La puerta de atrás

El gran Gatsby: la fascinación por el sueño americano (Baz Luhrman, 2013)

2013-05-22T11:10:00.002+02:00

Tanto se ha hablado ya de la última adaptación al cine de El gran Gatsby, que parece que esté todo dicho. El espectador probablemente ya se haya hecho su idea sobre esta producción, de tanta promoción que ha tenido y tanto derroche de lujo que ha ostentado. Pero no quiero perder la oportunidad de comentarla bajo mi punto de vista, por si sirve de orientación y luchando contra el escepticismo que puede provocar tanta mostración de desenfreno cinematográfico.

Para empezar, la novela de F. Scott Fitzgerald en la que se basa el film contaba con la dificultad (a mi modo de ver) de transmitir la melancolía y conmoción que desprende el texto escrito. Convertir en imágenes aquellas palabras con las que el escritor te llegaba al corazón no es tarea fácil, pero he de decir que, afortunadamente, el film de Baz Luhrmann se acerca con honestidad al texto y roza la emoción que Fitzgerald buscaba con su novela. La gran aportación de esta película al texto original es la fidelidad que le profesa y que se manifiesta en esa especie de “sopa de letras” que flota en los planos a modo de texto escrito a máquina.

Baz Luhrmann, el director del film, se caracteriza por su excesiva mostración narrativa, por el subrayado un tanto excéntrico de su lenguaje que a muchos espectadores entusiasma y a otros desagrada hasta la médula. El caso de Romeo+Julieta o Moulin Rouge son claros ejemplos de estos contrastes de gustos por lo que en ese sentido no nos tiene que sorprender lo que Baz Lurhman haga con su nuevo film, puesto que es su estilo como el de otros muchos directores.

Sin embargo, por si algún detractor lo está leyendo, con El gran Gatsby creo que estamos ante su film más contenido. De nuevo vemos su gusto por la estética moderna del videoclip, en las escenas de las fiestas, a ritmo de música actual (y no el jazz, como sería lo suyo), pero dentro de la verosimilitud de una narración que desde el principio se erige como cuento. Y a medida que avanza la película, esa narración extravagante va desapareciendo para que el espectador por fin entre con tranquilidad en el mundo de Gatsby y se deje llevar por su dolorosa historia, siempre con la mirada atenta del narrador Nick Carraway simbolizada en los carteles publicitarios del magnate del carbón, cuyos ojos nos miran a través de sus gafas como un triunfante observador de la decadencia humana.

Gran producción, por otro lado, en cuanto a puesta en escena. La recreación de la bahía de Long Island, de Nueva York, con sus luces y sus cenizas de carbón; la espectacular mansión de los Buchanan y de Jay Gatsby, en contraste con la casita de Nick; las ostentosas joyas y encantadores vestidos de Daisy y Jordan... Todo un éxtasis de lujos de la época dorada americana marcada por el alcohol que convertían a las personas en gente "que no servía para nada", preludio de un crack económico de 1929 que bien podría servir hoy de ejemplo de nuestros pasados días gloriosos desembocados en esta eterna crisis financiera.

La recreación de la novela en este sentido es impecable, dentro claro está del estilo de Luhrmann. En cuanto a los personajes, Leonardo Di Caprio (como de costumbre) cumple con su comentido y tanto la presentación de Gatsby (espectacular) como su evolución de la mano de Nick (Tobey Macguire) está plenamente conseguida dando al personaje ese toque de sofisticación impostada y elegancia rota. La gran dualidad de Gatsby conseguida con sus poses, sus gestos, sus incertidumbres y su mirada entre la esperanza y el fracaso inaceptado es la recreación de nuestros sueños rotos, intensidad lírica que alcanza el film con esos planos del muelle y un Gatsby solitario persiguiendo una luz verde esperanza al otro lado de la bahía. Un aplauso también al resto de actores (Tobey Macguire, Carey Mulligan) que hacen de este film un gran entretenimiento.

Sin embargo, y por ponerle una pega, la duración del metraje es algo excesiva. Se ciñe tanto a la novela y no deja cabo suelto, lo que prolonga a ratos algunas escenas que pueden llegar a cansar. La novela de Fitzgerald iba de menos a más; sin embargo, este film decae justo cuando debería no hacerlo, aunque compensa un final muy bien elaborado para ser fiel a esa ternura y humanidad del texto original.

Sin más, recomiendo la película, porque creo que Baz Luhrmann ha hecho un gran trabajo y porque la historia de El gran Gatsby merece ser conocida por quien no lo haya hecho aún. Y si eso os acerca a la obra literaria de Scott Fitzgerald bienvenidos seáis a ese mundo de fracasos humanos, de esperanzas rotas, de mundos confusos pero reales y auténticos, o a ese caos íntimo que llega a lo más hondo. A mí ya me ha enganchado. Entretenimiento, cine y literatura todo en una: un muy recomendable film.

Web oficial: http://www.elgrangatsby-es.com/

Trailer español:

The Host (La huésped): división alma-cuerpo entre romances cruzados. (Andrew Niccol, 2013)

2013-04-14T21:06:00.000+02:00

De nuevo, una película marcada por un pasado, por una influencia, por una losa pesada que no le ha dejado avanzar. The Host (La huésped) se nos presentaba como la nueva “Crepúsculo”, en un intento más de alargar la saga más rentable de los últimos años. Tanto se ha acercado a ese universo crepuscular que, confieso, parecía que el espectador volvería a reencontrarse (con gusto o con disgusto) con Bella y Edward en su sosa relación adolescente. Nada de eso ha resultado al final, lo cual, sin duda, es de agradecer.

La nueva película de la factoría de Stephenie Meyer está basada en una de sus novelas. Por supuesto, lleva marca de la casa en cuanto a su peculiar forma de ver las relaciones románticas entre jóvenes que se acercan por primera vez al amor. No obstante, y dejando a un lado sus tímidos acercamientos al romance pasional, The host (La huésped), es una entretenida película sobre una invasión alienígena que posee a los humanos y los controla para mejorar sus vidas. Sin embargo, un grupo de hombres y mujeres resiste el dominio y se protegen para salvaguardar la humanidad y evitar la extinción. En ese contexto apocalíptico, uno de esos seres extraterrestres acaba arrastrado hacia el grupo humano por el empuje de la joven Melanie que se resiste a ser poseída.

Una compleja trama que expone la dualidad entre alma y cuerpo y cómo podemos dejarnos dominar por otras personas cuando nos controlan nuestra mente y nos convencen para que nos alejemos de nuestros seres queridos y de aquello que nos hace humanos. Casi parece estar en las antípodas de Crepúsculo, (pero sólo casi) que justamente permitía que Bella abandonara a los suyos y a sus deseos humanos para convertirse en una todopoderosa vampiro.

Entre las líneas de este planteamiento, la trama nos sumerge en una aventura de supervivencia (tanto la de Wanda/Melanie, como la de los propios miembros de la resistencia humana) y en una historia de amor a cuatro bandas, donde se plantea la imposibilidad de llevar tan complicado asunto por una sola persona. A pesar de esta enrevesada historia, ambos conflictos fluyen con inteligencia y dominio de la narración de su director (Andrew Niccol), que consigue mantener nuestra atención a lo largo de dos horas de metraje con numerosos acontecimientos de distinto nivel de complejidad.

Al contrario que en Crepúsculo, The host busca mayor perfección en la narración visual, más concreción en la historia y menos atención a los protagonistas, en un mundo donde son varios los personajes que atraen nuestra mirada por diferentes motivos. Veremos a un recuperado William Hurt y una maestra como Frances Fisher aportar experiencia al conjunto. Y una Diane Kruger, valiente buscadora, que encarna a la perfección a un personaje atrapado en un conflicto que la vuelve mezquina. Junto a los veteranos, encontramos nuevos rostros que emergen, como el de la protagonista Saoirse Ronan, muy alejada de la inexpresividad de Kristen Stewart, y la de los jóvenes actores Jake Abel y Max Irons, que, a pesar de su justita interpretación, dan credibilidad a la historia.

Puede que Stephenie Meyer no repita el éxito de Crepúsculo con esta nueva entrega de su universo literario, pero sin duda The Host (La huésped) está realizada con la voluntad de hacer las cosas mejor tras un aprendizaje serio en los anteriores rodajes. Meyer ha aprendido; ojalá esto se traduzca en más películas interesantes para los jóvenes y, por favor, no tan mojigatas. Ojo: en The Host (La huésped) sí hay besos, y hasta una brevísima e inofensiva escena de cama... A ver si Stephanie se lanza y se da cuenta de que estamos en el siglo XXI. En definitiva, y sin ser una gran película, The Host (La huésped) es buen cine para adolescentes y entretenida y amena para adultos.

Web oficial: http://www.thehostlapelicula.com/

Trailer oficial:

El último cuplé: la representación del pecado (Juan de Orduña, 1957)

2013-04-10T12:07:00.002+02:00

Hago un hueco hoy para rendir mi pequeño homenaje a Sara Montiel, que nos ha dejado repentinamente esta semana, pero no así su legado cinematográfico. Abriré mi espacio a su más importante film, El último cuplé, donde la trascendencia de su imagen y su vinculación con la transgresión y el pecado, ha dejado huella en su iconografía y, cómo no, en su indomable carácter.

A pesar del tiempo transcurrido y los importantes cambios sociales que, afortunadamente, ha vivido la sociedad española en los últimos cincuenta años, El último cuplé se sigue viendo con agrado si uno deja de lado su mensaje moralizante y conservador muy propio de su época. Hay que destacar el hecho de que, en su momento, fue más trasgresor de lo que hoy nos puede parecer y que rompió una tendencia al folklorismo que empezaba a pesar incluso entre el público español.

Me detendré pues en esos aspectos novedosos y a la vez fuertemente atados entre la madeja de lo convencional, para resaltar la importancia que tuvo esta película en la sociedad española de finales de los cincuenta. Un dato relevante: El último cuplé estuvo un año exhibiéndose en los cines y fue un éxito absoluto, del que hoy nos queda una imagen de Sara Montiel imposible de olvidar. Su aportación al imaginario popular nos acerca a la cupletista sensual y de un erotismo exuberante que lleva a los hombres a la perdición.

Pero ¿por qué alcanzó tanto éxito? ¿Qué traía de nuevo una película basada en canciones populares? Pues precisamente eso: la popularidad de su música y la representación del lirismo del cuplé y de formas musicales más tradicionales. Hasta ese momento, el cine español ofrecía básicamente películas folklóricas y muchos clichés. Juan de Orduña, con El último cuplé, vino a desligarse del andalucismo folclórico para acercarse al lirismo del cuplé.

La película intenta poner en escena la propia representación del cuplé. Es decir: desde el principio deja claro que es representación, cine, y el melodrama que nos cuenta va ligado a la nostalgia y el sentimentalismo propio de este género musical. Sería algo así como narrar una película a ritmo de cuplé.

La historia de este film-canción nos acerca a una mujer, María, que a pesar de su lucha interna por comportarse como “debe”, acaba haciendo lo que “no debe”. Su deseo más profundo la empuja al éxito, a los escenarios, a ser alabada y elogiada por el público, lo que la lleva a dejar a su novio y convertirse en una cantante de renombre. El ascenso social conlleva un camino de trasgresión que la aleja de sus orígenes y de su integridad moral. Pero no es algo que ella no haya podido evitar: la puesta en escena del film nos subraya su culpabilidad, y por eso vemos a una Sara Montiel tan hermosa, tan sensual, y con unos trajes y un maquillaje tan sumamente ostentoso. Es decir: su personaje sabía lo que hacía. Belleza y perversión se dan de la mano y si, además, se trata de una mujer, estamos ante el pecado en sí mismo.

De esta forma, María camina hacia la inmoralidad a través del creciente éxito que adquiere dentro y fuera de nuestro país. Triunfa en América y cuando regresa es “otra”: más perversa y maligna, es decir, más guapa y atractiva. Y fumando (otra trasgresión más) recostada sobre un diván, para atraer la mirada de cualquier hombre y llevarlo a la perdición. Una manera sutil de poner en escena el erotismo inherente a la mujer deseada, con algún problemilla con la censura, pero nimio, en comparación con el legado que esta secuencia ha dejado en todos los españoles.

Otra forma llamativa de esquivar la censura y poner en escena el pecado la encontramos en el momento en que María atrae hacia ella a José, un joven torero que tiene novia y que acaba rendido a los pies de la cupletista. Se trata de la escena del patio andaluz, donde hay una cruz de mayo, testigo (religioso) del adulterio que estamos a punto de constatar. María y José se miran de forma insinuante y la cámara no deja ver más, salvo esa cruz a cuyos pies se produce una unión no tan mística como debería… Vemos pues otra forma de escenificar el pecado (la relación sexual ilícita) que la propia María ha propiciado (recordemos que ella es mujer, artista, deslumbrante por su belleza y, por tanto, manipuladora).

Traspasar tanto los límites no puede traer nada bueno, y el film, como cualquier cuplé, realiza una mirada nostálgica al pasado (de hecho, la película es un flasback) para recordarle a María (y, a la postre, a nosotros, que nos identificamos con su mirada) que cualquier tiempo anterior fue mejor y que nuestros anhelos de cambio nos perjudicarán seriamente. A pesar de los pecados cometidos, existe el perdón para María, que acaba llorando sobre el escenario en una escena de un lirismo exultante y emotivo que acaba con su muerte. Baja el telón y se acaba la representación.

