L'Ostia

Silvia Telles - Amor Em Hi-Fi

noreply@blogger.com (Chumancera) — Sat, 30 May 2026 06:00:00 +0000

Sylvia D'Atri Telles ( Río de Janeiro , 27 de agosto de 1934 - Maricá , 17 de diciembre de 1966 ) fue una cantante y compositora brasileña . Es considerada una de las más grandes intérpretes de bossa nova y MPB .
La mayoría de sus álbumes están agotados, lo que dificulta que las generaciones recientes lo entiendan. Sin embargo, ocasionalmente se publica una recopilación con algunas de sus numerosas grabaciones.

Según un artículo publicado en O Globo y firmado por João Máximo, "Sylvinha fue uno de los mejores intérpretes de la música brasileña moderna, entendida como tal desde el Ponto final - con Dick Farney y Amargura , con Lúcio Alves , hasta las canciones que Tom y Vinicius lo hizo después del Orfeu da Conceição "..._(wikipedia)

Silvia Telles no tiene una voz potente, pero afortunadamente no le hace falta para tejer la magia de estos clásicos brasileños como «Corcovado», «Dindi» y «Samba de Uma Nota So» («Samba de una nota»). También prueba con estándares del pop americano, un popurrí de «All the Way», «The Boy Next Door» y «They Can't Take That Away From Me». Telles suena mucho menos segura aquí, aunque su dominio del fraseo en inglés está definitivamente a la altura - y, en las últimas canciones, juega con las letras, sustituyendo «the way we mamboed 'til three» por la original de Gershwin. De nuevo en tierra firme, su «Dindi» evoca mucho más la melancolía anhelante de sus mejores interpretaciones, y su «Oba-La-La» es dulce y seductora. Con material de Roberto Menescal y Oscar Castro Neves, además de los dos pesos pesados Gilberto y Jobim, Silvia Telles demuestra ser una de las vocalistas brasileñas más fuertes de la época pre-bossa, y una influencia considerable en Elis Regina. El acompañamiento, principalmente flauta y vibráfono con percusión ligera y coristas ocasionales, es adecuadamente elegante y discreto._John Bush (allmusic)

Silvia Telles - Amor Em Hi-Fi (1960)

Temas:

01. Samba Tôrto (Aloysio De Oliveira, Antonio Carlos Jobim)

02. All The Way / The Boy Next Door / They Can't Take That Away From Me ( Sammy Cahn - Jimmy Van Heusen, Hugh Martin, Ralph Blane, George & Ira Gershwin)

03. Corcovado (Antonio Carlos Jobim)

04. Tetê (Roberto Menescal, Ronaldo Bôscoli)

05. Se É Tarde Me Perdoa (Carlos Lyra, Ronaldo Bôscoli)

06. Chora Tua Tristeza (Luvercy Fiorini, Oscar Castro Neves)

07. Dindi (Aloysio De Oliveira, Antonio Carlos Jobim)

08. Oba La La (Aloysio De Oliveira, João Gilberto)

09. Samba De Uma Nota Só (Antonio Carlos Jobim, Newton Mendonça)

10. Gardez Moi Pour Toujours "Por Causa De Você" (Antonio Carlos Jobim, Dolores Duram)

11. Não Gosto Mais De Mim (Sérgio Ricardo)

El Combo Batanga - Spanish Dogs

noreply@blogger.com (Chumancera) — Sat, 23 May 2026 06:00:00 +0000

El Combo Batanga presenta su segundo álbum oficial, «Spanish Dogs», que también marca su primer lanzamiento de larga duración a través del prestigioso sello Ubiquity Records.
Este grupo de nueve integrantes, originario de Madrid, España, ha recorrido un camino lleno de altibajos hasta llegar a «Spanish Dogs». Si bien gran parte de sus orígenes se remontan a que sus miembros se conocen y tocan juntos desde hace años, y también a una buena dosis de suerte, su álbum debut, «Who Cares», se lanzó en plena pandemia en 2020.
El momento elegido ya suponía un gran desafío para recuperarse, así que, respondiendo a la pregunta "¿a quién le importa?", afortunadamente, el sello español Lovemonk Records sí lo hizo, reeditando el disco en 2022. Un álbum rebosante de influencias afrocubanas y soul latino, El Combo Batanga conectó a la perfección con el lema de Lovemonk: "Discos Buenos".
Desde Madrid, España, El Combo Batanga ahora centra su atención en Costa Mesa, California, lo que los lleva al maravilloso sello Ubiquity Records. Un sello que alberga proyectos impulsados por el soul etéreo de Shawn Lee, el funk vibrante de The Soul Surfers y las reediciones de joyas de Gloria Ann Taylor, la energía y la pasión de El Combo Batanga por la música los convierten en la opción ideal para Ubiquity.
Los miembros de la banda se conocieron inicialmente a través de su anterior grupo, Los Chocolatiers, integrado por el guitarrista Julián Olivares, el percusionista Pepe Prat, el contrabajista Yago Saloria y el baterista Rodrigo Díaz. Un encuentro casual con el vocalista Alejandro Gutiérrez, quien acababa de ver a la banda en directo, propició su incorporación a la formación apenas unas semanas después. Ahora, con su formación principal, la banda cuenta con la incorporación del pianista Rubén García y Aarón Pozón, Javier Martínez y César Medina en las secciones de vientos.
Y al sopesar el impacto de los nuevos miembros y la variedad de músicos invitados que contribuyen al álbum, resulta evidente que «Spanish Dogs» se beneficia enormemente de ello. Desde la sublime arrogancia de 'La Cuota' hasta la balada orquestal y conmovedora 'Darling', 'Spanish Dogs' demuestra ser un álbum que exhibe fantásticas propuestas musicales a lo largo de sus diez temas, mostrando brillantemente la
pasión de la banda por los ritmos afrocubanos, el boogaloo y la música latina.
Si bien «Who Cares» rendía un sutil homenaje a James Brown & The Famous Flames con su primer sencillo, «Please, Please, Please», en esta ocasión «Spanish Dogs» rinde tributo a Nat King Cole con «Straighten Up and Fly Right», reinventando la canción, a menudo versionada, con una interpretación cargada de vientos y notablemente carismática.

El Combo Batanga ha entregado una fantástica continuación de su álbum debut, demostrando un crecimiento como grupo marcado por una fascinante evolución de las bases establecidas en «Who Cares». ¡Un álbum impresionante!_ (ukvibe)

El Combo Batanga - Spanish Dogs (2025)

Temas:

01. Batanga Caballero

02. Spanish Dog

03. Cocacho Mambo

04. La Cuota

05. Darling

06. You Better Watch Out

07. Galeno

08. Straighten Up And Fly Right

09. Esto Es Lo Que Hay

10. Bruca Maniguá

Musicos:

Alejandro Gutiérrez (Voz principal)

Rubén García (Piano, teclados)

Julián Olivares (Guitarra, charango)

Yago Salario (Bajo)

Aarón Pozón (Saxo)

Javier Martínez (Trompeta)

César Medina (Trombón)

Rodrigo Díaz "Niño" (Batería, timbales)

Pepe Prat (Conga, batá, percusión)

Colaboración:

Natty Bo (Voz #8)

Cley Giralda (Coros)

Héctor Flavio (Coros #2,#6,#8)

Jaime Vázquez (Coros ·#1,##3,#7,#9,#10)

Carlos Julio Ramírez "el Oso" (#1,#3,#7,#9,#10)

Shirley Davis (Niña perdida #6)

Simbo (Discurso #4,#6)

Galeno Prat (Solo de timbal #7)

Cuarteto Leonor (#5):

Delphine Caserta (Violín 1)

Ana Rodríguez (Violín 2)

Jaime Huertas (Viola)

José Luis López (Violonchelo)

Massimo Faraò Afro Cuban Quintet (Live at Chiara Recording Torino, Italy - Ferrara, December 18th 2021)

noreply@blogger.com (Chumancera) — Sat, 16 May 2026 06:00:00 +0000

Massimo Faraò (nacido el 16 de mayo de 1965 en Génova) es un pianista de jazz italiano.Massimo Faraò estudió con Flavio Crivelli y colaboró con músicos de la zona de Génova, en particular con el bajista Pietro Leveratto. En 1993, visitó Estados Unidos por primera vez, donde, entre otros, tocó con Red Holloway y Albert Heath en una gira por la costa oeste. Ese mismo año, fundó el taller “We Love Jazz”, un evento internacional de música jazz.
Su álbum debut, For Me, fue lanzado en 1993 por Splash; entre sus compañeros de banda se encontraban el trompetista Flavio Boltro y el bajista Aldo Zunino, el pianista Dado Moroni al bajo y Gianni Cazzola a la batería.
En 1994, Massimo Faraò firmó con Monad Records en Nueva York, donde grabó el álbum Ciao Baby (1995). Ese mismo año, se convirtió en pianista y director musical de la banda de Shawnn Monteiro, con Keter Betts y Bobby Durham.
A lo largo de la década de 1990, trabajó, entre otros, con Tony Scott y Jesse Davis; participó en varias giras europeas con el Quinteto de Nat Adderley, con Antonio Hart, Walter Booker y Jimmy Cobb.
En 2001, se unió al cuarteto Just in Time de Archie Shepp, con Wayne Dockery y Bobby Durham. De 2001 a 2005, Faraò fue director artístico de la división de jazz del sello Azzurra Music.
En 2003, fue invitado al Festival de Piano Jazz de Lucerna; en noviembre de 2004, tocó en Japón. En 2006, grabó un álbum con composiciones de Ennio Morricone. En 2007, realizó una gira por Europa y Estados Unidos en trío con Joey DeFrancesco.
Desde 2014, ha actuado y grabado discos anualmente en Estados Unidos con numerosos artistas
de jazz de la Costa Este, entre ellos Ron Carter, Jimmy Cobb, Philip Harper y Louis Hayes. Gracias al estilo interpretativo que desarrolló a través de sus colaboraciones con músicos internacionales, Massimo Faraò ha sido apodado "el pianista italiano más auténtico".
El cuarteto Afro Cubano se formó en 2017, integrado por Massimo Faraò, Nicola Barbon, Roberto Bobo Facchinetti y el percusionista Ernesttico, con quienes grabó los álbumes Blue Bossa (2017) y Ladies in Mercedes (2020) para el sello japonés Venus Record._(wikipedia)

Massimo Faraò Afro Cuban Quintet (Live at Chiara Recording Torino, Italy - Ferrara, December 18th 2021) (2022)

Temas:

01. Congalegre

02. Theme from M.A.S.H

03. That's My Kick

04. And Then She Stopped

05. Amapola

06. Five O' Clock Whistle

07. Ciao ciao

08. Home Cooking

09. Estrellita

10. Misty

11. Song to Elitha

12. The Shadow of Your Smile

13. When a Man Loves a Woman

Musicos:

Massimo Faraò (Piano)

Davide Palladin (Guitarra)

Nicola Barbón (Bajo)

Roberto "Bobo" Facchinetti (Batería)

Ernesttico (Congas, percusión)

Orquesta Mayómbe - Con El Ritmo Del Tambo

noreply@blogger.com (Chumancera) — Sat, 09 May 2026 06:00:00 +0000

En los últimos años, Paul Murphy no solo ha reeditado varias joyas raras del jazz dance y fusión a través de su sello Jazz Room Records, sino que también ha lanzado grabaciones esenciales y poco comunes de música latina bailable, incluyendo Ecstasy de Tata Vásquez, Denga con Robin Jones y El Maja. Esta primavera, el sello británico reeditará el álbum de 1981 Con El Ritmo Del Tambó del supergrupo neoyorquino Orquesta Mayombe.
Con una big band de 21 músicos liderada por Chico Álvarez, la sesión también incluye al legendario trompetista Alfredo “Chocolate” Armenteros, los vocalistas José Mangual y Mauricio Smith, el percusionista Orestes Vilato (de los Fania All-Stars) y una impresionante y extensa formación de numerosos músicos de viento y percusionistas adicionales. De principio a fin, este disco de 10 temas es puro ritmo latino que captura brillantemente el sonido underground clásico del barrio neoyorquino de los años 60 y 70. Algunos de los temas más destacados del álbum son "Esa Brujería", "Piñeiro", "Rumba En El Solar" y "Cuba Y Africa Son".
Cabe destacar también la excelente calidad de sonido de esta reedición, remasterizada a partir de las cintas maestras originales.
En definitiva, este es jazz afrocubano en su máxima expresión. Si este disco no te hace bailar, quizás deberías revisarte el pulso. ¡Altamente recomendado!
La reedición de Jazz Room Records de "Con El Ritmo Del Tambó" de la Orquesta Mayombe se lanzo oficialmente el 28 de abril de 2023._(beatcaffeine)

EL TAMBOR. Desde los bohíos y barracones de esclavos....desde los famosos solares habaneros....hasta los teatros salones más lujosos del mundo, la historia del ritmo cubano siempre estuvo ligada a la de su creador....el negro!

El Tambor- En 1936, se escucharon por primera vez tos tambores batá fuera de los templos religiosos. Una década después, repicaban sus cueros junto a una orquesta sinfónica en la ciudad de Paris. Al mismo tiempo, la sonoridad del tambor de barril,

o tumba, interpretada por el pionero afrocubano Chano Pozo, recorría por los pueblos de América, y, por mediación del músico afroamericano Dizzy Gillespie, se dio a conocer como conga drum. Se le llamo así erróneamente, pues se utilizaba la palabra conga para denominar el ritmo afrocubano de comparsa, que el turista americano llego a conocer como the konga (la conga) y se identificó con el artista de televisión Desi Arnaz.

El Tambor- objeto de veneración y culto, interprete de nuestras deidades africanas, perseguido por las autoridades racistas, los golpes de sus parches han narrado el dificil camino del negro en nuestros tiempos.

Hoy día, el tambor goza de una inmensa popularidad. Esto se debe mucho a la emigración en los últimos 30 años de varios grupos de la región del Caribe, particularmente de Cuba, Puerto Rico, Haití y Republica Dominicana.

El Tambor- rey de nuestros instrumentos musicales....desde el antiguo son al mozambique, de la rumba de solar al guaguancó....hasta lo que actualmente llamamos salsa, el tambor repite la sabrosura de su tumbao inigualable....escucha! Tambo Djuka ....Tambo Batá ....Tambo de Fundamento, Tambo Arará.... cucha el eco del tambo! _(De las notas originales del disco)

Orquesta Mayómbe Canta Chico Alvarez - Con El Ritmo Del Tambó (1981-R.2023)

Temas:

01. El Eden De Los Roncos (Ignacio Piñeiro)

02. Piñeiro (Chico Alvarez)

03. Esa Brujeria (Justo De La Torre)

04. Raices Cubanas (Chocolate Armenteros, Xavier Lynch)

05. Yo Tengo A Chango (Baby Gonzalez, Chico Alvarez, D.R.)

06. Chino's Yambu (D.R., Victor Trias)

07. Rumba En El Solar (Eric Salgado)

08. La Confianza, Pongan Atencion, La Mulata Encarnacion (Chico Alvarez, D.R.)

09. Cuba Y Africa Son (Chocolate Armenteros, Xavier Lynch)

10. Con El Ritmo Del Tambo (Chico Alvarez)

Musicos:

Chico Alvarez (Primera voz, Coros, tumbadora, claves, maracas, güiro, palos)

Hector torres (Timbales, bombo)

James "Mingo" Lewis (Tumbadora, sugunda, quinto)

Oreste Vilato (Claves, palos, cencerro, coro, bombo)

Tony Cruz (Bongó, cencerro)

Hiran Diaz (Tumbadora, quinto)

Rogelio Squitero (Chékere)

José Mangual Jr. (Coro)

Mauricio Smith (Coro)

Felo Barrio (Coro)

Ronnie Baro (Coro)

Eduardo Fortunato (Coro)

Oscar Hernandez (Piano acústico)

Victor "Chino Trias (Tres)

Eddie "Guagu" Rivera (Bajo)

Alfredo "Chocolate" Armenteros (Trompeta, fluglehorn)

Harol Woods (Trompeta)

José Rodriguez (Trombón)

Xavier "Quinn" Lynch (Saxo soprano, saxo Barítono)

George Dibby (Solo de guitarra "Piñeiro)

Luiz Bonfá - Amor! The Fabulous Guitar of Luiz Bonfá

noreply@blogger.com (Chumancera) — Sat, 02 May 2026 06:00:00 +0000

Luiz Floriano Bonfá (17 October 1922 – 12 January 2001) was a Brazilian guitarist and composer. He was best known for the music he composed for the film Black Orpheus.

