que nos enganche, llegando a verse salpicado de sangre y de miembros cercenados, casi hasta la cámara. Esa cámara, que como ya se ha convertido en habitual, no para de dar saltos de un lado a otro desenfocándose continuamente que es lo que ahora mola, para dar más energía a la imagen y que las escenas sean más vibrantes. Algo con lo que nunca estaré de acuerdo.

Se me olvidaba, debería haber hablado de la ridícula historia de amor, o más bien de las ganas de una de las jóvenes damas por la carne fresca y curtida, pero es que de verdad que no merece la pena. Esa especie de punto extremo donde quieren colocar al protagonista y que para nada llega a implicarnos o identificarnos su tesitura para elegir un lado u otro, más bien nos da igual con lo que se quede.

TRONCHA

"Stella" de Sylvie Verheyde

noreply@blogger.com (troncha) — Fri, 15 Jul 2011 09:32:00 +0000

Reconozco que no había oido hablar de la película hasta que recibí la cita para el pase de prensa, digo esto porque “Stella” nada más y nada menos es una película francesa de 2008 que va a llegar a nuestras salas a finales del 2011. Esto da lugar a más de una reflexión hay pocas salas y se forma un “embudo” del que es difícil salir a la luz, hay más cine del que debería haber y por eso algunas realizaciones se quedan sin hueco, ¿porque no? también podría ser. Pero mi opinión sincera es que el cine cada vez es más comercial y como esto implica vive cada vez más esclavo de su rentabilidad, por eso no tenemos el gusto de disfrutar producciones como esta muy a menudo.

“Stella” es una película sin recovecos, diáfana en su planteamiento no vamos a tener opciones a la hora de plantearnos las situaciones que su directora nos plantea. De hecho el que suscribe a rebuscado por varios sitios indagando un poco sobre la vida de la madre del proyecto, pero sin mucho éxito. La razón de ello es que la historia se me antoja autobiográfica, como si alguien que hubiera vivido todo esto, quisiera plasmarlo en imágenes y llevarlo por ende a la gran pantalla.

La historia está narrada desde el único punto de vista de la protagonista, la propia Stella (Leora Barbara), cronológicamente situada a finales de los setenta, principios de los ochenta. Pero que en honor a la verdad su temporalidad es lo de menos porque podríamos ubicarla en cualquier punto de la segunda mitad del siglo XX. Stella está sola, aun viviendo con sus padres, estos regentan un bar y no encuentran tiempo para ella, entre los numerosos ratos de ocio y negocio que ocupan su vida. Por tanto la niña se ve obligada a vivir en un torno del todo impropio a una pre-adolescente, que realmente ha vivido así desde pequeña.

De alguna manera su soledad en la vida es su propia fortaleza, se da cuenta que poco va a conseguir viviendo en ese entorno y que la única oportunidad que tiene de abandonar ese clima es la escuela. Las cosas allí tampoco van a ser nada fáciles, pero al menos encuentra una tabla de salvación en Gladys (Melissa Rodrigues), la empollona de la clase. Se complementan perfectamente y realmente es en quien Stella vuelca los sentimientos, ya que su entorno familiar no entiende siquiera lo que está haciendo, el que los estudios puedan suponer una vida mejor.

Con todo este planteamiento, y metiéndonos en el pellejo de la niña, no podemos pretender que desde el principio no tengamos un sentimiento de ahogo porque la tragedia va a aparecer de un momento a otro. Como de hecho ocurre, pero incluso en este caso, la protagonista con su absoluta madurez logra sobreponerse y continuar el camino que ha elegido para conseguir su felicidad. Hay que suponer que el final tiene un tono bastante agridulce, en el que quedan temas por cerrar y ofrecer ciertas conclusiones, pero eso no es lo importante, lo que realmente interesa es lo que tiene frente a si Stella.

Salvando las distancias y esto por supuesto es motivo de debate si a alguien le apetece, el personaje recuerda al de Jelliza Rose (Jodelle Ferland) en Tideland (2005), la película de Terry Guilliam. Niñas que les han tocado vivir vidas de adultos desde que nacieron, y que el egoísmo de sus padres les ha truncado su infancia, creándose ambas una especie de mundo paralelo en el que logran abstraerse del horrible mundo real que les toca vivir.

TRONCHA

"The wire" de David Simon

noreply@blogger.com (troncha) — Tue, 05 Jul 2011 20:12:00 +0000

(Este post no lleva fotos porque servidor no es capaz de ponerlas sin que blogger acabe desconfigurando todo el texto)

Desde un punto de vista muy generalista supone un análisis de la ciudad de Baltimore en cada uno de sus ámbitos, está claro que lo que se pretende es mostrar esa ciudad que precisamente no verán los turistas, los que aman a Poe y que peregrinan hacia donde vivió el mundialmente consagrado escritor. Vamos a ser testigos sobre todo de las miserias de muchos y de la impotencia en general de unos pocos por intentar cambiar esto. Por extensión esto lo podemos extrapolar a cualquier ser humano convirtiéndose lo que hace que la serie tenga un calado bastante mayor al que a priori pudiera parecer.

Baltimore

La ciudad de Baltimore (2002-2008) es realmente el tema por excelencia, es el verdadero protagonista.
Hacia 1777 fue capital de EEUU.
Por habitantes es la 20ª ciudad de EEUU con aprox. 700.000 y la más poblada del estado de Maryland.
Equipo de béisbol Baltimore Oriols y de futbol americano Baltimore Ravens, curioso que en ningún episodio aparezca ni una sola referencia a ninguno de ellos en los diálogos.

Drogas

El tema principal y por supuesto motor de la serie son las drogas, a partir de aquí todas sus derivaciones. La gente que se mueve en torno a ellas, el dinero que las mismas producen, las duras consecuencias de su consumo, todo el mundo que rodea a este problema. La droga llega a convertirse en un modo de vida del que muchos no pueden escapar, tiene metida a familias enteras, en ‘The wire’ importa un poco menos el punto de vista del consumidor que él del distribuidor. Para muchos es su futuro en la vida, nacen resignados e incluso se preparan para ocupar el puesto ‘laboral’ que a cada uno le acaba correspondiendo, inclusive este puede pasar de padres a hijos, como si de un oficio al más puro estilo artesanal-tradicional se tratara.
El hecho es que determinadas clases sociales se convierten en profesionales de la droga dentro del sentido literal de la palabra. El problema a veces es que este mercado depende de múltiples factores, de los que suministran, de sus perseguidores, en este caso la policía y por supuesto de distintos rivales, las guerras entre ‘capos’ de la droga suelen ser habituales. Realmente la droga es un bien que desde un enfoque empresarial, podría dar para vivir todos, pero siempre algunos se empeñan en acaparar más y más de lo que ya tienen, la ambición en si del hombre. No nos olvidemos que la serie de lo que principalmente trata es de la condición real del ser humano, de sus anhelos y de sus preocupaciones.
Esta predisposición violenta dentro del universo de la drogadicción, hace que haya dos tendencias, la vieja y la nueva escuela. Los más mayores siempre están hablando de tiempos pretéritos en los que ante todo se derrochaba honor y respeto entre unos y otros, las dos figuras más representativas de esta tendencia podrían ser, Avon Barksdale (Word Harris) en una primera etapa, tomando continuamente decisiones condicionado por ‘la sangre’, lo que en un marco más de mafia italiana vendría a ser ‘la familia’ y anteponiéndola por encima del resto. Y un personaje que se desarrolla posteriormente y que va por los mismos derroteros que el anterior, sería ‘Prop’ Joe (Joseph Stewart) que no olvida sus orígenes y que pretende preservarlos incluso inculcarlos sin demasiado éxito.
No deja de ser significativo que exista esta contradicción, entre un código de honor y una actividad totalmente fuera de la ley, que la nueva generación que tira de pistola a la mínima, y por el más insignificante motivo, no comprenda la forma de actuar de sus ‘mayores’. Los jóvenes son más pragmáticos, no han tomado esos valores como referentes, nadie les advirtió que el domingo es el día del Señor y que ese día hay tregua y no se puede atacar a tus enemigos. Marlo Stanfield (Jaime Hector) sería el precursor de esta nueva escuela, en la que lo que está por encima de todo es llevar ‘la corona’, da igual a que precio y a quien hayas tenido que dejar en el camino.
Un claro reto, que sin duda alguna traspasa ciertas barreras en ‘The wire’, un atrevimiento total, según la opinión de algunos es el de la legalización de la droga. Howard "Bunny" Colvin (Robert Wisdom) es el artífice de ‘Hamsterdam’ una serie de bloques de casa desocupadas donde se alojan los que pasan la droga y los que la consumen, con sus fronteras, vigiladas por la misma policía, consintiendo la venta y consumo dentro de los mencionados límites. Un atrevido proyecto que lo que pretende es conseguir que el delito baje en el resto de zonas de la ciudad y que los ‘normales’ ciudadanos perciban en mayor medida el incremento de su seguridad. A fe que esto se consigue, pero esta Gomorra creada por ‘Bunny’ toca fondo, demostrándonos una vez más que el fin no justifica los medios.
El ejemplo más claro de la devastación y destrucción que las drogas pueden producir en el ser humano es el personaje de ‘Bubbles’ (Andre Royo), drogadicto desde siempre, al menos desde que él mismo lo recuerda. Aunque curiosamente en mi opinión y si analizáis un poco sus acciones podréis llegar a mi misma conclusión, probablemente sea el exponente de la integridad dentro de la serie. Todas sus acciones vienen marcadas por la buena fe y el intento dentro de sus posibilidades de ayudar al prójimo, siente la total necesidad de tener a alguien al lado al que tener que cuidar, como si pretendiera hacerle darse cuenta que no debe seguir sus pasos y que hay otras opciones en la vida, exponiéndose él mismo como vivo ejemplo de degradación.

Policía

Habría que destacar dos grupos principales, los que realmente persiguen el delito, los que su razón de ser y de existir depende de sus logros en el terreno criminal y los otros los que desarrollan el trabajo policial, se limitan a cumplir el expediente y a cobrar lo que corresponde a fin de mes, para cumplir sus obligaciones pecuniarias, estos son los que probablemente consideremos más cercanos, los que quizás entendamos más por lo que a nosotros mismos nos toca.
Tanto una, como la otra postura, me parecen igual de respetables, como diría alguien en su momento el cementerio está plagado de opositores a héroes y al final el que acaba viviendo, si se me permite incluso sobreviviendo, es el ciudadano de a pie. Con sus miedos y recelos, con sus defectos y con sus virtudes, porque lo que hay que tener claro desde el primer momento es que ‘The wire’ no deja impune a nadie y estamento policial no podría ser menos. No obstante el cuerpo de policía de Balrtimore como el de cualquier lugar del mundo está compuesto por personas, decir solo esto no es poco, ya que las pretensiones de unos pueden llegar a ser los problemas del resto.
Nadie es un ‘angelito’, todos miran por si mismos, aun así hay una serie de reglas no escritas, un particular código de honor que entre compañeros no debe quebrantarse, aunque en ocasiones si que llegue a tambalearse, los ardides de algunos para conseguir depende que fines son increíbles. El espectador toma partido de ellos, en cierto modo se convierte en cómplice de dichos trapicheos, incluso los justifica, dejando de lado que se están saltando a la torera todo el sistema jurídico de los EEUU. En este caso como espectadores si que permitimos que el fin justifique los medios, dando carta blanca para que se quebranten reglas si con ello podemos conseguir atrapar a ‘los malos’.
El principal abanderado de la lucha contra el delito es nuestro protagonista Jimmy McNulty (Dominic West), sino hay investigación a lo grande y crimen de carácter especial, hay que conseguirlo de todos modos, incluso si se puede inventarlo. Si estamos atentos las mayores subidas y bajadas de la autoestima del personaje coincide con la importancia de los casos que lleve a sus espaldas. Jimmy encuentra a su mejor compañero de viaje en Lester Freamon (Clarke Peters) castigo de los fuera de la ley, da igual si has pasado la línea por un tema de drogas, de extorsión, de robo, de asesinato o de financiación ilegal, estás fuera y eso le da toda la potestad a Lester para poder caer sobre ti, como dirija sus ojos hacia ti, lo siguiente será clavar sus garras.
De todo el resto podríamos expurgar a unos pocos tan solo, a bote pronto se me ocurre Carver (Seth William) que empieza desde abajo y va ascendiendo por méritos propios, la calle le enseña y hace de él lo que es, ganándose a pulso un respeto entre ambos bandos los buenos y los no tan buenos. ‘Bunk’ (Wendell Pierce) intenta ser en su trabajo lo mismo que lo que predica con su aspecto personal, la elegancia, un muerto un culpable, sin más preocupaciones pero haciendo y respetando el trabajo policial. Colvin (Robert Wisdom) aporta su particular punto de vista con la polémica creación de ‘Hamsterdam’ y su posterior adaptación al mundo escolar donde no se desencaja del todo. Hay muchos más y cada uno con sus particulares características, pero ese análisis más exhaustivo lo dejaremos en el tratamiento que hagamos personaje a personaje.
En resumen se puede decir que la corrupción, la manipulación en las cifras de delitos y criminalísticas es una constante sobre todo en los altos mandos, lo que les hace personajes, menos atractivos y más repulsivos, menos cercanos al espectador. En general incluso me atrevo a decir que acabamos todos un poco rendidos a ellos, porque nos damos cuenta que quien quiere hacer algo nuevo, distinto para mejorar las cosas, acaba engullido por el sistema. Si no puedes con ellos, únete (nunca me convenció esta frase del todo y según crezco sigue sin hacerlo). La policía en definitiva es uno de los temas junto al de las drogas que más daría que hablar y que más se ofrece a debate, pero no vamos a explayarnos más.

