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Collezionismo: Kronos Expo 2026 - 6 e 7 novembre (Castellammare di Stabia-Napoli) su Camperfree

noreply@blogger.com (Scoprimilano) — Sat, 10 Oct 2026 00:53:52 +0000

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Collezionismo: Kronos Expo 2026 - 6 e 7 novembre (Castellammare di Stabia-Napoli)

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noreply@blogger.com (Scoprimilano) — Fri, 09 Oct 2026 19:39:50 +0000

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East Market presenta Pet Market, il nuovo spazio dedicato al mondo degli animali domestici

noreply@blogger.com (Scoprimilano) — Fri, 09 Oct 2026 13:29:19 +0000

East Market presenta Pet Market, il nuovo spazio dedicato al mondo degli animali domestici

Nuovo appuntamento con East Market, l’evento vintage milanese dedicato a privati e professionisti, dove tutti possono comprare e vendere. Domenica 18 ottobre, oltre a centinaia di espositori selezionati provenienti da tutta Italia, debutterà per la prima volta Pet Market, il nuovo spazio interamente dedicato al mondo degli animali domestici.
Accanto a Pet Market, East Market proporrà la consueta ampia selezione di oggetti vintage, second-hand e da collezione. Negli oltre 6.000 mq dell’ex fabbrica aeronautica di Mecenate, centinaia di espositori offriranno abbigliamento vintage, artigianato, design, modernariato, arredamento, dischi in vinile, libri, fumetti, elettronica, giochi, sneakers, fotografia, toys e molto altro.
Fin dalla sua prima edizione, East Market è sempre stato un evento pet friendly. Ogni mese migliaia di visitatori scelgono di trascorrere la giornata insieme ai propri cani, trasformando il market in uno dei luoghi più accoglienti e inclusivi della città anche per gli animali.
Da questa vocazione naturale nasce Pet Market, un progetto che riunisce brand, designer, artigiani, produttori indipendenti e associazioni all’interno di uno spazio esclusivo. Non una semplice fiera di settore, ma un punto d’incontro tra creatività, design, sostenibilità e amore per gli animali, nello stile unico di East Market.
Qui sarà possibile trovare accessori come guinzagli, collari, cucce e giochi, oltre a pet food naturale, pet bakery, servizi di toelettatura e pet fashion. Non mancheranno inoltre esperienze dedicate agli animali e ai loro padroni, con la possibilità di farsi ritrarre da illustratori, artisti e fotografi.

Main partner dell’iniziativa è proprio Dog Heroes, marchio milanese specializzato nella produzione e commercializzazioni di alimentazione casalinga e snack naturali per cani dal 2020, che ha recentemente lanciato la sua linea per gatti Cat Heroes.
Tra i partner dell’iniziativa anche Oasi Muso, rifugio dedicato alla protezione, al recupero e alla cura degli animali in difficoltà, con particolare attenzione ai cani abbandonati o in situazioni di emergenza.
Tra gli espositori di Pet Market ci sarà Leo & Luna, con cucce, materassini e accessori che uniscono comfort, stile e praticità. Tutti i prodotti sono realizzati a mano, utilizzando tessuti selezionati e completamente lavabili.
Quercia Bianca proporrà invece prodotti beauty naturali per cani e gatti. Camomilla, calendula, lavanda, menta, amamelide, salvia e mirtillo sono solo alcune delle piante officinali coltivate e trasformate in estratti attivi, combinati con ingredienti ipoallergenici e studiati per rispettare la pelle e il pelo degli animali.
Robert Corbari, artista specializzato nel ritratto animale, presenterà i suoi disegni, applicabili su diversi oggetti come asciugamani, ombrelli, etichette e molto altro. Durante l’evento sarà inoltre disponibile per sessioni di live painting dedicate agli amici a quattro zampe.

Grande spazio sarà dedicato alla moda, con capi e accessori dagli inizi del Novecento agli anni 2000, tra pezzi firmati, denim, militare, college, streetwear, custom e upcycling. Nella Vinyl Area saranno presenti dischi di diversi generi musicali, insieme a CD, musicassette, VHS, DVD e oggetti legati alla cultura musicale.
La filosofia di East Market è racchiusa nel motto “Everything Old Is New Again”: dare una seconda o terza vita a oggetti provenienti dal passato, valorizzandone l’unicità e promuovendo una cultura del riuso e della sostenibilità.
A completare l’esperienza, Bar Ventura, ispirato ai bar italiani degli anni ’70, ’80 e ’90, proporrà bevande, caffetteria e una selezione di snack e street food. Nel cortile saranno inoltre presenti numerosi food truck con proposte internazionali, italiane, vegane, per celiaci e bambini.
La giornata sarà accompagnata da DJ set, mostre, aree tematiche e attività, confermando East Market non come semplice mercatino, ma come un vero evento esperienziale dedicato a shopping, cultura, musica, creatività e condivisione.

domenica 18 ottobre
dalle 10 alle 21
Via Mecenate, 88/A – Milano
Ingresso Euro 6
Infoline +393516559781

https://youtu.be/bNTr3r9iNM4
https://link.dice.fm/

https://www.facebook.com/eastmarketmilano
https://www.instagram.com/eastmarketmilano/
https://www.eastmarketmilano.com/

-- 

Luca Bramanti
Ufficio Stampa Nextpress
3291697846

Il Triangolo Rock, al PULP di Milano presentazione con l’autore del nuovo libro su George Harrison, Eric Clapton e Pattie Boyd

noreply@blogger.com (Scoprimilano) — Wed, 07 Oct 2026 08:05:12 +0000

Il Triangolo Rock, al PULP di Milano presentazione con l’autore del nuovo libro su George Harrison, Eric Clapton e Pattie Boyd

In programma mercoledì 30 ottobre alle 18:30 al PULP Milano di via Cadore 48, la presentazione del nuovo libro “Il Triangolo Rock. George Harrison, Eric Clapton e Pattie Boyd” con l’autore Riccardo Russino.
Il volume pubblicato lo scorso 30 settembre da Il Castello nella collana Chinaski, ripercorre il triangolo più famoso della musica del ‘900. Ci sono storie d’amore che appartengono alla cronaca rosa e altre che entrano nella storia della musica. Quella di Pattie Boyd, George Harrison ed Eric Clapton appartiene a entrambe. Modella nella Londra degli anni Sessanta, Pattie Boyd diventa la moglie di George Harrison e, successivamente, la donna di cui si innamora Eric Clapton, amico intimo del chitarrista dei Beatles. Dietro il triangolo sentimentale si sviluppa però una vicenda molto più ampia, fatta di amicizia, passioni, tradimenti, eccessi e contraddizioni dello star system musicale.
Uno dei temi centrali del libro è il rapporto fraterno tra George Harrison ed Eric Clapton, che non si spezza nemmeno quando Pattie lascia Harrison per Clapton. L’amicizia regge al punto che è stato proprio Clapton a organizzare un concerto per celebrare George Harrison un anno dopo la sua scomparsa. Non è stato Paul McCartney, non è stato Ringo Starr: è stato Eric Clapton a organizzare il Concert For George alla Royal Albert Hall di Londra il 29 novembre 2002 (un anno esatto dopo la scomparsa di Harrison).
Il triangolo Harrison-Boyd-Clapton ha lasciato una traccia importante nella musica rock. Pattie Boyd è stata musa di entrambi i musicisti, ispirando molte loro canzoni tra cui Something dei Beatles, Layla e Wonderful Tonight di Eric Clapton.
Durante la serata saranno proiettati proprio alcuni dei videoclip, appartenenti a molte delle canzoni presenti nel volume, tra cui Something, I Need You, Layla e Wonderful Tonight.
L’autore del libro racconta, oltre al legame fraterno tra le due rockstar, la vita di Pattie Boyd dall’infanzia alla carriera di modella, dall’incontro con Harrison sul set di A Hard Day’s Night, il primo film dei Beatles, fino alla relazione con Clapton e agli anni successivi, quando anche il matrimonio con Clapton naufraga. La vicenda personale della Boyd s'intreccia con la trasformazione della società britannica degli anni Sessanta e con la crescente ricerca di indipendenza femminile.
A completare il volume c’è “Extra Texture”, una sezione dedicata a due aspetti meno conosciuti del mondo di Harrison e Clapton: Friar Park, la celebre villa di Harrison, e le numerose occasioni in cui i due musicisti hanno collaborato. Due i momenti più celebri delle loro collaborazioni: l’assolo di While My Guitar Gently Weeps dei Beatles suonato da Clapton, e Badge dei Cream scritta da Eric e George.

Mercoledì 14 ottobre
Dalle 18.30 alle 19:30
PULP
Via Cadore, 48 - Milano
Ingresso libero
Info 3409917036

-- 

Luca Bramanti
Ufficio Stampa Nextpress
3291697846

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noreply@blogger.com (Scoprimilano) — Wed, 30 Sep 2026 19:52:51 +0000

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Sagra della Paletta - Coggiola (BI) su Camperfree

noreply@blogger.com (Scoprimilano) — Fri, 25 Sep 2026 05:47:40 +0000

Camperfree
Newsletter - 25 Settembre 2026

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Sagra della Paletta - Coggiola (BI)

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REMINDER | PRESS INVITATION | Tuesday, October 06, 11 AM | Luciano Fabro | Abitare lo spazio. Inhabiting Space | Pirelli HangarBicocca

noreply@blogger.com (Scoprimilano) — Tue, 22 Sep 2026 08:22:18 +0000

Pirelli HangarBicocca presents the exhibition

Luciano Fabro
“Abitare lo spazio. Inhabiting Space”
October 8, 2026 – February 21, 2027

Curated by Fiammetta Griccioli, Roberta Tenconi, and Vicente Todolí, in collaboration with Silvia Fabro (Archivio Luciano e Carla Fabro)

Tuesday, October 6, 2026
11 AM, press preview
12 PM, press presentation

RSVP press@hangarbicocca.org

Luciano Fabro, Allestimento teatrale, Cubo di specchi, 1967-75. Performance view, Bagno Borbonico, Pescara, 1975. Photo © Giorgio Colombo, Milan

To download images
https://pirellihangarbicocca.org/area-riservata/
Username: fabro
Password: pirellihangarbicocca

From October 8, 2026, to February 21, 2027, Pirelli HangarBicocca will present "Abitare lo spazio. Inhabiting Space," the first museum retrospective dedicated to Luciano Fabro in Italy since the artist’s death in nearly two decades. The exhibition delves into the concept of "habitat"—the cornerstone of his perceptual and spatial research through an extensive presentation that brings together around fifty of the artist's most significant sculptures and installations, tracing the entirety of the artist’s career.

A central figure in postwar Italian art, Luciano Fabro (Turin, 1936–Milan, 2007) was a leading member of the Arte Povera movement, while constantly maintaining an independent and nonconformist approach to artistic research. From the beginning of his career, he developed a distinctive approach to the notion of inhabiting space, conceived by the artist as a dynamic field of action, whilst examining the act of looking, the experience, and the relationship between the viewer, the artworks and the surrounding environment. Informed by Lucio Fontana’s Ambienti Spaziali (1899–1968) and by the conceptual inquiries of Piero Manzoni (1933–1963), Fabro focused into the

linguistic aspects of sculpture, treating it as an essential tool for interpreting the forms of experience and redefining the relationship between the sculptural element and the surrounding space. He experimented extensively with the expressive potential of a wide range of materials, ranging from more traditional media such as marble, glass, and bronze to less conventional ones, such as silk and lead, each chosen for its sensory and evocative qualities. Influenced by a renewed interest in the Baroque aesthetics, Fabro’s works employ reflective surfaces, glass, and mirrors to fragment and multiply the surrounding space, intensifying the interplay of contrasts and the relationship between presence and absence, the visible and the invisible. Working at the intersection of sculpture, painting, and architecture, Fabro highlights their mutual cross-contamination, using seemingly simple forms to generate complex meanings. Defining painting as "vision" and sculpture as "revelation", he developed an open, layered body of work in which materials and languages intertwine in an exploration that is simultaneously reflective, sensual, rigorous, and dynamic.

Alongside his artistic work, Fabro developed a rigorous theoretical approach, making significant contributions to art theory. Grounded in meticulous conceptual reflection, his research leaves behind a substantial body of writings. At the core of his thinking lies a constant tension between the autonomous nature of the work of art —understood as a complete form and a principle of order— and the realm of sensory experience, through which gives the artwork acquires meaning in its encounter with the real world. Fabro’s sculptures and installations thus emerge as points of equilibrium between these two poles, where conceptual rigor and perception, formal autonomy and relationality coexist in a state of continuous openness. This strong intellectual foundation nourished the creation of imaginative and multilayered works, often characterized by a subtle sense of irony, that expanded and redefined the possibilities of contemporary sculpture. More than a decade since his last major international exhibition, held at the Reina Sofía Museum in Madrid in 2014, the Pirelli HangarBicocca retrospective offers an opportunity to reflect on Fabro's profound connection to the city of Milan. Having moved there in 1959, after spending his childhood in Friuli, the artist found in the city’s vibrant cultural scene a fertile environment for the development of his artistic practice. Between the late 1970s and the early 1980s, together with artist Hidetoshi Nagasawa (1940–2018) and critic Jole De Sanna (1947–2004), he founded Casa degli Artisti, a center intended to foster dialogue and experimentation among generations of younger artists. From 1983 to 2002, Fabro also taught at the Brera Academy of Fine Arts, inspiring numerous artists of his time as much as subsequent generations.

Titled, “Abitare lo spazio. Inhabiting Space”, the exhibition is the first museum retrospective dedicated to Fabro in Italy since his death in 2007. Curated by Fiammetta Griccioli, Roberta Tenconi, and Vicente Todolí in collaboration with Silvia Fabro of the Luciano and Carla Fabro Archive, the exhibition at Pirelli HangarBicocca brings together around fifty of the artist's most significant sculptures and installations. It examines the artist’s conceptual and formal approach to space, exploring the ways it engages with the perception of those who inhabit it. Emphasis is placed on Fabro’s investigations into perception and spatial experience, initiated in the 1960s, tracing their development from his early experiments with mirroring surfaces through the following fifty years. This evolution culminated in increasingly complex architectural structures and spaces—often made of paper—which the artist referred to as "habitats": ideal environment, either autonomous/self-contained or integrated into existing spaces, conceived to house and activate his works.

