ROCK STYLE

2011-12-29T12:06:00.000-08:00

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PROGRAMA Nº 79 CELTAS CORTOS

2011-04-13T09:52:00.000-07:00

Celtas Cortos

Origen: Valladolid

Género: Rock, folk, folk rock

Período de actividad: 1986 – actualidad

Sitio web: www.celtascortos.com

Miembros: Jesús H. Cifuentes, Nacho Castro, Carlos A. Soto, Goyo Yeves, Nacho Martín, Luis M. de Tejada, Óscar García "Vinagre", César Cuenca

Celtas Cortos es un grupo español de música rock con influencias celtas.
Es uno de los grupos de Castilla y León más exitosos de todos los tiempos como lo demuestra el hecho de que durante su carrera han llegado a vender más de 2.000.000 de copias de sus distintos trabajos.

Historia

Los inicios
Las raíces de Celtas Cortos se remontan a finales de 1984 cuando en el Instituto Delicias de Valladolid coinciden como estudiantes cuatro de sus miembros fundadores: Goyo, César, Carlos y Óscar que, junto a Luis, un profesor de francés de la institución, conforman el Colectivo de Música del Instituto Delicias, nombre bajo el cual comienzan a interpretar música folk.
Poco después tres chicas se unen al grupo creando la formación Páramo, bajo la que interpretaban música castellana y que tuvo una corta duración en el tiempo.
Paralelamente Carlos formaba parte de otro grupo bastante conocido en los circuitos regionales denominado Almenara y del que a su vez era miembro integrante Jesús Cifuentes a la guitarra española y bajo el que publicaron un disco llamado "Desde aquel día de Abril - Amapolas comuneras" en 1984.
Poco después ingresan en Almenara Nacho Castro a la batería y Luis M. de Tejada al violín por lo que en Almenara se juntaron cuatro de los miembros fundadores de Celtas Cortos.
En 1986 los 5 miembros masculinos de Páramo acompañados por Jesús Cifuentes y Nacho Castro de Almenara, además de por Fernando, un amigo de César que se hace cargo de los teclados, deciden presentarse a un concurso organizado por la discoteca Sheraton de Valladolid.
El nombre que eligen para concursar es el de Colectivo Eurofolk y finalmente resultan ganadores del concurso, lo que les reportó 100.000 pesetas (600 euros) y los llevó a no disolver la banda tras el concurso como era la idea inicial.
Tras decidir que se hacía necesario un cambio de nombre, finalmente el elegido es Celtas Cortos, haciendo honor a la popular marca de tabaco sin filtro que fumaba uno de los integrantes de la banda.
En 1987 son seleccionados para participar en un concurso organizado por la Junta de Castilla y León en colaboración con RNE cuyo premio era grabar un disco compartido con otras dos bandas.
Finalmente resultan vencedores por lo que, junto a los grupos de folk Ágora y Yedra publican Así Es Como Suena.
En éste el que interpretan tres temas instrumentales y que desde entonces sería denominado como "disco cero" por los propios integrantes de la banda.
Del disco sólo se editaron 500 copias que nunca se pusieron a la venta sino que fueron regaladas de forma promocional por lo que hoy en día es una pieza de coleccionista.

Su primera discográfica: Twins

En 1988 graban una maqueta de diez temas que distribuyen entre cuantas discográficas van encontrando por toda la geografía española sin que ninguna de ellas muestre interés en ofrecerles una oportunidad.
Ante este rechazo se plantean la posibilidad incluso de disolverse, pero es entonces cuando reciben la llamada del productor Paco Martín que por aquellos entonces acababa de crear la discográfica Twins con la que firman su primer contrato.
A principios de 1989 graban en una semana y media su primer álbum: Salida de emergencia; un álbum compuesto exclusivamente por canciones instrumentales y del que con el tiempo llegaron a venderse 60.000 unidades.
A comienzos de 1990 la banda graba su segundo disco: Gente impresentable, en el cual por primera vez incluyen letra en sus canciones y además empiezan a fusionar otros estilos con la música celta que hasta entonces habían practicado tales como el rap el reagge o el heavy metal.
Paralelamente, Paco Martín vende su sello Twins a la multinacional DRO que automáticamente se vuelca en la promoción de Celtas Cortos.
El disco alcanza a un público masivo llegando a vender más de 180.000 copias y colocando varios singles en los primeros lugares de las radiofórmulas.
Todo ello supuso que el grupo recibiera multitud de ofertas para ofrecer en directo su espectáculo por toda España, llegando a celebrar más de 100 conciertos durante ese año.
DRO
En la primera quincena de marzo de 1991 graban su tercer disco, Cuentame un cuento, que se publicó en noviembre de ese mismo año ya bajo la el sello multinacional DRO. El disco, en el que las canciones con letra ganan cada vez más terreno a las instrumentales con 8 de los 13 temas incluyendo texto, vuelve a ser un éxito de ventas superando los 300.000 ejemplares vendidos.
Éxitos como "20 de abril" o "Cuéntame un cuento" hacen que la popularidad de la banda sea cada vez mayor.
En 1991 ofrecen 126 conciertos que llegan a 140 en 1992 algunos de ellos multitudinarios como el dieron en la Expo de Sevilla o los de las Ventas ante más de 25.000 personas o las fiestas de la Mercé en Barcelona ante más de 63.000.
En 1992 un desafortunado accidente doméstico que sufre el violinista Alberto García en su antebrazo derecho hace que este comience a tocar con asiduidad el trombón lo que a su vez supone que los instrumentos de viento ganen protagonismo en el repertorio de la formación.
El cuarto disco de Celtas Cortos, Tranquilo Majete, fue grabado en los estudios Parkgate de Sussex y lanzado al mercado a comienzos de 1993 conteniendo 9 temas con letra y cuatro exclusivamente instrumentales.
El estilo de este álbum da un giro hacia un sonido mucho más rockero y duro que en trabajos anteriores.
Además a partir de entonces, la banda trasciende las fronteras de España comenzando a tocar asiduamente en Francia y Alemania.
El éxito en estos países le lleva a lanzar exclusivamente para los mismos el recopilatorio "Vamos" que entre otros temas incluía una versión de "Cuentame un cuento" interpretada por Willy de Ville.
Nos vemos en los bares
En 1996 publican En estos días inciertos, en el que la fusión de la música celta sigue cediendo terreno a estilos como el rock, el pop o el ska en un disco donde las letras reivindicativas y de denuncia social prevalecen sobre el resto.
La gira posterior a la publicación de este disco hizo que Celtas Cortos fuera la banda que más conciertos ofreció en territorio español en 1996.
En 1997 se publica el primer y único disco en directo de la banda: Nos vemos en los bares, formado por 25 canciones grabadas en las actuaciones que la banda ofreció durante los días 6 y 7 de febrero en Valladolid y en las que contaron con la colaboración de artistas como Rosendo; Jota de Ixo, Rai; Taba, de Ke no Falte; el grupo italiano Nomadi, y la banda bretona Le Bagdad de Kimperlé. Además, en esta época se incorpora a la banda uno de los músicos que pasarían a ser uno de los habituales de la misma, el guitarrista José Sendino.

El alquimista loco

En 1998 la formación acepta la oferta de la Junta de Castilla y León para realizar una gira de conciertos por pequeños teatros de la Comunidad.
El proyecto, totalemte instrumental, denominado El Alquimista Loco, en el que no participa Jesús Cifuentes en ninguna medida, se convierte en un éxito y finalmente incluso se lanza al mercado un disco homónimo.

En el año 2002 se produce la marcha de Cifu, que supone el punto de giro definitivo después de los anteriores abandonos de César Cuenca y Nacho Martín.
Será sustituido por Antuán Muñoz. A comienzos de 2004, Carlos Soto (flauta y saxo) abandona el grupo para crear Awen Magic Land, su nuevo proyecto junto a María Desbordes. Posteriormente a inicios de 2006 Cifu vuelve al grupo (con la salida de Antuán) y comienzan a ensayar juntos de nuevo y a preparar su siguiente disco en el que se incluye su éxito Hay que volver, cuando se cumplieron 20 años de su fundación.
El 2 de septiembre de 2008 lanzaron 40 de abril, primer disco completamente inédito de la banda tras la vuelta a la misma de Jesús Cifuentes en el 2006.
En 2010 lanzaron Introversiones, versionando canciones de otros grupos.

Discografía
• 1989 - Salida de emergencia
• 1990 - Gente impresentable
• 1991 - Cuéntame un cuento
• 1993 - Tranquilo majete
• 1995 - ¡Vamos! (Recopilatorio)
• 1996 - En estos días inciertos
• 1997 - Nos vemos en los bares (Directo)
• 1998 - El alquimista loco
• 1999 - The best of (Recopilatorio)
• 1999 - Tienes la puerta abierta
• 2001 - Grandes éxitos, pequeños regalos (Recopilatorio)
• 2002 - Gente distinta (Recopilatorio)
• 2003 - C'est la vie
• 2006 - 20 soplando versos (Recopilatorio)
• 2008 - 40 de abril
• 2010 - Introversiones

PROGRAMA Nº 78 STRAVAGANZZA

2011-04-13T08:48:00.000-07:00

Stravaganzza

Origen: Fuenlabrada, España

Género: Metal Gotico, Metal Sinfonico

Período de actividad: 2004 – 2010

Stravaganzza es una formación musical de Metal Gótico con origen madrileño.
Surge a mediados del año 2004 y está compuesta por Pepe Herrero, Patricio Babasasa, Carlos Expósito, Fernando Martín, Rodrigo Calderón, Aroa Martín, Natalia Barrios (body painting), Noemí Pasca (bailarina) y el ex vocalista de Saratoga, Leo Jiménez. Su estilo de música se podría clasificar como heavy metal de corte gótico, progresivo, y sinfónico, con influencias de metal extremo de los 90.

Historia

En 2004 se estrenan con Primer Acto, su primer disco.
Este ofrece cortes como Dios u Oveja Negra que ya son fijos en las presentaciones en directo del grupo.
En 2005 se confirman como grupo revolución con Sentimientos, un disco temático que gira en torno a las diferentes sensaciones que vive el ser humano en su vida.
Estos dos discos fueron grabados por la primera formación: Edu Fernández, Dani Pérez, Leo Jiménez y Pepe Herrero.
En 2005 Dani Pérez inicia lo que sería su nuevo proyecto con la banda Skizoo (a la que también se uniría un año después Edu Fernández) y, con el tiempo, abandona Saratoga, su otra banda, debido a su idea de querer dedicarse de pleno a Skizoo y Stravaganzza.
El 11 de Marzo de 2006 se da a conocer la noticia de que Dani y Edu, por problemas tanto de tiempo como discográficos, no pueden compaginar su actividad entre ambas bandas y deciden dejar Stravaganzza.
Esto se anunció mediante un escueto comunicado que apareció publicado en la web oficial del grupo:
"Lamentamos comunicaros que, por razones ajenas a la banda, Dani Pérez y Edu Fernández tienen que abandonar Stravaganzza.
En breve, tendréis más noticias nuestras."
A raíz de ese anuncio comenzaron a correr rumores sobre la separación del grupo, ya que Dani Pérez había sido uno de los emblemas del grupo por su calidad a la batería. Sin embargo, tanto Leo como Pepe reaccionaron rápido y el día 31 de marzo anunciaron la incorporación de dos nuevos miembros: Carlos Expósito, batería recomendado por el tristemente desaparecido Big Simon y Patricio Babasasa en las labores de bajista. Por otro lado, Rodrigo Calderón -violín- y Fernando Martín -teclados-, que habían acompañado al grupo durante sus presentaciones en directo, pasan a ser miembros activos.
A mediados de mayo, para demostrar que esta situación no era un "parche" sino algo estable, publican su tercer trabajo de estudio: Hijo del miedo.
Se trata de un EP que incluye temas de sus dos primeros discos remezclados, por ejemplo "Pasión" (versión orquestal) y "Dios" (regrabada por la nueva formación), además de la exitosa canción "Hijo de la luna" (de Mecano) versión metal.
En Julio de 2006 empiezan a surgir los rumores de que Leo Jiménez abandonaría Saratoga en Octubre para dedicarse plenamente a Stravaganzza y poder pasar a hacer giras. Para 2007 está planeado el tercer álbum de estudio de la banda titulado "Tercer Acto".
En Noviembre de 2006 se confirma la salida de Leo Jiménez de Saratoga para dedicarse plenamente a Stravaganzza.
El 24 de mayo de 2007 salió a la luz su nuevo disco, el tercer acto llamado "Réquiem".
En el tema "Hombre" colabora Molly, cantante del grupo Hamlet. Otra impresionante versión de los años 80, "Eloise" que hizo famosa el genial Tino Casal, y un giro a sonidos más extremos, sin olvidar la contundencia metálica y sus registros más góticos.
En diciembre de 2009 anuncian en su web oficial que están en el estudio grabando un nuevo álbum, que será el Cuarto Acto llamado "Raíces", mismo que finalmente se publicó el 27 de abril del 2010.
A finales de Septiembre de 2010 anuncian un parón indefinido debido a problemas técnicos y de infraestructura.
Asegurando que tarde o temprano volverán.

Miembros

Actuales (desde 2006)
• Leo Jiménez - Voz y guitarra rítmica
• Pepe Herrero - Guitarra, solista, teclados y orquestaciones
• Carlos Expósito - Batería y percusiones
• Patricio Babasasa - Bajo
• Fernando Martín - Teclados
• Rodrigo Calderón - Violín
• Aroa Martín - Coros
• Noemí Pasca - Bailarina
• Merche Guerra - Bailarina
• Soraya Martín - Bailarina
• Natalia Barrios - Body Painting

Originales (2004 - 2006)
• Leo Jiménez (Voz)
• Pepe Herrero (Guitarra)
• Dani Pérez (Batería)
• Edu Fernández (Bajo)

Discografía
• Primer Acto (2004)
• Sentimientos (Segundo Acto) (2005)
• Hijo del miedo (EP) (2006)
• Tercer Acto Requiem (2007)
• Raíces (Cuarto Acto) (2010)

PROGRAMA Nº 77 SKIZOO

2011-03-30T08:57:00.000-07:00

Skizoo

Origen: Madrid.

Género: Metal alternativo, Rock duro.

Período de actividad: 2005 – 2009

Web Sitio web: www.skizoo.es

Miembros: Morti, Jorge Escobedo, Antonio Bernardini, Iván Ramírez, José Hurtado.

Antiguos miembros: Dani Criado, Dani Pérez, Edu Fernández

Historia:

Tras lo que se anunció como una separación temporal de Sôber, una mitad del grupo formó Savia (Carlos Escobedo y Alberto Madrid), que se llevó con la parte más melódica del grupo, y la otra, formada por los guitarristas Antonio Bernardini y Jorge Escobedo, prepararon el proyecto Skizoo, acompañados por Dani Pérez (batería de Saratoga y Stravaganzza), Daniel Criado (bajista de XXL) y Morti (voz en Bushido y Fantástico Hombre Bala, entre otros), llevando el sonido de Sôber a cotas mayores de dureza y agresividad, dando lugar a un estilo característico en la banda.
Grabaron en 2005 su álbum homónimo de debut, que lanzaron al mercado en mayo de ese mismo año con la compañía El Diablo.
Al poco tiempo, Daniel Criado abandonó el grupo y le sustituyó Edu Fernández (bajista de Stravaganzza), que también se encarga de los coros en las actuaciones en directo.
Así dieron con la formación definitiva. Canciones como "Renuncia al Sol", "Arriésgate", "Habrá que olvidar" o "No todo está perdido" les abrieron un hueco importante y merecido en el panorama nacional.
En 2006 ficharon por EMI y reeditaron su primer álbum con la colaboración de Bunbury a las voces en el tema "No todo está perdido" del EP Habrá que olvidar.
Además añadieron una versión de la canción "Entre dos tierras", de Héroes del silencio, dos remixes y un DVD con imágenes de la primera gira.
A finales de ese mismo año grabaron en Murcia su segundo álbum, Incerteza, lanzado el 19 de febrero de 2007, último álbum producido por Simón Echeverría (Big Simon), ya que murió antes de su publicación.
Este trabajo es claramente más duro y melódico que el anterior.
A principios de 2008 comunican su salida de la multinacional EMI y en mayo de ese año publican su tercer trabajo llamado 3, con la compañía discográfica independiente DFX, trabajo en el cual experimenta aún más en el sonido de la banda, pero sin alejarse del metal alternativo que les caracteriza.
En el mes de julio de 2008 se confirma la salida de la formación de Dani Pérez y Edu Fernández, aunque la banda confirma su intención de continuar la gira de presentación de 3 como estaba previsto.
El día 6 del mismo mes se dieron a conocer en el sitio oficial los nombres de los nuevos integrantes de Skizoo, en la batería Iván Ramírez (de los desaparecidos Ebony Ark), y en el bajo José Hurtado (Coilbox).
El 17 de agosto de 2009 Skizoo anunció un parón en su carrera mediante un comunicado oficial aparecido en su página web.

Discografía:

Álbumes

Skizoo - 2005

Skizoo - 2006

Incerteza - 2007

3 - 2008

La cara oculta - 2008

PROGRAMA Nº 76 IRON MAIDEN

2011-03-21T09:19:00.000-07:00

IRON MAIDEN

Iron Maiden es una banda británica de heavy metal fundada en 1975 por el bajista Steve Harris.
Iron Maiden es reconocida como una de las bandas de heavy metal más exitosas de toda la historia.
Han vendido más de 85 millones de álbumes en todo el mundo.

El grupo ha editado numerosos álbumes de estudio, álbumes en directo, recopilatorios, EP, sencillos, vídeos musicales y cajas recopilatorias.
Tras varias audiciones y varios cambios en su formación, ésta se asentó con el vocalista Paul Di'Anno, los guitarristas Dave Murray y Dennis Stratton y el batería Clive Burr.
Publicaron su álbum debut homónimo en 1980, convirtiéndose rápidamente en uno de los grupos más representativos de la nueva ola del heavy metal británico.
Más tarde ese mismo año, Stratton fue reemplazado por el guitarrista Adrian Smith, con el que publicaron el exitoso y consistente Killers (1981), el cantante Bruce Dickinson reemplazaba a Di'Anno, marcando el inicio de una serie de lanzamientos de impacto, entrando en lo más alto (el Top 10) de las listas de los más vendidos.
En 1982 pondrían en circulación su "obra maestra", The Number of the Beast,que se convertiría en el primer álbum de la banda que lideró las listas de los más vendidos en el Reino Unido, recibió un disco de platino de la industria RIAA.
El batería Nicko McBrain remplazaba a Burr,con el que editaron Piece of Mind (1983), seguido por Powerslave (1984).
Iron Maiden abriría su sonido a nuevos registros con el uso de sintetizadores en Somewhere in Time (1986).
Su siguiente álbum conceptual, Seventh Son of a Seventh Son (1988).

