Stories

"Licorice Pizza" di Paul Thomas Anderson

noreply@blogger.com (Stories.) — Sat, 23 Apr 2022 10:52:00 +0000

Titolo: Licorice Pizza

Un film di Paul Thomas Anderson con Alana Haim, Cooper Hoffman, Sean Penn, Tom Waits, Bradley Cooper, Benny Safdie, Maya Rudolph, Skyler Gisondo, John C. Reilly

Genere: commedia, drammatico, sentimentale

Durata: 133 min

Anno: 2021

Voto: 5/5

⭐⭐⭐⭐⭐

San Fernando Valley, 1973. Disarmata da dimostrazioni di inaspettata sicurezza e maturità da parte di un adolescente, l'annoiata assistente fotografa venticinquenne Alana Kane (Alana Haim) accetta - non senza riluttanza - di uscire a bere qualcosa con il divertito e divertente attore quindicenne Gary Valentine (Cooper Hoffman), suo insistente corteggiatore. Tra improbabili slanci imprenditoriali e bisticci per imprevisti e incomprensioni reciproche, l'insolita coppia si avventura per le strade pulsanti dell'immaginario californiano degli anni Settanta sempre in corsa contro il tempo, cercando di trovare il proprio percorso e scopo in un mondo sopra le righe. Ma sullo sfondo di eccentrici episodi di vita quotidiana, possono Gary e Alana rimanere davvero solo amici?

Il panorama cinematografico nelle ultime due decadi difficilmente ha trovato una figura creativa apprezzata unanimemente e, talvolta, inesorabilmente, un nome in grado anche di trovare un punto di incontro tra critica e pubblico cinefilo. Spesso, infatti, molte discussioni si sono concentrate su nomi divisivi o polarizzanti. In una scena così confusa quindi Paul Thomas Anderson è diventato l'eccezione che conferma la regola, forse unico saldo punto di riferimento come regista che a ogni nuovo lavoro ha saputo alimentare trepidanti attese prima e poi raccogliere consensi e calorose accoglienze sia ai festival più acclamati che in sala. Abile esploratore di generi e temi dal 1996, PTA non si è mai sottratto a sfide sul grande schermo costruendo, probabilmente anche grazie a questo suo spirito dinamico, un legame fortissimo con i suoi cultori. Con il suo ultimo film, Licorice Pizza, il regista statunitense si tuffa ancora una volta in un genere per lui quasi inedito, la rom-com adolescenziale, portando a compimento quello che è probabilmente il suo progetto più personale e spensierato. Sarà forse per questo che è finalmente riuscito a fare breccia nel cuore di chi vi scrive, da sempre piuttosto impassibile nei confronti di questo autore?

Non è mai bastata, infatti, l'ottima prova di Amy Adams in The Master e nemmeno quella della sempre più convincente Vicky Krieps in Phantom Thread per conquistare la sottoscritta, sempre in bilico tra ammirazione per messa in scena inattaccabile e repulsione per personaggi maschili e umanità poco appassionanti che popolano la filmografia di Anderson. Si è tratto indubbiamente anche di una questione di gusti non convergenti che per lungo tempo hanno tenuto lontano dai personali riflettori questa personalità creativa che, tuttavia, con questo nuovo esperimento narrativo ha saputo stimolare genuina curiosità. Complici le chiare ispirazioni e/o influenze degli amatissimi American Graffiti e Tutti vogliono qualcosa, sono bastate poche scene per riuscire a creare un'atmosfera avvolgente e coinvolgente al fianco dei due protagonisti. Le lettere d'amore nostalgiche a una Los Angeles d'altri tempi non sono senza dubbio una novità nel mondo del cinema ma quella firmata PTA, animata da rielaborazione di suoi ricordi d'altri tempi - è pur sempre un classe 1970 -, ribolle di frizzante e irrefrenabile piacere del racconto. In una San Fernando Valley costruita su suggestioni cinematografiche e televisive, i due protagonisti, infatti, si rincorrono tra episodi memorabili che affiorano sullo schermo come vividi ricordi di un epoca caotica, sospesa e forse bramata, grazie a una sceneggiatura a prova di bomba scandita da una colonna sonora trascinante e mai banale nella sua scelta di brani. Licorice Pizza, tuttavia, rende questo insieme più attuale che mai, sfruttando anche un intreccio che coinvolge effigi di una Hollywood che, anche se a fatica, sta forse scomparendo nella sua autocelebrazione sfrenata ed esasperata. Sono quindi memorabili, in questo senso, le apparizioni quasi eteree di Sean Penn e, soprattutto, di un Bradley Cooper in stato di grazia, forse al suo meglio nei panni dell'eccentrico Jon Peters.

Ribaltando in parte le condizioni del suo precedente film, Anderson pone al centro della scena un rapporto lontano delle convenzioni tra un adolescente forse fin troppo maturo per la sua età e un'adulta che fatica a trovare una vera vocazione, sempre se davvero questa deve essere trovata nella vita. La scelta di due interpreti esordienti anche se tutt'altro che sconosciuti - Cooper Hoffman è il figlio del compianto Philip Seymour, attore feticcio di PTA mentre Alana Haim è un volto della band Haim per cui il regista ha girato alcuni videoclip - gioca pericolosamente con la sovrapposizione tra attore e personaggio arricchendo, grazie a prove attoriali complete, i due ritratti di sfumature autentiche. Entrambi a briglie sciolte, i protagonisti riescono gradualmente a definire quelle sensazioni sfuggente di un momento sospeso tra adolescenza ed età adulta attraverso un legame fatto di incomprensioni e complessità quanto di tenera goffaggine e ingenua incoscienza.

Tra note travolgenti e fughe surreali nella notte a bordo di un camion senza freni, questa pellicola si presenta come una delle migliori sfumature del cinema dell'ultimo periodo, tra emozioni e riflessioni non banali che trovano contatto anche con l'attualità. Imperdibile!

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"West Side Story" di Steven Spielberg

noreply@blogger.com (Stories.) — Sun, 03 Apr 2022 06:00:00 +0000

Titolo: West Side Story

Un film di Steven Spielberg con Rachel Zegler, Ansel Elgort, Ariana DeBose, David Alvarez, Mike Faist, Corey Stoll, Brian D'Arcy James, Rita Moreno

Genere: musical, drammatico, sentimentale

Durata: 156 min

Anno: 2021

Voto: 4,5/5

⭐⭐⭐⭐💫

Manhattan, Upper West Side, 1957. Sullo sfondo delle decadenti case popolari del quartiere di San Juan Hill e la costante minaccia della palla demolitrice, due bande in guerra - i duri Jets di Riff (Mike Faist) e gli spavaldi Sharks portoricani di Bernardo (David Alvarez) - lottano per la supremazia. Dopo tanto tempo, con un combattimento una volta per tutte - chi vince prende il controllo del quartiere - un'inaspettata storia d'amore al ballo del liceo tra l'ex attaccabrighe dei Jet, Tony (Ansel Elgort), e la sorellina di Bernardo, Maria (Rachel Zegler), prepara il terreno per una guerra di territorio senza esclusione di colpi. Ma cos'è una gang senza il suo territorio? E soprattutto, quando il futuro è incerto, cos'è la speranza senza l'amore?

Il musical sembra rivivere un momento d'oro a Hollywood. Dopo la falsa (ri)partenza annunciata in pompa magna con il caso - poi rivelatosi isolato - di La La Land, il genere sembra aver ritrovato una sua forma ideale che si nutre di tradizione in celluloide e sogni di rinascita al cinema e con il cinema. Non sorprende che questo nuovo (atteso) capitolo sia guidato da un vero maestro della magia della settima arte nel suo senso più ampio, accogliente e spesso popolare: Steven Spielberg. West Side Story era, sulla carta, un progetto fuori tempo massimo, un capriccio di un regista che, con una virata per molti megalomane, rielaborava un grande classico come quello del 1961 entrato nella storia con ben 10 Oscar conquistati su 11 candidature. Un'impresa quasi impossibile che nella sua realizzazione, però, ha dimostrato tutta la sua necessità e bellezza.

Dinamismo, movimento e pura celebrazione del cinema come arte completa: sin dalle prime sequenze di apertura è chiara questa dichiarazione di intenti a opera del regista di Cincinnati che porta con sé il pubblico nel cuore della storia al fianco di Maria e Tony. Il materiale originale trova una nuova forma, quella puramente cinematografica in grado di sfruttare spazi e profondità proprio al contrario di quanto accaduto con l'adattamento di Robert Wise che rimaneva profondamente ancorato alla dimensione teatrale del musical. Rimanendo fedele alle sue ispirazioni, inoltre, questa nuova versione riflette con autenticità sulle trasformazioni urbane che hanno plasmato generazioni e intere comunità. Forse, la vera parola chiave di questa reinterpretazione della storia è, infatti, comunità, in contrasto con quello che la narrazione di ispirazione shakespeariana potrebbe forse suggerire.

Riflettendo con consapevolezza proprio sul concetto di comunità, la sceneggiatura firmata Tony Kushner trova proprio il perfetto equilibrio tra scoppiettanti singolarità e avvolgenti identità collettive. Alle sue precedenti sceneggiature di spielberghiana fattura con vocazione storica, Kushner aggiunge infatti questa approfondendo il contesto delle minoranze e affidando al background di personaggi come Maria, Bernardo e soprattutto Anita il compito di ritrovare una maggiore genuinità dell'intera comunità latino-americana, con tutte le sue esigenze, i suoi desideri e i suoi contrasti. Un'ispirata rilettura di un classico con queste premesse, tuttavia, non sarebbe stata così efficace senza un cast composto quasi esclusivamente da nuove e giovani voci. Su tutte, però, svetta l'incredibile Ariana DeBose che, dopo i successi a Broadway, arriva sul grande schermo con un personaggio viscerale e travolgente, un'Anita che non teme il confronto con quella di Rita Moreno - qui presente in un ruolo che è un emozionante omaggio all'esperienza e all'eredità del 1961.

Pur parlando spesso dell'inevitabile confronto con il precedente adattamento, West Side Story di Spielberg esiste e affascina come titolo indipendente, come storia fresca e avvolgente. Questa è la perfetta testimonianza di cosa sia il cinema, quale sia il suo obiettivo e quanto questo sia più necessario che mai.

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"La fiera delle illusioni - Nightmare Alley" di Guillermo del Toro

noreply@blogger.com (Stories.) — Mon, 07 Mar 2022 07:30:00 +0000

Titolo: Nightmare Alley

Titolo italiano: La fiera delle illusioni

Un film di Guillermo del Toro con Bradley Cooper, Cate Blanchett, Toni Collette, Willem Dafoe, Richard Jenkins, Rooney Mara, Ron Perlman, David Strathairn

Genere: noir, drammatico, thriller

Durata: 150 min

Anno: 2021

Voto: 4/5

⭐ ⭐ ⭐ ⭐

All'alba del secondo conflitto mondiale, nella provincia americana un uomo dal passato misterioso si unisce a un'eccentrica compagnia di circo itinerante. Tra spettacoli freak, numeri di prestigiatori e vaticini di chiaroveggenti, Stan (Bradley Cooper) imparerà nuovi trucchi per ricostruire una nuova identità, anche con l'amore travolgente per Molly (Rooney Mara). Il desiderio di ottenere sempre di più, di dimostrare di saper ingannare anche nei modi più arditi lo spingerà al centro di un intreccio di truffe e circonvenzioni ai danni di un potente uomo d'affari di Buffalo. La collaborazione di una seducente e astuta psicologa (Cate Blanchett) riuscirà a portare al successo i piani di Stan?

Sono pochi i registi che possono dire di aver conquistato delle statuette degli Academy Awards sia per il miglior film che per la migliore regia. Guillermo del Toro è entrato in questo prestigioso circolo di nomi dopo il trionfo agli Oscar del 2017 con The Shape of Water. Dopo una simile affermazione con accoglienze concordi di pubblico e critica, gli appassionati di tutto il mondo erano incredibilmente curiosi di scoprire quale sarebbe stato il nuovo progetto del regista messicano. Un remake di un noir a tratti dimenticato in mezzo ai titoli più acclamati (e rivisitati) di quel genere non sembrava, tuttavia, essere nella lista dei prossimi lavori immaginabili. La fiera delle illusioni - Nightmare Alley nasce infatti come adattamento cinematografico dell'omonimo romanzo di William Lindsay Gresham del 1946, già visto sul grande schermo nel 1947 con la prima versione cinematografica omonima.

L'ultimo progetto di Del Toro muove i suoi primi passi a partire da questa ispirazione che sembra trovare dei punti di contatto con il suo cinema soprattutto nelle atmosfere circensi dark della prima parte della narrazione. In questo gioco di ambiguità morali tipico del noir, il regista trova terreno fertile per dare forma ai suoi amati mostri, una sfilata di umanità eccentrica e imperfetta. Nella sceneggiatura a quattro mani confezionata con Kim Morgan, Del Toro compone una parabola circolare in cui tutti questi personaggi giocano con pilastri del noir, rielaborandoli in chiave moderna pur senza snaturarli. Miserazione, rassegnazione e delusione: non c'è spazio per la redenzione, tutto rientra in un ordine prestabilito in cui, tuttavia, soprattutto i personaggi femminili, riescono a muoversi su più livelli al di fuori di rigidi stereotipi che hanno reso grande il genere.

