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Acordes para Guitarra en pdf

2012-10-28T13:52:00.001-04:30

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Tecnicas de Microfoneo

2011-12-01T14:26:00.000-04:30

Tecnicas de Microfoneo

Ya tenemos los conceptos basicos, ya conocemos algo de microfonos. Es hora de ver que hacemos con todo eso.

Bateria

Partamos de la base de que queremos grabar una cancion rock/pop. Seguramente habra una bateria acustica, asi que vamos a empezar por eso.
La toma de una bateria es la parte mas dificil de la grabacion, a nivel de un demo ó de una grabacion profesional ya que son muchos instrumentos que hay que grabar al mismo tiempo, es aqui donde entra en juego nuestra habilidad como ¨tecnicos¨ y la capacidad de nuestros equipos.

Lo ideal seria disponer de un minimo de ocho canales dedicados unicamente a la bateria:

1 - Bombo
2 - Redoblante
3 - Hi Hat
4 - Tom 1
5 - Tom 2
6 - Chancha
7 - Platillos 1
8 - Platillos 2

Claro que para lograr esto, deberiamos tener por lo menos de una consola con un minimo de 8 buses o direct outs y una placa de sonido con 8 entradas analogicas para poder grabar de una sola toma 8 pistas.

Queridos mortales, a no desesperar. Muchos de los discos que escuchan en casa seguramente estan grabados de esa manera, pero muchos otros (anteriores a la decada del 70) fueron grabados con muchos menos recursos, pero con mucho mas ingenio. ¿Quien no tiene como preferido algun disco de los Beatles? por ejemplo.

Entonces, ¿Como podemos microfonear nuestra bateria?

Algunas formas podrian ser estas:

Con el set de bateria ya armado, nos abocamos a ubicar los microfonos.
Si solo disponemos de 2 entradas en nuestra consola y 2 pistas por toma:
Lamentablemente, esta es la forma mas rudimentaria de tomarla, pero por lo menos podemos armar una imagen estereo del set.
Ubicamos los microfonos tratando de dibujar un triangulo imaginario entre los dos microfonos y el baterista, claro que aqui hay que ir probando diferentes ubicaciones hasta encontrar un balance entre todo el set.

Si disponemos de 4 entradas en nuestra consola y 2 pistas por toma:
Aqui la cosa cambia bastante, podemos colocar un microfono en el bombo, en el redoblante y otros dos formando una imagen estereo para captar tambien los platillos.
Podemos hacer grabaciones previas para nivelar los volumenes finales antes de hacer la toma definitiva.

Si disponemos de 4 entradas en nuestra consola y 4 pistas por toma:
Con este setup ya podemos hacer una toma de bateria mas que digna ya que vamos a microfonear el set de la misma manera que en el ejemplo anterior, pero con la posibilidad de hacer retoques en la mezcla de cada una de las cuatro pistas individuales. Esto incluye manejo de volumen, equalizacion, correcciones, etc.
Para disponer de 4 entradas en tu PC, necesitas una placa con multiples entradas ó en su defecto, lograr que dos placas de sonido no creen conflicto una vez instaladas en la maquina. De esa manera se puede ingresar a la PC con 4 señales independientes. Recorda que las placas de sonido hogareñas poseen 1 entrada estereo (2 señales).

Bajo

Siguiendo con la estructura tipica de una grabacion, seguimos con los instrumentos que conforman la base del tema.
El bajo electrico por lo general se graba directamente por ¨linea¨, esto significa que se ingresa directamente en la consola pasando por el equipo amplificador.
Igualmente si lo deseamos, podemos experimentar colocando un microfono enfrente del parlante del equipo amplificador de bajo, de esta manera se logra un sonido mas lleno, ¨gordito¨ pero se pierde un poco de la definicion que da grabarlo por linea.
Si queremos experimentar un poco mas aun, podemos mezclar las dos señales hasta obtener ¨ese¨ sonido que buscamos.

Guitarras

Definitivamente se graban con un microfono enfrente del parlante.
Hay gente que insiste en grabar guitarras por linea con preamplificadores, direct box y otras parafarnalias que personalmente y a la gente entendida nunca terminan de convencer.

Cuando se toma un equipo con un microfono, actua el aire que los separa. La cuestion es buscarlo hasta que este juegue a nuestro favor. Las guitarras grabadas por linea, suenan mas flacas, electronicas, sin vida.

Obviamente, en un demo no es cuestion de lograr un sonido grosso, es cuestion de conseguir un sonido general aceptable que permita apreciar la cancion que estamos tratando de mostrar. Pero siempre que este a nuestro alcance, se deben tomar con un microfono.

Teclados

Lo mas simple de todo. Por linea y se acabo.
Solo debemos tener la precaucion de no saturar la entrada nivelando el volumen de nuestro mixer.

Voces

Otro de los temas dificiles. Digo dificil porque seguramente no disponemos de todos los medios deseados para grabar una voz humana.
El tema aqui es probar y probar. Probar todos los microfonos que podamos conseguir, probar distintas ubicaciones, etc.

Lo que es imprescindible es un ¨pop stoper¨. Ese redodelito de media que vemos en los cantantes en los videos musicales donde simulan estar en el estudio de grabacion. Ese adorable adminiculo nos filtra todos los P que chocan contra el microfono probocados por la expulsion de aire cuando se pronuncia la letra P ó B durante la grabacion de la voz.
Si aun despues de usar el pop stoper nuestro querido cantante deja registrado algun P, les recomiendo ubicar el microfono en un angulo un poco alejado de la boca.

Hasta aqui llegamos con las tecnicas de microfoneo, recuerden que esto es un granito de arena comparado con todo lo que se puede hablar sobre el tema.

Esperamos que se de utilidad y que despierte la ansiedad de seguir buscando informacion por todos nuestros medios.