La alineación permanecería intacta hasta que Adrian Smith abandonara la banda durante la pre producción de su último disco de oro en los Estados Unidos, No Prayer for the Dying (1990), reemplazado por Janick Gers.
Su último álbum número uno en el Reino Unido, Fear of the Dark (1992).
Al año siguiente Dickinson habría dejado la banda, siendo sustituto Blaze Bayley, The X Factor (1995), sería el álbum que marcó el inició de su descenso.
El bajo interés que suscitó entre los seguidores de la banda su álbum de 1998 Virtual XI precipitó la salida de Bayley.

Dickinson y Smith regresaron a la banda en 1999 y al año siguiente se lanzó un nuevo álbum, Brave New World.
Tres años después, Dance of Death llegó a las tiendas, y significó un "victorioso regreso" al éxito.
En 2006 editaron "un álbum más elaborado y serpenteante", A Matter of Life and Death, que recibió, al igual que los dos álbumes anteriores, un disco de oro de la industria BPI.

PROGRAMA Nº 75 HAMLET

2011-03-04T07:59:00.000-08:00

Hamlet

Origen: Madrid

Género: Nu metal, Metal alternativo, Hardcore punk, Groove metal

Período de actividad: 1987 - Actualidad

Miembros: J. Molly, Luis Tárraga, Alberto Marín, Álvaro Tenorio, Paco Sánchez

Hamlet es una banda de metal alternativo de Madrid (España), en activo desde 1987. El nombre del grupo se lo deben a un antiguo batería de la agrupación, que llegó a un ensayo con la obra Hamlet de William Shakespeare, y decidieron darle al grupo dicho nombre.
A pesar de ser fundado años atrás, el grupo musical tomó como fecha de inicio el año 1993.
La agrupación ha grabado nueve álbumes de estudio y su estilo ha evolucionado a lo largo del tiempo, teniendo como influencias a Pantera, Sepultura y Slayer.

Historia

Inicios

La banda se formó en 1987 en Madrid, España, con José Molinero (conocido bajo el sobrenombre de J. Molly) y Luis Tárraga ya en ella.
Su estilo entonces giraba entorno al hard rock ochentero, presente en su maqueta homónima y su primer álbum de estudio, Peligroso, endureciéndose más en este último, aproximándose así más al heavy metal.
La banda más adelante negó este sonido y tomó como orígenes de la banda su siguiente álbum, Sanatorio de muñecos, en el cual evolucionaron hacia el metal alternativo.

Sanatorio de muñecos (1994)

En 1994 la banda fichó por la después extinta discográfica Romilar-D y viajaron a Morrisound Studios de Florida para grabar su segundo disco, llamado Sanatorio de muñecos, bajo la producción de Tom Morris.
La banda experimentó un cambio en su estilo: evolucionó hacia el metal alternativo. Se suele nombrar el nu metal para referirse a este tiempo, debido a sus riffs inspirados y a una sección rítmica y pesada, pero realmente es una fusión entre rap metal, metal alternativo y hardcore punk, además de incluír bajos funk y voces guturales.
Las letras también experimentaron un cambio, pues comenzaron a hablar de denuncia social y política.
La agrupación tomó este álbum como el primero, siendo estos los inicios de su carrera, negando así sus anteriores trabajos.
En este álbum se incorporó el batería Paco Sánchez.
El quinto tema del álbum, llamado «Qué Voy a Hacer», formó parte de la banda sonora de la película española Historias del Kronen.

Revolución 12.111 (1996)

Dos años después de la publicación de Sanatorio de Muñecos, salió a la luz el tercer álbum de estudio de la banda, Revolución 12.111, bajo la misma producción y lugar de grabación que su antecesor, pero con otro sello, Zero Records, creado por la agrupación y por Juan Hermida exclusivamente para este álbum, y con el que trabajaron en sus dos siguientes discos de estudio.
El trabajo se caracterizaba por una rápida ejecución de los temas, lo que hizo que fueran calificados, de forma errónea, como banda de thrash metal, a pesar de que mostraban influencias de bandas incluidas en el estilo como Pantera, Slayer o Sepultura; también fue considerado álbum de nu metal.
Debido a la letra del primer tema del álbum, J.F., fueron censurados en las radiofórmulas españolas.
Este tema también fue el encargado de convertirse en el primer videoclip de la banda. En el mismo año 1996, también sacaron su primer trabajo grabado en directo, Irracional - En directo, un EP con cinco canciones de sus álbumes Sanatorio de muñecos y Revolución 12.111. Tras en lanzamiento de Revolución 12.111 la banda actuó en festivales españoles de la época como Festimad, Dr. Music o Espárrago Rock.
Además tocaron junto a bandas como Fear Factory, en Portugal Clawfinger en Suiza, en México con Control Machete o Rage Against the Machine en Granada, España, siendo Hamlet los teloneros de estos últimos.

Insomnio (1998)

Más tarde, en 1998, se publicó Insomnio, su cuarto disco de estudio.
En él, la banda evolucionó hacia el nu metal, dejando el hardcore punk, haciéndose de ese modo su estilo más melódico y con una mayor alternacia rítmica en las composiciones.
Fue producido por Colin Richardson, quién ya había producido a otras bandas como Sepultura, Slipknot o Machine Head, y continuará con Hamlet en sus dos siguientes trabajos.
La grabación ocurrió en el Reino Unido.
En este trabajo, la banda comienza a dejar un poco de lado, pero sin desaparecer, la denuncia social para centrarse en temáticas más personales.
Durante esta temporada, la compañía discográfica Roadrunner Records le propuso a la banda cantar en inglés y grabaron maquetas en ese idioma, pero la agrupación se negó puesto que afirmaban que perdían personalidad.

El inferno (2000)

En el año 2000, salió el álbum El inferno, en el que las temáticas se volvieron más personales, dejando de lado la reivindicación social, con letras más indirectas.
Además, a partir del disco se publicó un EP, Denuncio a Dios, con canciones de sus anteriores trabajos.

Hamlet (2002)

Dos años después, en el 2002, el grupo abandonó Zero Records y publicó con Locomotive Records un álbum homónimo, que fue conocido popularmente como el Álbum Negro.
En él experimentaron una pequeña evolución hacia un sonido algo más potente que en su anterior trabajo.
En este año también salió el segundo single del grupo, el del tema Limítate, que incluía una canción con el dúo de rap Duo Kie titulada Mal Camino y Out In The Cold, versión de una canción de Judas Priest.

Directo (2003)

En el año 2003 la agrupación sacó a la luz su primer álbum en directo de larga duración y el último con Augusto Hérnandez al bajo, que la abandonó en el 2004 para fundar en el 2006 una banda de rock, Piel y Hueso, en la que es el guitarrista y el vocalista.
El lugar de este músico fue ocupado por Álvaro Tenorio.

Syberia (2005)

En 2005 salió a la venta un nuevo disco de Hamlet, titulado Syberia.
La banda evolucionó hacia a un sonido con un tempo más lento que en álbumes anteriores, más melódico (sobre todo en la voz) y atmósferas más emocionales y oscuras.
Todos estos cambios tuvieron como resultado la pérdida de algunos fans más antiguos, que fueron sustituidos por los provenientes de nuevas generaciones.
En este disco también la banda dejó de contar con Colin Richardson como productor, debido a problemas de agenda del mismo, puesto que ocuparía en este trabajo el español Alberto Seara.
Los temas Imaginé, Para toda una vida y Serenarme en la desolación tuvieron videoclips, siendo el del primer tema citado inspirado en el de la canción Minerva de Deftones.

Pura vida (2006)

Posteriormente, durante el 2006, se publicó el álbum Pura vida, en el que Colin Richarson participó de nuevo como mezclador.
En él la banda mostró unas letras más vivas y con más acción ante los sucesos de la vida.
La música también estuvo más clara y cercana.
Este disco tuvo que cambiar la portada, pues había otra banda de Chicago que sacó un trabajo con una portada simimilar y el mismo título.

Gira del 15 Aniversario (2008)

Durante los meses de marzo y abril del año 2008, la banda realizó una gira por España en conmemoración de la grabación del álbum que consideraba como su primer trabajo, Sanatorio de muñecos.
En ella tocaron sólo temas de sus discos Revolución 12.111 y el citado anteriormente, Sanatorio de muñecos y anunciaron su fichaje con Roadrunner.
La gira se inició el 1 de marzo en Zaragoza.
Durante el festival del Viñarock, a finales de abril, Pedro Sánchez, guitarrista de la banda, anunció que abandonaba la agrupación, por no poder compatibilizar su trabajo con la banda.
El grupo recibió apoyos de varios guitarristas como Javi de S.A., Bernardini y Jorge de Skizoo, Chifli de Habeas Corpus e Igor de Kalte, para ocupar el puesto de la guitarra durante el festival.
Al final el lugar de Pedro Sánchez fue ocupado por Alberto Martín, músico que ya había tocado con Kaothic y Skunk D.F. y con quien concluyeron la gira.

La puta y el diablo (2009)

Con esta nueva incorporación a la guitarra, se publicó el último álbum hasta el momento de Hamlet, La puta y el diablo el 6 de abril del 2009.
En este álbum, la banda mostró un estilo distinto, caracterizado por mayor tecnicidad, voces más agresivas y batería que ejecutaba ritmos rápidos, además de tratar temáticas relacionadas con la agonía, el sufrimiento, la rabia, entre otros sentimientos.
En algunos temas se aprecian ciertos toques más depresivos y elavorados con pinceladas post-hardcore.
También la agrupación tendió a experimentar tanto en voces como en guitarras.
Luis Tárraga utilizó guitarra clásica en el tema En el nombre de Dios.
La canción No habrá final es prácticamente instrumental, y tuvo como origen la intro de otro tema.
En este álbum, Hamlet recuperó la fiereza que tuvieron antaño en otros trabajos como Sanatorio De Muñecos o Revolución 12.111, y le dio la intensidad, la profundidad y la densidad de El Inferno.
Este trabajo alcanzó el puesto nº33 de las listas de éxito a los nueve días de su publicación.
El nombre de este disco se le ocurrió a Luis Tárraga a raíz de una viñeta de un cómic de Frank Miller en la que se cita la puta del diablo, expresión latinoamerica y estadounidense para designar a las monjas.
Las mezclas estuvieron a cargo de Logan Mader, el que fue guitarrista de Machine Head y Soulfly.
Durante la gira de este disco, que recorrió Estados Unidos de Norteamérica y Europa, Hamlet tocó en festivales como el Extremúsika en Mérida el 17 de abril, en el Euskal Strong Festival el 25 de abril en Durango(Vizcaya) y en el Viña Rock el 1 de mayo en Villarrobledo, Albacete.

Sonido e influencias

El estilo de la banda ha evolucionado a lo largo de su historia, pasando por diversos géneros, entre ellos el hard rock y heavy metal de sus inicios; el metal alternativo, hardcore punk y nu metal de sus trabajos Sanatorio de muñecos y Revolución 12.111; el nu metal y metal alternativo de sus álbumes Insomnio, El inferno y Hamlet (este último con elementos de groove metal).
Los discos Syberia y Pura vida fueron más melódicos y oscuros, y sobre su último trabajo, La puta y el diablo, Alberto Marín, guitarrista de la banda, comentó:
Este es un disco difícil de etiquetar, porque es salvaje, es intenso, a veces melódico, es rápido... Es La puta y el diablo.

Entre las influencias de Hamlet están Pantera, Sepultura y Slayer.
Los miembros también han citado como agrupaciones favoritas a Rage Against the Machine, Machine Head, AC/DC, Iron Maiden, Judas Priest, Mastodon, Muse, Trivium, Rush, Porcupine Tree, Neurosis, Isis, Jesu, Winger, Deftones, Korn, y a Pink Floyd.

Relación con otras bandas

Hamlet ha colaborado con varias bandas españolas.
Así, por ejemplo, J. Molly ha participado en álbumes de Estirpe o Idi Bihotz, entre otros y participó en un proyecto paralelo llamado Conato de Violencia, en el año 1994 con Alberto Madrid (ex-batería de Sôber) en la batería, Mario Madrid y Chiqui Luna como guitarristas y Álex García como bajista, producido por el propio Alberto Madrid.
Del mismo modo, Luis Tárraga ha producido a diversos artistas como a Skunk D.F., Coilbox, FreakMind o a Cripta.

Miembros
• J. Molly (Voz)
• Luis Tárraga (Guitarra)
• Paco Sánchez (Batería)
• Álvaro Tenorio (Bajo)
• Alberto Marín (Guitarra)

Ex miembros
• Javier Gómez (Bajo)
• Javier Rocaberti (Bajo)
• Pablo Gianni (Batería)
• Augusto Hernández (Bajo)
• Pedro Sánchez (Guitarra)

Discografía
[LP's
• Peligroso, Vulcano / Dro (1992)
• Sanatorio de muñecos, Escila / Romilar D (1994)
• Revolución 12.111, Zero Records (1996)
• Insomnio, Zero Records (1998)
• El Inferno, Zero Records (2000)
• Hamlet, Locomotive Music (2002)
• Syberia, Locomotive Music (2005)
• Pura vida, Locomotive Music (2006)
• La puta y el diablo, Roadrunner Records (2009)

Álbumes en directo
• Directo, Locomotive Music (2003)
• Irracional - En directo, Zero Records (1996)

EP's
• "Hamlet" , Vulcano / DRO (1991)

Sencillos
• «J.F.», Zero Records (1996)
• «Irracional - En directo», Zero Records (1996)
• «Denuncio a Dios + 4», Zero Records (2000)
• «Limítate», Locomotive Music (2002)
• «Imaginé», Locomotive Music (2005)
• «Para toda una vida», Locomotive Music (2005)
• «Serenarme (en la desolación)», Locomotive Music (2006)
• «En mi nombre», Locomotive Music (2006)
• «Siete Historias Diferentes», Roadrunner Records (2010)

Álbumes tributo
• Metal Gods - Tributo a Judas Priest

Vídeos
• J.F., (1996)
• Antes y Después, (1998)
• Limítate, (2002)
• Directo, (2003)
• Imaginé, (2005)
• Para Toda Una Vida, (2005)
• Serenarme (En La Desolación), (2006)
• En Mi Nombre, (2006)
• Siete Historias Diferentes (2010)

PROGRAMA Nº 74 APOCALYPTICA

2011-02-15T08:32:00.000-08:00

Apocalyptica

Origen: Helsinki, Finlandia

Género: Metal sinfónico, Cello rock, Música clásica

Período de actividad: 1996 – presente

Miembros: Eicca Toppinen, Paavo Lötjönen, Perttu Kivilaakso, Mikko Sirén

Comienzos
Apocalyptica se formó en 1993 en la academia de música clásica Sibelius de Helsinki en Finlandia, cuando varios amigos hacían covers de sus bandas favoritas sólo por diversión, pero con la diferencia de que los tocaban con sus cellos.
Al principio solo tocaban en fiestas, campamentos y frente a sus amigos pero luego comenzaron a tocar en clubes.
En diciembre de 1995 después de tocar "Master of Puppets" y "Creeping Death" en el Heavy Metal Club Theatre, Kari Hynninen, un representante de la discográfica Zen Garden, los invitó a grabar un álbum.
Como la mayoría de sus covers eran de Metallica decidieron grabar el álbum exclusivamente con canciones de ellos.
Así, en 1996 bajo el nombre de Apocalyptica (fusión de apocalypse y Metallica) surgió Plays Metallica by Four Cellos, el cual vendió más de un millón de copias alrededor del mundo.
Ese mismo año, el 18 y 19 de noviembre, abrieron para Metallica durante sus dos conciertos en Helsinki.
En 1998, tras el éxito de su primer álbum, lanzaron Inquisition Symphony, que contenía más de sus covers de Metallica y de otras bandas como Sepultura, Faith No More y Pantera.
Además incluía tres temas originales compuestos por Eicca Toppinen.
Tras este álbum comenzó su gira mundial.
Un año después Antero Manninen decide salir de la banda para seguir con sus estudios de música clásica.
Fue reemplazado por Perttu Kivilaakso, quien al principio tocaba con ellos pero no pudo entrar oficialmente a la banda ya que era menor de edad y aún no había terminado sus estudios.
En 1999 la banda fue invitada a tocar en la fiesta celebrada por el concierto de Metallica con la orquesta sinfónica de San Francisco, S&M.
Un año después lanzaron su tercer álbum, Cult, que incluía únicamente canciones originales, pero no quisieron dejar atrás sus raíces así que incluyeron dos covers más de Metallica y un cover del clásico del compositor noruego Edvard Grieg, "In the Hall of the Mountain King".
Este fue un gran paso para ellos, no sólo porque era su primer álbum con solo temas originales, sino porque también incluyeron otros instrumentos de orquesta, cellos eléctricos y por primera vez hicieron colaboraciones vocales.
Un año después lanzaron su primer DVD en vivo, Live.

Marcha de Max

Un tiempo después la banda cambió de discográfica y las discusiones empezaron, Eicca y Max Lilja discutían el futuro de la banda hasta el punto de que uno de los dos debía salirse de ella, los demás integrantes se pusieron del lado de Eicca y al final Max decidió dejar el grupo.
Como no pudieron encontrar reemplazo la banda se convirtió en trío y Antero regreso con ellos, pero solo para tocar en vivo.
Para este tiempo Apocalyptica había encontrado su estilo propio, aun así sentían que le faltaba algo a la banda y decidieron invitar a un viejo amigo, Dave Lombardo, a quien conocieron en 1997 al tocar juntos "South of Heaven" de Slayer en Holanda. Después de grabar algunas canciones con batería, quedaron sorprendidos de lo bien que sonaba la banda con ella y de inmediato supieron que eso era lo que faltaba al grupo.
Así, en 2003, lanzaron Reflections, dejando atrás los covers y entrando a una nueva etapa. Un tiempo después lanzaron una versión revisada del álbum donde incluirían un nuevo cover, "Seemann" de Rammstein, con la voz de Nina Hagen.
Durante su gira, Apocalyptica invitó a Dave a tocar pero él no pudo por falta de tiempo, así que invitaron a otro baterista, Mikko Sirén.
En 2005 lanzaron su álbum homónimo que incluía dos cantantes famosos de Finlandia y tres versiones de su canción "Quutamo" en diferentes idiomas: inglés, francés y alemán.
En diciembre del mismo año la banda presentó a su nuevo integrante, Mikko, quien había tocado en su gira y colaborado con algunas canciones.

