Temas míticos del rock

Bruce Springsteen - Born In The U.S.A.

noreply@blogger.com (Manuel MS) — Tue, 04 Jun 2013 06:27:00 +0000

Volvemos a la carga, y lo hacemos con un tema de uno de los grandes del rock norteamericano. Hoy hablamos del Born In The U.S.A. de Bruce Springsteen, The Boss.

Born In The U.S.A. fue escrito en 1981 por el propio Springsteen como tema principal para una peĺícula que el director y guionista Paul Schrader tenía en mente. El resultado gustó tanto a Bruce que acabó incluyéndolo en su álbum con el mismo nombre del tema en 1984. A pesar de no ser publicado hasta Octubre de 1984, Born In The U.S.A. sonó en algunos conciertos que The Boss dio desde la composición del tema hasta su lanzamiento.

Portada del single Born In The USA

La canción es en parte un homenaje de Bruce a sus amigos que combatieron en la guerra de Vietnam así como una crítica por las dificultades que tuvieron los veteranos para volver a Estados Unidos tras la guerra y las secuelas que ésta deja a los ex combatientes.

En palabras de The Boss, la canción trata sobre un hombre de clase trabajadora que se encuentra perdido, como si no tuviese nada que lo ate a la sociedad, que ha sido aislado de su familia y se siente despreciado por el gobierno hasta el punto de que nada tiene sentido.

Para finales de Agosto el álbum Born In The U.S.A. ya había alcanzado un altísimo índice de popularidad, obteniendo un número bastante alto de ventas. Sus canciones sonaban en todas las cadenas de radio y el tour con el mismo nombre estaba teniendo una gran acogida de público.

Cuando la gira llegó a Washington acaparó aún más la atención de los medios que elogiaron al músico definiéndole como un ejemplo de los valores estadounidenses clásicos, obviamente no habían entendido en absoluto el mensaje que Springsteen pretendía transmitir. Fue entonces cuando en plena campaña electoral para la presidencia de Estados Unidos el gabinete del entonces presidente conservador Ronald Reagan propuso a The Boss que le apoyase en su campaña y así ganarse el voto de sus seguidores. Dicha propuesta, como era de esperar fue rechazada por un Bruce que no compartía las ideas del candidato a la presidencia.

A pesar de ello, en un acto de campaña, Reagan nombró a Springsteen en su discurso. Tras ello, varios periodistas que dudaban de que Reagan supiese siquiera quien era el cantante, le preguntó por su canción favorita, a la cual contestaron los asesores que era "Born to run". Durante un concierto The Boss hizo mención a este hecho afirmando que dudaba que se preguntaba cual sería el disco favorito del presidente y que dudaba que éste fuese Nebraska, que dudaba que lo hubiese escuchado.

Pocos días después fue el candidato de la oposición Walter Mondale quien intentó ganarse los votos de los seguidores de Springsteen afirmando que el cantante estaba apoyándole. El manager del cantante desmintió dicha afirmación y exigió una corrección por parte del gabinete del candidato, corrección que fue publicada.

Born In The U.S.A. alcanzó el número 9 en la lista de singles Billboard Hot 100 a finales de 1984 en Estados Unidos. En el Reino Unido también tuvo una gran acogida, llegado al quinto puesto en la lista de singles.

El tema no solo interesó a políticos para sus campañas políticas, también se interesaron por él publicistas. Springsteen rechazó una importante cantidad de dinero ofrecida por la empresa de automoción Chrysler para usar Born In The U.S.A. en los anuncios de sus vehículos.

Y, una vez contada la historia de este himno del rock, os dejo como viene siendo costumbre con un vídeo del mismo. En este caso el videoclip oficial del tema.

U2 - Sunday Bloody Sunday

noreply@blogger.com (Manuel MS) — Thu, 14 Jun 2012 14:13:00 +0000

Hoy os traigo un tema de otra de las bandas más mediáticas del rock y de las más comprometidas con los problemas de la sociedad. Hablamos del tema Sunday Bloody Sunday de U2, uno de los más conocidos de la banda y con un interesante mensaje.

Sunday Bloody Sunday es la canción de apertura y tercer sencillo del álbum War, publicado en marzo de 1983. El single solo fue publicado en Alemania y Holanda, mientras que en Estados Unidos, Reino Unido y Australia se lanzó el single “Two Hearts as One” en las mismas fechas.

Portada del single Sunday Bloody Sunday

El tema nace de un riff de guitarra y una letra compuestos por de The Edge mientras que Bono y su esposa Ali Hewson disfrutaban de su luna de miel. Después de que Bono trabajase en las letras, la canción fue grabada en los Windmill Lane Studios en Dublín. Finalmente se añadió a la canción un sonido de violín después de que el violinista Steve Wickham se acercase a Bono en una parada de autobús y le preguntase si necesitaban algún violín para su próximo disco. Bono aceptó y en solo medio día se añadió el sonido de violín a Sunday Bloody Sunday.

La letra de la canción habla sobre el Domingo sangriento, incidente ocurrido en una ciudad de Irlanda del Norte llamada Derry en 1972. Para el 30 de enero de ese año se había convocado una manifestación pacífica a favor de los derechos humanos y en contra del encarcelamiento sin juicio de sospechosos de pertenecer al IRA. Durante la manifestación algunos grupos comenzaron a lanzar piedras a las barricadas donde se encontraban los soldados del ejército británico, quienes tras responder con gas y balas de goma acabaron abriendo fuego contra los manifestantes. Catorce personas fallecieron, lo cual no hizo más que agravar la situación de Irlanda del Norte.

Al principio la canción causó controversia y se dijo que contenía un mensaje sectario. Incluso llegaron a decir que se trataba de una glorificación de los actos de ese día. Sobre ello se pronunció Larry Mullen Jr, batería de U2. Os dejo con su contestación:

Cuando hablas sobre el Domingo Sangriento de Irlanda del Norte, la gente tiende a pensar "Oh, esa vez en que 13 católicos fueron disparados por soldados británicos"; eso no es de lo que la canción trata. Eso fue un incidente; el más famoso en Irlanda del Norte, y esa es la forma más poderosa de decir "¿Cuánto tiempo? ¿Cuánto tiempo tenemos qué soportar esto?" No me importa quién es quién - católico, protestante, lo que sea. Saben que la gente muere todos los días por amargura y odio, y ¿nos preguntamos por qué? ¿Cuál es el punto? Y pueden ir a otro sitio como El Salvador, y encontrarán situaciones similares: gente muriendo. Olvidémonos de las políticas, dejemos de dispararnos entre nosotros y sentémonos en la mesa a hablar sobre ello.

Sunday Bloody Sunday es una de las canciones más interpretadas en los conciertos de U2 a pesar de que la banda irlandesa era reacia a tocarla en vivo al principio. La primera vez que tocaron el tema en directo fue en diciembre de 1982 en un concierto en Belfast previo al War Tour. Bono prometió no volver a tocar la canción si no le gustaba al público, no obstante, la audiencia acabó encantada con la interpretación del tema.

La banda utilizó la grabación de un concierto celebrado en 1983 para promocionar la canción. La filmación de dicho concierto fue dirigida por Gavin Taylor y fue lanzada al mercado con el nombre de Under a Blood Red Sky.

Y como es costumbre, me despido con el vídeo comentado, que ha sido catalogado por la revista Rolling Stone como uno de los 50 momentos que cambiaron la historia del rock.

Iron Maiden - The Number Of The Beast

noreply@blogger.com (Manuel MS) — Mon, 14 May 2012 15:42:00 +0000

A petición de algunos lectores, hoy os traigo este gran tema de una de las bandas más representativas del heavy metal británico. The Number Of The Beast de Iron Maiden es un tema de los más conocidos de la banda además de estar rodeado de polémica por asuntos religiosos.

El tema fue compuesto por el bajista y fundador de la banda Steve Harris inspirado por una pesadilla que tuvo tras ver la película Damien: Omen II (La maldición de Omen).

La canción se inicia con un pasaje del Apocalipsis recitado por el actor Barry Clayton. Según el vocalista de Iron Mayden, Bruce Dickinson la idea es que dicho fragmento fuese recitado por el actor Vincent Price aunque al final desecharon la idea por las altas pretensiones económicas (se negaba a hacer nada por menos de 25000 libras).

