SCULPTURE

Pierre Larauza, la sculpture documentaire

2021-09-08T12:35:00.005+02:00

Pierre Larauza a récemment présenté et défendu sa thèse originale intitulée : «Sculpture documentaire : hypothèse d’un récit plastique néo-factuel. Enjeux esthétiques et critiques d'une pratique tridimensionnelle d'investigation du réel». Il a obtenu le grade académique de Docteur en Art et Sciences de l'Art le 18 décembre 2020. Il s'agit d'une co-diplomation ULB /ARBA-ESA.

A cette occasion il a également présenté un travail tridimensionnel qu'il qualifie de "sculpture documentaire". Prenant la forme de reconstitutions historiques grandeur nature, ses oeuvres reproduisent fidèlement la trajectoire de mouvements historiques et faits divers mass-médiatisés qui l'ont particulièrement marqué, d'un geste sportif culte à une bavure policière raciste.

Photo JFD

"La sculpture "30 août 1991, Tokyo" de l’artiste français Pierre Larauza, a été inaugurée jeudi en fin de journée avenue Houba de Strooper, à proximité du stade Roi Baudouin à Laeken. Elle rend hommage au record du monde de saut en longueur de l’athlète Mike Powell, imbattu depuis 1991. Ce dernier a pris des selfies avec des riverains et des jeunes athlètes."

Extrait d'un article de la RTBF publié le jeudi 02 septembre 2021.

saisie d'écran de la vidéo tournée à cette occasion

Il exposait au centre culturel et sportif Tour à Plomb à Bruxelles du 17 décembre 2020 au 16 janvier 2021, "Des Mouvements que je n'aurais jamais pu faire".

Voir le site de l'artiste : Pierre Larauza, sculpture documentaire (en construction)

Voir aussi la page instagram : https://www.instagram.com/pierre_larauza/

Catalogue Sites en Ligne 1999-2018 - Souscription

2021-03-13T10:45:00.005+01:00

Aidez à publier le catalogue du symposium Sites en Ligne en l'achetant à l'avance!

Sites en Ligne est un symposium de sculpture et installation en milieu naturel qui s'est déroulé tous les deux ans dans le bois de Ligne à Silly (Belgique) entre 1999 et 2018. Chaque édition, une trentaine d’artistes ou collectifs, toutes formations, nationalités et expériences confondues, étaient invités à réaliser leur projet, dans une des deux disciplines proposées: la taille de tronc et l’installation en milieu naturel. La dernière édition du symposium Sites en Ligne ayant eu lieu en 2018, l'Asbl désire éditer un catalogue afin de célébrer l'ensemble des artistes, bénévoles et public qui ont participé à cet événement majeur pour la commune de Silly. Ce symposium a été créé en 1999 par une équipe d'une dizaine d'étudiants de l'Académie des Beaux arts de Bruxelles avec comme motif, et le désir d'organiser un symposium de sculpture et installation auquel ils auraient envie de participer en tant qu'artiste, et celui de rendre l'art contemporain plus accessible et convivial à tous les publics. Ce catalogue permettrait non seulement de sauvegarder le travail des artistes des ses 10 éditions du symposium (les oeuvres étant démontées à la fin de chaque symposium) mais aussi de partager et mettre en lumière ce qui s'est vraiment déroulé tout au long de ces 20 années d'expérience. Le catalogue sera composé principalement de photos des oeuvres des 10 éditions du symposium, mais aussi de feuillets thématiques autour des personnes et enjeux principaux de cet événement. Il sera bilingue français / anglais . Il comportera environ 200 pages et sera tiré à 500 exemplaires. KissKissBankBank : https://www.kisskissbankbank.com/fr/projects/catalogue-sites-en-ligne-1999-2018

-- EN SUITE-- Work in progress

2019-06-06T16:06:00.004+02:00

Montage de l'exposition --EN SUITE depuis ce 28 mai à la rue de l'autonomie à Anderlecht

©photos JFD

-- EN SUITE -- Exposition masters de l'atelier de sculpture

2019-06-04T15:43:00.001+02:00

FIDÈLES AU QUESTIONNEMENT DU LIEU ET DE L'ESPACE QUI SOUS-TEND LES RECHERCHES DE L'ATELIER DEPUIS PLUSIEURS ANNÉES, LES ÉTUDIANTS DU CURSUS SCULPTURE DE L'ARBA-ESA INVESTISSENT LES 6 ÉTAGES D'UN IMMEUBLE INOCCUPÉ AVEC DES INSTALLATIONS, DESSINS, PERFORMANCES, EXPLORATIONS SONORES ET VIDÉOS.

CES CRÉATIONS RÉSONNENT COMME AUTANT DE GESTES ET D'INTÉGRATIONS SPÉCIFIQUES ET CONTEXTUALISÉES.

Vernissage le vendredi 14 juin à 18:00

4 rue de l'autonomie à 1070 Anderlecht

Exposition le samedi 15 et le dimanche 16 juin de 12:00 à 18:00

AVEC : KICSY ABREU STABLE, CELESTE ALICOT, BASIL AMROM, DIMITRI AUTIN, DAMIEN BIET, GUILHEM BLOIS, YI SAK CHO, THÉODORA CHIOU, CAMILLE CHOMIENNE-COMPARET, DANIELE COPPOLA, MATHIEU DEMEULEMESTER, PIERRE DE STEFANO, LOUISE DUPONT, SIMON FASCILLA, JULIETTE GABRIC, LUCILE GAILLOT, GAMBLE JANE, LOÏCK HENRY-BRULÉ, ÉDOUARD JATTIOT, JUHO KIM, LOÏS LADENT, AGATHE LEBLANC, DEASEOK LEE, FLORE LEVESQUE, LOUISE MENDES, CAROLINE MOUTON, CELYA NAVEAU, ÉRIC NIYIGENA-GILLEMAN, HONORINE PARDON, ANJELI PILLAY, MATHILDE PIRARD, SINAM PRAWERMAN, MATHIAS SAUVEY, LUISA SCARPETTA, SALOMÉ SINGH, MARIE-LOUISE TOUNKARA, SOPHIE VALERA-GARCIA, HEINZ WALCARIUS, JONG CHEON WEE, JÉROME WILOT, MATHILDE ZIGANTE

facebook : https://www.facebook.com/events/2345349408859466/

LOVE - ATH exposition masters sculpture ARBA-ESA

2018-05-28T10:54:00.000+02:00

Nous avons le plaisir de vous inviter à l’exposition LOVE-ATH qui reprend les travaux des masters sculpture de l'Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles (ARBA-ESA) , réalisés cette année académique 2017-2018.

Photo : Lola Martins-Coignus

Jury public le jeudi 14 juin de 10 à 16 heures

Vernissage le vendredi 15 juin à 18 heures (accès dès 16 heures)

Exposition le samedi 16 juin et le dimanche 17 juin de 12 à 18 heures

« L'ENTREPÔT », 22 quai de l'entrepôt à 7800 Ath (accès aisé en train : prendre la sortie arrière de la gare). Entrée libre.

Avec la participation de :

KICSY ABREU STABLE, SOHAIL BOUCHIKHI, JEAN CASANOVA CASTELL, WONJAE CHOI, HYESU CHOI, CAMILLE CHOMIENNE-COMPARET, CAMILLE COLEON, DANIELE COPPOLA, LUCILE GAILLOT, AMELIE GOMET, JOSEPHINE HAZARD, CAROLINE HEBRETEAU, AGATHE LEBLANC, SEUNGHWAN LEE, EVE LEMAIRE, LOLA MARTINS-COIGNUS, CAROLINE MOUTON, ERIC NIYIGENA-GUILLEMAN, LIONEL PENNINGS, ANAIS PESSOZ, MATHILDE PIRARD, LUISA SCARPETTA, HYE YOUNG SONG, SOPHIE VALERA-GARCIA, ANNA ZANICHELLI

PARRALÈLEMENT A CETTE EXPOSITION, NOUS VOUS INVITIONS À DÉCOUVRIR LES INSTALLATIONS MONUMENTALES RÉALISÉES DANS LA VILLE PAR LES ÉTUDIANTS DU CURSUS SCULPTURE. CES INTERVENTIONS S’INCRIVENT DANS LE CADRE DE LA 4ÈME ÉDITION DE LA TRIENNALE DE L’ART ET DU VÉGÉTAL ET SERONT VISIBLES JUSQU’AU 31 AOUT 2018.