Decimo aniversario

Para el año 2006 fue lanzado un recopilatorio en conmemoración de su décimo aniversario. Este incluía sus mejores canciones instrumentales y todas sus colaboraciones vocales.
Además incluía un cover de Slayer tocado al estilo de Plays Metallica by Four Cellos y una nueva colaboración con la voz de Max Cavalera de Soulfly.
La idea original del recopilatorio era, como su nombre indica, incluir canciones remasterizadas, incluyendo cellos eléctricos y batería, pero por los problemas del cambio de discográfica no pudieron conseguir los derechos de las canciones en ese momento.
Ese mismo año también lanzaron su segundo DVD en vivo, The Life Burns Tour, uno de sus conciertos de su larga gira mundial de 2005.
En mayo de 2007 la banda apareció en el intermedio de la final del Festival de la Canción de Eurovisión 2007, donde tocaron en una mezcla de 8 minutos las canciones "Worlds Collide", "Faraway" y "Life Burns!".
Cuatro meses después lanzaron su álbum Worlds Collide, el cual incluye de nuevo la colaboración de Dave Lombardo, un cover de David Bowie, y por primera vez incluyeron canciones escritas por Mikko y Paavo.
En agosto de 2010 lanzaron su álbum 7th Symphony el cual grabararon en el Sonic Pump Studios en Finlandia y en el Studio City en Los Ángeles. Actualmente se encuentran en su gira mundial.

Discografía

• Plays Metallica by Four Cellos (1996)
• Inquisition Symphony (1998)
• Cult (2000)
• Reflections (2003)
• Apocalyptica (2005)
• Worlds Collide (2007)
• 7th Symphony (2010)

Covers:

Metallica
• "Enter Sandman"
• "Master of Puppets"
• "Harvester of Sorrow"
• "The Unforgiven"
• "Sad But True"
• "Creeping Death"
• "Wherever I May Roam"
• "Welcome Home (Sanitarium)"
• "For Whom the Bell Tolls"
• "Nothing Else Matters"
• "Fade to Black"
• "One"
• "Until It Sleeps"
• "Fight Fire With Fire"
• "My Friend of Misery"
• "Seek & Destroy"

Faith No More
• "From Out of Nowhere"

Sepultura
• "Refuse/Resist"
• "Inquisition Symphony" Pantera
• "Domination"

Edvard Grieg
• "In the Hall of the Mountain King"

Slayer
• "Angel of Death"

Rammstein
• "Seemann"

David Bowie
• "Heroes"

Black Sabbath
• "Spiral Architect"

Navidad
• "Little Drummerboy"
• "Oh Holy Night"

Colaboraciones

Invitados
• Sandra Nasic (Guano Apes) - "Path Vol. 2"
• Matthias Sayer (Farmer Boys) - "Hope Vol. 2"
• Dave Lombardo (Slayer) - Reflections, "Betrayal/Forgiveness", "Last Hope" y "2010"
• Linda Sundblad (Lambretta) - "Faraway Vol. 2"
• Nina Hagen - "Seemann"
• Lauri Ylönen (The Rasmus) - "Life Burns!" y "Bittersweet"
• Ville Valo (HIM) - "Bittersweet"
• Marta Jandová (Die Happy) - "Wie Weit" y "How Far"
• Emmanuelle Monet "Manu" (Dolly) - "En Vie"
• Max Cavalera (Soulfly / Cavalera Conspiracy) - "Repressed"
• Matt Tuck (Bullet for my Valentine) - "Repressed"
• Tomoyasu Hotei - "Grace"
• Corey Taylor (Stone Sour / Slipknot) - "I'm not Jesus"
• Till Lindemann (Rammstein) - "Helden"
• Richard Z. Kruspe (Rammstein) - "Helden"
• Adam Gontier (Three Days Grace) - "I Don't Care"
• Mats Levén (Krux) - "I Don't Care" y "S.O.S. (Anything but Love)"
• Cristina Scabbia (Lacuna Coil) - "S.O.S. (Anything but Love)"
• Gavin Rossdale (Bush) - "End of Me"
• Brent Smith (Shinedown) - "Not Strong Enough"
• Lacey Sturm (Flyleaf) - "Broken Pieces"
• Joe Duplantier (Gojira) - "Bring them to Light"

Como invitados

• Waltari - "Purify Yourself" y "Look Out Tonite"
• Schweisser - "Meine Liebe Ist Ein Monster"
• Guitar Slingers - "Take your Time"
• Bush - "Letting the Cables Sleep" (Apocalyptica Remix)
• Joachim Witt - "Bataillon D'amour"
• Sepultura - "Valtio"
• Şebnem Ferah - "Perdeler" (Apocalyptica Version)
• Angelzoom - "Turn the Sky"8
• The Rasmus - "Dead Promises"
• Bullet for my Valentine - "Intro"
• Rammstein - "Benzin" (Kerozinii Remix)
• Triplex - "Бой С Тенью"
• OOMPH! - "Die Schlinge"
• The 69 Eyes - "Ghost"
• Piligrim - "ИУДА"
• Amon Amarth - "Live for the Kill"
• FOMA - "Opus 8"

PROGRAMA Nº 73 SYSTEM OF A DOWN

2011-02-02T09:42:00.000-08:00

System of a Down

Información personal: Glendale, California

Género: Metal alternativo, Heavy metal, Hard rock, Nu metal, Rap metal

Período de actividad: 1995-2006 y vuelta en 2011.

Sitio web: www.systemofadown.com

Miembros:
Serj Tankian
Daron Malakian
Shavo Odadjian
John Dolmayan

System of a Down (también conocida como System o más frecuentemente por su acrónimo, SOAD) es una banda de metal alternativo de ascendencia armenia formada en Glendale, California, en el año 1995.
En un comienzo se llamaron Soil, pero luego adoptaron el nombre System of a Down inspirados por el poema Victims of a Down, escrito por el guitarrista Daron Malakian. Son famosos por realizar canciones en cuyas letras se manifiestan en contra del maltrato infantil, la violencia, la guerra, la pornografía violenta y machista, el predominio de los intereses materialistas en la sociedad, las desigualdades sociales, físicas e ideológicas, la intolerancia o la discriminación, entre otros.
Está compuesta por Serj Tankian (composición, voz, teclado y ocasionalmente guitarra), Daron Malakian (composición, guitarra y voz), Shavo Odadjian (bajo) y John Dolmayan (batería).
En sus cinco discos editados hasta la fecha, System of a Down usa una amplia gama de instrumentos, incluyendo guitarras eléctricas barítonas, hasta una botella vacía que sirve de instrumento (en el tema «Psycho», de Toxicity),[cita requerida] mandolinas eléctricas, cítaras, guitarras clásicas de 12 cuerdas (tiple) y otros instrumentos de Asia.
Sus influencias más notables provienen de las bandas que empezaron con el heavy metal.
También tuvieron influencias de géneros como el jazz fusion, folk, hard rock, rock psicodélico, funk, rock clásico, blues e industrial.
Además tienen influencias políticas, que se reflejan en sus discursos contra el sistema estadounidense, la inconsciencia social y el abuso de poder.
Esta fórmula social y musical le ha acarreado, desde la publicación de su primer álbum (en 1998), buenos resultados tanto del público, que hizo de System of a Down un disco de platino, como de una parte de la crítica musical.
Fue elegida mejor banda alternativa del año 2005 en los MTV Europe Music Awards celebrados en Lisboa.

Historia

System of a Down (1998-2000):
En junio de 1998, la banda sacó al mercado su primer álbum de estudio, System of a Down.
La banda obtuvo un éxito moderado con su primer sencillo, Sugar, que se convirtió en un favorito de las radios estadounidenses, seguido por el sencillo Spiders.
System of a Down realizó una larga gira abriendo conciertos para Slayer y Metallica antes de conseguir un lugar en el segundo escenario del Ozzfest.
Después de Ozzfest salieron de gira con Fear Factory e Incubus antes de encabezar la gira Sno-Core con Puya, Mr. Bungle e Incubus de soportes.
En 2000, la banda participó en el álbum Nativity in Black 2 (homenaje a Black Sabbath) con su versión de la canción Snowblind.

Toxicity (2001-2002):
La gran oportunidad vino cuando la crítica aclamó su segundo álbum, Toxicity, presentándose en el puesto número 1 en las listas estadounidenses y canadienses, finalmente alcanzando disco multiplatino.
Desde entonces, el álbum ha vendido alrededor de 5 millones de copias en todo el mundo.
Este fue número 1 en EE. UU. en la semana de los ataques del 11 de septiembre y el ambiente político causado por los ataques añadido a la controversia que envolvía su sencillo Chop Suey! causó que fuera suprimido de la radio durante varias semanas, ya que contenía una fuerte letra política tal como «I don't think you trust in my self-righteous suicide» (‘no creo que creas en mi autosuficiente suicidio’).
A pesar de eso, el vídeo ganó constante reproducción en MTV y otros canales populares de Estados Unidos, también como el segundo sencillo, Toxicity.
Incluso con la controversia rodeando Chop Suey!, canción por la cual ganaron una nominación al Grammy, System of a Down todavía recibe constante reproducción en los Estados Unidos a lo largo de finales de 2001 y 2002 con sus éxitos Toxicity y Aerials.

Steal This Album! (2002-2003):
A finales del año 2001, algunas canciones nunca publicadas que habían sido grabadas durante la creación de Toxicity llegaron a Internet: Bubbles y Defied You (una versión preliminar de Nüguns pero con otra letra).
La banda declaró que los fans estaban oyendo material que no estaba terminado, y pronto la banda volvió al estudio para regrabar esas canciones.
El resultado fue su tercer álbum, Steal This Album!, publicado en noviembre de 2002. Se agregaron nuevas canciones, como Innervision, Fuck The System, Ego Brain y Roulette.
El diseño original del CD se parece a un disco grabable que está escrito con un rotulador indeleble.
La carátula de este tiene un significado: fue por un suceso que le ocurrió a John Dolmayan en un viaje con su mujer a Marruecos.
Los otros integrantes de la banda le dijeron que cambiase el ritmo de la canción I-E-A-I-A-I-O, y que la tendría que traer preparada del viaje para tocarla el mismo día que llegase de Marruecos.
Él, al no tener ninguna base, tuvo que comprarse una batería y un CD, pero no lo encontraba por ninguna parte, así que fue a un zoco y lo encontró, pero era una falsificación; al ver que no tenía nada más, se decidió a comprarla.
Al llegar a Los Ángeles se lo contó a los demás miembros y decidieron usar la idea para la carátula.
El álbum fue único dentro de los propios, ya que no tenía cuadernillo.
También fueron publicadas 50 000 copias especiales del álbum con diferentes diseños del CD, cada una diseñada por cada miembro del grupo.
El álbum es una referencia al libro de contracultura de Abbie Hoffman titulado Steal This Book.
Los sencillos Innervision y I-E-A-I-A-I-O fueron publicados como promociones solo para radio y recibían constante reproducción al aire en radios alternativas. Un video, Boom!, fue filmado por el director Michael Moore por la protesta a la invasión de Iraq de 2003.
System of a Down dio pocas presentaciones en vivo de Steal This Album!; una de ellas fue en el Reading Festival 2003, en el que la banda participó.
Una curiosidad de este álbum es que el baterista John Dolmayan se empezó a dejar crecer el cabello.

Mezmerize/Hypnotize (2004-2005):
Entre 2004 y 2005, la banda produjo un álbum doble llamado Mezmerize/Hypnotize, que fueron publicados por separado.
La primera parte, Mezmerize, fue publicado en mayo de 2005, y recibió críticas favorables.
Debutó en el primer puesto en Estados Unidos, Canadá, Australia y alrededor del mundo, convirtiéndose en su segundo álbum en llegar al puesto n.º 1 en ventas.
La primera semana de ventas consiguió vender unas 800 000 copias en todo el mundo. Hubo un explosivo triunfo en los Grammy Award por su primer sencillo, B.Y.O.B. (siglas de Bring Your Own Bombs), el cual cuestiona la integridad de la guerra.
El siguiente sencillo, Question!, fue publicado junto con el videoclip, que dirigió el bajista Shavo Odadjian.
Siguiendo la publicación de Mezmerize, la banda hizo extensas giras en Estados Unidos y Canadá con The Mars Volta y Bad acid trip haciendo de teloneros.
Siguiendo la publicación del sencillo Hypnotize, la segunda parte del álbum doble Mezmerize/Hypnotize fue publicada en noviembre de 2005.
Como Hypnotize, al debutar fue número 1 en Estados Unidos, haciendo de ellos, junto con The Beatles, Guns N' Roses y el rapero DMX, los únicos artistas que consiguieron dos álbumes de estudio en el puesto n.º 1 en un mismo año; tuvo una fuerte respuesta por parte de la crítica.
Su segundo sencillo del álbum Hypnotize es Lonely Day, publicado en febrero en Estados Unidos.

PROGRAMA Nº 72 TERRORISTARS

2011-02-01T08:34:00.000-08:00

TERRORISTARS

Terroristars nace de la mente enferma de Curtonates en el 2002.
La idea de montar una banda cloaca, ultramacarra, cabrona y contra todo, rondaba hace tiempo por su cabeza.
Una banda sin límites y sin concesiones, un ataque directo al sistema y a lo políticamente correcto.
En definitiva, una autentica factoría de la perversión y una maquina de odio y destrucción.
Tras meses de remover el infierno, se completa la primera formación de Terroristars...Solano al bajo, Tornado a la batería, Carlosbokor a la guitarra, Herrero a la otra guitarra y Curtonates como vocalista y maestro de ceremonias.
Esta seria la formación que abortaría la primera referencia de esta banda hijaputa: la "demopro 2002", producida por Bigsimon.
Cinco temazos como cinco bombas que convulsionaron el panorama estatal y ya forman parte de la historia.
Tras la Grabación empieza lo que ha sido hasta ahora una constante en la existencia de la banda.

Los cambios de formación.

Estos se suceden y Solano, Tornado y Carlos Bokor dejan sus respectivas armas a los nuevos soldados: Santos (guitarra) Cabrera (bajo) y Chan(tambores).
La irrupción de Terroristars supuso un autentico shock y un soplo de aire fresco en el viciadísimo y estancado panorama musical en España.
No tardaron en llegar las primeras" pruebas de amor" y de tolerancia. Censurados por el gobierno, prohibiéndoles usar legalmente el nombre de Terroristars, censurados por algunos medios musicales, por algunas salas de conciertos y por muchos de los que se creen los putos "salvadores del metal"...no importa, mas publicidad para Terroristars que se lanzan al ataque y conquista de toda la península en una gira suicida y asesina que les llevaría a recorrer la piel de toro, y por supuesto, a destruirla.
Con un directo demoledor el grupo fue trepando poco a poco posiciones y ganándose unos seguidores locos que veían en ellos la respuesta a sus oraciones.
Esto no sucedió a base de el apoyo mediático sino que fueron encumbrados por cada una de las personas? que habían conseguido verles sobre el escenario.
Un abrasador directo, siempre irrepetible, violento, pervertido, surrealista y sobre todo, diferente.

Tras quedar terceros en el prestigioso concurso "Villa de Bilbao", se lanzan a grabar su primer disco-artefacto preparados para joder el mundo.
Bigsimon seria el elegido para producir el disco, mientras las mezclas se harían en Suecia con uno de los maestros del metal europeo...el gran Fredrik Nordstrom (Dimmu Borgir, In flames, Arch enemy).
Ellos serian el primer grupo español en viajar a los míticos estudios Fredman en Goteborg.
Mas tarde el disco viajaría hasta Finlandia, concretamente hasta los Finnvox Studios en Helsinki, donde Mika Jussila (Childrem of bodom, Therion) dirigiría la masterización.
Así nació "Satanistars", primer disco de Terroristars.
Justo antes de salir el disco a la venta, se producen nuevos cambios en la formación. Chan deja la batería a Brenestorm, y Cabrera el bajo a Putas.
Se inicia la gira de presentación y la locura continua.
El disco se edita en toda Europa con excelentes críticas y la infección se extiende por todo el mundo.
Miles de Terroryonkis no pueden estar equivocados, Terroristars es un mal necesario.
La gira es una locura continua allá donde van y el terror se hace mas grande.
El grupo mete su tema "Choque 2004" en la banda sonora de la película "Ouija".
Son entrevistados en la mítica revista inglesa "Bizarre", además son los grandes triunfadores en Festimad.
Prosigue la infección...Noviembre 2004.
La gangrena se instala de nuevo en el seno de la banda y Terroristars empieza a ser devorada de nuevo por su propia mierda.
Solo Curtonates sobrevive.
Otra vez vuelta al principio, un ciclo se cierra y otro se abre.
Lo que es y significa Terroristars esta intacto.
Muchos se frotan las manos y muchos mas se sienten huerfanos.
Terroristars.com es secuestrada y los mas hijoputas quieren hacer ver que la banda ya no existe.
Nada más lejos de la realidad.
En vez de contratar mercenarios para seguir con la gira y los conciertos en Francia y en Inglaterra, Curtonates empieza a dar forma a lo que será la llegada de los nuevos héroes de la nu mierda que continuaran escribiendo con sangre podrida la historia de una banda impredecible e imprescindible....lo primero que hace es contactar con alguien que ya estuvo a punto de tocar con el terror en sus comienzos. Nada menos que Furnicator, ex-batería de Avulsed, que deja los garrotes para colgarse el hacha como nuevo guitarrista de Terroristars.
Al mismo tiempo entra en escena el nuevo batería from hell. Este no es otro que la bestia rocosa del Sr.Delacalle.
Juntos se encierran en el local y empiezan a trabajar en el nuevo y explosivo material.