El single fue grabado en 1981 y publicado el 26 de abril de 1982 como segundo single del álbum con el mismo nombre. La portada del sencillo representa a la mascota de la banda “Eddie the Head” diseñada por Derek Riggs. El artista representó a través de las caratulas de tres singles de la banda una serie de representaciones de Eddie y Satán. La primera de ellas fue para el single Purgatory en la que se veía la cara de Satán deshaciéndose hasta convertirse en la cara de Eddie The Head. Para The Number Of The Beast, Riggs diseñó una carátula en la que se ve a la mascota de Iron Maiden sujetando cabeza de Satanás. El último diseño de esta trilogía de carátulas fue para el single Run To The Hills en la cual se representa una batalla entre Satán y Eddie.

Portada del single The Number Of The Beast

El vídeo muestra a la banda interpretando el tema a la vez que se van intercalando cortes de varias películas de terror entre las que se encuentran Godzilla o Nosferatu entre otras.

El contenido del vídeo así como el diseño de la portada del single provocó que surgieran gran cantidad de detractores de la banda, la gran mayoría grupos religiosos que acusaban a Iron Maiden de ser un grupo satánico. Estos mismos grupos organizaron durante el tour mundial del grupo The Beast On The Road de 1982 quemas de discos en forma de protesta que no consiguieron más que dar más publicidad aún al que hoy día es uno de los temas más conocidos de la banda.

Para terminar y como viene siendo costumbre os dejo con el vídeo musical de este The Number Of The Beast. Espero que lo disfrutéis.

The Beatles - Lucy In The Sky With Diamonds

noreply@blogger.com (Manuel MS) — Mon, 16 Apr 2012 16:27:00 +0000

Nos trasladamos de nuevo a los 60 para traeros un tema de The Beatles rodeado de cierta polémica debido a que se asoció el mismo a las drogas, en concreto al LSD. Hoy os traigo Lucy In The Sky With Diamonds.

El tema fue escrito por John Lennon aunque fue acreditada también a Paul McCartney (como hicieron con todos los temas que componían) y fue grabada por la banda británica para su álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band publicado en 1967.

Portada del álbum Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band

El tema, así como el álbum sigue una temática psicodélica tanto en las letras como en las composiciones musicales y ese, entre otros motivos propiciaron que el tema fuese asociado a las drogas.

Se llegó a comentar que incluso el título está relacionado con las drogas ya que las iniciales principales del título coincidían con el nombre de la droga sintética LSD (Lucy in the Sky with Diamonds), algo que Ringo Starr desmintió argumentando que el hecho de que las iniciales coincidan con LSD es pura coincidencia y que no se percataron de ello hasta que fue cuestionado tras su publicación.

Los componentes de la banda nunca ocultaron su consumo de drogas y recientemente Paul McCartney reconoció que el tema trataba sobre una alucinación. No obstante John Lennon confirmó que las imágenes psicodélicas a las que se hacen mención en el tema están inspiradas en la obra de Lewis Carroll: Alicia en el país de las maravillas. A raíz del tema de la banda británico, al LSD se le conoce como Lucy en el argot callejero.

Curiosamente la inspiración de la canción es un dibujo de Julian, hijo de John Lennon, que este le mostró al llegar de la escuela. El dibujo era de su compañera de clase Lucy y el mismo Julian fue el que le dio al dibujo el nombre de Lucy In The Sky With Diamonds que a su vez serviría como título y fuente de inspiración para el tema de The Beatles.

Para terminar, os dejo con el fragmento de la película Yellow Submarine en el que aparece el tema que os he traído hoy. Espero que lo disfrutéis.

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noreply@blogger.com (Manuel MS) — Mon, 19 Mar 2012 18:00:00 +0000

Hola a todos,

Para los que no la conozcáis aún, tenemos también una página en Facebook en la que puedes seguirnos.

Aquí colgaremos, además de los posts del blog, vídeos de los grandes del rock, efemérides importantes y quien sabe, en breve quizás tengamos algún sorteo.

Solo tienes que entrar en http://www.facebook.com/temasmiticosdelrock y darle a "Me gusta".

Pink Floyd - Another Brick In The Wall

noreply@blogger.com (Manuel MS) — Thu, 15 Mar 2012 20:29:00 +0000

Hoy os traigo otro de los temas que han marcado un antes y un después en la historia del rock, hablamos de Another Brick in the Wall del grupo británico Pink Floyd. El tema se divide en tres canciones repartidas por el álbum The Wall y que cuentan la historia de Pink, protagonista principal del argumento del disco.

Another Brick In The Wall fue compuesta al completo por el bajista de Pink Floyd, Roger Waters y es una dura crítica a la sociedad de su tiempo reflejadas a través del personaje Pink. El muro (The Wall) es una metáfora sobre una barrera que Pink crea a su alrededor para aislarse de la realidad.

Portada del álbum The Wall

En esta ocasión nos centraremos en la parte 2 de Another Brick In The Wall al ser la que más éxito obtuvo. El tema fue publicado quince días antes del lanzamiento del álbum como sencillo, cosa que no era muy habitual en Pink Floyd dado que no solían publicar sencillos que se encontrasen dentro de sus álbumes. El single obtuvo el número uno en las listas británicas, estadounidenses y de otros tantos países, convirtiéndose en el primer y único número uno de la banda.

Another Brick In The Wall Part II es una dura crítica al sistema educativo de los años 50 y sus estrictas normas, donde primaba la disciplina sobre el conocimiento y el aprendizaje de los alumnos. La parte que mayor expresa este sentimiento es el estribillo en el que se dice que no necesitan “no-educación” ni “control de los pensamientos” (We don't need no education, we don't need no thought control) y termina con un grito ordenando al profesor que deje a los niños en paz (Hey! Teacher! Leave us kids alone!). En referencia a la historia que se cuenta en The Wall, el profesor sería otra de las causas del aislamiento mental de Pink, expresado a través de la frase “Is just another brick in the wall” (Sólo otro ladrillo en la pared).

Para la grabación del tema se utilizó a un grupo de niños entre 12 y 14 años que estudiaban en un colegio cercano al estudio de grabación donde se grabó el tema. Esta idea fue del productor Bob Ezrin, que pretendía grabar con un coro de niños al igual que lo hizo Alice Cooper en su álbum School's Out.

El tema fue prohibido oficialmente por el gobierno de Sudáfrica en 1980 con el argumento de que incitaba a la juventud a provocar disturbios, aunque el motivo real es que Another Brick In The Wall fue adoptada como himno de protesta por los estudiantes negros en contra del apartheid.

Para terminar, y como viene siendo costumbre, os dejo con el videoclip de este gran tema que refleja a la perfección el mensaje de la canción, en la que se muestra a los alumnos como objetos sin alma que se moldean en una fábrica para "prepararlos" para el mundo exterior. Espero que lo disfrutéis.

Queen - The Show Must Go On

noreply@blogger.com (Manuel MS) — Thu, 08 Mar 2012 19:05:00 +0000

Hoy os traigo un tema en mi opinión de los más emotivos que se hayan podido componer, no solo por su fuerza y el sentimiento que transmiten sus letras, si no por el contexto en el que se compuso y la historia que hay tras de ella. Os hablo de The Show Must Go On de Queen.

The Show Must Go On es el último tema del álbum Innuendo de la banda británica y aunque los créditos son para toda la banda, fue compuesto en su totalidad por Brian May. El tema fue grabado en 1990 y publicado el 14 de octubre de 1991 en el Reino Unido y el 6 de febrero de 1992 en Estados Unidos.

Portada del single The Show Must Go On

El tema es un claro homenaje de Brian May a Freddie Mercury y a sus esfuerzos por seguir interpretando a pesar de encontrarse en los momentos finales de su vida. En aquel tiempo Mercury se encontraba ya muy debilitado por su enfermedad y apenas tenía fuerzas para grabar los temas del álbum, por lo que sus compañeros de Queen decidieron grabar las pistas musicales por separado y hacer que Freddie Mercury únicamente fuese al estudio para grabar las tomas de voz.

