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Villa Savoye

2012-05-06T12:19:00.001-07:00

Villa Savoye

Se trata de una obra de Le Corbusier. Es uno de los grandes iconos de la arquitectura del siglo XX. Se encuentra en Francia, con vistas al río Sena. Este proyecto fue creado entre 1928 y 1931 justo después de que este autor comentara que ''las viviendas deben ser máquinas para vivir''. Le corbusier tenía cinco reglas que se habian de cumplir para obtener una buena arquitectura y son los siguientes:

-Soporte sobre pilotes a distancias regulares

-Azoteas planas utilizadas para un jardín o mirador

-Planta diáfana

-Ventanas apaisadas correderas (proporcionando mayor iluminación uniforme al interior)

-Fachada libre de decoración, pureza cúbica.

En 1940 fue abandonada, debido a la invasión alemana durante la Segunda Guerra Mundial y en este periodo fue bombardeada e incendiada. Después de esta tragedia se nombró la Villa Savoye como patrimonio arquitectónico por parte del gobierno francés y posteriormente se restauró.

Se trata, pues, de una vivienda unifamiliar que satisface todas las necesidades funcionales de quienes habiten en ella.

La casa presenta una planta cuadrada, organizada en tres alturas: La planta baja para tareas del servicio; la primera planta para residir ; la última, la terraza, usada como jardín o mirador.

La fachada de este edificio es blanca, libre, sólo la adornan ventanas. La planta baja esta rodeada de columnas cilíndricas. Ésta da paso al jardín puesto que está rodeada de un ambiente natural.

En el interior de la vivienda encontramos una impresionante escalera, en forma de caracol, con sus perfectas líneas curvas, dando paso a las plantas superiores.

La primera planta está rodeada de ventanas correderas apaisadas, las cuales proporcionan una iluminación uniforme al interior. Encontramos aquí también un patio interior pero no central sino en un lado. Este patio interior podemos observarlo desde la parte superior donde se encuentra el jardín, al cual se sube por una pendiente.

Podemos destacar que todas las paredes son blancas y que la decoración es minimalista, obteniendo así una gran harmonía, libertad y paz en el interior de la vivienda.

Esta construcción está creada con los nuevos materiales de la época, mucho más resistentes, de vigas de hierro camufladas con el hormigón.

Fue creada para mostras los grandes avances que se podían conseguir con los nuevos materiales del siglo XX. Es una obra puramente racionalista,la cual ha servidio como ejemplo para muchas construcciones de hoy en día. Es un excelente trabajo admirable.

Torre Eiffel

2012-05-01T11:17:00.000-07:00

TORRE EIFFEL

Esta obra arquitectónica fue creada por Alexandre Gustave Eiffel durante 1832-1923 en Francia. Tiene un estilo de arquitectura de hierro, cuyo material es el hierro forjado con un sistema constructivo de materiales industriales. Fue creada en el periodo Neoclasicista, que fue una nueva etapa donde se renovaban los antiguos modelos, propios de otro arte. En estos tiempos en los que se creó la pintura de la que comentamos, había una sociedad sometida a la Guerra de la Independencia de España donde se enfrentaron españoles contra el Primer Imperio Francés, provocado por la pretensión de Napoleón de instalar en el trono a su hermano José Bonaparte. Esta guerra culminó con el Motín de Aranjuez.

Esta torre tiene una presentación muy especial; principalmente, su base es un rectángulo formado por cuatro pilares, como ya hemos dicho, de hierro, seguidamente, estos pilares, a medida que van alzándose van curvándose hacia su interior, creando así movimiento en ella misma; Una vez que llegan a un punto que los cuatro pilares pueden llegar a formar ángulos rectos, detienen su curvatura para formar una base cuadrada y elevar una pirámide. De este modo se consigue un estilo no visto anterior mente ni por la forma ni altura.

El proyecto de Eiffel, en un primer momento fue pensado para Barcelona pero ésta la negó y se construyó en Francia, donde los primeros años de su construcción no la aceptaban pero una vez acabado el trabajo, encantó a la población francesa.

Esta torre es considerada el máximo exponente de la arquitectura metálica y fue concebida para convertirse en el símbolo de la Exposición Universal de París del 1889, que se celebró el centenario de la Revolución Francesa.

Fusilamientos del 3 de mayo

2012-05-01T10:16:00.002-07:00

Fusilamientos del 3 de mayo

''Los fusilamientos del 3 de mayo de 1808'' es una obra de Francisco de Goya, también conocida como ''Fusilamientos de la Moncloa''. Es un proyecto creado en el periodo Neoclasicista, que fue una nueva etapa donde se renovaban los antiguos modelos, propios de otro arte. En estos tiempos en los que se creó la pintura de la que comentamos, había una sociedad sometida a la Guerra de la Independencia de España donde se enfrentaron españoles contra el Primer Imperio Francés, provocado por la pretensión de Napoleón de instalar en el trono a su hermano José Bonaparte. Esta guerra culminó con el Motín de Aranjuez.

En este trabajo Goya nos muestra cuatro escenas: El primero pertenece a los personajes de la derecha quienes no muestran su rostro, están colocados en una misma línea, todos con la misma vestimenta y apuntando hacia la otra escena, la parte de la izquierda, donde encontramos a los ciudadanos españoles, unos asustados y otros muertos ante los franceses; el tercer plano, al paisaje, por un lado izquierdo la montaña y por otro lado un edificio, que pertenece a la Moncloa; Por último, vemos el tenebrismo en el cielo de la madrugada, momento en el que se produjeron los fusilamientos.

En esta obra podemos apreciar la técnica de Goya, las pinceladas que no detalla los pequeños matices, se centra más en el mensaje que quiere transmitir, la realidad que quiere dar a conocer. Así pues, observamos el miedo de cada uno de los que van a ser fusilados, la valentía de otros. Nos enseña los gestos de las personas que no saben que hacer ante los franceses.

En cuanto a la luz, vemos que hay un foco artificial por la parte de la izquierda y de este modo nos refleja la valentía de ciudadano español central, con las manos en alto y su camiseta blanca, reluciente, que nos transmite la pureza, la nobleza, la bondad.

Esta obra pertenece al Neoclásico, donde se recogen todas las artes anteriores y aquí se aprecia una continuidad del Barroco puesto que nos muestra una escena en concreto. La funcionalidad de ésta es didáctica, la cual nos muestra cómo ocurrieron los fusilamientos y dónde.

Corrientes artísticas -1945

2012-04-30T02:26:00.000-07:00

1. Expresionismo abstracto e informalismo.

Expresionismo abstracto se desarrolló en Estados Unidos mientras que el informalismo en Europa, aunque ambas corrientes presentan las mismas características. Se basan en la acción de pintar y de expresar las emociones del autor en el momento que realiza la obra. Generalmente son abstractas, pero en ocasiones se pueden reconocer figuras. Presenta una variedad cromática limitada, con una apariencia de caos y una gran subjetividad. Representante más importante del expresionismo abstracto es Jackson Pollock, que usa en sus obras la técnica del Accion Painting. En cuanto al informalismo, destacan Saura, Tapies y Millares.

2. Arte cibernético.

Corriente artística basada en la combinación entre tecnología y arte.

3. Arte cinético.

Corriente artística basada en la estética del movimiento. Está principalmente representado en el campo de la escultura donde uno de los recursos son los componentes móviles de las obras. Pictóricamente, el arte cinético también se puede basar en las ilusiones ópticas.

4. Arte conceptual (Idea art).

Corriente artística en la que el concepto o la idea dentro de una obra son un elemento más importante que el objeto o el sentido por el que la obra se creó. En muchos casos la idea es la obra en sí misma.

5. Arte corporal (Body art).

Corriente artística donde se trabaja con el cuerpo como material plástico (se pinta, se calca, se ensucia, se cubre, se retuerce...). El cuerpo es el lienzo o el molde del trabajo artístico.

6. Arte de acción.

Movimiento artístico en el cual los artistas intentas ampliar los horizontes de la experiencia estética, más allá de los espacios, especialmente dedicados al arte, museos, galerías, salas de concierto, etc.

7. Arte naturaleza (Land art).

Corriente artística que utiliza como soporte y como elemento principal la propia naturaleza. Como las obras se encuentran en el exterior, sometidas a la erosión y a otros agentes, muchas obras desaparecieron, quedando únicamente el recuerdo fotográfico.

8. Neoconcretismo – Nueva abstracción.

Movimiento artístico de formas geométricas simples, combinación constante de colores planos y carácter más racional, y sintetización frente al individualismo.

9. Arte óptico (Op art).

Corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. Representantes más importantes: F. Sempere y Andrew Alfaro.

10. Arte pobre (Arte povera).

Corriente artística aparecida que utiliza objetos del desecho o sin valor real ni artístico para crear una obra de arte. Es una crítica a la sociedad del consumo y un realzamiento del valor artístico.

11. Arte pop (Pop art).

Corriente artística basada en la representación de elementos de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación (cine, cómics, teatro, elementos de consumo…).

