Pintura a óleo

PintaComigo Atelier, February 23, 2017 at 07:46PM

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 23 Feb 2017 21:43:00 +0000

O que dizem desta Gorda Mais Linda pintada hoje pela Catarina?
Fantástica! Orgulhoso desta "menina" que dizia que não sabia pintar..

PintaComigo Atelier, January 28, 2017 at 06:59PM

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sat, 28 Jan 2017 19:07:00 +0000

O rei Leão, pintado com a boca pelo José Caldeira.
Abaixo, o habitual passo-a-passo, em que o resultado final aparece numa foto um pouco desfocada, pelo que posto esta, para verem melhor.
Como sempre, nenhuma foto faz justiça ao que está na tela, mas...

PintaComigo Atelier, December 13, 2016 at 10:45PM

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 13 Dec 2016 23:05:00 +0000

Hoje a Cristina pintou um lindo e enorme ramo de flores em intenção a um grande amigo que partiu este fim de semana. Ficou lindo e lindo, Cris!

Criatividade e temas de pintura

noreply@blogger.com (Anonymous) — Wed, 28 Sep 2016 19:44:00 +0000

Talvez porque na maior parte do território de Portugal não temos montanhas com neve, tema tão popular nos episódios “The Joy of Painting”, tem sido muito frequente observar que os meus alunos escolhem outros temas, seja a partir de fotografias, outras pinturas ou de ideias que trazem como inspiração.

Não há problema! Antes de começarmos analiso, posso propor por exemplo alterar a composição ou as cores de forma a obter resultados ainda mais harmoniosos na tela, ao mesmo tempo que se maximiza a aprendizagem das técnicas.

Boas pinturas!

Pintura fiel

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 27 Sep 2016 19:14:00 +0000

Bob Ross, Golden Glow, episódio 11, temporada 11

Será assim tão importante pintar fielmente uma paisagem ou local em particular?

Os trabalhos de Bob Ross como os de muitos outros pintores, constituem antes de mais formas de reproduzir as respostas sensoriais poderosas que esses locais evocam, mesmo que “aquela” árvore seja de espécie diferente ou a montanha tenha outro formato.

A expressão da atmosfera nos seus óleos ora revela mistério e paz, ora nos conduz por um bosque encantado que imaginamos ou encontramos nos nossos sonhos.

Esse é o objetivo principal da pintura, evocar sentimentos e despertar emoções!

Boas pinturas!

Pintacomigo pintar oleo Mountain Reflections Bob Ross Part7

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 01 Sep 2016 07:58:00 +0000

No episódio final, o João termina a pintura com a criação da margem direita, concluindo o enquadramento da composição. Pequenos realces de luz e detalhes como rochas no lago e raminhos secos, permitem o efeito final deste tema notável e clássico de Bob Ross.

via http://youtu.be/_q8hXG4u9UM

Pintacomigo pintar oleo Mountain Reflections Bob Ross Part6

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sat, 30 Jul 2016 20:21:00 +0000

Neste episódio o João demonstra como se trabalha com a espátula para criar a margem esquerda junto ao lago. De seguida, vemos como a sobreposição de um tom de verde mais claro, usando a fanbrush, realça com toques, aqui e ali, a luz reflectida nas árvores e relva. Boas pinturas!

via http://youtu.be/pmLgUdSXWgc

Pintura sem segredos - Mountain Reflections demo 5/7

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 04 Jul 2016 14:37:00 +0000

No quinto episódio da série de vídeos de demonstração da paisagem originalmente pintada por Bob Ross, Mountain Reflections, o instrutor revela algumas técnicas para pintar árvores da montanha. Em forma triangular e com folhagem reduzida, este tipo de árvore não podia faltar a uma paisagem que tem por fundo uma montanha de neve. O fato de ser pouco compacta no que diz respeito a folhagem permite nesta composição produzir um efeito de imediato de profundidade. Reparem na dimensão desta árvore em comparação com as anteriores, na sobreposição (mas mantendo alguma transparência na folhagem, o que deixa visível o fundo pelo que a sua continuidade com a parte central é inegável) sobre a camada que antes trabalhámos e a maior visibilidade ou detalhe na forma de pintar e, nas cores mais vivas, com maior saturação, que são usadas nesta camada. Estas são algumas das regras básicas de perspectiva aqui patentes.

A forma de pintar estas árvores é muito simples: usando um fan-brush e com toques rápidos aproveitando a ligeireza deste pincel, do tronco para a camada mais luminosa da folhagem e de cima para baixo. Como um bailado, o pincel dança sobre a tela e hipnotiza-nos.

De seguida o instrutor faz aparecer a margem esquerda sobre o lago, delineando-se assim uma composição clássica e infalível.

Boas pinturas!

Pintura sem segredos - Mountain Reflections demo 4/7

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sun, 29 May 2016 17:02:00 +0000

Neste quarto episódio, o Instrutor João Azevedo começa a delinear a margem mais longínqua do lago, que de forma mágica surge do nada, e assim ao mesmo tempo as montanhas descem das nuvens e ganham credibilidade.

É interessante ver como o aparente borrão de tinta inicial é tão importante para dar sustentação e enquadramento às montanhas e como, afastando-as do observador, geram perspectiva.

Este arvoredo longínquo deverá obviamente ser pouco definido a bem de uma perspectiva fidedigna.

Será ainda a base para os reflexos magníficos que iremos ver e que só por si, recriam água profunda e bela de um lago pacifico.

Por fim, com a espátula, desenha-se horizontalmente pequenos riscos a branco, os quais separam e realçam visualmente o lago da margem.

Parece que não, mas estamos quase a chegar ao fim, e será surpreendentemente... fácil!

Boas pinturas!

Pintura sem segredos - Mountain Reflections demo 3/7

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 29 Apr 2016 19:42:00 +0000

Para quem não podia esperar mais, aqui vai a terceira parte da série de vídeos de demonstração das técnicas de pintura a óleo de Bob Ross, realizado pelo instrutor certificado da Escola Pintacomigo, João Azevedo.

Nesta fase, uma vez preparado o fundo e satisfeitos com as belas nuvens que executámos antes, estamos prontos para iniciar a pintura dos elementos que irão compor a composição final.

E assim, sabendo que na metodologia seguida por Bob Ross pintamos em primeiro lugar os elementos mais longínquos, vamos dedicar estes próximos minutos à transformação de uma mancha escura e estranha numa belíssima montanha de neve que no final deste passo ficará suspensa numa misteriosa neblina, como num sonho.

Ainda, escolhemos este tema, Mountain Reflections para vos apresentar - a partir deste passo 3 - a utilização da espátula para produzir efeitos de textura e luz magníficos. É é tão fácil!

Boas Pinturas!

Pintura sem segredos - Mountain Reflections demo 2/7

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 25 Mar 2016 09:00:00 +0000

Hoje apresentamos a segunda parte da série de vídeos de demonstração das técnicas de pintura a óleo de Bob Ross, realizado pelo instrutor certificado da Escola Pintacomigo, João Azevedo.

Nesta segunda parte o João demonstra a simplicidade com que se pintam nuvens.

O efeito é alcançado através de rápidos movimentos circulares utilizando um pincel fanbrush carregado de tinta branca sobre o fundo concretizado na parte 1. De seguida, resta-nos esbater um pouco e recriar a fofura das nuvens. Boas Pinturas!