The notion of habitat runs throughout Fabro’s practice from the 1960s onwards, although the artist only began using the term in the 1980s. For Fabro, a habitat combines materiality and artisanal elements with theoretical and philosophical depth. The concept draws on its dual etymological roots: the Latin verb habito, meaning to inhabit or to dwell, and the noun habitus, referring to outward appearance, bodily form, or clothing. Within this framework, the habitat becomes a space to be traversed and inhabited, as well as a device that shapes perception and fosters relationships. By bringing together sculpture, architecture, and painting, Fabro constructs pathways, perspectives, and architectural elements that reconfigure the perception of space. Conceived as both interventions within existing exhibition spaces and autonomous environments, the habitats challenge the neutrality of the white cube by using ephemeral materials such as paper and light, to define new spatial configurations and to accommodate other works by the artist. In many respects, these environments evoke the welcoming atmosphere of the Baroque piazza while resonating with the context of radical and relational urbanism developed between the 1960s and 1970s. Hence, the artwork is not merely observed but also experienced and inhabited within a dynamic system in which space, body, and perception influence one another. Fabro defined the habitat as a topos, a constructed place capable of generating logos— meaning, relationships, and community. In the artist’s own words, “Therefore, it’s clear that installations don’t interest me: they create a fake construction in a fake situation. The Habitat, on the other hand, is not fake. It is quite real: the light is real, a wall is a wall. It is not mimesis; it belongs to a situation in which one is present; it assumes one is there. If not, it’s not a Habitat”.

The exhibition path in Pirelli HangarBicocca alternates individual works with large-scale environmental installations that comprise multiple pieces, conceived as parts of a single spatial dispositive, alongside a number of habitats reconstructed in the Navate following the artist’s death, on the basis of his original plans and instructions.

The exhibition opens with La Dialettica [Dialectics], 1985, realized for the Paris Biennale of the same year and presented here according to its original installation, conceived by the artist for the Grande Halle de la Villette. The work consists of a marble fragment marked by vertical veining, into whose polished surface Fabro carved a single eye and a mouth. From an opening in the stone, two cables rise to support a delicate web of brass chains that stretches upward to the apex of the industrial hall. The title is a reference to the Dialettica (o Industria), 1575–77, by Paolo Caliari (1528–1588), also known as Veronese, an oil-on-canvas ceiling painting of the Sala del Collegio in the Doge’s Palace in Venice. Fabro reinterprets the work’s underlying ideas conceptually using marble and the fragile brass structure.

The first section of the exhibition explores the notion of personal space, a central theme of the artist’s practice since the 1960s. A key work is In cubo [In cube],1966, a wooden structure enclosed on five sides with white canvas that visitors can lift to enter an intimate environment while remaining visually connected to the outside through the light filtering across the fabric. Conceived as a personal space, the work transforms the visitor’s body into an integral part of its configuration. The first version was tailored to Fabro’s own proportions, its dimensions corresponding to his height and the span of his outstretched arms, underscoring the continuity between subject and object, as well as the between "outside" and "inside". Fabro later created another version "for Carla" (Carla Lonzi, an art critic who was close to the artist). At Pirelli HangarBicocca, five variants of the piece in different sizes are presented, inviting visitors to discover the one best corresponds to their body.

Continuing through the exhibition, visitors encounter Io rappresento l’ingombro dell’oggetto nella vanità dell’ideologia (Lo Spirato) [I Represent the Bulk of the Object in the Vanity of Ideology (The Departed)], 1968–73, a marble bed and one of Fabro’s most iconic works. The refinement of the drapery evokes the tradition of Baroque sculpture. Engaging with history from a contemporary perspective, Fabro makes presence visible through absence. The body beneath the sheet has disappeared, yet the memory of its bulk and weight remains impressed on the sheet and the pillow: the artist captures the very moment when the body has already slipped away and the sheet is gradually settling back onto the mattress. This activates the viewer’s memory and imagination. As Fabro himself explains, the true subject of Lo Spirato is the sheet: "It is not a narrative theme, but a proposition: that which lies between fullness and emptiness—neither real nor unreal, nor narrated."

At the center of the Navate stands the Habitat di Rotterdam, 1981, conceived by Luciano Fabro for his 1981 retrospective at the Museum Boijmans Van Beuningen in Rotterdam. The installation faithfully reproduces the original layout, preserving its dimensions and division into five corridors defined by paper-covered walls. Inside, approximately twenty works are displayed, including several of Fabro’s renowned Italie [Italies], creating what might be described as a retrospective within a retrospective. The arrangement of the space and the placement of the pieces—installed both on the partitions and in the gaps between them— derive from a dynamic geometric composition based on a series of circles radiating from a single vanishing point, and are calibrated to the proportions of the Rotterdam museum space. Traces of this composition, which ideally extends beyond the building, appear on the floor as white lines that reveal its underlying trajectory, extending the viewer’s imagination past the exhibition’s physical boundaries. Using paper walls and structures, Fabro creates an environment of glimpses, openings, and paths to be explored, inviting the public to discover new relationships between matter, space, and perception. As the artist defined it himself, it is “image place… for feeling pleasure.”

The exhibition then presents works that relate to cosmological themes and metaphysical conceptions of space, including Il Sole [The Sun], 1995–97, and La Luna [The Moon], 1995–97. The former consists of a rhythmic sequence of marble elements engraved with a radial solar motif and arranged horizontally, evoking a Doric column. In contrast, the latter is a vertical cylindrical sculpture carved from dark Portoro marble. Drawing on architectural and mythological references, Fabro imbues his works with the capacity to convey knowledge and establish a cultural memory over time. Also presented in this section is Eclissi di Cielo [Eclipse of the Sky], 2006, one of the artist’s latest works, which has never been seen before. Together, these three pieces highlight some of the central themes in Fabro's practice, such as his experimentations with volume, line, and spatial tension, as well as his exploration of dualities through a system of oppositions: light and darkness, black and white, lightness and weight, change and permanence, horizontality and verticality, openness and enclosure, fragmentation and totality.

The exhibition concludes in the Cubo with È la vita, è la storia, è la morale [It’s Life, It’s History, It’s Morality] (1995), first presented at the 1997 Venice Biennale. The work consists of a large suspended structure, five meters high, articulated across three levels that correspond to the concepts evoked by the title. The artist conceived these levels as closely interdependent, dimensions of human experience. The upper level, dedicated to morality, comprises an acetate print suspended by a silk thread that recalls the starry sky invoked by Immanuel Kant (1724–1804). The middle level, history, is composed of a fabric that reproduces the negative image of the bedsheets from the lower level, life. This final element derives from a diagram reproduced in Laurence Sterne's (1713–1768) novel The Life and Opinions of Tristram Shandy, Gentleman (1759), which Fabro adopts as a representation of existence: a nonlinear path marked by continual interruptions and deviations.

The Artist

Among Luciano Fabro's major solo exhibitions are: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (2014); Kunstmuseum Winterthur; GAMeC - Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea, Bergamo (2013); Madre - Museo d’Arte Contemporanea Donnaregina, Naples (2007, 2004); Musée Bourdelle, Paris (2004); Tate Gallery, London (1997); Centro de Arte Hélio Oiticica, Rio de Janeiro (1997); Centre Pompidou, Paris (1996); Portikus, Frankfurt am Main (1996); San Francisco Museum of Modern Art (1992); Kunstmuseum Luzern, Lucerne (1991); Fundació Joan Miró, Barcelona (1990); Capodimonte National Museum, Naples; Castello di Rivoli Museum of Contemporary Art, Rivoli-Turin (1989); Palais des Beaux-Arts, Brussels (1988); Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris (1987); Neue Galerie – Sammlung Ludwig, Aachen, Germany (1983); Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam (1981); PAC Padiglione d’Arte Contemporanea, Milan (1980).

His work has also been featured in biennials and international exhibitions, including the Sydney Biennale (2018, 1988); the Rome Art Quadriennale (2008, 1973); the Venice Biennale (1997, 1993, 1986, 1984, 1980, 1978, 1975, 1972); São Paulo Biennial (1996, 1975); documenta, Kassel (1992, 1982, 1972); Paris Biennale (1985, 1971); Tokyo Biennale (1970).

Fabro received numerous prestigious awards, including the Accademico d’Onore, Florence (2004); the Coutts Contemporary Art Award, Zurich (1994); the Antonio Feltrinelli Prize, Rome (1993); the Sikkens Prize, Rotterdam (1987); the Art Prize, Aachen (1983).

Catalog

Published to accompany the retrospective, this volume offers an in-depth exploration of Luciano Fabro’s artistic practice through a series of essays examining significant moments, key works, and central themes that shaped his research. These range from the pivotal year of 1968, which marked a turning point in his practice, to his engagement with the Baroque and its various manifestations, from the representation of the female figure to cosmological themes, while also focusing on emblematic projects such as Allestimento teatrale. Cubo di specchi and the Habitat created for his 1981 retrospective at Museum Boijmans Van Beuningen in Rotterdam. Commissioned for this publication, the texts are authored by leading international art historians, curators, and scholars, including Stefano Chiodi, Catherine Grenier, Sharon Hecker, Frances Morris, Iolanda Ratti, Margit Rowell, Francesco Stocchi, and Andrea Viliani.

The publication also features Martin Schwander’s newly contextualized reading of his 1991 interview with Fabro; the artist’s 1983 conversation with Bruno Corà—a seminal text for the formulation and theorization of the concept of Habitat; and an extensive essay by Rudi Fuchs on sculptural practice in public space.

The monograph is further enriched by a chronology tracing the development of Fabro’s work from its earliest stages, accompanied by a selection of previously unpublished archival images curated by Teodora di Robilant and Silvia Fabro, who has also contributed detailed entries for the works included in the exhibition. The volume concludes with an introduction to the exhibition project by Vicente Todolí and an essay by Fiammetta Griccioli and Roberta Tenconi exploring the evolution of Fabro’s spatial research and the development of the concept of Habitat. Extensive photographic documentation of the installation at Pirelli HangarBicocca, together with historical and iconographic materials, complete the publication.

Pirelli HangarBicocca

Pirelli HangarBicocca is a nonprofit foundation dedicated to the production and promotion of contemporary art, established and supported by Pirelli. Founded in 2004, Pirelli HangarBicocca is now a leading institution for the international art community, the public, and the local area. As a museum that is completely free, accessible, and open to the public, it is a space for experimentation, research, and outreach where art serves as a catalyst for reflection on the most pressing issues in contemporary culture and society. Its activities, aimed at a broad and diverse audience, include a calendar of major solo exhibitions by Italian and international artists, a multidisciplinary program of collateral and in-depth events, scholarly and popular publishing initiatives, and educational and training programs. The dialogue between the public and art is further fostered by the constant presence of museum docents in the exhibition spaces. Since 2012, Vicente Todolí has served as artistic director. Housed in a former industrial building—once the site of a locomotive manufacturing plant—Pirelli HangarBicocca covers an area of 15,000 square meters and is one of the largest horizontally oriented exhibition spaces in Europe. The exhibition area includes the Shed and Navate spaces, dedicated to hosting temporary exhibitions, and Anselm Kiefer’s permanent work, *I Sette Palazzi Celesti 2004–2015*, a monumental installation consisting of seven reinforced concrete towers that has become one of the most iconic works in the city of Milan.

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Exhibition Information

Organization	Pirelli HangarBicocca
Artist	Luciano Fabro
Title	“Abitare lo spazio. Inhabiting Space”
Curated by	Fiammetta Griccioli, Roberta Tenconi, and Vicente Todolí, in collaboration with Silvia Fabro (Archivio Luciano e Carla Fabro)
Organized by	Pirelli HangarBicocca
Press Preview	October 6, 2026
Opening	October 7, 2026
Exhibition Dates	October 8, 2026 – February 21, 2027
Location	Via Chiese 2, Milano
Opening Hours	Thursday, Friday, Saturday, and Sunday 10.30 AM – 8.30 PM
Admission	Free
Catalog	Marsilio Arte
Workshop	Information on creative workshops: https://pirellihangarbicocca.org/kids/
Info	+39 02 6611 1573 info@hangarbicocca.org

REMINDER | INVITO STAMPA | Martedì 06 ottobre, ore 11 | Luciano Fabro | Abitare lo spazio | Pirelli HangarBicocca

noreply@blogger.com (Scoprimilano) — Tue, 22 Sep 2026 08:18:59 +0000

Pirelli HangarBicocca presenta la mostra

Luciano Fabro
“Abitare lo spazio”
8 ottobre 2026 – 21 febbraio 2027

A cura di Fiammetta Griccioli, Roberta Tenconi e Vicente Todolí con la collaborazione di Silvia Fabro (Archivio Luciano e Carla Fabro)

Martedì 6 ottobre 2026
Ore 11.00, visita in anteprima
Ore 12.00, presentazione stampa

RSVP press@hangarbicocca.org

Luciano Fabro, Allestimento teatrale, Cubo di specchi, 1967-75. Veduta della performance, Bagno Borbonico, Pescara, 1975. Foto © Giorgio Colombo, Milano

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Dall’8 ottobre 2026 al 21 febbraio 2027 Pirelli HangarBicocca presenta “Abitare lo spazio”, la prima retrospettiva museale dedicata a Luciano Fabro in Italia dopo la sua scomparsa. La mostra restituisce la straordinaria attualità della sua ricerca, mettendo in luce la raffinatezza intellettuale, la libertà sperimentale e la sensibilità percettiva che hanno contraddistinto il suo lavoro. Attraverso un ampio percorso che ripercorre l’intera carriera dell’artista, il progetto approfondisce il concetto di “Habitat”, fulcro della sua ricerca percettiva e spaziale, invitando il pubblico a vivere un’esperienza totalizzante che esplora il mondo delle sensazioni e mette alla prova i limiti del sensibile.

Figura centrale dell’arte italiana del dopoguerra, Luciano Fabro (Torino, 1936 - Milano, 2007) è stato un esponente di spicco del gruppo dell’Arte Povera, dimostrando tuttavia un’attitudine alla ricerca individuale e mai omologata. Fin dagli esordi, ha sviluppato una personale indagine sul concetto di abitare lo spazio – inteso come campo dinamico di azione – esplorando al contempo lo sguardo, l’esperienza e la relazione dello spettatore con l’opera e con l’ambiente. La sua ricerca, che prende inevitabilmente in considerazione gli Ambienti Spaziali di Lucio Fontana (1899-1968) e la riflessione concettuale sviluppata da Piero Manzoni (1933-1963), ha approfondito nello specifico gli aspetti linguistici della scultura, considerandola strumento necessario per leggere e interpretare le forme dell’esperienza e ridefinendo in modo peculiare il rapporto tra l’elemento scultoreo e lo spazio circostante. Fabro ha sperimentato le potenzialità espressive di materiali diversi, dai più tradizionali come il marmo, il vetro e il bronzo, a quelli meno consueti come la seta e il piombo, ciascuno scelto per le sue qualità sensoriali ed evocative. Influenzate dal rinnovato interesse per la sensibilità barocca, le sue opere attraverso l’utilizzo di superfici riflettenti, vetro e specchi che frammentano e moltiplicano lo spazio circostante, accentuano il gioco di contrasti e la relazione tra presenza e assenza, visibile e invisibile. Nell’intersezione tra scultura, pittura e architettura, Fabro mette in atto processi che ne esaltano le reciproche contaminazioni, impiegando forme apparentemente semplici per generare significati complessi. Definendo la pittura come “visione” e la scultura come “rivelazione”, l’artista ha creato un corpus di opere aperto e stratificato in cui materiali e linguaggi si intrecciano in una ricerca al tempo stesso riflessiva e sensuale, rigorosa e dinamica.

