Quadrinhólatra

Os Quadrinhos de Mao

2019-04-02T14:52:00.000-07:00

Por Ariel Engster

A revolução de Mao não ficou famosa pelo bom trato com os artistas, mas isso não impediu que a arte fosse utilizada em benefício dos objetivos dos comunistas. Os quadrinhos, por exemplo, não foram deixados de lado quando a missão era falar com sua população. É isso que retrata o livro Los comics de Mao, organizado por Gino Nebiolo, Jean Chesneaux e Umberto Eco. Publicado na Espanha em 1976, a obra apresenta algumas histórias representativas do uso do regime chinês das hq’s e análises de suas características. São seis hq’s e uma fotonovela, produzidas em Pequim, Xangai ou Hong Kong – que, à época, fazia parte do Reino Unido.

Para os maoístas, os quadrinhos eram uma forma fácil de doutrinar o povo e o meio para isso era mais as palavras do que as imagens. Havia um problema, porém: o analfabetismo na época atingia de 85% a 90% dos chineses. Os quadrinhos tornaram-se, assim, não só um meio de propaganda política, mas também uma via de alfabetização do povo, repetindo uma estratégia já utilizada com o Livro Vermelho de Mao. Isso é, possivelmente, a explicação para as altas tiragens – as histórias impressas no livro variam de pouco mais de 280 mil a 2 milhões de exemplares.

Os revolucionários não começaram do zero, porém. Há registros de quadrinhos na China já no século XIV divulgando os ensinamentos de Confúcio. Nos anos 1920 circulavam por Xangai quadrinhos com histórias fantásticas ou obras populares clássicas ou do teatro. Na década seguinte, começam a aparecer as primeiras hq’s estrangeiras, como Flash Gordon, O Fantasma ou Topolino, nos idiomas originais ou traduzidos. Estes, porém, circulam somente entre os filhos da alta burguesia, que frequentam escolas ocidentais. Aos poucos, porém, vão aparecendo editoras especializadas em quadrinhos que imitam os importados.

Nebiolo conta, na introdução, que, em viagem de trem pela China, viu os quadrinhos serem distribuídos aos passageiros. As capas eram coloridas, mas o interior todo em preto e branco. Cada página trazia uma ilustração, o que resultava em 100 a 120 páginas. Assim que era lido, os passageiros silenciosamente trocavam de revistas. Os leitores, destaca Nebiolo, não eram jovens, mas adultos, que trocavam o sono depois do trabalho pelos quadrinhos. Inicialmente, porém, as hq’s eram voltadas para o público jovem, ficando os mais velhos com as fotonovelas. Estas refletiam o cinema da época, patriótico e comunista. Com o tempo, entretanto, os quadrinhos aumentaram seu público, chegando aos adultos, e se tornando mais sisudos, dominados por uma seriedade ideológica. Eram claramente político-pedagógicos, de uma enorme simplicidade e sem elementos fantásticos ou de divagação. Os preços variavam, porém não eram baratos, e às vezes uma mesma história era desenhada e impressa separadamente em diferentes províncias. A produção das histórias, aliás, geralmente seguia uma sequência: os romances tornavam-se teatro ou cinema e estes eram adaptados para os quadrinhos. Assim, onde os livros, o teatro e o cinema não chegava, chegavam as hq’s, que Nebiolo chama de “ponto final de uma operação programada para chegar mentalmente às massas”.

Para Nebiolo, essa é uma explicação para a simplicidade das narrativas, heróis estereotipados entre “bons” e “maus” e a falta de matizes nas caracterizações. Jean Chesneaux também vai propôr uma explicação para a simplicidade dos quadrinhos. Estes são, diz Chesneaux, produto não só da revolução chinesa como de toda a história daquele país. Carregam a influência da tradição confuciana misturada com uma dose de dogmatismo marxista e uma pitada da tensão política em que vivia a China, além da própria finalidade didática do texto. Eco também atribui às tradições iconográficas e narrativas chinesas o estilo dos quadrinhos. Eco analisa que, ainda que o texto tenha destaque nos quadrinhos chineses, a imagem tem a tarefa muito importante de trazer os elementos descritivos e a caracterização dos personagens.

Nos quadrinhos maoístas, cada imagem é uma cena – o que torna mais compreensível o formato de uma figura por página visto por Nebiolo. O principal sempre aparece no texto, sendo completado pelo desenho. Por vezes, aparecem balões de fala, complementando o diálogo do texto. Há uma certa igualdade entre personagens masculinos e femininos, mas, ainda que possam ser protagonistas das histórias, elas nunca ocupam os cargos mais altos, a não ser no esquadrão feminino. Muitas vezes, porém, são elas que solucionam as histórias. Os quadrinhos também servem para depreciar adversários, como quando os soldados do Vietnã do Sul são chamados de “soldados-fantoches” por trabalharem para os Estados Unidos. O que se sobressai de todas, porém, é um sentimento de heroísmo que não se restringe aos personagens principais. Sempre há uma força coletiva aparecendo como essencial para o desfecho da história. E o personagem principal sempre põe os interesses da revolução sobre os pessoais. O grande destaque é, sempre, a moral do regime comunista.

Resta a curiosidade de saber como está o mercado de quadrinhos dessa China cada vez menos comunista e mais aberta ao ocidente. Se hoje já são as editoras ianques que chegam aos leitores de lá, ou se a produção ainda é nacional. Ou se, até, as revistas desapareceram ao perder sua utilidade para a revolução e ver-se frente a frente a atrações como o cinema e a internet que ganharam um espaço muito maior nos últimos anos. É uma China muito diferente da dos anos 1970 que se encontra hoje. Certamente os quadrinhos também o são.

Aqueles que amamos odiar: anti-heróis e anti-heroínas das séries de TV

2018-08-23T17:19:00.000-07:00

Os anti-heróis são os grandes personagens das séries contemporâneas. Ao longo das duas últimas décadas temos convivido com personagens como Tony Soprano, Dexter Morgan, Don Draper e Walter White, homens de moral questionável, que oscilam entre o carisma e a antipatia, entre as boas atitudes e a vilania. Homens que seriam, em suma, humanos.

Magnífica 70: a atriz Dora Dumar nas gravações de "Minha Cunhada é de Morte", a anti-heroína da nova narrativa seriada brasileira

A saga do mafioso Tony Soprano, um fora-da-lei que frequenta o consultório de uma psicóloga para tratar seus problemas pessoais, abriu espaço para discussões de temas a partir de vieses pouco utilizados anteriormente na televisão.

A partir da história de Tony Soprano e sua família de mafiosos tão humanos quanto qualquer cidadão norte-americano, os telespectadores passaram a contar com uma nova opção à narrativa televisiva convencional. Sucessos posteriores de programas como Six Feet Under e The Wire ajudaram a solidificar esse novo modelo e, vinte anos depois que o bando de patos selvagens invadi a piscina do mafioso Tony, muitos outros personagens e narrativas, tão complexas quanto esta, conquistaram audiência ao redor do mundo.

Dexter Morgan é o personagem central da série Dexter, um psicopata que se esconde sob a identidade de um analista forense da polícia de Miami. Diferentemente dos cruéis psicopatas comumente retratados na televisão, Dexter encanta os telespectadores justamente pelo seu lado humano, pela luta psicológica interna com os sentimentos que o movem ao crime e pela dificuldade que encontra ao tentar ser um cidadão comum, que não somente expressa sentimentos, como também os sente no mais íntimo do seu ser. Os assassinatos praticados por Dexter obedecem a um código de ética: ele somente mata criminosos, o que o transforma em uma espécie de justiceiro da sociedade.

Em Mad Men, Don Draper é o diretor de criação de uma agência de publicidade nova-iorquina dos anos 1960. Pai ausente e marido adúltero, Don construiu uma vida tão cheia de verdades quanto um anúncio publicitário. Por trás de um formidável profissional do mercado da propaganda, está um homem que renega o próprio passado e vive sob a identidade de um outro homem. Don é, ao mesmo tempo, um produto criado por um diretor de criação para si próprio e um ser humano repleto de complexidades.

Nesse conjunto de homens “deploráveis” e ao mesmo tempo “encantadores”, o principal nome que se sobressai é o de Walter White, um professor de Química que se transforma em grande produtor de meta-anfetamina em Breaking Bad. Um pacato que cidadão do Novo México, sudoeste dos Estados Unidos, que ao longo de cinco temporadas percorre uma trajetória de transformação, capaz de o elevar à categoria de maior anti-herói da televisão contemporânea, o cruel Heisenberg, pseudônimo adotado pelo próprio White para espalhar sua fama no mercado das drogas sintéticas.

Breaking Bad: um pacato pai de família e professor de química se transforma

em um dos traficantes mais procurados do Novo México.

Em comum, Tony Soprano, Dexter Morgan, Don Draper e Walter White tem o fato de serem homens comuns: um pai de família, um policial, um profissional do mercado e um professor de química. São cidadãos que enfrentam batalhas cotidianas e talvez esse seja um dos motivos pelos quais o público tenha se mostrado disponível a recebê-los em suas casas, através de seus aparelhos de televisão – ou computadores – durante tanto tempo.

Nos casos destes quatro personagens, as séries tiveram uma duração relativamente longa. Breaking Bad, por exemplo, estreou em janeiro de 2008 e seu último episódio foi ao ar em setembro de 2013. Foram seis anos no ar, em cinco temporadas, sendo que a última delas teve um número maior de episódios (16, ao contrário dos 13 usuais das temporadas anteriores), metade destes lançada em 2012 e a outra metade no ano seguinte.

Brett Martin, autor do livro “Homens Difíceis”, faz uma análise comparativa entre os autores destes grandes sucessos e seus personagens. Para ele, estes protagonistas pertencem a uma espécie que se poderia chamar de Homem Acossado ou Homem Oprimido – atormentado, aflito e frustrado pelo mundo moderno”.

Outros autores que estudam o tema, como Jason Mittel e Christina Kallas, falam do grande número de personagens masculinos com estas características e refletem sobre o porquê do número de anti-heroínas ainda ser menor que o dos homens. Umas das hipóteses levantadas pelos autores é a de que os principais nomes que assumem estas funções no mercado de séries americanos ainda são de homens – nada de novo no front.

Em seu livro “Complex TV: The Poetics of Contemporary Television Storytelling”, Jason Mittel levantas duas questões: Por que os anti-heróis masculinos são mais aceitos que os femininos? A mulher de moral duvidosa é menos aceita que o homem, na sociedade?

Segundo palavras do autor, em tradução nossa, “os homens são mais propensos a serem respeitados e admirados pela crueldade, autopromoção e a busca do sucesso a qualquer custo, enquanto as mulheres ainda são construídas mais como carinhosas, altruístas e mais como objetos de ação do que agentes empoderados”. Reflexos de uma sociedade machista, que ainda necessita ser desconstruída. Mas a mudança neste paradigma deve partir apenas dos autores ou os espectadores tem um papel importante a cumprir na mudança destas relações?

Enquanto pensamos, segue aqui minha lista de anti-heroínas preferidas. Elas ainda são minoria, mas são personagens tão encantadoras quanto os citados acima.

Patty Hewes, de Damages, seria talvez uma das primeiras mulheres a representar este papel de anti-heroína de um novo modelo narrativo, as ditas narrativas complexas. As ações da personagem, porém, parecem caracterizá-la muito mais como vilã. Talvez pelo contraste com a outra protagonista, a personagem Ellen, a advogada Patty se sobressai como uma mulher inescrupulosa, que ainda carrega consigo muito do tradicional estereótipo do personagem “capaz de tudo para conseguir o que deseja”. De qualquer forma, ela ocupa um espaço importante neste cenário.

Damages: Glenn Close muito mais ardilosa que em Atração Fatal

Rita, personagem título de uma série de televisão dinamarquesa que estreou em 2012, representa melhor esse papel de anti-heroína. A personagem é uma professora de uma escola pública de Copenhagen, que foge completamente do estereótipo das heroínas televisivas. Suas ações são, via de regra, moralmente questionáveis. Rita fuma escondida no banheiro da escola, joga a guimba do seu cigarro no chão sem se preocupar com o caráter educativo de sua profissão, relaxa degustando um cigarro de cannabis e mantém relações sexuais sem culpa com o pai de uma aluna ou com um ex-namorado que ela reencontra e descobre ser o sogro de seu filho, tudo isso ostentando o título de amante do diretor da escola. A relação familiar de Rita com os filhos e a mãe também é conturbada. Mesmo assim, o espectador não deixa de vê-la como a melhor professora da escola, a que se preocupa com os alunos e luta por eles, mesmo que para isso tenha que subverter as regras, de acordo com seu próprio julgamento.

Rita: educação fora dos padrões

Completo a lista com Dora Dumar, uma das protagonistas da brasileira Magnífica 70, um excelente exemplo de anti-heroína. Dora é atriz na Boca do Lixo – complexo cinematográfico paulistano dos anos 1970 –, é também uma golpista que pretende roubar o dinheiro da produtora, é ainda a irmã que busca o irmão na porta da penitenciária e se submete às ordens de um bandido perigoso para protegê-lo, e é a mulher que vive um casamento de aparências com o produtor do filme em que atua, mas que se apaixona pelo diretor e mantém um caso com este. Dora não tem pudores com o seu corpo, sabe usá-lo quando preciso, dentro e fora de cena.

Seu caráter é duvidoso, mas encanta os espectadores enquanto mostra ao público de hoje o quão progressistas eram os anos 70 se comparado aos conservadores tempos atuais.

Alice Pereira, Processos Criativos nos Quadrinhos

2018-04-25T08:07:00.001-07:00

“Muitas vezes é uma catarse fazer uma página e eu chego até a chorar. Ajuda a fazer uma limpeza na alma, sabe. Como uma terapia.” Essa é a relação de Alice Pereira com a produção dos seus quadrinhos. Suas HQs autobiográficas abordam a transexualidade, tem conquistado um expressivo número de seguidores nas redes e levado conforto para pessoas que se identificam com a situação. Conversamos com a quadrinhista sobre seus processos criativos. Confere:

Como você começou a trabalhar com quadrinhos?
Bem, como todo mundo que faz quadrinhos sempre amei quadrinhos desde criança e sempre gostei de desenhar, mas não acreditava que poderia produzir quadrinhos, era como se fosse uma coisa meio distante da realidade, que eu não teria capacidade pra fazer. Em 2006 deu um clique na minha cabeça e pensei que eu poderia fazer sim. Então comecei a fazer cursos na área. Depois de um ano só fazendo exercícios de desenho vi que eu precisava começar a desenhar quadrinhos pra valer e comecei a escrever sobre a história do petróleo, pois trabalhava com isso como engenheira. Paralelamente eu tinha uma página de tiras no facebook, chamada Ratman onde escrevia sobre política. Em 2016 publiquei um livro sobre a história de petróleo em quadrinhos. Foi o meu primeiro e único até o momento.

Como é seu processo criativo? Você tem uma rotina de criação? Tem metas? Como fazer pra chegar da ideia ao papel?
Tenho uma rotina sim. No meu trabalho atual tenho a meta de publicar uma página por semana. Nesse caso estou aproveitando meu diário pessoal, que escrevo do jeito que as coisas vem na minha cabeça, de forma meio desordenada. A partir desse texto escrevo um roteiro detalhando todos os quadros, imaginando as cenas e descrevendo o texto e depois parto pra desenhar. Hoje todo meu desenho é feito no computador. Não uso lápis e papel.

Muitas vezes é uma catarse fazer uma página e eu chego até a chorar. Ajuda a fazer uma limpeza na alma, sabe. Como uma terapia.

Seus quadrinhos são em grande parte autobiográficos. Eles te ajudam de alguma forma?
Nossa, ajudam muito! Muitas vezes é uma catarse fazer uma página e eu chego até a chorar. Ajuda a fazer uma limpeza na alma, sabe. Como uma terapia. E depois que publico vejo a reação de muitas pessoas que passam pela mesma situação que eu passo ou passei e isso é reconfortante pra mim.

Como é sua relação com o seu público? Como faz para chegar até o leitor?
Bem, eu basicamente publico no Facebook e Instagram. Costumo compartilhar no meu feed e em grupos que tem afinidade com o tema. É um trabalho de formiguinha. a cada tira postada ganho algumas dezenas de curtidas na página, mas o processo é lento.

Quais suas principais referências? O que te inspira?
Tenho inspiração em quadrinhos biográficos ou autobiográficos, como Persépolis, Maus, as histórias do Guy Delisle, Chester Brown e Margaux Motim. Os livros do Scott McCloud me ajudaram muito na construção da narrativa. Esteticamente me inspiro em Moebius (por incrível que pareça), Chris Ware, Joan Cornellá, Osamu Tezuka e até Marcatti.

poder transmitir a minha vivência, trazer para o público geral a minha realidade e de tantas outras pessoas que passam pelas mesmas coisas que eu e não tem voz.

O que te motiva a continuar fazendo quadrinhos?
Em primeiro lugar o amor pela arte. Mas também poder transmitir a minha vivência, trazer para o público geral a minha realidade e de tantas outras pessoas que passam pelas mesmas coisas que eu e não tem voz. Discutir assuntos que ainda são um tabu e são muito pouco discutidos na sociedade.

O que aconselharia para quem está começando ou quer trabalhar com quadrinhos?
Olha, eu considero que ainda estou começando e acho que também preciso de conselhos. Rs. Mas eu diria que a pessoa tem que colocar suas ideias no papel. Por mais simples que elas sejam. Por mais que não pareçam bem acabadas. A melhor coisa é o exercício. E publicar sempre. Hoje existem muitos meios fáceis de você publicar seu trabalho. O grande problema é a remuneração. Eu ainda faço totalmente por amor e acho bem difícil ser remunerada fazendo quadrinhos autorais. A gente acaba tendo que ter outra fonte de renda. Mas a arte é muito mais importante que isso e a gente acaba conseguindo um tempo vago pra fazer o que gosta.

Zé Wellington, Processos Criativos nos Quadrinhos

2018-04-19T09:16:00.001-07:00

Os últimos anos tem sido especiais para a Ficção Científica brasileira. Gênero de grande sucesso de público no país, tem visto uma crescente na produção nacional. Sucessos de crítica como “Branco Sai, Preto Fica” de Adirley Queirós e “Uma História de Amor e Fúria” de Luiz Bolognesi e de público como "O Homem do Futuro" de Cláudio Torres e a série “3%” produzida pela Netflix tem puxado também a produção de Sci Fi nacional em literatura e quadrinhos. Nas HQs, destaque para Zé Wellington, com uma produção contemplando gêneros como o Steampunk (Steampunk Ladies) e o Cyberpunk (Cangaço Overdrive). Conversamos com o roteirista sobre seus processos criativos:

Por que escolheu trabalhar com ficção científica? Quais são os temas que você gosta de abordar dentro desse gênero?
Eu sempre curti o gênero, mas sempre me mantive bem aberto sobre que tipo de coisas eu escrevia, de fantasia a trabalhos mais realistas. Mas olhando para trás na minha carreira vejo um quadrinho steampunk e um cyberpunk como meus trabalhos mais recentes e talvez no fim das contas eu seja mesmo predominantemente um escritor de ficção científica. Provavelmente isso começou no cinema, mais especificamente na Sessão da Tarde, que educou o jovem Zé na sua infância e adolescência, embaladas por George Lucas e Steven Spielberg.

Como você vê a produção de ficção científica no Brasil? Por que ela é importante?
Para o leitor, o momento nunca foi tão propício, com editoras grandes como Aleph e Darkside fazendo um ótimo trabalho. É uma pena que os autores brasileiros tenham poucos espaços para publicação, concentrando-se em poucas pequenas editoras (como a Editora Draco). Isso acaba agravando o problema do pouco espaço na mídia para a produção brasileira. E ainda sinto que quem escreve fora do gênero especulativo a considera um tipo de literatura menor.

Cangaço Overdrive

Como você começou a trabalhar com quadrinhos?
Quando era criança tentei algumas vezes produzir meus próprios quadrinhos. Mas nunca terminava. O tempo passou e comecei a me dedicar mais intensamente à literatura. Até o dia em que surgiu a ideia de fazer o roteiro para um quadrinho do mascote de um evento que eu organizava. O resto é história. Difícil foi voltar para a literatura depois disso. Já são 15 anos de zines, webcomics e, agora, álbuns impressos de quadrinhos.

Normalmente a deadline são eventos de quadrinhos onde gostaria de estar com um trabalho novo.

Como é seu processo criativo? Você tem uma rotina de criação? Tem metas? Como fazer pra chegar da ideia ao papel?
As rotinas mudam um pouco de projeto para projeto, mas no geral eu parto de uma ideia maior resumida numa página. O difícil é chegar nesta pagina de argumento, o que só acontece depois de um período de imersão no tema (lendo muito e vendo bastante coisas sobre). Depois dela a história vai sendo “fragmentada”: ela é quebrada em capítulos, depois os capítulos quebrados em páginas e depois as páginas quebradas em quadros. Gosto de estipular metas (apesar de nem sempre conseguir alcançá-las). Normalmente a deadline são eventos de quadrinhos onde gostaria de estar com um trabalho novo.

Steampunk Ladies

Quais suas principais referências? O que te inspira?
Na maioria das vezes o momento da inspiração vem no momento em que estou vendo filmes, lendo livros ou quadrinhos ou ouvindo músicas. Minhas principais influências são Alan Moore, Rubem Fonseca, Quentin Tarantino, Will Eisner, Brian Michael Bendis e Garth Ennis.

Você faz alguma pesquisa para suas histórias?
Muita. Toda história minha começa com bastante imersão no tema do que estou escrevendo. Durante o período em que escrevi Cangaço Overdrive, basicamente só li livros relacionados a cyberpunk e sertão.

O que faz quando tem o famoso branco?
Se eu tenho um prazo, simplesmente escrevo a primeira coisa que vier a mente. E sigo em frente. Em algum momento vou voltar no que escrevi naquele período e revisar. O importante é evitar parar. Mas se o negócio for sério mesmo (e eu não tiver prazo), vou escrever outra coisa diferente e volto depois.

Cangaço Overdrive

Qual a importância das personagens para as histórias? Qual seu trabalho de desenvolvimento de personagens?
As personagens tem papel crucial. Considero, inclusive, um ponto das minhas histórias que gostaria de melhorar. Para ajudar a desenvolver, hoje tenho usado algumas técnicas do livro Story, do Robert McKee. Recomendo a leitura.

Hoje a maior parte das minhas histórias parte de problemas que me incomodam.

Como chegar até o público? Como estabelecer uma relação com o leitor?
Primeiramente é preciso produzir constantemente. É desafiador e cheio de obstáculos, mas é preciso constância. Dentro da história, a conexão é estabelecida quando o leitor identifica no personagem questionamentos pelos quais ele também passa. Hoje a maior parte das minhas histórias parte de problemas que me incomodam.

Na “vida real” sou professor universitário e tenho uma agência de publicidade.

Você consegue viver de quadrinhos?
Eu consigo viver de ler quadrinhos (risos). Mas se a pergunta é se me sustento da minha produção de quadrinhos, a resposta é não, infelizmente. Na “vida real” sou professor universitário e tenho uma agência de publicidade.

Steampunk Ladies

Quais as dificuldades do mercado brasileiro?
As vendas pequenas impossibilitam qualquer pessoa de sonhar com uns trocados fazendo quadrinhos diretamente. Uma parte desse problema rola por que os quadrinhos nacionais ainda tem dificuldade para chegar na casa do leitor brasileiro, por uma série de motivos e culpa das duas partes. É um tema complexo e que faz que o mercado de quadrinhos brasileiro seja um lugar de gente apaixonada, mas desprendida de grana.

(...) os quadrinhos me levaram para lugares incríveis e me fizeram conhecer pessoas sensacionais. É por elas que eu ainda continuo dando murro em ponta de faca.

O que te motiva a continuar fazendo quadrinhos?
Já perdi as contas de quantas vezes pensei em desistir de escrever quadrinhos. Mas os quadrinhos me levaram para lugares incríveis e me fizeram conhecer pessoas sensacionais. É por elas que eu ainda continuo dando murro em ponta de faca.

O que aconselharia para quem está começando ou quer trabalhar com quadrinhos?
Estude e produza sem parar. Mas tenha um plano A.

Camila de Moraes, Processos Criativos no Cinema

2018-04-16T08:32:00.001-07:00

Faz 34 anos desde o lançamento em salas comerciais do longa Amor Maldito, de Adélia Sampaio. Fora o último filme em circuito comercial dirigido por uma diretora negra. Em 2018 finalmente essa barreira é quebrada com a obra "O Caso do Homem Errado", da diretora Camila de Moraes. “Olha o tempo que levou para que outra mulher negra conseguisse chegar nesse patamar. O racismo é tão bem estruturado que ele age em todas as frentes, inviabiliza nossas ações de todas as formas. Então, essa é a importância de entrarmos em circuito comercial, de escancarar novamente essas portas, para que, ano após ano, mais companheiras consigam estar conosco nessa trajetória.” comenta a realizadora. Conversamos com a Camila sobre seus processos criativos e as dificuldades enfrentadas na realização e distribuição da obra:

Como foi a experiência de gravar "O Caso do Homem Errado"? O que te inspirou a realizar o documentário?
Esse foi o meu primeiro longa-metragem, tivemos muitas dificuldades e com isso muito aprendizado. A experiência foi incrível. Ensinamentos que levarei para vida e com certeza foi a atividade mais importante que já realizei até os dias atuais. Esse era um projeto antigo e que pessoas próxima sabiam do interesse de gravar esse filme, que no inicio a proposta era para ser um curta-metragem. Tentamos alguns editais e nunca fomos selecionadas. No final do ano de 2015, a produtora executiva do filme, Mariani Ferreira, me fez a proposta de lançarmos uma campanha virtual de financiamento coletivo. Começamos essa campanha no inicio do ano de 2016, porém não atingimos a meta e aí concretizamos a parceria com a produtora de cinema de Porto Alegre, Praça de Filmes, no qual tivemos a estrutura técnica para gravar. Trabalhamos com uma equipe enxuta e que acreditava muito no projeto, acredito que isso é o resultado que temos hoje. Todos estávamos alinhados e determinados para contar uma história. No período de montagem/edição é que percebemos que, pela quantidade de material que tínhamos, não seria possível fazer um curta-metragem e assim o filme se transformou em um longa-metragem. Infelizmente, o Julio Cesar não foi o primeiro jovem a ser morto pela polícia e não será o último, por conta dessa revolta e de saber todos os dias que nossos colegas de escolas, amigos próximos, que meu irmão ou sobrinho, podem serem mortos por conta da cor da pele, quisemos utilizar a ferramenta do audiovisual para expressar essa revolta por meio da arte, porém para também propor um diálogo sobre essa questão que é urgente, pois o racismo mata. Isso é muito cruel, muito doloroso e precisamos mudar essa realidade.

