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Edgar Degas: o pintor dos movimentos e das luzes

2023-02-25T22:50:00.001-08:00

Edgar Degas (1834-1917) foi um pintor impressionista francês cujas obras são marcadas por uma busca constante pelo movimento e pela luz. Ele é mais conhecido por suas pinturas de dançarinos, que capturam a graça e a leveza dos movimentos em uma combinação única de técnica e emoção.

Degas nasceu em Paris em uma família de classe média alta e estudou Direito por um curto período antes de se dedicar à pintura. Ele frequentou a École des Beaux-Arts, onde estudou com o pintor histórico Louis Lamothe e se tornou amigo de outros artistas importantes, como Édouard Manet e Claude Monet.

No início de sua carreira, Degas pintava cenas da vida urbana parisiense, como cafés, teatros e corridas de cavalos. Mas foi a partir dos anos 1870 que ele começou a se interessar pela dança, frequentando ensaios e espetáculos para capturar os movimentos dos bailarinos em suas telas.

As pinturas de Degas de dançarinos são notáveis pela maneira como ele captura o movimento e a luz. Ele usava técnicas como o uso de pastel seco para criar um efeito esfumaçado e trabalhava com várias camadas de tinta para criar profundidade e textura. Ele também muitas vezes pintava de ângulos incomuns, mostrando os dançarinos em poses inusitadas.

As obras de Degas não se limitam apenas à dança. Ele também pintou muitos retratos e cenas da vida cotidiana, como banhistas, mulheres se penteando e músicos em bares. Em todas essas obras, ele procurava capturar a atmosfera e a emoção do momento, usando técnicas inovadoras de iluminação e composição.

Degas nunca se considerou um impressionista, mas é frequentemente associado ao movimento por causa de sua técnica e de suas escolhas de tema. Ele também influenciou outros artistas importantes da época, como Mary Cassatt e Henri Toulouse-Lautrec.

Hoje, as obras de Degas são consideradas como algumas das mais importantes do século XIX. Seus retratos e cenas da vida cotidiana são valorizados por sua captura da vida urbana parisiense, enquanto suas pinturas de dançarinos continuam a encantar e inspirar artistas e amantes da arte em todo o mundo.

Fonte fotos: Google Imagem

Banksy: O misterioso artista das ruas

2023-02-25T22:34:00.004-08:00

Banksy é um artista britânico cujo trabalho é conhecido em todo o mundo por seu estilo único e suas mensagens políticas e sociais. Ele é considerado um dos mais importantes artistas urbanos do mundo e sua identidade é mantida em sigilo, aumentando ainda mais o mistério em torno de sua arte.

Desde o final dos anos 90, Banksy tem pintado murais e outras formas de arte nas ruas de cidades em todo o mundo, como Bristol, Londres, Nova York, Los Angeles e Gaza. Seu trabalho é muitas vezes político, socialmente crítico e muitas vezes irreverente. Ele utiliza várias técnicas, como estêncil, graffiti, pintura à mão livre e instalações de rua, para criar peças que chamam a atenção do público e fazem uma declaração.

Embora sua identidade seja um mistério, há muitas teorias sobre quem ele pode ser. Alguns acreditam que ele é um coletivo de artistas, enquanto outros sugerem que ele é um indivíduo conhecido no mundo da arte. No entanto, ninguém sabe com certeza quem ele é.

Uma das obras mais famosas de Banksy é "Girl with Balloon", que mostra uma menina estendendo a mão para um balão vermelho em forma de coração. A obra foi criada originalmente como um mural em Londres em 2002 e desde então foi reproduzida em várias mídias, incluindo pôsteres e impressões.

Banksy também é conhecido por suas instalações em locais públicos. Em 2015, ele criou um parque temático chamado "Dismaland" em Weston-super-Mare, Inglaterra, que foi descrito como uma "celebração da depressão". O parque incluía uma casa assombrada, um carrossel desajeitado e uma réplica de um avião destruído.

Seu trabalho já foi vendido por milhões em leilões, mas Banksy já fez declarações contra o mundo da arte comercial e muitas vezes se recusa a lucrar com sua arte. Em 2018, durante um leilão de uma de suas obras, "Girl with Balloon", a peça foi destruída por um triturador de papel automático, deixando o público em choque.

Em resumo, Banksy é um artista que usa sua arte para fazer declarações políticas e sociais, muitas vezes de forma irreverente e provocativa. Ele mantém sua identidade em segredo, o que aumenta ainda mais o mistério e a fascinação em torno de sua arte. Seus trabalhos são altamente cobiçados e vendidos por valores exorbitantes, mas ele continua a ser um artista independente que usa seu trabalho para fazer declarações significativas sobre o mundo em que vivemos

Imagens: Google imagem

A interatividade de Marina Abramović

2023-02-25T02:27:00.002-08:00

Marina Abramović, uma artista sérvia nascida em Belgrado em 1946. Ela é conhecida principalmente por suas performances, que exploram os limites do corpo humano e as interações entre artista e público.