Accanto alla produzione artistica, Fabro ha sviluppato un rigoroso approccio teorico, offrendo contributi significativi alla teoria dell’arte, fondati su una meticolosa riflessione concettuale e lasciando anche una ingente produzione testuale. Al centro del suo pensiero vi è una tensione costante tra la dimensione autonoma dell’opera d’arte – intesa come forma compiuta e principio di ordine – e quella dell’esperienza sensibile, attraverso cui l’opera acquista significato nel confronto con il mondo reale. Le sue sculture e installazioni si configurano così come luoghi di equilibrio tra questi due poli, dove rigore concettuale e percezione, autonomia formale e relazione, convivono in una condizione di continua apertura. Questa solida base intellettuale ha alimentato la creazione di opere immaginifiche e stratificate, spesso caratterizzate da un sottile registro ironico, capaci di innovare e ampliare il campo della scultura contemporanea. A oltre un decennio dall’ultima mostra internazionale al Museo Reina Sofía di Madrid (2014), la retrospettiva italiana offre anche un’occasione per riflettere sul profondo legame tra Luciano Fabro e la città di Milano. Trasferitosi in città nel 1959, dopo l’infanzia trascorsa in Friuli, l’artista trovò nel vivace contesto culturale milanese un terreno fertile per lo sviluppo della propria ricerca. Tra la fine degli anni Settanta e i primi anni Ottanta fondò la Casa degli Artisti insieme a Hidetoshi Nagasawa (1940-2018) e Jole De Sanna (1947-2004), trasformandola in un laboratorio di confronto e sperimentazione aperto alle nuove generazioni. Dal 1983 al 2002 insegnò inoltre all’Accademia di Belle Arti di Brera, ispirando numerosi artisti e artiste sia di quell’epoca sia delle generazioni successive.

“Abitare lo spazio” è il titolo della prima retrospettiva museale dedicata a Luciano Fabro in Italia dopo la sua scomparsa nel 2007. La mostra in Pirelli HangarBicocca, a cura di Fiammetta Griccioli, Roberta Tenconi e Vicente Todolí con la collaborazione di Silvia Fabro (Archivio Luciano e Carla Fabro), presenterà circa cinquanta sculture e installazioni tra le più rilevanti del suo percorso artistico. L’esposizione approfondirà l’approccio concettuale e formale dell’artista allo spazio, indagando il modo in cui esso dialoga con la percezione di chi lo abita. In particolare, verrà dato risalto alla ricerca percettiva e spaziale avviata dall’artista negli anni Sessanta, tracciandone l’evoluzione dalle prime sperimentazioni con superfici specchianti, agli esiti dei cinquanta anni successivi fino ad arrivare a strutture e spazi architettonici più complessi, spesso realizzati in carta, che l’artista definiva “habitat”: ambienti ideali – autonomi o integrati in spazi esistenti – concepiti per accogliere e attivare le sue opere.

Il concetto di habitat attraversa la ricerca di Fabro fin dagli anni Sessanta, sebbene il termine venga utilizzato dall’artista a partire dagli anni Ottanta. L’habitat di Fabro coniuga la dimensione materica e artigianale con la tensione teorica e filosofica. La nozione richiama la duplice origine etimologica: il verbo habito che significa abitare un certo luogo e il sostantivo habitus, inteso come aspetto esteriore, forma del corpo, abbigliamento. In questa prospettiva, l’habitat diventa uno spazio da attraversare, un luogo da abitare, ma anche un dispositivo capace di orientare la percezione e generare relazioni. Unendo scultura, architettura e pittura, Fabro crea percorsi, prospettive ed elementi architettonici per trasformare la percezione dello spazio. Concepiti sia come interventi all’interno di spazi espositivi esistenti sia come ambienti autonomi, gli habitat superano la neutralità del white cube attraverso l’impiego di materiali leggeri ed effimeri, come la carta e la luce, che definiscono nuovi assetti spaziali e accolgono altre opere dell’artista. Per molti aspetti, questi ambienti richiamano la dimensione accogliente che risale alle atmosfere delle piazze barocche e si collocano nell’ambito delle sperimentazioni di urbanistica radicale e relazionale sviluppate tra gli anni Sessanta e Settanta. L’opera non viene quindi soltanto osservata, ma vissuta e abitata, all’interno di un sistema dinamico in cui spazio, corpo e percezione si influenzano reciprocamente. Fabro definiva l’habitat come un topos: un luogo costruito capace di generare logos, e dunque senso, relazione e comunità. Riportando le parole dell’artista, “È quindi chiaro che le installazioni non mi interessano: creano una costruzione fittizia in una situazione fittizia. L’Habitat, invece, non è fittizio. È del tutto reale: la luce è reale, un muro è un muro. Non è mimesi, appartiene a una situazione in cui si è presenti, presuppone che qualcuno sia lì. Altrimenti, non è un Habitat”.

Il percorso espositivo in Pirelli HangarBicocca alterna singole opere a grandi nuclei ambientali che comprendono al loro interno più lavori, concepiti come parti di un unico dispositivo spaziale, e ad alcuni habitat ricostruiti nelle Navate dopo la scomparsa dell'artista, sulla base delle sue indicazioni progettuali.

La mostra si apre con La Dialettica, 1985, realizzata per la Biennale di Parigi dello stesso anno, è presentata secondo l’allestimento originale concepito dall’artista per la Grande Halle de la Villette. Una scheggia di marmo segnata da striature verticali, sul cui fronte levigato sono scolpiti un occhio e una bocca. Da un foro che attraversa il marmo salgono due cavi che sorreggono una ragnatela formata da catenelle d’ottone che si innalza fino al culmine della copertura dello spazio industriale. Il titolo rimanda al dipinto Dialettica (o Industria), 1575-77 di Paolo Caliari (1528-1588), detto il Veronese, un olio su tela che si trova sul soffitto della Sala del Collegio di Palazzo Ducale a Venezia che Fabro reinterpreta in modo concettuale attraverso il marmo e la fragile struttura di ottone.

Nella prima sezione della mostra, viene sviluppato il concetto di spazio personale, parte dell’investigazione che l’artista sviluppa a partire dagli anni Sessanta. Emblematica è In cubo, 1966, un telaio in legno rivestito su cinque lati da tele bianche che il visitatore deve sollevare per entrare in uno spazio raccolto, rimanendo allo stesso tempo connesso percettivamente con il mondo esterno grazie alla luce che filtra attraverso. Concepito come un luogo personale, l’opera trasforma il corpo del visitatore in parte integrante della propria configurazione: la prima versione era calibrata sulle misure dell’artista stesso: le dimensioni corrispondevano all’altezza di Fabro e alla larghezza dell’apertura delle sue braccia, sottolineando l’assenza di distinzione tra soggetto e oggetto e la continuità tra il “fuori” e il “dentro”. Successivamente Fabro ne realizzò anche una versione “per Carla” (la critica d’arte Carla Lonzi, molto vicina all’artista). In Pirelli HangarBicocca, saranno presentate cinque varianti dell’opera di diverse dimensioni, offrendo ai visitatori la possibilità di trovare quella più adatta alla loro altezza.

Proseguendo lungo il percorso espositivo, si incontra Io rappresento l’ingombro dell’oggetto nella vanità dell’ideologia (Lo Spirato), 1968-73, è un giaciglio in marmo e uno dei lavori più iconici di Fabro. La raffinatezza con cui sono trattati i drappeggi evoca la tradizione della scultura barocca. Fabro, in dialogo con la storia, da artista contemporaneo rende visibile la presenza attraverso l’assenza. Il corpo sotto il lenzuolo non c’è più, ma è presente, sul lenzuolo e il cuscino, la memoria del suo ingombro e del suo peso. L’artista rende visibile l’attimo in cui il corpo si è già sfilato e il lenzuolo si sta man mano adagiando sul materasso, stimolando in questo modo la nostra memoria e la nostra immaginazione. Come spiega Fabro stesso il soggetto dello spirato è il lenzuolo, “non è un tema narrativo, ma una proposizione: ciò che sta tra il pieno e il vuoto, non un soggetto preesistente, né reale né irreale, né raccontato.”

Al centro delle Navate, sarà presentato l’Habitat di Rotterdam, 1981, concepito da Luciano Fabro per la sua retrospettiva al Museum Bojimans Van Beuningen di Rotterdam nel 1981. Lo spazio è allestito riproducendo fedelmente l’assetto originale, preservandone le dimensioni e la suddivisione in cinque corridoi definiti da pareti ricoperte di carta. Al suo interno, sono esposte una ventina di opere, tra cui alcune delle celebri Italie, creando così una sorta di retrospettiva nella retrospettiva. L’articolazione dello spazio e la disposizione delle opere, collocate sulle partizioni e negli interstizi tra di esse, derivano da una composizione geometrica dinamica basata su una serie di cerchi che si sviluppano a partire da un punto di fuga e si rapportano alle dimensioni dello spazio museale di Rotterdam. Le tracce di questa composizione, idealmente proiettata anche all’esterno dell’edificio, riaffiorano sul pavimento sotto forma di linee bianche che ne rendono visibile l’andamento, estendendo l’immaginazione oltre lo spazio reale. Attraverso pareti e strutture in carta, Fabro crea un ambiente fatto di scorci, aperture e percorsi da attraversare, invitando il pubblico a esplorare nuove relazioni tra materia, spazio e percezione. Come lo definiva lo stesso artista, si tratta di “un luogo-topos... il luogo dell’eccitazione dei sensi”.

Successivamente si incontrano opere legate alla riflessione cosmologica e all’indagine sullo spazio metafisico, tra cui Il Sole, 1995-97 e La Luna, 1995-97. La prima è composta da una sequenza ritmica di elementi in marmo incisi con un motivo solare radiale e disposti orizzontalmente, richiamando una colonna dorica. In contrapposizione, la seconda è una scultura cilindrica verticale scolpita in marmo scuro di Portoro. Attraverso riferimenti architettonici e mitologici, Fabro attribuisce alle sue opere la capacità di trasmettere conoscenza e costruire una memoria culturale nel tempo. Nella stessa sezione verrà poi installato uno degli ultimi lavori di Fabro ancora inedito: Eclissi di cielo, 2006. Presentate insieme, le tre opere evocano alcuni temi centrali nella sua pratica quali le sperimentazioni con il volume, la linea, la tensione spaziale e l’esplorazione delle dualità grazie a un sistema di opposti: luce e buio, bianco e nero, leggerezza e pesantezza, cambiamento e radicamento, orizzontalità e verticalità, apertura e chiusura, frammento e totalità.

Il Cubo ospiterà infine È la vita, è la storia, è la morale, 1995, presentata per la Biennale di Venezia del 1997. Si tratta di una grande struttura sospesa alta 5 metri, articolata su tre livelli che corrispondono ai concetti evocati dal titolo e concepiti dall’artista come strettamente interdipendenti. Il livello superiore, dedicato alla morale, è costituito da una stampa in accettato sostenuta da un filo di seta e richiama l’immagine di un cielo stellato evocata da Immanuel Kant (1724-1804). Nel mezzo, si trova la storia composta da un tessuto che riproduce il negativo dei lenzuoli dello strato inferiore, la vita. Quest’ultimo deriva da un diagramma tratto da un grafico presente nel romanzo The Life and Opinions of Tristram Shandy, Gentleman (1759) di Laurence Sterne (1713-1768), che Fabro assume come rappresentazione dell’esistenza: un percorso non lineare, segnato da continue interruzioni e deviazioni.

L’artista

Tra le numerose mostre personali di Fabro ricordiamo: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (2014); Kunstmuseum Winterthur, GAMeC - Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea, Bergamo (2013); Madre - Museo d’Arte Contemporanea Donnaregina, Napoli (2007, 2004); Musée Bourdelle, Parigi (2004); Tate Gallery, Londra (1997); Centro de Arte Hélio Oiticica, Rio de Janeiro (1997); Centre Pompidou, Parigi (1996); Portikus, Francoforte sul Meno (1996); San Francisco Museum of Modern Art (1992); Kunstmuseum Luzern, Lucerna (1991); Fundació Joan Miró, Barcellona (1990); Museo Nazionale di Capodimonte, Napoli, Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, Rivoli-Torino (1989); Palais des Beaux-Arts, Bruxelles (1988); Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris (1987); Neue Galerie – Sammlung Ludwig, Aquisgrana, Germania (1983); Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam (1981); PAC Padiglione d’Arte Contemporanea, Milano (1980).

Le sue opere sono state presentate anche in biennali e mostre internazionali come Biennale of Sydney (2018, 1988); Quadriennale d’arte, Roma (2008, 1973); Biennale di Venezia (1997, 1993, 1986, 1984, 1980, 1978, 1975, 1972); Bienal de São Paulo (1996, 1975); documenta, Kassel (1992, 1982, 1972); Biennale de Paris (1985, 1971); Tokyo Biennale (1970).

Luciano Fabro è stato insignito di numerosi e prestigiosi premi, tra cui l’Accademico d’Onore, Firenze (2004); il Coutts Contemporary Art Award, Zurigo (1994); il Premio Antonio Feltrinelli, Roma (1993); il Sikkens Prize, Rotterdam (1987); l’Art Prize, Aachen (1983).

