El indéfilo

Rincón del freak #53: Si usted coge una mierda y la envuelve en celofán, yo seguiré desaconsejándole que se la regale a nadie...

2012-01-29T09:15:00.000+01:00

Lo más desgraciado del blockbuster no es ese tipo de películas que ya desde la carátula nos avisa de lo que vamos a ver, porque eso ya depende del cine que cada uno ve. Lo más desgraciado y flatulento del blockbuster (y no se me ocurre otro término para definirlo) es aquél que usa nombres y rostros conocidos, de cierto prestigio, para "ilustrar" en la medida de lo posible lo que no es más que basura. Y en un acto de reciprocidad inusitada, no sólo estos infectos productos logran hacer picar a una legión de incautos (entre los que me incluyo, por supuesto), atraídos por "ese actor que tanto les gustó en aquella película", sino que además contribuye a sostener los tiempos muertos entre proyectos más serios. Aunque, claro, a mí me parece que todo es una falacia dedicada a la recaudación inmisericorde. Es el caso de una película que vi hace poco, que atendía al nombre de SHELTER y que prometía un par de horas de ese neo-terror plagado de efectos visuales y referencias bíblicas que yo no termino de explicarme muy bien, pero que nos bombardea cada temporada. Hay múltiples personalidades, psicólogos entregados a la causa, ritos chamánicos y secundarios que la palman; el corolario nuestro de cada día utilizado por Hollywood para recordarnos que tenemos que revisar nuestra cuota de fe cristiana no vaya a ser que un día necesitemos a los cazafantasmas... Y, como iba diciendo, resulta que en letras muy gordas y muy visibles tenemos nada menos que a doña Julianne Moore, que se pasa casi dos horas con cara de "¿Pero qué coño hago yo aquí... diossss?" y, en menor medida, ese eterno proyecto de estrella que es Jonathan Rhys Meyers, que probablemente es mejor actor de lo que sus películas, al menos hasta ahora, vienen a indicar. Una basura infumable y esperpéntica que encima es eteeeeeerna y muyyyyyy lenta; si la ven será bajo su entera responsabilidad, pero no la apaguen cuando la Moore llega a un sitio que parece el Sur profundo para visitar a una especie de medium... ¡Es de lo peor que he visto en años!...
Saludos protegidos.

Protect me you

2012-01-29T08:46:00.002+01:00

Un testamento inacabado

2012-01-28T20:01:00.000+01:00

Nos cogió a contrapié el trágico fallecimiento de Theo Angelopoulos, el cineasta griego más importante sin que nadie pueda discutirlo con argumentos. Y qué mejor para rendir homenaje a su memoria que con una de sus mejores películas, la que debió ser la primera parte de una trilogía dedicada a la historia de Grecia a lo largo de todo el siglo XX. ELENI es una historia de amor trágico, incondicional, destructivo; la historia de Alexis y Eleni, quien fue adoptada por la familia del primero en la huida de la comunidad griega en Odessa tras la entrada del ejército ruso, a principios de los años veinte. El padre de Alexis quiere casarse con Eleni al fallecer su esposa, pero ésta huye con Alexis sin rumbo fijo, únicamente para escapar de un futuro no deseado. A partir de ahí, todo parece volverse en contra de la joven pareja, que es "adoptada" por la troupe de Nikos, que queda prendado de la habilidad de Alexis con el acordeón. Huir, esconderse, sobrevivir; ésas serán las únicas premisas de quienes quedan atrapados en mitad de un conflicto, y de ahí a la Segunda Guerra Mundial, con América en el horizonte y el viejo pueblo hundido bajo las aguas. En ELENI, Angelopoulos apela a nuestro poder de evocación y a cómo podemos percibir unas imágenes que podrían ser cualquier cosa, significar cualquier cosa, incluso lo que hemos tenido ante nuestros ojos; pero ELENI también funde esa tambaleante historia griega en la figura de una joven que pierde paulatinamente a sus padres naturales, al adoptivo que pretende ser esposo, al real que pasaba por hermano y, finalmente, a sus propios hijos, también enfrentados por la guerra. Es una de esas historias terribles y bellísimas, contadas con un pulso especial, sin agobios ni premuras, y, en mi opinión, incluso de metraje corto (170 minutos); una obra mayor de un director minoritario, laureado en festivales pero ninguneado por la crítica oficialista. Supongo que ahora se hablará un poco más de él... o no... Quién sabe. Vean su cine en cualquier caso, es un gran antídoto contra la burricie...
Saludos helenos.

