una valeriana, por favor!

Y seré la misma, pero he viajado / parte 2 (*)

noreply@blogger.com (Caro Sánchez Iturbe) — Wed, 23 Jan 2013 19:38:00 -0300

El 2012 fue distinto. Completamente distinto.
Un casamiento. Nuestro casamiento.
El universo de la organización del "sí, acepto" es enorme y, por momentos, increíblemente absurdo. Mejor decidir no enloquecer, no dejarse arrastrar por la correntada de flores, manteles y rituales impensados que algunos juran ineludibles.
Casarse es otra cosa. Casarse es elegirlo, es elegirme con él y sus besos, y sus brazos y sus sonrisas continuas.
Un tobogán de emociones. Una tras otra.

Amigos que no esconden su alegría, que están ahí, abrazando como siempre.
Un padre, mi padre, hace honor a la costumbre exhibiendo la inmensidad de su alma que abraza, aunque para ello no utilice sus extremidades. Acompaña, se emociona y vuelve a acompañar.
El día pasa rápido. Estamos felices. Seguimos felices.
Un impasse y una luna de miel. Nuevos olores, colores y suelos son recorridos. Todo es novedad y no hay mejor plan que sentarse a su lado a mirar.
El 2012 fue distinto. No hubo palabras suficientes y, en esos casos, siempre es mejor el silencio. Por lo menos, hasta que las palabras sirvan de nuevo.
Otra vez, estoy desnuda y no puedo imaginar un mejor final. Tampoco un mejor principio.

(*) parte de “SeresTar” de Monoaural.

El año de los 366 días creativos

noreply@blogger.com (Caro Sánchez Iturbe) — Mon, 6 Aug 2012 23:27:00 -0300

La excusa fue perfecta. Maite Doeswijk decidió aprovechar que el 2012 traía 24 horas para emprender una iniciativa en la que no pasara ni un mes sin producir. Desde distintas disciplinas el grupo trabaja un concepto mensual con distintas herramientas e interpretaciones para lograr en diciembre una única gran obra.

Por Caro Sánchez Iturbe
Fotos de The Dark Flack (www.thedarkflack.com)

Cuando el 2011 estaba cerca de anunciar su final, Maite Doeswijk, artista plástica, periodista y música de La Plata, decidió que ésta vez no le pasaría lo mismo de siempre. Aprovechando que el año nuevo traía en su calendario 24 horas de regalo, además de alguna que otra profecía apocalíptica, se juró que ésta sería la oportunidad para cumplir con la promesa de aprovechar los meses del verano e iniciar un trabajo artístico que, finalmente, la mantuviera productiva los 366 días por venir.
“Estaba volviendo en micro desde Gualeguaychú a La Plata y, en el viaje, se me ocurrió armar un proyecto porque cada vez que arranca un año me dan ganas de aprovechar los meses muertos, que son enero y febrero, para producir más cosas. Primero pensé en hacer una obra por día, individualmente. Pero después, me pareció mejor ampliarlo a más gente y empecé a charlarlo con amigos artistas. Al principio, pensamos hacer un laburo que dure todo el 2012 y en el que cada artista hiciera una obra por día, pero después nos dimos cuenta de que nos habíamos cebado, era demasiado”, dice Maite intentando explicar cómo fue que craneó el nacimiento de Proyecto Bisiesto, el grupo multidisciplinario que hoy coordina.
Las nuevas tecnologías traducidas en redes sociales y blogs fueron una de las grandes herramientas que Doeswijk utilizó para lograr poner en funcionamiento el proyecto que estaba gestando. Así, a través de Facebook, a principios de 2012 abrió una convocatoria para conformar el primer conjunto de artistas que, durante tres meses, realizaría trabajos. Poco tiempo después, once personas provenientes de diversas disciplinas comenzaron su recorrido por el enero del año bisiesto de Maite y produjeron las primeras piezas del calendario-obra. Pero la convocatoria no se cerró entonces. Es que una de las propuestas de Proyecto Bisiesto es que el grupo sea un espacio dinámico de donde la gente pueda entrar y salir al inicio de cada trimestre.
Lo que diferencia a este espacio de otros grupos artísticos es que, si bien cada uno de los integrantes realiza individualmente un trabajo por mes, todas estas propuestas responden a una idea que Doeswijk postula: “Yo les tiro a los artistas disparadores para cada mes y cada uno desde su disciplina, en su casa y con lo que tiene a mano, va trabajándolo individualmente hasta concluir en una obra. Cada uno interpreta el concepto que se plantea como quiere y como mejor le parece, pero el resultado es un montón de interpretaciones acerca de un único concepto, que se traduce en laburos atravesados por un color que unifica”. Así, durante el primer mes del año, los artistas realizaron trabajos sobre el ocio y utilizando el color amarillo; en febrero, le tocó el turno al año bisiesto y al naranja; mientras que en marzo, las producciones se desarrollan en torno al rojo y a la rutina.
Otro de los rasgos característicos del proyecto de Doeswijk es que la propuesta no sólo incluye el entrecruzamiento de interpretaciones respecto de un mismo concepto, sino que además todo el proceso de elaboración de las obras artísticas es compartido. En el blog de Proyecto Bisiesto (http://www.artebisiesto.blogspot.com/) pueden verse los bocetos de los trabajos y, así, artistas y espectadores dan apreciaciones sobre el rumbo que está tomando cada pieza. “Todos vamos mirando el trabajo del otro y opinando, sin por eso ir en contra de la libertad de hacer, claro. Pero está bueno porque en el encuentro con el otro cambia la perspectiva sobre lo que uno realiza”.
Convencida de que el entrecruzamiento de miradas es un espacio de suma riqueza, Maite planea sacar pronto a Proyecto Bisiesto de la virtualidad. De ese modo, espera realizar en abril la primera exposición colectiva del grupo, donde será posible ver los trabajos que cada artista realizó durante el primer trimestre y juntar energías para iniciar el segundo tramo del año. Luego, en diciembre, finalmente el grupo llegará a su gran cometido: un calendario-obra de arte que, compuesto por varias “mini-obras”, demuestre que éste fue un año en el que los 366 días fueron utilizados creativamente.

*actualmente, Proyecto Bisiesto se prepara para su segunda muestra. La misma inaugurará el sábado 11 de agosto a las 17 horas en Galería Vincent, Calle Cantilo y 17, City Bell. La muestra podrá ser visitada hasta el sábado 25 de agosto.

Blog: http://www.artebisiesto.blogspot.com/

NaN – Año 2, Nº 6, Marzo-Abril 2012
(siempre es mejor la versión en papel)

Teatro para el living de una casa

noreply@blogger.com (Caro Sánchez Iturbe) — Mon, 16 Jul 2012 21:06:00 -0300

Juan Manuel Mannarino, el creador del ciclo Teatro Íntimo, que todos los meses se realiza en espacios no convencionales de La Plata, explica cuál es el encanto de esta modalidad de trabajo y, de paso, define mecanismos para que hogares vuelvan a ser un lugar abierto al encuentro.