Juan de Orduña construyó así un film que aúna las diferentes formas de tradición musical española, para plasmar su evolución y ser tan conservador como el resto de la filmografía de la época. Sin embargo, intenta traspasar el límite de la moralidad, de acercarse a temas tabú como el sexo, el adulterio, el ascenso social o la libertad de la mujer. Es evidente que lo hace de forma sutil y sin sonrojos. Pero para los censores de la época ver a Sara Montiel fumando tuvo que traerles de cabeza porque ¿como explicarse lo que se siente viéndola así sin llegar a mostrarse el pecado? Algo se imaginaban y algo de censura hubo, pero nada ha podido con ella que, aunque se haya ido, su imagen seguirá tan despierta y tan viva como aquella María. Su personaje la ha acompañado en vida y, a pesar de que en el film la vemos caer desfallecida, todos sabemos que su espíritu pervivirá en la “saritísima” y que la trasgresión que representa, sin ser consciente su director (o siéndolo, quién sabe), no ha podido aún ser destruida. Por siempre, Sara.

Una pistola en cada mano: los hombres también lloran (Cesc Gay, 2012)

2013-03-10T10:52:00.001+01:00

¿De qué hablan los hombres cuando están juntos? Esta curiosa pregunta plantea una cuestión difícil de resolver, porque desde la premisa de que los hombres no lloran entendemos que el universo masculino es hermético, fuerte e insensible. Nada más lejos de la realidad, como nos hace ver Cesc Gay en su último film. En Una pistola en cada mano, vemos diferentes personajes masculinos hundidos en problemas diversos de la cuarentena que les acechan y les alcanzan a todos por igual.

Con una estructura fragmentada en diversas historias, el puzzle se recompone en torno a las incertidumbres de la mediana edad de una generación (la nacida en los setenta) que ve cómo sus ilusiones y sus esperanzas se escapan por la grieta del paso del tiempo.

Una pistola en cada mano es una amena película con la que es fácil identificarse. Ofrece momentos de humor más o menos divertidos y personajes comunes en todos los estratos de la vida urbanita que forman un mosaico tan pintoresco como humano y natural. Fácil de ver y disfrutar, es un film recomendable para todos los públicos, pero especialmente para aquel al que va dirigido que verá como el divorcio, la infidelidad, las mentiras en el seno de la pareja están a la orden del día.

Javier Cámara, Eduard Fernández, Eduardo Noriega, Luis Tosar, Alberto San Juan, entre otros, son los actores que dan voz a esos tipos masculinos que siempre parecen que son muy rudos y machos como un John Wayne armado con pistolas pero que, a la hora de la verdad, son frágiles como el cristal. La labor actoral, tan coral como conjunta, es meritoria y convierte al film en un gusto para el espectador. No sólo los hombres tienen su hueco en la película. El papel de las mujeres es primordial para hacer comprender lo que les pasa dentro de sus complejas dudas, como el papel interpretado por Candela Peña, quien obtuvo el Goya a la mejor actriz de reparto en este film.

Si algo se le puede reprochar a la película es el hecho de apoyarse tanto en el guión dialogado que deja poco margen a la imaginación y las segundas lecturas. Las historias están contadas con mucho detalles, es un buen guión que se traduce en largos diálogos, como si estuvieras leyendo una novela. Hay apuntes interesantes cinematográficamente hablando (algunos cambios de plano que dotan de profundidad a esos diálogos) pero el peso de la palabra es tan grande que permite lucirse a los actores y no tanto a la narración fílmica.

No importa, Una pistola en cada mano es una buena película que vale la pena ver. Buenos actores, buenas historias humanas y buen entretenimiento entre la comedia y la amargura. En definitiva, buen cine que ha merecido más apoyo en la distribución y que ha ganado con el boca a oreja, porque al final las buenas historias siempre se acaban haciendo un hueco. Recomendable.

Página oficial: http://www.unapistolaencadamano.com/

Los caballeros las prefieren rubias: la amistad como una joya preciosa (Getlemen prefer blondes, Howard Hawks, 1953)

2013-02-08T11:48:00.000+01:00

De vez en cuando, vale la pena recuperar un clásico del cine norteamericano para darnos cuenta de cuánto lo echamos de menos. No quiero caer en la melancolía, pero es indudable que revisando películas como Los caballeros las prefieren rubias sentimos que algo de la magia antigua ha desaparecido y deseamos que hoy en día hubiera películas que nos alzaran del asiento con una sonrisa sincera, despierta y real.

El humor sutil a la par que absurdo se da cita en este film de Howard Hawks, todo un experto en hacer reír a un amplio público en los años cuarenta y cincuenta del pasado siglo. De sus manos han salido joyas como La fiera de mi niña, Me siento rejuvenecer o Luna nueva, todas con cierto atrevimiento en los planteamientos del guión y su puesta en escena que las hacen clásicas e irrepetibles.

Pero si nos fijamos en Los caballeros las prefieren rubias veremos que sobre ella siempre ha caído una especie de velo superficial que la convierte en un objeto más bien naif y simplón. El hecho de estar protagonizada por dos mujeres cañón, especialmente Marilyn Monroe, y contener números musicales un tanto frívolos, han colocado a la película en un escalón medio, entre lo clásico y el olvido más absoluto. Durante un tiempo fue aplaudida; al pasar los años, parece que el sello de la igualdad y rechazo al sexismo en la sociedad condena a este film a pasar desapercibido al poner sobre la mesa temas que parecen ya superados.

Sin embargo, os invito a verla de nuevo con otros ojos, pues tiene suficientes puntos de interés para cualquier espectador. Para empezar, es muy entretenida y divertida, con un ritmo que no decae en absoluto y con números musicales muy animados y bien rodados e interpretados. Por otro lado, la puesta en escena de las dos chicas, tan explosivas y rompedoras, es encantadora. Jane Russell aprueba con nota alta al marcarse un personaje tan irónico y valiente. Y sólo por ver a Marilyn Monroe interpretando el número musical por excelencia de la película, ya vale la pena no perdérsela. Nos estamos refiriendo, claro está, a la canción Diamonds are a girl's best friend, que tantas veces hemos oído y que hace que movamos los pies a su ritmo cuando suenan sus acordes.

Diamonds Are A Girls Best Friend - Marilyn... por Flixgr

Hay más números musicales y todos son igual de interesantes. Llama la atención el interpretado por Jane Russell en una piscina, en la que está rodeada de jóvenes gimnastas en bañador que la rodean y la tiran al agua. Para ser una película de 1953 no deja de sorprender este detalle. También su actuación ante el juez convertida en rubia e imitando a su amiga Lorelai moviendo las caderas y los hombros en medio de la sala de vistas no tiene desperdicio. Momentos únicos en una película única que convierte a las chicas en abanderadas de su cuerpo y su inteligencia para salir airosas de cualquier situación.

Y a este punto quería llegar yo, que siempre intento mirar desde otros ángulos. Creo que la gran aportación de este film, por encima de su aparente superficialidad y sexismo, es precisamente servirse de esas herramientas para contradecirlas. Me explico. Es de agradecer que las protagonistas absolutas de la película sean mujeres y que no queden eclipsadas por ninguna figura masculina. De esta manera, son ellas y sólo ellas las que desarrollan la acción, inventan sus argucias para salir del paso, viven emocionantes aventuras de supervivencia y demuestran que no necesitan a nadie para triunfar, sólo ellas mismas y su amistad.

Es inusual encontrar historias donde haya heroínas, donde las mujeres sean ingeniosas y valientes sin ayuda de los hombres y donde la comedia y el humor no resida en asuntos soeces, sino en sutiles comentarios y diálogos que dejan ver la ironía de la vida. Al estilo de Tony Curtis y Jack Lemmon en Con faldas y a lo loco, Marilyn Monroe y Jane Russell divierten al personal en su huida y búsqueda de una vida mejor, como jóvenes mujeres de un origen rural y modesto cuyo objetivo siempre ha sido la supervivencia.

Esa supervivencia es la que provoca que Lorelei Lee desee tanto el dinero y las joyas, algo que ha aprendido que es necesario para vivir y ser feliz. Su amiga Dorothy no lo tiene tan claro y desea encontrar el amor auténtico y no basado en el dinero. Ambas representan la dos caras de la misma moneda: el amor y el dinero que todos buscamos en nuestra vida para alcanzar la felicidad. Si los hombres las prefieren rubias y guapas, las mujeres los prefieren ricos y atléticos, porque somos humanos y todos tenemos derecho a ser superficiales alguna vez, no sólo los hombres.

Lorelai lo analiza con inteligencia al final de la película, en un diálogo esclarecedor y rotundo. Y vemos a las dos amigas caminar hacia el altar analizando, incluso en ese momento, los pasos que han de dar antes de decir "Sí, quiero". El plano final de las dos amigas nos acerca a esos "diamantes" que representan la auténtica amistad, la que las ha unido desde el principio hasta el final y que las convierte precisamente en eso, en las mejores amigas que una mujer pueda tener. ¿No os parece divertida Los caballeros las prefieren rubias? Os aseguro que lo es, y de vez en cuando, aunque no haya mucha más trascendencia, se agradece la comedia limpia y clara como diamantes pulidos. Inolvidable...

El lado bueno de las cosas: trastornos y desajustes para hacer equilibrios en el límite

2013-01-30T11:33:00.002+01:00

¿Puede el amor curarlo todo? ¿Utilizamos el optimismo para superar nuestros traumas? ¿Hay esperanza en el lado bueno de las cosas? La última película de David O. Sullivan navega entre trastornos de la conducta y desequilibrios emocionales para plantear que hasta en los momentos más desastrosos hay una salida. La familia perfecta no existe y asumir los defectos ayuda a sobrellevarlos. El lado bueno de las cosas es en su forma un drama que persigue dejarnos con buen sabor de boca.

No desvelo nada con esto, puesto que el título ya nos da a entender que la búsqueda de la felicidad es el objetivo de unos personajes que viven al límite y que no encuentran su lugar en un mundo difícil. Entre el humor sutil y el drama de sobremesa, El lado bueno de las cosas promete entretener al espectador con ese halo muy norteamericano de reflexión sobre la familia, el amor y la esperanza. Quizá para suavizar el ambiente y parecer que, de vez en cuando, buscan historias más humanas... Carne de cañón, pues, para los premios Óscar.

Y llegados a este punto, me gustaría señalar que, muy al contrario de lo que pudiera parecer, la película es desoladora en sus planteamientos, realmente triste, me atrevería a decir. El joven protagonista sufre trastorno bipolar y, para hacerlo más llevadero, se hace amigo de una chica que está superando su adicción al sexo. La relación entre personajes que se medican, que no mantienen un equilibrio emocional claro, es de lo más novedoso, pero lejos de ofrecer momentos alegres, la película nos muestra el universo desubicado de ambos personajes, especialmente el de él, cuyo padre, además, es maníaco compulsivo y supersticioso. Todos estos ingredientes, muy apropiados para crear una comedia ácida, sin embargo le sirven al director para acercarse al melodrama folletinesco y acercar la película a un desenlace incomprensible. Nos gusta el final, pero el desarrollo y la narración del film naufragan al pretender dotar al film de un aire que tiende a ser cargante y luego dulcificarlo con un happy end.

Por otro lado, vale la pena destacar el trabajo de los actores, especialmente Bradley Cooper, que llena la pantalla con sus gestos entre decididos e indecisos, entre alegres y violentos. Desde su triunfo en Resacón en las Vegas, éste ha sido su papel más importante y lo veremos sentarse en la gala de los Óscar para esperar que suene su nombre y levantarse a por la estatuilla. Robert de Niro repite registro, como de costumbre, a un buen nivel, y Jennifer Lawrence nos inquieta y nos deslumbra también con un papel fuerte y débil a la vez.

Película elaborada a nivel visual, con una cámara en constante movimiento que busca la identificación con los personajes, inquietos y abrumados por el vaivén de sus días, nos sumerge en la familia aparentemente "ideal" de EE.UU para cuestionar de nuevo sus anclajes sociales y convencionales, y de paso acercarnos a una emotiva historia de amor que sirve de herramienta para superar los traumas. Si queréis pasar un rato entre amargo y ameno, elegid El lado bueno de las cosas; al fin y al cabo nunca viene mal poner un poco de optimismo al día a día. Pero se echa en falta un poco más de riesgo, en esta cinematografía hollywoodiense de nuestros días que parece que sufra como estos personajes algo de trastorno bipolar. Esperemos que se le cure pronto...

La vida de Pi: fantasía para acercarse a la fe (Ang Lee, 2012)

2012-12-14T12:36:00.003+01:00

Dos semanas consecutivas en el número 1 de taquilla han consagrado a La vida de Pi, un film que deslumbra al espectador por su despliegue de imaginación y fascinación. La película se presenta como un viaje alucinante, una escapada hacia la aventura y la supervivencia de un joven en el océano llena de preciosas imágenes y sorprendentes efectos alucinógenos.

Ang Lee regresa con una película que se aleja de sus registros habituales. No obstante, su capacidad para hacer cine y enganchar al espectador a la butaca continúa indemne, lo que convierte a La vida de Pi en un film digno de ser visto. El espectador sufrirá el devenir de un joven indio cuando queda perdido en el mar a causa de un naufragio. Su angustia se acrecienta porque no tiene que sobrevivir sólo al mar sino también a un salvaje tigre de Bengala que se ha apoderado de la barca. La evolución del personaje lo convierte en un joven más sagaz donde el aprendizaje y el paso hacia la madurez está garantizado.