Pintura sem segredos - Mountain Reflections demo 1/7

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 04 Mar 2016 09:56:00 +0000

Apresentamos uma série de vídeos de demonstração das técnicas de pintura a óleo de Bob Ross, realizado pelo instrutor certificado da Escola Pintacomigo, João Azevedo.

Esperamos que apreciem e em especial, que aproveitem ao máximo as técnicas apresentadas.

Desejamos por fim que estes vídeos vos ajudem a ultrapassar o medo e a ideia de que a pintura a óleo é difícil de aprender e por fim, que isso vos incentive a pintar.

Os vídeos foram realizados a partir de uma demonstração ao vivo com um publico alargado, ou seja, o formato não é o de uma aula, durante a qual o instrutor explica de modo mais detalhado o que faz e como faz e, incentiva os alunos a concretizar na sua tela a sua própria versão da aplicação da técnica, com o seu apoio directo junto de cada aluno. Por esse motivo as aulas realizam-se em turmas reduzidas de alunos, facilitando a aprendizagem.

A pintura chama-se Mountain Reflections. O resultado final é repousante, paradisíaco. Uma delicia!

Boas pinturas!

Vamos pintar um cérebro diferente

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 03 Aug 2015 12:26:00 +0000

Já aqui defendemos que a arte não está reservada a eleitos, todos podemos pintar, ser criativos e atingir níveis de excelência na arte.

Bob Ross, River in The Forest

Sabia que a noção de que podemos ser o que quisermos, incluindo pintores e desenhadores, tem bases científicas?

A criatividade não é diferente de qualquer outra competência. Pode ser desenvolvida em qualquer altura da vida.

O psicólogo, Alexander Schlegel (Dartmouth College) assim o concluiu das suas investigações ("The artist emerges: Visual art learning alters neural structure and function").

Continue a ler!

Segundo estudos de Schlegel, o cérebro das pessoas muda quando aprende a pintar ou desenhar. Verificou isto num grupo de pessoas após terem realizado um curso introdutório de pintura.

Durante e após o curso, os investigadores realizaram exames de ressonância magnética funcional, tendo constatado que as áreas cerebrais que participam em funções como pensamento criativo estavam mais ativas que antes e mostravam uma forma de organização diferente do que no grupo que não aprendeu a pintar.

E verificaram ainda nos alunos de aulas de pintura e desenho que a coordenação motora fina melhorou, assim como aumentou a sua criatividade (avaliado através de testes de pensamento criativo que mede aspetos como originalidade e capacidade de imaginar).

Esta é assim mais uma prova daquilo que se chama de “plasticidade do cérebro”, ou seja, mais uma vez se confirma que o nosso cérebro evolui e muda durante toda a nossa vida e não apenas quando somos crianças.

Quer aprender uma competência nova? Para isso basta começar a realizá-la e o seu cérebro muda.

Schlegel diz: "(…) the strange myth of the artist as a special class of human. I hope our study will help to debunk the notion that there are "artists" and "the rest of us.” (resumos de artigos)

Boas pinturas!

Arte é meditação? Instruções!

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sat, 29 Nov 2014 17:58:00 +0000

Já ouviram em algum lugar alguém dizer que arte é meditação?

É fantástico e muito gratificante o número de iniciados de diferentes vertentes que procuram as nossas aulas para sentir essa experiência.

A pintura pode realmente tornar-se uma meditação se nos perdermos na mesma, ou seja, quando deixamos de nos preocupar meramente com as técnicas. É isso que defendemos!

Osho (Rajneesh), um místico dos nossos tempos, partilhou ensinamentos, práticas e técnicas verdadeiramente contemporâneas para ajudar o homem moderno a meditar e a descobrir-se.

Neste artigo partilhamos uma prática sugerida por Osho em resposta a um pintor que o questionou sobre o tema.

Leia de seguida e pratique!

A meditação a pintar

Disse Osho que devemos perder-nos por completo na arte, de forma quase louca, sem saber para onde vamos e quem somos.

Este estado de não-conhecimento será meditação e devemos deixar que aconteça enquanto pintamos.

Teremos de estar muito, muito ativos na pintura, mas no entanto, sem o fazer (pintar). É este o segredo: estar ativo mas sem fazer.

O que se segue é uma compilação de técnicas de Osho e no cerne, a técnica de meditação.

Como meditar a pintar - as instruções

O que se segue baseia-se como se referiu nas técnicas de meditação ensinadas por Osho e em particular, na resposta que deu a um pintor questionando o mestre sobre como meditar na pintura (saiba que Osho não escreveu nenhum livro, mas há inúmeras transcrições das suas palestras e respostas a questões que lhe foram endereçadas.

Quem estiver interessado em conhecer mais, aqui fica o livro onde se registou a resposta ao pintor: "The Orange Book - ", Usha Offset Printers Pvt. Ltd., Bombay, 1980.

Foi enquadrada num conjunto de técnicas de meditação para serem realizadas durante o trabalho, sob a assumpção que podemos e devemos meditar em todas as circunstâncias da nossa vida por mais estranhas que pareçam.

Meditar não é apenas uma coisa séria, feita em posições impossíveis e rígidas e por pessoas sérias e barbudas. E não é para ser realizada em momentos especiais, no silêncio absoluto cheio de aromas de incenso. Antes, deve ser uma forma de estar, sempre presente como o é respirar.

Bob Ross, "Ocean Sunrise", Temporada 5, episódio 6

Fase 1 - preparação dos materiais

Prepare os materiais, os pincéis, diluentes, etc., e disponha as tintas na palete (escolha um conjunto ecléctico, por exemplo a palete para a pintura de paisagens), prepare a tela em branco, preta, cinza, use a base que lhe apetecer. Coloque a tela no cavalete.

Use se quiser musica relaxante, uma qualquer que aprecie, para acompanhar todo o processo. A musica é muito importante para a meditação.

Encontre o seu espaço. Um espaço adequado para pintar, calmo e fresco.

Fase 2 - estar consciente

Sente-se agora à frente da tela, da forma mais confortável que conseguir.

Durante alguns minutos, medite, ou se nunca o fez, mantenha-se em silêncio, de olhos fechados, escutando a respiração que passa pelo seu nariz ou prestando atenção ao nosso estômago, o que lhe parecer mais simples. Se nunca meditou, não se preocupe, basta estar, ou apenas relaxar.

Como relaxar

Começou a meditar mas de repente... sente desconforto, sente-se irritado?

Bob Ross, "Lake by Mountain", Temporada 7, episódio 9

Uma forma de relaxar o corpo: começando dos pés e terminando na cabeça reflicta sobre cada parte do corpo e, sempre que encontrar uma tensão, faça o seguinte: contraia os músculos da zona tensa o mais que puder, força, força... até não poder mais e de repente... descontraia!

Descontraia completamente essa mesma área.

Percorra todo o corpo até à cabeça e até sentir que não há mais áreas contraídas. Se só fez isto, foi bom!

Não esquecer a musica relaxante.

Agora está pronto para retomar o silêncio, para meditar conforme proposto em cima.

Fase 3 - pinte!

Após alguns minutos, 5, 10... o que lhe apetecer, agarre no pincel de forma automática e aguarde em silêncio... aguarde sentir um impulso na mão. E quando surgir, sinta que surgiu esse impulso mas que o mesmo não surgiu da sua vontade. Sinta apenas que estava a aguardar e que surgiu o impulso para a sua mão começar a mexer.