Abramović começou a fazer performances nos anos 70 e se tornou uma figura importante na arte da performance em todo o mundo. Muitas de suas performances são extremamente intensas e duradouras, envolvendo elementos de risco físico e emocional. Por exemplo, em sua obra mais famosa, "Rhythm 0", realizada em 1974, ela ficou imóvel em um espaço de galeria por seis horas, colocando 72 objetos sobre uma mesa próxima a ela, incluindo uma arma carregada. O público foi convidado a usar os objetos em Abramović de qualquer maneira que quisessem, e ela permaneceu impassível enquanto era cortada, queimada e teve a arma apontada para sua cabeça.

Ao longo de sua carreira, Abramović recebeu inúmeros prêmios e honrarias por sua contribuição para a arte da performance, incluindo o Prêmio Leão de Ouro da Bienal de Veneza em 1997 e o Prêmio do Fundo Nacional de Artes dos EUA em 2013. Ela continua a produzir trabalhos de performance e também é conhecida por seu trabalho em outras mídias, incluindo fotografia e vídeo.

Imagens: Google Imagens

A Marina Abramović tem um site oficial que pode ser acessado em https://www.marinaabramovic.com/. No site, você pode encontrar informações sobre a carreira da artista, seus trabalhos, exposições e projetos recentes.

Além disso, a artista também tem presença nas redes sociais. Ela possui uma página no Facebook, uma conta no Instagram e um canal no YouTube. Nessas plataformas, ela compartilha conteúdo sobre seus trabalhos, bastidores de suas performances e atualizações sobre suas atividades e projetos.

Francis Bacon e sua arte inspiradora

2023-02-25T02:11:00.000-08:00

Francis Bacon, um dos mais influentes artistas do século XX. Ele nasceu em Dublin, Irlanda, em 1909 e cresceu em uma família rica e conservadora. Desde jovem, Bacon tinha uma inclinação para o desenho e a pintura, mas foi apenas na década de 1930 que começou a se dedicar à arte em tempo integral.

Bacon é conhecido por suas pinturas figurativas, que muitas vezes apresentam imagens distorcidas e grotescas de figuras humanas. Suas obras são altamente emocionais e muitas vezes evocam sentimentos de ansiedade, medo e angústia. Sua técnica consiste em aplicar camadas de tinta com pinceladas rápidas e espessas, criando uma textura irregular e dramática.

Ao longo de sua carreira, Bacon desenvolveu um estilo único que o tornou um dos artistas mais importantes do século XX. Suas obras foram exibidas em todo o mundo e ele recebeu muitos prêmios e honrarias, incluindo o título de "Sir" pela rainha Elizabeth II do Reino Unido. Ele faleceu em 1992, deixando para trás um legado artístico duradouro que continua a inspirar artistas em todo o mundo.

Francis Bacon - fotografia.

Fonte imagens, Google.

Eduardo Kobra

2016-11-19T16:39:00.001-08:00

Eduardo Kobra nascido em 1976, Kobra é um artista brasileiro. Começou sua carreira como pichador, depois se tornou grafiteiro e hoje considera-se um muralista. Também cria obras que simulam as dimensões

Se tornou conhecido pelo projeto Muro das Memórias em São Paulo, em 2005, onde retratou cenas antigas da cidade.,Além da capital paulista, diversas cidades brasileiras contam com suas obras. Também têm obras em outros países, como Inglaterra, França, Estados Unidos, Rússia, Grécia, Itália, Suécia e Polônia.

Em 1995, funda o Estúdio Kobra, especializado em painéis artísticos, onde conta com uma equipe de doze artistas.

Em 2011, foi premiado no Sarasota Chalk Festival, o maior evento de arte 3D no mundo. Suas obras figuram no Museu de Street Art, com graffitis de todo o mundo, e em exposições de vários países como na Dorothy Circus Gallery, em Roma.

font: Wikipedia

Frida Kahlo

2016-11-19T16:25:00.000-08:00

Frida Kahlo nasceu em 6 de julho de 1907 na casa de seus pais, conhecida como La Casa Azul (A Casa Azul), em Coyoacán, na época uma pequena cidade nos arredores da Cidade do México e hoje um distrito.