Debido al estado físico del cantante de Queen que Bryan May grabó con su voz algunos coros así como en ciertos fragmentos de la tema que contenían falsettos que eran muy altos pensando que Freddie no podría alcanzarlos. Pero cuando llegó el momento de grabar las voces, Mercury tomó un sorbo de vodka y dijo: “I'll fucking do it, darling”, y grabó la canción completa en una única toma.

La letra está cargada de metáforas y alusiones al deseo de vivir a pesar de desvanecerse las fuerzas. En palabras de Jim Hutton (compañero de Freddie Mercury durante sus seis últimos años de vida) el verso más realista es el que dice “My make-up may be flaking but my smile still stays on” (Mi maquillaje puede estar descascarillándose pero mi sonrisa aún se mantiene).

La enfermedad del cantate también influyó en el vídeo promocional del tema, que al no poder rodarse con imágenes del propio Freddie, consistió en un montaje de imágenes de vídeos promocionales anteriores y directos de la banda.

En el concierto homenaje a Freddie Mercury en Wembley de 1992, el tema fue interpretado por el resto de la banda junto a Elton John y Tony Iommi de Black Sabbath.

Para terminar como siempre, os dejo con el vídeo de este canto a la vida frente a la enfermedad, espero que lo disfrutéis.

Bob Dylan - Like a Rolling Stone

noreply@blogger.com (Manuel MS) — Wed, 15 Feb 2012 19:05:00 +0000

Hoy os traigo a otro de los grandes, Bob Dylan, con el que quizás sea su tema más conocido y sin duda el que más éxito obtuvo: Like a Rolling Stone.

El origen de la canción es un poema que Dylan escribió en Junio de 1965 tras regresar de una gira por Inglaterra. En aquellos momentos el artista se estaba replanteando su carrera musical debido al agotamiento y a las exigencias a las que estaba sometido, pero Like a Rolling Stone lo cambió todo ya que era algo totalmente suyo y hecho sin ningún tipo de presiones. Según palabras suyas la canción era un largo vómito de unas 10 páginas que poco a poco fue tomando forma musical.

La canción fue rodada en los estudios A de Columbia Records en junio de 1965 y fue producida por Tom Wilson. El característico sonido de órgano de Like a Rolling Stone fue interpretado por el guitarrista Al Kooper, que curiosamente acudió como invitado a los estudios. Pero durante la grabación, al ver que no daban con el sonido de órgano adecuado afirmó tener un buen pasaje de órgano para el tema y pidió una oportunidad para mostrarlo. Pese a que Wilson se opuso en principio afirmando que Kooper no era organista, finalmente accedió a que tocase el fragmento de órgano. Tras escuchar la grabación, todos quedaron impresionados, en particular el propio Dylan que insistió en que el órgano debía sonar más fuerte en la mezcla.

Respecto al lanzamiento, en un principio fue rechazado por la misma productora debido a la larga duración del tema (6 minutos) y a su sonido de rock estridente. Pero pocos días después de ser descartada, se filtró una grabación a una discoteca llamada Arthur a la que solían acudir celebridades y gente mediática del mundo del rock. La reacción tras ser pinchado no pudo ser mejor, la gente insistía en que se reprodujese una y otra vez y así fue. Al día siguiente, discjockeys de las principales estaciones de radio pidieron copias de la grabación para que fuese emitida.

Like a Rolling Stone fue distribuida en 2 caras, para que las emisoras pudiesen emitir la primera parte aunque por la gran demanda de los oyentes, el tema se acabó emitiendo por completo en prácticamente todas las cadenas de radio. Esto ayudó a que el tema se convirtiese en el mayor éxito de Bob Dylan, posicionándose en el número 2 de las listas americanas, por detrás del tema Help de The Beatles.

Otra peculiaridad de la canción es que a diferencia del resto de canciones contemporáneas que trataban en su mayoría sobre el amor, Like a Rolling Stone es una burla sobre alguien que lo tenía todo y ha caído en desgracia. La letra habla de un personaje imaginario (Miss Lonely) que había tenido una vida fácil y actualmente todo había cambiado.
A pesar de ironizar sobre la situación de Miss Lonely, en ciertas estrofas se puede apreciar como acaba compadeciéndose del personaje, incluso haciéndole ver que el ser invisible para todo el mundo puede llegar a ser incluso liberador.

Una prueba de lo influyente que ha sido Like a Rolling Stone es la gran cantidad de versiones que han hecho otros artistas del tema, entre ellos algunos tan conocidos como The Rolling Stones, Jimi Hendrix, The Wailers y un largo etcétera.

Finalmente y para disfrute de vuestros ojos y oídos os dejo con esta interpretación en directo del tema en directo, espero que os guste y hayáis disfrutado aprendiendo algo sobre este auténtico temazo.

R.E.M. - Losing My Religion

noreply@blogger.com (Manuel MS) — Tue, 10 Jan 2012 20:14:00 +0000

Volvemos a la acción con uno de los temas insignia de una banda que desgraciadamente hace poco decidió terminar su carrera musical. En efecto, os hablo de R.E.M. y de su Losing my Religion, un tema que a pesar de su sencillez instrumental se ha convirtió en todo un éxito.

Losing my Religion nació del proceso de aprendizaje del guitarrista Peter Buck con una mandolina, instrumento que había adquirido y con el cual practicaba mientras se grababa en su intento por aprender a tocarlo. De ahí nacieron la base y el estribillo del tema.

La grabación comenzó en septiembre de 1990 y a partir de la base de Buck, el resto de componentes de R.E.M. aportaron una serie de arreglos, por lo que la autoría del tema se puede atribuir a toda la banda.

A pesar de lo explícito del título de la canción, la misma no tiene nada que ver con la temática religiosa (a pesar de que varios grupos religiosos protestasen), de hecho Losing my Religion es una expresión del sur de estados unidos que viene a significar algo así como perder la paciencia. En unas declaraciones a la revista Q Mike Stipe comentó que el tema trata sobre alguien que "suspira" por otra persona, el típico amor no correspondido, comparándola con el argumento del tema Every Breath You Take de Police. Según Stipe, las mejores canciones eran aquellas en las que cualquiera que escuchase sus letras pudiese decir "Si, ese soy yo", y Losing my Religion cumplía con esa premisa.

Losing my Religion fue lanzada el 19 de febrero de 1991 como sencillo promocional del álbum Out of Time. Para ello, tuvieron que negociar duramente con la discográfica (Warner Bros Records) que se mostraba reacia a lanzar un tema "no convencional" para dar a conocer el nuevo disco de la banda, aunque finalmente accedieron a ello.

R.E.M. decidió no hacer gira para promocionar el álbum, pero si concedieron una gran cantidad de entrevistas a las cadenas de radio así como a la MTV. El sencillo se convirtió en todo un éxito, el mayor de la banda en Estados Unidos alcanzando el número 4 en el Billboard Hot 100 y permaneciendo en lista durante 21 semanas. Losing my Religion obtuvo los Grammys a la mejor interpretación pop de un dúo o grupo con vocalista y al mejor vídeo musical corto.

El vídeo musical fue dirigido por Tarsem Singh y fue el primer vídeo en que la banda accedió a rodar con playback. La trama del vídeo es una conjugación de ideas de Mike Stipe y Singh. El primero quería un vídeo sencillo, mientras que Tarsem Singh pretendía que el vídeo fuese similar a una filmación hindú donde todo fuese "melodramático y de ensueño".

Precisamente con el vídeo despido este post, espero que lo disfrutéis. Por motivos de copyright, el vídeo no puede ser insertado, por lo que os dejo el enlace para que lo podáis ver en youtube.

http://youtu.be/if-UzXIQ5vw

Derek and the Dominos - Layla

noreply@blogger.com (Manuel MS) — Tue, 20 Dec 2011 10:44:00 +0000

Hola a todos, tras un largo paréntesis de publicaciones vuelvo a retomar el blog con el deseo de poder escribir con más asiduidad. Y en mi vuelta a la escritura lo hago a lo grande, con un gran tema de uno de los más grandes guitarristas del rock, Eric Clapton. Además esta canción tiene tras de si una historia cuanto menos, interesante y digna de leer.

