La eternidad y el cine

J. Edgar: el poder acomplejado

2012-01-28T20:54:00.000+01:00

“A veces hay que torcer un poco las leyes para proteger a tu país”

J. Edgar Hoover

Hablar de Clint Eastwood no es cosa fácil. No es algo que pueda uno hacer con toda la calma del mundo y mucho menos es algo que se deba tomar a la ligera. Hablamos de uno de los directores de Cine más importantes de los últimos treinta años. El Cine posmoderno ha crecido de mano de su figura y los que lo llaman “el último clásico” parecen no haber entendido nada. Eastwood es el mayor representante del nuevo Hollywood, de ese Hollywood que sigue empeñado en contar las grandes historias pero lo hace de la forma más personal posible. Eastwood es eso y más. Lo único que tiene de clásico son las historias que cuenta, herederas del mejor John Ford en cuanto a la épica de un país con tantas aristas y contradicciones. Y este fin de semana ha vuelto el director de “Banderas de nuestros padres” a regalarnos un capítulo imprescindible en su filmografía, una nueva piedra que se inserta a la perfección en el coherente castillo que es su carrera como cineasta.

Mucho escepticismo había alrededor de este film tras la tibia acogida crítica (no así de público) que tuvo en Estados Unidos a pesar de ser la primera colaboración de dos grandes figuras del medio como Clint y Leonardo DiCaprio. Un servidor se resistió a pensar que Eastwood podía fallar con un material tan jugoso en sus manos. La historia de J. Edgar Hoover, director del FBI durante más de treinta años y probablemente el mayor representante del abuso de poder que la Tierra haya conocido, no podía dársele mal a un director especialista en dicha materia. Imposible. Me bastó la primera secuencia, un auténtico alarde de negrura y suspense, para drme cuenta de que estaba ante un nuevo acierto de Eastwood. No me equivoqué.

Hablamos de un biopic, pero no de una de esas formas repetidas hasta la saciedad en la industria norteamericana tan pensadas para amasar Oscars (principalmente a nivel actoral) y engrandecer las figuras históricas que llevan a la gran pantalla. Eastwood no es así. Y ya viene demostrándolo con todas y cada una de las figuras reales que ha tratado en su filmografía de forma velada o no (desde Charle Parker hasta John Huston). Aquí hablamos de Hoover como persona, como ser humano, como errático mandatario y hombre acomplejado. El primer acierto que se le debe atribuir a esta película es lo bien que condensa una vida llena de sinsabores y enigmas todavía por resolver. No estamos ante un biopic que quiere abarcar toda una vida, si no que el guion de Dustin Lance Black se centra en un solo caso como vértebra principal de una historia apasionante que sirve, principalmente, para descubrirnos lo que había detrás de una figura tan grande a todos los niveles.

Así que recorremos la vida y las obsesiones de J. Edgar a través de su propia palabra (elocuente el detalle de cambiar continuamente de biógrafo) y alternando dos líneas temporales de una forma tan exquisita como genial. Eastwood, que somete una vez más a sus actores y a las propias imágenes al filtro de la sencillez, maneja todos los entresijos del montaje y la estructura con mano de cirujano, sin divismos y con el único afán de contar una historia, su historia. Su cámara se mueve con agilidad y naturaleza, las situaciones se suceden con pasmosa habilidad en las transiciones y cuando nos queremos dar cuenta ya han transcurrido casi 140 minutos de metraje que dejan incluso con ganas de más. “J. Edgar” no es únicamente un portento por lo que cuenta y el peso que esto tiene, si no que es una cinta divertida, amena y genialmente contada.

Y como todo gran guerrero, Clint suele rodearse de los mejores escuderos a cada batalla que emprende. En esta ocasión son dos y ofrecen sendas interpretaciones que ni siquiera el justito maquillaje consigue eclipsar: Josh Lucas y Leo DiCaprio. Los dos están soberbios y auténticos formando una de las parejas de Cine más viscerales y controvertidas que este gran arte nos ha regalado en los últimos años. Sorprende y mucho la ausencia de ambos en los Oscar, pero quizá este nimio detalle contribuya a glorificar todavía más su espléndido trabajo. A través de unos diálogos certeros y muy bien hilados (la película se sustenta principalmente en la discursividad y la trama avanza gracias al aspecto conversacional) DiCaprio y Lucas visten dos personajes tan opuestos como atrayentes entre sí.

Sobra decir que Clint Eastwood sigue sugiriendo como el gran maestro de la imagen que es y todo aquello que muchos dejarían al servicio de la más burda de las evidencias, él lo deja encima de la mesa para que el espectador lo tome y lo juzgue sin cuestionárselo. La polémica está ahí, las conciencias son removidas pero con elegancia y la figura de Hoover, uno de los megalómanos más paranoicos e intransigentes de la historia de la humanidad, es humanizada de una forma exquisita a través de las mayores influencias de su vida: una obsesiva y ultraconservadora madre (interpretada con sobriedad por Judi Dench) y todos aquellos que, inevitablemente, consiguieron hacerle sombra en mayor o menor medida. “J. Edgar” es una película espectacular, rica en matices, sentida y mejor contada. Eastwood nunca falla.

Los Descendientes: lugares comunes

2012-01-27T20:44:00.001+01:00

Anunciadas las nominaciones a los Oscar para este año, una de las grandes triunfadoras ha resultado ser “Los descendientes” de Alexander Payne, quien tendrá una nueva oportunidad de hacerse con la codiciada estatuilla al mejor director tras fracasar al estar nominado por la estupenda “Entre copas” allá por el 2004. La película protagonizada por Clooney ha resultado ser una de las más aclamadas del pasado año, aunque aquí ha visto su estreno la semana pasada. La crítica se ha rendido a sus pies y el público ha respondido como se esperaba a una cinta a mayor gloria de un George Clooney que cada vez madura más como actor. Esta semana he podido disfrutarla y la verdad es que, aunque es innegable que hablamos de buen Cine, la decepción ha invadido un poco mis sensaciones.

Tras un brillante comienzo y una propuesta espectacular que versa sobre el descubrimiento de un marido perdido de la infidelidad de su mujer en coma, la película avanza algo timorata y da la sensación de no evolucionar en ningún aspecto. Es más, terminamos presenciando un drama familiar a la vieja usanza, excesivamente clásico e incluso algo tópico en algunos aspectos a pesar de la originalidad de su propuesta inicial. Y es una pena. Porque contando con un reparto espectacular y una trama atractiva, lo que más falla es lo menos esperado: el trabajo de Payne. 7 años después de “Entre copas”, el director de “A propósito de Schmidt” parece un poco oxidado y no consigue dotar de ningún hallazgo visual a la historia, dejando el triunfo de la cinta al buen hacer de los actores.

No se le puede negar a esta película autenticidad y honestidad, no vienen por ahí sus errores ni mucho menos. Todos sus aciertos devienen de la frescura y el realismo con el que está tratada la vida familiar de esta burguesía hawaiana. Sus primeros veinte minutos, punzantes y haciendo gala de un patetismo muy negro, son espectaculares por su veracidad. Es imposible no creerse lo que está pasando y mucho menos cuando las situaciones, que sobre el papel pueden parecer absurdas e incluso ridículas, son protagonizadas por un grupo actoral tan inspirado. Desde Clooney hasta Robert Forster (cuyas intervenciones son tan breves como descomunales) pasando por la joven Shailene Woodley, cuyo futuro ya da la impresión de ser un presente talentoso (sorprende su ausencia en los Oscar). Hasta ahí todo bien. Los problemas aparecen más tarde.

Cuando transcurren tres cuartos de hora de las casi dos horas de metraje que dura la película da la impresión de que ya no hay demasiado que contar. Sí, quedan líneas argumentales por resolver, pero éstas se tornan tan previsibles y poco hiladas que uno no es capaz de admirar lo que está viendo y mucho menos sentir empatía por ello. No hay emoción y por lo tanto no hay interés y en una película de interiores y relaciones humanas como “Los Descendientes” ese es un problema bastante grave. Cuando tiene que llegar el sentimiento y el drama se desata es quizá demasiado tarde, y aunque su final raya a un gran nivel, su intermedio consigue desconectar completamente al espectador que incluso (y esto es una apreciación muy personal) pide la hora en algún que otro momento.

No se le pueden negar las ganas a Payne de contar una buena historia. “Los Descendientes” está lejos de ser una mala película, pero podría haber dado para más si se condensase un poco su historia. Juega a ser una tragicomedia pero termina subiéndose al carro de lo convencional apostando por el melodrama y los lugares comunes del tipo de películas que tanto gustan en el Hollywood menos arriesgado. No sé si triunfará en la ceremonia de la Academia (todo apunta hacia “The Artist” y un nuevo triunfo de los temibles Weinstein), pero lo cierto es que un servidor salió un poco decepcionado de la sala. No me encontré algo tan fresco como la anterior película de su responsable, aquella en la que Paul Giamatti me resultaba mucho más creíble en su tormento que este Clooney maduro y padre de familia desestructurada. Las comparaciones son odiosas, lo sé.

Cuando el Cine es magia: Theo Angelopoulos es eterno

2012-01-25T23:09:00.002+01:00

Ayer se apagaron los focos de una de las películas más apasionantes de la historia del Cine: la vida de Theodoros Angelopoulos, uno de los directores más apasionantes de la historia del Séptimo Arte, tocó a su fin. Un desgraciado accidente de tráfico se llevó al cineasta genial a los 76 años de edad. El griego nos abandona mientras rodaba la última parte de la segunda trilogía de su carrera, en la que pretendía reflexionar sobre el estado actual de su deteriorado país. No podrá ser. La desgracia se llevó su vida de la forma más inesperada y con ella se fue el talento más grande que imaginar quepa para aquellos que amamos el Cine con todas sus letras. Me parece innecesario e irrespetuoso ponerme a enumerar los méritos de un director cuyas películas hablan por sí solas.

Cuando comencé este blog hace ya la friolera de cuatro años me pensé seriamente el título. La solución estaba a la vuelta de la esquina: la primera publicación versaba sobre su película más triste y apasionada, "La eternidad y un día" y de ella extraje el título variando la segunda parte de la frase. Sería estúpido decir que mi agradecimiento se resume a este pequeño detalle, pero el simple hecho de inspirarme en él es elocuente en cuanto a lo que este cineasta significa para mí. Lo descubrí gracias a una de las personas que más quiero y respeto en este mundo y, desde que sus sabias palabras me iniciaron en la carrera del responsable de "El Apicultor", no he podido parar de avanzar dentro de su extraña, fascinante y dilatada filmografía. Todavía me quedan muchas de sus películas por descubrir y no dudo que tarde o temprano, con el paso de ese tiempo que él tan bien trataba en sus películas, podré incorporarlas a mi retina. Ayer, cuando me enteré de su fallecimiento, no podía creerlo. Cuando muere un cineasta que sientes cercano, que te apasionó con su filmografía, que sentiste tuyo al notar que la comunicación entre su obra y tú fructificaba de una forma tan natural, la pérdida resulta tan cercana como si lo hubieras conocido de toda la vida.

Así me sentí cuando me enteré. Durante unos minutos me quedé paralizado, sin saber qué pensar ni qué decir e incluso me negué a aceptarlo. Angelopoulos es una figura tan grande y tan importante no solo cinematográficamente hablando que su pérdida se valorará todavía más con el paso del tiempo. Las redes sociales e internet en general recogieron ayer el lamento de todos aquellos que supieron valorar su obra. Ahora, como siempre ocurre en estos casos, tendremos que recurrir a sus películas que, para nuestra suerte, le sobrevivirán. Inolvidables, apasionantes, contemplativas, sentidas, poéticas, líricas y eternas. Como ese viaje del escritor sin nombre en busca de su propia muerte al lado de un niño perdido. Y es que no puedo evitar un escalofrío cuando veo esta secuencia en la que el griego, que nunca más volverá a iluminar con su Cine nuestra memoria, demuestra que las imágenes y los sonidos, aunque aparentemente incomprensibles, pueden hacernos soñar y viajar a mundos desconocidos:

The girl with the dragon tattoo: un director en plenitud

2012-01-21T20:01:00.003+01:00

Cuando me enteré de que David Fincher, uno de los directores más respetados del Hollywood actual desde que deslumbrase en los noventa con la imprescindible “Sev7n”, iba a dirigir una película sobre Facebook me eché las manos a la cabeza. No tengo ningún miedo en admitirlo, me temí lo peor. Tras haber “fracasado” por su desmedida ambición con “El curioso caso de Benjamín Button” parecía que Fincher perdía definitivamente el rumbo. Cuando pude ver el trailer no puse la misma cara, comencé a tener ciertas esperanzas. Y los que hayan leído mis impresiones sobre ella aquí saben de sobre que, evidentemente, me maravilló y me pareció una de las mejores películas del 2010. Que le negasen el Oscar al mejor director me parece un disparate mayúsculo. Y entonces Fincher, ni corto ni perezoso, confirmó que se ponía manos a la obra con la adaptación norteamericana del best-seller “Millenium: los hombres que no amaban a las mujeres”. Otra vez escepticismo, otra vez cierto temor a que Fincher doblegase su talento a la parte más oscura de la industria.

El caso es que esta vez fue uno sobre aviso y sabiendo que el material preexistente (por lo que me contaban, ya que ni leí el libro ni vi la película sueca) era más que interesante y contando de nuevo con Steven Zaillian al guion, las esperanzas en que se tratase de una gran película no eran vanas. De nuevo salió el trailer y de nuevo se quedó uno con la boca abierta. Al ritmo de un Led-Zeppelin modificado a su gusto por Atticus Ross y Trent Reznor, daba la impresión de que nos encontrábamos ante un thriller en el que Fincher, un auténtico esteta y un genio visualmente hablando, desplegaría todo su arsenal. Yo no lo dudé ni un solo momento: estábamos ante una nueva entrega de la confirmación de un talento, ante la nueva entrega del “nuevo Fincher”, un director renovado pero que mantiene su esencia e incluso hace prevalecer su sello ante un material tan ajeno como comercial.