Seu pai, Guillermo Kahlo (1871-1941), nasceu Carl Wilhelm Kahlo, em Pforzheim Alemanha, filho de Henriette Kaufmann e Jakob Heinrich Kahlo. A própria Frida afirmava que seu pai era de ascendência judaico-húngara,^[3]mas pesquisadores demonstraram que os pais dela não eram judeus, mas luteranos alemães.^[4] Guillermo Kahlo chegou ao México em 1891, aos 19 anos de idade, e logo mudou seu nome alemão, Wilhelm, para o equivalente em espanhol, "Guillermo".

A mãe de Frida, Matilde Gonzalez y Calderón, era uma católica devota de origem indígena e espanhola.^[5] Os pais de Frida se casaram logo após a morte da primeira esposa de Guillermo, durante o nascimento do seu segundo filho. Embora o casamento tenha sido muito infeliz, Guillermo e Matilde tiveram quatro filhas, sendo Frida a terceira. Ela tinha duas meio-irmãs mais velhas. Frida ressaltava que cresceu em um mundo cheio de mulheres. Durante a maior parte de sua vida, no entanto, Frida se manteve próxima do pai.

Em 1913, com seis anos, Frida contraiu poliomielite, a primeira de uma série de doenças, acidentes, lesões e operações que sofreu ao longo da vida. A poliomielite deixou uma lesão no seu pé direito, pelo que ganhou o apelido de Frida pata de palo (ou seja, Frida perna de pau). Passou a usar calças, depois longas e exóticas saias, que se tornaram uma de suas marcas pessoais.

Ao contrário de muitos artistas, Kahlo não começou a pintar cedo. Embora o seu pai tivesse a pintura como um passatempo, Frida não estava particularmente interessada na arte como uma carreira.

Entre 1922 e 1925 frequenta a Escola Nacional Preparatória do Distrito Federal do México e assiste a aulas de desenho e modelagem.

Em 1925, aos 18 anos, aprende a técnica da gravura com Fernando Fernandez. Então sofreu um grave acidente. Um bonde, no qual viajava, chocou-se com um trem. O pára-choque de um dos veículos perfurou-lhe as costas, causando uma fratura pélvica e hemorragia. Frida ficou muitos meses entre a vida e a morte no hospital, teve que operar diversas partes e reconstruir por inteiro seu corpo, que estava todo perfurado. Tal acidente obrigou-a a usar coletes ortopédicos de diversos materiais, e ela chegou a pintar alguns deles (como o colete de gesso da tela intitulada A Coluna Partida').

Durante a sua longa convalescença, começou a pintar, usando a caixa de tintas de seu pai e um cavalete adaptado à cama.

Em 1928, entrou no Partido comunista mexicano e conheceu o muralista Diego Rivera, com quem se casa no ano seguinte. Sob a influência da obra do marido, adotou o emprego de zonas de cor amplas e simples, num estilo propositadamente reconhecido como ingênuo. Procurou na sua arte afirmar a identidade nacional mexicana, por isso adotava com muita frequência temas do folclore e da arte popular do México.

Entre 1930 e 1933 passa a maior parte do tempo em Nova Iorque e Detroit, com Rivera. Entre 1937 e 1939, recebeu Leon Trotski em sua casa de Coyoacán.

Em 1938 André Breton qualifica sua obra de surrealista em um ensaio que escreveu para a exposição de Kahlo na galeria Julien Levy de Nova Iorque. Não obstante, ela mesma declarou mais tarde: Pensavam que eu era uma surrealista, mas eu não era. Nunca pintei sonhos. Pintava a minha própria realidade.

Em 1939 expõe em Paris na galeria Renón et Colle. A partir de 1943 dá aulas na escola La Esmeralda, no D.F. (México).

Em 1953 a Galeria de Arte Contemporânea desta mesma cidade organiza uma importante exposição em sua honra.

Alguns de seus primeiros trabalhos incluem o Auto-retrato em um vestido de veludo (1926), Retrato de Miguel N. Lira(1927), Retrato de Alicia Galant (1927) e Retrato de minha irmã Cristina (1928).

VIDA PESSOAL

Após essa outra tragédia de sua vida, separa-se dele e vive novos amores com homens e mulheres, mas em 1940 une-se novamente a Diego. O segundo casamento foi tão tempestuoso quanto o primeiro, marcado por brigas violentas. Ao voltar para o marido, Frida construiu uma casa igual à dele, ao lado da casa em que eles tinham vivido. Essa casa era ligada à outra por uma ponte, e eles viviam como marido e mulher, mas sem morar juntos. Encontravam-se na casa dela ou na dele, nas madrugadas.

Embora tenha engravidado mais de uma vez, Frida nunca teve filhos, pois o acidente que a perfurou comprometeu seu útero e deixou graves sequelas, que a impossibilitaram de levar uma gestação até o final, tendo tido diversos abortos.

Tentou diversas vezes o suicídio com facas e martelos.