Corrían finales de los 60 y Eric Clapton había forjado una gran amistad con el Beatle George Harrison, hasta tal punto de que Clapton colaboró tocando la guitarra para la canción de los Beatles While my Guitar Gently Weeps (a pesar de ello no apareció en los créditos de la misma). Harrison también tocó en el último álbum de Cream titulado Goodbye bajo el seudónimo de L'Angelo Misterioso en la canción "Badge".
Pero Eric y Harrison no solo tenían en común la amistad, sino el amor por la misma mujer. Clapton se enamoró de la mujer de George, Pattie Boyd.

Inspirado en ese amor imposible, y apoyándose en una historia de un poema persa que un amigo le contó, Eric compuso la canción Layla para conquistar definitivamente a Pattie. Dicho poema cuenta la historia de Layla y Majnun. Layla era una princesa que estaba obligada a casarse con otra persona distinta al joven que estaba locamente enamorado de ella. Por ello, dicho personaje acaba volviéndose loco al no poder tener a la persona que ama.
Finalmente, Pattie se separó de Harrison en 1977 y dos años después acabaría casándose con Eric Clapton.

Volviendo a la canción en sí, Layla fue publicada en 1970 como parte del álbum Layla and other assorted love songs del grupo Derek and the Dominos. Dicho grupo fue formado por Clapton junto a otros músicos como Carl Radle (bajista), Jim Gordon (batería), y Bobby Whitlock (teclista).

En su lanzamiento ni el álbum ni el tema tuvieron una gran acogida y no fue hasta años después cuando Layla fue reconocida por público y crítica.
Los motivos de que no tuviese un gran éxito pudieron deberse a que Clapton apenas era mencionado en el álbum salvo en la contraportada, haciendo que Derek and the Dominos fuese un grupo prácticamente desconocido para la mayoría. Otro de los handicaps con los que contaba Layla era su excesiva duración (más de 7 minutos), por lo que difícilmente podía ser difundida por cadenas de radio. Debido a ello fue reeditada en Estados Unidos con una duración de poco más de 2 minutos y medio, aunque aún así, apenas llegó al puesto 60 en la lista Billboard de sencillos.

No fue hasta 1972 cuando Layla alcanzó su mayor éxito al ser incluida en un recopilatorio llamado The History of Eric Clapton y lanzada como sencillo obteniendo el número 7 en las listas británicas y el 10 en las estadounidenses.

Para finalizar y como viene siendo costumbre, os dejo con un maravilloso vídeo del gran Clapton interpretando Layla en un concierto en el Madison Square Garden en 1999, a disfrutarlo.

Red Hot Chili Peppers - Californication

noreply@blogger.com (Manuel MS) — Tue, 13 Sep 2011 21:01:00 +0000

Hoy os traigo uno de los temas más talentosos y con mayor éxito de la banda Californiana Red Hot Chili Peppers. La canción es el cuarto single del álbum al que da título y fue grabada en 1999 aunque no fue lanzada hasta Junio de 2000.

El tema habla sobre el lado oscuro de Hollywood, el deterioro de la sociedad y de como esta se vuelve cada vez más superficial, en la que solo se valora el parecer joven y ser famoso. En él se mencionan tópicos como la pornografía y la cirugía plástica además de hacerse referencia a iconos de la cultura pop de los 90 como Kurt Cobain (vocalista de Nirvana), David Bowie, la saga Star Wars y la serie Star Trek.

La letra es obra del vocalista Anthony Kiedis, quien dice haberse inspirado en el tema Carnage Visitors de The Cure, afirma en su libro Scar Tissue que piensa que es una de las mejores que haya escrito nunca. A pesar de la calidad de la letra, la banda no daba con una melodía para acompañarla, de hecho estuvieron a punto de no poder incluirla en el álbum si no fuese porque un día el guitarrista John Frusciante encontró un sonido apropiado para el tema. Así, pudieron incluirla finalmente en el disco y Californication pasó de ser un tema secundario del álbum a uno de los mayores éxitos de Red Hot Chili Peppers.

El videoclip que acompaña al tema está inspirado en un juego en 3D en el que los protagonistas son los mismos componentes de la banda digitalizados, que pasan a la acción tras ser elegidos en una pantalla de selección al más puro estilo de los videojuegos de la época. La acción del vídeo se desarrolla en California, mostrando cuatro historias vividas por cada uno de los músicos del grupo. La originalidad del vídeo así como la calidad del tema, hacen que sea el vídeo más visto de la banda en el portal Youtube.

Para terminar, os dejo con el videoclip comentado anteriormente, espero que lo disfrutéis. Al no poderse insertar el vídeo por motivos de copyright, os dejo el enlace tal cual a Youtube:

http://youtu.be/YlUKcNNmywk

Dire Straits - Money for Nothing

noreply@blogger.com (Manuel MS) — Wed, 17 Aug 2011 14:47:00 +0000

El tema que os traigo hoy es Money for Nothing de Dire Straits, considerado como uno de los temas más grandes de la historia del rock.

Publicado el 24 de junio de 1984, el tema pertenece al álbum Brothers in Arms y es uno de los temas más exitosos de la banda, habiendo alcanzado el número uno de Estados Unidos y el número 4 en las listas británicas. Además obtuvo el Grammy a la mejor interpretación de rock por un duo o grupo con vocal en 1985.

Escrita por Mark Knopfler, la letra se narra en primera persona desde el punto de vista de un trabajador de clase media (un repartidor de electrodomésticos) que critica sobre lo que ve en vídeos musicales en televisión. Dicho personaje envidia la vida de las estrellas de rock y argumenta que lo tienen todo a su alcance (dinero, fama, chicas...) sin apenas esforzarse además de burlarse de su apariencia y forma de vestir.

Knopfler cuenta en una entrevista que la inspiración para la letra la tuvo en una tienda de electrodomésticos en Nueva York. Al fondo de la misma había una pared llena de televisores sintonizados en la MTV y que un repartidor de la tienda que se encontraba junto a él mirando las pantallas empezó a decir frases como “¿qué es eso? ¿ruidos hawaianos? o que eso no era trabajar. Mark se inspiró en este personaje y tomó nota e incluyó dichas frases en el tema.

Durante la grabación del tema Knopfler recibió la visita al estudio de Sting, al que le pidió que colaborase con unas voces de fondo. A pesar de que la colaboración fue mínima, su editorial exigió que los créditos del tema fuesen compartidos (así como los royalties). Sting siempre ha asegurado que su única aportación al tema fue el coro “I want my MTV” y que cuando se enteró de las exigencias de su editorial se sintió tremendamente avergonzado.

Carátula del single Money for Nothing

La letra de la canción tuvo que ser reeditada debido a una gran polémica generada en torno a ciertas expresiones empleadas por el personaje a través del cual se narra la canción, como referencias a un músico "tocando los bongos como si fuese un chimpancé", o describiendo a un músico que "parece un maricón con el maquillaje y el pendiente" entre otras, así como el estribillo principal "Dinero por nada y chicas gratis". Debido a ello, las letras fueron tachadas de sexistas, racistas y homófobas por lo que tuvieron que sustituirse algunas frases por otras no tan explícitas así como acortar la duración del tema (el original tenía una duración de más de ocho minutos) para que pudiese ser emitido por radio. A pesar de ello, hubo varias estaciones de radio que censuraron el famoso tema de Dire Straits.

En una entrevista, Mark Knopfler se defendió de estas críticas aduciendo que lo que pretendía hacer ver es que el protagonista de la canción es un ignorante que siente desprecio por las estrellas de rock y que piensa que son ricas y lo tienen todo a su alcance sin trabajar, pero que no es su forma de pensar y que únicamente interpretaba un personaje.

El videoclip fue totalmente innovador dado que fue uno de los primeros en emplear personajes animados por ordenador que ilustran la letra de la canción. En un principio Mark Knopfler no se mostraba de acuerdo con la idea de hacer un vídeo musical aunque finalmente entre el director de la empresa encargada de hacer el vídeo y la novia de Mark le convencieron para que accediera. Fue el primer video emitido en MTV Europa cuando la cadena comenzó su andandura el 1 de agosto de 1987 y fue premiado como vídeo del año en la tercera edición de los MTV Music Video Awards en 1986.