Por Caro Sánchez Iturbe
Fotografía gentileza de Diego Chapay

La Plata, julio 13 (Agencia NAN-2012).- Todos los meses, alguna casa de La Plata cambia. Haciéndole frente a la privacidad (cada vez más privada) que los días de la inseguridad televisada imponen, una casa cambia una vez por mes. Las puertas se abren a perfectos intrusos dispuestos a tomarla y, en contra de cualquier pesadilla cortazariana, la llave nunca termina siendo tirada por una alcantarilla. Los desconocidos planean escenas, las montan sobre las habitaciones, baños y patios y, valiéndose de los olores y las características cotidianas de cualquier hogar, dan rienda suelta a una serie de narraciones teatrales de las que actores, directores y espectadores forman parte. Una nueva edición del ciclo Teatro Íntimo está en marcha y la casa, entonces, celebra volver a ser espacio de reunión.
A vuelo de pájaro, Teatro Íntimo es un ciclo teatral que se lleva a cabo en espacios no convencionales, preferentemente en casas prestadas, de la capital de la provincia de Buenos Aires. Comandado por Juan Manuel Mannarino, un periodista, docente, actor y director interesado en abrir espacios de producción y reflexión en torno al lenguaje teatral, Teatro Íntimo está en marcha desde diciembre de 2011 y ya tiene nueve ediciones (y la participación de más de 30 artistas) en su haber.
La idea de Teatro Íntimo vino a completar el camino que Mannarino venía construyendo como director. Así, Juan Manuel jura que le “picó el bicho” luego de dirigir Contrapartida en un club de barrio platense y de pasear la obra por clubes de billar porteños. Consciente de la poca cantidad de salas que hay en proporción con el número de gente que hace teatro en la ciudad y convencido de las posibilidades que brinda la actividad teatral desarrollada en espacios no convencionales, se abalanzó a la creación de una propuesta que, por su frecuencia cíclica, asegurara el espacio de producción.
En cada uno de los encuentros realizados, que coparon casas, restaurantes y hostels dado el carácter itinerante del ciclo, Teatro Íntimo desarrolló una particularidad: acortar la distancia que separa al espectador de la escena teatral hasta casi hacerlo miembro activo. “Es buenísimo cómo se le saca el jugo a la potencia dramática y escénica que tiene un texto puesto en una proximidad tan evidente con el público, teniendo al público tan inmediato. Es otro tipo de actuación, ni mejor ni peor que la que uno ve en los espacios convencionales, distinta porque la cercanía genera otro desafío”, dice Mannarino entusiasmado y dispuesto a describir cómo en este tiempo se sucedieron escenas teatrales en apretujados baños, junto a la parrilla de un patio o en un confortable living hogareño. Luego, redondea: “Esa cercanía es como la radicalidad de la actuación. Es ese cuerpo, es esa expresión que compone un tejido ficcional y el público es parte de la historia. Nuestro desafío es poder contar algo desde el teatro, complejizando lo humano a través de historias en tiempo real, y que el público tenga un impacto con eso, que le pase algo, que esté ahí, inmiscuido”.
Otra de las características distintivas de Teatro Íntimo es que en cada una de sus ediciones presenta varias puestas teatrales --muchas veces realizadas por distintos directores-- que se complementan entre sí, creando una especie de recorrido por la vivienda que ha sido tomada para la ocasión y, en definitiva, abriéndose a un gran relato construido entre artistas que, tranquilamente, pueden responder a estéticas y estilos diferentes. “El público va rotando por el lugar y, en verdad, no sabe qué va a pasar, sólo tiene la dirección de una casa. Toca un timbre y ya es toda una situación nueva, en la que no está establecido dónde empezar ni dónde terminar. Así, a medida que el espectador se va metiendo en la casa, se va sumergiendo en estas historias. Eso está bueno porque genera una actividad y que el punto de vista se atomice”, explica al respecto Mannarino para luego relatar como el factor sorpresa no alcanza sólo a los concurrentes sino que también se presenta entre los actores porque, “por más que esté todo ensayado, siempre pasa algo que no se esperaba: Un perro o un gato que anda dando vueltas, un vecino que se para en la puerta a mirar, lo que sea”.
Más allá de los buenos frutos que está dejando la experiencia de Teatro Íntimo para los artistas y el público, Mannarino asegura que los logros son mayores: “Al principio, yo tenía miedo de que se nos terminen los lugares. Pensaba: ¿quién va a dar su casa para que nosotros vayamos y la usemos? Sin embargo, cada vez hay más espectadores que no son del ámbito teatral y que prestan su propia casa. Eso va en contra del paradigma de la inseguridad que dice que uno tiene que estar con miedo, encerrado. Ahora, de repente un tipo abre su casa y le caen treinta o cuarenta personas que no conoce”.
El dato de las casas de puertas abiertas arranca una sonrisa. Y aunque la toma no sea por la fuerza y reine el común acuerdo, resulta inusual que la pesadilla de Cortázar no se cumpla. Pero Juan Manuel sabe que nada es casual. “El proyecto no es solamente artístico, tiene una dimensión cultural”, dice convencido y pronto ensaya una explicación para los cerrojos abiertos: “Si bien esto es teatro y contamos historias a partir del teatro, se arma todo un ruido que, en definitiva, lo que propicia es el encuentro entre las personas”.

Facebook: http://www.facebook.com/pages/Teatro-Intimo-La-Plata/128492723927882

Agencia NAN (www.agencianan.com.ar)

Soy Rock

noreply@blogger.com (Caro Sánchez Iturbe) — Sat, 9 Jun 2012 16:04:00 -0300

Ricardo Massei dedicó su vida al rock. Desde su primer acercamiento a “Help!” de los Beatles, el camino estuvo marcado. Convencido de que el mayor sueño de su vida es la música, él jura que lo suyo, en verdad, no es más que un sacerdocio.

Por Caro Sánchez Iturbe
Fotos: The Dark Flack (www.thedarkflack.com)

Ricardo Massei transita los terrenos de la música casi desde que nació. Con una familia a la que define como “totalmente musical” en la que él fue la “oveja negra” que cortó con la tradición de tango y folclore que había iniciado su abuelo, él jura que lo suyo es lo más parecido a un camino espiritual que se forjó alrededor del rock.
“Apenas empecé a tomar uso de razonamiento, la música se transformó en algo parecido a una religión. Me creaba una fantasía entera alrededor de la música, me fijaba en la ropa, en el pelo. Tenía locura con eso”, asegura el hombre que ya lleva varias décadas dedicadas al arte y la cultura, todo para después contar cómo Help de los Beatles fue el disco “embrionario” responsable de encaminarlo hacia el rock cuando tenía unos tempranos nueve años de edad. A partir de entonces, no hubo vuelta atrás: “Ese disco me marcó la vida. Hoy en día escucho esos temas y me pongo a llorar porque me emocionan, me retrotraen a mi infancia. Yo soñaba con eso desde siempre”.
Luego de la adolescencia, a la que Ricardo define como un “impase tortuoso” debido a la soledad que establecía el camino que había elegido recorrer, Massei encontró su lugar en el mundo entre artesanos y trabajos manuales: “En la feria de artesanos y me conecté con la gente de La Pesada, con los chicos de la Cofradía de la Flor Solar, con Sergio Martínez, con Rocambole, con Pedro y Pablo, con Pappo. Ahí me empecé a conectar con ellos. Íbamos a ver todos los recitales. Fue una época gloriosa porque La Plata era increíble. Era una cofradía de creatividad, de arte y cultura. Éramos todos bohemios, estábamos todos en una búsqueda y nos relacionábamos a través del arte y la cultura. Parecíamos todos muy locos, andábamos con jardineros y unos peinados bárbaros. Yo me batía los pelos a lo Hendrix. Cuando empezó la época del glam, de Bowie, me volví loco, me moría con la movida del glam inglés. Es que mi mente vivía en Londres, iba siguiendo eso todo el tiempo”.
Así, entre reuniones de artistas y zapadas, Ricardo desarrolló otra de sus características distintivas: el camino espiritual de autoconocimiento y meditación que aún hoy mantiene y que conoció gracias a la investigación sobre la vida de George Harrison. “A través de Harrison empecé a tener una locura mística y encontré mi camino espiritual. Soy discípulo para Paramahansa Yogananda, que está en la tapa de Sargent Pepper´s Lonely Heart Club Band. Yo lo veía en la tapa del disco y me llamaba la atención sin saber quién era, sin saber que iba a ser mi maestro. Al poco tiempo, me hice discípulo de él. Fue todo muy loco porque después de eso, me compré Tales from Topographic Oceans, un disco de Yes que estaba basado en un libro de mi maestro. Una coincidencia loquísima. Encima, Yes fue otro escalón que me marcó para toda la vida por lo espiritual y por lo musical de la banda”, sostiene.
Por esos días Ricardo también inició sus estudios en batería. Así, poco a poco formó sus primeras bandas con vecinos del barrio. No pasó mucho tiempo hasta que, yendo a Jeu, una disquería a la que describe como “la meca de la cultura” de la época, conoció a Claudio Apas y a Marcelo Pocavida, quienes marcarían un nuevo recorrido en la vida de Massei: “Ellos tenían una banda que hacían una onda tipo Kiss y a mí me encantaba porque era muy teatral. Yo los ayudaba en los shows. En el ‘79, ‘80 Marcelo me dijo que hagamos una banda punk. Yo no estaba muy convencido porque me gustaban otras cosas, pero me atrapó lo salvaje. Entonces quería fusionar lo adrenalínico de la música con un mensaje distinto, profundo. Ahí se armó Los Baraja”.
Con su primera banda profesional en pie, en el ’81 llegó el primer recital en vivo que dio el músico. “Cuando salimos a tocar estuvo bueno porque fueron a vernos Los Violadores, los Virus, la gente de los Redondos, los de La Cofradía. Era muy teatral lo que hacíamos. Marcelo salía a escena y rompía un disco de Fiebre de sábado por la noche. Tocábamos vestidos de cuero, con los ojos pintados y los pelos parados con yema de huevo. A las pocas horas, el olor era insoportable”, recuerda entre risas para luego describir cómo así se armó un movimiento cultural punk entre La Plata y Buenos Aires en el que los encuentros eran una constante.
Después de eso, llegaron los días de una banda de new romantic que nunca llegó a tocar en vivo; el nacimiento de Genocidio, que fue pionera en el hardcore heavy de la ciudad y que llegó a tocar con V8 y Hermética; y en el ’92, junto a Claudio Apas, apareció Pandemia. “Hace 30 años que tocamos juntos con Claudio, somos un matrimonio musical. Con él, en un momento sentimos que teníamos que hacer un cambio y armamos Pandemia, que fue lo máximo a lo que llegué en mi vida musical. Tocamos en todo el país, sacamos dos discos, un productor italiano nos difundió por todo el mundo, nos invitaban a tocar de un montón de países. Fue alucinante. Al principio, yo hacía solo las letras y la música, hasta que llegó Susana, una tecladista que todavía toca conmigo, que le dio un vuelo impresionante a la banda porque ella venía de lo clásico y lo sinfónico. Eso duró casi hasta el 2000, aunque nos volvimos a reunir en el 2007”, explica.
Ahora, con Ibis Escarlata, su última banda, ya disuelta y en camino de ponerle nombre a su nueva formación con la que ensaya desde hace tres años, Ricardo espera poder mostrar pronto hacia dónde lo llevó el rock ahora. Es que jura que no puede imaginar su vida sin tocar la batería. “Es parte de mi esencia, de mi vida, me siento vivo cuando toco”, asegura sentado bajo el sol para pronto sonreír y, con un tono calmo, resumir su vida: “Para mí, la música siempre fue un sacerdocio”.