A nossa estratégia de entrar em circuito comercial, por mais difícil que tem sido essa tarefa, é para mostrar para a sociedade brasileira que existe sim produções negras de qualidade, que pessoas negras estão contando suas histórias a partir do seu ponto de vista, que deixamos de ser objetos para sermos protagonistas de nossas histórias.

Qual a importância do lançamento desse longa em salas de cinema?
Quem faz filme, "não faz filme para ficar na gaveta”. Um filme é para ser assisto por milhares de pessoas e causar algum tipo de sentimento, reflexão. A nossa estratégia de entrar em circuito comercial, por mais difícil que tem sido essa tarefa, é para mostrar para a sociedade brasileira que existe sim produções negras de qualidade, que pessoas negras estão contando suas histórias a partir do seu ponto de vista, que deixamos de ser objetos para sermos protagonistas de nossas histórias. Com esse nosso documentário somos a segunda mulher negra, em 34 anos, a conseguir entrar em circuito comercial. Essa informação é absurda! Olha o tempo que levou para que outra mulher negra conseguisse chegar nesse patamar. O racismo é tão bem estruturado que ele age em todas as frentes, inviabiliza nossas ações de todas as formas. Então, essa é a importância de entrarmos em circuito comercial, de escancarar novamente essas portas, para que, ano após ano, mais companheiras consigam estar conosco nessa trajetória. Gostamos muito do lema da Marcha das Mulheres: “Companheira me ajude que eu não posso andar só”. Viemos de um ensinamento de vida, de ancestralidade, que o sozinho você não irá longe, que no coletivo chegará mais longe e é assim que trabalhamos, no coletivo, pois queremos o nosso povo negro também ocupe todos os espaços, pois precisamos ter olhares mais diversos sobre as realidades brasileiras e isso só será possível quando nós começarmos a contar as nossas histórias.

Foto de Carlos Moura

Como você começou a trabalhar com cinema?
Eu sou de uma família de militantes do movimento negro e artista. Minha mãe é atriz, meu pai é jornalista, escritor e roteirista. Fui criada nesse meio. Tinha um tio que era cineclubista e sempre nos apresentava filmes em VHS de diversas regiões. Desde criança sempre ia ao Festival de Cinema de Gramado e amava aquela realidade do cinema. Na faculdade que produzimos o documentário “Mãe de Gay” que ganhou dois Galgos de Ouro, de melhor filme e júri popular, no Festival Universitário de Gramado. A partir dali comecei a produzir alguns vídeos institucionais e outros projetos individuais, ou ainda participar de produções de outras pessoas, atuar mais na área de produção mesmo. No ano de 2016 fiz a direção e o roteiro do curta-metragem de documentário “A Escrita do Seu Corpo” que no ano de 2017 circulou por alguns festivais no Brasil e depois disso fomos para o longa-metragem “O Caso do Homem Errado”.

Como é seu processo criativo? Você tem uma rotina de criação? Tem metas? Como fazer pra chegar da ideia ao roteiro?
Os projetos pessoais são sempre relacionados com a questão racial e os mais diversos possíveis, pois podemos falar de qualquer tema, porém necessitamos ter essa oportunidade de abordar as nossas questões sem estereótipos e com personagens representados de forma digna. Não tenho uma rotina de criação, mas trabalho com prazos para poder dar conta. Crio os prazos e preciso concluir dentro do limite, normalmente quando está no fim do prazo, me tranco com o computador para poder dar conta das demandas. É uma loucura, fico mau humorada, fico com dor de cabeça, durmo pouco, mas a criação flui na pressão. (risos) Para chegar na ideia de um roteiro, olho ao meu redor, as pessoas que estão próximas, as situações, elas me dão inspirações para criar em cima e contar a história do nosso ponto de vista.

Foto de Irene Santos

Quais temas gosta de abordar?

Questão racial. Agora estamos começando a trabalhar com uma ficção que trata sobre amizade e amor, e com certeza aborda questão racial negra. Essa é minha linha, porque dela pode seguir por qualquer caminho, além de ser extremamente necessário sempre abordar essa questão. Então, como tenho conhecimento de causa, por levar na pele essa pigmentação negra que tanto amo, é a partir dela que sempre pretendo falar em meus projetos pessoais.

Quais suas principais referências? O que te inspira?
A minha família de militantes negros. Vera Lopes, Paulo Ricardo de Moraes, Horácio Lopes, Quênia Lopes. Dentro do cinema, o cineclubista Luiz Orlando. As meninas negras que estão fazendo muitas coisas belas e criativas com muito ensinamento, entre elas Mariani Ferreira, Renata Santos, Julia Mores, Hegli Lotério. Essa pessoas que estão próximas, que não são muitas vezes referenciadas e que nos ensinam tanto. Elas me inspiram e merecem todo o reconhecimento em vida.

A nossa produção é independente. É um documentário. É um longa-metragem. Aborda questão racial. Mais ainda fala de extermínio da juventude negra. Esse conjunto da obra necessita de muito convencimento das salas de cinema para ficarem em cartaz, pelo menos por duas semanas, com o nosso filme.

E como sair do roteiro para as telas?
Nós buscamos sempre parcerias. Há uma etapa aí que precisa ser cumprida antes de chegar nas telas do cinema. Depois da criação do roteiro, do registro na Biblioteca Nacional, é necessário estrutura técnica para gravar aquele projeto. Fazer parceria com produtoras de cinemas, conseguir patrocínios tanto para gravação como para montagem e edição. Após o filme finalizado é preciso fazer o registro todo do filme na Ancine e pagar todas as taxas. Depois disso seguir em diálogo com as salas de cinema para apresentar/vender o seu filme, garantir que terá público, negociar taxa de exibição que será paga para a sala de cinema, negociar horários acessível para que haja público. No nosso caso é a primeira vez que estamos fazendo isso, e tem sido muito difícil e cansativo, além de nos gerar uma despesa muito alta, pois também é preciso encaminhar o filme no formato correto de exibição, outro material caro de ser produzido. A nossa produção é independente. É um documentário. É um longa-metragem. Aborda questão racial. Mais ainda fala de extermínio da juventude negra. Esse conjunto da obra necessita de muito convencimento das salas de cinema para ficarem em cartaz, pelo menos por duas semanas, com o nosso filme. Depois isso, ainda temos que trabalhar com o público, causar interesse nele pela obra para fazer com ele saia de sua casa para ir até ao cinema assistir ao filme. Então, como é sair do roteiro para as telas, é muito cansativo, muito trabalho árduo, muita perseverança e saber que temos uma obra filmica de qualidade técnica e que aborda um tema extremamente necessário para ser debatido com toda a sociedade, sejam elas pessoas negras ou brancas, pois buscamos medidas concretas para eliminar o racismo que nos mata todos os dias.

Foto de Irene Santos

Como faz a escolha de sua equipe?

Procuramos profissionais negros e mulheres. Na medida do possível a equipe sempre é formada assim.

Olhares, na sua maioria, de homens brancos para tratar de diversos temas, sem que haja uma diversidade. Isso é cruel, pois essas obras, com um olhar só, irão chegar em diversos telespectadores que terão a oportunidade de verificar só um lado, só uma perspectiva da história.

Quais as dificuldades do mercado brasileiro?
Pesquisas mostram que a área do cinema brasileira é dominada por homens brancos, depois vem as mulheres brancas, os homens negros e após as mulheres negras, bem como a pirâmide social, no qual, nós mulheres negras, somos a base. Esses dados dificultam a nossa realidade de produção, poucos incentivos para nossos projetos relacionados à questão racial ou feminina. Produções grandes e com recursos financeiros com poucos profissionais negros ou femininos trabalhando nelas. Olhares, na sua maioria, de homens brancos para tratar de diversos temas, sem que haja uma diversidade. Isso é cruel, pois essas obras, com um olhar só, irão chegar em diversos telespectadores que terão a oportunidade de verificar só um lado, só uma perspectiva da história. Então, ainda há muita dificuldade em atuar nesse mercado brasileiro do audiovisual nos dias de hoje.

Foto de Irene Santos

O que te motiva a continuar fazendo cinema?
Acredito no poder da arte, na transformação por meio dela. O cinema tem sido uma ferramenta interessante no qual tenho conseguido chegar em diversas pessoas levando uma mensagem de reflexão, propondo mudanças. O cinema, a arte em geral, tem o poder de atingir o coração das pessoas, isso é muito gratificante, essa é a motivação.

É preciso saber que o sucesso é a trajetória, os ensinamentos que serão adquiridos e multiplicados, por isso é importante nunca desistir, ter perseverança, acreditar na sua ideia e levar até o fim para poder concretizar, sempre no coletivo, pois sozinha não chegará longe.

O que aconselharia para as mulheres que estão começando ou querem trabalhar com cinema?
Para não desistirem nunca de seus sonhos. O caminho ainda é difícil, muitas dificuldades terão durante a trajetória, mas o prazer de passar por esse processo, de cruzar esses trajetos serão os melhores aprendizados que terão na vida. Aquele ensinamento no qual será uma multiplicadora nata, pois quando aprendemos o que mais queremos é passar adiante esse conhecimento e isso é feito de forma natural. Então, a questão aqui não é o sucesso de chegar no topo, pois a queda de lá é muito alta e dura. É preciso saber que o sucesso é a trajetória, os ensinamentos que serão adquiridos e multiplicados, por isso é importante nunca desistir, ter perseverança, acreditar na sua ideia e levar até o fim para poder concretizar, sempre no coletivo, pois sozinha não chegará longe.

Confira o trailer do longa "O Caso do Homem Errado"

Ficção e filosofia na tevê?

2018-03-30T18:13:00.001-07:00

A filosofia, para muitos, pode parecer algo completamente distante e pouco atraente, algo relegado aos bancos acadêmicos e a livros por vezes incompreensíveis (pra não dizer chatos). Mas e quando a filosofia se junta à ficção e nos ajuda a pensar sobre questões muito próximas? E quando ela, além de se unir à ficção, invade a tela da nossa televisão ou computador, através dos personagens de nossa série favorita, sem que a gente nem perceba?

Tome cuidado! A filosofia está por todos os lados...

Dos bestiários a Vilém Flusser

Abordar questões filosóficas através da ficção não é uma novidade. Na Idade Média, por exemplo, os bestiários eram um tipo de literatura bastante comum entre os letrados. Ao abordar o universo das bestas, seres desconhecidos e assustadores, esse tipo de literatura apresentava uma mistura de moral religiosa com observação da realidade, a partir da qual abordavam as relações do homem com o mundo.

De acordo com o linguista e pesquisador brasileiro Alcebíades Miguel, não eram o animal e a natureza concretos que estavam no centro de interesses dos criadores dos bestiários, mas sim um animal e uma natureza transcendentes, capazes de potencializar a imaginação e a significação, através de associações possíveis. Meio doido, né?

Mais recentemente, já no ano de 1957, Jorge Luis Borges e Margarita Guerrero publicam o “Manual de Zoología Fantástica”, um livro no qual reúnem mais de cem criaturas fantásticas originárias de lendas, mitos, religiões e da própria literatura. A publicação também é conhecida como “Livro dos Seres Imaginários” e demonstra como estas entidades, estas criaturas mágicas, se relacionam com assuntos ligados a nós, humanos.

Este tipo de literatura que envolve uma fabulação filosófica pode ser encontrado em obras de vários autores contemporâneos, como nas “Ficciones” do próprio Borges, no “Axolotl” de Cortázar ou no excelente conto de Guimarães Rosa, “Meu tio, o Iauaretê”, que através da história de um matador de onças que enquanto narra a sua história sofre uma gradativa metamorfose, aborda as fronteiras entre o animal e o humano.

É a partir da obra de um filósofo, porém, que este tema vem ganhando espaço em discussões que se propõe a superar o antropocentrismo e deslocar o olhar para o outro, o “não humano”. Vilém Flusser nasceu em Praga, passou boa parte de sua vida no Brasil, e posteriormente retornou a Europa. É muito provável que sua condição de imigrante o tenha colocado nesse lugar de “estrangeiro” e o tenha habilitado a dissertar com conhecimento de causa sobre o tema da alteridade (papo de filósofo, alteridade está ligada a questão do "outro", aquele que não somos, mas com o qual devemos ter empatia, para melhor compreendê-lo).

Vilém Flusser

“Vampyroteuthis Infernalis”, uma das obras de Flusser, destaca-se entre outras pela forma como procura distanciar-se da condição humana. O livro, publicado originalmente em alemão no ano de 1987, foi lançado no Brasil em 2011, na versão que o autor escreveu em português, que difere em alguns pontos da versão alemã (ele escrevia ao mesmo tempo, nas duas línguas, mas as versões eram um pouco diferentes entre si).

Este trabalho foi realizado em parceria com o biólogo e artista francês Louis Bec, que assina as ilustrações constantes no livro. É por meio da fábula e do experimento mental que Flusser procura entrelaçar razão e imaginação, lançando sobre as questões humanas um olhar diferenciado e, por que não dizer, renovador.

O personagem do livro é um molusco octópode, de nome científico Vampyroteuthis Infernalis, que pode ultrapassar os 20 metros de diâmetro. O animal vive nas profundezas dos abismos oceânicos e raramente emerge à superfície. Seu habitat é completamente distinto do humano, vivendo em um ambiente líquido e sem luz. Apesar das diferenças, Flusser apresenta logo no início do livro os pontos de convergência entre essas duas espécies, que possibilitam a reflexão proposta pela obra: pensar o homem a partir do ponto de vista de um octópode.

Parece complexo, mas deslocar nosso olhar pode nos ajudar a compreender melhor diversas questões da nossa própria espécie.

Sense8 e a ficção filosófica no audiovisual

O cinema já se utilizou muito desse tipo de abordagem. Filmes como “Planeta dos Macacos”, “Alien” e “ET, o Extraterrestre”, confrontam o ser humano com outros seres que são, de certa forma, espelhos de si mesmo. As séries de televisão contemporâneas, conhecidas pela complexidade com que constroem suas narrativas, também podem fazer uso dessas fabulações epistemológicas.

Estas séries são produtos muito bem estruturados, com várias camadas. Uma mais superficial, com o objetivo de conquistar e entreter o espectador. Mas a medida que vamos nos aprofundamento na compreensão, observamos um novo formato audiovisual que afasta o estigma de que a televisão serve apenas para alienar e não pensar. Vejamos o caso de Sense8.

Lançada em 05 de junho de 2015 pela plataforma de streaming Netflix, criada pelas Irmãs Wachowski e por J. Michael Straczynski, a série conta a história de oito pessoas nascidas no mesmo dia, e que possuem uma conexão sensorial entre si. Vivendo em lugares distintos do planeta, ambos despertam ao mesmo tempo para uma consciência coletiva.

Assim como o polvo vampiro de Vilém Flusser, Sense8 também apresenta um ser fictício, que se opõe ao homem e ao mesmo tempo leva a uma reflexão sobre a condição humana. Este ser fictício é chamado de Homo Sensorium e seria um ramo da evolução humana que se distingue do Homo Sapiens pela possibilidade de experimentar uma conexão a qual este último é incapaz de sentir.

Os oito personagens principais da série (Capheus, Kala, Lito, Nomi, Riley, Sun, Will e Wolfgang), mesmo vivendo em países distantes e sem se conhecerem pessoalmente, vivenciam encontros proporcionados por essa interconexão, que lhes permite desde diálogos a relações sexuais em grupo, sem que estejam próximos fisicamente.

A utilização do corpo como elemento de conexão é explorada imageticamente ao longo dos episódios, seja em cenas de ação ou em momentos de erotismo. Essa exploração chega a seu ápice em uma sequência de orgia sensorial que se dá no sexto episódio da primeira temporada.

Questões que movem o espectador à reflexão não são incomuns na série, ao contrário, integram-se à narrativa, flertando com a filosofia. Seria audacioso considerar a série uma ficção filosófica ou uma fabulação epistemológica? Provavelmente sim, mas não há como negar que apesar de se tratar de um produto audiovisual que visa o entretenimento, a série abre espaço para questionamentos e reflexões constantes, principalmente no que se refere à empatia e alteridade.

Para quem se interessar um pouco mais sobre assunto, segue o link para um artigo onde me aprofundo um pouco mais no tema e cito alguns autores que pesquisam temas relacionados.

SENSE8: Alteridade e Ficção Filosófica na Narrativa Seriada Contemporânea

Jun Sugiyama, Processos Criativos nos Quadrinhos

2018-03-26T08:59:00.001-07:00

A nova geração de quadrinhistas brasileiros se mostra também um das mais versáteis. Entre os estilos mais trabalhados está o mangá. Jun Sugiyama é um dos autores que vem se destacando nessa estética. “Sou muito fãs de mangás e vim de uma família japonesa, mas que não tem muito contato com as tradições. Uma das coisas que gosto de abordar é exatamente essa visão da cultura japonesa, de um ponto de vista de alguém de fora, mas que vive marginalmente no universo oriental.” comenta o roteirista. Conversamos com Jun sobre sua obra e seus processos criativos. Confere:

Como você começou a trabalhar com quadrinhos?
Em 2012, fiz um curso de roteiro para quadrinhos com o André Diniz, na Quanta. A partir daí, participei do Gibi Quântico, uma coletânea com trabalhos de roteiristas daquela turma, editada pelo Raphael Fernandes, hoje o editor de quadrinhos da Draco. E continuei escrevendo, até agora.

Para escrever o roteiro, já tenho um padrão melhor definido. Costumo escrever a sinopse, os detalhes dos personagens, em cadernos, normalmente em cafés ou restaurantes. Depois, passo para o computador e, finalmente, escrevo os quadros.

Como é seu processo criativo? Você tem uma rotina de criação? Tem metas? Como fazer pra chegar da ideia ao papel?
Na hora de pensar nas histórias, ter ideias, não sigo uma rotina específica. Muitas coisas surgem durante caminhadas, no metrô e outras coisas rotineiras.
Para escrever o roteiro, já tenho um padrão melhor definido. Costumo escrever a sinopse, os detalhes dos personagens, em cadernos, normalmente em cafés ou restaurantes. Depois, passo para o computador e, finalmente, escrevo os quadros.
Nesta última fase, tento seguir algumas metas, como escrever cinco páginas por dia, ou passar 5 horas trabalhando o roteiro, dependendo de como estiver de prazo ou tempo livre.

Quais temas gosta de abordar?
Sou muito fãs de mangás e vim de uma família japonesa, mas que não tem muito contato com as tradições. Uma das coisas que gosto de abordar é exatamente essa visão da cultura japonesa, de um ponto de vista de alguém de fora, mas que vive marginalmente no universo oriental. Assim como outros temas abordados em mangás, como a mistura da fantasia com nossa realidade, a morte, urbanismo, temas que fazem parte da minha vida.

Quais suas principais referências? O que te inspira?
Como disse antes, fui muito influenciado por mangás e animês. Títulos da Shonen Jump, como One Piece, Naruto, Yu Yu Hakusho, ou grandes animações como Nausicaä, Patlabor, Utena, Cowboy Bebop. Listar todos os títulos que aprecio e me inspiram seria bem trabalhoso.
Fora do Japão, gosto de Sandman e muitos filmes americanos, um dos meus diretores favoritos sendo Wes Anderson.

Você faz alguma pesquisa para suas histórias?
Sim. A quantidade de pesquisa depende do projeto. Quando encontro um tema que gosto, sempre faço uma pesquisa superficial primeiro. Alguns exigem que vá mais a fundo, para que o tema não fique apenas na superfície. Tento ver filmes ou ler livros que trabalham o assunto, para buscar referências e/ou evitar coisas muito parecidas.
Na hora de escrever o roteiro, faço pesquisas para conseguir imagens de referência, para passar de maneira mais clara para o artista.

O que faz quando tem o famoso branco?
Saio para caminhar. Penso em outras coisas, outros projetos. Tem horas que não adianta forçar.

Qual a importância das personagens para as histórias? Qual seu trabalho de desenvolvimento de personagens?
Depende da história. Existem algumas que são movidas pelos personagens, outras que são movidas pelo enredo. Na maioria do meu trabalho, os personagens refletem o enredo e o ambiente, não o contrário. Então, na hora de criar um personagem e desenvolvê-lo, busco encontrar o melhor jeito de fazê-los se encaixar com o tema, combinem com o que está acontecendo na história e a jornada deve refletir o projeto como um todo.
Se for analisar o estilo dos mangás shonen, o que faço é o oposto. Mas acho que sigo mais o estilo de mangás mais adultos. Não tenho certeza.

Quais são os cuidados que um roteirista precisa ter na hora de pensar a diagramação de uma página? Existe diferença entre o que vai em uma página ímpar e uma par?
Depende muito do formato final, mas para impressos há diferenças, sim. Uma das coisas que não é tanta responsabilidade do roteirista (mas que precisamos prestar atenção) é a zona de segurança. Uma parte da página pode acabar coberta na impressão por ficar próxima ao centro das duas páginas, então não podemos deixar falas ou partes importantes da narrativa nessa área. Como é onde as duas páginas se juntam, o espaço é invertido entre ímpar e par.
A diferença mais importante entre as duas é a virada de página. O fim da página ímpar deve ter algo que faça o leitor virar, um mini suspense, que dê o gostinho de querer saber o que vai acontecer. Ao mesmo tempo, as páginas pares guardam a maior parte das revelações, para surpreender o leitor que vira a página.

Como chegar até o público? Como estabelecer uma relação com o leitor?
Isso é o que estou tentando descobrir até agora!
Os meios mais comuns é interagir pelas redes sociais e em eventos. É um diálogo. Então é necessário manter o canal aberto.

Como é a relação entre o roteirista e o desenhista?
É uma parceria complicada. Tem que respeitar a liberdade artística do outro, mas também apontar coisas que precisam ser alteradas. Cada um tem suas próprias ideias e visão para o projeto, então é necessário conversar para alinhar as duas. No final, ambos querem que o projeto seja bom, então muitas diferenças podem ser resolvidas com essa base.

Você consegue viver de quadrinhos?
Não… Quando consigo pagar a mesa de um evento, fico feliz.

Existe diferenças de mercado de trabalho para roteiristas e desenhistas?
Nem sei se há um mercado de roteiristas no Brasil… Se falarmos de quadrinhos apenas, temos uma desvantagem, pois desenhistas são necessários em praticamente qualquer projeto, enquanto o roteiro pode ser feito pelo próprio artista e o resultado será uma HQ fenomenal.

Posso repetir o que todos dizem: cultura no Brasil é difícil, complexo de vira-latas, brasileiro gosta de coisas importadas

Quais as dificuldades do mercado brasileiro?
Difícil dizer. Posso repetir o que todos dizem: cultura no Brasil é difícil, complexo de vira-latas, brasileiro gosta de coisas importadas etc. Mas não tenho vivência na área o suficiente para cravar nenhuma dessas. Só sei que é difícil, mas continuo tentando.

Espero contar histórias que outros possam se divertir, refletir lendo, do mesmo modo que outras HQs, filmes, séries, livros fizeram o mesmo comigo.

O que te motiva a continuar fazendo quadrinhos?
Gosto de histórias e esse é um jeito que acredito estar melhorando. Espero contar histórias que outros possam se divertir, refletir lendo, do mesmo modo que outras HQs, filmes, séries, livros fizeram o mesmo comigo.

Eu acho que são nesses momentos que nascem as artes. No conflito, nas experiências diferentes.

O que aconselharia para quem está começando ou quer trabalhar com quadrinhos?
Abra um pouco a mente. Busque ler, ouvir, assistir a coisas que não está acostumado. Não precisa ser o especialista em tudo, mas só o pequeno esforço de encontrar coisas novas o fará a enxergar as coisas de outra maneira. Eu acho que são nesses momentos que nascem as artes. No conflito, nas experiências diferentes.
E, no final, o que fazemos é arte. Mas que também pode divertir, entreter.