Em 13 de julho de 1954, Frida Kahlo, que havia contraído uma forte pneumonia, foi encontrada morta. Seu atestado de óbito registra embolia pulmonar como a causa da morte. Mas não se descarta a hipótese de que tenha morrido de overdose (acidental ou não), devido ao grande número de remédios que tomava. A última anotação em seu diário, que diz "Espero que minha partida seja feliz, e espero nunca mais regressar - Frida", permite a hipótese de suicídio. Seu corpo foi cremado, e suas cinzas encontram-se depositadas em uma urna em sua antiga casa, hoje Museu Frida Kahlo.

FONTE: wikipedia

2016-01-07T01:27:00.001-08:00

LUMINÁRIAS PVC Nael Campos

http://ecoartluminarias.lojaintegrada.com.br/

Obras Romero Brito

2014-01-12T07:49:00.000-08:00

Vida e Obra

Romero Britto nasceu em 6 de outubro de 1963. Ele começou sua carreira aos 18 anos em Pernambuco. Mas desde os 08 anos já começou a se interessar pelas artes plásticas, e mostrou talento. Atualmente é um dos mais premiados pintores pernambucanos. Ele alega ter criado seus quadros para invocar o espírito de esperança e transmitir uma sensação de aconchego. Suas obras são chamadas, por colecionadores e admiradores, de “arte da cura”. Embora bem-intencionado, os resultados estéticos são bastante discutíveis (isto na opinião de alguns), pois, analisando suas obras com olhar crítico e imparcial, o que encontramos é uma diluição repetitiva e pouco original dos pressupostos da pop art como preconizados por Andy Warhol e Robert Rauschenberg,1aos quais mistura certos cacoetes estilísticos típicos da arte gráfica das histórias em quadrinhos. A diluição não é demérito, é o que fortalece essa arte inovadora, é que se propõe Romero, instigar a arte com a alegria das cores.

fonte: Wikipédia / Google imagem

Obras Nael Campos

2013-05-09T07:11:00.001-07:00

Nael Campos recicla conceitos

Designer gráfico explora materiais diversos numa proposta de conceito social e chama atenção para a demanda de criação com o “lixo”

Recortes de revistas e colagens de impressos são apenas alguns dos materiais utilizados pelo designer gráfico Nael Campos, para expressar sua criação e conceito social numa proposta de mudar a percepção.

Os materiais recortados ganham formas diversas e expressões que remetem à arte contemporânea; assim pretende disceminar sua arte e estimular os novos conceitos de criação envolvidas no ambiente artístico.

Fonte: Jornal Diario

Café com Design: Salvador Dali; o mestre do Surrealismo

2013-05-02T11:59:00.001-07:00

Café com Design: Salvador Dali; o mestre do Surrealismo: Salvador dali Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech, Marquês de Dalí de Púbol (11 de maio de 1904 – 23 jan 1989), vulgarmente ...

Hiper realismo por Alyssa monks

2013-03-25T16:56:00.002-07:00

Fonte: Heroturko.org

Salvador Dali

2013-03-23T09:24:00.002-07:00

Imagens inusitadas do mestre do Surrealismo Salvador Dali, dentre elas algumas produções fotográficas bem artísticas

Fontes: Google Imagem

Café com Design: A Genialidade de Escher

2013-01-29T14:00:00.001-08:00

Café com Design: A Genialidade de Escher: Maurits Cornelis Escher ( Leeuwarden , 17 de Junho de 1898 - Hilversum , 27 de Março de 1972 ) foi um artista gráfico holandê...

Vamos criar... Café com Design apresenta a arte do lixo

2012-12-10T18:53:00.000-08:00

A arte contemporânea tem revelado noves tales, como Vik Muniz, Jason Macier, entre outro. Esta arte já chamada Neo-contemporânea vem influênciando vários artistas em seu modo de transformar o lixo em arte, seja como uma imagem de um quadro ou como um objeto. O Café com Design vai mostrar alguns objetos feitos do lixo, e como e incrível como o lixo pode virar objetos no mínimo interessantes.

Fonte: Google imagens

O Kahlo da Frida

2012-12-10T18:17:00.000-08:00

Frida Kahlo nasceu em 6 de julho de 1907 na casa de seus pais, , na época uma pequena cidade nos arredores da Cidade do México.

Em 1913, com seis anos, Frida contraiu poliomelite, a primeira de uma série de doenças, acidentes, lesões e operações que sofreu ao longo da vida. A poliomielite deixou uma lesão no seu pé direito, pelo que ganhou o apelido de Frida pata de palo (ou seja, Frida perna de pau). Passou a usar calças, depois longas e exóticas saias, que se tornaram uma de suas marcas pessoais.