12. Happening.

Corriente artística que se caracteriza por la participación de los espectadores. Los happenings integran el conjunto del llamado performance art. Tiene como objetivo

producir una obra de arte que no se focaliza en objetos, sino en el evento y la participación de los espectadores. Suele ser efímero, ya que busca la participación espontánea del público. Representantes más importantes: John Cage, Allan Kaprow, Josep Beuys. Está relacionado con el performance.

13. Hiperrealismo.

Corriente artística de la pintura realista surgida en Estados Unidos que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía.

14. Instalación.

Montaje artístico en un espacio concreto con todo tipo de elementos (visuales, táctiles, olfativos…) en la que se hace una reflexión a partir de este montaje de diversos objetos.

15. Minimalisme (Minimal art).

Corriente artística que consiste en reducir el arte a lo esencial, despojándolo de elementos sobrantes, pero de forma completamente racional. Representantes más importantes: Dan Flow y Donald Judd.

16. Neofigurativismo – Nueva figuración.

Corriente artística que fusiona la figuración, la abstracción y la materia. Se encuentra dentro del informalismo. Se considera neofigurativismo no solo a las obras de artistas, sino también a las de gente mayor, niños, enfermos mentales…

17. Performance.

Corriente artística que une la creación artística con el teatro (música, baile…). Se hace una representación ante unos espectadores, que también actúan en la representación. Esta relacionado con el happening.

18. Posmodernidad.

Corriente artística que critica la facilidad de cómo la tecnología ha sido aceptada por la sociedad. Se recupera la figuración, el poder de las metáforas. Representantes más importantes: Baselitz, Miguel Barceló (plástica) y Piero Manzoni (arquitectura).

Vanguardias

2012-04-29T12:57:00.000-07:00

1. Fauvismo (1903-1910).

E nombre (“fauve” significa fiera) proviene de la violencia de sus colores. El cromatismo de las obras de Gaugin i de Van Gogh tuvo gran fluencia. Consideraban que el uso del color no tiene que depender de la forma ni ajustarse a los objetos reales.

1.1. Matisse.

Es el principal representante del fauvismo. Destacan obras como Lujo clama y voluptuosidad, La dicha de vivir y Armonía en rojo, donde los colores son intensos, planos e irreales.

2. Cubismo (1907).

Los cubistas buscaron la percepción total de los objetos, i para hacerlo tuvieron que romper con la perspectiva y la profundidad vigentes en la pintura desde el Renacimiento. Tampoco respetaron los colores de la realidad. Hay dos tipos de cubismo: hasta 1912, cubismo analítico (desmembración de las partes del objeto representado), y desde ese año, el cubismo sintético (recomposición de objetos con diferentes partes de los mismos, con grandes planos de color e introducción del collage).

2.1. Picasso. GUERNICA Y LAS MENINAS

Pintor, escultor y grabador malagueño, es la figura clave del cubismo. Su trayectoria pictórica se puede dividir en cinco etapas:

Periodo azul (1901-1904). Se caracteriza por el predominio del color azul, que nos induce a una temática triste, de miseria humana. Destacan obras como: Muerte de Casagemas, La bebedora de absenta y Viejo tocando la guitarra.
Periodo rosa (1904-1905). Destaca por sus colores pastel y cálidos, líneas suaves y delicadas, y figuras de proporciones "alargadas" próximas a su admirado Greco, todo ello en un ambiente circense. Destacan obras como Acróbata y joven arlequín y Familia de saltimbanquis.
Protocubismo (1906-1907). Se vio influido por el arte griego más arcaico, por el arte ibérico y por el arte africano. Destaca su célebre obra Las señoritas de Avignon, donde Picasso rompe con la profundidad especial, representando la belleza femenina mediante formas geométricas puras. También destaca su Autorretrato.
Cubismo analítico (1908-1911). Su antecedente es Cezanne y su compañero es Braque. Destacan obras como Retrato de Ambroise Vollad o Muchacha con mandolina.
Cubismo sintético (1912-1916). Un ejemplo de este tipo de cubismo sería Retrato de Olga en un sillón.

2.2. Braque y Gris.

De Braque destaca su obra Mesa-pedestal, y del español Gris Tazas de té.

3. Expresionismo (1900-1910-1920/1930).

Marcados por la obra de Munch, en conceptos de querer reflejar el físico y la anatomía de las personas se centraron en la expresión de los sentimientos y las emociones humanas. Su técnica pictórica era parecida a la de los fauvistas.

1. Munch.

Es el precursor y antecedente del expresionismo, cuyas obras como El grito o Ansiedad han servido como fuente de inspiración a los pintores expresionistas.

2. “El puente”, “El jinete Azul” y otros autores.

En el primer grupo destaca Kirchner, mientras que en el segundo destaca Kandinsky. También cultivaron el expresionismo autores como Grosz, Dix, Beckmann o Heartfield.

4. Futurismo (1909).

Establecieron como principal objetivo del arte la representación del movimiento, del cambio. Se oponían radicalmente a todos los valores del pasado. La ideología y la actividad de los miembros se desarrollaron según los principios expuestos en sus manifiestos. Hay dos fases: una inicial influida por el divisionismo y otra en la que adoptan el lenguaje cubista.

4.1. Autores y obras.

Destacan: Boccioni (Formas únicas de continuidad en el espacio), Balla (Niña corriendo en un balcón), Severini (Tren blindado) y Carrá.

5. Abstracción (1910).

La pintura abstracta prescindió de los elementos figurativos y rompió con la realidad sensorial, para concentrar la fuerza expresiva en las formas y en los colores. Algunos de sus miembros se dejaron guiar por la inspiración y otros buscaron relaciones matemáticas. A pesar de haver nacido en Europa, después de la Segunda Guerra Mundial el movimiento se extendió a los EE.UU. Hay dos grandes tendencias: abstracción lírica (derivada del expresionismo de Kandinsky) y abstracción geométrica.

5.1. Kandinsky y Klee.

Se enmarcan dentro de la abstracción lírica. Las obras más destacadas de Kandinsky son Primera acuarela abstracta e Invierno. En cuanto a Klee, destaca Motivo de Hammamet.

5.2. Mondrian y Malevich.

Mondrian pertenece al neoplaticismo holandés, plasmado en su obra de carácter místico Broadway Boogie-Woogie. Por otro lado Malevich pertenece al suprematismo ruso, con obras como Cuadrado negro sobre fondo blanco o Cuadrado blanco sobre fondo blanco. Ambos pintores pertenecen a la abstracción geométrica.

6. Dadaísmo (1916-1923).

El dadaísmo fue un movimiento de protesta y de rechazo contra todo aquello establecido. Su nihilismo se expresó claramente en su propio nombre, que proviene de la palabra “dada”, que no significa nada. Sin su actitud rompedora no se podría entender la evolución del arte del siglo XX. Sus obras son una crítica a la autoridad, con un gusto por la provocación y el azar. Los dadaístas son los creadores de ready-mades y de fotomontajes.

6.1. Duchamp, Picabia y Man Ray.

La gran figura es Duchamp, pintor y escultor, cuyas obras muestran la esencia del dadaísmo: Desnudo bajando una escalera, Rueda de bicicleta sobre taburete, Gran vidrio, Fuente, L.H.O.O.Q., Etant donnes. También destacan artistas como Picabia (Retrato de una muchacha americana en estado de desnudez) o Man Ray (Regalo).

7. Surrealismo (1924).

La intención de los pintores surrealistas, fuertemente influenciados por las tesis psicoanalíticas (influencia de Freud y Marx), era plasmar los fenómenos subconscientes, como ahora los sueños, ocultos por la consciencia. También está vinculado a la literatura (influencia de André Bretón). Es un precedente de la pintura metafísica. Hay dos grandes tendencias: una figurativa y otra abstracta.

7.1. Miró.

Cultivó un surrealismo abstracto, con influencias fauvista, cubista y dadaísta. Este surrealismo se ve reflejado en grandes obras como La masía, La tierra labrada, Carnaval de arlequín, El nacimiento del mundo, Photo y Las constelaciones.

pintura Neoclasicista

2012-04-28T10:13:00.003-07:00

1. Neoclasicismo.

La pintura neoclásica se inspiro en un principio en la tradición clásica para centrarse posteriormente en acontecimientos contemporáneos como la Revolución Francesa. Prescinde de la decoración minuciosa y hay un claro predominio del dibujo sobre el color. Se tratan temas políticos y del mundo clásico. Destaca su búsqueda de belleza y su finalidad educativa.

1.1. David.

Su tendencia neoclasicista se refleja en sus obras El juramento de los Horacios y Muerte de Marat.

1.2. Ingres.

Es un ferviente defensor del dibujo, y un claro exponente del romanticismo en cuanto a la sensualidad y al orientalismo. Destaca el acabado perfecto de sus obras y su estudio de la anatomía humana, así como su carácter academicista. Entre sus obras más importantes encontramos La gran odalisca.

2. Goya.

El arte de Goya huye de cualquier intento de catalogación: elementos rococós, neoclásicos i románticos se mezclan con la tradición pictórica española i con su propia investigación personal, originando una pintura considerada antecedente del impresionismo i del expresionismo.