Toda esta parábola de la vida está aderezada visualmente con un manejo de las imágenes para el 3D perfectamente integradas en la historia. Su uso está justificado y hace del producto un trabajo bien realizado. A nivel fílmico, destaca el manejo de la cámara, con la maestría propia de Ang Lee para aumentar la identificación con el personaje de Pi ya que es constante la sensación de estar dentro de la barca con él en todo momento. No es una película apta para aquellos que sufran mareos en los barcos y tengan fobia al agua. Sin duda, se sufre con el joven Pi.

Sin embargo, no todo es tan alucinante como podría parecer. Ang Lee se marca un gran tanto con su trabajo cinematográfico y filma bellos planos no sólo en el mar sino también en la primera parte del film, la que de desarrolla en suelo indio. Pero su película tan brillante en este aspecto adolece a mi entender de una falta de profundidad en el tema del misticismo y la religión, donde no se acaba de entender el afán del protagonista hacia las diferentes confesiones religiosas ni queda justificado el giro final para explicar las maravillas que le hicieron creer en Dios.

La reflexión que podría haber nacido sobre la importancia de las historias para entender el mundo, se convierte en otra muy distinta sobre creer o no creer en Dios. Algo que, desde mi punto de vista, no está bien planteado desde el principio y parece que sobre (o yo no lo he entendido, no lo sé). Es como si se justificara el hecho de que es mejor disfrutar con una buena historia y engañarse, que saber la verdad y la forma en que nos pueden manipular. Sin duda, el planteamiento no se cuestiona sino que el director parece posicionarse demasiado en una de las posturas, lo que descoloca y hace que te sientas un tanto manipulado tú también.

Engaños a parte, si queréis disfrutar con una película entretenida por lo que tiene de aventura y de puesta en escena, La vida de Pi es una buena opción para estas navidades. Eso sí, preparaos para dejaros llevar y cuando acabe el film no le deis muchas vueltas a la solución final: el propio director tampoco se la ha dado y comprenderéis que pronto os olvidaréis de ella. Mucha aventura y poca profundidad o ésta queda diluida entre tantas imágenes deslumbrantes. Vaya, como la propia religión…

Trailer:

Sitio oficial: http://www.lifeofpimovie.com/

En la casa: la fascinación por las vidas ajenas (Dans la maison, François Ozon, 2012)

2012-12-10T13:55:00.001+01:00

El arte de contar historias nace de la fascinación humana por saber todo lo que ocurre tras las puertas de una casa. Con el último film de François Ozon, En la casa, el espectador entrará en el mundo literario de un adolescente que necesita vivir en primera persona la realidad para trasladarla después a una hoja de papel escrita. El deseo de observar y el placer de escribir se unen en este insólito film que no te dejará indiferente y que te hará vivir hasta el último segundo para conocer, como buen voyeurista la resolución final.

Con claro acercamiento a La ventana indiscreta, En la casa cuenta la historia de un profesor defraudado por el bajo nivel de creatividad literaria de sus alumnos que desea que el único de ellos que tiene talento consiga mejorar su técnica y llegar a ser un buen escritor. El problema es que para aplicar esas técnicas y escribir un relato, el alumno deambula entrando y saliendo en una casa de una familia y viviendo en primera persona aquello que cuenta en sus escritos. El profesor pasa del rechazo de las prácticas del joven Claude a la fascinación y va cayendo en las redes de la escritura de su alumno como cualquier lector lo haría mientras lees una novela de la que deseas saber necesariamente el final.

Con En la casa, la magia de la literatura se hace evidente y se acerca al espectador. Empieza con una narración literaria para luego dejar protagonismo a la imagen puramente cinematográfica que se encarga del resto y lleva al espectador a través de la historia. En este deambular entre ficción y realidad, descubrimos cuál es la vida de ese profesor y cuál la del alumno, a la vez que averiguamos lo que les une y lo que les separa. Y es que, a pesar de las distancias (la edad, la forma de ver el mundo) hay un lazo que les une que es imposible romper: el deseo de leer y escribir historias.

Sin embargo, el profesor llega un momento en el que no sabe separar la realidad de la ficción, mientras que su alumno tiene muy claro que quiere saber la verdad, es decir, entrar en un mundo real y vivirlo para poder contarlo. Claude no teme la línea divisoria entre ambos mundos porque para él lo que hay fuera de la casa no tiene sentido, mientras que lo hay dentro es la realidad y, a la vez, la ficción. Manipula a su lector, el profesor, para alcanzar el objetivo que ya no es sólo escribir sino vivir una experiencia real en la casa de su mejor amigo.

Desde un punto de vista fílmico, En la casa es un perfecto producto de cine de autor, dominado por una cámara que sabe posicionarse para narrar y entonar a los personajes. Los planos, perfectamente trabajados, nos guían como “lectores” atrapados en el relato y tiene la maestría adecuada para generar suspense y tensión allá donde es necesario. El resultado es una película bien hecha y entretenida para el espectador, que no desea salir de la sala hasta saber cómo piensa acabar de redactar su relato el traicionero adolescente.

Sin embargo, es una película a ratos engañosa, a causa de la reflexión que esconde sobre el arte de narrar. En realidad, es una manipulación continua que puede hacerte pensar que no te ha respetado como espectador. A pesar de ello, creo que esa traición está justificada por el propio relato, ya que la identificación con el profesor es la que guía el film y, por lo tanto, tenemos el punto de vista del personaje manipulado. En definitiva, vemos a través de los ojos del personaje manejado al interés de un alumno que escribe un relato que se mueve entre el drama y la tragedia, lo que hace que nosotros como espectadores también suframos ese desbarajuste.

No importa, cualquiera que vea el film disfrutará con él y sabrá lo importante que es contar historias, narrar, observar, leer, escribir… La literatura se muestra como es espacio en el que podemos descubrir la vida de otras personas sin necesidad de meternos en sus casas, aunque el joven Claude no lo tenga tan claro. Deseo de mirar y talento para escribir, esas serían las claves de un gran relato que mantuviera el interés por él hasta el final. En la casa se alzó con la Concha de Oro en el último festival de San Sebastián. ¿No tenéis curiosidad de descubrirla? Os animo a que lo hagáis, no saldréis defraudados.

Trailer en español:

Trailer en V.O.S: http://www.youtube.com/watch?v=O1zcbybftIQ

Fuente oficial en España: Golem

Blancanieves: un mordisco a nuestras raíces para envenenarnos de emociones (Pablo Berger, 2012)

2012-11-28T11:07:00.001+01:00

Un taconeo, unas palmas, una rosa y un olé. Pero también un lamento, una navaja, un quejío y una lágrima. Es el compendio de sensaciones auténticamente nuestras que recopila Pablo Berger en su film Blancanieves. Seleccionada como candidata para representar a España en los próximos premios Oscar (veremos si entra en las candidaturas), esta película muda que adapta el cuento de los hermanos Grim a suelo andaluz es toda una sorpresa.

Y es que cuando creíamos que con The Artist ya habíamos recuperado un afán por el cine antiguo, ahora nos vemos con otra cinta similar en la forma pero muy, muy distinta en el fondo. Si The Artist utilizaba el cine mudo y en blanco y negro como un recurso que sirve de homenaje íntimo y preciosista al cine de todos los tiempos, en Blancanieves este mismo recurso es su soporte narrativo básico. No es ningún homenaje, sino una película que podrían haber hecho los clásicos en los años veinte. Es decir, narra como lo harían aquellas películas a las que Pablo Berger admira, como él mismo ha confesado.

Dejando a un lado las comparaciones, Blancanieves adapta el popular cuento con personajes de la Andalucía de los años veinte, de manera que tenemos toreros, artistas, terratenientes, apoderados… y seis enanos toreros que hacen reír al público más cañí. De entrada, la historia no deja de ser la misma, pero el contexto la convierte en un cuento trágico y doloroso, muy en línea con la tradición del flamenco y, por extensión, con la cultura española. Una Blancanieves torera que aumenta su fama gracias a su valentía en la plaza, mientras la madrastra de alta alcurnia se vuelve envidiosa y vengativa. Familiares y amigos de la joven constituyen un equipo pintoresco que hace equilibrar el conjunto. Y por último, los enanos toreros que dibujan un marco al más puro estilo de Freaks.

Todos los actores están perfectamente elegidos y, por encima de todos ellos, destaca como siempre Maribel Verdú en su papel de madrastra ambiciosa. No sólo su interpretación malévola la dota de un áurea odiosa, sino también la puesta en escena de su personaje, siempre vistiendo modelos ostentosos y sombreros con plumas hasta el techo que estiran su figura y la vuelven más peligrosa.

Estupendo el trabajo artístico en este aspecto y en otros muchos, donde la influencia del cine expresionista alemán es más que evidente. Por ejemplo, el carromato donde viajan los enanos, los paisajes por donde pasan o los momentos en que conviven juntos son planos cargados de efecto fantástico y magia. También advertimos influencia de este tipo de cine en las escenas de la feria, donde parece que nos encontremos en el gabinete del doctor Caligari.

Sin duda, el cine mudo en todas sus variantes también le ha servido de influencia a Pablo Berger en cuanto a los planos más emotivos, que se cargan de intensidad gracias a una mirada. Por ejemplo, un film como Avaricia (Erich von Stroheim, 1924), Amanecer (F.W.Murnau, 1927) o Lirios rotos (D.W. Griffith, 1919) pueden ser un espejo donde mirarse, especialmente con las escenas de la niña Blancanieves y su relación con el padre o la escena de la muerte de la madrastra, tan simbólica y tan impactante, entre otros momentos y planos.

En definitiva, Blancanieves es un film entretenido, cercano a nuestra cultura y artísticamente atractivo. Es meritorio el trabajo a nivel de fotografía y montaje porque consigue que el espectador no pierda el hilo y, además, disfrute ampliamente con la proyección. Y lo más importante es que se trata de una película que emociona y sorprende que, en los tiempos que corremos, no es muy frecuente encontrarlas. Si con The Artist la emoción llegaba el corazón, con Blancanieves se necesitarán pañuelos blancos para su indulto porque, en línea con nuestra tradición más popular, la emoción se teñirá, como no, de sangre y arena.

Web oficial: http://blancaniev.es/

Trailer:

Frankenweenie: la difícil infancia que nos hizo adultos (Tim Burton, 2012)

2012-11-04T13:10:00.001+01:00

La primera vez que Tim Burton llevó a la pantalla la historia de Frankenweenie, en 1984, era un joven novato que empezaba su andadura profesional en los pasillos de la Disney. Sin embargo, el cortometraje sobre un niño que revive a su perro muerto, no gustó a la productora de Bambi, que alegó que aquel cuento macabro “no era para niños”.

Como consecuencia, la Disney echó a la calle a Tim Burton, que sufrió por primera vez el fracaso y la incomprensión de su cine. Ahora, devuelve a la vida aquella primera historia y nos regala su magia con una mirada infantil que, tal vez entonces, no tenía. Y, cosas de la vida, vuelve a colaborar con la Disney en este proyecto que, ahora sí, le interesa tenerlo entre sus filas. A buenas horas, mangas verdes.

Este año, Tim Burton está prolífico. Estrenó Sombras tenebrosas en mayo; y ahora Frankenweenie, donde el director nos hechiza con su maravillosa puesta en escena. Es una hermosa película sobre las dificultades de los niños que son diferentes a los demás, y sobre la falta de visión de los adultos ante este problema. Por otro lado, Tim Burton maneja a la perfección los puntos de vista y encaja de una forma formidable la visión infantil de Víctor con la que puede tener un adulto sobre este tipo de temas. En conclusión, Frankenweenie es lo suficientemente entretenida para los más pequeños y profundamente reflexiva y viva para los adultos. Recomendable cine familiar con firma de autor.

Sin embargo, quería hacer hincapié en uno de los aspectos que más me ha fascinado de este film. Y es que Tim Burton siempre ha dejado su huella en sus películas, pero pocas veces esa huella se traduce en autor como en esta ocasión. Si con Ed Wood (1994), el director homenajeaba al cine que le inspiró y lo hacía desde una historia real y la mirada del director que ya se había hecho así mismo, con Frankenweenie, su mirada es la de aquel niño que fue Tim Burton y cuya imaginación derivaba hacia los mundos fantásticos de la Hammer o el cine de terror de serie B. Es decir, tanto Ed Wood como Frankenweenie son las dos caras de la misma moneda: la cara adulta y la cara infantil de un mismo director: Tim Burton.

Observando con detalle el film, el protagonista, Víctor, es un niño que es feliz encerrado en el ático de su casa creando historias que graba con una cámara de cine. Adora la ciencia y la fantasía, los dos pilares básicos de lo que es el cine. Cuando revive a su perro muerto, sus padres quieren que entienda que eso no está bien, y que cuando la muerte llega, hay que aceptarlo. Sin embargo, más tarde su propio padre confesará “que a veces los adultos no sabemos lo que decimos”, reconociendo su error y dándole una segunda oportunidad a su hijo. La maravillosa alegoría sobre la incomprensión se pone en escena con la historia de Frankenstein (inspiración obvia de la historia), definiendo así la propia aventura de Tim Burton en el mundo del cine. Es decir, la falta de apoyo inicial por no entender sus películas y la segunda oportunidad de la Disney para enmendar aquel primer castigo.