Bob Ross, "Blue River", Temporada 6, episódio 1

Seja o que for que suceda de seguida, deixe acontecer. Devagar no inicio, para evitar colocar demasiado de si, demasiada vontade e demasiada ação na pintura. Deixe que a energia do impulso flua pelo seu braço e sua mão e então, deixe-se perder nesse movimento.

E não pense em mais nada, evite pensar de todo.

Quando quiser, páre. Dura tanto tempo quanto quiser. E quando parar respire fundo. Observe. Partilhe connosco as fotografias dos resultados.

Pintar sem motivo

Osho explica ainda que em primeiro lugar deve pintar pela arte. Deve evitar pintar por qualquer outro motivo, incluindo a meditação.

Bob Ross, "Twin Falls", Temporada 10, episódio 3

Da mesma forma que não deve pintar para vender o quadro. Embora possa esse ser o fim, e isso não tem mal. Mau seria pintar apenas com o intuito de vender. Se o fizer nunca passará de um técnico.

Osho termina dizendo: deve perder-se, deve desaparecer por completo dentro da sua pintura, dança ou respiração. Seja o que for que se encontra a fazer, deverá perder-se completamente num estado de não-controlo.

Boas pinturas!

Falando pinturês

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 17 Jul 2014 12:47:00 +0000

Pintar é uma forma de linguagem.

Bob Ross, Brow Mountain

Como tal, tem tudo a ver com a nossa maneira de pensar e sentir o mundo. É por isso que uma pintura deve centrar-se numa ideia.

Muito mais que pintar uma paisagem bonita, devemos procurar pintar a forma como a vemos, a nossa forma de vermos a paisagem.

Se eu acho que uma paisagem é bela, é isso mesmo que quero mostrar na pintura, ou seja, eu quero mostrar a beleza natural.

Esse é que é o tema da pintura!

Continue a ler.

Escolher um tema para pintar

Os temas que podemos usar na pintura são variados, mas os mais comuns são: as emoções a estética e a descrição. Para mim, prefiro sempre um tema que me emocione, seja como observador ou pintor.

Mesmo enquanto principiante, foi para mim fácil seguir esta sugestão, já que é tão simples como realçar o sentimento que a cena real observada nos desperta.

A “Inspiração” é portanto tão somente estar sensivel para sentir no que observamos aquilo que queremos pintar: o tema.

É por isso que uma paisagem que nada nos diz, não nos inspira. Talvez isso suceda quando o nosso estado emocional não está coerente com o que observamos ou, talvez porque as cores que observamos na atmosfera não transmitem a ideia que gostaríamos de abordar.

De toda a forma procuremos na realidade observada auxilio para reproduzir a nossa ideia ou não, deixo aqui sugestões que podem ajudar a escolher um tema:

Conceitos:

Isolamento
Frieza e raiva
Alegria
Paz
Amizade
...

Formas de expressar o tema de pintura

Se para escolher o tema, decidimos optar por REALÇAR um sentimento, então por isto em prática significa isso mesmo: realçar, com maior ou menor exagero na tela, no sentido de desertar no observador as sensações associadas.

Deixamos algumas sugestões:

Escolha das cores associadas ao sentimento: utilizar as cores adequadas à emoção escolhida (ver artigo alusivo à psicologia da cor);
Coerência das cores: escolher o período do ano ou do dia cujas tonalidades estão associadas ao conceito (a frescura da manhã, o calor do Verão);
Mostrar Energia: escolher ou representar os elementos como se estivessem em plena cena de ação (alguém a correr ou uma ave a voar, uma cascata alta, árvores e ervas vergadas sob o vento);
Elementos: usar elementos (por exemplo vegetação) cujas cores ou dimensões são ajustadas à ideia (uma árvore vermelha, uma árvore muito alta é imponente);
Linhas: dispor os elementos sobre linhas que indicam fluxos/movimentos, ou utilizar pinceladas direcionais (ver artigo sobre a utilização da linha)

Bob Ross, Mountain Hideaway

Boas Pinturas!

Pintar com textura

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sat, 01 Mar 2014 14:06:00 +0000

Elemento da arte - textura

Pintura com espátula de Bob Ross, Temporada 6,
Episódio 11, Western Expanse

Este elemento tem a ver com a sensação de toque (ou a ideia que obtemos dessa sensação, mesmo sem tocar) que o objeto nos transmite.

Quer se trate de uma ilusão (2D) pela utilização de padrões (textura visual) ou simulação da mesma, quer se recorra uma textura real (3D) pela utilização de pastas, tintas com brilho variável, acetinadas ou brilhantes a utilização da textura torna as pinturas interessantes pela manipulação do valor.

Continue a ler, veja as nossas sugestões!

A textura é sobretudo importante quando optamos por não sobrecarregar a nossa pintura com demasiados objetos mas ao mesmo tempo, queremos acrescentar algum foco de interesse.

A textura pode ainda ser usada para criar composições de objetos nas quais o espaço assume elevada importância, por exemplo, uma natureza morta ou um abstrato... _> artigo anterior!!!!! espaço....

Como podemos então usar a textura?

Como vimos, a textura refere-se à sensação ao toque que o objeto nos transmite.

Mas antes de decidir por acrescentar textura à sua pintura, veja as formas de o alcançar:

Uma textura tridimensional, como vimos, sente-se ao tacto a rugosidade ou a sua forma.

Através de uma textura bidimensional, em que apesar de ao tocar sentirmos a superficie plana, visualmente parece-nos que a superficie não é lisa. Trata-se portanto de uma textura visual, recriada através do uso do valor, de forma a parecer-nos tridimensional.

Pode ainda ser simulada, ou seja, quando recriamos texturas reais (como o grão de uma tela) ou,
Inventada, seja por padrões repetitivos de formas ou linhas.

A textura pode ainda ser rugosa, isto é, quando reflete a luz de modo muito desigual ou aleatório, ou
suave, refetindo a luz de um modo uniforme.

Há ainda, quanto à superficie, texturas mate, quando a superficie não reflete luz, ou apenas reflete uma luz muito suave ou,
Pelo contrário, a superficie pode ser brilhante.

Quanto a técnicas, podemos dizer que foi com os impressionistas que se começou a dar maior importância a este elemento, e muito notavelmente, com Van Gogh. Este foi de fato um fantástico utilizador da técnica de impasto que veremos adiante.

Empasto

Ou empaste. Nesta técnica a tinta é aplicada em camadas espessas, possibilitando portanto a criação de textura tridimensional.

As pinceladas ou marcas da espátula são intencionalmente visiveis, podendo tornar-se um dos aspetos mais importantes da pintura.

Em artigos precedentes falámos de linhas e formas, ora as pinceladas podem ser aplicadas de modo a desenhar linhas e volumes que acrescem dinamismo e sentimento a uma pintura.

Bob Ross, temporada 27, episódio 3, Rustic Winter Woods

A tinta é pode praticamente ser "esculpida" na tela. As áreas de sombra e luz aparecem de forma natural, sem ser necessário utilizar o valor.

Valor

Do outro lado da balança encontramos o valor, utilizado tradicionalmente pelos pintores clássicos e de extrema importancia para recriar a ilusão da textura. Para mais informação, remeto-vos para artigo anterior alusivo a este tema e para o exemplo em baixo da sua aplicação em gravura.

Daniel Figueiredo, 2008

Mixed Media, collage,...