Ayer pude verla y me quedé con la boca abierta. Dos horas y cuarenta minutos de pura adrenalina y tensión que, desgraciadamente, tienen un final. Una película imprescindible, talentosa, perturbadora, arriesgada, consecuente. Junto a “La red social” forma un díptico imprescindible en la carrera de su responsable aunque muchos no sepan ver las similitudes que ambas tienen: personajes solitarios, globalización, constatación de un mundo que cambia pero que se ve abocado a cometer los mismos errores del pasado. Y un estilo visual renovado, fresco, elegante y lleno de actualidad, un Fincher que se rodea de nuevo del mismo equipo técnico y artístico para subir un peldaño en su carrera como cineasta.

Poco queda ya del Fincher sobreactuado de “El club de la lucha”, demasiado pendiente de impresionar a través de su imagen “videoclipera” y con ganas de provocar por el único placer de hacerlo. El Fincher que ahora observamos en la actualidad es un Fincher vituoso pero sosegado, un director muy profesional (en cuanto al material que adapta) y a la vez eternamente personal (en cuanto al nuevo ladrillo que le pone al edificio de su propia historia cinematográfica). Desconozco qué tal está el libro que llevó a la fama al sueco Stieg Larsson tras su muerte y también desconozco la calidad de la película en la que destacaba una Noomi Rapace que ya da sus primeros pasos en Hollywood. Supongo que los que ya conozcan de antemano la historia de Mike y Lisbeth a la par que la sobrecogedora investigación que llevan a cabo en la isla Vanger perderán mucha parte del efecto sorpresa. Y un servidor se lamenta. Porque no poder disfrutar en su totalidad de un Fincher en plenitud por culpa de conocer la historia que éste narra es una auténtica pena de la que nadie tiene culpa.

Yo conseguí llegar virgen a su visionado argumentalmente y vaya si lo disfruté. No por la historia en sí, si no por ver cómo Fincher despliega todo su talento para contarnos un thriller con el sencillo poder de las imágenes dejando de lado la palabrería barata. Toda la investigación, toda ella, está narrada a través de un montaje tan ejemplar como complicado, algo que Fincher ya demostró que estaba perfeccionando en su anterior película. Aquí las pesquisas no se nos transmiten a través de los diálogos o las impostadas situaciones del peor de los Cines de detectives, sino que avanzamos con el ritmo de las imágenes, avanzamos junto a los personajes y lo hacemos con el beneplácito de un director que impresiona a la vez que convence.

Poco hay que decir, después de tantas alabanzas a un director que sin duda está ante su plenitud artística, del ajustado y casi perfecto reparto que se da cita en esta aventura de lo grotesco. Rooney Mara, el nuevo talento femenino de Hollywood, se viste del personaje más enigmático y atrayente de toda la película y lo hace a la perfección. Su papel es de galardón de los gordos, mucho más complicado de lo que parece a simple vista. Daniel Craig, quien inteligentemente se empeña en no encasillarse como el Bond del siglo XXI, consigue transmitir con mucho talento el tedio y el día a día de una investigación tan laberíntica. Christopher Plummer, Robin Wright y Stellan Skarsgard convienen en recordar que no por pequeño un papel ha de ser menos trabajado e intenso. Todos están geniales y siguen la batuta intensa, sentida y perecedera de un director de orquesta que, si sigue así, se escapará a nuestras palabras.

Las razones del corazón: melodrama en plano-secuencia

2012-01-20T21:05:00.000+01:00

El Cine nunca deja de sorprendernos. En mi visita habitual a las salas más clásicas de mi ciudad me encuentro una nueva sorpresa que, seguramente, no hubiera podido visionar de otra forma. Cada vez que voy a este Cine me siento reconciliado irremediablemente con el Séptimo Arte. Normalmente voy a ciegas, sin apenas informarme de la película que voy a ver y simplemente con la intención de descubrir cosas. Unas veces sale rana y otras salgo enormemente satisfecho. “Las razones del corazón” forma parte del segundo grupo y aunque Arturo Ripstein es un director de amplia trayectoria, es la primera película suya que tengo la suerte de llevarme a los ojos. Y qué delicia. Con sus errores y sus excesos, pero una delicia al fin y al cabo. Basándose (muy) libremente en la novela clásica “Madame Bovary” de Gustave Flaubert, Ripstein despliega un arsenal de talento audiovisual y narra la epopeya de una mujer perdida en las profundidades de su egoísmo.

Lo hace utilizando prácticamente una sola localización (un viejo bloque de edificios mexicano) y cuatro personajes de auténtico peso. La protagonista, Emilia (interpretada con derroche de energías por Argelia Ramírez), se debate entre la decepcionante vida que le ha regalado su marido (hija incluida) y los sueños imposibles que su amante, músico cubano y que vive en la azotea, nunca le prometió. Ahogada en alcohol, hambrienta de sexo y necesitada de dinero, Emilia se plantea continuamente la posibilidad del suicidio.

Sorprende y mucho en los tiempos que corren no ya que una película de estas características (su argumento tiene mucho de telenovela y folletín) sea filmada en un académico y ejemplar blanco y negro, si no que su director decida planificarla como si de una obra a tiempo real se tratase. Todo lo que acontece en “Las razones del corazón” da la sensación de estar sucediendo realmente, no solo por la utilización de un montaje casi inexistente (aunque preciso) si no por lo discursivo de su guion, lleno de diálogos que bordean lo teatral pero que se antojan creíbles en todo momento. Es cierto que quizá el exceso y la exageración bordean el relato entorpeciéndolo un poco, pero los más puristas de esto del Cine se quedarán asombrados por la dificultad y talento que entraña cada toma de esta odisea de los sentimientos.

Quizá dos horas sean muchas para contar lo que se quiere contar y quizá también haya situaciones extendidas de forma innecesaria, pero lo cierto es que Ripstein no aburre. Introduce a los personajes dosificándolos y aportando a cada situación nuevos detalles que dotan a la película de interés. Quizá en lo visual sea difícil de ver por su estilo contemplativo, pero a nivel argumental es de lo más frenética y divertida. Los diálogos, las interpretaciones y la crudeza de sus imágenes (algunas se quedan grabadas en la memoria) consiguen satisfacer a los paladares más cinéfilos. Cabe recordar que no hablamos de una película convencional en su vertiente audiovisual pero sí lo es, en cuanto a su realismo social, en lo que trata de contarnos. Y Ripstein se luce. Sin más. Desconozco si merecía o no el premio en San Sebastián (fue el director que más indignado se mostró ante el veredicto, jurando incluso no volver), pero no cabe duda de que estamos ante una gran película.

Mientras la veía me di cuenta de que estaba ante una telenovela narrada “en plan” Tarkovski o Angelopoulos. Exquisitos planos-secuencia y una fotografía rica en claroscuros y aprovechando muy bien la luz natural y los intrincados rincones de su localización remiten tanto al griego como al fallecido director ruso. Y créanme que la mezcla funciona a la perfección dejando momentos impagables que sobresalen entre los que resultan un poco más prescindibles. Dos horas de puro Cine que no dejarán indiferente a nadie. Aunque solo sea por el derroche de sus actores, todos inmensos y muy creíbles en un ejercicio casi de teatro filmado. La pena es que, como ya viene siendo habitual, la torpeza de las distribuidoras prive a la gran mayoríad e poder disfrutar de una película así. Yo he tenido suerte, pero estoy seguro de que muchos otros no la han tenido. El cuento de la lechera.

Cuando el Cine es magia: "El día de la bestia" y Álex de la Iglesia

2012-01-20T00:26:00.000+01:00

Tras hablar largo y tendido sobre el último estreno del expresidente de la Academia del Cine español y el amargo sabor de boca que me ha dejado, me parece justo recordar una secuencia de una de sus mejores películas para analizar un poco lo que fue una vez el bilbaíno y que en sus últimas películas parece haber perdido. "El día de la bestia" es una película visceral, negrísima y llena de muy mala leche en el buen sentido de la expresión y es por eso que resulta tan fresca, divertida y auténtica. Las desventuras de un cura de pueblo que casi parece el Chuk Norris clerical y un joven metalero se siguen con tanto interés como asombro. Es una película tan descaradamente violenta y "pulp" que es todo un gozo audiovisual. Es el segundo largometraje del director y sin embargo parece que éste lleva contando historias de este tipo toda la vida.

Quizá la pérdida de este estilo tan particular devenga del divorcio entre el director y su guionista de cabecera, Jorge Guerricaechevarría. No lo sé, aunque lo cierto es que desde que ambos dejaron de colaborar (exceptuando "Los crímenes de Oxford", que adapta un material ajeno) parece que el cincuenta por ciento del estilo "Álex de la Iglesia" se ha esfumado sin remedio. Viendo "El día de la bestia" esto queda absolutamente refrendado. Se echa de menos en su Cine, además, las ganas de contar lo que quiere contar y no sentirse condicionado por el mundo que le rodea. En esta epopeya gamberra da la impresión de que al director le da igual las impresiones que cause su película: simplemente cuenta la historia que quiere contar y se lo pasa en grande haciéndolo. Acompañado de dos inmensos actores como Santiago Segura y Álex Angulo (a quien también se echa mucho de menos en la carrera de de la Iglesia), resulta complicado quedarse solo con un par de secuencias, así que para recordarlo pongo la apertura y la desternillante explicación en comisaría sobre el Apocalipsis. Disfrútenlas:

La chispa de la vida: una pequeña decepción

2012-01-18T16:41:00.001+01:00

No lo voy a negar: le tenía muchas ganas a la última película de Álex de la Iglesia estrenada el pasado viernes. Las razones son variopintas. La primera en resumidas cuentas es que el director bilbaíno me parece uno de los mejores a nivel nacional e incluso por algunos de sus trabajos lo situaría en primera línea del panorama internacional. La segunda es que tras su descalabro con “Los crímenes de Oxford” parecía haber retomado el rumbo y haberse reconciliado con su estilo gracias a la interesante, apasionada e incluso excesiva “Balada triste de trompeta”. Y la última es el enorme hype que se creó en las redes sociales, en las que el propio de la Iglesia participa, especialmente en Twitter, donde la película fue Trending Topic y el público se mostraba en general bastante satisfecho con su visionado. Todo hacía augurar, trama incluida, que nos encontrábamos ante la mejor versión del director de “El día de la bestia”, a pesar de contar con un guion ajeno a su puño y letra.

Demoré bastante el visionado de esta película por estar bastante ocupado estos días y quizá eso provocó que aumentasen exponencialmente mis ganas y que llegase a la sala con unas expectativas desmesuradas, pero lo cierto es que no puedo hablar de otra cosa que no sea decepción. El punto de partida, al que le sobran paralelismos con “El gran carnaval” (probablemente una de las tres mejores películas de Billy Wilder), consigue alejarse de aquella con mucho ingenio: en esta ocasión es la propia víctima la que decide sacar tajada de su desgracia. Este detalle es el germen de todo lo bueno que tiene “La chispa de la vida” y sin embargo, a lo largo de su hora y media, resulta terriblemente desaprovechado. La mala baba se diluye para dejar paso al melodrama más desatado y obvio que imaginar quepa.

Álex de la Iglesia siempre ha sido un director con un talento audiovisual fuera de toda duda y sin embargo en esta ocasión parece poner el piloto automático con la intención de contar la historia de la manera más convencional posible. De hecho comienza el film de una forma bastante torpe utilizando la elipsis como si de un principiante se tratase y haciendo circo (porque sí, lo hace a pesar de acusar a la sociedad de hacerlo con esta historia) de la situación laboral que atraviesan tanto España como casi medio mundo. Resulta incongruente que de la Iglesia, que no es más que un director de Cine curtido en publicidad y con muchos, muchos amigos; trate de aleccionar hablando de la hipocresía publicitaria, el lamentable panorama televisivo español y demás aspectos por los que deberíamos avergonzarnos. La moralina, desgraciadamente, no se le da nada bien. Me gustaba más el Álex que se dedicaba a contar historias tan negras como divertidas sin ningún tipo de tapujos, sin aleccionar y con el único propósito de hacer Cine. “Acción mutante”, “Muertos de risa” u “800 balas” son claros ejemplos de su talento que aquí parece desperdiciado.

No voy a negar que a pesar de todos estos defectos “La chispa de la vida” es una película con calidad, bien hecha y bastante interesante, pero lo que más desconcierta es su falta de alma, su falta de emoción. Todo lo que se nos cuenta parece haber sido sacado de un manual de cómo hacer crítica social, recogiendo los tópicos actuales de la crisis y la complicada situación económica que estamos atravesando. Parece una película salida de la indignación, del enfado, del malestar. Y cuando una película sale de sentimientos tan rencorosos (ya lo dijo Chaplin hablando de “Un rey en Nueva York”) resulta falsa, fallida, irregular. Se nota este aspecto sobre todo en los últimos veinte minutos de metraje, aludiendo continuamente a las características más obvias y evidentes de la crítica social y haciendo que la brocha gorda trace el melodrama más chabacano sin compasión alguna. Un discurso incompleto, contradictorio (¿dónde están el divertimento y la realidad de “Crimen Ferpecto”?) y lleno de momentos que rozan el ridículo (especialmente la crítica hacia los bancos por parte del personaje de José Mota).

No voy a negar que tiene un reparto acertadísimo a pesar del temor que podía suponer la pareja protagonista (tanto Mota como Hayek están sobrios y contenidos) y que hay momentos muy trabajados, inspirados y llenos de sana diversión cinematográfica. Sin embargo la opereta termina quedándose en interesante por el exceso de palabrería del guion (firmado por Randy Feldman pero seguro que modificado a su antojo por el director) y las evidentes ganas de remover conciencias. Un discurso que en los años cincuenta, por rebelde y novedoso, funcionaba con “El gran carnaval” pero que hoy, gracias a la globalización y al exceso de información que tenemos, resulta caduco e insatisfactorio. Aquellos que se queden con la superficie disfrutarán e incluso aplaudirán, pero rascando el envoltorio no hay duda de que estamos ante un producto que no aguantará el paso del tiempo. Ni tan siquiera un Fernando Tejero inmenso (su personaje es con diferencia el mejor y da rabia que al final desaparezca de la escena) consigue levantar el vuelo con sus chispeantes (qué ironía), dolorosas y certeras verdades. Porque el resto no se lo cree ni un niño.