Luiz Floriano Bonfá was born on 17 October 1922, in Rio de Janeiro. His father was an Italian immigrant. He began studying with Uruguayan classical guitarist Isaías Sávio [pt] at the age of 11. These weekly lessons entailed a long, harsh commute (on foot, plus two and a half hours on train) from his family home in Santa Cruz, in the western rural outskirts of Rio de Janeiro, to the teacher's home in the hills of Santa Teresa. Given Bonfá's extraordinary dedication and talent for the guitar, Sávio excused the youngster's inability to pay for his lessons..._(wikipedia)

Eso es la música brasileña. En unas pocas líneas inolvidables, el poeta Olavo Bilac destaca aquí los orígenes exóticos de la música popular de su país natal: una embriagadora mezcla de elementos indígenas, portugueses y africanos. En esa mezcla, el todo se ha convertido en mucho más que la suma de sus partes. En el subcontinente brasileño se ha desarrollado una música propia y de gran calidad que solo rinde un respeto simbólico a su pasado. De principio a fin, es un logro brasileño. Junto a su herencia étnica, este mismo Brasil cuenta con una tradición centenaria de apoyo entusiasta a la ópera italiana y, más recientemente, ha incorporado el jazz estadounidense a su repertorio.

Hay que tener todo esto en cuenta para apreciar a Luiz Bonlull. Su música refleja una experiencia increíblemente amplia. «Indian DanaJ» rinde homenaje a los habitantes originarios de Brasil, esos indígenas dotados de un gran talento musical que la avalancha de la civilización ha empujado hacia los rincones más recónditos de la selva. «Old Times» es un choro, un género musical con profundas raíces en el pasado, pero tan popular como siempre en el Brasil actual. Arabesque evoca a las elegantes bailarinas de Iberia. Marajó, Island Of Trindade y Carnival están marcadas por los ritmos que trajeron a Brasil los esclavos africanos.

Y, sin embargo, otras piezas de este álbum constituyen una sofisticada mezcla de música folclórica con música de salón europea y jazz estadounidense.

Luiz Bonfá nació en Río de Janeiro y ha pasado allí la mayor parte de su vida. A los 12 años comenzó a estudiar la guitarra española, el «instrumento nacional», por así decirlo, dada su popularidad. Hasta hace cincuenta años, nadie se tomaba en serio la guitarra en Brasil; era lo que se buscaba en los cabarets y en las fiestas callejeras, y poco más. La guitarrista de fama mundial Olga Coelho ha escrito, por ejemplo, que hace apenas unas décadas, cuando dio su primer concierto formal en Río de Janeiro, su padre consideró que, al hacerlo, se había deshonrado.

Los serios esfuerzos de músicos como Heitor Villa-Lobos e Isaías Savia, el gran maestro de la guitarra clásica con quien Bonfá estudió durante varios años, llevaron a los brasileños a darse cuenta por fin de que la guitarra es un instrumento ideal para la expresión del genio musical brasileño, ya sea en sus formas populares o en las serias. Hoy en día, todos los compositores destacados de Brasil escriben obras originales para ella, y en los conservatorios de música se pueden cursar estudios de guitarra a la altura de los de cualquier otro instrumento virtuoso.

Las primeras actuaciones públicas de Luiz Bonfá tuvieron lugar en conciertos ofrecidos en Río de Janeiro por alumnos de Isaías Savia. Bonfá se enorgullece enormemente de su vínculo con la tradición de la guitarra clásica, como queda patente, por ejemplo, en su propia composición «Preludio», que puede escucharse en esta grabación. Sin embargo, en los últimos años, Bonfá ha explorado otros ámbitos musicales con el fin de ampliar su abanico expresivo. A los 18 años ya tuvo oportunidades para poner programas de música popular en la radio. También empezó a destacar su talento para componer canciones populares. A día de hoy, cuenta con más de 100 canciones publicadas. «Perdido Amor» y «De Cigarro em Cigarro» son quizás las más conocidas. El repertorio de Bonfá en sus conciertos se compone ahora casi en su totalidad de composiciones propias.

Tras haber tocado en todos los clubes más importantes de Río de Janeiro, Bonfá decidió a finales de 1937 venir a Estados Unidos por un tiempo. Poco después de su llegada, conoció a Mary Martin en un cóctel. Al oírle tocar, ella se entusiasmó tanto que le pidió que se uniera a ella como artista destacado en una gira de conciertos que iba a emprender en septiembre de 1958 y que se prolongaría hasta la primavera de 1959. Los conciertos de Martin estaban concebidos como veladas informales y agradables de relajación musical, y las tranquilas y hermosas canciones que componen el repertorio de Bonfá contribuyeron enormemente a su éxito. Muchas de las selecciones más populares que Bonfá interpretó en estos conciertos (Bagpipes, Marajo, Preludio) se incluyen aquí.

Los estadounidenses que escucharon a Bonfá quedaron asombrados por la variedad de efectos técnicos y cromáticos que producía con su guitarra. «Marajo» podría considerarse un ejemplo especialmente espectacular. Se trata de un solo de guitarra, pero suena como si tuviera toda una batería de percusión detrás de él. La ilusión de timbales y bongos de fondo se consigue golpeando la madera del propio instrumento. Obsérvese también cómo alterna pasajes estridentes y resonantes con otros de tonalidad más relajante, como si se tratara de dos instrumentos en un diálogo violento.

La gaita fue uno de los elementos más populares de los conciertos. Bonfá logra una auténtica proeza al recrear de forma realista con su instrumento el gemido de las gaitas y el traqueteo de los tambores, atenuándolos hacia el final, como si las tropas hubieran desaparecido tras una colina. Sin embargo, la guitarra no es un instrumento de relleno para Bonfá. Tampoco se impone en la escena con nada que no sea del mejor gusto. En algo tan íntimo como Nelly, un tierno vals escrito para su esposa, estoy seguro de que somos nosotros quienes nos entrometemos en su intimidad.

Durante su estancia en Estados Unidos, Bonfá exploró con entusiasmo nuestra música. El jazz, en particular, le fascinaba profundamente. Con el tiempo, también llegó a conocer bastante bien a muchos músicos de jazz estadounidenses. George Back In Town rinde homenaje a su afecto por George Shearing y le hace un guiño al capturar algo del sonido impresionista del grupo de Shearing. La versatilidad musical de Don Elliott impresionó a Bonfá y le llevó a pedirle que participara en algunas de las grabaciones de este álbum. El auténtico sentimiento jazzístico de I'll Remember April y Lonely Lament, de Bonfá, sugiere que alguien podría formar un combo de jazz muy eficaz en torno a este magnífico brasileño.

Brasil ha sido un crisol de muchas culturas y su música lo refleja, al igual que la nuestra. Esto le aporta color y fuerza. Su música es muy sincopada, como el jazz, y, al igual que este, permite y fomenta la improvisación. No es de extrañar, pues, que Bonfá se haya integrado con tanta facilidad en nuestro círculo musical; y qué maravilla para nosotros que este LP nos permita explorar a fondo el suyo. _Gary Kramer (De las notas originales del disco)

Luiz Bonfá - Amor! The Fabulous Guitar of Luiz Bonfá (1959-R.2001)

Temas:

1. Brasília (Luiz Bonfá)

2. I'll Remember April (Gene de Paul / Don Raye / Patrícia Johnston)

3. Lonely Lament (Luiz Bonfá)

4. Manhã de Carnaval (Luiz Bonfá / Antônio Maria)

5. George Back In Town (Luiz Bonfá)

6. Blue Madrid (Luiz Bonfá)

7. Island Of Trindade (Luiz Bonfá)

08. Old Times (Velhos Tempos) (Luiz Bonfá)

09. Marajo (Luiz Bonfá)

10. Indian Dance (Luiz Bonfá)

11. Nelly (Luiz Bonfá)

12. Preludio (Luiz Bonfá)

13. Yesterdays (Jerome Kern / Otto Harbach)

14. Bagpipes (Luiz Bonfá)

15. Arabesque (Luiz Bonfá)

Musicos:

Luiz Bonfá (Guitarra)

Don Elliott (Melófono, vibráfono, triángulo)

Tommy Lopez (Bongos y congas)

Ralph Freundlich (Flauta)

Bobby Sanabria - Tito Puente Masterworks Live!!!

noreply@blogger.com (Chumancera) — Sat, 25 Apr 2026 06:00:00 +0000

Si la comunidad del jazz latino tuviera su propio Monte Rushmore, el rostro de Tito Puente estaría allí, justo al lado de las imágenes de Machito y Mario Bauza. Los tres son considerados patriarcas o figuras clave en la evolución del movimiento musical afrocubano y, a pesar de que Puente es el único no cubano de esa lista, el propio Bauzá le hizo el mayor de los elogios al afirmar que "nadie en el mundo ha hecho más por la música afrocubana que Tito Puente". Aunque los tres ya han dejado este mundo, su música permanece, y el percusionista Bobby Sanabria, el máximo defensor de la música afrocubana, se está asegurando de que llegue al gran público.
Sanabria se ha convertido en una especie de Wynton Marsalis para el mundo del jazz latino, defendiendo las virtudes y la historia de esta música en documentales emitidos por la PBS, actuando en diversos escenarios de gran relevancia y formando a la próxima generación de músicos con su experiencia y conocimientos del mundo real. En su faceta de educador, Sanabria ejerce como director de la Orquesta de Jazz Afrocubano de la Escuela de Música de Manhattan, pero no se trata de una simple banda universitaria. Esa frase tiene un tono apologético, y esta banda no tiene nada de qué disculparse. Sanabria presentó por primera vez al público una encarnación anterior de este explosivo conjunto cuando rindió homenaje a Machito y Bauzá con Kenya Revisited (Jazzheads, 2009), y en esta grabación centra su atención en la obra de Puente.
La energía y la pasión desempeñan un papel fundamental en esta música, y los ritmos que invitan a bailar siempre están presentes en el fondo. Los metales suenan con tanta fuerza como cualquier otra sección, lanzando acordes volcánicos capaces de descascarillar la pintura de las paredes, lo que sirve para demostrar el entusiasmo de Sanabria por el tema en cuestión, que se contagia claramente a todos los miembros de la banda. Los solos abundan en muchas de las piezas y, aunque los miembros de la banda ponen su corazón y su alma en este repertorio ardiente, algunos destacan más que otros. Norman Edwards demuestra ser una doble amenaza, ofreciendo elegantes líneas de vibráfono («Autumn Leaves») y un dinámico trabajo a la batería («Mambo Beat») con igual destreza, y el saxofonista barítono Michael Sherman hace saltar el techo cada vez que se pone al frente («Mambo Beat» y «Cuban Nightmare»). Paul Stodolka y Anthony Stanco interpretan constantemente a la perfección el papel audaz y vigoroso de la trompeta, mientras que cada miembro de la sección de saxofones está en plena forma en «Cuban Nightmare».

Aunque «Tito Puente Masterworks Live!!!» es un magnífico homenaje al gran Tito Puente, va más allá de una mera repetición de su repertorio. Sanabria y sus jóvenes compañeros de escenario han invocado el espíritu mismo de Puente al dar un toque vibrante a temas clásicos de su catálogo._Dan Bilawsky (allaboutjazz)

Bobby Sanabria, Manhattan School Of Music Afro-Cuban Jazz Orchestra - Tito Puente Masterworks Live!!! (2011)

Temas:

01. Intro / Elegua Chango

02. Picadillo

03. Bohemia (Birdland) After Dark

04. Autumn Leaves

05. Cuban Nightmare

06. Mambo Buddha

07. Ran Kan Kan

08. Alegre Cha-Cha-Cha

09. Ritual Fire Dance

10. Yambeque

11. Me Acuerdo De Ti

12. Mambo Beat

13. Mambo Adonis

Musicos:

Bobby Sanabria (Director, vibráfono y marimba #2, batería #3, #4 y #11, timbales #12, bombo #13, coros)

Daniel Jamieson (Saxo soprano y alto)

Jonas Ganzemuller (Saxo alto)

Alex Lopez, Benjamin Britton (Saxo tenor)

Michael Sherman (Saxo barítono)

Blake Martin (Trompeta)

Paul Stodolka (Trompeta)

Anthony "Stank" Stanco (Trompeta)

Justin Walter (Trompeta)

Tim Vaughn (Trombón)

Sam Bittner-Baird (Trombón)

Luke Malewicz (Trombón)

Frank Cohen (Trombón bajo)

Christian Sands (Piano)

Alex Salwach (Contrabajo)

Norman Edwards (Batería excepto #3, #4 y #11, vibráfono #3, #4 y #11)

Eddy Hacket (Timpani #9,#11,#13, bongó/cencerro #3,#4,#6, güiro macho #8, maracas #1, chekeré #1,#9,#13, clave #7, coros)

Danny Robbins (Maracas #2,#4,#5,#7,#12,#13, gong #6, clave #8-11, chekeré #1, coros)

Obanilú Allende (Bongó/cencerro #2,#5,#11,#13, congas #7,#11,#12, cencerro#1, chekeré #9, coros)

Jake Goldbas (Congas #2-4,#6,#9,#11, caja #1, timbales #8, clave #13, coros)

Cristian Rivera (Congas #1,#13, timbales #2,#5,#11, bongó/cencerro #7,#10, cencerro #9, coros)

Frank Fontaine (Flauta terserola de madera #8,#13)

Itai Dattner - Tranquilo en Cuba

noreply@blogger.com (Chumancera) — Sat, 18 Apr 2026 06:00:00 +0000

Conocí a Kenia en Trinidad, donde se ganaba la vida bailando. Es joven, negra, guapísima y baila de maravilla. No habían pasado ni 30 minutos desde mi llegada y ya estaba bebiendo ron y tocando con la banda local en el centro del casco antiguo. Ocho músicos, un grupo de bailarinas preciosas, mucho ron y mucha alegría. Un día después, estábamos tocando una melodía que compuse especialmente para Kenia. Tocamos en una pequeña habitación oscura en medio de una calle bulliciosa; si la vieras, no creerías que es posible. Fue tan peculiar que muchos turistas se paraban a sacar fotos.
Alejandro, el baterista, y yo recorrimos La Habana en moto, buscando músicos y un buen estudio. Encontramos músicos excelentes y un estudio estupendo. Todos los músicos son profesores de la ENA, la Escuela Nacional de Arte y Música.
«Vals 11» la compuse hace 5 años. Originalmente tenía 12 compases, pero le quité uno por el 11 de septiembre.