Metáforas aparte, el film se disfruta tanto por el fondo como por la forma. El stop-motion y la artesanía que tanto le gusta a Tim Burton están perfectamente trabajadas, consiguiendo una naturalidad deliciosa. La profusión de diferentes monstruos clásicos del cine y de la literatura llena la pantalla de imaginación y aventura, haciendo continuos guiños a aquellos espectadores más adultos. Y la tierna mirada de los niños, la nostalgia y la identificación con ciertos aspectos de nuestra infancia nos devuelven a ese lugar tan confuso en el que estuvimos una vez y en el que quisimos triunfar haciendo lo que más nos gustaba, ya fuera escribir, dirigir, pintar o construir inventos.

En este caso, Frankenweenie es la película que Tim Burton podría haber hecho cuando era un niño introvertido, alimentándose de todas las fantasía que leía y veía en las películas y añadiendo sus ingredientes propios para darle vida. Si alguien quiere conocer bien a este director no tiene más que ver este film, y completarlo con Ed Wood, que según su director, es su mejor película. Ya no sé qué decir, ambos son grandes films: entre ésta y Frankenweenie sólo hay una mirada. ¿Qué nos gusta más: la infantil o la adulta? Difícil cuestión, pues nadie es adulto sin haber sido antes un niño…

Fuente: web oficial: http://www.disney.es/frankenweenie/index.html

Trailer español:

Fahrenheit 451: sin libros no hay pasado, sin pasado no hay vida (François Truffaut, 1967)

2012-10-11T12:53:00.001+02:00

En un futuro no muy lejano, la sociedad vive aislada de los libros. Están prohibidos y el Estado persigue a aquellos que todavía leen y confisca libros que después quema ante la atenta mirada de los ciudadanos domesticados. Con este punto de partida, François Truffaut lleva a la pantalla la novela de Ray Bradbury sobre un mundo sin libros, y pone en escena los serios contrastes que se darían en una sociedad que no tuviera acceso al conocimiento y al pensamiento. ¿Resulta tan inquietante? ¿Podríamos vivir así?

Marcada por las dificultades en su rodaje, la película del director francés se ha convertido con el paso del tiempo en un clásico del cine de ciencia ficción. Sin embargo, no encontraremos en ella los grandes despliegues de efectos especiales ni productos de alta tecnología aún no inventados. Todo lo contrario. Lo que menos se acerca a la ciencia ficción es precisamente lo cotidiano, mientras que la posibilidad de quedarnos sin libros es lo verdaderamente ficticio y, a la vez, turbador.

François Truffaut, que tuvo que lidiar con el desconocimiento del idioma, sólo podía comunicarse de forma directa con un puñado de personas del equipo que conocía el francés (entre ellos, los actores principales, Julie Christie y Oskar Werner). A pesar de ello, el film funciona a la perfección en cuanto a la puesta en escena de los contrastes y las oposiciones entre los que leen y los que no, a través de colores, escenografía y personajes.

La historia narra la transformación de un bombero, Montang, encargado de quemar libros que, una vez se inicia en la lectura impulsado por una joven maestra, descubre lo maligno que se esconde detrás de esa destrucción. Por otro lado, el protagonista se ve atrapado entre dos mujeres: su mujer y su nueva amiga, quienes en el film están interpretados por la misma persona (Julie Christie).

Truffaut, al elegir a la misma actriz, pone en evidencia el hecho de que leer nos convertiría en mejores personas. Es decir, la esposa del protagonista, Linda, habla sin parar de asuntos superfluos. Vive enganchada a la televisión y no siente pasión ni entrega ante el posible ascenso de su marido. Le trae sin cuidado. Su superficialidad le hace sentir miedo ante su marido cuando descubre que se está transformando en un “antisocial”.

Sin embargo, su amiga Clarisse y después el propio Montang, tienen sentimientos más profundos, se miran a los ojos, comparten penas y alegrías. Así lo vemos en la escena de la escuela, cuando Clarisse se siente marginada y Montang la consuela.

Los ciudadanos que viven de espaldas a los libros habitan en casas sospechosamente iguales que parecen celdas de una colmena. Modernas, pero todas con antenas de televisión. Llaman poderosamente la atención los utensilios que hay en el hogar de Montang. No son nada futuristas, sino más bien, objetos simples e incluso antiguos, como los teléfonos. Por ejemplo, en una escena su mujer le regala una navaja de afeitar mientras tira a la basura la maquinilla eléctrica, alegando que ahora se llevan mucho las navajas.

El buzón para denunciar a personas que leen también es de lo más austero, pero destaca por su color de fuego. El rojo es el único color vivo que vemos en el film. Lo encontramos en el mundo de los bomberos y también en algunos momentos con hace contraste con el gris de las paredes, de los parques... por ejemplo, cuando sale un coche completamente rojo avisando a los ciudadanos que salgan a la calle.

Y es que en el fondo de la cuestión, Truffaut pone en escena el poder del estado para controlar a los ciudadanos y evitar que piensen. Los libros te hacen libre y eso el gobierno no lo puede consentir. Por eso, la película empieza con unos títulos de créditos hablados, no escritos, mientras vemos antenas de televisión. Es decir, son títulos emitidos, demostrando el poder de fascinación de la pantalla de cara al espectador. A través de ese poder, y eliminando la lectura, el estado puede controlar la mente de los individuos.

Por otro lado, no leer permite ser feliz, según los argumentos estatales. A pesar de ello, vemos que Lisa, el paradigma de la felicidad inconsciente, no deja de tomar píldoras y, sin embargo, se cree feliz porque el estado le prohíbe leer y ya no tiene pasado. No se acuerda de cuándo conoció a su marido. Aislados de recuerdos, los ciudadanos olvidan sus sufrimientos al no leer, pero también olvidan lo que son las guerras, la violencia o el avance social, por lo que vuelven al uso de utensilios del pasado (como la navaja de afeitar).

Sin libros, sin pasado, el individuo nunca se hará así mismo, y vivirá controlado y dominado haciendo exactamente lo que le dicen. Cuando Montang se libera de esa carga y se alía con los hombres-libro (book-men), descubre que cada uno de ellos es feliz por evocar a un libro, que cada libro es una vida y que cada vida es única, individual. Truffaut consigue con la última escena reflejar esta idea de una forma muy gráfica y emotiva: hombres y mujeres deambulan como espectros bajo la nieve, recitando su libro y creciendo como individuos. Muestra así el contraste con la masa, aquella que sale a buscar a los fugitivos porque un altavoz lo dice o que delata a sus familiares porque está sometido por el miedo.

A pesar de las complicaciones, Truffaut cumple su cometido y narra maravillosamente bien la historia de Ray Bradbury, interesante y sorprendente a partes iguales. ¿No creéis que sería inquietante un mundo sin libros? No imagino mi día a día sin un poco de lectura…

Aquí os dejo una de las escenas de la película, donde se conocen Montang y Clarisse. En ella se explica el significado de Fahrenheit 451 y los personajes reflexionan sobre el hecho de quemar libros. Espero que os guste.

http://www.youtube.com/watch?v=486LjfbxiBQ&noredirect=1

A Roma con amor. Fama y romanticismo en la ciudad de las ruinas (To Rome with Love, Woody Allen, 2012)

2012-10-03T11:33:00.002+02:00

La cita anual con el cine de Woody Allen nos llega ahora desde Roma, con un plantel destacado de buenos actores y cuatro historias independientes desarrolladas todas en la ciudad del amor. Lejos de ser su obra maestra, sin embargo, es un paso más en la indagación de temas más o menos recurrentes en el cineasta que no deja de sorprendernos con su capacidad de creación.

Veremos así temas vinculados con el amor y con la fama, presente desde el inicio del film y que pulula como un espectro entre todos los personajes y sus tramas. Una pareja de recién casados que están un tanto despistados; un joven arquitecto que se enamora de la amiga de su novia por su atractivo carácter; un romano de a pie que se convierte en famoso de la noche a la mañana; y un director de ópera al borde de la jubilación que desea encontrar la manera de escapar de ella.

Historias, en apariencia, sin un hilo conductor, que, sin embargo, se ven unidas por un espacio singular como es Roma, que inspira el amor romántico y, a la vez, el deseo de gloria. Una gloria que la ciudad evoca convertida en ruinas, una fama que se convierte en efímera y de la que solo quedan los restos de lo que antes fue un grandioso imperio. Entre estos posos descansan los impulsos de estos personajes, siempre tan interesantes y con tantos matices en el cine de Woody Allen.

Destacable es, sin duda, la labor de los actores, siempre brillantes en sus films. Como es habitual, siempre es recomendable escucharlos en versión original, con sus detalles y peculiares expresiones. Penélope Cruz, ahora como prostituta, llena la pantalla con su desparpajo; Alec Baldwin, inmenso en su papel de "Pepito Grillo", que con una sola mirada te traslada sus reflexiones nostálgicas; Ellen Page, que interpreta a una neurótica actriz embaucadora dispuesta a derrumbar la sólida estructura de la vida del joven arquitecto (Jesse Eisenberg); y Roberto Benigni, con su popular comicidad, se convierte en famoso y su perplejidad y locura no deja de hacerte reír.

A Roma con amor puede parecer para el espectador un mosaico de historias románticas sin más intención que entretenerte un rato y pasar página. Sin embargo, lejos de eso, es una dulce película por fuera que esconde temas tristes y melancólicos por dentro. En consonancia con la ciudad, el film parece querer igualarse a ella, y convertirse en una muestra sobre el auge y la decadencia del ser humano, sobre el pasado y el futuro, sobre el antes y el después, sobre la gran obra humana y sus ruinas… No por casualidad utiliza la cámara para mostrar panorámicas circulares y reforzar así la idea de conjunto completo, a modo de Coliseo o circo romano. De esta manera, Allen está cerrando su periplo europeo para regresar a Nueva York a rodar la siguiente película.

Un buen ejemplo de todo ello lo encontraremos en el papel del propio Woody Allen que interpreta esta vez al director de ópera enganchado a su trabajo. Él no quiere jubilarse porque considera que ese sería el primer paso a la muerte. Además, su obra se ha visto marcada por la incomprensión, lo que da lugar a encontrar el paralelismo con la propia obra fílmica de Allen. Él también ha sido un director incomprendido y “adelantado a su tiempo” que ha recibido duras críticas. Sin embargo, el público lo ha acompañado y los actores se han lucido con él. Observad el diálogo que tiene con su mujer cuando llegan a Roma y buscad el vínculo con el director; entenderéis que su vida es el cine y que sólo dejará de serlo cuando muera.

Película de transición de Allen, a la que le falta rotundidad pero que se ve sin sobresaltos y con temas nuevos, como el de la jubilación aplicada al propio director. Un guiño a su futuro que, aunque pareciera inevitable, podría llegar algún día. Esperemos que quede lejos ese momento y que siga tan despierto como siempre, porque nadie ha sido capaz de diseccionar la sociedad contemporánea con tanta clase como él, reírse de todos y de sí mismo, y ganarse al público año tras año. Entretenida y melancólica, como un caramelo de café espresso…

Aquí tenéis el trailer de la película en español. Os añado también un link al trailer en versión original con subtítulos en español y el enlace a la página oficial del film.

Trailer en V.O.S son subtítulos en español: http://www.youtube.com/watch?v=LKiu8f5LMxk

Web oficial: http://www.virgilio.it/toromewithlove/

Martes, después de Navidad: el conflicto instalado en la cotidianidad. (Marti, dupa Craciun, Radu Muntean, 2010) Estreno: 21/09/2012

2012-09-27T13:29:00.000+02:00

La Nueva Ola rumana nos trae a nuestras pantallas la última muestra de su buen cine. El movimiento cinematográfico, impulsado por un puñado de cineastas, ha sabido abrirse hueco en festivales y salas de proyección, con películas sinceras y un lenguaje neorrealista que deja al espectador con la boca abierta.

La máxima expresión de ese cine la encontramos en la multipremiada 4 meses, 3 semanas, 2 días, de Cristian Mungiu, que ganó la Palma de Oro en Cannes en 2007. El movimiento, a grandes rasgos, se caracteriza por tener cierto posicionamiento social y político y acercarse a la Rumanía post-comunista, desde una mirada realista y auténtica, a golpe de cámara.

Sin artificios visuales y con un guión bien cosido, ahora podemos ver Martes, después de Navidad, que ganó el festival Internacional de Cine de Gijón en 2010. La película de Radu Muntean no te deja indiferente y te arrastra con suavidad hacia las contradicciones de la realidad misma, y, a diferencia de otros films del movimiento rumano, se acerca a las familias acomodadas, (compran ropa en tiendas de Desigual, esquían en Austria…) donde lo que importa ahora son los sentimientos, y no la reflexión política.

La historia que nos cuenta es de las más antiguas. Se trata de un triángulo amoroso, en el cual Paul, casado y con una hija, se enamora de Raluca, una joven dentista que desea que abandone a su familia después de Navidad. La película transcurre en esos días previos a la Nochebuena en los que Paul ha de tomar las decisiones más importantes de su vida, que pasan por abandonar a su familia y marcharse con Raluca. Pero la decisión no será fácil y en esa indeterminación se mueve el personaje hasta que llegue el último día y sepamos qué piensa hacer.