Sólo el cielo lo sabe: Douglas "Melodrama" Sirk

2012-01-18T03:03:00.000+01:00

He visto tres películas de Douglas Sirk y aunque es evidente que no son suficientes para formarme una opinión pormenorizada sobre el director de origen alemán, su estilo durante los cincuenta fue tan marcado y peculiar que sí puedo afirmar qué era Sirk. Y aunque la primera película suya que vi, “Obsesión”, no consiguió ni mucho menos apasionarme, no me di por vencido y le di un tiempo de reposo para recuperarlo con más fuerzas. La segunda vez, con “Escrito sobre el viento”, ya no fue tan difícil e incluso encontré mucho valor y momentos de calidad en su Cine. Su visionado me dejó bastante satisfecho y tuve ganas de seguir viendo otras películas de su filmografía, así que la tercera no se hizo mucho de rogar: “Sólo el cielo lo sabe” es una pequeña joya que además de resumir a la perfección lo que es Sirk consigue emocionar a través de la sencillez. Sí, es la que más me ha gustado de las tres y ahora me dispongo a hablaros sobre ella.

Lo que más me convenció de esta película es que Sirk afila su puñal y ataca, definitivamente, a la burguesía. Ya lo hiciera con “Escrito sobre el viento”, pero esta vez no se corta un pelo e introduce a un personaje, el jardinero del que se enamora la viuda protagonista, que da buena cuenta de la hipocresía y la fanfarronería de las clases más altas de la sociedad. Para ello Sirk cuenta de nuevo con la pareja que le reportó tan buenos resultados de crítica y público (yo no me sumo a ese carro) en “Obsesión”, Rock Hudson (habitual de su Cine) y Jane Wyman. Ambos tienen una química soberbia y a pesar de la diferencia física y de edad consiguen hacer una pareja de oro.

Cabe decir de antemano que las películas de Sirk hoy en día hay que verlas con mucha predisposición y entendiendo que son productos de otra época, que quizá resulten anacrónicas en este momento y que no son para estómagos especialmente sensibles al azúcar. Hay que tratarlas con mimo y paciencia y al final, como a todo, se les coge el gustillo. Porque a quien no le gusten las telenovelas, los folletines y los melodramas más desatados va a tardar un mundo en entrar en el particular estilo de Sirk y eso si es que consigue hacerlo. “Sólo el cielo lo sabe” es una telenovela en la que una mujer de clase alta se enamora de su jardinero. Como está viuda todo el mundo, incluídos sus relamidos hijos, quieren que se case. El caso es que no aceptan el hecho de que tenga una relación con alguien, digamos, de “clase media-baja”. Con este argumento digno de cualquier capítulo de telenovela de sobremesa el señor Douglas Sirk monta una película de una hora y veinticinco minutos con momentos brillantes, sentidos y de mucha dureza. Como lo leen.

Con una fotografía recargada pero elegante y llena de claroscuros muy bien utilizados, Sirk narra con pulso y tino, sin dejar de lado sus tics pero dosificándolos de forma que todo funciona como un reloj suizo. Regularidad es la palabra que mejor define a esta película porque cada set-piece va avanzando sin prisa pero sin pausa, llegando a concatenarse en un todo que resulta muy entretenido a pesar de sus pocos giros dramáticos y su lineal e incluso previsible guion. Es un claro ejemplo de que un gran director, con un material a priori insuficiente y bastante anodino, puede hacer una gran película si se lo propone y si cuenta con su talento en plenitud. Con sendos travellings, panorámicas y un montaje preciso, Sirk cuenta una historia sencilla pero afilada en cuanto a intenciones. Varios son los momentos en los que nos deja sin respiración, especialmente en aquellos que se refieren a la presentación de su nueva pareja por parte de la protagonista en esas “fiestas” de la burguesía. Chapó.

Me costó entrar en el universo particular de un Sirk lleno de clichés, azúcar y luces de corte en cada secuencia, pero una vez le cogí el punto conseguí disfrutar como se merece de esta pequeña pieza de galería. Una película que no cuenta nada nuevo, pero lo hace con agallas y sentimiento, utilizando la imagen como soporte de narración y enseñando a un par de personajes muy reales. Y Rock Hudson, ese galán eterno y gigantesco, ya consigue meterse en el corazón de cualquiera con esa presencia y esa voz tan grave. Jane Wyman, cuya belleza se alejaba mucho de los cánones de la época, viste a un personaje contradictorio de una humildad y unas ansias de libertad que ya quisieran muchas. Y juntos, al lado de Douglas Sirk, consiguen dejarnos para siempre una película inolvidable.

La casa de bambú: la negrura en Scope

2012-01-14T13:13:00.000+01:00

Samuel Fuller es uno de los directores más peculiares del Hollywood clásico que entronca directamente con la modernidad propia de los cincuenta y los sesenta. De hecho Fuller fue uno de los abanderados norteamericanos de la Nouvelle Vague, terminando paradójicamente exiliándose a Francia e incluso realizando allí dos películas en clave posmodernista y casi como homenaje a sus admiradores franceses en los años ochenta. El director de “Corredor sin retorno” también alternó su trabajo como cineasta con breves pero intensas apariciones actorales en films de Godard, Kaurismäki o Wim Wenders entre otros. Alabado en los cincuenta pero defenestrado por el sistema estadounidense en los sesenta debido a los polémicos temas que trataba en sus películas, Fuller quizá sea uno de los directores más personales de Hollywood. Tan personales que reinventó los géneros más allá del tópico como en el caso de la imprescindible, imperfecta y a su vez maravillosa película que nos ocupará este texto.

“La casa de bambú” cuenta con una trama negra al más puro estilo clásico, fuertemente influenciada por esas novelitas pulp de los cuarenta que tantas y tantas películas, principalmente de serie B, provocaron casi de manera coetánea. A través de un guion de Harry Kleiner que poco o nada tiene que envidiar a las grandes historias del noir, Fuller nos traslada al Japón de la postguerra para contarnos una historia de amor, crimen y venganza.

Con un inicio arrebatador sobre la nieve casi a modo de documental por una narración en off que poco a poco irá diluyéndose, presenciamos el atraco a un tren que acaba con varios heridos y un exsoldado norteamericano que no consigue sobrevivir. Un grupo de policías del ejército norteamericano se huele algo extraño y decide seguirle la pista al fallecido para saber quién se encuentra detrás del atraco. Eddie Spanier, viejo amigo de Webber, viaja a Japón para infiltrarse en la banda del que parece la cabeza pensante de la banda que controla un buen número de pachuinkos en Tokio, Sandy Dawson.

El film cuenta con dos vertientes diferenciadas que, poco a poco, van mezclándose y alimentándose una a la otra: el amor y el crimen. A través de la viuda del exsoldado y de Eddie Spanier, un personaje de pura raza en cuanto a los films llenos de negrura se refiere, asistimos a una historia de amor sugerido lejos de todo convencionalismo y que juega muy bien a mezclar la cultura oriental y la occidental. Esta historia nos llevará al que es el personaje más repulsivo y a su vez atrayente de la película, el Sandy Dawson interpretado por un inmenso Robert Ryan que solía estar más acostumbrado al rol de héroe pero que aquí acepta con toda naturalidad los cánones más perversos del villano. Es tal al importancia de este personaje que, a pesar se ser el antagonista, es el cabeza de cartel en lo que es no solo una rendición a la fama de Ryan si no la constatación de que Dawson es el alma de la película.

Mientras tanto Fuller narra con brillante talento, concretamente con un talento adelantado a su época aguantando los planos maravillosamente e introduciendo sendos, elegantes y trabajados travellings de acercamiento y alejamiento impropios de la época en la que la película fue filmada. Sorprende ya desde un principio el uso del color (brillante fotografía) y del Cinemascope en una película de estas características, alejándose de la negrura visual y optando por la luminosidad del país del Sol Naciente. Estas características hacen que “La casa de bambú” sea un Cine negro poco convencional, inclasificable y a su vez terriblemente atractivo por su exotismo. Pero Fuller no se quedaba ahí, si no que era un auténtico experto en cuanto a la emoción, para él (y para un servidor) el principal sustento de toda película, emoción que extiende a cada situación y secuencia en un brillante ejercicio de suspense contenido.

“La casa de bambú” no es uan película perfecta, principalmente por su riesgo narrativo y sus pequeñas arritmias de guion (situaciones más interesantes que otras y personajes “vagos” en alguna ocasión), aspectos que al final de la función no son más que pequeños escollos para disfrutar de la que probablemente sea la primera película redonda de Fuller en su primera etapa. Recordemos que hablamos de un film de 1955 que se presumía ya adelantado a su tiempo y que en su final no tiene nada que envidiar a los finales más adrenalíticos, suspendidos en el espacio-tiempo y emocionantes del mejor Hitchcock. Una persecución llena de tensión, violencia y milimétricas lecciones de montaje es el colofón perfecto a un viaje tan negro como lúcido cinematográficamente hablando.

Crimen Ferpecto: el bello, la bestia y el centro comercial

2012-01-12T23:40:00.000+01:00

Álex de la Iglesia vuelve este fin de semana a las carteleras tras renunciar a su cargo como Presidente de la Academia de Cine y las expectativas, ciertamente, están por las nubes. “La chispa de la vida”, protagonizada por el televisivo José Mota y Salma Hayek, ya ha sido designada por algunos como “El gran carnaval” español, haciendo referencia a la inolvidable (y vapuleada en su momento) película de Billy Wilder protagonizada por un inmenso Kirk Douglas. Como siempre que un director consagrado y respetado (no cabe duda de que De la Iglesia es uno de los mejores directores nacionales contemporáneos) vuelve a estrenar una película, resulta más que oportuno echar la vista atrás hacia la que un servidor considera la última película puramente de su estilo y que, sospecho, tendrá bastantes similitudes a nivel sociológico con la que estrena mañana mismo. Hablamos de “Crimen Ferpecto”, una comedia negra en la que el director, una vez más, da rienda suelta a su peculiar humor y despliega todo tipo de virguerías visuales para el disfrute del espectador.

Si una palabra define a la perfección al séptimo largometraje del bilbaíno, ésa es “divertida”. Probablemente sea una de las películas españolas más entretenidas y mejor llevadas de la pasada década, sobre todo gracias a la originalidad del argumento ideado por el propio director y por el que era su guionista habitual por aquel entonces, Jorge Guerricaechevarría. Así, nos encontramos con Rafael, dependiente de unos grandes almacenes que compite por llegar a ser jefe de planta. Rafael lo tiene todo: es elegante, el mejor en su trabajo, se lleva a las mujeres de calle y vive por y para vender los productos del centro comercial. Todo parece marchar sobre ruedas en su vida. Hasta que un día mata a Don Antonio por accidente inmediatamente después de que éste sea nombrado inesperadamente como nuevo jefe de planta.

El guion, por sí mismo, es el ideal para que un tipo como Álex de la Iglesia desarrolle todo su potencial narrativo y su exquisita técnica visual, heredera (que no citadora) del mejor Alfred Hitchcock. Pero es que además de sus virguerías con la cámara, el director/guionista consigue que nos impliquemos en una historia que tiene mucho de discursiva y con un personaje que, a priori, es difícil que resulte simpático por su descarada filosofía de vida. Sin embargo, como es habitual en su Cine, De la Iglesia lo consigue a través del humor y sin cargar las tintas, equilibrando a la perfección la trascendencia de sus personajes y situaciones alrededor del capitalismo desmesurado con el tono ligero y la diversión pura y dura.

Además de estas apreciaciones cabe destacar, para un servidor por encima de todo, la brillante atmósfera que envuelve a todo este cuento lleno de negrura. De la Iglesia es un auténtico maestro en cuanto a la atmósfera insana y casi terrorífica que rodea sus películas y “Crimen Ferpecto” no es una excepción. A pesar de tratarse en un principio de una trama mucho más realista y asequible por el entorno en el que se desarrolla, a partir del asesinato “involuntario” la película se transforma brillantemente en una especie de “El día de la bestia 2” por el tenebrismo de sus personajes y situaciones. Baste observar la representación de la caldera, las paranoias de Rafael y, sobre todo, las intervenciones de una Mónica Cervera cuyo personaje es tan retorcido y divertido que se disfruta cada vez que aparece. Mención aparte merecen las apariciones fantasmales de un Luis Varela que demuestra haber merecido muchas más oportunidades cinematográficas de las que tuvo.

No es la mejor película de Álex de la Iglesia (ese honor le sigue correspondiendo a la incomprendida y magistral “Muertos de Risa”), pero es divertidísima y suficientemente insana (en el sentido atmosférico) para saber que estamos ante una película con el sello de su autor. Hace reír, consigue transmitir tensión e incluso deja pequeñas reflexiones sobre este mundo podrido en el que vivimos. Ah, y Willy Toledo, tan en boga estos días por sus polémicas palabras y reacciones en torno al terrorismo vasco, está estupendo en un personaje muy, pero que muy difícil. Esperemos que el director de “La comunidad” vuelva por esta senda mañana en el estreno de su última obra. Las expectativas indican que así será.

Agárrate el pañuelo, Tatiana: Kaurismäki en estado puro

2012-01-10T00:31:00.000+01:00

Me apetecía lanzarme a Kaurismäki tras ver “Le Havre” y allá que me fui con una de las pocas películas de su filmografía que me quedaban: “Agárrate el pañuelo, Tatiana”. Tras el Kaurismäki digamos que “aperturista” en cuanto a su estilo de su última obra tenía ganas del Kaurismäki puro, de ese que no hace concesiones y que narra como le da la gana. No quiero decir que “Le Havre” sea una película lejana a lo que es el finlandés ni mucho menos, pero sí es una película más “light” comparándola con la que nos va a ocupar este texto. Y es que hablamos de una historia sencilla que se resume a cuatro personajes principales y apenas tres o cuatro localizaciones extendidas a lo largo de no más de sesenta minutos de duración. Una especie de cuento con los diálogos justos y un humor muy peculiar e irónico. Es decir, la constatación de un estilo que ya apuntaba maneras en sus anteriores films, especialmente en “Sombras en el paraíso”, “Ariel” y especialmente “Una vida de bohemia”, ya que cuenta prácticamente con los mismos actores y una fotografía en blanco y negro casi calcada de Timo Salminen.