Política

En mi opinión es el tema menos interesante de la serie, y que por desgracia ocupa bastante hueco dentro del ámbito general de la serie. Por supuesto eso no quiere decir que no tenga su importancia, claro que la tiene, pero el tema de la burocracia y de las conspiraciones resulta mucho menos atractivo que el de la brega diaria en las calles, se agradece estar más pendiente de los callejeros que de las ratas de despacho.
En una primera etapa el exponente máximo de la política lo ocupa el alcalde de color Clarence Royce (Glynn Turman), totalmente ocupado en la comunidad de color y por supuesto en el resto de ciudadanos, nadie podría pensar que en una ciudad donde la gran mayoría de habitantes son afro americanos pudiera gobernar un blanco. Pues no estén tan seguros porque moviendo los hilos necesarios, estando al lado de los que se debe y haciendo ciertas promesas se puede llegar y sino que se lo digan a Thomas Carcetti (Aidan Gillen), el protagonista de la segunda etapa, que entra en escena derrotando a su anterior en el cargo, pero comiéndose la ‘misma mierda’ (si se me permite la frase literal) que han tragado el resto de sus antecesores.
Es totalmente necesario mostrar los entresijos de la política en la serie, ya que de una forma indirecta está vinculada con el delito, a través de la financiación de sus campañas, al final el dinero acaba viniendo de la calle. La elección de las personas que ocupan uno u otros cargas está comprometida a que favores tienes pendientes en tu lista, esto hace que a veces el elegido no sea el más idóneo para desempeñar el cargo.
Resumiendo y para finalizar este tema nos damos cuenta que la realidad de la clase política de Baltimore que nos pinta ‘The wire’, no dista mucho de la realidad de la clase política en general, no solo en EEUU, sino en el resto del mundo. Personajes que gobiernan y mandan sobre nuestras vidas, cuyo ideal son ellos mismos y no nos engañemos, pensando que piensan en el resto, todas estas miserias y muy pocas virtudes se plasman perfectamente dentro de la serie. Sirva como ejemplo que la alcaldesa Sheila Dixon de Baltimore en 2010 tuvo que dimitir de su cargo por una supuesta implicación en un caso de corrupción financiera. Un ejemplo más de que la serie trata sobre la vida misma.

Vivienda

En general Baltimore es una de las ciudades que en las últimas décadas se ha ido ‘vaciando’, al contrario que la tendencia general de las grandes urbes, la gente se ha desplazado hacia otros puntos, si llegáis a ver la serie entenderéis perfectamente este punto. Por supuesto a tener en cuenta que ‘escapa’ el que puede, muchos de nuestros personajes se ven avocados a vivir sus vidas en donde les toca.
Por supuesto esto hace que la gente abandone sus casas y que incluso nos encontremos con barrios enteros con casas totalmente deshabitadas, incluso con grandes partes del puerto que no ha mucho estaban en plena producción y ahora se encuentran totalmente abandonadas. Esto hace que las casas desalojadas se conviertan en lugares perfecto para los ‘sin techo’, gente desahuciada socialmente que literalmente no tienen donde caerse muerto. Este status ayuda a que ‘Hamsterdam’ salga adelante, varios de nuestros protagonistas viven en dichas viviendas, de hecho ‘Bubbles’ vive en un garaje abandonado, acomodándolo a su capricho, llegando a trasmitir al espectador cierta sensación de acogedor hogar, dentro de uno límites por supuesto.
El caso es que lo que parecen querer trasmitirnos es que de donde no hay nada también se puede sacar provecho tanto positivo como negativo, no obstante Dennis 'Cutty' Wise (Chad Coleman) acaba montando un gimnasio de boxeo para intentar apartar a algunos chicos de las esquinas. El caso contrario lo encontramos en Chris (Gbenga Akinnagbe) y ‘Snoop’ (Felicia Snoop) que utilizan las casas desalojadas y vacías para fines mucho más oscuros y lúgubres, aunque desde un principio sabemos cual es tal fin no lo voy a desvelar aquí para que cree cierta intriga.
Como detalle destacar que cuando la serie se rodó se ‘rehabilitaron’ ciertas fachadas y manzanas para que sirvieran en el rodaje, cuando todo acabó y David Simon y su gente recogieron los bártulos, los ciudadanos de Baltimore aprovecharon algunas de estas remodelaciones para que sirvieran de centros sociales para toda la comunidad.

Música

Hace un tiempo tuve una experiencia increíble. Esa experiencia consistió en ver la mejor serie de televisión que he visto en mi vida. La serie por supuesto era “The Wire”. HBO ha conseguido que un producto televisivo supere en muchos aspectos a un buen libro o a una buena película (de cine, entiéndase). Y una parte, y no poco importante, de la magnitud de la experiencia que representa ver Baltimore al desnudo (el tema principal de la trama) como se ve en “The Wire” radica en su banda sonora.
Lo primero que oímos en todos sus capítulos es una canción mitiquísima de Tom Waits que se llama “Way down in the hole” y para el que conoce a Waits esa primera vez suena rara. Suena rara porque está interpretada por los The Blind Boys of Alabama, cuando la escuché busqué referencias y realmente es un grupo gospel clásico cuyos miembros son ciegos. Según pasan los capítulos nos damos cuenta de que cada temporada se inicia con una versión distinta de la misma canción. Alguna vez me he hecho una pregunta, que seguramente se harán muchos: ¿Cuál es mi temporada favorita de la seríe? Esta pregunta tiene un sentido especial en este caso puesto que en The Wire cada temporada muestra un aspecto diferente de esa trama mayor que es Baltimore. Sin duda mi temporada favorita es la segunda, inmediatamente al responderme me entran dudas de si es porque en esa segunda temporada la versión de “Way down in the hole” es la del maestro Tom Waits.

“Way down in the hole” es un tema de Tom Waits perteneciente al disco “Frankie Wild Years” de 1987.

1ª temporada: The Blind Boys of Alabama
2ª temporada: la original de Tom Waits
3ª temporada: The Neville Brothers
4ª temporada: está cantada por un grupo de críos (y tiene su porque) Ivan Ashford, Markel Steele, Cameron Brown, Tariq Al-Sabir y Avery Bargasse
5ª temporada: Steve Earle

Normalmente toda la música que suena en la serie lo hace de manera natural, es decir, suena en la radio de un coche, cuando los personajes entran a un bar, o en general en situaciones que hay una música de fondo en la escena. Por ello todos los tipos de música que suenan de esta forma tienen un sentido, están totalmente integrados en la acción y si no estás muy muy atento puede que ni te des cuenta.
Pero hay excepciones, además de la evidente canción inicial ya comentada antes, y madre mía que excepciones. Estas se dan en las escenas “cumbre” cuando sucede algo definitivo en la serie, creo que en todas (o casi todas) las ocasiones coincidiendo con el capítulo final de las temporadas, suenan unos TEMAZOS que llevan a que se te encoja el corazón. Pocas veces he visto tan integrada la música en la acción que lleve a tan sobrecogedora la experiencia (se me ocurre como ejemplo El Gran Lebowski o Apocalipsis Now).

“Fast Train” por Solomon Burke en una versión del tema de Van Morrison
“Efuge Efuge” de Stelios Kazantzidis
“The Body of an American” de los Pogues

Otra parte de la música proviene de grupos locales de Baltimore, canciones hip hop radicales que son la banda sonora de los traficantes. Más autentico no puede ser.
Más músicos: Curtis Mayfield, Erma Franklin (hermana de Aretha), Johnny Cash, Isaac Hayes y un largísimo etc.
Adoro el bar donde va Lester Freamon a ahogar sus penas, suena siempre la más esquisita de las musicas y se respira tranquilidad. Aunque mi momento más especial se produce en la cuarta temporada cuando suena en el coche de Colvin “I Cover The Waterfront” de la Grandisima Billie Holiday. Ya me caía bien el tipo, pero a partir de ese momento, mi hermano.

Epílogo

Podríamos ser mucho más exhaustivos en nuestro análisis y acabar entrando en muchos temas más, pero ello conllevaría demasiada vanidad para este humilde blog y probablemente un esfuerzo adicional para los lectores que hayan conseguido llegar hasta este punto, por eso hemos decidido tratar ciertos contenidos de una forma más superficial sobre todo con la intención de no reiterarnos demasiado y de no aburrir al lector.
Hay varios temas que me da mucha pena tratar en esta especie de cajón desastre final y que me hubiera gustado desarrollar incluso debatir de una forma bastante más amplia, pero el hacerlo supondría desvelar muchas demasiadas claves a futuros espectadores y eso sería injusto para ellos, ambos a mi me impactaron profunda y sorprendentemente con lo cual me gustaría que cualquiera tuviera la misma oportunidad que yo, uno de ellos sería la segunda temporada en general, en mi opinión la mejor y mas entrañable.
La segunda temporada supone un aspecto del crimen que quizás no hayamos presenciado en muchas ocasiones, está totalmente orientada al puerto de Baltimore, a su sindicato de estibadores y si afinamos un poco a su máximo representante el polaco Frank Sobotka (Chris Bauer) es uno de los personajes que recuerdo con mucho cariño, de una forma entrañable, porque me llegó bastante adentro. Esto es mucho decir en una serie en la que aparecen y desaparecen personajes prácticamente cada capítulo. La particular forma de ver la vida de Frank y su intento de inculcarlo a su sobrino Nick (Pablo Schreiber), ya que a su hijo Ziggy (James Ransone) le da por perdido esta llena en cierta manera de honorabilidad, equivoca el camino pero el destino quizás es el correcto, porque se preocupa de todos sus allegados. No podemos ser hipócritas y dejar de ver que él en persona y el sindicato de estibadores por extensión, están metidos en el crimen hasta las cejas, todos están implicados y lo saben pero los muelles tienen a veces leyes muy distintas a las del resto de la ciudadanía y una prevalece sobre todas ellas la Ley del silencio.
Otro tema que plantea directamente y a la cara ‘The wire’ el de la vida frente a la muerte, para personas que tenemos un bienestar social prácticamente pleno, la vida supone nuestro bien más preciado. Sin embargo para alguien que no tiene nada, incluso ni familia, ni padres que puedan prevenirle de ciertas situaciones, la vida no tiene un valor excesivo. Algunos sujetos están condenados a vivir en y de las esquinas, saben que su única fuente de financiación en la vida será a través de las mismas, pero también son conscientes del riesgo que ello conlleva, cualquier bala puede acabar perdida en su cabeza. La vida en la esquina es relativamente corta si quieres alargarla tienes que alejarte de ellas, la muerte mora demasiado cerca de ellas, por esto la vida hay que vivirla muy intensamente porque a la mínima se escapa.
Concluyendo y a riesgo de ser pesado, invito a todos los que vean la serie a que ellos mismos saquen sus propias conclusiones personales, de cualquiera de los aspectos que rodean la de cualquier ser humano, porque tengan en cuenta que están ante una de las mejores series de la historia, en la más extensa rotundidad de la frase que he escrito.