La gran aportación del film es tratar de sumergir al espectador en la cotidianidad de estos personajes. Los decorados son sus auténticos hogares, el sonido ambiente lo envuelve todo, oímos su respiración, el ruido de los muebles, un juguete que pita, una maquinilla que corta el pelo… Y su director opta por planos-secuencia largos y contenidos, en el que vemos los acontecimientos como realmente nos pasarían a cualquiera de nosotros. El efecto es inmediato, la identificación plena, siempre desde una mirada distanciada, fría, pero metida de lleno en la problemática de Paul.

Los detalles en los actos de los personajes son fundamentales. La vida de Paul con su mujer y su hija está llena de orden y confianza. Mientras hablan, actúan como pareja que son, con una larga vida de hechos compartidos. Maravillosa la escena en la que le corta el pelo, la que preparan los regalos de Navidad con una meticulosidad aplastante, o la de la discusión, donde todo ese orden se desmorona. Por el contrario, la vida con Raluca, la amante, no está definida, cada vez que hablan, algo cambia, se modifica, nada ocurre como está previsto y es una relación que está instalada en el caos. Perfecto trabajo en los detalles aparentemente insignificantes, pero cargados de efecto.

Para ahondar más en su técnica, destacaría también el uso del fuera de campo en muchas secuencias, donde la cámara se fija en el rostro de Paul, mientras en otro lado de la habitación están ocurriendo cosas y él sigue atrapado en sus pensamientos.

Sin embargo, la película es tan austera que por momentos piensas que no va a llegar a ofrecerte nada más. Adolece de magia, especialmente al principio, donde al espectador le cuesta más centrarse y engancharse a lo que está viendo. A pesar de eso, con el transcurso de los minutos, todo acaba encajando como las piezas de un puzzle y llegado el final, el espectador entiende todo el proceso.

Para aquellos que les guste el cine sin efectos y cercano a la realidad, una buena propuesta es Martes, después de Navidad, un relato relajado, en apariencia, pero con un drama intenso y narrado desde la cercanía del día a día. Las cosas pasan así, sin más y eso es lo que persigue su director que, sin duda alguna, lo consigue. Interesante film.

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=ZzinrmOrazI

Web en España: http://www.piramide-films.com/martes-navidad.html

Manhattan: nostalgia del amor verdadero (Woody Allen, 1979)

2012-09-19T11:12:00.001+02:00

¿Puede una ciudad fascinarnos y, a la vez, alienarnos? Si le profesamos tanto amor a esa ciudad, ¿seremos capaces de ver sus defectos? ¿La veremos tan perfecta? Son algunas de las cuestiones que me he planteado tras disfrutar de Manhattan, un poema agridulce de Woody Allen a Nueva York, que deja posos melancólicos en nuestro interior y nos embriaga con sus imágenes. La maestría del director determina un trabajo redondo a nivel visual y de contenido, con un guión perfectamente hilvanado con la narración fílmica.

Manhattan representa la entrega total de Woody Allen a la ciudad a través de una fotografía realmente bella (en blanco y negro), una banda sonora profunda y muy evocadora y unos diálogos irónicos y mordaces que nos acercan al malestar de numerosos personajes atrapados en sus calles.

Pero ¿cuál es el papel de la ciudad? ¿Cómo le afecta al personaje principal? Isaac (Woddy Allen) es un guionista de programas de televisión que él considera una basura; su mujer le ha abandonado y encima tiene una relación sin futuro con una joven estudiante de 17 años. Su vida no pasa por sus mejores momentos, hasta que conoce a la amante de su mejor amigo, Mary (Diane Keaton) en la que ve la posibilidad de una relación seria. Es el comienzo de una búsqueda de la felicidad y de un cambio sustancial en su vida, a la que decide enderezar escribiendo un libro y entregándose a esa mujer.

Sin embargo, la película no deja de enviarnos señales para advertirnos de que esa búsqueda no será fácil, más bien imposible. Por ejemplo, prácticamente todos los personajes mienten: su amigo le miente a su mujer; la amante le miente a Isaac; la exmujer de Isaac miente en su libro… Todos lo hacen excepto el propio Isaac y su joven amante (Tracy), aún atada a la edad de la inocencia. Eso provoca que muchos de ellos tengan psicoanalista (una constante en el cine de Allen) para intentar entender qué narices pasa con sus vidas.

"Conocías mi pasado cuando te casaste conmigo"

"Ya lo sé, me lo dijo mi psicoanalista, pero eras tan guapa que cambié de psicoanalista"

Por otro lado, la fotografía en blanco y negro contribuye a resaltar las luces y las sombras, de manera que se convierte en una metáfora de la propia ciudad, llena de momentos mágicos y, a la vez, melancólicos. En numerosas escenas de amor, los amantes están en la oscuridad completa, o iluminados por un débil lamparita. Predomina pues la oscuridad en estos momentos que llena los planos de romanticismo y, a la vez, de incertidumbre. Nada está claro en Manhattan, nadie tiene luz para ver su camino y todos andan despistados.

Eso provoca una gran inquietud en Isaac porque él quiere ser alguien íntegro, alguien que “cuando muera piensen bien de mí”. En la escena de la discusión con su amigo Yale (Michael Murphy), ambos se enmarcan con el esqueleto de un primate en el centro de la imagen. Después, es el propio Isaac el que se acerca a este esqueleto (que nos representa a todos) mientras sermonea a su amigo sobre la integridad moral. Yale le dice que todos somos humanos, y que se cree Dios por querer que todo sea perfecto. Isaac concluye que el sufrimiento ajeno nos es indiferente, que hoy en día queremos vivir bien, lo que nos ha degradado y convertido en esqueletos sin alma.

Todo lo que le ocurre a Isaac tiene la sencilla explicación que encontramos precisamente al inicio del film. Y es que ¿por qué todo esto ocurre en Manhattan? Sencillamente, porque es un espacio en el que se produce la “degradación de la sociedad contemporánea”. Una ciudad encantadora, que te atrapa por su diversidad y su cultura y que, sin embargo, se vuelve en contra de nosotros, nos deja solos y sin referentes humanos. Un espacio en el que los humanos se corrompen y que acaba haciéndote daño.

Mary (Diane Keaton) sería una metáfora de Manhattan: alguien bella e inteligente, que te asombra por sus conocimientos y te enamora, pero que acaba engañando a Isaac y traicionando su confianza. Mientras, la joven Tracy simbolizaría ese Manhattan pasado, nostálgico, el que le gustaba a Woody Allen donde todavía había humanidad a ritmo de jazz y de cine antiguo. “Él amaba Nueva York” dice en el memorable inicio de la película, pero conforme avanza, ese amor parece transformarse en decepción.

“No quiero que te vayas, no quisiera que eso que tanto me gusta de ti cambiara”

“Seis meses no es tanto, no todo el mundo se corrompe” “Has de tener fe en las personas”

Para terminar, os dejo la escena inicial de la película, ya tan famosa y quizá de las mejores que existen. Observad cómo se relaciona el texto con la imagen, y comprenderéis que evoca un amor tanto intelectual como físico, una relación sexual que estalla con el amanecer y con esas siluetas de los edificios erguidos en pleno éxtasis. Manhattan y Woody Allen, una relación pasional al compás de una música suave pero intensa, de un jazz triste (Rhapsody in Blue de George Gershwin) pero hermoso. ¿Puede una ciudad fascinarnos y a la vez ser imperfecta? Sí, se puede, porque cuanto más hermosa la veas, cuanto más la personalices, más fácil te será comprender lo que hay dentro de ella.

Sólo es el principio: filosofía para niños (C’est n’est qu'un début, Jean-Pierre Pozzi, Pierre Baorugier, 2010) Estreno: 07/09/2012

2012-09-11T12:15:00.001+02:00

“¿Crees que los adultos son más inteligentes que los niños?” “No”, responde Yanis “porque siempre dicen ‘No sabes nada, no sabes nada’, y sí que sabemos cosas”. Y vaya si saben cosas, tantas que te abruman, te sorprenden y te maravillan con sus respuestas espontáneas y, algunas, meditadas.

Y es que el interés creciente por los temas educativos en Francia nos regala una nueva película documental, heredera de La clase, con la que reflexionar sobre la importancia de la educación de nuestros peques. A la luz de una vela, la profesora inicia sus sesiones de filosofía con niños de 4 a 5 años y les deja hablar y responder a preguntas sobre la vida, la muerte, el amor o la libertad.

Tenemos ante nosotros un ejercicio fílmico que pretende que el espectador atienda con calma las contestaciones de estos niños, que poco a poco, y para nuestra sorpresa, van aprendiendo a expresarse, a pensar y a plasmar ese pensamiento en palabras, en dibujos, con sus padres en casa… hasta llegar a la bonita conclusión de que la filosofía les ayuda a ser mejores personas por el simple hecho de que piensan antes de actuar y de que se hacen ellos mismos preguntas, sin necesidad de que nadie se las plantee.

El film deja que los diálogos sean completamente naturales. No hay voz en off y sólo se escucha el sonido ambiente (ruido de sillas, mesas, gritos en el recreo, se percibe el frío, el calor…), de manera que el espectador se adentra junto con los niños en esa aventura y extrae después sus conclusiones.

Para poner en escena el paso del tiempo (la película se desarrolla a lo largo de dos cursos escolares), se alternan momentos en los que se informa, por radio o televisión, de acontecimientos políticos, económicos o sociales en Francia que nos acercan al fantasma de la crisis que puede dejar desamparados a los colegios. Una forma muy visual de plasmarlo, la encontramos en el plano de un andén de estación viejo y gris, donde sólo un par de personas esperan un tren que nunca llega, símbolo de la desesperanza ante la falta de recursos para la educación.

Por otro lado, a medida que avanza el film, se perfilan mejor los personajes y se da protagonismo a algunos de los niños, que desde el principio ya demuestran su entrega y su capacidad de reflexión. Acompañamos a Louise, Kyria, Abdheramene o Yanis en su periplo hacia la madurez, para descubrir que tenemos mucho que aprender de ellos y mucho que ofrecerles todavía.

La película adolece, también es cierto, de cierta fuerza narrativa, se echa de menos una mayor presencia de los padres, su relación con ellos, quizá, o con el colegio, pero tal vez sea para priorizar las conversaciones de las sesiones de filosofía.

Documento único por su limitada distribución, se trata de un aconsejable ejercicio de aprendizaje para los adultos. Si queréis ver las miradas tiernas de Kyria, el carácter explicativo y explosivo de Louise o la sonrisa picaruela de Yanis, no os perdáis esta joyita: es un balón de oxígeno para los que creemos en la educación, pues da suficientes argumentos para seguir defendiéndola. Interesante para todos los públicos.

2001: una odisea del espacio. La vida se alimenta de un monolito (2001: A Space Odyssey, Stanley Kubrick, 1968)

2012-09-07T11:45:00.002+02:00

Si hay un film que ha marcado al género de la ciencia-ficción, ese es sin duda el que nos ocupa. Teniendo en cuenta el año de su producción y observando sus espléndidos efectos especiales (por los que ganó un Óscar), uno se pregunta qué pensarían los espectadores que la vieran en su estreno. No sólo es un torrente de imágenes espectaculares y absorbentes, sino que también te arrastra a profundas reflexiones sobre la vida, la muerte y lo que hay más allá de ellas. Pero ¿es posible comprenderla en su totalidad? Sería demasiado ambicioso pretender hacerlo, ya que quizá solo Kubrick pudiera darnos esa respuesta.

De manera que, para no caer en conclusiones erróneas, intentaré ofrecer un análisis desde el punto de vista de la narración visual, es decir, aquello que uno como espectador puede ver y leer según su interpretación. Sobra decir que solo es un análisis, y que existirán miles de aportaciones al tema que tal vez sean más detalladas y acertadas. Me limitaré a un tímido acercamiento, con el pavor de no encontrar nada en mi camino. Este film me abruma por su cantidad de significantes y, por tanto, de significados.

Empecemos por el famoso monolito. Lo vemos al inicio, visitando a los primates, que una vez lo descubren aprenden a manejar un hueso como herramienta para destruir y dominar al semejante. El monolito les ha traído información, les ha convertido en “humanos”, para distinguirlos de los animales y controlar el mundo con sus inteligentes herramientas.

Ese hueso, al lanzarlo al aire, se funde con una nave espacial, uniendo los dos tiempos (el pasado y el futuro) y dándole una semejanza simbólica: los huesos de los primates ahora son naves espaciales. La evolución de los humanos los ha llevado al espacio. ¿Qué se encontrarán allí? Empieza entonces la particular odisea de los hombres en su búsqueda de vida extraterrestre, o lo que es lo mismo, en busca del origen de la vida humana.

A partir de ese momento, la película deriva hacia su vertiente más entretenida, donde se desarrolla la trama. Los humanos han encontrado un monolito en la luna enterrado allí hace unos cuatro millones de años: ¿quién lo enterró? Unas ondas de radio lo unen con Júpiter y deciden enviar una tripulación especial a este planeta para descubrirlo. Sin embargo, es una misión de alto riesgo y todo está bajo secreto.

Kubrick maneja a la perfección la sensación de misterio y tensión con planos imposibles (¡¿cómo coloca la cámara?!), perfectamente medidos, simétricos, un ritmo lento y cadencioso, exasperante a veces para el espectador que quiere saber y saber pronto. La soledad de los tripulantes se pone de manifiesto en esos espacios estrechos, blancos, vacíos… mientras suena música clásica, siempre como antesala del caos, de la nada…

Visualmente, destacaría también el diseño de las naves, los trajes de astronauta (parecen gusanos, parásitos), la cápsula EVA… Todos tienen apariencia humana, como si te miraran con sus ojos perfectamente nivelados. Por ejemplo, la nave que viaja a Júpiter, podría parecer un gran espermatozoide tal vez en busca de su “óvulo”, donde engendrar un enorme bebé y dar origen de nuevo a la vida.