Una de las interpretaciones más recordadas de Money for nothing fue la que se realizó en el concierto Music for Montserrat en 1997 con Eric Clapton en la guitarra, Sting interpretando los coros y Phil Collins en la batería. Para terminar os dejo con el vídeo de ésta mítica interpretación.

Nirvana - Smells Like Teen Spirit

noreply@blogger.com (Manuel MS) — Wed, 10 Aug 2011 10:35:00 +0000

Tras un largo parón en lo que a escritura se refiere vuelvo a las andadas con un tema considerado como abanderado de la música alternativa y el éxito más reconocido de la banda Nirvana que catapultó a la banda a lo más alto de las listas en 1992.

En una entrevista a la revista Rolling Stone en 1994 Kurt Cobain confesó que Smells like teen spirit fue un intento de escribir una canción del estilo de la banda Pixies:

Estaba intentando escribir la canción pop definitiva, he de reconocer que intenté plagiar a Pixies. Cuando los oí por primera vez conecté de tal forma con la banda que pensaba que debía pertenecer al grupo o al menos a una banda que los versionase. En Smells like teen spirit usamos su sentido de dinamismo, yendo de un sonido más suave y silencioso hasta uno más fuerte y duro.

Cobain empezó a escribir el tema unas semanas antes de la grabación del segundo álbum de la banda Nevermind en 1991. Cuando este presentó el tema a sus compañeros (sólo tenía el riff y el coro principal) fue rechazado por el bajista Krist Novoselic, catalogándola de ridículo. A pesar de ello Cobain insistió en que tocasen el tema y tras más de una hora tocando el riff de Kurt, Novoselic propuso ralentizar el riff mientras que Dave Grohl tocó un ritmo distinto en la batería hasta que dieron con el tema que hoy conocemos. Como consecuencia de esto, Smell like teen spirit es la única canción que está atribuida a los tres miembros de la banda.

Para el título, Cobain se inspiró en una pintada que su amiga Kathleen Hanna hizo con spray en la pared de su casa en la que ponía Kurt smells like teen spirit. Al cantante le gustó, pensando que tenía un significado revolucionario y rebelde, aunque lo que no sabía es que Hanna quería decir es que olía como el desodorante Teen Spirit que usaba la que por aquel entonces era su novia Tobi Vail. Cobain reconoció que no se enteró de que se trataba de una marca de desodorante hasta meses después del lanzamiento del single.

Portada del single Smells like teen spirit

Poco antes de empezar con la grabación de Nevermind, Cobain le entregó a Butch Vig una cinta con una grabación realizada en marzo de 1991 en un granero de Tacoma, Washington, la cual contenía entre otras, una maqueta de Smells like teen spirit. Finalmente el tema fue grabado en el estudio de grabación Sound City en Van Nuys, California con algunos cambios realizados por el productor Vig.

El tema fue emitido por primera vez en radio el 27 de agosto de 1991 y dos semanas después sería publicado como primer single del álbum Nevermind. Al inicio no entró en lista, lo cual tampoco se esperaba dado que la canción en la que se habían depositado todas las esperanzas para que fuese un hit era el siguiente single Come as you are. Pero algunas estaciones de radio universitarias y de rock alternativo empezaron a emitirlo, donde causó un gran impacto, consiguiendo un número muy elevado de ventas en muy poco tiempo.

A finales de año el tema se convirtió en hit, alcanzando los puestos más altos en las principales listas de éxitos. El éxito fue tal, que se consideró a Nirvana y en concreto a Cobain como iconos representativos de la Generación X y al tema como un himno. El mensaje de rebeldía adolescente que transmitía la canción llevó a que la prensa llegase a equiparar lo que Smells like teen spirit significó para la sociedad americana de su época con lo que lo fue el tema Anarchy in the UK de los Sex Pistols en su tiempo.

El vídeo, al igual que la canción cosechó también grandes éxitos y reconocimiento, llegando a entrar en el Libro Guinness de los Records en el año 2000 como el vídeo más emitido por MTV en Europa, a pesar de que dicha cadena se mostraba reticente a emitirlo en sus inicios y solo lo hacía en el late night.
En el mismo aparece la banda tocando en un gimnasio de instituto para una grada llena de jóvenes que muestran una actitud apática. Frente a ellos también aparece un grupo de cheerleaders vestidas de negro con el símbolo del anarquismo bordado en el pecho. Al final del vídeo se aprecia como la multitud acaba destrozando el escenario y el equipo de la banda en medio de un caos. Este hecho fue totalmente inesperado y se debe a que se obligó a los extras que hacían de público a permanecer en las gradas durante toda la tarde mientras se rodaban otras tomas, el enfado de los mismos fue tal que acabaron destrozando el set en una escena en la que debían aparecer bailando al estilo mosh, de ahí el realismo que se aprecia en dicha escena.

Para terminar os dejo con el vídeo, espero que lo disfrutéis:

Eagles - Hotel California

noreply@blogger.com (Manuel MS) — Fri, 25 Mar 2011 14:02:00 +0000

Hoy os traigo un tema que debido a su letra abstracta ha dado lugar a múltiples interpretaciones y controversias además de tratarse del tema más laureado de la banda Eagles y un clásico con uno de los solos de guitarra más conocidos y cautivadores del rock.

Publicada el 22 de Febrero de 1977, no tardaría en alcanzar los puestos más altos en las listas, entre ellos el número uno en el Billboard Hot 100 dos meses después de su lanzamiento y manteniendo la posición durante una semana. Un año después el álbum Hotel California donde se incluía el tema obtuvo el Grammy al disco del año, premio que no recogieron argumentando que Don Henley no creía en los concursos.

El edificio que aparece en la portada del single es el Hotel Beverly Hills, también conocido como el Pink Palace, habitualmente frecuentado por las estrellas de Hollywood.

Portada del single Hotel California

Los créditos del tema son compartidos por los componentes Don Felder, Don Henley y Glenn Frey. La base del tema parte de una demo instrumental de Don Felder. Glenn Frey cuenta que Felder solía mandarles muchas cintas con ideas para nuevos temas desde que formaba parte del grupo pero todas instrumentales ya que él no cantaba. Pero esta demo en particular, al contrario que en las otras, había cabida para una letra y les llamó la atención. El primer título que le dieron a la canción fue el de Mexican Reggae.

La letra habla sobre un viajero que se detiene en un hotel para descansar. Un hotel que resulta ser de pesadilla y del que no puede escapar. Don Henley describió la letra como una visión del grupo de la buena vida en Los Ángeles y una crítica al "lado oscuro" del sueño americano, algo de lo que sabían bastante por experiencia.

La naturaleza abstracta de la letra ha dado lugar a muchas interpretaciones, desde que habla sobre el mundo de las drogas, hasta incluso decir que es un rito satánico (acusación hecha por grupos evangélicos). También se dijo que el Hotel al que se hacía referencia no era más que un hospital psiquiátrico (en concreto el de Camarillo, California). Todas estas interpretaciones fueron negadas por la banda.

En la letra se hace referencia al término colitas, que en el argot mejicano se refiere a los brotes de la planta del cannabis.

Recientemente, en 2009, Don Henley tuvo un roce con un crítico musical John Soeder en una entrevista. En la entrevista, el crítico hizo el siguiente apunte sobre la letra de la canción:

En Hotel California cantas: "So I called up the captain / 'Please bring me my wine' / He said, 'We haven't had that spirit here since 1969.'" (Entonces llamé al capitán / 'Por favor traígame mi vino' / Él dijo, 'No hemos tenido esa espiritual aquí desde 1969') Supongo que probablemente no sea el único que te lo haya dicho, pero el vino no es una bebida espiritual. Las bebidas espirituales son destiladas mientras que el vino es fermentado. ¿Lamenta haber cometido este error?

A lo que Henley contestó:

Gracias por el tutorial y no, no eres el único que me ha llamado la atención respecto a este tema y tampoco eres el primero en malinterpretar la letra y no captar la metáfora. Créeme, he consumido bastantes bebidas alcohólicas como para saber cómo se hacen y conocer su nomenclatura correcta. Pero esa línea en la canción tiene poco o nada que ver con las bebidas alcohólicas, es una declaración sociopolítica. Lo único que lamento es tener que explicártelo en detalle y que frustres el uso de recursos literarios en la composición de canciones reduciendo el debate a una discusión estúpida e irrelevante sobre los procesos químicos.