Itai Dattner - Compositor, pianista y productor. Sus raíces están en la música clásica. En los últimos años, Itai ha tocado y actuado con diversos grupos en Israel, entre ellos: una banda de blues llamada 'TaxiJazz', un trío de jazz, un dúo de jazz, un dúo de música clásica con un violonchelista, acompañando a una cantante de ópera, y muchos más. Itai se ha presentado en clubes, teatros y en el Festival de Jazz, Blues y Videocintas de Tel Aviv. Además de componer e interpretar, Itai se especializa en la enseñanza de piano y la dirección de bandas. Junto con 'Tranquilo en Cuba', Itai ha grabado cuatro álbumes._(discogs)

Itai Dattner es un compositor y pianista israelí. Sus raíces se encuentran en la música clásica. En su juventud descubrió el jazz y recibió la influencia de diversos estilos, desde Bach y Debussy hasta Bill Evans y Keith Jarrett, pasando por himnos judíos tradicionales, música del mundo, blues y rock and roll.

Itai acaba de lanzar el primer CD de su proyecto cubano, Tranquilo en Cuba. Este CD es el primer paso de un proyecto que desarrolla en La Habana con un grupo de músicos de jazz cubanos, todos ellos profesores de la ENA (Escuela Nacional Superior de Música y Arte) de La Habana. Son músicos profesionales que actúan diariamente en La Habana y, ocasionalmente, fuera de Cuba. Grabaron este CD juntos en septiembre de 2004. Todas las composiciones y arreglos son obra de Itai Dattner.

Además del proyecto cubano, Itai ha tocado y actuado en los últimos años con diferentes grupos en Israel, entre los que destacan: una banda de blues (TaxiJazz), un trío de jazz, un dúo de jazz, un dúo de música clásica con violonchelista, acompañando a una cantante de ópera, entre otros. Itai se ha presentado en clubes, teatros y en el Festival de Jazz, Blues y Videocintas de Tel Aviv.

Junto con 'Tranquilo en Cuba', Itai ha grabado cuatro álbumes. Dos de ellos con TaxiJazz, una mezcla de estándares y composiciones propias. Uno de los álbumes fue distribuido por NMC, la discográfica más grande de Israel. Posteriormente, grabó otro álbum de estándares con el trío: The Art of Trio._(allaboutjazz)

Itai Dattner - Tranquilo en Cuba (2005)

Temas:

01. Kenia

02. Infinite

03. Blues for Cheli

04. Waltz 11

Musicos:

Itai Dattner (Piano)

Manuel Alejandro Mayor Lopez (Batería)

Aryam Varona Hernandez (Bajo)

Jorge Miguel Vistel Serrano (Trompeta)

Maikel Vistel Serrano (Saxo tenor)

Todas las melodías compuestas y arregladas por Itai Dattner

Grabado en Scorpio Studio, La Habana, Cuba, del 10 al 12 de octubre de 2004

Art Farmer - Something You Got

noreply@blogger.com (Chumancera) — Sat, 11 Apr 2026 06:00:00 +0000

Nacido en Iowa, pero crecido en Phoenix (Arizona) una ciudad de rica tradición jazzística, Art Farmer, (21 de agosto de 1928, Council Bluffs, Iowa, Estados Unidos – 4 de octubre de 1999), junto a su hermano gemelo el contrabajista, Edison Farmer, pertenecían a una familia exquisitamente musical. De joven estudió el violín y el piano antes de pasarse a la familia de los metales y trasladarse con dieciocho años en 1945 a Los Ángeles. En aquella época ya se había decantado por la trompeta y tocó con la legendaria banda de Johnny Otis, con quien tuvo la oportunidad de viajar a New York.
En 1948 volvió a Los Ángeles y formó parte de las mejores bandas establecidas en la ciudad como la de Benny Carter, Wardell Gray o la del vibrafonista, Lionel Hampton. En 1953 cruzó el charco por primera vez con destino a Europa con la banda de Lionel Hampton, en la misma gira que viajaba Clifford Brown y Quincy Jones. Aquel mismo año regresó a New York donde estuvo un tiempo tocando con Teddy Charles.
Se integró en 1956 en el grupo del pianista, Horace Silver, y para entonces su estilo estaba ya suficiente pulido y maduro y su sonido era una marca inconfundible en la escena jazzística de New York. En aquella época Farmer, alternó la trompeta con el Flugelhorn, tocando ambos instrumentos con el grupo de Gerry Mulligan, en 1958. En aquél año participó en el Festival de jazz de Newport, grabó su único disco con Mulligan, el espléndido álbum titulado «What Is There To Say» para Columbia en 1958 y dos bandas sonoras para las películas «I Want to Live» y «The Subterraneas». Aquel año grabó para Blue Note uno de sus discos emblemáticos de su discografía titulado «Modern Art».

Sin duda alguna a Art Farmer se le reconoce credibilidad en el jazz por haber creado junto a Benny Golson, en 1960 el grupo «The Jazztet». Allí en su seno combinó muy acertadamente su talento para la dirección y la improvisación con las dotes de Golson para la composición y los arreglos. «The Jazztet», disfrutó mientras duró (1960-1962) un efímero éxito bordeando musicalmente las claves del soul-jazz que antes habían popularizado, Horace Silver o Cannonball Adderley entre otros. En 1960 grabó lo que es considerado el disco fundacional del grupo, titulado «Meet The Jazztet» un autentico manifiesto de intenciones que obtuvo un éxito enorme.

Cuando en 1962 el grupo se disolvió, Art Farmer, formó un cuarteto con el guitarrista, Jim Hall, que duró hasta 1964. Con la irresistible ascensión del rock en los Estados Unidos, Farmer se marchó a Europa donde alternó la dirección de sus propios grupos con su presencia como artista invitado de varias big bands, entre ellas la famosa Clarke-Boland Big Band. En los ultimo años de su vida alternó el fliscornio con la trompeta, retornó a los Estados Unidos donde intentó reconstruir «The Jazztet» pero la muerte le sorprendió en 1999._(apoloybaco)

El encuentro entre el trompetista Art Farmer y el rey de los instrumentos de lengüeta Yusef Lateef, con el pianista y arreglista David Matthews al frente de una big band, resulta trascendental.

El ritmo relajado del álbum, que se apoya en un jazz-funk desenfadado (la canción que da título al disco) y en extensas improvisaciones funky con impresionantes arreglos de hard bop de Matthews en «Flute Song», lo convierte en una de las visiones más provocadoras del groove jazz en la historia del sello CTI. Farmer y Lateef fueron capaces de moverse con relativa facilidad entre el jazz sofisticado y el soul funky trepidante. Los arreglos de Matthews son desenfadados y se basan en el ritmo no solo para formar la columna vertebral de los solistas, sino también para llenar el espacio intermedio. El guitarrista Hiram Bullock traza aquí una línea maravillosa entre las extrapolaciones aireadas y con mucho swing de los acordes de jazz y el R&B rítmico y escueto. Su solo en «Flute Song» es uno de los mejores que ha grabado. Del mismo modo, la interpretación de «Spain» de Chick Corea, que hace referencia al «Concierto de Aranjuez» y cuenta con un magnífico solo de saxo tenor de Lateef, es una versión carnal y carnevalesca de la melodía con un overdrive empapado de bajo. «Saudade» es el epítome del soul-jazz para una big band; su groove es suelto, galopante y rítmicamente perfecto, y Farmer y Lateef tocan la melodía en primer plano, compenetrándose en los solos y haciendo que el groove se repliegue sobre sí mismo. Esta es una adquisición segura para cualquier colección de Farmer, y vale lo que cueste._Thom Jurek (allmusic)

Art Farmer - Something You Got (1977)

Temas:

01. Something You Got (Chris Kenner)

02. Flute Song (David Matthews)

03. Saudhade (Fritz Pauer)

04. Sandu (Clifford Brown)

05. Spain (Chick Corea9

06. Hombre Del Sol (David Matthews)

Musicos:

Art Farmer (Fliscorno)

Yusef Lateef (Saxo tenor)

David Matthews (Piano eléctrico, arreglos)

Harvie Swartz (Bajo )

Jim Madison (Batería)

Hiram Bullock (Guitarra)

Sue Evans (Percusión)

David Tofani (Saxo soprano, flauta)

Frank Vicari (Saxo tenor)

Kenny Berger (Saxo barítono, clarinete bajo)

Burt Collins (Trompeta, fliscorno)

Joe Shepley (Trompeta, fliscorno)

Fred Griffin (Trompa)

Sam Burtis (Trombón)

Tony Price (Tuba)

Grabado en los estudios Electric Lady en julio de 1977

Mauricio Einhorn - Me

noreply@blogger.com (Chumancera) — Sat, 04 Apr 2026 06:00:00 +0000

Mauricio Einhorn (Río de Janeiro, 29 de mayo de 1932) es un armonicista brasileño.
Hijo de inmigrantes judíos polacos, sus padres eran armonicistas. Comenzó a tocar la armónica a los cinco años, actuando en la escuela franco-brasileña donde estudió hasta los trece.
La constancia del músico con el instrumento fue tal que, a los diez años, Einhorn comenzó a participar en reconocidos programas de talentos radiofónicos de la época, como "A Hora do Pato" y "Papel Carbono" (en Radio Nacional); e incluso en el programa de Ary Barroso y Gaitas Hering en Radio Tupi, junto a Fred Williams y otros.

Cuando era adolescente tocó en dúos, tríos y cuartetos, y a principios de la década de 1950 se introdujo en los estilos del jazz y el choro. Su primera grabación fue en 1949 cuando, en la canción "Portate Bien", hizo un solo con un conjunto de armónica de los Rascals brasileños. Actuó con Waldir Azevedo y su Regional en Rádio Clube do Brasil. Hacia 1955, en el desaparecido Hotel América, frente al Club Hebraica, conoció a Durval Ferreira durante un baile donde tocaba Maurício Einhorn. La primera canción de los dos, "Sambop", fue grabada en 1959 por Claudete Soares en el LP "Nova Geração em Rítmo de Samba", en el que participó. Luego vinieron: "Estamos aí" (con Durval Ferreira y Regina Werneck) grabada por Leny Andrade; "Tristeza de Nós Dois" (con Durval Ferreira y Bebeto); "Batida Diferente", "Nuvem" y "Clichê" (todos con Durval Ferreira), "SamBlues" (con Durval Ferreira y Regina Werneck) y muchos otros. Destacó en la bossa nova, un movimiento cuya influencia cambió el curso de MPB..._(wikipedia)

La leyenda de la armónica de jazz Toots Thielemans describió a su amigo, el armonicista y compositor Mauricio Einhorn, como «una fuerza vital en la música brasileña, tanto como intérprete como compositor». La influencia de Einhorn se extiende al jazz. Ha trabajado con figuras tan importantes como Jim Hall, David Sanborn, Paquito D’Rivera, Baden Powell, así como con los cantantes Bobby McFerrin y Sarah Vaughan; músicos de la talla de Cannonball Adderley, Herbie Mann y la leyenda de la bossa nova Jobim han grabado sus composiciones. Grabado en Río en 1979, Me fue el primer álbum de Mauricio bajo su propio nombre, ¡y qué grabación! Einhorn reunió a un grupo de músicos excepcionales, todos versados en la música tradicional brasileña y en el jazz. Las diez composiciones originales dan testimonio de la talla de Einhorn como compositor. Tenemos la contagiosa A Different Beat con sobresalientes solos de armónica, piano y
flauta, Saro con sus enérgicos solos de armónica, saxo y bajo Fender, la exquisita balada Alvorada y la alegre joya Estamos Ai. Luego tenemos el suave vals de jazz Toy y un tema escrito para los grandes del jazz Ron Carter y Jim Hall, Limbo con sus potentes voces. La breve pero dulce Claus es seguida por la conmovedoramente romántica Tristeza De Nos Dois y la fascinante Sketch. El apasionado solo de Einhorn en su balada Joy cierra un álbum que satisfará a todo amante de la música brasileña. ¡Jazz latino en su máxima expresión creativa!_ (mps-music)

Mauricio Einhorn - Me (1979 R.2016)

Temas:

01. Batida Differente "A Different Beat" (Durval Ferreira / Mauricio Einhorn)

02. Sarro (Arnaldo Costa / Mauricio Einhorn)

03. Alvorada (Arnaldo Costa / Luiz F. Freire / Mauricio Einhorn)

04. Estamos Aí (Durval Ferreira / Mauricio Einhorn / Regina Verneck)

05. Brinquedo (Toy) (José Schettini / Mauricio Einhorn)

06. Limbo (Theme For Ron Carter And Jim Hall) (Arnaldo Costa / Mauricio Einhorn)

07. Claus (Celso Loch / Mauricio Einhorn)

08. Tristeza De Nos Dois ( Bebeto / Durval Ferreira / Mauricio Einhorn)

09. Sketch (José Schettini / Mauricio Einhorn)

10. Joia "Joy" (Alberto Arantes / Mauricio Einhorn)

Musicos:

Mauricio Einhorn (Armónica, técnico remezcla)

Nelson Ayers (Piano, arreglos, dirección)

Luizão (Bajo)

Sebastiao Tapajos (Guitarra acústica)

Gegê (Batería en pista #7)

Paulo Braga (Batería en pistas #6 a #9)

Marku (Batería, percusión, voz

Roberto Sion (Flauta, saxo alto, saxo soprano)

Vera Figueiredo - Vera Cruz Island

noreply@blogger.com (Chumancera) — Sat, 28 Mar 2026 07:00:00 +0000

Vera Figueiredo Nacida el 7 de septiembre de 1957 en São Paulo, Brasil.

Al pensar en la percusión brasileña, es posible que se imaginen ritmos latinos fantásticos y la integración de percusiones de todo el mundo en ritmos enérgicos y vibrantes que hacen bailar hasta al espectador más tímido. En el caso de Vera Figueiredo, este estereotipo es totalmente cierto, pero no refleja completamente su sonido. Vera Figueiredo no solo es una consumada percusionista latina, sino que también fusiona con maestría los géneros latino y rock, lo que le confiere la presencia de una baterista audaz, enérgica, con un talento indiscutible y un gran carisma.

Si bien Figueiredo se ha consolidado como referente de la percusión latina con su estilo afrocubano, como autoproclamada admiradora de bandas como Deep Purple y Led Zeppelin, su estilo es la culminación de la percusión latina, fusión, jazz, rock y funk. Conocida en Brasil como la "Reina de la Batería", su estilo único y su asombrosa personalidad son reconocidos mundialmente. Además de ser una baterista y artista consumada, Figuiredo dirige su propia escuela de batería: el Instituto de Batería Vera Figueiredo, ubicado en Brasil.

