Ruleta China, el blog

TEATRO | "Vidas privadas" dirigida por José María Muscari | Reírse del amor

2012-01-25T17:27:00.001-02:00

Por Guillermina Gandola

Nada mejor que ir a ver una comedia sobre el amor con tu pareja y poder reírse al verse reflejado. Descubrir que el humor es una buena forma de analizar y asimilar situaciones cotidianas, muchas veces difíciles.

El director José María Muscari y su grupo de actores nos acerca su versión de Vidas privadas, escrita por Noel Coward, y nos habla del amor, “de la locura del amor, de los celos, de lo intempestivo, de la convivencia, de la incompletad a la que nos arrastra el amor”, como dice en el programa de la obra.

Y así sucede, nos reímos de ellos, ellos se ríen con nosotros y de ellos mismos, todos compartimos la misma atmósfera encantadora alrededor de una historia tan real que el escenario era la vida.

Vidas privadas nos lleva a un cuestionamiento inevitable. ¿Son tan predecibles las parejas? ¿Puede ser que todas pasen por las mismas situaciones al punto de poder generar la risa desde los lugares comunes?

Y sí, el amor nos atraviesa a todos en distintas versiones. Muchas veces se disfraza para desconcertarnos y atraparnos indefensos pese a nuestra reticencia, otras se vuelve un trago amargo, a veces es aventura, otras es compasión, perdón, olvido, deseo.

Descubrimos que el amor es un cliché y podemos comprender que para él no existen espacios físicos, edad, tiempo, memoria, divorcios, pactos. Que el amor no es racional y que lo más racional del amor es su irracionalidad. La de sus protagonistas que se reencuentran y que están dispuestos a todo, pese a todo.

Nos muestra que para que algunos sean felices otros quizá deban sufrir.

Nos habla sobre lo que pasa puertas adentro, en la pareja, en un hotel en algún lugar del mundo. Pero también sobre lo que pasa dentro de nuestro corazón.

Vidas privadas es una pieza única sobre un tema universal.

Invita a preguntarnos. ¿Pensamos las locuras que podemos hacer por amor?

"Vidas privadas" de Noel Coward. Dirección: José María Muscari. Con Georgina Barbarossa, Maria Fernanda Callejon, Miguel Angel Rodriguez, Christian Sancho. Vestuario: Pablo Battaglia. Escenografía: Gonzalo Córdova. Iluminación: Gonzalo Córdova. Asistencia de dirección: Diego Rinaldi. De miércoles a domingo. Teatro Picadilly, Av. Corrientes 1424.

TEATRO | "¿Pero qué quiere usted de mí?" dirigida por Roam León | Otra mujer que no sabe querer

2012-01-21T17:09:00.001-02:00

Por Sandra Ferreyra

¿A quién no le han roto el corazón alguna vez? ¿Pero qué quiere usted de mí?, escrita y actuada por la encantadora Virginia Smith y dirigida por el prestigioso Roam León, aprovecha la comicidad siniestra del clown para indagar en las consecuencias que esta típica experiencia humana puede tener en el alma femenina. Ubicada en la década del cincuenta, la obra muestra la rutinaria vida de una mujer que ha llegado soltera a la madurez. El contacto con el exterior se reduce a la ventana desde la cual espía a sus vecinos, a las plantas que les envía como aliciente o como castigo por las acciones que observa, y a la radio. Una llamada telefónica equivocada rompe la rutina que esta mujer sostiene a fuerza de prejuicios. Una voz masculina, o más bien un oído masculino, hace visible en la rutina el deseo y el miedo, una dicotomía con la que desde las novelas de Jane Austen se viene definiendo lo femenino. Así entremezclado con prejuicios y mandatos maternos aparecerá el relato del desengaño amoroso que la lleva a vivir en soledad y simultáneamente la oportunidad de volver a enamorarse. Una sospecha, un tanto disparatada, de que su amigo telefónico es un asesino de mujeres, un corte en las comunicaciones y la vuelta del personaje a su situación inicial.

Smith lleva con soltura la evolución del personaje a lo largo de un proceso de desilusión- ilusión-desilusión fulminante del que ella y solo ella es el motor. Aunque la plasticidad escénica nos hace esperar un giro en esa evolución, una vez más, a la mujer el deseo la mueve y el miedo la paraliza. Los lugares comunes de la tristeza femenina se exacerban en un cuerpo que se expone (en un striptease sórdido) y se descontrola (en una borrachera padre) hasta llegar a la máscara siniestra del amor: el dolor. La música que suena en la radio contrasta deliciosamente con ese proceso pero no logra sacarlo de la convencionalidad. De a ratos, el ritmo de jazz que se escucha de fondo parece querer convencer a la mujer de que volver al punto de partida no es la única opción, decirle que sí, que puede ser que su mamá tuviera razón, que la soledad a veces puede ser una trinchera que protege del próximo ataque; pero otras veces puede ser el campo de una batalla cuyo resultado, por suerte, no se puede anticipar.

Dirección: Roam León. Actuación: Virginia Smith. Texto: Virginia Smith. Producción: indi teatro. Prensa: María Sureda. Última función: sábado 21 de enero, 21 hs. Camarín de las Musas, Mario Bravo 960. Entradas: $40, con descuento $35. Reservas: 4862-0655.

TEATRO | "Extranjero, el último Hain" de Martín Erazo | La compañía maravilla

2012-01-18T15:52:00.002-02:00

Por Eugenia Guevara

Hacía años que no vivía una experiencia teatral semejante. En Buenos Aires, aún reina un teatro de texto y actuación, así que verse invadido por imágenes increíblemente poderosas y bellas; una música que, interpretada en vivo cambia con la misma velocidad que lo hacen los mundos y los momentos retratados, y un despliegue circense que no se detiene un segundo en la hora y diez que dura el espectáculo, resulta un viaje maravilloso del que cuesta salir (además, mejor no hacerlo).

La historia de Extranjero, el último Hain es triste y lo que es más triste es que se basa en la realidad. Se avecina el final del siglo XIX. Un joven Kloketen es arrancado de su lugar, en el extremo sur de la Patagonia, junto a un grupo de Selk’nam, para ser llevado a Francia e integrado a un Zoológico Humano en la Exposición Universal de París. El viaje en barco del joven y otros indígenas desde Chile, su triste peregrinaje como un casi- animal por Francia, Inglaterra y Bélgica, la muerte de sus pares, el maltrato de los europeos que no son capaces de comprender de qué tipo de ser vivo se trata, todo es puesto en escena a partir de un increíble artefacto de madera que, girando, se convierte alternativamente en barco, vagón de tren, jaula de indígenas, diligencia, circo, oficina, consultorio de médico, y más. Alrededor de y dentro de ese dispositivo circulan una multiplicidad de personajes, caricaturas, que en segundos plantean la escena para desaparecer y volver a aparecer convertidos en otros personajes igualmente curiosos, en un nuevo escenario configurado por esa estructura camaleónica.

Explicar o contar escenas de la puesta de la compañía teatral La Patogallina no tiene mucho sentido. Me quedo con flashes: la llegada a París, donde las damas (con y sin perrito), los niños, los caballeros, aparecen como marionetas al son de una fuerte luz intermitente, para parecer no actores o personajes, sino espectros caricaturescos; la residencia del joven Kloketen y la indígena Selk'nam en Londres, en un pequeño cubículo donde serán espiados por los más disímiles personajes y el final, cuando al pie del farol encendido, la nieve que cubre todo, parece coronar la reunión definitiva del joven con sus ancestros y los espíritus del Hain.

Extranjero, el último Hain. Compañía: La Patogallina. Dirección y argumento: Martín Erazo. Guión dramático: Patricio Pimienta. COn Sandra Figueroa, Francisco Ramírez, Victoria González, Eduardo Moya, Rodrigo Rojas, Carolina Mardones, Cael Orrego, Pilar Salinas. Dirección musical: Alejandra Muñoz. Músicos: Jaime Molina, Emilio Miranda, Alejandra Muñoz. Diseño y confección de vestuario: Antonio Sepúlveda. Diseño de escenografía: Eduardo Jiménez. Construcción y adaptación de escenografía: Rodrigo Rojas. Diseño y construcción de utilerías y fx: Gonzalo Mella. Máscaras confeccionadas por los actores. Diseño de iluminación: Martín Erazo y Luis Reinoso. Sonido: Pablo Riveros. Producción: Carolina Cabezas

CINE | “Agua y Sal” de Alejo H. Taube | Un hilo delgado que nos une

2012-01-13T19:22:00.001-02:00

Por Guillermina Gandola

¿A dónde van a parar nuestros sueños? Quizás al mar, que todo se lo lleva, todo lo atrae, incansable, constante, arrollador, inmortal y misterioso mar.