Cris Camargo, Processos Criativos nos Quadrinhos

2018-03-23T08:29:00.000-07:00

“Então seja fiel ao que acredita, meta a cara, faça quadrinhos para o SEU PÚBLICO e toque o f***-se para os haters.” A frase que fecha nossa entrevista com a quadrinhista Cris Camargo conta muito sobre a mudança do cenário dos quadrinhos depois do boom das webcomics. A visibilidade que as artistas mulheres ganharam com a internet também deixou mais claro o machismo presente no meio dos quadrinhos. Antes um cenário extremamente restrito, as HQs brasileiras agora convivem com uma diversidade de artistas, olhares, temas, histórias. Essa diversidade, porém, não é bem vista entre alguns setores do meio.
Cris Camargo publicou diversos fanzines nos anos 90, precisou parar e volta agora, aproveitando as oportunidades trazidas pela internet. Mesmo assim foi vítima de machismo e precisou de muita coragem pra seguir adiante. Confira nossa conversa com a quadrinhista:

Como você começou a trabalhar com quadrinhos?
Fazer quadrinhos deixou de ser brincadeira de criança quando passei a lançar fanzines na década de 90. Nessa época desanimei porque queria ir além desse formato, mas as barreiras eram muitas. Em 2013, com o cenário de webcomics e auto publicação, decidi que ia meter a cara, mesmo sabendo que meu traço não estava 100%, depois de tanto tempo sem desenhar.

Como é seu processo criativo? Você tem uma rotina de criação? Tem metas? Como fazer pra chegar da ideia ao papel?
Estruturo o argumento em começo, meio e fim e parto para o roteiro. Só começo a desenhar quando o roteiro e o storyboard estão prontos. Depois que começo a fazer as páginas a coisa ganha vida própria, e então vou fazendo mudanças na história. Sobre rotina, hoje, infelizmente só consigo me dedicar aos quadrinhos nos finais de semana e feriados, mas durante a semana vou anotando ideias, rabiscando personagens e cenas. É meio caótico, mas no fim sempre dá certo.

Algumas coisas a gente precisa literalmente desenhar para que as pessoas entendam.

Quais temas gosta de abordar?
Adoro monstros e descobertas científicas, mas também gosto de usar os quadrinhos para falar de temas sociais e dar umas patadas em temas políticos. Algumas coisas a gente precisa literalmente desenhar para que as pessoas entendam.

Quais suas principais referências? O que te inspira?
A principal referência artística é não-intencional: Maurício de Sousa. Já ouvi muito que meu traço lembra o dele, o que é quase inevitável, visto que aprendi a desenhar na infância lendo gibi da Mônica. Hoje, o que me inspira é o trabalho do Matt Frank.

Você faz alguma pesquisa para suas histórias?
Sempre, e muita. Em "O Último Maranishi", por exemplo, tudo foi pesquisado: das teorias da conspiração aos detalhes da tecnologia necessária para construir um ônibus espacial intergaláctico. No momento estou com um projeto paralelo sobre os índios Xavantes, e estou mergulhando na cultura deles com pesquisas e entrevistas.

Ver outros roteiros fluírem me ajuda a desempacar as ideias e encontrar novas soluções.

O que faz quando tem o famoso branco?
Deixo a coisa descansar um pouco e assisto filmes, séries e leio quadrinhos novos. Ver outros roteiros fluírem me ajuda a desempacar as ideias e encontrar novas soluções.

Qual a importância das personagens para as histórias? Qual seu trabalho de desenvolvimento de personagens?
Fundamental. Se os personagens não gerarem empatia ou ódio, não tem como levar uma história adiante. No meu trabalho, isso é algo que venho tentando desenvolver melhor, pois mesmo com vivências diferentes eles ainda parecem meus alter egos.

Qual a importância do quadro em uma história em quadrinhos?
Como estrutura, o quadro pode fazer muita diferença no impacto, foco, movimento, ação, e dar o tom de toda uma cena sem a necessidade de qualquer outro recurso gráfico.

Quais são os cuidados na hora de diagramar uma página? Existe diferença entre o que vai em uma página ímpar e uma par?
Sim, e é preciso levar em conta também a composição da página, o cliffhanger (o último quadro que move o leitor a virar a página), as splash pages (cenas de página inteira) e as páginas duplas. Mas admito que muitos desses cuidados eu só passei a tomar depois que já havia publicado meu primeiro quadrinho, pois passei a estudar mais para aprimorar minha técnica. Antes eu fazia tudo na base do feeling e da observação.

Como chegar até o público? Como estabelecer uma relação com o leitor?
Redes sociais e eventos. A relação se estabelece aos poucos, principalmente nos eventos, quando você vende seu peixe cara-a-cara. Você reencontra as mesmas pessoas em outros eventos, e alguns leitores viram amigos e passam a indicar seu trabalho para outros. É um trabalho de formiguinha.

Você consegue viver de quadrinhos?
Infelizmente não. E desconfio que este seja o sonho de 90% dos quadrinistas independentes.

Quais as dificuldades do mercado brasileiro?
Considero a distribuição a maior dificuldade de todas.

Você voltou a publicar depois de um longo tempo longe das HQs. O que te motiva a continuar fazendo quadrinhos?
A vontade de contar histórias, do meu jeito. Teimosia e a intenção de conseguir, um dia, pagar ao menos o plano de saúde com os quadrinhos.

Então seja fiel ao que acredita, meta a cara, faça quadrinhos para o SEU PÚBLICO e toque o f***-se para os haters.

O que aconselharia para as mulheres que estão começando ou querem trabalhar com quadrinhos?
Coragem, persistência e força para lidar com vaidades, egos inflados, machismo de parte do mercado e falta de união entre boa parte das mulheres quadrinistas, coisa que descobri da pior maneira que infelizmente existe. Então seja fiel ao que acredita, meta a cara, faça quadrinhos para o SEU PÚBLICO e toque o f***-se para os haters.

Akira Detonando na Cultura Pop

2018-03-13T08:15:00.000-07:00

Encontramos uma série de artes homenageando um dos maiores animes já feitos: Akira (1988). A obra de Katsuhiro Otomo é um ícone da Cultura Pop. Inúmeros artistas e fãs mantém viva a importância e o impacto dessa obra nos seus trinta anos de existência. Separamos algumas artes/referências, mas ainda há várias reverenciando o anime pela web. Algumas são bem curiosas. Divirta-se.

E aqui o trailer original de 1988 e um trailer-paródia dos Simpsons.

E a proposta live-action do anime:

Se você também é fã do anime/mangá e é apaixonado pelo design da moto do Kaneda, esse ano ela vai ser um easter egg no filme "Jogador nº1" do Spielberg.

E não gastando as referências... #kanedaaaa kkkkkkk

Apostas para o Oscar 2018

2018-02-28T06:22:00.000-08:00

Por Carlos Guilherme Vogel

Dia 04 está chegando e com ele a tão esperada cerimônia do Oscar. Bom, ao menos para algumas pessoas viciadas em cinema, embora sabemos que a premiação não é unanimidade entre os admiradores da sétima arte...

Eu costumo fazer uma maratona para assistir o máximo possível de filmes e poder dar os meus palpites. Segue abaixo a lista com os meus preferidos e alguns comentários sobre as categorias e os indicados.

FILME: 2018 foi um ano de bons filmes, apesar de não ter achado nenhum deles excepcionais, mas todos os indicados foram muito bons de assistir. Minha aposta é em “Três Anúncios para um Crime”, mas não ficaria chateado se o prêmio fosse para “Me chame pelo seu nome”. Acredito também que “Mudbound” merecia estar entre os indicados. Quem indica nove, indica dez, pô!

DIREÇÃO: Primeiro uma reclamação: acho que Martin McDonagh merecia indicação por “Três Anúncios...”. Entre os indicados, apesar da excelente direção de Guillermo del Toro em “A Forma da Água”, meu palpite (e minha torcida) é de que o prêmio vá para Christopher Nolan, por “Dunkirk”.

ATRIZ: Frances McDormand, por "Três anúncios para um crime". 21 anos depois de levar o prêmio por “Fargo”, ela tá arrebentando no papel de uma mãe que busca justiça pela morte da filha. Atuação foda. Vai ganhar de novo!

ATOR: Uma categoria difícil, com veteranos como Gary Oldman e ‘Sir’ Daniel Day Lewis concorrendo ao prêmio. A briga é difícil, mas a sensibilidade da interpretação de Timothée Chalamet em "Me chame pelo seu nome" pode garantir o Oscar pro moleque. Eu aposto minhas fichas nele.

FOTOGRAFIA: Fico em dúvida entre “Dunkirk” e “Mudbound”, mas vou apostar no segundo. Foto bonita pra c#$#*&0. Quero fazer um filme com uma foto dessas.

ATRIZ COADJUVANTE: Outra categoria bem difícil, na minha opinião. Allison Janney ("Eu, Tonya") levou o Globo de Ouro da categoria . Mary J. Blige ("Mudbound") emociona só com o olhar, e se ganhar o prêmio também vai ser merecido. Sou fã da Octávia Spencer desde “Histórias Cruzadas”, mas seu papel em “A Forma da Água” não me parece tão forte quanto o das concorrentes. Meu voto, então, vai para a interpretação potente de Laurie Metcalf em "Lady Bird".

ATOR COADJUVANTE: Woody Harrelson e Sam Rockwell estão excelentes em "Três anúncios para um crime", tanto que o filme rendeu dois indicados na mesma categoria. Vou apostar minhas fichas no primeiro.

ROTEIRO ORIGINAL: Martin McDonagh já levou o Globo de Ouro por “Três Anúncios para um Crime” e, na minha modesta opinião, vai levar o Oscar pra casa também. Todos os roteiros indicados merecem estar na disputa, mas a essas alturas do campeonato, já deu pra sacar qual o meu filme favorito deste ano...

ROTEIRO ADAPTADO: Outra categoria de excelentes roteiros. Meu voto vai para “Me chame pelo seu nome”, baseado no romance do egípcio André Aciman. “Mudbound” também é muito bem escrito e “A Grande Jogada” consegue ser bom mesmo recorrendo à narração.

DESIGN DE PRODUÇÃO: Estou entre “Dunkirk” e “A Forma da Água”. E até agora não consegui chegar a uma conclusão... voto em aberto até o momento.

EDIÇÃO: Vou apostar em “Dunkirk”, mas sem muita convicção. Acredito que “A Forma da Água”e “Três Anúncios para um crime” também tem chances de ficar com a estatueta.

FIGURINO: Coloco minhas fichas em “Trama Fantasma”, porque no filme as roupas e a confecção das peças fazem parte da trama da história, e tudo foi perfeitamente construído.

EDIÇÃO DE SOM e MIXAGEM DE SOM: os indicados são os mesmos nas duas categorias. Minha torcida é para “Dunkirk” e “A Forma da Água”. Cada um podia ganhar uma das categorias né?

TRILHA SONORA: “Três Anúncios para um Crime” tem uma trilha impecável, mas meu voto vai para “A Forma da Água”.

CANÇÃO ORIGINAL: Acho que Mistery of Love encaixa perfeitamente em “Me chame pelo seu nome”. Mas vale uma menção aqui para Mighty River (Mudbound), escrita e interpretada por Mary J. Blige, que também atua no filme.

LONGA DOCUMENTÁRIO: Não consegui assistir aos cinco indicados, mas com base nos que assisti, meu voto vai para “Visages Villages”, da veterana Agnès Varda e do fotógrafo JR. Não acho que um Oscar vá fazer muita diferença na carreira de Agnès, que aos 89 anos não precisa provar mais nada, mas um prêmio como esse mostra que idade não é empecilho para novos e entusiasmantes projetos. E comprova que parcerias entre os mais jovens e os mais experientes podem rendem excelentes resultados. S2

LONGA ANIMAÇÃO: Só assisti “Com amor, Van Gogh” e mesmo sem ter assistido aos outros, estou na torcida por ele. As imagens captam perfeitamente a essência da obra do pintor e foi uma das melhores coisas que assisti no cinema em 2017. Saí do cinema babando.

FILME ESTRANGEIRO: Por último, minha categoria preferida. Imagino que não seja fácil selecionar os cinco melhores filmes vindos de todos os cantos do planeta, mas os indicados fazem jus à categoria, que este ano tem os vencedores de 2017 de Cannes (“The Square: a arte da discórdia”) e de Berlin (“Corpo e Alma”), os mais importantes festivais do mundo, portanto dispensam comentários. O russo “Loveless” tem um roteiro excelente e prende durante as mais de duas horas de duração, mesmo sendo uma história pesada. De todos, o que eu menos gostei foi “Uma Mulher Fantástica”, mas ainda assim é muito bom (confesso que impliquei com o roteiro). E há que se comemorar o fato de Daniela Vega estar entre os artistas que apresentarão a premiação, pois pela primeira vez uma atriz transexual está entre os escalados. Parece que a Academia deu ouvidos às críticas que recebeu em 2016, quanto à ausência de diversidade, e está se esforçando...

Mas voltando aos indicados, meu voto vai para “O Insulto”. Os filmes vindos do oriente sempre surpreendem e este, partindo de uma premissa simples – um homem é insultado por outro por conta de uma calha, – aborda o histórico enfrentamento entre cristãos e muçulmanos no oriente médio. É a primeira vez que um filme libanês é indicado e, acredito eu, tem chances de levar o prêmio. Mas a briga vai ser feia.

Com relação às demais categorias (Curtas, efeitos visuais e maquiagem... ), sigo a orientação da Glória Pires e vou ficar de boca fechada, pois...

Daniel Esteves, Processos Criativos nos Quadrinhos

2018-02-22T08:13:00.001-08:00

Em um mercado cheio de dificuldades e praticamente sem grandes editoras investindo em material nacional, os quadrinistas precisam se desdobrar para conseguirem lançar seus trabalhos. Daniel Esteves acabou virando editor de seus quadrinhos e abrindo a própria editora. “Tenho que pensar não só nas tramas, personagens e na forma do roteiro, como também nas tantas questões editoriais”, comenta o roteirista sobre a árdua tarefa. Ele, que começou a produzir ainda no colegial, com amigos, hoje tem seu próprio selo de quadrinhos, a Zapata Edições, e uma escola, a HQ em FOCO. Conversamos com Daniel sobre seus processos criativos, o mercado brasileiro e o ofício do roteirista de quadrinhos no país “Desenhistas tem uma ampla gama de opções para trabalhos próximos aos quadrinhos, em Ilustração, assim conseguem se manter mais próximos, mesmo quando falta dinheiro nas HQs. Os roteiristas até conseguem alguns ofícios dentro do mercado editorial, mas nada que o desenvolva de fato como roteirista.”

Como você começou a trabalhar com quadrinhos?
A vontade esteve presente desde o início da adolescência. Fiz colegial técnico de Desenho de Comunicação e lá tive a oportunidade de conhecer outras pessoas que queriam produzir. Começamos algo ainda bem tímido, amador, mas a partir disso fomos cavando espaço na própria escola e depois de formados começamos a dar um curso livre de quadrinhos para os alunos que ainda estavam cursando. Em paralelo fui encontrando pequenos espaços para publicar, como a revista Quadreca da ECA/USP (na época estava cursando História). Além disso já comecei a produzir HQs independentes com os parceiros de trabalho no já referido curso. O tempo passou, isso foi no começo dos anos 2000, fiz parte de muitas iniciativas, como a FRONT, Quarto Mundo e o trabalho foi avançando. Hoje o tal curso é a minha escola: HQ em FOCO, que se desdobrou também no meu selo de HQs Independentes: Zapata Edições.

Como é seu processo criativo? Você tem uma rotina de criação? Tem metas? Como fazer pra chegar da ideia ao papel?
Meu processo criativo é até ordenado, porém não trabalho com uma rotina fechada, muitas vezes funcionando mais em momentos de pressão do que pensando a longo prazo (ok, sei que estou errado, mas não vou mentir aqui, né?). Sobre o processo em si, desde a primeira ideia eu já estou pensando em como vou publicar. É uma história curta para alguma coletânea que me chamaram? Então vou trabalhar em cima dos parâmetros que me passaram. O mesmo se for uma HQ que uma editora está me encomendando. Já nos casos de publicações do meu próprio selo, vou imaginando como viabilizar aquilo, se será um catarse, se vou apresentar nalgum edital, ou se vou viabilizar diretamente. Em paralelo a isso já estou pensando e convidando os parceiros. Uma vez com isso definido aí sim eu desenvolvo a história para além das primeiras ideias e rascunhos. Criar personagens, mundos, desenvolver o drama da história. Com a história criada passo para o roteiro final, para a definição de quantas páginas a história vai ter, como vou distribuí-la por essas páginas e a forma como vou entregar isso tudo ao desenhista.

Quais temas gosta de abordar?
Tudo depende da época, do momento, mas minhas histórias talvez tenham em comum elementos de críticas políticas e sociais. O tema pode variar, a forma também, seja numa ótica mais leve ou numa versão mais pesada, mas certas questões acabam aparecendo com certa frequência. Uma forma de alertar sobre opressões, ou de tentar dar voz ao oprimido. Por exemplo, a questão da terra, está presente em Por mais um dia com Zapata, A luta contra Canudos, São Paulo dos Mortos vol. 01 e em Bichos.

Lógico que grandes autores e histórias fizeram minha cabeça, me levaram a desenvolver um estilo, mas na maior parte da minha produção eu percebo uma influência muito maior de fora do universo das narrativas, vinda do mundo real, seja da minha vida, ou de fatos que me levam a querer contar uma história.

Quais suas principais referências? O que te inspira?
Alguns autores fizeram parte da minha formação como roteirista, incentivaram muito a querer escrever, mas não são eles o motivo que me leva a escrever, apesar de ser muito tentador começar a escrever depois de ler ou assistir uma narrativa fantástica. A depender da história, por exemplo, em Nanquim Descartável, o mais importante e inspirador era o convívio com os amigos e certos processos emocionais que eu estava vivendo naquele momento. Em KM BLUES, por mais que a história não tenha sido motivada por isso, após criados os personagens e o esboço todo da trama, o que mais me inspirou foi a presença do Cartola dentro da narrativa e a relação que eu ia obtendo das músicas dele com o que eu queria contar. Em Por mais um dia com Zapata eu me inspirava muito com os Corridos, música popular tradicional mexicana, que falavam sobre o tema e com depoimentos de sobreviventes da época da revolução, em vídeo, áudio, ou texto. O caso do Pinheirinho em São José dos Campos, uma comunidade expulsa pelo prefeito com apoio do Governador, para beneficiar empresários ricos e corruptos, foi uma grande base de inspiração para a existência de São Paulo dos Mortos. As censuras a arte por parte do MBL foram um mote que me inspirou a produzir uma das histórias de Bichos, meu último quadrinho. Lógico que grandes autores e histórias fizeram minha cabeça, me levaram a desenvolver um estilo, mas na maior parte da minha produção eu percebo uma influência muito maior de fora do universo das narrativas, vinda do mundo real, seja da minha vida, ou de fatos que me levam a querer contar uma história.

Você faz alguma pesquisa para suas histórias?
Bastante! Pesquisas podem ter muitas naturezas. Por exemplo, nas HQs históricas que fiz: A luta contra Canudos, Herança Africana no Brasil e sobretudo em Por mais um dia com Zapata, a tal pesquisa fica mais reconhecível, pois vou a documentos, livros, filmes, etc, para aprender o maior número de informações possíveis sobre aquele mundo e compor uma ambientação e reconstrução de fatos o mais fiéis possíveis. Já quando fui produzir São Paulo dos Mortos, assisti e li uma porrada de coisas com a temática de zumbis, para entrar no clima e reconhecer certos elementos comuns a essas narrativas. E isso vale para outras tantas histórias. A pesquisa pode ser tanto parte da criação do background da história, quanto pode ser uma forma de destravar alguma bloqueio, ou encontrar novos elementos para uma cena.

Uma hora a gente tem que encarar o branco e colocar as coisas pra frente, mas tem momentos que nem toda a disciplina do mundo resolve e o jeito mesmo é fugir até reencontrar algum resquício de inspiração que possa resolver aquele problema.

O que faz quando tem o famoso branco?
Procrastino, vou lavar louça, passear com o cachorro, conversar com os amigos online, uma porrada de coisa para fugir da história, seja de forma consciente ou inconsciente. Uma hora a gente tem que encarar o branco e colocar as coisas pra frente, mas tem momentos que nem toda a disciplina do mundo resolve e o jeito mesmo é fugir até reencontrar algum resquício de inspiração que possa resolver aquele problema.

Qual a importância das personagens para as histórias? Qual seu trabalho de desenvolvimento de personagens?
Novamente depende da história. Nalgumas histórias os personagens servem apenas de alegoria e ferramenta para se contar um fato, ideia ou tema que eu pretendia abordar. Noutras vezes eu preciso muito de um personagem para aí sim conseguir desenvolver minha história. Obviamente no segundo caso a criação do personagem é mais elaborada e tento pensá-lo em muitas dimensões, para ele não ser apenas um fantoche na minha mão, mas sim ter vontade própria. Alguns personagens são diretamente baseados nalgum amigo, colega ou conhecido. Outros se desenvolvem como uma soma de características de várias pessoas que conheço. Outros até podem ser amplamente retratados com características minhas. Alguns até tentam retratar um extrato ou classe, e para isso é inevitável cair nalgumas generalizações, mas sempre tomando cuidado para não chegar a um estereótipo que seja de alguma forma ofensivo, ou que ressalte preconceitos.

Penso minhas histórias a partir de páginas. A unidade essencial pra mim é essa.

Qual a importância do quadro em uma história em quadrinhos?
Penso minhas histórias a partir de páginas. A unidade essencial pra mim é essa. Pra isso tenho que entender o que cabe em cada página, ou seja, quantos quadros a página vai ter. Mas a essência pra mim são as páginas. Uma vez definido isso eu vou a descrição de cada quadro para enviar ao desenhista, mas nalgumas vezes prefiro descrever a página como um todo, dando mais liberdade ao artista. Mesmo sendo esse o caso, prefiro ver os esboços de cada página, ou seja, com todos os quadros já dispostos de acordo com a proposta de diagramação, para em cima disso definir se está tudo de acordo com as intenções da história e o ritmo da história.

Por mais um dia com Zapata poderia ter 500 páginas, mas tem 140. Pois não tenho condições de lançar um livro gigante, seja por custo, tempo de produção, ou pela agenda dos parceiros desenhistas.

Existe diferença entre o que vai em uma página ímpar e uma par?
Seguindo a resposta anterior, pra mim o segredo todo tá na condução da história em páginas. Depois de criar a história, ou ainda durante o processo de criação (depende de caso a caso), vou dividindo em páginas, pensando quantas e como vou distribuir minha história por elas. Nisso vem uma série de coisas, como essa diferença entre página ímpar e par, para controlar o fluxo da narrativa para o leitor. Além disso, tento sempre ser econômico. Uma brincadeira recorrente, é que estamos no Brasil e não no Japão. Por isso tento não extrapolar na narrativa lenta, pois pelo tanto que podemos publicar por ano prefiro condensar um pouco mais a história. Por mais um dia com Zapata poderia ter 500 páginas, mas tem 140. Pois não tenho condições de lançar um livro gigante, seja por custo, tempo de produção, ou pela agenda dos parceiros desenhistas.

Tento ser o mais sincero possível naquilo que produzo, não faço apenas pensando em venda, mas primo pelas mensagens que me são importantes, ou que fazem com que eu me divirta produzindo.

Como chegar até o público? Como estabelecer uma relação com o leitor?
Difícil responder a isso. Tento ser o mais sincero possível naquilo que produzo, não faço apenas pensando em venda, mas primo pelas mensagens que me são importantes, ou que fazem com que eu me divirta produzindo. Lançando suas publicações e correndo muito atrás você começa a sentir uma resposta do público. Mesmo que não venda horrores, você leva sua mensagem até as pessoas e percebe que ela produz algum impacto em quem lê.

Como é a relação entre o roteirista e o desenhista?
Se você não puder sentar para beber uma cerveja (ou um café) com seu parceiro, tudo se complica. Lógico que dá pra produzir uma história sem conhecer o desenhista, mas uma das partes mais divertidas é exatamente essa interação, receber esboços do desenhista e discutir com ele as soluções encontradas, pensando em melhorar o fluxo da narrativa. A maioria dos desenhistas com quem trabalhei são grandes amigos. Ou eram antes do processo, ou se tornaram depois. O meu trabalho não acaba quando envio o roteiro para o artista. Temos muito a conversar, por isso é melhor uma relação de amizade.

Você consegue viver de quadrinhos?
Ainda não morri de quadrinhos, então acho que a resposta a isso é SIM! Lógico que não é fácil, não faço apenas o que quero, mas meu sustento gira entre aulas, minha produção e a produção de material encomendado, as vezes pendendo mais para um, as vezes para outro.

Você também edita muitas de suas publicações. Qual o papel de um editor de quadrinhos em uma obra?
No meu caso os papéis de AUTOR e EDITOR se confundem um pouco. Sei que são dois ofícios diferentes e que preciso ficar atento. Tenho que pensar não só nas tramas, personagens e na forma do roteiro, como também nas tantas questões editoriais. De partida tenho que definir a forma do produto, se será um livro, uma revista, quantas páginas, formato, etc. Depois como vou viabilizar, quais os prazos, quando quero lançar, como vou conseguir o dinheiro para isso, orçamentos de gráficas e todo esse contato com prestadores de serviços. Em paralelo pensar no parceiro que será convidado, ou até se serão vários desenhistas, expediente bem comum para poder dar conta de prazos e disponibilidade dos artistas. Uma vez que as artes vão chegando, vou olhar não só como o criador da história, mas também como editor, para ver se não tem nada que possa fugir das características da obra que estou produzindo. Arrumar um revisor, pois não dá para revisar o próprio texto. Pensar no projeto gráfico, mesmo que tenha um designer, coloco as ideias e o que imagino para a publicação. Uma vez com tudo pronto, o fechamento do arquivo e o acompanhamento com a gráfica. Em paralelo a divulgação, lançamentos, distribuição, vendas, etc, etc, etc. Enfim, não é “só” escrever a história. Tem uma porrada de afazer dentro desse processo. Gostaria de ser um editor minimamente competente, como sei que sou como roteirista.