Como artista de Sabian, la batería de Vera Figueiredo cuenta con una gran variedad de platillos, incluyendo varios de la serie HHX Evolution y su favorito, el hi-hat Vault V-FX Distortion. Como baterista de gran talento, Figueiredo ha impartido clases y tocado por todo el mundo en diversas agrupaciones, orquestas y con su propia banda, y es su estilo único y su rico sonido lo que la ha convertido en una de las mejores bateristas latinas de la actualidad._(jazzmusicarchives)

Vera Figueiredo - Vera Cruz Island (2001)

Temas:

01. Vera Cruz Island (Vera Figueiredo)

02. Tererê (Vera Figueiredo/Mônica Côrtes)

03. Devagar (Zaxariades aka Bruce Scott)

04. Renata (Vera Figueiredo)

05. Double V (Vera Figueiredo)

06. Deep Inside (Vera Figueiredo)

07. Reaching Another Day (Vera Figueiredo)

08. Reverse (Maurício Marques)

09. Chamamé (Rodrigo Rheinheimer)

10. Mr. Banana (Vera Figueiredo)

11. Figão's House (Vera Figueiredo)

12. Cai na Real (Maurício Marques)

13. Dave (Vera Figueiredo)

14. Saudade (Vera Figueiredo)

Musicos:

Vera Figueiredo (Batería, percusión, tamborim, repinique, surdo, voz)

Célio Barros (Bajo acústico)

Dave Weckl, Dennis Chambers, Virgil Donati (Batería)

Pedro Ivo (Bajo eléctrico)

Derico Sciotti (Flauta)

Guitarra - Mike Stern

Maurício Marques (Teclados, voz)

Bruno Cardozo (Piano)

Vitor Alcántara (Saxo tenor)

Daniel D'Alcántara (Trompeta, cuerno de fliscorno)

Nahor Gomes Oliveira (Trompeta #1)

Sidnei Aléssio Borgan (Trombón #1)

Luciana Yoshikawa, Paulo Jiraya, Maurício Marques (Voz #1)

Fred Prince ("Güiro & congas #2", "tan tan, repenique, tamborín, agogo-bell #11")

Luis Rabello (Guitarra #2)

Nahor Gomez Oliveira (Solo tompeta #2)

Tiquinho (Trombón #2, #11)

Maurício De Souza (Saxo alto #2, #11)

Célio Barros (Teclados #4)

Mike Stern (Guitarra #6)

Paulo Jiraya (Triángulo y bloque de madera #7, voz)

Marco Bosco (Pandeiro #7)

Jarbas Barboza (Guitarra eléctrica #7, #9. #10)

Edmundo Cassis (Piano #8)

Elias Rezende (Acordeón #9)

Katia Stübing (Voz #10)

Jean Pierre Ryckebusch (Trompeta #12)

Grabado en el estudio A Luz da Lua de marzo de 1999 a febrero de 2000

Vitor Goncalves - Vitor Goncalves Quartet

noreply@blogger.com (Chumancera) — Sat, 21 Mar 2026 07:00:00 +0000

Vitor Gonçalves es un pianista, acordeonista, compositor y arreglista de Río de Janeiro, Brasil. Tras una ilustre carrera como músico muy solicitado en Brasil, en la que tocó con iconos como Hermeto Pascoal, Maria Bethânia, Itiberê Zwarg y muchos otros, se trasladó a la ciudad de Nueva York, donde reside actualmente.
Desde su llegada en 2012, ha cosechado numerosos elogios y ha labrado un currículum repleto de estrellas, que incluye apariciones en el programa Jazz Night in America de la NPR, presentado por Christian McBride, y en The New York Times como invitado de la famosa Spok Frevo Orquestra. Asiduo de los escenarios del Jazz at Lincoln Center, The Jazz Standard y la Jazz Gallery, lidera sus propios proyectos y colabora con figuras de la escena neoyorquina como Anat Cohen, Vinícius Cantuária, Anthony Wilson, Cyro Baptista y Yotam Silberstein.
También ha actuado en festivales de jazz y salas de todo el mundo, como el Newport Jazz, el Jazz à Vienne, el Umbria Jazz Festival, el Queen Elizabeth Hall de Londres y el Coliseo de Lisboa (Portugal).
Vitor se trasladó a Nueva York en 2012 para profundizar en su interés por el jazz y su conexión con la música brasileña, así como para explorar el crisol musical que es la ciudad de Nueva York. Fue allí donde comenzó a liderar su propio grupo y a formar nuevas formaciones, al tiempo que cursaba un máster en el City College. En 2017 lanzó su álbum debut con Sunnyside Records, Vitor Gonçalves Quartet, en el que participaron Dan Weiss (batería), Thomas Morgan (bajo) y Todd Neufeld (guitarra). El álbum recibió una reseña de cuatro estrellas y media en la revista de jazz Downbeat.
Otros grupos que codirige son «SanfoNYa Brasileira», un trío de acordeón con Eduardo Belo al bajo y Vanderlei Pereira a la batería, y «Regional de NY», uno de los principales representantes de la música choro (un rico género brasileño) en Estados Unidos. Ambos grupos han publicado un álbum de temas originales: el primero con Steve Wilson como artista invitado y el segundo con Fred Hersch.
Obtuvo dos nominaciones a los premios Grammy 2020, a Mejor Álbum de Jazz Latino con Thalma de Freitas y a Mejor Conjunto de Jazz de Gran Formato con Anat Cohen Tentet._(vitorgoncalvesmusic)

Obtuvo dos nominaciones a los premios Grammy 2020, a Mejor Álbum de Jazz Latino con Thalma de Freitas y a Mejor Conjunto de Jazz de Gran Formato con Anat Cohen Tentet._(vitorgoncalvesmusic)

Vitor Goncalves - Vitor Goncalves Quartet (2017)

Temas:

01. Sem Nome (Vitor Gonçalves)

02. Cortelyou Road (Vitor Gonçalves)

03. Samba Do Perdão (BadenPowel/Paulo César Pinheiro)

04. Desleixada (Vitor Gonçalves)

05. Winter Landscapes (Vitor Gonçalves)

06. Se É Por Falta De Adeus (A.C. Jobim/Dolores Duran)

07. De Cazadero Ao Recife (Vitor Gonçalves)

08. The Touch Of Your Hand (Vitor Gonçalves)

Musicos:

Vitor Gonçalves (Piano, compositor, arreglista)

Todd Neufeld (Guitarra)

Thomas Morgan (Bajo)

Dan Weiss (Batería)

Se lanzó el 20 de enero de 2017

Stanley Black And His Piano With Latin American Rhythm - Cuban Moonlight

noreply@blogger.com (Chumancera) — Sat, 14 Mar 2026 07:00:00 +0000

Stanley Black (14 de junio de 1913 - 27 de noviembre de 2002) fue un compositor, arreglista, pianista y director de orquesta británico. Escribió y arregló varias bandas de sonido para películas, y grabó diversas obras en los sellos discográficos London y London Phase 4 de la empresa Decca Records.

Comenzó en el ambiente del jazz en la década de 1930 con músicos como Coleman Hawkins y Benny Carter, y luego fue cambiando al estilo latino en sus interpretaciones y arreglos, para luego ganar reconocimiento por la dirección de obras clásicas..._(wikipedia)

Stanley Black pertenece a esa rara especie de músicos de renombre mundial que desafían cualquier intento de categorización. De hecho, su carrera tiene tantas facetas —pianista, director de orquesta, compositor, arreglista, director musical; música clásica, música ligera, jazz, música latinoamericana; radio, televisión, cine, sala de conciertos y estudio de grabación— que debe de haber miles de personas a ambos lados del Atlántico que no están del todo seguras de si todas estas «etiquetas» pertenecen a una misma persona. televisión, cine, salas de conciertos y estudios de grabación —que debe de haber miles de personas a ambos lados del Atlántico que no están del todo seguras de si todas estas «etiquetas» pertenecen a una misma persona.

Nacido y criado en Londres, la carrera musical de Stanley Black comenzó cuando recibió sus primeras clases de piano a los siete años y, más tarde, cuando se convirtió en alumno de la famosa Escuela de Música Manhay, se le auguraba una brillante carrera como pianista concertista. Pero incluso en aquellos primeros días, su naturaleza inquieta se rebeló ante la idea de ser «solo un pianista», por lo que comenzó a componer y a estudiar orquestación y, a la tierna edad de doce años, una de sus primeras composiciones orquestales fue retransmitida por la Orquesta Sinfónica de la BBC, dirigida por el Dr. Joseph Lewis.

Poco después de terminar la escuela, se interesó por el jazz y, tras ganar un concurso de arreglos patrocinado por «The Melody Maker», pronto se consolidó como uno de los principales pianistas y arreglistas de jazz de Gran Bretaña. Grabó y participó en programas de radio con Coleman Hawkins, Benny Carter y Louis Armstrong cuando estos artistas visitaron Gran Bretaña en la década de 1930, y también escribió varias composiciones por encargo de Hawkins para una serie de grabaciones especializadas.

En 1938, Stanley Black visitó Sudamérica y se interesó profundamente por la música de los países latinoamericanos. Al profundizar en el tema con la minuciosidad que se convertiría en el sello distintivo de toda su obra, no tardó en ser considerado una de las principales autoridades europeas en ritmos sudamericanos.

Hacia el final de la guerra y su servicio en la RAF, saltó a la fama al tomar las riendas de la B. B.C. Dance Orchestra, cargo que ocupó durante nueve años, tiempo en el que no solo alcanzó una media de seis programas a la semana, sino que también compuso sintonías y música incidental para numerosas series y documentales radiofónicos, así como la música para los intervalos del Light Programme. En octubre de 1951, la orquesta fue uno de los elementos destacados del Royal Command Variety Show.

En el mundo de la música cinematográfica, Stanley Black ha compuesto las bandas sonoras y ha sido director musical de más de 95 películas británicas y angloamericanas, y en 1958 fue nombrado director musical de los estudios Elstree de la Associated British Picture Corporation. En 1960 compuso un nuevo tema musical y una biblioteca musical completa para Pathe Newsreel, y en 1963 su banda sonora para el musical de Cliff Richard «Summer Holiday» le valió el premio Novello a la mejor banda sonora de una película musical del año. Una de sus bandas sonoras más recientes fue la de la película «Crossplot», protagonizada por Roger («El Santo») Moore.

Stanley Black acaba de celebrar su vigésimo quinto aniversario bajo contrato exclusivo con The Decca Record Company Limited y sus álbumes muestran más claramente que cualquier palabra su gran versatilidad y su profundo conocimiento de todo el espectro musical:

Los álbumes latinoamericanos como «Tropical Moonlight», «Gershwin Goes Latin», etc., en los que su brillante e inimitable estilo pianístico es el eje de su mundialmente famoso grupo latinoamericano; los álbumes orquestales para los que él mismo realiza todas las orquestaciones, como «Film Spectaculars», «Spain», «Russia», «Broadway Spectacular», «Dimensions in Sound», etc., etc.; y los álbumes orquestales en los que dirige las principales orquestas del país: la London Symphony Orchestra y la London Festival Orchestra. La Royal Philharmonic Orchestra y la London Philharmonic Orchestra, en obras del repertorio clásico estándar de Tchaikovsky, Grieg, Debussy, Dvorák, Borodin, etc. Uno de ellos, su grabación del «Capriccio Español» de Rimsky-Korsakov, fue elegido por «The Gramophone» como uno de los discos clásicos del año «elegidos por la crítica» (1965). Todos estos álbumes, en particular los de la serie Phase 4 Stereo, se han publicado en todo el mundo con un éxito extraordinario, especialmente en Estados Unidos y Japón. Las ventas de los álbumes de Stanley Black han alcanzado ya varios millones y ha recibido varios discos de oro.

Como director de orquesta, Stanley Black se ha involucrado cada vez más en el mundo de la música clásica durante los últimos años. Dirigió la Royal Philharmonic Orchestra en siete conciertos durante 1967; realiza numerosas giras como director invitado en Gran Bretaña y en el continente; fue nombrado director principal de la B. B.C. Northern Ireland Orchestra en septiembre de 1968, pero tuvo que renunciar al cargo al cabo de un año debido a sus numerosos compromisos cinematográficos y discográficos en Londres. En septiembre de 1965 fue invitado a Japón para una gira de conciertos con su grupo discográfico latinoamericano y también dirigió la Orquesta Sinfónica de Tokio. La gira tuvo tanto éxito que fue invitado a realizar otra en abril de 1967. Se le pidió una tercera gira, que se llevó a cabo en abril de 1969, esta vez sin el grupo latinoamericano y únicamente como director invitado de la Orquesta Sinfónica de Tokio, la Orquesta Filarmónica de Osaka y la Orquesta Sinfónica de la NHK; y, increíblemente, como único artista occidental al que se ha invitado con tanta frecuencia, ha sido invitado una vez más a dirigir las mismas orquestas durante la temporada de la EXPO '70 este verano. A finales de 1971 se traslada a Nueva Zelanda para dirigir la Orquesta Sinfónica de la New Zealand Broadcasting Corporation durante toda una temporada de «Proms».

Para Stanley Black no hay nada extraño en la idea de dirigir una orquesta sinfónica un día y tocar el piano en un grupo de jazz o latinoamericano al día siguiente; o pasar de componer una banda sonora de cine inspirada en el jazz a escribir una nueva y exquisita versión de «Clair de Lune» de Debussy; o relajarse escuchando discos tanto de Mozart como de Sergio Mendes, o de Elgar y Duke Ellington. Rechaza la especialización porque nunca ha sentido la necesidad o el impulso de especializarse. Se considera ante todo un músico y, por lo tanto, todo lo relacionado con la música entra dentro de su ámbito de comprensión y entendimiento instintivos. Quizás el secreto radique en el hecho de que hace «todo lo relacionado con la música» de forma brillante, y si lleva una desconcertante cantidad de sombreros musicales, todos le quedan de maravilla. Como él mismo dice de forma tan sucinta: «Todo es música, música para estudiar y disfrutar y poner a disposición de otros para que la disfruten; la única música imperdonable es la que es aburrida, está mal escrita o mal interpretada». Así que, como dirían nuestros primos estadounidenses, «disfruten, disfruten»: elijan entre la increíblemente amplia gama de álbumes de Stanley Black. Están ahí para que los disfruten, para todos los estados de ánimo, todos los gustos, todas las edades; un elocuente testimonio de la inspirada obra de uno de los músicos más destacados de nuestro tiempo._ The Decca Record Company Limited, Londres (1969)

Stanley Black And His Piano With Latin American Rhythm - Cuban Moonlight (1969)

Temas:

01. Vereda Tropical (Gonzalo Curiel)

02. Majorca (Georges Bonnet/Johnny Lehmann/Louis Gasté)

03. Siboney (Ernesto Lecuona)

04. Ay-Ay-Ay (Osman Perez Freire)

05. El Truco De Pernambuco (Manuel Salina)

06. Green Eyes (Nilo Menéndez/Reginald Connelly/Wolfe Gilbert)

07. Rumba Matumba (Bobby Collazo)

08. Stars In Your Eyes (Gabriel Ruiz)

09. Os Quindins De Yaya (Ary Barroso)

10. The Moon Was Yellow (Edgar Leslie/Fred E. Ahlert)

11. Nostalgia (Stanley Black)

12. Hold Me Close Tonight (Stanley Black)

13. Perfidia (Alberto Dominguez)

14. Frenesi (Alberto Dominguez)

Elio Revé y su Charangón - Fresquecito

noreply@blogger.com (Chumancera) — Sat, 07 Mar 2026 07:00:00 +0000

Orquesta de Elio Revé. Agrupación musical fundada en 1956. Por su quehacer musical ha ganado gran prestigio nacional e internacional. Continuadores de una obra musicalmente importante, capaces de convocar a más de 25 mil personas en varias plazas del país, unido a grabaciones de importantes discos compactos y presentaciones en prestigiosos escenarios nacionales e internacionales, Elito Revé Jr. y Charangón van conformando una nueva etapa en la historia de esta orquesta dando muestras de profesionalidad y logrando mantener siempre la expectativa de un público conocedor de la buena música cubana.
Fundada en el año 1956 por el maestro Elio Revé Matos, figura relevante de la música cubana, la orquesta Elio Revé y su Charangón es desde hace muchos años, una de las agrupaciones musicales de mayor prestigio en Cuba y en otras partes del mundo.
Su creador, nacido en Guantánamo, provincia oriental de Cuba, el 23 de junio de 1930 y fiel exponente de los mejores valores de la música cubana, fue catalogado como "Padre del Changüí" por los aportes que hizo a este ritmo, además de ser uno de sus más grandes defensores.
Dentro de la carrera de Elio Revé Matos se destaca el hecho de ser el primero en utilizar el timbal de cinco llaves en el formato de Charanga también introdujo los trombones en sus arreglos y por último, llevó a su orquesta los tambores Batá pertenecientes a la religión Yoruba. Lo anterior sumado a su carismática simpatía, a esa voz ronca e inconfundible que le acompañó siempre al cantar, unido a su rigor profesional como percusionista y a su talento innato y cultivado, le valieron para alcanzar la popularidad en muy breve tiempo.
Maestro de maestros pues en su orquesta se formaron figuras de la talla de Chucho Valdés, Juan Formell, Yumurí, Carlos Alfonso y hasta su propio hijo Elito, por solo citar algunos ejemplos, Elio Revé Matos logró convencer en cada actuación. La vida y obra de este importante músico y compositor siguen siendo de gran trascendencia en la historia musical cubana.
Tras fallecimiento de Elio Revé en el año 1997, su hijo Elio Revé Jr. graduado de nivel superior de música, quien además de haber sido preparado por su padre, ya formaba parte de la orquesta como pianista y arreglista, asume el reto de continuar la obra de Revé y para ello asume la dirección de la orquesta logrando mantener además de la popularidad, la sonoridad y el sello que durante tantos años habían acompañado a esta agrupación.