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Clases de Canto Respiracion (DIAFRAGMA)

2011-08-21T22:12:00.000-04:30

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Clases de Canto Respiracion Adecuada para cantar - Costo diafragmatica

2011-07-27T08:15:00.000-04:30

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2011-06-28T12:23:00.002-04:30

2011-06-28T12:21:00.002-04:30

¿Por qué debes calentar tu voz antes de cantar?

2011-03-04T19:03:00.000-04:30

Mientras que cantar puede ser celestial, la producción vocal en si misma es una experiencia bien terrestre, requiriendo destreza atlética y arte. Como cualquier atleta sabe, un calentamiento es esencial para un buen desempeño atlético y para proteger los músculos de posibles lesiones. ¿Por qué deben calentar los cantantes?

Nadie esperaría que un gimnasta se levante y haga unos cuantos saltos mortales luego de una pesada comida, pero cantantes que son invitados a cenas de placer, frecuentemente son llamados a ejecutar "en el acto" después del postre y el café.

El cantante sabio rechazará cortésmente el pedido, en lugar de revelar su producto vocal en crudo, el cual es además dificultado por un estomago hinchado! El calentamiento permite al cantante estar en contacto consigo mismo física y psicológicamente y experimentar esa inestética conciencia de uno mismo la cual es el fundamento de una técnica vocal segura.

Dándose el tiempo para calentar...

Idealmente, el proceso de calentamiento debería ser calmado... na pausada auto exploración que permita un tiempo adecuado para una gradual distensión y coordinación de incontables músculos, grandes y chicos, los cuales contribuyen en la producción vocal.

El calentamiento vocal puede ser una experiencia divertida, casi comparable a un placentero masaje. Desafortunadamente, a menudo el cantante suele calentar apresurado justo antes de un ensayo, francamente tratando de aprender su música al ultimo minuto. La presión del "poco tiempo" resulta en tensión física y mental, el la sesión de calentamiento se torna algo difícil, poco productivo e inefectiva.

El Procedimiento de calentamiento:

Los cantantes desarrollan regímenes distintivos apropiados para sus necesidades personales, estos pueden variar considerablemente con cambios en el aspecto físico, mental y emocional. Sin embargo, la consistencia en la metodología general es muy beneficiosa. Muchos cantantes comienzan calentando el cuerpo entero con varios ejercicios físicos.

Esto ayuda a aliviar la tensión muscular que interfiere con la producción vocal, así como estimular la respiración profunda la cual es necesaria para un buen soporte de la voz. Los músculos de articulación que incluyen la mandíbula, lengua, labios y el paladar suave pueden relajarse con ejercicios apropiados, los cuales pueden ayudar para activar el fluido de aire del cantante.

Antes de comenzar a explorar el potencial diario para resonancia vocal El cantante debe estar relajado y vital.

Si el cantante esta fatigado o no se siente bien le será necesario energizarse para que pueda proveer un adecuado aporte de aire al cantar. Ejercicio de calentamiento: es sabio comenzar vocalizando en el rango mas confortable de la voz, el Rango-Medio, y gradualmente ir expandiéndose hacia tonos mas altos y mas bajos.

Las notas altas(Vibración mas rápida de las cuerdas vocales) Se debe vocalizar diciendo "mmmm" continuo y en una tonalidad media y cómoda.

Luego se debe decir "me" - "me" - "me" - "me" atribuyendo una nota más alta a cada sílaba. Requerirá un sustancioso y regular fluido de aire e incrementar el espacio faríngeo. Las notas bajas, las cuales utilizan un modo mas "pesado" de vibración cordal (vibración de masa pesada) también requiere un soporte apropiado.

Estudios biomecánicos recientes en The Center for Óbice Disorders (Centro para Desordenes Vocales) indicaron que cantar en los extremos tonales, -- ambos, altos y bajos del rango vocal - pueden tensionar los músculos laringeos y puede resultar en un indeseable (y potencialmente dañino) patrón de tensión muscular. Por consiguiente, es de un buen sentido común evitar los "altos extremos" de la voz hasta que se hizo un buen trabajo de calentamiento.

En el rango-medio, el cantante puede comenzar, de manera segura, su búsqueda diaria de ajustes en el tamaño y forma de la faringe. Considerando las incontables configuraciones posibles del tracto vocal, El proceso de desarrollar un tono resonante es desafiante hasta para profesionales maduros.

La mayoría del proceso de calentamiento del cantante se debe al objetivo de obtener un hermoso timbre vocal a través del uso de una enorme variedad de gimnasia vocal Finalmente, el cantante probablemente haga tests de las transiciones de su registro vocal durante el calentamiento o Warm-up. Ejercicios que "mezclen" los registros del "pecho" (ajuste laringeo "pesado") y de la "cabeza" (ajuste laringeo "liviano") "Resonancia craneana", eventualmente producen un passaggio pulido, resultando en un tipo de "escala" desde la "base" hasta la "cima" del rango vocal.

El corredor de larga distancia pasara gran cantidad de tiempo elongando y masajeando sus músculos después de una maratón, y asimismo el cantante que se superó a si mismo debería "Distender" su voz con ejercicios que calmen (vocalizando "ooooh, por ejemplo). Si el cantante ha estado usando una voz "tirante", es de gran ayudar cantar en el registro de la "Cabeza" (Resonancia Craneana), el cual estira las cuerdas vocales y alivia la tensión en la laringe causada por el "Ajuste Pesado" o vibración de masa pesada.

Preparando tu cuerpo para cantar.

Como cualquier instrumento musical necesita cierta preparación para funcionar o sonar correctamente, tu cuerpo, que es tu instrumento de canto, debe también tener una preparación previa para estar en perfecto estado antes de comenzar cualquier práctica o ejecución del canto...