Pasarían todavía algunos meses antes de completar la formación que quedaría completa? con Podrideath al bajo y con el acuchillador Herr Mess a la guitarra.
Todo esta a punto...Agosto 2006 Terroristars lleva casi 2 años preparando su nuevo aborto y ya están preparados para todo.
Una semana antes de entrar a grabar, muere Bigsimon.
El iba ser el encargado de producir de nuevo el disco, como había hecho desde el principio de la banda.
Se ha muerto un amigo. La desolación es total.
A pesar del terrible mazazo que esto supone, Terroristars entran a grabar. Curtonates y Furnicator serán los encargados de producir el ataque del terror en memoria de Bigsimon La grabación se convierte en una pesadilla, los problemas se suceden y esta a punto de parar varias veces, pero la determinación y total confianza en si mismos también es total.
El disco viaja a Bilbao donde Carlos Creator lo mezclara con su habitual maestría y poder.

Por fin se ve la luz al final del agujero.
Así nace "Made in Hellspain".
Una nueva bomba de hijoputismo y una demostración de como tiene que ser y sonar un disco de autentico metal del infierno, facturada por los hijos de la mugre.
De nuevo y ya casi como una tradición, antes de salir el disco hay un nuevo cambio en la formación.
Podrideath cede su puesto de bajista a DFcAtor, el encargado de remover las tripas hasta la diarrea crónica y total...Esto es todo por ahora.
Seguro que pronto seguiremos escribiendo nuevos episodios, penosos y gloriosos, de la maquina de odio y destrucción engrasada para matar...

EXTRAIDO DEL MYSPACE:

YA ESTA HECHO!! EL NUEVO ENGENDRO DE TERRORISTARS YA ESTA TERMINADO Y SU TITULO SERA "MACABRACADABRA" .
MAS DE UN AÑO CONSTRUYENDO LA NUEVA APISONADORA METALERA QUE APLASTARA SIN PIEDAD A TODOS LOS QUE SE PONGAN POR DELANTE Y QUE CONFIRMARA A LOS "REYES DEL HIJOPUTISMO" COMO LA BANDA MAS PÒDEROSA QUE HA PARIDO ESTA TIERRA EN AÑOS,POR ENCIMA DE TODO Y DE TODOS, DE HOMBRES Y DE NOMBRES.

EL ARTEFACTO SONORO HA SIDO GRABADO Y MEZCLADO EN LOS ESTUDIOS SADMAN POR CARLOS SANTOS(EX-TERRORISTARS), MASTERIZADO POR ALEX BRUJAS EN LOS VIRTUALESTUDIOS Y PRODUCIDO POR CURTONATES.

EN PRINCIPIO EL DISCO ESTABA PREVISTO EDITARLO PARA SEPTIEMBRE Y LUEGO PARA DICIEMBRE.AL FINAL HEMOS TENIDO QUE POSPONERLO POR PROBLEMAS CON LA DISCOGRAFICA ,Y AHORA MISMO ESTAMOS BUSCANDO SELLO PARA SACARLO LO ANTES POSIBLE.....AGUANTEN CABRON@S!!!PRONTO DAREMOS POR EL CULO AL MUNDO ENTERO!!!.....UNA VEZ MAS!!

DE MOMENTO HAY TENEIS DOS NUEVOS MISILES PARA ABRIR BIEN EL OJAL.....

"FOLLA COMO UN ANIMAL"(el nuevo himno para la fornicacion sin control) Y "CANCER DEL PODER"(dedicado a los hijoputas que intentan gobernarnos...todos pura escoria)

PROGRAMA Nº 71 VIKING METAL

2011-01-25T08:30:00.000-08:00

Viking metal
Orígenes musicales:Folk metal, black metal, death metal

Orígenes culturales:Principios de los años 90 en Escandinavia

Instrumentos comunes:Guitarra - Batería - Bajo - Teclado

Popularidad:Escandinavia, Alemania

Características

El viking metal toma como base el black metal, y en menor medida el folk metal. Existe la creencia equívoca de que una banda de viking metal es toda aquella cuyas letras trataran los temas típicos de este estilo: las costumbres vikingas, los guerreros vikingos, los berserkers, el ásatrú...
Este requisito es importante, aunque existen discos de viking metal cuya temática no es la anteriormente descrita.
Pero el viking metal tiene más elementos diferenciadores y comunes, entre ellos están el frecuente uso de teclado, el cual amortigua de cierta forma el crudo sonido del black metal tradicional ayudando así a que la atmósfera creada sea menos maligna que la del black metal.
El viking metal usa tiempos más relajados, llegando a ser épicos en ciertos momentos, que el black metal y los "blast beats" (batería acelerada clásica del black metal, en castellano significaría "ritmo relámpago") son menos frecuentes.
De igual manera las influencias de la música folk son comunes sobre todo con violines y sonido de fondo de ruidos de naturaleza e incluso también de batallas, llevando esto a que los grupos de viking metal oscilen usualmente entre este estilo y el folk metal, siendo las diferencias, a veces, muy sutiles entre ambos estilos. El viking metal, en contraposición a otros movimientos como el black, no busca ambientes deprimentes ni solitarios, versa más bien sobre la épica, el ardor guerrero, las escenas tradicionales vikingas y otras temáticas menos lúgubres.

Historia

Indudablemente Bathory son los pioneros del género.
Fue a la mitad de su carrera, sobre el año 1990, cuando discos como Blood Fire Death o Hammerheart vieron la luz.
Estos discos incorporaban unos ritmos más lentos que el trabajo anterior del grupo (Bathory es también uno de los pioneros en el Black Metal) y letras arraigadas en la mitología nórdica.
Estos discos fueron influencia directa para grupos que debían llegar a mediados de los noventa como Falkenbach, Ensiferum, Manegarm, Enslaved, Einherjer, Mithotyn, Turisas o Thyrfing.
Fueron estos grupos los que dieron forma al estilo, añadiendo frecuentes coros de voces masculinas, influencias folk, etc. incluyendo un fuerte sabor vikingo.
En el siglo XXI han aparecido numerosas bandas en todas partes del mundo, como Amon Amarth, ejemplo de la fusión de Melodic Death Metal con temática vikinga, que han consolidado a un género que cada vez esta teniendo mayor protagonismo en el panorama metalero.

Subgéneros

•Battle Metal: Similar al Viking Metal, pero trata temas de batallas y épocas medievales, llevan sus propios atuendos los grupos que practican este género, entre ellos el principal es Turisas.
Otro subgénero relacionado con el viking metal es el celtic metal, similar respecto con la diferencia de que estos utilizan más instrumentación folk celta y los temas y las letras suelen ir referidos a esta mitología y cultura.
Se engloban dentro del Pagan Metal, ya que su temática es pagana al hablar sobre religiones politeístas diferentes al cristianismo.
Dos claros ejemplos de este estilo son Skiltron y, ya más influenciados por el folk y por las creaciones de J. R. R. Tolkien, la banda argentina Tengwar (Epic Folk Metal).

Grupos de viking metal

Amon Amarth, Bathory, Ensiferum, Finntroll, Icon of Death, Mithotyn, Moonsorrow, Turisas

PROGRAMA Nº 70 THRASH METAL

2011-01-20T07:46:00.000-08:00

Thrash metal

Orígenes musicales: Speed metal, Hardcore punk, Black metal.

Orígenes culturales: Comienzos de los años 70 en Inglaterra.

Instrumentos comunes: Guitarra eléctrica - Bajo - Batería.

Popularidad: Alta en los '80s, relativa media en Japón, Estados Unidos, Europa y América Latina.

El thrash metal es un subgénero del metal, con raíces en el speed metal, y que adquiere la agresividad y velocidad del hardcore punk y la técnica musical del black metal.
Es diferente del power metal, siendo este también un subgénero del speed metal, pero que contiene influencias del metal clásico, más melódico y progresivo.
El thrash contiene influencias más duras y agresivas.
El speed metal y el thrash metal son consideradas por los fans del género, las dos vertientes fundamentales del heavy metal.

Etimología

Debido a que "trash" y "thrash" son palabras homófonas en inglés, se suele confundir el término "thrash metal" con el significado de "metal basura", algo totalmente falso (una traducción errónea de trash metal literal del inglés); no es lo mismo trash que thrash -con hache intercalada-.
Esta es una confusión habitual incluso entre los conocedores de este género musical. La traducción correcta de thrash, es paliza o azote, por lo que podríamos denominarlo metal azotador.
También la traducción podría ser machaque que coincide con la manera de tocar los riffs.

Historia

Origen e influencias.

Se considera la primera canción de thrash metal de la historia a "Stone Cold Crazy", un tema realizado por la banda inglesa Queen para su álbum Sheer Heart Attack de 1974.
Los orígenes del thrash metal se sitúan a finales de los setenta y comienzos de los ochenta, cuando un grupo de bandas de speed metal comenzaron a incorporar variantes, una gran velocidad y un sentimiento anarquista -similar al del hardcore punk-, a su metal tradicional.
Los considerados como creadores de esta forma de música son el grupo Overkill. Básicamente el thrash metal consiste en acelerar y volver más pesado el sonido del heavy metal.
Por otra parte, la influencia ejercida por Black Sabbath está siempre presente. Influencia clara en canciones consideradas clásicas del thrash como "Sympthom of the Universe" o "Into The Void".
El tema Parasite, del grupo Kiss, también mostró ser adelantado a su época, siendo una especie de prototipo de thrash metal.
Poco después, el grupo de San Francisco Leather Charm desarrolló el tema "Hit the Lights".
Esta banda se disolvió sin llegar a cobrar gran fama, pero el compositor de esta canción (James Hetfield) se unió a una nueva banda, Metallica, que publicó la canción.
El grupo Metal Church grabó algunas maquetas a comienzos de la década de 1980 similares a los trabajos de Metallica y Overkill, aunque sin un género musical thrash muy marcado como los de estos últimos.
El primer grupo representante del género puede ser Venom.
Los seguidores más puristas del género opinan que el thrash de Venom es el más fiel al sonido puramente thrash junto con el sonido de Slayer, aunque el grupo más conocido es Metallica, a pesar de la variedad musical y los diferentes géneros musicales que albergan sus discos.
El grupo Metallica, sentó las bases del thrash metal y lo perfeccionó llevándolo a su máximo exponente junto a otras bandas como Slayer, Exodus, Artillery o Megadeth.
La primera demo representante del thrash metal puede ser Red Skies del grupo Metal Church, de finales del año 1981.
Era una demo instrumental que combinaba el aire puramente thrash, la velocidad arrolladora y algunos detalles de power metal.
Sin trascender demasiado, poco después fue eclipsada por la demo de octubre de 1982 Four Hymns.
Cronológicamente, Metallica puede ser considerado "el tercero" (después de Venom y Metal Church) en aparecer en la escena con las demos Power Metal en abril de 1982, seguida por No Life 'til Leather en julio y su primer disco de estudio (Kill 'Em All, julio de 1983).
Este es un disco que asienta las bases del thrash metal; cargado de velocidad y solos de guitarra arrolladores, crudo, ecléctico y que no planteaba compromisos con nada ni con nadie ya que era un género musical desarrollándose libremente.
Destaca la participación del virtuosísimo bajista de la banda, Cliff Burton.
En seguida fueron influencia de bandas como Slayer o Exodus, llevando a ambas a un sonido más agresivo aún.
Mientras tanto, en Europa, Artillery grabó una demo en noviembre de 1982, We Are the Dead, que tomó un sonido más cercano al del grupo Black Sabbath y dio origen a un thrash no tan rápido como el de Metallica, pero con ideas que partían de una misma raíz thrash.
El despegue del thrash se produjo en 1984, cuando la banda Overkill publicó su segunda demo, Feel the Fire, y Slayer hizo lo propio con su fundamental EP Haunting the Chapel, el cual incluía la canción "Chemical Warfare".
Estos hechos llevaron a la formación de un thrash más oscuro y duro, como el que se puede observar en el disco de Exodus, Bonded by Blood, o el de Slayer, Hell Awaits, del año 1985.
Este año también debutaba Artillery con We Are The Dead y Megadeth, banda del ex-guitarrista de Metallica Dave Mustaine.
Pero es en el año de 1986 cuando el thrash llegó a su punto más alto, cuando sale a la luz Reign in Blood, Master of Puppets,Peace Sells... But Who's Buying? Eternal Devastation y Pleasure to Kill, llegando a ser considerado el "año mundial del metal" .
Son considerados Master of Puppets, Rust in Peace , Reign in Blood y Among The Living los más grandes trabajos del thrash y del metal en general de todos los tiempos por su influencia y por el desarrollo brutal del género.
Megadeth combinaba los riffs del thrash ejecutados a máxima velocidad con solos "destructivos" y rapidísimos, forjando un sonido único en el disco de 1990 Rust in Peace, que viene a ser el último trabajo de lo que se conoce como "thrash metal's Old School" o thrash metal de la vieja escuela.

Desarrollo del estilo

El thrash se desarrolló a finales de los ochenta, influyendo a otros subgéneros y bandas como Celtic Frost y Possessed.
Possessed es una de las primeras bandas que desarrollaron el género musical denominado death metal y publicaron una demo en 1984 con un thrash metal más oscuro y underground.
Uno de los primeros ejemplos de este género musical son los clásicos Seven Churches de dicha banda y Bestial Devastation del grupo Sepultura ambos del año 1985.
El disco del grupo Watchtower, Energetic Disassembly (1985) puso nuevos estándares a la composición técnica (que después sería llamado metal progresivo), influenciada por el jazz, que luego fue desarrollada por el grupo Coroner o bandas de technical death metal como Atheist o Cynic, así como los trabajos de la década de los noventa del grupo Death.
También existieron grupos como Anthrax, Suicidal Tendencies y Hirax que agregaban aún más influencias hardcore punk al thrash tradicional, creando el llamado crossover thrash, la cual seria una base para la aparición del metalcore y del groove metal en los años 90.
Especial atención merece el thrash desarrollado en Alemania, bastante rápido y agresivo comparado con algunos de sus colegas norteamericanos.
Bandas como Sodom y Destruction presentan una propuesta bastante oscura y maligna, que serviría de inspiración al posterior black metal; también bastante destacados son los Tankard y el grupo Kreator, quienes con sus primeros trabajos demostrarón cruzar la linea del thrash metal, metiéndose más a un death metal old school. También destacaremos del thrash metal alemán a Deathrow un grupo que evolucionó a un thrash muy técnico.
En el año 1988 el género estaba saturado con muchísimas bandas.
Este hecho no influyó a la hora de que varios discos posteriores fueran consierados "clásicos".
Forbidden, un grupo que apareció relativamente tarde en la escena de la Bay Area debutó con el aclamado tema "Forbidden Evil".
De la misma forma, el género se llenó igualmente de grupos que no aportaban nada al sonido del género musical, es decir, no lo hacían evolucionar.
En los años 1990 este hecho y la aparición del nuevo género musical grunge hicieron que las empresas discográficas ya no se interesasen por la música de este género hasta que poco a poco fue casi olvidado.

Grupos de thrash metal

Angelus Apatrida, Anthrax, Cavalera Conspiracy, Celtic Frost, Exodus, Forbidden, GWAR, Hamlet, The Haunted, Hellhammer, Kreator, Ktulu, Lamb of God, Machine Head, Megadeth, Metallica, Nevermore, Overkill, Pantera, Sepultura, Silver Fist, Slayer, Soziedad Alkoholika, Suicidal Tendencies, Tankard, Testament, The Moebius Curve, Trivium, Venom

PROGRAMA Nº 69 METAL SINFONICO

2011-01-11T08:20:00.000-08:00

Metal sinfónico

Orígenes musicales: Metal gótico, Power metal, Música clásica.

Orígenes culturales: Europa (especialmente Escandinavia y Holanda).

Instrumentos comunes: Guitarra eléctrica, Bajo, Batería, Voz, Teclado, Piano, Violines

Popularidad: Media-alta en algunos países del norte de Europa, baja en los Estados Unidos.
Fecha de origen: Mediados y finales de la década de 1990.

El metal sinfónico es un subgénero del heavy metal que combina las características propias de este género, como baterías y guitarras pesadas, con diferentes elementos de la música clásica como instrumentos pertenecientes a orquestas sinfónicas o voces líricas, es decir, los elementos que se tocan son similares a una sinfonía clásica. El metal sinfónico es tanto un género de metal como un nombre dado a varios subgéneros de otros géneros del metal, y como tal, ambas formas tienen definiciones que varían del metal, con voces femeninas y temas de ópera/clásicos para dar a la música un sentimiento sinfónico.
Cuando nos referimos a bandas de otros géneros, se refiere a bandas que usan menos temas clásicos y operísticos en el estilo de la banda similar a lo que se busca en el metal sinfónico, mostrando a otras bandas normales del género que ellos son más "sinfónicos", aunque esta definición no es normalmente usada.

Características musicales

El metal sinfónico como género toma la mayor parte de su base musical del temprano metal gótico, del power metal, y de la música clásica.
Las líneas de guitarra y bajo están trabajadas a menudo siguiendo el modelo del gothic metal, sintetizando otros estilos metálicos de guitarras.
Los géneros comúnmente sintetizados de esta manera incluyen el black metal, el death metal, el power metal y el metal progresivo, a veces con la adición de elementos de la música rock.
El género típicamente combina los elementos de estos géneros con los de música clásica, creando canciones con un sentido "sinfónico" fuerte.
Las bandas que normalmente usan elementos del rock, toman un acercamiento más simple al género, conduciendo a una versión más fácilmente accesible y extensamente aceptada en la música.
Otro ingrediente clave a la mezcla es el sentido de los sonidos, típicamente creados por líneas de guitarra más melódicas; esta característica por lo general es atribuida al power metal también.
Los teclados en el metal sinfónico juegan el papel más importante y son el foco del género alrededor del cual el resto de la música se centra.
Mientras la mayor parte de los instrumentos interpretan partes relativamente simples, los teclados tienden a tener las partes más complejas y técnicamente difíciles.
Los teclados solamente son usados para hacer las partes "clásicas" de la música por la cual el género es nombrado, y cubre todas las formas de música clásica.
Las bandas a veces usan orquestas en vivo para hacer las partes que el tecladista haría, y de vez en cuando haría verdaderos instrumentos en la grabación en vez de usar muestras digitales con un teclado.
La atmósfera comúnmente es adaptada para encajar la canción, aunque incluso en las canciones con temas mórbidos tiendan a mantener un sentido optimista.
La atmósfera es particularmente denotada por los teclados y los instrumentos que imitan, con los otros instrumentos apoyando el sonido evocado por los teclados.
La lírica de metal sinfónico es sumamente expansiva y cubre una amplia gama de asuntos.
La lírica a menudo toma prestado del power metal, abarcando varias formas de temas de ficción, o usa temas típicos de ópera.
Las líricas en el metal sinfónico, como las del metal gótico, a menudo se arreglan en álbumes de concepto, al estilo de epopeyas.
Las bandas en el metal sinfónico son principalmente femeninas conducidas tanto en sus imágenes como en voz.
Los cantantes de bandas de metal sinfónico constantemente han sido femeninos, y tienden a cantar melodías de mezzo-soprano en el estilo de ópera.
A veces los artistas de metal sinfónico usan a un cantante masculino para apoyar la voz y otra femenina, similar a los cantantes duales del metal gótico.
Otras formas de voz también a veces son encontradas en canciones, pero normalmente sólo son usadas como un efecto dentro de las mismas.
Las bandas de metal sinfónico con cantantes masculinos por lo general caen en la categoría de power metal sinfónico.