Agua y sal nos cuenta dos historias de vida que como el agua y la sal se funden. Historias distintas, que se encuentran en un bar, en el colectivo, la calle, el cine, en una farmacia, en una mirada, por el saludo de un niño, una ciudad, historias de historias...

Biguá, un hombre que trabaja en el puerto de “La Feliz” (aunque él no piense que la ciudad lo sea) es un trabajador que vive el día a día, las pequeñas cosas, cervezas con amigos después de laburar, una pensión para dormir e higienizarse, y una novia adolescente embarazada.

Este trabajador será inmortalizado por la lente de una cámara perteneciente a una turista. Otra vez las historias se cruzan en una foto, esa foto que se convertirá en algo tan valioso como la vida misma para otros ojos. La cámara eterniza, captura momentos únicos e irrepetibles, personas que ya no estarán, o sí.

Javier tiene 40 años, una esposa, auto, una buena situación económica… una ¿buena? vida. Para él, algunas veces nada de eso parece tener sentido y simplemente quiere ser otro, sueña con otra vida, otro yo.

Javier y Biguá tienen personalidades y cotidianidades muy distintas e iguales a la vez: el presente los atormenta y el futuro los paraliza. Lo demuestran sus silencios, sus miradas perdidas, el querer ser otro. El miedo al cambio, a una nueva vida.

En Agua y Sal viviremos con intensidad (porque nos sentiremos identificados) las problemáticas de cada personaje, tan particulares, tan nuestras, tan de todos.

¿Estaremos satisfechos algún día con nuestra vida?

La respuesta es abierta, como la película, la vida, el mar…

TEATRO | "Conventa" de Marcelo Bertuccio | Inventa tu propia ficción

2011-12-29T12:34:00.000-02:00

Por Guillermina Gandola

“Con alivio, con humillación, con terror, comprendió que él también era una apariencia, que otro estaba soñándolo” (Jorge Luis Borges, Las ruinas circulares).

Conventa, del dramaturgo Marcelo Bertuccio, nos demuestra que nada mejor que la ficción para (re)plantearnos lo real, que nuestras vidas no son más que un escenario flexible, histórico, ingrávido, inentendible propio o ajeno, o propio y ajeno a la vez. Y que si vamos a elegir una ficción, mejor que elijamos una que podamos disfrutar.

Los espectadores seremos también actores que actúan ver una obra, y los actores actuarán que actúan. Realidad y ficción se funden, se mezclan. Los roles ya no serán claros y todo será espontáneo (o intentará serlo).

Mientras observaba la obra (en mi rol de espectador) resonaba en mí una frase de uno de los “actores” que decía más o menos así: las palabras que uno recita, expresa, tienen relación con el momento que estamos atravesando. El texto dramático se conforma según las circunstancias que estamos transitando pero nunca perderá su naturaleza original a no ser que cambiemos de historia.

Conventa llegó a mí tres días antes de la tan esperada y previsible Navidad. Un guión explotado, poco original y en nuestro caso importado.

Una obra en la cual el tema central será la comida (que estará deliciosa por su puesto) y para la cual se invirtieron varias semanas en producirla. ¿Cómo no va a ser un tema fundamental? Además claro está que es mejor hablar del vitel toné y lo bien que lo hizo la tía segunda a la cual nunca vemos, que preguntarse por qué está la tía segunda que nunca vemos compartiendo una cena.

Conventa nos demuestra que en la vida somos todos personajes que aceptamos el escenario donde nos toca actuar y es para mí el elemento catalizador que hará plantearnos qué es lo que queremos ser, cómo y por qué.

La obra se repone en febrero en Querida Elena, Pi y Margall 1124. Dramaturgia: Marcelo Bertuccio. Actúan: Javier Alemanno, Muriel Bourgeois, Guadalupe Cuevas, Constanza Maciel Cornejo, Silvia Mañá, Juan Santiago Privitera, Pablo Tagliani, Cecilia Venturutti. Músicos: Diego Balan, Valeria Benzaquen, Ana Gutierrez, Juan Lastiri, Pablo Moguillanes. Iluminación: Javier Alemanno. Diseño de vestuario: Guadalupe Cuevas. Realización de vestuario: Francisca Cesare, Guadalupe Cuevas, Alicia Dezarnaud, Laura Smid. Asistencia de dirección: Muriel Bourgeois. Producción: Muriel Bourgeois, Silvia Mañá, Juan Santiago Privitera, Cecilia Venturutti. Dirección: Marcelo Bertuccio.

CINE | "Un mundo seguro" de Eduardo Spagnuolo | Ojos de videotape

2011-12-18T12:37:00.000-02:00

Por Guillermina Gandola

El film, dirigido por Eduardo Spagnuolo, expresa los lugares más recónditos e inentendibles de un mundo: la mente humana y sus fantasmas.

Patricio Podestá, como su nombre sugiere, es un “exitoso” productor de contenidos de TV y su vida se desbarranca cuando aquella noche después de muchas dosis de cocaína se desvía con su auto a un lugar del cual nunca podrá salir (pues ya se encontraba allí antes de su llegada).

Spagnuolo propone y expone sutilmente varios mundos: la vida de un hombre público, el mundo del espectáculo representado por el conductor de un programa de chismes que querrá investigar sin piedad la vida oculta y desconocida del famoso productor y un mundo más amplio y difuso que incluye a todos sus personajes: el panóptico de Foucault.

Nadie podrá escaparse de la mirada ajena y de sus propias miradas y fantasmas.

Podestá se refugia en la observación de las cámaras para alejarse de la mirada humana y el sufrimiento de una noche cruel, reemplazando así el problema. Ahora deberá luchar con esa mirada virtual y propia. Las cámaras lo obturan, capturan, reflejan, un espejo de 360°.

Un mundo seguro nos muestra la dicotomía de encerrarse para liberarse y la prueba de que la mente es el mundo más inseguro que existe, ¿existe?

El final de Podestá llegará cuando las cámaras se apaguen.

Estreno en Buenos Aires: 5 de enero 2012.

TEATRO | "Apátrida" de Rafael Spregelburd | Teatro por la identidad

2011-12-05T20:27:00.006-02:00

Por Eugenia Guevara

Después de ver Apátrida, doscientos años y unos meses, o durante, pensé en Luca Prodan, pensé en Copi, pensé en Gombrowicz, pensé en mis amigos que hace diez años se fueron de la Argentina y nunca volvieron. Pensé en mí. Pensé en aquellos que, probablemente más como un síntoma generacional que como una actitud filosófica, podían sentirse retratados, esbozados, incluidos y aludidos por la idea (o las ideas) que sustenta (n) la obra escrita-ópera hablada, dirigida e interpretada por Rafael Spregelburd, con el apoyo en escena de Federico Zypce interpretando instrumentos no convencionales, pero también operando, bailando y saludando.

El texto dramático se basa en la correspondencia que en 1891 mantuvieron Eduardo Schiaffino y Azul de Prusia, seudónimo de Eugenio Auzón, un crítico de arte nacido en España. El tema: el arte nacional. Schiaffino, luego de haberse instruido en Europa gracias a una beca, expone junto a un grupo de artistas, en la calle Florida de Buenos Aires, y con ello pretende fundar, tal vez, un arte nacional. Pero Eugenio Auzón se opone encarnizadamente a la existencia de un arte nacional y además reza: “Habrá arte argentino dentro de doscientos años y algunos meses”. El crítico considera pésimas las obras de esa exposición, donde reinan Juan Moreira en múltiples versiones y las cebollas.

Spregelburd interpreta a cada uno de los contrincantes, subiéndose a una pequeña tarima para ser Schiaffino, el apasionado defensor de un arte argentino, y bajándose, para ser el cínico y lúcido Auzón que no solo descree del arte "argentino" sino que con sus palabras cuestiona todo el tiempo el concepto mismo de "patria" y/o "nación" y, de alguna manera, sugiere que al concepto de "identidad", no habría que explorarlo a partir de esos parámetros. Zypce musicaliza con folklore cuando la referencia a Juan Moreira o la tendencia moreirista en el arte lo amerita, o deja deslizar la cortina de Almorzando con Mirtha Legrand primero y del noticiero del 13, después. Spregelburd como Auzón llega a amplificar los latidos de su corazón. La disputa postal entre artista y crítico termina en duelo. Un duelo que le "revela" a Auzón que el hecho de ser un "apátrida" terminará por silenciarlo.