Es de vital importancia despejar todo tipo de tensión o strees físico y mental para evitar caer en errores típicos como el tener que esforzarse para producir ciertas notas y todo producto de una ejecución mal encarada desde el principio.

TODO cantante o estudiante de canto necesita relajarse, relajar los músculos del aparato vocal, estar en calma un momento despejar la mente y focalizar solo la actividad que se dispone a realizar... CANTAR!

Quien ha experimentado esa sensación de liberación y tranquilidad sabe de lo que estoy

hablando y el efecto placentero que esto produce en el organismo.

Tal cual el guitarrista afina su instrumento para que este esté templado y listo para la ejecución el cantante debe "afinar" su instrumento musical, el cuerpo, para poder dar el máximo posible al momento de cantar.

El tener el cuerpo "afinado" y listo producirá un sentimiento de dulzura y satisfacción al ver que la ejecución sale como se esperaba o aún mejor...

¿que es adorar?

2010-11-03T21:17:00.000-04:30

CÓMO LOGRAR UN BUEN SUSTAIN

2010-10-19T23:22:00.000-04:30

Cómo lograr un buen sustain.

El sustain o nota sostenida es uno de los recursos mas utilizados durante una ejecución y merece un capitulo aparte en nuestro mini-curso.
Seguramente alguna vez habrás escuchado esos cantantes que tienen un envidiable tono al cantar y logran mantener las notas altas durante un tiempo que a veces parece digno de un prodigio...

Bien déjame desmitificar el mito...

No hay ninguna magia detrás de ellos, solo unas cuantas y provechosas horas de entrenamiento vocal con un buena técnica.
Aquí te daré solo una de ellas para que en tu iniciación siguiendo nuestro mini-curso no te pierdas este valioso recurso que enriquecerá tu voz aun más.

Primeramente, si estas leyendo este ejercicio sin haber entrenado y conseguido cierto control de tu respiración como te enseñamos en la clase 3 de este mini-curso te recomiendo que primero hagas aquellas prácticas y luego de un período de entrenamiento ejecutes las de esta lección, de lo contrario todo lo que aquí te presentamos te resultará algo más que difícil de conseguir o ejecutar.

Ejercicio 1:Tal y como vimos en la clase 3 sobre respiración controlada, aquí necesitaras un reloj que posea segundero para poder seguir estos ejercicios.
Bien, primeramente ejecutarás una nota que te sea fácil de producir que no se encuentre en un extremo de tu registro vocal para no exigir doblemente a tu órgano vocal, al cual estamos educando.
Estando de pié di meeeeeeee! y mantenlo durante el mayor tiempo posible leyendo cuantos segundos tardaste, esa información la volcarás luego a una tabla que tendrá 4 columnas con los siguientes datos  Nota - silaba - segundos - observaciones
Con respecto a la nota sería ideal que consiguieras cualquier instrumento con el que puedas monitorear y comparar la nota inicial de tu entrenamiento.

Esto servirá luego para llevar un registro de los avances adquiridos durante el transcurso  de los días de entrenamiento y puedas ver el nivel que tenías al comenzar y el que posees  luego.
Si no dispones de un instrumento musical como, por ejemplo un pequeño teclado o guitarra puedes utilizar uno virtual desde tu PC. Has una búsqueda en la red por instrumentos virtuales, piano virtual, etc. Hay gran variedad y gratuitos.

Bien, volviendo al ejercicio una vez que sientes que tu aire se acaba simplemente detén la nota súbitamente. Nunca trates de estirar el tiempo del sustain por llegar a un numero redondo de segundos o por querer durar más aun, el tiempo de sustain se irá incrementando gradualmente a medida que pasen los días y tu constancia con los ejercicios sea regular.

Es muy común entre los alumnos verles poner caras enrojecidas por intentar superar al que tienen al lado. Nada más erróneo y perjudicial.

El ejercicio debe ser hecho a conciencia, ya que es tu voz la que estamos trabajando y no hay repuestos de ella en ninguna casa de música del mundo verdad? Así que debes cuidarla como si tuvieras oro en tus manos.
TU VOZ ES ÚNICA Y SEGURAMENTE LE AGRADARÁ A MUCHA GENTE CUANDO ELLA ESTÉ LISTA PARA CANTAR.
Fíjate cuanto tiempo ha durado tu primer sustain. Escríbelo en la tabla el campo observaciones es para que tu escribas cualquier cosa que hayas experimentado y te llamó la atención, por ejemplo al final de la nota, aun cuando tenía aire la nota carraspeo un poco, me dolió el cuello, la voz modulaba un poco.
Esto sirve para crear un patrón de comparación y si el mismo inconveniente surge en cada sesión entonces deberás trabajar sobre ese aspecto. 
La nota debe salir lo más continua y constante en cuanto a la relación tono / volumen.
Una vez que llenaste los datos de la primer sesión harás unas inhalaciones profundas, recuerda... respiración baja, sin levantar los hombros.

Ejercicio 2:  Ahora reitera el ejercicio pero controlando la presión de aire, no derroches aire, muchas veces se exhala más aire del necesario para producir la nota y allí radica uno de los problemas de un sustain defectuoso o corto. Alguien una vez luego de conseguir un sustain de cerca de un minuto me dijo... "sabes, cuando lo hice sentí como si hubiera "trabado" el diafragma en un punto x y de allí pude tener pleno control del aire y por eso pude lograrlo, el diafragma solo regulaba el caudal de aire necesario para la nota como si tuviera una válvula reguladora..."
Como ves cuando comprenden la técnica, cada uno tiene una experiencia diferente o se hace un imagen mental diferente pero el efecto final es el mismo.
Ok ahora en la misma tonalidad del ejercicio anterior di: Meeeeee! 2,3,4,5,6,7,8,9,10,11,12.....??
Cuanto duró esta vez 9 de 10 que duró más que el anterior.
Si no fue así revisa tu técnica, estas derrochando mucho aire. Repite este ejercicio 4 veces y anota los resultados... si deseas hacer más sesiones en esta tonalidad puedes hacerlo solo que procura descansar unos minutos cada 4 sesiones.