Ao contrário de muitos artistas, Kahlo não começou a pintar cedo. Embora o seu pai tivesse a pintura como um passatempo, Frida não estava particularmente interessada na arte como uma carreira.

Entre 1922 e 1925 frequenta a Escola Nacional Preparatória do Distrito Federal do México e assiste a aulas de desenho e modelagem.

Em 1925, aos 18 anos, aprende a técnica da gravura com Fernando Fernandez. Então sofreu um grave acidente. Um bonde, no qual viajava, chocou-se com um trem. O para-choque de um dos veículos perfurou-lhe as costas, atravessou sua pélvis e saiu pela vágina, causando uma grave hemorragia. Frida ficou muitos meses entre a vida e a morte no hospital, teve que operar diversas partes e reconstruir por inteiro seu corpo, que estava todo perfurado. Tal acidente obrigou-a a usar coletes ortopédicos de diversos materiais, e ela chegou a pintar alguns deles (como o colete de gesso da tela intitulada A Coluna Partida'). Durante a sua longa convalescença, começou a pintar, usando a caixa de tintas de seu pai e um cavalete adaptado à cama.

Entre 1930 e 1933 passa a maior parte do tempo em ova York e Detroit, com Rivera. Entre 1937 e 1939, recebeu Leon em sua casa.

Em 1938 André Betron qualifica sua obra de surrealista em um ensaio que escreveu para a exposição de Kahlo na galeria Julien Levy de Nova Iorque. Não obstante, ela mesma declarou mais tarde: Pensavam que eu era uma surrealista, mas eu não era. Nunca pintei sonhos. Pintava a minha própria realidade.

Em 1939 expõe em Paris na galeria Renón et Colle. A partir de 1943 dá aulas na escola La Esmeralda, no D.F. (México).

Em 1953 a Galeria de Arte Contemporânea desta mesma cidade organiza uma importante exposição em sua honra.

Alguns de seus primeiros trabalhos incluem o Auto-retrato em um vestido de veludo (1926), Retrato de Miguel N. Lira (1927), Retrato de Alicia Galant (1927) e Retrato de minha irmã Cristina (1928).

Vida pessoal

"A Casa Azul", residência de Frida e de seus familiares.

Casa-se aos 22 anos com Diego Rivera, em 1929, um casamento tumultuado, visto que ambos tinham temperamentos fortes e casos extraconjugais. Kahlo, que era bissexual, teve um caso com Leon depois de separar-se de Diego. Rivera aceitava abertamente os relacionamentos de Kahlo com mulheres, mesmo eles sendo casados, mas não aceitava os casos da esposa com homens. Frida descobre que Rivera mantinha um relacionamento com sua irmã mais nova, Cristina, há muitos anos, o que revoltou Frida. Ela os flagra na cama e num ato de fúria corta todo o seu cabelo, que era bem grande, de frente ao espelho. Ela fez isso pois seu amor era tão grande por ele e tomou tanta raiva do marido que não conseguiu se vingar atacando ele e sim atacando a si mesma. Sua irmã teve 6 filhos com seu ex-marido e Frida nunca a perdoou. Após essa outra tragédia de sua vida, separa-se dele e vive novos amores com homens e mulheres, mas em 1940 une-se novamente a Diego, e o segundo casamento foi tão tempestuoso quanto o primeiro, marcado por brigas violentas. Uma curiosidade é que ao voltar para o marido, ela construiu uma casa igual a dele do lado da que eles tinham vivido. Essa casa era ligada por uma ponte e eles viviam como marido e mulher mas sem morarem juntos de novo, e se encontravam ou na casa dela ou na dele nas madrugadas. Durante o casamento, embora tenha engravidado mais de uma vez, nunca teve filhos, pois o acidente que a perfurou toda, comprometeu seu útero e deixou graves sequelas, que a impossibilitaram de levar uma gestação até o final, tendo tido diversos abortos.

Tentou diversas vezes o suicídio com facas e martelos, devido sua vida extremamente infeliz, já que ela vinha sendo traída pelo marido e viviam brigando, mas não tinha coragem de se separar de vez dele, e também queria poder dar um filho a ele e nunca conseguiu. Mantinha seus casos por fora do casamento mas sentia falta era dele, e tinha que suportar outras mulheres armando confusão com ela por causa de Diego, que tinha muitas amantes.

Em 13 de julho de 1954, Frida Kahlo, que havia contraído uma forte pneumonia, foi encontrada morta. Seu atestado de óbito registra emboliapulmonar como a causa da morte. Mas não se descarta que ela tenha morrido de overdose, devido ao grande número de remédios que tomava, que pode ter sido acidental ou não. A última anotação em seu diário, que diz "Espero que minha partida seja feliz, e espero nunca mais regressar - Frida", permite a hipótese de suicídio.