La contrapposizione tra i personaggi di Rooney Mara e Cate Blanchett poteva ridursi alla semplice oggettificazione delle figure della ragazza ingenua e della femme fatale. Questo non accade grazie a due personaggi splendidamente interpretati che trovano profondità attraverso l'espressione dei loro desideri e delle loro ambizioni, più o meno grandi, che le rendono non più semplici pedine del gioco del protagonista. In questa sfumata rilettura di un genere da molti considerato misogino - ma non è forse la femme fatale il primo esempio di una protagonista consapevole del suo ruolo? -, si sviluppa allora la parabola autodistruttiva di Stan, perfetto arrivista interpretato in modo viscerale da un sorprendente Bradley Cooper che dimostra che, nel ruolo giusto, sa fare la differenza.

Magnetico nella sua ode a un cinema ormai scomparso, questo film è uno dei migliori esempi di quello che può raccontare la settima arte con una buona sceneggiatura e con degli attori in stato di grazia. Nella sua anacronistica scelta di tuffarsi nel mondo noir, Del Toro regala un'esperienza cinematografica d'eccellenza che, forse, meriterebbe più attenzione.

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"The Card Counter" di Paul Schrader

noreply@blogger.com (Stories.) — Tue, 07 Dec 2021 11:09:00 +0000

Titolo: The Card Counter

Titolo italiano: Il collezionista di carte

Un film di Paul Schrader con Oscar Isaac, Tiffany Haddish, Tye Sheridan, Willem Dafoe

Genere: drammatico, thriller

Durata: 112 min

Anno: 2021

Voto: 4/5

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Scommettere poco e vincere "quanto basta" è la filosofia di gioco di William Tell (Oscar Isaac), misterioso frequentatore dei tavoli dei casino americani. Indecifrabile e dal basso profilo, l'uomo rifugge sempre le luci della ribalta o la troppa attenzione portata dai tornei nazionali: ha un passato oscuro che lo ha abituato a vivere nell'ombra. L'incontro con Cirk Baufort (Tye Sheridan) porterà nuovamente alla luce ricordi e dinamiche del passato di William costringendolo a rimettere in discussione un passato ormai archiviato, mettendosi in gioco in una serie di tornei con l'aiuto di La Linda (Tiffany Haddish).

A quattro anni da First Reformed, Paul Schrader torna sulla scena cinematografica internazionale proprio come il suo protagonista: silenziosamente ma potentemente. Regista, critico e sceneggiatore in attività dal 1974, negli anni Shrader si è figurato come una figura capace di scandagliare le implicazioni morali e il senso di colpa di ogni suo personaggio. The Card Counter non costituisce un'eccezione a questa regola e potrebbe potenzialmente cadere sotto i colpi di qualche detrattore che sostiene che da quasi cinquant'anni la filmografia di questo autore sia costantemente focalizzata sullo stesso tema. La vera domanda non dovrebbe essere, invece: come fa Paul Schrader a essere sempre così incisivo e disarmante a ogni suo lavoro pur partendo sempre dalle "solite" premesse?

Fulcro della storia è, ancora una volta, un personaggio immerso nell'oscurità, una figura sfuggente e cupa che si è prima avvicinato con ambiguità a quell'oscurità e poi ha iniziato a nutrirsene fino a diventarne parte in modo strutturale. La scrittura del personaggio e l'interpretazione di un grandioso Oscar Isaac - che finalmente trova la giusta attenzione - riescono a portare i canoni del cinema di Shrader (e di Scorsese, essendone storico collaboratore) su un altro livello, trovando sempre un solido legame con la realtà di un'intera nazione, gli Stati Uniti, che è diventata da decenni l'oscurità in cui questi personaggi trovano coscientemente l'habitat ideale. Con una performance sempre estremamente misurata, Isaac incarna le conseguenze e i bias di un passato che ancora ora un'intera società fa fatica a riconoscere. Con la parabola di dannazione di William Tell, Shrader riesce a sferrare un duro colpo a chiunque guardi intrecciando le battaglie morali del protagonista in fuga dalle sue colpe con gli orrori delle carceri in Iraq.

Il film, tuttavia, non eccelle solamente nella sua scrittura di personaggi - anche la figura di Cirk, eredità in carne ossa di tutte le contraddizioni, è incredibilmente riuscita - bensì trova un'ammirevole sintonia di ogni sua parte tecnica. La fotografia di Alexander Dynan ricrea alla perfezione un'atmosfera notturna, popolata solo dalle luci artificiose dei casinò e dalle vane illusioni degli antagonisti ai tavoli di poker. Questo mondo, pur risultando intrigante nelle sue dinamiche sinistre, riesce sempre a mantenere un equilibrio tale da non diventare mai affascinante, luccicante nelle sue promesse non mantenute, puro effetto placebo per mascherare una problematica ben più ampia.

The Card Counter è il titolo su cui scommettere in questo 2021, la storia controversa e per questo non semplice da affrontare a cui dare una possibilità. Ora si spera che anche a Hollywood qualcuno inizi a riconoscere soprattutto la bravura incredibile di un certo Oscar Isaac.

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Reservation Dogs [stagione 1]

noreply@blogger.com (Stories.) — Mon, 06 Dec 2021 07:30:00 +0000

Titolo: Reservation Dogs

Cast: Devery Jacobs, D'Pharaoh Woon-A-Tai, Lane Factor, Paulina Alexis

Genere: commedia drammatica

Episodi: 8

Voto: 3/5

Bear, Elora, Cheese e Willie sono quattro ragazzi nativi americani dell'Oklahoma orientale che vivono la loro quotidianità tra piccoli furti con il sogno di trasferirsi in California allontanandosi dalla riserva in cui sono cresciuti e hanno sempre vissuto. L'ombra di un recente lutto e l'arrivo di una nuova gang agguerrita in zona spingeranno i ragazzi a rimettersi in discussioni tra incontri cruciali e riflessioni su quelli che sono davvero i loro piani per il futuro e per la loro vita.

Non è un segreto che chi scrive queste righe abbia seri problemi con la creatività firmata Taika Waititi. L'autore neozelandese, che negli ultimi anni si è affermato come uno dei nomi di maggiore prestigio sulla scena internazionale, ha conquistato Oscar e riconoscimenti di ogni tipo ma da queste parti continua a lasciare qualche perplessità con le sue incursioni costantemente sopra le righe tra vari prodotti multimediali. Il suo intervento in una serie televisiva come Reservation Dogs in qualità di ideatore, tuttavia, era senza dubbio curiosa, soprattutto nell'esplorare nuove modalità di rappresentazione sullo schermo di comunità che raramente trovano spazio. La serie, inoltre, non si è limitata a cambiare le carte in gioco sullo schermo ma anche dietro le quinte, coinvolgendo nella crew tecnica esperti di spicco nativi americani. Lo show, alla fine, ha rispettato le sue promesse riuscendo anche a garantire un buon intrattenimento?

Indubbiamente, Reservation Dogs fornisce interessanti spunti di riflessione sull'attualità e sulla società statunitense, ponendo soprattutto l'accento sui concetti e le interpretazioni di famiglia, tradizione ed eredità soprattutto in una comunità che porta nella sua storia i segni di tutte le contraddizioni di un'intera nazione. In questa ottica, lo show riesce a veicolare tutte queste intenzioni attraverso un'ottima scrittura dei suoi personaggi, mai pedante o boriosa, bensì intrigante nello svelare lati inediti e divertiti degli stessi. Dal punto di vista del puro intrattenimento, essenziale per supportare sulla lunga durata una serie, tuttavia non si può definire la produzione come completamente riuscita. La forte indecisione nel coniugare trama verticale e orizzontale e un ritmo discontinuo non permette mai davvero di entrare in sintonia nella storia nel suo complesso ma solo con singoli personaggi. In particolare, un finale estremamente confuso e frettoloso lascia un po' di amaro in bocca per una serie interessante ma mai davvero memorabile.

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"The Last Duel" di Ridley Scott

noreply@blogger.com (Stories.) — Thu, 21 Oct 2021 19:13:00 +0000

Titolo: The Last Duel

Un film di Ridley Scott con Matt Damon, Adam Driver, Jodie Comer e Ben Affleck

Genere: drammatico, storico

Durata: 152 min

Anno: 2021

Voto: 4/5

⭐ ⭐ ⭐ ⭐

Nel cuore della Francia medievale del XIV secolo, all'ombra del regno di Carlo VI (Alex Lawther) si consuma una storia animata da mire di potere, tradimenti e, soprattutto, oppressioni. Tutto ha inizio con la rottura del legame di amicizia tra i cavalieri Jean de Carrouges (Matt Damon) e Jacques Le Gris (Adam Driver). Il rapporto tra i due si complicherà ulteriormente nel momento in cui Marguerite (Jodie Comer), giovane moglie di Jean, dichiarerà di essere stata vittima di violenza sessuale a opera di Jacques. L'accusa culminerà quindi in un duello di Dio, un confronto all'ultimo sangue tra i due cavalieri, l'ultimo di questo tipo nella storia.

Una nuova creatura cinematografica di Ridley Scott è sempre e comunque un evento tanto quanto un'incognita. Non è un segreto che chi vi scrive nutra una certa venerazione nei confronti del regista britannico che, giunto alla veneranda età di ottantasei anni, nel 2021 gira non uno ma ben due film che, indipendentemente dalle impressioni di pubblico e critica, sapranno lasciare il segno di questa stagione di rinascita. Se per House of Gucci ci si può limitare solo al già scoppiettante trailer, per The Last Duel, uscito in sala il 14 ottobre, è già possibile azzardare anche qualche riflessione sul lungo termine - sia per l'immininte inizio dell'award season che per il suo ruolo su più livelli. Ora si può dire: l'arrivo in sala di questo titolo dopo la presentazione alla Mostra del Cinema di Venezia segna il ritorno di una regia e una produzione completa e solida dopo quasi vent'anni - con la rara eccezione del bistrattato Prometheus - di titoli costantemente affetti da incertezze nella loro forma finale.

Cast con alcuni dei nomi più quotati di Hollywood e ambientazione medievale ispirata a una storia vera: i due ingredienti principali di una potenziale delusione cinefila sono serviti! In molti appassionati del cinema di Scott è probabilmente ancora vivo il ricordo del disastro Le Crociate, operazione mastodontica dai risultati piuttosto deludenti che, a distanza di sedici anni, aleggia ancora in tutte le produzioni del regista. Fortunatamente, questa nuova fatica riesce finalmente a non seguire le orme del suo infausto predecessore, trovando una nuova prospettiva sulla narrazione, anzi tre. La sceneggiatura a sei mani firmata da Ben Affleck, Matt Damon e Nicole Holofcener esplora infatti la vicenda al centro del film attraverso le verità di Jean de Carrouges, Jacques Le Gris e Marguerite de Carrouges, sulla falsa riga dei tanto citati Rashomon e The Affair. A ogni iterazione del racconto, si definisce quindi una sfumatura diversa di quanto accaduto, evidenziando sottilmente alcune scene chiave con differenze quasi impercettibili ma essenziali nella costruzione dei personaggi e del messaggio del film stesso. In questo senso è emblematica soprattutto la "scena del bacio" poiché attraverso ogni personaggio in gioco si trova un significato totalmente diverso: inizialmente Marguerite è un oggetto relegato in secondo piano, una pura proprietà come tante altre del marito, poi diventa una subdola tentatrice con piccole pieghe di sorriso ambigue. Solo con la terza iterazione emerge tutto il disagio, l'imbarazzo e la prima consapevolezza di una giovane donna che inizia a comprendere di essere parte di un sistema in cui lei non riuscirà mai (forse) a essere soggetto e non più oggetto. Anche quando ne avrà occasione, infatti, sarà solo per dinamiche di potere a lei estranee.

Una sceneggiatura solida può essere considerata un ottimo scheletro di un film altrettanto robusto ma può anche non essere sufficiente per nascondere un montaggio grossolano nella prima parte del film nonché un'interpretazione, quella di Ben Affleck, decisamente fuori contesto. Il motivo per cui questo film sarà senza dubbio tra i migliori dell'anno nonché tra i più riusciti della filmografia di Ridley Scott è quindi da ricercare altrove, andando a scovare il nome di un giovane talento attoriale tra tanti nomi altisonanti nel cast: Jodie Comer... e qui perdonate alla sottoscritta una brevissima digressione. Chi da anni si avventura nell'universo del piccolo schermo non ha bisogno di sentirsi dire, ancora una volta, perché questa attrice classe 1993 di Liverpool sia un prodigio. Serie come l'assurdamente british teen drama My Big Fat Diary, l'illuminato period drama The White Princess e, soprattutto, il brillante Killing Eve - palestra anche di sceneggiatrici del calibro di Phoebe Waller Bridge e Emerald Fennell - hanno segnato le tappe fondamentali della carriera di Comer. Dopo il trionfo agli Emmys nel 2019 a soli ventisei anni per il suo ruolo della killer psicopatica Villanelle, però, sembra che anche il mondo del cinema - che include anche chi ignora compiaciutamente che il vile piccolo schermo sia fucina di tali talenti - si sia accorto di questa attrice. Jodie Comer illumina lo schermo con la sua bravura in ogni singola inquadratura in cui è in scena. Si deve, infatti, soprattutto a lei, ai suoi silenzi tanto quanto ai dialoghi a lei affidati, la riuscita dell'operazione a più prospettive giocata sui piccoli dettagli. In un turbinio soffocante di sguardi maschili, il suo diventa quello più autentico nonché capace di condurre lo spettatore al gran finale creando empatia ma senza mai scadere in semplicistici ricatti.