Atualmente, vivemos tempos de elevada liberdade na expressão. A utilização restrita e fiel ao óleo deixou de ser um dogma, e surgem cada vez mais exemplos de artistas que recorrem a variadissimos materiais, numa atitude muito experimental.

São usados materiais como massa de modelar, tecidos, papel, tintas e vernizes que provocam rugas e fendas nas camadas inferiores, e entre muito outros, têm surgido cada vez mais aliados a novas formas de expressão artistica.

Jenny Shea e Tiffany Teske

Mas atenção, mesmo quando optar pela textura como o elemento principal da sua pintura, não descure os restantes elementos, em particular, a composição na qual como vimos a textura se enquadra. Por outro lado, elementos como o valor tornam-se menos relevantes, assim como o realismo se torna menos relevante.

Aconselha-se ainda nestes casos a deixar a textura para a parte final do trabalho, por forma a não descurar os demais elementos na sua composição, e a possibilitar utilizar a textura para aquilo que melhor faz: realçar e brincar com a luz.

Boas pinturas!

Pintar o Espaço

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sat, 21 Dec 2013 15:29:00 +0000

Elementos da arte: o espaço

Bob Ross, Temporada 30, episódio 7, Through the Window

Um dos aspetos muito comentado pelos nossos alunos no seu primeiro workshop é a dimensão da tela que usamos nas aulas. Todo aquele espaço em branco revela-se aterrador!

Mas é uma ilusão face à simplicidade e rapidez de aplicação das técnicas que pintura que irão aprender. Em minutos, a tela ganha cor e as formas surgem como por magia, deixando de ser um simples vazio.

Espreitemos então pela "janela". Continue a ler!

O Espaço na pintura

Quando falamos em “espaço”, pode parecer que nos referimos apenas à área vazia que se encontra acima, por baixo ou entre objetos mas se na verdade, numa tela temos:

Espaço positivo: as formas ou áreas de interesse;
Espaço negativo: espaço vazio entre as formas.

É incrível como tanta vida pode nascer a partir de um espaço bidimensional em branco.

Poderíamos no entanto pensar que na pintura nos limitamos a “ocupar” esse espaço com objetos. Mas na verdade, na pintura o espaço negativo é alvo de tanta dedicação quanto o espaço positivo!

Decidir como vamos tratar o espaço na nossa tela define o nosso próprio estilo pessoal de pintura.

Criar Espaço

Como vimos em artigo anterior, “arte em forma”, na pintura não devemos pensar no espaço negativo apenas como um vazio entre objetos. É através da manipulação do espaço negativo (o fundo) e positivo (a forma) que jogamos com os princípios da composição de um modo integrado.

Na verdade não ocupamos espaço mas antes, criamos o “espaço”. Isto significa organizar e compor, atividade esta muito importante nas artes visuais. Alguns pintores como Frank Stella consideravam mesmo esta como a atividade mais importante na arte.

Como criamos o espaço? Cada escola de pintura trouxe formas de diferentes de entender e portanto, criar o espaço. Conhecê-las permite-nos reconhecer e amplificar as técnicas de pintura e que passamos a poder decidir de forma consciente, usar de um modo pessoal:

A geometria renascentista

Na pintura renascentista, por exemplo, utilizavam-se as técnicas da perspetiva e geometria para recriar de um modo científico um espaço tridimensional com um intuito realista. Leonardo Da Vinci é um exemplo muito conhecido desse estilo:

Leonardo Da Vinci, Mona Lisa e a regra de ouro

O cubismo

O cubismo ao rejeitar todas essas técnicas tridimensionais (e quase cientificas) e realçar o plano bidimensional, desconstruindo a realidade.

Braque, mulher na guitarra

Na verdade o cubismo procurava não apenas abolir a ideia de que a perspetiva seria a única forma de representar a realidade, mas ainda, transpor para a tela a possibilidade de revelar uma outra essência, quase que como uma quarta dimensão, que se esconde por trás da perceção sensorial.

Como na teoria da relatividade, o espaço deixa de ser simples “espaço físico” (tridimensional) e passa a ser um espaço-tempo. Como?

Da geometria às cores e à textura, a evolução dentro do movimento cubista procurou despertar sensações e não apresentar formas unificadas.

Pretendeu-se antes sugerir formas, mostrar várias perspetivas de cada forma (daí o fragmentar dos objetos) e despertar sensações pela cor e pela textura.

Impressionismo

Paul Cezánne, the great pine

O impressionismo, trouxe-nos a criação da sensação de espaço (não a representação realista do mesmo), através da conjugação dos efeitos visuais recriados por múltiplas pinceladas sobrepostas de cores e da disposição do espaço e forma. Uma renovada interpretação do espaço, pelos jogos da ótica.

O espaço deixa de estar vazio e passa a constituir áreas cheias de energia e vida.

A pintura abstrata

Nunca o espaço foi alvo de tanto trabalho como na pintura abstrata pós-cubista. A textura e a cor são trabalhadas até à exaustão. Contudo, manteve o realce da bidimensionalidade.

Wassilykandinsky

O Surrealismo

Salvador Dali

Mas a história da pintura não ficou por aqui. Pintores como Dali devolveram a tridimensionalidade e ampliaram a possibilidade da pintura oferecer outras dimensões (o sonho, a imaginação) à pintura e devolveu a narrativa à pintura (a história subjacente), ao mesmo tempo mantendo a possibilidade de destruturação das formas físicas que o cubismo e abstracionismo tem como metas, fazendo tudo isto com um elevado grau de criatividade.

Embora os estilos mais abstracionistas seja ainda muito divulgados, é patente hoje em dia que a pintura evoluiu num sentido muito eclético, sendo tão comum ver artistas híper-realistas na aplicação de regras de perspetiva como pintores que realçam a textura e a cor. Mas em todas estes estilos é visível a importância da composição na organização do espaço e dos objetos na tela.

O estilo de Bob Ross

Como se posiciona então Bob Ross nesta amplitude de estilos tão variado?

Bob Ross, Temporada 27, episódio 7,

A Spectacular View

Podemos dizer que não abraçou o rigor do desenho geométrico nas formas (daí que não seja sequer necessário saber desenhar!) pois as suas formas distinguem-se do espaço pela cor ou por manchas de luz projetada sobre os objetos no espaço. As árvores são manchas que não deixam de ser triangulares (como os cultivadores de bonsais sabem), mas a forma triangular surge da cor e dos reflexos, não do contorno ou da perspetiva;

Como naturalista que era, respeitava regras de geometria para criar cada composição, sendo visível por exemplo a aplicação intuitiva da regra dourada ("regras de composição"). Podemos ainda apreciar como utiliza cores leves e transparentes para criar a sensação de espaço, e como distingue as formas através de manchas de luz projetada e através da textura.

Observem por exemplo como, a luz solar e os efeitos do Céu predominam nas suas pinturas: na ilusão de reflexo do Céu (obtida pela técnica incrivelmente simples de replicação das cores do Céu na zona inferior da tela) permite criar de imediato um rio ou um lago.

Bob Ross, temporada 10, episódio 8, Golden Sunset

Observem ainda como se cria a ilusão da transparência da água pela utilização do valor claro no olho da onda:

Bob Ross, temporada 9, episodio 6, Secluded Beach

Embora não reconhecido pela elite de pintores americanos (reconhecer ou não o valor artístico dos temas que apresentamos nos nossos artigos não tem sentido, pois resultam de apresentações televisivas de 30 minutos e têm como meta ensinar!), a pintura naturalista de Bob Ross apresenta-se a nosso ver como um conjunto de técnicas geniais, e embora não se enquadre como tal, o seu método beneficiou muito significativamente das técnicas impressionistas, tornando-se um tipo de pintura muito simples, atual e sensorial.