Pesquisadores com base na autópsia de Frida acreditam que ela pode ter sido envenenada por uma das amantes de seu marido, que tinham raiva dela por ela ser a esposa.

Diego Rivera descreveu em sua auto-biografia que o dia da morte de Frida foi o mais trágico de sua vida.

Fonte: Wikipédia / Google imagem

Obras de Michelangelo "o divino"

2012-11-01T04:19:00.002-07:00

"Vejo em tua bela face, meu Senhor,

aquilo que não posso expressar nesta vida.

A alma, ainda vestida de carne,

com aquilo tantas vezes é transportada para Deus.

"Meus olhos, buscando coisas belas,

e minha alma, buscando a salvação

não têm outro poder de ascender ao céu

senão contemplando tudo que é belo".^[85]

fonte: Google imagens

A história da piada ECCE HOMO

2012-11-01T03:14:00.001-07:00

Uma legenda na obra Ecce Homo indica que esta demorou apenas duas horas a ser elaborada. A pintura do século XIX que foi restaurada espontaneamente por uma senhora de cerca de 80 anos, em Espanha, que, sem querer, acabou por destrui-la. Os novos trabalhos de restauro já estão agendados para a próxima segunda-feira, mas deverá ser “muito difícil” recuperar a obra.

Para pintar o Ecce Homo, Elías García Martínez só terá precisado de duas horas, muito menos tempo do que a equipa de restauro deverá necessitar para recuperar a obra que decora o Santuário da Misericórdia, em Borja, Saragoça.

De acordo com o conselheiro da Cultura do município, Juan María de Ojeda, a pintura estava acompanha de uma legenda que dizia algo como. “Este é o resultado de duas horas de trabalho à Virgem da Misericórdia”, disse à agência EFE.

A pintura tem cerca de 50 centímetros de altura e 40 de largura e, embora não seja muito valiosa, tem um grande valor sentimental, tendo sido doada à cidade de Borja pelo autor que costumava lá passar as férias de Verão.

Segundo o diário espanhol El País, na próxima segunda-feira, duas especialistas em restauro deverão começar a quantificar os danos provocados para encontrar uma solução com a colaboração da senhora que os causou. Segundo declarou Ojeda à agência Efe, a pintura estava “muito deteriorada” e deverá ser “muito difícil” recuperá-la, pois trata-se de um óleo aplicado numa parede sem esta ter sido previamente tratada.

Nos últimos dias, a história do restauro espontâneo tem despertado a atenção da imprensa internacional e o Ecce Homo tornou-se célebre nas redes sociais, onde se fazem piadas sobre o assunto.

No Facebook existe, entre outros, um grupo chamado "Senhoras que restauram Cristos de Borja" que apresenta várias fotografias satirizando a situação e que, em menos de 24 horas, contava já com 2798 “gosto”. No Twitter são, igualmente, bastantes as mensagens relacionadas com o episódio.

O incidente foi detectado no dia 7 de Agosto pelo Centro de Estudos Borjanos (CEB), e divulgado inicialmente pelo jornal espanhol Heraldo de Aragón.

O CEB, confrontado nesta quinta-feira com uma situação insólita num meio pequeno, tem estado atarefado a responder a todas as solicitações. “As chamadas efectuadas ao nosso Centro, ao longo do dia, têm sido constantes e as publicações neste blogue eram mais de 40.000 no momento em que estas linhas se escrevem, algo insólito para um meio de âmbito muito limitado”, lê-se no blogue do CEB.

Quanto à autora espontânea do restauro, o Conselheiro da Cultura do município preferiu preservar a sua identidade, pois ela está muito afectada com o sucedido e, apesar do desfecho, agiu com boa intenção. “Não queremos submetê-la a um juízo público, pelo que preferimos afastá-la dos meios de comunicação”, afirmou Juan María de Ojeda.

No entanto, Cecilia Gímenez, assim se chama a autora do restauro, prestou declarações à estação de televisão espanhola TVE, dizendo que o padre da igreja sabia que ela estava a "arranjar" a obra há já algum tempo. "Toda a gente que entrava [na igreja] me via a pintar. Nunca o fiz às escondidas", garantiu a senhora à TVE.

A irmã de Cecilia Gímenez, Esperanza Gímenez Zueco, disse ao jornal El País que Cecilia já tinha restaurado a obra mais vezes, uma delas há quatro anos, mas sempre com a permissão do padre. "Fê-lo com boa fé. Só quis dar-lhe um pouco de cor, já que a igreja está em muito más condições, com vazamentos e salitres, e o Cristo estava a deteriorar-se".