Personajes

En una serie que tiene 5 temporadas, y un total de 60 capítulos, se puede hacer uno más o menos a la idea de la cantidad de personajes que van a circular por delante de nuestros ojos. Y más cuando David Simon es un amante total de la pluralidad de los mismos, como ha demostrado no solo en ‘The wire’, sino en algún trabajo suyo más. De este gran periplo en un principio teníamos el pensamiento de tratar uno a uno cada uno de ellos, aunque hubiera sido solo un breve comentario, pero pensamos que se podría hacer eterno, son bastantes más de cien, por tanto destacaremos uno cuantos, tan solo.
Entre ellos estarán los que más amemos y los que más odiamos, porque después de tanto tiempo con ellos, ocurre lo mismo que con la gente que te rodea, unos te encanta verlos y otros te sacan de tus casillas en cuanto aparecen. A unos les dedicaríamos una entrada para ellos solos, porque hay material suficiente para ello, pero no queremos ser demasiado cansinos.
En definitiva lo que hay que destacar de todos ellos es que son personas como nosotros, con sus virtudes y sus miserias, y precisamente eso es lo que los hace más cercanos. No son los policías que estamos acostumbrados a ver en otras series, guapos, resolutivos, que no cometen errores, casi “superhéroes”, aquí no vamos a encontrar nada de esto, ahí reside el atractivo de todo este circo.

(Dominic West) Det. James 'Jimmy' McNulty
Uno de los pilares de la serie, con mucha importancia en un principio pero que la va perdiendo según avanza la misma. Aunque en la última temporada sale de su retiro y toma el timón de los acontecimientos. Sus métodos no son los más apropiados, pero quien cumple las normas en realidad, sabe que su “bienestar” físico depende de estar en un caso o no y eso hace que vele por su salud.

(John Doman) Dep. Comm. for Operations William A. Rawls
El de arriba de la cadena de mando realmente es un pelota de cuidado, solo se mueve por su interés personal le dan los mismo todo y todos. Nos cansaremos de verle una y otra vez.

(Wendell Pierce) Det. William 'Bunk' Moreland
Es el estilo en persona, presumido hasta el extremo, a pesar de su redondez, pero su mejor característica no es esa. Es de los más íntegros que podemos encontrar. Compañero y amigo inseparable de McNulty incluso cuando las cosas no van muy bien entre ellos.

(Lance Reddick) Lt. Cedric Daniels
En principio es el único policía de lo alto de la cadena de mando que tiene cierta honestidad y está al lado de sus hombres. Su pasado le persigue continuamente está siempre detrás de él, cuando estuvo destinado en el Este algo turbio ocurrió, pero no sabemos lo que fue. Esto demuestra que nadie es perfecto.

(Deirdre Lovejoy) Asst. State's Atty. Rhonda Pearlman
Es la abogada del Estado, la fiscal, realmente es un personaje que aparece continuamente se me antoja con muy poco atractivo para el que suscribe estas palabras pero con su importancia por supuesto.

(Sonja Sohn) Det. Shakima 'Kima' Greggs
Policía de la calle, de las que empieza desde abajo y sabe lo que realmente supone el trabajo policial. No parece ser muy afortunada tanto profesionalmente como en su vida personal, pero acaba “tirando pa’lante” como todos.

(Seth Gilliam) Sgt. Ellis Carver
Sin miedo a equivocarme podría decir que es uno de los personajes de la serie que más y mejor evoluciona, convirtiéndose en uno de los más queridos e importantes, por su implicación personal y policial en la situación.

(Domenick Lombardozzi) Det. Thomas 'Herc' Hauk
Hilarante hasta el extreme, pero que busca su hueco una y otra vez cuando las cosas le salen mal, o sea siempre, aun con ánimo de ser exagerado diría que es el típico policía patán.

(Clarke Peters) Det. Lester Freamon
El más singular de todos los detectives del cuerpo policial, inteligente hasta el extreme se merece un puesto mucho más alto del que ocupa como demuestra una y otra vez. Pero no sabe hacerle la pelota a nadie y no le tiembla la mano para acusar a quien sea y eso hace que desde arriba le corten continuamente las alas.

(Andre Royo) Bubbles
Es el yonkie por excelencia, colabora y es soplón de la policía, total son unos cuantos dólares más para poder chutarse. No tiene un pelo de tonto y sabe solventar las situaciones que se le plantean con originalidad e ingenio. La vida le ha golpeado duro y lo sigue haciendo, es consciente de ello, la droga le ha atrapado y no es capaz de soltarla, en mi opinión y por grotesco que parezca lo que digo es sin duda el personaje más decente y moral.

(Michael K. Williams) Omar Little
Cuando hacia referencia a que hay personajes de los que se podría estar hablando durante largas horas me refería en concreto al pequeño Omar, ante todo mi favorito. No cumple ninguno de los estereotipos del héroe del cine por excelencia, asesino, traficante, ladrón, si me lo permiten homosexual, y que nadie se ofenda. Su físico no es agradecido en absoluto, pero aun así el mundo de la droga tiembla con solo oír su nombre y ante la presencia de esta especie de “Robin Hood” urbano todos salen corriendo para evitar el cara a cara. Omar tiene su escala de valores que no son malos del todo si los analizamos de forma independiente a la que tiene de preservarlos casi siempre a través de la violencia.

(Jim True-Frost) Det. Roland 'Prez' Pryzbylewski
Una de las mentes privilegiadas de la serie, al principio trabaja en la calle, pero no encaja en absoluto, utiliza una violencia desmedida y además cuando menos procede. Todo esto hace que no encaje y acaben buscando su sitio definitivo, pero un puñetazo a destiempo le saca de su real vocación que es la labor policial de escucha e investigación, es un hacha con los datos.

(Frankie Faison) Commissioner Ervin H. Burrell
Si se me permite la expresión es otro lameculos que está arriba de la cadena de mando, no le interesa nada en absoluto, lo que les ocurre a los de debajo. Simplemente le interesa que le sirvan de soporte para mantenerse en las alturas.

(J.D. Williams) Preston 'Bodie' Broadus
Podríamos definirlo como el perfecto arquetipo de chaval de las esquinas, estas son su vida, no sabe hacer otra cosa. Es fiel a sus “jefes” pero la necesidad y el no conocer ninguna otra “profesión” le hacen cambiar de capos a lo largo de la serie. Grandiosa la escena que protagoniza con McNulty, en la que hablan de los tiempos antiguos, cuando acaba de salir prácticamente de la adolescencia.

(Wood Harris) Avon Barksdale
Es uno de los jefes de la droga el que primero nos vamos a encontrar, y que para ser sinceros no va a abandonarnos nunca. Es de los de la vieja escuela, le cuesta adaptarse a los tiempos que corren, defensor a ultranza del vínculo de la sangre, la “familia”. Inseparable de “Stringer” Bell.

(Idris Elba) Russell 'Stringer' Bell
Junto con Avon, son los que manejan el cotarro de la droga y los que por supuesto Mandan en el negocio. Su mente es mucho más abierta que la de su amigo del alma e intenta ir por otro lado a la hora de hacer “negocios”. Es un personaje con mucha inteligencia pero en este caso aplicada al lado delictivo de la sociedad.

(Aidan Gillen) Councilman Thomas 'Tommy' Carcetti
A veces hilarante y a veces insoportable, pocas querido. Le viene al pelo el famoso refrán de que el que mucho abarca poco aprieta. Quiere convertirse en el salvador de la ciudad de Baltimore, creyéndose superior a sus antecesores, pero acaba dándose cuenta que el puesto conlleva “comer mierda” en dosis perfectamente calculadas, aun así tiene algún momento de lucidez que se agradece.

(Jamie Hector) Marlo Stanfield
Otro de los grandes controladores de la droga que entra en Baltimore, su poder está basado totalmente en la violencia, cualquier gesto, cualquier contestación fuera de tono acaba pagándose. Probablemente el más joven de todos pero aun así, el más temido, no le arredra nada.

(Gbenga Akinnagbe) Chris Partlow
Soldado de Marlo, la mano ejecutora, un personaje que se podría calificar de terrorífico, inseparable de “Snoop”. Son dos sicarios entregados completamente al terror, genial y original el sistema que tienen para hacer desaparecer los cadáveres de sus enemigos.

(Robert Wisdom) Howard 'Bunny' Colvin
Inventor de “Hammsterdam”. Tan solo esta frase debería bastar si has visto la serie, es una de sus mejores y más descabelladas ideas, ya que la ejecuta como jefe de policía. Buenísima persona que tan solo desea el bien general de la comunidad y a ello dedica su vida, desde un puesto o desde otro.

(Chad Coleman) Dennis 'Cutty' Wise
Ex-presidiario, sale de la cárcel e intenta volver a las calles a realizar “encargos”, pero acaba dándose cuenta que mucho de lo que el vivió antes de entrar en la cárcel ha desaparecido. Por ello decide dedicar su vida a su otra pasión, el boxeo y ayudar a los demás.

(Felicia Pearson) Felicia 'Snoop' Pearson
Su característica particular podríamos decir que es la frialdad de esta chica, increíble que nunca le tiemble el pulso con una pistola en la mano. Hace la pareja perfecta de asesinos junto a Chris. Puedo asegurar que ambos son el dúo que más asesinatos cometen en toda la serie, sin miedo a equivocarme.

(Robert F. Chew) Joseph 'Proposition Joe' Stewart
Uno de los jefes de la droga, pero de los chapados a la Antigua, curiosamente su profesión es la de relojero. Aun estando metido en el tema de los estupefacientes, mantiene abierta su tienda de reparaciones, le gusta hacer las cosas bien, aunque no deja escapar la ocasión de sacar tajada de todo, cualquier cosa o información vale para ser vendida.

(Al Brown) Major Valchek
Policía de rango, de origen polaco, adquiere protagonismo en la 2ª temporada, precisamente por su enfrentamiento y oposición continua a Frank Sobotka.

(Lawrence Gilliard Jr.) D'Angelo Barksdale
Sobrino de Avon Barksdale, personaje muy relevante en la 1ª temporada, controla las torres, pero algo en su interior hace que no esté a gusto con todo esto.

(Paul Ben-Victor) Spiros 'Vondas' Vondopoulos
Ayudante de “El griego”, su mano derecha es el que negocia los contenedores y la droga que llega, con los mafiosos de Baltimore, sobre todo con Proposition Joe.

(Thuliso Dingwall) Kenard
Pequeñajo de las esquinas. Parece muy maduro para su pequeña estatura. Al que le toca un instante importantísimo en la serie.

(Maestro Harrell) Randy Wagstaff
Buen chico, empresario, vende y revende golosinas en la escuela para poder vivir, su miedo le hace delatar cierta situación y eso hace que su vida peligre después de incendiarle la casa de acogida donde vive.

(Julito McCullum) Namond Brice
Es el hijo de 'Wee-Bey', su padre es su referente hasta que después de un tiempo se da cuenta que no está hecho para las esquinas.

(Michael B. Jordan) Wallace
Entrañable chaval de las torres, solo “dura” la primera temporada, acaba siendo una victima más del mundo de la droga. No encaja y eso le cuesta la vida.

(Pablo Schreiber) Nickolas 'Nick' Sobotka
Sobrino de Frank Sobotka y lugarteniente de este. Se acaba liando un poco con todo y en temas que no son de él, y no le trae nada bueno. Al final su vida acaba derrumbándose pero aun así demuestra cierto honor al final.