2.1. Primera etapa.

Trabajó en la Real Fábrica de Tapices, elaborando pintura de cartones para tapices. Con estos cartones fue adquiriendo experiencia pictórica.
Se convirtió en el pintor de Carlos IV, y también hizo retratos de nobles ilustrados.
Obras: La gallina ciega, Carlos III cazador.

2.2. Segunda etapa.

Pintó retratos magistrales y grabados.
Contrajo una enfermedad grave y se quedó sordo.
Adopta un espíritu más realista y más crítico (espíritu romántico).
Obras: La familia de Carlos IV.

2.3. Tercera etapa.

Elaboró grabados y cuadros históricos.
Destacan las llamadas pinturas negras, pinturas de temas sombríos y pesimistas (con las cuales decoró su casa de campo, llamada la Quinta del Sordo).
Obras: Los fusilamientos del 3 de mayo, La carga de los mamelucos, Los desastres de la guerra, Saturno devorando a su hijo, El coloso.

Arquitextura s.XX

2012-04-27T10:57:00.000-07:00

1. Arquitectura expresionista.

Se caracteriza por su interés por el cristal i el empleo de formas curvas de carácter orgánico y con sugestiones mecánicas. Destacan los arquitectos Bruno Taut (Pabellón de la Werkbund) y Mendelshon (Torre Einstein).

2. Arquitectura neoplástica.

Destacan los planos ortogonales interpenetrados y colores puros, en obras como la Casa Schröder, de Rietveld.

3. Constructivismo ruso.

Las obras arquitectónicas se caracterizan por la geometría en diagonales, destacando la preocupación social. Uno de sus arquitectos más representativos es Tatlin (Monumento a la III Internacional).

4. Racionalismo.

Impulsó la simplicidad de las formas, el regreso a los volúmenes simples (cubo, cilindro, etc.) y el rechazo de la ornamentación innecesaria. La arquitectura racionalista también se conoce con los nombres de “moderna” i “funcionalista”, y ha sido la más importante del siglo XX.

4.1. Gropius.

Su obra magna es la Bauhaus, escuela de arquitectura y diseño que defendía la racionalización. También destacan otras de sus obras como la Fábrica Fagus o la Casa Gropius.

4.2. Le Corbusier.

Es uno de los arquitectos más importantes del siglo XX, gran polemista y creador de formas plásticas. Es el creador de los “Cinco puntos para una nueva arquitectura”, presentes en su obra Villa Savoye. Estos cinco puntos son:

Planta libre, que permitía la supresión de los muros de carga y el establecimiento de un espacio de libre distribución.
Pilares (pilotis), que separan el habitáculo del terreno.
Fachada libre, posible gracias a los pilares.
Ventanas continuadas: posibles por la ausencia de muros de carga.
Jardín en la cubierta, que hace de filtro natural del agua de la lluvia.

También destacan otras obras como Unidad de vivienda de Marsella, Chandigarh y Nuestra Señora de Ronchamp.

4.3. Mies Van Der Rohe.

Destaca por su gusto por la geometría depurada y por las disposiciones prismáticas. En sus obras destaca el uso del cristal. Entre sus obras más importantes encontramos Casa Farnsworth, Pabellón alemán y Seagram Building.

5. Organicismo.

Según este movimiento de origen norteamericano, los edificios son como organismos, cuya forma tiene que adecuarse a su función, al entorno y a los materiales utilizados en su construcción.

5.1. Wright, Utzon y Aalto.

Wright es el propagador de la arquitectura orgánica y de un urbanismo disperso, características presentes en sus dos grandes obras: Museo Guggenheim de Nueva York y la Casa Kaufmann.

En cuanto a Utzon, destaca su Ópera de Sidney, mientras que de Alvar Aalto destaca el Sanatorio de Paimio (donde se observa su funcionalidad y su organicismo).

6. Tardomoderno.

El estilo tardomoderno es considerado la continuación del estilo moderno, es decir, del racionalismo. Formalmente, es muy parecido, por la pasión exacerbada por las nuevas tecnologías ha acabado determinando unos nuevos valores estéticos. Los arquitectos más representativos son Piano y Rogers.

7. Posmoderno.

Este estilo también mantiene vínculos de unión con el racionalismo, pero pretende ser más del gusto de las clases medias. El uso de la ornamentación (al contrario que el racionalismo) y sus referencias a los estilos históricos lo acercan al art nouveau. Sus principales representantes son Venturi, Graves y Bofill (Les Espaces d’Abraxas).

8. Deconstructivismo.

El atrevimiento en la combinación de elementos industriales y el diseño por ordenador hacen posible un caos controlado de formas imposibles que sirve al deconstructivismo para cuestionarse la pervivencia del racionalismo en la actualidad. Su máximo representante es Gehry, cuya obra magna es el Museo Guggenheim de Bilbao.

Neoclasicismo

2012-04-26T11:19:00.000-07:00

1. Neoclasicismo.

La escultura neoclasicista toma como fuentes los modelos grecorromanos y la teoría neoclásica. En las esculturas, en bulto redondo, predomina el uso del mármol, y se centran en temas mitológicos, en el desnudo, así como en retratos y monumentos.

1.1. Canova.

Entre sus obras, destacan esculturas como Las Tres Gracias o Eros y Psique.

1.2. Thorwaldsen.

Su obra más representativa es Jasón con el vellocino de oro.

2. Rodin.

Es el escultor más reconocido en la escultura del siglo XIX. Se vio enormemente influenciado por Miguel Ángel y por Bernini. Realizó grandes monumentos públicos con estilo enfático y teatral. En su escultura, se observa el contacto con el impresionismo y con el simbolismo. De textura rugosa e impresión de inacabado, entre sus obras más importantes destacan: Las puertas del Infierno, El pensador, Los burgueses de Calais, El beso, Balzac, Catedral, etc.

Neoclasicismo

2012-04-25T11:32:00.003-07:00

1. Neoclasicismo.

Los restos arqueológicos de ciudades romanas sepultadas, nuevos estudios teóricos sobre la cultura y el arte grecorromanos y la caducidad de la estética barroca provocaron un retorno a los modelos clásicos: de aquí el nombre de neoclasicismo. Las columnas, los frontones con relieves y las cúpulas tomaron un papel destacado.

1.1. Arquitectos y obras.

Sabatini: Puerta de Alcalá.
Vignon: La Madeleine.

2. La arquitectura de hierro (desde 1851).

La Revolución Industrial del siglo XIX introdujo la producción de nuevos materiales como el hierro y el acero. Su aplicación a la arquitectura hizo posible conseguir rectas imposibles de lograr con otros materiales. Estos nuevos edificios suman su funcionalidad a una nueva belleza, ligera y luminosa. En ellos, no hay separación entre estructura y ornamentación.

2.1. Arquitectos y obras.

Paxton: Palacio de cristal.
Eiffel: Torre Eiffel.
Roebling: Puente de Brooklyn.

3. Escuela de Chicago.

La falta de una tradición arquitectónica propia permitió que en los Estados Unidos apareciera un estilo arquitectónico pensado exclusivamente para satisfacer las necesidades del presente. Con esta escuela surgieron los primeros rascacielos. Éstos se caracterizan por su esqueleto metálico, su multiplicidad de pisos en altura y por utilizar ascensores para acceder a las distintas plantas.

3.1. Arquitectos y obras.

Sullivan: Auditorium de Chicago, Almacenes Carson.

4. Art nouveau.

Se desarrolló en Bélgica y Francia. Conocido como modernismo en Cataluña, se caracteriza por su afán por romper con la tradición arquitectónica anterior integrando diversas artes (arquitectura, cerámica, etc.) Se inspiró en la naturaleza, considerando los edificios como órganos vivos (organicismo y bioformas). Destacan los motivos decorativos vegetales y animales, dando preferencia a las formas curvilíneas. En su construcción se utilizan todo tipo de materiales, incluyendo el hierro colado.

4.1. Arquitectos y obras.

Horta: Casa Tassel.

5. Modernismo.

Su máximo desarrollo tiene lugar en España, centrándose sobre todo en Barcelona. Destacan dos fases: una historicista (hasta finales de los años noventa) y otra más influida por el art nouveau franco-belga.

5.1. Arquitectos y obras.

Domènech y Montaner: Palau de la Música Catalana.
Gaudí: La Sagrada Família, Palacio Güell, Parque Güell, Casa Batlló, Casa Milà.

6. Secession (Austria) y Modern Style (Gran Bretaña).

Destaca el énfasis por lo geométrico y el empleo del hierro y del cristal. En Inglaterra influye el movimiento Arts and Crafts impulsado por W. Morris. En cambio, en Austria la renovación viene impulsada por Otto Wagner.

6.1. Arquitectos y obras.

Olbrich: Edificio de la Secession.

7. Postracionalismo.

Se caracteriza por el rechazo a la decoración, la sinceridad en el empleo de materiales y el uso de volúmenes geométricos puros. El postracionalismo anticipa la arquitectura del Movimiento Moderno. Hay tres focos principales: Austria, Chicago y Alemania.