Criar espaço com o método Bob Ross

Partilhamos algumas técnicas patentes nos nossos workshops para recriar espaço e formas:

Recorrer a regras simples de perspetiva para criar profundidade:

pintamos rios e árvores dispostas em linhas convergentes para criar profundidade;
colocamos os objetos que queremos parecer mais distantes na zona superior;
colocamos os objetos que queremos parecer mais próximos na zona inferior da tela;
sobrepomos consecutivamente os objetos anteriores para criar profundidade;

Bob Ross, temporada 25, episódio 4, Splashes of Autumn

Utilizar a Cor para criar as formas e a profundidade (numa paisagem em geral a não ser que tenhamos outra intenção, usamos cores frias para pintar objetos distantes e quentes para objetos próximos) mas também sensações de vida e de luz quer ao nível dos objetos, quer do tema da pintura em geral: a frieza Invernal do azul e branco, a melancolia de uma paisagem castanha, o mistério e a mística de um bosque difuso;

Bob Ross, temporada 26, episódio 13, Evening at the Falls

Treinar as pinceladas (ou usar a espátula) de modo a alcançar aplicações de tinta separadas, para produzir sensações de objetos e espaço como manchas sem contorno, mas com luz e reflexos;

Ou para aplicar Textura, esta necessária para mais uma vez criar sensações de luz e forma;

Bob Ross, temporada 27, episódio 3, Rustic Winter Woods

As modernas técnicas de pintura de Bob Ross enquadram este naturalista num estilo atual e simplificado, tendo criado um conjunto respeitoso de técnicas especificamente dirigidas para a plateia de pintores silenciosos que apesar do desejo, nunca pegaram num pincel pelo receio da tela em branco.

Ultrapassada essa barreira, pintar não tem limites!

Bob Ross acreditava (e nós também) que cada pessoa tem um artista dentro de si, que pode sair se libertar o impulso de pintar (isto depende de si) e se for ensinada a pintar da maneira correta (esta, a nossa meta).

Boas pinturas!

Arte com Valor

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 02 Sep 2013 12:23:00 +0000

Elementos da arte: Valor

Bob Ross, Shades Of Gray, Temporada 2 Episódio 4

O valor é um elemento da arte que resulta da manipulação (luz/sombra) de uma cor.

No mundo real, conseguimos ver objetos porque quando a luz incide sobre os mesmos, é refletida para os nossos olhos. Obviamente que sem luz não vemos nada. Obviamente também que pintar e desenhar apela à visão e assim fica quase tudo dito acerca da importância deste elemento!

O objetivo é criar na pintura ou desenho uma ilusão, a qual é descodificada ou percecionada pelo nosso cérebro como representando determinado objeto. Para tal, precisamos começar por entender claramente como é que a luz se comporta e reage quando incide sobre as superfícies que pretendemos retratar.

Continue a ler!

O valor na pintura

Reparem na forma como a luz incide sobre a onda e rochedos desta pintura. Sem estes realces de luz, obtidos através da utilização de valores de azul mais claro e branco sobre o azul-escuro, a onda não teria volume nem vida. Os pequenos “toques” de valor mais claro de castanho-laranja sobre o valor castanho-escuro, permite “criar”, dar vida ao rochedo, revelando não só a sua tridimensionalidade mas também a sua textura.

Bob Ross, Surf's Up, Temporada 9 Episódio 2

Em resumo, é importante aprender a utilizar este elemento no sentido de criar melhores ilusões de luz. Este efeito torna a pintura tanto mais interessante quanto mais utilizamos uma gama mais vasta de valores de determinada cor.

Podemos ainda utilizar maior variedade de valores para um efeito mais realista ou mais interessante.

No exemplo em baixo, obteve-se uma laranja mais realista, aumentando a gama de valores da cor laranja/amarelo:

No exemplo belíssimo de pintura de Bob Ross que se apresenta em baixo (à exceção dos arbustos mais próximos), o esquema de cor utilizado é praticamente monocromático (azul). Contudo, a extensa variedade de valores de azul utilizada torna este tema muito interessante.

Bob Ross, Golden Rays of Sunlight, Temporada 28, episódio 4

Nesta pintura, a tridimensionalidade das formas parece perder-se.

Contudo, pensem no que sucede quando a luz incide por trás dos objetos: aquilo que vemos são áreas escurecidas - em contraluz (tal como sucede quando fotografamos um objeto com o Sol por trás).

Assim, conforme é corretamente representado na pintura, aquilo que observamos são áreas aparentemente bidimensionais, e mais escuras quanto mais nos aproximamos da árvore central (um fator atmosférico).

A disposição dos diversos valores da cor azul informa-nos ainda onde se localiza a luz e para onde se dirige (a direção é ainda reforçada pela colocação de troncos mais claros do lado direito da tela).

O esbatimento realizado entre os vários valores de azul no espaço entre árvores e sobre estas, “informa-nos” ainda que a luz é difusa, provavelmente por efeitos atmosféricos e das folhas das copas das árvores.

Como criar valor em objetos simples

Em rigor, se quiséssemos aplicar todos os valores à laranja da imagem anterior, teríamos de representar 8 áreas de valor diferente como se segue:

Para criar uma representação realista, temos ainda de considerar a orientação da fonte luminosa e o efeito sobre a laranja. Assim, de forma simplificada:

Como criar valor em objetos e composições complexas

Em objetos mais complexos, a representação identificada em cima pode não ser tão fácil de visualizar.

Nestes casos, a forma mais simples de “visualizar” a amplitude de valores de determinado objeto é observá-lo a preto e branco.

Por exemplo se o nosso modelo for uma fotografia podemos remover toda a saturação através de qualquer aplicação informática de tratamento de fotografia digital ou apenas fotocopiando-a a preto e branco. Este processo realça as zonas de luz e sombra:

Podemos ainda criar e utilizar uma ferramenta simples para identificar o valor desse objeto (ou fotografia):

Desenhar num pedaço de cartolina 1 retângulo composto por cerca de 6 a 8 quadrados, consoante o grau de realismo que pretendemos alcançar: quanto maior o número de valores, mais realista será o objeto;Ao longo dos quadrados pintar a escala de valores, do mais escuro ao mais claro.
Pode usar lápis de cor, de cera ou tinta. Poderá ainda imprimir um dos modelos disponíveis mais em baixo:
Ao lado de cada quadrado, recortar uma área redonda ou furar a cartolina, como exemplificado em baixo:
Sobrepor a cartolina sobre o objeto (fotografia ou objeto real) em análise, por forma a identificar o valor de cada área.

Em suma, o valor é essencial à pintura, provavelmente um dos elementos mais importantes e o seu domínio permite-nos obter com sucesso pinturas de qualidade.

Boas pinturas!

Arte em forma

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 12 Mar 2013 14:06:00 +0000

Elementos da arte: a forma

Bob Ross, Quiet Inlet, Temporada 3, episódio 7

Neste artigo abordamos a “forma”, procurando ainda realçar a importância do artista compreender o modo como as deve representar.

Para pintar não basta representar de forma “literal” aquilo que vemos.