Cada momento representado, la inauguración de la muestra en la calle Florida, la crítica de Auzón, la disputa y el duelo, se enmarcan en una escenografía que va mostrando sus capas, como de cebolla, desde el terciopelo con dorado de los cortinados de la galería de arte hasta los delgados árboles apretados del bosque donde ocurre el duelo.

Lo mejor de todo, es decir, lo que hincha, intensifica y multiplica los sentidos posibles de Apátrida, ocurre al final con dos piezas musicales, que mantendré en el anonimato porque sus presencias son una sacudida después de casi dos horas de viaje mental a través de un texto que fluye para recalcar que no se trata solo de la imposibilidad de definir qué es el ser nacional sino que además carece de sentido hacerlo. Con la primera, los protagonistas ejecutan una una coreografía inesperada y graciosa, y con la segunda, una canción que cierra de manera perfecta, me dan el mejor regalo que pueden hacerle a alguien que es y ha sido por más de 20 años fanática de Depeche Mode.

Dramaturgia y dirección: Rafael Spregelburd. Con: Rafael Spregelburd y Zypce. Composición y ejecución: Zypce. Textos: Rafael Spregelburd, sobre las cartas originales de Eduardo Schiaffino y Eugenio Auzón (1891). Viernes a las 20.30 hs. Última función: 16 de diciembre. En El Extranjero, Valentín Gómez 3378, Buenos Aires. Localidades: $60, Jubilados y estudiantes: $40. Reservas: 4862-7400.

CINE | "La mala verdad" de Miguel Ángel Rocca | Nada peor que una ausencia presente

2011-12-02T17:01:00.002-02:00

Por Guillermina Gandola

Abuso de poder, ocultamientos, silencios, miedos e iras contenidos son el eje de La mala verdad, film sugestivo pero contundente. El relato es narrado desde una perspectiva contemplativa y nos presenta, poco a poco, las torturas que tiene que soportar Bárbara, una niña de 12 años, dueña de una mirada perdida, ojos color cristal que buscan y esperan; y a quien le han quitado el derecho a la niñez y sobre todo, a una identidad.

Bárbara vive, no por casualidad, con su madre y abuelo en una casa donde el silencio es el ruido y no hay lugar para los juegos. Tampoco fue casual que se encontrara con Sara, la psicóloga de su escuela quien sabrá observar lo que hasta ahora se evadía; Bárbara no es sólo una niña de 12 años y tiene un problema que descubrir.

En su primer largometraje, Miguel Angel Rocca tiene en claro qué es lo que quiere contar y cómo hacerlo: los movimientos de cámara al ritmo de las miradas de los protagonistas, primeros planos que cuentan una historia de sentimientos y la música, crean una atmósfera por momentos tan intensa que dan ganas de intervenir y gritar, gritar desesperadamente hasta que alguien por fin escuche. No hay nada peor que una ausencia presente.

La problemática que nos plantea esta película descansa en la sumisión (por miedo o conveniencia) y la hipocresía en pos de mantener un “orden familiar” que manipula y enferma las mentes y la cotidianidad de sus integrantes. El silencio y la ceguera se convierten en un cáncer que invade poco a poco a las víctimas hasta dejarlas sin fuerza para gritar y pedir ayuda.

Sin duda, se dará la identificación con situaciones, sentimientos y atmósferas, circunstancias que nos resultarán ya conocidas porque al fin y al cabo nadie está exento de las complejas relaciones familiares. Dejaremos la vida en fotograma con un sabor amargo, con la garganta cerrada, porque la verdad es muy densa y difícil de digerir, pero vale la pena pasar por el mal trago y poder así elegir lo que somos y lo que queremos ser.

NOTICIAS | Se estrena "La vida en tiempos difíciles" de Todd Solondz

2011-12-01T21:15:00.003-02:00

En el número #25 de Ruleta china publicamos esta entrevista que Sergio Raúl López le realizó al cineasta Todd Solondz que muestra en su cine un rostro de los Estados Unidos, en la misma línea del que desnudaron las vanguardias y el cine independiente americano desde los 50. Los Estados Unidos de los perdedores, feos, depresivos, marginados y perversos: Felicidad (1998), Bienvenido a la casa de muñecas (1995) y Storytelling (2001), ya muestran ese verdadero rostro, tal como lo hace Life during wartime (2009), que estrena el 8 de diciembre en los cines de Buenos Aires.

TEATRO | "Kassandra" dirigida por Cipriano Argüello Pitt | La lucidez en la ambigüedad

2011-11-26T20:03:00.002-02:00

Por Fernanda Vivanco

El monólogo escrito por el dramaturgo Sergio Blanco de gran exigencia actoral está basado en la mítica historia de Casandra, la princesa troyana hija de los reyes Príamo y Hécuba, con el don de la adivinación y condenada al descreimiento, despreciada por ello y tomada por loca.

Sueña las pesadillas que harán realidad los hombres que no pueden ni quieren ver la fatalidad que entrañan sus actos, lo cual invariablemente sólo puede terminar en tragedia.

El texto camina sensualmente sobre el borde del abismo que separa la antigua Grecia de cualquier urbe actual, desgastada y corrompida, demostrando que ese material esencial del que estamos hechos los hombres y las mujeres no muda de piel aunque cambie el plano espacio-temporal que lo circunscriba.

A priori no podemos distinguir de qué origen geográfico, racial, época o de qué género es el protagonista. Su marca identitaria puede contener todos los géneros, todas las razas, todos las lenguas, todas las nacionalidades. Una princesa, un taxi boy, un extranjero, un marginal, un ser incestuoso, un paria, un libertino, un ser sufriente, un ser amoroso. Esta pieza refresca, retuerce y frickea la mítica Casandra de las tragedias griegas.

Kassandra nos habla en un inglés básico que no es su lengua materna, chapurreado, estructurado en una sintaxis más familiarizada con el español que con la lengua sajona. Se expresa desinhibida y explícitamente por momentos logrando degradar, vulgarizar, corporizar, materializar y acercar lo elevado y abstracto que puede haber en este antiguo mito.

Quien no tiene conocimiento alguno de esta lengua, podrá quedar igualmente prendado de otras textualidades, como el juego preciso de tensiones digitado por su director, Argüello Pitt. El clima de ritual antiguo e íntimo que genera Martín Suárez al dar la bienvenida, servir la mesa, atender amablemente a sus invitados, amenizar el encuentro. Y la presencia fluida, amalgamada y constante de Pablo Cécere en contrabajo y voz, quien teje la red sonora que envuelve a espectadores-actores, en ese cualquier lugar, activando las cuerdas internas de los convidados.

Curiosamente nos habla una Kassandra con K, pero al margen de la connotación que podría caberle en nuestro país, el alcance político de esta producción va mucho más allá, derrumbando fronteras, poniendo bajo la lupa las flaquezas de ciertos paradigmas culturales que se aceptan como verdades taxativas y cuestionando la legitimidad del binomio moral.

La pista que puede acercarnos al macrosentido de esta performance está a la vista en el programa de mano, donde se cita al dramaturgo y activista político británico Harold Pinter quien sentencia: “Todo puede ser falso y verdadero al mismo tiempo”.

"Kassandra" de Sergio Blanco. Dirección: Cipriano Argüello Pitt. Actuación: Martín Suarez. Música en escena: Pablo Cécere. Asistente de Dirección: Viviana Grandinetti. Traducción al Griego de Las Troyanas: Marcos Cáceres. Diseño y realización del mapa: Guadalupe Suárez Jofré. Diseño gráfico: Lucas Chami. Producción: Gisele Chaui. Prensa: Victoria Conci. Es una Producción de Documenta Escénicas. Última función: 26/11/2011. Documenta Escénicas, Lima 364, Córdoba, Argentina . Reservas: 0351 - 4290280.

CINE | "Medianoche en París" de Woody Allen | Arte, amor y nostalgia en una París idealizada

2011-11-23T00:49:00.001-02:00

Por Leonardo Maldonado

En el cuento Crear una pequeña flor es trabajo de siglos, Abelardo Castillo dice que “un argentino que no fue a París es una especie de uruguayo”. El éxito de los films de Woody Allen en nuestro país podría generar una analogía semejante: qué argentino no ha visto, disfrutado y debatido en estas tierras algún film del neoyorkino. La atracción (nacional) por su cine es tal que el propio director se ha mostrado sorprendido y ha manifestado recientemente a La Nación su deseo de filmar en Buenos Aires.