A mi entender, esa semejanza es un medio para provocar temor al espectador, ya que no hay nada que dé más miedo que un ser inanimado cobrando vida y, en este caso, refuerza la presencia de HAL 9000, el ordenador con inteligencia artificial que ataca a sus dueños: los humanos. La existencia de HAL es verdaderamente terrorífica y plantea la duda de nuestro poder sobre la creación: ¿podemos los humanos crear vida, aunque sea artificial? Hace cuatro millones de años un monolito (¿una divinidad?) nos dio el don para usar herramientas, pero no para darles vida, y eso se ha vuelto contra nosotros.

A pesar de todo, Dave (con el que nos identificamos dentro de esa escafandra asfixiante) desconecta a HAL, acaba con el mal y termina él mismo la misión. En esta escena, vemos como Dave saca una por una las piezas que dan vida al ordenador, y observamos la similitud entre estas y los monolitos, a modo de vértebras de una espina dorsal perfectamente alineada en el espacio. La película es esperanzadora porque aunque nos hayamos desviado del camino trazado, la vida sigue y vuelve a empezar. Uno nace y muere, y tras la muerte, volvemos a ver el monolito, origen de todo.

Un vaivén circular en torno a la vida y con la rica aportación al género de la ciencia ficción a nivel cinematográfico (aventura espacial, efectos especiales hipnóticos) que deja su huella en numerosos films, como, por ejemplo, la animada y tierna Wall-E, El árbol de la vida, o, más recientemente, Prometheus, que no esconde ni un ápice esta influencia.

Disfrutad, si no lo habéis hecho aún, de este perfecto vals interestelar de Kubrick y no olvidéis abrocharos el cinturón: el viaje se presenta tranquilo y pausado, pero las turbulencias se removerán por dentro de vuestro sistema nervioso. Para no olvidarla.

Prometheus (Ridley Scott): para la generación de Alien. Estreno: 03/08/2012

2012-08-20T17:39:00.001+02:00

Ridley Scott, creador de obras imborrables como Blade Runner o Alien, el octavo pasajero, vuelve al género de ciencia ficción con un film que, según él, no se trata de una precuela como tal de Alien. Sin embargo, aquellos a quienes les gustara la película que hace más de treinta años nos aterró pensando que podríamos tener un alien dentro, se mueve con numerosas referencias al monstruo y al propio film, llenando el contexto de un aura más filosófica y planteando más preguntas que respuestas. ¿Consigue Scott sorprender o decepcionar? En mi opinión, ambas cosas.

Por un lado, la factura técnica y escenográfica de la película es deslumbrante. Los títulos de crédito iniciales están llenos de espectaculares planos, con paisajes montañosos que recuerdan los tejidos nerviosos y celulares de los humanos. Hay una asociación visual entre la naturaleza humana y terrestre que nos sitúa en un camino: la intención del director de hacer una película que reflexione sobre el origen de la humanidad, la eterna pregunta que nos hacemos todos y de la que no obtenemos nunca una respuesta definitiva.

Encontramos a lo largo del film escenas muy elaboradas visualmente, especialmente al inicio, cuando se presenta al robot vagando por una nave espacial vacía, dado que el resto de la tripulación está hibernando. Encuadres fríos y medidos provocan sensación de aislamiento, al estilo de 2001, odisea del espacio. Destacan también las escenas del planeta al que llegan, su paisaje entre lunar y volcánico, y numerosos efectos especiales que llenan la pantalla de maravillosos y bellos hologramas.

En este aspecto, la película hace que la expectativa sea alta respecto a lo que puede llegar a ofrecer. Sin embargo, el guión es pobre en exceso, los personajes, demasiado planos y repetitivos, y todo lo que ocurre resulta demasiado familiar y previsible. Digamos que Ridley Scott ha dejado pasar por alto el asunto de un guión más novedoso y ha optado por seguir usando casi el mismo esquema que la propia película de Alien, pero intentando ser más profundo. Nada nuevo ofrece en el aspecto narrativo, lo que nos lleva a la decepción de la que hablaba al principio.

Por otro lado, hay muchas preguntas abiertas que es posible que se acaben completando con nuevas entregas (es la moda de las trilogías), lo que puede hacer que el espectador salga del cine con cierta insatisfacción. Aplaudo el gesto en ciertos planteamientos, es mejor reflexionar un poco a que te lo den todo detallado; sin embargo en este caso más bien parece que estén mal cerrados en el guión antes que pretender que el espectador reflexione.

A pesar de todo esto, la más llamativa aportación para distanciarlo de Alien, la ofrece el personaje del robot, interpretado por Michael Fassbender. En todas sus intervenciones hay alusiones y explicaciones que ayudan a entender la historia. Además, su mirada fría, su expresión entre la indiferencia y deferencia, lo convierte en el ancla que amarra la historia: ¿el hecho de que creemos robots o criaturas o virus nos hace inmunes a ellos? ¿estamos libres de culpa? Por ejemplo, en uno de sus diálogos, David, el robot, y uno de los doctores, Charlie, tienen una trascendental conversación sobre el porqué de la creación, donde se plantean cuáles son nuestras intenciones cuando experimentamos y cómo eso puede volverse en contra.

Un cúmulo de preguntas entre las líneas de un guión vacuo, pero adornado con la facilidad de Ridley Scott de dirigir escenas verdaderamente fascinantes en el género de la ciencia ficción. Otra de sus buenas obras, pero sin la intensidad de su maestría.

El caballero oscuro: la leyenda renace (The Dark Knigth Rises, Christopher Nolan, 2012). Continúa la recaudación

2012-08-14T12:43:00.000+02:00

El último film de la trilogía en torno al héroe urbanita por excelencia conocido como Batman continúa recaudando dinero en las salas españolas. Ya no está en el primer puesto, pero un honrado (y suculento) segundo puesto lo mantiene arriba a la espera de nuevos espectadores interesados en el devenir del murciélago más famoso de los cómics.

Los seguidores del personaje es muy probable que ya la hayan disfrutado, pero aquellos que, como es mi caso, simplemente teníamos curiosidad de ver qué había hecho su director, Christopher Nolan, con esta última entrega, aún estamos a tiempo de descubrirla. No sería una pérdida de tiempo, en absoluto, pero aviso de que su largo metraje empaña un trabajo muy bien hecho en cuanto a trama, fotografía y diseño de producción, y su derroche de acción es, en gran medida, excesivo. Posible dolor de cabeza y continuo sonido estridente que parecía que iba a llegar el mismísimo Batman a la sala de cine. Exagerado.

Vayamos por partes. Aparece un personaje malvado como pocos llamado Bane, un mercenario sin escrúpulos que lleva una máscara al estilo de un pitbull o parecido. Abundan las escenas violentas que provocan verdadero pavor, puesto que el personaje refleja de manera auténtica el poder de la violencia y su dominio. Mientras, el millonario Bruce Wayne (Batman) está alejado de la sociedad, a la que ha abandonado tras un largo periodo de tiempo. Evidentemente, reaparecerá para salvarla del nuevo “joker” acompañado, esta vez, de una catwoman con mucho carácter e instinto de supervivencia.

Desde mi punto de vista, el argumento no se aleja del clásico enfrentamiento del bien y el mal, base de las historias de superhéroes. Sin embargo, es de destacar cómo Nolan consigue dirigir un film que acerca tanto la trama como los personajes al mundo actual, con la crisis financiera de trasfondo, y con un marco contextual que bien podría ser Nueva York, Frankfurt o Madrid. Es decir, ciudades con un centro financiero, cuyos ciudadanos se han visto abocados a la perdición por una farsa que ellos no han provocado, pero que han sumido a la ciudad en las tinieblas, en las sombras, en el mal absoluto.

La película tiene algunos diálogos de los que se puede extraer una segunda lectura de esta “guerra”, sin embargo, los últimos minutos (que podrían ser prácticamente una hora) el film se entrega de lleno en la acción y en el despliegue de persecuciones, tiros y lucha que desdibujan este primer planteamiento. No es casual que los asesinos tomen la bolsa de Gotham, origen del mal, ni que el salvador de esta crisis sea un millonario arruinado por las especulaciones que, sin embargo, no teme morir por sus ciudadanos. Es decir, entrega todo lo que tiene (dinero/vida) para crear centros de niños huérfanos que habían perdido su subvención.

Más allá de esta aportación, también es destacable, cómo no, el papel de los actores. Gary Oldman, como comisario torturado por la mentira que provocó la destrucción; Michael Cane, con su emotiva entrega hacia el que fue su ahijado; el propio Cristian Bale, que haciendo de Batman ya le tenemos menos miedo; y por encima de todos, Anne Hathaway, la catwoman más engañosa que hayamos visto. Se mueve entre el miedo y la valentía, entre la duda y la determinación, y no deja indiferente a nadie.

Y la fotografía y el diseño de producción me parecen fundamentales. Luces urbanas, oscuridad por contrastes y tonos de fuego, inundan los planos, donde cuando aparece Batman en su moto o la catwoman con su sigiloso andar, todo parece que trascurre una noche cualquiera en una gran ciudad. La sensación de realismo acerca a la actualidad un personaje de cómic para llevarlo a luchar por un mundo mejor y renovado, limpio ya de corruptos, pero también de tiranos que puedan aprovecharlo. Y evitar así el caos del dominio ciudadano (no vaya a ser que de verdad decidan ellos, añado).

En fin, no podía acabar de otra forma, estamos hablando de un superhéroe americano, pero, no obstante, si le restáramos minutos y derroche de acción, tendríamos un film redondo, pero parece que quiera señalar continuamente la cantidad de dólares que se habrán gastado y el gran trabajo de producción que lleva detrás. Innecesario y pesado.

Me quedo con una frase (aunque hay varias interesantes): Bane, el asesino, toma la bolsa y uno de los broker le dice: “Esto es la bolsa, aquí no hay dinero que robar”, a lo que el asesino le responde “Entonces, ¿por qué estáis aquí?”. Lúcido y real, como la vida misma.

Drácula y la vuelta al pasado: nuestro inconsciente reside en los Cárpatos

2012-08-08T12:27:00.001+02:00

¿Qué tendrán los vampiros que tanta atracción provocan? ¿Qué habrá en Transilvania para que Jonathan Harker viaje atraído por un imán? La novela de Bram Stoker, posteriormente llevada al cine con numerosas reinterpretaciones, enfrenta a dos mundos entre los que hay, sin embargo, un vínculo. Nos referimos a la Inglaterra de la modernidad y los Cárpatos transilvanos, dos espacios muy distintos y, a la vez, unidos. Pero, ¿en qué se basa ese lazo? ¿Cómo lo vemos representado en el cine?

El castillo del conde en la película de Francis Ford Coppola

No me extenderé en explicar la historia del vampiro, por entender que es de sobra conocida y porque prefiero analizar el papel de los espacios (en este caso Inglaterra y los Cárpatos) en relación con nuestros más profundos instintos reprimidos, es decir, con aquello que empuja a Jonathan a las profundidades del castillo del conde. Esta idea subyace tanto en la novela como en las diferentes representaciones del vampiro en la gran pantalla, luego es fácil encontrarla porque forma parte de la esencia de la historia.

En Drácula de Bram Stoker (Francis Ford Coppola, 1992), Jonathan emprende un viaje en tren por las montañas rumanas. Vemos el cielo rojo, símbolo de sangre, y unos ojos que miran desde arriba. El personaje es así observado, no está libre, sino atrapado bajo la atenta mirada de alguien o algo. Esos ojos actúan de foco de atracción y, aunque él no los ve, interiormente los siente.

De esa manera, sabemos que hay algo que le ata a ese lugar al que se dirige. Los ojos actúan de lazo (así como, después, lo hará la foto de su amada Mina) y nos dicen que Jonathan no viaja a un lugar tan desconocido como pudiera parecer, sino, muy al contrario, viaje al origen de todos sus instintos reprimidos. Es por eso por lo que acaba en brazos de las súbditas de Drácula, tres vampiras tremendamente seductoras que lo atrapan sin que él pueda oponerse, símbolo de la represión sexual de la sociedad victoriana de la que Jonathan procede.

Vemos así la oposición entre esos dos mundos que comentaba al principio. Por un lado, el espacio de la modernidad, la ciudad, los avances científicos… y por otro, el mundo rural, de aspecto medieval, lleno de supersticiones y miedos. La luz, la energía, se opone a la oscuridad, las sombras, la naturaleza. Y la lógica de la razón, los médicos, los ilustrados, contrasta con la irracionalidad de los habitantes de Transilvania que se defienden con ajos y huyen aterrorizados antes de acercarse al temible castillo, lleno de leyendas.

En Nosferatu (F. W. Murnau, 1922), el protagonista llega a una taberna transilvana y cuando dice que viene al castillo de Drácula, todos enmudecen. Le entregan un libro donde habla de la leyenda de Nosferatu, el no-muerto, pero él no hace caso. Sin embargo, su camino hasta el castillo está lleno de intermitencias extrañas. El cochero tiene una cara familiar (después veremos que es el propio Drácula), todo parece estar al revés y hay una gran inquietud que pone nerviosos a los caballos. Para poner en escena este desvarío, la imagen se invierte como si fuera un negativo y se acelera cuando Jonathan (Hutter, en este film) sube con la diligencia al castillo.