Esperanza sublinhou ainda que a obra "não tem muito valor, [sendo] simplesmente uma cara de um Cristo", pelo que considerava exagerada toda a atenção em torno do episódio.

Teresa García, neta do artista do século XIX, em declarações à TVE, mostrou-se surpreendida com esta intervenção de Cecilia Gímenez, embora soubesse que a senhora já estava há algum tempo a retocar a túnica da figura representada na figura. "O problema é que agora passou para a cabeça e, claro, destruiu o quadro", lamentou.

Nael Campos Collage / colagem de revista

2012-10-24T02:45:00.001-07:00

Nael Campos recicla conceitos

Designer gráfico explora materiais diversos numa proposta de conceito social e chama atenção para a demanda de criação com o “lixo”

Recortes de revistas e colagens de impressos são apenas alguns dos materiais utilizados pelo designer gráfico Nael Campos, 28, para expressar sua criação e conceito social numa proposta de mudar a percepção.

Fonte: Jornal diário de Marília
fotos: Nael Campos

Jean Michel Basquiat

2012-08-21T10:08:00.002-07:00

Jean-Michel Basquiat (Brooklyn, Nova Iorque, 22 de dezembro 1960 - Nova Iorque, 12 de agosto de 1988) foi um artista americano.

Ganhou popularidade como neo-expressionista. As pinturas de Basquiat ainda são influência para vários artistas e costumam atingir preços altos em leilões de arte.

Basquiat tinha ascendência porto-riquenha por parte de mãe e haitiana por parte de pai. Desde cedo mostrou uma aptidão incomum para a arte e foi influenciado pela mãe, Matilde, a desenhar, pintar e a participar de atividades relacionadas ao mundo artístico. Em 1977, aos 17 anos, Basquiat e um amigo, Al Diaz, começaram a fazer grafite em prédios abandonados em Manhattan. A assinatura era sempre a mesma: "SAMO" ou "SAMO shit" ("same old shit", ou, traduzindo, "a mesma merda de sempre"). Isso gerou curiosidade nas pessoas, principalmente pelo conteúdo das mensagens grafitadas. Em dezembro de 1978, o veículo Village Voice publicou um artigo sobre as escrituras. O projeto "SAMO" acabou com o epitáfio "SAMO IS DEAD" (SAMO está morto) escrito nas paredes de construções doSoHo novaiorquino.

Em 1978, Basquiat abandonou a escola e saiu de casa, apenas um ano antes de se formar. Mudou-se para a cidade e passou a viver com amigos, sobrevivendo através da venda de camisetas e postais na rua. Um ano depois, em 1979, contudo, Basquiat ganhou um status de celebridade dentro da cena de arte de East Village em Manhattan por suas aparições regulares em um programa televisivo. No fim da década de 1970, Basquiat formou uma banda chamada Gray, com o então desconhecido músico e ator Vincent Gallo. Com o conjunto, tocaram em clubes como Max's Kansas City,CBGB, Hurrahs e o Mudd Club. Basquiat e Gallo viriam a trabalhar em um filme chamado Downtown 81 (também conhecido por "New York Beat Movie"). A trilha sonora deste tinha algumas gravações raras da Gray. A carreira cinematográfica de Basquiat também incluiu uma aparição no vídeo "Rapture" da banda Blondie.

Basquiat começou a ser mais amplamente reconhecido em junho de 1980 quando participou do The Times Square Show, uma exposição de vários artistas patrocinada por uma instituição de nome "Colab". Em 1981, o poeta, crítico de arte e "provocador cultural" Rene Ricard publicou um artigo em que comentava sobre o artista. Isso ajudou a catapultar de vez a carreira de Basquiat internacionalmente. Nos anos consecutivos, Basquiat continuou a exibir sua obra em Nova yorque ao lado de artistas como Keith Haring e Barbara Kruger. Também realizou exposições internacionais com a ajuda de galeristas famosos.

Já em 1982, Basquiat era visto freqüentemente na companhia de Julian Schnabel, David Salle e outros curadores, colecionadores e especialistas em arte que seriam conhecidos depois como os "neo-expressionistas". Ele começou a namorar, também, uma cantora desconhecida na época, Madonna. Neste mesmo ano, conheceu Andy Warhol, com quem colaborou ostensivamente e cultivou amizade.