TRIENNALE 2018 de l'Art et du Végétal ATH

2018-05-28T10:37:00.004+02:00

Affiche de la triennale de l'Art et du Végétal 2018

Sur base d'une sculpture de Vincianne ROULET pour la triennale 2012

L'atelier de sculpture de l'Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles (ARBA-ESA) participe à la 4ème édition de la triennale de l'Art et du Végétal organisée par la ville de ATH (B). Ce projet résulte d'une étroite collaboration entre notre atelier et le Service des Espaces Verts de la Ville de Ath.

Nos étudiants ont réalisé dans l'espace public des œuvres monumentales végétalisées qu'il est possible de découvrir lors d'un parcours dans la Ville. Avec la participation de :

HYESU CHOI, CAMILLE CHOMIENNE-COMPARET, CAMILLE COLEON, DANIELE COPPOLA, JOSEPHINE HAZARD, CAROLINE HEBRETEAU, LIONEL PENNINGS, MATHILDE ZIGANTE.

Venez nous rejoindre ce samedi 2 juin à 16 heures pour une promenade conviviale, à pied ou à vélo...

Départ du circuit au 6 square des locomotives à 7800 Ath (accès par la sortie arrière de la gare) et verre de l'amitié à 17 heures 30 au Palace (4, rue de Brantignies). Les œuvres seront visibles jusqu'au 31 aout 2018. Infos complémentaires sur le site de la Maison Culturelle de Ath.

Sculpting in Belgium, une certaine histoire (de la sculpture) belge

2017-10-09T14:24:00.001+02:00

La Patinoire Royale a choisi de rassembler autour du titre « Sculpting in Belgium » pas moins d'une trentaine d'artistes belges, majoritairement sculpteurs, des années 45 et suivantes. Ces artistes ont tous, à leur façon, sculpté le visage de la Belgique artistique de l'après-guerre. Si de prime abord, cette sculpture belge dont la sélection s'étend du début des années 50 à la fin des années 80, présente un visage hétérogène car pluriel, difficilement réductible à un mouvement ou à une esthétique, force est cependant de constater que certaines lignes directrices se dégagent : tout d'abord une puissance créatrice absolument phénoménale, liée à la pensée artistique de cette après-guerre, où les recherches formelles explosent, et avec elle l'exploration de nouveaux matériaux, essentiellement l'acier et le plastique...

...Les noms des sculpteurs présentés dans cette exposition de groupe «Sculpting in Belgium» sont aujourd'hui ignorés par beaucoup et absents du marché de l'art; malgré leur popularité dans les années 80 et leur présence dans de nombreux lieux publics, tant en Belgique qu'à l'étranger. À l'exception de quelques-uns, la plupart de ces artistes se sont éloigné du monde de l'art pour se réfugier dans leurs ateliers en entrant lentement dans l'oubli. «Sculpting in Belgium» rend hommage à ces sculpteurs et artistes oubliés et sous-évalués, dont certains sont décédés, et éclaire un panthéon perdu de ces grands belges. La Patinoire Royale a collaboré avec enthousiasme avec les bénéficiaires, les veuves et veufs, héritiers, enfants, parents et amis de ces sculpteurs qui ont vu ce projet comme un tremplin dans le renouveau et la renaissance d'un chapitre majeur et talentueux de l'Histoire de l'art belge.
En regardant comment le reste de l'Europe et les pays occidentaux ont défendu et glorifié leur artistes respectifs, on s'interroge sur le silence assourdissant et l'indifférence de la Belgique pendant «The Glorious Trente »et les décennies suivantes. L'exposition de groupe sera accompagnée d'un important catalogue contenant des témoignages, des textes et des documents remontant au début de cette vaste et riche période de production...

Extraits et traductions "maison" d'après les communiqués de presse.

La sélection d'artistes figurants dans cette exposition est présentée comme un fragment de l'histoire belge de la sculpture. Assurément pour certains, moins évident pour d'autres... Le défi de ce genre d'exposition est sans doute de réunir des œuvres de qualité en suivant un fil rouge; une histoire peut-être un peu remodelée au vu des stocks disponibles? La qualité est au rendez-vous; par contre la présence ou l'absence de certains, ne doit-elle pas parfois plus à la disponibilité des œuvres et au dynamisme des proches et ayants droit? Ne boudons pas notre plaisir, l'ensemble est remarquable et unique : il fallait cette initiative privée -et donc non philanthropique- que les pouvoirs publics sont devenus incapables de prendre pour raison politique et (ou) financière; et il faut donc en assumer les imperfections...

" Projet de Signal " (1970), Jacques Moeschal

"S45" (1969), Marcel Arnould. Bronze, 48 x 93 cm

Sortir de l'ombre des collections privées toutes ces sculptures ou projets monumentaux est un résultat saisissant, une mise en perspective forte de la créativité d'une époque. C'est aussi une histoire de la sculpture belge qui a le mérite d'exister. Subjective, car lissée par le souvenir des uns; les autres, ceux qui ont fréquenté les écoles et ateliers de cette époque, se souviendront de "solides inimitiés" (noms d'oiseaux et excommunications) entre certains protagonistes maintenant réunis pacifiquement côte à côte dans cette exposition... Ils souriront également devant quelques CV amnésiques.

Au-delà de l'anecdote, profanes et spécialistes admireront l'aspect technique de ces sculptures, peut-être pour des motifs différents.
Les premiers, sans doute pour la maîtrise de la mise en œuvre du matériau, que ce soit celle des "artistes-artisans" (École de Maredsous avec Félix Roulin, Jean Williame, Émile Souply par exemple), ou celle des concepteurs confiant leurs projets à un praticien (évolution de la tradition ancestrale, comme Jacques Moeschal ou Tapta...).
Les "connaisseurs", peut-être pour un âge d'or qui se termine, où la perfection formelle des courbes polies prime et rime avec la notion de matériau noble, loin -par exemple- des "égarements" de l'arte povera...

"Sparte" (1972), Jean-Pierre Ghysels. Bronze poli, 35x35x27 cm

Ci dessous la liste des artistes présents dans l'exposition, avec quelques liens subectifs proposés. Pour se documenter, il y a très souvent une page wikipedia (un petit dépoussiérage serait parfois utile; avis aux amateurs).
Marcel Arnould, Pol Bury, Pierre Caille, Gilbert Decock, André Dekeyser, Jo Delahaut, Yves de Smet, Reinhoud d’Haese, Antoine de Vinck, Jan Dries, Francis Dusepulchre, André Eijberg, Vic Gentils, Jean-Pierre Ghysels, Jean Glibert, Monique Guebels, Jacques Guilmot, Marie-Paule Haar, Pal Horvath, Oscar Jespers, Jean-Paul Laenen, Antonia Lambele, Walter Leblanc, Jacques Moeschal, Félix Roulin, Michel Smolders, Emile Souply, Olivier Strebelle, Tapta, Raoul Ubac, Camille Van Breedam, Jan Van Den Abbeel, Guy Van Den Branden, Serge Vandercam, Hilde Van Sumere, Marc Verstookt, Ferdinand Vonck, André Willequet.

Quelques articles :
http://www.lecho.be/culture/general/Couler-dans-le-bronze-la-Belgique-unitaire/9930455
https://www.rtbf.be/culture/arts/detail_sculpting-belgium-1945-75?id=9725237
http://www.eventail.be/interieur-exterieur/nature-jardins/2671-sculpting-belgium-recherches-formelles#

La Patinoire Royale. Rue Veydt, 15 à 1060 Bruxelles. Entrée libre. Jusqu'au 23 décembre 2017.

Photos : ©JFD

Skulptur Projekte Münster

2017-09-08T17:56:00.002+02:00

Des artistes de renommée mondiale sont réunis tous les 10 ans depuis 1977 pour le Skulptur Projekte Münster, afin de présenter des œuvres spécialement créées pour l'événement et le lieu. Beaucoup de celles-ci ont façonné le paysage urbain jusqu'à nos jours. Ces nombreuses intégrations dans l'espace public font de Münster une ville de sculptures.
Présentation (librement traduite) sur la page de la ville de Münster; elle répertorie quelques intégrations datant des précédentes éditions : http://www.stadt-muenster.de/en/tourismus/art-and-culture/sculptures-in-muenster.html

Et voici sans doute une des œuvres qui a marqué les esprits de cette édition : une sensation indescriptible face à une installation dans un environnement "post cataclysmique"...Une ancienne patinoire, dont le sol a été disséqué, bouleversé, laminé... Des sons... Des trappes dans la toiture qui s'ouvrent et se ferment... et un aquarium posé au centre, tel le monolithe de 2001 l'odyssée de l'espace...