Tal como um poeta não descreve uma pessoa como um biólogo o faria, na pintura, tudo o que vemos no mundo real é também transformado para uma linguagem própria: mesmo na pintura realista, de um modo mais ou menos abstrato, traduzimos para o plano bidimensional aquilo que observamos em três dimensões.

Continue a ler!

A aplicação da “forma” na arte é normalmente utilizada na pintura para criar “áreas ou focos de interesse”. Comecemos por abordar a classificação das formas.

Formas bidimensionais vs

tridimensionais

Uma forma com 2 dimensões é uma área (geométrica ou indefinida) reconhecida por uma mancha de cor ou por alguma linha externa (contorno).

A forma bidimensional sendo a base da composição da pintura e fotografia, pode ser transformada numa forma tridimensional se usarmos o “valor” e o “sombreado”, em particular na pintura naturalista.

Contudo, alguns artistas tornaram-se famosos por realçarem as formas bidimensionais, removendo o valor e reduzindo a forma a simples contornos:

PABLO PICASSO (1881-1973)

'Bull - plate 3', December 18, 1945 (lithograph)

PABLO PICASSO (1881-1973)

'Bull - plate 10', January 10, 1946 (lithograph)

Formas geométricas vs naturais

As formas podem ser classificadas como orgânicas (formas naturais) ou geométricas, estas últimas passiveis de serem descritas por fórmulas matemáticas (como o circulo, retângulo, trapézio, hexagrama, etc.)

As formas geométricas são usadas na arquitetura, geralmente associadas a objetos construídos pelo Homem. No entanto há exceções, tais como os cristais de neve, espirais como as conchas e até esferas como os frutos.

Desenhos de Leonardo Da Vinci

Porque nem todos os objetos são geométricos, muitas formas possuem contornos irregulares, assim temos ainda as formas “livres” ou “orgânicas”.

Existem no entanto situações em que o objeto geométrico pode ser representado de forma livre, como uma cortina ou bandeira a esvoaçar ao vento ou até numa pintura naif:

Representando as formas na pintura

Como referido antes, o motivo pelo qual o artista deve compreender a forma, é porque possibilita a compreensão dos princípios que permitem representar e alterar a perceção da realidade.

O primeiro aspeto a ter em conta é que quando pintamos não copiamos a realidade, mas antes, representamo-la.

Assim, o artista deve procurar a simplificação (mesmo quando trabalha como um naturalista), em maior ou menor grau de abstração.

Assim é que em particular os workshops Bob Ross nos ensinam a simplicidade da pintura: uma das coisas que desde logo notamos é a economia no traçado e nas pinceladas, procurando-se sempre evitar “pintar demais”.

A forma e a perspetiva

Os fatores como a nossa posição relativamente ao objeto podem afetar, realçar ou pelo contrário ou alterar a forma (como vimos em artigos anteriores: uma nova perspetiva na pintura).

Por outro lado, numa pintura naif, podemos não respeitar como vimos em cima e de modo propositado a perspetiva do objeto..

A forma e o fundo (espaço)

É intuitivo perceber que um fundo muito simples permite realçar as formas desta pintura.

Bob Ross, Purple Splendor, Temporada 4, episódio 1

Contudo, no segundo caso abaixo, a proximidade e complexidade do fundo exigiu maior utilização de valores de verde para contrastar e individualizar as formas das várias árvores evitando-se aquilo que poderia ter resultado numa mancha de arvoredo indefinido e desinteressante.

Já temos abordado outros exemplos do efeito do fundo sobre a pintura.

Bob Ross, Northwest Magesty, Temporada 4, episódio 11

A manipulação do espaço negativo (o fundo) e positivo (a forma) permite compreender os princípios da composição, já que o espaço negativo não deve ser considerado apenas como um vazio.

Podemos dar como exemplo de manipulação do espaço-forma (que nos deixam na duvida sobre o que é a forma e o que é o espaço) os desenhos de Escher:

Matisse é outro artista que frequentemente jogava com a forma e o fundo nas suas composições,

Mostrando como o espaço pode ser tão ou mais importante do que a forma e como Por vezes pode tornar-se mais simples ou apropriado “esculpir” as formas a partir do fundo do que produzir a forma):

A forma e a profundidade

Os workshops de Bob Ross ensinam-nos a pintar camada sobre camada, ou melhor dizendo, formas sobre formas, constituindo a sobreposição das formas que o método por excelencia de realce da profundidade como se exemplifica na sequência seguinte:

E o resultado final (ver passo a passo completo aqui):

Bob Ross, Mystic Mountain

A forma e a composição

Na composição de uma pintura, as formas são o esqueleto. Podemos usar os contornos da forma para definir as areas da composição (artigo que publicaremos em breve) ou como elemento da composição em si.

A orientação das formas tem um impacto psicológico sobre o observador:

As formas horizontais e verticais transmitem ou geram calma;
As formas obliquas transmitem energia;
A repetição das formas transmitem ritmo (tal como as linhas de árvores ao longo de uma estrada);

Pensar em termos de formas ajuda-nos a construir uma boa composição, conduzindo o olhar do observador ao longo da pintura (em breve teremos uma artigo para desenvolver mais este tema);

A forma e a luz

A fonte da luz é outro aspeto muito importante a ter conta na maneira como as formas são percebidas. Tal como vemos nas imagens em baixo, podemos usar a luz para por exemplo realçar o dramatismo.

A orientação da luz é a qualidade mais importante na pintura seguinte, e que nos leva a focar o nosso olhar sobre o fundo e sobre a cascata de água e não sobre as arvores (que ocupam quase todo o quadro).

Bob Ross, Enchanted Falls, Temporada 25, episódio 2

A extensão deste artigo revela a importância da forma na pintura, por este motivo, deixamos uma sintese de alguns pontos que vale a pena realçar:

Uma pintura deverá idealmente utilizar uma boa variedade de formas;
O artista deve procurar a simplificação;
Trabalhar sobre o contraste das formas permite realçar a individualidade e portanto obter o interesse do observador em cada forma, recorrendo ao valor, sombras e luz;
Pensar em termos de formas ajuda-nos a construir uma boa composição;
A sobreposição de formas permite realçar a profundidade;
A orientação das formas tem um impacto psicologico sobre o observador;

Exercicios

E finalmente propomos os seguintes exercicios que podem ajudar a aprender a ver como um pintor:

O exemplo de redução e simplificação de imagens 3D a 2D de Picasso que apresentámos em cima (e que na realidade envolveu mais passos). Uma maneira simples de realizar este exercicio é tentar reduzir uma fotografia a um vitral.
Pintar um quadro a partir de uma fotografia posicionada de cabeça para baixo. Desta forma abstraimo-nos de tudo o que sabemos acerca da forma e cingimos o nosso trabalho à forma em si.

Boas pinturas!

Pintura em Linha

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 15 Feb 2013 13:27:00 +0000

Elementos da Arte – a linha

A linha é um elemento da arte, de especial interesse na pintura e do desenho.

Reconhecemos facilmente variadíssimos tipos de linhas: curvas, diagonais, horizontais, verticais, livres, grossas ou finas…

Poderíamos pensar que a linha possui menor importância na pintura ou mesmo que não possui qualquer relevância, em particular nos temas propostos por Bob Ross, face ao facto de ser divulgado como um método de “pintura sem necessidade de desenho”.

Longe disso!

Continue a ler e descubra como usar a linha para criar efeitos e sensações inesperados nas suas pinturas.