Ejercicio 3: Ahora vamos a repetir el ejercicio anterior pero un tono más alto, por esto es necesario un instrumento musical de guía sonora. Siempre diciendo "meeeeeeeee... " tomando el tiempo y anotando los resultados en la tabla.

Al ir incrementando la tonalidad se incrementa también la dificultad para mantener los tiempos de sustain pero eso no debe ser motivo de desánimo o abandono sino que lo debes tomar como un desafío a vencer u objetivo a conseguir, la mente y la actitud tienen mucho que ver en esto.

Cuando se está produciendo la nota debes ir "desinflando el vientre" muy suavemente y de manera continua, para buscar un elemento de comparación puedes asociarlo con dejar escapar el aire de un globo tomándolo por su boca, se puede oír un sonido agudo y chirriante pero si se tiene destreza con la manipulación del orificio de escape se podría conseguir un sonido constante y fluido. Lo mismo sucede con tu voz.

Variación del ejercicio:  Puedes realizar una variación sobre cada ejercicio UNICAMENTE cambiando la sílaba de vocalización que terminen en las distintas vocales tanto abiertas como cerradas.
Inténtalo con Laaaaa.... , Doooo..., Miiiiiiii..., Tuuuuuuu..., y con vocablos ingleses como Youuuuuuu..., Niiiiiight, Dayyyyyyy.., Gooooood...

Combinando esta técnica con la de la clase 8, "vibrato diafragmático" podrías conseguir un sonido vocal profesional.
Y ten presente que construir un atleta lleva trabajo y dedicación lo mismo ocurre con el canto pero una vez que se alcanzan los objetivos a cumplir en cada lección las satisfacciones son infinitas.
Bien, espero que este simple pero efectivo ejercicio te ayude a conseguir ese tan preciado sustain y poder sorprender a tus amigos y familiares la próxima vez que te oigan cantar.
Consejo Final: no intentes escalar 5 o 7 tonos en un día pues solo conseguirías un gran sentimiento de frustración al ver que no lo consigues, el cual es negativo para tu proceso de estudio. Más bien avanza solo de a un tono y explora todas las variantes que el mismo te puede ofrecer... verás que son casi infinitas y además genera una inyección anímica que te dejará listo y expectante para tu rutina del día siguiente.

Recuerda: "La práctica hace al maestro..."

CÓMO LOGRAR VIBRATO DIAFRAGMÁTICO

2010-10-19T23:20:00.000-04:30

Cómo producir el vibrato diafragmático.

Para realizar una gráfica definición del vibrato de diafragma primero debo aclarar que éste puede combinarse con el vibrato de garganta para un buen propósito.  Si bien el vibrato suele producirse por naturaleza a quien practica canto no todos logran conseguirlo tan fácilmente.
Para obtener lo que se conoce cómo vibrato diafragmático, usa ésta técnica:  Simple pero efectiva.

Trata de jadear como perro - tu sabes, esa respiración veloz de inspiración y expiración que los perros hacen usualmente.
Siente tu intestino moviéndose hacia dentro y fuera justo debajo del arco de tus costillas.

Este es el movimiento que produce el vibrato diafragmático.

Solo que tu deseas hacerlo mientras expiras el aire al cantar. Prueba tomando una profunda y larga inspiración y déjala salir comenzando a fraccionarla en pequeñas ráfagas.

Deja tu garganta totalmente relajada y haz esto repitiendo los mismos pequeños movimientos de intestinos que produce al imitar la respiración de un perro.

Toma agua durante las sesiones pues este ejercicio deshidrata órgano vocal.

Prueba con tonos que te queden cómodos a tu voz nunca fuerces tu garganta, si la notas tensa, primero relájala vocalizando con la letra M "mmmmmm...."
Y luego intenta producir el vibrato diciendo Dooooo, Meeeeeee, Laaaaa. Etc.

Luego de un tiempo de práctica notarás que es relativamente fácil conseguir el vibrato diafragmático.

TÉCNICA DE VIBRATO.

2010-10-19T23:19:00.000-04:30

Posiblemente la técnica más usada en los instrumentos de cuerda a lo largo de la historia...así que en guitarra eléctrica no podía ser menos...
Vibrar consiste en darle una ligera oscilación a la cuerda mientras la nota suena. Dependiendo de cómo realicemos la oscilación, obtendremos distintas modulaciones sobre el sonido, lo cual abrirá enormemente nuestras posibilidades de cara a una buena interpretación.

¿Moderno o Clásico?

Como siempre, existen distintas tendencias de vibrar notas, aunque quizás se podrían englobar en dos tipos claramente diferenciados según el movimiento de la mano izquierda, tal y como se muestra en las imágenes inferiores:
La figura número 1 muestra la técnica de vibrato usada en guitarra de rock, que realmente, es muy parecida a los bends, el movimiento descrito por la mano es igual, salvo que cíclico y de menos recorrido que en un bend. Al igual que con las flexiones, es conveniente que te ayudes de los dedos que estén por encima del que pulsa la nota, así obtendrás más control sobre lo que suena.
A diferencia del anterior, en este, se ancla el dedo en la nota que se desee vibrar, y se mueve ligeramente la mano de forma cíclica, procurando mantener el dedo inmóvil.
La modulación que se obtiene con ambos tipos de vibrato es ligeramente distinta, pero igualmente válida, así que practica con ambos, intenta dominarlos y úsalos según lo pida la interpretación.
Partituras, Tablaturas y Notación
Los vibratos son fáciles de identificar en una tablatura. Se representan por una línea ondulada sobre la nota, y dependiendo de la ‘dinámica' que haya que darle, esa línea será o no, más abrupta. El ejemplo de abajo muestra un ‘vibrato normal', en el traste 12, y al lado un ‘vibrato exagerado' (wide/ exagerated vibrato) a la altura del traste 14, ambos en la tercera cuerda. El vibrato exagerado, como su propio nombre indica, debemos hacerlo de manera algo más violenta, tensando un poco más la cuerda