7.1. Arquitectos y obras.

Adolf Loos (“Ornamento y delito”): Casa Steiner.
Wright: Edificio Larkin, Casa Robie.
Behrens: Fábrica de turbinas AEG.
Gropius: Faguswerk.

Goya

2012-04-23T14:51:00.004-07:00

GOYA

Autoretrato de Goya

Francisco Goya fue un gran pintor al que se considera contemporáneo. Nació el 1746 y murió el 1828 durante el reinado de Fernando VII.

Este pintor vivió en una época de cambio artístico,por lo tanto no se le define en un período concreto, sino que se le atribuyen diversos tipos de arte. Goya estaba sometido a la crítica de la sociedad debido a su innovación para darle un cambio mediante el arte.

Así pues, surge el período de las Vanguardias, cuyo estilo es sintético de innovación artística, de modernidad. Este autor considera que el arte puede ir innovándose, por lo tanto se debe ser Vanguardista, seguir nuevos avances, no seguir a otra persona, sus mismos criterios. ''Aún aprendo'', fue una frase que pronunció poco antes de morir, con 82 años, explicando así que él siempre aprende para seguir innovando, para mostrar a la sociedad que hay cosas por descubrir. El arte les sirve para criticar a la sociedad, para luchar, para reclamar.

Los movimientos vanguardistas son muy breves puesto que no dejan de innovar, siguen buscando intensamente otra manera de hacer arte. Podemos destacar como grandes vanguardistas a Picasso (Guernika), Dalí, Joan Miró.

La vida de Goya se divide en tres etapas:

-Él empezó a destacar con 28 años, empezó con cartones para tapices. Hacia cuadros para una élite, y éstos eran del estilo Rococó, pinturas decorativas.

En 1789 consigue llegar a ser el pintor del rey Carlos IV. Se le aplican tres tendencias, Barroco tardío, Rococó y Neoclasicismo.

-Su segunda etapa se basen el liberalismo, retratos magistrales y gravados(''Los caprichos).

-En su tercera etapa, durante la guerra de la independencia, fue cuando se enamoró de la Duquesa de Alba.

Goya estudió mucho a Velazquez, con las pinceladas sueltas, y las figuras que realiza. Las obras ''Las Meninas'' y ''La familia de Carlos IV, son retratos muy semejantes con las mismas técnicas y su propio retrato (del autor) en el cuadro.

En esta etapa se destacan los gravados (desastres de la guerra), retratos, y géneros históricos. Destacamos las pinturas negras que expresan la pesadumbre, la certeza de tragedia del ser humano.

En este período se establece una sociedad reprimida. El autor huye del país hacia Burdeos por motivos políticos y muere allí, en Francia.

Las obras de esta última etapa encajan con el Romanticismo, Neoclasicismo e Impresionismo.

Las hilanderas

2012-04-22T11:54:00.001-07:00

LAS HILANDERAS

Las hilanderas es una obra del pintor sevillano Velazquez, una obra que representa la Fábula de Aracné. Fue creada en 1657, una época en la cual existía una gran crisis económica, social y política. En esta etapa se establecía un proceso de cambio, donde el fenómeno político consolidaba el absolutismo. En cuanto al ámbito religioso, había una oposición entre los que estaban a favor de la Contra reforma católica y los que defendían la reforma protestante.

Esta obra presenta un género costumbrista puesto que vemos cinco mujeres hilando, como hábito diário. También vemos como aparece el género mitológico en el escenario, tras las hiladoras, donde se muestran cinco personajes femeninos representando un momento concreto, en el cual Atenea castiga a Aracné.

Con esta pintura, Velaquez quiere expresar que el arte es liberal. Se presentan tres planos, el primero con las hiladoras tejiendo, el segundo sería el tenebrismo en los laterales y el tercer plano, el escenario. En este cuadro vemos un juego típico del Barroco como es poner el mensaje en segundo plano, que el arte es liberal y que el trabajo de las hilanderas también puede ser motivo de arte.

La belleza natural-realista de esta obra está compuesta por el movimiento exacto conseguido con la luz, el brillo de la rueda que refleja el movimiento circular de ella misma. Se presenta también un juego geométrico con las diagonales de los cuerpos como por ejemplo las piernas de las hilanderas. O también nos muestra un triangulo entre la segunda y tercera mujer para dar paso al escenario y éste sigue sulínea horizontal hasta el brazo de Minerva, que señala al teatro para indicar el segundo plano.

Las hilanderas fue creada para mostrar la belleza en los hábitos rutinarios como es el trabajo de las hiladoras y también para mostrarnos la Fábula de Aracné. Se muestra aquí cómo cinco mujeres hilan unos tejidos y después están colgados en el escenario, así pues, se interpreta que estas mujeres están trabajando y nos muestra el resultado final.

The escorial

2012-04-19T14:02:00.002-07:00

The Escorial

The Escorial is in Madrid (Spain). The architect is Juan de Herrera, who built it between 1563-1584. At this time Felipe II was reigning. This project had multiple functions like: palace, monastery, a center of culture and art, etc. This work is the most important Spanish classical architecture that, belongs to the Mannierism period.

This building is rectangular, surrounded by gardens. It is dominated by a large temple whose main chapel stands the rectangle. It has a facade movement with slight gains of the inputs into the monastery. The building is full of windows to bring light. We can also say that this is itself a monumental Baroque movement. The ornamentation of the walls is reduced to the trim that frame the building elements and the piramidiones.

The plant of this project is divided into three courts, one temple, rooms, one school and one convent. In the interior of this work we find a lot of paintings and altarpieces figures all made with quality materials but they seem to be very good.

The Escorial is also announcing the Mannierism because it is true to the aesthetics of the Counter-Reformation in its close connection between art and political and religious power.

Vocación de San Mateo

2012-04-11T13:40:00.001-07:00

Vocación de San Mateo

Esta obra pertenece a Caravaggio. Se trata de una pintura de estilo Barroco, s. XVII, hecha de óleo sobre lienzo. Fue creada en una época en la cual existía una gran crisis económica, social y política. En esta etapa se establecía un proceso de cambio, donde el fenómeno político consolidaba el absolutismo. En cuanto al ámbito religioso, había una oposición entre los que estaban a favor de la Contra reforma católica y los que defendían la reforma protestante.

La escena que se muestra en la pintura es una taberna de Nápoles, donde aparecen cinco personajes (los que estan sentados) vestidos a la manera de los contemporáneos de Caravaggio. Por otra parte, los que están de pie (Cristo y San Pedro) están vestidos con una amplia túnica que presenta cierta espiritualidad. Éstos van descalzos mientras que los otros cinco van calzados.

En esta obra podemos observar que no hay idealismo sino naturalismo. Se presenta aquí una escena en un momento concreto con el dramatismo propio del barroco, donde aparecen Cristo junto a San Pedro señalando a Mateo y éste se sorprende ante la llamada.

Podemos observar también la naturalidad en el ambiente puesto que ha eliminado todo símbolo espiritual, haciendo referencia a un lugar cualquiera, natural.

En cuanto a la técnica de la luz, es fundamental en este cuadro que construye las figuras y fija la composición. Es una luz dirigida, intensa, formando una línea diagonal barroca que va desde la cabeza de Cristo, pasando por su propia mano hasta llegar a Mateo, por lo tanto, presenciamos así el tenebrismo.

Las obras de Caravaggio no gustaron del todo a la iglesia ya que habia una gran ausencia de simbología cristiana, por lo que crearon problemas. Por otro lado, las obras de este autor gustaban mucho a los contemporáneos de él.

Hacia la universidad

2012-04-11T09:13:00.000-07:00

Hacia la universidad

1) Desarrolla el tema siguiente: La escultura romana

La escultura romana.

En la escultura romana existieron dos tendencias:

La tendencia al idealismo, de influencia helénica, se manifiesta en las representaciones de las divinidades y en las estatuas de carácter oficial.

La tendencia realista, sin lugar a dudas, fue la gran aportación romana en el terreno de la escultura. El gusto por lo real se manifiesta en el retrato y en el relieve histórico.

La escultura roana recibió influencias del arte idealista griego. Las tropas romanas, después de conquistar las ciudades griegas, se llevaron como botín numerosas estatuas para adornar las casas y jardines de los nuevos ricos. El idealismo se manifiesta prácticamente en las imágenes de las divinidades.

El retrato fue influido por el arte etrusco y tuvo un carácter funerario y aristocrático. La primitiva religión romana se basaba en el culto a los antepasados. El derecho de tener estos retratos estaba reservado por ley a las familias patricias. En la época imperial, los encargos de retratos se masificaron tanto que los escultores realizaban cabezas con los rasgos del modelo, que superponían cuerpos esculpidos en serie.

Los relieves históricos surgieron por el nuevo sentido realista y el gusto por los relatos históricos. El relieve histórico al parecer se originó en los cuadros de escenas bélicas que se mostraban en los desfiles triunfales. Los arcos del triunfo sirvieron de soporte para los relieves históricos , entre los cuales destaca el Arco de Tito.