In un contesto apparentemente così distante, una regia sempre magistrale, capace di indugiare sulle svolte più appassionanti e di valorizzare le prove di un cast eterogeneo, trova il perfetto equilibrio tra una narrazione storica volutamente priva di epicità e una lucida e moderna riflessione sociale e metacinematografica che si riserva anche la facoltà di scoccare qualche frecciatina inequivocabile. The Last Duel è un titolo imperdibile su cui scommetter per chi ogni anno cerca di "collezionare" con largo anticipo le visioni dei film che saranno protagonisti alla prossima stagione dei premi. Il vero motivo per cui correre in sala, tuttavia, risiede nella sua capacità di riuscire ad abbracciare la complessità di una narrazione, mostrandone le sfaccettature anche nelle sue accezioni più crude.

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WandaVision [mini serie]

noreply@blogger.com (Stories.) — Mon, 06 Sep 2021 06:14:00 +0000

Titolo: WandaVision

Cast: Elizabeth Olsen, Paul Bettany, Debra Jo Rupp, Fred Melamed, Kathryn Hahn, Teyonah Parris, Randall Park, Kat Dennings, Evan Peters

Genere: drammatico, sentimentale, sitcom, supereroi

Episodi: 9

Voto: 4/5

“Don’t worry, darling. I have everything under control.”

Lasciati alle spalle gli eventi colossali dell'apocalittico Avengers: Endgame, Wanda Maximoff (Elizabeth Olsen) e Visione (Paul Bettany) sono una coppia felicemente sposata che quotidianamente recita la sua routine in un idilliaco quartiere residenziale della provincia americana. Nelle monotone giornate fatte di sketch, incursioni di vicini sopra le righe e gaffe sul lavoro, strani avvenimenti e sospetti iniziano però a insinuarsi tra i verdi giardini perfettamente in ordine di Westview. Qualcosa di molto pericoloso sta per essere rivelato. Qualcosa sta sfuggendo al controllo di qualcuno.

I fan del Marvel Cinematic Universe per un anno e mezzo hanno formulato teorie e costruito congetture sugli indizi disseminati da Jon Watts in Spider-Man Far From Home, titolo conclusivo della Fase Tre che ha chiuso il sipario sull'epopea culminata con lo scontro finale con Thanos. Quale sarebbe stato il nuovo mega-villain? Quando sarebbe finalmente arrivato il momento del tanto atteso Multiverso? L'uscita di Black Widow e l'avvio della Fase Quattro nel 2019 sembravano dietro l'angolo ma la pandemia aveva probabilmente piani molto diversi per appassionati del cinema e non. I piani alti di casa Disney, davanti alle sale chiuse, hanno quindi messo in atto con anticipo la nuova strategia televisiva studiata per aggiungere un nuovo strato di complessità - ma non necessariamente profondità - all'intero MCU. Suo malgrado, WandaVision si è ritrovato nel ruolo scomodo di aprire la strada verso un nuovo periodo di ricerca per la Marvel. Pur trattandosi di un cambio di programma inaspettato, questa mini-serie è diventata la perfetta interprete di un momento di svolta cruciale su più livelli.

Chi scrive, davanti al primo trailer della serie, ha nutrito non pochi dubbi. L'incursione seriale nella vita di due personaggi collaterali (ma non troppo) degli Avengers non appariva particolarmente appetitosa e, anzi, sembrava solo una parentesi all'interno di un progetto più grande che cercava di temporeggiare. Tale impressione è stata parzialmente confermata poiché, anche alla luce degli altri prodotti della Fase Quattro, la miniserie ideata di Jac Schaeffer si è rivelata una piacevolissima evasione, una fuga isolata dal consolidato paradigma Marvel. Inoltre dopo una prima parte rivoluzionaria, lo show si è ripiegato su se stesso, riportando in scena dinamiche risolutive ben collaudate e tutt'altro che esaltanti. La serie però oscura ogni sua imperfezione con un approccio assolutamente fuori dagli schemi in grado di condurre un'autentica e lucidissima analisi metanarrativa che trova in un'eccezionale Elizabeth Olsen un'istrionica interprete.

Con uno sguardo quasi filologico, WandaVision si avventura nella storia delle sitcom familiari dagli anni Cinquanta fino a oggi, intrecciando gli sviluppi del genere televisivo con l'evoluzione dello strano rapporto apparentemente idilliaco che lega i due protagonisti. Lo studio lucidissimo dei cambiamenti dei temi e delle dinamiche della sitcom - caratterizzato anche da una riproduzione fedele delle dinamiche tecniche-produttive - affianca la crescita di un personaggio, quello di Wanda, che mai come in questo caso era riuscito a trovare la sua giusta dimensione. Elizabeth Olsen, sostenuta da una sceneggiatura brillante ma anche estremamente attenta, dona finalmente profondità a una supereroina dell'universo Marvel mettendone il luce sia il potenziale che i conflitti, senza ricadere in facili schemi. Nel confronto-scontro con Agatha, interpretata da una superlativa Kathryn Hahn, Wanda trova anche una prima consapevolezza del suo potere, aprendo le strade a una futura linea narrativa intrigante quanto pericolosa per il personaggio, vero villain di se stessa. Lo show affronta così anche la necessità di superare un lutto, l'inevitabilità di un confronto con se stessi e le proprie emozioni ma anche l'inconscio meccanismo con cui spesso, per sfuggire alla realtà, si costruisce una nuova visione del mondo.

In un continuo rimando di riflessi tra piccolo e grande schermo in cui non mancano i tradizionali Easter Eggs, WandaVision diventa un gioiellino ricco di livelli da dissezionare ma anche da assaporare inconsciamente godendone per puro intrattenimento. L'ulteriore - e inconsapevole - contesto dei mesi di pandemia, esperienza comune di milioni di spettatori, inoltre crea un parallelo quasi surreale con il confinamento di Westview riuscendo a trovare un modo ancora più immediato per empatizzare con una figura complessa come Wanda che, per vivere momenti felici, si rifugia nelle storie e nei racconti del piccolo schermo: intuizioni semplici ma disarmanti nelle loro sfumature più dolciamare.

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"The Suicide Squad" di James Gunn

noreply@blogger.com (Stories.) — Thu, 26 Aug 2021 06:53:00 +0000

Titolo: The Suicide Squad

Un film di James Gunn con Margot Robbie, Idris Elba, John Cena, Joel Kinnaman, Daniela Melchior, David Dastmalchian, Viola Davis, Peter Capaldi

Genere: azione, fantascienza, commedia

Durata: 132 min

Anno: 2021

Voto: 4/5

⭐ ⭐ ⭐ ⭐

Delinquenti con poteri straordinari, cecchini d'elite divenuti serial killer spietati, creature animalesche assetate di sangue: questi sono solo alcuni identikit degli improbabili villain che periodicamente vengono reclutati da Amanda Waller (Viola Davis) nella prigione di massima sicurezza di Belle Reve per compiere missioni suicide in cambio di una riduzione della loro pena. Proprio dai risvolti quasi impossibili delle loro missioni nasce il nome del team capitanato dal colonnello Rick Flag (Joel Kinnaman) che ha come obiettivo la destituzione con ogni mezzo del nuovo dittatore sull'isola latina di Corto Maltese. In un'operazione in cui tutto è in gioco e ogni cosa è lecita, anche il minimo dettaglio può dare vita a un'avventura ad alto tasso adrenalinico: la squadra riuscirà a sopravvivere?

Trasporre sullo schermo storie infilmabili e personaggi improbabili deve essere stata la vocazione di James Gunn sin dai tempi della gavetta nella scuderia Troma, casa di produzione indipendente popolare per le sue scelte ardite nella messa in scena di storie che mescolano esuberanza, irriverenza da politicamente scorretto, nudità e splatter. A posteriori - ma non sarebbe dovuto essere difficile comprenderlo anche prima - è chiaro che solo un approccio di questo tipo poteva essere la chiave di lettura giusta per avvicinarsi alla narrazione delle avventure di un'accozzaglia di personaggi secondari, "villain da quattro soldi" di un universo supereroistico in cui la kalokagathia è più in forma che mai. Sì, qualche tentativo di introdurre aspetti cupi e moralmente controversi nell'universo esteso DC su schermo era già stato compiuto con Joker, film che, tuttavia, sin dalla sua ideazione era stato plasmato come una creatura a sè, una piacevole - e remunerativa sia in termini di incassi che di premi! - distrazione da un complesso e caotico progetto narrativo esteso sfuggito al controllo prima ancora di concretizzarsi.

Tuttavia, per comprendere davvero il bisogno di questa arma narrativa è stato necessario il disastro produttivo prima che artistico di Suicide Squad nel 2016. A 5 anni da quella che probabilmente è stata la prima vera catastrofe mediatica e non del DCEU arriva allora The Suicide Squad, con quell'articolo determinativo che anteposto al nome della squadra di strampalati protagonisti chiarisce subito che l'intento è quello di prendere le distanze dal passato, dichiarando che questa è la vera storia da seguire. Il progetto che all'apparenza poteva giocare facile con il confronto impossibile da perdere in realtà si configurava più rischioso che mai soprattutto per la presenza esplosiva di James Gunn alla regia e alla sceneggiatura - provate a contare quanti cinecomic vantano questi doppi ruoli. Il successo di Gunn con i Guardiani della Galassia poteva certamente essere una garanzia ma, con uno sguardo più attento, è chiaro che l'eventualità di un clone DC era dietro l'angolo. Il poliedrico regista statunitense, forte di un totale controllo sul lavoro, è riuscito a portare sullo schermo uno dei cinecomic più convincenti e soprattutto autentici degli ultimi dieci anni, aprendo le porte a nuove possibilità per il genere.

Sì, è vero anche questo: il trucco del politicamente scorretto e dello splatter era già stato usato sul piccolo schermo con The Boys e l'ironia era già stata una componente di rilievo nei già citati Guardiani e nel più discusso Ant-Man. In entrambi i prodotti, tuttavia, questi ingredienti erano fini a loro stessi, semplici contorni da sfruttare (soprattutto) in fase di marketing. In questo film, invece, diventano componente vitale della storia, delle atmosfere - che forse peccano solo di una colonna sonora coinvolgente ma mai travolgente - e in particolare dei personaggi. Sono questi ultimi il cuore pulsante nella loro irriverente disperazione che strappa e riduce in brandelli convenzioni del genere come plot armor e necessità di integrità morale. La riuscita di questa nuova prospettiva è forse da individuare proprio in quei primi venti minuti in cui i personaggi principali nemmeno compaiono, in un prologo che chiarisce che in questo cinecomic tutto è concesso e che nessuna regola e convenzione è valida. Da questa fragilità deriva l'inevitabile e un po' scomoda empatia con i veri protagonisti, scorretti, spregevoli e talvolta brutti. Trova così finalmente il giusto trattamento l'Harley Quinn di Margot Robbie, mai così davvero compiuta, nemmeno in Birds of Prey, divenendo così testimonianza dell'incredibile capacità di Gunn nella direzione degli attori, soprattutto quando tra gli obiettivi si ha un cast così denso di grandi nomi in cui però brillano quelli di minor richiamo per il grande pubblico come Daniela Melchior e David Dastmalchian.

L'innegabile componente politica del film è sotto gli occhi di tutti ed è forse l'elemento su cui più si è concentrati parlando della pellicola, sia nel bene che nel male. Gunn introduce questo chiaro riferimento al ruolo degli Stati Uniti con astuzia e lucidità, giocando con contesti non propriamente facili perché lontani nel tempo e facendoli colloquiare anche con le public persona di alcuni componenti del cast. Questo elemento però alla fine lascia un po' di amaro in bocca perché non sferra davvero il colpo letale, tenendolo forse in serbo per un probabilissimo sequel oppure per equilibrare una narrazione che nasce come puro intrattenimento. Se si cerca un cinecomic politico, tittavia, la scelta deve ricadere sul gioiellino irripetibile di Watchmen di HBO. Gunn - e forse una DC finalmente consapevole - propongono invece un nuovo paradigma di cinecomic capace di unire più vocazioni senza che singoli componenti prendano il sopravvento, film in grado di unire riferimenti pop a Ghostbusters e alla filmografia kaiju con rimandi nemmeno troppo velati al mondo autoriale con New York Stories di Allen, inserendo tutto nella formula per definire i personaggi stessi attraverso un linguaggio metacinematografico. Attenzione, però, all'impronta lasciata da questo film, pecora nera di un periodo in cui ogni singolo film è al servizio di una strategia multimediale più ampia destinata ad appiattire vezzi e personalità in un unico prodotto sicuro da offrire al più ampio pubblico possibile: cosa resterà del DCEU? Perché continuare con una strategia da copia carbone della Marvel quando le singole parti della scuderia sembrano essere più vincenti del loro svilente insieme?

Con questi interrogativi sul futuro di un progetto narrativo pop che potrebbe dare un'alternativa concreta a Marvel e altri franchise epigoni, si arricchisce ulteriormente l'esperienza di The Suicide Squad che senza dubbio segna un punto di svolta per Warner Bros e DC, poste finalmente davanti a un bivio da cui dipende anche lo sviluppo della modalità di fruizione - ingordamente tentacolare oppure meditatamente esclusiva - di prodotti di intrattenimento.

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Omicidio a Easttown [mini serie]

noreply@blogger.com (Stories.) — Tue, 03 Aug 2021 14:02:00 +0000

Titolo: Omicidio a Easttown

Titolo originale: Mare of Easttown

Cast: Kate Winslet, Julianne Nicholson, Jean Smart, Angourie Rice, David Dennam, Neal Huff, Guy Pearce, Cailee Spaeny

Genere: drammatico, poliziesco

Episodi: 7

Voto: 3,5/5

"Doing something great is overrated. Because then people expect that from you all the time. What they don't realise is you're just as screwed up as they are."