Catalogo

Pubblicato in occasione della retrospettiva, il volume offre una lettura della pratica artistica di Luciano Fabro attraverso una serie di saggi dedicati ai momenti, alle opere e ai nuclei tematici centrali della sua ricerca: dall’anno 1968, momento cruciale che segna una svolta nel suo percorso, al dialogo con il Barocco e le sue declinazioni, dall’immagine femminile alla dimensione cosmologica, fino ad approfondimenti su opere e progetti emblematici quali Allestimento teatrale. Cubo di specchi o l’Habitat realizzato a Rotterdam per la sua retrospettiva del 1981 al Museum Boijmans Van Beuningen. I contributi, commissionati per l’occasione, sono firmati da storici dell’arte, curatori e studiosi internazionali, tra cui Stefano Chiodi, Catherine Grenier, Sharon Hecker, Frances Morris, Iolanda Ratti, Margit Rowell, Francesco Stocchi e Andrea Viliani.
La pubblicazione comprende inoltre la rilettura e contestualizzazione, a cura di Martin Schwander, della sua intervista a Fabro del 1991, la conversazione tra l’artista e Bruno Corà del 1983 — testo cruciale per la definizione e la teorizzazione della nozione di Habitat — e un ampio saggio di Rudi Fuchs dedicato alla pratica scultorea nello spazio pubblico.
La monografia è ulteriormente arricchita da una cronologia che ripercorre l’evoluzione del lavoro di Fabro fin dagli esordi accompagnata da una selezione di immagini d’archivio inedite a cura di Teodora di Robilant e Silvia Fabro, che ha anche redatto dettagliate schede delle opere in mostra. Il volume comprende infine un’introduzione al progetto di Vicente Todolí e un saggio di Fiammetta Griccioli e Roberta Tenconi dedicato all’evoluzione della ricerca spaziale dell’artista e all’elaborazione del concetto di Habitat. Completa la pubblicazione un’ampia documentazione fotografica dell’allestimento in Pirelli HangarBicocca e apparati iconografici e storici.

Pirelli HangarBicocca

Pirelli HangarBicocca è una fondazione no profit dedicata alla produzione e alla promozione dell’arte contemporanea, voluta e sostenuta da Pirelli. Fondata nel 2004, Pirelli HangarBicocca è oggi un’istituzione di riferimento per la comunità dell’arte internazionale, per i cittadini e per il territorio. Realtà museale totalmente gratuita, accessibile e aperta, è un luogo di sperimentazione, ricerca e divulgazione in cui l’arte è lo spunto di riflessione sui temi più attuali della cultura e della società contemporanea. Le attività, rivolte a un’audience ampia ed eterogenea, comprendono un calendario di importanti mostre personali di artisti italiani e internazionali, un programma multidisciplinare di eventi collaterali e di approfondimento, un’attività editoriale scientifica e divulgativa, proposte educative e di formazione. Il dialogo tra pubblico e arte è inoltre favorito dalla presenza costante, negli spazi espositivi, di uno staff di mediatori museali. A partire dal 2012 la direzione artistica è affidata a Vicente Todolí. Ospitato in un edificio ex industriale, un tempo sede di una fabbrica per la costruzione di locomotive, Pirelli HangarBicocca ha una superficie di 15.000 metri quadrati ed è uno degli spazi espositivi a sviluppo orizzontale più ampi d’Europa. L’area espositiva comprende gli spazi di Shed e Navate, dedicati a ospitare mostre temporanee, e l’opera permanente di Anselm Kiefer, I Sette Palazzi Celesti 2004-2015, monumentale installazione costituita da sette torri in cemento armato divenuta una delle opere più iconiche della città di Milano.

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Informazioni sulla mostra

Istituzione	Pirelli HangarBicocca
Artista	Luciano Fabro
Titolo	“Abitare lo spazio”
A cura di	Fiammetta Griccioli, Roberta Tenconi e Vicente Todolí con la collaborazione di Silvia Fabro (Archivio Luciano e Carla Fabro)
Organizzata da	Pirelli HangarBicocca
Anteprima stampa	6 ottobre 2026
Apertura	7 ottobre 2026
Date della mostra	8 ottobre 2026 – 21 febbraio 2027
Location	Via Chiese 2, Milano
Orario di apertura	Giovedì, venerdì, sabato e domenica 10.30-20.30
Ingresso	Gratuito
Catalogo	Marsilio Arte
Workshop	Informazioni sui percorsi creativi: https://pirellihangarbicocca.org/kids/
Info	+39 02 6611 1573 info@hangarbicocca.org

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East Market, la stagione del vintage riparte domenica 20 settembre

noreply@blogger.com (Scoprimilano) — Thu, 10 Sep 2026 12:01:51 +0000

East Market, la stagione del vintage riparte domenica 20 settembre

Domenica 20 settembre torna East Market, l’evento del vintage milanese dedicato a privati e professionisti, dove tutti possono comprare e vendere. Con il primo appuntamento della stagione 2026-27, centinaia di espositori selezionati da tutta Italia tornano negli oltre 6.000 mq dell’ex fabbrica aeronautica di zona Mecenate con migliaia di oggetti insoliti, ricercati e curiosi.
Abbigliamento vintage e second-hand, artigianato, vinili, modernariato, design, arredamento, collezionismo, sneakers, libri, fumetti, poster, elettronica, videogame, giocattoli, accessori e molto altro: un universo di oggetti provenienti dal passato e da tutto il mondo, pronti a vivere una nuova vita.
Dai capi dei primi del Novecento fino agli anni 2000, con denim, military, college, streetwear, pezzi da collezione, accessori firmati, custom e upcycling, fino all’oggettistica per la casa, alle ceramiche, alle lampade e ai pezzi iconici del design del ’900. Per gli appassionati di musica torna la Vinyl Area, con dischi dal rock al jazz, dall’elettronica al blues, dal reggae all’Hip-Hop, oltre a CD, musicassette, VHS, DVD, libri, giradischi e curiosità musicali. Non mancano sneakers, macchine fotografiche e da scrivere, figurine, biciclette, toys e rarità per collezionisti e curiosi.
Ma East Market non è un semplice market. È un’esperienza che unisce shopping e intrattenimento attraverso scenografie, aree tematiche, mostre, DJ set e food area, in un contesto pensato per un pubblico trasversale.
La selezione accurata di espositori e prodotti è uno degli elementi distintivi dell’evento: pezzi originali, restaurati e valorizzati, creazioni artigianali, oggetti esclusivi e introvabili si incontrano in un mercato sempre diverso, lontano dalla logica del vintage “mordi e fuggi” e delle vendite all’ingrosso.
East Market promuove inoltre una cultura consapevole del riuso e del riciclo, dando nuova vita a oggetti e capi e contrapponendosi alla sovrapproduzione e allo spreco della produzione industriale di massa. Un modo di fare acquisti che guarda al passato, ma anche al futuro, nel segno del motto: “Everything Old Is New Again”.

Gli espositori di settembre
Tra gli espositori presenti questo mese ci saranno Claudio Affaba e Natsumi Sakai, che porteranno nel mondo dello scrapbooking un originale incontro tra arte e creatività. Lo scrapbooking è l’arte di creare e personalizzare album non solo attraverso le fotografie, ma anche utilizzando un’ampia varietà di materiali ornamentali: carte, nastri, ritagli, adesivi, fiori e oggetti di diversa natura. Un modo creativo per trasformare ricordi e idee in composizioni uniche e personali. Tra le loro creazioni ci saranno anche diari, collage e taccuini, realizzati con cura e attenzione a ogni dettaglio.
Posterz di Piero Stefanini raccoglie e seleziona manifesti, fotobuste e locandine originali provenienti da vecchi cinema, dando nuova vita a veri e propri pezzi da collezione. Una proposta pensata non solo per i cinefili più appassionati, ma anche per chi è alla ricerca di un’idea regalo originale o di un elemento d’arredo capace di dare carattere a una casa o a un locale. Tra i pezzi più iconici della collezione figurano il set de Lo Squalo del 1975, I Goonies e Arancia Meccanica: autentici frammenti della storia del cinema da collezionare, esporre e rivivere.
Il super ospite di settembre sarà l’illustratore e volto TV Gianmarco Pozzoli, che presenterà per la prima volta al pubblico la sua macchina “Smile or Die”. Una sorta di cabina per fototessere, ma dedicata all’instant drawing: chi vorrà provare questa originale esperienza si troverà davanti a Gianmarco, che in soli tre minuti realizzerà dal vivo un’illustrazione del suo volto. Il disegno uscirà poi da una fessura, proprio come accade con le classiche fototessere automatiche.

La novità della nuova stagione: Bar Nostalgia
Debutta a East Market Bar Nostalgia, un nuovo punto beverage ispirato all’atmosfera autentica del classico bar italiano. Un luogo informale e conviviale dove trovare birra, vino della casa, spritz, bitter, analcolici, acqua, soft drink e caffetteria, accompagnati da una piccola selezione di food: michette farcite, snack iconici, patatine, caramelle e salatini.
L’estetica, tra arredi e dettagli ispirati agli anni ’70, ’80 e ’90, contribuisce a creare un’atmosfera familiare e senza tempo. Bar Nostalgia vuole diventare un vero punto di ritrovo, quel luogo in cui il tempo rallenta e ci si incontra anche senza appuntamento.
Nel cortile di East Market non mancano inoltre i numerosi food truck, con un’offerta sempre diversa di cucina internazionale e street food, accanto alla tradizione italiana e a numerose proposte dedicate a vegani, celiaci e bambini.
Completano la manifestazione i DJ set con il meglio delle selezioni musicali del momento e del passato.

domenica 20 settembre
dalle 10 alle 21
Via Mecenate, 88/A – Milano
Ingresso Euro 6
Infoline +393516559781

https://link.dice.fm/

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https://www.instagram.com/eastmarketmilano/
https://www.eastmarketmilano.com/

-- 

Luca Bramanti
Ufficio Stampa Nextpress
3291697846

Ri-quadri 173 – Maleo su Camperfree

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Camperfree
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REMINDER | PRESS INVITATION | Tuesday, September 15, 11 AM | Aki Sasamoto | XYZ | Pirelli HangarBicocca

noreply@blogger.com (Scoprimilano) — Wed, 09 Sep 2026 08:54:35 +0000

Pirelli HangarBicocca presents the exhibition

Aki Sasamoto
“XYZ”
September 17, 2026 – January 17, 2027

Curated by Roberta Tenconi with Tatiana Palenzona

Tuesday, September 15, 2026
11 AM, press preview of the exhibition
12 PM, press presentation (in English)

**During the morning, the performance Strange Attractors will take place within the exhibition.

RSVP press@hangarbicocca.org**

Aki Sasamoto performance of Delicate Cycle, 2016. “Aki Sasamoto: Delicate Cycle,” SculptureCenter, New York, 2016. Courtesy the artist and SculptureCenter, New York. Photo Kyle Knodell

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https://pirellihangarbicocca.org/area-riservata/

Username: sasamoto

Password: pirellihangarbicocca

From September 17, 2026, to January 17, 2027, Pirelli HangarBicocca presents "XYZ," Aki Sasamoto's first solo exhibition at a European institution, bringing together more than two decades of interdisciplinary experimentation, where science and intuition, mathematics and emotion, absurdity and seriousness, the everyday and the extraordinary coexist. Through sculptures, installations, and performative activities, Sasamoto engages with themes related to human and social relationships, memory, and emotional experience, offering a unique journey that bridges rigor and profound humanity.

“The world I touch and the world I understand via language are so different. The world only makes sense somewhere between what I make and what I end up doing with it,” explains Aki Sasamoto.

Aki Sasamoto (born in Kanagawa, Japan in 1980; currently lives and works in New York) operates at the intersection of performance, sculpture, installation, and video. She creates environments and situations in which people and objects interact, exploring the relationship between body and space to engage audiences on multiple sensory levels. Drawing from diverse disciplines such as dance, mathematics, social psychology, meteorology, and eco-behavioral sciences, her works—hybrid in both form and content—translate lived experiences and personal narratives into metaphorical imagery, evoking liminal moments and new narratives, suspended between logic and intuition. Through unconventional interactions with everyday objects—often manipulating and distorting them—Sasamoto stages a tragicomic spectacle that challenges traditional modes of perception, and rewrites the possibilities and limitations of sculptural and performative language. Thus, the artist’s works become a grounding of the reality that surrounds her. As she herself explains, “My work deals with the problems of life, not art”, and in doing so, it redefines a subjective perspective on the world that appears at once familiar and universal.

After leaving Japan to study in Wales and later in the United States, Sasamoto initially pursued mathematics before earning a Bachelor’s degree in dance at Wesleyan University in Middletown, Connecticut, and subsequently an MFA in Visual Arts from Columbia University’s School of the Arts in New York. This experience of geographical and cultural displacement informs her work, which addresses psychological dimensions, the complexity of emotions and habits, interpersonal relationships, and the tensions that emerge in communication processes. Having approached art through dance and theatrical performance, Sasamoto became fascinated by the improvisational nature of jazz, and developed an early interest in the sonic and gestural experiments of the 1950s and 1960s. Among her key references are composers such as John Cage (1912–1992), David Tudor (1926–1996), and, above all, Alvin Lucier (1931–2021).

The exhibition “XYZ,” curated by Roberta Tenconi with Tatiana Palenzona, marks the first institutional show dedicated to the Japanese artist in Europe. The title immediately suggests the exhibition's layered nature, as it presents a selection of works spanning two decades of Sasamoto's practice. “XYZ” carries multiple meanings: as the final letters of the alphabet, when placed at the end of a list, they suggest possible continuations beyond an apparent ending; in the Cartesian system, they indicate the coordinates that define the three dimensions of space; in quantum physics, they designate variables used to describe the probability of a particle occupying a given point; finally, they are also the acronym for "eXamine Your Zipper," a common American expression discreetly used to indicate an open zipper.

Conceived by Sasamoto specifically for Pirelli HangarBicocca, the exhibition unfolds as a dynamic sequence of installations, sculptures, videos, and performances that explore ideas of connection, the complexity of relationships, and the influence of societal norms and interpersonal interactions on the body and memory. Spanning over twenty years of interdisciplinary experimentation, the show project emphasizes the artist’s ability to reconcile seemingly opposing elements—performance and sculpture, science and intuition, absurdity and discipline—in works that are simultaneously playful, rigorous, and deeply humane. References to mathematics recur throughout the exhibition path in the form of graphs, diagrams, lines, and rotating mechanisms that connect the works, bringing together material and immaterial dimensions and creating a constant tension between measurable data and emotional experience. As Sasamoto explains, “The diagrams are reflectors of the discomfort in life––an attempt to get to the heart of it. I want to take emotion seriously, but emotion is hard to take as it is. Diagrams appear more light-hearted and distant than speaking in serious language with a straight face. I prefer facing the board, drawing, with my back to the world.” While each work maintains its autonomy, the show creates connections between projects from different moments of Sasamoto’s career, forming an evolving system of meanings that invites the audience to reflect on the present and on the possible trajectories of contemporary life.

Upon entering the Shed, visitors encounter Sounding Lines (2024), a kinetic installation composed of springs suspended in space and oversized fishing lures incorporating kitchen utensils. Activated by programmed motors, the springs oscillate, evoking the movement of waves and, more subtly, the unstable and fluctuating rhythms of human relationships and friendships. Fishing, food and cooking—recurring motifs in Sasamoto’s work that are rooted in everyday life—emerge here as ambivalent metaphors. This imagery reappears in catch or be caught (2025), a sculpture consisting of two metal structures that move vertically in an alternating sequence, opening and closing in a motion that oscillates between the form of a traditional crab trap and the organic shape of a stylized flower. The resulting mechanical choreography suggests a reflection on the physical tension and vulnerability of space.