Existe diferenças de mercado de trabalho para roteiristas e desenhistas?
Com certeza. Desenhistas tem uma ampla gama de opções para trabalhos próximos aos quadrinhos, em Ilustração, assim conseguem se manter mais próximos, mesmo quando falta dinheiro nas HQs. Os roteiristas até conseguem alguns ofícios dentro do mercado editorial, mas nada que o desenvolva de fato como roteirista. Fato que durante tanto tempo tínhamos poucos autores só roteiristas, agora vem aumentando nesse momento de crescimento dos quadrinhos. Lógico que é mais prático para desenhistas escreverem seus próprios roteiros, limitando ainda mais as opções dos roteiristas. Mas não falo isso com lamento, pois temos grandes roteiristas atualmente e é um universo que vem crescendo. Roteiristas que não desenham precisam arregaçar as mangas, encontrar parceiros e produzir, pois ninguém vai ler apenas roteiros, diferente de um desenhista que pode provar seu talento mostrando um portfólio de ilustração.

Quais as dificuldades do mercado brasileiro?
Para não me estender muito em lamentos sem fim, nem criar uma impressão pra quem tá lendo de que não deveria fazer quadrinhos, vou falar pouco de alguns problemas, que não são exclusividade do universo dos quadrinhos. Distribuição é um primeiro calcanhar de Aquiles do mercado editorial. Se o livro não chega até as pessoas não vai vender tanto. Quando chegam, estão dentro de livrarias abarrotadas de produtos, escondidos entre um bocado de best-sellers, ou modismos descartáveis, num país que lê menos do que deveria. Em meio a isso tudo, pensando num microcosmo do universo de HQs independentes, acabamos nos abraçando muito a eventos, pequenas lojas e ao boca a boca de pequenos sites e alguns leitores fiéis.

O que te motiva a continuar fazendo quadrinhos?
Poder tratar de alguns temas com liberdade, a parceria com artistas fantásticos e a necessidade de contar histórias.

Se minha geração provou que dava pra fazer, essa nova tem provado que dá pra fazer bem feito e com grande primor gráfico, temático e editorial.

Além de roteirista e editor, você dá aulas de HQs. Como você tem visto a nova geração de quadrinistas? O que aconselharia para quem está começando ou quer trabalhar com quadrinhos?
Simplesmente não dá pra acompanhar o surgimento de tantos artistas ótimos nos quadrinhos brasileiros. Eles surgem num cenário que sei que ajudei a construir, junto a tantos outros artistas maravilhosos, com raciocínio e desejos muito maiores do que os da minha geração, quando começamos a produzir. Se minha geração provou que dava pra fazer, essa nova tem provado que dá pra fazer bem feito e com grande primor gráfico, temático e editorial. Pra quem está começando só posso dizer que seja bem vindo, que escute conselhos daqueles que estão aí a mais tempo (mesmo que seja pra depois ir lá e fazer tudo diferente), e, por fim: “Sente aí na mesa, e vamos planejar umas coisas para o futuro”. Lógico que ainda temos muitos problemas pra enfrentar, mas a gana, o tesão e a falta de limites dessa nova geração só me inspiram a produzir mais e mais.

Joel Caetano, Processos Criativos no Cinema

2017-11-23T12:58:00.000-08:00

Uma paixão pelas artes. Alguns causos contados pelos avós. Uma viagem no cinema com “Labirinto – A Magia do Tempo”. Um manifesto pela produção de guerrilha, de baixo orçamento. Uma parceria nascida na faculdade. E no meio disso tudo, juntando referências de todas as partes, Joel Caetano.
Diretor de curtas como “Gato”, “Encosto”, “Judas” e do segmento “A Loira do Banheiro” do longa “As Fábulas Negras”, Joel é um dos expoentes da nova geração do cinema de terror nacional. Seus trabalhos rodam por diversos festivais, levantam importantes prêmios e conquistam fãs por todo o país.
Conversamos com o realizador sobre os processos criativos que envolvem sua obra.

Como você começou a trabalhar com cinema?
Sempre gostei de cinema, mas quando jovem não imaginava que um dia iria produzir um filme, pois parecia algo muito distante da minha realidade. Essa condição só mudou quando resolvi ingressar na faculdade.
Eu queria fazer algum curso de artes devido a minha paixão pela escrita, desenho e música, mas não sabia ainda qual seria. A princípio me senti inclinado a escolher artes plásticas, mas logo mudei de ideia ao conhecer o audiovisual, pois unia tudo o que eu mais gostava, imagens, sons e movimento. A identificação foi imediata, pela primeira vez na vida percebi que aquele era o meu lugar no mundo.
O curso abriu a minha mente para diversas possibilidades, mas a minha paixão pelo cinema falou mais alto e logo no primeiro ano, mesmo sem muita experiência eu e Mariana Zani (minha sócia até hoje) nos juntamos a alguns amigos e fundamos a Recuso Zero Produções, que era uma espécie de manifesto ao cinema sem recursos, feito na guerrilha. Hoje em dia ainda usamos a sigla RZP Filmes, mas as produções não são mais “recurso zero” como antes. A empresa já completou 17 anos e se tornou uma produtora de cinema e cursos presenciais e já exibiu seus filmes em diversos festivais pelo mundo, atendendo várias cidades levando cursos e palestras relacionados a sétima arte por todo o Brasil.

Costumo anotar tudo o que considero relevante e quando sinto que tenho material suficiente, começo a escrever o argumento.

Como é seu processo criativo? Você tem uma rotina de criação? Tem metas? Como fazer pra chegar da ideia ao roteiro?
Normalmente as minhas ideias vêm em momentos mais inusitados. Pode ser ouvindo uma música, tomando banho, ou até antes de dormir. Costumo anotar tudo o que considero relevante e quando sinto que tenho material suficiente, começo a escrever o argumento. Depois que tenho esse material, procuro saber quem são essas personagens, escrevo uma espécie de dossiê de cada um deles e só a partir daí eu começo a escrever o roteiro. Esse processo de saber quem são esses agentes da história é muito importante para mim, pois determina as escolhas que eles vão tomar dentro da narrativa proposta e em muitos casos até mudá-la. Tendo esse material na mão, fica mais fácil escrever o roteiro. Tento balancear bem a história que quero contar com as ações dessas personagens que nem sempre estão a favor da narrativa que eu havia pensado anteriormente. É um jogo interessante e muito excitante.
Em relação as metas, como trabalhei muito tempo em uma produtora de filmes institucionais e publicidade, onde geralmente os prazos são muito rígidos, consegui desenvolver uma disciplina que me ajuda a cumprir metas sem problemas. Mas é claro que tudo depende muito do projeto. Tem histórias que passo anos escrevendo, e outras que surgem rapidamente de acordo com uma necessidade específica. Vou dar dois exemplos:
No caso do curta-metragem JUDAS (2015), eu estava conversando com alguns amigos em um bar e contei uma historia de quando criança, construí um boneco e não tive coragem de malhá-lo por não ver sentido naquela violência gratuita. Foi unânime, todos acharam que daria um bom filme, aí foi só sentar e escrever. Como era um projeto sem muitas pretensões, não me preocupei muito com metas, somente em desenvolver bem a ideia. De qualquer forma, escrever foi bem rápido e com o roteiro nas mãos, é só começar o processo técnico de pré-produção, que varia de acordo com o tamanho da obra que iremos realizar. Esse filme teve um pré de uns 6 meses, pois o ator principal se machucou e tivemos que esperar, apesar disso, quando começamos a filmar levou apenas 5 dias para realiza-lo.
No caso de “A loira do Banheiro” para a antologia “As Fábulas Negras” de 2015 fiz sob encomenda, então tinha um prazo predeterminado. Eu não tinha nenhuma história, recebei o tema do Rodrigo Aragão e comecei a desenvolver o roteiro por meio de pesquisa sobre a lenda. Tudo foi um pouco mais complexo e levou mais tempo, em média uns 6 meses para finalizar o roteiro. Eu tive que me adequar também as peculiaridades da antologia e as restrições orçamentárias, procurando extrair o máximo do que eu teria em mãos na hora de dirigir o filme. Foi um exercício muito bom e tenho muito orgulho do resultado final. O filme foi filmado em 6 dias, e a edição levou uns 4 meses para ficar pronta.

Quais temas gosta de abordar?
Gosto de abordar o psicológico das personagens, criando uma linha tênue entre a realidade e fantasia que muitas vezes é representada pela dicotomia entre o belo e o grotesco.

O primeiro contato que tive com histórias de ficção foi com meus avós que adoravam contar “causos” reunindo os netos para narrar histórias

Quais suas principais referências? O que te inspira?
O primeiro contato que tive com histórias de ficção foi com meus avós que adoravam contar “causos” reunindo os netos para narrar histórias sobre os ataques de Cangaceiros, Lobisomens, “Visagens” e do Papa-Figo (antiga lenda do folclore nordestino equivalente ao velho do saco). Isso com certeza faz parte do que me define como artista até hoje.
Quando criança descobri que tinha aptidão para o desenho e influenciado pelas revistas, animações e filmes da década de 1980, comecei a produzir minhas próprias histórias em quadrinhos. Naquela época as crianças podiam ver de tudo na TV (não estou julgando se era certo ou errado, mas era um fato), desde comédia adolescente sacana, passando por filmes violentos de ação, fantasia, épicos espaciais, aventura até chegar aos filmes de terror sangrentos/assustadores. Com certeza isso foi muito crucial para minha formação também.
Outra influência muito forte na minha carreira foram os primeiros filmes que vi no cinema. Fiquei encantado quando (aos 10 anos de idade) me deparei com o filme “Labirinto - A Magia do tempo” de Jim Henson (1986). Foi um experiência inesquecível. Me lembro de ficar tão impressionado que comecei a ter uma espécie de ilusão com as criaturas do filme, chegando a vê-las sentadas ao meu lado nas poltronas da sala de cinema. Era como se eu tivesse atravessado a barreira da entre sonho e realidade (o que diz muito sobre as minhas escolhas como artista)! Já o segundo que assisti foi “Robocop - O Policial do Futuro” de 1987 do diretor Paul Verhoeven. Levei um tremendo choque ao ter contato com toda aquela violência gráfica, mas de alguma forma, apesar de muito jovem, entendi a proposta do filme e consegui enxergar naquele espetáculo sangrento uma critica divertida a nossa sociedade.
Mais tarde, quando meu pai finalmente comprou um aparelho de videocassete, tive acesso a uma grande quantidade de filmes em VHS. A possibilidade de assistir repetidas vezes os meus filmes favoritos se tornou um prazer que carrego até hoje. Foi meu momento de devorar cinema ferozmente, chegando a assistir diversos filmes por dia. Eu me lembro que ele tinha a trilogia de Star Wars (que eu só tinha assistido na TV), que eu via repetidamente toda a semana, era muito divertido. Foi nessa época também que revi sem parar vários filmes de terror, como Evil Dead (1981), Fome Animal (1992), Hellraiser (1987), A hora do Pesadelo (1984), A volta dos Mortos Vivos (1985), Alien (1979) entre outros que moldaram meu gosto pelo gênero.
Por fim, quando ingressei na faculdade, procurei assistir todo tipo de filme possível, criando um repertório que embora tenha base nos filmes que vi na infância, foi ampliado de forma definitiva nesse período, o que com certeza apurou ainda mais meu senso crítico e artístico.

A Loira do Banheiro

Você faz alguma pesquisa para suas histórias?
Sim, acho uma parte crucial do processo, pois muitas vezes não dominamos completamente determinados assuntos, e a pesquisa nos ajuda a escrever com mais propriedade e verossimilhança.
No curta-metragem “ENCOSTO” (2013) por exemplo, pesquisei muito sobre o Candomblé, com intuito de fazer algo que representasse a religião com respeito e fidelidade visual (nesse caso não reproduzimos nenhum ritual existente, somente usamos elementos do candomblé para criarmos nosso próprio fictício). Dessa forma, pude representar as lindas cores e elementos dessa religião de uma forma fictícia com muito cuidado e sem perder o foco na assustadora história que eu desejava contar.
Já no “JUDAS” li muito sobre o assunto com intuito de usar essa tradição da malhação do boneco como uma metáfora para a banalização da violência e abuso do trabalho infantil. Era importante explicar no filme de onde vinha essa tradição, e a melhor forma que achei foi usar trechos de áudio de reportagens sobre o assunto, já que um das personagens está assistindo TV.
Em “A loira do Banheiro” a pesquisa serviu para reunir as diversas versões da lenda para então, baseado nessa leitura construir a minha própria história. Como é uma lenda que tem diversas versões, tentei integrar as duas mais famosas no filme, a loira do banheiro, da professora que foi enterrada na escola e da menina do algodão, que só se acalma quando estancam o sangue de suas feridas com algodão.

Encosto

O que faz quando tem o famoso branco?
Eu procuro analisar o projeto como um todo e usar a técnica narrativa para pelo menos dar prosseguimento na história. Depois volto a esse ponto, com a mente mais clara e vejo se há como melhorar o que foi escrito. São raros os momentos em que eu preciso dar um tempo muito grande para voltar a escrever, mas pode acontecer. Acho que são nesses momentos que o preparo técnico mais nos auxilia, por isso é sempre muito importante estudar bastante os livros teóricos de roteiro e fazer cursos sobre o assunto.

Geralmente bons personagens fazem boas histórias, o contrário acho mais difícil.

Qual a importância das personagens para as histórias? Qual seu trabalho de desenvolvimento de personagens?
Personagens são tudo na história. Elas determinam os caminhos a serem tomados e a partir delas é que se constrói a narrativa. Por isso, depois que escrevo o argumento, que é a ideia central da história com começo, meio e fim (ou não, se por acaso estiver escrevendo uma história que desconstrói essa estrutura), procuro trabalhar bastante nas personagens determinando todas as nuances de suas personalidades baseadas em suas histórias de vida. Isso ajuda muito na hora de escrever o roteiro, que muitas vezes, toma rumos diferentes do que eu havia escrito no argumento baseado nas personalidades dessas personagens. Geralmente bons personagens fazem boas histórias, o contrário acho mais difícil.

Existe uma ilusão de que set de filmagem é uma loucura, com diretor fazendo escândalo, atores problemáticos e equipe de malucos que fazem tudo de forma aleatória. Isso é a mais pura bobagem.

E como sair do roteiro para as telas?
Com um bom roteiro nas mãos começamos o processo técnico, que é decupar esse material de forma organizada e sistemática para se realizar o filme. É um momento que demanda muita atenção, pois temos que fazer a nossa produção caber dentro do orçamento proposto. É um quebra cabeça que deve ser feito com muito cuidado nos detalhes.
A primeira coisa que faço é determinar quais os planos que vou usar em cada cena. No meu caso, depois desse processo, desenho o storyboard. A partir dos desenhos já tenho uma ideia do tamanho da produção e do grau de dificuldade em cada cena e somente a partir daí, começo a pensar no cronograma de filmagem com a equipe. Para isso, é necessário envolver todos os departamentos, pois a realização de um filme é coletiva, e a falta de uma tarefa realizada por um determinado setor da produção pode acarretar um desgaste enorme durante as filmagens. Por isso, as ordens do dia devem conter todos os planos que serão filmados, as locações, os objetos de cena, maquiagem, figurino, efeitos especiais, o período em que será filmado (diurna ou noturna), os atores que irão participar da cena e tudo o que envolve a produção naquele dia (inclusive previsão de tempo e horários para alimentação). Tudo isso é necessário para que a gravação das cenas flua tranquilamente.
Existe uma ilusão de que set de filmagem é uma loucura, com diretor fazendo escândalo, atores problemáticos e equipe de malucos que fazem tudo de forma aleatória. Isso é a mais pura bobagem. O momento de se realizar o filme e requer muita técnica e organização, que levarão a termos um set organizado e competente. Para aqueles que como eu, já filmaram com pouco recurso isso ajuda a economizar muito, pois não há desperdícios.
Outra coisa importante de se mencionar a respeito de filmes de baixo orçamento é a forma como você pensa o projeto. Quando vou fazer filmes independentes sem apoio privado ou estatal, procuro criar uma história possível de ser gravada em um processo reverso, da seguinte forma:
Primeiro penso no que disponho, tanto de locações, equipamentos, atores e a disponibilidade de todos os profissionais envolvidos. A partir desses dados, já com uma ideia em mente escrevo o roteiro. Essa é uma forma de conseguir realizar sem frustrações, pois conheço muita gente que escreve um roteiro cuja a produção é inviável financeiramente naquele momento de sua carreira. O que acontece é que mesmo que consiga realizar o filme, ele ficará aquém do que realmente deveria ser. Gosto de ser prático, dar um passo de cada vez e quem sabe um dia, conseguir realizar meus roteiros mais ambiciosos.

Como faz a escolha de sua equipe?
Geralmente são profissionais que conheci nos meus anos trabalhando no audiovisual. Tenho alguns colaboradores que já trabalham há alguns anos comigo, com quem posso contar sempre que tenho um novo projeto. Já houve casos que trabalhei com equipes onde não conhecia ninguém e foi ótimo também, pois se todos forem profissionais, e você estiver com um projeto bem definido, não há grandes dificuldades na execução.

Joel Caetano com José Mojica e Rodrigo Aragão

Quais técnicas de direção de atores utiliza?
Eu procuro construir a personagem junto com o ator, mostrando como eu o imagino, mas sem exigir que ele faça exatamente igual ao que está no roteiro, pois o improviso quando realizado da forma correta deixa o texto mais natural (não gosto de interpretações teatrais, a não ser que seja a proposta do filme). Costumo aproveitar as características de cada ator e integra-la a personagem também, é outra forma de alcançar esse naturalismo. Por isso nos ensaios gasto mais tempo tentando fazer com que os atores entendam seu lugar na história. Quanto menos decorado e mais vivenciado melhor. Os ensaios servem também para observar o que cada um traz para essas personagens e com isso, posso direcionar o que acho que funciona ou não dentro da narrativa proposta. Costumo trabalhar bastante com não atores e nesse caso, procuro figuras prontas para o papel, usando ao máximo suas características reais, tirando a interpretação e buscando a naturalidade.

Bastidores de "A Loira do Banheiro"

Como é a relação entre diretor e diretor de fotografia?
Gosto de trabalhar com diretores de fotografia que acrescentam criativamente no projeto. Acho que é uma figura que tem que ir sempre além da técnica e quando proponho desafios estilísticos durante as filmagens, gosto de ouvir que é possível, mesmo em condições adversas. Durante as filmagens de “A Loira do Banheiro” aconteceram diversas situações complexas, devido a restrição de equipamentos (apesar de ser o filme mais caro que dirigi). Por sorte, tive ao meu lado o diretor de fotografia Alexandre Barcelos que além de ter um ótimo olhar técnico/criativo também não se deixou levar pelas adversidades impostas durante as filmagens. Essa garra para mim é importante e geralmente acrescenta muito no resultado final.

Como você compõe um enquadramento?
É difícil de explicar, pois penso no filme de uma forma integrada. Para mim a pré-produção, filmagem e pós-produção se misturam em uma cadência quase musical. Por isso, penso muito em ritmo quando estou bolando os enquadramentos, pois o a posição da câmera e seus movimentos devem proporcionar a quem está assistindo determinadas sensações que não necessariamente estão no roteiro, mas fazem parte do “algo mais” em uma obra cinematográfica. Esse processo varia, dependendo da temática, proposta visual, criativa e narrativa do filme.

Como você trabalha o som de um filme?
Eu gosto de pensar no som já vislumbrando a edição. Dar cadência, ritmo ao filme a partir das imagens, sons e silêncio. Um dos meus objetivos futuros é conseguir fazer um filme sem intervenções musicais, só imagens e sons da captação direta compondo um ritmo quase musical. Acho isso perfeito. Apesar disso, grande parte dos meus filmes têm a trilha composta especialmente para o a obra em si. Tive alguns colaboradores no decorrer dos anos, mas nos últimos trabalhos da RZP Filmes contei com a contribuição de Tiago Galvão, que fez a trilha dos curtas “ESTRANHA” (2011), “ENCOSTO” (2013) e “JUDAS” (2015) que complementou musicalmente de forma visceral ao que se vê na tela. Não costumo interferir muito na criação da trilha, explico as referências e deixo o artista criar, depois assisto o filme com o material que ele produziu e se necessário solicito alguma mudança que geralmente ocorre na adição de momentos de silêncio ou som ambiente.

Não faço filmes pensando em como o público vai reagir, ou se vai gostar ou não. Eu conto as histórias como elas devem ser.

Como chegar até o público? Como estabelecer uma relação com o espectador?
Acho que a melhor maneira de se chegar ao público é não pensando muito nele. Vou me explicar melhor. Não faço filmes pensando em como o público vai reagir, ou se vai gostar ou não. Eu conto as histórias como elas devem ser. O cinema é uma arte viva e até o último momento, durante a primeira exibição, algo que você planejou pode surtir um efeito completamente diferente ao público. Por isso a melhor maneira de estabelecer essa relação com o espectador é fazendo uma obra que represente seus verdadeiros ideais, quem se identificar vai gostar, quem não se identificar, se for bem feito, vai ao menos respeitar.

A Loira do Banheiro

Quais são as dificuldades na distribuição?
No meu caso acredito que é o preconceito com obras de gênero, principalmente independentes. Para se ter a ideia, há pouco tempo, tentei vender meus filmes para alguns canais. Um deles me respondeu dizendo que não aceitavam filmes com essa temática. Realmente não sei se foi por isso mesmo (pode ser que eles apenas não gostaram do material), mas se for é uma bobagem, pois está provado que filmes de terror fazem muito sucesso no Brasil (vide as últimas bilheterias de filmes do gênero no país).
Existem excelentes diretores produzindo no meio independente, inclusive filmes que como os meus, rodam o mundo inteiro e a dificuldade desses trabalhos serem levados a sério acaba atrapalhando a criação de um mercado mais amplo e diversificado. Seria perfeito conseguir vender os filmes e com esse dinheiro fazer outros cada vez maiores. Infelizmente essa ainda não é a realidade aqui no Brasil, onde a visão de mercado ainda é muito limitada.

Quais as dificuldades do mercado brasileiro?
Nosso cinema não tem uma indústria e quase tudo que é produzido, principalmente de forma independente tem uma enorme dificuldade de distribuição. Isso volta a pergunta anterior, é um ciclo que precisamos quebrar para que haja um maior desenvolvimento nesse setor.

Gato

O que te motiva a continuar fazendo cinema?
A vontade de dividir com todos histórias que eu sempre desejei ver representadas no cinema.

Não tenha medo de errar, e na medida do possível, use seus erros como aprendizado para produzir melhores trabalhos no futuro.

O que aconselharia para quem está começando ou quer trabalhar com cinema?
Que estude muito e produza, mesmo sem recursos. Não tenha medo de errar, e na medida do possível, use seus erros como aprendizado para produzir melhores trabalhos no futuro.
No mais, agradeço muito o espaço para de falar um pouco de meus filmes e desejo tudo de bom a todos que acompanham e fazem o Quadrinhólatra!

Luciano Cunha, Processos Criativos nos Quadrinhos

2017-10-26T09:19:00.002-07:00

Até onde um trauma pode te levar? Quando o Plano Collor acabou com uma vibrante cena de quadrinhos nacionais onde Luciano participava como desenhista do gibi do Menino Maluquinho, ele não esperava que anos mais tarde viria a ser o maior fenômeno das HQs brasileiras perseguindo os mesmos políticos que tanto atrapalharam sua carreira.
Os últimos quatro anos, de uma carreira de mais de trinta, chutaram a porta de Luciano Cunha e o transformaram no grande nome da nona arte brazuca, com seu anti herói O Doutrinador. O personagem, que caça políticos corruptos, foi lançado na internet, depois de recusas de diversas editoras com medo de processos, e hoje conta com mais de 125 mil seguidores nas redes. Agora parte para uma nova etapa com a adaptação para o cinema, dirigida por Johnny Araújo (vencedor de dois VMB).
Incansável, Luciano pretende levar essa experiência multiplataforma para outras HQs, em busca de um mercado financeiramente viável para o meio. Junto com seu sócio Gabriel Wainer criou a Guará Entretenimento, uma editora e núcleo criativo que pretende juntar quadrinhos com outras mídias, como games, boardgames e cinema. Ainda busca, junto à um grupo de artistas e editores, levar uma série de propostas ao Ministério da Cultura para o fomento da cena no Brasil.
Com vocês, Luciano Cunha:

Como você começou a trabalhar com quadrinhos?
Aos 16 anos fui contratado pelo estúdio Zappin, do Ziraldo. O ano era era 1988 e com essa idade desenhava o gibi do Menino Mauluqinho, que era publicado pela Editora Abril. Fiquei lá até o Plano Collor quase acabar com o país (Hehehehe). Foi uma época de muito aprendizado, trabalhar com o Ziraldo, que pra mim é gênio, com Ferreth, Helcy Miranda, só feras... inesquecível.

Meu processo sempre foi totalmente caótico, não segue nenhuma rotina, nada.

Como é seu processo criativo? Você tem uma rotina de criação? Tem metas? Como fazer pra chegar da ideia ao papel?
Meu processo sempre foi totalmente caótico, não segue nenhuma rotina, nada. Apenas tenho o roteiro na cabeça, pego referências fotográficas na web e começo a desenhar.

Quais temas gosta de abordar?
Quase sempre política. Sou um animal político. Mas outro dia notei que todos os meus personagens são anti-heróis. Nunca criei personagens certinhos, sempre foram desajustados, drogados, problemáticos, polêmicos.