Kormia

2012-01-28T19:02:00.002+01:00

No es cómo; es por qué

2012-01-27T11:20:00.000+01:00

A principios de la década pasada, un suceso acaecido en Alemania dejó perplejo a medio mundo. Perplejo, qué palabra tan inusual hoy día. Resulta que un señor se anunciaba en Internet ofreciéndose para ser devorado, mientras que otro ansiaba comerse a un ser humano. Aunque suene como un latigazo en una habitación vacía, esto fue así. Ambos concertaron una cita y el acto fue consumado, suponemos que de mutuo acuerdo, tal y como indicaban todos los indicios, lo que acrecentó el estupor y, sobre todo, la incapacidad de la opinión pública para aceptar y dotar de significado dicho suceso. Bien, el problema surge cuando se decide hacer una "recreación" del mismo, ponerlo en imágenes ¿Podemos considerar ROHTENBURG una película de terror más? No. Primero porque, aunque sus imágenes nos causen inquietud y bastante repugnancia, no se trata de un film destinado a "asustar", sino a "explicar". Sin embargo, el fallo es estrepitoso; con un material de salidad tan poderoso, un director de videoclips como Martin Weisz queda cegado al instante por la figura de Armin Meiwes, su "cubículo", sus terrores y traumas infantiles, mientras que la "víctima" complementa todo aquello en un clímax que no por esperado deja de sorprender, aunque menos. Para colmo, se introduce con calzador un personaje paralelo, una joven psicóloga americana que investiga la posible existencia de las grabaciones hechas por Meiwes, pero que aporta poco o nada al resultado final. En manos de un director más audaz y hábil, ROHTENBURG habría sido una oportunidad única para abordar un tema tan espinoso como el canibalismo consentido, los porqués no ya de que alguien desee comerse a otra persona, sino de que alguien desee ser comido. Desafortunadamente, y a excepción de algunas escenas sueltas, estamos ante un film incomprensiblemente convencional y de desarrollo aturullado, lo que lo llevó directamente al dvdstore sin apenas repercusión, la que sí tuvo en Alemania por lo de siempre, que fue una idiota sentencia mediante la que se prohibió su estreno. Tampoco era para tanto.
Suculentos saludos.

Tengo hambre

2012-01-27T10:43:00.002+01:00

Todo está en su cabeza

2012-01-26T17:33:00.000+01:00

De vez en cuando me acuerdo de aquellas noches de mi niñez en las que, acurrucado bajo las sábanas, pasaba interminables horas nocturnas, en la más absoluta oscuridad, pegado a cierto transistor al que ocasionalmente no tenía por qué bajar el volumen, si es que tenía la suerte de contar con unos cascos de los de entonces, que eran los que se te clavaban detrás de las orejas. Así que disfrutar de una programación que incluía, aparte de la inefable crónica deportiva, programas de cine, "historias para no dormir" y hasta guiñoles invisibles era acabar, a las tantas, y con un considerable dolor craneal. Me refiero a todo esto porque de vez en cuando nos acordamos de que se pueden contar espectaculares historias fantásticas sin recurrir al efecto visual gratuito; cada vez menos, pero el otro día vi una curiosa película argentina que cumple todos estos preceptos al dedillo. MOEBIUS fue un curioso proyecto gestado en una escuela de cine y realizado por miembros de la misma, una ingeniosa historia de ciencia ficción basada en la paradoja de Moebius, que considera como posible (al menos teóricamente) la existencia de bucles espacio-temporales, como agujeros de gusano, en los que se entra y, sólo quizá, se sale. En este caso, el relato nos cuenta cómo un vagón de metro desaparece en pleno Buenos Aires sin que nadie pueda dar una explicación a dicho suceso; un científico, desarrollando teorías matemáticas, dará con una posible respuesta... sólo que humanamente inconcebible. Volviendo al comienzo de esta reseña, MOEBIUS, con su inexistente presupuesto, con la colaboración desinteresada de veteranos como Roberto Carnaghi, y una aplaudible falta de prejuicios, prefiere optar por el relato oral, contarnos el "cómo" para que nosotros imaginemos el "qué". El resultado es una película modesta, pequeña, pero que es capaz de mantenernos con la curiosidad suficiente hasta su brillante final, como aquellos seriales radiofónicos con los que nos dormíamos hace no demasiado tiempo.
Saludos en pasado-presente...