Continuing along the exhibition path, Delicate Cycle (2016) explores the idea of non-linear time and challenges the very notion of cyclical processes. Through the presence of washing machines and references to the dung beetle—a creature that has fascinated the artist since childhood—circular movement becomes the underlying motif running throughout the exhibition. In the performance, Sasamoto activates the work by rolling a large sphere wrapped in bedsheets: this gesture prompts reflection on feelings of anxiety surrounding order and control, extending the logic of washing to the mechanisms of memory and to the illusion that a stain can ever be permanently erased.

Many of Sasamoto’s works originate from personal life experiences, as in the installation and performance Secrets of My Mother’s Child (2009), which addresses the subject of intergenerational trauma. Furniture and everyday objects evoke the domestic sphere while simultaneously suggesting the emotional structures of family life through an architectural framework. Through an exploration of the dynamics and tensions shaping her relationship with her mother, the work opens onto a broader reflection on the nature of secrecy. As she puts it, "that transition from secret to revealed fact is fascinating to me." This tension between proximity and distance, as well as between knowledge and mystery, materializes in the sculptural presence of a suspended metal bar shaped after the mathematical function X x Y = 1, the curve whose two asymptotic lines approach one another without ever touching. Thus, the image becomes a metaphor for the secret itself: something one aspires to know; yet, once revealed, it inevitably ceases to be a secret.

The use of everyday materials also emerges in Centrifugal March (2012), in which Sasamoto incorporates modified furniture, such as wardrobes and beds, to reflect on centrifugal forces. Here she also adds ice, an unstable and ever-changing material, introducing a temporal and sonic dimension to the work. As the ice slowly melts, it produces a subtle sound amplified by hidden microphones that marks the passage of time and accompanies the metamorphosis of matter, while simultaneously evoking themes of memory and rituals of body preservation after death. Originally conceived for the Whitney Biennial, Strange Attractors (2010) unfolds as a constellation of suspended elements—including tables, closed-circuit cameras, drinking glasses nestled within fruit nets—composing an environment of altered and reconfigured household objects. In mathematics and chaos theory, a "strange attractor" describes a dynamic structure in which multiple elements coexist, generating a system where order emerges within apparent disorder.

The exhibition also features Wrong Happy Hour (2014), an installation that transforms the space into a dysfunctional bar. From inside the Shed gallery, the environment is only visible from the rear, while a complete view of the interior is possible from outside the building through a glass door. During the performance, the installation functions as an actual bar, where visitors can drink and linger, while Sasamoto moves amongst the objects posing questions to the audience. Eventually, the performance culminates in the artist physically pushing visitors out by moving the back wall forward, turning the environment from a relational space into a place that progressively narrows until exclusion. Alongside the installation, the eponymous video revisits the narrative of the artist’s monologue performed live in the space. The motif of the bar also returns in Past in a future tense (2019), an equally dysfunctional social setting in which elements are connected through the movements of air. Whisky glasses move inside hand-blown Murano glass spheres placed on three small tables and a counter, activated solely by air currents. The installation is complemented by the videos entitled Weather Bar Forecast #1 and Weather Bar Forecast #2 (both 2021), which adopt the format of television weather forecasts, emphasizing the dissonance between their measured, factual language and the increasingly unstable and alarming reality of climate catastrophe.

Cooking Show (2005), presented at Pirelli HangarBicocca through video documentation, dates back to an early stage of Sasamoto’s practice, when her work was rooted in theatre and explored the boundaries between performance and live spectacle. Seeking to deconstruct the surreal aesthetics and eccentric logic of television cooking programs, the artist performs conventional culinary procedures using disproportionately sized utensils, altering familiar processes and introducing unexpected information. The deliberately exaggerated scale of the objects transforms them into tools through which the difficulties inherent in interpersonal communication can be articulated, rendering everyday actions both comically impractical and visually dissonant.

The artist

Aki Sasamoto has had solo exhibitions at: Studio Voltaire, London (2026); MOT Museum of Contemporary Art Tokyo (2025); Para Site, Hong Kong (2024); Queens Museum, New York (2023); American Academy of Arts and Letters, New York (2023); Danspace Project, New York (2020); The Kitchen, New York (2017); SculptureCenter, New York (2016); Para Site, Hong Kong (2016); Center for Curatorial Studies, Bard College, New York (2012).

Sasamoto has also participated in numerous international group exhibitions at institutions such as National Museum of Modern and Contemporary Art, Seoul (2024); San Jose Museum of Art (2024); Verge Center for the Arts, Sacramento, California (2024); Mori Art Museum, Tokyo (2023); Herzliya Museum of Contemporary Art, Tel Aviv (2023); Museum of Contemporary Art Busan, South Korea (2022); Kunsthal, Rotterdam (2021); Hirosaki Museum of Contemporary Art, Aomori, Japan (2021); Power Station of Art, Shanghai (2016); High Line Art, New York (2014); Mori Art Museum, Tokyo (2013).

Additionally, the artist’s works and performances have been presented at numerous biennials, including the 59. Venice Biennale (2022); Aichi Triennale (2022); Busan Biennale (2022); Okayama Art Summit (2022); Kochi-Muziris Biennale (2016); the Whitney Biennial, Greater New York (2010); and the Yokohama Triennale (2008).

In 2023, the artist received the Calder Prize, and completed a residency at Atelier Calder in Saché, France in 2021. Aki Sasamoto is Professor and Director of Graduate Studies in Sculpture at Yale University's School of Art.

Performances and Public Program Calendar

Tuesday, September 15th

Press preview
11.30 am | Strange Attractors

Wednesday, September 16th

Opening
8.00 pm | Delicate Cycle

Thursday, September 17th

11.00 am | Sounding Lines + catch or be caught

4.00 pm | Secrets of My Mother’s Child

7.00 pm | Centrifugal March

Thursday, October 22nd

Public Program

7.00 pm | Secrets of My Mother’s Child

8.00 pm | Conversation between Aki Sasamoto and Massimo Bernardi in the Lab Room

Friday, October 23rd

Public Program

6.00 pm | Centrifugal March

Saturday, October 24th

Public Program

11.00 am | Strange Attractors

4.00 pm | Wrong Happy Hour

7.00 pm | Delicate Cycle

Catalog

The exhibition is accompanied by a comprehensive monograph that offers further insight into Sasamoto’s artistic practice. The publication brings together contributions by an international group of critics and art scholars who have closely followed her career. It includes a conversation between Sasamoto and Cecilia Alemani, alongside essays and thematic texts by critics and curators such as Hendrik Folkerts, who examines the performative and gestural dimensions of her work; Christina Li, who explores its relationship to language; Barbara London, who focuses on its sonic and performative aspects; and mathematician Pau Atela.

The works presented in Milan are documented through an extensive sequence of installation views and are accompanied by an introductory text by the exhibition’s curators, Roberta Tenconi and Tatiana Palenzona. The monograph also features a complete catalogue raisonné-style chronology of all works realized by Sasamoto from 2005 to the present.

Pirelli HangarBicocca

Pirelli HangarBicocca is a non-profit foundation dedicated to the production and promotion of contemporary art, established and supported by Pirelli. Founded in 2004, Pirelli HangarBicocca is now a point of reference for the international art community, citizens, and the local area. A completely free, accessible, and open museum, it is a place of experimentation, research, and dissemination where art is the starting point for reflection on the most current issues in contemporary culture and society. Its activities, aimed at a wide and diverse audience, include a calendar of important solo exhibitions by Italian and international artists, a multidisciplinary program of collateral and in-depth events, scientific and educational publishing, and educational and training initiatives. Dialogue between the public and art is also encouraged by the constant presence of museum mediators in the exhibition spaces. Since 2012, the artistic direction has been entrusted to Vicente Todolí. Housed in a former industrial building, once the site of a locomotive factory, Pirelli HangarBicocca covers an area of 15,000 square meters and is one of the largest horizontally developed exhibition spaces in Europe. The exhibition area includes the Shed and Navate spaces, dedicated to hosting temporary exhibitions, and Anselm Kiefer's permanent work, I Sette Palazzi Celesti 2004-2015, a monumental installation consisting of seven reinforced concrete towers that has become one of the most iconic works in the city of Milan.

Media Relations

Head of Press and Communications Office

Angiola Maria Gili

angiola.gili@hangarbicocca.org

Press Office and Social Media

Sofia Baronchelli

T +39 334 658 9918

sofia.baronchelli@hangarbicocca.org

press@hangarbicocca.org

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Password: pirellihangarbicocca

Information about the exhibition

Institution Pirelli HangarBicocca

Artist Aki Sasamoto

Title "XYZ"
Curated by Roberta Tenconi with Tatiana Palenzona
Organized by Pirelli HangarBicocca

Press preview September 15, 2026
Opening September 16, 2026

Exhibition dates September 17, 2026 - January 17, 2027
Location Via Chiese 2, Milan

Opening hours Thursday, Friday, Saturday, and Sunday
10:30 a.m. to 8.30 p.m.

Admission Free

Catalog Marsilio Arte

Workshop Information on creative paths:
https://pirellihangarbicocca.org/kids/
Info +39 02 6611 1573
info@hangarbicocca.org

REMINDER | INVITO STAMPA | Martedì 15 settembre, ore 11 | Aki Sasamoto | XYZ | Pirelli HangarBicocca

noreply@blogger.com (Scoprimilano) — Wed, 09 Sep 2026 08:52:41 +0000

Pirelli HangarBicocca presenta la mostra

Aki Sasamoto
“XYZ”
17 settembre 2026 – 17 gennaio 2027

A cura di Roberta Tenconi con Tatiana Palenzona

Martedì 15 settembre 2026
Ore 11.00, visita in anteprima
Ore 12.00, presentazione stampa (in inglese)

Durante la mattinata si svolgerà la performance Strange Attractors all’interno della mostra

RSVP press@hangarbicocca.org

Aki Sasamoto performance di Delicate Cycle, 2016. “Aki Sasamoto: Delicate Cycle”, SculptureCenter, New York, 2016. Courtesy l’artista e SculptureCenter, New York. Foto Kyle Knodell

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Password: pirellihangarbicocca

Dal 17 settembre 2026 al 17 gennaio 2027, Pirelli HangarBicocca presenta “XYZ”, la prima mostra personale di Aki Sasamoto in un’istituzione europea: oltre vent’anni di sperimentazione interdisciplinare dove coesistono scienza e intuizione, matematica e sentimenti, assurdità e serietà, il quotidiano e lo straordinario. Sculture, installazioni e attività performative portano all’attenzione del pubblico temi legati alle relazioni umane e sociali, alla memoria e all’esperienza emotiva, in un unico percorso di congiunzione tra rigore e profonda umanità.

“Il mondo che tocco e il mondo che comprendo attraverso il linguaggio sono così diversi. Il mondo ha senso solo in qualche punto intermedio tra ciò che realizzo e ciò che finisco per farne.”, racconta Aki Sasamoto.

Al confine tra performance, scultura, installazione e video, Aki Sasamoto (Kanagawa, Giappone, 1980; vive e lavora a New York) costruisce ambienti e situazioni all’interno delle quali persone e oggetti interagiscono, esplorando il rapporto tra corpo e spazio, con l’obiettivo di coinvolgere il pubblico su più livelli sensoriali. Attingendo da differenti discipline come la danza, la matematica, la psicologia sociale, la meteorologia e le scienze eco-comportamentali, le sue opere, ibride tanto nel contenuto quanto nella forma, trasportano il vissuto e le esperienze personali all’interno di un immaginario metaforico, evocando momenti liminali e nuove narrazioni, sospese tra logica e intuizione. Relazionandosi in modo inusuale con oggetti quotidiani, spesso manomessi e distorti, Sasamoto inscena uno spettacolo tragicomico che sfida le tradizionali modalità di percezione e riscrive possibilità e limiti del linguaggio scultoreo e performativo. Le opere dell’artista diventano così una messa a terra della realtà che la circonda, come lei stessa spiega, “il mio lavoro si occupa dei problemi della vita, non dell’arte” e ridefiniscono un punto di vista soggettivo sul mondo che appare allo stesso tempo familiare e universale.

Trasferitasi dal Giappone prima in Galles e successivamente negli Stati Uniti per studiare matematica, Sasamoto conclude il proprio percorso accademico laureandosi in danza alla Wesleyan University (Middletown, Connecticut) e conseguendo in seguito un MFA in Arti Visive alla Columbia University’s School of the Arts di New York. Questa esperienza di allontanamento dal proprio luogo di origine e dal contesto familiare informa le sue opere che affrontano la dimensione psicologica, la complessità delle emozioni e delle abitudini, le relazioni interpersonali, e le tensioni che emergono nei processi di comunicazione. Avvicinatasi all’arte attraverso la danza e la performance in ambito teatrale, rimane affascinata dall’aspetto improvvisato del jazz e si interessa fin da subito alle sperimentazioni sonore e gestuali degli anni Cinquanta e Sessanta. Tra i riferimenti, emergono compositori come John Cage (1912-1992), David Tudor (1926-1996) e soprattutto Alvin Lucier (1931-2021).

La mostra “XYZ”, a cura di Roberta Tenconi con Tatiana Palenzona, è la prima mostra istituzionale dell’artista giapponese in Europa. Il titolo suggerisce fin da subito la natura stratificata del progetto di mostra, che presenta una selezione di opere che ripercorrono due decenni di pratica artistica. Il titolo ha molteplici significati: XYZ sono le ultime lettere dell’alfabeto e, poste alla fine di una lista, suggeriscono possibili continuazioni; nel sistema cartesiano indicano le coordinate che definiscono le tre dimensioni dello spazio; in fisica quantistica identificano variabili impiegate per descrivere la probabilità che una particella si trovi in un determinato punto; sono inoltre l’acronimo di eXamine Your Zipper (letteralmente, “controlla la tua cerniera”), slang diffuso negli Stati Uniti per segnalare con discrezione una zip aperta.