Notas vivas

Bien, tal y como se ha visto, los vibratos no presentan una dificultad técnica demasiado alta, pero eso sí, un buen vibrato requiere horas y horas de práctica. La mayoría de la expresividad de un solo, radica en la manera que tengas de vibrar notas. La cadencia de vibración de la nota marcará el sentimiento que se transmita hacia la audiencia, es por esto por lo que hay que trabajar el vibrato de manera especial. Un buen ejercicio es poner el metrónomo a un tempo relajado (120 bpm por ejemplo) y dedicarte vibrar una sola nota durante unos 3 minutos, ahora viene lo difícil ... intenta que suene algo “lo menos monótono posible” durante esos 3 minutos. Aunque sólo puedas usar una nota, puedes ir variando la rítmica y la dinámica de vibración y eso da bastante juego, así que intenta transmitirle algo de ‘vida' a esa sola nota, ahí está la clave.

Consejos Finales...
- Ayúdate de los dedos superiores.
- Experimenta con la rítmica y la dinámica de los vibratos.
- Intenta transmitir tu estado de ánimo a tu forma de tocar.

Composicion - Progresiones de Acordes

2010-08-18T21:10:00.000-04:30

Composicion - Melodia

2010-08-18T21:05:00.000-04:30

Dreams of the Foregone Times

2010-08-02T21:21:00.000-04:30

CURSO DE CANTO!!

2010-07-29T14:12:00.001-04:30

Precioso Jesus Grupo Esperanza de Vida Alabanza adoracion

2010-07-02T14:01:00.000-04:30

AFINACIÓN DE LA BATERÍA I

2010-05-15T23:38:00.002-04:30

AFINACIÓN DE LA BATERÍA I

ESCRITO POR DIRECTORDEALABANZA.COM

MARTES 23 DE SEPTIEMBRE DE 2008 23:07

AFINACIÓN I.

La batería, como su nombre indica, es un conjunto de instrumentos asociados, en este caso de percusión, compuestos básicamente por tambores, platillos y diversos accesorios como cencerros, woodblocks, chimes, etc.

Todos estos elementos son catalogados como de afinación indefinida, puesto que no terminan de dar una nota clara y también para diferenciarlos de aquellos instrumentos percutidos que sí lo hacen, como son las láminas ( xilófono, vibráfono, etc ), campanas, timpanis, etc.

Afinar la batería no es una tarea fácil y requiere mucha practica y paciencia, además de tener unos conocimientos prácticos que nos ayuden a entender el proceso. La batería es un instrumento relativamente nuevo y no hay una norma standart para su afinación, por lo que cada músico tiene su sistema, método y sonido que le gusta, lo que crea una gran confusión, en parte, se debe, a que es un instrumento de ritmo desligado de toda responsabilidad armónica y melódica.

No obstante, los tambores puede dar una nota con bastante aproximación, pero requiere mucha práctica. No hay que desesperarse por no obtener resultados rápidos, ni creer que es algo imposible de conseguir. Nadie nació sabiendo y la práctica con buenos fundamentos teóricos son el mejor aliado. Al principio es mejor ayudarse de un afinador electrónico cromático, si se tiene un oído entrenado, un piano es la mejor referencia, de todos modos, todo lo que nos pueda ayudar es valido, insisto, al principio es difícil, lento y trabajoso, pero poco a poco el oído se acostumbra a diferenciar la calidad de un sonido afinado y otro desafinado.

Hay otros aparatos diseñados exclusivamente para afinar tambores, como el Torque Drum o el Tension Watch, que miden la presión de los tornillos o el parche, aunque sirvan para una primera aproximación, depende mucho del estado del tornillo y del parche. Antes de comenzar a describir como afinar bien un tambor, unas últimas apreciaciones:

A) Es mejor comenzar afinando un parche nuevo, ya que aún no ha sufrido ninguna deformación elástica permanente. Un parche con marcas de golpes permanentes, es casi imposible de afinar; si es viejo, ha perdido su capacidad elástica., por lo tanto, no es afinable.

B) Un tambor de mala fabricación, cuya esfericidad no es perfecta o su circunferencia de contacto es despareja, no afina!

C) Un aro deformado, también es un serio impedimento para lograr una buena afinación.

D) Si a un tambor le falta una bellota o un tornillo, no se puede afinar ( parece increíble, pero es muy normal cuando vas a un local de ensayos, o a tocar a un local que te dicen que hay batería y luego ves que hay los despojos de lo que fue una batería! )

E) Los dos parches tienen que dar la misma nota, de esta forma le sacaremos todo el potencial sonoro y claridad al tambor. También se pueden elegir otras notas en el parche inferior, pero tener en cuenta que las segundas y séptimas mayores y menores y cuartas aumentadas, crean intervalos muy disonantes y desagradables. Las terceras, tanto mayores como menores, enriquecen pero nunca nos dará una definición como en un instrumento armónico. Las cuartas y quintas "serían las más idóneas" por su consonancia justa. Es importante tener en cuenta, que si el parche de abajo esta más flojo, el sonido resultante puede tener más cuerpo, pero los que gusten de afinar muy bajo, comprobarán que el parche quedara con menos de la tensión mínima y con un sonido muy desagradable; en cambio si subimos mucho el tono del parche inferior el sonido puede quedar muy apagado. Ningún intervalo sonará mejor que, si afinamos ambos parches iguales.

F) Para que resuene más, el parche de abajo debe ser más fino que el de arriba.