2) Analiza y describe estas imágenes:

Esta imagen pertenece a la planta del Panteón de Roma. Fue construido por Apolodoro de Damasco y reconstruido entre el 123 y 125 d.C.

La planta de este templo presenta un esquema innovador dentro de las construcciones de tipo religioso romano.

El pórtico de entrada es tan grande que se convierte en un pronaos propio de un templo clásico rectangular greco-romano. La cela, sin embargo, es una amplia rotonda circular, más propia de un ''tholos'' griego.

Este edificio es octástilo ya que contiene 8 columnas en la fachada. Este proyecto presenta una vista axial desde su única entrada hacia el interior.

Dentro del templo encontramos ocho nifeas (incluyendo la entrada). En cada nifea encontramos dos columnas exceptuando la entada y el ábside.

Esta imagen nos muestra el acueducto de Segovia. Se trata de un edificio de ingeniería civil que los romanos llevaron a cabo. Este proyecto es un conducto artificial que serviría para conducir agua desde un manantial o río a la ciudad.

Esta obra está realizada en sillares de granito colocados en seco, sin argamasa. Está formado por pilares elevadas formando arcos de medio punto, de doble planta.

3)Definición breve de los siguientes términos:

-Anfiteatro: Es un tipo de edificio público de la civilización romana, utilizado para acoger espectáculos y juegos. Presenta una forma circular u ovalada. Los espectadores están situados en la cávea y la acción se desarrolla en la arena.

-Opus caementicium: Es un tipo de obra hecha de mortero y de piedras de todo tipo (de residuos, por ejemplo) y tiene la apariencia del hormigón. se podía emplear solo, dándole forma dentro de una encofrado,2 o usarlo para llenar los espacios entre paredes y bóvedas quedando bloqueado entre dos paredes de bloques rectangulares de piedra.

-Foro: Es la zona central en torno a la que se desarrolló la antigua ciudad y en la que tenían lugar el comercio, los negocios, la prostitución, la religión y la administración de justicia. En él se situaba el hogar comunal.

-Arco triunfal: Monumento construido para conmemorar una victoria militar. En su forma más simple, un arco de triunfo consiste en dos pilastras macizas unidas por un arco. Los arcos de triunfo más elaborados tienen otros arcos secundarios.

-Orden toscano: Es la aportación etrusca a los órdenes clásicos. Deriva del dórico, del que es una simplificación. Se caracteriza por tener un entablamento (compuesto por el arquitrabe, friso liso y una cornisa), capitel (compuesto por el ábaco, equino y collarino) y se apoya sobre una base. El fuste es de sección circular liso. Su diámetro no es constante, va aumentando de tamaño produciendo una ligera éntasi.

-Bucráneo: Era una cabeza de buey descarnada o no de cuyos cuernos pendían guirnaldas de follaje que los antiguos empleaban como ornamentación en los frisos de los templos y sepulcros, en los altares, candelabros y otros objetos de culto.

-Nártex: n las basílicas románicas es el atrio separado del resto de las naves por divisiones fijas, destinado a los penitentes y a los catecúmenos (no bautizados). El modelo proviene de las antiguas basílicas paleocristianas.

Respuestas del Texto de Vitrubio.

-La arquitectura se relaciona con el resto de las artes ( escultura y pintura). Estas artes pueden fusionarse para formar una única obra de arte. Por ejemplo, podríamos crear un espacio arquitectónico con figuras escultóricas y ambas decoradas con capas de pintura.

-El criterio para juzgar estas artes es acompañarlas con conocimientos y estudios que permitan una perfección del arte.

3) Observa esta construcción realizada en Madrid durante el franquismo.
*¿Qué tipo de edificación imita?
*Investiga las circunstancias en las que se edificó. ¿Tiene algún significado el que se escogiera precisamente una obra romana?

-En la Antigua Roma empezaron a construir edificios que demuestran la unión de teoría y práctica, empezaron con el Panteón. Éste fue creado pensado para ''todos los dioses''. La unión de teoría y práctica la vemos en el simbolismo (planta centralizada, un circulo, que simboliza lo divino) y, por otro lado,vemos el estudio que se tomó para levantar esas dimensiones y conseguir esa forma.

También tenemos el Coliseo romano que es un anfiteatro que está muy estudiado debido a que también han tenido que practicar para poder conseguir el tamaño y la forma.

-Se decide si una obra es bella o no cuando antes de realizarla se obtiene grandes conocimientos teóricos y una gran práctica antes de crear lo que se desea.

En el arte romano, este ideal se realizaba a través del estudio de los anteriores artistas, los griegos, y practicando con pequeños proyectos para después plasmar todo lo aprendido en una sola obra.

San carlos de las Cuatro Fuentes

2012-04-08T09:44:00.001-07:00

San Carlos de las Cuatro Fuentes

San Carlos de las Cuatro Fuentes es una obra de Borromini, clave para este período. Fue construida en la época del Barroco, en Roma (s. XVII).

La fachada del templo, construida en piedra, constituye un paradigma del barroco italiano. Está dividida en dos plantas por un friso en el cual se inscribe en latín (IN HONOIS TRINITATEM ET CAROLI MDCLVI), una dedicatoria y la fecha de su consagración. Destaca de la fachada las cuatro columnas de orden compuesto gigante (fuste liso y capitel corintio).

Los ritmos son opuestos en ambos pisos, pues a las formas cóncavas del piso de abajo les corresponden las formas convexas en el alto. La plasticidad de la fachada viene reforzada por entablamentos que se ondulan y se quiebran en perfiles mixtilíneos a fin de conferir al conjunto un movimiento permanente.

El sentido teatral de la fachada viene dado por varios elementos: relieves ornamentales; nichos y las estatuas de San Carlos Borromeo y otros santos; el edículo-ventanal saliente del piso superior; y el gran óvalo llevado por ángeles que rompe el entablamento y la balaustrada de remate. Ese óvalo contiene una pintura al fresco de la "Coronación de la Virgen".

La planta de esta iglesia es la unión de la idea del rombo con líneas curvas para crear movimiento. La cúpula de este proyecto es muy llamativa puesto que es muy similar a los paneles de abejas, por lo tanto, el autor tiene la inspiración en la naturaleza.

La fiebre constructiva que parece afectar a Roma a lo largo del siglo XVII es una muestra del afán de la Iglesia Católica por demostrar su poder que estaba muy debilitado por las constantes luchas contra los Reformistas protestantes. El papado se empeña en demostrar su poder construyendo fastuosos templos y palacios aunque en muchos casos, la apariencia de lujo y poder encubre la pobreza de los materiales (ladrillo, estuco) que prueban el mal momento económico de la iglesia.

Arte romano

2012-04-08T07:59:00.000-07:00

Arte Romano

Durante los primeros siglos de la historia, Roma estuvo dominada política y económicamente por los etruscos, pueblo indoeuropeo asentado en las regiones de Toscana y Umbíra. La conquista de la Magna Grecia llevó a los romanos al contacto directo con la cultura griega y, desde entonces, a valorar más toda manifestación artística. De los griegos aprendieron el uso de los órdenes arquitectónicos, aunque los utilizaron más en su aspecto decorativo que formal.

La arquitectura romana, técnicamente tiene construcciones que son el resultado inmejorable de la unión de materiales idóneos (piedra , ladrillo y hormigón) con los elementos forales adecuados (arcos y bóvedas).

Los elementos que construían eran los arcos de medio punto, semicircular y bóvedas de diversas formas (semiesférica, de cañón, etc.) fueron elementos básicos que, recogidos de la cultura etrusca , utilizaron los romanos en los más variados lugares (termas, basílicas...).

Los principios de la arquitectura según Vitrubio son : Utilitas (utilidad), Vetustas (belleza) y Firmitas (firmeza). Se le daba importancia al espacio interior. Había una axialidad y simetría .

El ejemplo de arcos y dinteles, frontones curvos y frisos convexos acabó con la serenidad estética griega produciendo de esta suerte unos edificios dinámicos y asimétricos.

EDIFICIOS PÚBLICOS

Los templos romanos conservaron tradiciones y formas de construir heredadas de los etruscos. Levantados sobre un alto podio, que se salvaba mediante escaleras , estaban compuestos de un pórtico frontal que daba acceso a la nave (cella).

Los edificios para la diversión colectiva son los teatros, anfiteatros y circos,lugares donde los romanos ocupaban buena parte de su ocio.

El teatro es un edificio compuesto por una cávea y una orquesta de forma semicircular destinado a representaciones teatrales (Teatro de Mérida).

El anfiteatro es un edificio de forma circular destinado a diferentes tipos de espectáculos como las luchas de los gladiadiores. El más famoso fue el Coliseo de Roma, construido sobre un lago artificial y con una fachada de cuatro pisos decorado con los órdenes griegos y con grandes esculturas en sus arcadas.

Termas y basílicas

Las termas eran lugares donde los romanos de bañaban colectivamente en piscinas de agua caliente y fría. Con el tiempo agrandaron estos espacios y se convirtieron en zonas de ocio para ejercitar el cuerpo.