Como despedida, os dejo con ésta magnífica interpretación del tema hecha por la banda en 1994 en formato acústico. Disfrutadla, servidor no se cansa de oírla.

Fuente: Fuentes: Wikipedia, Songfacts

Sex Pistols - God Save the Queen

noreply@blogger.com (Manuel MS) — Sun, 13 Mar 2011 19:45:00 +0000

Hoy os traigo uno de los temas más controvertidos y de los que más polémica ha causado en la historia del rock además de ser uno de los temas insignia del movimiento punk.

God Save the Queen fue lanzado el 27 de Mayo de 1977 en el Reino Unido y alcanzó el número dos en el UK Singles Chart oficial de la BBC y el número uno en la lista no oficial NME. En su día se extendió el rumor (nunca confirmado) de que la canción realmente había alcanzado el número uno en la lista oficial aunque la BBC no lo sacó a la luz por tratarse de un tema inapropiado y que podría ofender a la monarquía por su título y su letra.

Portada del single God Save the Queen

El tema fue muy criticado en su momento por considerarse un ataque directo a la corona británica y en concreto a la reina Isabel II y que había sido publicado en esa fecha a propósito para hacerlo coincidir con las bodas de plata de la reina.

Los Sex Pistols siempre negaron este hecho. Su batería, Paul Cook dijo en una entrevista que el lanzamiento no fue premeditado para que fuese más chocante, que de hecho desconocían que en esa época fuese el aniversario de la monarca.

La letra habla de un régimen fascista que te vuelve un idiota y llama al oyente a que nadie le diga lo que quiere o necesita, además reitera que no hay futuro en el "sueño inglés". Tras las críticas recibidas, el cantante Johnny Rotten explicó que no escribieron una canción como God Save the Queen porque odiasen al pueblo inglés, sino porque los aman y estaban cansados de que se les maltratase.

El 7 de Junio de 1977 (día del aniversario de la reina Isabel II) la banda intentó tocar el tema desde un bote navengando por el río Támesis, justo frente al palacio de Westmister. Hubo 11 detenidos debido a un incidente entre Jah Wobble (amigo de la banda que posteriormente sería bajista del grupo Public Image Ltd) y un cámara.

El tema originó gran cantidad de críticas, provocando que A&M Records (el sello con el que la banda tenía contrato) se desvinculase del grupo debido a los problemas que le estaba originando. Posteriormente firmarían con Virgin, discográfica que distribuyó el mayor número de copias del single.
Con el tiempo el single fue prohibido en todos los medios de comunicación por la BBC, llegando incluso a dejar de ser vendido por algunas tiendas de discos.

La influencia del tema de la banda fueron tal, que los Sex Pistols son considerados los precursores del punk y la expresión "No future" incluida en la letra de God Save the Queen se convirtió en himno emblemático de este movimiento iniciado en los 70.

Para finalizar, y como viene siendo costumbre os dejo con una interpretación en directo del tema por la banda. Espero que los disfrutéis.

Fuentes: Wikipedia, Songfacts

The Jimi Hendrix Experience - Purple Haze

noreply@blogger.com (Manuel MS) — Mon, 28 Feb 2011 21:51:00 +0000

Hoy os voy a hablar de otro de los grandes del rock y de uno de sus temas más conocidos. Considerado por muchos como el mejor guitarrista que ha dado el rock y que nos dejó con un legado de joyas como la que os traigo hoy.

Purple Haze fue escrita en 1966 por Jimi Hendrix y fue concebida en los camerinos del Upper Club el 26 de Diciembre del mismo año. Hendrix se encontraba en su camerino tocando con su guitarra y su manager Chas Chandler (guitarrista de The Animals) tras escuchar el riff le animó a que escribiese una letra para acompañarlo ya que iba a ser su próximo éxito.
El tema fue grabado y lanzado como single en 1967 e incluido en la versión americana del álbum Are you experienced.

Respecto a la letra, Hendrix aseguró que la canción original contenía una letra más extensa y que Chas Chandler eliminó algunos fragmentos, aunque éste siempre lo ha negado.

El tema siempre ha estado ligado a las drogas, debido quizás a que el término Purple Haze se usaba para referirse al ácido aunque el guitarrista siempre lo negó. En una entrevista para New Musical Express en 1969 aseguró que el tema estaba inspirado en un sueño en el que caminaba bajo el mar y en el que una neblina púrpura lo envolvió haciéndole perderse, aunque consiguió salir gracias a su fe en Jesucristo. De hecho, Hendrix incluyó inicialmente en el estribillo la frase Purple Haze, Jesus Saves, aunque finalmente decidió descartarla.

La letra también contiene lo que se conoce con el término de mondegreen o missheard. El de Purple Haze es de los más conocidos de la música y se encuentra en la frase:

Excuse me while I kiss the sky

En la que parece decir:

Excuse me while I kiss this guy

Jimi Hendrix era muy dado a emplear este recurso en sus canciones, sobre todo en las actuaciones en directo, para que se entendiese la letra distinta a como se canta en la versión de estudio.

Otro dato relacionado con Purple Haze es que en los estudios de grabación Electric Lady de Nueva York fundados por el guitarrista existe una sala con el nombre de la canción en la que han grabado artistas como The Clash, Weezer, Patti Smith y Alicia Keys.

Para terminar os dejo con un vídeo de la actuación de este grande del rock en directo, espero que lo disfrutéis como yo lo he hecho escribiendo este post.

Fuentes: Wikipedia, Songfacts

The Beatles con Billy Preston - Get Back

noreply@blogger.com (Manuel MS) — Sun, 13 Feb 2011 20:22:00 +0000

El tema que os traigo hoy quizás no sea el más conocido de esta legendaria banda británica pero si está cargado anécdotas y curiosidades dignas de ser mencionadas. Una de ellas es que es la única canción de los Beatles que comparte créditos, en concreto con Billy Preston, bautizado por algunos como "el quinto Beatle".

La canción fue escrita por completo por Paul McCartney aunque está acreditada también a John Lennon, como la gran mayoría de temas del grupo que eran tutelados por la sociedad Lennon/McCartney. Según Lennon el tema no es más que una reedición del tema de 1968 Lady Madonna.

El tema fue publicado el 11 de abril de 1969, alcanzando el número uno el 26 del mismo mes, manteniéndose en esa posición durante seis semanas. Además, es el único tema de los cuatro de Liverpool que entró directamente al número uno en las listas de ventas británicas.

Get Back iba a ser el título de un álbum que pretendía ser una vuelta atrás del grupo hacia sus orígenes, como una banda "normal" de rock: canciones simples, sin muchos arreglos, ambiente relajado y poco trabajo post-producción. De hecho pretendía ser grabado en directo pero las tensiones ya existentes entre los componentes de la banda y las constantes discusiones provocaron que el proyecto fuese cancelado. No obstante el tema gustó tanto al grupo que fue publicado como sencillo e incluido posteriormente en el álbum Let it Be en 1970.

Otro de las anécdotas asociadas a este éxito es que es el que estaba tocando la banda en su legendario concierto en la azotea de los estudios Apple Records en el momento en que la policía intervino e interrumpió la actuación. En dicha interpretación también contribuyó el consorte de la canción Billy Preston.

Como despedida os dejo con el vídeo de la actuación que comenté anteriormente, la interpretación del tema Get Back en la azotea del famoso estudio situado en Abbey Road. Os recomiendo altamente que lo veáis porque no tiene desperdicio.

Fuentes: Wikipedia, Songfacts

Muse - Knights of Cydonia

noreply@blogger.com (Manuel MS) — Sun, 06 Feb 2011 23:21:00 +0000

El tema que os traigo hoy es mucho más actual que los que acostumbro a mostraros, pero no por ello menos digno de ser catalogado como "tema mítico". No es otro que Knights of Cydonia, uno de los éxitos más conocidos de la banda británica Muse.