Hablar de esta película es complicado a pesar de que es una obra humilde y casi excesivamente sencilla, principalmente porque si no te gusta el Kaurismäki más duro te costará, y mucho, entrar en el universo representado aquí. Es inevitable hablar de la película sin hablar del vodka, los pitillos, la poca expresividad actoral y el rock and roll presente durante todo el relato. Es imposible porque con todos esos elementos tan dispares entre sí Kaurismäki hace una película. Con muy poco consigue emocionar y divertir (si tienes paciencia), hace una road-movie a su manera en la que junta a cuatro excéntricos personajes (dos hombres y dos mujeres) que parten estando solos en el mundo y acaban, algunos, encontrando su lugar. No hay más. ¿Para qué?

Entre medias tenemos secuencias brillantes por su sobriedad, llenas de un humor tan irónico que muchos no entenderán y que otros, entre los que me incluyo, estallarán a carcajadas. Con diálogos justos, con miradas y momentos llenos de una quietud que juega con la paciencia de cualquiera pero que termina recompensando a los más incondicionales del director. A lo largo de su hora de duración vemos un viaje que no es, como en muchas otras road-movies, ni iniciático ni evolutivo, si no una constatación del sentimiento más perro que pueda experimentar un ser humano: la soledad. Lejos de florituras y sentimentalismos, Kaurismäki teje su hilo con paciencia y gusto alumbrando a sus personajes con pequeños momentos de esperanza teñidos, en el fondo, con la más negra de las inquietudes. Algunos encuentran su sitio, otros no, pero todos juntos consiguen hacernos sonreír e incluso provocan que una pequeña lágrima se asome sin poder evitarlo.

Entre todos los actores, que como ya hemos comentado siguen a rajatabla el estilo kaurismäkiano de hieratismo e impasibilidad, destaca Matti Pellonpaä. Actor finlandés asiduo de los Kaurismäki (también trabajó para el hermano de Aki) y que desgraciadamente falleció con tan solo 44 años en 1995 a causa de un infarto. Pellonpaä es uno de los actores más carismáticos y grandes en cuanto a presencia que un servidor ha visto en la gran pantalla. Con su pelo largo engominado y grasiento y su característico bigote inunda a sus personajes de humildad y realismo dando la impresión sincera de que no actúa si no que vive la secuencia. En este caso no es para menos con un rol secundario que, por instinto y talento, se merienda a todos y cada uno de sus compañeros de reparto. Siempre pegado a una botella de vodka y contando viejas batallas, el personaje de Pellonpaä, que realmente es él mismo, consigue quedarse grabado en la retina.

Y no solamente él, si no toda esta pequeña joya de Kaurismäki que cautiva por su fotografía, su quietud y su sencilla pero sincera historia a ritmo de rock and roll. Hoteles de mala muerte, carretera y manta y vinilos en un extraño aparato reproductor. Todo desemboca en un pitillo y una botella con sabor a soledad y amargura que, a pesar de todo, será bebida en compañía durante un puñado de instantes. Y nosotros que nos veremos reflejados en esa sociedad que va a ninguna parte, en ese grupo de descarriados que no hacen más que buscar su sitio, su pequeño sitio a bordo de una furgoneta de mala muerte. Para qué queremos más.

Sherlock Holmes, juego de sombras: el mismo cuento mejor contado

2012-01-08T23:43:00.000+01:00

Volvía Guy Ritchie con su “Sherlock Holmes” y muchos se echaban las manos a la cabeza. Los detractores de la primera parte, como no podía ser de otra forma, vieron innecesaria la nueva revisitación del personaje de Conan Doyle y desecharon ya de por sí la nueva entrega. Un servidor se lo pasó en grande y de hecho manifesté en su momento que no me importaría nada que esto se convirtiese en una franquicia si mantenían, al menos, el nivel mostrado en la primera entrega. Así que recibí con los brazos abiertos este “Juego de sombras” y me fui al Cine más contento que unas castañuelas. No me podían fallar, tan solo tenían que repetir fórmula y ya me tendrían en el bote. El caso es que además de repetirla pienso que la han mejorado. Los defectos siguen ahí, pero las virtudes están infladas y el entretenimiento es de primer nivel. Con los tics de Ritchie sí, pero también con unos Downey Jr. y Law que se lo pasan en grande.

Uno de los mayores defectos de la primera parte residía en el villano, que a pesar de estar bien interpretado por Mark Strong (nunca falla este actor), carecía del carisma y la coherencia que se le han de presuponer a un gran villano para que sea el contrapunto a un gran protagonista como es Holmes. Esta vez, como ya se apuntaba en detalles de la anterior entrega, tenemos a Moriarty. Si hay algún villano que puede hacer frente a Holmes, ese es el profesor Moriarty. Y contra todo pronóstico Ritchie y la Warner han optado por un actor no demasiado conocido pero sí solvente y que hace suyo el personaje: Jared Harris. Créanme, salimos ganando. Y mucho.

Teniendo como escenario el final del siglo XIX y los inicios del terrorismo, Ritchie y su equipo ponen a Holmes en el ojo del huracán y a Watson como un recién casado con ganas de retirarse de la persecución del mal. Dos detalles que parecen nimios pero que le dan una nueva dimensión a los personajes y consiguen resultados mucho más atrayentes, divertidos e inspirados que los de la primera parte. Ver a Robert Downey Jr. y a Jude Law es una delicia. La química que desprenden y las dobles lecturas, aquí más explícitas y divertidas que nunca, en torno a su relación, es una gozada. La secuencia del tren o la persecución que precede a la boda (desternillantes y a la vez nostálgicas sus consecuencias) son dos buenas pruebas de ello.

Pero no se resume esta segunda parte del Holmes “a lo Ritchie” en unas buenas interpretaciones de un grupo de actores en estado de gracia, si no que asistimos a la consecución de un proyecto muy bien facturado, consecuente con su estilo y que no engaña a nadie. Acción trepidante, diálogos divertidos y situaciones llenas de humor, todo lo que se le ha de pedir a un gran blockbuster envuelto con una gran ambientación y una fotografía de lujo. Sí, su estética es algo atolondrada y exagerada y su narración saca lo mejor y lo peor de un Ritchie que esta vez está más anfetaminado que nunca, ¿pero a quién le importa? No es plato para degustar, si no para engullir sin miramientos y con las tripas por corazón. Les aseguro que si se quitan los prejuicios lo pasarán mejor que bien.

Porque las novedades son cuantiosas y no dejarán indiferente a nadie. Además de Moriarty contamos con Mycroft Holmes, el delirante y excéntrico hermano del protagonista que interpreta a la perfección un Stephen Fry desatado y graciosísimo. También contamos con Noomi Rapace en el que quizá es el personaje más desacertado del film, pero aún así protagoniza un par de secuencias de puro nervio y alejándose totalmente de la elegante Irene Adler a la que diera vida una bella Rachel McAdams (que aquí solo aparece en el prólogo del film). El bagaje, al final, nos sale positivo a pesar de la exageración y los innegables defectos que tiene la película. Es justo admitir el exceso de efectismos y “trampas” de guion, pero también es justo decir que son dos horas y 10 minutos divertidos y bien hechos, con personajes carismáticos y situaciones increíbles. Y al fin y al cabo el Cine es maravilla, diversión, exageración, irrealidad. Y de eso en “Sherlock Holmes: Juego de sombras” tenemos una coctelera llena a rebosar. Para quien guste. Yo, como ya dije en su momento, no me negaré a una nueva entrega.

La vida privada de Sherlock Holmes: el detective derrotado

2012-01-07T00:35:00.000+01:00

El jueves 5 llegó a las carteleras la segunda parte del Sherlock Holmes made in Guy Ritchie y un servidor, por compromisos navideños, todavía no ha podido hincarle el diente. Y ganas no me faltan, ya que la primera parte me pareció un entretenimiento aventurero tan exagerado como simpático y divertido, un blockbuster bien facturado, con muy buenos actores y una ambientación de primera. El caso es que, antes de lanzarme a la segunda parte, conviene recordar alguna de las muchísimas adaptaciones del personaje de Arthur Conan Doyle a la gran pantalla. No en vano, el famoso detective de la pipa es el personaje literario más adaptado al Cine de toda la historia, lo cual no es moco de pavo y, como siempre que existen muchas películas referentes a algo, las hay buenas y malas. Una de las más recordadas es la peculiar visión que Billy Wilder, junto a su inseparable I. A. L. Diamond, dio allá por el año 1970.

Alejándose del tópico y del misticismo alrededor del personaje, Wilder decidió emprender un proyecto arriesgado y personal que, como en muchas otras ocasiones que reúnen esas características, fue mutilado por la productora de turno. Se dice que el proyecto inicial contaba con más de tres horas de duración, por lo que el resultado final se comió nada más y nada menos que una hora y pico de metraje. Asumiendo que esto sea verdad, cabe decir que a pesar de ello la película no se resiente en demasía y no da la impresión de que falten cosas por contar. Todo lo contrario, su duración es la justa y la película resulta casi redonda, aunque siempre quedará la espina de saber qué tenía entre manos el director de “El Apartamento”.

Lo que queda claro desde su sencilla, curiosa y bonita secuencia de créditos, es que Wilder quiere alejarse del tópico y de la leyenda que todos conocemos. Desde el primer momento asistimos a la vida privada de un Holmes empeñado en señalar que las memorias escritas por su inseparable Watson tienen más de mito que de realidad. Con todo, Wilder no renuncia en ningún momento a su estilo y baña la película de ironía y de afilados toques de comedia, jugando sobre todo con la cacareada homosexualidad del detective. Wilder, que escribió el guion al alimón con Diamond, hace suyos unos personajes ajenos y convierte las aventuras de Holmes en un retrato de interiores en el que los defectos resaltan mucho más que las virtudes.

Pero esto no quiere decir que no haya misterios ni investigación. Para nada, la película cuenta con dos partes diferenciadas y con un atrayente y curioso enigma alrededor de una mujer que se presenta en casa de Holmes y Watson. Es esa mujer la que marcará toda la película y es por su causa que este Holmes se diferencia tanto del resto. Es el momento en el que descubrimos un detalle que hace referencia a ella en el que Holmes queda al descubierto. Un brillante detalle del guion (que no voy a desvelar) que nos muestra la cara más perdedora del detective inglés y sus sentimientos más ocultos. Por ello este Holmes “a lo Wilder” se desmarca de lo establecido y se posiciona en el lado más nostálgico y romanticista de la última etapa del maestro de origen austriaco. Un estilo que sería a la vez el de su decadencia y que vería su cumbre, a mi parecer, con “Fedora”. De hecho la película protagonizada por un veterano William Holden y la que nos ocupa poseen más de un paralelismo y forman un díptico imprescindible para entender al realizador.

Es cierto que en el aspecto visual, aunque la película es muy elegante, se le pueden achacar ciertos anacronismos y encorsetamientos propios de la época que le tocó vivir a su responsable. Exceso del plano de conjunto teatral, un technicolor un poco arcaico y ciertos detalles que no pasarán desapercibidos para los más “modernos”. Sin embargo, “La vida privada de Sherlock Holmes” es una lección de Cine por parte de su autor y uno de los últimos coletazos de su extensa y casi impecable carrera, una película que no ha envejecido para nada y que, a todos aquellos que gusten de las aventuras del detective, se tornará casi imprescindible. Una caída del mito en toda regla, una película con momentos de terrible amargura y con un final que no por previsible deja de ser una punzada violentísima al corazón. Doyle, Wilder y un tal Miklos Rozsa poniendo la música. No se puede pedir más.

Le Havre: la sencillez del genio

2012-01-05T22:22:00.000+01:00

“-Los milagros existen.

- No en mi barrio.”

A pesar de haber visto casi toda su filmografía he esperado hasta ver su último film para hablar de Aki Kaurismäki, probablemente el mejor director finlandés de todos los tiempos, en este blog. No sé por qué, pero las cosas son así. Y curiosamente su última película no es finlandesa ni transcurre en su patria, si no que está protagonizada por franceses, cuenta con producción franco-germano-finlandesa y se desarrolla en Le Havre como bien indica el título. Y es, además, una de las películas más aperturistas de su autor en cuanto a su particular estilo. Es decir, si tuviera que recomendarle a alguien una película de este director por la que empezar para no asustarse demasiado, elegiría esta sin dudarlo ni un momento. Y eso que, de por sí, el director de “Ariel” me parece un creador bastante asequible y sobrio a pesar de sus particularidades, lo que pasa que el gran público no es capaz de aceptar ciertos detalles como la quietud, los planos sostenidos y los actores casi hieráticos. Cosas que Kaurismäki, desde su comienzo, ha desarrollado hasta dominar un estilo que lo encumbra como uno de los mejores.

Y en este caso, aunque seguimos hablando de una película cien por cien Kaurismäki, pienso que un espectador no familiarizado con su universo podrá acceder perfectamente a la historia narrada e incluso disfrutarla. Además de eso, creo que estamos ante una de las cintas más inspiradas de su responsable junto a “La vida de bohemia”, la mencionada “Ariel” o “Nubes pasajeras”. Hablamos de una película con una galería inolvidable de personajes, con una historia sencilla pero atrayente y con una realización tan precisa como contundente.

Kaurismäki es un director que con poco construye un mundo. Y cuando hablo de un mundo me refiero a un lugar perfectamente reconocible, con personas que lo habitan y situaciones que provocan mucha empatía. Sus obras suelen entroncar bastante con la situación social europea pero sin maniqueísmos ni falsedad de ningún tipo. Esta no es una excepción. Con un gusto y una concreción exquisitos, “Le Havre” nos habla de la inmigración, del paro y de la enfermedad con muchísima delicadeza y sin cargar las tintas. De sobra es sabido que sus guiones son parcos en palabras, aunque éstas estén terriblemente bien insertadas y afiladas. Marcel Marx, uno más de esos perdedores que no miran atrás tan comunes en el Cine de Kaurismäki, es un personaje inolvidable por esa mezcla tan sabia entre bondad y fracaso. Un hombre de a pie con rasgos humanos y comunes interpretado a la perfección por Adré Wilms.

Con él nos movemos por ese Le Havre pintoresco lleno de bares y vecinos agradables, una ciudad que aunque lo tiene todo para resultar desesperanzadora no lo es en manos del director finlandés. La panadera, el frutero, el gran Little Bob, el inspector (brillante homenaje al polar francés) y muchos más personajes se dan la mano en una especie de aventura de buenos samaritanos que no podría estar mejor traída en los tiempos terribles que vivimos. Como siempre tenemos música en directo, rock and roll, tangos, un poco de blues y toneladas de buen gusto. Sin apenas mover la cámara, con recursos escasos pero con mucho talento y mucha imaginación.