In un'anonima cittadina della grigia provincia americana, la detective Mare Sheehan (Kate Winslet) da tempo sembra trovarsi a un punto cieco della sua vita professionale e non solo. Mentre sul lavoro sembra aver perso le speranze e soprattutto la forza di volontà per ritrovare una ragazza misteriosamente scomparsa, in famiglia Mare viene costantemente travolta da silenzi insostenivili e dolorosi ricordi che riaffiorano da un passato mai davvero metabolizzato. Un nuovo eventro tragico per la piccola comunità di Easttown porterà la donna a un punto di non ritorno, costringendola ad affrontare ombre del passato e incertezze della sua quotidianità.

Fonte: HBO

Ambientazioni ricercate, scenografie sofisticate e collezioni di cappotti d'alta moda da sfoggiare in qualsiasi stagione ma soprattutto in inverni a tinte freddissime: negli ultimi anni nel mondo delle serie tv e soprattutto nell'ecosistema prestige drama griffato HBO sembrano essersi delineate delle linee guida ben precise per confezionare la ricetta della serie TV di successo. Ad antieroi ruvidi e grezzi come quelli di True Detective o Vinyl si sono così contrapposte figure eleganti di donne di mezza età che, tra incursioni lussureggianti a feste in country club e sedute dal proprio analista, hanno definito un nuovo paradigma. Se nel 2017 un quartetto protagonista tutto al femminile come quello di Big Little Lies sembrava rivoluzionario quasi quanto quello di Sex and the City all'alba del Duemila, in tempi più recenti l'ondata di epigoni multimediali che ne è derivata ha portato a una totale deriva di questo strano "sotto-genere", soffocando riflessioni urgenti sul ruolo di figure femminili sul piccolo schermo con vezzi di pura estetica e paura di proporre narrazioni pià complesse. In realtà, nel 2018 un timido - e mai abbastanza apprezzato - tentativo per cambiare prospettiva era già stato realizzato con Sharp Objects, adattato sempre da Jean-Marc Vallée a partire da un romanzo di Gillian Flynn, altra grande autrice di sguardi femminili sul piccolo e grande schermo con Gone Girl. Sono stati necessari, tuttavia, altri 3 anni per poter ritrovare, sempre dalle parti di HBO, un drama con una protagonista sfaccettata, complessa quanto affascinante degna di un confronto con lo strepitoso trio composto da Amy Adams, Patricia Clarkson e Eliza Scanlen. Si è reso necessario, infatti, il grande ritorno nel mondo delle serie TV di Kate Winslet con Omicidio a Easttown, ultima creatura in 7 episodi ideata da Brad Ingelsby. Con una prospettiva quasi inedita sugli schemi della più classica narrazione poliziesco-procedural, questa miniserie distribuita in Italia da Sky ha saputo portare una ventata di novità in un panorama che da troppo tempo sembrava ripiegato su se stesso.

Poteva essere l'ennesima storia di riscatto personale sviluppata in parallelo a una situazione lavorativa in crisi - dopotutto Ingelsby ha curato la sceneggiatura di The Way Back con Ben Affleck che segue molto questa direzione - ma questa miniserie alla fine si è rivelata un'occasione ben più significativa. La grande prova attoriale di Kate Winslet, infatti, lascia in secondo piano un canovaccio piuttosto canonico nei suoi sviluppi e colpi di scena finali. Le dinamiche della psicologia dell'assoluta protagonista Mare Sheehan, invece, percorrono strade meno battute, individuando luoghi e temi narrativi che spessono sfuggono a sceneggiature a puntate ben più frettolose. Episodio dopo episodio, Winslet scava tra le fragilità del suo personaggio, andando ben oltre la superficie di una corazza ruvida che a tratti sembra quasi sottilmente ironizzare quella di tanti predecessori HBO assurti a idoli televisivi. La miniserie coniuga la rinascita di un personaggio attraverso l'accettazione delle fratture, dei rimpianti e dei ricordi che lo rendono tale, ne sviscera cadute e fallimenti come parte integrante di un cambiamento, di una svolta sofferta, necessaria e da costruire nel tempo. La figura di Mare, così intrigante nel suo essere spesso urtante, diventa quindi l'immagine di un'intera gamma di personaggi che da tempo cercano una voce al centro della scena, che trovano significato e ricchezza nella loro umana complessità capace di rimanere impressa più a lungo di un ammiccante ed evasivo prestige drama fine a se stesso.

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"Una donna promettente" di Emerald Fennell

noreply@blogger.com (Stories.) — Wed, 09 Jun 2021 07:00:00 +0000

Titolo: Una donna promettente

Titolo originale: Promising Young Woman

Un film di Emerald Fennell con Carey Mulligan, Bo Burnham, Alison Brie, Clancy Brown, Jennifer Coolidge, Laverne Cox

Genere: thriller, commedia

Durata: 113 min

Ambientazione: Stati Uniti

Anno: 2020

Voto: 5/5

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La promettente carriera universitaria alla facoltà di medicina è ormai un ricordo polveroso del passato di Cassie (Carey Mulligan), giovane donna che dopo aver abbandonato gli studi ha scelto di "accontentarsi" di una vita che sembra non rispondere né al suo talento né alle aspettative coltivate ossessivamente dai suoi genitori. Lontana dal locale in cui lavora, tuttavia, Cassie si trasforma in un angelo vendicatore che cerca di riportare giustizia dopo aver visto appassire e morire la sua migliore amica rimasta vittima inascoltata di uno stupro nel corso di una festa al college. Incontri inaspettati e grandi ritorni dal passato potrebbero cambiare tuttavia la rotta del suo cammino di vendetta mettendo anche in discussione ogni sua certezza.

Girly: 5 lettere per identificare con toni dispregiativi o paternalistici un immaginario femminile, frivolo, abbellito da toni pastello. Emerald Fennell abbraccia questa architettura di consolidati stereotipi della narrazione al femminile, gioca con i riferimenti pop e stravolge per assurdo canoni cinematografici con il suo primo lungometraggio da regista, Una donna promettente. Preceduto dal clamore scatenato soprattutto sul web dall'esplosivo trailer, questo film - che vanta anche Margot Robbie alla produzione - rappresenta una ventata di aria fresca per il microcosmo delle grandi protagoniste femminili sfaccettate, dotate di una profondità complessa che sfugge a dualismi sempliciotti. Per questo, forse, l'arrivo sulle scene di questa moderna Cassandra, talmente spietatamente attuale da non essere sempre creduta, ha diviso così tanto il pubblico e la critica.

Fennell, che firma anche una sceneggiatura impeccabile riconosciuta anche all'ultima edizione degli Oscar, poteva facilmente rifugiarsi nella semplice critica dei Boys will be Boys, regalando un banale revenge movie di netti contrasti, in cui ogni personaggio sarebbe stato facilmente identificabile come amico o nemico. Una scrittura lucida e consapevole, tuttavia, ignora questa possibilità e imprime su pellicola, sequenza dopo sequenza, una protagonista dalle mille sfumature, mossa da intenti lodevoli ma spesso in conflitto con i suoi obiettivi e necessità.

Le note di brani di Paris Hilton e Britney Spears, in un tripudio di pop anni 2000, accompagnano il percorso di vendetta della protagonista che si snoda attraverso capitoli, incontri e rivelazioni che segneranno profonde svolte nella vita di Cassie, proprio come in una versione rivisitata e attuale de Il Conte di Montecristo. Grazie anche a una fotografia curatissima che gioca soprattutto con i toni del rosa e dell'azzurro, diventa quindi impossibile trovare un'unica scena rappresentativa: la walk of shame iniziale perfettamente orchestrata a livello di regia e sceneggiatura, la sequenza musicale malinconica nel supermercato e la climax finale dell'addio al celibato sono solo alcuni dei momenti cardine di un lungometraggio estremamente riuscito anche nella sua disarmante semplicità. Proprio come la semplicità e naturalezza con cui Carey Mulligan si cala in un ruolo complesso e controverso, dando vita a una delle migliori interpretazioni della sua carriera che ancora grida al furto dei maggiori riconoscimenti della passata Award Season.

La riuscita di questo progetto cinematografico capace di affrontare a viso aperto le insidie della cultura dello stupro però è da attribuire anche ad un travolgente cast di supporto in cui spicca soprattutto Bo Burnham, stand up comedian prestato al grande schermo che in passatto aveva già dimostrato il suo talento anche dietro alla camera con Eigth Grade. Questo azzeccato microcosmo di ottime scelte attoriali è coordinato alla perfezione dalla stessa Fennell che riesce così anche a nascondere alcune discontinuità alla regia soprattutto nella seconda parte.

Emerald Fennell consegna il film giusto al momento giusto ma senza malizia ma anzi con grande conoscenza e consapevolezza. Chissà se il grande pubblico saprà rendersene conto.

Ho parlato di questo film anche nell'episodio #66 di Effetto Vertigo Podcast, occasione in cui ho potuto anche ampiamente manifestare il mio nuovo amore per Emerald Fennel: Spotify - Apple Podcast - Anchor

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TOP 20 Film 2020 - Il meglio del "grande" schermo

noreply@blogger.com (Stories.) — Thu, 31 Dec 2020 13:45:00 +0000

TOP 20 Film

Il meglio del "grande" schermo… secondo Stories.!

In un anno rivoluzionario - nel bene e nel male - per il mondo del cinema, le grandi storie non sono mancate anche se spesso non ha trovato respiro in una sala cinematografica. Il 2020 ha rappresentato un’occasione unica per vivere su piccolo o grande schermo esperienze uniche ma soprattutto insolite e inaspettate. I titoli delle top di quest’anno sono rappresentativi di universi, mondi e generi estremamente diversi tra loro ma sono tutti accomunati da una fortissima urgenza narrativa che si intreccia proprio con la capacità di raccontare, a volte con una lucidità profetica, problematiche attualissime. La mia personalissima Top 20 dei migliori film del 2020 è un insieme dei "viaggi da poltrona" - sia in sala che tra le mura domestiche - più emozionanti dell'anno, di avventure che nei mesi passati più che mai hanno saputo lasciare un segno.

Puntate precedenti:

2019 - 2018 - 2017 - 2016 - 2015 - 2014

20. Borat 2 con Sacha Baron Cohen, Maria Bakalova

Recensione: -

Sorpresa? Sì

Pur non essendo tra i fan del primo dissacrante capitolo dell'epopea di Borat, devo ammettere che questa nuova incursione ha rappresentto la storia perfettaal momento giusto. Scorrettamente irresisitibile!

19. Get Duked! con Samuel Bottomley, Rian Gordon

Recensione: Link

Sorpresa? Sì

Folle, esagerato e con una fortissima influenza del cinema di Edgar Wright: il viaggio nelle Highlands scozzesi non è mai stato così assurdamente pericoloso. Il risultato? Una riflessione tutt'altro che banale sul rapporto tra due generazioni.

18. The Trial of the Chicago 7 con Sacha Baron Cohen, Eddie Redmayne

Recensione: -

Sorpresa? No

Ha fatto discutere e infervorare molti per alcune scelte narrative. Il nuovo esperimento di Sorkin alla regia da queste parti è piaciuto sopratutto grazie a un ottimo cast capitanato da un Sacha Baron Cohen lontano dai suoi soliti personaggi.

17. Matthias & Maxime con Xavier Dolan, Gabriel D'Almeida Freitas

Recensione: Link

Sorpresa? No

Finalmente l'ultimo lavoro di Dolan è riuscito a trovare spazio anche in Italia in un anno che - più che mai - ha messo a dura prova la distribuzione dei titoli meno mainstream. Fortunatamente il cuore e le emozioni raccontate dal regista canadese hanno trovato il pubblico!

16. The Lodge con Riley Keough, Jaeden Martell

Recensione: Link

Sorpresa? Sì

Un duo registico brillante riesce a raccontare una nuova storia avvincente e intrigante capace di andare oltre la superficie dei tipici cliche del genere horror.

15. Ma Rainey's Black Bottom con Viola Davis, Chadwick Boseman

Recensione: -

Sorpresa? No

Le noti dolenti e malinconiche del soul e del jazz creano le atmosfere giuste per raccontare un'epoca di disuguaglianze sociali e ribellioni. Un cast d'eccezione impreziosisce il risultato.

14. Emma. con Anya Taylor-Joy, Bill Nighy

Recensione: Link

Sorpresa? No

Anya Taylor-Joy è l'assoluta mattatrice di questa commedia elegante e frizzante che rilegge in chiave moderna - colorata pastello - la più classica delle storie di Jane Austen.

13. Sorry We Missed You con Kris Hitchen, Debbie Honeywood

Recensione: Link

Sorpresa? Sì

Il cinema di Ken Loach non risparmia nulla nemmeno questa volta. Con uno sguardo lucidissimo, il regista racconta la disperazione di una famiglia alle prese con le schiaccianti dinamiche che regolano l'economia riuscendo a essere ben più di un seguito sbiadito di I, Daniel Blake.

12. The Lighthouse con Robert Pattinson, Willem Defoe

Recensione: Link

Sorpresa? No

Tra i titoli più acclamati a Cannes nel 2019, a distanza di mesi dalla visione, questo film non perde nulla del suo fascino che richiede il grande schermo.

11. L'isola delle rose con Elio Germano, Matilda De Angelis

Recensione: Link

Sorpresa? No

Elio Germano è il protagonista folle e visionario di una commedia tutta italiana ma dal forte respiro internazionale che, con grande efficacia, riesce a raccontare anche un preciso periodo storico.