De Garage – Marzo de 2012
(siempre es mejor la versión en papel)

Pura Vida a la cultura independiente

noreply@blogger.com (Caro Sánchez Iturbe) — Sat, 21 Apr 2012 22:42:00 -0300

Durante la madrugada del viernes clausuraron Pura Vida y a varios se nos estrujó el pecho.

Hay quienes quizás no conocen bien de qué se trata Pura Vida o que quizás no tuvieron la suerte de pasar una noche en el lugar. Básicamente se trata de un bar que inauguró hace más de cuatro años en La Plata y que, desde su primera jornada, demostró no ser un bar más. Con un dueño destacable que jamás se comportó como un bolichero con cabeza de calculadora, el espacio cultural abrió sus puertas a una gran cantidad de bandas (todas ellas independientes) y a una amplia variedad de propuestas sin pedir nunca a cambio un pago por parte de los artistas y productores que utilizaron el lugar. Y eso no es poca cosa, teniendo en cuenta que veníamos de un montón de bolicheros que no se conformaban con las ventas de la barra, sino que también les cobraban un alquiler a las bandas y a los productores e, incluso, se quedaban con parte de la taquilla. Una nueva forma de hacer, entonces, nació con Pura Vida. Aprendimos que no hay que pagar para tocar, que la taquilla siempre debe ser para la banda, que el artista merece un buen trato, que pueden existir lugares en los que importe más la propuesta artística que la convocatoria.

Ahora apareció la incertidumbre. Y sí, el pecho se nos estrujó y nos dieron ganas de vomitar.

Pero por suerte Pura Vida cosecha su siembra y hoy los artistas, los productores y el público que disfrutó de las madrugadas que el lugar les regaló se organizan para defender a ese espacio cultural que, inevitablemente, terminó haciéndose sentir como propio.

Por eso, mañana domingo 22 de abril nos juntamos en la Plazoleta de La noche de los lápices (diagonal 78 entre 8 y 61) a las 17 horas para, pacíficamente, reclamar para que Pura Vida reabra sus puertas.

Dicho esto, sólo resta pedir paz, amor, libertad y respeto.

Súper-Arte

noreply@blogger.com (Caro Sánchez Iturbe) — Sun, 22 Jan 2012 14:58:00 -0300

Desde hace 20 años, un abogado y una plástica comprenden su contexto social en código artístico. Preocupados por problemáticas ambientales, ponen la creatividad a los pies de un solo -y gran- objetivo: impedir que la sociedad y el ecosistema que la rodea se vayan por un tubo.

Por Carolina Sánchez Iturbe
Foto de The Dark Flack (www.thedarkflack.com)

“Quiero brotar en la espiga

de la conciencia

del hombre nuevo que lucha

por su mañana

y proclamar su tiempo azul de pie

dando la cara”.

“A que florezca mi pueblo”, Mercedes Sosa

A metros del Río de la Plata, entre calles arboladas y paisajes en los que lo verde predomina, Alejandro Meitin y Silvina Babich piensan en nuevas acciones. Entregados a la actividad que el proyecto artístico y ambiental Ala Plástica les demanda, idean qué caminos tomar para reactivar economías locales, recuperar espacios públicos, sanear forestaciones, diseñar políticas territoriales que respeten a la cultura de los pobladores de cada lugar, construir conocimiento y establecer medidas para que el mundo no se vaya por un tubo. Lejos de ser un grupo de intervencionistas que piensan en el arte como un modificador de momentos, los fundadores de Ala Plástica eligen moverse emulando a las plantas que intentan salvar: sin carreras contra el tiempo y dejando que cada acción de lucha se fortalezca con el crecimiento a su propio ritmo, estableciendo raíces firmes que conduzcan a desarrollos sustentables y cambios estructurales.

Todo comenzó hace dos décadas cuando el matrimonio de Meitin y Babich decidió sedimentarse y buscar nuevas formas de expresión que posibilitaran redes de comunicación e interacción. “Siempre quisimos trabajar sobre el arte y el ambiente. Queríamos ver de qué manera podíamos incidir en una renovación de la idea de arte y utilizar sus diferentes formas de trabajo, pensamiento y acción para poder incidir en procesos de la vida cotidiana”, dice Alejandro sobre aquellos primeros días en los que Ala Plástica se propuso establecer una nueva forma artística, hasta entonces desconocida en el ámbito nacional.

Luego de esa iniciática determinación familiar, se consolidó la conformación del grupo, que se alimentó de la diversidad de sus miembros y de las distintas disciplinas de las que cada uno de ellos provenía. De esa manera, la formación en leyes de Meitin y en artes plásticas de Babich se entrecruzó con conocimientos sobre biología, geología, zoología y botánica, dándole a Ala Plástica un carácter integral que posibilitó la llegada de la primera crítica y acción del equipo de trabajo. “Como queríamos salir del corral del establishment artístico del museo y galería, recuperamos un espacio público abandonado desde donde empezamos a generar una serie de diálogos con distintas personas de la ciudad, que venía muy golpeada por la dictadura y por un gobierno democrático que no terminaba de afianzarse”, rememora Alejandro.

El espacio recuperado fue una biblioteca del zoológico de La Plata. Así llegaron los primeros ejercicios y, con ellos, el establecimiento de un modo de hacer en el grupo. “Lo que hacíamos era absolutamente exploratorio porque no conocíamos una metodología para llevar a cabo un arte en contexto social. Con nuestra sensibilidad respondíamos a una situación crítica que exigía herramientas no habituales. Estábamos insertos en un desastre. Después, con los años fuimos puliendo esa modalidad”, explica Babich.

Mucho tiempo después, ese trabajo rindió sus frutos: luego de 10 años de actividad pudieron deconstruir la idea de zoológico a partir de la demolición de 22 jaulas y el cambio de las autoridades del lugar. Es que los miembros de Ala Plástica deciden transformarse en miembros activos de los ámbitos en los que producen sus acciones: “Siempre nos identificamos como emergentes del lugar. Nuestro trabajo surge desde la propia comunidad, en conjunto con ella misma. No vamos a salvarla. La nuestra no es una intención de ayuda o asistencia, sino que nosotros mismos nos vemos inmersos en la problemática, nosotros mismos queremos zafar, ir para adelante y transformar esta realidad”, añade la artista plástica.

Por ese vínculo con el entorno, ella y su compañero se toman el tiempo que sea necesario para realizar acciones que conduzcan a modificaciones reales, sosteniendo sus prácticas sobre dos principios ineludibles: el compromiso y la responsabilidad. “Trabajamos en contextos en los que construimos junto a otros, entonces velamos mucho para que haya una respuesta coherente y muy bien informada ante cada problemática. Cada ejercicio está muy bien fundamentado y tiene mucho tiempo de estudio previo. Estudiamos desde lo geográfico, desde lo sociológico, lo filosófico y a todo eso lo reunimos en una actividad que no deja en ningún momento de lado la sensibilidad y la aproximación heurística porque consideramos que cada parte de este proceso que llevamos adelante es posible de apreciar a partir de los efectos de significado”, puntualiza Alejandro.

Algunas de las zonas de acción más fuertes de Ala Plástica son el Estuario del Río de la Plata, el Delta del Paraná y distintos lugares de la cuenca del Río de la Plata. La elección del espacio es simple: ése el área en el que Babich y Meitin pasan sus días y, a la vez, un ámbito que necesita cambios. “En los ’90 mucha gente de acá había quedado sin empleo y vimos que el mimbre era un recurso a mano. Entonces, empezamos a trabajar en la diversificación del uso de ese material para generar nuevos ingresos para las comunidades a partir del tejido. Silvina se transformó en capacitadora y yo en experto en temas de cultivo; empezamos a diseñar estrategias de sobrevivencia, integración y resistencia desde el trabajo. No era un mero reclamo o escrache”, sostiene el abogado.

Más allá de que la problemática provocada por el reinado del Neoliberalismo ya no esté tan presente en la cuenca del Río de la Plata, aún quedan cuestiones por resolver en el lugar: “Ahora, el Delta está perfilado para ser un área de cría de ganado a gran escala, de desforestación a gran escala y de mega emprendimientos para barrios privados, también a gran escala, sacando, para eso, a la gente que vive ahí con su diversidad, con su cultura, con su historia, con su manera de hacer”, explica Alejandro como punta de introducción. A partir de entonces, la razón de ser de Ala Plástica queda puesta sobre la mesa: “Lo que estamos planteando es una cuestión de conservación a partir de las preguntas ¿quién diseña el territorio? y ¿para quién se está haciendo ese diseño? Ahí, empieza a gestarse una resistencia. Siempre nuestro trabajo termina con una acción de resistencia, con una cosa a transformar”, completa.

Tras dos décadas de trabajo, y aunque no sea popular, la actividad de los grupos de trabajo como Ala Plástica ya no resulta tan desconocida y cada vez son más los grupos que se entregan al arte en contexto social. Sin embargo, según Alejandro y Silvina, todavía queda camino por recorrer para que el sentido de la actividad sea comprendido integralmente. “Hay muchos que ven el vaso medio lleno, como el diario La Nación, que creen que éstas son prácticas en las que se hace el bien sin mirar a quién y no, tampoco es eso. No somos un par de pelotudos que andan por la vida regalando alegría. Hacemos prácticas de resistencia, prácticas críticas, donde se postulan muchas veces cosas que son jodidas, donde tenemos que poner el cuerpo porque más de una vez nos han querido cagar a palos”, sostiene convencido Meitin.