Quais suas principais referências? O que te inspira?
Tenho muitas referências e são sempre elas que me inspiram: Jack Kirby, o Rei... Darwyn Cooke, Steve Rude, John Buscema, Adi Granov, Mitch Gerards, Rafael Albuquerque, e tantos outros... rs

Você faz alguma pesquisa para suas histórias?
Sim, muita pesquisa. Como minhas histórias sempre giram em torno de um fato real, preciso fazer bastante pesquisa

O que faz quando tem o famoso branco?
Pesquiso mais! Rsrsrs

Personagens são o coração de qualquer trama, é fundamental construí-los sobra uma base mais sólida possível.

Qual a importância das personagens para as histórias? Qual seu trabalho de desenvolvimento de personagens?
Eu não costumava trabalhar os personagens, eu ia desenvolvendo tudo no feeling mesmo... mas após participar da writer´s room do filme do Doutrinador, valorizo cada perfil e construção do universo de personagens, já começo a fazer isso nas atuais produções do selo Guará. Personagens são o coração de qualquer trama, é fundamental construí-los sobra uma base mais sólida possível.

Qual a importância do quadro em uma história em quadrinhos?
Uma imagem vale mil palavras, diz o ditado, né? Quando bem construídos e desenhados, o quadro é determinante pra imersão do leitor, né? Ele determina o ritmo da leitura, o peso da narrativa... enfim, é a alma do negócio! Rsrsrs

Quais são os cuidados na hora de diagramar uma página? Existe diferença entre o que vai em uma página ímpar e uma par?
Sim, há de se ter todo esse cuidado, aprendi isso de forma brutal num workshop que fiz na Quanta, ministrado pelo Sideny Gusman, da MSP. Foi sensacional. A página ímpar deve manter a surpresa da narrativa para a página par, isso é muito gostoso e não é simples de fazer... Infelizmente, não tenho todo o tempo que preciso para editar as páginas ímpares como deve ser feitas... algum dia chego lá!

Eu fiz cursos de como se administrar e usar uma fan page, é o mínimo que o artista pode fazer nos dias de hoje.

Como chegar até o público? Como estabelecer uma relação com o leitor?
Como chegar? Internet, redes sociais. Não há desculpas: leia, pesquise como funcionam as redes. Eu fiz cursos de como se administrar e usar uma fan page, é o mínimo que o artista pode fazer nos dias de hoje. Eu sou um exemplo vivo de como as redes sociais são a plataforma perfeita de publicação: em 4 anos saí da minha fan page, totalmente independente, para o cinema. Trabalhando muito e fazendo as conexões certas, que é o melhor que a internet pode te oferecer. Como se relacionar com o leitor? Sendo verdadeiro. Sempre!

Quais as dificuldades para publicar digital e físico? Quais são os cuidados que se deve tomar em cada um desses formatos?
Digital e físico têm um mesmo problema: distribuição. No digital você pode se auto publicar, mas você precisa se lançar para o mundo, correto? Se "distribuir". Aí que entram os cursos, o networking, o conhecimento para usar as redes de forma competente e viral. O quadrinho físico, atualmente, é quase que inteiramente vendido em eventos. Eu tenho uma boa vendagem on line, mas a minha página tem mais de 125 mil curtidas, acho que sou uma exceção. As duas tiragens do Doutrinador se esgotaram, mas é muito duro o caminho para se vender HQs nacionais, o bloqueio ainda é grande.

No momento, estou capitaneando uma iniciativa com um grupo de artistas e editores para levarmos ao Ministério da Cultura uma série de propostas de fomento da cena no Brasil, acho que vai dar pano pra manga.

Quais as dificuldades do mercado brasileiro?
Todas possíveis. Primeiro, a distribuição, que é um monopólio criminoso, coisa bem brasileira. A Panini deu um passo corajosos para enfrentar essa máfia, tomara que consiga! Segundo, o bloqueio que o leitor ainda possui quanto à produção nacional. Vem melhorando, mas ainda existe. Na minha opinião, no Brasil não há um mercado, o que temos é uma CENA. É diferente. Mercado é quando todos os atores envolvidos no processo conseguem seu sustento daquela atividade. Fora os artistas que desenham para fora e são agenciados, desconheço quadrinistas que vivam exclusivamente de quadrinhos. No momento, estou capitaneando uma iniciativa com um grupo de artistas e editores para levarmos ao Ministério da Cultura uma série de propostas de fomento da cena no Brasil, acho que vai dar pano pra manga.

O Doutrinador deve virar filme e série animada. Como está sendo esse processo de adaptação para outras mídias?
Um sonho, de verdade. Tudo é enriquecedor, diferente, maravilhoso. Probleminhas de adaptação das linguagens aqui e ali, mas é muito gratificante no final, estou vivendo um sonho.

Não vejo outra saída para os artistas atualmente: pensar a sua obra como um produto multiplataforma.

Adaptações de quadrinhos para cinema e séries são comuns nos Estados Unidos. Esse processo costuma ser um sucesso em termos financeiros e de criação de público. Quais benefícios as HQs brasileiras poderiam obter com um diálogo mais intenso com o audiovisual?
Acho fundamental para construir um público leitor e tornar nossa produção comercialmente atrativa, como chegou a ser nos anos 60 e 70. Eu e meu sócio Gabriel Wainer criamos a Guará Entretenimento justamente para aproveitar essa porta aberta pelo Doutrinador. Nossa editora e núcleo criativo vai se especializar em ser o canal entre HQs brasileiras e outras mídias, como a indústria de games, boardgames e cinema. Não vejo outra saída para os artistas atualmente: pensar a sua obra como um produto multiplataforma. É assim que vemos a nossa produção aqui na Guará. Queremos fazer o caminho inverso também: contratar artistas brasileiros que acabam emprestando seus talentos exclusivamente para o mercado externo. Temos 3 HQs em produção com nomes como Alisson Borges, Pericles Júnior, Daniel Franco, Alzir Alves, Osmarco Valladão, Jean Diaz... só gente do mais alto gabarito fazendo quadrinho brasileiro para brasileiros. É um orgulho total!

O que te motiva a continuar fazendo quadrinhos?
Paixão. Eu sou apaixonado por essa arte, desde que tive um gibi do Homem Aranha em minhas mãos, muito pequeno ainda. Mas eu lembro como se fosse ontem, a magia continua.

E não desista fácil. Eu esperei mais de 30 anos para ver meu trabalho reconhecido.

O que aconselharia para quem está começando ou quer trabalhar com quadrinhos?
Estude, estude muito. E depois estude mais um pouco! Antes de se lançar na web e aparecer pro mundo, esteja certo de que está fazendo o melhor, pois o leitor é muito, muito exigente. E não desista fácil. Eu esperei mais de 30 anos para ver meu trabalho reconhecido. Abração a todos os amantes da nona arte!

Marcel Ibaldo, Processos Criativos nos Quadrinhos

2017-09-14T21:26:00.002-07:00

Os últimos meses tem sido especiais para Marcel Ibaldo. Primeiro foi o prêmio internacional no “Silent Manga Audition”, o maior concurso do gênero no mundo com "The Choice". Agora veio o HQMix, com a melhor publicação independente edição única, para a revista “The Hype”. É o merecido reconhecimento para quem começou cedo a desenhar e escrever, tirou os projetos da gaveta e publicou e editou fanzines, sites e revistas independentes.

Desenhista e roteirista, Marcel nos conta sobre seus processos criativos, em especial as premiadas publicações e o novo projeto com sua filha de 10 anos.

Como você começou a trabalhar com quadrinhos?

Os primeiros trabalhos foram na forma de fanzine. Aquelas sensacionais edições xerocadas produzidas na época em que eu nem cogitava integrar um mercado do quadrinho nacional, mas que serviram de cartão de visita pra outras oportunidades, tais quais a de publicar na revista Quadrante X, em jornais e participar de exposições de quadrinhos.

A partir disso foi possível desenvolver o trabalho e estar apto pra quando novas formas de publicação foram surgindo.

O último ano foi especial em prêmios e reconhecimento, em especial o "Silent Manga Audition", com a HQ "The Choice", e o "HQMix", com a revista "The Hype". Qual a importância desses prêmios?

Com certeza está sendo uma época incrível nesse aspecto.

Em grande parte, até por eu ter sido autodidata nas HQs e ter quebrado a cara me arriscando sem nem saber o que era produzir quadrinhos, esses resultados em premiações servem de afirmação de que realmente o trabalho está em um patamar considerável.

Nada vai me convencer um dia que já está bom e que o aprendizado terminou.

Mas a perspectiva de profissionais renomados da área é um excelente termômetro e reafirma que esse aprendizado está me conduzindo por um bom rumo.

Como foi o processo de construção das hqs "The Choice" e "The Hype"?

Ambas as HQs foram produzidas em parceria com autores que moram em cidades distantes de onde eu moro, além de que em cada parceria minha função foi diferente, então as soluções pra que a produção fosse efetiva exigiram adaptação pra garantir prazos e qualidade.

Na The Choice eu trabalhei com o Elton Keller, e fiquei responsável por roteiro e desenho, enquanto ele trouxe o argumento e realizou a arte-final. Então era necessário calcular o prazo tendo em vista que o desenho era feito em uma cidade enviado pra outra digitalmente pra depois voltar digitalizado pra edição, e se qualquer problema surgisse por vezes levava a perder dias preciosos por questões simples como horários de trabalho de cada um de nós.

Já na The Hype, devido ao fato de a minha parceria com o Max já ser de várias HQs em sequência foi mais fácil porque a gente vinha desenvolvendo uma forma de trabalho e corrigindo problemas que apareciam. Acabou sendo a nossa HQ de processo de criação mais orgânico e eficaz e os feedbacks positivos ressaltaram o quanto o método funcionou.

Mas em ambas, apesar de à distância, o diálogo via internet fluiu muito bem até por ambos os autores serem meus amigos de longa data e também por terem influências similares às minhas, então por vezes a gente se entendia mesmo quando rolava alguma falha na comunicação.

Pelo fato de eu roteirizar e desenhar, mesmo quando não sou o responsável pela arte da HQ, desenho tanto quanto escrevo e já traduzo da maneira mais visual possível as ideias que servem de base pro desenhista, ainda que deixando total liberdade pra que alterações sejam feitas.

Como é seu processo criativo? Você tem uma rotina de criação? Tem metas? Como fazer pra chegar da ideia ao papel?

Quando defino em qual projeto vou trabalhar estabeleço um cronograma considerando variáveis que possam surgir e começo a rabiscar ideias.

Em geral quanto mais desencanado, melhor é pra surgirem soluções pro roteiro, então procuro desenhar qualquer ideia que surge e deixar à minha volta criando um ambiente propício ao meu envolvimento com o universo que estou desenvolvendo. Alio a isso música que considere compatível com o clima da história e tento o quanto antes entender as motivações dos personagens facilitando meu envolvimento pessoal com o enredo.

Pelo fato de eu roteirizar e desenhar, mesmo quando não sou o responsável pela arte da HQ, desenho tanto quanto escrevo e já traduzo da maneira mais visual possível as ideias que servem de base pro desenhista, ainda que deixando total liberdade pra que alterações sejam feitas.

Quanto a desenho, arte-final e cores, depende muito da abordagem pretendida e costuma requerer adaptação diferenciada em cada HQ.

eu diria que considero um desafio viciante encontrar o extraordinário nas situações mais ordinárias.

Quais temas gosta de abordar?

Não que eu tenha alguma barreira quanto a algum tema ou gênero de história, mas de um tempo pra cá tenho buscado incluir cada vez mais dramas humanos nas histórias. Então eu diria que curto mais situações cotidianas com personagens comuns, e tento sempre vincular isso de alguma forma às histórias que crio.

Exemplos que nem o da "Erro de Cálculo", publicada na Imaginários em Quadrinhos da Editora Draco, acredito que ilustram bem isso, principalmente por se tratar de um suspense com aspectos sombrios e influência bem sutil do cinema gore que eu gosto, mas sem por isso impedir que um drama familiar e questões sobre relacionamentos estejam em destaque na trama.

Resumindo, eu diria que considero um desafio viciante encontrar o extraordinário nas situações mais ordinárias.

Quais suas principais referências? O que te inspira?

Cinema, Quadrinhos e Música. Sem ordem específica e variando de projeto pra projeto. Além disso, eventualidades do dia a dia são um combustível muito valioso pra não ficar preso a estéticas ou padrões presentes no que eu consumo em se tratando de obras cinematográficas ou literárias. Reiterando a resposta anterior, zebras do cotidiano são algumas das minhas maiores inspirações.

Você faz alguma pesquisa para suas histórias?

Sempre. Mesmo em uma temática a qual eu já conheça bem, o processo de pesquisa pode expandir as possibilidades infinitamente.

A minha mente trabalha bem melhor nesses momentos de "aparente folga" do que forçando pra encontrar soluções na pressão.

O que faz quando tem o famoso branco?

Nada. Hahaha! Só mantenho os elementos da história e características dos personagens presentes à minha volta na forma de anotações ou sketchs e paro por uns minutos ou horas. A minha mente trabalha bem melhor nesses momentos de "aparente folga" do que forçando pra encontrar soluções na pressão.

Então eu costumo enfocar nos defeitos que todo mundo tem e a partir disso criar pessoas com personalidades em que as imperfeições não impeçam o cara de ser alguém capaz de atos de nobreza ou heroísmo, ainda que essa pessoa não seja o estereótipo da nobreza ou heroísmo.

Qual a importância das personagens para as histórias? Qual seu trabalho de desenvolvimento de personagens?

Da forma como encaro o desenvolvimento do roteiro, e até pelo que eu curto mais ler e criar, bons personagens são essenciais e acabam sendo uma parte bem difícil no processo de criação.

O maior desafio acaba sendo não se deixar levar pelo que Hollywood e muito dos quadrinhos mainstream nos convenceram ser a melhor representação de uma pessoa real. Então eu costumo enfocar nos defeitos que todo mundo tem e a partir disso criar pessoas com personalidades em que as imperfeições não impeçam o cara de ser alguém capaz de atos de nobreza ou heroísmo, ainda que essa pessoa não seja o estereótipo da nobreza ou heroísmo.

Pra mim é mais interessante acompanhar os personagens encontrando força pra sobrepujar as limitações quando são retratados em um mundo espelhando a nossa realidade na qual tantas vezes os atos movidos por empatia em relação à dor alheia são considerados idiotice.

Qual a importância do quadro em uma história em quadrinhos?

Depende muito.

Acho que varia de acordo com o artista, afinal existem histórias sensacionais empregando quadros e layouts totalmente convencionais, enquanto o mesmo ocorre em histórias sem nenhum requadro.

Acredito que a importância está muito mais em se o autor sente que aquela determinada HQ precisa ou não deles, e da forma ideal de empregar esse recurso.

Sem regras.

Quais são os cuidados na hora de diagramar uma página? Existe diferença entre o que vai em uma página ímpar e uma par?

Isso também depende muito, tendo em vista que há exemplos muito bons em que os ganchos de fim de página, e a disposição de informações novas está milimetricamente posicionada pra gerar uma determinada fluência de leitura, um dinamismo, e um envolvimento que não ocorre se essa etapa da produção for pensada de maneira diferente.

Mas é a mesma situação da pergunta anterior. Já li material excelente em que o autor parecia não se importar nem um pouco em relação a isso, e obras incríveis nas quais era imprescindível.

Poderia responder pelo que eu curto mais na produção, mas nunca em se tratando de um certo ou errado nesse aspecto.

Como chegar até o público? Como estabelecer uma relação com o leitor?

Internet e ir em eventos .

Afinal, queira ou não as redes sociais tornaram-se nas mãos de inúmeros autores verdadeiras plataformas de publicação de seus trabalhos na maioria das vezes muito mais eficazes que um site, blog ou publicação impressa no objetivo de chegar a um público amplo. Saber explorar essas ferramentas e, no caso de quem publica impresso ou em sites específicos, saber aliar a publicação nessas tantas plataformas é a grande questão, além da qualidade do material produzido, óbvio.

Como é a relação entre o roteirista e o desenhista?

Conforme eu mencionei, nas parcerias da The Choice e na The Hype eu estava trabalhando com amigos, o que facilita demais.

Eu costumo trabalhar com amigos meus, e quando não é assim geralmente acabam se tornando amigos durante o projeto, e isso favorece muito, até porque trabalhar à distância tem muitas dificuldades envolvidas.

Você consegue viver de quadrinhos?

Não. Na verdade não é algo que eu tenha tentado ainda. Eu simplesmente continuei produzindo HQs, e a remuneração surge mas eu nunca enfoquei de tal forma que deixasse de lado algum emprego formal pra investir o tempo todo em produzir quadrinhos.

Mas com certeza seria muito legal e esses resultados recentes me fazem repensar as possibilidades em relação a isso.

o que eu considero um bom editor, que ajuda a expandir as ideias e o universo sendo desenvolvido, apresentando um outro olhar apurado e crítico a respeito da obra, e indicando formas de enxergar além do conceito inicial, e ainda assim respeitando a identidade do trabalho do autor.

Qual o papel de um editor de quadrinhos em uma obra?

Falando da minha experiência pessoal trabalhando com editores conheci extremos.

Tanto o que eu considero um bom editor, que ajuda a expandir as ideias e o universo sendo desenvolvido, apresentando um outro olhar apurado e crítico a respeito da obra, e indicando formas de enxergar além do conceito inicial, e ainda assim respeitando a identidade do trabalho do autor.

Mas também existe o oposto, que é o editor que nem lê o material e até por isso não acrescenta nada ao processo por conseqüentemente possuir uma visão rasa da obra.

Então dentre os editores com os quais já trabalhei, diria que o papel seria mais voltado ao primeiro exemplo, que é trabalhar junto com o autor pra levar a história a alcançar o máximo do potencial a partir do conceito sendo desenvolvido.

O que te motiva a continuar fazendo quadrinhos?

Não consigo me imaginar não fazendo quadrinhos, cara.

Eu poderia dizer que são as infinitas possibilidades da linguagem das HQs, que eu curto contar histórias, ou qualquer outra coisa nessa linha, e seria uma parcela da verdade.

Porém, a verdade toda é que eu amo produzir quadrinhos e isso desde antes de eu conhecer os recursos narrativos ilimitados que a nona arte permite.

O Marcel de 11 anos não fazia ideia de que teria qualquer chance em premiações, ou se alguém ia ler aquelas primeiras HQs rabiscadas, mas ainda que tenha levado mais quase uma década pra publicar o primeiro trabalho, isso não diminuiu em nada o quão apaixonante é criar essas histórias e vê-las indo do insight inicial até ganharem forma e se tornarem material concluído.

Um novo universo que surge do lampejo de uma ideia.

Atualmente você trabalha em uma série de tirinhas com roteiros teus e desenhos de sua filha de dez anos. Como é trabalhar com as novas gerações? O que aconselharia para quem está começando ou quer trabalhar com quadrinhos?

Anteriormente, quando ministrei aulas de HQs pra crianças eu sempre fiz questão de viabilizar alguma forma de publicação pros meus alunos (seja em fanzines ou digitalmente) e isso é parte do quão gratificante é trabalhar com essa gurizada que nem pensa em mercado de HQs no Brasil, ou no quão concorrido pode ser. É inspirador.

No caso da Tê Rex, série de tiras que roteirizo e que minha filha Marcelli desenha, e que foi lançada em forma de marca-páginas pela Gibiteria Diagonal e agora digitalmente, isso é elevado a outro nível. Tanto pelo fato de ser uma parceria com a minha filha e mais cedo do que eu ela já ter iniciado essa caminhada e já ter trabalho lançado, mas também por eu tratar nos roteiros de elementos referentes à realidade dela, envolvendo sonhos, dificuldades comuns da idade, preconceito e bullying, entre outras coisas, até por ela própria já ter me dito que a abordagem presente nas tiras inspira ela a lidar com problemas cotidianos, e espero que possa de alguma forma ter esse efeito em outras pessoas.

Acho que pra todo mundo que almeja produzir quadrinhos o conselho é o mesmo: leia e assista muito e aprenda com tudo à volta, e claro, desenhe, escreva e encontre seu espaço nas várias plataformas de publicação que existem hoje. Um bom trabalho bem divulgado vai eventualmente encontrar seu público.

Você encontra mais sobre o Marcel em seu blog pessoal e pode adquirir seus trabalhos aqui.

Sobre Quadrinhos e Cinema

2017-09-02T06:35:00.001-07:00

Por Carlos Guilherme Vogel

A Itiban é uma tradicional comic shop de Curitiba, praticamente um templo onde a galera que curte quadrinhos na cidade se reúne. A loja é especializada em HQs, RPGs e cardgames e funciona não apenas como um espaço comercial, mas também um ponto de encontro, discussões e divulgação sobre o universo dos quadrinhos na capital paranaense.

Desde 1989 a Itiban organiza eventos, palestras, lançamentos e sessões de autógrafo com editores, quadrinistas reconhecidos e também abre as portas para jovens autores. Por ter um papel importante no cenário cultural da cidade, a loja foi foi tema de um documentário, realizado em 2010, que conta um pouco da história da comic shop e de seus frequentadores.

O filme “Entre Quadrinhos” foi produzido dentro de uma oficina de realização de documentários, no antigo “Projeto Olho Vivo”. O Olho Vivo era um misto de produtora e escola de cinema, que desenvolveu projetos muito bacanas em Curitiba, entre eles o “Minha vila filmo eu” e as duas edições do “Ficção Viva”. Além dos projetos, contribuiu para a formação de muita gente na área do audiovisual, sob a direção dos cineastas Luciano Coelho e Marcelo Munhoz, e durante essas oficinas foram realizados diversos trabalhos, a grande maioria voltada para temas sociais.

O acervo do projeto pode ser encontrado no canal “Coleção Olho Vivo” e é uma excelente oportunidade pra quem curte cinema conhecer as produções realizadas durante os cerca de 10 anos de existência do projeto.

E pra quem quer conhecer mais sobre a Itiban, ou já conhece e ficou interessado no filme, segue o documentário, realizado por uma equipe super maneira, da qual fiz parte, sob a coordenação do Luciano Coelho. O filme tem entrevistas com Liber Paz, Edilton Ernani Karas, Eduardo Karas, Francisco Germiniani e José Aguiar, além dos proprietários Xico Utrabo e Mitie Taketani. A trilha sonora conta com músicas do Lendário Chucrobillyman e do Teenage Fanclub.

Gustavo Machado, Processos Criativos nos Quadrinhos

2017-06-29T11:19:00.000-07:00

Sítio do Picapau Amarelo, As Aventuras dos Trapalhões, Xuxa, Guguzinho, Sérgio Mallandro, A Turma do Arrepio, Disney. Dificilmente alguém que tenha crescido nos últimos anos lendo quadrinhos não conheça o trabalho do Gustavo Machado. Desenhista e roteirista, Gustavo iniciou cedo nos quadrinhos, aos 18 anos, trabalhando para a RGE na revista do Sítio do Picapau Amarelo. A partir daí foram diversas as editoras e equipes nas quais participou, uma experiência inspiradora. Conversamos com o artista sobre seus processos criativos, confere:

Como você começou a trabalhar com quadrinhos?
Aos 18 anos de idade, em janeiro de 1977. Um mês antes, respondi um anúncio que saiu no Jornal O Globo: “Desenhista de Histórias em Quadrinhos – Precisa-se com experiência”. Não tinha experiência profissional alguma, apenas desenhando em casa desde pequeno. Acabei sendo admitido assim mesmo, passando a integrar a equipe que desenhava o gibi do Sítio do Picapau Amarelo, na RGE (Rio Gráfica e Editora, hoje Editora Globo).

Quando faço um trabalho em parceria, pergunto para o roteirista quais foram as inspirações dele.

Como é seu processo criativo? Você tem uma rotina de criação? Tem metas? Como fazer pra chegar da ideia ao papel?
Sempre que começo um novo trabalho busco me informar sobre o tema abordado, lendo livros e pesquisando na internet. Geralmente na parte da manhã me ocupo com as pesquisas, contatos de trabalho e fazer uma revisão do que desenhei nos dias anteriores. Posso fazer anotações e alterações nos leiautes. A meta principal sempre será o cronograma, o prazo de entrega. Quando faço um trabalho em parceria, pergunto para o roteirista quais foram as inspirações dele. Isso ajuda a entender como ele desenvolveu sua ideia, e evitar repetir algo já feito. Começo fazendo muitos estudos e esboços, sempre em folhas A3. Quanto mais estudos, melhor vão se tornando as criações.

Estudos para a HQ "As Aventuras de Zózimo Barbosa, o Corno que Sabia Demais"

Quais suas principais referências? O que te inspira?
Na maioria das vezes o trabalho é encomendado, e então já trás especificações e sugestões de caminhos a serem seguidos. Claro que sempre posso acrescentar e até mudar, baseado nos conhecimentos que fui absorvendo nos 40 anos como profissional de quadrinhos. Minhas maiores inspirações são os clássicos dos quadrinhos e do cinema. É fundamental saber qual serão o público alvo e sua faixa etária. O mesmo assunto pode ser abordado de muitas maneiras, dependendo para quem se dirige o trabalho.

As Aventuras dos Trapalhões - Didi Volta Para o Futuro, 1991

Costumo dizer que, do tempo total dedicado a uma HQ, metade dele eu uso apenas pesquisando.

Você faz alguma pesquisa para suas histórias?
Embora já tenha escrito bastante roteiros de quadrinhos, sempre me considerei essencialmente um desenhista. Depois de ler o roteiro de HQ, passo a fazer uma intensa pesquisa em livros e na internet sobre os temas abordados, assim com os lugares, as épocas e suas histórias. A construção dos personagens é um capítulo a parte. Costumo dizer que, do tempo total dedicado a uma HQ, metade dele eu uso apenas pesquisando.