10. Sound of Metal con Riz Ahmed, Olivia Cooke
Recensione: -
Sorpresa? Sì

Riz Ahmed stacca il biglietto per la stagione dei grandi premi con un'interpretazione quasi perfetta su cui si regge tutto questo potentissimo racconto di un musicista che improvvisamente perde l'udito.

9. Soul con le voci di Jamie Foxx, Tina Fey
Recensione: -
Sorpresa? Nì

Sulla carta la somiglianza con Inside Out sembrava essere un rischiosissimo limite. L'ultimo film Pixar tuttavia riesce a scrollarsi di dosso ogni ostacolo conquistando con originalità ed emozioni il cuore del pubblico.

8. Little Women con Saoirse Ronan, Florence Pough
Recensione: Link
Sorpresa? No

La trasposizione di Greta Gerwig non soffre i confronti con i molteplici e acclamati adattamenti del passato merito di intuizioni interessanti alla sceneggiatura e, soprattutto, di interpretazioni appassionanti come quelle di Saoirse Ronan e Florence Pugh.

7. Swallow con Haley Bennett, Austin Stowell
Recensione: -
Sorpresa? Sì

Haley Bennett trova un ruolo inquietante quanto sfaccettato che forse potrà finalmente lanciare la sua carriera.

6. Favolacce con Elio Germano, Tommaso Di Cola
Recensione: -
Sorpresa? Sì

Il miglior film italiano dell'anno porta la firma dei fratelli D'Innocenzo ed è un ritratto spietato delle periferie e delle umane fragilità.

5. Les Misérables con Damien Bonnard, Alexis Manenti
Recensione: Link
Sorpresa? Sì

Il paese simbolo della rivoluzione per l'uguaglianza festeggia unito la vittoria ai mondiali. Nella periferia parigina, tuttavia, si consumano abitualmente storie di soprusi e violenze spesso dettate da abusi.

4. Wolfwalkers con le voci di Honor Kneafsey, Sean Bean
Recensione: -
Sorpresa? Sì

Apple TV a fine anno sorprende tutti e regala ai suoi abbonati questo gioiellino di animazione capace di immergersi senza banalità nell'universo delle tradizioni irlandesi raccontando il rapporto tra uomo e natura oltre che le ambizioni e i sogni di giovani donne alla ricerca di un posto nel mondo.

3. The Invisible Man con Elisabeth Moss, Oliver Jackson-Cohen
Recensione: Link
Sorpresa? No

Elisabeth Moss diventa la principale interprete della rilettura più che mai innovativa e attuale del classico di genere di Wells. Il film riesce con lucidità disarmante a raccontare problematiche come violenza domestica e stalking.

2.Queen & Slim con Daniel Kaluuya, Jodie Turner-Smith
Recensione: Link
Sorpresa? Sì

Profetico e a modo suo rivoluzionario: sotto la regia di Melina Matsoukas, Kaluyya e Turner-Smith si fanno interpreti - loro malgrado - di un movimento alla ricerca di diritti umani e voci autentiche, stravolgende un genere spesso considerato esclusivamente retaggio "bianco".

1. Palm Springs con Andy Samberg, Cristin Milioti
Recensione: Link
Sorpresa? Sì

Loop temporali condito da un amore improbabile tra due protagonisti eccezionali: il film di Barbakow è un racconto irresistibile e folgorante che gioca con astuzia a suo piacimento con i canoni di generi altrimenti inflazionati.

Premi per categoria

Migliore attore protagonista: Riz Ahmed - Sound of Metal

Migliore attrice protagonista: Haley Bennett - Swallow

Migliore attore non protagonista: Chadwick Boseman - Ma Rainey's Black Bottom

Migliore attrice non protagonista: Florence Pugh - Little Women

Miglior cast: Palm Springs

Migliore colonna sonora: Queen & Slim

Menzioni speciali:

Coded Bias di Shalini Kantayya

Relic di Natalie Erica James

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TOP 20 TV Series 2020 - Il meglio del piccolo schermo

noreply@blogger.com (Stories.) — Wed, 30 Dec 2020 14:01:00 +0000

TOP 20 TV Series

Il meglio del piccolo schermo… secondo Stories.!

Il momento delle classifiche di fine anno è forse quello che, da appassionata, più temo e attendo allo stesso tempo. Dopo 12 mesi, si guarda all'insieme di storie ed esperienze vissute al fianco dei personaggi più o meno accattivanti incontrati davanti al piccolo schermo, costringendosi a un bilancio, soffrendo quasi davanti alla difficile scelta tra una posizione e un'altra da assegnare a una serie amata profondamente. Quest'anno più che mai è stato davvero difficile scegliere: le produzioni sono state di altissimo livello per tutti i canali e le piattaforme. La mia personalissima Top 20 delle migliori serie del 2020 è un insieme dei "viaggi da poltrona" più emozionanti dell'anno, di avventure che nei mesi passati più che mai hanno saputo lasciare un segno.

Puntate precedenti:

2019 - 2018 - 2017 - 2016 - 2015

20. This Is Us (st. 4) con Mandy Moore, Sterling K. Brown

Recensione: -

Sorpresa? Nì

Nella sua genuina semplicità la prima stagione di questa serie tv familiare mi aveva folgorato. La seconda e la terza sembravano aver perso di vista il vero cuore della famiglia Pearson. Con i più recenti episodi, invece, lo show ritrova se stesso e le giuste emozioni.

19. For All Mankind con Joel Kinnaman, Sarah Jones

Recensione: Link

Sorpresa? Sì

E se la Luna fosse stata la più grande conquista spaziale dell'era sovietica? La serie targata Apple immagina le conseguenze di questo evento non solo sul programma NASA ma anche sull'intera società statunitense, focalizzandosi su importanti riflessioni in merito al ruolo delle donne nel cambiamento.

18. Upload con Robbie Amell, Andy Allo

Recensione: -

Sorpresa? Sì

Robbie Amell e, più in generale, l'intera famiglia Amell, per chi vi scrive, sono tutt'altro che una garanzia di qualità. Upload, però, riesce a realizzare l'impossibile, regalando una delle riflessioni più efficaci sul rapporto tra realtà e mondo digitale.

17. Dead to Me (st. 2) con Christina Applegate, Linda Cardellini

Recensione: -

Sorpresa? No

La coppia collaudata tutta al femminile torna a sconvolgere Netflix con una nuova stagione scoppiettante che regala nuove situazioni surreali e irresistibili.

16. The New Pope con John Malkovich, Jude Law

Recensione: Episodio per episodio su Gogo Magazine

Sorpresa? Sì

Jude Law passa - anche se per poco - il testimone a un John Malkovich misurato nei suoi eccessi al Vaticano. La nuova prova seriale di Sorrentino parte con il freno a mano tirato per poi trovare il giusto ritmo e un finale epico.

15. Killing Eve (st. 3) con Jodie Comer, Sandra Oh

Recensione: Episodio per episodio su Gogo Magazine

Sorpresa? No

Jodie Comer capitalizza l'attenzione con un episodio eccezionale dedicato interamente al suo personaggio Villanelle, già di diritto nella leggenda. Peccato per un finale che sembra semplicemente svolgere un compito per i fan.

14. The Umbrella Academy (st.2) con Elliot Page, Aidan Gallagher

Recensione: Link

Sorpresa? Sì

Dopo una prima stagione che aveva lasciato non poche perplessità sulla sua efficacia, la famiglia Hargraves torna su Netflix con nuovi episodi imperdibili capaci di riflettere su emozioni e cambiamenti con l'aiuto di una colonna sonora eccezionale.

13. SF8 con Lee Yoo-young, Ye Soo-jung

Recensione: Link

Sorpresa? Sì

Dal Trieste Science+Fiction arriva una delle più belle sorprese di quest'anno: presentato come il Black Mirror sudcoreano, SF8 dimostra di essere molto di più rivelando una componente umana disarmante.

12. Sex Education (st. 2) con Asa Butterfeld, Gillian Anderson

Recensione: -

Sorpresa? Sì

L'effetto sorpresa della prima stupefacente stagione non si esaurisce bensì si rinnova con nuovi episodi imperdibili in grado di andare ancor più a fondo nelle tematiche vicine agli adolescenti e non solo.

11. Hunters (st. 1) con Logan Lerman, Al Pacino

Recensione: Link

Sorpresa? No

Sin dal suo annuncio, questa serie prodotta da Jordan Peele era tra i titoli che più attendevo dal 2020. Non ha deluso le aspettative regalandomi un intrattenimento spassoso ma estremamente intelligente nei temi e nella realizzazione

10. The Haunting of Bly Manor con Victoria Pedretti, Oliver Jackson-Cohen
Recensione: Link
Sorpresa? Sì

Reggere il paragone con il suo illustre predecessore, il gioiellino Hill House, era praticamente impossibile. Pur non superando il maestro, tuttavia, questo nuovo capitolo regala più emozioni grazie a una strepitosa Victoria Pedretti.

9. DARK (st. 3) con Louis Hofmann, Oliver Masucci
Recensione: Link
Sorpresa? Nì

Il ciclo della fortunata serie tedesca si chiude e aumenta la sua complessità, scommette con coraggio sulle sue convinzioni e non delude pur non accontentando il pubblico. La terza stagione richiede di essere metabolizzata e compresa e, proprio per questo, riesce ad andare oltre la semplice superficie.

8. The Great con Elle Fanning, Nicholas Hoult
Recensione: -
Sorpresa? No

Ormai è chiaro che Elle Fanning sarà una delle grandi interpreti della sua generazioni, capace di rendere iconico ogni suo personaggio. Questa serie non fa eccezione e si arricchisce grazie alla folle intesa sul set con Nicholas Hoult.

7. The Third Day con Jude Law, Naomie Harris
Recensione: -
Sorpresa? Sì

L'influenza di Midsommar c'è e si sente ma la serie evento interattiva - passata purtroppo un po' in sordina - osa molto introducendo elementi ancora più oscuri. Due strepitosi protagonisti traghettano il pubblico sull'isola di Osea per un viaggio che non dimenticheranno facilmente.

6. The Mandalorian (st. 2) con Pedro Pascal, Giancarlo Esposito
Recensione: Link
Sorpresa? Sì

Riuscire a soddisfare le aspettative dovute alla prima stagione non era semplice. Filoni e Favreau ci riescono e trovano finalmente il punto di svolta per l'intero universo di Star Wars.

5. DEVS con Sonoya Mizuno, Nick Hofferman
Recensione: -
Sorpresa? Sì

La creatura televisiva di Alex Garland è qualcosa che inizialmente si osserva a distanza con un misto di curiosità e inquietudine. Lo show FX non tradisce queste sensazioni e, surclassando la terza stagione di Westworld, si aventura senza paura tra scienza, etica e tecnologia disquisendo di determinismo e libero arbitrio.

4. I May Destroy You con Michaela Coel, Weruche Opia
Recensione: -
Sorpresa? Sì

Sulla carta, la serie scritta, diretta e interpretata dall'eccezionale Michaela Coel non sembrava essere la candidata ideale per le mie prime scelte televisive. Il risultato in 12 puntate però è sorprendente: Coel affronta tematiche attuali e complesse senza mai risultare pedante, coniugando riflessioni urgenti con nuove prospettive narrative.

3. La regina degli scacchi con Anya Taylor-Joy, Bill Camp
Recensione: Link
Sorpresa? No

La mia stime per Anya Taylor-Joy, ormai lanciatissimo nell'Olimpo di Hollywood e non solo, non è un segreto. In questa mini-serie rivelazione Netflix trova forse quella che è la sua migliore interpretazione di sempre.

2. Years and Years con Emma Thompson, Rory Kinnear
Recensione: Link
Sorpresa? Sì

Profetica, visionaria, eccentrica: Years and Years è senza dubbio la serie che, prima di tutti, aveva compreso le intenzioni del 2020. La famiglia protagonista, con un dark humour squisitamente inglese, saprà conquistarvi anche in modo un po' sinistro.

1. Tales from the Loop con Rebecca Hall, Jonathan Pryce
Recensione: Link
Sorpresa? Sì

Primo posto decisamente fuori dagli schemi per questo 2020. I gelidi paesaggi ispirati dalle immagini di Stalenhag trovano delle emozioni uniche per una fantascienza a episodi senza paragoni in grado di scaldare il cuore e intrigare anche gli spettatori più curiosi.

Premi per categoria

Migliore attore protagonista: Jude Law - The Third Day

Migliore attrice protagonista: Anya Taylor-Joy - La regina degli scacchi

Migliore attore non protagonista: Nick Hofferman - DEVS

Migliore attrice non protagonista: T'Nia Miller - The Haunting of Bly Manor

Miglior cast: Years and Years

Miglior episodio: Killing Eve 3x05 - Are You From Pinner?

Migliore colonna sonora: The Umbrella Academy 2

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The Undoing [mini-serie]

noreply@blogger.com (Stories.) — Mon, 14 Dec 2020 20:24:00 +0000

Titolo: The Undoing

Cast: Nicole Kidman, Hugh Grant, Matilda De Angelis, Edgar Ramirez, Noah Jupe, Donald Sutherland

Genere: drammatico, thriller

Episodi: 6

Voto: 2,5/5

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Grace (Nicole Kidman), terapista di successo dell'élite newyorkese, sembra avere una vita perfetta, quella che ha sempre sognato con un marito rispettato e un figlio che frequenta la migliore scuola privata della città. Un omicidio spietato e i sospetti intorno al marito Jonathan (Hugh Grant) faranno però crollare il suo luccicante castello di privilegiate illusioni. La donna dovrà quindi confrontarsi con un vortice di segreti che non lascia scampo e che la porterà a mettere in discussione le sue convinzioni e la sua stessa etica.