A importância da linha ou traço na pintura

O facto do método Bob Ross desmistificar a necessidade de dominar as técnicas de desenho, tal não significa que despreze este elemento. Na pintura como no desenho, as linhas estão sempre presentes e auxiliam o pintor a expressar não apenas formas mais ainda sensações.

Para melhor entendermos o interesse em conhecer este elemento aparentemente tão simples como é a linha, e aprendermos como o utilizar em nosso proveito, proponho que coloque uma folha em branco à sua frente e pegue num lápis.

Pense por um momento na ideia de “raiva”.

Agora desenhe no papel uma linha com essa ideia em mente. O que desenhou?

Repita este exercício para os seguintes sentimentos:

- calma;

- forte;

- explosivo;

- delicado;

- tonto.

Transmitir sensações através da Linha

A ideia que queremos transmitir com este exercício é que podemos descrever cada tipo de linha pelas suas qualidades descritivas (horizontal, vertical, obliqua, zig-zag, espiral, curva…) e expressivas como exemplificamos em seguida:

Linhas verticais:

criam sensação de força e equilíbrio;

Pensem na imponência e segurança proporcionada pelas linhas verticais de um edifício alto ou de uma árvore.

Bob Ross, "Foot of the Mountain", Temporada 8 episódio 8

Linhas grossas:

transmitem agressividade e força;

Linhas finas:

delicadeza e fragilidade;

A delicadeza (espessura) e harmonia (curvatura) das linhas de Egon Schiele, 1911

Linhas curvas:

mostram harmonia, ritmo e graciosidade;

Stacey Mayer, Arabian Horse

Linhas em Zig-zag e diagonais:

energético, explosivo, dramático.

Van Gogh - autoretrato

Vincent Van Gogh representa um exemplo notável de dominio das linhas. Utilizava a linha não apenas para destacar a direccionalidade e o volume das formas, mais ainda para gerar interesse e drama na pintura – observem o traçado oblíquo no fundo.

Finalmente, proponho antes de acabar este artigo, que repita o exercício anterior usando uma diversos materiais e tintas diferentes: papéis de textura diferente e tela, e ainda canetas, lápis de cera, aguarela, acrílico ou óleo.

A linha é assim um elemento visual muito relevante para o pintor, a sua compreensão transforma um artista num bom artista,

O pintor pode usar a linha para tarefas simples, como seja, criar volume:

Mas sobretudo e na pintura, o grande valor da linha é permitir despertar sentimentos no observador.

Vincent Van Gogh - Woman Mourning, 1883

Neste desenho de Van Gogh, vemos como utilizou traços mais largos nas sombras (peso e opressão), traços horizontais no chão que o distingue das áreas adjacentes (parede), traços direcionais que indicam a orientação dos tecidos e traços cruzados oblíquos que revelam textura e acrescentam drama.

Na pintura que apresentamos de seguida vemos como a direção e a espessura das linhas nos permite realçar movimento (por exemplo da água), realçar volumes, detalhes (exemplo o reflexo da luz numa árvore) e as formas (por exemplo, a inclinação de uma colina):

Bob Ross, "Cabin in the Woods", Temporada 4 episódio 7

A variedade de linhas utilizada, quer ao nível da sua direccionalidade quer da sua regularidade e linearidade, permite ao artista acrescentar interesse ao trabalho. Notem como no quadro em cima as linhas em zig-zag da água aumentam o interesse e o movimento, as linhas curvas mostram harmonia, as linhas verticais sobre o fundo e dos troncos transmitem força, as linhas oblíquas mas sinuosas dos ramos e dos troncos acrescem drama e graciosidade ao trabalho.

Boas pinturas!

Profundidade sem pontos de fuga

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 31 Jan 2013 14:12:00 +0000

Bob Ross, Mountain Chalenge, Temporada 4, Episódio 3

Em artigo anterior abordámos a perspetiva linear e como desenhar formas com base em pontos de fuga.

No entanto agora propomos que esqueça tudo isso, e pinte simplesmente sem definir qualquer ponto de fuga!

Perspetiva com zero pontos de fuga? É algo de novo? Trata-se de algum tipo de perspetiva particular, ou… da falta da mesma?

Saiba porquê e como, continue a ler!

A perspectiva sem pontos de Fuga

A perspetiva linear, com um ou dois pontos de fuga e as regras que propusemos em artigo anterior são muito importantes em particular quando introduzimos objetos como edifícios.

No entanto, a perspetiva sem pontos de fuga é na verdade o tipo de desenho mais frequentemente utilizado na pintura de paisagens.

Trata-se de um conjunto de técnicas que podemos aplicar a uma cena natural, por exemplo, a uma cordilheira ou uma série de montanhas, vales ou colinas. Observe a cena seguinte. Encontra algum ponto de fuga?

Bob Ross, Rolling Hills, Temporada 13, Episódio 1

Ou seja, trata-se de uma cena não linear na qual não se verificam quaisquer linhas (aparentemente) de fuga. Assim, não existem linhas a convergir em nenhum ponto do horizonte, sendo esta a razão pela qual se designa “perspetiva sem pontos”. Se se recordarem do artigo anterior, na perspetiva linear existe um (ou mais) pontos imaginários para o(s) qual(is) todas as linhas aparentemente paralelas convergem.

Mas…

Sem pontos de fuga como conseguimos obter profundidade numa pintura?

A perspetiva linear é de facto muito valiosa para a recriar a profundidade, contudo, sem a compreensão e a manipulação da cor e da dimensão dos objetos a ilusão espacial não será verdadeiramente convincente mesmo quando aplicámos os princípios matemáticos da perspetiva linear com rigor.

Esta a melhor lição sobre perspetiva que podemos receber: pois desperta-nos para a necessidade de procurarmos como conjugar as técnicas de pintura (e não tanto do desenho rigoroso), mais como um artista e menos como um cientista.

Bob Ross, Secluded Forest, Temporada 6, Episódio 5

E essa visão foi-nos transmitida repetida e insistentemente por Bob Ross, com a vantagem de ter transformado a recriação da complexidade das formas, em técnicas simples de entender e incorporar, mesmo pelo pintor sem experiencia e, em particular, pelo artista que não possui bases de desenho.

Em suma: a arte antes da ciência. Boas Pinturas!

A ilusão da pintura

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 14 Jan 2013 13:26:00 +0000

Bob Ross, Magestic Mountains, temporada 4, episódio 3

Pintar é para a maioria dos nossos alunos um hobbie, um prazer, uma forma fantástica de relaxar ou até de meditar.

Alguns alunos pintam há anos e apreciam cada novo quadro como um projeto que não precisa receber elogios ou de ser vendido, pois é sobretudo o “processo” que os atrai e lhes dá prazer.

Outros sentem que gostariam de prosseguir essa atividade como algo mais que um passatempo e iniciam invariavelmente uma fase de expansão, de descoberta e até de interesse na experimentação de outras técnicas de pintura que pareçam “ajustar-se” àquilo que gostaríamos de fazer, na procura de um estilo próprio ou original.

Apresentamos neste artigo um conjunto de conselhos para melhorar significativamente a forma como pinta.

Continue a ler!

Mais tarde ou mais cedo o aspirante a pintor profissional questiona-se se as suas obras possuem “aquilo” que leva terceiros a querer comprar um quadro ou os mais críticos a reconhecerem um “talento”.