Según su visión, que es la del colectivo que creó e integra, lo que hace falta modificar de una vez por todas es el concepto más primario de arte, aquel que está muy marcado por el “el arte utilitario y la concepción del arte de la representación de reyes y monarcas”, para dar paso a un “concepto ampliado de arte” que sepa de compromisos y de objetivos superiores y que no demande de los artistas sólo su expertiz, sino, y sobre todo, sus vidas: “A medida que nos fuimos involucrando en el arte en contexto social, se nos empezó a ir la vida en esta forma de hacer porque vimos que hay motivaciones que están más allá de nosotros mismos y porque nuestros sentidos y valores empezaron a mutar. El arte, así, empezó a formar parte de nuestra vida cotidiana y pasó a ser nuestro día a día. Ahora nos movemos en código ‘alaplastiquiano’”.

Web: http://www.alaplastica.org.ar/

NaN – Año 1, Nº 5, Noviembre-Diciembre 2011
(siempre es mejor la versión en papel)

el jueves de La Plata Calling...

noreply@blogger.com (Caro Sánchez Iturbe) — Wed, 21 Dec 2011 00:45:00 -0300

Este jueves 22 de diciembre, pegamos uno de los últimos estirones del año. Con la ayuda de ocho bandas y un DJ homenajearemos a Mr. Joe Stummer en su día. Estamos felices, muy felices.

La Plata Calling

Primer Tributo Oficial a The Clash en Argentina

en vivo!

Argonauticks

Mostruo!

Pérez

La Secta

La selva de Miguel

El Milano

Orquesta de perros

El Manijazo

ameniza: DJ Paul Henta

+ hagamos un documental entre todos!

llevá tu celular, cámara o lo que sea y su cable USB. Filmá tu momento, a las bandas, lo que quieras y dejános tus imágenes para que sean parte del documental que ideamos con Santi Asef y Viracocha Films!

jueves 22 de diciembre – 14 horas

Andén CC Estación Provincial – 17 y 71

GRATIS!

La Plata Calling será el primer tributo a The Clash que se realizará en Argentina con la oficialización de la Fundación Strummerville, la organización que tras el fallecimiento de Joe Strummer, fue creada por amigos y familiares con el fin de ofrecer apoyo, recursos y promoción para nuevos talentos musicales.

Así, La Plata Calling se llevará a cabo el jueves 22 de diciembre, fecha en la que se celebran en el mundo numerosos homenajes a Joe Strummer por cumplirse nueve años de su muerte. Durante la jornada, que será amenizada por el DJ Paul Henta, Argonauticks, Mostruo!, Pérez, La Secta, La selva de Miguel, El Milano, Orquesta de perros y El Manijazo versionarán canciones de The Clash a la par que tocarán temas propios.

La Plata Calling, además, abrió convocatoria! Si querés ser parte del documental de La Plata Calling, el 22 llevá tu celular, cámara de fotos o lo que sea y su cable USB. Filmá tu momento, a las bandas, lo que quieras y dejános tus imágenes para que sean parte de este documental colectivo que ideamos con Santi Asef y Viracocha Films!

www.laplatacalling.com.ar
www.facebook.com/laplatacalling

El Nene y los dioses personales

noreply@blogger.com (Caro Sánchez Iturbe) — Mon, 5 Dec 2011 01:30:00 -0300

Aunque parezca que ya lo hizo todo, Martín Schneider asegura no estar dispuesto a parar. Luego de devorarse madrugadas, de gritar en el escenario de La Patrulla Espacial, de haber tenido más de un proyecto musical con Shaman, de desnudarse en público y de tener ataques incendiarios, jura que todavía hay batallas por librar. Ahora, el objetivo es juntar más experiencia para así llegar a ser igual a un cóndor capaz de admirar a cualquier niño de pueblo.

Por Caro Sánchez Iturbe
Fotos: The Dark Flack (www.thedarkflack.com)

Martín Schneider, El Nene, es uno de esos personajes extraños que tranquilamente podrían cohabitar en algún cuento sucio y suburbano a la par que en una leyenda silvestre y pueblerina. Mezcla justa entre vampiro de noches interminables y meditabundo envuelto en arboledas absorbentes. Uno de esos hombres que es capaz de contar qué sucedió aquella vez que incendió una capilla y cómo era la geografía de su pueblo natal sin necesidad de, para ello, modificar el semblante.

La vida del Nene estuvo atravesada por la iglesia. Sí, por la iglesia. Hijo de pastores evangelistas, creció literalmente dentro de un templo. Tanto así que su primer paso por la música fue en una banda que tocaba heavy metal mientras cantaba letras cristianas, cosa que, para la época y para un público “bastante conservador”, era lo suficientemente revolucionaria. Es que en aquel momento, el descubrimiento de Logos, la agrupación metalera creyente, se presentaba como el mejor camino de escape. “La escuchaba con efervescencia”, dice para luego entonar “ven a la eternidad, si puedes creer” y escupir un “fuck you” sin escalas. Es que, claro, eventualmente el Nene se reveló.

“Salí de la iglesia. Me di cuenta de que dios es la bondad de cada uno, uno no tiene porqué ser malo. Y ahí empezó otro mambo con las bandas. Lo único que mantuve fue el amor por la música clásica. En casa, se escuchaba música clásica y cristiana, pero cristiana facha. Así, los dos varones de la familia salimos un desastre. Y yo peor… tengo toda la cara marcada de cicatrices”, asegura entre risas dejando que sus dos dientes de lata se exhiban como trofeo, todo para después contar como “el vozarrón, los experimentos de sillas tocando contra algo y las letras espirituales” de Tom Waits lo cautivaron, abriendo un nuevo panorama en el que aparecerían más músicos capaces de producir transformaciones en su vida. “Aphex Twin me cambió. Yo era híper anti electrónica y cuando lo escuché me di cuenta de que ahí había una cosa increíble. Y después, el que terminó de volarme fue Fela Kuti. Él era un Bob Marley mezclado con un Che Guevara. Su historia me chingó la cabeza. Me faltaba un huevón más del mundo musical. Siempre hay uno más”, asegura y recomienda: “Acuérdense bien de él”.

A partir de la rebeldía, llegaron los días en los que Martín comenzó a deambular entre colegios secundarios y a establecer nuevos vínculos. De ese modo, en la escuela de arte de Comodoro Rivadavia se encontró con Shaman Herrera y con otros tantos personajes que hasta el día de hoy lo acompañan. “Comodoro es cementerio indio. Ahí hay algo con los muertos. Por eso de allá sale gente así”, dice intentando explicar ese nexo que lo une afectiva y creativamente con las mismas personas desde hace más de una década y media, dispuesto a narrar como tiempo después de conocer a Shaman terminó conviviendo con él en La Plata y estudiando Filosofía: “Como no sabía qué hacer de mi vida, me anoté en la facultad y pasé cuatro años ahí. Conocí a otra gente muy espectacular que me abrió más la cabeza. Las relaciones te cultivan más el cerebro que la facultad. Yo venía de una institución y no quería más instituciones, así que a la mierda”.

Durante la estadía del Nene en La Plata, que se extiende hasta hoy, los proyectos musicales brotaron dando paso a Shaman y El Nene, el dueto musical que jugaba y experimentaba con los sonidos y el público; a El Nene y los metralleta, que se alimentó de una gran cantidad de músicos amigos que a la par tocaban en La Patrulla Espacial, Él mató a un policía motorizado, Shaman y los hombres en llamas y Prietto; y ahora a La Antropofónica, la orquesta de afrobeat a la que Schneider le pone la voz y donde, jura, está aprendiendo a cantar. Pero además en los días de la ciudad con calles numeradas, aparecieron las noches interminables en las que los recitales de La Patrulla Espacial, la banda en la que el hermano del Nene toca el bajo, se presentaron como el ámbito de delirio ideal. “En los recitales de La Patrulla ves algo serio, loco, fuerte, pensado, natural. Ahí encuentro violencia mezclada con armonía de amistad”, sostiene mientras recuerda las madrugadas alucinógenas en las que él solía subir al escenario a gritar “cagando a pedos a todos”, desvestirse y provocar incendios “para hacer dibujos” en el asfalto al terminar los shows porque “con La Patrulla llega un punto en el que es tanto lo que pasa que sentís que ya no lo resistís más”.

Ahora y aunque ya no tome más por asalto el escenario de La Patrulla Espacial porque ya hizo “todas las que tenía que hacer con ellos” y porque “El Nene ya está creciendo. Mierda, boludo, ya estás grande, dejate de poner en bolas, come on, baby”, los vínculos que el rock le regaló a Martín permanecen igual de estrechos que cuando todavía vivía en Comodoro Rivadavia. “Somos un grupo de gente en el que nadie es más que el otro. Vamos en grupo. Es como que salimos juntos a atacar el modernismo argentino, cada uno con su estilo pero respetándonos, y eso es lo más groso que tenemos”, reflexiona.