G) Por lo general los fabricantes de baterías, tienen bastante estudiado las medidas y diámetros para que sus tambores afinen razonablemente bien en determinadas notas, no obstante, muchas veces, ésta no está temperada, por lo que, si queremos dar un MI, puede ser que se quede algunas comas por debajo o por encima del MI, ya sea con el LA afinado en 440 u otra frecuencia, esto no es ningún problema, basta con que el sonido de la nota este "estabilizado

AFINACIÓN DE LA BATERÍA II

2010-05-15T23:38:00.001-04:30

ESCRITO POR DIRECTORDEALABANZA.COM

MARTES 23 DE SEPTIEMBRE DE 2008 23:10

AFINACIÓN II.

H) Si no queremos afinar con una nota definida, podemos hacerlo buscando la mayor resonancia, esto se consigue tensando los tornillos de forma pareja hasta oír que el tambor resuena en su máxima potencia. Si le seguimos dando presión, veremos que se ahoga, entonces volvemos al punto de máxima resonancia y conseguimos así un buen sonido y afinación. Luego de estas consideraciones, veamos como afinar cualquier tambor. (Aquí utilizo la palabra tambor de forma genérica, vale tanto para la caja, los toms y el bombo).

1) Quitar el tambor de su soporte y colocarlo sobre las piernas o cualquier cosa que impida resonar al parche contrario.

2) Colocar el parche nuevo y girar los tornillos hasta que solo apoye en el aro.

3) A partir este momento, ir girando cada tornillo y de forma cruzada un cuarto de vuelta, hasta encontrar la nota deseada o el punto de máxima resonancia.

4) En medio del paso anterior, conviene ejercer una presión con la mano sobre el parche, para que asiente bien con el tambor, menos con el bordonero de la caja, que debido a su fino espesor, podría romperse.

5) Una vez que hemos alcanzado el sonido que buscamos, debemos golpear el parche en la dirección de cada tornillo para que todos suenen igual. El orden es cruzado.

En un tambor con 8 tornillos, el ajuste se hace en forma de cruz. Para orientarnos, podemos guiarnos por el logo del parche. pero podemos comenzar indistintamente con cualquiera y seguir el orden cruzado.

En un tambor de 6 tornillos, no podemos cruzar el orden, pero podemos seguir un orden horario o antihorario ( como en el ejemplo ) indistintamente.

En un tambor de 10 tornillos, el orden se efectúa alternando un tornillo si y otro no. También puede ser, uno si y dos no.

La zona del parche que debéis golpear es, entre un cuarto (¼) de la circunferencia del parche y la zona inmediata al aro, por delante de cada tornillo. Tener en cuenta, que la modificación de cada tornillo, afecta a los demás, sobre todo al de enfrente y los lados, por lo que los retoques, al principio, parecen interminables. recuerden que es un proceso costoso, lento y desalentador al principio. Cuando no damos con la nota, conviene descansar un poco y luego seguir. NO HAY NADA QUE NO SE PUEDA APRENDER! Con la práctica y los conocimientos teóricos básicos, todo se consigue.

6) Para saber cuando esta correctamente afinado, debemos escuchar los armónicos que se producen. Cuando hay desafinación, se oye una vibración desagradable, que va disminuyendo a medida que nos acercamos a la nota. Cuando esta afinado, el sonido es continuo y tiene una caída suave. Repetir los mismos pasos con el parche opuesto.

7) En el caso de afinar por notas, surge el dilema, ¿ Que notas usar ? Cada batería tiene su preferencia y la única norma es, encontrar la que más nos guste. Pero si aún así no sabéis por donde empezar, pueden probar "la cucaracha" en los toms Por ejemplo: Tom base: RE; Tom medio: SOL; Tom agudo: SI Esto es, una cuarta justa entre el base y el medio y una tercera mayor entre el medio y el agudo. Esta es la afinación que uso yo, podéis escuchar como suena en el video de las escobillas en esta misma web. También podéis intercalar terceras mayores y menores entre los toms y así ordenar los sonido sobre un acorde mayor o menor. MUY IMPORTANTE: Ningún tom puede usar la misma nota que tenemos afinada la caja, de lo contrario, la bordona resonara de forma desmesurada, cada vez que golpeen dicho tom. El bombo, puede ir una oncena por debajo de la caja.

CONCLUSIÓN Afinar una batería es una tarea complicada, pero no imposible. Hay varias formas de afinar y cada cual tiene sus preferencias. No hay que desanimarse, se requiere tiempo y mucha paciencia. Una batería bien afinada siempre suena bien, sea de la calidad que sea o los parches que tenga. Parches deformados o viejos no afinan. Tambores o aros irregulares, no afinan

CÓMO LEER PARTITURAS

2010-05-15T23:37:00.001-04:30

ESCRITO POR DIRECTORDEALABANZA.COM

MARTES 23 DE SEPTIEMBRE DE 2008 23:13

COMO LEER PARTITURAS.

INTRODUCCIÓN.

La nota redonda o whole note tiene un valor de 4 tiempos. Esta nota siempre es el doble de larga de una nota blanca. En tiempo 4/4, ya que la nota blanca tiene dos compases de largo, la nota redonda tiene cuatro compases de largo. Una nota redonda simplemente se toca golpeando un tambor en el primer tiempo y esperando a que pasen el Dos, Tres, Cuatro para despúes volver a golpear en uno. En un tiempo de 4/4, la pausa de la redonda ocupa una medida completa.La pausa de redonda al igual que la nota redonda, es igual a cuatro compases, pero en este caso NO se tocan.

La nota blanca o half note cabe 2 veces en una nota redonda y es el doble de larga que una nota negra. En un tiempo de 4/4, ya que l anota negra es igual a un compás, la nota blanca es dos compases más larga. En este caso, la primer nota sería tocada en el Unoy la segunda en el Tres. La pausa de la nota blanca, al igual que la nota blanca, también es igual a dos compases, pero estos solamente se cuentan y una vez más NO se tocan.