Pierre Huyghe produit un effet monstre à Münster
Le plasticien français poursuit, en Allemagne, au Skulptur Projekte, son projet commencé à la Documenta 2012.
Elle traverse des ares de luzerne, des hectares de cités nouvelles et de hangars indéterminés… La ligne 13 du bus de Münster vaut tous les vaporettos. Car c’est sans doute là, dans la petite cité du Land de Rhénanie-du-Nord-Westphalie, en Allemagne, que se niche l’œuvre d’art la plus envoûtante de l’année, plutôt qu’à la Biennale de Venise.

Suite sur lemonde.fr , la totalité de l'article étant réservée aux abonnés.

Personnellement, je conseille plutôt la ligne 9... Arrivez tôt -ou tard- mais pas en milieu de journée, sinon une file de plusieurs heures vous attend!

Ne pas rater l'installation de Hito Steyerl "HellYeahWeFuckDie" dans les locaux de la banque LBS ( West Himmelreichallee 40,48149 Münster - access via Promenande, Foyer A); un rien provocante sous un aspect très clean... des volumes / lettres lumineux qui vous serviront de siège pour regarder des vidéos d'histoires de robots.

Et comme vous serez alors à proximité du plan d'eau Aasee, offrez-vous une petite balade pour découvrir les œuvres des précédentes éditions installées sur les berges, telles les “Giant Pool Balls” de Claes Oldenburg (1977), l' "Antenne" d'Ilya Kabakov (1997), ou encore "Untitled" de Donald Judd (1977).

Vous pouvez l ouer un vélo et flâner dans la ville à la recherche des œuvres disséminées (et parfois bien cachées) dans et hors les murs de Münster. Plus facile(?) à manipuler qu'un plan : télécharger l'application mise en ligne (avis mitigé...).

Une magnifique sculpture, trop discrète, mystérieuse et puissante; elle vous aura peut-être échappé, le "Nuclear Temple" de Thomas Schütte.

Un film documentaire sur l'édition 2017(la connaissance de l'allemand est préférable...) : https://vimeo.com/228769539

Et n'oubliez pas de passer par la petite ville de Marl pour y visiter "The Hot Wire" , exposition de nombreux projets (réalisés ou non) de toutes les éditions du Skulptur Projekte; à voir au Skulpturmuseum Glaskasten Marl. Nous en avons parlé : http://acasculpture.blogspot.be/2017/07/the-hot-wire-marl.html

Quelques articles à lire en complément d'information :
http://www.ledevoir.com/culture/arts-visuels/503375/skulptur-projekte-revele-les-hypertextes-de-munster
https://www.lecourrier.ch/152374/a_muenster_l_art_sans_complexes
https://news.artnet.com/exhibitions/skulpture-projekte-2017-highlights-988964

Toutes les expositions sont "entrée libre"; à découvrir jusqu'au 1 octobre 2017 .

Photos ©JFD

THE HOT WIRE à Marl

2017-07-29T13:10:00.000+02:00

Photo : Glaskasten Marl / Arendt

Si vous envisagez une visite à Münster dans le cadre du Skulptur Projekte Münster, une visite s'impose à la ville de Marl (60 km au sud-ouest) pour y visiter son Skulpturenmuseum Glaskasten.

L'exposition satellite, sous le titre "THE HOT WIRE" (ce qui peut se traduire par "fil chaud"...), présente une importante variété de composantes du projet Münster, tant à l'intérieur qu'à extérieur : des artistes qui travaillent dans les deux villes, un échange de sculptures, une exposition de maquettes de l'archive Skulptur Projekte et Skulpturenmuseum Glaskasten Marl.

Ce musée s'est associé à la manifestation Skulptur Projekte Münster pour une présentation des anciens projets réalisés ou projetés pour les précédentes éditions 77, 87, 97 et 07. Un complément (fil rouge?) très intéressant car il condense en quelques salles une évolution des recherches menées par des artistes majeurs en quelques décennies. Il met également en évidence l'hiatus qui peut exister entre l'intention et la réalisation (et/ou la conservation) d'un projet.

La maquette "Model zu Pier", 6 x 78 x 39,5 cm; et sa réalisation en californian redwood "Pier" 40 m de long, sur la rive nord-ouest de l'Aasee (plan d'eau à Münster) .

Jorge PARDO (1997) . Photos JFD

Marl entretien depuis longtemps une tradition d'intégration dans l'espace public - notamment au travers de l'application de la règle du "Kunst am Bau" (sorte de loi du 1% allemande) - et c'est donc tout naturellement que ce partenariat avec Münster est né. Le musée s'inscrit au cœur de la ville, dans un ensemble de bâtiments officiels et de parcs offrant une grande densité d’œuvres monumentales. Marl, une des villes les plus riches de la Ruhr dans années 60, et Münster ont cependant vécu différemment économiquement et socialement les dernières décennies, avec la fermeture des mines et la montée du chômage. Le visiteur d'un jour notera que ces ensembles ne vieillissent pas toujours bien, entre dégradations du temps, défauts d'entretien et approche stylistique fort datée (beaucoup de béton, et du lourd...on peut réellement parler ici de "brutalisme").

Aux alentours du musée, il y a un parc de sculptures au contenu varié, avec parmi d'autres des œuvres de Ian Hamilton Finlay, Ilya Kabakov, Ulrich Rückriem, Rodin ou Richard Serra...

Ne pas oublier de passer par le parking pour découvrir l'œuvre de Thomas Schütte , Melonensäule (1987) -avec sa maquette également présente dans le hall du musée- souvent illustrée dans les médias... et qui a une longue histoire; voir par exemple l'article sur artnews.com

Artistes participants ( liens vers les sites des artistes ou pages significatives ) : Richard Artschwager, Helmut Bettenhausen, Guillaume Bijl, William Brauhauser, Eberhard Bosslet, Richard Deacon, Mark Dion, Lara Favaretto, Günter Fruhtrunk, Louis van Gasteren, Isa Genzken, Ludger Gerdes, Alfio Giuffrida, Rolf Glasmeier, Dominique Gonzalez-Foerster, Werner Graeff, Manuel Graf, Friedrich Gräsel, Keith Haring, Karl Hartung, Elizabeth Hoak-Doering, Jan Hoeft, Shirazeh Houshiary, Berthold Hörbelt, Thomas Huber, Joseph Jaekel, Mike Kelley, Gisela Kleinlein, Diethelm Koch, Thomas Köner, Christina Kubisch, Sol LeWitt, Gustav Metzger, Charlotte Moth, Ulrich Möckel, Matt Mullican, Ansgar Nierhoff, Sany (Samuel Nyholm), Claes Oldenburg, Jorge Pardo, Stefan Pietryga, Heinz-Günther Prager, Random People &amp, Red Park, Johanna Reich, Gerhard Reinert, Erich Reusch, Reiner Ruthenbeck, Matthias Schamp, Corinna Schnitt, Thomas Schütte, Richard Serra, Bert Theis, Rosemarie Trockel, Joëlle Tuerlinckx, Micha Ullman, Timm Ulrichs, Rudolf Wachter, Nico Joana Weber, Julia Weißenberg, Pae White, Wolfgang Winter

Pour info, une navette bus entre Münster et Marl est mise à disposition du public tous les dimanches.

Le Musée et la Fondation INSEL HOMBROICH

2017-07-27T11:59:00.000+02:00

En guise de présentation de ce lieu exceptionnel, un avis "autorisé", celui de Guy Duplat dans La Libre : "BALADE DE MUSÉE EN MUSÉE (3/6)" ( 27/06/2005)

"Parmi les musées qui entourent la Belgique, celui d'Insel Hombroich, à Neuss près de Düsseldorf, est sans doute le plus étonnant. S'y promener est une expérience rare qui apporte beauté et plénitude. Un sentiment presque mystique."

Le musée Hombroich s'est ouvert en 1987; c'est le rêve concrétisé de Karl-Heinrich Müller (1936-2007), un grand collectionneur qui a réuni un ensemble exceptionnel d'œuvres d'art d'Extrême-Orient, mais aussi d'artistes majeurs du XXème siècle : Hans Arp, Kurt Schwitters, Eduardo Chillida, Jean Fautrier, Alberto Giacometti, Alexander Calder, Henri Matisse, Yves Klein... Mécène, il a souhaité partager cette passion avec le public en s'appuyant sur le thème cher à Paul Cézanne «L'art est une harmonie parallèle à la nature».