“Jamás pararía porque la vida te para sola”, dice El Nene mientras explica que aunque ya no sea parte de shows extremos con la banda de su hermano, la acumulación de vivencias sigue intacta. “Creo que recién me di cuenta de lo que soy hace dos años. Fue una búsqueda de casi 30. El camino del exceso conduce al palacio de la sabiduría. León con ira es sabiduría. Hay que enojarse. En una de esas enojadas, me encontré y me dije si soy esto, para qué mierda dar vueltas. No quiero ser ni petrolero, ni carpintero, ni mezclador. Quiero cantar”, asevera convencido para luego afirmar que él no sólo es el hombre capaz de devorarse noches enteras y convertir a las tardes en viajes por profundas madrugadas, sino que además es el niño que sacaron del pueblo: “Nací en Chile Chico, un lugar donde todas las mañanas desde la montaña caía un cóndor que se llamaba Charly. Por eso me dicen Nene, porque nunca crecí, nunca quise irme de ese lugar. De ahí quedé con la imagen de un cóndor que bajaba despacito, dando vueltas hasta que aterrizaba y se quedaba a pasar la mañana. Y a la tarde cuando se iba, era un espectáculo. Todos salíamos a verlo porque abría las alas y empezaba a correr hasta que remontaba vuelo. Es la imagen más linda que tengo de mi vida. Eso quiero yo. Quiero que la gente tenga la oportunidad de ver algo tan bello. Cuando canto, quiero ser ese cóndor que baja y admira”.

Hace poco, El Nene volvió en busca del cóndor y de la casa en la que nació. Se encontró con un Chile Chico con 50 barrios más allá y se perdió. Tampoco se topó con esa iglesia que a los cuatro años incendió. Pero su dios sí estaba ahí. “Estoy atravesado por un Jesucristo medio loco. My personal Jesus”, dice mientras fija la mirada y, sin cambiar el semblante, escupe: “No sé qué querés de mí”.

De Garage – Noviembre de 2011
(siempre es mejor la versión en papel)

La niña animal

noreply@blogger.com (Caro Sánchez Iturbe) — Thu, 24 Nov 2011 20:03:00 -0300

tres niñas increíbles, reunidas en una muñeca rusa, y el gran Luxor me invitaron a escribir la reseña que acompañará a su próxima muestra, "La niña animal". Un gran honor (dado que son cuatro artistas que admiro realmente y con el corazón) que intenté plasmar en un trabajo acorde a la ocasión.

Hace muchísimo que no escribía en primera persona, pero la obra de ellos ameritaba comprometerse y exponerse, tal como ellos lo hacen con cada una de sus ideas.

Aquí queda el texto y, aún más interesante, la invitación a ver el trabajo que Una Muñeca Rusa y Luxor hicieron en conjunto:

Un retrato en la pared. Mi escala de grises, sólo el cascarón, la estructura social, mi costado más complejo que intenta mimetizarse y hacerse hormigón. Más hacia el fondo, el color. La versión más completa y agrietada de mí misma. La complicidad de mis pares. La mirada del artista, sus pinceladas. Mis plumas, hocico y trompa. Las pisadas y restos de pelos de mis compañeros más cercanos. Las imágenes paganas. Los juegos de niños. Las manos negras. Los relámpagos en el cielo. El registro de un cuerpo recostado sobre mi imagen, estudiándome, atravesándome. El amor. Mis deseos, reflexiones y temores más profundos (y más simples, al mismo tiempo). Todos reunidos en mi versión más primitiva, desnuda y expuesta. Y yo completa. Yo originaria. Yo nativa. Yo niña. Yo animal.

La niña animal de Una muñeca rusa y Luxor inaugurará el sábado 26 de noviembre a las 21 horas en Mal de Muchos (49 nº 483 entre 4 y 5, La Plata).

Más de Una muñeca rusa: http://unamuniecarusa.blogspot.com

Más de Luxor: http://facebook.com/soyluxor

Detrás del sol en Centro Cultural Islas Malvinas

noreply@blogger.com (Caro Sánchez Iturbe) — Tue, 22 Nov 2011 12:39:00 -0300

Chico Ninguno, Camión, La Patrulla Espacial, Reno, Antolín, Diegomartez, Cuco, Gustavo “Tano” Caccavo y Valeria Laferrara le rindieron tributo a Nick Drake a través de ocho canciones versionadas que conforman "Detrás del sol", un disco que reúne interpretaciones de las canciones del cantautor inglés.

Por Carolina Sánchez Iturbe
Fotografía gentileza de Nacho Babino

La Plata, noviembre 22 (Agencia NAN-2011).- Nick Drake es un nombre que no todos logran recordar. La depresión no vende y bueno, Drake y su música eran verdaderamente depresivos. Pero también eran profundos, especiales como la mirada de alguien que no quiere venderle nada a nadie. Así, cada tanto hay algunos pocos que se acuerdan de Drake, pensándolo como un genio al que tal vez ningún productor logró comprender lo suficiente. Y eso fue lo que pasó el viernes por la noche, cuando algunos músicos platenses creyeron que era momento de rendirle homenaje al muchacho inglés de ojos rasgados, versionando sus canciones para espantar al olvido.

Reunidos por De Garage, la publicación que se dedica a narrar la prolífica escena rocker independiente de La Plata, doce artistas emprendieron hace dos años la tarea de encontrarse con Nick Drake (o reencontrarse, si es que acaso tenían el placer de conocerlo), bucear en su breve pero fértil discografía, seleccionar una canción y adaptarla a sus propias sensibilidades y tiempos. Todo eso pasó y “Detrás del sol”, el disco que reunió todo ese trabajo, se grabó. Así, con las tintas frescas y la agitación tras la corrida que es necesaria para llevar a cabo cualquier tipo de producción independiente, más de un centenar de ejemplares del long play se distribuyeron orgullosos el viernes sobre una mesa junto a la entrada al auditorio del Centro Cultural Islas Malvinas y desde ahí esperaron a que los músicos revelaran lo que esa grabación guardaba.

“Al entrar en el mundo de Nick Drake, como me pasó al comenzar mi versión, es imposible no ponerse muy triste. Pero no es una tristeza común la que te regala su obra, sino una tristeza dotada de una belleza increíble que es difícil de alcanzar pero que vale la pena conseguir. Como entrar a un tren fantasma o a la casa del terror más hermosa del mundo”. Cerca de las 21 y desde un vídeo que se proyecta contra el escenario del lugar, Antolín cuenta su acercamiento a Drake. Junto a él, Buki Cardelino (Camión), Tomás Vilche, Koyi Kabutto, Reno, Tato Alcaraz (Chico Ninguno), Diegomartez, Leíto (Cuco), Gustavo “Tano” Caccavo, Valeria Laferrara y Juan Irio hacen lo propio. A lo largo de la proyección, en todos recae el peso de la tristeza y de la introspección del músico inglés, aunque también están presentes sus virtudes como guitarrista y la experimentación sonora que se permitía abordar.

Luego del vídeo de presentación, empieza la maratón. En menos de tres horas, nueve de los doce músicos del disco deberán tocar las canciones de Drake y algunos temas propios. Así, no es mucho el tiempo que Tomás Vilche se toma para acomodarse y, junto a La Patrulla Espacial --la banda que lidera--, interpretar una lograda versión psicodélica y en habla hispana de “Know”. Probando sonido a la par que la canción se desarrolla, la banda no termina de acomodarse cuando, tras interpretar dos de sus canciones, ya se tiene que bajar del escenario. A partir de ese momento, el tránsito es constante. Los músicos se mueven sobre el escenario al ritmo del reloj, a la par que el público entra y sale del auditorio para fumar algún que otro cigarrillo que nunca logrará terminar antes de que un músico nuevo se apostre en el centro de la escena del lugar.

De ese modo, el Tano Caccavo y Valeria Laferrara dan rápida continuidad a la noche de Drake desde dos sillas en las que se sientan para entonar, acompañados por el teclado de Leandro Giordano Echegoyen, la canción que le da nombre al disco: “Things behind the sun”. La afinada voz de Laferrara llena el espacio, conmoviendo a la par que cada una de las estrofas es pronunciada en inglés. Detrás de ellos, y durante toda la noche, proyecciones de imágenes de Drake entremezcladas con burbujas de colores y movimientos de árboles completan la escena. Poco después, Diegomartez, otro cantante que sorprende por las virtudes que resguardan sus cuerdas vocales, toma la posta dando vuelo a su interpretación de “From the morning”, una versión acústica que, al igual que la anterior, puede prescindir del exceso de sonoridades e instrumentos musicales sin, por ello, dejar la impresión de melodía desnuda en quien la oiga.

Hacia la mitad de la noche, llega Camión dispuesta a quebrar el tono intimista que Caccavo, Laferrara y Diegomartez habían logrado establecer. La creación de atmósferas asfixiantes que se acentúan con los golpes de las guitarras distorsionadas hace de “River Man” una de las versiones en las que es posible imaginar la densidad que podría haber sentido Drake inmerso en su introspección. Luego, es el turno de “Fly”, la canción a la que eligió ponerle su sello Antolin. Una vez más, el intimismo se apropia del escenario, mientras que el artista juega a entonar los versos como si se tratasen de lamentos. En el mismo sentido, lo siguen Reno y su versión ultra rasgueada de “Three Hours”, que sólo es interrumpida por la caída de un papel enorme que, desde el fondo del escenario, hacía las veces de pantalla gigante.