(Chris Bauer) Frank Sobotka
Es el jefe del clan de los Sobotka, presidente del sindicato de estibadores de Baltimore, sale pocos episodios, pero el personaje me parece de gran importancia, mas que muchos que salen mas veces que él. Sus métodos no son lícitos pero de alguna manera pretende que el fin justifique los medios.

(James Ransone) Chester 'Ziggy' Sobotka
Hilarante personaje donde los haya, pertenece a la 2ª temporada, no sale antes ni después. Hijo del gran Frank Sobotka, pero no da la talla de su padre, todo el mundo se mofa de él, no olvidemos que él también pone bastante de su parte para que esto sea así. Si le analizamos un poco detenidamente nadie le ha dado una oportunidad real y quiere merecérsela, solo quiere ser alguien, aunque equivoca totalmente el camino.

Tour de localizaciones:

1. Collington Square Park
(Esquina de Collington Avenue and East Hoffman Street)
Es la versión de Baltimore Este de Federal Hill según palabras del propio Vincent Peranio. Es una parte elevada de la ciudad y el lugar concreto en el que en la primera parte se juega el partido entre el Este y el Oeste, el Oeste encabezado por los Barksdale y el Este por Proposition Joe. Los jardines de los alrededores se usaron también para diferentes localizaciones de encuentros para trapicheos de droga.

2. Behind The American Brewery Building (detras de la Antigua fabrica de la cerveza America)
(1701 N. Gay St.)
Es la parte Este de Collington Square Park, justo detrás del viejo edificio de la cerveza ‘América’. Deshabitado desde 1973, según Peranio una de las mayores locuras arquitectónicas de Baltimore, hechos de ladrillo rojo y coronados por tres torres. Habitual localización donde se mueven los vendedores de droga.

3. The Rim Source (la orilla el nacimiento del rio)
(2351 E. North Ave.)
La traducción podría ser algo así como la parte del nacimiento del rio, donde marlo aparece en algunas ocasiones haciendo negocios sobre droga con algunos de sus colegas.

4. Amsterdam (Hamsterdam)
(Detrás de Great Blacks in Wax Museum at 1603 E. North Ave.)
Esta es la zona que la policia acordonó para dejar mercado libre a las drogas y retirarlas de las esquinas donde habita la gente normal, es una zona de casas abandonadas. Peranio cuando en la serie hizo que las casas se fueran derrumbadas tan solo tuvo que desplazar las cámaras un bloque de manzanas calle abajo, para rodar los escombros.

5. Marlo’s Spot
(Faith Lane and Bond Street)
Es un sitio que parece ser resultó bastante complicado de encontrar. Lleno de estructuras de hormigón sin criterio alguno, que asemejan a un parque de skate. Decidió que este fuera el lugar habitual donde Marlo montara su corte, por decirlo de alguna manera sería el salón del trono.

6. Drug Corners And Bulletproof Bars
(Bond Street between Biddle and Federal streets)
Principalmente son las localizaciones de las esquinas utilizadas durante la 4ª y 5ª temporada. Que si que se aprecia que son distintas a las del principio.

7. Murderland Alley
(Bethel Street entre Federal and Oliver streets)
Es donde esá la pintada que aparece en los títulos de crédito. El callejón de la muerte.

8. Bubbles’ Garage
(McAllister Street entre Guilford Avenue and Hunter Street)
Parece ser que la zona actualmente está lleda de osos de peluche que la gente deja en agradecimiento al personaje.

9. Primary School No. 32
(1634 N. Guilford Ave.)
Es el edificio de la escuela primaria donde se desarrolla gran parte de la acción de la cuarta temporada. Este estaba en ínfimas condiciones y los artífices de al serie repararon ciertas zonas y determinadas estancias como la cafetería. Cuando terminó el rodaje una Asociación católica lo aprovechó par reabrirlo y dar clases en él.

TRONCHA

"En tierra hostil" de Kathryn Bigelow

noreply@blogger.com (troncha) — Fri, 06 May 2011 16:56:00 +0000

Hay películas que cuando a uno le llega el momento de verlas es un poco tardío, me explico, todo el mundo las ha visto y de una manera o de otra sus opiniones te condicionan algo, por supuesto la final es mía. Esta que ahora nos ocupa es uno de esos ejemplos, avalada en todo el mundo anglosajón, sobretodo, se encontraba entre mis pretensiones personales y por ello llegado el momento acabamos poniéndonos cara a cara uno frente al otro.

Los estadounidenses en general no me parecen un pueblo demasiado fiable, ellos se consideran los números uno en todo y eso de que tu mismo te consideres el mejor de algo, a mi me enseñaron desde muy pequeño que no es muy bueno. Aun así los habitantes de EEUU, siente la necesidad de estar en todos los sitios del planeta y defendernos a todos de los malos o de posibles invasiones de malos. Kathryn Bigelow nos sitúa con su trabajo en uno de esos escenarios, lo que pasa es aprovechando la redundancia, nos sitúa donde a ella le da la gana.

Con el objetivo de su cámara pretende ser lo más imparcial posible, coloca el objetivo de la misma frente a un grupo de artificieros del ejército de Estados Unidos que desafían continuamente a la muerte en cada una de sus intervenciones en Iraq. El problema de esta producción quizás reside en lo que no vemos en lo que la directora se deja detrás de la lente, solo tenemos el punto de vista de los estadounidenses y no conocemos el alma del país, ni de las personas que lo habitan, solo del lado del invasor que viene a liberarles.

Todo esto hace que en definitiva la película se convierta en un panfleto pro-yanqui, necesario para justificar la política que ejercen sus líderes. Es más cuando acabamos de ver la película nos damos cuenta de que nos han contado muy poco, que solo hemos sido espectadores de ciertos momentos de tensión, que de tanto repetirse acaban por convertirse en monótonos y poco originales, nuestro grupo no sale de una cuando ya está metido en otra.

Con todo esto de verdad que no destaco nada del film, entiendo que cierto tipo de espectadores que están mas acostumbrados a este tipo de cosas, les llegue adentro. Incluso se sientan identificados porque algunos de sus familiares, amigos, compatriotas estén allí exponiendo su existencia prácticamente a diario, el caso es que a mi y a bastantes como a mi no nos llega, no logramos ver más allá de un mero cine propagandístico imperialista.

TRONCHA

"Thor" de Kenneth Branagh

noreply@blogger.com (des) — Thu, 28 Apr 2011 10:16:00 +0000

Ni se ya la vez que lo comento pero sin ánimo de ser pesado expresar desde aquí que no soy un excelso conocedor del mundo del cómic, mis exiguos conocimientos se los debo a mi compañero de viaje Des, si ese que se deja ver tan poco por estos lares. El caso es que este particular desconocimiento a veces es bueno y otras no tanto, por ejemplo en el caso de “Watchmen” (2009) fue totalmente positivo y acabé descubriendo un producto grande y soberbio. En el caso que nos ocupa o sea “Thor” anticipo que los derroteros han tomado un sentido totalmente distinto al de la obra de Zack Snyder.

Desde hace ya un tiempo llevo denunciando con mi mínima y modesta opinión que no me gusta el rumbo que toma el cine de nuestros días, procurando ante todo y sobre todo llenar las arcas en detrimento de otros aspectos que a mí me resultan más valiosos. Thor es un ejemplo más de esta corriente, en mi caso la versión vista fue en 3D con lo cual aun más puedo corroborar que el espectáculo se antepone a todos los aspectos básicos del cine en general y sobre todo al de la narrativa; solo interesa lo que la imagen nos regala lo que la retina ve, no o que el cerebro puede retener.

Ante esta perspectiva tan poco alentadora, recurrí a mi consejero y solicité una exhaustiva aclaración de lo que realmente implicaba el personaje de Thor, del que yo había tenido una idea como muy mitológica y perteneciente al paraíso donde deambulan los dioses. Además había escuchado que era un cómic de lo más shakesperiano, si se me permite el término y con Kenneth Branagh al frente el caso es que prometía, claro está que si están dispuestos a ir a verla les advierto que no esperen nada de esto.

Los personajes están más preocupados de su aspecto físico que de su naturaleza mítica, interesa más ver a un Thor (Chris Hemsworth) con camiseta y vaqueros, cuya foto irá a parar a facebook, que al gran guerrero capaz solo él de empuñar el martillo forjado por los enanos. Parece no interesar la historia que conlleva detrás todo esto, una narración de hace miles de años de dioses y monstruos en eterna lucha y constante conflicto por dominar el universo. Esto implica que no nos creamos ninguno de los personajes porque lo único que ha interesado es hacer es un espectáculo visual y no una película.

Aunque incluso en el apartado del espectáculo visual tengo mis dudas encontrando defectos a cada paso y haciendo muy exagerado el abuso del ordenador para todo. Se ha excedido la orientación del film hacia el nuevo sistema 3D que dicho sea de paso y que en mi opinión todavía deja bastante que desear y del que los expertos tendrán que afinar mas en el futuro. Se abusa de los planos generales y cuando uno está trabajando en esa dimensión la verdad es que el avance tecnológico es inapreciable, asemejando la imagen a aquellos teatrillos de papel que iban como por capas y con los que jugábamos cuando éramos infantes

Poco o nada queda por destacar, teniendo en cuenta que la historia debería estar basada en los cómics ya existentes, los errores son múltiples, incluso incluyendo nuevos personajes y cambiando otros. Nada resulta apetecible en este trabajo de un nivel muy bajo y que está totalmente dirigido a una adolescencia poco exigente. Lo que deberían haber olvidado los que están al frente del proyecto es que los que leyeron el cómic en su día ahora están casados y con hijos, esos serán los que más se sientan decepcionados.

TRONCHA

"Green for danger" de Sidney Gilliat

noreply@blogger.com (troncha) — Tue, 29 Mar 2011 17:45:00 +0000

Son ya unas cuantas las ocasiones que desde aquí hemos intentado demostrar la importancia que tiene el situar una película en su contexto temporal. A veces es necesario situar el momento en el que se creó para comprender ciertos aspectos que hayan influido en su definitiva concepción. En otros casos es importante saber en que fechas se desarrolla la acción para que ciertas cosas que vamos a ver tengan lógica.

Nuestro ejemplo se desarrolla en Agosto de 1944, esto nos ayuda mucho, ya que sabemos que Europa, o mejor dicho gran parte del mundo, está inmerso en la segunda gran guerra. Los alemanes alcanzan territorio británico con sus temidas al igual que ineficaces bombas volantes V-1. Este es un detalle que el director aprovecha no solo para incluirlo en la historia sino para de alguna manera mofarse de su efectividad. También es justo decir que si no fuera por ellas en ningún momento el espectador tendría consciencia de que se encuentra en plena Segunda guerra mundial.

Como apuntaba justo en las líneas precedentes, en la historia no interesa saber que estamos en guerra. Más bien es un pretexto o un detonante para provocar la reacción de nuestro asesino. Lo que realmente interesa es el hecho de que se han cometido una serie de crímenes y todo apunta a un grupo de médicos y enfermeras del mismo hospital. Lo que puede despistar es la identidad de los fallecidos porque no parece haber conexión entre ellos.

La estructura de la historia la hemos visto ya en múltiples ocasiones, en los filmes protagonizados por Hercules Poirot o Agatha Christie. El culpable forma parte de un grupo más o menos nutrido, pero en el cual todos guardan relación con todos. Esta fórmula siempre ha sido de mia grado, lo que ocurre es que cuando la ves unas cuantas veces acabas observando que el que más paleletas tiene nunca es.

Precisamente la técnica casi siempre es la misma, poner a alguien al que se dirigen todos los indicios de culpabilidad. Para luego después sorprendernos en el último momento y dar un giro total a los acontecimientos, buscando siempre un motivo para acontecer todo lo acontecido. Lo curioso es que la verdad siempre aparece en una reunión en la que todos aguantan el tipo de forma estoica hasta que se acaban desmoronando y admitiendo su culpabilidad cuando se ven acorralados.