L'île du musée Hombroich est un endroit particulier, au-delà des modes et tendances. Le visiteur trouve son propre chemin dans le paysage minimaliste et les jardins, et y découvre bâtiments et œuvres nichés dans la végétation.
Disséminés dans la propriété, des constructions dues au sculpteur Erwin Heerich. De multiples pavillons : des salles d'expositions réunissant sans contraintes chronologiques, peintures, sculptures et objets d'Europe ou d'Asie, Océanie ou Amériques; aucun signe, aucun cartel, aucun gardien... mais aussi des "chapelles dans le paysage"; architectures/sculptures vides, elles n'ont d'autre fonction que de favoriser cette communion directe entre l'art et la nature.
Cette approche originale dans sa liberté d'esprit et sa réalisation fait tout le charme de cet ensemble. Une journée à Insel Hombroich aiguise les sens et invite à la méditation. Et chacun tombera sans doute sous le charme de ce repas frugal offert aux visiteurs, dans la cafétéria posée au cœur du domaine, avec tables et chaises sous les arbres ...

Le site abrite aussi la Langen Foundation qui comprend à ce jour environ cinq cents œuvres d'art japonais et environ trois cents œuvres d'art moderne. Des expositions d'art contemporain y sont également organisées, comme par exemple en 2015 "Olafur Eliasson: Works from the Boros Collection 1994 - 2015"

Ce bâtiment construit par Tadao Ando fait partie de la nouvelle extension de la Fondation Insel Hombroich (de l'autre côté de la route), la Raketenstation Hombroich, une ancienne station de lancement de fusées de l'OTAN, désaffectée et réaménagée en salles d'exposition, résidences, ateliers d'artistes et d'architectes (Erwin Heerich, Raimund Abraham, Tadao Ando, Oliver Kruse, Katsuhito Nishikawa et Alvaro Siza ). Un lieu de recherche interdisciplinaire entre écrivains, poètes, compositeurs et scientifiques de différents pays, un ensemble à découvrir, plein de surprises ! (pour information, tous les lieux ne sont pas accessibles au public).

Quelques compléments d'information pour préparer votre visite :
- Le site de la Fondation Insel Hombroich : http://www.inselhombroich.de/

- La page tripadvisor (commentaires -très positifs- et photos)

- Offrez-vous la visite d'un jour avec nuit à la "rocket station", par l'office de tourisme régional
- Le site de Thomas Schütte, créateur du hall de sculptures, pour y découvrir son fil de création à travers les maquettes du projet

L'ART GIRATOIRE (suite et non fin)

2017-07-17T09:48:00.001+02:00

Le «Cœur de Flémalle», œuvre du sculpteur Robin Vokaer,

a pris place sur le rond-point situé au début de la RN 677 en direction de Flémalle. Acier laqué. (2013)

Données et illustration reprises sur le site du Bureau Greisch (bureaux d’ingénierie et d’architecture)

Suite à la diffusion dans le journal "L'avenir", d'une série en quatre volets consacrée à l' ART GIRATOIRE belge, par Jacques Duchateau, voici quelques éléments autour de ce thème (soit directement empruntés à cette enquête, soit librement inspirés); précisons que l'accès à la lecture de la majeure partie des contenus est réservé aux abonnés.
ART GIRATOIRE (1/4) – Histoires d’œuvres et de ronds-points: anecdotes et malédictions
ART GIRATOIRE (2/4) - non trouvé
ART GIRATOIRE (3/4) – Le top 10 des plus belles œuvres d’art sur les ronds-points de Wallonie
ART GIRATOIRE (4/4) – Le flop 10 des pires œuvres d’art sur les ronds-points de Wallonie
Voir aussi quelques images dans le diaporama

"De Rond, point !", Serge GANGOLF (1999). Marche-en-Famenne (B). Acier inoxydable.

Né en 1943, Serge Gangolf était enseignant à l’École des Beaux-Arts de Namur. Reconnu internationalement depuis 1974, cet artiste est avant tout un sculpteur du métal. S’il ne se réclame d’aucun courant artistique, il professe cependant la prééminence de la forme et du rapport des formes entre elles.

https://www.marche.be/tourisme/les-statues-et-fontaines/de-rond-point-31/

Cet article s'inscrit dans la continuité d'un post de "SCULPTURE" intitulé "L'art autoroutier, Objets sculptés Non Identifiés...(France) ", publié en 2011 (et qui avait soulevé en son temps quelques vives réactions...).

A découvrir également, "la bible" des rondpoints (annuaire géant centré au départ sur la France, mais avec beaucoup d'exemples internationaux) : Blog-rond-point

A lire enfin pour compléter, le récent article "Art d'autoroute : cinq œuvres férocement commentées" . A suivre...

"AUTONOMY" Sculptures / Installations

2017-06-20T21:29:00.001+02:00

EXPOSITION

DU JEUDI 23 AU DIMANCHE 25/06/17 12/18H00 / VERNISSAGE JEUDI 22/06/17 - 18H00

INVESTISSANT LES 6 ÉTAGES D'UN IMMEUBLE INOCCUPÉ, L'EXPOSITION "AUTONOMY" EST UN VOYAGE SINGULIER AUQUEL VOUS CONVIENT LES ÉTUDIANTS DU CURSUS SCULPTURE DE L'ArBA-EsA.

FIDÈLES AU QUESTIONNEMENT DU LIEU ET DE L’ESPACE QUI SOUS-TEND LES RECHERCHES DE L’ATELIER DEPUIS PLUSIEURS ANNÉES, SCULPTURES, DESSINS, INSTALLATIONS, PERFORMANCES, VIDÉOS ET EXPLORATIONS SONORES, RÉSONNENT COMME AUTANT DE GESTES ET D'INTÉGRATIONS ARTISTIQUES PENSÉES ET TRAVAILLÉES EN RÉPONSE À CE BÂTIMENT OUBLIÉ.

2 - 4 Rue de l'Autonomie - 1070 Anderlecht

Lien vers google photo : https://photos.app.goo.gl/B8lZ3LVcYLeZhlkN2

SACCAGE à Zaventem : une oeuvre de Jacques Moeschal défigurée

2016-02-17T19:07:00.000+01:00

Qui a autorisé l'installation de ce bar à bière dans la sculpture de Jacques Moeschal, un de nos plus grands sculpteurs belges du XXème siècle ??? C'est scandaleux ! Messieurs, vous êtes des sauvages! C'est donc comme cela que vous considérez le travail des artistes et le patrimoine artistique de notre pays ?

Pour info : la sculpture de Jacques Moeschal "Voie des airs" , imaginée en 1972 pour un échangeur routier, a été finalement installée à l’aéroport de Zaventem et inaugurée en 2002. Le tripode, haut de 23 mètres, est surmonté d’une couronne de cercles enchevêtrés en tôle qui symbolisent la circulation aérienne autour du globe. (informations sur le site http://www.brusselslife.be photos © Moker et Marc Crunelle)
Merci de diffuser sans modération !!!

Regards croisés au TAMAT

2015-08-25T17:41:00.001+02:00

Aurel Quiros Miramontes - Toison d'or

Cet été 2015, le TAMAT , Centre d'art contemporain du textile de la Fédération Wallonie-Bruxelles, propose pour la deuxième année consécutive une « Carte Blanche » avec Faben ASSEDIG # Sophie BOSMAN # Seunghwa CHOI # Hanna CONNIER # Donatienne GREGOIRE # Jeounghee KIM # Déborah LAVOT # Kunbo MENG # Sophie PAHUD # Caroline PURGAL # Aurel QUIROS MIRAMONTES # Nicolas RIQUETTE # Ioana TANASESCU # Yao WANG

Ce concept d'exposition vous invite à découvrir les créations d'artistes autour d'un thème chaque fois différent; et cette année, les masters de l'atelier de sculpture de l'Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles (ARBA-ESA) sont à l'honneur.

Ioana Tanasescu, "Conflicts"

L'ensemble des sculptures et installations exposées dialogueront avec les collections permanentes du musée; une manière dynamique de (re)découvrir des œuvres de notre patrimoine avec un regard, parfois impertinent, souvent questionnant, et toujours innovant !

Caroline Purgal - "Le secret / le monde introverti"

Le commissariat de l'exposition "Regards Croisés"est assuré par Maureen Ginion, plasticienne et chef d'atelier au TAMAT, et Mathieu Boxho, sculpteur et enseignant.Tissant des liens de formes et de sens, ils mettent en espace leurs découvertes et leurs coups de cœurs pour notre plus grand plaisir.