Orígenes y evolución

Los primeros orígenes de metal sinfónico como género comienzan con tempranas bandas en los géneros metal gótico y death metal, que hicieron algún empleo de elementos sinfónicos en su música.
En 1997, Nightwish y Within Temptation realizaron sus primeros álbumes.
Within Temptation, usando la influencia del sintetizar del metal gótico de otros géneros, usó los aspectos más simples de los géneros en su síntesis.
Centrando su música alrededor de las capacidades de su cantante femenino, Sharon den Adel, y la naturaleza sinfónica del empleo de teclados, la banda redujo el empleo de voz masculina a los coros únicamente.
Nightwish siguió una tendencia similar, empleando un estilo evocador de power metal y usando a un cantante femenino con el empleo pesado de teclados clásicamente influidos.
A principios de los años 2000, una oleada de metal sinfónico apareció, con muchas bandas realizando álbumes.
Rain Fell Within, After Forever, Epica, y Edenbridge realizaron álbumes por esta época, mostrando prominentemente los teclados característicos y la voz femenina. Estas bandas también enfatizaron la naturaleza optimista de la música.
Este auge de bandas de metal sinfónico también comenzó a tomar más influencia del power metal, que toma prestado de lo lírico la fantasía y los teclados estilizados.
Las bandas que son principalmente death metal, doom metal, metal gótico, power metal, o incluso black metal también han sido clasificados como metal sinfónico. Mientras el metal sinfónico es considerado por muchos como un subgénero separado de heavy metal, unos argumentan que esto es un estilo que puede ser de cualquier subgénero de heavy metal.
A pesar de todo, el metal sinfónico tiende a ser más popular en áreas donde los subgéneros antes mencionados están mejor afianzados, como en Europa.
También, las primeras bandas de metal sinfónico eran de Europa y usaron orquestas europeas en su música.

Subgéneros del Metal sinfónico

El metal sinfónico, con respecto a otros géneros de metal, abarca cualquier banda que haya usado teclado semejante a la música sinfónica, clásica, o gótica.
El empleo de aspectos sinfónicos en la variación de las formas del metal han estado durante muchos años.
Sin embargo, el metal sinfónico es centrado en torno al uso extenso de elementos sinfónicos, mientras que las bandas que los usan como apoyo de temas, por lo general son catalogadas bajo otros géneros.

Black metal sinfónico

El black metal sinfónico tiene componentes similares como el black metal melódico, pero usa teclados o instrumentos normalmente encontrados en la música sinfónica o clásica.
Esto también puede incluir las bandas de black metal que hacen el uso de teclados atmosféricos en la música, semejante al metal sinfónico o gótico.
Los aspectos sinfónicos de este género son normalmente las partes incorporadas de una banda, y ,como tal, comúnmente son usados en todas partes de la duración de una canción.

Power metal sinfónico

El power metal sinfónico se refiere a las bandas de power metal que hacen el uso extenso de teclados, o instrumentos normalmente encontrados en la música clásica similar al metal sinfónico.
Estos elementos adicionales a menudo son usados como los elementos claves de la música cuando comparado al power metal normal, contribuyendo no sólo como una capa extra en la música, sino en una variedad mayor de sonido.
A veces el power metal sinfónico se considera tanto metal sinfónico como power metal, Por ejemplo, en Rhapsody of Fire y Skylark destacan elementos más sinfónicos, mientras Stratovarius y Sonata Arctica destacan más elementos power.

Gothic metal sinfónico

Bajo la influencia de Paradise Lost, Anathema y My Dying Bride, la banda holandesa Within Temptation fue fundada en 1996.
Un álbum de estreno Enter fue revelado al año siguiente, seguido dentro de poco por un EP The Dance.
Ambas realizaciones aprovecharon el conocido canto the beauty and the beast (voz femenina limpia y voz masculina gutural) entregado por Sharon den Adel y Robert Westerholt.
Su segundo disco, Mother Earth fue hecho en 2000 y distribuida completamente con la voz de death metal, en vez de "confiar únicamente en la capacidad vocal majestuosa de den Adel".
El álbum era un éxito comercial con su single "Ice Queen" encabezando las listas en Bélgica y su natural Países Bajos.
Su tercer álbum la Silent Force llegó en 2004 como "un proyecto ambicioso en el que destaca una orquesta completa y el coro de 80 voces que acompaña a la banda".
El resultado era otro éxito comercial por Europa e introdujo "el mundo de guitarras pesadas y voz femenina" a "una audiencia establecida".
Otra banda holandesa en la corriente del gothic metal sinfónico es After Forever.
Su álbum de estreno Prison of Desire en 2000 era un álbum esperado pero que no satisfiso a la crítica, tachándolo de "heavy metal con rock progresivo arreglado con una orquesta clásica, rematando con voces de "el monstruo de las galletas" y una muy cualificada cantante de ópera a partes iguales".
El miembro fundador, el guitarrista y cantante Mark Jansen se marchó de After Forever sólo unos meses después de la realización del segundo álbum Decipher.
Jansen formaría entonces Epica, otra banda que realiza una mezcla de metal gótico y sinfónico.
Un álbum de estreno The Phantom Agony surgida en 2003 con la música que combina a los guturales propios del death metal con "los tonos angelicales de una mezzo-soprano clásicamente entrenada (Simone Simons), sobre una mezcla de power metal sinfónico".
La música de Epica ha sido descrita como la combinación "de una oscura, encantada atmósfera gótica con la música ampulosa y sinfónica".
Como Within Temptation y After Forever, Epica sabía aprovechar una orquesta.
Su álbum de 2007 The Divine Conspiracy fue un éxito en su país de origen.
Esta mezcla de metal sinfónico y gótico también ha llegado a la dirección opuesta. La banda Nightwish de Finlandia comenzó como metal sinfónico e introdujo elementos góticos sobre su álbum de 2004 Once, en concreto en el single "Wish I Had an Angel". Siguieron mezclando su estilo de metal con una atmósfera gótica en su siguiente álbum Dark Passion Play en 2007.
El grupo sueco Therion también introdujo elementos góticos a su estilo de metal sinfónico en su álbum de 2007 Gothic Kabbalah.

Grupos de metal sinfónico

Adgar, After Forever, Avantasia, Diablo Swing Orchestra, Dragonland, Emperor, Epica, Forgotten Tales, Kamelot, Lunatica, Morgul, Nightwish, Opera Magna, Rhapsody of Fire, Stravaganzza, Symphony X, Theatres des Vampires, Trans-Siberian Orchestra, Tristania, Within Temptation.

PROGRAMA Nº 68 SURF ROCK

2010-12-14T11:01:00.000-08:00

Surf rock

El surf rock es un subgénero de la música rock practicado por músicos aficionados al surf, especialmente entre los años 50, 60 y 70 en California, muy similar a algunas formas de garage rock.
La alineación básica de una banda surf consiste en guitarra líder, guitarra rítmica, bajo y batería, aunque es común el uso de otros instrumentos como saxofón y órgano. El surf es considerado el primer género musical que incluyó el bajo eléctrico en su alineación.
Desde un principio las bandas surf han optado por utilizar principalmente instrumentos musicales de la compañía Fender, generalmente guitarras como la Stratocaster, Jaguar o Jazzmaster; Precision Bass para el bajo, así como amplificadores de la misma marca.
Esto es en gran parte debido al sonido tan característico que proporcionan estos instrumentos que se ajustaba a la perfección con el sonido que las bandas requerían.

Sus características más comunes son:

• El uso de reverb como efecto principal de las guitarras. Para ello se utilizaban unidades externas de reverberación a base de resortes o las unidades internas que venían incluidas en algunos amplificadores de la época, como el Fender Twin Reverb. Además del uso de otros efectos como el tremolo y el fuzz.

• Generalmente ritmos rápidos, o bien simples y machacones, pero casi siempre bailables.

• Tonadas de guitarra melódicas pero con movimientos de púa rápidos y fréneticos, conocidos como tremolo picking.

• Acompañamientos de bajo también rápidos.

• Generalmente son temas instrumentales, pero también hay temas cantados y baladas.
Con dicho estilo rápido intentaban transmitir las sensaciones que se viven sobre la ola y las ganas de diversión.

Con las canciones más suaves ilustraban las sensaciones de sosiego que transmite la vida en la playa.
El tema más popular de este estilo es Misirlou de Dick Dale & The Deltones, incluido como tema principal de la banda sonora de Pulp Fiction de Quentin Tarantino en los 90.
Historia

Cuando el rock instrumental empezó a girar la vista al surf, la playa ya era un lugar muy familiar para la gran mayoría de adolescentes del sur de California.
Y el surf era la moda del momento, la continuación de la sociedad apática de los 50 americanos.
Lo cool, en definitiva. Era la representación de una vida divertida, natural, en contacto con la naturaleza, la playa y las chicas.
Con lo cual estaba claro que iba a atraer a un montón de gente más allá de aquellos que sintieron la llamada de la práctica del surf como deporte.
Muchos de ellos eran músicos o descubrieron que querían serlo.
Y, como sucede habitualmente, tendían a cantar y escribir sobre su entorno.
Y lo que veían en su entorno no era otra cosa que el surfin' way of life.
Así que era fácil intuir que una cosa iba a llevar a la otra.
Lo que hoy llamamos surf pop o surf vocal no es música surf, sino música sobre surf. Cómo siempre, hay dudas sobre su paternidad.
En este caso se considera aceptado bastante unánimemente que la primera canción sobre surf fue "Surfin" de los Beach Boys, publicada por primera vez en una minúscula discográfica llamada Candix a principios de Diciembre de 1962.
Cuentan que la idea fue de Dennis Wilson, el único de los hermanos que se enamoró del surf, el que quería probar todo lo nuevo.
Se enamoró tanto del surf que propuso escribir una canción, que finalmente incluyó también en los créditos a Brian Wilson y Mike Love.
Aunque para ser justos deberíamos recordar que los míticos "bop, bop, dit, dit" de "Surfin'" estaban directamente heredados de un tema de 1959 llamado "Baby talk" obra de... Jan & Dean.
Sí, los amigos californianos de los Beach Boys, que rápidamente incorporaron toda la parafernalia surf y hot rod a sus composiciones y se integraron sin problemas en el género.
El surf vocal es un pop sencillo de describir: canciones que añadían melodías y armonías vocales (combinaciones de varias voces) heredadas del doo woop y los grupos vocales de los 50 (como The Four Freshmen, el grupo favorito de Brian Wilson) a los ritmos básicos del incipiente surf rock.
El relativo éxito de "Surfin'", que incluyó una continuación que incorporaba temas como "Surfer girl" o "Surfin' safari" indujo la aparición de nuevas bandas.
Todos querían hablar del surf, fotografiarse con tablas y escribir sobre una forma de vida que llenaba las expectativas de toda una generación de californianos, gente llegada de otras partes del país, y gente que no se movía de otras partes del país pero a la que le gustaba la idea que se transmitía de la vida en California.
Así surgieron infinidad de nuevas bandas, cada una con su pequeña o gran historia detrás.
En sus letras, álbumes y portadas hablaban con ingenuidad de lo que vivían, y las canciones eran emotivas, adictivas y brillantes.
Tanto, que durante un tiempo se denominó también a este estilo "sunshine pop".
Y no es una mala descripción, pop brillante como el sol californiano.
Unas cuantas bandas han pasado a la historia como representantes antológicos de esta hornada inicial del estilo, aunque hubieron muchísimas más.
Jan & Dean dejaron "Ride the wild surf", The Surfaris "Surfer Joe", The Trashmen (Minneapolis) "Surfin' bird" o The Rivieras (Arizona) "California sun", todo ello en los primeros cuatro o cinco años de la década de los 60.
No se puede hablar de la historia del surf vocal sin mencionar el nombre de Gary Usher.
Su nombre aparece de una manera u otra en infinidad de las grabaciones más interesantes hechas en California en los primeros 60. Co-escribió muchos temas con Brian Wilson, cantó él mismo, fue productor de muchas bandas, fundó los Hondells y animó a iniciarse a numerosas bandas.
Usher fue un personaje clave en el arranque del género.
¿Y porque se acabó todo eso? Pues por culpa de lo que se llamó la "British Invasion".
En pocas palabras, América descubrió a los Beatles y todo lo que vino después.
Y el surf no pudo soportar su empuje y sucumbió a la nueva moda.
Algunos grupos intentaron adaptarse, pero nada fue lo mismo ni la evolución de la sociedad hacia un mayor compromiso con el entorno ayudó.
Por eso, la gran mayoría de composiciones y bandas de surf están datadas entre 1961 y 1965.
Y hoy queda el recuerdo de ocho o diez grandísimas canciones que conoce todo el mundo y varios centenares más aún por descubrir, igual de buenas, hechas por grupos que no pudieron darse a conocer en aquel momento.
Y grupos de rock contemporáneo cuyas versiones siguen recordando y/o homenajeando la importancia de un género a veces infravalorado por su hedonismo aparente, pero cuya calidad musical e importancia histórica hoy ya está fuera de duda.
Por ejemplo los Ramones y sus versiones de "Surfin' bird" y "California sun", Yo La Tengo y su versión de "Little Honda" o The Jesus & Mary Chain y sus relecturas de "Surf city" ("Kill surf city") o "Surfin USA".
Y bandas que, en California (Drifting Sand), o en Europa (The Surfin' Lungs) siguen empeñadas en disfrutar componiendo odas al verano y la diversión.

Artistas

Dick Dale, The Ventures, Palmerita Surf, The Revels, The Shadows, Los Straitjackets, The Trashmen, The Space Cossacks, Lost Acapulco, The Aquamarines, The Beach Boys, Sr. Bikini, The Nebulas, The Longboards, The Bomboras, The Tormentos, Los Gordos, Los Tiki Phantoms, Los Coronas

PROGRAMA Nº 67 STONER ROCK

2010-11-04T09:21:00.000-07:00

Stoner rock

Orígenes musicales: Rock psicodélico, hard rock, doom metal, blues-rock.

Orígenes culturales: Años 70 en California.

Instrumentos comunes: Guitarra - Bajo - Batería.

Popularidad: Mucha popularidad entre los aficionados introducidos al rock, sobre todo en los años 90. Poca entre el gran público.

El stoner rock o stoner metal es un subgénero del rock con gran influencia del rock psicodélico de principios de los setenta.
Está conectado tanto con el Rock alternativo como con el Heavy metal.

Historia

A veces mal confundido con el sludge metal, el stoner rock, frecuentemente llamado desert rock, o bong rock por sus referencias obvias al consumo de THC, se caracteriza por el sonido duro, pesado y afinado en escalas bajas de los grupos que pregonan este estilo, proveniente del hard rock de los años '65 - '73, cuyas influencias son: Jimi Hendrix, Blue Cheer, Mountain, Free, Nazareth o Cream.
El término stoner rock proviene de la palabra stoner, que en inglés significa el que fuma marihuana.
Esto se debe a que muchas de las composiciones dentro de este estilo fueron creadas bajo la influencia de esta droga psicodélica.
Sin embargo, no todos los grupos de stoner rock han de considerarse fumadores de esta sustancia, y viceversa, ya que, por ejemplo, Pantera incluía imágenes de la planta de cannabis en las camisetas de sus giras, siendo este un grupo de thrash metal.
El stoner rock se originó en EE. UU. a principios de los '90, especialmente en la ciudad de Palm Springs, California.
Los californianos Kyuss son considerados los inventores del género, aunque bandas como Masters of Reality y Yawning Man ya experimentaran antes con riffs de los '70. Para algunos Kyuss es la única banda netamente stoner, aunque ellos lo nieguen.
Al fin y al cabo es un estilo emparentado con el grunge, con bandas como los primeros Soundgarden, Mudhoney o Alice In Chains.
Hoy día existen bandas con una gran dosis de rock clásico, como fue Black Sabbath, con toques de psicodelia e incluso punk y pop.
Todos se apoyan en riffs intensos y el sonido de los grandes del rock clásico de los '70.
El grupo más famoso stoner rock actualmente es Queens Of The Stone Age, aunque ultimamente se están alejando de sus raíces.
También podemos citar a Monster Magnet o Fu Manchu.
Sin embargo, el género se ha ido devaluando con el paso del tiempo, especialmente con el fin de la década de los '90.

Rock desértico

El stoner rock esta muy ligado al rock desértico, o desert rock, un término, más que un género musical, con el que se asocia, principalmente, a las bandas de la escena musical de Palm Desert, California.
Su sonido se basa en una importante influencia de la música latina, ritmos de percusión repetitivos y elementos de psicodelia.
El término fue previamente aplicado, en los años 80, a un tipo de punk psicodélico con influencias de country, que geralmente evocaban a zonas desérticas, caracterizado por pasajes instrumentales y letras que hablaban de gente marginal. Esta generación de desert rockers estaba centrada en el área de Arizona, particularmente en Tucson, a pesares de que muchas bandas tenían fuertes lazos de unión con la escena musical de California, trasladándose muchas de ellas ciudades como Los Angeles.

Grupos de Stoner Rock

Boris, Down, Eagles of Death Metal, Electric Wizard, Fu Manchu, Monster Magnet, Pentagram, Queens of the stone age, Sleep, Trouble, Unida, Verdena, Wolfmother, Barba Roja

PROGRAMA Nº 66 ROCK SUREÑO

2010-10-26T10:43:00.000-07:00

Rock sureño

Orígenes musicales: Rock and roll, Blues rock, Country, Blues.