Model Sheet de Trapacop, 1991

O que faz quando tem o famoso branco?
Saio da prancheta, vou fazer um lanche, tomar um suco, ver um pouco de TV ou tudo isso junto. Brinco um pouco com minhas gatas de estimação, dou uma conferida nas redes sociais, folheio alguma revista ou livro... Se voltar depois pra prancheta e o branco persistir, saio pra dar uma volta no shopping ou pegar um cinema. As ideias começam a pipocar no meio do passeio e fico querendo voltar logo pra casa.

Qual a importância do quadro em uma história em quadrinhos?
O quadro é tudo nos quadrinhos! A sequencia deles é o que cria uma história em quadrinhos, não? Sem eles não seria uma HQ, mas apenas um roteiro. Nunca penso em um quadro isoladamente quando faço quadrinhos, e sim na página inteira. Independente de quantos quadros ela tenha, todos os quadros tem que fluir criando uma grande composição de página. Deve haver harmonia de quadro para quadro, para os olhos dos leitores navegarem pela página com o ritmo que desejamos.

Tarzan, 1999

É fundamental saber e planejar as páginas pares e ímpares, que ficam lado a lado, para controlar o ritmo e harmonia visual da HQ a cada página virada da revista ou álbum de quadrinhos.

Quais são os cuidados na hora de diagramar uma página? Existe diferença entre o que vai numa página, ímpar e uma par?
Tenho o hábito de criar pré-leiautes das páginas num tamanho reduzido. Posso usar uma folha A4 para criar esboços de quatro páginas, já considerando se serão pares ou ímpares na disposição do leiaute. Nessas pré-páginas, os thumbnails, não tenho a preocupação de definir no desenho só detalhes dos cenários e personagens. Faço apenas os volumes, para gerar o equilíbrio entre os elementos e definir os espaços para balões e recordatórios. Sigo quase que fielmente esse thumbnails, quando passo para o tamanho definitivo em folhas A3.
É fundamental saber e planejar as páginas pares e ímpares, que ficam lado a lado, para controlar o ritmo e harmonia visual da HQ a cada página virada da revista ou álbum de quadrinhos.

Mulan, 1998

Como chegar até o público? Como estabelecer uma relação com o leitor?
Gosto sempre de pensar em um novo projeto que esteja em sintonia com temas interessantes para o grande público. Vivemos em um país que perdeu a tradição de consumir quadrinhos em grande escala. Desconsiderando os comics e mangás, que tem público cativo, perdemos o hábito de ler quadrinhos como acontecia até os anos de 1990. Gibis eram mais baratos e acessíveis, todo mundo comprava e trocava, buscando sempre as novidades nas bancas de revistas. Hoje virou artigo de luxo, item de colecionador.
Não me importa que as pessoas leiam quadrinhos e larguem as revistas de lado. Era como ir ao cinema, mas não precisar comprar o filme depois pra assistir novamente. Gostaria apenas que mais pessoas voltassem a adquirir o hábito de comprar um gibi nas bancas, apenas para relaxar e ler, no ônibus, em casa, no recreio, num passeio, e depois passar para quem curtir também.
Há muitos anos, Claudio Seto, meu saudoso editor, contou que no Japão as pessoas compram edições enormes de mangás, parecendo listas telefônicas. Os volumosos mangás são feitos em papel de baixa qualidade, em preto e branco, e em função disso, baratos. Disse que as lixeiras das estações de metrô são entulhadas dessas mega edições, pois as pessoas leem e jogam fora. Vale lembrar que os quadrinhos começaram nos jornais nas tiras. Sempre foi algo descartável. Os álbuns de luxo deveriam ser apenas mais uma opção, para os poucos leitores com maior poder aquisitivo e que querem colecionar.

Didi Senna, página de HQ inédita do gibi Aventuras dos Trapalhões

Como é a relação entre o roteirista e o desenhista?
No meu caso, sempre foi muito harmoniosa. Foram raríssimos os casos onde tive que desenhar um roteiro que não curtia. Geralmente os editores dão liberdade para os desenhistas escolherem os roteiristas como parceiros, pois isso é essencial para que o trabalho se desenvolva bem. Quando o projeto é autoral, aí então a sintonia ter que ser total.

Você consegue viver de quadrinhos?
Nos últimos tempos está mais difícil, embora tenha muita sorte de praticamente emendar uma HQ com outra. Quando acontecem as entressafras, os desenhistas tem sempre a possibilidade de trabalhar ilustrando para livros, revistas ou publicidade.

Qual o papel de um editor de quadrinhos em uma obra?
O editor é fundamental na produção de quadrinhos. Ele é como o produtor de um filme, organizando o material e solucionando os eventuais problemas, assim como desenvolvendo a edição onde a HQ será publicada.
Infelizmente, o papel do editor tem se reduzido muito, com a crescente produção autoral. Nesses casos, muitas vezes o quadrinista assume a função de editor, sem que tenha o talento necessário para isso. Quando era jovem, os editores eram os aglutinadores de quadrinistas, convidando os roteiristas e desenhistas para as revistas que eles criavam e editavam. Havia ali um filtro fundamental, onde a avaliação constante do editor fazia com que as revistas tivessem sua marca própria.

Trapalhada Nas Estrelas, 1988

Existem diferenças de mercado de trabalho para roteiristas e desenhistas?
Hoje aqui no Brasil a situação está muito estranha... Ouve-se dizer que o mercado de quadrinhos está numa excelente fase, com muitos autores e lançamentos, mas não vejo a coisa por aí... São trabalhos, em sua grande maioria, de quadrinistas iniciantes, embora alguns com muito talento. As edições autorais, muitas são bancadas dos próprios bolsos, os em campanhas de arrecadação. É quase como se fossem fanzines de luxo, com uma tiragem baixa e sem a divulgação necessária. Qualquer um hoje lança o seu gibi ou álbum, mas isso não quer dizer que se possa viver disso.

Sérgio Mallandro, 1988

Como é trabalhar para grandes editoras, em revistas com equipes? Existem métodos de produção?
Por experiência própria, considero que é a melhor maneira de fazer e viver de quadrinhos. Além da figura do editor, que dirige, seleciona e avalia constantemente a qualidade do material a ser publicado, existe o riquíssimo aprendizado nas parcerias com uma grande variedade de artistas. São roteiristas, desenhistas, arte-finalistas, coloristas, letristas, todos querendo aprender e repassar suas experiências. Como cada um tem seus próprios métodos, a troca de informação gera um ambiente produtivo e sempre renovado.

Gugu, 1988

Quais as dificuldades do mercado brasileiro?
Acho que o problema principal são as editoras que se esqueceram de investir em quadrinhos. Parece que está se lançando muita coisa, mas se comparado com EUA, Europa e Japão, os números são frustrantes, tanto em número de edições quanto em tiragem de vendas.

é como correr nanquim pelas veias.

O que te motiva a continuar fazendo quadrinhos?
Ouvi dizer que foi feita uma enquete nos EUA, onde trabalhar fazendo quadrinhos foi considerado uma das piores profissões. Deve ser isso mesmo... O artista que se apaixona pela linguagem dos quadrinhos geralmente quer abrir mão de todo o resto. Podemos até fazer ilustrações e afins, mas se oferecerem a metade da grana para fazer uma HQ, a gente larga tudo e pega o projeto. Fazer quadrinhos é contar uma história com desenhos, é criar personagens, cenários... Tornamos-nos os criadores de vastos e complexos universos, sempre com histórias novas para serem contadas e desenhadas. Como dizem, é como correr nanquim pelas veias.

O que aconselharia para quem está começando ou quer trabalhar com quadrinhos?
O aspirante a quadrinista tem que praticar muito, escrevendo e desenhando HQs que ninguém vai ler, até ter a primeira chance de publicação. Eu guardo até hoje centenas de páginas de quadrinhos feitas por mim, desde os meus nove anos de idade. Continuo sendo o único e fiel leitor daquele material amador, e a cada nova leitura naquelas velhas e inocentes páginas, sinto toda a paixão que dedicava a cada traço, e como tudo aquilo foi importante no meu desenvolvimento, ainda que solitário.
Além disso, é preciso conhecer todos os estilos e linguagens de quadrinhos, não ficando preso a gêneros, como Marvel/DC, Mangás, infantis... Nunca se sabe de onde surgirá um convite para fazer quadrinhos, e no início não podemos nem devemos impor nossas preferências, mas aceitar os desafios que estiverem nos propondo.
Por fim, tão fundamental quanto à prática e o ecletismo nas pesquisas, é a seriedade nos prazos e cronogramas impostos. Fazer quadrinhos dentro das condições possíveis, mas fazendo a nossa parte com responsabilidade. Existem outros que dependem da nossa parte concluída para dar continuidade. Por mais autoral que a HQ seja, existe sempre mais pessoas envolvidas na publicação do trabalho.
Ah... Não sejam tímidos! Esse é um luxo que o quadrinista tupiniquim não pode usufruir. Aqui a gente tem que criar e vender o nosso trabalho, muito diferente dos quadrinistas de primeiro mundo, com agenciadores e contatos.

20 anos de Harry Potter: fãs lançam filme sobre Lord Voldemort

2017-06-28T05:39:00.001-07:00

Nesta semana, a saga do bruxo Harry completa 20 anos. E nesses últimos dias, saíram várias notícias e homenagens para a obra, desde efeitos no Facebook até revelações de casais na trama. Então vamos para um resumo:

"O que fez Tom Riddle se tornar Voldemort? O que aconteceu naqueles anos e o que realmente foi abaixo em Hogwarts quando ele retornou? Existem algumas pistas nos livros que não foram passadas para os filmes, mas muito não é mencionado. Essa é a história que nós queremos contar: a ascensão do Lorde das Trevas antes de Harry Potter e seu primeiro desaparecimento." Com esta explicação, o site de um fan-made da saga de J.K. Rowling apresenta sua obra que está animando os fãs: Voldemort: Origins of the Heir. O teaser, que saiu dia 28 de maio já tem mais de 2 milhões de visualizações! E não é a toa: não só a história é boa, mas a produção parece de um filme profissional.
No teaser, já deu para dar um gostinho da produção, que tem direção de Gianmaria Pezzato, em que poderemos acompanhar a divisão da alma de Voldemort para formar as Horcruxes e ainda somos apresentados a uma nova personagem que promete atrapalhar os planos do Lorde.
O filme só foi possível devido a um crowdfunding (também conhecida como 'vaquinha') e, obviamente, a autorização da Warner Bros, que liberou a exibição do longa desde que seja sem fins lucrativos. A expectativa é que o lançamento saia no fim do ano.
Confira o trailer legendado:

Além disso, J.K. Rowling fez uma revelação através do site Pottermore: existiram dois Harry Potter! Isso porque, na árvore genealógica dos Potter havia um Henry que era apelidado de Harry - o personagem, inclusive, foi o responsável por tirar a família da lista das Sagradas Vinte e Oito, que indicava famílias britânicas de sangue-puro: ele era um defensor dos sangue-ruins e “causou um pequeno tumulto quando condenou publicamente o Ministro da Magia, Archer Evermonde, que havia proibido a comunidade bruxa de ajudar os trouxas na Primeira Guerra Mundial”, segundo o texto.

A editora Bloomsbury anunciou, também, o lançamento de uma versão especial de Harry Potter e a Pedra Filosofal com capas dedicadas a cada uma das casas de Hogwarts, além de conter outras informações exclusivas sobre o mundo bruxo. Uma delas foi revelada como sendo um relacionamento amoroso que teria ocorrido entre a Professora Sprout, chefe da Lufa-Lufa, com Professor Flitwick. Infelizmente, o namoro não deu certo, mas continuaram amigos.

Curiosidade: todos sabemos que Harry Potter é, obviamente, um plágio de Castelo Rá-Tim-Bum. E a TV Cultura, resolveu, como comemoração aos 20 anos da saga, lançar o novo trailer de Harry Potter, agora com os devidos personagens.

Contra provas não há argumentos: Harry Potter é cópia de Castelo Rá-Tim-bum

Você pode conferir o trailer clicando aqui.

Edgar Franco, Processos Criativos nos Quadrinhos

2017-06-20T16:16:00.000-07:00

Quando moleque, vivia em uma pequena cidade do interior do RS, quase fronteira com a Argentina. Conseguir qualquer gibi era uma aventura. Quadrinhos nacionais então, praticamente impossível. Foi aí que descobri os fanzines, principalmente com os catálogos editados pelo Edgar Guimarães. Comecei a trocar correspondências com fanzineiros, receber revistas em casa e desvendar artistas nacionais. Entre eles, um me chamava atenção pela arte e texto poéticos e filosóficos, o Ciberpajé Edgar Franco. Agora, quase vinte anos depois, converso com o artista sobre seus processos criativos.

HQ Duetos Essenciais

Como você começou a trabalhar com quadrinhos?

Tudo que nunca fiz foi trabalhar com quadrinhos. A palavra trabalho vem do latim tripalium, um instrumento de tortura medieval muito cruel, e é verdade, no mundo contemporâneo trabalho é considerado algo desagradável que você tem que realizar para ganhar seu sustento. Toda a minha vida tem sido uma história de aversão ao trabalho, nunca trabalhei e espero jamais trabalhar! Fiz dos quadrinhos uma das minhas formas expressivas prediletas pelo amor genuíno que tenho por sua linguagem, amor que começou na tenra infância quando meu pai comprava gibis para mim todos os finais de semana, com os quais inclusive aprendi a ler. Logo veio o desejo de criar quadrinhos e ainda com 12 anos de idade publiquei minha primeira HQ em um fanzine e continuei a produção incessante que hoje ultrapassa as 3 mil páginas publicadas, somando-se fanzines, revistas e álbuns em quadrinhos. Também decidi levar os quadrinhos para o meu universo de pesquisa e fiz mestrado em multimeios Unicamp, onde realizei um estudo pioneiro no mundo sobre as HQs na Internet categorizando o que batizei de HQtrônicas; depois no doutorado em artes na USP criei um universo ficcional transmídia que entre outras criações gerou álbuns em quadrinhos, revistas e fanzines. Hoje, além de artista transmídia, sou professor no Programa de Pós-graduação em Arte e Cultura Visual da UFG – Universidade Federal de Goiás, onde oriento mestrados e doutorados sobre o tema, e também criei a disciplina de graduação “Histórias em Quadrinhos de Autor”, que ministro na Faculdade de Artes Visuais da UFG. Por sorte faço o que amo e não preciso trabalhar!

Sou um adicto da criação, a todo momento tenho ideias visuais ou argumentos que tornam-se HQs, ilustrações, aforismos, músicas, performances com minha banda Posthuman Tantra, a experiência diária e a capacidade de ainda maravilhar-me com a vida torna cada momento inspiração para criar! Vida é criação e o ato criativo uma forma de cura rumo à transcendência!

Como é seu processo criativo? Você tem uma rotina de criação? Como fazer pra chegar da ideia ao papel?

Meus processos criativos são múltiplos e envolvem inclusive muito experimentalismo de linguagem. Uma das pesquisas extensas para a qual tenho me dedicado, há cerca de 10 anos, é sobre os processos criativos experimentais de histórias em quadrinhos, considerando essa linguagem como uma genuína forma de arte e portanto com possibilidades infinitas de exploração e rompimento de seus limites. Essa pesquisa de caráter prático-teórico, parte de experimentos criativos em narrativas multifacetadas e transmidiáticas e tem resultado também em escritos de artista, artigos de opinião, entrevistas relatando meus processos criativos para sites, blogs, redes de TV, podcasts; artigos científicos em periódicos acadêmicos e anais de eventos nacionais e internacionais, capítulos de livros e até em um livro publicado: “Processos criativos de Quadrinhos Poético-filosóficos: a revista Artlectos e Pós-humanos”, escrito em parceria com a pesquisadora de minha obra e doutoranda Danielle Barros e publicado pela editora Marca de Fantasia. Também têm sido escritos vários artigos científicos de pesquisadores de áreas distintas como artes, educação, letras, sociologia, filosofia, história e saúde, analisando minha obra e também dois livros, a maior parte desse rico material serve de referência para a pesquisa – retroalimentando-a. Dentre essa pesquisa experimental sobre processos criativos de quadrinhos destaco a minha revista Artlectos & Pós-humanos, um título de quadrinhos poético-filosóficos publicado pela Marca de Fantasia, editora que é um projeto de extensão ligado ao Programa de Pós-graduação em Comunicação da UFPB. O título, com 11 edições lançadas, é publicado já há doze anos, totalizando mais de 300 páginas de quadrinhos. Nesse período recebeu a premiação nacional Troféu Bigorna, em 2009, como melhor revista brasileira de aventura e ficção científica e foi motivo para dois livros acadêmicos publicados, sendo eles “Os Quadrinhos Poético-filosóficos de Edgar Franco” (2013), do Dr. em educação Elydio dos Santos Neto; e “Edgar Franco e suas criaturas no Banquete de Platão”(2013) da Dra. em comunicação Nadja Carvalho. A revista publica os meus quadrinhos experimentais no contexto de meu universo ficcional transmídia da “Aurora Pós-humana”. Só para ilustrar, destaco aqui alguns dos métodos experimentais de criação de quadrinhos desenvolvidos por mim durante esses anos, muitos deles lançando mão de ENOC – estados não ordinários de consciência como fonte de inspiração: 1.Método do Banco de Imagens; 2. Método da Parceria com Robô ; 3. Método da Expansão da Consciência; 4. Método do HQforismo; 5. Método da Respiração Holotrópica (ENOC); 6. Método da Psilocibina (ingestão de cogumelos - ENOC); 7. Método da Ayahuasca (ENOC); Método da Magia de Sigilos (ENOC). Aos que quiserem saber mais sobre esses métodos sugiro adquirirem meus quadrinhos e livros no site da Editora Marca de Fantasia (www.marcadefantasia.com) Obviamente também crio HQs com métodos tradicionais, como o álbum BioCyberDrama Saga, parceria com Mozart Couto, que surgiu a partir de uma extensa pesquisa de 15 anos sobre os avanços tecnológicos e o conceito de pós-humano. Sou um adicto da criação, a todo momento tenho ideias visuais ou argumentos que tornam-se HQs, ilustrações, aforismos, músicas, performances com minha banda Posthuman Tantra, a experiência diária e a capacidade de ainda maravilhar-me com a vida torna cada momento inspiração para criar! Vida é criação e o ato criativo uma forma de cura rumo à transcendência!

BioCyberDrama Saga - Edgar Franco e Mozart Couto

Quais temas gosta de abordar?

O tema maior é a busca da integralidade como ser, o que implica a coragem de sermos nós mesmos, essa integralização envolve o caminho para a transcendência e a iluminação. Obviamente tenho muito interesse pelos caminhos e descaminhos de nossa espécie humana e sobre suas relações com a biosfera e os processos hipertecnológicos e a chamada tecnognose, mas mesmo em minhas criações mais obtusas e obscuras estou sempre falando sobre a busca do amor incondicional e da compaixão ativa.

Sketchbook - Edgar Franco

Quais suas principais referências? O que te inspira?

Obviamente além de artista transmídia também sou um admirador de arte, e isso envolve todas as formas de expressão, sou fascinado por pintura, escultura, literatura, arquitetura (inclusive sou graduado em arquitetura e urbanismo pela UnB), instalação, poesia, desenho, dança, gravura, cinema, vídeo, performance, teatro, música, todas as expressões artísticas têm sempre algo a dizer-nos em suas especificidades, tenho artistas prediletos em todas elas; mas sempre gosto de dizer que não me inspiro diretamente em nenhum artista ou estilo, inspiro-me em minhas experiências, são elas as geradoras de minhas criações, os aspectos imanentes e transcendentes da minha vida.

Tem gente que me acha workaholic, mas como eu disse, crio muito, estou sempre envolvido em inúmeros projetos por pura pulsão criativa e amor em criar, não considero isso trabalho, é sempre diversão.

Como é seu dia a dia de criador?

Tem gente que me acha workaholic, mas como eu disse, crio muito, estou sempre envolvido em inúmeros projetos por pura pulsão criativa e amor em criar, não considero isso trabalho, é sempre diversão. Não crio arte por encomenda, nunca criei, faço o que gosto, e apenas isso. A arte genuína para mim deve ser totalmente livre de qualquer amarra dogmática ou mercadológica, por isso sou um artista que vivo do meu hobby de professor e pesquisador, ele garante meu sustento para que minha arte seja completamente imaculada e livre de qualquer amarra de mercado. Normalmente grande parte de minhas criações é feita durante o dia, principalmente no período da manhã. Durmo cedo, por volta de 22:00 hs, e acordo cedo, 6:00hs. Tenho hábitos de vida saudáveis, sou vegetariano restrito (mais conhecido como vegano, mas abomino as conexões dogmáticas do termo) e pratico uma arte marcial.

Postbiological Aedes

Você faz alguma pesquisa para suas histórias?

Sim, certas HQs demandam pesquisas de anos, como o álbum BioCyberDrama Saga. E mesmo minhas HQs experimentais envolvem pesquisas prévias sobre o campo de investigação proposto. Além de artista sou um pesquisador e a pesquisa é parte inerente de minhas obras. Em certas obras criadas exclusivamente com a ação da intuição e da subjetividade, a pesquisa vem depois, como parte complementar, numa tentativa de organizar a forma pela qual a inspiração e a criação se desenrolaram.

O que faz quando tem o famoso “branco”?

Essa história de BRANCO é para quem TRABALHA (tripalium), se você tem que responder a uma demanda de alguém, ou do mercado, você tem brancos, pois isso envolve ansiedades, medos de falhar, de não agradar, um milhão de cobranças de todos os lados. Branco não é coisa de artistas genuínos, é um mal que aflige entertainers e trabalhadores de setores da comunicação e do entretenimento. Um artista só cria a partir da genuína pulsão artística, então como pode ter brancos? É impossível. Desde que sou artista eu nunca tive um branco, mas quando era bem novo e fiz algumas obras por demanda, senti na pele o asco de ter que submeter minha pulsão criativa ao desejo dos outros, espero nunca mais viver tal desagradável experiência. Eu escolho o que vou criar, quando e como vou criar. A arte para mim é um ritual de cura, de autocura, um processo mítico transcendente.

HQ Duetos Essencias

A sua obra explora os limites do quadro. Qual a importância do quadro em uma história em quadrinhos?

O quadro, ou requadro é só um dos múltiplos elementos/signos da linguagem multifacetada dos quadrinhos, que tem como grande forma sintática a conexão sinergética entre imagem e texto. O que caracteriza verdadeiramente uma HQ é a ação visual narrativa que pode estar em apenas um único requadro/desenho. Por isso o requadro é um elemento importante em certas narrativas gráficas e totalmente descartável em outras. Obviamente, por questões de simplificação e sistematização, as telas da pintura foram feitas em formatos retangulares, e a indústria dos impressos copiou esse formato e o quadro tornou-se um padrão básico, já que até o papel que compramos pra desenhar vem em formatos retangulares (A2, A3, A4), mas mesmo esse padrão pode e deve ser rompido quando necessário.

O ato de virar a página, ou rolar a barra de rolagem modifica a percepção visual da sequência e todos bons quadrinhistas lançam mão desses recursos para criarem suas histórias.

Quais são os cuidados na hora de diagramar uma página? Existe diferença entre o que vai em uma página ímpar e uma par?

Uma das grandes unicidades da linguagem das HQs está na capacidade de imaginar a construção das páginas e do enquadramento (ou ausência dele) como forma de amplificar a força narrativa da obra. O ato de virar a página, ou rolar a barra de rolagem modifica a percepção visual da sequência e todos bons quadrinhistas lançam mão desses recursos para criarem suas histórias. Esses aspectos sempre foram muito importantes para mim.

Revista "Artlectos & Pós-humanos #11" (Editora Marca de Fantasia)

Como chegar até o público? Como estabelecer uma relação com o leitor?

Emociono-me com as respostas que obtenho de leitores e fruidores de minhas obras, alguns que acompanham minhas criações há mais de 25 anos, e agradeço-lhes imensamente pela gentileza e pelo carinho. Mas devo ser sincero na resposta e dizer que não crio arte pensando em público, crio arte como genuína pulsão criativa, crio pela necessidade visceral de criar, e isso não envolve a preocupação com a recepção, em saber se os leitores vão gostar ou não, repito que para mim a arte é um processo ritual introspectivo e fruitivo, e como criador assumo as HQs como uma legítima forma de arte e expressão artística. Estabelecer relações com um público na maioria das vezes envolve dar a esse público o que ele espera, entretê-lo. O entretenimento tornou-se uma forma profunda de alienação contemporânea, um vício contumaz das massas, a última coisa que desejo com minhas obras é alimentar tal vício. Minhas obras costumam sim é provocar e incomodar os que se dispõem a fruí-las. O ato criativo deve ter um sentido em si mesmo, e não deve ser amarrado a uma possível recepção que o legitimará ou não.

Nunca tivemos tanta gente criando quadrinhos no Brasil, e nunca tivemos tão poucos leitores.

Quais as dificuldades do mercado brasileiro?

Nunca tivemos tanta gente criando quadrinhos no Brasil, e nunca tivemos tão poucos leitores. Não existe um investimento na criação de novos leitores, pouquíssimo quadrinho infantil é feito no Brasil e o que é feito esbarra no monopólio cruel e embargador do estúdio que domina o setor no país. O resultado disso são eventos de quadrinhos no país inteiro com autores trocando seus álbuns e revistas com outros autores e vendendo muito pouco para leitores e novos leitores fora do circuito das HQs. Os quadrinhos estão no caminho de tornarem-se uma mídia cult como aconteceu com o teatro, serão lidos por poucos e terão pequenas tiragens, ao menos essa é a perspectiva minha para todo o mundo ocidental.