Imagen invertida del bosque transilvano en Nosferatu

Por otro lado, está la representación del propio personaje del vampiro. En ambos films vemos un ser extravagante, lleno de desajustes. Recordamos esas sombras que no van con él, ese castillo lleno de arcos góticos, puertas macizas que se abren y cierran solas, un comedor a oscuras, un mobiliario anclado en el pasado… Es decir, alguien que no es de este mundo, pero que sigue en él: un no-muerto. Y la constatación de este descubrimiento hace que Jonathan se vuelva loco, porque de repente, algo que debía estar muerto, ha revivido, algo que tenía que parecer oculto, se ha manifestado.

En estos términos se expresaba Freud cuando quería explicar el concepto de lo siniestro. Drácula es una de esas historias que permiten al espectador gozar (o no) con el despertar de nuestro subconsciente. El viaje de Jonathan a los Cárpatos desde Inglaterra es el viaje hacia el pasado, la sin razón, puesto que la cultura y la modernidad de la que goza en Inglaterra suponen lo contrario a los instintos más primarios del hombre, esos que la sociedad ha ido arrinconando a medida que ha crecido el dominio de la razón. Y es la tierra de Transilvania, de origen medieval, el marco ideal para representar esos instintos primigenios que residen en cada uno de nosotros.

En el castillo de Drácula con el mapa de Londres al fondo: fusión de los dos espacios

Pero no hay que preocuparse, dejémonos llevar por lo siniestro a través del cine, ya que precisamente el cine, con sus luces y sombras, es una máquina moderna capaz de trasladarnos al pasado, a la fantasía, a la imaginación… y atraparnos igual que nos atrapa Drácula con su mirada hipnotizadora. Ya entiende Coppola este vínculo en su film, cuando muestra la fascinación de la sociedad inglesa por la llegada del cine.

Os dejo uno de los momentos míticos de Drácula, de Bram Stoker, mi escena preferida. Observad el diálogo. Mina le dice al vampiro: “yo te conozco”, es decir, expresa ese vínculo inconsciente puesto que siente que hay algo desconocido que le une a él. Y Drácula le responde: “he cruzado océanos de tiempo para encontrarte”, es decir, viene del pasado pero representa un monstruo (la bestia) que siempre ha estado dentro de ella. El amor nunca muere, rezaba la película de Coppola, ya que si es tan profundo y sangriento siempre permanecerá en nosotros, aunque no seamos conscientes…

Si queréis ver esta escena en versión original con subtítulos, os dejo el link. Gary Oldman está fantástico haciendo de Drácula, su voz y su acento son inigualables, muy trabajados. Gran interpretación.

http://www.youtube.com/watch?v=Tg_GW3HmKVY

El dictador (The dictator, Larry Charles) Estreno: 13/07/2012

2012-07-15T14:23:00.001+02:00

La última aparición delirante de Sacha Baron Cohen la encontramos en un film que no esconde ninguna de sus intenciones: hacer reír con una parodia cargada de mala uva y chistes gruesos. La cuestión es si lo consigue y la respuesta es sí. Eso significa que alguien que espere otra cosa será mejor que no vaya a verla, pero quien quiera arriesgarse tiene asegurado momentos francamente divertidos y encendidas lanzas de humor crítico y desafiante. Ya solo la dedicatoria del film a la memoria de Kim Jong-il es un aviso claro de su ácida propuesta.

Se acaban los tabúes para el cómico que arremete con todo. Desde el arranque del film tenemos asegurados ataques continuos a la política represiva y dominadora de dictadores al estilo de Ahmadineyad, pero también al sistema democrático occidental, que deja ver su hipocresía y su falta de ética. "Todo el que no es americano lo consideramos un árabe", le dicen al llegar a E.E.U.U, en referencia a la falta de tolerancia de países supuestamente libres. Sin cortarse un pelo (salvo la barba, tortura determinante para que el dictador deje de ser él mismo), la película de Baron Cohen entra en temas tan delicados como las torturas, las violaciones, el abuso de poder, la discriminación racial y sexual... todo desde la absoluta franqueza y sin pelos en la lengua.

Gracias a estos gags el espectador está obligado a estar atento a cada chiste y, por supuesto, estar al día en política mundial básica. No es una exigencia demasiado elevada y ni siquiera necesaria para seguir el film, pero enriquece mucho más el contenido y anima a las mentes más reflexivas. A nivel cinematográfico, el director (Larry Charles) se queda cojo, aunque yo destacaría el efecto de cámara al hombro de los momentos en que el dictador Aladeen se encuentra perdido y con otra identidad en Nueva York, clave para entender su perpetua falta de compresión respecto al nuevo mundo en que está viviendo y en el que no termina de encajar.

Sin embargo, toda esa carga aparentemente crítica se difumina al final, cuando uno sale del cine sin llevarse ni un solo pensamiento que haya dejado huella. Me explico. La película funciona como puesta en escena del humor, como parodia corrosiva, con momentos absolutamente irracionales y para reírse a gusto, como la del parto, la del lanzamiento desde la tirolina o la del vuelo en helicóptero, donde una conversación con acento árabe desespera a una tierna pareja de ancianos americanos. Pero tanto broche gordo y tanta zafiedad y salvajadas en algunos momentos, reduce su carga crítica y se queda en eso, en chiste, sin llegar a ahondar en la mente del espectador ni hacerle más participativo. Digamos que es como ver un gag de algún programa humorístico de televisión donde se imita a los políticos y se hace burla de sus desmanes, sin más intención que reír. O como ver Torrente, el brazo tonto de la ley desde el punto de vista norteamericano.

Aún así, considero que hacer reír ya es un mérito, y más si se hace con temas tan arduos como los que araña Sacha Baron Cohen en esta irreverente comedia que pone sobre la mesa los numerosos sinsentidos de este mundo. Me quedo con el discurso final, obvio, pero lleno de sensatez respecto a nuestra democracia (sobre todo ahora que valdría la pena reflexionar sobre su necesaria modificación y evolución) y con la escena del parto, donde las manos de un dictador y de una joven que representa la democracia auténtica y verdaderamente libre (aunque con sus imperfecciones) se unen dentro de la vagina de una mujer. Tronchante y, a la vez, esperanzadora.

El tercer hombre: Viena y su amenaza sombría (The third man, Carol Reed, 1949)

2012-06-21T12:13:00.000+02:00

Orson Welles aterrizó en Inglaterra para protagonizar una película que, sin él suponerlo, le traería una gran popularidad por su interpretación del inhumano traficante de penicilina adulterada en El tercer hombre. Harry Lime (el personaje en cuestión) es uno de esos malvados del cine que se recuerdan siempre y cuya aparición, ya bien avanzada la película, constituye una de las escenas más famosas de la historia del cine.

El tercer hombre es una película llena de momentos memorables. Aparte de la aparición de Harry Lime, destacan también el encuentro en la famosa noria vienesa, y la persecución final por las alcantarillas, todo un prodigio de montaje y fotografía. De hecho, la película recibió el Óscar a la mejor fotografía (Robert Broker) y, entre otros galardones, el Gran Premio al director, Carol Reed, en el festival de Cannes. Estamos pues ante una película que ha sido inspiración para otras del género, como podría ser Sospechosos habituales (Brian Singer, 1995) donde otro malo malísimo, Keyser Sozé, es una presencia desconocida pero presente, al estilo de Harry Lime.

Pero, en vez de analizar los juegos de luces y sombras tan famosos y que tanta influencia han ejercido en el cine de intriga posterior, prefiero comentar la presencia de la ciudad de Viena como espacio salvaje e inhóspito que esconde un gran secreto.

Recordemos que su protagonista, Holly Martins (Joseph Cotten) un escritor de novelas baratas, llega a Viena para ver a su amigo de la infancia Harry Lime (Orson Welles). La ciudad se encuentra en plena posguerra y está dividida por los aliados, lo que ya desde el inicio se nos presenta como un espacio desigual, donde los trapicheos y los delincuentes se encuentran muy a gusto y donde no es fácil vivir sino formas parte de ese juego.

La cuestión es que Holly no se encuentra en su espacio. Todo el mundo le insiste en que se vaya, pero él necesita saber qué ha pasado con su amigo. Se resiste a marcharse y la ciudad aparece cada vez más cerrada, más oscura, más peligrosa… A medida que la sombra de ese desconocido “tercer hombre” va creciendo en su imaginación (Holly necesita saber quién es), la ciudad de Viena también se vuelve más sospechosa y amenazadora.

Para poner en escena esa sensación perpetua de engaño al que está sometido el personaje, el director opta por utilizar planos inclinados, desestabilizadores, y enfoca las calles nocturnas de Viena con mayor profundidad, donde resaltan los muros largos y oscuros, los pasillos húmedos y una luz de origen desconocido que ilumina débilmente el final del camino. Es una forma de decirnos que el personaje se está acercando a su respuesta, pero no lo tendrá fácil porque está constantemente perseguido, atrapado, vigilado…

Hay varios momentos donde vemos esta representación. Para mí, destacan las miradas de gente desconocida que se alternan en los planos para realzar el carácter de “extraño” que reside en el personaje de Holly. Ya hemos dicho que nadie quiere verlo en Viena, pero él no hace caso y la ciudad y sus habitantes le acabarán dando la espalda (veáse la secuencia final). La misma función tienen los silencios de personajes que lo rodean, como el portero de la finca, los amigos de Harry, la propia Ana…

También vemos a lo largo del film el uso del alemán (una lengua desconocida para el protagonista) como marca inequívoca de su exclusión. En numerosas ocasiones Holly no entiende nada y se siente perdido, especialmente cuando la insistencia de los vieneses le pone en un apuro, como en la escena del niño delator.

Como vemos, la búsqueda de Holly por los entresijos de Viena y de los secretos de su amigo Harry se realiza en un mundo ajeno a él, pero lleno de vida. Edificios derruidos, escaleras interminables, alcantarillas sin fin… Viena vibra por fuera y por dentro y parece “comerse” a Holly. Cómo no recordar esa noria que se alza a su espalda, amenazante y provocadora, representación de ese juego que comentábamos antes. La feria, la broma, suponen unas reglas que Holly no comparte, lo que le lleva a traicionar a su amigo a pesar de su larga amistad.

Ese tiovivo de personajes y situaciones queda aún más resaltado con la banda sonora, la conocidísima composición de Anton Karas, músico austríaco que el propio director encontró tocando en un café de Viena y al que le ofreció realizar la banda sonora. Un gran acierto ya que Karas, con una sola cítara, nos evoca la Viena alegre, la Viena dorada, pero convertida en una máscara de carnaval tras la que se esconde el más oscuro de los secretos.

The Harry Lime Theme

http://www.goear.com/listen/bdca5e8/21-the-harry-lime-theme-bso-el-tercer-hombre-anton-karas

The Artist: el poder hipnótico de la imagen (Michel Hazanavicius, 2011)

2012-06-12T09:50:00.000+02:00

Quien haya visto la última película ganadora del Óscar al mejor film, recordará el silencio apabullante que había en la sala de proyección. No es que no suela haber silencio, sino que éste se manifestaba real mientras veíamos a los personajes reír, llorar, bailar, discutir… pero sin hablar.

Y es que si algo sorprende no es que sea una película muda y en blanco y negro, como la prensa se ha cansado de repetir para hartazgo nuestro, sino su capacidad para emocionar a través de la imagen y la música sin utilizar una sola palabra. La iniciativa de recuperar la forma de hacer cine de los primeros treinta años de esta industria le sale redonda a su director, puesto que no sólo nos recuerda cómo fue aquel momento histórico, con numerosos homenajes al mundo del cine, sino que nos transporta hasta allí para hacernos sentir lo mismo que entonces.

El cine de hoy no sería igual si no hubiera aprendido a expresarse sin hablar. El hecho de que no hubiera capacidad técnica para hacer las películas sonoras en aquellos primeros tiempos obligó a sus responsables a desarrollar el lenguaje fílmico, es decir, tuvieron que aprender a expresarse a través de las imágenes.

Gracias a esto, llega 115 años después una película como The Artist, y la entendemos sin necesidad de palabras. Y es que el cine tiene su poder en la imagen y en lo que es capaz de expresar con ellas, a lo que hoy sumamos lo diálogos y las bandas sonoras. Todo un compendio que bien manejado y elaborado da grandes frutos.

Vayamos al film. El problema que tiene George es que es un egocéntrico actor de cine mudo que no ha querido adaptarse al cine sonoro. Su negativa a hablar lo ha arrastrado al fracaso y al olvido del un público, ávido de oír hablar a las nuevas estrellas.

Su único amigo es un fiel perrito que tampoco necesita palabras para explicarse, el cual se convierte así en símbolo de ese cine mudo que no hablaba, simplemente, porque no podía.

Sin embargo, George sí sabe hablar pero no quiere o no se ve capaz, como le ocurre en la escena del sueño, donde el sonido le rodea pero él no participa. George se aferra al pasado, a su perro, a sus películas, a todo aquello que le recuerda lo que fue, pero eso no le lleva más que al sufrimiento y le acerca cada vez más a la muerte. Mientras siga ligado a esos símbolos, no conseguirá nunca evolucionar y ser feliz.