Elio Revé Jr. y su Charangón con rigor y gran sentido estético y musical alcanzaron desde entonces los primeros lugares del Hit Parade nacional de la radio y la televisión cubanas, se han presentado en escenarios de Francia, Holanda, Estados Unidos, España, Bélgica, Suiza, Italia y México donde la orquesta era conocida y donde lograron que el público les recibiera con entusiasmo gracias precisamente al hecho de haber mantenido la misma sonoridad..._(ecured)

Elio Revé y su Charangón - Fresquecito (2007)

Temas:

01. Fresquecito.com (Elio Revé Duverger)

02. El Teléfono (Aisar Hernández Segundo)

03. El Dinero (Dagoberto Vásquez)

04. El Martes (Juan Formell)

05. La Viuda (Aisar Hernández Segundo)

06. Ya No Te Doy Mas Nà (Alexei Sánchez)

07. El Jonrón (Sofiel Del Pino)

08. Vamos A Bailar El Changüí (Elio Revé Duverger)

09. A Sancochar Boniato ( Aisar Hernández Segundo)

10. No Me Pegues Con El Pie (D.R.)

11. La Madrugada (Alexei Sánchez)

Musicos:

Elito Revé Duverger (Voz, arreglos y director musical)

Aisar Hernández Segundo (Bajo, arreglos, director musical)

Wilfredo A. Naranjo "Pachy Jr." (Piano)

Jorge Luis Vila (Tres)

Andy Fornet (Timbales, güiro, batá)

Arián Chacón (Congas, batá)

Ariel Hernández (Bongos, campanas, batá)

Maikel Díaz (Güiro)

Eulices Benavides, Orlando Montander, Yamer Pérez (Metales)

Dagoberto Vásquez (Voz, coros en pistas: #1,#3,#4,#7,#10)

Pascual Matos "El Sansote" (Voz, coros en pistas: #4,#5,#8)

Eric E. Broche "El Chino" (Voz en pistas: #4,#6)

Lázaro Cuesta "El Bello" (Voz en pistas: #2,#4,#9,#11)

Músicos invitados:

Irwing Frontela (Violín "Orquesta Van Van")

Roberto Hernández "Robertón" (Voz "Orquesta Van Van")

Miguel Martínez Roja (Bongocero de changüi)

Roberto Morales (Coros)

José Luiz Martins - Odyssey Mixtape

noreply@blogger.com (Chumancera) — Sat, 28 Feb 2026 07:00:00 +0000

Originario de la vibrante ciudad de São Paulo, Brasil, José Luiz Martins es un pianista, compositor, director de banda y productor radicado en el área de Washington, D. C. Es muy reconocido por su enfoque innovador y su música profundamente expresiva. Inspirándose en el rico patrimonio musical de su tierra natal, José (pron. "Joe-zay") combina a la perfección ritmos brasileños con influencias del jazz, la música clásica, el rock y la música contemporánea, creando un sonido único y cautivador.

José Luiz Martins se ha presentado en prestigiosos escenarios y festivales de Brasil, Europa y América, compartiendo escenario con músicos y conjuntos de renombre. Sus grabaciones como solista, director de banda y colaborador han recibido un gran reconocimiento de la crítica, lo que le ha valido premios y reconocimiento de la comunidad musical nacional e internacional..._(joseluizmartins)

El pianista, compositor y arreglista brasileño José Luiz Martins tiene una forma especial de fusionar sus raíces culturales con el jazz fusión americano, los ritmos hip hop, la música clásica europea y el funk. El resultado es una flor musical fresca y hermosa. El álbum "Odyssey Mixtape" de Martins cuenta con la participación de varios invitados especiales, entre ellos el guitarrista John Lee, que brilla con un solo en el tema inicial, "Incerteza". Incerteza se traduce como "incertidumbre", pero no percibo nada incierto o contemplativo en esta maravillosa primera composición de José Luiz Martins. Comienza con mucha energía y emoción, inspirada por la fluidez y creatividad de Martins al teclado.
En la pista n.º 2, titulada "Don't Act Like", la voz de Nakama añade una cálida textura al arreglo. José Luiz Martins utiliza técnicas de sintetizador y ritmos funky para despertar el interés musical del oyente. Este arreglo también cuenta con la participación de Tyrone Allen II al bajo eléctrico y Florian Haas a la batería.
A pesar de su lucha contra la distonía focal, un trastorno neurológico que interrumpió su carrera
musical de una manera muy difícil, Martins superó esta adversidad. En consecuencia, su álbum es un testimonio de su fenomenal fuerza de voluntad. En él se reflejan su talento como compositor, su determinación y la interacción entre la depresión y la esperanza. Esto se refleja como un tema recurrente en su música original.
"Odyssey Mixtape" es el cuarto álbum publicado por este talentoso pianista y compositor.

Alex Hamburger, cantante y flautista, aporta su tierna voz en "Bloom". Aunque no he podido encontrar ningún vídeo disponible de este álbum, en una publicación anterior se puede ver a la Sra. Hamburger junto a José Luiz Martins interpretando "Solitude" de forma magnífica. Su tema más reciente, "Bloom", tiene un estilo más pop/rock. Prefiero su interpretación de "Tierra Extraña", una composición muy jazzística de Martins. Su exploración pianística durante su solo improvisado es encantadora._(makingascene)

José Luiz Martins - Odyssey Mixtape (2025)

Temas:

01. Incerteza

02. Don't Act Like

03. Cravo e Canela

04. Bloom

05. Yatra-Tá

06. Metamorphosis

07. Tierra Extraña

Musicos:

José Luiz Martins (Piano, teclados, sintetizadores, composiciones, letras y arreglos)

Alex Hamburger (Flauta, voz y letras)

Romeir Mendez (Bajo)

Dana Hawkins (Batería)

Invitados especiales:

John Lee (Guitarra en pistas #1, #4 y #5)

Nakama (Voz/letras en pista #2)

Tyrone Allen II (Bajo eléctrico en pista #2)

Florian Haas - (Batería en pista #2)

Falleció el músico Willie Colón

noreply@blogger.com (Chumancera) — Sun, 22 Feb 2026 10:14:00 +0000

William Anthony Colón Román (Nueva York, 28 de abril de 1950-Nueva York, 21 de febrero de 2026), conocido artísticamente como Willie Colón, fue un cantautor y trombonista estadounidense. También fue conocido por haber formado parte de los dúos Willie Colón & Héctor Lavoe y Willie Colón & Rubén Blades, siendo considerado como uno de los mejores intérpretes en la historia de la salsa.
Colón fue un integrante de la salsa y un artista con ventas registradas, siendo una figura en la escena musical neoyorquina asociada a Fania Records. También fue conocido por haber adoptado la imagen de gánster en las portadas de sus álbumes antes de su popularización cultural.

Willie Colón nació el 28 de abril de 1950 en la ciudad de Nueva York pero fue criado en Puerto Rico. Sus padres eran puertorriqueños, pero fue criado por su abuela y su tía, quienes desde pequeño lo nutrieron de música tradicional puertorriqueña y de otros ritmos típicos del repertorio latinoamericano como el son cubano y el tango. A los 11 años mostró predisposición por los instrumentos de viento, iniciándose en el clarinete; posteriormente pasó a la trompeta, y finalmente el trombón, que fue el que lo consagró. Se indicó que cambió la trompeta por el trombón al oír a Mon Rivera en su interpretación de la bomba y la plena, siendo su referencia Barry Rogers..._(wikipedia)

Falleció Willie Colón (21 de febrero de 2026 en Nueva York), pionero y leyenda de la salsa, a los 75 años.

Entre sus éxitos más destacados se encuentran "Idilio" y "Gitana". También popularizó "El Gran Varón", una composición de contenido social que aborda la identidad de género. Otros temas de gran alcance comercial durante esta etapa fueron "Sin Poderte Hablar" y "¡Oh! Qué Será".

Descansa en Paz Maestro. Gracias! Willie Colón por todo el legado que nos dejas, siempre estarás en nuestros corazones.

Edmundo Ros And His Orchestra - Latin Melodies Old And New

noreply@blogger.com (Chumancera) — Sat, 21 Feb 2026 07:00:00 +0000

Edmundo William Ros (Puerto España, Trinidad y Tobago, Indias Occidentales Británicas, 7 de diciembre de 1910 - Alicante, España, 21 de octubre de 2011) fue un músico, vocalista y director de orquesta, conocido internacionalmente por su fusión de la música latinoamericana tradicional y moderna. En el mundo anglosajón, se le llama a veces con el sobrenombre de "King of Latin American Music" ("El rey de la Música Latinoamericana")..._(wikipedia)

El corazón y el alma de la música latina es el ritmo, el «beat», esas figuras pulsantes que vibran, empujan y nunca cesan. En la música latina, el ritmo lo es todo, e incluso afecta a la melodía que se apoya en él; una buena melodía en la música latina es aquella que se adapta, o se hace adaptar, al patrón rítmico.

En este campo, Edmundo Ros tiene pocos rivales, y así ha sido durante años. Edmundo entró en el negocio como hombre del ritmo (percusionista de una importante orquesta sinfónica cuando dejó Venezuela; hombre de la batería, marcando el compás en los clubes de cabaret de Londres y en sesiones de grabación con personajes tan notables como Fats Waller; y, por supuesto, a lo largo de los años, estableciéndose en el campo de la percusión y el ritmo latinoamericanos, del que es un experto).
En una sesión, es muy estimulante ver a Edmundo ensayar las secciones de ritmo y percusión: lo que no le gusta lo corrige cogiendo el instrumento en cuestión para hacer una demostración. Una vez establecido el ejemplo, la sección nunca falla. El ritmo, en un LP de Edmundo Ros, es entonces una sólida pieza de magia musical.

A las secciones que crean la melodía, los metales y los instrumentos de viento-madera, les enseña el arte del fraseo. No se trata, según él, de una simple cuestión de notas y valores, sino de «sentir»; «sentir» la frase en relación con el ritmo, los patrones que se mueven bajo la melodía. La diferencia es la que hay entre «falso» y «auténtico», «artificial» y «real». El resultado traza una línea entre lo que es aceptable y lo que es mágico.

Los resultados mágicos han sido el sello distintivo de los LP de Edmundo Ros durante años y este no es una excepción. Con algunas de las mejores canciones de ayer y de hoy, este álbum es un producto perfecto para bailar, escuchar y disfrutar como fondo musical alegre.

Edmundo Ros And His Orchestra - Latin Melodies Old And New (1965)

Temas:

01. La Cucaracha (Tradicional)

02. One Note Samba (Antonio Carlos Jobim, Jon Hendricks, Newton Mendonça)

03. The Girl From Ipanema (Antonio Carlos Jobim, Norman Gimbel, Vinicius De Moraes)

04. Valencia (José Padilla Sánchez)

05. Blame It On The Bossa Nova (Mann And Weil)

06. La Paloma (Sebastián de Yradier)

07. La Golondrina (Narciso Serradell)

08. Mexico (Boudleaux Bryant)

09. Meditation (Antonio Carlos Jobim, Newton Mendonça, Norman Gimbel)

10. Spanish Gipsy Dance (Pascual Marquina)

11. Jet Flight Edmundo Ros, Roland Shaw)

12. Vaya Con Dios (Buddy Pepper, Inez James, Larry Russell)

Laura Ann & Quatro Na Bossa - Summer Samba

noreply@blogger.com (Chumancera) — Sat, 14 Feb 2026 07:00:00 +0000

Laura Ann Singh es una cantante, artista discográfica y compositora estadounidense multilingüe, a menudo asociada con la música popular brasileña y los boleros latinos. Ha actuado internacionalmente en Europa, Rusia y Sudamérica, y con Miramar ha aparecido en Tiny Desk de NPR y ha sido cabeza de cartel del globalFEST en la ciudad de Nueva York. Ha grabado con Daptone Records, Barbès Records y Electric Cowbell, así como en docenas de grabaciones independientes. Su repertorio abarca toda América Latina, especialmente Brasil, pero incluye estándares del American Songbook, compositoras y música original..._(arts.vcu.edu)

Kevin Harding y Laura Ann Singh formaron Quatro na Bossa en 2003 a partir de su interés compartido por la historia de la música popular brasileña. El bajista Rusty Farmer y el baterista y compositor Scott Clark completan el cuarteto. Aunque en un principio exploraban composiciones de la época de la bossa nova (ca. 1960), ahora tocan una amplia selección de canciones brasileñas de diferentes regiones y épocas.
Kevin ha recibido clases de los guitarristas brasileños Romero Lubambo y Toninho Horta, y en Río de Janeiro con el guitarrista de choro Bilinho Teixeira, mientras que Laura Ann estudió con la vocalista Fabiana Cozza en São Paulo. Además de actuar en Virginia y en el área de Washington D. C., el cuarteto ha actuado en numerosas ocasiones en el Dizzy's Club Coca Cola (Jazz at Lincoln Center), con invitados como Nilson Matta, Maucha Adnet, Romero Lubambo, Rogerio Boccato y Harry Allen. También en Nueva York grabaron su primer álbum, Summer Samba, para el sello japonés Venus Records, con
la colaboración de Adriano Santos (batería) y Rodrigo Ursaia (saxofón y flauta). En otoño de 2012, el cuarteto lanzó su segundo CD, Bossa Nossa, con el baterista Rogerio Boccato. Actualmente están trabajando en su tercera grabación.