En cuanto a las basílicas acogían a jueces y litigantes. De planta rectangular con tres naves, la central de mayor altura y cubiertas abovedadas, fueron tomadas como templo por los cristianos. (Basilica de Ulpia).

Monumentos conmemorativos

Arcos del triunfo y columnas proclamaban el afán de perduración de los estrategas y de los emperadores romanos, que conmemoraban con ellos sus victorias en el campo de batalla.

Los arcos del triunfo fueron construidos para que el triunfador pasara por debajo. Se situaban en los foros , entradas a la ciudad o en el mismo lugar del triunfo.

Las columnas tenían la misma finalidad. Tiene relieves cuya función es conmemorar las victorias militares. La más conocida es la de Trajano.

EDIFICIOS PRIVADOS

Los edificios de vivienda se dividen en:

La Domus, que es una vivienda unifamiliar. Una gran construcción para familias con cierto nivel económico.

La Insulae eran pequeñas viviendas agrupadas en bloques de cuatro o cinco pisos de altura.

La Villae era una vivienda rural extensa y unifamiliar.

Los edificios funerarios son:

Torrecillas, Mausoleos (Cecilia Metella), Pirámides, Edículos y Catacumbas.

En la escultura romana existieron dos tendencias:

La tendencia al idealismo, de influencia helénica, se manifiesta en las representaciones de las divinidades y en las estatuas de carácter oficial.

La tendencia realista, sin lugar a dudas, fue la gran aportación romana en el terreno de la escultura. El gusto por lo real se manifiesta en el retrato y en el relieve histórico.

Las pinturas romanas se conservan más que las griegas, tanto en mural como de caballete.

La pintura mural es una muestra del gusto generalizado por decorar las paredes de las casas,

La pintura de caballete es un testimonio de la costumbre de regalar pequeños cuadros a los invitados asistentes a los banquetes.

Las pinturas pompeyanas están conservadas perfectamente, debido, entre otras cosas, a la preparación de sus muros (tres capas sucesivas de cal, arena, calcita y jabón), sobre los que se aplicaba una mezcla de pigmentos con cal, jabón y cera. Se obtienen cuatro estilos pompeyanos:

1r estilo / incrustaciones. Imita placas de mármol

2º estilo / arquitectónico. Imita los espacios arquitectónicos, de tal manera que la pared parece una prolongación de la habitación.

3r estilo /ornamental. La pared aparece como un elemento plano y oscuro y, sobre ella,se pintan paisajes tridimensionales inverosímiles.

4º estilo / teatral. Arquitecturas irreales y fantásticas, con interés en los espacios.

El mosaico romano se desarrolla desde el helenismo. Las teselas que lo formaban fueron primero guijarros, y más tarde cubitos de piedra. Los griegos lo utilizaron para decorar sus paredes, y los romanos, los suelos.

San Andrés del Quirinal

2012-04-01T12:24:00.002-07:00

San Andrés del Quirinal

Esta obra fue realizada por Lorenzo Bernini entre 1658-1670, siglo XVII, en Roma. Se trata de un proyecto de estilo Barroco, la mayor obra de Bernini. Fue creada en una época en la cual existía una gran crisis económica, social y política. En esta etapa se establecía un proceso de cambio, donde el fenómeno político consolidaba el absolutismo. En cuanto al ámbito religioso, había una oposición entre los que estaban a favor de la Contra reforma católica y los que defendían la reforma protestante.

Bernini retoma la planta elíptica con el eje mayor paralelo a la fachada, esquema que ya había empleado en la capilla del Collegio di Propaganda Fide. En esta fachada destaca el movimiento, propio del período Barroco, que se aprecia en la planta. Contrapone el movimiento convexo de la escalinata de acceso a la iglesia con el cóncavo del pórtico lateral. Remata la fachada un frontón triangular, cuyos pilares son decorados con el orden corintio.

La iglesia contiene una sola entrada. La primera visión que se obtiene es frontal, donde encontramos el pequeño ábside . En este edificio religioso se crea un juego de volúmenes donde la entrada es convexa y el ábside y las capillas cóncavas. Las capillas están separadas por pilastras, cada una con su altar.

La iglesia está cubierta con una cúpula gallonada eíptica. Podemos decir que también está vaída, por los grandes ventanales que posee la cúpula para contener luminosidad en el interior. En el centro de la cúpula, vemos un óculo, que también proporciona luz hacia el altar. Encima de las ventanas encontramos una decoración escultórica de figuras humanas.

La iglesia 'San Andrés del Quirinal' es la mayor obra de Bernini. En poco espacio creó un gran conjunto de elementos propios del período Barroco. Recarga mucho el poco terreno que tiene y lo comprime mucho, no tiene tanto espacio como podía tenerlo Borromini, quien creó la iglesia de 'San Carlos de las cuatro fuentes'.

Este proyecto fue creado por la gran importancia que estaban adquiriendo los jesuitas en la iglesia. También fue creada por el interés que tenía el rey Alejandro VII en embellecer Roma.

Apolo y dafne

2012-03-29T14:30:00.004-07:00

APOLO Y DAFNE

La obra escultórica ''Apolo y Dafne'' fue realizada por Bernini en el siglo XVII (1622-1625). Es un proyecto barroco, período donde en el cual existía una gran crisis económica, social y política. En esta etapa se establecía un proceso de cambio, donde el fenómeno político consolidaba el absolutismo. En cuanto al ámbito religioso, había una oposición entre los que estaban a favor de la Contra reforma católica y los que defendían la reforma protestante.

Esta escultura de bulto redondo realizada con mármol blanco está creada a tamaño real.

En esta obra se representa un hombre (Apolo) y una mujer (Dafne). En ellos podemos observar cierto equilibrio en su composición. Se expone en esta obra una expresividad clara de los sentimientos de una escena real.

Se aprecia un juego con las diagonales de la obra, empezando por la pierna izquierda de Dafne acabando con la pierna izquierda de Apolo.

Hay un gran detallismo en cada mínimo complemento de la obra, como por ejemplo el cabello de cada personaje, las caras muy expresivas o las sandalias con cada detalle.

Los cuerpos de las figuras son muy estilizados, los músculos no están demasiado marcados, sino que son naturales.

''Apolo y Dafne'' es una obra mitológica que se caracteriza por ser barroca por el hecho de reflejar un momento en concreto, el cual representa el momento en el que Dafne se convierte en un árbol laurel y Apolo persiguiéndole.

También es muy característico de ésta época la teatralidad expresada en los rostros de los personajes y el movimiento que lo observamos en el ropaje de Apolo que no cae hacia abajo, recto; está en movimiento.

El canon que se establece en este proyecto es de siete cabezas.

Arte Barroco

2012-03-26T15:13:00.001-07:00

El arte barroco nació vinculado a la Roma de los papas y se desarrolló en Europa y América Latina durante los siglos XVII i principios del XVIII. El término barroco significa “perla imperfecta”, usado despectivamente por los neoclásicos. El barroco se opone al equilibrio, la sobriedad y el racionalismo del Renacimiento a favor de la fantasía y la fascinación. Es un arte de propaganda religiosa y política (Contrarreforma). Sus rasgos más característicos son:

Búsqueda del movimiento, tanto real como imaginario.
Importancia de la luz y los efectos lumínicos.
Tendencia a la teatralidad y a la fastuosidad.
Fusión de la arquitectura, la escultura y la pintura.

ARQUITECTURA

Los edificios se consideran grandes esculturas.
Aparecen dos nuevos órdenes: el ondulante (o toscano) y el gigante.
La fachada no se ve como un elemento añadido, sino como una parte del conjunto.
Las fachadas suelen tener dos campanarios.
Uso de plantas ovales, elípticas y de formas geométricas.
Los techos de las iglesias suelen ser bóvedas de cañón.
Las curvas y las superficies onduladas sustituyen las rectas y a las superficies planas.
Estudio del contraste de la luz y su aplicación en las obras para dar más teatralidad.
La decoración arquitectónica es fundamental (destacando las volutas).
Importancia de las escaleras y las galerías en los interiores.
Tipología: iglesia (poder religioso) y palacio (poder real), así como avenidas y plazas en el ámbito civil.

ESCULTURA

Gran dominio de la técnica.
Esquemas libre y cánones más esbeltos que los del renacimiento.
Captación del movimiento, del momento exacto.
Gusto por la teatralidad.
Gestos enfáticos y vestidos amplios y aparatosos, que favorecen al claroscuro.
La escultura se encontraba tanto subordinada a la arquitectura como aislada.
Temática: religiosa, mitológica y funeraria.

PINTURA

Realismo.
Representación del movimiento mediante composiciones complejas.
Auge de la decoración ilusionista.
Difusión del bodegón (naturaleza muerta) y de las vanitas.

La arquitectura barroca en Italia se decantó por los palacios y por los templos, y determinó la concepción general del estilo barroco.

Una de las grandes obras es la transformación de la Iglesia de San Pedro, por Carlos Maderna, quien prolonga la planta de cruz griega. Dispone una especie de nártex y levanta entre el una gran fachada con frontón central y ático coronado por estatuas.