Kunbo Meng - "Mutalisme 0"

TAMAT, 9 Place Reine-Astrid à Tournai (B) - Tél +32(0)69 23 42 85 - http://www.tamat.be/
Du samedi 04 juillet 2015 au lundi 14 septembre 2015

De 09h30 à 12h30 et de 13h30 à 17h30
Fermeture hebdomadaire le mardi

Découvrez le reportage consacré à l'exposition réalisé par l'équipe de Notélé : http://www.notele.be/list50-la-culture-a-la-carte-media36969-exposition--carte-blanche--au-tamat.html

aRTnimal" : les tissus de nos démons

2014-12-10T15:51:00.000+01:00

À la manière d'un conte, entre rêves et cauchemars, l'exposition "aRTnimal : les tissus de nos démons" explore la part animale qui réside en chacun de nous. La réfréner, ou la libérer, l'important reste de s'y confronter.

14 artistes belges et étrangers, jeunes talents ou à la réputation confirmée, exploreront nos ludicités, nos abysses et nos jungles. Des enfants-loups de Myriam Hornard aux vidéos cauchemars d’Anne Orban, des Yokai aux Livres d’Heures d’Utrecht et Rouen de 1480, prêtés par la Bibliothèque Royale, de «L’enfant Prodige» d’Aurel Quiros à la «Peau de Licorne» de Nicolas Buffe, prêtée par la Cité internationale de la tapisserie et de l’art tissé d’Aubusson, les cultures, les époques, les techniques et les mouvements se rassemblent dans une exposition sauvage et ludique.
Sous le commissariat de Jean-Pierre Vlasselaer, conseiller en arts plastiques à la Fédération Wallonie-Bruxelles, le TAMAT se transforme pour devenir le zoo de notre imaginaire, pour confronter notre regard à ceux qui nous sont si différents, bien que nous oublions que nous en faisons partie. De jeunes artistes, nombreux issus de l'atelier de sculpture de l'Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles - École Supérieure des Arts, vous surprendront par la richesse de leur expressivité. En parallèle, des enluminures du XVème siècle et des mangas illustreront également ce thème.

Avec la participation de Stephan Goldrajch, Myriam Hornard, Anne Orban, Nicolas Buffe, Tatiana Bohm, Anne Liebhaberg, Lou Roy, Nicolas Matzua, Aurel Quiros Miramontes, , Thomas Le Plas, Justine Denos, Emma Saunier, Hanna Connier, Sofia Baldan et Benoît Sokal

Hanna Connier "Cabinet de curiosités" (2014). Mixed media. 100 x 25 x 75 cm.

Nicolas Matzua "Singe mécanique" (2014). Acier, bois. 100 x 40 x 100cm.

Emma Saunier "Bain nocturne" (2013). Installation terre cuite. 500 x 250 x 250 cm

Nicolas Buffe "Peau de Licorne" (2010)

Exposition aRTnimal, Les Tissus de nos Démons
Vernissage le 12.12.14 de 18h à 21h
Du 13 décembre 2014 au 8 juin 2015 (Prolongation !)
Horaires d’ouverture : De 10h à 12h et de 14h à 17h
Fermeture hebdomadaire le mardi et le dimanche matin

TAMAT 9 Place Reine Astrid BE7500 Tournai Belgique

Presse :
Pascal Goffaux, La Première, "Entrez sans frapper", 23.02.15 (à partir de 30'35)
Michel Voiturier, Flux News, 17.02.15
Jocelyne Tomme, Vivacité, "Aller/Retour Hainaut", 09.02.15
aRTnimal au Tamat : les tissus de notre animalité, reportage sur notélé
http://mad.lesoir.be/event/304735-artnimal-les-tissus-de-nos-demons/
http://www.textile-art-revue.fr/actualite/expositions-en-cours/artnimal-les-tissus-de-nos-demons/
https://www.facebook.com/events/332383473634604/?fref=ts
http://www.lavenir.net/article/detail.aspx?articleid=DMF20141219_00575928

... et Jordan Wolfson créa la femme

2014-06-22T19:15:00.000+02:00

A l'occasion de la foire Art Basel (du 14 au 22 juin 2014), Jordan Wolfson a présenté, dans le cadre de l'exposition "14 rooms" , sa toute récente sculpture "Female Figure", un robot qui a laissé plus d'un visiteur mal à l'aise...voire terrorisé ! La danseuse robot, habillée d'un négligé souillé, un masque de sorcière couvrant la moitié de son visage, bouge lascivement devant un miroir, un barre de pole dance plantée dans le sternum; équipée d'un logiciel de reconnaissance faciale, elle ne lâche pas du regard le visiteur dont la propre image est prisonnière de ce miroir...

Elle danse sur une bande sonore, ainsi 'Applause' de Lady Gaga, 'Graceland' de Paul Simon, et une version stupéfiante de 'Blurred Lines' , et s'adresse directement au visiteur, dévoilant de ses propres lèvres les secrets de son identité mâle ("Ma mère est morte. Mon père est mort. Je suis gay. J'aimerais être un poète. C'est ma maison "), en réalité la voix de Jordan Wolfson "aux manettes" électroniques de cette œuvre d'une grande violence. Ce cauchemar qui fera certainement date, est, pour l'anecdote, une séquelle de la visite de l'artiste découvrant les dernières figures animées au Disney World’s Epcot Center...

Découvrir les différentes facettes de la production de l'artiste dans cet article de Flash-Art : http://www.davidzwirner.com/wp-content/uploads/2014/06/140501-JoW-Flash-Art-Birkett.pdf
Lire aussi : http://www.hollywoodreporter.com/news/creepy-meets-sexy-animatronic-dancer-690985 et http://filthydreams.wordpress.com/2014/04/08/sweet-dream-or-a-beautiful-nightmare-the-uncanny-horror-of-jordan-wolfsons-female-figure/
Le site de l'artiste : http://www.jordanwolfson.org/

Pour "14 Rooms", les curateurs Klaus Biesenbach (Directeur du MoMA PS1) et Hans Ulrich Obrist (Codirecteur des expositions et des programmes et directeur des projets internationaux de la Serpentine Gallery) ont invité quatorze artistes internationaux à investir chacun un lieu, en explorant les relations entre l'espace, le temps et le corps, avec une œuvre dont la matière première est l'être humain.
( Les autres artistes : Marina Abramović, Damien Hirst, Jennifer Allora and Guillermo Calzadilla, Tino Seghal, Joan Jonas, Ed Atkins, Laura Lima, Xu Zhen, Santiago Sierra, Otobong Nkanga, John Baldessari, Yoko Ono, Roman Ondák, Dominique Gonzalez-Foerster, Bruce Nauman)

Ilya et Emilia Kabakov, L’utopie sous les glaces

2014-05-21T22:31:00.001+02:00

Pour la sixième édition de Monumenta -après Anselm Kiefer, Richard Serra, Christian Boltanski, Daniel Buren et Anish Kapoor- Ilya et Emilia Kabakov, artistes d’origine russe, proposent au public de se perdre dans le dédale d’une ville utopique, L’Étrange Cité.

Le making off de la mise en place de l'exposition.

lya et Emilia Kabakov, Étude pour Manas, dessin, Monumenta 2014

« Il y a plusieurs années, quelqu’un nous a demandé si nous pensions que l’art pouvait influencer la politique. Nous avons répondu que non, nous ne le pensions pas. Nous avons toujours la même opinion, mais durant toutes ces années, nous avons travaillé avec des idées, autour de l’imaginaire et de l’utopie. Et nous croyons vraiment que l’art, qui tient une grande place dans notre culture, peut changer la façon dont nous pensons, rêvons, agissons, réfléchissons. Il peut changer notre façon de vivre. Cette fois nous voudrions construire plus qu’une installation, nous souhaitons réaliser quelque chose de différent : ériger L’étrange Cité, c’est insister sur l’expérience plutôt que sur la forme du projet, en vous demandant de ralentir votre course dans la vie réelle, et de faire appel à vos émotions, vos sens, vos souvenirs. Nous vous invitons à venir au Grand Palais pour entrer dans L’étrange cité , un espace onirique issu de l’imaginaire collectif, à penser et à réfléchir sur l’art, la culture, la vie quotidienne, notre présent et notre futur. » Emilia Kabakov

L’étrange cité conçue pour la Nef du Grand Palais puise ses références dans la Renaissance, le romantisme et la science moderne. Elle se compose de huit grandes constructions. En déambulant au détour de ces édifices à l’atmosphère recueillie, le visiteur appréhende de façon sensible et concrète autant de mondes singuliers .

Dans la partie nord de la Nef, une vaste coupole projette ses variations de couleurs et de lumières vers une entrée que le public doit d’abord franchir. Il atteint alors un espace labyrinthique, entouré d’une double enceinte circulaire. À l’intérieur apparaissent cinq édifices distincts aux noms mystérieux : « Le Musée vide », « Manas », « Le Centre de l’énergie cosmique », « Comment rencontrer un ange ? » et «Les Portails ».