Dois anos depois, em 1984, muitos de seus amigos estavam preocupados com seu uso excessivo de drogas e seu comportamento paranóico. Basquiat, então, já estava viciado em heroína. No dia 10 de fevereiro de 1985, Basquiat foi capa da revista do The New York Times, em uma reportagem dedicada inteiramente a ele. Com o sucesso, foram realizadas diversas exposições internacionais em todas as maiores capitais europeias. Basquiat morreu de um coquetel de drogas (uma combinação de cocaína e heroína conhecida popularmente como "speedball") em seu estúdio, em 1988. Após sua morte, um filme que levava seu nome foi lançado contando sua biografia, dirigido por Julian Schnabel e com o ator Jeffrey Wright no papel de Basquiat.

fonte: google imagem / Wikpédia

Jean Michel Basquiat e, sua arte neo-impressionista

2012-08-21T10:08:00.001-07:00

Jean-Michel Basquiat (Brooklyn, Nova Iorque, 22 de dezembro 1960 - Nova Iorque, 12 de agosto de 1988) foi um artista americano.

Ganhou popularidade como neo-expressionista. As pinturas de Basquiat ainda são influência para vários artistas e costumam atingir preços altos em leilões de arte.

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A construção de uma maquete através de uma escultura.

2012-08-18T10:22:00.001-07:00

Making of "les Baguettes"

fonte: youtube

As incríveis esculturas de Philippe Faraut.

2012-08-17T10:53:00.003-07:00

incríveis esculturas de Philippe Faraut. Esculturas em argila, em sua maioria; mármore e bronze.

Fonte: http://philippefaraut.com/about.html

Monet; O mais célebre do impressionismo.

2012-08-13T06:07:00.001-07:00

Oscar-Claude Monet (Paris, 14 de novembro de 1840 — Giverny, 5 de dezembro de 1926) foi um pintor francês e o mais célebre entre os pintores impressionistas.

O termo impressionismo surgiu devido a um dos primeiros quadros de Monet, "Impressão, nascer do sol", quando de uma crítica feita ao quadro pelo pintor e escritor Louis Leroy: "Impressão, nascer do Sol” – eu bem o sabia! Pensava eu, justamente, se estou impressionado é porque há lá uma impressão. E que liberdade, que suavidade de pincel! Um papel de parede é mais elaborado que esta cena marinha.". A expressão foi usada originalmente de forma pejorativa, mas Monet e seus colegas adotaram o título, sabendo da revolução que estavam iniciando na pintura.

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Van Gogh. As obras do artista genial.

2012-08-08T21:19:00.000-07:00

Van Gogh é considerado um dos principais representantes da pintura mundial. Nasceu na Holanda, no dia 30 de março de 1853. Sua obras tiveram reconhecimento só após a sua morte.

Principais obras de Van Gogh:

- Os comedores de batatas (1885)
- Caveira com cigarro acesso (1886)
- A ponte Debaixo de Chuva
- Natureza morta com absinto
- A italiana (1887)
- A vinha encarnada
- A casa amarela (1888)
- Auto-retratos
- Retrato do Dr. Gachet
- Girassóis
- Vista de Arles com Lírios
- Noite Estrelada
- O Escolar
- O velho moinho (1888)
- Oliveiras (1889)
- Vista de Arles, Pomar em flor
- A Igreja de Auvers

Curiosidades da vida de Van Gogh:

- Durante sua vida, Vicent Van Gogh não conseguiu vender nenhuma de suas obras de arte.

- No final do ano de 1888, Van Gogh cortou a orelha direita. Alguns biógrafos da vida do artista afirmam que o ato foi uma espécie de vingança contra sua amante Virginie, depois que Van Gogh descobriu que ela estava apaixonada pelo artista Paul Gauguin. De acordo com esta versão, Van Gogh teria enviado a orelha ensanguentada, dentro de um envelope, para a amante.

Algumas das mais de 2.000 mil obras de Van Gogh

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Os Gêmeos Grafiteiros. A inconfundível arte urbana.

2012-08-08T07:47:00.002-07:00

Os Gêmeos é uma dupla de irmãos gêmeos idênticos grafiteiros deSão Paulo, nascidos em 1974, cujos nomes reais são Otávio e Gustavo Pandolfo. Formados em desenho de comunicação pela Escola Técnica Estadual Carlos de Campos, começaram a pintar grafites em 1987 no bairro em que cresceram, o Cambuci, e gradualmente tornaram-se uma das influências mais importantes na cena paulistana, ajudando a definir um estilo brasileiro de grafite.

Os trabalhos da dupla estão presentes em diferentes cidades dosEstados Unidos, Inglaterra, Alemanha, Grécia, Cuba, entre outros países. Os temas vão de retratos de família à crítica social e política; o estilo formou-se tanto pelo hip hop tradicional como pela pichação.

Em 22 de maio de 2008, executaram a pintura da fachada da Tate Modern, de Londres, para a exposição Street Art, juntamente com o grafiteiro brasileiro Nunca, o grupo Faile, de Nova York; JR, de Paris; Blu, da Itália; e Sixeart, de Barcelona.

fonte: Wikpédia / Google image