Los verdaderos creadores del estilo son Bernini y Borromini, y es con ellos que llega a su apogeo. Del primero, es famoso el Baldaquino de San Pedro que cubre el altar situado sobre la tumba del apóstol. Es un templete sobre cuatro columnas de fustes troncados en especial (columnas salomónicas). También destacan entre sus obras la Columnata de San Pedro, la Plaza de San Pedro y el Palacio Bernini. De Borromini, destaca la Iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane, con juegos de columnas ondulantes y el volumen a partir de motivos geométricos.

También destacan Longhena (Basílica de Santa María della Salute), Guarini (Capilla de la Sábana Santa, de cúpula califal), Juvara (Palacio Stupinigi) y Vignola (Il Gesú, de planta basilical).

La arquitectura barroca en Francia será sobretodo palaciega, y en cuanto a los exteriores, generalmente de composición muy clásica, con grandes jardines. El gran arquitecto de esta época es Hardouin Mansart, autor de la Iglesia de los Inválidos, cuya cúpula es de doble tambor. Pero donde más sobresale es en el Palacio de Versalles. La edificación se extiende a ambos lados, formando dos alas muy prolongadas. El interior del palacio es una interminable sucesión de salones ricamente decorados. Si la arquitectura francesa presenta en el exterior escasas novedades respecto a la italiana, en la decoración interior su importancia es notable.

La arquitectura barroca en España seguirá siendo palaciega, y concederá importancia al concepto de plaza mayor. Presenta una evolución en la arquitectura religiosa a lo churrigueresco. Entre los más grandes creadores del barroco español figura Churriguera. Éste pertenecía a una larga familia de arquitectos y trabajó en Madrid y Salamanca. Una de sus obras más destacadas es la Plaza Mayor de Salamanca.

También destacan otros arquitectos como Casas y Novoa, con la fachada del Obradoiro, Gómez de la Mora, con la Plaza mayor de Madrid, o Juvara (Palacio Real, La Granja).

Las características de la escultura barroca en Italia son:

Naturalismo: Se pretende representar las cosas tal como son (predominio del realismo).
Dinamismo: Se da mucha importancia al movimiento. Para representar este movimiento se recurre a estructuras diagonales, a líneas curvas sinuosas y a la captación del instante.
Contrastes lumínicos.

Los materiales empleados en la escultura barroca en Italia son preferentemente el bronce y el mármol. En cuanto a los temas tratados, predominan muy especialmente los religiosos, aunque también hay temas mitológicos y retratos.

El principal autor es Bernini, y sus obras más representativas son Apolo y Dafne, El éxtasis de Santa Teresa, Eneas abandonando Troya, El rapto de Proserpina, El David y los sepulcros de Urbano VIII y Alejandro VII.

En Francia se desarrolló una escultura oficial y decorativa de tendencia Academicista. Las esculturas son una exaltación de la monarquía (visión divinizada del rey), y a veces tratan temas mitológicos. El principal autor es Giardon, cuya obra más representativa es Apolo servido por ninfas.

En España predomina una escultura básicamente religiosa, con fines de propaganda política. Las esculturas se caracterizan por el realismo y dramatismo, la policromía, postizos naturales o artificiales y por ser esculturas vestideros. El material más utilizado es la madera, lo que permitía transportarlas en pasos procesionales. Los principales focos son:

Castilla: Destaca Gregorio Fernández en Valladolid, con su obra más representativa, Cristo yacente.
Andalucía: Destaca Martínez Montañés (Sevilla) con su obras Cristo de la clemencia o San Jerónimo, en la cual utiliza la técnica del “estofado” (calentar la madera). En Granada destacan Alonso Cano y Pedro de Mena (Magdalena penitente)
Murcia: Destaca Salcillo con Oración en el huerto.
Madrid: Destacan los Churriguera.

En Italia se desarrollarán 3 tendencias:

Naturalismo: modelos tomados de la vida cotidiana, composiciones complejas, contrastes y efectos lumínicos (tenebrismo) y teatralidad.
Clasicismo: belleza idealizada, equilibrio y harmonía.
Decorativismo: Frescos como decoración arquitectónica, perspectivas aéreas, auge ornamental y sensación de amplitud.

El autor más destacado es Caravaggio, que refleja el realismo y el tenebrismo en sus obras: Joven con cesta de frutas, La vocación de San Mateo, Muerte de la Virgen, Conversión de San Pablo, Amor triunfante. También destacarán otros autores como los Carraci (Los amores de los dioses), Pozzo, Tiépolo (Pintura decorativista) o Artemisia (Judit y Holofernes).

En Flandes, de población católica y dependencia de la Corona española, se desarrollará una pintura religiosa, así como una pintura mitológica decorativa. Destacan los retratos y la pintura de género (escenas cuotidianas).

El principal representante de la pintura flamenca es Rubens, cuyas obras más representativas son: Las tres gracias, El juicio de Paris, Descendimiento de la cruz y Adoración de los reyes magos. También destacará Van Dyck, con retratos como el de Carlos I Cazador.

En Holanda, de población protestante e independencia política, se desarrolló una pintura destinada fundamentalmente a la demanda burguesa. La pintura religiosa es de pequeño tamaño, y destacan los retratos (individuales o colectivos), la pintura de género, paisajes y bodegones. Destacan tres autores principales:

Por un lado Rembrand, intérprete excepcional de la naturaleza humana, maestro de la técnica, no solo de la pintura, sino también del dibujo y el grabado. Utiliza el claroscuro y cultiva todos los géneros. Sus principales obras son: La ronda de noche, La lección de anatomía del profesor Tulp, El buey desollado, Autoretrato.

Por otro lado Frans Hals, que, junto a Rembrand y a Velázquez, desarrolla una técnica de pinceladas muy sueltas, que reflejan una gran maestría con el pincel y dotan de realismo a la obra. Una de sus obras más representativa es Caballero sonriendo.

Finalmente Veermer, que, a diferencia de los dos pintores anteriores, notiene la pincelada suelta. Sus obras más importantes son: La lechera, La encajera, Vista de Delft, El pintor en su estudio, Señora escribiendo una carta.

En España se desarrolló una pintura de temática sobretodo religiosa, escaseando la mitológica (Velázquez), toda de un gran realismo. Destaca la abundancia de bodegones y vanitas, así como de retratos para la corte. La pintura barroca en España se desarrolló en 3 focos:

VALENCIA

Debido al contacto con el Mediterráneo, se vio enormemente influenciada por la pintura italiana. Destacan dos grandes pintores: Ribalta (expresionismo de los rostros, claroscuro y predominio del color) y Ribera, cuyas obras más representativas son: El patizambo, Martirio de San Felipe y La mujer barbuda. En ellas se observa el naturalismo y el tenebrismo.

ANDALUCÍA

Uno de los autores más destacados es Zurbarán (Sevilla), que elabora obras dotadas de sencillez, realismo y claroscuro. Su principal obra es Cristo en la cruz. También destaca Murillo, que cultiva una pintura tanto religiosa como doméstica, dotada de naturalismo y color, que muchas veces representa retratos de pícaros, como en Niños comiendo racimo y melón. Otros autores importantes son Alonso Cano (belleza idealizada) y Valdés Leal (vanitas).

MADRID

Velázquez es el pintor más representativo del barroco español, demostrando un dominio de la técnica con el pincel que se ve reflejada en numerosas obras de gran calidad.

Su trayectoria artística se divide en diferentes etapas:

Etapa sevillana: Vieja friendo huevos (pintura religiosa y de género).
Primera etapa madrileña.
Primer viaje a Italia: Fragua de Vulcano (influencia mitológica).
Segunda etapa madrileña: La rendición de Breda o Las lanzas.
Segundo viaje a Italia: La villa de Medici, La Venus del Espejo y Retrato del papa Inocencio X.
Etapa final: Las meninas y Las hilanderas.

Entre sus obras destacan: Las Meninas, Paisaje de la Villa Medicis, Vieja Friendo huevos, El triunfo de Baco, Retrato ecuestre del Conde-duque de Olivares, La rendición de Breda, La fragua de Vulcano, La Venus del espejo, Las hilanderas, Retrato del papa Inocencio X.

El rococó predominó en Europa a mediados del siglo XVIII y fue el preferido de la aristocracia. Las obras más representativas de este estilo se dieron en la ornamentación, la arquitectura y la pintura.

En el ámbito arquitectónico representó la intensificación decorativa de los interiores de los edificios y el gusto por el detalle. Un ejemplo sería la Sala Gasparini del Palacio real de Madrid.

La pintura destacó por la intranscendencia de los temas (fiestas de nobles, amor, etc.) y la palidez cromática. El principal autor es Fragonard, cuya obra más representativa es El columpio.

El entierro del Conde Orgaz

2012-03-19T13:52:00.000-07:00

El entierro del Conde Orgaz

Esta obra se encuentra en la iglesia de Santo Tomé, Toledo. Pertenece a Domenikos Theotokopoulos, El Greco. Se trata de una pintura religiosa al óleo sobre lienzo, creada en el siglo XVI, 1586-88 en España. El estilo empleado es renacentista.