Su última película, Medianoche en París (2011), que se lanza este mes en dvd, está construida a base de una serie trampas paralelas y encastradas, todas fascinantes. Las hay del orden de la estructura (la concepción de arte y de tiempo), del argumento (el modo en que el protagonista vive el tiempo) y también de género (¿no se trata en verdad de una comedia romántica?). Deliciosos engaños que hacen pasar por simple lo que es complejo.

La secuencia que abre la película ha sido acusada de “clip turístico” por no pocos críticos. Sin embargo, no se trata de estampas gratuitas (primera trampa): ellas tienen por función espejar un determinado imaginario social que mitifica a la ciudad y le otorga un lugar único y privilegiado en relación con el arte y el amor (no por casualidad el film se ha convertido en un éxito de taquilla en todo el mundo). Por otro lado, el montaje de las imágenes de la ciudad, que adquiere tono melancólico por el encantador jazz de Sydney Bechet, está relacionado con la estructura del film: ellas van del día a la noche y del sol a la lluvia.

La tesis del film, que el director rebate con su propia cinta (trampa estructural), asegura que todo tiempo pasado fue mejor tanto para la vida como para el arte. La idealización y la nostalgia por el pasado sintomatizan en el cuerpo de su protagonista y le producen una parálisis creativa: Gil Pender, un guionista de Hollywood harto de escribir argumentos mediocres viaja a París con la idea de inspirarse y terminar su primera novela. Quiere producir una obra artística y no un film insignificante. Ya instalado, cuando suenan las doce campanadas de la medianoche, en el barrio Latino, un viejo automóvil lo fuga en el tiempo y lo traslada a la París de los años veinte. Así, traba relación con artistas de la época: Hemingway, los Fitzgerald, Porter, Buñuel, Picasso, Dalí, Belmonte, Baker. Encuentros que resultan desopilantes a causa de los gags verbales, el choque de la cultura norteamericana con la francesa, las entradas y salidas de las distintas épocas, y las actitudes y miradas de Pender (probablemente la mejor interpretación de Owen Wilson en el cine hasta ahora), que basculan entre la admiración y el desconcierto frente a esos legendarios artistas.

Así, el juego de trampas comienza a desplegarse. El espectador creerá al principio en los ribetes quiméricos del film y pensará, tal como Pender cuando en el presente encuentre una lavandería en el lugar del bar en el que conversó con Hemingway, que todo es producto de un sueño, de la imaginación, de una borrachera, o a causa de la hipnosis que produce la fantástica ciudad. Sin embargo (nuevas trompes à l’oeil), realidad y fantasía, en vez de desambiguarse, se imbrican aún más: en la decisión de Adriana (la bellísima Marion Cotillard) de desaparecer de su tiempo y mudarse a la Belle Époque (otro tiempo idealizado); en el amor que le confiesa a Pender en un libro que él adquiere en el presente; o en el detective contratado por los padres de Inez (prometida de Gil) que queda atrapado en el Versailles del Estado Absolutista.

En medio de las mediocridades producidas por Hollywood –en una escena la madre de Inez comenta que vio un tonto film americano del que ni siquiera recuerda los nombres de las estrellas protagónicas–, Allen demuestra, para rebatir la tesis de su film, que es posible filmar (o que él puede rodar) hoy día, una comedia (romántica) interesante sin huir –por qué habría de hacerlo– de los finales convencionales típicos del género. La torre Eiffel y la lluvia reencantan el cliché del encuentro de la nueva y feliz pareja al tiempo que funcionan como claros signos de autoimplicación que hacen que el espectador comprenda lo siguiente: que ha visto una gran comedia romántica.

TEATRO | "Durmientes" de Florencia Bergallo | El seudobolche y sus dos mujeres (o la historia de un tren que no avanza)

2011-11-20T20:37:00.003-02:00

Por Cecilia Perna

Ni bien me hablaron de la obra tuve, con el nombre, un impacto de acepción. Durmientes no me hacía pensar en el acto de dormir, sino en las maderas que atraviesan las vías del tren, las que sostiene el peso de los rieles. Leí algunos datos de la obra, e incluso una entrevista a la directora, Florencia Bergallo, esperando algo que me devolviera esa imagen ferroviaria… pero no sucedió. Durmientes, parecía siempre apuntar al mundo del sueño. Así que me dispuse a pensar alegorías de potencias en letargo, en invernaderos lúmpenes. Y, antes de ir al teatro, empecé a imaginar mundos posibles. Se me había dicho: una casa ocupada, un hombre y dos mujeres. Así que abandoné las líneas paralelas de las vías del tren y me dediqué a imaginar triángulos. El que encontré en la escena me sorprendió.

Era una cuestión de compensaciones. Él, alto. De energía y de tamaño. Una arista que abarcaba mucho. Una arista que aparenta (aparenta, digo) sustentar todo, proveer. Dar techo y comida, aunque la comida faltara y el techo, fuera provisorio y ajeno. Él daba definiciones del mundo, daba perspectivas de la vida, daba órdenes. Un rey del reino de la mismísima nada, él, el seudobolche. Un destructivo, un renegado, un negador de la realidad, falsificador de valores, esperpento de la simulación… un pavo. Un machista de izquierda, de esos que no valen la pena. Una gran piñata de energía que promete sorpresas adentro y está hueca como un tronco viejo.

Ella, la primera ella en escena que es la segunda ella en la casa, es una gran muñecota que aparenta (aparenta, digo) una inocencia boba. Una chica lenta, alguien diría. Su nariz llegaba a la altura de la nariz de él, y era alta y gigante y preciosa, arrastraba su fuerza al piso, crecía desde el piso, y los pasos las palabras las ideas que llegaban a la boca, se tomaban su tiempo en subir. Y esta lenta gigante y bella, que carece de dote intelectual, tiene sin embargo la apertura de la experiencia, su sabiduría. Ella recién entra a la casa y es la que siempre está más pronta a irse. Más cerca de la libertad.

La otra ella, o la ella una, hace años que vive atrapada. Es pequeña. Y si alcanza la nariz de él es a fuerza de un continuo desplazamiento. Como una bola de fuego que salta y lo ocupa todo a gran velocidad. Es un animalito desesperado que rebota contra los fierros de la jaula, o una animalita, quizá, animalita de la autoconciencia. Ella sabe todo, entiende todo, su cabeza es una luz, un pozo de rubia claridad que hace juego con los ojos, ella es inteligente, brillante y ágil. Trepada a los muebles, por todas partes colgada, ella lo supera, a él, lo sobrevuela, su cabeza está por encima, y sin embargo, cuánto más lejos de escapar, se encuentra quizá, que su compañera. Es una luz atada.

La escena aquí, entre estos tres, es una pura cuestión de poder, de maniobras y contra maniobras alimentadas por los deseos de avance. Es un triángulo de durmientes que juegan a ver quién está sobre el otro, quién se apoya sobre quién, quién soporta más peso. Pero por los durmientes de este triángulo, no circula el progreso: esta es una construcción sin salida, una panoplia de falsas promesas. No hay vía de escape allí, no pareciera: los triángulos no conducen a ninguna parte.

Dramaturgia y Dirección: Florencia Bergallo. Con Julián Krakov, Lola Lagos, Victoria Roland. Escenografía y diseño de luces: Julieta Potenze. Diseño de vestuario: Paola Delgado. Realización de escenografía: Julieta Potenze, Ariel Vaccaro. Realización de vestuario: Paola Delgado. Fotografía: Brenda Bianco. Diseño gráfico: Brenda Bianco. Entrenamiento corporal: Mariana Tellechea. Asesoramiento dramatúrgico: Marcelo Bertuccio. Asistencia de dirección: Gisel Robles, Ximena Seijas. Prensa: Ezequiel Hara Duck. Producción: Florencia Bergallo, Julián Krakov. Última función 4/12/2011. Elefante club de teatro, Soler 3964. Tel. 4821-4425.

TEATRO | "El hijo de Amateur" dirigido por Gustavo Tarrío | Musical de la profundidad

2011-11-17T18:16:00.002-02:00

Por Eugenia Guevara

Gustavo Tarrío ha creado una obra cuyo estilo conjuga el cine y el teatro. Hace teatro como en el cine y cine como en el teatro.