Con todo esto no estamos ante una película excesivamente original, pero si con un buen ritmo, que mantiene un grado de interés bueno en el espectador. En el que destacan varios aspectos, por una vez y sin que sirva de precedente la figura del narrador, tan denostada siempre por mi parte. Pero es que cuando este cobra cuerpo se crea el personaje que añade la gracia a la historia, el inspector Cockrill (Alastair Sim), peculiar personaje llegado de Scotland Yard que no deja a nadie indiferente.

TRONCHA

"La laguna negra" de Antonio Ruiz-Castillo

noreply@blogger.com (troncha) — Wed, 23 Mar 2011 15:24:00 +0000

Nada más comenzar el film, lo primero que nos cuenta es que la laguna negra realmente puede estar situada en cualquier sitio. Aunque la verdadera está en Soria, donde estuvo Antonio Machado destinado como profesor y de la que dejó constancia en uno de sus poemas. Hecho que la propia película destaca en la cabecera de sus títulos de crédito.

Lo primero que se puede comentar es que puede que estemos ante un ejemplo de cine de género negro, pero sin duda tendríamos que calificarlo como rural. Totalmente alejado de la gran ciudad y de las cos prototípicas de la capital. Por tanto pensar en este ejemplo como perteneciente al noir español sería algo atrevido quizás. No obstante al ser un apartado de nuestro cine no muy repleto, quizás puede dársele cabida dentro de él.

La moraleja de toda la historia es que la codicia no es buena, es hacia donde llevan todos los caminos de la narración. Estamos en una época de represión en España y sobre todo lo que se pretende con esta película es adoctrinar a las masas que dicho pecado no es bueno. Pero sobre todo que aunque la justicia de los hombres pudiera tener errores y dejar impunes a los culpables, la divina es superior y siempre castiga a quien lo merece.

El caso es que la intensidad está bastante mal transmitida, desde un principio somos conscientes del crimen cometido y quien han sido sus protagonistas. Tampoco se piensen que ellos mismo hacen mucho por intentar disimular su culpabilidad. En muchos otros trabajos conocíamos al culpable y esto no restaba incertidumbre a la acción, sino todo lo contrario, pero el caso que nos ocupa, para nada es este.

Como curiosidad yo destacaría como nos vemos ante una sociedad completamente machista en la que el hombre ejerce un dominio absoluto sobre la mujer. Sin embargo lo notable es que las mujeres desde la sombra no dejan de manipular la situación y de empujar a sus hombres a situaciones de total interés para ellas. Esta manipulación desde la sombra me recuerda un poco al cine japonés en la época del chambara donde ocurría algo similar.

Entre algunos de los fallos que la película presenta es que no marca de una forma correcta los tempos. Hay escenas que no cuadran por su longitud temporal, con lo que pierden sentido. En más, en la escena en la que el buhonero, narra su cantar explicando lo acaecido, lo hace de una manera totalmente exacta a como han acontecido los hechos, algo que por cronología y desarrollo de la acción es imposible que conozca. Pero realmente el cometido del film es difundir el mensaje moral como indicaba anteriormente y no como se desarrollan los hechos.

A favor de la producción debo decir que está fantásticamente ambientada, algo de lo que carecen muchas producciones. El que suscribe no soporta que en ocasiones haya películas que traten de ciertos entornos y estos sean del todo impolutos y pulcros. Una película rural tiene que tener una serie de componentes que la hagan creíble no puede ser que un labrador vaya siempre limpio, en una época donde la higiene tenía muchísima menos importancia que en la actualidad, por ejemplo.

TRONCHA

"Los señores del acero" de Paul Verhoeven

noreply@blogger.com (troncha) — Tue, 28 Dec 2010 11:20:00 +0000

De esta película tenía un buen recuerdo de cuando era adolescente, tampoco en aquella época tenía el criterio que tengo ahora. Y por supuesto no me fijaba en las mismas cosas que ahora. Apreciamos las cosas de distinta manera, lo que en su día, me pareció una gran película, esta vez se quedó en menos, pero que de alguna manera me entretuvo.

Probablemente por respeto a esta etapa de mi vida sea un poco condescendiente con este trabajo, porque la verdad es que en bastantes de sus aspectos deja mucho que desear. Algo que se descubre desde el primer momento es que la acción está rodada en España, no se porque es algo que vino a mi mente de forma repentina y no me lo pude quitar hasta que comprobé que estaba en lo cierto en los títulos de crédito del final.

Toda la historia está repleta de una falta de ritmo muy acusada. Es curioso decirlo en una película de aventuras en la que no faltan batallas y asaltos a castillos. Situada en plena Edad Media donde los señores feudales campaban a sus anchas, en donde la vida de una persona no valía demasiado. Martin (Rutger Hauer) encabeza un grupo de mercenarios que deciden serlo pero para ellos mismos, sin servir a nadie, beneficiándose tan solo ellos de sus propios botines.

El hecho es que la historia no funciona, porque el bajo presupuesto se nota por muchos sitios, y si tuvo un presupuesto aceptable, no se ve por ningún lado. Ni las batallas parecen tal, ni las localizaciones están bien aprovechadas, ni nada de nada. A Verhoeven le es mucho más interesante desnudar a los personajes e intentar alcanzar cierto grado de erotismo, que contarnos unos hechos creíbles y emocionantes.

Por tanto todo se viene abajo en cuanto empezamos a ver desnudos en pantalla, o sea casi desde el principio. Claro todo esto hace que el interés sobre la historia principal, se lleva perdiendo, y en definitiva la longitud de la película se haga larga. Pienso que como en otras muchas ocasiones se podía haber hecho una gran película con este tema, pero como otras tantas veces el dinero y la calidad se despilfarran para no llegar a prácticamente nada.

TRONCHA

"Los cuatrocientos golpes" de François Truffaut

noreply@blogger.com (troncha) — Mon, 22 Nov 2010 13:23:00 +0000

Si uno echa la mirada atrás después de unos cuantos años y consigue ver su infancia o retazos de cómo se desarrolló esta. Se acaba dando cuenta que la perspectiva de la vida ha cambiado un montón, el prisma con el que veiamos el mundo en aquella época no tiene nada que ver con el de ahora. Incluso muchos nos hemos convertido en padres y estamos en el lado justo contrario, el del enemigo de nuestras correrías infantiles.

Lo primero que pensé nada más acabar el film fue el porque de su título. No tenía excesivo sentido después de haber disfrutado de la historia, pero poniendo algo de intención uno se entera. Resulta que Los cuatrocientos golpes es una expresión francesa que se utiliza para cuando alguien es muy inquieto y no para de hacer travesuras, suele ser utilizada para niños o adolescentes. En este caso si que encajaba a la perfección.

Antoine (Jean-Pierre Léaud) es el protagonista y soporte vital de la historia, sus andanzas durante la infancia sirven para mostrar el particular mundo de este personaje. Un mundo muy distinto al de sus coetáneos, un universo visto desde una edad temprana en la que cualquier cosa puede parecer insignificante y justamente todo lo contrario. Un mar de vicisitudes en el que Antoine navega como puede, capeando el temporal de sus mayores para en definitiva hacerle un incomprendido.

El no pretende ni más ni menos que los demás, lo que ocurre es que su manera de conseguir sus propósitos no es del todo aprobada por la sociedad que le toca vivir. Un entorno que el director castiga en su narración, unos padres que viven alejados de su hijo en cuanto al aspecto de la comprensión. Un hábitat lleno de hipocresía en el que la única lucidez que encuentra el niño es la de su padre Julien (Albert Rémy) el que a la postre condenará sus actos y tomará una trágica decisión para desvincularse definitivamente de su propio hijo.

En todo este cosmos, tampoco queda indemne el sistema educativo, recibiendo un varapalo considerable. Cuando alguno de sus elementos rompe las normas dictadas y decide avanzar de manera positiva, es castigado por tal osadía, para que acabe regresando al redil. Sirva de ejemplo el que nuestro protagonista sea seguidor de Honoré Balzac y esto en definitiva le traiga más problemas que ventajas.

Para concluir indicar que estamos ante una de las primeras incursiones del cineasta francés en el cine con una obra cien por cien Truffaut. Que quizás tenga ciertos tientes autobiográficos, pero que nos describe con gran esmero los acaecimientos de Antoine. Un pequeño enfant terrible que casi se ve avocado sin remisión a la suerte, que incluso ni logrando su deseo como ocurre al final del film, llega a alcanzar la plena felicidad.

TRONCHA

"Déjame entrar" de Tomas Alfredson

noreply@blogger.com (troncha) — Tue, 16 Nov 2010 13:34:00 +0000

Cuando acabé de ver esta película y comencé a reposarla se me venía continuamente a la cabeza el personaje de Henry (Michael Rooker) en la película de John McNaughton, Henry, retrato de un asesino. El aspecto que supongo que hacia que relacionara una y otra es la cotidianeidad que se le da a la historia, el que nos encontremos delante de dos monstruos y aparentemente sean de lo más normal.

Sobra decir que el mundo de los vampiros ha sido llevado una y mil veces al cine, y por supuesto las que nos quedan todavía. Ya sea en su vertiente más romántica, como en su vertiente más terrorífica, por eso “Déjame entrar” supone cierto aire fresco dentro de este subgénero tan explotado. Su planteamiento es del todo original, aunque cuente con muchos de los arquetipos propios de este tipo de historias.

El hecho de que la historia esté contada a través de dos niños, Eli (Lina Leandersson) y Oskar (Kåre Hedebrant) hace que el espectador esté más predispuesto a que la historia cale mejor. Verdaderamente lo que menos atractivo me resulta es la historia de amor entre ambos personajes, está impregnada de cierta ternura, condicionada por la situación de ambos.

Lo que si que me interesa realmente es la manera que tiene el director de contarnos la problemática y el día a día de lo que tiene que soportar un vampiro. Aunque parezcan mentira mis palabras estamos ante un monstruo que tiene sus problemas como todo ser humano. No se crean que conseguir sangre para alimentarse es tarea fácil y sino que se lo digan al lacayo que como todo buen vampiro tiene Eli.

Un vampiro no mata porque sí como lo podría hacer cualquier asesino, lo hace porque lo necesita. No se recrea en la muerte de sus victimas, tan solo significan su subsistencia, no importan altos o bajos, feos o guapos, todos son comida. La naturalidad con la que narra estos temas el film son lo que nos llega a sorprender de este, el que estemos en una película de terror y no nos asustemos en ningún momento y tampoco esto nos sea extraño.

Definitivamente el conjunto me parece bastante atractivo, sin exagerar como algunas opiniones me habían comentado. Porque hay cosas que no encuentran lugar en la película y que se han metido con calzador. Además se les da una importancia que no merecen e incluso en ocasiones hacen que se pierda la concentración, sería el caso del grupo de amigos que está en el bar Sun Palace.

TRONCHA

"Milagro en Milán" de Vittorio de Sica

noreply@blogger.com (troncha) — Mon, 08 Nov 2010 12:03:00 +0000

Reconforta bastante encontrarse de nuevo con películas que uno vio hace muchos años, de las que tiene un vago recuerdo de la historia narrada pero que nunca llega a olvidar por su gran calidad. Hace poco escuche en un medio de comunicación, no recuerdo cual, que estudiar el pasado hace que comprendamos el presente mejor. No tengo ninguna duda de esta afirmación de hecho yo mismo intento visionar todo el cine “antiguo” que me es posible y esto me hace entender algunos de los desatinos que se hacen en el presente.

No pretendo descubrir a nadie que Milagro en Milán es una obra maestra del cine italiano. Mi intención más bien es intentar transmitir lo que yo siento cuando veo esa película. Descubriendo aspectos que seguramente ya habrán captado otros y seguro que dejándome muchos en el tintero que no habré sabido apreciar. El caso es que el cine tiene esa peculiaridad, cada uno en su interior puede sentir lo que le de la gana, aunque después sea un hipócrita y no quiera revelar al resto sus emociones.