Drift study

2012-01-26T15:50:00.002+01:00

Sobrevivir

2012-01-25T14:23:00.000+01:00

Una de las filmografías que de manera más interesante ha abordado el muy manido tema de la Segunda Guerra Mundial y sus derivantes ha sido la polaca. Muchos directores son los que, incluso hasta nuestros días, han dado su particular visión, descubriendo esos rincones oscuros de la Historia, especialmente en los referidos a la cruenta ocupación nazi en dicho país. Uno de los nombres más importantes es (sigue siendo) Andrzej Wajda, que lejos de ensayar calculadas demagogias ni ternuristas hagiografías, transitó durante varias décadas un cine del compromiso desde la exploración del talento cinematográfico. Producto de ello surgieron multitud de títulos con los que aquellos jóvenes cineastas se dieron a conocer desde principios de los cincuenta; y uno de los más significativos fue POKOLENIE, en la que se narraban las dificultades de un grupo de jovenzuelos para subsistir en plena ocupación, mientras iban forjándose una identidad propia. Casi como si de unos "rebeldes" polacos se trataran, lo que interesa a Wajda es, sobre todo, la distancia corta, el psicologismo de unas actitudes que van endureciéndose paulatinamente, a medida que la muerte marca el punto de no retorno mediante el que la niñez desaparece y da paso a una repentina madurez. Con algunas escenas magistrales, como el primer asalto al tren, o la escalofriante y larguísima persecución final, POKOLENIE, pese a haber quedado olvidada, como la mayoría de la interesantísima filmografía de su autor, es uno de esos títulos clave, insisto, no sólo como disfrute de dicha filmografía, sino para entender el devenir del cine polaco (y europeo) posterior. Como curiosidad, una de las primeras apariciones de un jovencísimo Roman Polanski en el reparto; uno ve THE PIANIST, su segundo tramo, y no puede evitar evocar al maestro Wajda...
Saludos desde la resistencia.

Mi degeneración

2012-01-25T13:28:00.000+01:00

Al pasado

2012-01-24T15:01:00.001+01:00

El asesinato de Aldo Moro es un asunto que fuera de Italia (y puede que incluso allí mismo) ha ido quedando paulatinamente sepultado por la arena del tiempo y el olvido, curioso por lo que de actual tiene ahora mismo. Su mezcla de absurdas obviedades, desconocimiento reivindicativo y chapucería institucional dejó, sobre todo, un mártir y unos cimientos para el camino de corrupción política que la república italiana ha transitado desde entonces. En este sentido, y teniendo en cuenta que existe un precedente magnífico dirigido por Marco Bellocchio llamado BUONGIORNO, NOTTE, no parecía muy necesario un mamotreto de tres horas para la televisión, fundamentalmente porque su extensión en este caso no es sinónimo de mayor hondura explicativa. ALDO MORO, IL PRESIDENTE es un buen ejemplo de cómo no aproximarse a un hecho histórico controvertido, que no es con rigor sino con elementos propios que hagan más inteligible lo que entonces (y aun ahora) fue un complot en toda regla. Moro fue un democristiano de magníficas ideas conciliadoras, que se desvivía por la promoción de la cultura y pactaba con comunistas sin ningún reparo; un tipo del renacimiento que nació en el momento y el lugar equivocados y se topó con una trama rastrera y sanguinaria que terminó con su vida ante el estupor de una nación entera. El problema de este extenso telefilm, aunque va caramente de menos a mas y tiene algunas interpretaciones bastante aceptables, es que toda esa emoción y vértigo informativo apenas trasciende, sino que se queda como una de esas recreaciones cutres que durante un tiempo fueron las estrellas de la programación de las televisiones privadas. Mejor la de Bellocchio, francamente.
Saludos magnicidas.