Il percorso espositivo concepito da Sasamoto per Pirelli HangarBicocca si sviluppa come una sequenza dinamica di installazioni, sculture, video e performance che indagano l’idea di connessione, la complessità delle relazioni e l’influenza delle norme sociali e delle interazioni interpersonali sul corpo e sulla memoria. La mostra riunisce oltre vent’anni di sperimentazione interdisciplinare, mettendo in evidenza la capacità dell’artista di far coesistere gli opposti — come performance e scultura, scienza e intuizione, assurdità e rigore — in lavori che sono allo stesso tempo giocosi, precisi e profondamente umani. Ricorrono riferimenti alla matematica, sottoforma di grafici, linee e meccanismi rotanti, che mettono in relazione le opere e fanno convergere dimensione materiale e immateriale, creando una tensione costante tra dati misurabili ed esperienza emotiva. Come racconta Sasamoto, “I diagrammi sono riflessi del disagio nella vita — un tentativo di arrivare al suo nucleo. Voglio prendere sul serio l’emozione, ma è difficile accoglierla così com’è. I diagrammi appaiono più leggeri e distanti rispetto a un linguaggio serio espresso con un atteggiamento impassibile. Preferisco stare di fronte alla lavagna, disegnare, con le spalle rivolte al mondo.” Pur nell’autonomia di ciascun lavoro, la mostra mette in relazione opere appartenenti a momenti diversi della ricerca di Sasamoto, dando vita a un sistema di significati in continua trasformazione che invitano il pubblico a interrogarsi sul presente e sulle possibili traiettorie della vita contemporanea.

Entrando nello Shed, il pubblico incontra l’installazione cinetica Sounding Lines (2024) composta da molle sospese nello spazio ed esche da pesca fuori misura che inglobano utensili da cucina. Azionate da motori programmati, le molle oscillano evocando il movimento delle onde ma anche, in senso più sottile, il ritmo instabile e fluttuante delle relazioni umane e dei rapporti di amicizia. La pratica della pesca e il mondo del cibo e della cucina — tutti gesti e pratiche ricorrenti nella ricerca di Sasamoto che afferiscono alla quotidianità — emergono qui come metafora ambivalente. Questo immaginario riaffiora in catch or be caught (2025), una scultura composta da due strutture metalliche che, muovendosi verticalmente secondo una sequenza alternata, si aprono e chiudono in un moto che oscilla tra la forma di una tradizionale trappola per granchi e quella organica che ricorda un fiore stilizzato. La coreografia meccanica che si viene a creare suggerisce una riflessione sulla tensione fisica e la vulnerabilità dello spazio.

Proseguendo lungo il percorso espositivo, Delicate Cycle (2016) esplora l’idea di un tempo non lineare e mette in discussione il concetto di ciclo. Questo processo emerge sia attraverso la presenza di lavatrici, sia dall’evocazione del movimento dello scarabeo stercorario, figura che affascina l’artista sin dall’infanzia. Il moto circolare diventa così un sottotesto che attraversa la mostra anche nella performance in cui Sasamoto attiva l’opera facendo rotolare una grande sfera ricoperta di lenzuola. Questo gesto innesca una riflessione sulle ansie legate a ordine e controllo, estendendo la logica del lavaggio ai meccanismi della memoria e all’illusione di poter cancellare permanentemente una macchia.

Spesso i lavori di Sasamoto nascono da esperienze di vita personale, come l’installazione e performance Secrets of My Mother’s Child (2009), che affronta il tema di un trauma intergenerazionale. Mobili e oggetti quotidiani richiamano la sfera domestica evocando allo stesso tempo, quasi architettonicamente, le strutture emotive della vita famigliare. Attraverso un’indagine sulle dinamiche e le tensioni del rapporto con la madre, l’opera apre a una riflessione sulla natura di un segreto: come afferma l’artista, “mi affascina quel passaggio da segreto a fatto svelato”. Questa tensione tra prossimità e distanza, conoscenza e mistero, si materializza nella presenza scultorea di una barra metallica sospesa che riprende la forma della funzione matematica X x Y = 1, la curva i cui due asintoti si avvicinano all’infinito senza mai toccarsi. L’immagine diventa così una metafora del segreto stesso, qualcosa che si ambisce di conoscere ma che, una volta scoperto, smette inevitabilmente di essere tale.

L’impiego di materiali quotidiani emerge anche in Centrifugal March (2012), in cui Sasamoto include elementi di arredo come armadi e letti per riflettere sulle forze centrifughe. A questi si aggiunge il ghiaccio, un materiale instabile e in trasformazione che introduce nell’opera una dimensione temporale e sonora. Sciogliendosi lentamente, il ghiaccio produce un suono sottile e amplificato che scandisce il passaggio del tempo e accompagna la metamorfosi della materia, evocando al contempo temi legati alla memoria e a rituali di conservazione del corpo dopo la morte. Strange Attractors (2010), opera concepita per la Whitney Biennale, si sviluppa come una costellazione di elementi sospesi, tra tavoli, camere a circuito chiuso e bicchieri incastonati in retine per la frutta, componendo un ambiente di oggetti domestici alterati e riconfigurati. In matematica e secondo la teoria del caos, uno “strano attrattore” indica una struttura dinamica in cui molteplici elementi coesistono, generando un sistema in cui l’ordine emerge all’interno di un disordine apparente.

Tra le altre opere, la mostra include anche Wrong Happy Hour (2014), un’installazione che trasforma lo spazio espositivo in un bar disfunzionale. L’ambiente sarà visibile all’interno dello Shed solo dal retro, mentre dall’esterno dell’edificio, attraverso una porta di vetro, si avrà una visione totale. Durante la performance, l’ambiente si attiva come un vero bar, con la possibilità di bere e sostare all’interno, mentre Sasamoto si muove tra gli oggetti, rivolgendo domande al pubblico, fino a spingere fisicamente i visitatori fuori dallo spazio spostando il muro di fondo, come in un ambiente relazionale che si riduce progressivamente fino all’esclusione. Accanto all’installazione, il video omonimo restituisce e rielabora la narrazione del monologo dell’artista durante la performance. Il motivo del bar ritorna anche in Past in a future tense (2019), una versione altrettanto disfunzionale di un luogo di incontro e di relazioni, in cui gli elementi sono messi in connessione attraverso il movimento dell’aria. Bicchieri da whiskey si muovono all’interno di sfere di vetro soffiato a mano a Murano, disposte su tavolini e su un bancone, attivati unicamente dai flussi d’aria. L’installazione è arricchita dai video Weather Bar Forecast #1 e Weather Bar Forecast #2 (2021), che riprendono il format televisivo delle previsioni metereologiche accentuando la dissonanza tra il linguaggio misurato e fattuale utilizzato e la realtà sempre più instabile e allarmante delle catastrofi climatiche.

Presentata in Pirelli HangarBicocca attraverso una documentazione video, Cooking Show (2005) risale alla fase iniziale della ricerca artistica di Sasamoto, quando il suo lavoro si sviluppava in ambito teatrale e sperimentava i confini tra performance e spettacolo dal vivo. Con l’obiettivo di decostruire l’estetica surreale e la logica bizzarra dei programmi di cucina televisivi, in questa azione l’artista esegue procedure culinarie convenzionali utilizzando utensili dalle dimensioni sproporzionate, alterando i passaggi e inserendo informazioni inaspettate. La scala volutamente esagerata degli oggetti li trasforma in strumenti attraverso cui articolare le difficoltà intrinseche della comunicazione interpersonale, rendendo azioni quotidiane comicamente impraticabili e visivamente stridenti.

L’artista

L’artista ha tenuto mostre e progetti personali presso numerose istituzioni come Studio Voltaire, Londra (2026); il Museum of Contemporary Art Tokyo (MOT), (2025); Para Site, Hong Kong (2024); Queens Museum, New York (2023); American Academy of Arts and Letters, New York (2023); Danspace Project, New York (2020); The Kitchen, New York (2017); SculptureCenter, New York (2016); Para Site, Hong Kong (2016); Center for Curatorial Studies, Bard College, New York (2012).

Sasamoto ha inoltre partecipato a differenti mostre collettive a livello internazionale presso il National Museum of Modern and Contemporary Art, Seoul (2024); San Jose Museum of Art (2024); Verge Center for the Arts, Sacramento, California (2024); Mori Art Museum, Tokyo (2023, 2013); Herzliya Museum of Contemporary Art, Tel Aviv (2023); Museum of Contemporary Art Busan, Corea del Sud (2022); Kunsthal Rotterdam (2021); Hirosaki Museum of Contemporary Art, Aomori, Giappone (2021); Power Station of Art, Shanghai (2016); High Line Art, New York (2014).

Inoltre, le opere e le performance dell’artista sono state esposte presso numerose Biennali come la 59 Biennale di Venezia (2022); Aichi Triennale (2022); Busan Biennale (2022); Okayama Art Summit (2022); Kochi-Muziris Biennale (2016); Whitney Biennial, Greater New York (2010); e Yokohama Triennale (2008).

Nel 2023, l’artista è stata insignita del Calder Prize e ha completato una residenza all’Atelier Calder a Saché, Francia nel 2021. Aki Sasamoto è Professor e Director of Graduate Studies in Sculpture alla Yale University School of Art.

Calendario performance e Public Program

Martedì 15 settembre

Anteprima stampa
11.30 | Strange Attractors

Mercoledì 16 settembre

Opening
20.00 | Delicate Cycle

Giovedì 17 settembre

11.00 | Sounding Lines + catch or be caught

16.00 | Secrets of My Mother’s Child

19.00 | Centrifugal March

Giovedì 22 ottobre

Public Program

19.00 | Secrets of My Mother’s Child

20.00 | Conversazione tra Aki Sasamoto e Massimo Bernardi nella Lab Room

Venerdì 23 ottobre

Public Program

18.00 | Centrifugal March

Sabato 24 ottobre

Public Program

11.00 | Strange Attractors

16.00 | Wrong Happy Hour

19.00 | Delicate Cycle

Catalogo

La mostra è accompagnata da una monografia approfondita, che offre ulteriori approfondimenti sulla pratica artistica di Sasamoto. La pubblicazione riunisce un gruppo di critici e studiosi d’arte internazionali che hanno seguito da vicino la sua carriera. Include una conversazione tra Sasamoto e Cecilia Alemani, oltra a saggi e testi tematici di critici e curatori come Hendrik Folkerts, che analizza gli aspetti performativi e gestuali del suo lavoro, di Christina Li, sul rapporto con il linguaggio, Barbara London sull’aspetto sonoro e performativo, e del matematico Pau Atela.

Le opere esposte a Milano sono documentate attraverso un’ampia sequenza di immagini di allestimento e sono accompagnate da un testo introduttivo delle curatrici della mostra, Roberta Tenconi e Tatiana Palenzona, oltre a un regesto di tutti i lavori realizzati da Sasamoto dal 2005 a oggi.

Pirelli HangarBicocca

Per scaricare le immagini
https://pirellihangarbicocca.org/area-riservata/
Username: sasamoto
Password: pirellihangarbicocca

Informazioni sulla mostra

Istituzione	Pirelli HangarBicocca
Artista	Aki Sasamoto
Titolo	“XYZ”
A cura di	Roberta Tenconi con Tatiana Palenzona
Organizzata da	Pirelli HangarBicocca
Anteprima stampa	15 settembre 2026
Apertura	16 settembre 2026
Date della mostra	17 settembre 2026 – 17 gennaio 2027
Location	Via Chiese 2, Milano
Orario di apertura	Giovedì, venerdì, sabato e domenica 10.30-20.30
Ingresso	Gratuito
Catalogo	Marsilio Arte
Workshop	Informazioni sui percorsi creativi: https://pirellihangarbicocca.org/kids/
Info	+39 02 6611 1573 info@hangarbicocca.org

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Il trofeo "FRAGILE" del FORMULA 1 PIRELLI GRAN PREMIO D’ITALIA 2026 disegnato dal duo artistico vedovamazzei

noreply@blogger.com (Scoprimilano) — Tue, 01 Sep 2026 12:46:43 +0000

Martedì 1 settembre 2026

FRAGILE (2026). Trofeo del FORMULA 1 PIRELLI GRAN PREMIO D’ITALIA 2026. Realizzato dal duo artistico vedovamazzei (Simeone Crispino e Stella Scala) e commissionato da Pirelli con Pirelli HangarBicocca. Courtesy gli artisti. Foto: A. Osio.

Comunicato Stampa

Il trofeo del FORMULA 1 PIRELLI GRAN PREMIO D’ITALIA 2026, dal titolo FRAGILE, è un’opera d’arte realizzata dal duo artistico vedovamazzei: una scultura composita e riflettente che porta in circuito il connubio tra sport automobilistico e arte contemporanea.

La commissione del trofeo ad artisti italiani fa parte di un progetto pluriennale, giunto alla sesta edizione e voluto da Pirelli, title sponsor del FORMULA 1 PIRELLI GRAN PREMIO D’ITALIA 2026, insieme al museo di arte contemporanea Pirelli HangarBicocca.

Per il sesto anno consecutivo Pirelli e Pirelli HangarBicocca collaborano affidando ad artisti italiani l’ideazione di un trofeo da innalzare sul podio, contribuendo a creare un legame tra l’espressività contemporanea e la costante tensione all’innovazione della Formula 1.

La realizzazione del trofeo del FORMULA 1 PIRELLI GRAN PREMIO D'ITALIA 2026 è stata affidata al duo vedovamazzei (Stella Scala e Simeone Crispino) da oltre tre decenni affermatosi nel sistema dell’arte contemporanea e presente in rilevanti collezioni museali e private.

Realizzato in quattro esemplari - tre per i piloti che il 6 settembre conquisteranno il podio di Monza e uno per il rappresentante del team vincitore - il trofeo, firmato vedovamazzei e intitolato FRAGILE, è una composizione stratificata di oggetti domestici - tazze e coppette - elementi scultorei che assumono, impilati uno sull’altro, una forma verticale dall’aspetto precario.

“L'ideazione del trofeo parte da una riflessione sul concetto di coppa celebrativa così come veniva usata nell’antichità quando passava di mano in mano ed era utilizzata come un grande calice per bere, con un senso di celebrazione e festa condivisa. Abbiamo voluto rendere il trofeo il simbolo di una vittoria che il singolo impugna concretamente ma che riflette lo stato d’animo di una collettività: nel caso della Formula 1 il team, i tifosi e tutto il mondo attorno ai piloti. La composizione di stoviglie, tazze, tazzine e coppette, riporta anche a una dimensione quotidiana, ad un gesto ripetuto che fa riferimento alla fatica di una vittoria che si conquista giro dopo giro e che non corrisponde mai ad uno status eterno e inalterabile. E’ instabile, dura poco e poi va riconquistata. E’, appunto, fragile.”

Raccontano così la loro idea di premio per i vincitori del Gran Premio di Formula 1 gli artisti vedovamazzei, la cui pratica artistica, fin dall’inizio degli anni ’90, si sviluppa in bilico tra ironia e capacità di cogliere contraddizioni e complessità del reale, toccando temi nevralgici tra passato e presente. La storia dell’arte, il cinema, la letteratura e la cultura popolare sono gli ambiti di ricerca e il bacino da cui gli artisti traggono riferimenti e citazioni, reintepretando icone pop, simboli culturali e oggetti quotidiani per mettere in luce gli aspetti paradossali del mondo che ci circonda.