Por esa razón, le vemos muchas veces solo, bebiendo, mirándose en espejos o en cristales de los cuales sólo queda su reflejo, la sombra de lo que fue. Aunque su propia sombra también lo abandona, como vemos en una escena en la que su silueta se recorta en la pantalla de proyección y sabemos entonces que ya no le queda nada. Ni la imagen de sí mismo.

Por otro lado, está Peppy, la joven actriz que alcanza el estrellato en el nuevo cine sonoro. Ella representa precisamente eso, la novedad, el cambio, la evolución… y lo que ella desea es que George participe de estos cambios también y que no caiga en el olvido. Quiere ayudarlo y recuperarlo, por lo que se convierte en metáfora del desarrollo histórico de un cine que se ha ido alimentando de sus progresos.

Punto culminante de la tragedia que vive George la vemos en el último tramo del film, donde la intensidad de la secuencia (la carrera de Peppy y la angustia de George) nos deja helados. Es el momento al que me refería al principio, aquel en el que el público no respira, la música cesa y caen las lágrimas. Todo está en silencio y sin embargo, la expresividad de las imágenes es absoluta.

Tanto drama atrapa al espectador que no entiende por qué George no da el paso decisivo y deja su orgullo a un lado. Queremos que hable, pero ese placer no nos lo dará el director hasta que el propio personaje no tome esa decisión. Vamos con él como ha ido su perro. Pero obsérvese la última escena del baile, donde, por fin, el perrito no acompaña a George… Por fin, el pasado ha quedado a un lado para recibir al futuro.

Goce absoluto del espectador, The Artist ofrece lo que hace mucho tiempo no ofrecía el cine: disfrutar en la sala de proyección con la experiencia de verlo allí, de compartirlo con los demás. No sé si aún tendréis la oportunidad de hacerlo, pero si es así, no os lo perdáis: es el acontecimiento cinematográfico más importante (e hipnótico) de los últimos tiempos.

Aquí está mi escena favorita, donde podréis escuchar uno de los temas de su espectacular banda sonora, (Waltz for Peppy). También añado un enlace a otro de estos temas, ya muy popular (George Valentin). Para que lo sigáis disfrutando.

Tema George Valentin (Ludovic Bource)

http://www.goear.com/listen/fab1421/bso-the-artist-2011-ii-george-valentin-ludovic-bource

Blancanieves y la leyenda del cazador (Snow White and the huntsman, Rupert Sanders, 2012) Estreno: 01/06/12

2012-06-06T10:46:00.000+02:00

Si algo hemos de reconocerle a la promoción de esta película es la de no defraudar respecto a las expectativas. Porque tanto el cartel anunciador como los trailers dicen mucho de esta nueva versión del cuento de los hermanos Grimm con un toque de tenebrismo y lucha campal.

Los puntos simbólicos del cuento persisten, es decir, la añoranza por la juventud perdida, la belleza que reside (cómo no) en la blancura de la piel (sin arrugas) de las adolescentes (vírgenes) y la necesidad del beso (o algo más) para romper ese hechizo (y hacerse mujer).

Sin embargo, la nueva Blancanieves toma a un personaje circunstancial en la historia original (el cazador) para darle protagonismo y empuje a la historia. El cuento sigue siendo el mismo, pero la relación entre el cazador (Chris Hemsworth) y la blanca princesa (Kristen Stewart) alcanza relevancia y determina el devenir de los acontecimientos. Por lo demás, el argumento es de sobra conocido y no faltará la madrastra con poderes mágicos que quiere seguir siendo bella y los siete enanitos, esta vez con menos gracia.

La película cumple su cometido de entretener y ofrecer escenas de acción y batalla, con demasiada influencia de otras películas similares, hasta el punto de querer parecerse demasiado a ellas (véase El señor de los anillos, Gladiador y más). Empieza con cierto dominio de la puesta en escena, para ir perdiendo personalidad a medida que avanza el metraje. Tanto interés en darle solemnidad al personaje de Blancanieves (el más insulso de todos) provoca una pérdida del ritmo y también del humor, que es más bien escaso.

Por otro lado, hay un abuso de la lucha y la muerte, con numerosas escenas de batallas y de pelea cuerpo a cuerpo. Blancanieves es guerrera, pelea, se enfrenta al mal y vence. Esa fuerza requiere que renuncie a otras cosas y no veremos mucho romanticismo en el film. La novedad respecto al cuento tradicional es dotar al personaje femenino de más independencia respecto al hombre, lo cual implica necesariamente la pérdida de la visión romántica del relato.

Solvente en el papel de cazador, Chris Hemsworth le da la fuerza que necesita este film, así como Charlize Theron, en su papel de bruja, a la que jamás habíamos visto hacer tan bien de mala siendo tan hermosa. Por otra parte, su personaje es muy creíble, puesto que también tiene una debilidad: su miedo a hacerse vieja… Charlize Theron cumple y, a pesar de ser tan malévola, le dota a la bruja de franqueza y vulnerabilidad.

Técnicamente muy elaborada y visualmente sorprendente, con un montaje y una banda sonora adecuados y precisos, el film se deja ver gracias a su dosis de aventura y fantasía. Un producto del estilo made in Hollywood pero con demasiada hambre de pelea y poca marca propia, al que le falta algo de diversión (los enanos no nos hacen reír demasiado) y pasión, ya que Kristen Stewart no cambia el gesto y parece que siga persiguiendo a Edward Cullen en Crepúsculo, pero con la armadura de Juana de Arco.

Me quedo con el cazador: un personaje recuperado, que lleva un hacha, no es ningún príncipe y es el que le enseña a Blancanieves a luchar. En el bosque oscuro, el cazador le dice a ella: “Su fortaleza (la del mal) es tu debilidad”. Y es que él es su contacto con el mundo real, el del lodo y la supervivencia diaria, el del valor y la fuerza, algo que necesita la princesa para dejar de ser tan enclenque y menos “blanca”. Bueno, al menos formalmente, algo ha cambiado en el cuento, cosa que, tal vez, sea de agradecer.

Historias de Filadelfia: de diosa a mujer. Aspectos clave de la comedia romántica (The Philadelphia Story, George Cukor, 1940)

2012-05-29T11:33:00.001+02:00

Este jueves 31 de mayo, Televisión Española emite en su ciclo de clásicos Historias de Filadelfia, película mítica en el género de las comedias románticas que merece la pena revisar de vez en cuando.

Su importancia, a mi juicio, radica en ser un film elegante, sofisticado y representativo del star-system de la época, con unos actores deslumbrantes y con decorados, música y fotografía de estudio. Un film agradable de ver, de disfrutar y de embelesar al espectador a cada momento, y con unos diálogos con chispa, mordaces y sin respiro que te mantiene atento a cada secuencia.

Por otro lado, quisiera destacar los aspectos más característicos de comedia romántica que podemos entrever en el film, teniendo en cuenta que el género en sí mismo estaba viviendo su mejor momento. Como podréis observar, muchos de esos aspectos son comunes a las películas de pareja que tanto conocemos, de hoy y de siempre, por lo que vale la pena reconocerle a Historias de Filadelfia y a su director, George Cukor, su aportación al género.

La película se desarrolla a lo largo de 24 horas, una jornada en la que se celebrará la boda de la rica Tracy Lord (Katherine Hepburn) con un hombre igualmente rico pero aburrido y simplón. Al evento, acude un periodista (James Stewart) que descubre que el futuro marido de Tracy no es el adecuado. Asimismo, el ex-marido de Tracy, Dexter (Cary Grant) también intenta recuperarla, lo que desemboca en un lío amoroso a cuatro bandas.

Comentaré algunos de los rasgos de comedia romántica más destacados del film. Para empezar, el personaje femenino es el que tira del hilo argumental. Se quiere casar con otro hombre radicalmente diferente a Dexter como venganza hacia él. Lo que le sucede a Tracy es que necesita conocerse mejor, dejar de ser una mujer intocable e idealizada por todos los hombres (es hermosa, rica, elegante…) para convertirse en alguien de carne y hueso. Este aspecto es constante en la comedia romántica: la mujer que está inmersa en un proceso de transformación, puesto que es el único camino para volver con su pareja, en este caso, con Dexter. De ahí que siempre haya una separación previa, es decir, un alejamiento o un tercero en discordia, que actúe como contrapunto.

Por otro lado, en Historias de Filadelfia, además, existe un cuarto personaje: el periodista. Él encarna una profesión liberal, independiente, aventurera y cercana a la calle. Es natural que acabe siendo un foco de atracción para Tracy que ve en él sus propios anhelos de cambio. No por casualidad se emborracha con él y acaban los dos detrás de un arbusto… Cuando vuelven, algo le ha pasado a Tracy, no sabemos exactamente qué, pero intuimos que es básico en su transformación. Este es uno de los momentos más importantes de la película: aquel en el que Tracy aparece en los brazos del periodista, cuando ya ha sucumbido a la naturalidad y podemos decir que se ha vuelto humana.

Habitualmente, en el género de la comedia romántica de aquella época, vemos constantes ataques a los convencionalismos. En esta película es patente esta denuncia, puesto que son las normas sociales lo que atan a Tracy a su estatus y la alejan de lo cotidiano. Ella necesita desembarazarse de esas ataduras, y qué mejor que hacerlo encaminada por un periodista que pertenece a otra clase social. Esa libertad es la que ella necesita para conocerse a sí misma y madurar.

Para abordar con ironía este ataque, los diálogos son los mejores aliados de este film. Es a través del lenguaje como los personajes se alejan o se separan. Cuando Tracy haya “resucitado” convertida en una mujer nueva, habrán pasado muchas cosas, entre ellas numerosas conversaciones ingeniosas que habrán guiado al personaje hacia su decisión final.

Es importante también fijarse en los espacios y en la clase social de los personajes. Los convencionalismos residen sobre todo en la clase burguesa, acomodada. Tracy vive en un estado continuo de satisfacción material, sin embargo, no es feliz. Suele ocurrir que en estas comedias, el dinero no es lo importante (porque lo tienen, les sobra), algo necesario si queremos poner el foco en el amor y denunciar restricciones sociales. Ellos solo han de preocuparse por ser felices y, de paso, hacernos felices a nosotros.

Podríamos decir mucho más de este film, de la comedia romántica o de los actores, tan brillantes y tan acertados. Katherine Hepburn y Cary Grant, encarnaron durante un tiempo esa pareja ideal de las comedias del género y representan simbólicamente los personajes tipo que los caracterizan. Dejaremos estos aspectos y otros para más entradas. De momento, disfrutemos de nuevo de esta película y revivamos la comedia romántica norteamericana de los años treinta y cuarenta, aquella que supone la base de un género que, en épocas de Depresión (hoy en día, de crisis, de ahí su revitalización actual) nos regalan una sonrisa a los espectadores.

Intocable (Intouchables, Olivier Nakache, 2011) En lo alto de la taquilla.

2012-05-24T10:48:00.001+02:00

La semana pasada, el portal de cine www.lahiguera.net, publicó los resultados de taquilla del primer cuatrimestre del 2012. La película más taquillera en este tramo de año ha sido la francesa Intocable, que ha superado a grandes producciones norteamericanas como Sherlock Holmes: juego de sombras o La invención de Hugo.

Tras más de diez semanas en cartel (se estrenó el 9 de marzo en España), el film francés continúa en pie y no deja de recaudar dinero en taquilla, por lo que es probable que estemos ante una película que acabará siendo una de las más vistas de todo este año. Seguiremos su devenir.

Poco más podríamos decir que no se haya comentado, pero el dato era lo bastante goloso para destacarlo. ¿Qué tiene Intocable para que haya arrastrado a tantos espectadores a verla? Lo primero de todo, el boca a boca. A priori, todo nos indica que nos encontramos ante una comedia ligera con un toque melodramático, al presentar unos personajes de altos contrastes (un inmigrante negro y en paro en París y un aristócrata tetrapléjico con una cuenta corriente llena de dinero) aderezado con unos cuantos tópicos y bromas ya conocidas.

Sin embargo, el resultado es más bien otro y, si bien no deja de utilizar los mismos recursos que cualquier comedia del género, no se abusa de ellos y no tienes la sensación de que todo sea una tomadura de pelo.

Destacable es, pues, su capacidad para entretener y divertir, basándose, como ya hemos comentado, en momentos cómicos ya conocidos (la ópera, la escena del baile), de películas populares donde siempre hay un personaje que no se encuentra en el lugar social que le corresponde (recordaremos a Pretty Woman, El Príncipe de Zamundia y similares).

Por otro lado, el contraste melodramático no lo encontraremos en el aspecto de la dura situación que sufre Philippe por el hecho de estar incapacitado de por vida, sino en la necesidad que tiene de no sentirse solo. Esto deviene el principal argumento de la película, al basar la relación de ambos personajes en su capacidad para buscar la felicidad y evitar la soledad. Ambos son intocables por su carácter, indomables en sus comportamientos, pero ambos desean encontrar su lugar en el mundo a través de la amistad y el amor.

Como vemos, tanto el argumento como los personajes son más bien cercanos, lo cual no deja de ser un aliciente para el público que en seguida se siente reconocido.

Si aún no han ido a verla, es una buena elección. Cine convencional pero con un toque atrevido y en cierto modo valiente ya que, sin caer en el abuso de los tópicos (aunque los use), nos divierte y nos trae buenos sentimientos y valores humanos sin sacarnos los colores. Para pasar un buen rato.