Blow dem hoes up

2012-01-24T13:46:00.002+01:00

Pasteles y circo

2012-01-23T10:34:00.000+01:00

Finalmente hubo de cumplirse lo que se anunció aquí hace un tiempo respecto a AZULOSCUROCASINEGRO, no podía ser de otra forma. Me refiero a la capacidad de la mayoría de directores de nueva hornada de este país para disfrazar la nada narrativa con trapitos provenientes de las teleseries de mayor éxito ¿Acaso películas como PRIMOS o GORDOS podrían haberse hecho sin la materia lábil de "Cuestión de sexo" o la premura del gag de "Aída"? Lo que "parece" un tratamiento más madurado, elaborado y concienciado de las amarguras del españolito medio de principios de siglo no es más que la infalible continuación de aquel cine de españolada y hormona desbocada que comenzó a darse rienda suelta a sí mismo cuando se empezó a considerar a Berlanga un peligro por inteligente. Hacernos pasar un canto a la autoindulgencia como poema a la normalidad (yo lo llamaría normalización, que es otra cosa mucho más peligrosa y ambigua) no me convence; no me convence ver a personas cuyos problemas son exclusivamente los que dicta el guion de turno ¿Que hacemos una película sobre gordos? Entonces no hay nada más allá de dietas, ejercicios, aceptación del otro y de uno mismo y, claro, un surtido de estereotipos que, para compensar lo de la normalización, abulta el cotarro como "canto a la diferencia". GORDOS es una fruslería que no le hace daño a nadie, que no aporta nada interesante a la historia del cine y cuyas imágenes tienen un grado de conservadurismo incomprensible teniendo en cuenta el tema que trata. De nuevo ha de ser Antonio de la Torre quien salga al rescate con su portentosa interpretación, tan creíble como excesiva; su amplio registro no permite encasillar a su personaje, y lo hace brillar con algo que tanto se echa de menos y que solía llamarse talento. Ya digo, se ve y se olvida con la misma facilidad, y su frío tono satírico permite incluso pensar en otras cosas mientras tanto... Signo de los tiempos...
Saludos bajos en grasas.

Fatso forgotso

2012-01-23T09:38:00.000+01:00

Rincón del freak #52: El porqué de tener un reloj y mandarse a paseo a uno mismo

2012-01-22T12:15:00.000+01:00

El asunto es como sigue: Un tipo se despierta y hay otro apuntándole con una pistola. No sabe por qué. Luego resulta que algo pasa en otro sitio y por eso hay que matar a este tipo... Sale Alfonso Freeman, que sinceramente no tengo ni pajolera idea de qué le toca a tito Morgan, y luego un BMW X5 muy chulo y gente con trajes, gafas de sol y pinganillos que se cuelan en las casas de los demás supongo que para justificar gastos. Normalmente, para pegarte una parrafada de diez minutos sosteniendo una pistola o eres Samuel L. Jackson o Steve McQueen, si no es mejor que digas algún chiste con gracia y pases a las granadas de mano. Ésta es otra de esas cosas de saldo que yo me trago de vez en cuando y que me empujan después a una sórdida espiral de autodestrucción etílica; atiende al nombre de TEN 'TIL NOON y pretende hacernos pasar por ingenioso un guion que parece escrito por el cuñado de "El Bigotes". Ya digo, no tengo ni idea de qué diantres contaba, excepto que a todo el mundo le da por pegar tiros y llevarse maletines de urbanización a urbanización. Lo único decente es el traje de chaqueta, de color gris, que viste una señorita llamada Jenya Lano, cuyo currículum visual pueden degustar en la red a su antojo. Es decir, que no la vean y que empleen esa hora y media en recoger la cosecha de guisantes o desglosar las cuentas de Noos Inc. Una pasada, vamos...
Saludos a las doce y cuarto...