Hay dos notas negras o quarter notes por media nota blanca o cuatro notas negras por una redondaolver . Esta nota indica un compás o cuenta que debe tocarse. La nota negra es la más usada en la música popular como el pop, pop-rock, baladas, etc. En cuanto a la pausa, esta nos indica un compás o una cuenta que NO se toca.

La corchea o eight notes (8ths) es dos veces más rápida que una nota negra. Por lo regular, si se tocan en los contra platillos se utiliza solamente una mano, aunque se pueden usar dos dependiendo de la velocidad con que se toque la pieza (número de veces que se toca una nota negra en un minuto).

La semi corchea o sixteenth notes (16ths) es dos veces más rápida que la la corchea. Por lo regular, las semi corcheas se tocan en los contra platillos (hihats) para ritmos disco, pop, pop-rock, entre otros. También es usada para rematar o rellenar (fill) un ritmo y la canción.

La fusa o thirty-second notes (32nd) son primordialmente usados en la música para crear remates (fills) a velocidades rápidas o combinaciones entre ritmos y tambores para darle más sabor a la música. Para tener una idea más clara de que son las fusas, solo toma en cuenta a las notas negras. Toma 4 notas negras y cuentalas "1, 2, 3, 4" En cada número, tu golpeas 1 vez, verdad? Ahora, si quieres tocar una fusa tienes que golpear 8 veces en cada número!

Semi fusa o 64ths... Bueno, esto sería golpear 16 veces en cada número cuando contamos "1, 2, 3, 4". No te desanimes!

TOCANDO DE OÍDO

2010-05-15T23:34:00.002-04:30

ESCRITO POR DIRECTORDEALABANZA.COM

MIÉRCOLES 24 DE SEPTIEMBRE DE 2008 18:00

APRENDIENDO A TOCAR DE OÍDO.

A lo mejor ya te sabes algunos acordes básicos: has estado trabajando en el ritmo y de pronto las cosas parecen ir tomando forma. Quizá ya puedas tocar un par de canciones que te salgan bastante decentes. Cuando afinas tu guitarra, empiezan a sentir que efectivamente está afinada. ¿Y ahora qué? ¡A tocar de oído!

Tocar de oido es FUNDAMENTAL y lo he puesto en mayúsculas para que te des cuenta de la importante que es. Si tocas de oido, cualquier cosa que hayas oído alguna vez está a tu disposición. Solo se trata de "descifrarlo". Aprender a tocar de oido es como cualquier otra habilidad: entre más la practicas, más fácil se vuelve, si lo haces con la suficiente frencuencia llegará el punto en el que ni siquiera necesitarás tu guitarra para saber qué está tocando alguien.

El primer paso es tomar una canción que te guste. Escúchala con mucha atención. Lo primero es tratar de determinar cuando en la canción se cambia de un acorde a otro. Esto es importante porque te da un sentido del tiempo y va afinando gradualmente tu oido. Si no puedes determinar cuando cambia el oído por el sonido del acorde, trata de oir el bajo con más atención.
Cuando quieras sacar una canción de oido, es muy importante que tu guitarra esté afinada. Normalmente (aunque hay excepciones) todo el mundo utiliza la afinación universal en la que la nota LA está a 440Hz. Esta afinación puedes obtenerla con un afinador electrónico o con un piano. Una vez afinada tu guitarra, lo primero es localizar el primer acorde de la canción. Primero trata de determinar en las cuerdas más graves de la guitarra cual es la nota básica de donde sale el acorde. Es un poco como afinar la guitarra. Si logras encontrar la nota básica, lo demás es saber qué clase de acorde se está tocando, pero ya tienes un avance. Por ejemplo si sabes que la notaba básica es un Do, ahora tendrás que ver si es un acorde mayor, menor, dominante, etc. pero en cualquier cosa será un acorde de Do.

Ahora que ya sabes una nota básica, ¿Cómo sabes qué acorde es? Aquí comienza un camino de prueba y error. Asume que es un acorde mayor y tócalo. Con un poco de suerte quizá sí sea el acorde adecuado, pero si no, escucharás la diferencia. La gran mayoría de las canciones está escrita en una tonalidad mayor, es decir, que la canción seguramente empezará y terminará con un acorde mayor. Si la canción suena triste y melancólica, es muy probable que su tonalidad sea menor, y la canción empezará y terminará con acordes menores. ¡Haz pruebas! Familiarízate con los acordes menores y mayores, porque de ahí parte todo.

En adelante, el asunto está en ver cuales son los demás acordes. Al principio no es una tarea tan sencillal porque requier tiempo, pero pronto te darás cuenta de que en la música hay muchas fórmulas preconcebidas y que la mayoría de los grupos tienden a usar ciertas secuencias, repeticiones y estructuras. Hay incluso grupos que se limitan a tocar tres o cuatro acordes y aunque suenen como algo muy complicado, en realidad tocan cosas muy simples.

Aprender a tocar de oido te ayuda en primer lugar a conocer mejor los acordes y a familiarizarte cone llos. Conforme saques más canciones de oido, las cosas se te facilitarán. También te ayudará a conocer soluciones nuevas a problemas concretos. Al igual que al empezar tus dedos eran débiles y te costó una buena cantidad de tiempo acondicionarlos y moverlos, con tu oido es lo mismo. Tienes que entrenarlo, y la única forma es no desesperarse y hacerlo una y otra vez.

Lo fundamental es no dejar de hacerlo. Pon el radio y trata de escuchar las canciones. Cuando tocas de oído, ya no tienes que esperar a que alguien te pase la tablatura de una canción que te gusta, o un libro. Simplemente tendrás que oirla, y podrás tocarla. Vale la pena ¿No?