A quattro anni da The Night Manager, Susanne Bier torna a dirigere una produzione per il piccolo schermo. Anche in questa occasione, la regista danese insieme allo sceneggiatore David E. Kelly articola la sua narrazione in sei episodi a partire da un romanzo di successo. The Undoing è infatti la mini-serie HBO tratta da You Should Have Known di Jean Hanff Korelitz che vede come eleganti protagonisti Hugh Grant e Nicole Kidman affiancati dall'italianissima Matilda De Angelis al suo primo grande progetto internazionale. Lo show, andato in onda negli USA e in UK a cavallo tra ottobre e novembre, ha ricevuto un'accoglienza estremamente calorosa, con un crescendo di rating e ascolti che ha saputo battere record inossidabili appartenuti a un franchise del calibro di Game of Thrones. La curiosità per un titolo di questo tipo è quindi la diretta conseguenza di risultati ottenuti da una produzione che sulla carta sembra non aver nessuna carta in più rispetto a tanti altri prestige drama. A visione conclusa, tuttavia, la vera domanda diventa: cosa rimarrà di uno show come questo? Qual è il suo vero contributo a questa affollata stagione sul piccolo schermo?

Le risposte di una spettatrice abbastanza indifferente davanti al risultato di questo progetto si sofferma su una catena di record inspiegabili se confrontati con una narrazione piuttosto canonica, con interessanti colpi di scena che sul finale appaiono più fortuiti che accuratamente costruiti. Il più grande pregio di questa serie, tutt'altro che coinvolgente nel ritmo e nelle svolte narrative, è infatti la capacità di inserirsi in dinamiche consolidate - e un po' inflazionate - cercando di raccontare la solita storia di ambiguità e segreti grazie a un'ottima protagonista, Nicole Kidman, che, paradossalmente rappresenta però anche il più grande limite dello show. Un cast di contorno piuttosto valido ma tutt'altro che brillante, infatti, non distoglie l'attenzione dal fatto che l'attrice australiana sembri ormai intrappolata nel ruolo della moglie incatenata dai segreti di coppia e dalle costrizioni di una relazione tossica. La memoria, infatti, corre veloce, velocissima, sin dalle sequenze iniziali a Big Little Lies, di cui questo guilty pleasure dagli eleganti connotati di prestige drama potrebbe dirsi lontano parente. Al termine della sesta puntata, infatti, si ha la consapevolezza di aver assistito all'ennesima buona prova attoriale di Nicole Kidman accompagnata anche dalla sicurezza che ogni personaggio, ogni situazione e svolta, seppure elegantissima in pieno stile HBO, sfuggirà dai ricordi al termine dei titoli di coda senza aggiungere materiale alle accese discussioni degli appassionati.

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"L'incredibile storia dell'Isola delle Rose" di Sydney Sibilia

noreply@blogger.com (Stories.) — Sat, 12 Dec 2020 07:00:00 +0000

Titolo: L'incredibile storia dell'Isola delle Rose

Un film di Sydney Sibilia con Elio Germano, Matilda De Angelis, Leonardo Lidi, Fabrizio Bentivoglio, Luca Zingaretti, François Cluzet

Genere: commedia, drammatico, storico

Durata: 117 min

Ambientazione: Italia, Francia

Anno: 2020

Voto: 4/5

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Una laurea e l'agognato ingresso nell'ordine degli ingegneri: Giorgio Rosa (Elio Germano), ragazzo bolognese che ama pensare fuori dagli schemi, si prepara a entrare ufficialmente nel mondo del lavoro, avviando la sua vita "da adulto" cariche delle aspettative del padre e - più ampiamente - di un'intera società alla fine degli esplosivi anni Sessanta. Delle riflessioni scanzonate condivise con l'amico Maurizio (Leonardo Lidi) in riva all'Adriatico suggeriscono a Giorgio un'idea folle ma non così impossibile da realizzare. La costruzione di una piattaforma artificiale all'esterno delle acque territoriali italiani darà inizio a un'incredibile avventura che porterà il giovane a Strasburgo per l'estremo tentativo di ottenere il riconoscimento dell'indipendenza della sua costruzione, l'isola delle rose. E se tutta la sua caparbietà fosse dettata dal desiderio di riconquistare la sua vecchia fidanzata Gabriella (Matilda De Angelis)? Emozioni, ambizioni personali e volontà di lasciare un segno nel mondo diventano così il motore di una storia vera a limite dell'incredibile.

1968, l'anno che è diventato sinonimo di contestazione, di rivendicazioni sociali e contrasti generazionali, diventa il palcoscenico ideale di un racconto tra realtà e fantasia che gioca con il genere della commedia con grande astuzia grazie a una sceneggiatura con un ritmo irresistibile: sempre frizzante, costantemente sul pezzo e mai fuori controllo. Sydney Sibilia con L'incredibile storia dell'Isola delle Rose conferma che il successo della trilogia Smetto quando voglio non era assolutamente un fuoco fatuo ma solo una prima scintilla del suo talento, supportato alla scrittura anche dalla penna di Francesca Manieri. Con questa nuova prova cinematografica prodotta da Matteo Rovere e Groenlandia, il regista salernitano si mette nuovamente in discussione con entusiasmo e divertimento senza mai risparmiarsi. Proprio questo premia un film imperdibile.

Spingendosi anche al limite del caricaturale per alcune figure, il film gioca con personaggi, situazioni e ambientazioni fuori dagli schemi coniugando una narrazione spassosa con uno sguardo acuto su un preciso periodo storico che nel mondo ma in particolare in Italia ha segnato profondamente ogni aspetto della vita quotidiana. Nei panni del visionario ingegnere Rosa, uno strepitoso quasi trasformista Elio Germano - con l'aiuto delle concessioni creative alla scrittura - diventa la voce e il simbolo di un'intera generazione alle prese con aspettative imposte, sogni intrappolati e, soprattutto, un momento di grandi cambiamenti su diverse scale. I protagonisti di questo film diventano anche degli eccentrici protagonisti di queste trasformazioni, reinterpretando senza filtri una storia talmente incredibile che diventa difficile credere che nessuno fino ad ora abbia pensato di trasformarla in un film. Un talentuoso cast di supporto diventa così il veicolo di un narrazione che non risparmia colpi bassi e attacchi taglienti, celebrando il coraggio di trovare un proprio spazio nel mondo, la propria indipendenza.

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"Get Duked!" di Ninian Doff

noreply@blogger.com (Stories.) — Tue, 13 Oct 2020 07:00:00 +0000

Titolo: Get Duked!

Un film di Ninian Doff con Samuel Bottomley, Viraj Juneja, Rian Gordon, Lewis Gribben, Eddie Izzard, Kate Dickie, Georgie Glen, James Cosmo

Genere: commedia nera

Durata: 87 min

Ambientazione: Regno Unito

Anno: 2019

Voto: 4/5

Dean (Rian Gordon), Duncan (Lewis Gribben) e DJ Beatroot (Viraj Juneja) sono tre ragazzini scozzesi che hanno saputo distinguersi a scuola e non solo per i loro comportamenti problematici. Tendenze piromani e pesanti dosi di sostanze allucinogene hanno condotto questo strampalato trio all'iscrizione - forzata - al leggendario Duke of Edinburgh Award, competizione dedicata i più giovani che richiede di superare alcune prove e percorsi nelle Scottish Highlands. A loro si unirà anche Ian (Samuel Bottomley), introverso e timido ma estremamente motivato a portare a termine la missione per ottenere l'ambito riconoscimento finale. L'improbabile squadra si avventurerà con leggerezza nell'iconico scenario scozzese ma presto scoprirà che qualcuno di estremamente pericoloso e minaccioso è sulle loro tracce.

Humour nerissimo e hip hop scatenato sono gli ingredienti principali di un gioiellino che arriva direttamente dalla Scozia più profonda. Get Duked! è una creatura eclettica che nel corso del 2019 ha travolto con il suo spirito allucinato i più importanti festival di cinema indipendente: dal South by Southwest all'Edinburgh International Film Festival passando anche per Rotterdam. In Italia ha fatto il suo debutto direttamente nel catalogo di Prime Video in modo piuttosto silenzioso nonostante il suo fragoroso potenziale. Le premesse per un progetto scoppiettante erano già ampiamente intuibili sulla carta: alla regia di Boyz in the Wood - questo è il titolo con cui originariamente era stato annunciato il film - figura infatti Ninian Doff al sua debutto in "sala" dopo essersi fatto le ossa nel mondo dei videoclip con collaborazioni con artisti del calibro di Migos, The Chemical Brothers e Kasabian.

Proprio il suo ultimo corto musicale - quello di Out of Sight dei Run the Jewels - è legato a doppio filo con questo lungometraggio d'esordio. Nei tre minuti di videoclip, infatti, si ritrovano già gli elementi cardine di Get Duked. Quest'ultimo però trova respiro ancora più ampio nella sua forma cinematografica dove alle atmosfere musicali scatenate e alle intuizioni estetiche legate a trip dei protagonisti si aggiunge una durissima e spregiudicata critica nei confronti della società attuale, con particolare attenzione per quella britannica.

Quelle che inizialmente potrebbero sembrare delle banali e farsesche composizioni hip hop di DJ Beatroots con l'avanzare della narrazione si dimostrano taglienti versi con l'esplosione di rivendicazioni e insoddisfazioni del brano che prende il nome dal titolo. Attraverso il testo di Get Duked il film riesce a sferrare il colpo letale, a dare definitivamente forma alla critica nei confronti di una società di "adulti" che guarda con disprezzo, pregiudizio oppure paternalismo alle nuove generazioni. I ragazzi protagonisti, loro malgrado, diventano portavoce di un'intera generazione da sempre sottoposta a pressioni costanti che non ascoltano desideri e speranze e a dinamiche di presunti valori e ideali ormai obsoleti sbandierati come irrinunciabili strumenti per affrontare una "realtà" sempre più distante dalla verità. Proprio come una competizione "da boy scout" fondata nel 1956 che tuttora viene considerata un attestato di valori che "rendono adulto un ragazzino". Evidentemente qualcosa non funziona correttamente e la critica goliardica a questo sistema, con tutte le sue libertà e piccole ingenuità, è semplicemente irresistibile con il suo ritmo perfettamente funzionante.

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The Head [mini-serie]

noreply@blogger.com (Stories.) — Thu, 17 Sep 2020 06:30:00 +0000

Titolo: The Head

Cast: Alexandre Willaume, Katharine O'Donnelly, John Lynch, Laura Bach, Alvaro Morte

Genere: mystery, thriller

Episodi: 6

Voto: 3,5/5

La vita dei ricercatori e scienziati impegnati nelle missioni antartiche è decisamente fuori dal comune. La quotidianità tra le quattro mura della stazione Polaris VI, in particolare, è ancora più difficile del previsto quando una minaccia sconosciuta e oscura inizia a mettere in pericolo ogni componente della squadra operativa. Ogni componente del piccolo team, abbandonato a se stesso nel vivo della rigida e oscura stagione invernale al polo, non potrà più fidarsi dei compagni di missione: chiunque potrebbe essere il responsabile di una serie di tragici avvenimenti.

I mesi di lockdown hanno regalato ad appassionati di serie tv e non scenari impensabili, situazioni straordinarie che, a posteriori, fanno impallidire molti spunti narrativi di alcune dei più quotati show. Il concetto di isolamento, soprattutto, ha assunto nuove sfumature. Da sempre al centro di affascinanti trame e strutture narrative, l'idea di totale distacco dalla realtà - per le più disparate ragioni - si trova ora ad affrontare nuove sfide di storytelling a stretto contatto con il mondo quotidiano. In questo senso, The Head, serie televisiva ispano-nipponica che gioca proprio con il presupposto di un gruppo di protagonisti isolato dalla civiltà, ha trovato forse il suo ostacolo più grande.

Sin dai primi episodi delle sei puntate della prima - di una serie? - stagione, infatti, si osserva uno scarso interesse della regia e della sceneggiatura nei confronti della psicologia dei singoli personaggi. I riferimenti a Dieci piccoli indiani e a La cosa, infatti, non sono sorretti da approfondimenti delle personalità in gioco paragonabili alle due grandi fonti d'ispirazione. Il potenziale da thriller psicologico resta quindi quasi totalmente inesplorato, con semplici isolati guizzi che si avventurano oltre la superficiale coltre di gelida apparenza.

La scelta di mostrare ogni personaggio come una semplice pedina, un indiziato raggelante reso misterioso per sottrazione, rientra però perfettamente nei piani di una produzione di entrare in perfetta simbiosi con le sue ambientazioni: una natura impervia, minacciosa per vocazione nei confronti di arroganti esploratori incapaci di confrontarsi in primis con i propri segreti e ricordi. La serie, con questo escamotage - consapevole o non -, riesce quindi a trovare tutta la sua carica di sano intrattenimento in grado di reggere l'intera narrazione senza alcun calo. L'ingranaggio narrativo a base di azione e riferimenti sofisticati funziona così bene che, alla fine, si perdona anche una conclusione a tratti forzata ma non per questo meno soddisfacente.