Ver “Le Havre” le reconcilia a uno con el Séptimo Arte por dos razones: se puede hacer sentir y entretener a la vez y sobre todo se pueden hacer películas humildes y pequeñas que lleguen al corazón y permanezcan en la memoria. Kaurismäki se caracteriza por construir relatos pequeños que no suelen exceder la hora y media (de hecho la mayoría duran una hora y diez minutos) y en ese transcurso de tiempo da la impresión de que no sobra ni falta nada. Cuenta lo que quiere contar, sin más. Lo hace como quiere y lo hace, aunque no lo parezca, pensando en el espectador. Así que un servidor, a pesar del shock que supone al principio ver esas caras tan hieráticas y esa quietud tan sospechosa, recomienda encarecidamente empaparse de este genio que, como siempre, el tiempo pondrá en su lugar a nivel mundial. Cine proletario, aguerrido y consecuente como el de Kaurismäki apenas se ve en nuestros días. Y aunque solamente sea por eso “Le Havre” ya merece su lugar en el rincón de cualquier cinéfilo.

Moneyball: a contracorriente

2012-01-04T21:49:00.000+01:00

No sé qué me pasa con ese deporte tan yanqui llamado Baseball: aunque soy muy aficionado a todo tipo de deportes, el juego de las bases me aburre soberanamente. No soy capaz de ver un partido entero, me parece soporífero. Sin embargo me encantan las películas de Baseball. ¿Por qué? Por razones como la cinta que nos ocupa hoy. Ya me había cautivado Bennett Miller con su debut tras las cámaras adaptando la apasionante historia de Truman Capote, pero en esta ocasión el director estadounidense me ha terminado de convencer. “Moneyball” es una de las películas más emocionantes y directas del año, en ella no hay trampa ni cartón, simplemente nos cuenta una historia apasionante y lo hace de una forma sobria y contenida. Es un disfrute continuo, una película divertida e ingeniosa, mucho más que la crónica de un evento deportivo y muy alejada de los tópicos de superación y patriotismo que la mayoría de películas de este estilo suelen demostrar. Aquí hay personajes y de los buenos.

Lo cierto es que era difícil fallar. Con Aaron Sorkin y Steven Zaillian al guion pocas cosas pueden ir mal. La mano y el sello del primero se notan y mucho en los diálogos y los personajes, mientras que la del segundo sale a la luz en una brillante estructura y en los elementos más emocionales de la cinta. Basándose en el libro de Michael Lewis sobre las vivencias de Billy Beane, la película se centra en la etapa de éste como general manager de los Oakland Athlantics, equipo que al comienzo de la historia se queda a las puertas del campeonato y que, inevitablemente, verá cómo se le escapan todas sus estrellas. Beane, con un presupuesto diez veces menor que los equipos de la cabeza de la tabla, se las ingenia para montar una escuadra en base a las estadísticas. Peter Brand, un joven analista económico, será quien le convenza de utilizar este sistema mientras que el resto de la directiva, su entrenador e incluso algunos jugadores estarán en su contra.

“Moneyball” es una película de personajes y despachos, de interiores y mucho diálogo. Pero a pesar de ello es terriblemente emocionante. Los pocos momentos dedicados al deporte en cuestión de forma explícita son a sí mismo maravillosos y no dejarán decepcionado a los que buscan este tipo de secuencias. Y es que además esta película cuenta con el añadido de no ser una más, de moverse con acierto y exquisitez entre las esquinas de los despachos de un club deportivo estadounidense. Así que descubriremos cómo se traspasan los jugadores (como todo el mundo sabe, en las grandes ligas norteamericanas el jugador no es más que mercancía), cómo se arma un equipo y la tensión que hay en las reuniones para dirigir un equipo.

En cierto sentido, aunque con una cultura muy distinta, la segunda obra de Miller me recordó a “The Damned United” del recientemente oscarizado Tom Hooper. No tanto en la descripción de una figura importante del deporte mundial si no más en lo que concierne a la presión que sufre el responsable de un club que lo tiene, prácticamente, todo en su contra. Miller no es tan estético como Hooper, pero pienso que es un artesano muy superior, un director de esos que no se complican la vida y sirven el plato bien servido. Es así, y sólo así, como una película tan densa en su contenido y larga en su duración puede resultar tan divertida y apasionante.

Mención aparte merece el trío actoral destacado de la película: Brad Pitt, Jonah Hill y Philip Seymour Hoffman. El primero vuelve a sonar para los Oscar y no es para menos: su Billy Beane es tan chulo como simpático, tan atrevido y cortante como encantador. Es un personaje-caramelo que el bueno de Pitt hace suyo y que, seguramente, no sería posible interpretado por otro actor. Jonah Hill es la sorpresa agradable del film, un actor de físico poco agraciado acostumbrado a comedias interesantes o directamente de segunda fila que no tiene nada que envidiar a Pitt. Juntos hacen una pareja soberbia, pura química y momentos muy inspirados que hacen reír por su complicidad. Y el gigante Hoffman, ese actor todoterreno que aparezca en lo que aparezca siempre convence. Ya ganó un Oscar por la mencionada película de Miller en la que interpretaba al autor de “A sangre fría” y aquí acepta un rol mucho más secundario pero siempre interesante: el entrenador el equipo, el antagonista de un Beane que tiene a sus enemigos en casa. Los momentos de Pitt y Hoffman juntos son dignos de estudio, una delicia.

En definitiva, una película que, para variar, todavía no ha visto su estreno en salas españolas y que, como siempre, llegará tarde, mal y arrastro. Una pena, porque es una cinta que podría conseguir buena taquilla contando con el gancho de Pitt pero que, al llegar tan tarde, verá mermadas sus posibilidades. Con suerte le caerá algún premio de la Academia y arrastrará a las masas, aunque sinceramente lo veo algo lejano. No porque no lo merezca, si no porque otras películas parten con más ventaja en la carrera a los galardones. De todas formas es una película muy interesante, sorprendente y divertida. Échenle un ojo cuando puedan.

Lo mejor del año según "Eternidad y Cine"

2011-12-31T17:30:00.000+01:00

Se acaba el 2011 y con él, como cada año que se esfuma, toca hacer balance en todos los sentidos. Aunque ya suene repetitivo, aunque carezca de emoción y aunque se hagan mil promesas que nunca se van a cumplir. Queda bien hacerlo, por qué no. Y como aquí hablamos de Cine y de poco más que de Cine, toca hacer una de esas temidas y a la vez adoradas listas que tanto gustan a lectores y escritores de todo tipo. Toca hacer la lista de lo que fue, para un servidor (y repito insistentemente que es para un servidor), lo mejor de este curso que ya finaliza. Y la verdad es que me ha costado lo suyo hacerla porque este año ha sido bastante satisfactorio en cuanto a películas se refiere. Han estrenado muchos directores consagrados y también han sorprendido debutantes. han vuelto algunos ilustres tras varios años de silencio y otros han continuado su envidiable ritmo audiovisual. Con todo, se han estrenado buenas e incluso grandes películas. Ha habido bastante nivel y creo, sinceramente, que el balance entre las películas altamente disfrutables y los temidos "truños" es bastante equilibrado, no como, por ejemplo, durante el 2010 que ya pasó.

Pero tras mucho debatirlo con la almohada y haciendo balance de las que me gustaron y me entusiasmaron me acabó saliendo un grupo de nada más y nada menos que 24 películas. De ellas he rescatado la mitad como las que creo que han sido las mejores, aunque esto es terriblemente relativo e incluso creo que cuando vuelva a ver algunas cambiaré de opinión y los títulos bailarán sin ton ni son. pero en fin, aquí de lo que se trata es de hablar de Cine y que cada uno aporte su granito de arena o reciba con curiosidad (ya sea para estar de acuerdo o para rajar directamente) la lista que a continuación les brindo. Y antes de que se me olvide, feliz 2012 a todo el que ose leerme y esperemos seguir hablando de películas, actores, directores y demás paranfernalias durante mucho tiempo. Gracias a todos por visitarme y allá vamos:

12. The Artist
Llegó hace unas pocas semanas a la cartelera con la vitola de ser la mejor y más arriesgada película del año, candidata a todos los premios habidos y por haber y con una recepción crítica más que notable. Una película fresca y divertida, emocionante y que se disfruta de principio a fin por su nostálgica y preciosista concepción. Sí, es muda, pero no está hecha como los filmes de los años veinte ni mucho menos y esto quizá le resta puntos al dar más la impresión de ser un ejercicio premeditado que una natural vuelta de tuerca. Pero no me malinterpreten, es una gran película, muy bien hecha y divertidísima. Muy recomendable.

11. Super 8
La película de este verano y un auténtico ejercicio de admiración de parte de JJ Abrams al gran Steven Spielberg. A pesar de todo posee mucha más personalidad y calidad de la que muchos quisieron ver, alejándose profundamente del temido refrito de pelis ochenteras producidas y dirigidas por el Rey Midas del celuloide. Un auténtico canto a la vida y a la superación, un relato con personajes carismáticos y espectacularidad a raudales. Todavía tiemblo y me emociono cuando escucho ese maravilloso tema de Michael Giachinno que cierra una de las secuencias más sutiles, bellas y arrebatadoras de los últimos tiempos. No es el "E.T." de nuestro tiempo, es una película con alma y respiración propias.

10. Hanna

Pasó de puntillas por la cartelera española y se la defenestró injustamente. Cuarta realización cinematográfica de un Joe Wright que no hace más que crecer y crecer auspiciado por las grandes interpretaciones de Eric Bana, Cate Blanchett y sobre todo una Saoirse Ronan inconmensurable como una despiadada niña asesina. Impresionante realización y terrible argumento (en forma de fábula y casi cuento infantil) para una película que me hizo vibrar como ninguna en mi butaca. Para estudiar su conjunto de planos secuencia en los que la acción se desarrolla tan visceral como naturalmente en la pantalla. Dénle una segunda oportunidad.

9. Las aventuras de Tintín: el Secreto del Unicornio
Volvía Spielberg con un proyecto que muchos anunciaban como impersonal al lado de su socio Peter Jackson y tras verla esas bocas fueron cerradas el encontrar una de las aventuras más impresionantes y vertiginosas de todo el año. Acierto total al utilizar la captura de movimientos y la animación para representar el universo de un Tintín que es llevado a la pantalla no sólo con éxito, si no también con valentía, arrojo y personalidad. Impresionante técnicamente (por enésima vez hay que mencionar EL plano-secuencia), bien escrita y con mucha, mucha aventura clásica. Y con el Capitán Haddock, Milú y los hermanos Hernández y Fernández. ¿Necesitáis más?

8. Un Dios Salvaje
Tras deslumbrar de tensión y suspense con "El escritor" volvía el ya liberado (por fin) Polanski a ponerse manos a la obra y traernos una nueva maravilla que disfrutar. Basándose en la aplaudida obra de teatro de Yasmina Reza (que firma el guion junto al director), el pequeño polaco se sirve de un apartamento y cuatro personajes para desnudar la sociedad y entretener a raudales en menos de hora y media. Diálogos chispeantes, realización ajustada y milimétrica, interpretaciones inconmensurables y una fotografía más difícil y trabajada de lo que pudiera parecer. Si no la han visto no sé a qué están esperando.

7. Moneyball
Entramos en una de las películas que todavía no se han estrenado en este país pero que, tras disfrutarla esta semana, no puedo resistirme a comentar aquí. Cabe decir que, más temprano que tarde, tendrá la reseña crítica que merece. El caso es que hablamos de la segunda película de Bennett Miller, director de la estimable "Truman Capote", que se sirve de un guion del gran Aaron Sorkin y de Steven Zaillian para contar la historia de Billy Beane, general manager de los Atlantics de Oakland, equipo de baseball estadounidense. Beane, que ve cómo su equipo es desmantelado tras quedarse a las puertas del título, utiliza un curioso sistema para montar un equipo con escaso dinero basándose en las estadísticas. Dos horas y diez minutos de gozo y diversión, con ingeniosos diálogos e interpretaciones entre despachos y con una emoción fuera de toda duda. Brad Pitt y Jonah Hill, en dos papeles singulares, dan un recital y encandilan al lado de un más secundario pero siempre fectivo Philip Seymour Hoffman. Gran película.

6. Un método peligroso
Nueva cátedra de un David Cronenberg que a pesar de los años se empeña en evolucionar y mejorar a pasos agigantados. Curioso retrato psiicológico con un Freud/Viggo Mortensen que encandila y con un Michael Fassbender que sigue opositando a mejor actor del año. Película sencilla pero profunda, corta pero intensa y con el inconfundible sello del canadiense: violencia explícita e implícita, sexo y tormento a partes iguales. Sorprende para bien una Keira Knightley que demuestra ser una actriz visceral y atrevida, lejos del pegote que parecía ser en la extendida y aburrida saga de "Piratas del Caribe". Es una película que ha de verse en más de una ocasión y un servidor ya espera ansioso la edición en Blu-Ray para empaparme de nuevo del universo cronenbergiano.

5. El árbol de la vida
Llegamos al Top 5 y hablamos de una de las películas que más han dado que hablar, para bien y para mal, durante este 2011. Palma de Oro en Cannes, ruptura del silencio de su director y objeto de odio de muchos espectadores, "El árbol de la vida" no es más que la confirmación del inmenso y brillante talento de un Terrence Malick empeñado en hacernos sentir. Es irregular, sí, pero que levante la mano quien no se haya sentido apabullado por las impresionantes (a todos los niveles) imágenes de este canto a la vida (y a la muerte) iluminado y narrado con el sentimiento de un poeta. Supongo que la presencia en el cártel de Brad Pitt jugó una mala pasada a muchos espectadores que esperaban encontrarse algo completamente diferente. No amigos, aquí tenemos lo mismo que Malick ha estado haciendo durante más de treinta años desde que filmase su fundacional "Badlands": narrar con imágenes, no por ellas.