Se trata de un proyecto de gran formato donde se presenta una temática religiosa y un retrato individual de cada noble que aparece en el cuadro. La posición de los nobles, su misma altura, está influenciado por el arte bizantino donde se presentan las figuras en un mismo nivel.

Principalmente, podemos observar una clara división entre lo terrenal situado en la parte inferior donde aparecen los nobles y el cuerpo del conde Orgaz muerto. En la parte superior encontramos la parte celestial donde está Dios, Jesús y la Virgen formando una imagen jerarquizada triangular.

Por otro lado, encontramos a la izquierda de la obra una dama, la cual está encogida respecto a los demás personajes. Este detalle es característico del manierismo italiano, donde presentan una desproporción de los cuerpos. En cuanto al personaje principal, el Conde Orgaz, presenta un movimiento exagerado, dramático.

Si nos fijamos en el color de la obra, observamos claramente un claroscuro, donde la luz tiene un papel muy importante para representar los colores irreales propios del manierismo. Debemos añadir que la luz es artificial ya que no tiene ningún origen representado en el cuadro como por ejemplo; las antorchas. Con la técnica que usa de manchas de color, hace el efecto de casi la total ausencia del dibujo, predominando así el color.

En cuanto a las prendas de vestir de los personajes, se observa el lujo de esa época, se aprecia un gran detallismo en éstas.

La obra que hemos analizado del Greco pertenece al Renacimiento español. Este arte llego a España después de haberse iniciado y experimentado ya en Italia. Esta introducción fue favorecida por las relaciones políticas de los Reyes Católicos y Carlos I con Italia. Estos monarcas estaban interesados para usar el arte como propaganda religiosa y en cuanto a la política, también querían propaganda. Esta obra presenta la muerte del Conde de Orgaz, y el ascendimiento de su alma hacia la Gloria.

Renacimiento en españa

2012-03-17T09:02:00.003-07:00

Época	Arquitectura	Pintura
s. XV-XVI Reyes Católicos	Fase plateresca Universidad y Casa de las Conchas de Salamanca. Hospitales de Santiago y de Toledo. Fachada de San Esteban, Salamanca.	Influencia flamenca e italiana. Focos: Valencia y Castilla. Autores: Pedro Berruguete. Realismo, claridad y detallismo.
s. XVI Carlos I	Fase clásica Palacio de Carlos V (Pedro Machuca). Catedral de Granada.	Influencia de Rafael y Miguel Ángel. Focos: Valencia, Castilla, Andalucía y Extremadura. Autores: Pedro Machuca.
s. XVI Felipe II	Fase herreriana o escurialense El Escorial.	El greco (Composición, luz, movimiento, figuras alargadas). El entierro del Conde de Orgaz.

Creación de Adán

2012-03-05T07:52:00.002-08:00

La Creación de Adán

Esta obra fue creada por Miguel Ángel en 1510, durante el período del Cinquecento en Itália. Es un fragmento que decora la Capilla Sixtina del Vaticano, en Roma. Se trata de una pintura al fresco, la cual se hace sobre una pared con una fina capa de yeso y después rápidamente se aplican los pigmentos para que se adhiera bien a la pared.

Esta obra representa una escena bíblica donde presenta a Dios creador a la derecha, junto a unos ángeles como personajes secundarios. El creador está tendiendo la mano hacia adelante y casi tocando al otro personaje ala izquierda de la pintura, que representa a Adán desnudo, solitario sobre la tierra. Entre ambos personajes se establece una relación visual.

En este proyecto observamos una tensión dinámica entre los cuerpos desde los pies del creados , pasando por su brazo estirado hasta el brazo de Adán también en tensión estirado. En esta pintura observamos la analogía de la composición de los cuerpos, grandes volúmenes, gran estudio anatómico de los moldeados de los cuerpos. Se revela la energía oculta de los cuerpos. En esta obra se presenta la terribilità donde se expresa el drama interior que se trasluce a través de los cuerpos, lamuestra de poderío, de grandeza del creador. Podemos ver también los elementos clasicistas como son los colores claros, la naturaleza. Ésto está combinado con los elementos manieristas que son detalles como la monumentalidad de la obra, los colores llamativos, las posiciones de los cuerpos exagerada, forzada.

Primavera

2012-02-29T07:01:00.000-08:00

La Primavera

La Primavera de Botticelli pertenece al Renacimiento, fue creada entre 1477 y 1478. El autor es Sandro Botticelli (1444-1510), un pintor cuya concepción de la pintura es más poética que científica o matemática. El hombre se siente centro del universo (antropocentrismo), y esto tendrá una evidente plasmación en el arte, tanto en la arquitectura como en la escultura y la pintura, donde el naturalismo y el realismo se irán imponiendo con más fuerza.

Se trata de una obra que usa la técnica del temple (mezcla de pigmentos mediante huevos) sobre la tabla. Se representa a la izquierda del todo a Mercurio, junto a él (a la derecha) las Tres Gracias bailando. Éstas unen las manos alzadas formando un circulo como símbolo de lo divino. A la derecha de éstas, en el centro del cuadro, encontramos a Venus, quien representa la máxima belleza de la mujer vestida. A la derecha del todo vemos a Céfiro que esta junto a una ninfa. En la parte superior encontramos un amorcillo, Cupido, quien reparte amor ciegamente.

Es una obra que destaca su gran realismo en las figuras por el estudio de la anatomía. Aquí se puede observar una especie de triángulo que termina Cupido, bajando hacia Mercurio y Céfiro, uniéndose entre las demás figuras.

El espacio donde están representados estos personajes es un espacio natural, lleno de naranjos. Es una obra en la que predomina la luz sobre todos los cuerpos de los personajes y en los claros del bosque.

Es una obra que representa un tema mitológico. Se representa también el ascenso al cielo a través de la luz. Venus es el símbolo de la pureza mientras que Mercurio pide la luz.

Gioconda

2012-02-29T06:56:00.005-08:00

La Gioconda

La Gioconda o Mona Lisa es una pintura de Leonardo Da Vinci. Fue creada entre 1503-1505, en la época del Renacimiento (Cinquecento). Se encuentra en el museo del Louvre, París. La Gioconda simboliza la calma y la serenidad. Es naturalista pero también mostró el alma de la mujer que tenia en frente.

Este retrato muestra la belleza de una mujer de su época. Se observa una mirada especial y una misteriosa sonrisa, Leonardo consiguió este efecto con la técnica del esfumato. Utiliza esta técnica para dar la sensación de vida, así comparadas con las obras del Quattrocento, éstas parecerían estatuas. Da Vinci difumina las comisuras de los labios y los ojos y ahí deja la imaginación del observador. También usa el esfumato en su rostro ya que sobre él cae un velo que simboliza serenidad. En este retrato se observa el gran interés de Leonardo por el dibujo, si nos fijamos en el bordado del vestido de la mujer, muy complejo, bien detallado. La figura de ella muestra un triangulo casi regular.

Vemos que la mujer está sentada, relajada , en un marco de una ventana, por la cual podemos observar un paisaje fantástico tras ella. El horizonte no se muestra equilibrado como se hacia anteriormente. Vemos la técnica de la perspectiva aérea ya que se va difuminando el camino que comienza a la izquierda del cuadro y a medida que se aleja, se difumina y pierde el detalle. Por este paisaje irreal se encuentra un lago y tras él, montañas.

En esta obra los paisajes reflejan la vida fácil, a través de ese camino, se refresca con agua divinizada del río. Hay que llegar tras ascender la montaña, que es el camino duro, y así llegar a Dios. Leonardo rompe con la idea de frontalidad, hay un contrapposto donde nos mira, pero su cuerpo está girado. Este hecho da vida a la mujer. El claroscuro crea un contraste que da vida.

Gattamelata y Colleoni

2012-02-29T06:51:00.005-08:00

Comparación entre:

Gattamelata y Colleoni

Gattamelata(1453) es la primera obra ecuestre que se hace en la Edad Moderna, que no se hacía desde la época romana. Caballo y caballero avanzan serenos, sin perder las buenas maneras, pero con la autoridad de da ser el vencedor. Esta escultura intenta reflejar la inteligencia con la que el ejército actúa ante sus adversarios. Se trata de un proyecto que se necesita un punto local para entender la obra, no hace falta rodearla para entenderla. Es una escultura que muestra serenidad, naturalismo, relajación. Marca detalladamente la musculatura del caballo, la suavidad.

Por otro lado, tenemos la escultura Colleoni (1479) es un retrato ecuestre del condottiere Bartolomeo Colleoni, frente a la serenidad del Gattamelata, Verrochio resalta el dinamismo: caballo y jinete mueven la cabeza en dirección opuesta y expresan tensión y vitalidad en sus cuerpos. Esta obra representa la energía, el poderío. En este proyecto, a diferencia de Gattamelata, se necesita movimiento ante la escultura para llegar a entender cada detalle. Observamos que es un retrato donde se intensifica la fuerza del caballo con las armaduras que posee sobre él, se representa muy robusto, firme. El caballero, también muestra la misma actitud, una psicología se halla en él, de dureza, valiente. Tiene una postura que demuestra su valor a los adversarios.