Lo cinematográfico entra a su obra teatral al menos desde dos vías. Por un lado, a través del diálogo intertextual genérico o por la alusión a estrellas o personajes y por el otro, en la concepción de la escena teatral como un "campo" donde sabe crear con destreza varios niveles de profundidad donde seguramente ocurrirá lo imprevisto. El espacio teatral se reformula o se reconstruye o se cartografía de manera constante. Por ejemplo, en Afuera, la primera (2002-2004), un cuadrado contenía una terraza completa; en Los Ríos (2004), los espectadores quedaban a oscuras mientras el espacio mutaba para convertirse en otro espacio y en Decidí canción (2004 - 2006), todo era espacio, los límites no eran claros, nacían y desaparecían para volver a aparecer súbitamente en todas partes o para demostrar que en realidad no había líneas divisorias entre la escena y la platea. En El hijo de Amateur este espacio que se construye en profundidad se vuelve monumental, interminable, acoge a diferentes climas, lugares y situaciones, que pueden ocurrir tan al fondo como las luces musicalmente manejadas permitan ver o al frente de esa pequeña casita blanca que en la mitad de la profundidad del escenario marca un adentro y un afuera. Los espectadores están adentro, ese adentro que a veces también es afuera. Pero por la ventana de la casita el espectador, como los personajes, pueden mirar hacia el fondo, que indudablemente es afuera siempre.

La obra está construida a partir de poemas de Carlos Godoy reconvertidos, y aunque se trate de poemas es posible construir una historia protagonizada por seres, espectros del pasado, o del futuro, o de una virtualidad pura, que en los peores momentos bailan y cantan. Todo transcurre en un pueblo llamado Amateur -la asociación con la obra El Amateur (1998) fue involuntaria y se reforzó con el parecido del protagonista con Mauricio Dayub y la presencia de la bicicleta-. En Amateur, un millonario da forma al Musical más Insoportable de la Historia de la Humanidad. Así es que seremos testigos del musical dentro del ¿musical? que hará desfilar en un decorado perfecto, propio de una película musical acartonada hollywoodense, a toda una serie inimaginable de personajes.

Duración: 65’. Dirección: Gustavo Tarrío. Basado en poemas de Carlos Godoy. Elenco: Francisco Benvenutti, Paula Beovide, Luz Congiusti, Susana Costantino, María Echevarrieta, Andrés Granier, Virgina Leanza, Sabrina Osowski, José Tabares y Raúl Vega. Arte: Equipo El hijo de Amateur, Eleonora Pascual. Coreografía: Luz Congiusti, Virginia Leanza. Edición de sonido y Gráfica: Francisco Benvenutti, Raúl Vega, Hernán Cabrera. Canción “Cambio de vientre”: Luz Congiusti, Andrea Ortego. Maquillaje y peinados: Equipo El hijo de Amateur, Candela Suárez López. Asistencia: Guadalupe Rodríguez. Guión y textos adicionales: Gustavo Tarrío, Equipo El hijo de Amateur. Viernes 21 hs. Viernes 18/11 no hay función. Abrancancha Teatro. Martínez Rosas 941, Departamento 3. Villa Crespo. Hasta viernes 16/12/2011. Bono contribución: $25. Reservas: elhijodeamateur@gmail.com

TEATRO | "El milagro de encontrar un buen albañil" dirigida por Gabriel Villalba | El antiguo oficio de la construcción

2011-11-13T16:35:00.002-02:00

Por Cecilia Perna

En teatro, la aparición del extranjero tiene una larga tradición. Cuando un extranjero aparece en la escena, algo irrumpe: lo diferente. Y lo diferente, engancha, tiene gancho. No es el Narciso redondo sin ángulo ni hueco que no se apega a nada… lo diferente no es una herida en la pared, que alguien, urgente, debe sanar. Lo diferente sana.

Esta es la historia de un milagro, el milagro de conseguir un buen albañil, o un albañil bueno, que es casi lo mismo, pero mejor. Es la historia de una casa familiar, agrietada por el dolor, la soledad y el abandono, la historia de su mujer habitante, de su desesperación. Es la historia de un contratista y su pequeño poder, y de un albañil frágil que viene de lejos. Es la historia de la historia de una cultura, frontera adentro y frontera afuera, de un país, de una ciudad. Es una historia sobre la ignorancia del otro, pero, sobre todo, es una historia sobre la ubicación.

Una casa, por mucho tiempo cerrada, se abre: abre sus puertas a un público, abre sus paredes a la humedad y se agrieta. Una cabeza se abre, la de la habitante, que nos deja ver su mundo interior proyectado en pantalla. Pero hay cosas allí que no se abren nunca: los cuerpos, los prejuicios, las intenciones, los deseos: permanecen cerrados sobre sí, en su redondez incurable.

Frontera adentro, hay dos que permanecen cerrados, atrapados en sus grietas narcisistas, tomados por sus heridas de desencanto y resentimiento. Más atados a la casa, más interesados a causa de ella, se desubican, constantemente, pierden la ubicación, son unos desubicados. Pero hay un eterno ubicuo, el extranjero, el famoso habitante sin casilla, que puede estar, sin embargo, en todas partes porque está conectado con el entorno. El sabe siempre ubicarse bien, en cualquier parte. Es el más pequeño, el más inesperado, el más pobre, el inmigrante, pero el único que puede ver de frente, mirar directo sin quemarse los ojos. El es el verdadero héroe, el simple, que irrumpe desde otro lugar. Tenemos que ir a esa casa, abiertos nosotros al humor y la picardía, pero también a la observación de los dolores propios, ir y mirar a este buen albañil trabajando, es un milagro verlo. El, humilde constructor de casas, nos plantea la existencia de una casa abierta, -otra, no esa en la que estamos- donde la serpiente del dolor pasa de puerta a puerta, entra y sale, sin dejar ni pizca de veneno. Esa casa abierta, que sería tan lindo aprender a construir.

Esta obra ya no se encuentra en cartel. Autora: Malenka. Dirección: Gabriel Villalba. Elenco: José Enrique Escóbar Klose, Malenka, Gabriel Villalba. Vestuario: Javier Laureiro. Concepción escénica: Guillermo Asencio. Cámara: Leo Torcello. Fotografía: Eliana Saihueque. Diseño gráfico: Cintia del Corso. Asistencia de dirección: Silvina Bruggo. Producción ejecutiva: Sebastián Ezcurra. Dirección: Gabriel Villalba.

TEATRO | "Ala de criados" de Mauricio Kartun | Feos, sucios y malos pero ricos

2011-11-09T22:42:00.004-02:00

Por Ximena Zabala | @perradeagua

“El amor es un atentado ácrata” podría ser Lola Arias pero no, es la virgen fea de Ala de criados monologando en el subsuelo del Teatro del Pueblo en la aclamada y taquillera obra de Mauricio Kartun (tres temporadas, más de trescientas funciones, treinta y cuatro mil espectadores y un ACE de Oro). Y podría decirse que la obra transcurre durante la semana trágica, en enero de 1919, pero sí, pero no. Todo en la obra es desplazamiento. En el ala patricia se desarrolla siempre la acción, en una playa de Mar del Plata donde la virgen fea y sus dos primos idiotas se pasan las horas jugando al tiro deportivo a la paloma, a los pies de una roca enorme color hipopótamo. Habrá adivinado usted que tampoco matan muchas palomas.

El texto es tan bueno y tan complejo, sea por reconstrucción del lenguaje de época, sea por invención de Kartun, poco importa, que le deja a usted doliendo el cuerpo a la salida. Como si con los ojos y los oídos debiera seguir a los actores para acompañar esa cadencia interminable de cada párrafo sucediéndose uno a otro sin pausa. Es una obra esmerada. Mayúsculamente perfecta pero le dejará una contractura de éxtasis teatral tremenda. No es para cualquiera. O va usted muy despierto o se me despabila bien en los primeros cinco minutos para que la locomotora no le pase por encima. Disfrutar de Ala de criados es un verdadero privilegio, sobre todo ahora que le quedan pocas funciones, en noviembre termina la tercera temporada. Cosa de pocos, aunque esos pocos ya sean más de treintamil. Cosa de clase media crítica e hiperescolarizada, esa comprará cada chiste con carcajadas. Nótese que estamos frente a una brillante comedia aburrida.

Sugiero que intente olvidar que se ambienta en 1919, la distancia cronológica quizá funcione para tranquilizar los ánimos de los medios cipayos, siempre aplauden algo que les parece lejano. Pedro, el palomero, el comerciante, es el articulador de la trama. Pedro bien podría ahora ser taxista, escúchelo, déjelo crecer… busque el guiño más allá del guiño, no sea gilún, le pido. Luego váyase a casa rumiando su culpa de clase, cosa suya viejo, manéjela.