Quais as dificuldades de distribuição?

Além dos velhos monopólios de distribuidoras, os pequenos editores esbarram com o cartelismo de certos editores. O correio e as logísticas no Brasil são caros e dos piores do mundo, o que dificulta as vendas pela internet. A única vantagem é que diante de um mercado instável e complexo temos a impressão por demanda que começou a ser adotada até por editoras de médio porte, fazendo tiragens iniciais de 100 ou 200 exemplares.

Fanzines da "Aurora Pós-humana" de Edgar Franco e Danielle Barros.

O que te motiva a continuar fazendo quadrinhos?

As experiências de vida e o puro prazer de criar!

Lembre-se que um bom artista nasce da assiduidade do ato criativo, portanto crie muito, da quantidade surge a qualidade. Não tenha medo de errar na hora de criar, erre, erre muito, pois é dos erros que vão aparecer os acertos!

O que aconselharia para quem está começando ou quer criar quadrinhos?

Primeiramente, e o mais importante de tudo, no contexto do mundo hiperinformacional em que vivemos, é você se auto conhecer. Investigar no interior de si mesmo aquilo de que você realmente gosta. E não importa o que você gosta, qual gênero, estilo de traço ou escola das HQs! Você pode dizer-me: eu gosto de mangá, eu quero desenhar mangá, quero aprender, me aprofundar. Ótimo, seja sincero consigo mesmo, eleja verdadeiramente aquilo que te apaixona como forma de expressão e mergulhe profundamente nesse universo criativo. Lembre-se que um bom artista nasce da assiduidade do ato criativo, portanto crie muito, da quantidade surge a qualidade. Não tenha medo de errar na hora de criar, erre, erre muito, pois é dos erros que vão aparecer os acertos! Eu vejo sempre jovens criadores querendo começar a primeira história em quadrinhos e acertar, já criar uma obra prima, e ter sucesso e fama com ela. Isso não vai acontecer, não espere resultados, crie pelo prazer e pulsão de criar. Outra dica importante, não fique bitolado só no universo da arte que você quer desenvolver, porque você vai tornar-se um reprodutor daquilo que já foi feito por outros. Todo artista tem que experienciar continuamente todas as formas de expressão: vá ao teatro, vá muito ao cinema, e não só ao cinema mainstream comercial, encare o cinema de artista, autoral, aquele que você está achando meio chato, encare, pois ali você aprenderá sutilezas sobre a linguagem narrativa. Não leia só o mangá que você gosta, mesmo que você vá fazer mangá, leia todas as formas de quadrinhos que existem, e leia livros, busque os grandes clássicos da literatura mundial e nacional e leia-os. Envolva-se em todas as formas de arte, e também procure experimentar criar em outros suportes e para outras formas de expressão. Se você quer criar quadrinhos, para ser genuíno é necessário cultivar uma visão ampla de cultura, assim você vai criando novas conexões neuronais, e evitará produzir obras derivativas. Eis os pontos fundamentais: criar muito e disciplinadamente, tornar o ato criativo algo de seu cotidiano; ter a cabeça aberta para experimentar todas as artes como fruidor e criador; estudar bastante; e finalmente, não ouvir as críticas, a não ser de quem te ama de verdade. Importante destacar que essas são dicas para forjar um artista genuíno dos quadrinhos, e não um trabalhador submetido ao mercado ou coisas do gênero.

Agradeço ao Quadrinhólatra pela incrível oportunidade se expressar-me através dessa entrevista e convido aos interessados em saberem mais sobre minhas obras como quadrinhista e artista transmídia a visitarem o meu blog “A Arte do Ciberpajé Edgar Franco”

Roberta Cirne, Processos Criativos nos Quadrinhos

2017-06-14T09:05:00.000-07:00

A internet tem possibilitado não só o surgimento de novas autoras, como a volta de outras que, por diversas questões, precisaram dar um tempo na carreira. Roberta Cirne é uma dessas que ressurgiram graças às redes sociais. E voltou aterrorizando com a série Sombras do Recife, quadrinhos sobre as assombrações e lendas da cidade, já sucesso no mundo virtual. Conversamos com a autora e desenhista sobre o seu processo criativo. Confere:

Como você começou a trabalhar com quadrinhos?
Eu trabalho com HQs desde a infância. Criei alguns personagens com uma amiga, e a gente desenhava só para amigos, parentes etc. Com o tempo, virou uma parceria de trabalhos que nos renderam algumas publicações, como “Passos Perdidos, Historia Desenhada “ (quatro volumes, prêmio HQMIX 2007 de contribuição), Heróis da Restauração e, por último, Afro Hq, contando a história do continente Africano do ponto de vista dos Orixás .
Parei por um tempo com as HQs por questões pessoais, mas não consegui me afastar de todo, e estou voltando agora com este projeto, o primeiro totalmente autoral, roteirizado e desenhado por mim.

Passos Perdidos, Prêmio HqMix 2007 de contribuição

Como é seu processo criativo? Você tem uma rotina de criação? Tem metas? Como fazer pra chegar da ideia ao papel?
Bem, todo dia para mim tem uma rotina doméstica (sou casada, com dois filhos, um adolescente e uma garota), e algumas metas a cumprir. Quando já tenho uma HQ pronta, no lápis, a rotina é artefinalizar, ou pintar na aquarela, ou pintar digital e balonizar. Eu trabalho atualmente só, então todo o processo criativo, desde a idealização do que vai entrar no site, a criação do site e conteúdo e divulgação, é feito por mim, unicamente. Para isso, organizo meu tempo em blocos e tento não perder o foco.

Quais temas gosta de abordar?
Sempre gostei muito da temática de horror, desde criança, e já escrevia contos de suspense com nove anos. Terror sempre foi a minha área. História da cidade e terror foram escolhas naturais, e poder apresentar e representar graficamente a cidade nesta forma é algo que sempre tive em mente, contar coisas que muitos recifenses desconhecem, passando pelas ruas, pontes, praças, sem desconfiar de toda a história que elas carregam. Não é apenas as assombrações e o susto pelo susto, é incorporar o medo ao ambiente da cidade, mostrando em cenários ruas que não mais existem, costumes que entraram em desuso.

Quais suas principais referências? O que te inspira?
Como tanta gente, minha paixão por quadrinhos nasceu do fato de que sempre li muito, e quadrinhos principalmente. Quando criança, adorava Luluzinha, Bolinha, Almanaques Disney (principalmente as HQs de Carl Barks, as ambientações da família pato na Escócia, Klondike, etc., que me instigaram o lado curioso e aventureiro). Minha mãe também sempre me incentivou a ler clássicos da literatura ao longo dos anos, e com certeza me auxiliou a criar roteiros, aliados aos desenhos.
Adoro literatura, e leio desde os mais modernos até os clássicos. Assim varia bastante: Na literatura é Edgar Alan Poe, Stephen King (de quem já li praticamente tudo), Tolkien, JRR Martin, Anne Rice (li toda a obra dela) alguns contos de Hitchcock, e outros. Nos quadrinhos, Neil Gaiman e Alan Moore, que norteiam minha ambição de qualidade. Gosto das obras de Garcia, nos super-heróis, Alcatena, E a série Camelot 3000 do Brian Bolland, além do arco do Inferno dos X-Men (aliás, tudo que foi escrito por Claremont). No cinema e séries, recentemente me empolguei com “A Colina Escarlate”, e nas séries, Breaking Bad, Penny Dreadfull, Grimm, Sleepy Hollow entre outras.

Você faz alguma pesquisa para suas histórias?
Com toda a certeza! Para evitar contradições ou erros, sempre pesquiso a respeito dos assuntos a serem tratados. É uma questão de qualidade e respeito à cultura e práticas dos povos ou temas utilizados.
A pesquisa que estou trazendo com as HQs de Sombras do Recife já existe há 19 anos, porém nunca consegui publicar pelos meios tradicionais. Trabalhei em Passos Perdidos, Afro Hq e Heróis da Restauração em parceria com roteirista e historiador, então basicamente eu fiz a parte gráfica das hqs.
As HQs de Sombras do Recife estão roteirizadas e desenhadas por mim, então estou cuidando de toda a parte literária, histórica e de design. Demora cerca de dois meses para transformar o roteiro já existente em rascunhos, fazer a pesquisa de vestuário, móveis e ruas (basicamente pegando ruas que não mais existem, resgatando para a topografia da cidade atual, etc). Desenho, arte final, balonagem. Todo o site é criado, mantido e organizado apenas por mim, que ainda cuido da parte de design e CEO. Temos, na época atual, de saber lidar com tudo, e eu sou bastante curiosa para pesquisar e criar em tudo o que busco.
Neste momento do projeto, estou narrando como cada monstro surge, em suas distintas épocas: Boca de ouro, em 1913; A Velha Branca e o Bode Vermelho, 1885; Branca Dias, em 1598; Papa Figo, em meados de 1850, e por assim em diante. Cada um terá sua história ambientada no Recife das épocas, com os usos e costumes, roupas, ruas, etc. É uma pesquisa feita em mais de 100 fontes literárias, e não apenas um livro e adaptação. Quero recriar o passado. Tenho na bibliografia diversos autores, sociólogos, folcloristas e suas diversas obras, tais como Câmara cascudo, Gilberto Freyre, Mário Sette, Pereira da Costa, Antônio Gonsalves de Mello, e suas caracterizações sociológicas, alguns com obras esgotadas nas livrarias da cidade, mas que tive acesso por sebos, bibliotecas públicas, arquivos escritos, etc.
O que eu quero adicionar à ideia dos quadrinhos é a presença de textos adicionais, ou glosas, que podem ser lidos juntos ou em separado, mas que aprofundam a experiência da HQ. Estes textos serão paradidáticos, e contarão a história da cidade, de acordo com a pesquisa feita sobre a obra destes mestres sociólogos e antropólogos, estudiosos do folclore e da história de Recife.

Roberta Cirne arte-finalizando

O que faz quando tem o famoso branco?
Atualmente o bichinho está dando um tempo, mas quando acontece, vou fazer algo diferente, jogar um joguinho no celular, ver um filme interessante. Às vezes ler um pouco, ver um filme termina dando um novo boost de ideias, que acaba com o branco.

Qual a importância das personagens para as histórias? Qual seu trabalho de desenvolvimento de personagens?
Cada personagem é como um ser vivo, ele tem de passar esta impressão. Desde o começo, sempre crio os personagens um pouco no estilo do quadrinho japonês: quem ele é, o que gosta de comer, que roupa compraria no shopping, uma frase ou mote, objetos característicos ou tiques nervosos, alergias , signos, etc.
Sou fascinada com os anti-heróis, a jornada tortuosa e suas quedas ou ascensão, dependendo do caso. Gosto de dar densidade a cada um deles. Por exemplo, o Boca de Ouro da HQ está sempre com o cigarro apagado, ele esquece os fósforos desde o começo da HQ, o que justifica a assombração, que sempre aparece pedindo fogo para o cigarro. O cigarro apagado também reflete ações “do bem” que ele faz. Quando ele se decide a matar para conseguir a mulher amada, é a única cena em que o cigarro dele aparece aceso. Assim, vou moldando cada um dos personagens abordados, pelo menos os principais.
Estou escrevendo, em paralelo, um livro baseado na mitologia folclórica, onde estes personagens se cruzam. Dá para ler a HQ e encontrar Valdemar, o Boca de Ouro lá.

Boca de Ouro

Qual a importância do quadro em uma história em quadrinhos?
O quadro tem de complementar o que o texto não consegue definir, e vice versa. É uma simbiose dos dois.

Quais são os cuidados na hora de diagramar uma página?
Primeiro foco no roteiro e a partir daí, uma thumb de meio A4. Passo para o A4 em um rascunho para definir as áreas mortas e aí pesquisa de vestuário e cenários (móveis, ruas, etc de acordo com a época).

Como chegar até o público? Como estabelecer uma relação com o leitor?
O respeito ao leitor é o primordial. Sempre ter tempo para ele, sem arrogância, porque no fim das contas, ele é o espelho que reflete o que você faz. Sem o leitor, o escritor/autor não é quase nada. Então, sempre procuro responder a todos, e tratar exatamente como eu gostaria de ser tratada. Com gentileza e atenção.

Passos Perdidos

Você consegue viver de quadrinhos?
Para ser sincera, apenas quando aparece um projeto cultural, por alguma prefeitura. Tenho meios de renda própria, posso me dedicar e bancar o site e hospedagem. Dá para viver com minha renda, complementando com projetos por fora. Mas, sem ter nenhuma publicação atual, revista física, não dá para viver com o site ainda.

Quais as dificuldades do mercado brasileiro?
Tanto a situação político-financeira, quanto ainda uma falta de interesse no quadrinho autoral. Eu estou apostando bastante na internet, pois as publicações físicas tem um limite, que não se aplica na net. Ainda vamos encontrar uma forma realmente rentável de vender o quadrinho digital, em um futuro próximo.

O que te motiva a continuar fazendo quadrinhos?
Minha motivação é interna, principalmente. Passei muitos anos desenhando apenas projetos que, davam um certo prazer, mas não eram a minha alma. O que estou fazendo no momento, no Sombras do Recife é o que sempre sonhei fazer. É difícil, desgastante, às vezes dá desânimo. Mas a cada reação do público, e vendo que estou formando uma fanbase que acredita e curte a ideia, me empolga. Ainda não sei o potencial todo do trabalho, estou descobrindo dia a dia. Em menos de três meses, nosso site atingiu 12.000 visitas, e vai crescendo dia a dia.

Com toda a dificuldade, faça. Mesmo um pouco a cada dia. Ao voltar do trabalho, dedique uma hora depois do jantar, que seja. Vá construindo seu sonho, um pouco de cada vez.

O que aconselharia para quem está começando ou quer trabalhar com quadrinhos?
Sei que às vezes o mercado parece desanimador, mas precisamos entender que só temos uma vida, e cada dia do nosso presente é exatamente isso, um presente. Não sabemos o quanto vamos estar aqui neste mundo, e é muito importante que, ao final da vida, não fique na lembrança o que deixamos de fazer.
Com toda a dificuldade, faça. Mesmo um pouco a cada dia. Ao voltar do trabalho, dedique uma hora depois do jantar, que seja. Vá construindo seu sonho, um pouco de cada vez. Nunca desista deles, para não haver arrependimentos no futuro. A força está dentro de você (momento star wars), e você consegue tudo, acreditando nisso.

Brasileiras invadem Hollywood e filmam longa!

2017-06-11T12:07:00.002-07:00

Andréa, Stefânia, Fernanda e Bia. Foto divulgação

Uma gaúcha, uma mineira e duas cariocas. Profissionais de cinema que se encontraram no Rio de Janeiro. Estudaram, trabalharam, criaram, rodaram curtas, formaram coletivos. Tanto esforço não foi em vão. Hoje invadem Hollywood e começam a rodar longas na terra do cinema. Stefânia Vasconcellos, diretora e roteirista, filma seu primeiro longa, “The French Teacher” (ela também foi uma das diretoras de filme produzido por James Franco), com ajuda da diretora de fotografia Andréa Cebukin, da atriz Fernanda Nizzato e da foquista Bia Mauro. A equipe ainda teve os brasileiros Miguel Muller, produtor executivo, e Gustavo Brum, gaffer.
Conversamos com três delas, a gaúcha Stefânia, a carioca Andréa e a mineira Fernanda, sobre a experiência hollywoodiana.

Stefânia Vasconcellos - diretora e roteirista

Conte nos um pouco sobre o filme The French Teacher, sobre o processo de produção e gravação dele.

Stefânia - O filme conta a história da Cleo, uma professora de francês de meia-idade, que se vê em crise. Ela começa a ter um affair com um dos seus alunos, Matthew, que é bem mais jovem que ela. Quando o pai dela morre, sua filha, Sophie, vem de Nova Iorque pra ficar um tempo com ela. A presença da filha e o envolvimento com Matthew acaba trazendo alguns fantasmas do passado de Cleo.
É um filme de personagem, e como é meu primeiro longa sozinha na direção eu explorei ao máximo, é um filme bem experimental e pessoal. A ideia para o filme surgiu quando eu conheci a atriz Marie Laurin em um projeto que trabalhamos juntas ano passado. Ela é maravilhosa e eu queria muito trabalhar com ela novamente, então foi que eu falei com ela sobre a ideia do The French Teacher e ela adorou. Alguns meses depois começamos a nos encontrar e falar mais seriamente sobre o projeto. Eu escrevi o primeiro tratamento do roteiro e depois ela e outra roteirista, Clara Gabrielle, entraram no processo da escrita comigo ate termos o tratamento final.
A produção foi uma loucura, haha... fizemos o filme em 12 dias, os mais intensos da minha vida. Fazer um filme é como uma guerra, e cada dia você luta batalhas diferentes. Ainda mais quando você está fazendo um filme low budget, tem sempre milhões de coisas acontecendo e quando não se tem grana para resolver os problemas você precisa ser mais criativo, o que eu acho que no final das contas acaba te colocando no limite e as vezes as coisas saem ate melhor do que você estava pensando. Mas acho que tudo deu muito certo, a equipe foi maravilhosa, os atores incríveis, trabalhei com meus amigos e pessoas que eu confio muito e que também confiam em mim, então foi bem especial, um filme feito com muito amor.

Como você conheceu a Fernanda e a Andréa? Como era trabalhar com elas no Brasil e como foi a experiência de trabalharem juntas em Hollywood?

Stefânia - Eu conheci a Fer há uns 6 anos atrás no curso de direção da Darcy Ribeiro. Desde então somos grandes amigas, fizemos muitas coisas juntas, e ela me apresentou a Andréa que também virou uma das minhas melhores amigas. Trabalhar num set com pessoas que você ama e tem afinidade é sempre bom.
A Andréa fez a fotografia do meu curta “No caminho dos pés” e foi lindo, temos uma conexão criativa maravilhosa. E neste filme eu conheci outra mina incrível, a Bia Mauro, que foi um grande presente da vida, além de ser a melhor foquista que eu já conheci.

Quais os teus próximos passos?

Stefânia - Agora é terminar o filme, começar a pós produção o mais rápido possível… rss…
E depois tirar mais filmes do papel, tenho alguns projetos em desenvolvimento, vamos ver qual deles eu vou realizar primeiro. Tenho vontade de fazer alguma coisa no Brasil também, ficar um tempo aqui e lá, vamos ver o que a vida vai me apresentar.

Assista ao curta "No Caminho dos Pés", direção de Stefânia Vasconcellos e fotografia de Andréa Cebukin:
NO CAMINHO DOS PÉS (THE WAY) 2014. from Stefânia Vasconcellos on Vimeo.

Andréa Cebukin – diretora de fotografia

Como foi a experiência de filmar na terra do cinema? Como foram as gravações?

Andréa - Foi muito bom, Hollywood respira cinema. São muitos filmes gravados todos os dias. Mas, essa não foi a minha primeira experiência em trabalhar na terra do cinema. Alguns anos atrás, passei uma temporada lá e foi um aprendizado muito importante para fazer a direção de fotografia desse filme agora. Naquela ocasião tive que começar do zero novamente. Era um novo lugar, uma nova língua e eu precisava construir uma rede de relacionamentos. Agora, já estava um pouco mais confortável com a língua e o ambiente.
Para mim, a principal diferença de rodar nos EUA é que lá a meritocracia é claramente muito mais importante. Quem faz um bom trabalho cresce rapidamente, aqui sinto que a indústria é mais fechada. Outra diferença importante é que alugar os equipamentos é muito mais acessível. Um filme de baixo orçamento consegue alugar uma RED ou Alexa, com lentes Cooke, Angenieux, Ultra Primes, as melhores câmeras e lentes do mercado, enquanto aqui no Brasil, somente grandes produções conseguem usar esse tipo de equipamento.
Quanto às gravações do filme, rodamos um longa em 12 dias, foi uma loucura. Ainda mais porque tivemos várias locações diferentes. Na média foram quase que uma por dia e ainda com direito a viagem para gravar algumas cenas em Big Bear, à 3h de Los Angeles. Foi tão intenso, que quando terminou senti um vazio enorme.

Direção de Fotografia é uma das funções com menos representatividade feminina no Brasil. Sentiu alguma diferença trabalhando aqui e na gringa?

Andréa - Não senti muita diferença entre trabalhar aqui no Brasil ou em Los Angeles. Na verdade, a falta de representatividade feminina na direção de fotografia é enorme por lá também. Recentemente li algumas estatísticas mostrando que o percentual de mulheres nessa área é em torno de 8% no Brasil e 3% em Hollywood. Até hoje, nenhuma mulher foi indicada ao Oscar de melhor direção de fotografia, uma das premiações de cinema mais famosas no mundo. Nós mulheres ainda precisamos batalhar muito para equilibrar um pouco mais esses dados. É vergonhosa essa diferença. Como mulher posso dizer que já senti preconceito inúmeras vezes tanto aqui no Brasil quanto nos EUA, sem falar no assédio.

Conte-nos um pouco sobre tua experiência como diretora de fotografia.

Andréa - Estudei Comunicação Visual em uma Escola de Belas Artes e sempre gostei da área de fotografia. Fazia vários trabalhos em fotografia, fazia fotos para revistas, até que fui chamada para fazer still de um filme. Porém, o diretor de fotografia ficou sem assistente e a diretora sugeriu que eu fizesse o trabalho. O diretor de fotografia era o Dib Lutfi. Foi incrível trabalhar com alguém tão importante para o cinema brasileiro logo cedo na minha carreira. O Dib teve muita paciência e generosidade para me ensinar muito sobre assistência e fotografia no cinema. Depois desse filme comecei fazendo fotografia de um documentário e não parei mais. Na minha carreira comecei cedo a fazer direção de fotografia, mas em um momento resolvi fazer assistências de câmera em projetos grandes, que foram muito importantes para ganhar experiência em sets de filmagens. Dá muito mais segurança quando começa a pegar projetos maiores.

Fernanda Nizzato - atriz

Série na Globo, novela na Record e agora longa em Hollywood. Como foi a experiência de gravar na gringa?

Fernanda - Experiência foi maravilhosa. Acho que temos que nos desafiar, o ator tem que se provocar e sair da zona de conforto. Mesmo sendo uma participação tive falas em francês, um grande desafio, pois não domino a língua. Aprendi muito.

Além de atriz você também é diretora e trabalha em outras áreas do cinema. Conte-nos sobre teus trabalhos e como é exercer diversas funções.

Fernanda - Dirigi e produzi o curta metragem "A Lança e o Dragão" , onde quis me dedicar somente à direção. Só cresci como atriz ao experimentar o outro lado das câmeras. Entender como funciona todo o processo de um filme só te enriquece. Tenho projetos que pretendo dirigi e atuar, isso te dá liberdade de criação e investimento em você mesmo.

Que conselhos daria para as mulheres que desejam seguir carreira na área audiovisual?

Fernanda - Vão em frente. Cada vez mais vemos diretoras no audiovisual e precisamos de vozes femininas para contar histórias. O olhar feminino, o ponto de vista da mulher é muito importante para as pessoas. Não só na direção, mas em outras funções. Por exemplo neste filme "The French Teacher" que rodamos agora nos Estados Unidos, a equipe era praticamente toda de mulheres. Assistente de câmera, diretora e diretora de fotografia. Tivemos um depoimento da atriz que disse ter amado trabalhar com mulheres, que a ajudou muito nas cenas de nudez e sexo.

Assista ao curta "A Lança e o Dragão", direção de Fernanda Nizaato e fotografia de Andréa Cebukin:
A Lança e o Dragão - legendado from fernandanizzato on Vimeo.

Orlandeli, Processos Criativos nos Quadrinhos

2017-04-28T18:20:00.002-07:00

Orlandeli está no mercado de quadrinhos desde 1994, tendo passado por diversas fases. Ilustrações, tiras, graphic novels. Sua obra apresenta muitas questões filosóficas e questionamentos sobre nosso modo de vida. Este ano lançou, junto à Maurício de Sousa Produções, graphic novel com o personagem Chico Bento, Arvorada. Conversamos com o autor sobre seus processos criativos:

Como você começou a trabalhar com quadrinhos?
Comecei em 1994. Na época queria fazer tiras em quadrinhos, meio que inspirado na turma do Chiclete com Banana, Angeli, Laerte, Glauco... Comecei a publicar uma tira chamada "Violência Gratuita"

Como é seu processo criativo? Você tem uma rotina de criação? Tem metas? Como fazer pra chegar da ideia ao papel?
Tenho como rotina dedicar toda a manhã para produzir Histórias em Quadrinhos. Não importa a fase em que se encontra o projeto. Isso da constância diária ajuda bastante a manter as coisas caminhando. São pelo menos umas três a quatro horas diárias reservadas para isso. Se a fase é elaboração de roteiro, fico ali estruturando, marcando fases da história... Chegou a hora do almoço eu paro, deixo a parte da tarde para resolver e produzir outras coisas e volto ao projeto no dia seguinte. Tento não me estrangular com prazos, de varar dia e noite para entregar páginas. Trabalhar final de semana só em casos extremos. procuro me organizar para não precisar.

Quais temas gosta de abordar?
Geralmente temas que provocam um certo conflito interno, alguma inquietação que o personagem precisa aprender a lidar, tudo isso amarrado em alguma trama meio surreal. O humor acaba sempre presente também.

tudo o que a gente consome e vive acaba servindo de combustível em algum momento.