À l’extérieur se dressent encore deux constructions. « La Chapelle blanche » alterne les tableaux avec de grandes surfaces blanches et lumineuses, laissant la place à l’imaginaire, tandis que la « La Chapelle sombre » révèle de gigantesques peintures sur fond noir, mêlant références baroques et souvenirs personnels.

Dans cette étrange cité sont installées des œuvres des Kabakov, peintures, objets et maquettes insolites. Ils offrent un panorama des sujets essentiels abordés dans leur création.

Photos JFD.

Voir le dossier de presse d'où sont extraits citation et présentation : http://www.grandpalais.fr/sites/default/files/field_press_file/dp_monumenta_kabakov_0.pdf

Cette gigantesque installation, qui peine à dialoguer avec son environnement, est de loin la plus importante jamais confiée à ce couple d'artistes. Le résultat est-il à prendre pour leur testament artistique, dans cette volonté de tout inclure? Si le monde poétique et spirituel de Ilya et Emilia Kabakov se trouve ici décliné, sa mise en espace très raide et éparpillée conduit le spectateur à une déambulation dans une grande maquette de l'ère soviétique... certes compatible avec le concept d'utopie -on pense ici à Babel, à la tour Tatline ou aux cénotaphes de Etienne-Louis Boullée- mais absolument glaciale; même si le village est de style méditerranéen et que les visiteurs cuisent sous la grande verrière...

Monumenta 2014 : Ilya et Emilia Kabakov , du10 mai 2014 au 22 Juin 2014, GRAND PALAIS, GALERIES NATIONALES. 3, avenue du Général Eisenhower - 75008 Paris

Rainer Gross, le flux sacré

2014-05-10T10:38:00.002+02:00

Rainer Gross, Abbaye de Noirlac, Bruère-Allichamps, France (2010).

Photo non identifiée , trouvée sur le site "Sacred Space"

« C'est une forme simple, une boucle sans fin qui questionne sur le passage du temps et la spiritualité. La totalité ne se voit pas d'un seul regard. On voit l'installation réapparaître à l'extérieur et en visitant les différents lieux, on peut faire le lien entre ses six éléments. »
Rainer Gross dans une interview donnée au quotidien La Nouvelle République

Le sculpteur au travail. Photo extraite du livre "Rainer Gross - Regard d'artiste" (2011),

chez Bernard Chauveau éditeur.

Monumentales et éphémères, les sculptures de Rainer Gross sont de voluptueuses architectures de l’air et de l’esprit. Greffée à la nature ou à la pierre, conçue in situ en subtil dialogue avec son contexte, chaque œuvre est réalisée par assemblage de lattes de peuplier souples teintées de noir ou de rouge. Toutes se déploient dans le geste calligraphique de l’artiste comme des traits d’encre suspendus dans l’espace, en perpétuel mouvement. A Poitiers, imaginé pour le quartier épiscopal dans le cadre de la programmation d’été du service Culture-Patrimoine, Flux se déploie en six faisceaux. L’œuvre prend sa source au sous-sol du musée Sainte-Croix, dans les vestiges gallo-romains, pour ressurgir dans le fossé du baptistère Saint-Jean, en traversant les murs du musée, la cime du tilleul centenaire, etc.
Flux possède la force d’une rivière et se dessine comme une abstraite Grand’Goule, serpentant de l’ombre vers la lumière à travers l’espace et le temps. Dans la salle d’exposition temporaire du musée, un ensemble de photographies d’œuvres antérieures livreront la vision de l’artiste sur ses installations. Des sculptures récentes, de bois et de métal, prolongeront à une échelle plus intime, ce travail formel et spirituel sur d’infinies courbes, de solide et de fugace.

Présentation de l'artiste et de son œuvre sur la fiche de présentation : http://www.musees-poitiers.org/PDF/MUSEES_POITIERS_Printemp2014.pdf
"Flux", la dernière installation de Rainer Gross et l'exposition sont visibles du dimanche 25 mai au dimanche 05 octobre 2014 au musée Sainte-Croix de Poitiers.

Nous avions apprécié son installation à la Galerie Faider; lire l'article (5/2/2014) de Danièle Gillmon dans le quotidien Le Soir

"Voilà quelques années déjà que Rainer Gross (Berlin, 1953), sculpteur allemand qui vit en Belgique depuis plus de trente ans, s’inscrit avec superbe et détermination dans l’espace à la faveur d’invitations qui, de Bruxelles à Noirlac, l’auront amené à déployer ses architectures de bois à la Grange du Faing, à Jamoigne; au Château de Jehay, à Beveren; à Overijse, et puis au massif du Sancy, à Gréoux-les-Bains; au Domaine de Chaumont-sur-Loire, au Centre d’art contemporain du Luxembourg belge; à Melle, en France; enfin, cet été à l’abbaye de Noirlac. Un parcours qui en dit long sur l’implication que cet artiste réussit à si bien imprimer dans les lieux visités que les invitations se succèdent désormais à rythme accéléré."
Une présentation du sculpteur itinérant, extraite d'un article de Roger Pierre Turine en 2010 dans La Libre, à l'occasion de son installation à l'abbaye de Noirlac. Un voyage qui s'est encore enrichi de nombreuses étapes.

"A ciel ouvert" (2007), Massif du Sancy. © Rainer Gross .

Nous en avions parlé à l'époque : http://acasculpture.blogspot.be/2007/08/sculpture-en-montagne.html

"Toi(t) en perspective" (2008). Parc historique du château de Chaumont-sur-Loire

Mark Gibian, calligraphies d'acier

2014-04-26T14:29:00.004+02:00

Nous avons rencontré Mark Gibian lors d'un voyage à New-York ce printemps 2014. Un échange convivial, autour de la passion partagée pour un certain dessin monumental dans l'espace, fait de courbes aériennes sous tensions. La maîtrise de l'acier s'exprime dans d'élégantes structures arachnéennes qui tentent de réconcilier l’irréconciliable, l'homme au prise avec cet environnement démesuré, pour ne pas dire démentiel, qu'il a lui même créé : Manhattan !

"Crescendo" (2008). East River State Park (Pier), Brooklyn. Acier inoxydable. Photos JFD avril 2014.

"Offshot" (détail) (2008). Esplanade de l'Hudson River Park, Tribeca , NYC.

Acier galvanisé. Environ 4m x 21m x 4m (h).

Cette sculpture fait partie d'un ensemble de 3 pièces implantées à la suite dans le parc. Photo Malcolm Varon.

Le sculpteur développe également des travaux qui mettent en œuvre des câbles d'acier et du verre thermoformé. Il a aussi à son actif un ensemble de créations qui relèvent du design : tables, chaises, luminaires...

"Comet" (1989), Bronze et verre.

Environ 20cm x 15cm x 3cm.Collection privée.

Mark dans son atelier; avril 2014. Photo JFD.

Merci aux sculpteurs Jean Dalemans et Marcos Lora Read pour cet amical contact.

Bob Van der Auwera : « Le Vide comme matière sculpturale »

2014-04-01T00:00:00.000+02:00

L’exposition présentera plusieurs décennies de créations sculpturales et de monotypes, ponctuées de projets, de prototypes, de dessins mais aussi d’œuvres expérimentales. Elle permettra de découvrir les multiples facettes de son œuvre qui, tout en restant souvent fidèle au cube et au carré, structure, déstructure et restructure les espaces par la mise en relation du vide et du plein. Ses compositions constructivistes offrent aux spectateurs une infinité de « vues choisies » questionnant inévitablement notre relation à l’espace. En parallèle au travail de l’artiste, sa personnalité active dans la vie culturelle locale et nationale sera évoquée.Présentation de l'exposition sur le site de Wolubilis

Si Bob Van der Auwera est bien connu du public pour son abstraction rigoureuse et vigoureuse, développée dans ses déclinaisons autour de l'acier, c'est aussi un acteur culturel majeur du paysage belge depuis de nombreuses années : comme dynamique créateur-animateur-responsable des Ateliers de la rue Voot, comme professeur de sculpture monumentale réputé à l'Académie des Arts de la Ville de Bruxelles, comme commissaire d'exposition avec l'impressionnante série des "Cubes au carré" (et déclinaisons) qui ont fédéré plus d'une centaine d'artistes au travers du pays pendant 3 ans; enfin comme membre de jury recherché dans toutes nos écoles et institutions.