Autoría: Mauricio Kartun. Actúan: Alberto Ajaka, Esteban Bigliardi, Rodrigo González Garillo, Laura López Moyano. Vestuario: Gabriela A. Fernández. Escenografía: Graciela Galán. Iluminación: Alejandro Le Roux. Diseño sonoro: Guillermo Juhasz. Fotografía: Malena Figo, María Luz García. Asistencia de escenografía: Valeria Cook. Asistencia de vestuario: Julia Kovadloff. Asistencia técnica: Alan Darling. Asistencia de dirección: Gabriela A. Fernández. Diseño de movimientos: Luciana Acuña. Dirección: Mauricio Kartun. Duración: 110 minutos. TEATRO DEL PUEBLO, Av Roque Sáenz Peña 943 Capital Federal - Buenos Aires - Argentina Reservas: 4326-3606. Entrada: $ 60 y $ 30. Viernes 21 hs. Sábado y Domingo - 20:00 hs - Hasta el 27/11/2011

TV | "El Pacto" por América | Entre el estereotipo y la ingenuidad

2011-11-05T21:37:00.002-02:00

Por Leonardo Maldonado

Después del revuelo que causó la renuncia de Mike Amigorena, finalmente América TV emitió el jueves pasado el primer capítulo de El Pacto, que desde la ficción aborda la complicidad de los medios gráficos hegemónicos con la última dictadura. El problema de la miniserie, al menos en este primer envío, no radica en el modo literal en que trata la problemática (nombres, personajes y situaciones que aluden de modo directo a los hechos reales ocurridos) sino en su llano esquematismo y en el tono elegido para narrar la historia.

Su intolerable didactismo, que se hace patente (y patético) ya en la segunda escena, en la clase universitaria donde la abogada Lucía Córdoba (Cecilia Roth) define dos maneras opuestas de entender la Historia y en la que tres de sus estudiantes discuten las consecuencias de la nueva Ley de Medios, emparenta a la serie con La historia oficial. Tal como ocurría con el personaje que allí interpretaba Norma Aleandro, Lucía queda atrapada en un laberinto en el que la ingenuidad y el estereotipo se conjugan y retroalimentan. De todos modos, al film de Puenzo puede otorgársele cierto “beneficio”: data de 1985.

¿No resulta extraño que la abogada que Roth compone, que se ha especializado en casos relacionados con los medios y que dicta cátedra sobre periodismo en la facultad de Ciencias Sociales de la UBA, desconozca el origen de Papel Integral? ¿Por qué al tiempo que manda a investigar a sus alumnos sobre el tema, no relaciona inmediatamente la denuncia de José Gancedo (Federico Luppi), dueño del ya extinto La Expresión, diario damnificado por el pacto celebrado, con un delito de lesa humanidad? Pecados de ingenuidad que afectan el verosímil de la historia y exasperan al espectador, que ya todo lo conoce.

Así, al dotar a Lucía de características heroicas (será ella la que revelará la verdad ante la sociedad) el guionista simplifica la realidad drásticamente. Porque si se plantean tantas correlaciones con los hechos reales sucedidos, es significativo que no se presente un solo rastro de las investigaciones y denuncias que se fueron haciendo a lo largo de la última década, que si bien no eran de notoriedad pública, circulaban en determinados ámbitos, alguno de los que Lucía no podría estar alejada. El problema no es la utilización del estereotipo (la televisión no trabaja sin ellos), sino el modo en que se lo trabaja y en el marco en que se lo hace actuar. Otro ejemplo: la complicidad entre el gerente de El Diario, el poderoso Horacio Murgan (Amigorena), y un juez federal corrupto (que es presentado con una música tenebrosa) se reduce a que aquél pague a éste el geriátrico de su madre y el colegio de su hija.

Igual de simplificadora es la discusión sobre los setenta que Lucía y su esposo mantienen con su hijo de veinticinco años durante un desayuno. Sin duda, la mejor secuencia (y que evidentemente fue reconocida por sus responsables dado que sus imágenes fueron utilizadas en las primeras promociones) es aquella en que Murgan escucha la información que su asistente le ha preparado: la tarea de inteligencia efectuada realmente perturba.

Si es que no lo invisibilizan como producto televisivo, es esperable que las críticas de La Nación y de Clarín sean lapidarias. Incluso podrían decir lo que nunca dirían de tiras como Herederos de una venganza o Cuando me sonreís, o de un reality como Gran Hermano o de un magazine como La cocina del show: que El Pacto es un programa mediocre. Lejos están las secciones de Espectáculos de estos diarios de abordar de modo complejo la cuestión de la relación entre mediocridad y espectáculo. Pero si El Pacto pudiera ser considerado como mediocre, no lo sería de ningún modo por las impecables labores de Roth, Luppi y Amigorena, ni por la estética general, la factura técnica y la puesta en escena, ni por las imágenes de la presentación ni por la canción de apertura. Es en su exacerbado didactismo (que podría suscitar la calificación de “propagandista”), en su falta de sutilezas y de matices, en el esquematismo de la representación de la realidad y en el uso de gastados estereotipos donde el proyecto fracasa. Como si estas cuestiones tuvieran que ser la contrapartida obligada e inevitable de “hacer conocida la historia” de Papel Prensa para el gran público. Subestimación que alcanza también a los espectadores que siguieron el caso por 678, Tiempo Argentino, Página/12, o bien en libros especializados.

TEATRO | "El incidente Nora" dirigida por Marcelo Velázquez | Caretas de Belgrano

2011-10-30T17:55:00.001-02:00

Por Eugenia Guevara

El incidente Nora, que se presenta como una “comedia de suspenso en 1942”, sorprende. Se trata de la primera obra escrita por el actor Eduardo Narvay, quien interpreta a uno de los personajes principales – quizá el personaje clave aunque este título sea compartido con algunos de los demás personajes o incluso, con todos-. Sorprende porque es un texto dramático sólido, preciso, experimentado, que fluye al contar no solo el incidente que involucra a Nora, la empleada doméstica, sino a toda una serie de sentimientos anquilosados, recelos, hipocresías y traiciones, que se despliegan magistralmente en una gran mansión del Buenos Aires de la década infame, entre tres amigas de la infancia y dos políticos encumbrados.

Además, la obra, donde no faltan el crimen y el humor, dirigida por Marcelo Velázquez, tiene el poder, más allá de las referencias contextuales, de transportarnos 70 años atrás, con una escenografía construida a partir de mínimos detalles (u objetos) y un vestuario exquisito. Los ambientes (living o sala de estar, recibidor o hall de ingreso y baño) se disponen en un espacio rectangular alargado, que permite, al mismo tiempo, la movilidad de los personajes y el desarrollo de momentos más o menos íntimos en cada rincón del “escenario”, mientras provoca la actividad constante de los sentidos del espectador que debe seguir los desplazamientos de los actores (por cierto, todos con una excelente performance).

Finalmente, es destacable que esta historia que gira alrededor –como el título lo señala- de la silenciosa mucama, Nora, testigo de todo lo que sucede en esa casona de Belgrano, tanto aquello relacionado con el “amor” como con la “política”, es decir, con el engaño, y será de alguna manera, el chivo expiatorio, al tiempo que revela lo mejor del teatro moderno ibseniano, en forma y contenido, también nos recuerda todo el tiempo "cosas" que son muy nuestras y están completamente vigentes.

De Eduardo Narvay. Dirección: Marcelo Velázquez. Elenco: Valeria de Luque, Romina Fernandes, Carolina Tisera, Emma Rivera, Eduardo Narvay, Julieta Selem, Sebastián Ienco y Sergio Ferreiro. Producción Artística: Eduardo Narvay. Asist. de dirección: Augusto Martínez. Escenografía: Ariel Vaccaro. Iluminación: Alejandro Le Roux. Vestuario: Carla Desiderio. Asist. Vestuario: Paula Lusarreta y Tamara Rodil. Música original/fx sonoros: Diego Centurión. Fotografía: Dotta Bros. Sábados, 20.30 hs. En DelBorde Espacio Teatral, Chile 630. Localidades $40 (descuentos estudiantes y jubilados $30) Reservas: 4300-6201.