Quais suas principais referências? O que te inspira?
Muita coisa, se for contar toda a trajetória cada fase é marcada por alguma referência. No início caminhava muito na linha do humor, da tira, então era Angeli, Laerte, Glauco... Outro absurdamente importante foi o Henfil, com seu traço simples e expressivo me dei conta que um bom desenho não é o que tem mais ou menos detalhes, mas o que conversa melhor com a proposta que você quer passar.
Depois com as HQs mais longas conheci o Frank miller, Will Eisner... Verdadeira aula de enquadramento e narrativa. Fora isso, tudo o que a gente consome e vive acaba servindo de combustível em algum momento.

Você faz alguma pesquisa para suas histórias?
Depende. Se for necessário, sim. Se estou citando algo que é real tento buscar o máximo de informação possível para melhorar meu entendimento daquilo, mesmo que a proposta não seja literal e eu reserve uma certa licença poética para determinados assuntos. Mas é bom conhecer sobre aquilo que está escrevendo.

Uma coisa que aprendi com a rotina de reservar um espaço de tempo exclusivo para as HQs é que só o fato de manter um compromisso com a produção, se manter imerso no processo, mesmo que de início pareça não vir nada que presta, depois de algum tempo insistindo a mente meio que "destrava" e começa a aparecer a história que você quer contar.

O que faz quando tem o famoso branco?
Nada! kkkkkkk Não tem muito o que fazer. Geralmente vou tomar um café, fuço em outras coisas e volto ao trabalho. Geralmente é suficiente para "engrenar". Uma coisa que aprendi com a rotina de reservar um espaço de tempo exclusivo para as HQs é que só o fato de manter um compromisso com a produção, se manter imerso no processo, mesmo que de início pareça não vir nada que presta, depois de algum tempo insistindo a mente meio que "destrava" e começa a aparecer a história que você quer contar. Aí é só ajustar o raciocínio e seguir em frente.

Qual a importância das personagens para as histórias? Qual seu trabalho de desenvolvimento de personagens?
É meio que fundamental que as personagens sejam convincentes. Se ela tem um problema, um medo... Não adianta falar isso para o leitor. tem que elaborar situações em que o leitor realmente acredite e, porque não, sinta pena, raiva, inveja... Quando penso uma personagem procuro antes de mais nada determinar qual o seu papel na história. Por que é importante ela estar lá. Partindo disso faço esse trabalho de definir personalidade, limitações... Tudo que vá contribuir para que ela execute bem a sua função dentro da história.

Qual a importância do quadro em uma história em quadrinhos?
É muito importante no aspecto narrativo e emocional. Utilizar os quadros da maneira correta você controla o ritmo da narrativa, explorando os enquadramentos cria momentos de tensão, alívio, medo... Uma ferramenta que pode e deve ser explorada ao extremo para atingir a sensação que você pretende passar ao leitor com determinada passagem da história.

Saber a hora certa de reservar um momento de suspense no final de uma ímpar, por exemplo, instiga a curiosidade do leitor em a virar a página e concluir a narrativa com algo impactante.

Quais são os cuidados na hora de diagramar uma página? Existe diferença entre o que vai em uma página ímpar e uma par?
Sempre que vou diagramar uma HQ penso em páginas duplas. Tanto pela noção geral do design narrativo da dupla, que é a visão do leitor, como pelo controle de "virada de página". Saber a hora certa de reservar um momento de suspense no final de uma ímpar, por exemplo, instiga a curiosidade do leitor em a virar a página e concluir a narrativa com algo impactante.

Como chegar até o público? Como estabelecer uma relação com o leitor?
Estar presente. Participar de eventos. Manter uma boa relação nas redes sociais e, acima de tudo, procurar ajudar o seu leitor a encontrar a sua HQ. Seja distribuindo em livrarias, mantendo uma loja on line, divulgando os canais.

Quais as dificuldades do mercado brasileiro?
Penso que o crescimento de um público leitor que tenha o hábito de consumir quadrinhos de forma mais ampla. Não um ou outro personagem, mas ter o hábito de conhecer novas histórias, conhecer novos autores... Já melhorou bastante, aos poucos o autor brasileiro tem conquistado seu espaço.

Se o seu quadrinho está bem comentado, os leitores arrumam um jeito de adquirir, seja pela net, seja em eventos.

Quais são as dificuldades na distribuição?
Autor independente é difícil entrar nas grandes redes, mas sempre dá para colocar em lojas especializadas e em lojas virtuais. Problema maior nem acho a distribuição, mas o trabalho de divulgação. Se o seu quadrinho está bem comentado, os leitores arrumam um jeito de adquirir, seja pela net, seja em eventos. O leitor quando entra em uma livraria, quase sempre já sabe o que quer. É um lugar que se "compra livro" e não que se "vende livros". A venda já foi feita em uma entrevista, em uma resenha, na indicação de quem já leu... nem acho isso bom, gostaria que tivessem mais leitores que chegam no livreiro (que hoje estão mais para balconistas) e perguntasse "ei, cara, me indica aí um autor bacana que eu ainda não conheço".

O que te motiva a continuar fazendo quadrinhos?
Não me vejo "não fazendo quadrinhos". Faço isso desde sempre, quando era criança já fazia fanzines para os colegas de sala lerem de mão em mão... Acho que nem sei o que é "não fazer quadrinhos".

Tem gente que passa a vida tentando chegar no desenho ideal para produzir sua primeira HQ, mas não levam em conta que quadrinhos não é só desenho.

O que aconselharia para quem está começando ou quer trabalhar com quadrinhos?
Produzir. Produzir de forma constante, manter uma rotina. Tem gente que passa a vida tentando chegar no desenho ideal para produzir sua primeira HQ, mas não levam em conta que quadrinhos não é só desenho. Faça histórias curtas, que possibilite experimentar narrativas, encontrar seu estilo. Histórias curtas são excelentes pois possibilita em um curto espaço de tempo já usar o que aprendeu na história anterior na nova HQ. Tem gente que quer estrear com uma graphic novel de 200 páginas. Tem que ter um trabalho muito maduro para algo desse porte. Se está em desenvolvimento, invista nas histórias curtas. E, claro, se conseguir fazer aula para aperfeiçoar a parte técnica, muito bom também. E produzir. Não pare de produzir.

Mulheres e animes: Naoko Yamada

2017-04-19T11:20:00.002-07:00

Depois da Sayo Yamamoto, sigo a série de mulheres e animes baseada na lista de diretoras feita pelo site Ovelha e trago Naoko Yamada, uma das novatas que já tem seu nome associado a grandes sucessos como o da imagem acima: K-ON! Então vamos lá!

Naoko Yamada (fotinho tirada do site Cinenode)

Quem é?

Que difícil é encontrar alguma informação sobre essa mulher! O Wikipédia dela é um dos mais curtos possíveis, mas deu para ajudar um pouco... Naoko nasceu em Gunma Prefecture em 1984 (atualmente, ela tem 32 anos) e, desde criança, gostava muito de desenhar e copiar imagens de Patlabor (um mangá policial com robôs de Headgear que foi publicado entre 1988 e 1994 em 22 volumes) e Dragon Ball. Já na Universidade de Arte e Design de Kyoto, ela estudou pintura à óleo além de ser membro de um clube de efeitos visuais - o que, provavelmente, a deixou interessada em trabalhar com cinema após se formar. Porém, ao sair da Universidade, ela viu um anúncio de vaga de emprego na Kyoto Animation (estúdio de onde saíram os queridinhos Kanon e Clannad). Lá, ela trabalhou desenhando algumas cenas inbetweening de Inuyasha e não demorou muito para ser promovida ao cargo de animador principal em Air (um romance fofinho e erótico). Mas foi só depois de dirigir um dos episódios de Clannad é que ela finalmente foi convidada a participar da direção principal de um anime saindo do forno: K-ON!

O que dirigiu?

K-ON!, K-ON!!, K-ON!: Live House!, K-ON!: Movie

"Sensação de ir do inferno ao céu" - foi algo do tipo que Yamada disse ao se referir a essa direção. E não tem como não concordar: K-ON! fez tanto sucesso que teve 2 temporadas, 1 OVA, 1 filme e 1 jogo de videogame. A história gira em torno de 4 garotas que, no ensino médio, se juntaram para formar um clube de música. Porém, uma das quatro, Hirasawa Yui, não sabe tocar nenhum instrumento e quase desiste do grupo, mas ela é convencida pelas outras a ficar e aprender tocar guitarra - o que ela faz e descobre uma paixão. Juntas, ela, a baixista Mio Akiyama, a baterista Ritsu Tainaka e a tecladista Tsumugi Kotobuki vão se tornar grandes amigas e amantes da música.

Tamako Market

Tamako Market, Tamako Love Story

Quando um pássaro falante aparece para Tamako Kitashirakawa, a filha mais velha de uma família que trabalha em uma loja de mochi (aqueles docinhos japoneses super-fofinhos), ela nem poderia imaginar que ele, Dera Mochimazzi, vinha de um reino distante a procura de uma esposa para seu príncipe. Dera acaba comendo mochi demais e fica muito gordo, o que o impede de continuar a jornada. O anime vai, então, acompanhar o dia-a-dia de Tamako e do pássaro falante em um grande mercado.
Com Tamako Love Story, o filme, também dirigido por Naoko, ela foi premiada com o prêmio New Face Award no Japan Media Arts Festival.

A Silent Voice

A Silent Voice

O trabalho mais apreciado de Naoko, A Silent Voice estreou alcançando o segundo lugar no ranking japonês dos mais vistos - em 2016, ano de lançamento, ficou em 19º nos filmes com maior arrecadação. O filme gira em torno de um garoto, Shoya Ishida, que bulinava, junto com seus amigos, Shoko Nishimiya, uma colega de classe surda do primário. Shoko acaba mudando de escola devido ao bullying e todos culpam Shoya. Assim, ele acaba virando o novo alvo e decide não ter mais amigos - e até pensa em suicídio. Porém, tudo muda quando ele reencontra Shoko que, percebendo seu sofrimento, decide conectá-lo novamente com seus antigos amigos.
O filme é muito elogiado pela forma em que trata o sofrimento e foi elogiado por Makoto Shinkai, o diretor do filme com mais arrecadação de todos os tempos, Your Name: "uma fantástica peça de arte" e "uma polida e grande produção" que nem mesmo ele conseguiria reproduzir. Eita.

A Silent Voice, de Naoko Yamada

Considerações finais

Naoko já mostrou para o que veio: com A Silent Voice provou ser capaz de transmitir questões delicadas de uma forma muito delicada e graciosa de se ver. Deixo aqui, também, um texto maravilhoso (em inglês) do site Madman Entertainment; "Seu trabalho - criticamente necessário em um momento em que a indústria do anime deve estar visando uma melhor representação e igualdade - vem como um lembrete franco de que a narrativa eficaz não tem fronteiras de gênero. Em vez disso, seu impacto faz surgir uma questão crítica quando se trata da indústria contando histórias significativas - como a indústria de anime pode continuar a avançar se houver uma falta de diversidade e apoio para diretores? Enquanto as atitudes em torno de seus contemporâneos estão mudando, Yamada continua melhorando a si mesma e seu processo. Através da clareza de sua narrativa, cada corte paira sobre o menor dos detalhes para trazer para fora uma experiência de total enriquecimento. Compreendida em seu uso da cor e da vivacidade, os personagens são zumbidos através de seu enredo pela facilidade de esforço de seu estilo - que sopram e pausam, raspam os pés em assoalhos concretos, e contemplam quietamente o mundo em torno deles. É nessa contemplação que A Silent Voice brilha intensamente."

A narrativa seriada e as novas formas de assistir tevê

2017-04-17T12:00:00.001-07:00

Por CARLOS GUILHERME VOGEL

O Brasil parou na noite de 04 de outubro de 1972. A telenovela Selva de Pedra, da TV Globo, atingia a marca de 100% de audiência, no capítulo de número 152, exibido naquela noite. O episódio, que apresentava um ponto de virada importante na trama, pode ser analisado como um símbolo nacional acerca do encantamento do espectador frente a uma boa história.

Quase 41 anos depois, no dia 29 de setembro de 2013, os fãs brasileiros da série americana Breaking Bad aguardavam ansiosamente que o último episódio fosse disponibilizado para download por algum site pirata, após ter ido ao ar pelo canal estadunidense AMC. A série, que foi fenômeno de audiência na televisão a cabo dos EUA, teve seu final assistido por 10,3 milhões de espectadores naquele país. Ao redor do mundo, estima-se que nas 12 horas seguintes já haviam sido feitos mais de 500 mil downloads do episódio, todos em sites não oficiais.

A narrativa em capítulos ou episódios é antiga. A televisão se apropriou deste estilo de contar histórias, que surgiu na França no início do século XIX, e tanto a telenovela brasileira quanto os seriados estadunidenses são seus derivados. Entrar em contato com histórias que são contadas em pequenos pedaços sempre encantou as pessoas e o estilo foi sendo explorado de formas distintas e em diferentes meios.

Ao se falar em televisão, e citar os exemplos de Selva de Pedra e Breaking Bad, embora se tratando de produtos televisivos distintos, exibidos em países e épocas diferentes, o que se depreende a partir deles é a transformação histórica que se deu na relação do espectador com a televisão e, consequentemente, com o folhetim.

Dos canais abertos à chamada TV on demand (serviço pago, onde se pode escolher o que assistir a partir de um menu de opções), um longo caminho foi percorrido, proporcionando mudanças na relação do público com o veículo. Hoje não é mais o público que se adapta aos horários de exibição da programação televisiva, e sim programação que vai em busca do seu público.

A guerra pela audiência se acirrou muito, e vão longe os tempos em que uma novela das oito era unanimidade no país inteiro. A televisão precisou reinventar seus produtos, apresentar novas opções e remodelar antigos formatos. Além disso, torna-se cada vez mais evidente o diálogo com as tecnologias digitais, como a Internet, e a utilização de elementos comuns a outras mídias, sendo a principal delas o cinema.

Neste caminho percorrido, acredito que a telenovela se mantém muito mais fiel a sua origem folhetinesca e ao tipo de histórias que são contadas, enquanto as séries vem caminhando cada vez mais na direção dos diferentes gêneros cinematográficos.

A televisão evoluiu através dos tempos e com isso, evoluiu também o comportamento do espectador. A forma como se assiste à televisão no Brasil, hoje, é muito distinta da forma como se assistia nos anos 70. As telenovelas, apesar de ainda serem o carro chefe da programação da principal emissora do país, não são mais o fenômeno de audiência que foram no passado. Ao longo dos anos, outros tipos de narrativas ganharam espaço.

O destaque vai para uma nova forma de entretenimento, surgida no final dos anos 90 nos EUA, que tem conseguido sucesso de público e crítica ao redor do mundo, incluindo o Brasil. Conhecida no meio audiovisual como a terceira era de ouro da televisão norte-americana e no meio acadêmico como narrativas complexas, este novo formato vem ganhando e explorando novos espaços.

Para o pesquisador Jason Mittel essa nova forma de produto televisivo “se diferencia por usar a complexidade narrativa como uma alternativa às formas episódicas e seriadas”. Séries precursoras na utilização de uma nova linguagem, como The Sopranos (1999-2007) e Six Feet Under (2001-2005), apostaram alto na experimentação e ganharam o público.

Para Brett Martin, autor do livro “Homens Difíceis”, se os criadores e roteiristas de séries precursoras deste novo formato fossem dar ouvidos a opiniões convencionais da época, jamais teriam levado ao lar dos americanos personagens infelizes, moralmente incorretos e complexos, mas ao mesmo tempo profundamente humanos. Segundo o autor, porém, “desde o momento em que Tony Soprano entrou em sua piscina para dar as boas-vindas a seu bando de patos geniosos, ficou claro que os espectadores estavam dispostos a ser seduzidos”.

Além da TV a cabo, a evolução tecnológica tem possibilitado o surgimento novos mecanismos para atrair a atenção do espectador. Com o advento de plataformas de transmissão via streaming (uma tecnologia que envia informações multimídia, através da transferência de dados), a tela do aparelho televisor passou a dividir um espaço ainda maior com a tela do computador e também com tablets e smartphones.

Criada em 1997, tendo como atividade a entrega de DVDs pelo correio, após 20 anos a Netflix se transformou num provedor global de filmes e séries de TV via streaming. Conforme dados de 2015, naquele ano a plataforma já possuía 62 milhões de usuários ao redor do mundo e 70% do conteúdo assistido corresponde a séries. Por conta de serviços como esse, canais de TV a cabo como a HBO também criaram seu próprio aplicativo de streaming, como o HBO Now, disponibilizando seus programas aos usuários, mediante o pagamento de uma mensalidade, nos mesmos moldes do Netflix.

Todos esses fatores colaboraram de alguma forma para que a relação entre a televisão e seus espectadores se transformasse e partisse para um novo lugar, onde os espectadores se tornam mais exigentes e o veículo precisa oferecer a eles novas possibilidades. Dentre estas novas possibilidades, estariam o que alguns estudiosos chamam de narrativas complexas, um novo formato na narrativa ficcional televisiva.

Mittel afirma que rotular produtos televisivos como convencionais ou complexos carrega julgamento de valor, “da mesma forma que termos como primitivo e clássico assinalam pontos de vista analíticos nos estudos fílmicos”. Porém, o autor justifica a importância de estudos acerca deste modelo de narrativa, pois, para ele, o modelo das chamadas narrativas complexas “oferece uma gama de oportunidades criativas e uma perspectiva de retorno do público que são únicas no meio televisivo. Ela deve ser estudada e entendida como um passo chave na história das formas narrativas televisivas”.

É preciso deixar claro, porém, que não se pretende afirmar que a televisão esteja deixando de ser televisão à medida que dialoga com outras mídias e utiliza elementos destas. De acordo com roteirista brasileiro Newton Cannito, “a linguagem dominante na TV digital, capaz de conquistar o público, não transformará a televisão em cinema, nem transformará a televisão em internet; será a linguagem que potencializará digitalmente os procedimentos que a televisão já faz de forma analógica”.

A televisão, porém, se alimenta de outras fontes e se transforma, desenvolvendo suas possibilidades, em busca da atenção de um espectador cada vez mais exigente, cada vez mais bombardeado por informações e, acima de tudo, disputado como nunca pelas mais diferentes mídias.

Já vai longe o tempo em que 100% dos telespectadores brasileiros ligavam seus aparelhos de televisão na novela das oito, para assistir aos dramas de Cristiano Vilhena e Simone Marques, em Selva de Pedra.

A televisão brasileira e a mundial se reinventam. Televisão, cinema e internet se interrelacionam e transformam essas relações entre si e também com os espectadores que, acredito, são os que mais tem a ganhar isso.

Fontes consultadas:

CANNITO, Newton. A TV 1.5. A Televisão na Era Digital. São Paulo: Universidade de São Paulo, 2009. 293 f. Tese (Doutorado em Ciências da Comunicação) - Programa de Pós-Graduação em Ciências da Comunicação, Escola de Comunicação e Artes, Universidade de São Paulo, São Paulo, 2009.

IMDB. Breaking Bad. Disponível em http://www.imdb.com/title/tt0903747/

IMDB. Selva de Pedra. Disponível em http://www.imdb.com/title/tt0208635/

LIMA, Cecília A.; MOREIRA, Diego G. e CALAZANS, Janaína C. Netflix e a manutenção de gêneros televisivos fora do fluxo. Matrizes, São Paulo, USP, ano 8, n.2, Jul./Dez., 2015.

MARTIN, Brett. Homens Difíceis. Os bastidores do processo criativo de Breaking Bad, Família Soprano, Mad Men e outras séries revolucionárias. São Paulo: Aleph, 2014.

METZ, Christian. A significação no cinema. São Paulo: Perspectiva, 1972.

MITTEL, Jason. Complexidade Narrativa na Televisão Americana Contemporânea. Matrizes, São Paulo, USP, ano 5, n.2, Jan./Jun., 2012.

SUPER INTERESSANTE. Por dentro da Netflix. Disponível em http://super.abril.com.br/cultura/por-dentro-da-netflix

TELEDRAMATURGIA. Selva de Pedra (1972). Disponível em http://www.teledramaturgia.com.br/selva-de-pedra-1972/

UOL. Em 1972, Selva de Pedra foi vista em 100% das TVs, mas recebeu críticas. Disponível em http://noticiasdatv.uol.com.br/noticia/televisao/em-1972-selva-de-pedra-foi-vista-em-100-das-tvs-mas-recebeu-criticas-6782

UOL. Episódio final de "Breaking Bad" tem 500 mil downloads ilegais em 12 horas. Disponível em http://televisao.uol.com.br/noticias/redacao/2013/09/30/episodio-final-de-breaking -bad-tem-500-mil-downloads-ilegais-em-12-horas.htm

CARLOS GUILHERME VOGEL

Roteirista, Produtor e Diretor.

Mestrando em Comunicação no PPGCOM/UERJ, na linha "Tecnologias de Comunicação e Cultura".

Quem seguir nas redes para aprender a escrever roteiro

2017-04-10T17:12:00.001-07:00

A grana tá curta pra bancar formação em roteiros? Mora no interior e nada de chegar aquele curso bacana?
Pois apresentamos uma lista bacanuda de quem seguir nas redes sociais para aprender mais sobre roteiros de quadrinhos e cinema, dicas de como escrever melhor e ainda como entrar no mercado.
Saca só:

Gian Danton:
Um dos mais importantes roteiristas dos quadrinhos brazucas. É também professor e escritor de livros teóricos sobre a escrita para HQs. Em sua página você confere artigos sobre escrever roteiros e análises bem interessantes de obras de quadrinhos e cinema:
Facebook

Lully (Luisa Clasen):
Formada em cinema, tem uma experiência enorme em web. Em suas redes tem dicas sobre como escrever roteiros e como melhorar sua escrita.

Facebook

Youtube

Marcelo Andrighetti:
Roteirista, tem como objetivo de vida transformar e melhorar o mercado de Storytelling no país. Criou a Escola de Roteiro, onde você encontra muito material sobre escrita de roteiros para todas as mídias, além de cursos gratuitos.

Escola de Roteiro

Facebook

Youtube

Para cadastrar em sua newsletter, baixe o ebook grátis do Marcelo: Os 7 passos para Criar uma História.

Raphael Fernandes:
Roteirista e editor de quadrinhos. É sócio da Editora Draco, uma das principais portas de entrada para novos autores de quadrinhos. Quer saber mais sobre o concorrido mercado brasileiro, além de conhecer uma pá de obras bacanas? Segue o cara:

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Curious Cat

Sua newsletter Superfuzz

Thiago Spyked:
Roteirista, desenhista e editor de quadrinhos. No seu canal do Youtube, muito material pra quem pretende escrever melhor, desenhar melhor e tentar entender como entrar no nosso complexo mercado:

Youtube

Conhece mais alguém que vale a pena seguir? Comenta aqui embaixo.

Algumas produções nacionais

2017-04-05T06:42:00.000-07:00

Se tem uma coisa complicada no Brasil, é gostar das produções nacionais. Alguns dizem que elas não tem muita "qualidade" - oi? -, mas na verdade, acostumamos tanto a admirar as produções internacionais, talvez até diante dos poucos investimentos que, há muito tempo existiu, que acabamos deixando de apreciar aquilo que vem do nosso país. Resolvi, então, fazer uma lista rápida com algumas obras e projetos nacionais interessantes que encontrei por aí.

HQs Brasileiras

A página reúne várias obras e artistas nacionais - muitos deles desconhecidos mesmo do público mais ávido. É uma plataforma muito bacana para acompanhar as produções nacionais e descobrir outros artistas. No Facebook, principalmente, rolam várias sugestões diárias - e pra quem quer mostrar o seu trabalho, pode mandar pra eles. Fica a dica. 😉
Para o site, clica aqui. Para o Facebook, aqui.

Lobo Mau por Dani Bolinho

Lobo Mau

Quando fiz a lista de desenhistas brasileiros para acompanhar, acabei deixando de fora o Dani Bolinho, artista do Luta Irreal. Porém, quando conheci o Lobo Mau, me arrependi completamente: fazia um bom tempo que não me apaixonava por uma história assim. O projeto, que a princípio era pra ter 20 páginas, acabou sendo tão bem aceito que o autor ficou animado. Ele narra, em ilustrações em preto e branco e sem falas, a vida de um verdadeiro "lobo solitário".

O projeto está numa campanha do Catarse para quem quiser ajudar a torna-lo uma versão encadernada. É só clicar aqui.

Imaginário

Você já percebeu como o nosso folclore é rico? E como muitas dessas histórias são macabras? Foi seguindo essa ideia que surgiu o Imaginário, uma web-série carioca que estreou no dia 31 de outubro do ano passado trazendo personagens clássicos do imaginário nacional - e sim, tem o temeroso Homem do Saco. Se gostar, aproveita para dar uma olha no Lenda Urbana, o primeiro canal brasileiro do Youtube a criar curtas de terror.
Confere aí o trailer da primeira temporada com o clássico infantil "A cuca vem pegar":

O Rastro

Um dos mais novos filmes de terror nacional, O Rastro já tem chamado atenção dos fãs do gênero. O filme, previsto para estrear no dia 18 de maio, conta a história de João Rocha (Rafael Cardoso), um médico em ascensão que acaba encarregado de cuidar da transferência dos pacientes de um hospital público do Rio de Janeiro que será fechado por falta de verba (bem brasileiro, não?). O problema começa quando uma das pacientes, uma garotinha de 10 anos, simplesmente desaparece, sem deixar vestígios. Então, João resolve procura-la e as coisas ficam meio obscuras.

Confere o trailer:

*Créditos da primeira imagem: AdoroCinema