La canción fue publicada el 13 de Junio de 2006 en Estados Unidos y el 27 de noviembre del mismo año en el Reino Unido, entrado directamente al número 10 de las listas británicas. La banda usaba el tema como apertura en sus conciertos de la gira de presentación del álbum Black Holes and Revelations, al que pertenece la canción de la que os hablo aunque en su última gira (Resistance Tour) el tema ha sido empleado como cierre a los conciertos. El bajista Chris Wolstenholme lo introduce con un solo de armónica llamado The Man With The Harmonica, siendo acompañado posteriormente por la guitarra de Matt Bellamy y la batería de Dominic Howard hasta enlazar con la canción en sí.

Knights of Cydonia fue compuesto por el guitarra y voz de la banda Matt Bellamy. El sonido de guitarra está inspirado en un tema del año 1962 llamado Telstar de la banda The Tornados, cuyo guitarrista era George Bellamy, padre de Matt. Este tema fue el primer tema británico en alcanzar el número uno en la lista americana Billboard Hot 100.

Respecto a la letra, el nombre de Cydonia es el de una zona del planeta Marte (también conocida como las caras de Marte) en la que hay gente que afirman que existe o ha existido vida, entre las que se incluye Bellamy. Él mismo afirmó en una entrevista a la revista Q lo siguiente:

“Me encantaría hacer un viaje a Marte y grabar un álbum a gravedad cero o al menos ir allí y grabar algunas tomas. El área de Cydonia es muy interesante, hay zonas de allí que parecen civilizaciones abandonadas.”

La letra contiene mensajes de critica a la sociedad actual (como en la gran mayoría de temas de Black Holes and Revelations) y en concreto hacía los políticos con frases como:

“How can we win where fools can be kings” (cómo podemos ganar donde los bobos pueden ser reyes) o “I'll show you a 'god' who falls asleep on the job” (Te mostraré como un 'Dios' se duerme en su trabajo).

El videoclip de la canción está producido por Joseph Kahn y fue rodado en 5 días y hasta en tres lugares distintos: tres días en Rumanía, otro día en Londres y el quinto en Red Rock, California. Está ambientado en las antiguas películas de Spaghetti Western con toques futuristas como rayos láser y artes marciales.

Para finalizar, y como de costumbre os dejaré con un vídeo del tema. En este caso se trata del concierto HAARP, perteneciente a la gira de Black Holes and Revelations y escenificado en el mítico estadio Wembley, espero que los disfrutéis.

Fuente: Wikipedia

Queen - Bohemian Rhapsody

noreply@blogger.com (Manuel MS) — Wed, 02 Feb 2011 21:22:00 +0000

Era de extrañar que en un blog dedicado a los grandes temas de la historia del rock no apareciese un tema de esta banda que sin duda ha marcado un antes y un después en este género, pero es que son tantas las grandes canciones que era difícil decantarse por una. Finalmente lo he hecho y aquí os traigo un tema que en su día causó un gran revuelo por ser algo que rompía los moldes de todo lo hecho anteriormente en el mundo del rock.

Bohemian Rhapsody fue publicada el 31 de Octubre de 1975 como parte del álbum A Night at the Opera y fue compuesta al completo por Freddie Mercury. El artista escribió casi la totalidad del tema en su casa de Holland Road, Kesington, al norte de Londres.

El guitarrista Brian May cuenta que cuando Freddie mostró el tema al resto de la banda lo hizo tocando en un piano de cola distintos fragmentos de la canción dejando huecos entre ellos. Al preguntarle los integrantes del grupo el por qué de esos huecos, el cantante contestó: "Ahí es donde entran las partes de ópera". Mercury dirigió toda la grabación y es que según sus compañeros, la canción ya existía en su mente, solo faltaba grabarla.

El tema fue grabado en 3 semanas y hasta en cinco estudios distintos, siendo una de las grabaciones más elaboradas en la historia de la música así como la más cara debido a su complejidad.

Bohemian Rhapsody consta de 6 partes: una introducción a capela, una balada, un solo de guitarra, un segmento operístico, una sección de rock y un final que retoma la balada introductoria. Otra de sus peculiaridades es que no tiene estribillo.

Sobre la letra existen gran cantidad de interpretaciones según quien las haga dado que a día de hoy la banda aún no ha revelado el significado de la misma. Tras la publicación, el autor del tema dijo:

Es una de esas canciones que tienen un aura de fantasía alrededor. Pienso que la gente debería solo escucharla, pensar en ella y sacar su propia opinión acerca de lo que les dice.

En el momento de ser lanzado, varios ejecutivos de la discográfica señalaron que Bohemian Rhapsody nunca sería un éxito debido a su larga duración. No podrían estar más equivocados puesto que el tema alcanzó el número uno en las listas de ventas británicas, manteniéndose allí durante 9 semanas. Mientras tanto, en Estados Unidos llegó al número 9 en el Billboard Hot 100.

Otra curiosidad referente al mítico tema de Queen es que fue el primero en alcanzar dos veces el número uno con la misma versión, llegando de nuevo a la cima al ser publicado tras la muerte de Freddie Mercury en 1992.

Para terminar os dejo con el videoclip de la canción que también lleva consigo una curiosidad. Al inicio aparecen los cuatro componentes del grupo cantando a capella el primer tramo de la canción aunque realmente la grabación es la voz de Freddie Mercury superpuesta una y otra vez con distintas tonalidades. Espero que lo disfrutéis.

Fuente: Wikipedia

Metallica - Nothing Else Matters

noreply@blogger.com (Manuel MS) — Mon, 24 Jan 2011 17:15:00 +0000

El tema que os traigo hoy es uno de los más conocidos de la banda californiana Metallica así como envuelto de polémica. Esto se debe a que para los fans mas acérrimos de la banda supuso el abandono de sus raíces de hard rock y sonidos duros así como una "comercialización" de la banda. A pesar de ello, Nothing Else Matters es reconocida como una de las mejores baladas del rock.

El tema fue compuesto por el cantante y guitarrista de la banda James Hetfield aunque también está acreditada al batería Lars Ulrich. Según Hetfield lo escribió inspirado en la que era entonces su novia y que era un tema para sí mismo, de hecho no pretendía enseñársela al grupo para que fuese incluida en el álbum. Según el autor, empezó a componer los primeros acordes mientras hablaba con la susodicha novia por teléfono. Ulrich, que fue el único que lo oyó, insistió y animó a Hetfield a que considerase la idea de añadirlo al disco Metallica.

La canción, que se ha convertido en un clásico en los conciertos de la banda, es la única en la que Hetfield hace el solo de guitarra en lugar de Kirk Hammet. Esto no sería nada raro si no fuese porque todas las canciones anteriores habían sido grabadas por Hammet. Cuando se le preguntó por ello a Hetfield, este contestó que se debe que él mismo tocó todas las pistas del tema durante el proceso de grabación.

Nothing Else Matters ha sido versionada en gran cantidad de ocasiones y por una gran variedad de grupos y artistas aunque sin duda la reversión más conseguida y conocida es sin duda la que hizo la misma banda para ser incluida en el álbum S&M. El disco recogía gran cantidad de temas grabados en directo junto a la Orquesta Filarmónica de San Francisco y fue orquestado por el director Michael Kamen, entre ellos el tema del que hablamos hoy. Al ser acompañado por la orquesta el tema ganaba, si cabe, aún más en emotividad.

Os dejo con el vídeo de esta gran banda interpretando Nothing Else Matters en el concierto para el disco S&M. Para los que no lo hayáis visto nunca os lo recomiendo y para los que si solo puedo deciros que volváis a disfrutar una vez más de este mítico tema.

Fuente: Wikipedia

The Doors - Light My Fire

noreply@blogger.com (Manuel MS) — Wed, 19 Jan 2011 23:18:00 +0000

El tema que os traigo hoy no es otro que el tema que lanzó al estrellato al grupo The Doors, no es otro que el archiconocido Light My Fire.

Música y letra fueron escritas por el guitarra del grupo Robby Krieger, aunque los créditos son dados a The Doors, como hacían con todos los temas fuese quien fuese el autor. Krieger hace referencia al elemento fuego en la canción para que su letra "pudiese competir" con las de Jim Morrison en las que mencionaba en su gran mayoría a la madre naturaleza, los elementos y temas esotéricos.