Orígenes culturales: Sur de los Estados Unidos.

Instrumentos comunes: Guitarra eléctrica, Slide Guitar, Batería, Bajo, Voz, Piano.

Popularidad: Alta durante la década de 1970 y comienzos de la de 1980, media desde mediados de la década de 1980 hasta la actualidad.

Fecha de origen: A finales de la década de 1960 y comienzos de la década de 1970.

El southern rock o rock sureño es un subgénero del rock nacido en los Estados Unidos como una mezcla entre rock and roll, country y blues y enfocado especialmente en la guitarra y la voz.
En ocasiones, esta denominación se solapa con otras como Country rock y Folk rock.

50's y 60's: Raíces

Los orígenes de la música rock recayeron principalmente en los habitantes del sur de los Estados Unidos, de donde provenían muchas de las primeras estrellas del género como Elvis Presley, Little Richard, Bo Diddley o Jerry Lee Lewis.
Sin embargo, la invasión británica de los años 60's popularizó el folk rock y el rock psicodélico y trasladó el centro neurálgico del estilo desde el rural americano hasta grandes ciudades como Liverpool, Londres, Los Angeles, Nueva York o San Francisco.
A finales de los 60's, los californianos Creedence Clearwater Revival y los canadienses The Band revitalizaron los orígenes rurales del rock, siendo una de las raíces del género.
Desde otra perspectiva, bandas de blues rock al estilo tradicional, comenzaron a focalizar la atención de los medios.
The Allman Brothers Band hizo su debut en 1969 y comenzaron a conseguir cierta popularidad gracias a su mezcla de blues, la improvisación del jazz y la inclusión de algunos elementos del country y folk del sur de los Estados Unidos.

70's: Máxima popularidad

Con la nueva década, la popularidad de los Allman Brothers aumentó, hasta el punto de que la muerte de su líder y guitarrista Duane Allman, en 1971, no les ocasionó ningún tipo de pérdida de seguidores, sino que la actividad de la banda continuó hasta 1981, debido a su separación por problemas internos (no obstante, editaron un nuevo disco en 1990).
Como el rock se inventó en el sur de los Estados Unidos, el guitarrista Gregg Allman declaró que el término "southern rock" es redundante: "es como decir rock rock".
Los Allman Brothers firmaron un contrato con Capricorn Records, al igual que otras bandas exponentes del género, como Marshall Tucker Band, Wet Willie o Elvin Bishop Band, todas ellas con orígenes en los estados del sur de EE.UU.
Sin embargo, no todas las bandas formadoras del género contrajeron contratos musicales con Capricorn, como es el caso de Barefoot Jerry y Charlie Daniels Band, que compuso el primer gran éxito del southern rock, "The South's Gonna Do It Again", en 1975.
Un año antes, el propio Charlie Daniels fundó el primer festival de rock sureño, Volunteer Jam, en el estado de Tennessee, que dio a conocer a varias bandas de la época.
Este festival aún se mantiene en activo, y se celebra todos los años en la ciudad de Nolensville, Tennessee.
A comienzos de la década de 1970, varios grupos comenzaron a mezclar el southern rock con el hard rock, con un ritmo más marcado y una interpretación guitarrera más veloz.
El grupo de mayor éxito dentro de esta corriente, y el que más fama alcanzó durante los 70's, fue Lynyrd Skynyrd, un grupo de blues sureño, autores del éxito "Sweet Home Alabama" y que se retiraron del panorama dominante musical después de la muerte de varios de sus miembros en un accidente de avión en 1977.
Otros grupos importantes durante esta época fueron The Outlaws, .38 Special, Molly Hatchet, Blackfoot, Point Blank y Black Oak Arkansas.
Sin embargo, no todos los grupos de southern rock se amoldan a estas características.
Por ejemplo, la banda Atlanta Rhythm Section y Amazing Rhythm Aces enfocaban su trabajo hacia las armonías vocales, mientras que Louisiana's Le Roux mezclaron el boogie con el arena rock, y Sea Level y Dixie Dregs incorporaron elementos del jazz fusión.

80's y 90's: Continuando con la difusión

Hacia el comienzo de la década de 1980, y con Lynyrd Skynyrd y The Allman Brothers Band disueltos, el southern rock comenzó a verse sometido al arena rock.
Con la creciente popularidad de la MTV, géneros como el glam metal o el new wave hicieron que el southern rock se viese relegado a un segundo plano, aunque el grupo Doc Holiday alcanzó un buen número de seguidores durante esa época.
Bandas como Better Than Ezra, Drivin N Crying, Cowboy Mouth, Dash Rip Rock o Third Day ganaron una cierta popularidad en el sudeste de los Estados Unidos durante las décadas de los 80's y 90's.
No obstante, una notable excepción fue la realizada por ZZ Top, que, aunque se creó en los 70's, emergió en los 80's con una gran base de fans gracias al uso del sintetizador.
Otro grupo que consiguió algún éxito en los 80's fue The Georgia Satellites.
Durante los años 90's, los Allman Brothers se reunieron y reanudaron su actividad de conciertos y grabaciones.
A su vez, la vuelta a los escenarios de Lynyrd Skynyrd hizo que algunas emisoras de radio norteamericanas comenzasen a propagar los antiguos éxitos de estas bandas durante la década de 1970.
Grupos como Brothers Brooks iniciaron el siglo XXI con un sonido totalmente influenciado por esas bandas históricas.
Capricorn Records volvió a la actividad, aunque regresó a la bancarrota en la que había entrado a finales de los 70's.

Bandas de rock sureño

Allman Brothers Band, The Black Crowes, Black Stone Cherry, Every Time I Die, Fabulous Thunderbirds, Kings of Leon, Lynyrd Skynyrd, , My Morning Jacket, Pride & Glory, Ram Jam, Rebel Meets Rebel,

PROGRAMA Nº 65 SKATE PUNK

2010-10-05T07:44:00.000-07:00

Skate punk

Se conoce como skate punk o skatecore a una serie de grupos y subestilos musicales basados en el punk rock, que han sido especialmente populares en los ambientes de la subcultura que rodea al deporte del skateboarding.

Punk y skate

La mayoría de bandas skate punk son hardcore punk, incluyendo variantes como pop punk, hardcore melódico, straight edge, etc.
Estas corrientes generan melodías rápidas, fuertes e intensas, emociones semejantes a las que se experimentan al practicar el skateboarding.
EL skateboarding, Snowboarding , al igual que el surf del que es originario, siempre ha sido caldo de cultivo para subculturas y tendencias musicales y artísticas, como expresión de experiencias particulares que se viven en torno a esas actividades deportivas, los vínculos sociales que genera, y las filosofías que puedan surgire de ello.
A menudo se suele asociar con estilos musicales fuertes, enérgicos e incluso agresivos, como complemento, expresión o estímulo para la práctica de la actividad deportiva y su sensación de flujo de adrenalina.
Las primeras bandas que pasaron a contarse como Skate Punk fueron: Tales of Terror,Bad Brains, Teen Idles, D.R.I, Minor Threat, Black Flag, 7 seconds,Bad Religion, Dead Kennedys, desde los 70 y 80; NOFX, The Descendents, The Offspring, Pennywise, Burning Heads, Massacre desde finales de los 80...
Seguidas por muchas otras que se vieron aparecer con la explosión del punk rock a nivel mundial en los 90, como una de las principales: Nitro Records, uno de los sellos más importantes del punk rock estadounidense, Reset, Blink-182, Goldfinger, Green Day, Millencolin, Satanic Surfers, No Fun at All, No Use for a Name, Raised Fist, MxPx, Lagwagon, Pulley, The Faction, Rancid. Y más tarde grupos como Rufio, Big Wig y Sum 41.

Historia

La música y el movimiento punk y el mundo del skateboarding emergieron prácticamente al mismo tiempo y coincidiendo en muchos lugares.
La fusión de ambas tendencias fue especialmente evidente en California (Estados Unidos), de donde es originario este deporte.
Muchos jóvenes de los años 80 y 90 iban creando el espacio de lo que se convirtió en la subcultura del skate.
Los ambientes musicales, conciertos, zines estaban próximos a las personas y lugares donde más se practicaba el skate, y ambos fueron desarrollándose como formas de vida de un modo más o menos paralelo o conjunto.
La cultura skater siempre estuvo vinculada a corrientes underground de música y arte.
Los skaters acudían a los conciertos o compraban los primeros discos de punk underground.
Más tarde algunas revistas dedicadas al skate publicaban o regalaban discos de bandas de punk y hardcore u organizaban conciertos.
En los vídeos dedicados al monopatín, editados por los fabricantes de material y ropa para skaters, frecuentemente aparecían músicas vanguardistas como banda sonora, entre las que se incluyen influencias de punk.
Durante los 80 y 90, algunos vídeos estaban sonorizados, por completo o casi, con punk y hardcore: ejemplos de esto son "Troops of tomorrow" de Santa Cruz Skateboards y "Hot Batch" de Powell Peralta.
Algunos músicos hardcore punk adoptaron en cierto modo el skate, y a veces el surf, como deporte oficial de la cultura hardcore, apareciendo la temática del monopatín en canciones, como "Skate and destroy" de the faction, el nombre de la banda Uncle Slam (Slam se utiliza para nombrar al stage diving en el punk, pero también significa caída o accidente practicando el skate.
El nombre de la banda ironiza sobre el Tío Sam=Uncle Sam.).
También aparecieron trabajos artísticos que representaban la fusión de ambas culturas, como dibujos de esqueletos realizando acrobacias sobre un monopatín, etc.
La relación entre el punk y el skate siempre ha sido especialmente estrecha, de tal modo que cierta parte de ambas subculturas se considera territorio común de las dos. Además de la música, algunos detalles que ejemplifican esto pueden ser:

• La estética de calaveras, peinados, cadenas, ropa ajada, símbolos anarquistas, etc., típicos del punk.

• El lema "skate and destroy", popularizado por la revista Thrasher.

• La idea de pertenencia a una tendencia marginal o transgresora de los roles sociales y urbanísticos.

El skate ha sido ilegalizado en muchos sitios por suponer peligro al tráfico público, destrucción del mobiliario urbano, o allanamiento de la propiedad privada -en la búsqueda de piscinas vacías para utilizarlas como rampas de patinaje.
Estas situaciones aparecen ilustradas en películas como "Al filo del abismo"
protagonizada por algunos skaters de Powell Peralta.
La banda californiana Pennywise realizó en el 96 un videoclip para su tema "Same Old Story" en el que se describen todas estas situaciones y la sensación de una cultura juvenil incomprendida por los padres.
A mediados de los 80 la banda Bad Religion editó el disco "Suffer" que representaría la inauguración de un nuevo estilo: el hardcore melódico.
Su siguiente disco "No Control" fue la consolidación del género, y la revista de skateboarding norteamericana Thrasher lo eligió como regalo a los subscriptores, conviertiéndolo en una de las piedras angulares del skate punk.
Imitando el estilo de Bad Religion, aparecieron numerosas bandas californianas.
En aquél momento, ser skater o surfer y aficionado al punk en California ya era una nueva subcultura.
Los estilos melódicos de las bandas de punk californiano se convirtieron en un género profusamente imitado mundialmente, por grupos dentro y fuera del mundillo skater, dando lugar a lo que se conoce como skate punk o skate core.

LISTA DE LAS 100 MEJORES CANCIONES DE GUITARRA DE TODOS LOS TIEMPOS:
Nº 58 "Rumble" Link Wray(1958).

PROGRAMA Nº 64 SKA-PUNK

2010-09-21T08:39:00.000-07:00

Ska punk

Orígenes musicales: Ska, Punk rock, Hardcore punk, Reggae.

Orígenes culturales: Estados Unidos y Gran Bretaña a mediados de los 80.

Instrumentos comunes: Guitarra eléctrica, bajo, trompeta, saxofón tenor, trombón, batería.

Popularidad: Alta en Estados Unidos, años 90s, y baja en los demás países.

El ska-punk es la fusión de los géneros musicales ska y punk.
Las primeras combinaciones de estos dos estilos ocurrió a finales de los 70 cuando el revolucionario contenido lírico del punk llevó a una natural combinación con el reggae y con otros estilos de música similares del Caribe.
El estilo alegre y divertido del ska con trompetas y con una rapidez más propia del punk podrían acercarnos a una idea de este sub-estilo.
El ska-punk puede ser confundido con el ska de tercera ola.
Este añade más guitarras eléctricas quitando un saxofón y ocupa menos el órgano eléctrico.
Podría considerarse como iniciadores de esta escuela de ska punk a The Clash, el grupo punk inglés que fusionara ritmos jamaiquinos, como rocksteady, reggae y dub, sobre todo en London Calling, disco aparecido en 1979 (excelente ejemplo es la canción «Wrong'em Boyo»).
Otra banda reconocida por muchos como la pionera fue Operation Ivy, que combino el hardcore y el punk de la vieja escuela con un ritmo mucho más rápido de ska en muchas de sus canciones.

Grupos de ska punk:

Skalariak, Obrint Pas, La Gran Orquesta Republicana, The Locos, Kortatu, Banda Bassotti, Oveja Negra, Ska-P, Rancid, Sublime, NOFX, Less Than Jake, Goldfinger, Los Rabanes, Asesinos Cereales

LISTA DE LAS 100 MEJORES CANCIONES DE GUITARRA DE TODOS LOS TIEMPOS:
Nº 59 "Freeway Jam" Jeff Beck(1975).

PROGRAMA Nº 63 ESPECIAL SONISPHERE 2010

2010-07-27T10:03:00.000-07:00

CARTEL

BULLET FOR MY VALENTINE

SÔBER

SAXON

SLAYER

SLAYER

HEADCHARGER

MEGADETH

MEGADETH

RAMMSTEIN

RAMMSTEIN

RAMMSTEIN

PROGRAMA Nº 62 ROCKSTEADY

2010-07-21T08:22:00.000-07:00

Rocksteady

Orígenes musicales: Ska, Rhythm & Blues.

Orígenes culturales: Sectores populares jamaiquinos.

Fecha de origen: A mediados de 1960.

El Rocksteady es la evolución lógica del ska como rítmo musical.
Se dice que en Jamaica a mediados de los años 60 se vivió una intensa ola de calor; los músicos que subían a los escenarios para presentar sus piezas en ska terminaban agotados por el intenso calor, y el ritmo de sus melodías decreció en cuanto a velocidad se refiere produciendo un efecto "enloquecedor" en el público.
No se sabe a ciencia cierta si esta versión sobre el origen del rocksteady es cierta, lo que sí es cierto, es que el rocksteady era un ska con un tiempo más lento y que tenía como característica la acentuación de los tonos en el bajo y la disminución de la participación de los metales, como el trombón y la trompeta.
El Rocksteady posteriormente dio paso al reggae como música auténticamente jamaicana.
En un principio, el mensaje del rocksteady tenía una profunda conexión con el sector marginado de la población jamaicana, los denominados rudeboys adoptaron al Rocksteady como manifestación de sus sentimientos de repudio al sistema de opresión a las clases populares.

Rocksteady

El Rocksteady es un género musical popularizado en Jamaica entre los años 66 y 68.
El término viene de un estilo bailable mencionado en la canción Rock Steady de Alton Ellis.
La danza del Rocksteady resultó ser más tranquila que su antecesor, el alocado estilo skanking.
Como sucesor del Ska y precursor del sonido Reggae, el Rocksteady fue creado por grupos jamaicanos de armonías vocales como fueron The Gaylads, The Kingstonians, Toots & the Maytals y The Paragons.
La diferencia entre el Ska y el Rocksteady radica en un tempo más cadencioso, un menor uso de Instrumentos de Viento y un uso diferente para el Bajo.
Dentro del Ska, el bajo tiene a tocar cuartos de nota en un Estilo andariego, pero dentro del rocksteady, el papel del bajo es más sincopado y quebrado, siguiendo líneas repetitivas y agresivas que pueden llegar a ser seguidas por una guitarra.

Historia

El rocksteady surgió durante una época en al cual la juventud jamaicana empezaba a sobrepoblar los llamados ghettos de la ciudad de Kingston - en barriadas como Riverton City, Greenwich Town y Trenchtown.
Incluso, Bob Marley cantó y grabó una composición titulada como el género mismo: "Rocksteady".
Pese al optimismo que contagiaba el ambiente posterior a la independencia de la isla, la juventud no pudo compartir este sentimiento.
Muchos de ellos se volvieron delincuentes que demostraban alguna identidad y estilo en ello.
A estos jóvenes se les llamó Rude Boys.

Los Rude Boys

El fenómeno de los rude boys fue contemporaneo del periodo ska, pero cobró fuerza durante la era del rocksteady en canciones como Rude Boy By Gone A Jail (el rude boy que fue a la cárcel) de los Clarendonians; No Good Rudie (rudie nada bueno) de Justin Hinds & the Dominoes y Don't Be Rudie (no seas un rudie) de The Rulers. Aunque se sostiene que el creador del Rocksteady fue Aton Ellis con su éxito Girl I've Got a Date (nena, tengo una cita), existen otros candidatos a tal título, incluido Take it Easy (tómalo con calma), autoría de Hopeton Lewis; Tougher Than Tough (más reci que recio) de Derrick Morgan y Hold Them (literalmente 'sostenlos') de Roy Shirley.
El productor musical Duke Reid dio a conocer el single Girl I've Got a Date de Alton Ellis en su firma discográfica Treasue Isle, así como discos de The Techniques, The Silvertones, The Jamaicans y The Paragons.
El trabajo de Reid junto con estos grupos sirvió para establecer el estilo vocal del Rocksteady.
Los artistas solistas más sobresalientes incluyen los nombres de Delroy Wilson, Bob Andy, Ken Boothe y Phyllis Dillon (conocida también como la Reyna del Rocksteady).

Temáticas

Las letras del Rocksteady van desde temas románticos hasta temáticas de los rude boys - o eran simplemente tonalidades bailables.
En ocasiones, los vocalistas Rocksteady hacían covers de canciones que habían sido éxitos en Estados Unidos.
Los músicos cruciales en la creación de la musica incluían al guitarrista Lynn Taitt, al tecladista Jackie Mittoo, al baterista Winston Greenan, el bajista Jackie Jackson el saxonofista Tommy McCook.