The noon witch

2012-01-22T11:53:00.002+01:00

Un posible buen comienzo

2012-01-21T11:56:00.000+01:00

Se podrá decir todo lo que se quiera decir (o todo lo que se pueda, antes de que te lo censuren) sobre TODAS LAS CANCIONES HABLAN DE MÍ, culparla de un montón de males que atañen al estado del cine español y tildarla de "absurda, pretenciosa e inmadura". Vale. Pero lo que no se puede negar es que la ópera prima del hijo de Fernando Trueba, aun con su impúdica exhibición de tics perfectamente aprendidos, fundamentalmente provenientes del cine francés y del de Woody Allen (especialmente éste), consigue un par de cosas que a mí me parecen importantes estando en el país en el que estamos. Lo primero es desplegar unos diálogos ágiles, ingeniosos y bien trabajados, donde los lugares comunes son perfectamente conscientes de serlo y cada escena lleva a otra donde no tenemos la sensación de haber estado antes. Lo segundo es envolver con aquello que antaño conocíamos como "la magia del cine" lo que de otra forma hubiese quedado como una burda sitcom televisiva. TODAS LAS CANCIONES HABLAN DE MÍ es más forma que fondo, lo reconozco; pero su forma presiona resortes, encandila con sus diabólicas dobles intenciones y además fía casi todo el sentido de su existencia a un personaje que, si por mí fuera, merecería ser manoseado incontables veces en trabajos posteriores; efectivamente, a la manera de Antoine Doinel. Aquí no verán "wassaps", "cibers" y zarandajas en las que andan metidas estas generaciones actuales, la juventud de Jonás Trueba, la que ahora queda a un paso de la treintena, se mueve por librerías y cafés donde fuman y discuten de películas y libros; jóvenes con bufanda que no saben bailar y suplen sus inseguridades con una arrogancia intelectual que les hace encantadores en su desfachatez sentimental. De cama en cama, y sin saber muy bien cómo ocurre tal cosa, Ramiro intuye que la aventura va ya tocando a su fin, lo que se nos va indicando en los desastrosos encuentros con antiguos amores y, sobre todo, en la escena final, mucho más arriesgada de lo que parece y cuyo fundido no es visual sino sonoro. No busquen una película excelente, eso pídanselo a los que llevan rodando diez o quince años, simplemente disfruten con una peliculita que parece salida de otro tiempo y otro lugar, nunca de esta cinematografía nuestra tan gris y monótona. Y si no ¿cómo diablos creen ustedes que empezaron a formarse los que ahora se jactan de "viejos cinéfilos"?...
Todos los saludos son para ustedes.

Young folks

2012-01-21T11:11:00.000+01:00

Prodúceme

2012-01-19T19:30:00.000+01:00

A apenas cuatro años de su estreno, una de las conclusiones (prácticamente la única) que con más persistencia sigue suscitando WHAT JUST HAPPENED? es que es casi imposible saber a dónde quiere ir a parar su guionista primero, el productor Art Linson, y su director, Barry Levinson, después. Porque en un juego metatextual (que en el plano planteamiento del film simplemente no existe, y no creo que ni se haya llegado a barajar como posibilidad) no nos queda muy claro si se trata de una (extraña) venganza del propio Linson hacia un business system hollywoodense que, suponemos, no le permitió auspiciar los proyectos que a él le hubiesen parecido más decentes. Por otra parte, y teniendo en cuenta el tono general de comedia (y la definición se me acaba de ocurrir: imaginen una comedia dirigida por Apatow con casi setenta años...), a lo mejor se trata de una broma privada, demasiado intrincada para ser entendida por nosotros, simples mortales que sólo (jeje) podemos aspirar a "pagar una entrada de cine". Aunque, finalmente y para no dedicar mucho más espacio y tiempo a lo que no lo merece, lo que con más fuerza acaba resonando tras sus eternas dos horas es algo aparentemente tan raquítico como esa vieja leyenda del lobby judío, puede que arrinconado tras varias décadas de esplendor y hasta omnipotencia en el olimpo dorado del séptimo arte. Ya saben, no me lo tengan en cuenta; una reseña diaria desde hace casi cuatro años nos llena de dobleces, la mayoría de ellas infundadas... En fin, a lo mejor es que la película es mala de narices... y punto...
.ברכות