Grazie a un percorso di ricerca sulla storia della Formula 1 e a visite alla Fondazione Pirelli e ai laboratori R&D di Pirelli, vedomazzei ha concepito un trofeo dalle molteplici referenze: dal costruttivismo ai film di animazione di Walt Disney, dalla metafisica all’architettura dell’assurdo, che rimanda ai valori fondanti del contesto della Formula 1 quali velocità, forza, equilibrio, controllo. Un oggetto scultoreo che ha richiesto, per il suo concepimento, un processo tradizionale di trasposizione su carta di disegni e bozzetti e successivamente una realizzazione altamente tecnologica di stampa 3D con polvere di nylon, materiale poi verniciato, galvanizzato e lucidato fino a divenire specchiante.

La commissione a vedovamazzei segue le commissioni alle artiste e agli artisti Alice Ronchi (2021), Patrick Tuttofuoco (2022), Ruth Beraha (2023), Andrea Sala (2024) e Nico Vascellari (2025). Il progetto è a cura di Giovanna Amadasi (Responsabile Programmi Pubblici ed Educativi per Pirelli HangarBiococca).

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Biografia degli artisti

Il duo vedovamazzei nasce nel 1991 a Milano dalla collaborazione degli artisti Stella Scala e Simeone Crispino

Mostre personali selezionate

2025-Milano Drawing Week 2025-V Edizione. Timeline: 1991-2025. La vita disegnata dei vedovamazzei. Collezione Ramo, Milano, Italy. 2024-PAC 2024 Piano per l'Arte Contemporanea promosso dalla Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura, vincitori vedovamazzei. Museolaboratorio di Arte Contemporanea, Città Sant’Angelo, (Pe), Italia. 2024-Roma arte in Nuvola. Progetto speciale. Focus vedovamazzei. Roma, Italia 2024-LRVM Repubblica di San Marino. Special Project. Torre Guaita, Galleria Civica di San Marino, Galleria Claudio Poleschi. 2023- New Egg. Off – Giannoni e Santoni. Special Project. Villa San Quirico, Torino, Italia. 2023-Early Works. Da Giotto a Hirst. Magazzino d’arte moderna, Roma. 2021-PAC 2021Piano per l'Arte Contemporanea varato dalla Direzione Generale per la Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura, Premio Città di Fermo, vincitori vedovamazzei. Fermo, Italia. 2020-Vedovamazzei presenta After Love 2020/2023, MAXXI, Roma. 2018-Unexpected Landscapes. Galleria De Foscherari, Bologna, Italia. 2014-The end of a work never made”. Three days performance at Maxxi, Roma. 2012-No Necestitas Suerte. Istituto Italiano di cultura Madrid, Spain. 2011- One too many 15 years later. A Palazzo. Brescia, Italia. 2011- vedovamazzei. Le Temple Paris, France. 2007- Public Art Projects Art 38 Basel, Switzerland. 2006- Museo d’Arte Contemporanea Donnaregina Naples, Italia. 2005-Percy-Miller Gallery London, UK. 2005-Vedovamazzei. Praz Delavallade. Paris, France. 2004- GAM, Torino, Italy. 2001-Eldorado, GAMec- Bergamo, Italia. 1998-Vedovamazzei, Studio Guenzani, Milano. 1997-Vedovamazzei, Centre for Contemporary Photography, Melbourne, Au.

Mostre collettive selezionate

2026-Tragicomica. Prospettive sull'arte italiana dal secondo Novecento a oggi. Maxxi. Roma. 2025-18a Quadriennale. “Fantastica” di Luca Beatrice. Palazzo delle Esposizioni Roma, da Ottobre 2025 a Gennaio 2026. Fondazione La Quadriennale di Roma, Italia. Vincitori 2025 dei premi della XVIII Quadriennale di Roma. Fantastica. 2024-OTP. Orizzonte Terzo Paradiso. Oltre l’arte povera. Vernazza. Cinque Terre, Italia. 2024-From the Collection: Together-CollaborativeArt Practices. S.M.A.C.K. Gent, Belgio. 2023-La pittura italiana oggi. Triennale Milano, Italia. 2023-Collezione Fondazione Menegaz. “Opere scelte per un nuovo percorso”, Palazzo Clemente, Castelbasso, Italia. 2023-Goal. Fondazione Morra-Greco, Napoli, Italia. 2023-Comodato d’artista. Ambasciata italiana di Bucharest, Romania. 2022-Opera Opera. Allegro ma non troppo, Palais Populaire, Berlino, Germania. In collaborazione con MAXXI, Roma, Italia. 2019-Notturno più”, The Pool NYC, Biennale di Venezia, Palazzo Cesari Marchesi, Campo Santa Maria del Giglio, Calle Rombiaso, Venezia, Italia. 2017-Da io a Noi. La città senza confini. Palazzo del Quirinale, Roma, Italia. 2017-Da Duchamp a Cattelan. Arte contemporanea sul Palatino. Roma, Italia. 2016-Horizontal. Casa Italia. Rio 2016, Brasil. 2015-Liberi tutti! Arte e società in Italia 1989/2001. Museo Ettore Fico, Torino, Italia. 2013- Exquisite Corpse. Galerie Georges Philippe et Nathalie Vallois, Paris, France. 2013-Non Basta Ricordare. Maxxi, Roma. 2012-Sideshow"Dormitorio Pubblico Ugo Mulas 1954, Galleria Campoli Presti di Parigi, Francia. 2012-Neon. La materia luminosa dell'arte "MACRO Roma, Italia. 2011-Rebus. Simon Lee Gallery Londra, Regno Unito. 2011-Terrible Beauty Art, Crisis, Change & The Office of Non Compliance. Dublin Contemporary 2011, Biennal Dublin, Ireland. 2011-Cambiare il mondo con un vaso di fiori. Mudac-Museo di Design e Arti Applicate Contemporanee di Losanna, CH. 2007-Fit to Print: Printed Media In Recent Collage. Gagosian Gallery di New York, USA. 2007-Ironia Domestica" presso MUSEION, Bolzano, Italia. 2006-Young italian artists at the turn of the millennium. Galleria Continua, Beijing, China. 2006-At the Outskirts of Humour the 22nd Hamburg International Short Film Festival, Hamburg, Germany. 2004-Settlements, s’approprier un lieu. Musée d’Art Moderne de Saint Etienne Metropole, Saint Etienne, Francia. 2003-Napoli anno zero. Qui e ora. Castel Sant’Elmo, Napoli, Italia. 2002-3eme Biennale de Montrèal, Montrèal, Canada. 2000-Over the Edges. S.M.A.K Stedelijk Museum voor Actuele Kunst, Gand, Belgium. 2000-3Räume 3Flüsse. Hann Münden, Germany. 2000-Ou sont les hommes? FRAC Fond Régional d’Art Contemporaine Languedoc Roussillon, Montpellier, France. 2000-Migrazioni e multiculturalità. Award for Young Italian Art, MAXXI, Roma. 2000-Balade en sol mineur. Une sélection des œuvres du FRAC Fond Régional d’Art Contemporaine, Languedoc Roussillon, Montpellier, France. 2000-Soggettività e Rappresentazione. Contemporary art Museum del Castello di Rivoli, Turin, Italy. 1999-Mayday. Centre d’Art National, Neuchâtel, CH. 1997-Fatto in Italia/Made in Italy. Centre d’Art Contemporain, Genève, Switzerland. I.C.A, London, UK. 1995-Beyond the borders. Kwanjiu Biennal, Kwanjiu, Korea. 1995-Campo ’95. Foundation Re Rebaudengo, Turin, Italy. Le Corderie, Venice, Italy. Konstmuseum, Malmö, Svezia. 1994-Prima linea. Flash Art Museum, Trevi, Perugia, Italy.

FORMULA 1 PIRELLI GRAN PREMIO D’ITALIA 2026 trophy designed by the artist duo vedovamazzei: FRAGILE

noreply@blogger.com (Scoprimilano) — Tue, 01 Sep 2026 12:40:16 +0000

Tuesday, September 1, 2026

FRAGILE (2026). FORMULA 1 PIRELLI GRAN PREMIO D’ITALIA 2026 trophy. Realized by artistic duo vedovamazzei (Simeone Crispino and Stella Scala) and commissioned by Pirelli with Pirelli HangarBicocca. Courtesy of the artists. Photo: A. Osio.

Press Release

The trophy for the FORMULA 1 PIRELLI GRAN PREMIO D’ITALIA 2026, titled FRAGILE, is a work of art by the artist duo vedovamazzei. This composite, mirroring sculpture unites motorsports and contemporary art, bringing them to the racetrack.

The commissioning of the trophy from Italian artists is part of a multi-year project now in its sixth edition, initiated by Pirelli —the title sponsor of the FORMULA 1 PIRELLI GRAN PREMIO D’ITALIA 2026— in collaboration with the Pirelli HangarBicocca Museum of Contemporary Art.

For the sixth consecutive year, Pirelli and Pirelli HangarBicocca have collaborated by commissioning Italian artists to design a trophy to be raised on the podium, thereby forging a link between contemporary expression and Formula 1’s constant drive for innovation.

vedovamazzei (Stella Scala and Simeone Crispino) was entrusted with creating the trophy for the FORMULA 1 PIRELLI GRAN PREMIO D’ITALIA 2026. The duo has established itself in the contemporary art world for over three decades, and its works are included in major museums and private collections.

Titled FRAGILE and signed by vedovamazzei, the trophy was produced in a limited edition of four: three for the drivers who will claim the podium at Monza on September 6, and one for the winning team representative. The piece is a layered composition of household objects —cups and small bowls— that take on an unsteady-looking vertical form when stacked on top of each other.

“The idea for the trophy stems from the ancient tradition of passing a celebratory cup from hand to hand. It served as a large drinking vessel, creating a sense of shared celebration and festivity. We wanted the trophy to be the symbol of a victory that an individual holds in their hands, yet it reflects the spirit of a community. In the case of Formula 1, this community includes the team, the fans, and the entire world revolving around the drivers. The composition of tableware —cups, mugs, and small bowls— also evokes an everyday dimension with its repeated gestures, suggesting a victory earned lap after lap that never corresponds to an eternal, unchanging status. It is unstable, short-lived, and must be reclaimed. In fact, it is fragile.”

This is how the artists describe their concept for the prize to be awarded to the winners of the Formula 1 Grand Prix. Since the early 1990s, their artistic practice has existed at the intersection of irony and the ability to capture the contradictions and complexities of reality, while addressing pivotal themes that connect the past and present. Their areas of research include art history, cinema, literature, and popular culture. They draw references and citations from these fields to reinterpret pop icons, cultural symbols, and everyday objects, thereby highlighting the world's paradoxical aspects.

Through their research on the history of Formula 1 and visits to the Pirelli Foundation and Pirelli’s R&D laboratories, vedovamazzei developed a trophy rich in references – from Constructivism and Walt Disney’s animated films to metaphysics and the architecture of the absurd – that evokes Formula 1's foundational values: speed, strength, balance, and control. The conception of this sculptural object required a traditional process of transposing drawings and sketches onto paper, followed by a highly technological 3D printing process using nylon powder. This material was then painted, galvanized, and polished until it became reflective.

The commission awarded to vedovamazzei follows those assigned to Alice Ronchi (2021), Patrick Tuttofuoco (2022), Ruth Beraha (2023), Andrea Sala (2024), and Nico Vascellari (2025). The project is curated by Giovanna Amadasi, Head of Public and Educational Programs at Pirelli HangarBicocca.

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Artists’ Biographies

The vedovamazzei duo was formed in 1991 in Milan through the collaboration of artists Stella Scala and Simeone Crispino.

Selected Solo Exhibitions

2025—Milan Drawing Week 2025—5th Edition. Timeline: 1991–2025. La vita disegnata dei vedovamazzei. Ramo Collection, Milan, Italy. 2024—PAC 2024 Plan for Contemporary Art, promoted by the Directorate General for Contemporary Creativity of the Ministry of Culture; winners: vedovamazzei. Museum-Laboratory of Contemporary Art, Città Sant’Angelo (Pescara), Italy. 2024—Roma arte in Nuvola. Special Project. Focus on vedovamazzei. Rome, Italy 2024-LRVM Republic of San Marino. Special Project. Torre Guaita, San Marino Civic Gallery, Claudio Poleschi Gallery. 2023- New Egg. Off – Giannoni and Santoni. Special Project. Villa San Quirico, Turin, Italy. 2023-Early Works. Da Giotto a Hirst. Magazzino d’arte moderna, Rome. 2021—PAC 2021: Plan for Contemporary Art launched by the General Directorate for Contemporary Creativity of the Ministry of Culture; City of Fermo Award, winners: vedovamazzei. Fermo, Italy. 2020—Vedovamazzei presents After Love 2020/2023, MAXXI, Rome. 2018—Unexpected Landscapes. Galleria De Foscherari, Bologna, Italy. 2014—“The End of a Work Never Made.” Three-day performance at MAXXI, Rome. 2012—No Necestitas Suerte. Italian Cultural Institute, Madrid, Spain. 2011—One Too Many 15 Years Later. A Palazzo. Brescia, Italy. 2011—vedovamazzei. Le Temple, Paris, France. 2007—Public Art Projects, Art 38 Basel, Switzerland. 2006—Donnaregina Museum of Contemporary Art, Naples, Italy. 2005—Percy-Miller Gallery, London, UK. 2005—Vedovamazzei. Praz Delavallade. Paris, France. 2004—GAM, Turin, Italy. 2001—Eldorado, GAMec, Bergamo, Italy. 1998—Vedovamazzei, Studio Guenzani, Milan. 1997—Vedovamazzei, Center for Contemporary Photography, Melbourne, Australia.