Quatro na Bossa espera poner de relieve el poder de la música popular brasileña para traspasar las fronteras del idioma y la cultura, el lugar y el tiempo._(quatronabossa)

Laura Ann & Quatro Na Bossa - Summer Samba (2015)

Temas:

01. Gentle Rain (Matt Dubey, Luiz Bonfá)

02. Jardim (Keren Ann Zeidel, Benjamin Biolay)

03. Dindi (Aloysio De Oliveira, Antonio Carlos Jobim)

04. Samba de Verao (Summer Samba) (Marcos E Paulo, Sérgio Valle)

05. Desafinado (Newton Mendonça, Antonio Carlos Jobim)

06. Eu Sei Que Vou Te Amar (Vinicius De Moraes, Antonio Carlos Jobim)

07. Flor de Lis (Djavan)

08. Lucidez (Cleber Augusto, Jorge Aragão)

09. De Conversa em Conversa (Lúcio Alves, Haroldo Barbosa)

10. Triste (Vinicius De Moraes, Antonio Carlos Jobim)

11. Que Pana (A. M. Diaz)

Musicos:

Laura Ann Boyd (Voz)

Kevin Harding (Guitarra)

Rusty Farmer (Bajo)

Adriano Santos (Batería)

Rodrigo Ursaia (Saxo, flauta)

Grabado en The Studio, Nueva York, el 1 y 2 de septiembre de 2007

Paquito D'Rivera & James Moody - "Who's Smoking?!"

noreply@blogger.com (Chumancera) — Sat, 07 Feb 2026 07:00:00 +0000

El entusiasmo que generó la llegada de Paquito D'Rivera a Estados Unidos en 1980 no ha disminuido. Pero el énfasis se ha desplazado desde hace tiempo de su deserción cubana a su pura musicalidad. Así debe ser, ya que su traslado original a Estados Unidos fue un paso musical, no político.
La combinación de pasión y pasión que impregnó su interpretación desde el principio se ha profundizado. La textura de sus pasajes de alto y soprano, y en particular de clarinete, se ha vuelto sedosa. Y su inventiva, siempre impresionante, ha florecido considerablemente.
Para esta sesión, reunió no sólo a importantes colaboradores del jazz latino como el trompetista Claudio Roditi y los pianistas Danilo Pérez y Pedrito López, sino también a distinguidos músicos tradicionales como el saxofonista tenor James Moody, el fliscornista Mark Morganelli, el bajista Harvie Swartz y el baterista Al Foster.
La combinación brilla en el percusivo tema inicial, Who's Smoking?!, un original de D'Rivera/Roditi. Tras un estribillo típicamente innovador de Moody, Paquito inyecta pasajes brillantes y explosivos, y Morganelli y Roditi lideran una carga transicional hacia Pérez.
John Coltrane's Giant Steps gets a distinctively new dimension from Moody's tenor and D'Rivera's clarinet. Moody's chorus, replete with glorious exploration, is breakneck. And Paquito, on this cut and later on I Mean You and Out of Nowhere, gives evidence that he is among a handful of supreme clarinetists. Together, he and Moody cut a new swath through the extraordinary changes.
D'Rivera pasa al saxo soprano para interpretar Irremediablemente Solo, un tema de tempo medio lleno de líneas descendentes sólidamente respaldadas por Pérez, Swartz y Foster. El saxo soprano de Paquito, que comenzó a tocar a los cinco años, tiene el mismo fuego que pone en el saxo alto y el clarinete.
Todo el conjunto, con Pedrito López al piano, vuelve para interpretar el tema original de Roditi, Linda's Moody. El sutil ritmo latino da paso a los solos de Roditi, Moody y López.
D'Rivera se desliza sobre la base percusiva de su uptempo Desert Storm con el saxo soprano. A su estribillo le siguen las ricas explosiones del fliscorno de Roditi, antes de que el pianista Pérez construya un solo que va desde los graves retumbantes hasta las vertiginosas escalas.
El pianista López regresa con su propia composición, Nuestro Bolero, y D'Rivera elige el saxo alto para crear un ambiente romántico. Swartz, cuyo bajo pizzicato le da a todo una columna vertebral formidable, está especialmente sabroso en este tema, contrarrestando las líneas líricas de Paquito con miel.
D'Rivera pasa al clarinete y se luce en I Mean You, de Thelonious Monk, que también brinda a Pérez y Swartz la oportunidad de brillar por sí mismos.
You Got It, Diz!, un tema original de Pérez, comienza con una introducción en conjunto al estilo de Monk, y luego D'Rivera lo lleva adelante con rápidos pasajes de saxo alto. Roditi maneja su coro con más suavidad durante unos compases, luego se adentra en el tempo y finalmente se aparta para dar paso a las vibrantes cascaras de Moody.
El final, Out of Nowhere, es un dúo magistral entre D'Rivera al clarinete y Swartz al contrabajo. Rebosa la dinámica y la inventiva de Paquito, con sus líneas suaves y susurrantes que recuerdan el sonido único del clarinete que Tony Scott grabó en los años 50. Swartz es toda la base que D'Rivera necesita para sus saltos de octava y sus líneas de filigrana.

D'Rivera me dijo en una entrevista en 1982: «Mi música es una mezcla de tres cosas principales: la formación clásica, mis raíces cubanas y la tradición del jazz». Las tres están aquí gloriosamente presentes._Stuart Troup. Coautor de la autobiografía de Woody Hennan, The Woodchopper's Ball (E. P. Dutton)

Paquito D'Rivera & James Moody - "Who's Smoking?!" (1991)

Temas:

01. Who's Smoking?! (Paquito D'Rivera & Claudio Roditi)

02. Giant Steps (John Coltrane)

03. Irremediablemente Solo (Incurable Alone) (Avelino Muñoz)

04. Linda's Moody (Claudio Roditi)

05. Desert Storm (Paquito D'Rivera)

06. Nuestro Bolero (Pedritp Lopez)

07. I Mean You (Thelonious Monk)

08. You Got It, Diz! (Danilo Perez)

09. Out Of Nowhere (Edward Heyman & Johnny Green)

Musicos:

Paquito D'Rivera (Saxo alto, saxo soprano, clarinete)

Claudio Roditi (Trompeta, fliscorno)

Mark Morganelli (Fliscorno)

James Moody (saxo tenor)

Danilo Pérez (Piano)

Pedrito López (Piano)

Harvie Swartz (Bajo)

Al Foster (Batería)

Grabado: 21 y 22 de mayo de 1991 en BMG Studios, Nueva York

Carmen Cavallaro - Cavallaro With That Latin Beat

noreply@blogger.com (Chumancera) — Sat, 31 Jan 2026 07:00:00 +0000

Carmen Cavallaro (6 de mayo de 1913 - 12 de octubre de 1989) fue un pianista estadounidense de música ligera, uno de los más expertos y admirados de su generación.
Nacido en la ciudad de Nueva York, era conocido como el “Poeta del Piano”. Ya con tres años mostraba aptitudes musicales, tocando melodías con un piano de juguete. Sus padres de origen italiano estimularon su talento musical y estudió piano clásico en los Estados Unidos, viajando y tocando más adelante por muchas capitales de Europa.
Cavallaro desarrolló un estilo pianístico de brillantes y ondulantes arpegios para aumentar su melodía. Entre sus intereses musicales destacaban la música de baile, particularmente los ritmos latinos y tangos, así como los arreglos pop y jazz de melodías clásicas. En este aspecto, a menudo se le cita por haber sido influenciado por el pianista Eddy Duchin. A su vez, Liberace fue muy influenciado tanto por Cavallaro como por Duchin.
Cavallaro fue nombrado miembro de la ASCAP en 1957.Varias de las canciones escritas por él alcanzaron una gran popularidad, destacando de entre ellas "While the Nightwind Sings" y "Masquerade Waltz".
Cavallaro se casó con Wanda Cavallaro el 6 de mayo de 1935. La pareja tuvo tres hijos, y se divorciaron el 26 de diciembre de 1958.

Carmen Cavallaro falleció a causa de un cáncer en 1989 en Columbus (Ohio). Fue enterrado en el Cementerio Mount Hope de Hastings-on-Hudson, Nueva York._(wikipedia)

A lo largo de mi trayectoria en el principal periódico del suroeste, hemos tenido la oportunidad de entrevistar a personalidades del mundo del espectáculo, desde Maria Callas hasta Elvis Presley. Invariablemente, las conversaciones han abordado el estado de la música popular en general y la influencia del rock and roll en particular.

Se han publicado miles de palabras en un esfuerzo por analizar este estancamiento. Algunas personalidades han ofrecido teorías complejas, mientras que otras responden con un resignado encogimiento de hombros.

Carmen Cavallaro visitó a Dalias recientemente y surgió la inevitable conversación. Su respuesta fue concisa, que debería reflejar la opinión de quienes defienden el buen gusto en la música popular.

"Nunca me preocupo por las tendencias musicales", dijo. "Siempre habrá un mercado para la buena música, y es con ese tipo de música con el que me he asociado desde que dirigí una banda".

Cavallaro, uno de los pianistas más talentosos de nuestro tiempo, es una autoridad reconocida en música latina. Algunas de sus primeras grabaciones ayudaron a familiarizar al público nacional con el ritmo latino que ha evolucionado desde la rumba hasta el cha-cha-chá.

Carmen's Sheaffer-sponsored radio series, frequent guest appearances on TV and featured roles in musical films helped make his name synonymous with tbe cxciting rhythms stemming from_Latin origin.

In the hey-day of the big bands, Cavallaro's ranked among the most popular which toured Arnerica. When that day passed, he was quick to acknowledge the end of an era and readjusted to tbe intirnacy of a combo.

Supper clubs were fast to bid for his services, and a new career was carved in the plush atmosphere of the luxury hotels which mushroomed across postwar Arnerica.

Over the years, it has been our good fortune to remain in close contact. His travels brought him to "Big D"·on numerous occasions, enabling us to maintain a keen eye on tbe progress of his career.

Ha tenido algunos altibajos deliciosos, mezclados con ocasionales bajas. Sin embargo, ya fueran altas o bajas, nunca perdió de vista los altos estándares que se fijó como meta musical.

Ya sea una sesión en The Embers en Nueva York, una impresionante producción latina en Río, un swing desinhibido en Las Vegas o baladas de ensueño en Dallas, Cavallaro siempre ha mantenido una merecida reputación de calidad y buen gusto.

En ese sentido, no dudamos en compararlo musicalmente con el fallecido Tommy Dorsey, cuya música hemos considerado la "vara de medir" de toda la industria musical.

Al producir "Cavallaro With That Latin Beat", Brunswick ha añadido una joya a su colección de música soberbia. Asistimos a varias de las sesiones de grabación de este álbum, que Carmen grabó en Dallas. Como era de esperar, fue el primer "nombre famoso" en reconocer y aprovechar las excelentes instalaciones que ofrece este lugar.

Cuenta con el respaldo de la misma sección rítmica que presenta en su espectáculo en clubes nocturnos. El baterista Paul Guerrero y el bajista Reinhold O. Press Jr. son graduados de la famosa Escuela de Música del cercano North Texas State College. Se complementan con la exquisita y elegante guitarra de Lee Robinson. El trío se complementa con el percusionista Tommy Gwin, antiguo acompañante de Dorsey, quien comparte algunas de las grandilocuentes secuencias de batería con Guerrero.

Cavallaro siente un especial cariño por "Dolores my own". Es una composición original suya dedicada a su hija mayor. Nos encantó su nueva versión de "Voodoo moon", considerada por muchos la máxima expresión de su trabajo latino. Lo hemos escuchado arrasar en muchos espectáculos con esa pieza.

En resumen, compartimos una observación del eminente John Rosenfield, editor de entretenimiento y crítico de The Dallas News. Galardonado por la industria cinematográfica como Crítico del Año en 1957, los comentarios de Rosenfield son respetados por artistas de todos los ámbitos del espectáculo.

"No solo era un gran hombre", dijo de Cavallaro, "sino un artista verdaderamente talentoso".

Esta es, pues, la base de nuestra recomendación de que pongan "Cavallaro With That Latin Beat".

Contrariamente a la creencia popular, los tejanos no alardeamos cuando tenemos algo verdaderamente excepcional que ofrecer._Notas del álbum Tony Zoppi

Carmen Cavallaro - Cavallaro With That Latin Beat (1959)

Temas:

01. Enlloro (Voodoo Moon) (Julio Blanco Leonard, Marion Sunshine, Obdulio Morales)

02. Dolores, My Own (Carmen Cavallaro, Frank La Marr)

03. La Comparsa (Ernesto Lecuona)

04. Frenesi (Alberto Dominguez)

05. Andalucia ( Ernesto Lecuona)

06. Maria La-O (Ernesto Lecuona)

07. Adios (Eddie Woods, Enric Madriguera)

08. Poinciana (Song Of The Tree) (Buddy Bernier, Manuel Lliso, Nat Simon)

09. You Belong To My Heart (Agustin Lara, Ray Gilbert)

10. Green Eyes (Adolfo Utrera, Eddie Rivera, Eddie Woods, Nilo Menéndez)

11. Come Closer To Me (Al Stewart, Osvaldo Farres)

12. Perfidia (Alberto Dominguez, Milton Leeds)

Musicos:

Carmen Cavallaro (Piano)

Reinhold Press (Bajo)

Paul Guerrero (Batería)

Tommy Gwin (Percusión)

Lee Robinson (Guitarra)

The Tommy Dorsey Orchestra Starring Warren Covington - Tea For Two Cha Chas

noreply@blogger.com (Chumancera) — Sat, 24 Jan 2026 07:00:00 +0000

Thomas Francis Dorsey, (19 de noviembre de 1905, Shenandoah, Pensilvania, Estados Unidos – 26 de noviembre de 1956, Greenwich, Connecticut, Estados Unidos), nació en el seno de una familia cuyo padre fue profesor de música y desde pequeño a el y a su hermano, les enseña a tocar la trompeta, pero después de un tiempo alternando esta con el trombón, se decide por este ultimo instrumento. Con una sólida formación musical, ya a principios de los años veinte, organiza su primer grupo que codirige con su hermano Jimmy y que titula primero como «Dorsey’s Novelty Six» para luego rebautizarlo como «Dorsey’s Wild Canaries» actuando regularmente en Baltimore. En 1923, ambos hermanos entran en la orquesta de «Scranton Sirens» y al año siguiente dan un paso mas en su carrera pasando a ser miembro de los célebres «California Ramblers».
En la segunda mitad de los años veinte participará en una impresionante serie de discos como miembro de las diferentes orquestas donde toca en calidad de «sideman» junto a músicos de enorme prestigio en la época. No será sin embargo hasta 1935 cuando después de un distanciamiento con su hermano, Tommy forma la primera «Tommy Dorsey Orchestra» firmando a renglón seguido un contrato discográfico con el sello RCA.
Una vez perfeccionado el sonido, a mitad de camino entre la banda de Glenn Miller, cuya música es mas «sweet» y la de Benny Goodman, que toca exclusivamente swing, Tommy Dorsey, conquistará con su música a amplios sectores del publico que va a verle actuar y que lo mismo pedían una melodía para bailar con ese estilo romántico que le caracterizaba, como les hacia saltar de sus asientos con el swing mas irresistible. Esa sonoridad melódica irreprochable le valdrá que muy pronto sea conocido como «The Sentimental Gentleman Of Swing».
Por los pupitres de su orquesta pasaron infinidad de grandes músicos y arreglistas y cantantes entre los que destacó sin duda, el maravilloso Frank Sinatra que colaboró sin ningún genero de duda en popularizar el jazz y la orquesta de Dorsey entre el publico americano. Con el final de la era del swing y la desaparición de prácticamente todas las bigbands del jazz, Tommy Dorsey disolvió la suya y empezó un periodo de colaboración con Hollywood de la que salieron varias películas interesante sobre todo en el aspecto musical. Por suerte el paro de la orquesta es temporal y en 1953 decide junto a su hermano una vez reconciliado, formar de nuevo la famosa «Dorsey Brothers’ Orchestra» que se mantendrá con relativo éxito durante tres años mas.
En 1956 una indigestión combinada con la administración de varios fármacos para dormir, le provocaron un paro cardiaco que acabó con su vida. Era el 26 de noviembre de 1956._(apoloybaco)

De vez en cuando, una grabación realmente "despega" y se dispara mucho más allá de las especulaciones más optimistas. Uno de los más recientes de estos "misiles musicales" es el cautivador nuevo arreglo de cha cha de Warren Covington del popular clásico "Tea For Two". Tras su espectacular éxito se esconde un sonido nuevo y fresco... un estilo único que ha conquistado el país.