4. Le Havre
Otra de las que no cuentan con crítica en este blog y es que todavía la he disfrutado ayer y no he tenido tiempo de pararme a escribir sobre ella. Incursión francesa del gran Aki Kaurismäki que a pesar de todo no pierde ni un ápice de su personalidad e incluso se atreve a presentar uno de sus trabajos más críticos socialmente hablando y a la vez el más esperanzador y alegre de toda su ya extensa filmografía. Aquellos que disfruten del Cine del finlandés disfrutarán como siempre y los que todavía no tengan el placer de conocerlo escogerán una buena película para empezar por su sobriedad y su sencillo argumento. Humor absurdo, realismo social y un montón de personajes singulares y excéntricos aderezados con la sobria puesta en escena de Kaurismäki y su exquisito gusto en las selecciones musicales. Brillante.

3. No habrá paz para los malvados
Llegamos al podio y el tercer puesto se lo lleva el ñunico toque patrio de esta lista: la vuelta de Urbizu tras su inconmensurable "La vida mancha" en la que es su tercera colaboración con un José Coronado que no podía estar mejor. Un thriller áspero e incómodo que cuenta con un personaje inolvidable: Santos Trinidad, policía al borde de la ley y de tortuoso (y desconocido) pasado que se ahoga en cubatas de ron cada vez más cargados y en innumerables pitillos a la luz de los neones de bares y prostíbulos. Urbizu vuelve a dar una lección de Cine con una trama absorbente y crítica, llena de momentos inolvidables y que, como las grandes películas, exigen atención al espectador y agradecen un segundo, tercer e incluso cuarto visionado. Yo todavía tengo pendiente repetirla y no se pueden imaginar las ganas que tengo.

2. Drive
El número dos es para esta absorbente, violenta e inolvidable cinta sobre el amor dirigida por el danés Nicolas Winding Refn. Ryan Gosling conduce, se enamora y de paso se ve envuelto en un laberinto de violencia sin escapatoria posible. Estéticamente es un portento pero además es divertida y está genialmente escrita. Junto a "Le Havre" llegó esta semana a nuestras carteleras y sin duda son las dos mejores opciones (yo incluso me plantearía una doble sesión) para disfrutar del Cine como dios manda. Presiento que será la olvidada de los grandes premios este año y, sinceramente, será una terrible injusticia. Como tantas otras veces. Pero qué más da, lo importante es disfrutar de una maravilla de tal calibre, un film noir de nuevo cuño que no esconde sus homenajes ni su apabullante y lujosa personalidad. Sin palabras me dejó al verla.

1. El Topo
Es curioso: en los tres primeros puestos contamos con sendos thrillers que recuerdan y mucho a los que se hacían en los setenta. Y no podía faltar entre ellos una de las películas más enigmáticas, laberínticas, densas y exigentes de los últimos años. "Tinker, Tailor, Soldier, Spy" no cuenta únicamente con un reparto que quita el hipo encabezado por un gran gary Oldman, si no que está dirigida con mano de cirujano por un Tomad Alfredson que ya no es la promesa de "Déjame entrar", si no que es uno de los mejores directores de la actualidad. El sueco no da nada por sentado y por lo tanto cuenta con la predisposición del espectador para resolver esta especie de trama mafiosa vestida de organización de espías ingleses que, una vez más, necesita de varios visionados para extraer todo el jugo necesario. Y cuenta, como las grandes películas, con una extensa y bien medida galería de personajes que se definen por mucho más que por lo que dicen. Cine auténtico, de verdad.

Y estas son las doce películas que, sin duda, más he disfrutado durante este año. Sin embargo no puedo despedir este 2011 sin hacer mención especial a un puñado de cintas que se han quedado fuera de la criba por muy poco y que no hay duda de que son tan disfrutables como las elegidas. En el plano más comercial y blockbusteril tenemos al divertido y pulp "Capitán América" y a los sorprendentes simios de "El origen del planeta de los simios", acompañados del reinicio de la saga de Marvel más famosa de todas: "X-Men: First Generation" de Matthew Vaughn. En el Cine de autor tuvimos la irregular pero hipnótica "Melancolía" del polémico Von Trier y el regreso de un Almodóvar en plena forma con "La piel que habito". En el Cine independiente estadounidense contamos con la adrenalítica y sentida "Warrior", en la que Tom Hardy anticipa la bestia que mostrará en el Bane según Crhistopher Nolan y por su parte Robert Redford volvió dando lecciones de historia con "La Conspiración". Mención aparte merece el segundo trabajo de Duncan Jones, "Código Fuente", película hitchcockiana e infravalorada que incomprensiblemente fue incluso vapuleada por cierto sector a pesar de ser un entretenimiento de primera. Sin embargo quien sí gozó de aplausos y palmaditas (y una extensa carrera en carteleras) fue la última joyita de Woody Allen, la sorprendente e inesperada "Midnight in Paris" que todavía tengo pendiente revisitar como merece. En el lado patrio me gustaría destacar "Cinco metros cuadrados" con un sorprendente Fernando Tejero y la gallega "Dientes", un auténtico recital de Morris y Pico por las viejas calles del Santiago de posguerra. También "Un cuento chino", propeusta argentina con Ricardo Darín, mereció mis risas y mi emoción.

Y esto ha sido todo, películas que me han hecho este año 2011 más ameno, divertido y disfrutable y que me han ocupado mucho tiempo de mi mente pensando en eso que se llama Cine. Recibamos el 2012 como se merece y exprimamos las últimas horas del 2011 viendo alguna que otra película o incluso hablando de otras tantas. Merecerá la pena. Roguemos, por qué no, por un 2012 lleno todavía de mejores películas que las de este año y esperemos los estrenos con ilusión. Lo importante es seguir viendo historias contadas a través de las imágenes, ese soporte tan maravilloso y que da tanto de sí. Ahora, tras esta retahíla llena de cursildas y cierta polémica (estoy seguro que muchas elecciones habrán escocido), ya pueden ustedes ponerme a parir. ¡Feliz año!

Drive: la violencia del amor

2011-12-30T21:19:00.000+01:00

Se va acabando el año y con él van desfilando las nombradas como mejores películas del curso tanto por crítica como por público. “Drive”, del danés Nicolas Winding Refn, llegó este miércoles a las carteleras españolas con la vitola de haber recibido el premio al mejor director en Cannes y el hecho de haber sido alabada allá por donde ha pasado. Tenía mucha curiosidad ante este film y dadas las potentes voces que la encumbraban era lógico formarse una expectativa más que potente a su alrededor. Pues bien, hoy la he disfrutado y cabe decir que no me ha decepcionado ni lo más mínimo, es más, me ha sorprendido y ha superado todas mis expectativas. No solo me he sentido apabullado por su factura técnica, si no que durante sus 100 minutos he sentido y he vibrado, me he emocionado y lo he pasado en grande. Es una película brillante, entretenida y sentida a la vez que brutal. No hay discusión al respecto: está entre las mejores del año.

Aunque solo sea por sus impresionantes diez minutos de arranque la incursión estadounidense de Winding Refn ya justifica el precio de una entrada. Observamos a un hombre que habla por teléfono en una habitación de hotel. Parece cerrar un trato. Inmediatamente después vemos cómo recoge un coche de un taller y avanza por las calles de un Los Ángeles tan nocturno como seductor embadurnado de luces de neón. El hombre, cuyo nombre no sabemos ni sabremos durante toda la película, participa en un atraco. Es el conductor. Asistimos a una persecución tan tensa como realista. Aquí no se trata de impresionar, se trata de dar una vuelta de tuerca: el cambio de ritmo es esencial y la estrategia se basa en ocultarse y no hacer ruido. Un montaje preciso y una puesta en escena imaginativa y esteticista abren el telón de una película inolvidable.

Destripar el argumento de esta película es una mala idea. No porque éste sea especialmente intricado o haya sorpresas por doquier, si no porque es una cinta que cabe disfrutar con el mínimo de información. Mucho se ha hablado en los medios de un “homenaje al Cine de acción de los ochenta”, y aunque esto probablemente es una afirmación acertada, cabe decir que “Drive” va mucho más allá. Es una cinta que tiene acción, persecuciones, diálogos (no abundan pero todos están tremendamente afilados), violencia y amor, mucho amor. Porque el motor que mueve esta maravilla del celuloide no es nada más y nada menos que la relación entre dos personas perdidas cuyo encuentro cambiará para siempre el devenir de los acontecimientos. Una casualidad que cambia el cursod e las cosas, algo tan sencillo pero tan efectivo que desde el principio de los tiempos ha movida las historias, especialmente aquellas que se cuentan en Cine.

No es un secreto que esta película es violenta, incluso diría que muy violenta. Sin embargo no debe tratársela como un simple espectáculo de sangre, tiros y persecuciones. Para nada. La violencia que se nos muestra de una forma bastante explícita no es más que una representación fidedigna de lo que es el límite, la adrenalina y la explosión de eso tan inalcanzable y placentero que algunos llaman amor. Todo lo que mueve al protagonista, un sin-nombre callado y pétreo al más puro estilo de los westerns de Sergio Leone, es ese sentimiento que de una forma u otra le hace sentirse vivo, le hace tener algo por lo que moverse en su extraña y peligrosa vida. Un amor que nos hace deducir (qué acierto) el por qué de sus acciones y a su vez nos hace intuir su pasado, del que no sabemos absolutamente nada. Esta “Drive” es un viaje tan hipnótico e inesperado que es imposible no sentirse atrapado por ella.

Film noir de autor, una nueva revisitación a esa temática negra de hombres perdidos en una espiral de violencia y romántica desventura que nos hace comprobar que aunque en el Cine está contado casi todo siempre habrá fórmulas con las que reinventarse. Y además cuenta con un reparto de lujo en el que todos y cada uno encajan a la perfección, sorprendiendo algunas elecciones para bien: Ryan Gosling, Carey Mulligan (qué guapa), Ron Perlman y Albert Brooks destacando con un personaje tan hijoputa que duele incluso mentarlo. A todos ellos les secunda un acertado (y muy de moda) Bryan Carston poniendo su televisiva y añeja cara. Pocas cosas negativas se pueden decir de “Drive”, lo único que se me ocurre es que todo acaba aunque tengas ganas de más. Maldita sea, ya tengo ganas de disfrutarla de nuevo.

El Rey León: un hito

2011-12-29T02:37:00.000+01:00

“Recuerda quién eres”

Mufasa

Corría el año 1994 y un servidor contaba apenas con seis añitos. Aquel año prometía ser especial porque, amigos míos, se estrenaba “El Rey León”, la enésima película de la factoría Disney que prometía ser el no va más. La obra definitiva de la animación, los dibujos animados más épicos y sentidos de todos los tiempos, el sueño de cualquier niño. Recuerdo que el estreno se hizo de rogar durante semanas, las palabras hacia la película no eran más que elogios y el respetable de medio mundo se demostraba más que entusiasmado. Todo padre que se precie debía llevar a su hijo a ver la última maravilla animada del mundo del Cine. No había excusa.

Llegó el gran día y lo prometido era deuda: mis padres me llevarían a la gran ciudad a ver “El Rey León” el día de su estreno. No cabía en mí de la emoción. Nada podía salir mal, ¡iba a ver una de Disney en pantalla grande! Llegamos a la zona de los Multicines Centro de Vigo y el horror comenzó a hacer acto de presencia. Las colas doblaban las calles. No podía ser. Tras una larga (larguísima) espera llegamos a la taquilla. El cartel de “no hay entradas” estaba colgado para “El Rey León”. No recuerdo del todo bien lo que sentí, pero debió ser una mezcla entre rabia, tristeza y decepción. “¿Y ahora qué?”, debí pensar.

El tiempo pasó y un año más tarde conseguí ver la película en VHS. La disfruté, claro está, pero la espina clavada de no haberla podido disfrutar en pantalla grande no me la quitaba nadie. Era imposible. Tuvieron que pasar la friolera de diecisiete años para que ese imposible se convirtiese en posible. Reestreno saca-cuartos (incluyendo el 3D) mediante, el círculo de mi penosa experiencia pasada con “El Rey León” en pantalla grande se vería honrosamente cerrado. Por fin. Podría disfrutarla como se merece, en una pantalla grande y con sonido de última generación. La mejor forma de disfrutar del Cine. Ni más ni menos. Y tras esta “bonito” y quizá prescindible historia, comienzan los elogios.

La película más adulta de Disney

¿Qué podemos decir de “El Rey León” que no se haya dicho ya? ¿Conseguiremos arrojar más luz a su ya de por sí luminosa estela? Una película que trata con toda la naturalidad del mundo y sin tapujos la relación entre vida y muerte, la tragedia y a la vez profunda alegría que supone aceptar los designios de la naturaleza, mucho más sabia, justa y prudente que nosotros. Una película que está narrada con tanto gusto y tanta calidad cinematográfica que se agotan los apelativos para definir su puesta en escena sin caer en la redundancia. Ese inicio tan evocador alrededor del acto más precioso de este mundo que no es otro que el simple hecho de nacer acompañado por un score brillante (a falta de una palabra mejor) de un inspiradísimo Hans Zimmer.

Y es que “El Rey León” es una película de esas en las que da la impresión de que todo salió bien, de que no hubo ni un solo problema y todo es como debiera ser. Aún con sus concesiones a los más pequeños y al carácter bienintencionado de la factoría que le dio vida. Rob Minkoff y Roger Allers se desmarcaron de todo lo hecho hasta ese momento en Disney para entregar un fabuloso ejercicio personal sobre el ciclo de la vida. Con toda naturalidad, sin tapujos al mostrar la violencia y el terror así como el humor y la despreocupación. Y sobre todo el amor. Amor en todos los sentidos de la palabra: amor paternal, amor familiar, amor conyugal, amor por la vida misma…Un canto a la vida con todas y cada una de sus letras.

Incluso sus canciones, siendo empalagosas algunas de ellas, están genialmente escogidas e insertadas en boca de unos personajes inolvidables. Desde Simba a Mufasa pasando por los desternillantes Timón y Pumba, que no son más que unos hippies vegetarianos de la sabana africana. ¿A alguien se le ocurre algo más delirante y a la vez más acertado? Todo aquel mortal que se considere aficionado al Cine o incluso el que no tenga a bien esa afición dentro de su vida, tendrá que haber visto “El Rey León” al menos una vez en su vida. Es imprescindible. Y ya no digamos si se es niño o si se tiene a niños cercanos. Llévenlos a verla, corran, no lo duden. Es un reestreno, pero seguramente sea la película más potente, rica y genial que pueble actualmente las carteleras españolas. ¡Qué maravilla haber podido disfrutarla al fin!