Nadie debe asombrarse cuando se ponga a visionar este trabajo, porque el maestro de Sica desde el mismo principio de la producción nos desvela claramente lo que nos vamos a encontrar. Justo cuando acaban los títulos de crédito iniciales aparece en pantalla la conocida frase: “Érase una vez”. Esta es la directa y simple fórmula que utiliza el realizador para que el espectador desde el principio piense que está ante un cuento en imágenes.

La parte que resulta más magistral de todo el conjunto son los diez primeros minutos, donde sin apenas diálogos (o intrancesdentes la mayoría de ellos) nos describe perfectamente el personaje de Totó (Francesco Golisano). Un optimista por excelencia, un soñador, repleto de energía que acaba impregnando de esta a todos los que están a su alrededor. Un emprendedor que tan solo quiere el bien de cada uno y por extensión el bien común.

Una persona que no le importa perder ciertas libertades para poder concedérselas al prójimo. Totó es capaz de adaptarse perfectamente a cualquier circunstancia, por muy adversa que esta sea él le sacara el lado positivo. Acaba convirtiéndose en el perfecto mediador de conflictos, al que todos acuden para solventar sus problemas, todo ello conseguido a través de su bondad y rebosante optimismo, siempre alejándose de la violencia.

El director a través de este fantástico personaje parece intentar sacar lo mejor de nosotros mismos, mostrándonos la gran fractura que existe entre las clases altas de la sociedad y la de los miserables que encabeza Totó. Intenta demostrar que el dinero no lo es todo en la vida, que la felicidad por mucho que parezca no viene asociada al vil metal, recuerden que estamos en un cuento, no se me despisten justo ahora.

La composición del resto de personajes es realmente fantástica, el muestrario de pobres que habitan en el improvisado núcleo de chabolas que ellos mismos crean genera un catálogo digno de descubrir. Cada uno tiene sus particulares características, aunque el ser humano sea igual uno a otro cada cual tiene sus peculiaridades y de la mano de Totó iremos descubriendo los deseos y quebraderos de cabeza de cada uno de ellos.

La película en general es una exaltación total de las pequeñas cosas que tiene la vida, ahí es donde más incide la historia. Como lo que para unos es algo habitual para el resto es un completo espectáculo, por ejemplo la escena en la que los mendigos corren tras los rayos de sol para calentarse. Una lección para que acabemos dando la vuelta a lo que parece un problema y acabar convirtiéndolo en un divertimento como por ejemplo la escena del inicio de la película donde se derrama la leche que está cociendo.

Encuadrar este trabajo como una obra maestra es algo realmente obvio. Está llena de elementos con cierto grado de innovación o al menos así me lo parece para estar en al década de los cincuenta. No carece de efectos especiales, algo que en aquellos años estaba más bien destinado a cierto género de cine, situándonos en dicho momento histórico estos son más que aceptables y por supuesto ayudan a crear esa fantasía que el director nos quiere transmitir.

Como anécdota, detalle no sabría bien como definirlo dejar reflejadas en estas líneas la importancia que se le da al mundo de las matemáticas en los diálogos. Muchas veces contribuyen a ese tono cómico fantástico que tiene la producción, pero no se engañen con esa sonrisa que esbozaran mientras la vean. Cuando uno acaba de hacer la digestión se da cuenta que esta ha sido mucho más pesada de lo que en un principio parecía.

TRONCHA

"Lluvia de albóndigas" de Phil Lord y Chris Miller

noreply@blogger.com (troncha) — Tue, 26 Oct 2010 09:49:00 +0000

Llegado cierto momento de la vida de uno se puede decir que la principal circunstancia de ser padre, de la que estoy muy orgulloso y por partida doble, le hace a uno tener bastante criterio para escrutar el cine de animación. Si eres amante del séptimo arte y pretendes inculcar dicho gusto a tus vástagos, la mejor manera de hacerlo es con este género de cine.

Género que de alguna manera está al alza en cuanto a cuota de taquilla se refiere, pero que referente a su calidad está bastante devaluado. Los estrenos a lo largo del año son bastantes en cuanto a número (no como cuando éramos pequeños que solo podíamos verlos en épocas navideñas) pero muy pocos tienen cierta categoría para poder destacar del resto, la brecha entre calidad y cantidad es similar a ciertas fosas oceánicas.

Este no es el caso de “Lluvia de albóndigas” que tiene un guión repleto de originalidad, puede que la calidad de los dibujos no sea increíble. Pero el conjunto se compensa con una historia bastante original y divertida, con personajes que merecen la pena y que han sido bien perfilados. No incurre en los típicos tópicos que se reiteran de forma machacona en la mayoría de los ejemplos del género.

Señores del animado, este trabajo es un claro ejemplo de que se pueden hacer cosas que gusten no solo a pequeños sino también a mayores. Hay que devanarse un poquito más los sesos e intentar encontrar historias frescas y divertidas. La solución no pasa por reiterar la misma fórmula una y otra vez como nos tienen acostumbrados, para obtener rentabilidad.

Los padres de “Lluvia de albóndigas” han conseguido que suelte una carcajada en la sala de cine, algo que hace mucho tiempo que no ocurría, aunque parezca prepotente, solo por eso merecen mi profunda admiración. Además de porque no se han limitado a crear gags de otras producciones para adultos como estamos hartos de ver en el resto de realizaciones animadas que invaden el mercado.

TRONCHA

Nueva revista digital ULTRAMUNDO (Presentación)

noreply@blogger.com (troncha) — Thu, 30 Sep 2010 08:38:00 +0000

Los de ULTRAMUNDO, se han empeñado en sacar una revista digital.
Con los tiempos que corren hay que reconocer que le han echado un par, desde aquí por supuesto que aplaudimos su iniciativa y els deseamos la mejor de las suertes.
A continuación os dejo el orden del día de la presentación de la misma.
Mucha mierda, en vuestra andadura.

PRESENTACIÓN REVISTA "ULTRAMUNDO"

Una de las motivaciones principales por las que se ha creado la revista digital Ultramundo es porque creemos que todo hijo de vecino debería tener derecho a tener proyectos distintos a los que muchos se empeñan en decirnos que son los correctos y los demás no valen. Desde Ultramundo apostamos por crear algo diferente y presentarlo de una forma mucho menos aburrida de lo habitual.Por eso este viernes día 1 de octubre a las 16:30 horas, en el centro municipal integrado de "El Coto" (Plaza de la República s/n, Gijón) tendrá lugar nuestra presentación que constará de las siguientes actividades

Actividad 1: mesa redonda (16:30)

En ella se comentarán los pormenores de la creación de la revista, se mostrará material exclusivo y se adelantarán novedades tanto del segundo número de la revista como de la "Segunda muestra de cine fantástico y de terror Ultramundo". En la mesa redonda participarán los siguientes miembros de Ultramundo:

-Miguel Díaz: Creador tanto de la "Muestra de cine fantástico y de terror ultramundo" como de la revista. Para este primer número escribió parte del especial "Predators" y realizó artículos varios.

-Daniel Rodríguez: Solvente colaborador de Ultramundo y fan como pocos de Quentin Tarantino. En este número es responsable de analizar todas las películas de la saga "Predators" y de un completo análisis a fondo de la edición especial en DVD de "Malditos Bastardos".

-Adrián Esbilla: Es el temible hombre solitario encargado de despachar cuantos "Espagueti Westerns" se crucen en su camino. Para este número presenciaremos un mano a mano entre Esbilla y Terence Hill.

Sesión 1: "Fido" (17:15)

¿Problema Zombie? Solución Doméstica. Así piensan en ZomCom, por una módica cifra tendrá un zombie en casa que le hará más fácil la vida. Advertimos que la empresa no se hace responsable si al zombie le entra hambre y le devora. (Audio en inglés, subtítulos en castellano)

Sesión 2: "El imperio del fuego". (19:30)

Si creías que los británicos quedaron lo suficientemente destrozados enfrentándose a los infectados de 28 días después, es que no conoces a la legión de dragones que protagoniza esta película. (Audio en castellano)

Actividad 2: Despedida y cierre (21:15)

También es importante saber que:-Las entradas son gratuitas hasta completar aforo.-habrá descansos de 10 minutos entre las proyecciones.-No se permite comer ni beber durante el evento.

AGRADECIMIENTOS AL ILÚSTRÍSIMO AYUNTAMIENTO DE GIJÓN

"Nubes dispersas" de Mikio Naruse

noreply@blogger.com (troncha) — Wed, 29 Sep 2010 12:54:00 +0000

Estamos ante la última obra del gran genio nipón, la que da fin a su filmografía. A diferencia del resto esta ya fue rodada en color, demostrando que su adaptación a esta nueva innovación cinematográfica la saldó con nota. Este trabajo también sirve para homenajear el treinta y cinco aniversario de los estudios TOHO, que tantas y magníficas obras nos han dejado a lo largo del tiempo.

Hemos quedado en que Naruse es el director de los sentimientos, director sobre todo de actores. Actores que demuestran su valía en la pantalla, que son exprimidos al máximo para que sus personajes tengan un rendimiento pleno. El problema quizás reside en que para comprender esa expresividad hay que conocer un poco mejor al pueblo japonés y saber de sus costumbres para darnos cuenta realmente del esfuerzo y la importancia de algunos de los gestos de nuestros protagonistas.

Yumiko (Yôko Tsukasa) y Mishima (Yûzô Kayama) son dos individuos que navegan a la deriva, sus vidas han cambiado de una forma radical y realmente ha sido por el mismo hecho. Cuando ambos tenían un futuro prometedor frente a si, la desgracia se cruza por delante haciendo que todo se venga abajo. Mishima es chofer de una importante compañía y ha atropella al marido de Yumiko, que acababa de ascender y conseguir un mejor puesto de trabajo en EEUU.

El comienzo entre ambos no es nada fácil, tampoco se puede decir que el final lo sea. Naruse nos va a mostrar una vez una historia cotidiana de un Japón menos de posguerra que en anteriores trabajos, pero con unos personajes más castigados si cabe. Ambos viven prisioneros de sus principios, Yumiko hacia su deber buena esposa que no olvida y Mishima aunque es declarado no culpable del accidente, moralmente se obliga a resarcir a la viuda. Ambos asumen obligaciones que les marcaran el resto de sus días y que no van a dejar que uno disfrute del otro.

Toda la producción gira en torno a la pareja y sus arraigados principios, pero acaba sirviendo de excusa al director para mostrar un entorno alrededor de ellos, mucho más ventajista. Los demás personajes no han dudado de aprovechar las oportunidades que la vida les haya dado para poder sobrevivir, aunque las acciones no tengan nada de honrosas. En contra este mundillo de aprovechados sirve aun más para realzar la valía de la moralidad de nuestros dos protagonistas.

TRONCHA

"Musallat" de Alper Mestçi

noreply@blogger.com (troncha) — Fri, 24 Sep 2010 13:32:00 +0000

Que yo sea consciente seguro que este es el primer ejemplo de cine turco frente al que me haya puesto. No se si en alguna ocasión anterior puede que haya visto algo de dicha nacionalidad, pero les podría asegurar que no. Pero algo si que había oído hablar, los que somos amigos de visitar blogs y mirar por internet, sabíamos que lo más famoso del cine turco venía dado por una especie de remakes de lo más bizarros, sobre la trilogía de Star Wars, sobre Indiana Jones o sobre el mismísimo John Rambo.

De género de terror como es el ejemplo que ahora mismo nos ocupa, la verdad es que no tenía ni idea de ello. Al ser un país de raíces, orígenes, como se quiera llamar, musulmanas, la censura ha ejercido bastante influencia en la industria cinematográfica en décadas anteriores. Ahora es cuando se empiezan a sacudir algo de este yugo, para fomentar esa apertura de fronteras y ese lavado de imagen para parecer más “europeos” de lo que realmente son.

Supongo que cuando escribo sobre cine de terror, la indisposición general que tengo hacia este género, acaba condicionando el resultado global. En este caso aseguro que estamos ante una película con bastante corrección, un trabajo que en cuanto a su factura no tiene porque envidiar a otro de cualquier nacionalidad. Quizás donde no puedo ser tan benévolo es a la hora de plantear la historia, de su desarrollo narrativo, de su intento desesperado por intentar cerrar la historia y hacerlo de modo precipitado y erróneo.