Para auxiliar neste passo muito critico para o novo pintor, e antes de se lançar à prova, o artista pode submeter as suas obras a um “teste”, até para a seleção de um portfolio de apresentação.

O que se segue são algumas orientações simples para verificar o potencial de uma pintura. Na prática trata-se de verificar com a ajuda de um amigo ou colega o potencial de cada obra, através de orientações simples ainda que aplicadas recorrendo apenas à nossa intuição.

A ideia subjacente é que uma pintura interessante, uma pintura com “poesia” e “musica”, transmite uma ilusão e um conceito. Veremos o que isso significa tanto pela positiva como pela negativa.

Uma pintura com ilusão:

As formas, mesmo abstratas, dão-nos a sensação de se tratar de um espaço, um local, em particular tratando-se de uma paisagem:

Sente-se que os objetos representados são reais, as figuras são proporcionadas ou interessantes, e levam-nos a percorrer o quadro de uma ponta a outra;
Sente-se que se trata de um local, um espaço onde poderíamos ou gostariamos de estar;

Bob Ross, Golden Glow of Morning, temporada 27, episódio 13

As formas mais abstratas ou menos definidas estimulam a nossa imaginação: quanto mais olhamos, mais coisas “vemos”.

Uma pintura sem ilusão:

As cores usadas parecem erradas, estranhas;
As figuras humanas são distorcidas ou desproporcionadas (não sendo obviamente essa a intenção);
Algo não parece “bem” ou parece demasiado irreal (e não é por exemplo surrealista);
Parece ter sido pintado por uma criança (e não é uma pintura naïf);
As formas abstratas não nos fazem lembrar nada, nenhuma paisagem, nenhum objeto, nenhuma ideia ou sensação nos ocorre;
Não fazemos qualquer ideia do que estamos a ver mesmo olhando demoradamente para a pintura.

Uma pintura com um conceito

Bob Ross, Campfire, temporada 3, episódio 10

Faz-nos sentir algo;
Desperta uma emoção;
Desperta o interesse ou realça a beleza de algum objeto, pessoa ou local, que talvez não havíamos notado antes no mundo real.
Podíamos contar uma história com base nessa pintura.

Uma pintura que não transmite um conceito:

Não sentimos “nada” de especial quando observamos a pintura;
Mesmo tratando-se de uma pintura bonita, tecnicamente bem concretizada, nada - nenhum objeto em particular - chama a atenção;
Não conseguimos perceber o que é que o artista está a tentar transmitir;
Logo na primeira observação, nada capta a nossa atenção.

Boas Pinturas!

Desejos para 2013

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 31 Dec 2012 14:04:00 +0000

A Escola Pintacomigo deseja a todos para o ano de 2013

Abundância, amor e metas alcançadas;
Criatividade, luz e alegria;
Optimismo e sensatez;
Que amem mais, beijem mais, brinquem mais e riam mais;
E sobretudo, que pintem mais!

Aproveitando o momento para agradecer o carinho com que nos têm acompanhado e encorajado.

Boas pinturas!

Um Cartão de Natal

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 18 Dec 2012 13:59:00 +0000

Bob Ross, Temporada 31, episódio 2, Before the Snowfall

Todos os anos por esta altura começamos a receber cartões de Boas Festas, calendários, anúncios ou simples imagens alusivas ao Natal. Muitas dessas imagens são pinturas de temas invernosos, normalmente paisagens cobertas de neve e abetos triangulares (as belas “Happy Little Trees” do Bob Ross).

O que mais se destaca nessas pinturas e que mais contribui para as tornar interessantes, é o esquema de cor utilizado no sentido de evitar recorrer à cor branca como é exemplo este belissimo tema de Bob Ross "Before the Snowfall".

Continue a ler!

A neve na pintura paisagistica

Na verdade as pinturas de paisagens com neve podem tornar-se… monótonas.

Tal sucede quando o pintor utiliza a cor branca de um modo demasiado generalizado.

Mas tal como fazemos para qualquer outra paisagem, a melhor forma de criar pinturas interessantes é evitar usar (neste caso) a cor branca (de forma “pura”).

Em vez disso, devemos procurar obter com o branco misturas dinâmicas de cores. O objetivo é chamar a atenção do observador para as diversas tonalidades e realces.

Bob Ross, Temporada 10, episódio 6, Winter Solitude.

Um pintor deve portanto aproveitar cada oportunidade para misturar as cores utilizadas e desta forma obter o seu realce, em particular numa paisagem em que predomina a neve (o branco).

Um bom exemplo do que aqui estamos a tentar argumentar, é a pintura que destaco em baixo:

Bob Ross, Temporada 5, episódio 4, Winter Stilness

Olhando para o tema, ninguém diria que uma paisagem totalmente coberta de neve teria tanta cor! E quanto mais olhamos, mais cores vemos.

As sombras sobre a neve, o vermelho, violetas e azuis, os amarelos e até os verdes são visíveis. O branco (puro) foi usado apenas como realce de luz.

E como última dica, para despertar maior interesse na pintura por parte do observador, podem ainda contribuir alguns detalhes como no tema seguinte, uma pequena casa (introduzindo-se assim mais cor numa tela onde predomina o violeta: o amarelo, o castanho).

Bob Ross, Temporada 4, episódio 1

A beleza das paisagens de inverno

O caso seguinte e que escolhemos por ser mais similar às paisagens portuguesas, o trilho de neve poderia ser substituido por poças de água após uma chuvada intensa. Mas os principios descritos em cima mantêm-se.

Não está portanto correto quem achar que no inverno a paisagem é monótona.

Bob Ross, Temporada 6, episódio 6, Snow Trail

Como diria Bob Ross, a capacidade de realizar misturas de cores vem da nossa atenção e dedicação a observar a natureza. Quanto mais pintamos mais aprendemos a ver. Descobrimos um dia que nunca olhámos verdadeiramente para as árvores que nos rodeiam.

Aproveitem bem esta estação para observar a beleza das paisagens de inverno, com ou sem neve.

Deixo-vos entretanto com mais este belíssimo tema de Bob Ross muito apropriado para esta época festiva e para uma última frase:

Bob Ross, Temporada 15, episódio 13 - Silent Night

A escola Pintacomigo deseja a todos um Feliz Natal!

Homenagem a Bob Ross

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 30 Nov 2012 13:42:00 +0000

Antes de existir YouTube, já Bob Ross era "viral", extremamente conhecido nos estados unidos através do seu famoso programa de televisão em que apenas 30 minutos mostrava como pintar (tão fácil) uma paisagem naturalista.

Não admira assim as duas homenagens a Bob Ross no ano em que faria 70 anos de idade.

Happy little clouds - Bob Ross Remixed

Um "remix" dos episódios "The Joy of Painting" uma homenagem a Bob Ross da PBS Digital (PBS Show foi a cadeia de TV que lançou o programa). Um video verdadeiramente viral, com 3 millhões de visionamentos.

Doodle de Bob Ross

Também a Google decidiu no dia de aniversário (no passado dia 29 de Outubro) de Bob Ross, homenageá-lo com um Doodle.

Na página de facebook oficial de Bob Ross lemos uma frase que reflete bem a nossa visão da pintura e da forma de estar de Bob Ross:

"millions of viewers agree that his quiet, nurturing disposition is a form of therapy for the weary, and his respect for nature and wildlife (popular guests include lovable baby squirrels and birds) has helped environmental awareness."

Boa inspiração e boas pinturas!