Cerca del final, Cuco se trepa al escenario dispuesta a interpretar “Pink Moon”. El grito gutural de Leíto, el cantante de la banda a la que alguna vez retaron por “hacer ruido” en Radio Nacional, despierta al público, obligándolo a mirar de frente el homenaje que se lleva adelante. Lo tribal pasa a ser protagonista, abriendo las puertas hacia la utilización de sonidos impensados que conducen hacia un cantar dulce que, de a ratos, estalla en gritos violentos. Después de presentar su versión de Drake, Cuco sigue con su ritual. Leíto se acomoda en el centro del salón y desde ahí invoca a Grace Zabriskie, una de las actrices de David Lynch, todo para luego volver al escenario y tocar una canción instrumental que parece electrificarlo al punto de hacerlo saltar. Con un público que de a ratos emite aullidos, la banda se despide y Chico Ninguno se hace cargo de la escena. Mixturando la electrónica que suele utilizar en sus composiciones con su costado más acústico, Tato Alcaraz (el cerebro de Chico Ninguno) realiza una versión en español de “Place to be”. La guitarra y el cello se encuentran con las programaciones que Paco Salazar dispara desde una computadora y nada desentona.

Después de la psicodelia, el intimismo, la densidad y el grito tribal, llega la esperanza mientras Alcaraz entona: “Cuando era joven, nunca vi la verdad colgando de la puerta; ahora soy más viejo y la veo cara a cara”. Como si después de que nueve músicos entonaran canciones dedicadas a él, Drake se atreviera a salir de detrás del sol y así, por fin dejarse ver.

Web: http://www.degarageweb.com.ar

Agencia NAN (www.agencianan.com.ar)

Thes Siniestros y la simple regla de tres

noreply@blogger.com (Caro Sánchez Iturbe) — Sun, 6 Nov 2011 19:57:00 -0300

Por Caro Sánchez Iturbe
Foto: Zanarenco

Hay quienes dicen que crecer implica despojarse de todo aquello que sobra y que, por innecesario, molesta. Así, el síndrome de la madurez llega para reconciliar al cuerpo con su desnudez, aliándolo con sus complejidades y llevándolo a mostrarse tal cual es. Y algo así es lo que Thes Siniestros juran que les ocurrió. Después de seis años de actividad ininterrumpida, de haber sido la banda ideal para musicalizar cuanta fiesta frenética hubiera y de haberse convertido en forasteros sin tierra, los últimos días los encuentran sin antifaces, entregados a una versión menos rebuscada de sí mismos, donde simpleza y sinceridad es lo que ahora en verdad vale.

“Es natural lo que nos pasó. Uno cambia. Yo no soy el mismo que cuando empecé a tocar”, escupe Marto (guitarra y voz) a la vez que reflexiona acerca de cómo su banda eligió dar un volantazo y dejar atrás los paseos por las rancheras mexicanas, el rockabilly del que siempre protestó y el rock surf para ahora encontrarse con “Los últimos días”, su tercer disco que, de la mano de la experimentación por nuevos pasajes sonoros, retrata justamente eso: el nuevo período de Thes Siniestros. “Nos da un poco de cosa ver a músicos que una vez que encontraron una fórmula la repiten hasta el hartazgo y sacan un montón de discos iguales. O que se presentan en vivo a los 40 años y se hacen los adolescentes porque no lograron liberarse. El tiempo pasa para todos. No hablamos de volverse viejos, sino de buscar otros caminos”, completa Juan Irio, la voz cantante, además de bajista, de la banda. Y entonces, Marto redondea: “No queremos convertirnos en una banda de covers de nosotros mismos. Hace unos años atrás, Juan me dijo Si dentro de 20 años seguimos tocando “El baile de Jesucristo”, me corto las bolas. Y es verdad”.

Sentados en la trastienda de Ramona Flaver, el local full color, Flav (batería), Marto y Juan, los tres muchachos que fundaron a Thes Siniestros aseguran que la mutación es algo que estuvo presente en la banda desde sus primeros días, cuando acordaron hacer un proyecto que no tuviese definido de ante mano hacia adonde iba a ir, sino que contara con la libertad de buscar nuevos caminos. Es que según Juan “en el arte no se puede dejar de lado la búsqueda. Si elegís un sonido y te quedas ahí, perdes esa magia que tiene la exploración”. Así, después de un “Ritmo Vértigo” que reunió las primeras canciones de la agrupación platense y de los “Campos de Satán” que supo convertirse en un disco conceptual, la llegada del tercer trabajo discográfico necesitaba ese aire renovado que es condición primordial del arte: “Queríamos despojarnos de esos personajes que nos daban las máscaras, queríamos ser un poco más nosotros y no estar tan atados a lo que era la estética Siniestros, que nos vinculaba mucho con México, con el Gauchito Gil, con el rockabilly, que es un género que a nosotros no nos representa. Y en este disco no fue que buscamos no sonar a rockabilly, sino que mostramos lo que estaba haciendo la banda en ese momento y eran estos temas. Para nosotros se dio una liberación y una especie de reivindicación al demostrar que no somos una banda que se pueda encasillar”, explica el cantante.

Aunque desde afuera pueda parecer que los Siniestros cambiaron direccionalmente de rumbo, los músicos juran que para ellos poco hay de eso. “Para nosotros no hay una gran transformación. Fue tan paulatino, tan natural. Los dos discos anteriores nos llevaron a hacer esto. Es parte de un proceso. Por eso, no veo a Los últimos días como un disco de ruptura, es el devenir de la banda”, sintetiza Marto. A su lado, Juan asiente y cuenta cómo en los ensayos el sonido fue encaminándose hacia lo que ellos llaman “psicodelia regional” (“que en verdad es algo sin definición”). Entonces sí puntualiza cuáles son los dos elementos que mutaron: las letras y la forma de cantar. “Ya no se imposta la voz, ya no hay un personaje. Y las letras tienden hacia algo más poético. Ya no contamos la historia del gaucho que baja al infierno, ahora se habla del amor, de la separación, del dolor, de cosas más terrenales”, dice. Otro de los elementos novedosos en la banda es su formación, que hace dos años dejó de ser trío para devenir en un cuarteto de músicos con la incorporación de Dobro, el tecladista, que está desde la grabación de “Campos de Satán” y que obligó a componer diferente.

Y como toda etapa nueva, éste período de Thes Siniestros llega con balance del anterior. Balance del que Juan se hace cargo: “Las máscaras nos dieron la posibilidad de ser tres ignotos haciendo música, pero a su vez nos quitaron más de lo que nos dieron: nos encasillaron y nos limitaron a ser la banda de los enmascarados. Sacarnos las máscaras nos dejó ser más honestos con nosotros. Ya era un peso ser enmascarados”.

MySpace: www.myspace.com/thessiniestros
Para descargar el disco: http://thessiniestros.bandcamp.com/

* Thes Siniestros presentará su nuevo disco el viernes 18/11 a las 20 en el Auditorio del Pasaje Dardo Rocha (50 e/ 6 y 7).

Franceville agenda pocket – Nº 59, octubre de 2011
(siempre es mejor la versión en papel)

Salgan al sol!...Revienten!!!

noreply@blogger.com (Caro Sánchez Iturbe) — Sat, 5 Nov 2011 13:43:00 -0300

Después de un viernes de diluvio universal, salió el sol y más de 30 artistas locos decidieron festejar que el clima, a veces, es bueno. Va a pasar de todo y todos están invitados. No más, deben llevar un alimento perecedero (algo copado, que ustedes comerían) para que luego donemos todo eso a un comedor comunitario.

Vamos, viejo, que hay sol!

Salgan al sol!

Revienten!!!

Cuco + El Perrodiablo + El resplandor de las luciérnagas + Lemon Pie Cristal + ojo-en-blanco + Mariela Vita + The Dark Flack + unavalerianaporfavor + Casiasesino + Gogogoch + Tata Laxague + Valentino Tettamanti + Chempes + Mariano Zeta + Ana Axat + Luxor + Rodrigo Acra + Manu + Alberto Abeliza + Loco Rabia Editora + Mato + Los Pájaros Papa + Roberto Figueroa + Sarah Brenk + Agustina Amar + Maxi Reptilia + Nicolás Freda + Tik Serigrafía + Anita Lanita + Artemisa + Fen Semillas Libres + Dróseras Plantas + Hummus Sapiens + Voodoo Selector

:: música + teatro + fotos + ilustraciones + historietas + intervenciones + mural + proyecciones + feria + más

Sábado 5/11 – desde las 14 horas

Casa Bosque – 78 nº 1819 e/ 131 y 132

:: entrada: un alimento no perecedero ::

Una casa en el bosque. Un día entero. Hasta caer muertos. Treinta artistas. Música. Teatro. Fotos. Ilustraciones. Historietas. Murales. Intervenciones. Proyecciones. Feria. Y tantos motivos para salir al sol y reventar!