Si atendemos a la primera parte del film, apreciamos que la vida de Suat (Burak Özçivit), precisamente no es un lecho de rosas, ha emigrado a Alemania, para procurar un futuro mejor a su matrimonio. Las distintas apariciones de sus familiares cercanos, ya sea en sueños o cuando está despierto, hacen que el espectador piense que todo se va a desarrollar entre dos mundos paralelos, el real y el de la imaginación de nuestro protagonista.

Este planteamiento no es tan descabellado como parece y según vaya avanzando el film se darán cuenta de lo que les comento. El hecho es que el director se dedica demasiado tiempo a explicarnos como son los personajes sin dar siquiera pistas de porque ocurre todo. No tenemos información de porque ocurren ciertas cosas, de manera que narrativamente hablando la película contrae una deuda con nosotros los espectadores.

El problema viene cuando de repente al final del todo se pretende saldar dicha deuda, contándonos todo en off, por parte de un narrador. La explicación convencerá o no a algunos, mezclando nuestra dimensión con otras de peor naturaleza. Como indicaba anteriormente se precipita todo al final, quedándonos quizás con mal sabor de boca por ello. Se nos queda la frase de tanto esperar para al final esto.

TRONCHA

"Distrito quinto" de Julio Coll

noreply@blogger.com (troncha) — Thu, 16 Sep 2010 11:00:00 +0000

En bastantes ocasiones quizás demasiadas ya, he dicho que el cine de cierta etapa en nuestro país tiene una dignidad increíble. Y que no se le otorga el reconocimiento que se merece, dedicándole mucho más a quien menos lo merece. Supongo que esto es culpa de la televisión nacional, el que nos deleiten de vez en cuando con buenas obras cinematográficas como sería “Distrito Quinto” (1958) y tantas otras, aunque sea en algún huequecito de madrugada.

El film nos cuenta la vida de sus personajes, que explicativo a que si, más bien las penurias y vicisitudes que tienen que pasar para poder sobrevivir. Personas que no quieren seguir los cánones que dicta la sociedad que les ha tocado vivir. Gente que toma el camino fácil del hurto y del timo para poder subsistir al menos una semana y cuando se acaba el parné, vuelta a empezar.

No hay que olvidar que la sociedad que nos describe Coll está viviendo bajo una fuerte dictadura, que tan solo permite progresar a través del esfuerzo y del trabajo. No existe un camino fácil y mucho menos que se halle fuera de la ley. Aun así ninguno se resigna a su suerte y pretenden entre todos preparar el golpe de su vida para poder dejar atrás un mundo de miseria y privaciones.

La estructura del film es muy teatral, en todo momento estamos ante planos muy generales que exigen lo mejor de los actores. Además se desarrolla prácticamente entera en interiores, lo que aun la hace más perteneciente al mundo de las tablas. Planos rebuscados que juegan con el contraluz, y otros con detalles del mismo decorado, esto permite decir bastante a favor de la profesionalidad de la utilización de la cámara.

Lo realmente importante de la película es la intensidad que el director nos pretende transmitir desde el primer momento de la realización. El mero hecho de ver corriendo a los protagonistas en el primer plano, ay nos pone en alerta. De verdad que aunque los diálogos no nos desvelan nada de forma directa lo que ha ocurrido, comprendemos desde el principio que se ha cometido un robo.

Como indicaba al principio la tensión se transmite bastante bien al espectador, desde el principio, pero algo no puede estar continuamente en dicho estado. Por eso hay momentos en los que el ritmo baja, al igual que la intensidad, quizás relajando demasiado todo. A través de continuos flash backs de los integrantes de la particular casa, conocemos sus propias vidas y sobre todo la de Juan (Alberto Closas), el eje en torno al cual gira todo.

La forma que tiene de evolucionar el film hasta llegar al final que llega me parece realmente magistral. Nos enfrentamos a una conclusión totalmente cerrada de la narración pero en ningún momento llegamos a este punto de manera forzada. El realizador ha sido capaz de guiarnos a través de cada historia particular componiendo un todo común que no podía ser de otra forma aunque el propio director lo hubiera pretendido.

TRONCHA

"Terje vigen" de Victor Sjöström

noreply@blogger.com (troncha) — Mon, 13 Sep 2010 09:45:00 +0000

Esta es la segunda vez que disfruto de uno de los trabajos de Sjöström, el primero fue “The wind” (1928), el que ahora mismo nos ocupa es anterior, en al menos una década. Con ambos ejemplos me conformo para catalogar que el director de origen sueco es uno de los importantes que ha dado el cine mudo, probablemente sea poco bagaje, pero lo que me han transmitido sus obras me obliga a hacerlo.

Hay veces que de tanto contar los cuentos se duda si su base es real o no. Como servidor reconoce que sus conocimientos de la historia de Noruega son escasos, cuando acabó de ver el film se fue a internet e indagó sobre el personaje. La historia encuentra su base en un poema de Henry Ivsen, que habitó por la costa nórdica durante su juventud y allí tuvo la oportunidad de relacionarse con muchos y avezados marineros que le nutrieron de historias.

El caso es que Terje vigen (interpretado por el propio Victor Sjöström) nace del poema de Ivsen, aunque actualmente se recite dicho poema en festivales de corte nacionalista como si de la proeza de un héroe nacional se tratara. El director narra a través de las imágenes la odisea del bravo Tejen, que intentó burlar el bloqueo impuesto por la marina británica y las vueltas que acaba dando la vida.

Por supuesto que toda la narración está basada en la epopeya que sufre este pobre padre de familia que lo único que pretende es proveer de víveres a los habitantes de la isla donde habita, incluida su mujer e hija. La armada es implacable con él y no escucha las razones que le llevan a llegar a la costa danesa y conseguir avituallarse. Pasado el tiempo el destino da la oportunidad de la venganza a Terje, pero como hombre de honor que es acaba evitando una desgracia aun mayor.

La obra está dividida en cuatro actos, con sus correspondientes intertítulos como es normal en el cine silente. Goza de una gran fotografía y porque no decirlo el director interpreta su papel de una forma nada desdeñable. O que si he de avisar es que la copia que yo visualicé fue remasterizada por el instituto sueco de cine en el 2005 y no han podido meter más la pata al colorear ciertos fotogramas. Porque con tesoros como estos hacen tales burradas, quien es el inteligente que decide estas cosas.

TRONCHA

Colección Biblioteca de Bolsillo Serie Naranja

noreply@blogger.com (des) — Sat, 21 Aug 2010 09:09:00 +0000

La última colección envíada por Black Arrow

Colección Biblioteca de Bolsillo Serie Naranja

Palabras de Black:

"Esta colección policial fue editada en Argentina por editorial Hachette entre 1943 y 1955.

Ponemos la numeración de los títulos que se pueden hallar.

Existen otras 3 colecciones también llamadas Naranja de editorial Bruguera.

Curiosamente los primeros números en la colección que después añadiremos son de otro color y no son obras policiales.

Esperamos que haya lectores que nos ayuden a completarlas"

Pues eso... :D

9. Arthur Conan Doyle. El Sabueso de los Baskerville

10. Ellery Queen. El Misterio de las Cerillas (nota: también conocida como La Casa en la Mitad del Camino o La Casa a Medio Camino)

11. Agatha Christie. El Crímen del Golf

16. E.C. Bentley. El Último Caso de Trent

20. S.A. Steeman. Asesinatos en la Niebla

23. Ellery Queen. El Cuatro de Corazón

25. Peter Coram. Cadena de Crímenes

29. Rufus King. Crímenes en la Familia Willett

31. Mignon G. Eberhart. Lance O'Leary Investiga

33. Ellery Queen. El Misterio de la Espada

35. Dashiell Hammett. Nick Charles, Detective

38. Carter Dickson. La Policía está Invitada

39. Dorothy L. Sayers. El Enigma del Veneno

41. Ellery Queen. La Muerte va al Circo

43. Carter Dickson. Los Crímenes de la Viuda Roja

50. S.S. Van Dine. Los Crímenes del Obispo

51. A.A. Milne. El Misterio de la Casa Roja

53. Ellery Queen. Tras la Puerta Cerrada

54. Marie Belloc Lowndes. Un Huésped Excéntrico

57. Ellery Queen. El Misterio de la Cruz Egipcia

61. William Irish. La Mujer Fantasma

64. Carter Dickson. Los Crímenes del Unicornio

67. Ellery Queen. Los Dientes del Dragón

70. Mabel Seely. La Casa que Acecha

72. Carolyn Byrd Dawson. La Dama que Lloraba a Solas

74. Sidney Morgan. Un Muerto en la Chimenea

76. William Irish. No Quisiera estar en tus Zapatos

78. Ellery Queen. El Misterio del Ataúd Griego

80. Baynard Kendrick. Tres Hombres Caen

82. Ellery Queen. La Tragedia de Z

84. Dorothy L. Sayers. Lord Peter y el Bellona Club

87. Carter Dickson. Con Guantes de Acero

89. Ellery Queen. El Misterio del Zapato Blanco

91. James Endhard. Estocada y Veneno

93. Ellery Queen. Aventuras de Ellery Queen

95. Kurt Steel. La Emboscada de Medianoche

98. Ellery Queen. El Misterio de los Hermanos Siameses

99. Geoffrey Homes. Un Cadáver a la Deriva

102. Ellery Queen. El Misterio del Elefante

104. Amelia Reynolds Long. La Muerte se viste de Escarabajo

106. James Endhard. Cuarteto para Instrumentos de Muerte

108. Erle Stanley Gardner. El Caso del Gatito Imprudente

114. Erle Stanley Gardner. El Caso de la Lata Vacía

116. Christopher Bush. El Enigma del Gong Chino

118. Margery Allingham. Policía en el Funeral

120. George Goodchild. El Inspector McLean lo Ve Claro

122. Ellery Queen. Había una Vez una Vieja... (nota: también traducida como Esta era una Anciana)

124. Erle Stanley Gardner. El Caso del Reloj Enterrado

126. James Endhard. Un Crimen entre Psicólogos

128. Baynard Kendrick. El Verdugo Silbador

130. Erle Stanley Gardner. El Caso del Patito que se Ahogaba

132. Ellery Queen. El Misterio de la Capa Española

134. Pierre Very. El Té de las Viejas Agoreras

136. William Irish. Lo que la Noche Reserva

140. Sidney Morgan. Muerte en el Pentagrama

142. Baynard Kendrick. Un Aroma de Violetas

144. Erle Stanley Gardner. El Caso del Mosquito Adormilado

146. William Irish. Si Muriera antes de Despertarme

147. Ellery Queen. Drury Lane Abandona la Escena

148. Baynard Kendrick. Toque de Difuntos

149. Erle Stanley Gardner. El Caso del Bolso de la Vampiresa

151. Erle Stanley Gardner. El Caso de la Rubia del Ojo Amoratado

152. Carter Dickson. Los Crímenes del Polichinela

153. Cornell Woolrich. El Ángel Negro

154. Carter Dickson. Sangre en el Espejo de la Reina

155. Peter Cheyney. El Verdugo Impaciente

156. Christianna Brand. Súbitamente, en su Residencia

158. Cornell Woolrich. El Negro Sendero del Miedo

159. Carter Dickson. El Patio de la Plaga

161. Jonathan Latimer. Gardenias Rojas

162. Brett Halliday. Violencia en Miami

163. Baynard Kendrick. El Silbato Silencioso

165. Jonathan Stagge. El Círculo Escarlata

168. Kelley Roos. La Vida en un Hilo

169. Cornell Woolrich. Coartada Negra

178. Kelley Roos. El Pillo está entre Nosotros

180. Kelley Roos. Dispuesto a Morir

182. Pat McGerr. Elija Usted su Víctima

183. Tom Van Dickey y Ben Kerner. No con mi Cuello

184. Barbara Frost. El Cadáver dijo: No

185. Kelley Roos. ¡Peligro, Marinero!

186. Raymond Marshall. Hay que Matar a Mallory

187. Mignon G. Eberhart. La Cazadora Roja

188. Fredric Brown. Noche de Brujas

189. Terry A. Beech. El Problema del Violín Errante

190. Lisardo Alonso. El Asesino del Tiempo

191. Fredric Brown. El Grito Lejano

192. Rodolfo J. Walsh. Variaciones en Rojo

193. Ameltax Mayfer (Abel Mateo). El Asesino está en la Cárcel

195. Jean Castaing. Viaje al Terror

196. Simon Rattray. La Reina en Peligro

197. F. Addington Symonds. Yo Fuí Asesinado

198. Raymond Marshall. ¿Por qué me eligieron a Mí?

199. George Bagby. Los Dedos Acusadores

200. Robert James. La Muerte calza Zapatillas Rojas

201. Ross MacDonald. Cita en la Morgue

Colección Evasión

noreply@blogger.com (des) — Sat, 21 Aug 2010 09:07:00 +0000

La segunda...gracias de nuevo Black Arrow

Colección Evasión

Esta colección fue publicada en Argentina por editorial Hachette entre 1951 y 1955.