TEATRO | "Bulbus" por Los últimos tres | Reserva de vida

2011-10-24T12:57:00.001-02:00

Por Sandra Ferreyra

Desde este mes se puede ver en Espacio Callejón Bulbus, un proyecto escénico del grupo creativo los últimos tres, integrado por Marcela Martino, Mauro Petrillo y Juan Rearte. De la mano de Anja Hilling, una de sus exponentes más destacada, la dramaturgia alemana contemporánea desembarca una vez más en Buenos Aires.

Dos parejas de pobladores y una pareja de visitantes varados en una aldea aislada por la nieve oscilan entre pasado y presente, imaginación y realidad, relato y experiencia. El forastero le cuenta “algo” a una bella mujer desvanecida por el frío, le cuenta acerca de los testigos de la verdad y de Nena en el mar. Los habitantes de Bulbus, por su parte, hablan de la llegada de la pareja de visitantes mientras llenan frascos de miel o juegan curling.

Frente a esta historia, la puesta en escena de los últimos tres asume el desafío de representar la indeterminación de los acontecimientos, momentos en los que una palabra o un gesto alcanzan para que la imaginación y la realidad se equiparen. Porque de esa posible equiparación trata Bulbus. Manuel intenta reanimar a Amalthea con una historia en la que la infancia de ambos se configura imaginariamente. La presencia de estos dos jóvenes visitantes inquieta la memoria de los pobladores de la aldea. Del pasado narrado por Manuel emergen figuras que pueblan el presente, del presente conjeturado en las conversaciones de Jutta, Markidis, Rosa y Albert surgen indicios de experiencias vividas hace tiempo. ¿Desde cuándo el viejo Markidis es griego? pregunta uno de los personajes. Inmersos en un paisaje nevado y un frío constante, los personajes encuentran estímulos para que esa uniformidad no los gane. La superficie helada se quiebra para dar paso a brotes de culpa, de deseo, de amor, de miedo.

El diseño escenográfico aprovecha al máximo la profundidad de la sala para crear un espacio multidimensional. Los personajes habitan los lugares en tanto puntos de intersección de la experiencia y el deseo, de la materialidad y la fantasía. La iluminación ayuda en el diseño del tiempo, señala la simultaneidad, la convergencia y la distancia temporal de los acontecimientos sobre los que es difícil precisar si efectivamente ocurren, ocurrieron u ocurrirán.

Los actores llevan el peso importante de no instalar a los personajes en ninguno de los territorios subjetivos que la obra habilita, logran que estos no sean ni fantasmales ni concretos. Le exigen mínimos matices expresivos al cuerpo para dejar que la voz gane fuerza. Porque en Bulbus los movimientos más auténticos están inscriptos en las palabras, salen de ellas y vuelven a ellas.

Bulbus de Anja Hilling. Dirección los últimos tres (Marcela Martino, Mauro Petrillo y Juan Rearte). Elenco: Martín Rey, Leticia Frenkel, Carolina Balbi, Pablo Kuguel, Soledad Fernández Mouján y Agustín Allende. Asistente de dirección: Irina Stojanoff. Escenografía: Félix Padrón. Diseño de iluminación Matías Sendón. Arreglos musicales: Alex Keller. Concepto de espacio y vestuario: los últimos tres. Domingos, 17 hs. Espacio Callejón, Humahuaca 3759. Entrada: 30$. Reservas: 4862-1167.

TEATRO | "Parte de este mundo" de Adrián Canale | Del mundo de Carver

2011-10-22T21:10:00.001-02:00

Por Perra de Agua o (@perradeagua)

Al igual que el cuadro de Magritte “Esto no es una pipa” podría decirse de la última apuesta del colectivo teatral Puerta Roja, basada en textos de Raymond Carver, “esto, señora, no es una obra de teatro”. Es algo mucho más terrible, es una catástrofe natural, es algo muy parecido a una gran cena familiar, es “Parte de este mundo”.

El espectador ingresa a una sala donde hay cuatro mesas alargadas dispuestas en cruz, cubiertas con manteles a cuadros rojos. Todo muy lindo, vea ud. Los actores invitan a tomar asiento y sirven platos y bebidas. El espectador debe admitir que ya se siente cómodo. Algunos miembros del público, al otro lado de la mesa, le invitan un vino que ellos mismos trajeron, esto sucede realmente, no es cuento, no es teatro, recuerde. El espectador reflexiona entonces que no asistió durante su vida a muchos eventos de este tipo, las cenas familiares vulgarmente son consideradas algo cotidiano, pero es una burda mentira. Por lo general la vida moderna nos encuentra comiendo solos, raramente asistimos a cenas multitudinarias, en navidad quizá, alguna celebración. En fin, ahí lo tiene al espectador medio distraído masticando una papa frita y de golpe se fue a dar cuenta que la acción empezó.

Ocho son los cuentos que se utilizan con ediciones de referencias geográficas y nombres de personajes para dar cuerpo al guión de esta obra. Ninguno está entero, cerradito, el juego es el zapping de historias y diálogos que se va armando con ellos. Admirables también son las apariciones de Yanina Manocero, quien representa fragmentos de los cuentos “La casa del chef” y “¿Es usted doctor?”. Esta última intervención resulta la más tierna y graciosa. Si usted busca una obra convencional se va a decepcionar. Si se deja llevar en cambio por la interacción que es el condimento mejor resuelto en este espectáculo la va a pasar mucho mejor.

Dramaturgia y Dirección: Adrián Canale. Elenco: Tian Brass, Valeria Castro, Sergio Di Florio, Yanina anocero, Silvio Palmucci y Ximena Viscarret. Asistencia de dirección: Belén Bevcar. Asesoramiento en vestuario y ambientación: Gabriela Delmastro. Sábados, 20.30 hs. Teatro Puerta Roja, Lavalle 3636. Entrada : $50 (con consumición). $30 (con consumición traída por espectadores).

TEATRO | "El Cóndor" de Mariana Levy | "She's going to break your heart in two, it's true"

2011-10-18T14:14:00.002-02:00

Por Perra de Agua (o @perradeagua)

En "El Cóndor" la protagonista está desdoblada entre Laura, la pendeja caprichosa y sensual que vive la historia, y Lua, la insomne bizarra y loca, que la cuenta. Con este dato supongo que ya sabrán a cuál de las dos vamos a querer más… Laura viaja al Perito Moreno con un novio y una extranjera, acá ya vamos mal ¿para qué llevar a la extranjera? y si el auto en el que viajan se rompe y se quedan atascados en el medio de la Patagonia, estamos pior. ¿Dónde se quedan?: en “El cóndor”, a 30 km. de Viedma, en un camping en el que no hay nada, menos que menos cóndores. Lo que sobran, doy fe de ello porque estuve ahí este verano, son acantilados y loros barranqueros. Como diría Mariana Levy, la directora y autora de la obra, “no hay nada para hacer”, sin embargo ahí se quedan, como se queda Lua en su casa contando la historia de las peores vacaciones de su vida. Convengamos que de por sí no es muy complicado que un veraneo se convierta en un fracaso, principalmente porque se lo carga de más ilusión antes de salir que al futuro de un primogénito.

Lua dice: “esto no es una historia de amor, el romance está puesto sólo para distraerlos” y aclara, “el romance es como un fila de fichas de dominó, es lindo porque sabemos que en cualquier momento puede romperse”, la ilusión respecto de las vacaciones, pienso, es algo parecido. Por eso lo mejor de la historia no pasa en el camping, pasa en el cuarto de la chica sola y rayada, Camila Dougall, que se lleva todos los laureles con sus intervenciones musicales desquiciadas. Acá debe insertar ud. que a la crítica de esta obra nunca le gustaron los musicales. Reformulemos, no le gustan, pero le encantan los musicales de Mariana Levy.

Quiere, exigente lector, más razones para no perderse esta obra. Tenga: la puesta está resuelta de manera brillante, los universos del relato se complementan y potencian en escena evidenciando que cada recurso fue craneado con mucha lucidez. Por otra parte, la trama rebota entre distintos climas constantemente, la comedia, la melancolía, lo siniestro, lo border, se van engarzando para armar una historia integral en la que es difícil aburrirse.

¿Y si no hay cóndores en “El Cóndor”, de dónde carajo le viene el nombre? De un barco, que también se quedó varado por esas costas. Un barco lleno de champagne francés que viajaba a San Francisco y fue a naufragar en la Patagonia. Esta obra es más o menos lo mismo, un tesoro hundido en el mar de los recuerdos.