:: artistas invitados

Música en vivo

:: Cuco

www.milicamusica.blogspot.com

:: El Perrodiablo

www.elperrodiablo.bandcamp.com

:: El resplandor de las luciérnagas

www.myspace.com/elresplandordelaslucirnagas

:: Tata Laxague

www.tatalaxague.bandcamp.com

Teatro

:: Lemon Pie Cristal

www.raquear.blogspot.com

Intervención

:: ojo-en-blanco

www.ojo-en-blanco.blogspot.com

:: Mariela Vita

www.marielavita.com

:: Ana Axat

:: The Dark Flack

www.thedarkflack.com

:: unavalerianaporfavor

www.unavalerianaporfavor.blogspot.com

Ilustración

:: Casiasesino

http://www.facebook.com/santi.casiasesino

:: Gogogoch

www.gogogoch.com.ar

:: Valentino Tettamanti

www.valentinotettamanti.com.ar

:: Chempes

www.facebook.com/chempes.saurio

:: Mariano Zeta

www.flickr.com/photos/arcanoarcaico

Mural

:: Luxor

http://www.facebook.com/soyluxor

:: Rodrigo Acra

www.rodrigoacra.blogspot.com

:: Manu

www.facebook.com/manuela.majul

Historieta

:: Alberto Abeliza

www.albertoabeliza.blogspot.com

:: Loco Rabia Editora

www.locorabia.com.ar

:: Mato

www.matosilverati.blogspot.com

Fotografía

:: Los Pájaros Papa

:: Roberto Figueroa

:: Sarah Brenk

www.sarah-brenk.de

:: Agustina Amar

www.jardindelasprovocaciones.blogspot.com

:: Maxi Reptilia

http://www.flickr.com/photos/maxireptilia

:: Nicolás Freda

www.nervioprincipal.blogspot.com

Feria

:: Tik Serigrafía

http://tikserigrafia.blogspot.com

:: Anita Lanita

www.huertascosmicas.wordpress.com

:: Artemisa

www.facebook.com/profile.php?id=100002522160095

:: Fen Semillas Libres

:: Dróseras Plantas

:: Hummus Sapiens

www.facebook.com/profile.php?id=100003088124876

Musicalización

:: Voodoo Selector

www.myspace.com/voodooselector

:: Organizan
Caracol Rojo
http://www.caracolrojo.com.ar
Cronopunk
http://www.cronopunk.com
Beat64 Studio
http://www.beat64.com

Paseando por ciudad Camión

noreply@blogger.com (Caro Sánchez Iturbe) — Tue, 4 Oct 2011 03:56:00 -0300

Por Caro Sánchez Iturbe
Foto: Juan Borgoni
Diseño de la nota en la revista: GADE

“Él es el lugar donde todo empieza para mí, y sin él apenas sabría quién soy. Nos conocimos antes de que supiéramos hablar, bebés con pañales gateando por la hierba, y antes de cumplir los siete años ya nos habíamos pinchado los dedos con un alfiler y nos habíamos hecho hermanos de sangre para toda la vida”.

“La habitación cerrada”, Paul Auster

“Esta ciudad tiene un montón de huellas de cosas que ya no están, que se ven por momentos. Si prestas atención, está llena de símbolos y de guiños de antes. De vías que en el pasado fueron del tranvía y que ahora las pisas para ir al supermercado de los chinos. Son esas ciudades invisibles que están por todas partes”. Laureana Cardelino, de ahora en más Buki, selecciona imágenes y, deteniéndose en ellas, representa el trabajo de la banda a la que le pone voz, Camión. Como en esos juegos donde está prohibido mencionar la respuesta y sólo se pueden enumerar adjetivos que, como pistas, permitan adivinar cuál es el sustantivo equivalente, Buki no describe a su música a partir de los sonidos, sino a través de postales imaginarias capaces de encerrar una gran cantidad de detalles pero que, a simple vista, constituyen una única estructura. Y lo de Buki no es arbitrario. Es que, en definitiva, la música de Camión es eso: un paseo por un montón de edificios que, en la vorágine, podrían pasar inadvertidos pero que en el interior resguardan complejidades que los hacen únicos. Complejidades que se traducen en melodías dispuestas a encontrarse con los matices y las sonoridades para abrir camino a una serie de pasajes literarios que se transforman en versos y donde la música es quien en realidad define a los músicos.

Hace poco más de dos años que Camión está en marcha. Y aunque ya sea una banda con recorrido en La Plata, recién ahora editó su primer larga duración, “Ciudades Invisibles”, el disco que reúne a buena parte de esa serie de imágenes simples y detallistas que construye la banda y que fue bautizado de ese modo a partir de una canción homónima. “Ciudades Invisibles fue el último tema que grabamos y terminó dándole nombre al disco porque fue indiscutible”, dice Buki. A su alrededor, Gato Belazaras (bajo), Mauro Cardelino (guitarras) y Mauro Aramburu (batería) asienten a la par que detallan cómo esa canción logró resumir lo que querían contar a pesar de haber surgido casi de una manera espontánea. “Al tema lo habíamos zapado un par de veces en el ensayo y, como estábamos en el proceso de grabación, yo les dije a los chicos que lo grabemos. Después de eso, hicimos una segunda grabación en la que seleccionamos qué iba y qué no y lo fuimos arreglamos. Y entonces ya estaba listo, No tuvimos que buscar mucho la canción, salió”, sostiene Buki, describiendo un proceso que tranquilamente podría funcionar para ejemplificar de qué se trata un momento de inspiración.

Pero no sólo por su cualidad de inspirada es que Ciudades Invisibles se transformó en resumen de las diez canciones que contiene el disco, sino que también por la narrativa que acompaña a esa melodía fresca y que hace honores a la Ciudad de Cristal, de Paul Auster. “En esa novela corta, Paul Auster va por Nueva York haciéndose pasar por él mismo con la tarea de investigar una cosa y, de repente, la ciudad se lo come. Hay un juego muy borgeano, como de un ajedrez, un mapa de la ciudad por donde él tiene que ir buscando pistas, pero el tipo se pierde y no sabe ni quién es. Mira y no ve lo que antes veía. Eso estuvo funcionando en la elaboración de la idea o de la imagen de la canción. Así, la letra termina diciendo desde el aire todo tiene raíz, que es como un desprenderse, un ir caminando y tener una visión así”, asegura Buki. Entonces todo vuelve al principio, a esa ciudad llena de huellas, de símbolos y de guiños que en Camión funcionan como las pistas que Paul Auster atravesaba en Nueva York y que no hacen más que llevar directo a un camino de recovecos con nuevas perspectivas desde las cuales observar.

En busca de esas nuevas perspectivas es que Camión emprendió la profundización del lenguaje de la banda, limpiándolo de todo lo que sobrara y dejando en él lo único que realmente importa: la hermandad de sangre con la obra. “Estamos re pendientes que sea una cosa natural y fluida, preocupada por la música y por la letra, por el qué decir. No me copa el que se para y dice cualquier cosa. Yo puedo decir cualquier cosa, pero por lo menos me ocupo de que lo que diga sea eso y no otra cosa. Letra y música tienen el mismo mecanismo: simple, directa y con un vuelo desde lo sencillo, como cuando con dos o tres palabras te dejan tecleando”, explica Buki y pronto uno de sus compañeros la sigue: “Se trata de una simpleza que llega más de la manera de hacer. Los temas no son armónicamente complejos, son re cuadrados, por donde los mires es lo mismo, pero nos preocupamos por buscar la belleza desde otro lugar”, dice Mauro Cardelino, a quien Buki, señala como “la parte experimental del sonido”.

Ahora, luego de más de un año de preparación, las Ciudades Invisibles de Camión están listas. En la tapa del disco, la imagen es explícita: un edificio que posee varias docenas de ventanas en apariencia idénticas pero llenas detalles distintivos. La imagen de, como diría Buki, “una ciudad que pueda ser cualquier lugar” pero que en verdad es ésa ciudad en la que, al prestar atención, se alojan pistas como en una canción de Camión.

MySpace: http://www.myspace.com/camioncamion

Franceville agenda pocket – Nº 58, septiembre de 2011
(siempre es mejor la versión en papel)

Háblame del cielo

noreply@blogger.com (Caro Sánchez Iturbe) — Wed, 21 Sep 2011 01:02:00 -0300

En 1998, Míster América lanzó Despojado, su segundo disco. Y con él, sentó las bases de la plataforma de lanzamiento hacia el universo paralelo, el paraíso para nadie, que con los años creó y que hoy es responsable de haber transformado a ese grupo de músicos en banda de culto. Gustavo Astarita, Martín E. Graziano, Alfredo Calvelo y Patricia Ríos reconstruyen ese trayecto hacia el más allá.

Por Carolina Sánchez Iturbe

Banda de culto. Ése es el adjetivo con el que se elige describir a Míster América desde hace tiempo (incluso cuando aún la banda estaba en actividad). ¿Qué convierte a un grupo de artistas en objeto de adoración? Imposible de contestar sin abordar su obra, estando dispuesto a mirarla de cerca y a encerrarse en un universo paralelo y único creado por y para ellos.

Y eso es lo que supo hacer Míster América: establecer un submundo en lo que lo conceptual lo era todo. Así, en 1998, la banda lanzó Despojado, el disco que funcionaría como introducción de esa narración en la que, finalmente, se transformaría la banda. “Después de Con el agua al cuello, disco que reunía canciones que Mr. A había compuesto desde su comienzo en 1989, Despojado comienza a ser pensado como una obra conceptual que desarrollara un relato que debía ser leído como un gran tema en el que las canciones se fueran enganchando representadas por un hombre-show, como si todas fuesen una. Este fue un relato prediseñado que debía empezar y desarrollarse hasta el último disco que sacara el grupo. De hecho, Insano, Rebelde y Superación completaron esa saga de estados del ser”, explica Gustavo Astarita, quien solía poner su voz, cuerpo e ideas volcadas en papel al proyecto de Míster América.