"Immortals" es mejor que "300"

2011-12-27T14:48:00.000+01:00

Aunque parezca lo contrario, esto es una crítica. No me gustan las comparaciones en ninguno de los aspectos de esta vida (ya podéis pensar mal) y mucho menos cuando se trata de hablar de Cine. Pero en este caso era inevitable. Más aún cuando te venden la nueva película de Tarsem Singh, un director que parecía mucho más personal de lo que realmente es, como la nueva “300”. Mucha gente sabe ya lo poco que me gustó la película que puso al inefable Zack Snyder en primera línea del panorama hollywoodiense actual, así lo expresé hace muchísimo tiempo en unpost en este mismo blog. Así que el hecho de utilizar la misma estética y ser de los mismos productores (lo que demuestra, en mayor o menor medida, que la estética del film de Synder no dependió de él en su totalidad) no es que me llamase ni lo más mínimo. Pero como me encantó “The Fall” de Singh decidí arriesgarme. Su buen hacer tras las cámaras, su imaginería visual y su talento me hacían augurar una película mejor que la de los espartanos. Y así fue. Sin alardes, eso sí.

¿Por qué creo que “Immortals” es mejor que “300”? Hay muchas razones. Principalmente porque Singh es mucho mejor director que Snyder, si bien ambos son bastante esclavos de su estética “videoclipera” el primero tiene mucho más empaque y noción del ritmo que el segundo. Que conste que son bastante parecidos, pero al ver sus obras da la impresión de que el cineasta de origen hindú planifica con mucho más sentido cinematográfico que Snyder, quien da la impresión de narrar por narrar y de tratar de lucirse a cada plano y a cada “slow-motion”.

Pero antes de entrar en comparativas hablemos del argumento de “Immortals”: basada libremente en el mito griego de Teseo, Singh y sus guionistas (Charley y Vlas Parlapanides) hacen hincapié en el intento del rey Hiparión de liberar a los Titanes para acabar con el linaje puro de los griegos. Teseo es un campesino que, sin saberlo, es el elegido por el destino para salvar a la Tierra con la ayuda de los Dioses (entre ellos Zeus) que lo vigilan y protegen. Así se librará una encarnizada lucha por entre ambos líderes por el futuro de la humanidad.

Cabe decir que me siento mucho más interesado por la mitología griega que por un supuesto hecho histórico como el narrado en “300” (ni siquiera en el cómic del irregular Frank Miller me sedujo lo suficiente) que, dicho sea de paso, es muy difícil de tomar por verosímil. Así que el punto de partida me parece mucho más interesante, oscuro y adulto que ver a trescientos tíos en cueros pelear contra miles por su supuesta libertad en uno de los guiones más manipuladores e infantiles (moralmente hablando) de los últimos tiempos. “Immortals” no aboga por la profundidad, si no por lo sensorial y la pura aventura con tintes épicos y trágicos. Su violencia se antoja dolorosa y no caricaturesca como sí ocurría en “300” y sus personajes, aunque no demasiado profundos, son mucho más cercanos que Leónidas y compañía. Están, además, mucho mejor interpretados por Henry Cavill (el próximo y esperanzador Superman), Freida Pinto, John Hurt y Mickey Rourke entre otros.

Es especialmente el último el que hace de “Immortals” algo distinto y más apetecible que su precursora. La película de Singh posee un villano tan temible, carismático y bien interpretado que ya gana muchos enteros. Cada vez que Rourke aparece en pantalla dan ganas de echarse a temblar. Sus amenazas son reales, se sienten y se padecen. Nos creemos sus aires de psicópata megalómano y sus amenazas violentas. A esto ayuda también un Singh inspirada al menos en la primera hora de película, utilizando sendos y elegantes travellings y una fotografía mucho más rica en matices de lo que fue el colorismo tipo cómic de la obra del director de “Watchmen”. Hay momentos en los que “Immortals” resulta muy poderosa tanto en lo visual como en el propio contenido: el arranque con esos Titanes tan humanizados como bien representados, la presentación de Hiparión, el ataque al pueblo o la primera aparición terrenal de los Dioses. Momentos de mucho talento que demuestran que quien está tras las cámaras no trata de lucirse ni es un incompetente.

Pero no me malinterpreten: “Immortals” no es ni mucho menos una gran película si no un producto entretenido pero irregular que se extiende demasiado y al final termina siendo una más. Se desaprovechan todas las virtudes mostradas en el primer tramo para terminar pareciéndose peligrosa y desgraciadamente a “300”. Supongo que al final, con todo el talento de su director, terminó pesando más el poder monetario de unos productores empeñados en repetir la fórmula mágica. Con todo resulta mucho más estimulante, acertada y palpable que la inocua y vacía “300”. Algo es algo.

El Topo: Cine de verdad

2011-12-26T14:40:00.001+01:00

“No somos tan diferentes. Los dos buscamos las debilidades del otro.”

Agente Smiley

Tomas Alfredson no se hizo mucho de rogar tras triunfar en el 2008 con su excelentísima revisitación del mito vampírico de nombre “Déjame entrar”. Consolidado ya en Suecia y parte de Europa, el director da el salto a la producción anglosajona con “El Topo” (abreviado nombre del original y acertadísimo “Tinker, Tailor, Soldier, Spy”) acompañado de un reparto que no es que sea de lujo, es que es un auténtico “all-star” de la interpretación moderna. En esta atrayente, difícil y densa película comparten plano nada más y nada menos que Gary Oldman, Mark Strong, Tom Hardy, John Hurt, Colin Firth y Toby Jones entre otros. Solamente al leer esos nombres y el del responsable visual del proyecto ya entran unas tremendas ganas de lanzarse a él. Si encima está basado en una novela del prolífico y siempre interesante John le Carré, poco más hay que decidir. No hay duda: “El Topo” es una de las películas del año.

Pero no se engañen. Sus más que probables nominaciones a los Oscar o su buena carrera crítica y comercial no la convierten en un plato sencillo ni de paladares fáciles. “El Topo” es una de las películas más exigentes del año en cuanto al espectador se refiere y requiere, seguramente, de más de dos o tres visionados para captarla en toda su amplitud. Es una cinta riquísima, potente y trabajada hasta el más mínimo detalle. Es Cine de verdad, del que no da nada por sentado y que cuenta una historia teniendo siempre en cuenta a los ojos que la van a degustar. Es un puzzle de mil piezas perdidas en el rincón de la memoria que el propio espectador (como el protagonista) tendrá que reconstruir mediante vagas y borrosas pistas.

Desde un principio el enigma y la confusión hacen acto de presencia entre un mar de nombres y personajes. De todos ellos destaca el agente Smiley (llevado ya a la pantlla por Sydney Lumet con su “The Deadly Affair”), un veterano espía británico que acaba de ser forzado al retiro tras el fracaso de una operación en Hungría. Sorprendentemente para él es reclutado de nuevo para una misión de alto secreto: se sospecha que hay un “topo” ruso en la organización y él deberá descubrir quién es con apenas un par de retazos.

Un laberinto lleno de personajes fascinantes

La baza más importante de “El Topo” es algo que muchos directores, guionistas y productores no son capaces de entender en el Cine de hoy en día: una película vale lo que sus personajes. Sin llegar a ser coral (ya que Smiley es el evidente centro de atención), la película cuenta con una galería bastante amplia de personajes en la que incluso el más ínfimo tiene su momento y su frase para el recuerdo. Con apenas unos retazos, dejando mucho sitio a la imaginación, Alfredson dibuja a personas reales. Con algunos podemos empatizar, a otros llegamos a odiarlos. Construida como si de una muñeca rusa se tratase (nunca mejor dicho), la estructura va bailando entre varias líneas temporales sin previo aviso. Varias situaciones y momentos de la vida de los protagonistas son presentados como si estuviésemos dentro de la mente de un Smiley que no cesa en su empeño de descubrir la verdad.

Es por eso que “El Topo” es una obra difícil y llena de recovecos molestos. No es apta para los que, en un alarde de prepotencia y falta de sensibilidad, busquen únicamente entretenerse. Es algo más. Gracias, principalmente, a las sabias decisiones de un Alfredosn que parece llevar filmando toda su vida. La palabra elegancia se le queda corta al sueco, demostrando un manejo del travelling y de los planos detalle al alcance de muy pocos. Ojo, no es fácil poner esta intrincada y laberíntica historia en imágenes y el, además, lo consigue con el beneplácito de un reparto que está más que excelente. No es casualidad.

Conclusión: un clásico instantáneo

Me recordó en muchos momentos a los “Padrinos” de Coppola. No solo por su evidente espiral de violencia y sus lógicas relaciones con una organización mafiosa (al fin y al cabo un gángster tiene mucho que ver con un espía en cuestiones de lealtad), si no por su puesta en escena y su calidad a la hora de desenvolver un mapa de sensaciones indescriptibles. Pareciera que, sin explicación alguna, todo funcionase a la perfección. Fotografía, música, diseño, ambientación…No hay nada, absolutamente nada, que falle en “El Topo”.

Mientras la veía, aunque era consciente de que necesitaba verla una y otra vez, me daba la sensación de encontrarme ante una película importante, ante un clásico de nuestro tiempo que será estudiado por las generaciones venideras. Y es que desde que la vi el viernes pasado no he podido dejar de pensar en ella. No he podido olvidar su tensión, su importancia, su valor. Alfredson no solo se confirma, si no que se corona y se erige como uno de los mejores directores de la actualidad. Esperemos que, como ha hecho en esta ocasión, siga escogiendo y ejecutando tan bien sus proyectos venideros. ¡Qué maravilla de película!

Warrior: luchas épicas de corazones rotos

2011-12-23T21:40:00.000+01:00

Que películas como “Warrior” de Gavin O’Connor todavía no hayan visto la luz en salas comerciales en este país clama al cielo. Una vez más topamos con las torpes distribuidoras y sus incomprensibles decisiones a la hora de estrenar filmes que son fracasos cantados y dejar en el aire otros con muchas posibilidades de hacer una taquilla decente. Sé que enfadarse y entonar la enésima pataleta no sirve absolutamente de nada, pero es que si no lo digo corro el riesgo de que me explote la cabeza. Porque una película en cuyo reparto está el muy de moda Tom Hardy en el que es su papel previo al Bane del Caballero Oscuro de Nolan y un Nick Nolte en plena forma no puede resultar un fracaso de taquilla. Y menos aún si su temática gira alrededor de las artes marciales mixtas conteniendo algunas de las peleas más atrevidas y mejor filmadas de los últimos años. Repito, clama al cielo. Mientras en Estados Unidos cosechó elogios unánimes de la crítica y ya está editada en Blu-ray y DVD, aquí nos tenemos que conformar con mirar hacia otro lado. En fin.

“Warrior” nos habla de un conflicto familiar con las artes marciales mixtas como telón de fondo. Así encontramos dos historias paralelas cuyo nexo común es la propia lucha y el vínculo familiar que une a los dos protagonistas. Tommy y Brendan son hermanos aunque hace muchos años que no se ven. Ni ellos ni su padre, Paddy Conlon, al que ambos odian por su alcoholismo en el pasado. Tanto Tommy, que tiene un pasado borroso y enigmático, como Brendan, un ejemplar padre de familia y profesor de física en el instituto, son luchadores. Y ambos necesitan ganar un torneo de artes marciales con un jugoso premio económico por diferentes razones.

O’Connor, cuyo historial como director no es de los más brillantes de todos los tiempos, se viste aquí de artesano para servir una de las películas más emocionantes, divertidas y dolorosas del año. Un auténtico “sleeper” que deja con la boca abierta y con ganas de más a pesar de sus dos horas y veinte minutos de duración. Su labor, como ya hiciera un más personal David O’Rusell con su “The Fighter” el año pasado, se resume a acercar la cámara a las calles y a los corazones de sus urbanos y proletarios protagonistas. A pesar de que cae en algunos tópicos y concesiones propias del género en el que se inscribe, el film es una auténtica bofetada, un golpe al estómago y un estrujamiento del corazón que te deja casi sin respirar por el agobio y la tensión que transmite. Con pocos personajes y unos recursos de lo más realistas, O’Connor conmueve e incluso provoca el miedo a medida que avanza la trama.

Parte de la culpa la tienen los actores, especialmente Nolte y Hardy. El primero aporta su veteranía y su quebrada voz a un personaje que le viene tan al pelo que no parece si quiera que actúe. Su Paddy es un entrenador/padre cascarrabias de manual pero a su vez es un personaje roto y herido con mirada de perro viejo abandonado. La obsesión con “Moby Dick” es una metáfora magistral. Por su parte Hardy es una bestia parda que desata toda su ira en la lucha. Atención a este actor, porque alejado de divismos y tics de actor consigue interpretaciones creíbles, efectivas y llenas de talento. Es uno de esos actores físicos que desbordan naturalidad y la prueba fidedigna de ello es que Hardy no solo luce en las peleas por su imponente físico, si no que en los momentos más íntimos da un auténtico recital comiéndose a todos los que comparten plano con él. Prepárense para lo que será el Bane de Hardy, porque promete ser más que épico.

Una película inolvidable, que se inscribe con letras de oro en lo mejor del año sin que exista apenas discusión por ello. Es una historia clásica contada con el lenguaje de hoy, aspecto éste que sigue demostrando que el Cine no hace más que revisitarse una y otra vez y que lo importante es el cómo y no el qué. Es además un recital de emoción, las peleas están tan bien narradas que parece que estemos dentro del cuadrilátero y suframos lo que sufren los luchadores. Hay momentos de verdadera angustia, de verdadero terror por la brutalidad de algunos golpes y el ensañamiento del personaje de Hardy, una auténtica bestia herida que no parará hasta conseguir lo que quiere y que, en el fondo, no es más que un pequeño tigre maltratado por la vida. Una maravilla.