En este álbum, escucharás a la famosa Orquesta Tommy Dorsey, protagonizada por Warren Covington, con una colección de brillantes arreglos al estilo del Tea For Two Cha Cha y el I Want To Be Happy Cha Cha; este último promete igualar o incluso superar al primero en popularidad.

La música cha cha ha estado durante mucho tiempo casi exclusivamente en el ámbito de los "demasiado mayores para el rock and roll". Eso fue hasta que Warren Covington presentó su emocionante nuevo arreglo y cautivó tanto a los adolescentes como a los aficionados incondicionales del cha cha cha. Ha creado un público nuevo y más amplio para la música cha cha cha... un público que... Incluye prácticamente a todos.

Wanen Covington, quien ha idolatrado a Tommy Dorsey desde tiempos inmemoriales, fue elegido para liderar la famosa orquesta "Tee Dee" poco después de la prematura muerte de su héroe y la consiguiente disolución de la orquesta. Para Covington, un joven y popular director, arreglista, músico y cantante, su codiciado puesto en el escenario de la fabulosa orquesta de Dorsey es "como un sueño". Para su vasto público... ¡es totalmente real!

The Tommy Dorsey Orchestra Starring Warren Covington - Tea For Two Cha Chas (1958)

Temas:

01. Tea For Two Cha Cha (Irving Caesar, Vincent Youmans)

02. Por Favor (Joe Sherman, Noel Sherman)

03. Patricia (Bob Marcus, Perez Prado)

04. I Still Get Jealous (Jule Styne, Sammy Cahn)

05. Corazon De Melon (Carlos Rigual Rodrigues)

06. Dardanella (BeFelix Bernard, Fred Fisher, Johnny S. Black)

07. Rico Vacilon (Rosendo Ruiz Jr.)

08. I Want To Be Happy (Irving Caesar, Vincent Youmans)

09. Together 1-2-3 (Al Castellanos)

10. Trumpet Cha Cha Cha (Billy Mure)

11. Dinah (Harry Akst, Joe Young, Sam Lewis)

12. Cha Cha For Gia (Henry Mancini)

Interactivo - Cubanos Por El Mundo

noreply@blogger.com (Chumancera) — Sat, 17 Jan 2026 07:00:00 +0000

Interactivo. Es una de las agrupaciones más aceptadas y seguidas por la juventud nacional. Desde las primeras presentaciones en distintos espacios capitalinos -apenas entrado el Siglo XXI- este sui generis proyecto musical no ha dejado de impresionar al exigente público especializado y a los admiradores del buen arte sonoro de la Isla.
Interactivo surgió en el año 2001 de manera espontánea, cuando Roberto Carcassés fuera el arreglista del primer disco de la multiinstrumentista y cantante cubana Yusa; ambos quedaron muy motivados con ese trabajo y a partir de entonces surgió la idea de convocar a otros músicos, convirtiéndose en uno de los sucesos más novedosos dentro de la música cubana actual.
No es una banda musical formalmente constituida, sino una agrupación a la que se suman instrumentistas y vocalistas que ya tienen, de manera individual, una sólida carrera profesional, y para los cuales Interactivo es una puerta abierta a la libertad musical creativa, al trabajo en equipo y a la experimentación.
Solo hay que compartir con ellos tras las “patas” de cualquier escenario, en una gira o ensayo, para darse cuenta que detrás de toda esa locura, de esas “tormentas de ideas” musicales, supuestamente descabelladas, hay toneladas de horas de estudio y preparación, conceptos bien claros de lo que pretenden hacer a través de esa urdimbre de géneros diversos, a la vez que cercanos; lo evidente de una estrategia que contempla el retozo serio con lo mejor de la música criolla y su fusión con el Rock, el Jazz, el Rap, el Flamenco y los Ritmos africanos. Músicas cercanas a pesar de distancias y barreras, músicas también nuestras en estos tiempos de mundialización y tantas influencias.
Así que Interactivo es laboratorio, taller, es postgrado... es paréntesis para compartir y conocer lo que están haciendo otros músicos, es el espacio al que siempre se quiere volver, porque no impone reglas que vayan más allá de los deseos de crear juntos buena música.
Desde el principio, Roberto Carcassés (hijo de Bobby Carcassés, grande entre los jazzistas cubanos), fundador y al frente del proyecto, sabía muy bien lo que pretendía con Interactivo.
Ya el primer CD, “Wanted”, advertía en uno de sus textos fundacionales: “...como su nombre pretende expresar, es un espacio de creación lo más abierto y ecuménico posible, que recibe y aporta influencias de todas las músicas de vanguardia cualitativa y que puede de hecho, convertirse en escenario por el que transiten los músicos cubanos, o de otras latitudes, con un discurso musical en común con sus integrantes. Interactivo es, sobre todas las cosas, buena música, hecha por jóvenes y talentosos músicos”.
Según el líder de la banda, “es la disposición de compartir música o, simplemente, de anular el ego o usarlo como una herramienta que te ayude a compartir. Yo tengo 30 músicos en el escenario y todos están en función de la música. Ese es el principio de Interactivo”. Y hay más: “nosotros estamos haciendo música, pero al mismo tiempo involucramos, como en este último concierto, a cineastas y a la televisión. Ellos no sabían cómo ponerse de acuerdo. Y yo les decía que esto se llama Interactivo porque hay que aprender a ponerse de acuerdo”.
Robertico organizó el proyecto Interactivo, con una pléyade de jóvenes de mucha aceptación: los más habituales en sus presentaciones han sido Francis del Río y la rapera Telmary Díaz, el guitarrista Elmer Ferrer, el saxofonista Roberto Martínez, Adel en las congas y Wilson. También se han unido con frecuencia Yusa en el bajo, William Vivanco y Kelvis Ochoa, cantautores de sólidas carreras que han sido “enganchados” por el juego Interactivo.

Otros que han participado en el proyecto son en el drums Oliver Valdés y Rodney Barreto, bajo Carlos Ríos, en la guitarra Raul Verdecia, congas Yaroldi Abreu, trompeta y voz Julio Padrón, trompeta Alexey Barroso, saxo Carlos Miyares y David Suárez, trombón Juan Carlos Marín, coros y guiro Brenda Navarrete, coros Lisset Ochoa y Marjorie Rivera..._(ecured)

«Cubanos por el mundo» es el título de la primera gira que el grupo Interactivo realizará por varias provincias del país, del seis al 24 de febrero próximo, bajo la dirección del destacado músico Roberto Carcassés, informó AIN.

El periplo lleva el nombre de la última producción discográfica de esa agrupación, grabada por la disquera Bis Music de Artex y que fue muy bien acogida por el público desde las primeras presentaciones, según indican los organizadores del recorrido.

Esta serie de conciertos presentará el quehacer de ese elenco de talentosos jóvenes, vanguardia de un movimiento alternativo que fusiona barios géneros musicales como la salsa, la timba, el pop, el rock, el hip-hop y ritmos afrocubanos, a la que Carcassés denomina Timba Funky, o música cubana contemporánea.

William Vivanco, Francis del Río, Kelvis Ochoa, Oliver Valdés, Julio Padrón, Telmary y Elmer Ferrer, entre otros, se integran bajo el ensamble Interactivo donde, aseguran, se logra una gran apertura para la creación musical, la innovación y el trabajo en equipo.

Surgido hace más de una década, el conjunto ha demostrado su capacidad interpretativa en los más exigentes escenarios dentro y fuera de Cuba, con gran aceptación del público y la crítica especializada.

En el 2006 fueron merecedores del Gran premio Cubadisco con el álbum Goza pepillo, además acapararon los primeros lugares en las categorías de Fusión y Ópera Prima de este certamen.

La música de Interactivo a lo largo de su existencia ha estado marcada también por la impronta de músicos de generaciones, orígenes y tendencias musicales diversas, pues a la banda se han sumado ocasionalmente figuras como: los bateristas Samuel Formell, Ruy López-Nussa, Amed Michel, Frank Durán y Ramsés Varal; los raperos Kumar y el grupo Free Hole Negro; los percusionistas Alejandro Aparicio "El Pícaro" y Pancho Terry; el trompetista Yasek Manzano y el trombonista Juan Carlos Marín; los saxofonistas Román Filiú e Irving Acao; el bajista Omar Pérez; los cantautores Santiago Feliú, Kelvis Ochoa, Gema Corredera y Pavel Urquiza, y la cantante Haydeé Milanés; el compositor y bajista Descemer Bueno; músicos de Habana Abierta, y muchos otros. También en estas descargas han participado el brasileño Lenine y los integrantes del grupo español Ojos de Brujo.

Interactivo es pues un maravilloso laboratorio del que emana la sonoridad cubana de estos tiempos, y sus músicos están escribiendo páginas que habrán de ser tenidas muy en cuenta, cuando se aborde la historia sonora de la Isla en el siglo XXI._(juventudrebelde)

Interactivo - Cubanos Por El Mundo (2010)

Temas:

01. Tocando Mientras Llueve

02. Chica Cubana

03. Chiqui Chaca (Cadaver Exquisito)

04. Que Ya No Hay Amor

05. Samba De Los Cotuntos

06. Que No Pare El Pare

07. Rumba Contigo

08. Sali De Mi Casa Un Dia (Jana)

09. Para Alegrarte El Corazon

10. Cubanos Por El Mundo

11. LLuvia De Sentimiento

Musicos:

Roberto Carcassés (Piano, rhodes, voz, coros, palmas)

Carlos Ríos (Bajo, coros)

Feliciano Arango (Bajo)

Néstor Del Prado (Bajo)

Rodney "Barretico" Yllarza Barreto (Batería)

Oliver Valdés (Coros, tamborine, shaker, pandeiro)

Adel Gonzalez (Percusión)

Julio Padrón (Trompeta, voz, coros, palmas)

Juan Carlos Marin (Trombón)

David Suarez (Saxo tenor, saxo soprano)

Carlos Miyares (Saxo tenor)

Elmer Ferrer (Guitarra eléctrica)

José Luis Martínez (Guitarra eléctrica)

William Vivanco (Guitaras, voz, coros)

Lisset Ochoa (Coros, palmas)

Marjorie Rivera (Coros, palmas)

Yusa (Voz, palmas)

Francis del Río (Voz, coros)

Telmary Díaz (Voz)

Melvis Santa (Voz)

Descemer Bueno (Voz)

Santiago Feliú (Voz)

David Torrens (Voz)

Oscar Valdés (Voz)

Bobby Carcassés (Voz)

Kelvis Ochoa (Voz)

Fahir Atakoglu - Live At Umbria Jazz

noreply@blogger.com (Chumancera) — Sat, 10 Jan 2026 07:00:00 +0000

Mustafa Fahir Atakoğlu (pronunciación turca: [faːˈhiɾ ˈatakoːɫu], nacido el 28 de enero de 1963) es un pianista y compositor turco-estadounidense que ha colaborado con una amplia gama de artistas en diversos géneros musicales, desde música sinfónica hasta jingles publicitarios. Nació en Estambul, Turquía.

Desde los siete años, Atakoğlu se interesó por la música y comenzó a tocar el piano y la batería. Aunque su familia deseaba que siguiera con el negocio familiar, su madre fomentó su pasión por la música y, gracias a su profesor de música, Muzaffer Uz, conoció a Cemal Reşit Rey, el famoso compositor, pianista, guionista y director de orquesta turco. Atakoğlu estudió con Rey de 1977 a 1979. Asistió al Conservatorio Estatal de Estambul de 1978 a 1980. En 1980 se trasladó a Londres y durante cinco años estudió en la London School of Music y en el Croydon College. Se graduó en marketing y publicidad en el Croydon College en 1983 y regresó a Estambul para trabajar como compositor de jingles publicitarios..._(wikipedia)

Fahir Atakoglu es un habitual del circuito de festivales, y esta grabación se realizó en una de esas actuaciones. La tecnología se ha utilizado con maestría, y el Teatro Morlacchi de Umbría proporciona la calidez y la nitidez perfectas para esta grabación impecable, caracterizada no solo por el sonido voluptuoso del piano de cola Fizoli que toca Atakoglu, sino también por el sonido cincelado del bajo y la precisión de la batería de Horacio «El Negro» Hernández. Fahir Atakoglu debió de sentirse muy a gusto con el ambiente del auditorio, y al parecer, también el público, que permaneció sorprendentemente silencioso para un evento de esta envergadura. De hecho, la interpretación alcanza un clímax sonoro constante durante poco más de una hora.

Atakoglu interpreta composiciones originales, algunas de las cuales datan de su álbum de quintetode 2008. Los deliciosos ululatos crean la atmósfera de un zoco de Oriente Medio resplandeciente de color, con ecos de pregones de vendedores en las partes vocales cantadas por el pianista. Su interpretación, sin embargo, no es ni meticulosa ni una reproducción seca y literal de la ambientación del mercado, sino que utiliza ambos tipos de evidencia como punto de partida para un enfoque original y convincente. «Faces» es un buen ejemplo, ya que la concepción de Fahir Atakoglu para construir la textura esencialmente elude la de la mayoría de sus contemporáneos y se adentra en un reino marcado por la amplia influencia de las preferencias culturales moriscas y gitanas, fusionando ambas como una especia exótica de un Gran Bazar.

El fluido, versátil y sensible al timbre Fahir Atakoglu es un técnico de excepcional elegancia y sofisticación. Parte de esa sofisticación reside en su negativa a deslumbrar. La técnica se pone siempre al servicio de fines estrictamente musicales. El gusto y la sensibilidad son de suma importancia, y su interpretación al piano fluye como un aceite perfumado. Su ejecución se caracteriza por una inflexión sumamente melódica, y es sinuosa, natural y discretamente sensual; la paleta tonal es siempre refinada, y la polifonía que impregna las texturas musicales es eminentemente clara, pero nunca ostentosa.

A lo largo de toda la obra, Fahir Atakoglu se revela como un pianista excepcional. Pero también lo hacen el bajista Alain Caron y el baterista Horacio "El Negro" Hernández. Caron es un músico sublime que se sitúa en una élite entre los bajistas. Su bajo y sus amplificadores proyectan su sonido característico sobre la expectante atmósfera del auditorio. El repiqueteo y el zumbido de la batería de "El Negro" Hernández —un enorme conjunto de instrumentos afinados y una profusión de platillos— se interpretan con la pompa y solemnidad que lo caracterizan. Este conjunto de acompañamiento proporciona un gran estímulo al pianista, permitiéndole ir aún más allá de sus límites. Si a esto le sumamos la magnífica calidad de sonido, el resultado es una experiencia grabada verdaderamente inolvidable para disfrutar una y otra vez._ Raul Da Gama (latinjazznet)

Fahir Atakoglu - Live at Umbria Jazz (2016)

Temas:

01. Beyoglu

02. Sync-op

03. Aheste

04. Faces

05. Gypsy In Me

06. Connection

07. Black Sea

08. Ess

09. Trapped

10. Saturday

Musicos:

Fahir Atakoglu (Piano)

Alain Caron (Bajo eléctrico)

Horacio "El Negro" Hernández (Batería)

Stan Getz & Joao Gilberto - Getz / Gilberto

noreply@blogger.com (Chumancera) — Sat, 03 Jan 2026 07:00:00 +0000

En noviembre de 1962, varios músicos brasileños importantes, entre ellos João Gilberto, Oscar Castro-Neves, Luis Bonfá y Sergio Mendes, llegaron a Nueva York para ofrecer un concierto en el Carnegie Hall. Si bien Stan Getz no tocó en el concierto (y es posible que ni siquiera asistiera), el éxito de su álbum «Jazz Samba» (codirigido con Charlie Byrd) había impulsado el interés estadounidense por la bossa nova. Muchos brasileños decidieron quedarse en Nueva York unos meses para aprovechar la popularidad del género. El productor de Getz en Verve, Creed Taylor, decidió reunir al saxofonista con varios de ellos para crear una colección de discos de bossa nova que publicaría a lo largo de varios años.