Decadencia

Hubo varios factores que influyeron en la evolución del Rocksteady al Reggae a finales de los años 60.
La migración de los músicos y productores Jackie Mittoo y Lynn Taitt - y el proceso de modernización tecnológica de los estudios jamaicanos - tuvo un efecto marcado en el sonido y el estilo de las grabaciones.
Los patrones de bajo se volvieron más complejos y los arreglos incrementaron su dominio, y el piano tuvo que dar lugar al órgano eléctrico.
Otros desarrollos incluyen instrumentos de viento velados como fondo; una guitarra más 'rascada' y percusiva; y un estilo más preciso e intrincado del uso de la batería.
Para inicios de los años 70, conforme el movimiento Rastafari ganaba popularidad, las canciones se enfocaron menos en los temas románticos que en la conciencia racial, la política y la protesta.
Pese al hecho de que el rocksteady fue una fase transitoria muy corta dentro de la música popular jamaicana, tuvo un rango de influencia para los estilos Reggae y Dancehall que le sucedieron.
Muchas líneas de bajo siguen siendo utilizadas en la música jamaicana contemporánea.

LISTA DE LAS 100 MEJORES CANCIONES DE GUITARRA DE TODOS LOS TIEMPOS:
Nº 60 "Maggot Brain" Funkadelic(1971).

PROGRAMA Nº 61 ROCK ESPAÑOL

2010-06-30T09:58:00.000-07:00

Rock en español

Orígenes musicales: Rock, Rock & Roll

Orígenes culturales: Iberoamérica, a inicios de los años 1960.

Instrumentos comunes: Guitarra, Bajo, Batería, Voz, Teclado, Sintetizador

Popularidad: Popular dese los años 1960 hasta la actualidad.

Historia

La producción de Rock Iberoamericano inicia, aproximadamente, en la década de los sesentas con grupos que, en su gran mayoría, "interpretaban" en inglés los éxitos de bandas como los Beatles.
Pero no es sino hasta finales de la década de los ochenta cuando el Rock en Español es visto como un producto atractivo para la industria musical y factores como la demanda de la gente por escuchar rock en su lengua materna, así como cierto desarrollo económico de Latinoamérica permiten el surgimiento de una industria del rock Latinoamericano.
Es entonces cuando, para poder ser comercializado de una manera eficiente, la discográfica BMG Ariola decide etiquetar su catálogo de artistas Iberoamericanos como "Rock En Tu Idioma" donde incluía básicamente exponentes de new wave.
Miguel Mateos y su banda los Zas, se convierten en los pioneros de dicha oleada apoyados por la multinacional BMG Ariola, hoy Sony Music, que ve en èstos un diamante en bruto, y que sube desde Argentina hasta México, cuya espuma llega hasta las mismísimas barbas del tio Sam y a las costas Españolas, trayendo consigo de la mano a grupos como Virus, Soda Stereo, Rata Blanca, Charly García, G.I.T., La Renga, Attaque 77, Pappo, Los Enanitos Verdes, lo que sirvió como apoyo para bandas que se volvieron iconos en México, como Caifanes, El Tri, La maldita vecindad y los hijos del quinto patio, y bandas Españolas como Heroes del silencio, los Hombres G, Nacha Pop, El último de la Fila, La Unión, etc.
Rápidamente otras discograficas se unirían al concepto y aparecen otros términos similares como "Rock en castellano", o "Rock con ñ", quedando con el paso del tiempo el de "Rock en Español" y el sello inconfundible de Rock En Tu Idioma, hacia el año 1997, donde estalla la bomba que ya no daba para más.
Así bandas que ya vendían dentro de sus países un buen número de álbumes, empezaron a internacionalizarse, lo que permitió que las grandes disqueras globales firmaran para promoción a nivel Latinoamericano a un buen número de bandas que hasta ese entonces se popularizaban únicamente en sus países.
Ante el buen resultado comercial que tuvo el Rock en Español las discograficas siguieron promocionando una nueva generación de artistas, de los cuales muchos gozarían de mayor credibilidad musical.

Rock por país

Argentina

El rock nacional argentino es el más reconocido a nivel internacional y uno de los pocos que a nivel local ha podido calar en los jóvenes de todas las clases así como involucrarse con otros campos como el arte y la política.
Comienza a aparecer la fusión con otros estilos de música, como Litto Nebbia con el folclore, Alma y Vida con el jazz y el Invisible de Luis Alberto Spinetta que ahondó en la exploración musical progresiva, siempre a través de la fusión con diversos estilos.
León Gieco no demoró en imponer su personal estilo a partir de reminiscencias folclóricas, además de participar en el proyecto Porsuigieco y luego grabar el tema "Sólo le pido a Dios".

Bandas más imponentes de Argentina

Serú Girán, Pescado Rabioso, Sui Generis, Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, Sumo, Soda Stereo, Vox Dei, Miguel Mateos, Manal, Almendra, Los Gatos, Virus, Rata Blanca, Los Abuelos de la Nada, Los Fabulosos Cadillacs, Los Rodríguez, Charly Garcia, Fito Páez, Gustavo Cerati, Andrés Calamaro, La Renga

España

El rock llegó a España en un tiempo en que fue observado de reojo, denostado y anatematizado. La influencia de Bill Haley y sus Cometas, así como de Elvis Presley, se manifestó entre finales de los cincuenta y comienzos de los sesenta.
Miguel Ríos fue uno de los primeros rockeros nacionales.
Un cazatalentos se lo llevó a Madrid con sólo 16 años.
Tras superar problemas como la falta de dinero o la de su carné de músico, el 2 de abril de 1961 grabó sus cuatro primeras canciones con destino a un EP.
Para entonces se decía que el rock and roll había muerto y lo que triunfaba era el twist.
Por eso, Miguel fue bautizado como “Mike Ríos, el rey del Twist”.
A partir de 1967 llegaron Vuelvo a Granada, El río, Contra el cristal, El cartel y Mira hacia ti.
Pero fue en 1970 cuando Miguel pasó de ser estrella en España a ser reconocido internacionalmente. Y no fue con el rock.
El Himno de la alegría (extracto del último movimiento de la novena sinfonía de Beethoven).
Más tarde, en la década de los ochenta relanzó su carrera con el doble directo Rock'n Rios (1982), al que le siguieron varias giras multitudinarias por todo el territorio español, que siervieron además para consolidar a nuevos grupos como Leño y Luz Casal.
En los años 1980 el rock español fue influenciado por el new wave y el Punk, naciendo un movimiento conocido como "La Movida madrileña", o "La Movida", alrededor del que giraron muchos otros grupos no sólo Madrileños, y no estrictamente pertenecientes a ese movimiento, un período que acabó convirtiéndose en la edad de oro del Rock Español; destacando artistas como:
Loquillo y los Trogloditas, Nacha Pop, Alaska y los Pegamoides, Los Secretos, Parálisis Permanente, Gabinete Caligari, Golpes Bajos, Radio Futura, Aviador Dro, Mecano, Duncan Dhu, Siniestro Total, Héroes del silencio, El último de la fila, Fugitivos, 091, Los Suaves, Barricada, Hombres G, Los Ilegales, Los Toreros Muertos
En la década de los 90 destacan grupos como Sexy Sadie o Dover) influenciados por el rock alternativo estadounidense y el uso del idioma inglés.
Podemos rescatar, sin embargo, para el rock en español, a grupos muy diversos como Extremoduro; Platero y Tú; Ska-p; Los Planetas; Furia Eterna; Los Rodríguez.

PROGRAMA Nº 60 ROCK & ROLL

2010-06-24T08:11:00.001-07:00

Rock and roll

Orígenes musicales:Blues, Hillbilly, Country, Boogie Woogie, Rhythm And Blues

Orígenes culturales: Años 40-50, el blues evoluciona tomando influencias de otros géneros.

Instrumentos comunes: Guitarra, bajo, batería, armónica, teclados

Popularidad: Alta en todo el mundo desde su origen.

Rock and roll, rocanrol o meramente rock es un género musical de ritmo marcado, derivado de una mezcla de diversos géneros de folclore estadounidense (rhythm and blues, hillbilly, country y western son los más destacados) y popularizado desde la década de 1950.

Historia

Primeros cantantes y orígenes

En la década de 1950, en Estados Unidos, los adolescentes buscaban nuevos sonidos, nuevas sensaciones.
Por primera vez, una música se dirigía directamente a ellos: el rock and roll
En tiempos de la esclavitud en los Estados Unidos las comunidades negras desarrollaron un potencial musical en el que predominaban los cánticos religiosos y ritmos propios que marcaban los días de trabajo en las diversas plantaciones que habitaban en aquel entonces.
A nivel musical la influencia de los ritmos y sonidos africanos se hacían presentes generando en un estilo propio y diverso que luego se materializó en el blues, el cual se convertiría en el ingrediente musical que más tarde revolucionaría la música a nivel mundial.
Por otro lado también la influencia de los músicos blancos a través del género musical denominado country y la aparición de la guitarra eléctrica daría nacimiento a lo que se llamó rhythm and blues, padre del rock and roll.
Uno de sus precursores fue Muddy Waters en 1949.
El término rock and roll empezó a utilizarse para aminorar musicalmente el popular ritmo rhythm and blues, el cual denotaba en demasía las luchas raciales para la época, y aunque en esencia los dos géneros musicales representaban lo mismo, se quiso diferenciar uno del otro para dar paso a los cantantes blancos y a la música que no mencione el conflicto racial.
El rock and roll emergió como un género musical definido en Estados Unidos en la década de 1950. Los inicios del rock and roll combinan elementos del blues, boogie woogie, y jazz con influencias de la música folclórica Apalache (hillbilly), gospel, country y western especializado.
Muddy Waters muchas veces ha sido acreditado como el músico que "pavimentó" el camino hacia el rock and roll.
Hay quienes datan el origen del rock and roll en 1954, con el trabajo discográfico de Bill Haley y su grupo Bill Haley and the Haley's Comets, especialmente con Crazy man crazy (1954) y su gran éxito Rock Around the Clock (1955), que tanta influencia tendría en John Lennon.
Otros consideran como creador a Little Richard o a Elvis Presley y eligen también como fecha del comienzo del rock and roll a 1954, año en el que Presley editó su primer disco.
Entre los músicos destacados de la época se pueden citar a Little Richard, Bo Diddley, Fats Domino, Buddy Holly, Gene Vincent entre otros.

En el 2000 son elegidos por los Grammy , por Jimmy Hendrix Experience , y por algunas discograficas como EMI , a The Ramones , como la mejor banda de todos los tiempos superando asi a Rolling Stones y a The Beatles.

Desarrollo y evolución

A partir de los años 60 el rock and roll tuvo un importante desarrollo y evolución que se expresó a través de una gran cantidad de bandas y variedad de ritmos y estilos que convirtió el rock and roll en un fenómeno cultural y musical que se extendió alrededor del mundo.
El estilo es una conjunción rítmica que se cimenta esencialmente sobre la música negra.
La popularización del rock and roll sirvió para que muchos músicos, pudiesen expresarse y llegar a difundirse en medios locales y nacionales.
Esa es la historia de muchos rockeros negros, como el mismo Chuck Berry, quien plasma la realidad social de su entorno en la canción "Johnny B. Goode".
No es sino a partir de los años 1960, cuando el rock and roll decae y deja de ser el ritmo que representaba a los jóvenes rebeldes en los 50, dando paso al género denominado rock o música rock, que marcaría un hito entre la naciente generación joven de los 60.
Sin embargo, del rock and roll nacieron distintos subgéneros como el rockabilly, doo wop o el hard rock, y fenómenos como el de los Teen Idols o las Girl Groups, estos últimos patrocinados principalmente por Phil Spector5 y de él han derivado géneros como el heavy metal, el garage rock, el punk rock, el rock progresivo o el glam, y entre todos ellos siguen existiendo elementos comunes provenientes del rock n' roll. Así, Lennon definió al Glam, como "rock & roll con pintalabios", y a algunos artistas de hard rock o heavy metal como Motörhead o AC/DC les agrada definirse como músicos de rock n' roll.

Análisis musical

En sus inicios y en el estado menos evolucionado, el rock and roll fue un estilo de música sin ninguna influencia blanca, que se sirvió de las nuevas técnicas de amplificación de guitarra para comenzar a darle el rol fundamental que lo caracterizaría el resto del siglo.
Aparte de la guitarra, la batería y el piano fueron elementos igualmente fundamentales.
La progresión de acordes es originaria del blues, es decir, Fundamental - Subdominante - Fundamental - Dominante - Subdominante - Fundamental; pero el tempo es elevadisímo, además incluía arreglos y voces para secciones de metal y coros.
La improvisación también juega un papel dentro del género, utilizando la escala pentatónica con un par de alteraciones, lo que pasará a ser conocido posteriormente como "escala de blues".

LISTA DE LAS 100 MEJORES CANCIONES DE GUITARRA DE TODOS LOS TIEMPOS:
Nº 61 "Soul Man" Same And Dave(1967).

PROGRAMA Nº 59 RAPCORE

2010-06-08T08:44:00.000-07:00

Rapcore

Orígenes musicales: Rap, Gangsta rap, Rock alternativo, Metal alternativo, Funk metal, Hard rock, Hardcore punk

Orígenes culturales: Mediados de los años 80, Holanda

Instrumentos comunes: Guitarra - Bajo - Batería - Rapeo - Turntablism - Sampler - Teclado - Vocal

Popularidad: Ha ganado más popularidad gracias a bandas como Rage Against the Machine

Rapcore es un género musical que combina los elementos del rap hardcore, el gangsta rap, hard rock, metal alternativo, hardcore punk y en ocasiones funk.
El género es también llamado rap metal o rap rock, y ha influido en la creación de géneros como el nu metal.

Historia

Este género musical tiene sus raíces en Holanda a mediados de los años 80, donde la banda Urban Dance Squad creó un estilo musical que después llego a América, en donde se desarrolló, en a mediados de los años 80, similar a cuando se fusiono el funk metal.
Se creó una música como rap unido con rock, que es la filosofía del género.
Las raíces se pueden escuchar en álbumes de Anthrax, Stuck Mojo, Public Enemy, Run DMC, 311, Bad Brains, Beastie Boys, Kid Rock, Biohazard, Boo-Yaa T.R.I.B.E., Suicidal Tendencies y Faith No More que eventualmente hacían canciones mezclando rock con rap.
A partir del éxito de Rage Against The Machine, Biohazard y Urban Dance Squad que hacían rap metal o rap rock en todos sus temas, el género se popularizó y fue etiquetado como rap metal, representado por Limp Bizkit, Linkin Park y Crazy Town.

Temas

Los temas del rapcore van desde la política (Downset., Rage Against the Machine, 2x, Senser, Aztlan Underground) a la frivolidad, (Limp Bizkit, Crazy Town, Kid Rock, Phunk Junkeez, la vida en general (Zebrahead, Trik Turner) y hasta problemas personales y dolor (Linkin Park, Stuck Mojo).

Grupos de rapcore

Beastie Boys, Bloodhound Gang, Clawfinger, Cypress Hill, Limp Bizkit, Linkin Park, Molotov, P.O.D. Rage Against the Machine, Resorte...

LISTA DE LAS 100 MEJORES CANCIONES DE GUITARRA DE TODOS LOS TIEMPOS:
Nº 62 "Born Under A Bad Sign" Albert King(1967).

PROGRAMA Nº 58 PSICOBILLY

2010-05-26T10:26:00.000-07:00

Psychobilly

Orígenes musicales: Blues, country, garage rock, goth rock, hardcore punk, heavy metal,punk rock, rhythm and blues, rockabilly, rock and roll, speed metal, street punk, surf rock, two-tone ska

Orígenes culturales: Finales de los 70s en Inglaterra

Instrumentos comunes: Guitarra - Contrabajo - Batería - Vocalista

Popularidad: Popular en Inglaterra y Europa durante los años 80. Alcanzó popularidad en Estados Unidos a finales de los 90 y comienzos de 2000

El psychobilly es un género de música generalmente descrito como una mezcla entre el punk rock británico de los 70 y el rockabilly estadounidense de los 50.
El género también se caracteriza por unas letras que hacen referencia a películas de terror, violencia, sexo perverso, exploitation films, y otros tópicos considerados tabú, a veces presentados de una manera cómica o irónica.
El psycho generalmente se toca con contrabajo en vez de con bajo eléctrico.

Orígenes

El término "psychobilly" fue usado por primera vez por Wayne Kemp cuando escribió la canción de Johnny Cash "Once Piece at a Time" ("De pieza en pieza"), un éxito que entró en el Top Ten en 1976, y en donde se hace referencia a un "Cadillac Psychobilly".
A pesar de que esta canción no tiene nada que ver (musicalmente hablando) con el psychobilly, se usó el término como género musical unos pocos años después, cuando los Cramps describieron su música como "psychobilly" y "voodoo rockabilly" en los flyers donde anunciaban sus próximos conciertos.
A pesar de que los Cramps rechazaron la idea de ser parte de la escena psycho, ellos, junto con artistas como Screamin Jay Hawkins,son considerados como importantes precursores del psychobilly.
Musicalmente hablando, existen también antecedentes en la escena de garage rock de los 60 y en la escena pub rock de los 70.
Se considera como a la primerísima banda de psychobilly verificable a The Meteors del sur de Londres en 1980.
Con un miembro que pertenece a la subcultura rockabilly, otro a la subcultura punk, y el otro siendo un fan de las películas de terror, sus ideas musicales se unieron para crear el psychobilly tal y como hoy lo conocemos.
Los Meteors también inventaron el concepto de que el psychobilly era apolítico, fomentando el que sus conciertos fueran una "zona libre de política" para evitar peleas entre los fans, como estaba empezando a ser habitual en la escena punk rock del momento.