"The Dark Knight Rises" ya tiene trailer

2011-12-20T22:35:00.000+01:00

Salió ayer, pero no ha sido hasta hoy que los más fanáticos del lugar se dignaron a subtitularlo a nuestro idioma: la última entrega del "Batman" de Nolan ya tiene trailer. Tras preestrenar los primeros seis minutos de la película antes de las proyecciones de "Misión Imposible IV" en salas IMAX (algo que Nolan y su equipo, ávidos conocedores del marketing cinematográfico, ya había hecho con la anterior entrega creando un hype considerable) sale a la luz el primer trailer oficial tras el interesante teaser de hace unos meses. y la verdad es que, a priori, las expectativas parece que serán más que cumplidas. Y es solo un avance al que se le ven algunos defectos, sobre todo en los efectos digitales, pero no cabe duda de que el desenlace promete ser épico y mucho más. la inclusión de Bane, villano al que interpretará ese monstruo físico (pronto hablaremos de la estupenda "Warrior") que se llama Tom Hardy.

Y es que un reparto de lujo integrado por Christian Bale, Morgan Freeman, Michael Caine, Gary Oldman, el propio Hardy, Marion Cotillard, Anne Hathaway y Joseph Gordon-Levitt ya abre la boca a cualquiera. Si encima los dirige Nolan pues poco más hay que decir. Y los precedentes hacen que apuntemos alto, muy alto. Lo cierto es que no es que haya expectativas, si no que si llega a decepcionar lo más mínimo será el bluff más grande de todos los tiempos. Pero no creo que sea así. Incluso creo, esa es mi sensación, que se superará la estupenda segunda parte y que incluso se conseguirá hacer olvidar el tenebroso y maquiavélico Joker de un Heath ledger desgraciadamente desaparecido. En fin, disfruten del trailer y no se coman mucho las uñas antes del estreno, porque hasta el verano que viene pueden quedarse incluso sin huesos de tanto morder.

Misión Imposible, Protocolo Fantasma: espectáculo bien servido

2011-12-18T23:25:00.000+01:00

Desde que el incombustible y muy de moda JJ Abrams acogió en su factoría de espectáculo, luces y sonido la saga de “Misión Imposible” estamos de enhorabuena. Porque no hay una franquicia que le venga mejor al nuevo Rey Midas del Cine que la protagonizada por Ethan Hunt. Tras la desastrosa segunda parte dirigida por un John Woo con demasiadas ganas de triunfar en Estados Unidos, Abrams regaló un auténtico ejercicio de adrenalina con la tercera parte y en esta ocasión ha decidido ceder la silla del director a un Brad bird que da el salto a la imagen real apadrinado por el creador de “Lost”. Sin embargo, aunque cambie el director, las sensaciones son las mismas y da la impresión de que estamos ante un díptico con la misma denominación de origen y los mismos resultados: entretenimiento a raudales, sin más ni tampoco menos.

Esta vez comenzamos la película en una cárcel. En ella se encuentra Ethan Hunt no sabemos por qué e inmediatamente huye de ella provocando un motín junto a dos agentes secretos que le ayudan desde fuera. A partir de ahí lo de siempre: Hunt aceptará una misión relacionada con unos códigos para activar bombas nucleares y la acción se despliega como un mapa ante nuestras retinas sin descanso alguno. Y no seré yo quien me queje. Brad Bird, como debutante en Cine de acción real tras triunfar a cada paso con sus excelentes “El Gigante de Hierro”, “Los Increíbles” y “Ratatouille” demuestra que de Cine comercial sabe y mucho. Sirve un plato excelente en su presentación y exquisito en su contenido. Sin complicaciones, por el simple hecho del disfrute por el disfrute.

Y es aquí donde ha de ser avisado el espectador medio con la cuarta parte de “Misión Imposible”. Hablamos de una película excesiva y autoparódica, un ejercicio de locura comercial en el que muchos se perderán y muchos otros argüirán al típico “es una fantasmada”. Efectivamente, lo es. Y si no entras en su juego desde un primer momento la odiarás y la aborrecerás, representará el mayor de los males y desearás no haber entrado jamás de los jamases en la sala de Cine. Pero si la comprendes y la ves como lo que es, un estupendo producto comercial, sus dos horas y diez minutos serán un mero suspiro en el que habrás disfrutado como un enano. La clave radica en el tono, la relación tan temida entre coherencia y verosimilitud que tanto los guionistas como el propio Bird bordean en más de una ocasión sorteándola con éxito.

Las claves no podrían ser más llamativas: humor y mala baba como los ingredientes que le faltaban a un cóctel de peleas, tiros y persecuciones. Ethan Hunt, aunque sigue siendo un autñentico superhombre, se muestra esta vez fallón e incluso vulnerable. También su equipo y todo lo que rodea a la famosa FMI: los agentes están solos y abandonados, con el equipo justo y el dinero justo para cumplir una misión que, como siempre, parece imposible. Detalles de guion que aunque parezcan chorradas hacen de esta entrega algo diferente a las anteriores, la transforman en un una comedia de acción improbable pero con tremenda personalidad, con razón de ser y aportando algo más nuevo de lo que parece a simple vista.

No es “Misión Imposible IV” la película del año, ni siquiera lo pretende y sus fallos son del mismo trazo grueso que sus virtudes. Fracasa cuando se pone dramática o cuando quiere ser más discursiva de lo que debiera, pero lo que no se le puede negar es que es un entretenimiento de calidad, frenético y emocionante. La diversión no pasa esta vez por los tiros y las persecuciones como única forma de sobrevivir, si no que el humor y la autoparodia también tienen cabida. Desde luego prefiero a este Ethan Hunt simpaticón y errático en sus infiltraciones que al “torturado” y serio espía de la primera parte. Vamos, a años luz. Incluso a Tom Cruise le viene mucho mejor un papel como el primero, alejándose de cualquier ínfula de actor y haciendo lo que sabe hacer: utilizar su físico y su carisma para convencer con pocos recursos. ¿Acaso hace falta más en uan cinta de acción y puro entretenimiento como esta?

The Artist: una osadía con final feliz

2011-12-17T16:08:00.000+01:00

En pleno 2011 y con el auge del 3D incluido, hay que tener valor y muchas toneladas de osadía para atreverte a estrenar una película en 4:3, en blanco y negro y para colmo muda. Así lo ha hecho el francés Michel Hazanavicius y lo más sorprendente es que no solo ha triunfado allá por donde se ha exhibido, si no que su creación es una de las favoritas para alzarse con todos los premios habidos y por haber (entre ellos los Globos de Oro y los Oscar) contando además con el beneplácito de la mayoría de la crítica. Un cóctel perfecto que acabará de convencer a los más escépticos y terminará por reafirmar a los amantes de esa moda retro imperante durante casi todas las etapas del cinematógrafo. El caso es, ¿qué hay detrás de “The Artist”? ¿Es para tanto? ¿Es de lo mejor del 2011? Tras disfrutarla ayer puedo afirmar que sí, pero también puedo decir que es una apuesta mucho más segura de lo que parece. Y no hay nada de malo en ello, que no se me malinterprete.

La cinta de Hazanavicius cuenta una de las historias más sencillas del año y a la vez una de las más atrayentes. George Valentin es una estrella del Cine mudo que lo tiene todo y, de la noche a la mañana se ve relegado al olvido por la llegada en 1928 del sonido. La principal particularidad de este film radica, principalmente, en su formato y en la forma en la que se presenta. Baste decir que ofrecer hoy en día una película muda en el 80 por ciento de su totalidad es una apuesta arriesgada, pero también podríamos decir que es una herramienta de promoción muy afilada. Y más si detrás de todo el asunto están los temibles hermanos Weinstein, devoradores de Oscars y Globos de Oro a cada película que producen. Pero eso es otra historia, aquí estamos para valorar la calidad de la película en sí, que la tiene y a raudales.

“The Aritst” es una ecuación perfecta que coge ingredientes preexistentes de aquí y de allá sin arriesgar en demasía pero que, además, consigue brillar con luz propia y poseer cierta personalidad. Es una película que te atrapa, te implica y te importa. Cuando la vez olvidas todo lo que hay a tu alrededor y te ves ciertamente imbuido por la tragicomedia que se va desarrollando frente a ti con el único poder de las imágenes. No es una película de grandes hallazgos ni es una obra demasiado profunda, pero es una historia que te atrapa y te envuelve con mucho cariño, como si te estuviese acariciando y adormeciendo para llevarte a un sueño de lo más profundo. Si te dejas llevar la encontrarás sencillamente perfecta, lo cual no quiere decir que lo sea, pero conseguir esa sensación ya es apuntar bien alto.

Muchos tratarán de argumentar que “The Artist” es un canto a la nostalgia cuando verdaderamente no es así. No hablamos de una película que pretenda rescatar mitos y épocas pasadas a nivel cinematográfico, si no que estamos ante un espectáculo de luces y música que resulta de lo más moderno. Cuenta una historia mil veces contada, pero lo hace con descaro y alegría, deja una sensación de libertad y simpatía indescriptibles. Es una película que da gusto ver, que se disfruta y no se olvida. En ella no destacan sus individualidades (ni su director tiene ínfulas de hacer notar su presencia ni sus actores quieren destacar por encima de ningún secundario) si no su conjunto y precisamente por eso, aunque resulte una paradoja, se está destacando tanto el trabajo de su protagonista, su fotografía y sus labores de dirección. Todo encaja, todo va sobre ruedas y todos parecen haber tenido la misma película en la cabeza.

Con apenas cuatro personajes con peso y una idea que gira en torno a los sentimientos y al ser humano, la película de Hazanavicius demuestra alegría pro contar historias, proponiendo ideas muy creativas y que apuestan por el poder de la imagen. Para muestra tenemos la forma en la que se enamoran los protagonistas, la irrupción del sonido en la vida de George Valentin o el espectacular, metalingüístico y revelador inicio de la función. Al final, como siempre, la técnica, las formas y el soporte son lo de menos. Lo que aquí importa es lo que nos cuentan, cómo nos lo cuentan y cómo lo recibimos. Dudo que haya en este mundo persona alguna que tras su visionado pueda negar que haya disfrutado. Es una película tan pura, tan limpia y tan divertida que cuando termina te olvidas de que los diálogos se perciben con intertítulos o de que hay momentos de absoluto silencio. Qué más da, lo importante es emocionarnos. Y ”The Artist” lo consigue con creces.

Misión Imposible: De Palma, Cruise y sus egos

2011-12-16T18:47:00.000+01:00

Hoy llega a nuestras carteleras la última entrega de las aventuras de espionaje del incombustible Ethan Hunt, “Misión Imposible IV: Protocolo Fantasma”, y como es habitual siempre que aterriza una nueva entrega de una saga, suele ser sano e incluso curioso echar la vista atrás. Así que hablemos un poco de la primera entrega, de la que ya han pasado la friolera de 15 años desde su estreno y su gran éxito de taquilla. No era para menos. Contar con Brian De Palma tras las cámaras y con un Tom Cruise que por aquel entonces era un auténtico sex-symbol y no contaba todavía en su haber con el largo carrete de polémicas que hoy va dejando a su paso, era una apuesta más que segura. Así que Cruise, que no es tonto y además producía el film basándose en una serie previa ya de por sí muy exitosa, se rodeó de un excelente equipo técnico y artístico empezando por el propio De Palma para fabricar un producto digno de su lucimiento y que encima recaudase lo máximo posible.

Es evidente que la fórmula funcionó y de paso comenzó la que es una de las sagas más rentables e irregulares de todos los tiempos, comenzando por la que hoy tratamos. Porque “Misión Imposible” no es más que un vehículo de lujo en el que tanto Cruise como De Palma juegan a sacar pecho de la forma más descarada posible. Cada uno en su campo, claro está. Cruise mantenía su aureola de ídolo sensual para adolescentes (y no tan adolescentes), la cual se ganó en proyectos ochenteros de dudoso gusto entre los que destacan “Top Gun” de Tony Scott y no precisamente por sus aptitudes cinematográficas. De Palma, por su parte, venía de dirigir la que para un servidor es su mejor película, “Atrapado por su pasado”, con un Al Pacino inconmensurable. Así que juntos aunaban la ecuación perfecta: comercialidad por parte del actor y calidad por parte del cineasta.

El caso es que el guion, firmado por David Koepp y Steven Zaillian es tan vago, previsible y falto de carisma que las estrellas de la función se dedican a exprimirlo pensando más en la palmadita en la espalda que en otra cosa. De Palma, como siempre, se empeña en homenajear (o plagiar, según se vea) a su adorado Alfred Hitchcock mientras que Cruise chupa más cámara que nunca (hasta que llegó la segunda parte de John Woo) y finge ser actor (que ya es paradójico) en uno de sus papeles más flojos. “Misión Imposible” resulta tan falsa que es difícil divertirse en sus apenas cien minutos de duración, más que nada porque De Palma y Cruise se empeñan en recordarnos a cada plano y cada secuencia su desmedido ego.

El director lo hace a nivel visual, machacando continuamente con sus travellings y sus “planos imposibles” con la intención de impresionar al espectador y montar un espectáculo digno de su fama. Así que tenemos un par de secuencias en las que el suspense, el montaje y los encuadres son tan rebuscados y evidentes que resulta improbable no tener la sensación de encontrarte ante un experimento de lucimiento de su responsable. La mejor secuencia, la famosa infiltración en el banco Langley, es el único destello de calidad de una película que hace aguas en el resto de su metraje y sobre todo en su excesivo (aunque muy conseguido) tramo final.

Cruise, que es acompañado por tipos como Jean Reno, Emilio Estévez o el mismísimo John Voight entre otros, no permite que nadie le quite el protagonismo que su crédito como productor le ha otorgado. Así que no dejamos de verlo en ningún momento y se pasea por la pantalla haciendo de todo: por momentos es un superhéroe demostrando su físico, en otros es un brillante detective y para rematar la jugada muestra también sus dotes dramáticas como agente secreto torturado que se siente culpable. Todo un recital que demuestra lo malo que es para un actor el simple hecho de ser consciente de que está actuando y de que tiene pendientes de sí a millones de personas. Hay momentos que, a falta de palabras más generosas, parecen un chiste malo. Con todo “Misión Imposible” es una película que se deja ver, que técnicamente es irreprochable y que aporta momentos de cierta tensión. Lástima que con todo eso no se consiga una buena película si no un bonito escaparate en el que dos personas con un ego más grande que sus carteras deciden mostrar lo buenos que son.