Dramaturgia y Dirección: Mariana Levy. Asistente de dirección: Agustina Palermo. Actúan: Camila Dougall, Julieta Halac, Carolina Guareschi, Camilo Cuello Vitale y Sebastian Ursi. Escenografia, diseño y realización: Gustavo Kotik. Vestuario: Cecilia Zuvialde. Diseño de Luces: Paula Fraga. Diseño Gráfico: Agustin Ceretti. Comunicación: Martín Crespo. Sala El Kafka. Entrada: $50 ($40 estudiantes). El Kafka, Lambaré 866. Reservas al:4862-5439.

TEATRO| "Neón" de Agustina Muñoz| El apocalipsis como excusa

2011-10-06T17:08:00.002-03:00

Por Perra de Agua (o @perradeagua)

Según afirma la guionista y directora de Neón, Agustina Muñoz, los personajes de su obra son sobrevivientes del apocalipsis o lo están esperando pero en escena esto no se menciona, es más bien algo que late de fondo. Es cierto que los seis están un poco locos, algo perturbados, y que viven esperando que vuelva la luz al departamento de Ro y Juan donde se juntan a pasar el tiempo, pero no es el eje de la historia. La penuria funciona como una herramienta para contornear las formas, las actitudes de estos sujetos. Sin embargo las cosas que se dicen, las cosas que se siguen preguntando no están lejos de los diálogos que se pueden rastrear en los chats de cualquiera de nosotros.

Hay un escritor tan obsesivo como frustrado, una chica que quiere dejar a su novio, ¿lo quiere dejar o tiene miedo de que él la haya dejado de querer?, otra que no quiere salir de su casa y que espera un llamado de alguien que la abandonó, hay gente que se cuenta sueños, y otra que juega borracha a una especie de “verdad consecuencia”. En todo caso, reformulando un poco a Sartre, el apocalipsis son los otros, eso que de los otros nos incomoda pero nos convoca. El fin del mundo empieza en el lenguaje y Neón tiene un buen guión, mejor ir a verla antes de que termine el 2012.

Autor: Agustina Muñoz. Intérpretes: Laura Paredes, Alberto Rojas Apel, Lalo Rotavería, Matias Umpierrez, Elisa Carricajo y Cecilia Rainero. Apoyo en dirección y coreografía: Barbara Hang. Escenografía: Oria Puppo. Vestuario: Micaela Sleig. Luces: Leo Daiuto. Dirección: Agustina Muñoz. Sala: El Camarín de las Musas. Entradas: general $45, $30 descuento estudiantes y jubilados. El Camarín de las Musas, Mario Bravo 960. Reservas: 4862-0655.

Toda Ruleta China

2011-09-15T20:08:00.000-03:00

RCH Recomienda

2011-09-10T14:03:00.000-03:00

El secuestro de Isabelita, de Daniel Dalmaroni, hasta el 24 de septiembre en el Teatro del Pueblo.

Más datos

Nada del amor me produce envidia, de Santiago Loza, dirigida por Diego Lerman. Hasta el 25 de septiembre, en La Carpintería. Más datos

Entrevista María Merlino.

Mi vida después, de Lola Arias. Hasta el 30 de septiembre, en La Carpintería. Más datos

Selección de fragmentos de notas, con link a la versión completa I

2008-09-27T19:05:00.000-03:00

“Ellen Allien desciende de la estirpe de su majestad Fassbinder... entre ruda y romántica, como ella misma define su vida. Entre ruda y romántica, como aquella Ruleta china setentista, la película de Fassbinder que nos inspiró al bautizar esta publicación”. (Analía Iglesias, Una hija de Janis en manos de Ellen Allien, Rch #1)

“Manu Chao: pasajero en tránsito y nómade, lo hemos venido soportando largo tiempo. Liberaba canciones de paz y de guerra en tierra sueca. Sentí un terremoto, el suelo temblaba. Esperaba que me sorprendiera, pero no hay caso. No faltó Me gustas Tú y hubo muchas repeticiones”. (Paula Cardozo, Bosque, lluvia y rock & roll, Rch #1)

“Alan Pauls mira al señor H con respeto y le habla con un francés que provoca murmullos en la platea femenina. Pauls, defenestrado o adorado, catalogado como uno de los mejores escritores contemporáneos en español, chico codiciado en la universidad, existe”. (Silvana Avellaneda, De lo bien que habló Pauls cuando vino Houellebecq, Rch #2)

“El niño corre a mostrarle a su madre. Ella se sorprende y se conmueve, pero contiene su emoción y le explica qué son los papeles que ha encontrado. Esas láminas con impresionantes y coloridos dibujos y encendidos textos, fueron editadas por los anarquistas, gente que rechazaba cualquier tipo de autoridad. A su padre se las había dado un tío que las guardaba desde la década de 1930. Esas revistas que relataban cómo mataron a un general y cómo secuestraron a unos empresarios, fueron escritas por los montoneros, gente que tomó las armas para hacer una revolución y que en el país haya menos ricos y menos pobres. Su padre las tenía porque era peronista de izquierda (esto fue lo único que el niño no logró entender)”. (Alexis Oliva, El niño y su herencia, Rch #2)

“El cine es el arma de conquista de los Estados Unidos. El cine no es inocente, para nada. Es una industria culpable. Es una industria colonizadora que está cambiando y bajando el nivel espiritual de la gente porque así le conviene a los Estados Unidos”. (Entrevista con Alejandro Jodorowsky por Sergio Raúl López, Rch #3)

“Me pregunto particularmente por la hondura de los textos, pero también, y fundamentalmente, por la manera en que cosen los dramaturgos rioplatenses. No he podido dejar de ver obras argentinas en estos cinco años; no he querido, tampoco. Y, por fortuna, el teatro criollo llega a esta orilla del Atlántico, porque resulta un alimento con más proteínas que el asado, y más necesario (ambos comparten, eso sí, el mismo morbo de la sangre sobre el fuego, haciendo humear las brasas).” (Analía Iglesias, Coser agujeros, Rch #3)

“¿Por qué ganó Berlusconi otra vez? La gente que vota a la izquierda está decepcionada, porque ésta no encontró un nuevo camino, no se renovó, como sí lo hizo en Inglaterra o en España –explica – y directamente, ni siquiera fueron a votar. Por el otro lado, ya no se vota más por la ideología. Se evalúa todo desde una perspectiva muy egoísta, individualista, no se piensa en a comunidad. Sólo interesa que la cosa marche económicamente. El italiano no piensa ni con la cabeza ni con el culo (acompaña con gestos histriónicos), sino con el portafolio”. (Entrevista con Andrea Nobile por Eugenia Guevara, en Rch #4)

“Cuando Flopa tenía 13 años tocaba frente al espejo y soñaba con ser de los Smiths, o de The Cure, ser estrella, vivir del rock. Ahora, si bien hay discos de The Cure que le siguen gustando, ver a Robert Smith pintándose la cara a sus 50, le parece ridículo. Ese romanticismo del artista de rock y la libertad expresiva se le fue agotando, y dice que mucho tiene que ver en eso la experiencia con la industria musical.” (Lucas Amuchástegui, Antes de empezar a decir, diré, Rch #4)

Fenómenos en Tres Capítulos: Cap I De la pantalla azul al videíto de los colaboradores

2008-09-22T16:16:00.000-03:00

La pantalla azul fué el marco justo para la presentación de ruleta china en Córdoba.

Allí, entre las sombras los cuatro entes energéticos trataban de decir algo a falta de algunas imágenes que habían llevado para mostrar, cosa que por algunas fallas técnicas no se pudo hacer.

Lo que quedó fue una charla a ciegas sobre la importancia de poder tener una revista en formato virtual, con colaboradores de todas partes, escribiendo lo que a ellos se les cante, y con envíos artísticos de hermosura.

Se habló de todo, y se vió mucho azul. El público paciente y sonriente, nos acompañó.-

Frases.

cabral ricardo dijo algo de "proletariado"

amuchástegui lucas insinuó que la voz de flopa "susurraría en 3 d"

avellaneda silvana hizo referencias repetidas a "los nacidos en los 70' "

guevara eugenia mencionó a " la escritura contemporánea libre"

es increíble lo que una pantalla azul inspira.

Acá va otro movie con todas las fotos de los colaboradores de estos ocho números, que quisimos mostrar en Córdoba.

Gracias a todos ellos por estar en ruleta!.

Como no podía ser de otra manera el tema es "radioactivity" de kraftwek, y pertenece a la película de RW Fassbinder de la cual la revista es homónima.

Gracias a Gabriela Halac por la invitación y atención brindada en Cba, y felicitaciones por el espacio Fenómenos en la feria del libro.