Predominio Internacional

En 1982,un club nocturno llamado Klubfoot abrió sus puertas en Hammersmith, en el oeste de Londres, creando un hogar para la escena psychobilly británica.
Finalmente, el club fue demolido y en su lugar se edificaron oficinas y una estación de autobuses.
Como la escena psychobilly nunca ha llegado a ser muy popular, los fans psycho organizan a menudo "Findes Psycho" donde numerosas bandas figuran en un solo cartel para atraer al mayor número posible de audiencia.
En Gran Bretaña los primeros "findes" se organizaron a mediados de los 80.
En Estados Unidos,ocurrían con frecuencia en Texas, Nueva York y California.
El psychobilly finalmente se extendió por la mayor parte de Europa (sobre todo en Alemania, Italia y España), Canadá, partes de los Estados Unidos, y se está extendiendo poco a poco por Asia, especialmente en Japón.
Mientras que el psychobilly de los primeros 80 (The Meteors, Sharks, Batmobile) era parecido al punk o al garage de los 60, con evidentes influencias rockabillies, el psychobilly de finales de los 80 y 90 (Nekromantix, Demented Are Go, Klingonz, Mad Sin, Asmodeus, Milwaukee Wildmen) tenía un sonido diferente, más duro.
El psychobilly del 2000 está más cercano al sonido psycho estadounidense (The Spectres, The Knuckle Draggers, Koffin Kats, Los Gatos Locos, Barnyard Ballers, The Young Werewolves, The Beards, HorrorPops, Tiger Army, The Matadors, Shark Soup, Drunk Espantos`).

Moda

Los fans y musicos Pychobillys visten estilo Rock and Roll de los 50s e influencias del punk de los 70s, mas otras influencias.
Los hombre suelen llevar zapatos Creepers o botas Dr.Martens, pantalones desteñidos con lejia, camisetas de grupos Pyschobillys, o de tematica Horrorifica, como peliculas de terror clasico de serie B americanas.
Suelen estar muy tatuados. El peinado de los hombres psychobillys, suele ser la cabeza rapada con un tupé-cresta, o estilo militar, o tupés estilo rockers de los 50s o crestas de colores. Las mujeres suelen vestir con vestidos largos o cortos con estampados, corsets goticos, zapatos de tacon o zapatos Creepers, muy de tematica pin-up.
Los peinados de las mujeres suelen ser inspirados en las peliculas de terror de la epoca de serie B, como moños levantados, o rulos, y de colores: sobretodo negros y rojos.

Grupos de psychobilly

The Cramps, HorrorPopsThe Meteors, Nekromantix, Rezurex, Tiger Army, Zombie Ghost Train.

LISTA DE LAS 100 MEJORES CANCIONES DE GUITARRA DE TODOS LOS TIEMPOS:
Nº 63: "Sweet Child O' Mine" Guns n' Roses(1987).

PROGRAMA Nº 57 ESPECIAL DIO

2010-05-26T07:46:00.000-07:00

Ronnie James Dio

Información personal:

Nombre real: Ronald Padavona

Nacimiento: 10 de julio de 1942, 67 años

Origen:Portsmouth, New Hampshire, EE.UU

Muerte 16 de mayo de 2010, 67 años

Instrumentos: Voz, bajo, teclados, trompeta

Período de actividad: 1957 - 2009

Ronnie James Dio (de nombre real Ronald James Padavona; 10 de julio de 1942 - 16 de mayo de 2010) fue un cantante que alcanzó la fama y el reconocimiento por su esfuerzo y trabajo en grupos como Elf, Rainbow, Black Sabbath y DIO.
Por su inconfundible técnica, timbre y registro, muchos lo han considerado una de las voces más emblemáticas de la historia del heavy metal.
Dentro de los clásicos fundamentales de su discografía figuran Ritchie Blackmore's Rainbow (1975), Rising (1976) y Long Live Rock & Roll (1978), de su etapa en Rainbow; con Black Sabbath, Heaven and Hell (1980), Mob Rules (1981) y Dehumanizer (1992); y por último, Holy Diver (1983) y The Last in Line (1984) con su propia banda, DIO.

Historia:

Nació en Portsmouth, New Hampshire, EEUU el 10 de julio de 1942, con el nombre de Ronald James Padavona.
Dio sus primeros pasos en el rock and roll hacia 1956-57, cantando y tocando el bajo y la trompeta, en bandas como Red Caps y Ronnie and the Prophets.
Durante la década de los sesenta, su música evolucionó del rock and roll cincuentero a un sonido con más influencias de Los Beatles, pero siempre con un toque Rythm & Blues. Hacia finales de los '60, su banda se convierte en The Elves, nombre que pronto mutaría a simplemente ELF.
No es difícil entender por qué: Ronnie era el más alto del grupo, y eso que apenas medía 1.60 metros de estatura.

Rainbow:

En 1971, dos miembros del legendario grupo inglés Deep Purple -el batería Ian Paice y el bajista Roger Glover- vieron una actuación de Elf y quedaron tan impresionados que les ofrecieron producirlos.
Así, en 1972 la banda sacó su primer disco, titulado simplemente Elf, y luego acompañó a Deep Purple en una gira por Europa y Norteamérica.
Más tarde, durante una gira que realizaron como teloneros de Deep Purple, el guitarrista de estos últimos, Ritchie Blackmore, vio un gran potencial en este grupo, y decidió grabar un disco al margen de Deep Purple con los miembros de Elf llamado Ritchie Blackmore's Rainbow.
Al principio este grupo no iba a realizar giras ni conciertos, pero en ese mismo año 1975 Ritchie se separó de Deep Purple y decidió dedicarse en exclusiva a Rainbow, y entonces reclutó definitivamente a Ronnie James Dio.
Aparte de Ritchie Blackmore's Rainbow 1975, Dio grabó con Rainbow Rising 1976, On Stage 1977 y Long Live Rock and Roll 1978, discos que dejaron un gran número de himnos como Man on the Silver Mountain, Long Live Rock and Roll, Stargazer, Sixteen Century Greensleeves, entre otros.
Después de la grabación de Long Live Rock and Roll, Ronnie James Dio dejó el grupo, que más tarde pasaría a ser más comercial con la llegada de Graham Bonnet y dejaría de lado la imaginería medieval que abundaba en los discos que realizaron juntos Blackmore y Dio.

Black Sabbath:

Nada más dejar Rainbow Ronnie James Dio entró como vocalista en una de las más grandes bandas de los '70 y que había definido a principios de esa década los cimientos de lo que más tarde se denominaría heavy metal.
Esa banda era Black Sabbath. Dio reemplazó a un Ozzy Osbourne que entró en tratamientos de desintoxicación por su afición a la bebida y otras sustancias.
En este momento Ozzy Osbourne dijo a Dio que se asegurase de llevar chaleco antibalas si se atrevía a cantar «Paranoid» e «Iron Man» en vivo, ya que sería el mismo Ozzy quien lo matara.
Al grupo se le presentaba la difícil tarea de intentar seguir en la brecha habiendo perdido a su cantante original, no obstante, Ronnie infundió sangre nueva en la banda para que dejase el heavy metal setentero y se acercarse más al heavy metal que estaba de moda en los años 80.
Con Ronnie, Black Sabbath grabó Heaven and Hell (1980), Mob Rules (1981), el directo Live Evil (1982) y Dehumanizer (1992), dejando grandes temas como Children of the Sea, Die Young, Heaven and Hell.

Carrera como solista:

Después de la edición del disco en directo, Ronnie James Dio abandonó definitivamente Black Sabbath (al que volvería fugazmente en 1992 para grabar Dehumanizer), para fundar su propio grupo, llamado Dio.
Dio debutó en 1983 con Holy Diver, con éxitos como Stand Up and Shout, Rainbow in the Dark, Don't Talk to Strangers, Holy Diver...
En la portada se veía a un demonio lanzando a un clérigo encadenado al mar. Dio siguió sacando grandes discos de Hard Rock y Heavy Metal durante los ochenta: The Last in Line (1984), Sacred Heart (1985), Intermission (1986) y Dream Evil (1987).
Y en los noventa: Lock up the Wolves (1990), Strange Highways (1994), Angry Machines (1996) y el directo Inferno - Last in Live (1998).
Sus últimos discos de estudio han sido el conceptual Magica (2000), Killing the Dragon (2002) y Master of the Moon (2004).
Durante su última gira grabó el directo Holy Diver Live (2006), disco que está presentando actualmente. Desde finales de los 70 fue él quien ha venido popularizando el popular signo del Heavy Metal, la corna o mano sacando cuernos.

Heaven & Hell:

Ronnie James Dio, a pesar de tener 67 años, continuó grabando discos, realizando giras y conciertos.
Volvió a reunirse con los antiguos miembros de Black Sabbath en Heaven and Hell y realizaron una gira mundial para el 2007/2008 donde pasaron por Europa, Asia, EE. UU., México y Sudamérica.
En el 2006 tuvo una participación en la película Tenacious D: The Pick of Destiny de Jack Black y Kyle Gass, componentes del grupo Tenacious D.
En el año 2009 salió a la venta el nuevo disco de la formación de Heaven and Hell llamado The Devil You Know, este CD contiene diez canciones nuevas y será motivo para una gira mundial.
El primer single de dicho album se llama "Bible Black".
En noviembre de 2009, a Ronnie James Dio se le diagnosticó un cáncer de estómago. Su mujer y representante, Wendy Dio, fue la encargada de informar a los medios de la situación de su marido.
En el propio comunicado afirmaba: "Vamos a empezar el tratamiento de inmediato en la Clínica Mayo. Después de que mate al dragón, Ronnie volverá a los escenarios, a los que él pertenece y hará lo que más le gusta: actuar para sus fans”.
Sin embargo, seis meses después, el 16 de mayo de 2010, falleció a causa del avance de la enfermedad.

Discografía:

Elf:

• Elf (1972)
• Carolina County Ball (1974)
• Trying to Burn the Sun (1975)
• The Gargantuan (1978) Compilatorio
• The Elf Albums (1991)

Rainbow:

• Ritchie Blackmore's Rainbow (1975)
• Rising (1976)
• Long Live Rock 'n' Roll (1978)
• Live In Germany '76 (1990)

Black Sabbath:

• Heaven and Hell (1980)
• Mob Rules (1981)
• Live Evil (1982)
• Dehumanizer (1992)
• Under Wheels of Confusion (1996)
• The Sabbath Stones (1996) Sencillo

Dio:

• Holy Diver (1983)
• The Last in Line (1984)
• Sacred Heart (1985)
• Intermission (1986)
• Dream Evil (1987)
• Lock up the Wolves (1990)
• Diamonds – The Best of Dio (1992)
• Strange Highways (1994)
• Angry Machines (1996)
• Anthology (1997)
• Inferno - Last in Live (1998)
• Magica (2000)
• Anthology, Vol. 2 (2001)
• Killing the Dragon (2002)
• Stand Up and Shout: the Dio Anthology (Elf, Rainbow, Black Sabbath y Dio) (2003)
• Master of the Moon (2004)
• Evil or Divine - Live In New York City - En vivo NYC (2005)
• Holy Diver Live (2006)

Heaven & Hell:

• The Dio Years (2007)
• Live from Radio City Music Hall (CD & DVD) (2007)
• The Rules of Hell (2008)
• The Devil You Know (2009)

LISTA DE LAS 100 MEJORES CANCIONES DE GUITARRA DE TODOS LOS TIEMPOS:
Nº 64: "Free Bird" Lyrnyrd Skynyrd(1973).

PROGRAMA Nº 56 ROCK PSICODELICO

2010-05-20T08:19:00.000-07:00

Rock psicodélico

Orígenes musicales: Invasión británica, movimiento mod, garage rock, folk.

Orígenes culturales: Mediados de los 1960s en el Reino Unido y Estados Unidos.

Instrumentos comunes: Guitarra eléctrica, bajo, batería, sitar, melotrón, theremin, órgano Hammond, órgano Farfisa, harpsicord, distorsiones y efectos sonoros.

Popularidad: Alta en Estados Unidos y Gran Bretaña a finales de la década de 1960.

El rock psicodélico es un estilo de rock que intenta evocar la experiencia psicodélica usualmente asociada con el uso de sustancias psicodélicas como la marihuana, la mescalina o el LSD, aunque no necesariamente implica el uso de drogas. Dentro de la historia del rock, el rock psicodelico es un puente desde el rock blues hacia el rock progresivo y el heavy metal, así como también las fusiones del rock con géneros como el jazz o géneros musicales del mundo, muy especialmente la música de la India por su toque místico.
En la mitad de la década de los sesenta nace el rock psicodélico con los experimentos de bandas como The Doors, The Beatles, The Who, The Byrds, Pink Floyd y The Beach Boys para después influenciar muchas bandas alrededor del mundo que se inspirarían en los modelos sobre todo californianos y británicos de rock psicodélico.

El rock psicodélico se caracteriza por su carácter algo místico, la improvisación en las composiciones y su relación con las drogas alucinógenas como la psilocibina, cannabis, y, sobre todo, el LSD. Muchas de las bandas pioneras fueron influenciadas por una gran variedad de géneros, incluyendo el folk y el blues.
La corriente principal de este género vino a la luz entre 1966 y 1967 y podía ser reconocido por características como melodías modales, letras esotéricas describiendo sueños, visiones o alucinaciones, canciones largas y prolongados solos instrumentales, y efectos electrónicos como delays, reverberaciones, ecos, flanger, feedbacks y otros efectos sonoros.
El álbum introductor de las corrientes psicodélicas en la cultura Rock inglesa fue Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band y el Magical Mystery Tour de los Beatles, junto con el álbum debut de Pink Floyd, The Piper At The Gates Of Dawn, con la influencia de Syd Barrett (guitarrista y fundador del grupo, que más tarde tendría que abandonar el mismo), el que fuera el mayor precursor y pilar de esta nueva forma de componer música basada en los efectos de su droga más habitual, el LSD (Barrett también editaría más tarde álbumes solistas que podrían considerarse "psicodélicos", aunque con una mayor tendencia a escribir canciones en base a su guitarra acústica). En los Estados Unidos, una banda de Austin, Texas (13th Floor Elevators) edita en 1966 su primer álbum, The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators y en 1967 The Doors lanzan su primer álbum The Doors (el cual había sido grabado el año anterior).
Si bien los primeros músicos influenciados por las drogas psicodélicas pertenecían a corrientes jazzísticas (John Coltrane, muy admirado por los beatniks que después serían los hippies) y folk, el primer uso del término "psicodélico" en la música popular fue realizado por la banda "folk" The Holy Modal Rounders en 1964, dentro de su tema "Hesitation Blues".
El primer uso de la palabra "psicodélico" en el contexto de la música rock habitualmente se atribuye a la banda 13th Floor Elevators (una de las primeras en desarrollar este sonido), y la aparición impresa más temprana de este uso de esta palabra es en el título del álbum de la banda The Deep, Psychedelic Moods, lanzado en Septiembre de 1966.
Un prototipo del sonido psicodélico en sí ya existía desde al menos un año antes en los directos de bandas como Grateful Dead, y los singles "Shapes Of Things" de The Yardbirds y "Sunshine Superman" de Donovan, estos dos últimos británicos.
El género alcanzó su máxima popularidad entre 1967 y 1968 pero pronto decayó, dando paso en Inglaterra a otras corrientes musicales que adquirieron influencia en los años 70 como el rock progresivo, el rock sinfónico y el Glam Rock.
Sin embargo, un importante número de bandas siguieron trabajando en la corriente y se produjo un nuevo auge en los años 80, y el rock psicodélico de los años 60 ha sido muy influyente en géneros como el rock progresivo.

Historia

En 1962 el rock británico se embarcó en una frenética carrera de ideas que se extendió por E.E.U.U. a causa de la llamada Invasión británica de la música rock.
El entorno de la música folk también experimentó con las influencias externas.
En la misma línea de la tradición jazz y blues, muchos músicos comenzaron a tomar drogas, e incluyeron referencias a éstas en sus canciones.
En 1965 Bob Dylan tomo influencias de los Beatles y trajo la instrumentación eléctrica de la música rock en su álbum Bringing It All Back Home, pero la banda de Los Angeles, The Byrds le superaron en ello con un disco sencillo (single) de una pista de un álbum suyo con rastros de psicodelia, Mr. Tambourine Man (en efecto, un "cover" de Dylan), que jugueteaba con los sonidos eléctricos y voces algo etéreas.
Estados Unidos de América en los años 60.
La psicodelia musical dio sus primeros pasos en EE.UU. primero en el campo de grabaciones de corte experimental académico como el LP "This Is It" que hizo en 1961 el filósofo de origen inglés Alan Watts que contenía música ritual y evocaciones de la temática psicodélica.
Luego en los entornos folk, con la banda neoyorkina Holy Modal Rounders introduciendo el término en 1964 en su tema "Hesitation Blues", en la línea que canta: "...I got my psychedelic feet/In my psychedelic shoes/Oh lordy momma/I got the psychedelic blues...".
Una banda folk similar llamada Mother McCree's Uptown Jug Champions de San Francisco recibieron influencias de Byrds y los Beatles, cambiando su instrumentación acústica por una eléctrica en 1965. Cambiaron su nombre por the Warlocks, toparon con los Merry Pranksters (grupo de personas interesadas en la literatura y la figura de Ken Kesey, uno de los íconos de la generación hippie) en Noviembre de 1965, y cambiaron nuevamente su nombre a the Grateful Dead el mes siguiente.
La exposición de temas referentes a drogas psicodélicas en el rock estadounidense se puede trazar desde la publicación en 1962 de un tema instrumental llamado explícitamente "LSD-25" en la cara B del corte 45 "Moon Dawg" del grupo de música surf The Gamblers.
Pero es 1965 cuando toma verdadera forma las características del rock psicodélico: Primero, cuando el grupo The Charlatans (USA) materializa la primera actuación de una banda bajo efectos del LSD, en su presentación en el Red Dog Saloon de Virginia City, Nevada, el 29 de junio.
En menos de un mes de ese bizarro acontecimiento, el productor de, entre otros, la banda surf The Rivingston, Kim Fowley, lanza en julio el primer tema rock con una clara temática referente a la experiencia psicodélica llamado "The Trip" que logró un relativo éxito.
En agosto de ese mismo año, la banda contracultural neoyorkina The Fugs, hace la primera referencia al LSD en la letra de una canción de rock en su "I Couldn't Get High", aunque su música no sonaba "psicodélica".
También los californianos The Doors tienen algunos temas de carácter psicódelico en sus álbumes, si bien era común y masivo el uso de drogas para la inspiración artistíca de Jim Morrison, que quedó bien plasmada en temas como "Moonlight Drive", "Light My Fire", "The End" y Otros.

LISTA DE LAS 100 MEJORES CANCIONES DE GUITARRA DE TODOS LOS TIEMPOS:
Nº 65: "Message In A Bottle" The Police(1979).