Selected Group Exhibitions

2026—Tragicomica. Prospettive sull'arte italiana dal secondo Novecento a oggi. MAXXI. Rome. 2025—18th Quadriennale. “Fantastica” by Luca Beatrice. Palazzo delle Esposizioni, Rome, October 2025–January 2026. La Quadriennale di Roma Foundation, Italy. 2025 Winners of the 18th Rome Quadriennale Awards. “Fantastica.” 2024—OTP. Orizzonte Terzo Paradiso. Oltre l’Arte Povera. Vernazza, Cinque Terre, Italy. 2024—From the Collection: Together—Collaborative Art Practices. S.M.A.C.K., Ghent, Belgium. 2023—La pittura italiana oggi. Milan Triennale, Italy. 2023—Menegaz Foundation Collection. “Opere scelte per un nuovo percorso”, Palazzo Clemente, Castelbasso, Italy. 2023—Goal. Morra-Greco Foundation, Naples, Italy. 2023—Comodato d’artista. Italian Embassy in Bucharest, Romania. 2022—Opera Opera. Allegro ma non troppo, Palais Populaire, Berlin, Germany. In collaboration with MAXXI, Rome, Italy. 2019—“Notturno più”, The Pool NYC, Venice Biennale, Palazzo Cesari Marchesi, Campo Santa Maria del Giglio, Calle Rombiaso, Venice, Italy. 2017—Da io a Noi. La città senza confini. Quirinale Palace, Rome, Italy. 2017—Da Duchamp a Cattelan. Arte contemporanea sul Palatino. Rome, Italy. 2016—Horizontal. Casa Italia. Rio 2016, Brazil. 2015—Liberi tutti! Arte e società in Italia 1989/2001. Ettore Fico Museum, Turin, Italy. 2013—Exquisite Corpse. Galerie Georges Philippe et Nathalie Vallois, Paris, France. 2013—Non Basta Ricordare. MAXXI, Rome. 2012— Sideshow Dormitorio Pubblico Ugo Mulas 1954, Campoli Presti Gallery, Paris, France. 2012—Neon. La materia luminosa dell'arte, MACRO, Rome, Italy. 2011—Rebus. Simon Lee Gallery, London, United Kingdom. 2011—Terrible Beauty: Art, Crisis, Change & The Office of Non-Compliance. Dublin Contemporary 2011, Dublin Biennial, Ireland. 2011—Cambiare il mondo con un vaso di fiori. Mudac—Museum of Design and Contemporary Applied Arts, Lausanne, Switzerland. 2007—“Fit to Print: Printed Media in Recent Collage.” Gagosian Gallery, New York, USA. 2007—“Ironia Domestica” at MUSEION, Bolzano, Italy. 2006—“Young Italian Artists at the Turn of the Millennium.” Galleria Continua, Beijing, China. 2006—“At the Outskirts of Humor”, the 22nd Hamburg International Short Film Festival, Hamburg, Germany. 2004—Settlements, s’approprier un lieu Musée d’Art Moderne de Saint-Étienne Métropole, Saint-Étienne, France. 2003—Napoli anno zero. Qui e ora. Castel Sant’Elmo, Naples, Italy. 2002—3rd Montreal Biennale, Montreal, Canada. 2000—Over the Edges. S.M.A.K. Stedelijk Museum voor Actuele Kunst, Ghent, Belgium. 2000—3Räume 3Flüsse. Hann Münden, Germany. 2000—Ou sont les hommes? FRAC (Regional Contemporary Art Fund) Languedoc-Roussillon, Montpellier, France. 2000—Migrazioni e multiculturalità. Award for Young Italian Art, MAXXI, Rome. 2000—Balade en sol mineur. A selection of works from the FRAC (Regional Contemporary Art Fund), Languedoc-Roussillon, Montpellier, France. 2000—Soggettività e Rappresentazione. Contemporary Art Museum of Rivoli Castle, Turin, Italy. 1999—Mayday. National Art Center, Neuchâtel, Switzerland. 1997—Fatto in Italia/Made in Italy. Contemporary Art Center, Geneva, Switzerland. I.C.A., London, UK. 1995—Beyond the Borders. Gwangju Biennale, Gwangju, Korea. 1995—Campo ’95. Re Rebaudengo Foundation, Turin, Italy. Le Corderie, Venice, Italy. Konstmuseum, Malmö, Sweden. 1994—Prima linea. Flash Art Museum, Trevi, Perugia, Italy.

INVITO STAMPA | Martedì 6 ottobre, ore 11 | Luciano Fabro | Abitare lo spazio | 8.10.2026 - 21.02.2027 | Pirelli HangarBicocca

noreply@blogger.com (Scoprimilano) — Mon, 31 Aug 2026 08:42:02 +0000

Pirelli HangarBicocca presenta la mostra

Luciano Fabro
“Abitare lo spazio”
8 ottobre 2026 – 21 febbraio 2027

A cura di Fiammetta Griccioli, Roberta Tenconi e Vicente Todolí con la collaborazione di Silvia Fabro (Archivio Luciano e Carla Fabro)

Anteprima stampa, martedì 6 ottobre 2026
Visita in anteprima ore 11.00
Presentazione stampa ore 12.00

RSVP press@hangarbicocca.org

Luciano Fabro, Allestimento teatrale, Cubo di specchi, 1967-75. Veduta della performance, Bagno Borbonico, Pescara, 1975. Foto © Giorgio Colombo, Milano

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L’artista

Catalogo

Pirelli HangarBicocca

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Informazioni sulla mostra

Istituzione	Pirelli HangarBicocca
Artista	Luciano Fabro
Titolo	“Abitare lo spazio”
A cura di	Fiammetta Griccioli, Roberta Tenconi e Vicente Todolí con la collaborazione di Silvia Fabro (Archivio Luciano e Carla Fabro)
Organizzata da	Pirelli HangarBicocca
Anteprima stampa	6 ottobre 2026
Apertura	7 ottobre 2026
Date della mostra	8 ottobre 2026 – 21 febbraio 2027
Location	Via Chiese 2, Milano
Orario di apertura	Giovedì, venerdì, sabato e domenica 10.30-20.30
Ingresso	Gratuito
Catalogo	Marsilio Arte
Workshop	Informazioni sui percorsi creativi: https://pirellihangarbicocca.org/kids/
Info	+39 02 6611 1573 info@hangarbicocca.org

Afrobrix 2026: musica, moda e culture afroitaliane tornano protagoniste a Brescia

noreply@blogger.com (Scoprimilano) — Fri, 28 Aug 2026 09:59:09 +0000

Afrobrix 2026: musica, moda e culture afroitaliane tornano protagoniste a Brescia

Dal 4 al 6 settembre, al Centro Comboni di Brescia, torna Afrobrix, giunto alla sua settima edizione: il primo festival italiano dedicato all’afrodiscendenza.
Tre giorni di musica, cultura, arte, moda e cinema per valorizzare le realtà afrodiscendenti e afroeuropee, a partire dal contesto socioculturale nel quale vivono e si esprimono. La missione di Afrobrix è, da un lato, promuovere la multiculturalità, intesa come espressione di una pluralità di appartenenze culturali e identitarie; dall’altro, favorire l’inclusione e l’interazione tra le comunità di seconda generazione e la cittadinanza bresciana.
Afrobrix racconta la bellezza e l’importanza dell’afrodiscendenza come componente sociale eterogenea, multiforme e complessa, una forza capace di arricchire e trasformare la cultura, l’arte e la società nel loro insieme.

«Quest’anno Afrobrix è più che mai una dichiarazione politica, nel senso più alto della parola: parlare di polis significa parlare di come scegliamo di stare insieme. E noi scegliamo una città dove le radici africane non sono un problema da gestire, ma una ricchezza e un dono reciproco di umanità.
La terra che abitiamo è di tutti quelli che la abitano. Ci sono regole da rispettare, certo, ma senza pregiudizi. Esiste anche la possibilità concreta di vivere in armonia, sapendoci una sola umanità: un’Italia senza confini e senza razze, che non ha nessuno da rimandare indietro.
Per questo celebriamo l’afrodiscendenza per quello che già è: parte viva della cultura italiana, dall’arte alla musica, dallo sport al cinema. Un’Italia nuova sta crescendo».
Così commenta il direttore artistico Fabrizio Colombo.

La scaletta di venerdì
Ad aprire l’edizione 2026 sarà Lelis Sylel, artista romano di origini nigeriane, che unisce una scrittura prevalentemente sentimentale a un timbro delicato e riconoscibile. Attraverso una semplicità essenziale e una costante sfumatura malinconica, Sylel cerca un contatto diretto con il pubblico, con l’obiettivo di trasmettere emozioni vere, genuine e autentiche.
A seguire Amaro, rapper bresciano originario della Costa d’Avorio. Il suo rap è uno sfogo per l’anima: le sue rime raccontano esperienze di vita e una visione della realtà profondamente personale.
Sul palco arriverà poi il gospel di One Sound, band nata all’interno della comunità ghanese di Brescia. La formazione attraversa diversi generi, tra cui reggae, jazz e highlife, intrecciandoli con la propria dimensione spirituale. Il gruppo canta in diverse lingue, in particolare inglese, italiano e twi, una delle lingue più diffuse in Ghana. Le loro voci si incontrano in armonie che, canzone dopo canzone, raccontano storie di speranza, amore e fede.
A chiudere la serata sarà Djelyba Système, band burkinabè capitanata dal cantante Dris Djely. Depositario della tradizione orale africana, Dris Djely si inserisce nella ricca tradizione dei griot, custodi di un patrimonio ancestrale che per secoli ha tramandato la memoria e la genealogia di numerose famiglie africane.

Gli artisti del sabato
Sabato sarà la volta di Sawa, artista originario del Burkina Faso, che si muove tra rap e hip-hop. I fondamenti concettuali del suo lavoro partono dalla realtà e dal modo in cui sceglie di raccontare ciò che vive. La filosofia che attraversa i suoi progetti è quella della fedeltà a sé stesso, con l’obiettivo di coinvolgere il pubblico e farlo immedesimare nelle sue parole e nelle sue produzioni.
A seguire Arya, cantante R&B di origine venezuelana. Nel 2026 pubblica Pronto, il suo album d’esordio: un lavoro intimo e stratificato che mette al centro la vulnerabilità come forma di espressione e che la conferma come una delle voci più personali e consapevoli della nuova scena soul italiana.
A chiudere la serata sarà Kora Beat, formazione dal sound world-jazz nata dall’idea del maestro e polistrumentista senegalese Cheikh Fall. La band è composta da Cheikh Fall (band leader), Samba Mbaye (batteria), Simone Bellavia (basso), Jacopo Albini (sax) e Badara Dieng (percussioni).
Il gruppo è noto per la capacità di fondere la tradizione musicale dell’Africa occidentale con ritmi contemporanei e sonorità afrodiscendenti, dando vita a un linguaggio musicale originale e contaminato.

Il programma di domenica
L’ultima serata del festival si aprirà con il duo trap composto da $karLeider & Cassè Soulja. Italia e Senegal si incontrano tra barre e beat, in un progetto nel quale sonorità urban contemporanee fanno da sfondo a due artisti emergenti della nuova scena musicale.
A seguire Nasser, cantante bresciano di origine egiziana. Nelle sue canzoni, interpretate sia in arabo sia in italiano, affronta i temi dell’immigrazione e dell’integrazione, muovendosi su un tappeto pop melodico contemporaneo.
A chiudere la settima edizione di Afrobrix sarà Chris Obehi, nome d’arte di Christopher Goddey. Nato in Nigeria nel 1998, nella sua musica mescola elementi di cantautorato, pop e funk, rendendo omaggio all’afrobeat e, in particolare, alla figura di Fela Kuti, uno dei suoi massimi rappresentanti a livello internazionale.

DJ set
Venerdì e sabato, prima dei concerti, è previsto il DJ set di KSOULMUSIC, nome d’arte di Prince Asiedu.
Beatmaker attivo dal 2022, KSOULMUSIC nasce artisticamente da un’autentica fascinazione per il fingerdrumming, che lo ha portato a esplorare le possibilità ritmiche e sonore della Machine+ e della leggendaria SP-404.
Le sue produzioni sono un viaggio tra jazz, soul e boom bap, nel quale l’estetica calda e organica dei vinili si fonde con l’energia dell’hip-hop strumentale. Ogni beat è costruito con cura, con l’intento di evocare le atmosfere dorate del passato e reinterpretarle attraverso un tocco personale e contemporaneo.

Speciale moda
Per la seconda volta Afrobrix dedica uno spazio alla moda. Domenica sera sarà infatti possibile assistere a un fashion show realizzato da King AMIR Couture, brand emergente di moda e haute couture.
Il marchio unisce l’eleganza sartoriale a forti influenze culturali della diaspora africana. Lo stilista intende celebrare l’eccellenza, la forza e l’identità della cultura nera attraverso capi dallo stile deciso ed elegante.
Le sue creazioni raccontano storie e intrecciano vibrazioni africane e completi moderni, realizzati attraverso tagli sartoriali e su misura.

Food e market
A completare il programma ci sarà un’ampia proposta enogastronomica e un market dedicato all’artigianato africano e contemporaneo.
Saranno presenti numerosi stand con prodotti agricoli africani coltivati sul territorio e specialità della cucina eritrea, etiope, ivoriana, burkinabè, senegalese e camerunese.
Decine di espositori proporranno inoltre accessori, abiti, scarpe e borse in wax, il caratteristico tessuto africano in cotone dai colori vivaci e dalle numerose fantasie. Non mancheranno oli essenziali, burro di karité, olio di cocco, burro di cacao, succhi di frutta e prodotti agricoli con verdure africane.

Organizzazione e collaborazioni
L’evento è organizzato dal Centro Afrobrix – Missionari Comboniani con Fondazione Nigrizia, in collaborazione con Associazione Centro Migranti – Diocesi di Brescia, ADL a Zavidovici e K-Pax, con la collaborazione del Comune di Brescia.
Il festival è sostenuto da Fondazione della Comunità Bresciana, Fondazione ASM, Fondazione Cariplo e Associazione Cuore Amico Fraternità ETS.
L’appuntamento con Afrobrix proseguirà nel 2027 con Afrobrix Film Festival, al cinema Nuovo Eden di Brescia, con un programma dedicato a proiezioni, incontri, letteratura e arte.

4, 5, 6 settembre
dalle 18 alle 24
Centro Comboni Brescia
Viale Venezia, 116 – Brescia
Ingresso libero
Infoline +393520939407

https://www.youtube.com/watch?v=5JnfIiwFUIY

https://afrobrix.it/
https://www.instagram.com/afrobrix/
https://www.facebook.com/afrobrixfestival/

-- 

Luca Bramanti
Ufficio Stampa Nextpress
3291697846

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Curated by Fiammetta Griccioli, Roberta Tenconi, and Vicente Todolí, in collaboration with Silvia Fabro (Archivio Luciano e Carla Fabro) Tuesday, October 6, 202611 AM, press preview12 PM, press presentationRSVP press@hangarbicocca.org

REMINDER | INVITO STAMPA | Martedì 06 ottobre, ore 11 | Luciano Fabro | Abitare lo spazio | Pirelli HangarBicocca

Pirelli HangarBicocca presenta la mostra

Luciano Fabro“Abitare lo spazio”8 ottobre 2026 – 21 febbraio 2027

A cura di Fiammetta Griccioli, Roberta Tenconi e Vicente Todolí con la collaborazione di Silvia Fabro (Archivio Luciano e Carla Fabro) Martedì 6 ottobre 2026Ore 11.00, visita in anteprimaOre 12.00, presentazione stampaRSVP press@hangarbicocca.org

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