L’exposition se tiendra à Wolubilis, Cours Paul-Henri Spaak, 1 (anciennement Avenue Paul Hymans, 251) 1200 Bruxelles, du 4 au 20 avril 2014. Vernissage le jeudi 3 avril 2014 à 18h. Ouvert le mardi, mercredi, jeudi et vendredi, de 13h à 19h; le samedi et dimanche de 12h à 18h. Entrée libre.

Le site de l'artiste : http://www.bobvanderauwera.be/

Nous vous avons déjà parlé à plusieurs reprises de "notre ami et néanmoins sculpteur":
http://acasculpture.blogspot.be/2011/03/bob-van-der-auwera-cubes-et-carres.html
http://acasculpture.blogspot.be/2009/01/le-cube-au-carr-au-muse-ianchelevici.html
http://acasculpture.blogspot.be/2008/02/sculpture-au-cube.html

Alice Aycock, du vent dans les voiles dans Park Avenue

2014-03-14T00:26:00.002+01:00

"The notion is that there is this big wind that moves up and down the avenue, and that it makes the forms or blows the forms and leaves it in its wake". Alice Aycock

"Waltzing Matilda"(2014). Fibre de verre et résine,
4,5 m de haut x 4,5m x 5,5m. Images de synthèse sur le site de l'artiste.

“Cyclone Twist” assemblée le long de Park Avenue.

Photo Richard Perry/The New York Times

"Waltzing Matilda" installée; vue avec feux de signalisation et sans herbe...(2014).

Fibre de verre et résine, 4,5 m de haut x 4,5m x 5,5m.

"Les New-Yorkais ont pu découvrir une nouvelle série de sculptures de l’artiste Alice Aycock le 11 mars le long de Park Avenue. Cette série, intitulée « Park Avenue Paper Chase », comprend sept structures. Elles semblent interagir les unes avec les autres et donnent une impression de mouvement. L’œuvre joue avec l’architecture de la rue.
Les sculptures géantes, fabriquées à partir de fibre de verre et d’aluminium, ont reçu plus de 1 M$ de financement de la part de la Galerie Thomas Schulte, basée à Berlin, et d’un investisseur inconnu. L’installation s’achèvera le 20 juillet 2014 et les pièces seront mises aux enchères, ainsi que les sculptures en modèles réduits."
Information reprise de AMA (Art Media Agency est une agence de contenu sur le marché de l'art. Actualité pointue et fournie; on regrettera cependant l'absence de photos... )

Découvrir l'ensemble du projet : http://www.salomoncontemporary.com/works/aycock/Aycock_Park_Ave.pdf
Voir article dans le New York Times

On a connu l'artiste plus "construite".
Voir par exemple :

“ Studies for a Town” (1977). Bois, de 1 à 3 mètres de haut, diamètre environ 4 m.
Collection: Museum of Modern Art, New York.

"The House of the Stoics Structure A" (1984). Bois peint en blanc.

Environ 10 mètres de haut; base de 4 mètrs de côté.

International Contemporary Sculpture Symposium, Lake Biwa, Japan.

"Ghost Ballet for the East Bank Machineworks", Nashville, Tennessee (2005-7). Aluminium, néon,
formes en acrylique thermoformé. Environ 30 x 10 x 30(h) mètres.

Le site de l'artiste : http://www.aaycock.com/

Gérard Mortier, le creuset de l'art contemporain

2014-03-10T10:04:00.001+01:00

...Gérard Mortier a occupé les plus grandes fonctions dans le monde de l’opéra. Il fut un créateur infatigable, un innovateur, un agitateur d’idées, un humaniste à l’immense culture, un grand défenseur de l’idée européenne et du rôle des artistes, un pourfendeur des nationalismes.
Avec ce décès, non seulement la Belgique, mais l’Europe, voire les États-Unis (il fut pressenti à New York), perd un des acteurs les plus importants de sa vie artistique depuis trente ans. Il était un révolutionnaire dans le meilleur sens du terme, un agitateur d’idées, un bâtisseur de cathédrales, un grand humaniste. Chacun qui le rencontrait sortait grandi d’avoir discuté avec lui, de l’avoir écouté quand il ouvrait grandes les portes de l’art, de l’histoire, de l’imagination, de la création, de l’audace...
Extrait de l'article de Guy Duplat dans La Libre (9 mars 2014) : Gérard Mortier, mort d’un bâtisseur de cathédrales

Les a priori existent partout. J’ai lu dans la presse madrilène que je suis un terroriste de la modernité. Qu’est-ce à dire ?... Retournons à Baudelaire : la modernité consiste à se remettre constamment en question, être toujours à la recherche des courants de l’art qui précèdent ou suivent ceux de la société et leur donner une chance. Je ne m’autoproclame pas moderne, ce sont les autres qui le disent.

Extrait d'une interview parue dans le journal La Croix, en 2010

Cette révolution de l'opéra est née dans un creuset multidisciplinaire qu'a mis en place Gérard Mortier, au travers de collaborations spectaculaires, inattendues, innovantes (et parfois très onéreuses) avec les grands artistes d'aujourd'hui, issus de la musique mais aussi d'autres champs de la création, comme le cinéma avec Michael Haneke (Don Giovanni en 2006). Nous retiendrons ici quelques grandes collaborations avec des plasticiens comme les Kabakov, Bill Viola, Anselm Kiefer, Chiharu Shiota ou Marina Abramovic.

En 2009, "Am Anfang" (Au commencement), dans la mise en scène et les décors d'Anselm Kiefer (issus de Monumenta ). Commande de Gérard Mortier pour les 20 ans de l’opéra Bastille et son départ. Photo Le Figaro.

"Tristan und Isolde" (Richard Wagner) mis en scène à l'Opéra de Paris par Peter Sellars dans une scénographie de Bill Viola (2005). Photo : DR

La coupole, élément central de la mise en scène et installation d’Emilia et Ilya Kabakov, au milieu des gradins du Madrid Arena pour le Saint François d’Assise d'Olivier Messiaen. (2011) (Photo?) Il existe une création antérieure de cet opéra par Gérard Mortier au Festival de Salzbourg, avec une mise en scène tout aussi spectaculaire par Peter Sellars (1992).

"Matsukaze", un opéra de Toshio Hosokawa présené en 2011 à la Monnaie, avec la participation de l'artiste Chiharu Shiota. Photo Johan Jacobs. Nous en avions déjà parlé dans SCULPTURE.

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Rappelons qu'un des gestes emblématiques de Gérard Mortier à la Monnaie de Bruxelles, fut le "relooking" de l'entrée de l'opéra par Sol Lewitt (pavement) et Sam Francis (plafond).

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Pour en savoir plus : http://brunoserrou.blogspot.be/2014/03/gerard-mortier-est-mort-dans-la-nuit-de.html
Une de ses dernières interview accordée au New York Times en février 2014 : Feisty Opera Impresario Regrets Lost Opportunity / Gerard Mortier, in Rare Interview, Weighs His Recent Past

Mapplethorpe - Rodin, l'objectif de la chair

2014-03-07T11:22:00.003+01:00

Le temps d’une exposition, le musée Rodin confronte deux formes d’expression - Sculpture et Photo-graphie - à travers l’œuvre de deux artistes majeurs : Robert Mapplethorpe et Auguste Rodin. Bénéficiant de prêts exceptionnels de la Robert Mapplethorpe Foundation, cette exposition présente 50 sculptures de Rodin et un ensemble de 102 photographies dont l’audacieux dialogue révèle la permanence des thèmes et sujets chers à ces deux grands créateurs.
Présentation de l'exposition sur le site du Musée Rodin

"Je vois les choses comme des sculptures, comme des formes qui occupent un espace"

Robert Mapplethorpe

Auguste Rodin, "Assemblage : nu féminin sortant d’un pot, plâtre et terre cuite",

Musée Rodin. Photo Christian Baraja. Robert Mapplethorpe "Cabbage", 1985

Robert Mapplethorpe, Robert Sherman, 1983, used by permission of the Robert Mapplethorpe Foundation.
Auguste Rodin, Tête de la Luxure, plâtre, 1882 © musée Rodin, ph. C. Baraja

Présentation du catalogue de l'exposition chez Actes Sud Beaux Arts :

Ce catalogue d'exposition (musée Rodin, à partir du 8 avril 2014) confronte les œuvres du photographe américain Robert Mapplethorpe (1946-1989) à celles de Rodin, dans un dialogue fort. Le premier a beau sculpter les corps à travers son objectif, et le second recourir à la photographie tout au long de sa carrière, rien ne semble lier les deux artistes. L'un court après la forme parfaite, l'autre s’obstine à capturer le mouvement dans la matière. Rien de spontané chez Mapplethorpe le méticuleux, tandis que Rodin s’en remet aux fulgurances du geste, quitte à en accepter l’expression accidentelle. Les plans hyper maîtrisés de l’un font écho aux rondes-bosses tourmentées de l’autre. La fragmentation des corps, leur examen compulsif, les drapés qui les dissimulent à peine signent une quête commune, également sensuelle. Distantes de près d’un siècle, les deux œuvres présentent d’innombrables similitudes et produisent des diptyques saisissants.