Grabado en marzo de 1963, “Getz/Gilberto” fue un auténtico encuentro entre músicos brasileños: Getz al saxo tenor, Antonio Carlos Jobim al piano y João Gilberto a la guitarra y con voz en portugués. Los acompañaban otros dos brasileños: el bajista Sebastião Neto y el baterista Milton Banana. Gilberto era un conocido recluso, y la esposa de Getz fue llamada para recogerlo de su hotel, situado a pocas manzanas. Es posible que durante esta negociación, la esposa de Gilberto, Astrud, fuera invitada a participar y cantar las letras en inglés de dos de las canciones. Sea como fuere, la voz tímida y susurrante de Astrud fue probablemente la clave del éxito que finalmente alcanzó el álbum.

Sin ella (o sin otra vocalista), “Getz/Gilberto” habría sido un álbum de música brasileña magníficamente interpretado, pero la voz sin restricciones de Astrud llevó las tiernas y melancólicas letras de “La chica de Ipanema” y “Corcovado” al público estadounidense. En general, el álbum no es muy arriesgado —ni Jobim ni los Gilberto eran improvisadores consumados, y Getz parece contenerse en todos los temas excepto en “Só Danço Samba”—, pero la química musical es visceral, desde los delicados obbligatos de Getz hasta la voz y guitarra discretas (pero muy influyentes) de João Gilberto, los delicados solos de piano de Jobim y el impecable ritmo entre Neto y Banana.

Stan Getz & Joao Gilberto - Getz / Gilberto (1964)

Temas:

01. The Girl From Ipanema - Voz Astrud Gilberto

0 2. Doralice

03. Para Machuchar Meu Coração

04. Desafinado

05. Corcovado - Voces Introducción Astrud Gilberto

06. Só Danço Samba

07. O Grande Amor

08. Vivo Sonhando

Musicos:

João Gilberto (Guitarra y voz)

Stan Getz (Saxo tenor)

Tommy Williams (Bajo)

Astrud Gilberto (Voz)

Antonio Carlos Jobim (Piano)

Milton Banana (Batería)

Grabado por Verve el 18 y 19 de marzo de 1963 en la ciudad de Nueva York

Joaquín Pozo - Ahora Vengo Con Rumba

noreply@blogger.com (Chumancera) — Sat, 27 Dec 2025 07:00:00 +0000

Cuba es un país de Reyes del Tambor, uno de esos reyes fue Chano Pozo, paradigma de los percusionistas, conguero mayor que abrió el camino de muchos músicos cubanos en New York. Heredero de ese gran maestro sagrado y mítico, es Joaquín Pozo Calderón.
Joaquín es nieto de Domingo, primo hermano de Chano Pozo, Domingo era un habanero gozador de la rumba, aunque la matriz de la obra musical de Joaquín viene de su padre, un compositor guantanamero, de nombre Perico Jorge Pozo Sayú, compositor de los hits de Pello El Afrokan, “Ajá, Que Risa Me Da”, “La Negra Quiere Chocolate” o “Perico Esta Llorando”, entre otras muchas.
“Mi padre (cuenta Joaquín) vivía en el solar de La California, famoso por las rumbas que organizaba Chano Pozo en la década de 1940. Yo fui respirando ese ambiente, donde había que tocar, y tocar bien, en este mundo de conocedores exigentes, no se aceptan lo malos tocadores”.
La frase de un rumbero lo dice “Si no sabes…no te metas”. Eso es lo que se llama escuela de la percusión tradicional oral. Yo fui aprendiendo, tocando el quinto, junto a mi papá en las rumbas y congas carnavalescas. En las congas de la comparsa “La Boyera”, una de las más famosas en La Habana.

Joaquín nace en el famoso barrio de la Victoria, en la época que antecede a la revolución, donde vivieron Benny Moré y Abelardo Barroso. Joaquín empieza a tocar profesionalmente en 1985 en el grupo Orú, del guitarrista Sergio Vitier, Conel que viaja por primera vez al exterior, Posteriormente se integra en la Jazz Band “La Grande de Benny Moré” para viajar a México.

En los inicios del boom de la salsa cubana sobre 1991, se integra en el grupo Layé donde coincide con Fidelito Morales, Pepe Maza y Armando Gola. Está dos años con ellos haciendo múltiples giras por todo el mundo. Posteriormente pasa una etapa en la que llega a entrar en el profesorado del Centro Nacional de Superación artística y Escuela Nacional de Arte, también empieza a dar clases a multitud de percusionistas de todas las nacionalidades que se interesan por su trabajo y aprender de él . Fruto de este período nace su proyecto Latín Millenium, en esta experiencia Joaquín monta un set de seis tumbadoras, que es algo asombroso, con este proyecto creará un concepto rítmico con la base de la conga y del timbal._ (latinpulsemusic)

Nieto de un primo de Chano, hijo de un famoso compositor, Joaquín Pozo, conguero de pura cepa, lo demuestra con creces. Y lo hace con maestría, creando figuras que realzan la tensión y el ritmo de la música bajo la voz de Jesús Zayas. Cuatro percusionistas se unen a un coro que incluye a algunos de los integrantes de la cantera de Envidia, como Ciso Guanche y Bárbaro López, además de Diamara Mesidor. Uno podría pensar: «Hmm, otro disco de rumba». Pero no hay suficientes grabaciones de este género, especialmente con esta calidad; es hora de reconocer el mérito de Envidia por haber grabado tanto. Es históricamente importante y musicalmente excelente._ Peter Watrous

Joaquín Pozo - Ahora Vengo Con Rumba (2006)

Temas:

01. Congo No Tiene Mayoral

02. No Me Abra La Rumba

03. Yambu De La Habana

05. Olokun

06. Rumba De Cayo Hueso

07. Obatala

08. Que Rico Esta Esto

09. Columbia Entre Hermanos

10. Fiebre

Musicos:

Joaquín Pozo (Congas y güiro)

Laázaro A. Quesada (Clave y güiro)

Mario Martínez "Mayito" (Tres golpes)

Jesús Gilberto Zayas "El Corto" (Voz solista)

Diamara Mesidor (Coros)

José Miguel Meléndez (Coros)

Bárbaro López (Coros)

Ciso Guanche (Coros)

Antonio Martínez "Tony" (Tumbadora y bata)

Kenny Burrell - Have Yourself a Soulful Little Christmas

noreply@blogger.com (Chumancera) — Sat, 20 Dec 2025 07:00:00 +0000

Kenneth Earl Burrell, conocido en el mundo profesional del jazz, como Kenny Burrell (31 de julio
de 1931. Detroit, Michigan), nació en una de las grandes localidades del blues en los EE.UU. la muy industrial ciudad de Detroit. En su familia todos eran músicos y el ambiente no podía ser mas propicio para un joven que pronto se agarró a la guitarra de su hermano adoptando desde entonces el instrumento de cuerdas. Burrell comenzó a tocar la guitarra a los 12 años y rápidamente cayó bajo la influencia de artistas como Charlie Christian, Django Reinhardt, Oscar Moore, T-Bone Walker y Muddy Waters. Rodeado por la vibrante escena de jazz y blues de Detroit, Burrell comenzó a tocar en la ciudad y contaba entre sus amigos y compañeros de banda con el pianista Tommy Flanagan, los saxofonistas Pepper Adams y Yusef Lateef, el baterista Elvin Jones y otros. En 1951, le llega el primer contrato serio de la mano de un genial trompetista llamado Dizzy Gillespie, que por aquel entonces dirigía un sexteto donde también tocaba el vibrafonista Milt Jackson, y un jovencísimo saxo tenor que años mas tarde revolucionaría el mundo del jazz llamado, John Coltrane. Precisamente con el quinteto de John Coltrane, Kenny Burrell grabaría años mas tarde, en 1958, dos discos de culto en su discografía.

A mediados de los cincuenta, Burrell Interrumpe brevemente su carrera musical para terminar los estudios de guitarra clásica en la «Wayne University» donde termina graduándose en 1955 con un diploma de »Bachelor of Music». Al año siguiente lo llaman para acompañar a Billie Holiday, en un magno concierto en el Carnegie Hall grabado por el sello Verve. Como recompensa a su buen hacer, empieza a ser llamado por diferentes grupos de jazz de distintos estilos. Así toca con los «Jazz Prophets» de Kenny Dorham, con Gene Ammons, y sobre todo con el organista, Jimmie Smith, con quien ha grabado numerosos y espléndidos disco para Blue Note. Pero Kenny Burrell, tiene también una amplia y excepcional discografía como líder de grupo y para los sellos mas prestigiosos como: Prestige, Verve, Cadet o Blue Note.
Ya consolidado en la élite, le sale un dificilísimo competidor en la persona de Wes Montgomery, quien es prácticamente el mejor guitarrista en aquella época. En 1965 graba para Verve, el que es considerado uno de sus mejores discos: «Guitar Forms». Abre un local de jazz al que bautizó como: «The Guitar» y en los años setenta y ochenta viaja por todo el mundo para establecerse definitivamente en la Costa Oeste de los EE.UU. donde vive retirado en la actualidad._(apoloybaco)

Se han utilizado muchos adjetivos para transmitir el sentimiento navideño. "Alegre", "jovial" y "feliz" parecen haberse ganado el favor de la ciudadanía sensata. El resto de nosotros, que formamos parte de esa minoría marginal de "espíritus libres", somos un poco más desenfadados y recurrimos a términos como "genial", "maravilloso" o "fantástico". Pero una sola palabra, si todos la aceptaran racionalmente, bastaría: conmovedora. Porque eso es realmente lo que significa la Navidad. Se trata de esos sentimientos que trascienden la expresión humana, esas reflexiones que desafían la cristalización. No hay momento de mayor impacto emocional que eluda la definición. Este álbum es su invitación a disfrutar de una Navidad libre y conmovedora con un maestro expresionista. Más, nadie podría desear.

Kenny Burrell es miembro de la élite del jazz, supongo, aunque estoy seguro de que nunca se molestaría en hacer tales categorizaciones. Sin embargo, se encuentra en esa envidiable etapa de crecimiento en la que la mejora es una cuestión de desafío personal, ya que su interpretación ha superado todas las pruebas externas y ha sido aceptado como un artista verdaderamente consumado. La verdad es que un verdadero artista nunca está acabado. Burrell lo reconoce y por eso cada álbum que graba muestra un crecimiento y un desarrollo musical constantes. Este no es una excepción.

Hay una delicada sensibilidad en la obra de Burrell. Y hay un sentimiento blues recurrente. Detrás de estas dos cualidades se encuentran la habilidad técnica y el buen gusto que hacen que esa sensibilidad canta. Ya sea que esté tocando hábilmente una línea de una sola nota o llenando tu corazón con el sonido completo de un acorde, se muestra seguro y completamente cómodo con su instrumento. Hace que su música suene casi elementalmente fácil. En realidad, desarrolla líneas y patrones extremadamente complicados. Lo que disfrutamos es el arte, no la facilidad.

La característica más destacada de este álbum es su amplia y variada selección. Abarca desde canciones infantiles hasta estándares internacionales, desde temas populares hasta blues conmovedores, desde góspels hasta temas con sabor latino. Aunque la mayoría de ellos se han consolidado como canciones navideñas, varios de ellos no lo han sido hasta ahora. My Favorite Things nunca ha encontrado un escenario más apropiado que este álbum navideño.

The Little Drummer Boy es alegre y animado. Todos lo sabíamos. Burrell nos muestra aquí que también es un pequeño swinger muy funky. Incluso los brillantes y sobrios instrumentos de viento, que comienzan con tanta majestuosidad, se contagian y pronto se unen al baterista en pleno apogeo. Hove Yourself a Merry Little la Navidad fluye suave y fácilmente. Burrell se expresa con sencillez y un ligero toque de fraseo blues. Richard Evans proporciona un colchón fluido con las cuerdas, que se balancean ligeramente bajo la guitarra.

Burrell es lineal y directo en My Favorite Things. Hay un fondo grande y audaz que Evans ha utilizado con cuidado. El gran sonido nunca resulta pesado ni limitante, sino que ataca y puntúa como un único instrumento. El solo de Burrell aquí es una amplia prueba de la complejidad y flexibilidad del músico.

Tal y como comienza aquí, Away in a Manger es una canción de cuna. Desde un comienzo suave, Burrell construye una declaración intensamente personal y conmovedora. Una vez más, las cuerdas, que a veces tienen la desafortunada tendencia a volverse empalagosas, siguen siendo ecos fluidos y el suspiro final les pertenece.

El aderezo latino viene con el sencillo Mary's Little Boy Chile. Justo después viene el clásico White Christmas. Aquí Burrell muestra el buen gusto que lo hace destacar. No usa trucos ni adornos extra para darle vida a la conocida melodía. La presenta con una hermosa sencillez.

God Rest Ye Merry Gentlemen empieza con el tono alegre y ligero que asociamos con la melodía inglesa. Más que ninguna otra del álbum, esta melodía pronto se convierte en ese atractivo sonido antifonal por el que Burrell muestra cada vez más interés últimamente. Aquí le da una dimensión completamente nueva a una melodía familiar. The Christmas Song es otra vez una declaración directa. Pero, ¿qué músico con gusto alteraría la estructura básica cuando lo único que se necesita es sensibilidad en la interpretación?

Go Where I Send Thee comenzó su andadura como espiritual. Aquí, Burrell la interpreta a un tempo alegre y animado, y la melodía toma prestada la atmósfera de sus vecinas para convertirse en un especial navideño de gran sonido. Silent Night es familiaridad refinada y reafirmada, un ejercicio de moderación para el guitarrista. The Twelve Days of Christmas rebosa un alegre espíritu festivo y Burrell termina el álbum con un blues contemplativo, Merry Christmas, Baby.

La Navidad puede traerte muchos recuerdos. Si es así, este magnífico álbum, que muestra el talento de Kenny Burrell y Richard Evans, te proporcionará sin duda la música para recordar. Paz._Barbara J. Gardner

Kenny Burrell - Have Yourself a Soulful Little Christmas (1966)

Temas:

01. The Little Drummer Boy (Harry Simeone, Henry Onorati, Katherine K. Davis)

02. Have Yourself a Merry Little Christmas (Hugh Martin, Ralph Blane)

03. My Favorite Things (Rodgers & Hammerstein, Rodgers & Hammerstein)

04. Away in a Manger (Kenny Burrell)

05. Mary's Little Boy Chile (Jester Hairston)

06. White Christmas (Irving Berlin)

07. God Rest Ye Merry Gentlemen (Esmond Edwards, Richard Evans)

08. The Christmas Song (Mel Tormé, Robert Wells)

09. Go Where I Send Thee (Esmond Edwards, Richard Evans)

10. Silent Night (Kenny Burrell)

11. Twelve Days of Christmas (Esmond Edwards, Richard Evans)

12. Merry Christmas Baby (Johnny Moore, Lou Baxter)

Orquesta arreglada y dirigida por Richard Evans

Kenny Burrell (Guitarra)

Grabado: octubre de 1966, en Ter Mar Syudios, Chicago