Star

2012-01-19T18:50:00.002+01:00

Calculada naturalidad

2012-01-18T19:36:00.000+01:00

Wayne Wang es uno de esos directores perfectamente asentados entre la industria y la independencia (con más de la primera que de la segunda) y que no necesita demostrar gran cosa a estas alturas. Sea esto mejor o peor, la cuestión es ¿qué película puede (y el verbo ha de ser necesariamente este) hacer ya el director de origen hongkonés? Es curioso comparar sus dos últimos films para borrar de un plumazo cualquier tentación de duda. La que hoy nos ocupa, A THOUSAND YEARS OF GOOD PRAYERS y la muy reciente SNOW FLOWER AND THE SECRET FAN; incluso, en menor medida, la fallida y confusa THE PRINCESS OF NEBRASKA. Y esto es dar cuenta de cómo y cuánto ha supuesto la integración de la comunidad china en Estados Unidos con una visión demasiado respetuosa para ser sarcástica y manteniendo una especie de fe inconmovible por "lo tradicional", sin que existan grandes traumas ni fracturas por ello. La mínima, casi aséptica historia de Yilan, que recibe a su padre, recién jubilado, parece prometer mucho más de lo que finalmente ofrece; Yilan se acaba de divorciar y su padre, evidentemente, es incapaz de concebir un asunto tan nimio en nuestra cultura. Esto, unido a "lo bien" que se integra el señor Shi en un sitio tan radicalmente distinto al suyo es, prácticamente, el menú mediante el que Wang quiere contarnos... no sé exactamente el qué, a menos que su tibieza estructural se invista (y esto ya es más preocupante) de los sosos oropeles de la autoayuda más convencional. Todo es demasiado previsible y demasiado machacón, la hija no llega a arrepentirse pero "aprenderá una valiosa lección", mientras el paciente e hierático señor Shi comprobará de primera mano que el american way of life no es el mejor de los caminos, pero es, al fin y al cabo, un camino como cualquier otro. Es decir, hora y media después nos seguimos preguntando si merecía la pena tanto esfuerzo conceptual para un par de apuntes a pie de página.
Mil saludos.

Daughter

2012-01-18T19:00:00.002+01:00

Reciprocidad perfecta

2012-01-17T19:12:00.000+01:00

En 1997, Straub y Huillet registró uno de sus trabajos más originales e intensos, nada menos que la "captación" (el vocablo puede o no estar acertado, pero es fiel a más no poder) en pulcro Blanco y Negro de la ópera de Schoenberg VON HEUTE AUF MORGEN. Con un único escenario y concebida en el transcurso de una noche y parte de la mañana siguiente, la ópera narra las crudas confesiones escupidas en tono ascendente de un matrimonio acomodado; mientras la mujer va desgranando amargamente sus insatisfacciones y decepciones, el marido la escucha escéptico y un poco divertido, convencido de que se trata de algún desarreglo hormonal típico del sexo débil. El enfrentamiento se recrudece y termina por dejar claro que la mujer va a abandonar a su marido (y por tanto la supuesta comodidad de su vida) por un amor apasionado y que le devolverá su juventud perdida. Sustentada en el barítono Richard Salter y la soprano Christine Whittlesey, VON HEUTE AUF MORGEN podría concebirse desde distintos frentes; o bien una ópera que sirve a los intereses del soporte cinematográfico, o un ensayo plenamente activo acerca de la vigencia del dodecafonismo, e incluso algo más complicado; quizá una declaración de intenciones, igual de vehementes y rupturistas, sobre la ilimitada capacidad de la imagen filmada como vehículo esencial de hibridación. Sea como fuere, se trata de una hora absorbente, sorprendente y que aporta un brío inusual a lo que, de una manera u otra, damos en llamar (y puede que no nos equivoquemos) "cine".
Saludos insomnes.

Twelve tone tune

2012-01-17T18:38:00.000+01:00

La pintura pensada

2012-01-16T18:30:00.000+01:00

Dicho en muy pocas palabras (tampoco son necesarias muchas más), CÉZANNE, de Jean-Marie Straub y Danièle Huillet, es más un elogio sentido y descarnado hacia la obra de dicho pintor que cualquier análisis concienzudo sobre la misma. Bien, muy bien; y una alegría también para longitudinales estudiantes de arte, que encuentran en apenas 45 minutos algunas de las claves de por qué, según una mirada desprejuiciada, el color, la forma y el espíritu se conjuran en una belleza desnuda pero difícil de describir. Son palabras e imágenes, algunas reales, filmadas; otras simplemente cuadros, composiciones. Y en el otro extremo, el cine, o la fotografía, la correspondencia entre distintas disciplinas. Aparece el propio Cézanne encerrado en un cuadrado, como pensando qué pintar (y qué no), mientras las palabras se suceden como inmanentes de dicha imagen; los cineastas exploran, bastardean con el cine de Renoir (tan de Cézanne...), y regalan algunos minutos de su MADAME BOVARY, lo "exponen" más allá de su propia explicación. CÉZANNE es, finalmente, una alegría imparable, una celebración sin estridencias que compila algunos datos pero prefiere, radicalmente, mantenerse firme en su absoluta subjetividad cognitiva. Y para el espectador, aparte de una revelación, 45 minutos de inteligencia comprimida... Y de verdad que no es poco.
Saludos impresionistas.