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"Dieci piccoli indiani" di René Clair | Thursday Classic |

noreply@blogger.com (Stories.) — Thu, 20 Aug 2020 06:30:00 +0000

Titolo: Dieci piccoli indiani

Titolo originale: And Then There Were None

Un film di René Clair con Barry Fitzgerald, Walter Huston, Louis Hayward, Roland Young, June Dupres, Judith Anderson

Genere: giallo

Durata: 97 min

Anno: 1945

Voto: 3,5/5

Dieci sconosciuti ricevono una lettera dal signor U. N. Owen che li invita a trascorrere un fine settimana sull'isola di Nigger Island, luogo remoto al largo delle coste del Devon. Il gruppo di invitati, dopo un iniziale momento di confusione, inizierà gradualmente a notare piccoli dettagli sospetti che alimentano un clima misterioso che avvolge l'intera dimora del signor Owen che tarda a presentarsi ad ogni incontro. Una nefasta filastrocca su dieci piccoli indiani che incontrano uno dopo l'altro la morte, infine, costringerà ogni invitato a mettere in discussione ogni sicurezza rimasta e a sospettare di chiunque.

Foto: Attaboy Clarence

Il leggendario René Clair, noto per le sue commedie e storie fantasiose, con Dieci piccoli indiani è alla sua prima prova con il genere giallo. L'adattamento del più celebre enigma a scatola chiusa è basato sull'opera teatrale scritta dalla stessa Agatha Christie, autrice dell'omonimo romanzo cult. La scelta di concentrarsi sulla piece riadattata piuttosto che sul libro nacque dalla necessità di uno spiraglio di speranza per il finale della storia: al tramonto della seconda guerra mondiale, un epilogo amaro non sarebbe stato accolto con favore dal pubblico. Con questi presupposti, quindi, si delineò la prova cinematografica di Clair in un terreno di gioco - di sospetti - per lui decisamente inedito.

Bastano pochi minuti al cineasta francese per trovare la giusta dimensione di un giallo. La prima sequenza, cinque minuti di taglienti silenzi, è un esempio magistrale di come costruire e tessere una ragnatela di sospetti e sguardi articolati su dettagli cruciali. I dieci personaggi di questa storia trovano forma, profondità e fascino sin dall'apertura con i loro gesti, inserendosi in un preciso immaginario e nutrendosene. Impossibile, quindi, sfuggire alla morsa di un intreccio ben curato e arricchito con una messa in scena elegante, ricamata da giochi di ombre che aggiungono un crudele tocco surreale alla narrazione. Ogni interprete incarna e ridefinisce il suo ruolo, trovando costantemente nuove sfumature di queste personalità ben note agli appassionati del genere. In questo modo, a quasi otto decenni di distanza dall'uscita in sala originale, questa versione del classico risulta essere ancora la più fedele e, allo stesso tempo, la più originale con il suo sinistro charme.

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Agatha Christie - La serie infernale [mini-serie]

noreply@blogger.com (Stories.) — Wed, 05 Aug 2020 11:03:00 +0000

Titolo: Agatha Christie - La serie infernale

Titolo originale: The ABC Murders

Cast: John Malkovich, Rupert Grint, Tara Fitzgerald, Henry Goodman, Shirley Henderson, Freya Mavor, Kevin McNally

Genere: giallo, drammatico, thriller

Episodi: 3

Voto: 2,5/5

Hercule Poirot (John Malkovich) ha trovato un nuovo sanguinoso sfidante. Il celeberrimo detective belga, infatti, è il destinatario di alcune criptiche lettere che un mittente misterioso invia includendo alcuni indizi sui suoi prossimi delitti. Il modus operandi del serial killer è semplice quanto agghiacciante: scegliere una vittima in base alle sue iniziali e al luogo in cui si trova. Questa strategia rigorosa sarà una sfida intrigante per Poirot alle prese con delitti sempre più sconvolgenti.

Il repertorio letterario costruito anno dopo anno dalla penna di Agatha Christie con le avventure di Hercule Poirot è un patrimonio di indecifrabile valore per la BBC, da sempre in prima linea nel riproporre i più grandi titoli del canone della regina del giallo. Agatha Christie - La serie infernale è la quarta miniserie di questo tipo sviluppata sotto il controllo creativo della sceneggiatrice Sarah Phelps. Per questo motivo, sin dai primi minuti della narrazione, è possibile riscontrare gli stessi problemi - o libertà, secondo altri punti di vista - riscontrabili già nella sua prima incursione tra gli adattamenti di cult dell'autrice britannica, Dieci piccoli indiani, con una piccola differenza: questa volta, al centro della scena, vi è uno dei detective più radicati nell'immaginario comune, soprattutto grazie alle popolarissime versioni su piccolo e grande schermo di David Suchet e Albert Finney. John Malkovich, tuttavia, sulla carta non aveva nulla da invidiare a questi illustri predecessori.

Un Poirot decadente, annoiato e triste domina totalmente la scena di questi tre episodi. La versione crepuscolare proposta da Malkovich è volutamente distante da qualsiasi termine di paragone e, in parte, anche dal detective belga in formato cartaceo. Questa scelta, condivisibile o meno, riesce comunque a proporre una raffigurazione di questo personaggio totalmente inedita, supportata dal carisma silenzioso e discreto dell'attore protagonista. La scrittura del personaggio, tuttavia, non valorizza questi cambiamenti audaci che, invece, finiscono per appesantire inutilmente il racconto. L'approccio scelto per questo adattamento, inoltre, stride fortemente con le aspettative nel momento in cui dipinge il contesto delle investigazioni di Poirot. La rappresentazione dark, terribilmente cupa ed esplicita cozza troppo con il materiale di partenza e non può nemmeno essere giustificata, come nel caso di Dieci piccoli indiani, da una rivisitazione sanguinosa accompagnata da solide costruzioni di tensioni e ansie. La componente psicologica di The ABC Murders, infatti, rimane schiacciata totalmente da uno script che preme l'acceleratore su una raffigurazione quasi vittoriana.

Delle buone interpretazioni, nonostante i forti limiti della scrittura, non basteranno ad addolcire la visione di questa miniserie per gli occhi di un appassionato dei romanzi originali. Se, invece, la narrazione dovesse essere accolta come un semplice giallo quasi noir come tanti altri in cui il protagonista, per una serie di coincidenze si chiama Poirot, la visione potrebbe avere risultati differenti.

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Years and Years [stagione 1]

noreply@blogger.com (Stories.) — Mon, 20 Jul 2020 11:02:00 +0000

Titolo: Years and Years

Cast: Rory Kinnear, T'Nia Miller, Russell Tovey, Jessica Hynes, Ruth Madeley, Anne Reid, Emma Thompson

Genere: drammatico, fantascienza, distopico

Episodi: 6

Voto: 5/5

Il racconto della famiglia Lyons inizia nel 2019 in una realtà alternativa con lo sguardo del pubblico che si insinua nelle abitazioni di ogni suo componente. Stephen (Rory Kinnear) è un consulente finanziario che può godere di una situazione economica favorevole ignaro di un futuro incerto. C'è poi la sorella più giovane Rosie (Ruth Madeley), rimasta paralizzata su una sedia a rotelle con figli da accudire e uno sguardo ingenuo sulla realtà. A loro due si aggiungono Daniel (Russell Tovey), sposato con Ralph e alle prese con drammatiche violazioni dei diritti a livello internazionale, e Edith (Jessica Hynes), attivista disillusa. Le loro vite saranno completamente travolte da eventi incredibili e da incontri sconvolgenti. C'è ancora speranza per questo futuro?

Avete provato a immaginare uno strano mix tra Black Mirror, Parenthood e I figli degli uomini? La creatura televisiva nata dalla creatività di Russell T. Davies (Queer As Folk, Torchwood e Doctor Who) a prima vista potrebbe essere un “semplice” esperimento che gioca in modo divertito proprio con le peculiarità di generi come fantascienza, distopia e dramma familiare. David, però, non si limita a questo e propone al suo pubblico uno show che sfugge a qualsiasi etichetta sorprendendo costantemente lo spettatore. Immaginando il peggiore - o il più probabile? - dei mondi possibili tra crisi economiche, riconferme di Trump ed epidemie, Years and Years segue per più di quindici anni ricchissimi di avvenimenti i componenti della famiglia protagonista dedicando ad ognuno di loro il giusto spazio e la giusta attenzione con cui raccontare storie e riflettere sul ruolo di ciascuno di noi nella società attuale ma soprattutto in quella che si vorrebbe costruire per il futuro.

Il risultato è una narrazione tutt’altro che sovraccaricata. Con lucida determinazione la serie BBC/HBO affronta un crescendo devastante di sconvolgimenti sociali, tecnologici e politici attraverso le ripercussioni vissute da ogni personaggio. Il filo conduttore di ogni episodio è l’ascesa politica del personaggio interpretato da una sempre strepitosa Emma Thompson, leader di un partito populista chiamato “4 stelle”(!!). La sua figura, ridotta inizialmente a semplice intermezzo eccentrico nei tg mostrati sul piccolo schermo nelle abitazioni della famiglia Lyons, acquisterà sempre più importanza fino a diventare l’anello di congiunzione tra le riflessioni sui singoli individui in gioco e l’intera comunità di questo futuro non troppo lontano. Questa abilità di giocare su più livelli, sia dal punto di vista narrativo che tematico, rappresenta la vera fortuna di uno show che sa interpretare la realtà e, in un certo senso, essere anche profetico.

Years and Years ha uno sguardo lucido e allo stesso tempo creativo sull'attualità. Sa dove colpire e trovare i punti più deboli con un irresistibile humour nero taglientissimo. Ogni sua componente contribuisce quindi alla riuscita di una delle serie più sorprendente degli ultimi anni.

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"Chi-Raq" di Spike Lee

noreply@blogger.com (Stories.) — Thu, 25 Jun 2020 20:09:00 +0000

Titolo: Chi-Raq

Un film di Spike Lee con Nick Cannon, Wesley Snipes, Teyonah Parris, Jennifer Hudson, Samuel L. Jackson, John Cusak, Angela Bassett

Genere: musical, commedia, drammatico

Durata: 118 min

Ambientazione: Stati Uniti

Anno: 2015

Voto: 3/5

Spike Lee lascia momentaneamente alle spalle la sua amata Brooklyn che spesso fa da sfondo alle vicende dei suoi film e si avventura nella zona sud di Chicago. Proprio a causa dell’altissimo tasso di criminalità, questa area viene chiamata Chi-Raq dai suoi abitanti, la cui maggioranza è parte della locale comunità afroamericana. Le sanguinose risse e le guerre tra gang sono all’ordine del giorno e lasciano per le strade di ogni quartiere morti spesso estranei ai conflitti. Come fermare questa escalation di violenze? La fidanzata del capo di una delle gang del posto sembra aver trovato la soluzione: cercherà di coinvolgere tutte le ragazze della zona in uno sciopero del sesso che durerà fino a quando questa guerra smetterà di versare sangue nelle strade di Chicago.

Chi-Raq, primo film originale Amazon in assoluto, è forse il titolo più audace ed eccentrico dell’intera filmografia di Spike Lee. Si tratta di una pellicola così radicata nella sua ambientazione di un quartiere metropolitano statunitense da rischiare spesso di essere fine troppo faticosa fuori dal contesto. Insieme a un cast che, pur includendo grandi nomi come John Cusack, Jennifer Hudson e Samuel L. Jackson, è capitanato da volti sconosciuti, il regista di Do The Right Thing trova la sua chiave musical per interpretare e adattare ai temi del terzo millennio la Lisistrata di Aristofane.

Il film - rigorosamente da gustare in lingua originale - sfrutta ogni potenzialità - dalla musica hip hip ai colori, dalle scene esplicite ai dialoghi in rima - per raccontare con finta frivolezza drammi contemporanei senza risparmiare alcun colpo. Questa scelta di assoluta privazione di limiti nella messa in scena comporta in alcuni passaggi alcune imperfezioni oppure svolte al limite del (volutamente) grottesco. Nonostante questo, però, il film si rivela un titolo raro ed estremamente sperimentale.

Little Fires Everywhere [mini-serie]

noreply@blogger.com (Stories.) — Mon, 22 Jun 2020 12:28:00 +0000

Titolo: Little Fires Everywhere

Cast: Kerry Washington, Reese Witherspoon, Joshua Jackson, Rosemarie DeWitt, Lexi Underwood

Genere: drammatico

Episodi: 8

Voto: 2,5/5

Negli anni Novanta, Mia (Kerry Washington), una donna dal passato misterioso e dal futuro altrettanto criptico, si trasferisce insieme alla figlia nella cittadina di Shaker Heights, città di fondazione organizzata e pianificata in ogni dettaglio. La giornalista Elena (Reese Witherspoon), prima residente della zona incontrata da Mia, rappresenta alla perfezione la filosofia alla base di questa piccola comunità dell'Ohio. La collisione tra due mondi opposti potrebbe dare vita a una storia inaspettata e imprevedibile.

Foto: The Hollywood Reporter

Tratta dall’omonimo bestseller di Celeste Ng, l’ultima attesa produzione di casa Hulu vede in prima linea Reese Witherspoon e Kerry Washington nei panni di due protagoniste estremamente diverse nel vivo degli anni Novanta. La prima, Elena, é una donna con ambizioni infrante e prospettive piegate ai doveri familiari. Ogni istante della sua vita, accuratamente programmata e curata in ogni dettaglio, é dedicato alla sua famiglia e, soprattutto, a come essa appare agli occhi degli altri. Il personaggio della Washington, Mia é invece una figura sfuggente, dall’intuibile passato segnato da avvenimenti fuori dal comune che la costringono a una vita quasi da nomade insieme alla figlia Pearl con cui ha un legame viscerale. L’incontro tra queste due personalità - e interpreti - agli antipodi prometteva scintille ma, in conclusione, si è rivelato un semplice fuoco fatuo che definisce il flop di un prodotto potenzialmente intrigante come Little Fires Everywhere.