Exposition du 8 avril au 21 septembre 2014, Musée Rodin, 77, rue de Varenne, Paris
La Réunion des musées nationaux organise parallèlement au Grand Palais une rétrospective Mapplethorpe, du 26 mars au 13 juillet 2014.
Le site de la Robert Mapplethorpe Foundation : http://www.mapplethorpe.org/foundation/

Et si vous souhaitez découvrir plus avant l'univers de Rodin, et plus particulièrement cette œuvre "sulfureuse" qu'est "La porte de l'Enfer", il y a cette belle vidéo, produite par le Canal Educatif à la demande en partenariat avec Le Musée Rodin et l'INHA : http://www.canal-educatif.fr/videos/art/4/rodin/la-porte-des-enfers.html?gclid=CIjct6KdgL0CFSfmwgodzFYAkg

Duane Hanson, sculptures de l'american dream

2014-03-05T19:17:00.000+01:00

Le Musée d'Ixelles (B) présente une (petite) rétrospective consacrée au sculpteur américain Duane Hanson (1925-1996). On est loin des "machines de guerre", très tendance dans les grands temples de l'art contemporain de la planète. N'empêche, la qualité est au rendez-vous : un bel ensemble de sculptures représentatives de la période après 1970, où l'artiste glisse d'un registre franchement engagé, critique envers la société et ses injustices, voire carrément "trash", à un discours moins violent, plus satirique dans sa représentation des archétypes américains (occidentaux?).

"Flea Market Lady" (Édition 1/4 1990);

Ce n'est ici pas de la poudre aux yeux cinématographique, mais un travail de fond : nous nous sommes blasés (malheureusement sans doute) insensiblement, peut-être au contact des effets spéciaux, et certaines de ces sculptures relèveraient techniquement (en 2014) de la sage présentation d'un diorama au musée des sciences naturelles (Duane Hanson a beaucoup cherché la formule idéale de peinture)...
Mais nous ne sommes pas chez Madame Tussauds : un réalisme, oui mais pour mieux nous faire vivre cette mise en scène douloureuse de la condition humaine; on lit la détresse, la solitude, l'aliénation... dans le regard vide de ces antihéros du rêve américain.

"Queenie II" (Édition 1/1) (1988).

Cette présentation s'accompagne d'un ensemble de documents appréciés tant par le profane, que par le professionnel : photos et vidéos des séances de moulage sur nature , moulages, portraits, affiches, citations... sans oublier le catalogue de l'exposition.

Je ne reproduis pas la vie, je formule une réflexion sur les valeurs humaines. Mon travail concerne des gens qui mènent des vies tranquillement désespérées. Je montre la stupidité, la fatigue, le vieillissement et la frustration. Ces gens qui n'arrivent pas à suivre le rythme de la compétition. Ce sont des exclus, ils sont psychologiquement handicapés. Duane Hanson

Précisons que le décès de l'artiste est étroitement lié à de longues années d'exposition aux produits (résine polyester, fibre de verre) mis en œuvre dans ses sculptures.

Son héritage est porté par une nouvelle génération d’artistes hyperréalistes comme Ron Mueck, Maurizio Cattelan, Evan Penny ou Don Brown (nous avons parlé de ceux-ci à plusieurs reprises), qui se sont emparés de nouvelles technologies pour aller encore plus loin dans cette quête du vivant.

Exposition du 20 février au 25 mai 2014.

La page du musée d'Ixelles consacrée à l'exposition : http://www.museedixelles.irisnet.be/fr/page-daccueil-1/expositions/expositions-en-cours-1/duane-hanson/duane-hanson.-sculptures-of-the-american-dream

Lire l'article de La Libre sur la mise en place de l'exposition : http://www.lalibre.be/light/societe/les-mains-baladeuses-des-sculptures-de-duane-hanson-52fb71bf3570516ba0b992d5
Article de la RTBF : Duane Hanson, de chair et de résine

Bill Viola, d'eau et de feu

2014-03-01T11:20:00.003+01:00

Avec vingt œuvres magistrales, soit plus de trente écrans et des heures d'images, Bill Viola au Grand Palais constitue l’une des plus larges rétrospectives consacrées à l'artiste.

Bill Viola est sans doute le plus célèbre représentant de l'art vidéo. Pour la première fois, le Grand Palais présentera un vaste ensemble de ses œuvres, y compris des "moving paintings"(tableaux en mouvement) et des installations monumentales, de 1977 à aujourd'hui. Axé simultanément sur les expériences intimes et universelles, l'artiste exprime son voyage émotionnel et spirituel à travers de grands thèmes métaphysiques - la vie, la mort et la transfiguration...

Présentation sur le site du Grand Palais

Le véritable lieu où l’œuvre existe ne se trouve pas sur l’écran ou à l’intérieur des murs mais dans l’esprit et le cœur de la personne qui l’a vu.

Bill Viola

Exposition au Grand Palais du 5 mars au 21 juillet 2014

Extrait d'un article de Libération en avant première : http://next.liberation.fr/arts/2014/02/25/bill-viola-the-dreamers-en-avant-premiere_982845

... il faudra voir et revoir, découvrir, méditer (on rêverait d’un ticket à entrées multiples!). Entendre une pensée qui se nourrit des peintures rupestres à la technologie d’aujourd’hui, en passant par la philosophie platonicienne, la fresque de la Renaissance, mais aussi bien la poésie des grands mystiques ou l’art de la tension des archers japonais. Chez lui, le rythme est ralenti, le temps est autre.

A écouter également, l'interview réalisée par Frédéric Mitterrand le 26 février 2014 dans son émission Jour de Fred sur France Inter : http://www.franceinter.fr/emission-jour-de-fred-bill-viola-au-grand-palais

Voici un aperçu (de très mauvaise qualité) de l'installation "The Dreamers" qui sera visible dans le cadre de l'exposition.(filmé à "la sauvette" en juin 2013 à la galerie Blain|Southern)

Nous avions déjà parlé de Bill Viola en 2010 à l'occasion de l'exposition au Fresnoy Studio National des Arts Contemporains http://www.lefresnoy.net/ avec Thierry Kuntzel : "Deux éternités proches" . Les deux hommes étaient amis depuis des années et Le Fresnoy avait déjà consacré une importante exposition à l’œuvre du Français Thierry Kuntzel en 2006, quelques mois avant sa mort.

Extrait de la présentation de Christian Vincent dans La Voix du Nord : http://www.lavoixdunord.fr/Region/actualite/Secteur_Region/2010/03/20/article_bill-viola-une-star-mondiale-de-l-art-vi.shtml

L'article du monde : http://www.lemonde.fr/culture/article/2010/04/05/l-hommage-de-bill-viola-a-son-maitre_1329012_3246.html

Le site officiel de Bill Viola : http://www.billviola.com/
Ce site contient en réalité peu de documents; pour d'avantage d'informations, il faut se référer aux galeries de l'artiste et différents lieux d'exposition, nettement plus à jour. Comme par exemple la Blain|Southern Gallery, avec cette image de "The Dreamers", vidéo-installation de 2013;

ou une interview-portrait de l'artiste (non transposable ici), proposée par la galerie James Cohan : https://vimeo.com/82405879

Nous avons malgré tout découvert cette belle (et longue) interview qui donne en évoquant certaines de ses créations emblématiques, toute une série de clefs, dont sa chute dans un étang lorsqu'il était enfant, pour comprendre son œuvre; par Louisiana Channel (YouTube)

Sans vouloir casser le rêve, voici le making de Emergence, une vidéo commissionnée par le Getty Muséum, inspirée d'une fresque de Masolino da Panicale; on y voit ici le méticuleux travail de Bill Viola.

Enfin, pour les fans, voici une des premières vidéos de Bill Viola présentée en France : Chott-el-Djerid, tournée dans le désert tunisien; où l'eau et le feu se rejoignent dans les mirages. Merci à Télérama pour cette découverte (article très complet de Olivier Cena à lire dans le n°3347 du 5 mars 2014)