FIGURA NEGRA

2010-05-15T23:34:00.001-04:30

ESCRITO POR DIRECTORDEALABANZA.COM

SÁBADO 04 DE OCTUBRE DE 2008 01:02

Figuras: Negras
Cantidad de figuras por cada compás: 4

Vale: 1 tiempo

Líneas divisorias: El espacio entre dos líneas divisorias se llama COMPÁS
En el ejemplo superior cada pentagrama contiene: - Cuatro compases de 4 tiempos cada uno - El número superior (4) marca cuantas figuras habrá en cada compás. - El número inferior de la fracción marca la figura elegida

Explicación
Así como cuando queremos medir algo sólido, utilizamos la unidad de medida llamada METRO, y así como cuando queremos medir algo líquido, utilizamos la unidad de medida llamada LITRO En la música utilizaremos la unidad de medida o figura llamada REDONDA cuyo valor es de cuatro tiempos.
Por lo tanto el 4 representará a la figura llamada NEGRA porque necesito 4 negras para una REDONDA, el último compás contiene justamente la figura llamada REDONDA

PRÁCTICA
Vamos a practicar en nuestro teclado.
1.- Primero vamos a marcar con nuestro pié izquierdo cada uno de los tiempos en forma pareja, a esta marca la llamaremos PULSO, una vez establecido el pulso o velocidad tocaremos primero con una mano y luego con las dos simultáneamente los cuatro compases del ejemplo superior, respetando el dedo que corresponde a cada nota.
2.- En nuestro segundo ejercicio, inmediatamente debajo de este texto, pondremos atención especial al nombre de cada una de las notas que tocamos, observando que cada una de ellas tienen dos nombres posibles.

No te dejes ganar por la fatiga, seguí trabajando, el premio está a tu alcance!!

CLAVES

2010-05-15T23:33:00.001-04:30

CLAVES

ESCRITO POR DIRECTORDEALABANZA.COM

SÁBADO 04 DE OCTUBRE DE 2008 01:09

Las Claves.

Ejercicio: Con las manos colocadas como en la lección anterior donde el dedo pulgar tocaba el Do central o Middle C, ahora vamos a tocar con los restantes dedos de cada mano simultaneamente las otras notas o teclas en direcciones contrarias, la mano izquierda hacia la izquierda y la derecha hacia la derecha.

La nota que está en la segunda línea del pentagrama superior desplazándonos hacía arriba y que tocaremos con el dedo meñique de la mano derecha, se llamará SOL o G (cifrado alemán) que coincide con la clave de ese mismo pentagrama que se coloca en la segunda línea y es por eso que la llamaremos CLAVE DE SOL

La nota que está en la segunda línea del pentagrama inferior desplazándonos hacia abajo y que tocaremos con el dedo meñique de la mano izquierda, se llamará FA o F que coincide con la clave de ese mismo pentagrama que se coloca en esa misma línea y es por eso que la llamaremos CLAVE DE FA

En otras palabras: Si subimos dos líneas tocamos la nota SOL o G
Si bajamos dos líneas, tocamos la nota FA o

INTRODUCCIÓN A PIANO

2010-05-15T23:32:00.000-04:30

INTRODUCCIÓN A PIANO

ESCRITO POR DIRECTORDEALABANZA.COM

SÁBADO 04 DE OCTUBRE DE 2008 01:11

Aunque tenemos dos manos, existe solo un juego de teclas.Si tocamos de izquierda a derecha estas teclas, notaremos que los sonidos graves o bajos estan en la izquierda y que a medida que vamos hacia la derecha se convierten en más agudos o altos.Si trazamos un gráfico de líneas y ponemos en las líneas y los espacios que hay entre ellas un punto negro que represente cada tecla del piano, de izquierda a derecha, se vería de esta manera.

Si quisiera utilizar este esquema para escribir o representar gráficamente lo que toco, sería muy complicado y difícil seguir con la vista ya que hay muchas líneas y se prestaría a confusión, por otro lado de esta manera no sabría que tocar con la mano derecha y que con la izquierda.
Bien,ahora supongamos que hacemos desaparecer la línea del medio, obtendríamos un esquema o gráfico mas claro y fácil de leer, por otro lado podríamos asignar que la mano izquierda toque todas las notas que están en el grupo de líneas mas bajas, y que la mano derecha haga lo propio con las de arriba.

MANO DERECHA

MANO IZQUIERDA

¿Querés tocar tus primeras notas? Busca el par de teclas negras que están en el centro del teclado (justo a la derecha de la tecla central) Una vez localizadas estas teclas, tocá la tecla blanca que esta a la izquierda de estas dos negras(la que llamamos tecla central. Esta tecla blanca es usada para tocar la nota DO media o central "Middle C"

Ahora coloque sus dos manos en el teclado como está en la foto y toque el Do central o "Middle C" .

"Middle C" o DO central, es la nota que estaba en la línea que ahora es invisible. Para escribir esa nota apenas le agregamos un pedacito de línea, suficiente como para que se entienda en que lugar va. Te propongo hagas un ejercicio tocando varias veces con el dedo pulgar izquierdo el Do central y luego con el derecho otras tantas.

Oops! ¿Descubriste el problema? Si! ¿Cómo sé cual Do tocar con el pulgar izquierdo y cual con el pulgar derecho? No veo ninguna diferencia ni indicación especial. Bien, no desesperar, aquí va la solución. Moveremos los dos grupos de líneas un poco para separarlos y ¡¡VOILA!! Ahora dibujaremos 4 Do en el grupo superior y 4 en el inferior, y tocaremos alternativamente con las dos manos como ya hemos aprendido. ¡¡A tocár!!

Definiciones de esta lección:

PENTAGRAMA - Cada grupo de 5 líneas y 4 Espacios, la línea mas baja se llama primera línea, la siguiente segunda línea y así sucesivamente.