1. Ellery Queen. Un Misterio de 10 Días (La Década Prodigiosa o La Maravilla de los Diez Días)

2. William Irish. Me casé con un Muerto

3. Dorothy Cameron Disney. Elegía por Arabella

4. Quentin Patrick. Muerte para la querida Clara

5. Ellery Queen. La Tragedia de Y

6. William Irish. Crimen Prestado

7. Quentin Patrick. La Muerte y la Doncella

8. Rufus King. La Mujer que dijo: Si...

9. Evelyn Piper. Inocente

10. Ellery Queen. El Gato de muchas Colas

11. Curt Siodmak. El Cerebro de Donovan

12. Ellery Queen. El Misterio de las Cerillas

13. Victor Canning. Luna de Panteras

14. Margery Allingham. Más Trabajo para el Enterrador

15. Ellery Queen. Las 2 caras de la Moneda

16. Evelyn Piper. El Motivo es Todo

17. Victor Canning. Un Bosque de Ojos

18. Ellery Queen. El misterio de la Espada

19. Thomas Sterling. La Casa sin Puertas

20. Ellery Queen. Tras la puerta cerrada

21. Wiliiam Irish. La Mujer Fantasma

22. John Evans. Galería de Espanto

23. John Reywall. El Juicio de Alvin Boaker

24. Evelyn Piper. La Trama Usurpada

25. Ellery Queen. El Origen del Mal

26. William Irish. Alguien al Teléfono

27. Ellery Queen. La Tragedia de Z

28. Dorothy Cameron Disney. La Carta nº 17

29. Borges, Bioy Casares, et al. Diez Cuentos Policiales Argentinos

30. Ellery Queen . El 4 de Corazón

31. Margaret Millar. La Telaraña de Nieve

32. William Irish. No quisiera estar en tus Zapatos

33. Ellery Queen. Calendario para el Crimen

34. Victor Canning. La Salamandra de Oro

35. F. Addington Symonds. Retrato del Acusado

36. Eric Frank Russell. Barrera Siniestra

37. William Irish. El Plazo expira al Amanecer

38. Ellery Queen. El Misterio del Elefante

39. C. Daly King. Sospecha en Alta Mar

40. Gregory Tree. Muy Joven para morir.

41. F. Addington Symonds. Sonríe y Mata

Colección Crim Novela Negra

noreply@blogger.com (des) — Sat, 21 Aug 2010 08:54:00 +0000

Nuestro amigo Black Arrow nos envía varios listados de colecciones de libros de novela negra para ampliar esta "sección de este blog". Muchas gracias Black. :D

esta es la primera

Colección Crim Novela Negra

Esta colección fue publicada por Ediciones Martínez Roca entre 1986 y 1989.

1. Ross MacDonald. Los Maléficos

2. Jordi Sierra I Fabra. Doble Imagen

3. Ross MacDonald. Te espero en la Morgue
4. Jordi Sierra I Fabra. Demasiado Oscuro para un Fin de Semana
5. Varios autores. Los Mejores Relatos Policíacos 1

6. Ed McBain. A Mano Armada

7. Varios autores. Los Mejores Relatos Policíacos 2

8. James Hadley Chase. Mallory

9. Ross MacDonald. En Busca de una Víctima
10. James Hadley Chase. Entre Sombras
11. Bill Pronzini. Huesos

12. Jordi Sierra I Fabra. En la Esquina del Círculo
13. Ross MacDonald. El Caso Ferguson
14. James Hadley Chase. Muerte Aplazada
15. Arthur Lyons. Sobredosis
16. Andrew H. Vachss. Bajos Fondos
17. Edward Gorman (sel.). Maestros del Crimen. Los Mejores Relatos Policíacos Contemporáneos.
18. James Ellroy. La Dalia Negra
19. Elmore Leonard. Dinamita para Empezar.

"Nubes flotantes" de Mikio Naruse

noreply@blogger.com (troncha) — Thu, 08 Jul 2010 10:57:00 +0000

Naruse se podría definir como el cuarto director en importancia de la historia del cine japonés, la verdad es que siempre se nombran a los tres grande Kurosawa, Mizoguchi y Ozu. No es muy explicable que Naruse aparezca siempre como en un segundo nivel, sus obras le avalan de tal manera que en lugar de un trío podría hablarse sin miedo de un fabuloso cuarteto.

La película nos cuenta la historia de dos personas cuya vida ha entrado en barrena, y no son capaces de levantar el vuelo. Por enésima vez la historia se sitúa en el Japón de posguerra, incluso hay que mencionar que en este trabajo si que hay alguna alusión al conflicto bélico. Además no solo se alude a este sino que directamente el protagonista admite que son los perdedores de la misma y que eso va a afectar de forma tajante a su forma de vivir.

Yukiko (Hideko Takamine) y Tamioka (Masayuki Mori) se conocen en Indochina, durante unos trabajos para el ministerio forestal, allí salta la chispa y su relación acaba siendo más intensa. De hecho el punto de referencia para que a posteriori se vuelvan a encontrar será su relación vivida en primera instancia. Ella sobre todo se aferra al recuerdo, para recobrar el amor de él, más bien se obstina en no renunciar, aunque Tamioka esté casado.

Ante un tema de relaciones de pareja, en la que pueden surgir conflictos y rupturas matrimoniales, la forma de narrarlo que tiene Naruse es tranquila y sosegada. Al contrario de como se haría en un trabajo de corte más occidental. Alguien que no esté muy acostumbrado al cine oriental, podría pensar que los personajes no sienten ni padecen, simplemente es otra forma de ver los conflictos y traumas personales. De hecho el director minimiza todo lo que puede los diálogos para mostrar estas situaciones de cierta tensión delante de la cámara y que prevalezca el lenguaje corporal, sobe todo el de los rostros.

Se puede decir que lo que le encanta al director japonés es experimentar con al resistencia del ser humano. Saber lo que realmente es capaz de dar de sí en situaciones totalmente extremas, situaciones no solo externas como podría ser su economía, trabajo, vivienda, situación social. Sino también unas condiciones intensas interiormente, como relacionan a los celos a la envidia, a que la persona amada acabe yéndose con otro tan solo por conveniencia ni siquiera porque lo desea.

En este dramático toma y daca se mueven continuamente nuestros personajes. Viviendo a veces juntos y otras separados, pero no alejándose demasiado uno del otro, refugiándose en ocasiones en la bebida para poder soportar los reproches de uno u otro. Esta inclinación recuerda a otros trabajos posteriores, donde la bebida juega un papel bastante importante en la degradación de las relaciones personales. En definitiva una obra maestra que deberíamos tener en cuenta y que quizás exija un poco de nuestra paciencia para que podamos apreciarla en su totalidad.

TRONCHA

"The wall" de Alan Parker

noreply@blogger.com (troncha) — Wed, 26 May 2010 13:12:00 +0000

El mundo del cine en general y en particular el de las películas a veces es complicado, sobre todo a la hora de decidir el género de algunas producciones. Este que ahora mismo nos ocupa sería uno de estos ejemplos, donde mejor encajaría podría ser en la variedad de los musicales, alguien podría decir que no es así, pero a mi así me lo parece. Tampoco se puede negar que tenga ciertos tintes dramáticos pero lo que prima sobre el resto de las cosas es la música, toda ella extraída del álbum de la banda Pink Floyd con el mismo nombre que el film y que los de Cambridge habían publicado con enorme éxito tres años antes (1979).

The wall no contiene una historia normal, por dejarla un poco al margen de la generalidad se puede decir que la misma está contada prácticamente en un continuo flash back. Pink (Bob Geldof) es el protagonista de la misma, una estrella del rock que a pesar de su éxito vive marcado por su infancia. Con muy pocos diálogos Parker es capaz de ponernos en situación y descubrir la carencia de afecto que sufre nuestro principal debido a la carencia de la figura paterna, muerto en la segunda gran contienda.

El soporte musical sirve para que la narración se torne más metafórica si cabe, acompañado por imágenes de animación que de vez en cuando irrumpen en el film. Todo esto hace que el espectador piense que está en ocasiones ante un videoclip más que una película. La mezcla entre drama, música y animación hacen de este un trabajo único, que incluso pasado el tiempo se haya convertido en un icono para toda una generación.

Aun siendo el principal la música el puntal donde se sustenta todo, el realizador lo que realmente pretende es denunciar la sociedad que le rodea. El muro que se ha creado en cualquier civilización y que hace que el individuo acabe alienándose entre sus muros. Parker propone que nos levantemos de nuestro sillón e intentemos derribar dicho muro. Inclusive alguien podría pensar que es una alusión directa al muro que separaba las dos Alemanias en el momento de la realización de la película; puede que no anden demasiado descaminados.

Hay que pensar que este trabajo no es quizás para todos los estómagos, puede que haya gente que ni siquiera entienda o quiera entender la metáfora total de la historia. Lo que si que no se puede negar es que se convierte en un ejemplo único que merece la pena, tanto para personas que conozcan aquella época en la que se confeccionó, como el que quiera aprender más de aquella particular década de los ochenta.

TRONCHA

"Al final del camino" de Roberto Santiago

noreply@blogger.com (troncha) — Wed, 12 May 2010 07:46:00 +0000

Es difícil comenzar a hablar de esta película, nada mas verla me pareció tal despropósito que decidí esperar un tiempo para acometer esta crítica y que mis vísceras se calmaran. He pensado durante ratos en ella, la he repasado en mi mente, quizás más tiempo del que realmente se merece. Y después de ese tiempo he decido acometer su reseña porque demorarla más era algo que no tenía sentido alguno.

No crean que tengo demasiado clara la pretensión que tenía el director al realizar dicho trabajo, pero pienso que fuera la que fuera no la consigue ni de lejos. Ni siquiera podemos comparar este ejemplo con otros dentro de la comedia ya que la entonces todavía saldría bastante más vapuleada de lo que va a acabar.

Se nos intenta contar la historia de un grupo de parejas que se encuentran en crisis y que gracias a la convivencia que se va a producir jornada tras jornada, la situación acabará mejorando. Pero es que no tenemos en ningún momento la sensación de estar en ninguna parte concreta del citado camino, aunque nos intenten llenar las escenas de extras que se notan lo que son a la legua.

Si uno se plantea hacer una comedia, puede ponerse frente a una historia con poco sentido o al menos que no haya profundidad en ella. Pero ya que lo que se busca es la sonrisa del espectador, uno debería dedicarse de lleno a pulir las situaciones graciosas y hacer gags de fuerza, para arrancar la carcajada del respetable. El principal problema del film es ese que dichas situaciones no están redondeadas, da la sensación que se cortan a medias y que portan no surten el efecto deseado.

Toda la filmación tiene una falta de ritmo brutal, no llega a coger la inercia que debería en ningún momento y ocurre lo peor, que llegado el momento todo se hace bastante previsible sin llegar a sorprender. Otra manía es tomar a actores que han triunfado en TV y obligarles a hacer los mismos papeles que en sus exitosas series, reincidiendo una y otra vez en los mismos cliches.

TRONCHA