El tema fue grabado en septiembre de 1966 y publicado en Enero de 1967 como parte del álbum debut de la banda con el mismo nombre, The Doors. El disco no tardó en obtener el disco de oro, vendiendo más de un millón de copias en Estados Unidos en su mismo año de lanzamiento.

Se podría asociar el tema al género country con algo de jazz-fussion debido a los largos solos que contenía, a destacar la pegajosa intro de Ray Manzarek así como el solo guitarra de Robby Kriegger. De hecho el tema duraba 7 minutos en total, teniendo que acortarse a 3 minutos para la versión de radio.

El tema fue presentado en el Show de Ed Sullivan de la cadena CBS, programa al que irían por primera y última vez al ser vetados tras la interpretación de Light My Fire.
La dirección del programa solicitó a la banda que modificasen la frase "Girl we couldn't get much higher" por "Girl we couldn't get much better" ya que la expresión "get higher" hacía referencia a estar colocado.
Jim Morrison no hizo el cambio e interpretó la canción tal cual, provocando la ira de Ed Sullivan quien se negó a darle la mano tras finalizar la actuación además de prohibir a la banda que volviesen a actuar en su programa a pesar de que tenían preacordadas 7 apariciones más en el show.
Jim atribuye este hecho a que estaba tan nervioso que no recordó el cambio que debía hacer en la letra.

Otra anécdota relacionada con Light My Fire es que la compañía de automóviles Buick ofreció 75000 dólares para usar la canción en un anuncio de televisión cambiando el estribillo por "Come on, Buick, light my fire". En el momento del ofrecimiento Jim Morrison se encontraba de viaje con su pareja Pamela Courson y ante la imposibilidad de contactar con él, la banda aceptó. Al volver el vocalista y enterarse, rompió el contrato automáticamente.

Otra muestra del éxito de Light My Fire es que el tema de The Doors se encuentra en la posición 35 en la lista de las mejores canciones de todos los tiempos de la revista Rolling Stone.

Para terminar os dejo como de costumbre con un vídeo del tema, en este caso de la gira europea en 1968.

Fuente: Wikipedia

Tu opinión cuenta

noreply@blogger.com (Manuel MS) — Wed, 12 Jan 2011 20:37:00 +0000

¡Hola a todos!

Como reza el título del post, tu opinión es importante y también queremos que participes en el crecimiento del blog, así que hemos creado una nueva sección llamada Propón tu tema.

En esta sección podrás enviarnos a través de un formulario los temas a los que te gustaría que le dedicásemos una entrada en el blog y aportar algo de información sobre su historia y anécdotas.

Así que os animamos a que nos propongáis que temas merecen aparecer en nuestro humilde "Hall of Fame".

¡Saludos!

Nueva sección en el blog

noreply@blogger.com (Manuel MS) — Tue, 11 Jan 2011 21:41:00 +0000

¡Buenas de nuevo!

Hoy la cosa va de estrenos, y es que además de Nuevo colaborador, estrenamos nueva sección.
La sección no es más que la de Efemérides en la que se muestra un calendario con los hechos más importantes ocurridos en el mundo del rock. El calendario intentaremos actualizarlo diariamente con los hechos del mismo día, de hecho ahora mismo está actualizado hasta el día de hoy 11 de Enero.

No olvidéis pasaros por la sección y si conocéis algún acontecimiento que no esté publicado solo tenéis que comunicárnoslo por email (podéis hacerlo desde la sección Contacto).

Espero que os guste la nueva sección.

Nuevo colaborador

noreply@blogger.com (Manuel MS) — Tue, 11 Jan 2011 07:56:00 +0000

Buenas a todos/as,

En este post no voy a hablaros de ningún tema en concreto sino que voy a presentaros a un nuevo colaborador del blog que además de ser un gran amigo, conoce bastante la materia.

Os presento a Dani Chaparro que en breve publicará su primer post, esperamos que esto siga creciendo como mínimo al mismo ritmo que lo está haciendo ahora.

Saludos y gracias por vuestras visitas.

Y a ti Dani... ¡¡¡Bienvenido!!!

Deep Purple - Smoke on the water

noreply@blogger.com (Manuel MS) — Mon, 10 Jan 2011 21:48:00 +0000

Hoy os traigo otro de los temas con uno de los riff más famosos (si no el que más) de la historia del rock, se trata del tema Smoke on the water del grupo Deep Purple. Esta canción es considerada como un clásico y tema insignia de la banda, aunque nació de forma accidental ya que inicialmente se grabó para "relleno" del álbum Machine Head.

La letra de la canción está basada en una vivencia de la misma banda, cuando se encontraban en Diciembre de 1971 grabando su disco Machine Head en Montreux, Suiza. La banda estaba usando un estudio móvil de grabación propiedad de los Rolling Stones al que hacen referencia en la letra como "mobile" y "The Rolling truck Stones thing".

Deep Purple coincidió con otras bandas que se encontraban de gira, compartiendo el complejo del Casino Montreux, en concreto éstas actuaban en un teatro con el que contaban las instalaciones.
El 4 de diciembre, durante la presentación de Franz Zappa y The Mothers of Invention el teatro comenzó a arder debido a que alguien del público disparó una pistola de bengalas, incendiando y destruyendo casi por completo el teatro. Este hecho es mencionado en la canción tal cual:

But some stupid with a flare gun burned the place to the ground

Traducido:

Pero algún estúpido disparó una pistola de bengalas hizo que ardiera el lugar hasta los cimientos

Afortunadamente no hubo que lamentar víctimas del incendio, que si forzó al grupo a buscar otro sitio donde continuar con la grabación de su álbum y tenían que hacerlo rápido, ya que su presupuesto se agotaba así como el tiempo con el que contaban con el estudio de grabación en alquiler. Ahí fue cuando uno de los organizadores de la gira en el casino, Claude Nobs les consiguió un sitio provisional para terminar las grabaciones, en un lugar llamado The Pavilion. Nobs es nombrado también en la letra del tema como Funky Claude contando que rescató a gente corriendo dentro y fuera y sacándola del fuego.

Ahí es donde se grabó el mítico riff de Ritchie Blackmore con la banda, dejando listo todo el audio del tema a falta de las voces que no pudieron finalizarse debido a que los vecinos llamaronn a la policía a causa del ruido. Una vez llegó la policía hubo que buscar un nuevo sitio donde seguir grabando.

Una semana después encontraron un sitio donde finalizar la grabación, el Montreux Grand Hotel, donde escribieron la letra del tema y pensando que no habían grabado nada del otro mundo, no se les ocurrió cosa mejor que escribir la letra describiendo el proceso de grabación del tema en sí con las "peripecias" que habían vivido.

El título se lo dio el bajista Roger Glover, que afirmó haber soñado con el incendio y el humo sobre el agua del lago Génova (donde se encontraba el casino) aunque tardó en proponerlo por temer que sus compañeros pensasen que estaba drogado.

Una vez completada la canción aún estuvieron dudando si incluirla en el álbum ya que pensaban que era demasiado básico, aunque finalmente decidieron incluirlo en el álbum como quinto tema. De hecho, el single no fue lanzado como sencillo hasta 1973. Quien les iba a decir entonces al grupo británico que ese tema "tan básico" tendría tanto impacto como el que ha tenido, tiene y tendrá.

Otra curiosidad respecto al tema es que ha batido hasta en tres ocasiones el record Guinness en la representación de un tema por el mayor número de personas simultáneamente, a continuación os enumero las tres ocasiones:

En 1994 en Vancouver, Canadá interpretado por 1322 guitarristas.
En 2007 en Kansas, Estados unidos interpretado por 1721 guitarristas.
En 2009 en Wroclaw, Polonía interpretado por 6346 guitarristas.

Como veis, un tema cargado de historia y anécdotas curiosas que no hacen otra cosa que engrandecerlo más si cabe. Ya como de costumbre os dejo con una interpretación del tema en directo por la mítica banda en 1973 en Nueva York (disponible también en HD). Espero que lo disfrutéis:

Fuentes: Wikipedia, Songfacts