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Una narrazione confusa più del necessario consuma il potenziale da thriller psicologico appesantendo la messa in scena già fortemente penalizzata da interpretazioni troppo sopra le righe che spesso conducono a una recitazione quasi urlata e ingombrante ma incapace di fare riflettere. Le due attrici di punta sembrano intrappolate in scialbi stereotipi incapaci di mettere in moto il racconto trovando il giusto calore per avventurarsi tra temi scottanti. La quantità di problematiche sociali affrontate, inoltre, sembra quasi voler nascondere una sostanziale mancanza di cognizione di causa. Le buone ma superficiali intenzioni e il bruciante desiderio di assurgere a prestige drama à la HBO si traducono quindi in una miniserie frettolosa e inconcludente capace solo di fare leva sul guilty pleasure involontario.

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"Andromeda" di Robert Wise | Vade Retro Virus

noreply@blogger.com (Stories.) — Thu, 07 May 2020 08:00:00 +0000

Titolo: Andromeda

Titolo originale: The Andromeda Strain

Un film di Robert Wise con Arthur Hill, David Wayne, James Olson, Kate Reid, Paula Kelly

Genere: drammatico, fantascienza, thriller

Durata: 131 min

Ambientazione: Stati Uniti

Anno: 1971

Voto: 3/5

La desolata periferia del New Mexico si trasforma improvvisamente in uno scenario apocalittico dopo che un satellite in rientro è caduto sulla superficie terrestre. I tecnici inviati dal governo degli Stati Uniti per un sopralluogo rilevano inoltre che tutti gli abitanti della cittadina colpita sono morti per motivi misteriosi. Anche le più avanzate procedure di gestione dell'emergenza dovranno essere riformulate davanti a un virus che sfugge a ogni tipo di conoscenza trattandosi di un'entità sconosciuta proveniente dallo spazio. Un'esclusiva task force di scienziati e ricercatori dovrà fare luce sul mistero attraverso esperimenti e analisi condotte in una segretissima base nel deserto del Nevada.

Michael Crichton attraverso le sue opere ha sempre saputo plasmare una prospettiva visionaria sulla concretezza della realtà. Coniugando una profonda conoscenza scientifica a una stimolante curiosità per il futuro e le sue problematiche, l'autore statunitense sin dal suo esordio ha trovato prospettive pionieristiche su temi che ancora al giorno d'oggi sono estremamente intriganti quanto attuali. Nel 1969, in corrispondenza del momento più alto della corsa allo spazio, Crichton si focalizza sul rientro sulla Terra, sulla componente più umana alle prese con qualcosa di sconosciuto e imprevedibile.

A due anni dalle pubblicazione del romanzo, il regista Robert Wise, già detentore di due premi Oscar, è al timone dell'adattamento cinematografico di Andromeda, un film fedelissimo al materiale di partenza sia nei suoi spunti originali e autentici che nelle sue pecche legate soprattutto a un ritmo difficile da sostenere. Nel passaggio sul grande schermo, infatti, la storia non riesce a trovare toni più cinematografici, mantenendo con eccessivo rigore gli schemi e la prolissità che sulla carta, invece, avevano posto le basi di un successo. La pellicola sotto questo punto di vista delude senza però intaccare lo spirito e i temi del racconto.

Andromeda di Wise, infatti, sfruttando un racconto corale e una struttura rigorosa riesce paradossalmente a interpretare con ammirevole efficacia il clima e le dinamiche che si instaurano nel momento in cui si prende coscienza di una realtà segnata da un ente pericoloso completamente sconosciuto. Animandosi con le angosce e le paranoie tipiche del cinema degli anni Settanta, questa pellicola riesce nell'impresa di raccontare uno scenario credibile e, proprio per questo, ancora terribilmente spaventoso. Il finale, inoltre, sottolinea alla perfezione il timore e il limite tutto umano legato all'incapacità di trovare una soluzione. Allo stesso tempo, però, davanti a tutto questo solo dedizione a una causa e il desiderio di scoprire di più - aiutate anche con un pizzico di fortuna - diventano le armi indispensabili per un'emergenza ritratta sul grande schermo con i toni tipici del tecno-thriller ma con somiglianze innegabili con casi estremi reali.

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Andromeda è solo uno dei possibili - e infiniti! - spunti cinematografici parte dell'iniziativa Vade Retro Virus che unisce alcuni amici cinefili del mondo di Blogger con riflessioni a tema… virus!

Ai seguenti link trovate tutte le proposte cinematografiche dei blogger che hanno aderito all'iniziativa:

Pietro Saba World - L'esercito delle 12 scimmie

La Bara Volante - L'ombra dello scorpione

Non c'è paragone - Kairo

La fabbrica dei sogni - Infection

The Obsidian Mirror - The flu

Director's cult - La notte ha divorato il mondo

"Munich" di Steven Spielberg | Thursday Classic |

noreply@blogger.com (Stories.) — Thu, 30 Apr 2020 05:00:00 +0000

Titolo: Munich

Un film di Steven Spielberg con Eric Bana, Daniel Craig, Aylet Zurer, Ciaran Hinds, Geoffrey Rush

Genere: storico, thriller, drammatico

Durata: 163 min

Anno: 2005

Voto: 4/5

In seguito al sanguinoso massacro di Monaco di Baviera del 1972 in cui persero la vita undici atleti olimpici israeliani, il Mossad organizza e pianifica una vendetta chiamata in codice "Operazione Ira di Dio", finalizzata a uccidere i maggiori esponenti di Settembre Nero, l'organizzazione terroristica responsabile del crudele attentato. A Avner Kaufman (Eric Bana), inizialmente poco propenso a prendere parte alla missione, viene affidata la guida di un gruppo di specialisti dell'intelligence pronti a colpire gli obiettivi nelle varie città europee con attacchi spettacolari. Con l'avanzare delle missione, tuttavia, inizieranno a sorgere ulteriori dubbi e perplessità nella mente del protagonista.

A dodici anni dal suo più apprezzato lavoro, Schindler's List, Steven Spielberg nel 2005 con Munich torna a confrontarsi con le sue origini ebree affrontando una delle pagine più discusse della storia di Israele: la dura risposta dello stato in seguito a un terribile attentato terroristico. Gli eventi, tutt'altro che semplici da raccontare, furono segnati duramente da interferenze e interazioni ben poco limpide ancora oggi- Il densissimo e ostico materiale di partenza sulla carta sembra impossibile da trasporre con efficacia sul grande schermo. Spielberg, con questo suo film considerato da molti "minore", trova emozioni e tensione pure raccontando una storia avvincente e intrigante anche con la sua capacità di far riflettere sul significato di pace e di giustizia.

Una domanda, infatti, si fa sempre più insistente con l'avanzare del film e con la crescita della tensione. In una realtà civilizzata, che costo deve avere la giustizia? Fino a dove si può spostare il limite di umanità? Calibrando alla perfezione componente thriller e spy, la narrazione, perfetta nei tempi e nelle inquadrature chirurgiche della preparazione delle sequenze di attacco, pone l'attenzione su questi interrogativi mostrandone sfaccettature e contraddizioni attraverso la lenta e inesorabile discesa nel labirinto della disperazione del protagonista, un validissimo Eric Bana alla sua migliore prova attoriale sul grande schermo. Il risultato, tagliente e amaro, è il naturale risultato di un'operazione cinematografica studiata accuratamente in ogni suo dettaglio storico e non.

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Star Trek: Picard [stagione 1]

noreply@blogger.com (Stories.) — Tue, 14 Apr 2020 06:00:00 +0000

Titolo: Star Trek: Picard

Cast: Patrick Stewart, Isa Briones, Alison Pill, Santiago Cabrera, Michelle Hurd, Harry Treadaway

Genere: fantascienza, drammatico, azione

Stagione: 1

Episodi: 10

Voto: 3/5

Nel 2399 le grandi imprese del capitano Picard (Patrick Stewart) sono un ricordo lontano riportato sporadicamente alla luce da nostalgici ammiratori ma anche da nemici pronti a mettere in discussione le intenzioni dell'uomo dietro all'uniforme. Dopo aver rinunciato ai suoi compiti con la Flotta Stellare, Picard sembra vivere i placidi anni di un necessario ritiro circondandosi di memorie agrodolci di tempi lontani. Una scoperta inaspettata su un suo fedelissimo collaboratore e un complesso intrigo, tuttavia, riporteranno in attività il leggendario capitano.

Foto: CBS

A quasi 20 anni dalla sua ultima apparizione sul piccolo schermo, il capitano Jean Luc Picard (Patrick Stewart) torna in scena con una serie di Star Trek a lui interamente dedicata. Star Trek: Picard rispecchia completamente la personalità del suo assoluto protagonista: è uno show malinconico che non raramente indugia su ricordi e passate glorie. L’aspetto più convincente della nuova serie in 10 episodi firmata CBS è senza dubbio il forte contrasto tra vecchia e nuova generazione. Il gioco di opposti tra l’emozionante tradizione e l’incontenibile slancio verso nuovi orizzonti è il vero motore della narrazione ed è un ottimo punto di partenza che crea una piacevole atmosfera sospesa nel tempo.

Il problema dello show, tuttavia, è l’incapacità di prendere con l'avanzare della storia una posizione decisa tra questi due estremi, lasciando costantemente in secondo piano il potenziale dei diversi personaggi. Le buone prospettive per il futuro di Picard - di io è già stata confermata una seconda stagione - non mancano. Quello che davvero servirà sarà un pizzico di coraggio in più in grado di aumentare la tensione del racconto con un ritmo più coerente e con scommesse più importanti sulle new entries. I grandi momenti emozionanti, rivolti soprattutto ai fedelissimi della saga, non mancano. È importante quindi mantenere le giuste emozioni e ricalibrare le altre componenti della serie che ne determinano natura è destino.

Foto: CBS

Il più recente esperimento dell'universo immaginato negli anni Sessanta da Gene Roddenberry porta a termine una prima esecuzione sofisticata, elegante ma ancora incerta nei suoi movimenti. Negli anni il folto e variegato pubblico di appassionati di Star Trek ha dimostrato di essere molto esigente, anche davanti agli esperimenti più emotivi e nostalgici. Per questo motivo la prima stagione di questo show è promossa ma con riserva in vista di un futuro in cui dovrà dimostrare di avere le carte in regola per entrare nella leggenda del longevo franchise.

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For All Mankind [stagione 1]

noreply@blogger.com (Stories.) — Fri, 27 Mar 2020 08:00:00 +0000

Titolo: For All Mankind

Cast: Joel Kinnaman, Michael Dorman, Wrenn Schmidt, Sarah Jones, Shantel VanSanten, Jodi Balfour

Genere: ucronico, fantascienza, drammatico

Stagione: 1

Episodi: 10

Voto: 3,5/5

"Un piccolo passo per un uomo, un gigantesco balzo per l'umanità". Questa semplice ma iconica frase riecheggia nella memoria collettiva dal 21 luglio del 1969, giorno in cui Neil Armstrong, astronauta della missione NASA Apollo 11, ha scritto la storia compiendo il primo leggendario allunaggio. Come sarebbero cambiati i decenni a seguire se quelle parole fossero state pronunciate da un sovietico? In una realtà in cui Aleksej Leonov è stato il primo uomo sulla Luna, la NASA e gli interi Stati Uniti sono costretti a ripensare ogni loro progetto, riflettendo su una sconfitta bruciante ma anche su problematiche altrettanto difficili da affrontare.

Foto: Apple TV+

Lo scorso novembre, Apple TV+ ha debuttato ufficialmente nel mondo delle piattaforme di streaming con produzioni originali. The Morning Show con lo strepitoso duo Jennifer Aniston e Reese Witherspoon ha saputo far parlare molto di sé, nascondendo agli occhi del pubblico altri titoli destinati forse a un pubblico meno ampio. For All Mankind, senza troppe pretese, si rivolge a tutti coloro che, almeno una volta, hanno sognato grandi avventure puntando gli occhi verso la volta stellata. All'epica - non sempre banale - delle sfide spaziali, tuttavia, aggiunge una variabile irresistibile: l'imprevedibilità di una realtà alternativa.

Pur lasciando la costante sensazione che in troppi passaggi sia stata scelta una modalità narrativa poco coraggiosa, la serie - già rinnovata per una seconda stagione - esplora orizzonti estremamente interessanti, in grado di far riflettere, con l'escamotage del "what if?", su come ancora oggi risulti difficile per molte personalità trovare spazio nella società, non solo nell'ambiente della NASA. Un valido cast supporta la narrazione corale, sviluppando molteplici sottotrame nella vita privata di ogni personaggio in scena, mai bidimensionale o abbozzato.

Foto: Apple TV+

Il più grande pregio di questa prima stagione - che ha più l'aria di una "prova in costume" - è la capacità di trovare significati e valori negli errori e nelle cadute. Le imperfezioni e gli imprevisti sono i dettagli che ci rendono umani e uguali anche davanti alla più avanzata scoperta o tecnologia. Le migliori rivelazioni, dopotutto, si concretizzano solo quando le più audaci ambizioni si infrangono contro muri di incertezze, pensieri e talvolta rimorsi. Tutto questo trova la massima espressione nei passaggi in cui lo show si allontana maggiormente da quanto realmente accaduto e, in particolare, nel terzo episodio in cui le figure femminili entrano prepotentemente in scena con tutto il loro carisma. Sonya Walger, Jodi Balfour e Sarah Jones sono solo alcuni dei nomi più convincenti di questo show che, per la sua seconda stagione, dovrà trovare la marcia in più in grado di riuscire a rendere ancora più maturo il suo potenziale.

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