Así, a partir de ese momento, el rumbo de la banda que por entonces Astarita compartía con Pilu Pontano, Horacio Nuñez, Federico Jaureguiberry, Lisandro Basta y Fabián Andrade se modificó, eyectándose hacia ese espacio remoto en el que se alojó durante los siguientes diez años y que fue el responsable de atraer fieles. Quizás por eso es que el periodista Martín E. Graziano no duda en asegurar que esa producción discográfica, Despojado, fue “el último disco de Míster América como banda terrenal” pues “uno todavía puede imaginarlos comiendo un asado o algo así. Es verdad, un asado con cierta sofisticación, pero en definitiva una comida para mortales”.

“Para 1998, Míster América todavía era una banda de rock. Una banda excelente y súper inspirada, pero todavía ubicable en el contexto de una escena nacional. Recordemos que son los últimos coletazos del Nuevo Rock Argentino (Los Brujos ya separados, los Gorriones camino a un disco decepcionante y su propia implosión, los Babasónicos pre-Jéssico): y estamos en plena escalada de eso que vagamente fue denominado rock barrial, que ya empezaba a ganar una estatura elefantiásica. Después, a medida que el país se iba cayendo a pedazos y el rock enfilaba hacia su propio iceberg, Míster América se fue a vivir a su paraíso para nadie. Un exilio interno hacia la surrealidad total, hacia ese mundo que los tipos habían poblado hasta entonces y cuya primera parada es Insano (y la última antes del vacío disolutorio, Superación)”, analiza Graziano.

Es que Despojado fue la línea de largada hacia ese planeta desconocido aún no explorado que describe Martín y, como todo inicio de trayecto, necesitaba de una primera etapa introspectiva. “Despojado significa desnudarse del ego para enfocar la mirada al autoconocimiento”, dispara Astarita.

Del escenario directo a su reproductor de música (y viceversa)

La promoción de Despojado duró más de lo que habitualmente suele dedicarse a la presentación en sociedad de cualquier LP. Es que el disco, según consigna Astarita, fue creado como “una especie de obra teatral” que empezaba con Tanta Charla, canción destinada a “llamar la atención de los concurrentes al espectáculo para que estén en silencio pues la obra (todo el disco) no se iba a detener hasta llegar al final. La falta de silencios entre la mayoría de los temas, así, eran para evitar ser interrumpidos por aplausos”.

Al mismo tiempo, esa obra teatral fue diseñada para ser llevada a escena en La Fabriquera, donde Patricia Ríos, Laura Valencia y el Pollo Canevaro, los responsables del lugar, ponían sus energías a disposición de la banda y su público. De esa manera, la serie de recitales en torno a Despojado se sucedió mes a mes durante dos años seguidos, atrayendo “a los más diversos espectadores” y siendo “el comienzo de la introspección y el casi ostracismo del grupo en su ciudad”, recuerda Gustavo.

“Los shows siempre tuvieron algo de hipnóticos, la gente acompañaba apasionadamente, y la verdad es que la banda entregaba todo con temas inolvidables y que siempre tenían un efecto de encantamiento, como Esclavo”, recuerda Patricia Ríos para luego describir cómo La Fabriquera, con los años, terminó sintiéndose merecedora de ese mote de “también despojada” con el que la mencionaba Míster América en el booklet del disco: “Creo que fuimos partícipes porque eran jornadas de todo el día. Gustavo llegaba con alguna idea de puesta (él siempre pensaba en el espacio), Laura contribuía, armaba, ponía luces. Y así, se dedicaba todo el día hasta que quedábamos conformes con el resultado”.

Esa concepción de Despojado como obra teatral y su consiguiente sucesión de presentaciones, derivó finalmente en un disco que estuvo cerrado mucho antes de ser editado. Por ello, Alfredo Calvelo, quien estuvo a cargo de la grabación, la masterización y la producción artística del LP, recuerda lo sencillo que resultó el registro: “Los shows de la Fabriquera sirvieron como la mejor preproducción que podíamos haber imaginado para el disco. De hecho a tal punto llegamos con las cosas resueltas a la hora de la grabación, que los temas en la sesión se tocaron en el mismo orden que luego salieron editados”.

Dieciséis despojadas canciones

A fines de los ’90 y en sólo 40 minutos, la banda comandada por Gustavo Astarita logró un segundo registro discográfico capaz de transportar al escucha a medida que las dieciséis canciones se suceden. En ese sentido, Calvelo asegura que esa sensación de encontrarse ante una plataforma de lanzamiento hacia otro lugar no es casual. “Todos los temas de Despojado formaban una obra cerrada y resuelta en si misma, pero además se potenciaban en forma terrible a medida que los escuchábamos encadenados”, dice para luego destacar que el arte de tapa tampoco huyó de la responsabilidad que le requería la aventura de realizar semejante LP: “Se eligió la austeridad del blanco y negro como base. Así, la primera edición estuvo hecha de una cuerina blanca muy llamativa y elegante a manera de libro que contenía el booklet. Una vez más, fue uno de los primeros discos en salirse del formato tradicional de las cajitas transparentes que parecían obligatorias en la época”.

Lo cierto es que en aquellas 16 canciones para ser escuchadas de un tirón, los sonidos -en los que abunda la experimentación de los músicos con sus instrumentos y de la técnica con los recursos de la época, como bien dice Calvelo- se transformaron en los compañeros perfectos para una poética dispuesta a perderse en los recovecos que encierra el cuerpo humano.

“La poesía de Despojado y de los subsiguientes discos partió de un pequeño cuaderno a modo de diario en el que anotaba pensamientos y reflexiones acerca de la vida, escrito mayoritariamente mientras manejaba el auto”, dice Astarita, el responsable de las letras, para pronto ahondar en los motivos que encerraban sus canciones: “El concepto lírico y filosófico del que escribe Mr. A. es inspirado por lo único cierto que tiene esta vida: la muerte. Así, entre vida y muerte sólo encontramos un punto al que dirigirse a hablar y éste es El Dios. De ese modo, Esclavo o En dos son rezos a la divinidad que se repiten en discos siguientes. Por otra parte, Despojado no habla de relaciones entre humanos, es más bien un soliloquio acerca del dualismo que divide al ser: el placer y el dolor. Y ésta es la temática de todas las canciones de Mr.A. Por eso, éste es un disco místico, cargado de símbolos acerca de lo que significa la existencia en esta vida humana”.

Martín E. Graziano, por su parte, durante los últimos años ha analizado en repetidas oportunidades el sendero construido por Míster América. Por ello, no es casual que haya percibido en Despojado ese dualismo del ser del que habla Astarita, atreviéndose a calificarlo como un rasgo que coquetea con lo esquizoide. “Despojado es un disco asimétrico. En ese sentido me hace acordar al Durazno sangrando de Invisible, pero incluso más esquizofrénico. Hay una tensión que dura todo el disco y nunca se termina de resolver: a cada balada acústica y metafísica le corresponde un rock a go-gó medio salvaje y su pasaje ambient. Es un registro lleno de humor y sobresaltos (eso ya no va a pasar en los discos de Míster América, que va camino a transformarse en una especie de Maestro Yoda), donde Astarita canta como electrocutado por el universo freudiano: acá estoy super yo / con un cajón en la cabeza... ¡que buen verso!”, dice Graziano.

Hacer la América

Banda de culto. Eso es lo que Míster América es. Sucede que el proyecto de Astarita alcanzó la meca en el mundillo rock, que consiste en una fórmula sencilla pero compleja de resolver. A saber: convertirse en referencia de su tiempo y espacio de producción (atravesándolo y logrando ser, aún una década después, adelantado a la época que corre); transformarse en influencia para una decena de músicos que intentan atravesar su mismo trayecto; continuar ganando nuevos adeptos aunque la banda haya sido disuelta; y ser parte del mito de una ciudad llena de mitos.

“Míster América pensaba el rock en un contexto cultural alternativo. No casualmente hay un cameo de Escher (soy una mosca que ha muerto aplastada por la caída del cuadro de Escher), un artista tan caro al imaginario contracultural argentino. Desde hace muchos años, esa forma de entender al rock cayó en desuso. Por mil razones, pero sobre todo porque se convirtió en un producto. Porque se cerró sobre sí mismo y hoy los pibes que hacen rock sólo escuchan rock, sólo tocan rock, sólo leen rock, sólo miran rock. Eso genera una música asfixiada, quemada de refritos. Por suerte, con su multidisciplinariedad y amateurismo, La Plata es poco una trinchera. Como nadie vive de la música (sino para la música), se generan propuestas ajenas a las presiones comerciales, sin cable a tierra. Cocina gourmet para sibaritas -como nosotros, si-, que abandona desde los vestuarios la posibilidad de articular eso que se llama inconsciente colectivo”, analiza Graziano con respecto al lugar que Míster América se supo ganar.

Astarita sabe de ese lugar en el que hoy reposa la banda que desde 2008 entró en descanso. Pero también sabe que nada es casual y que el respeto por su trabajo está íntimamente asociado con el modo de elaboración: “La obra de Mr.A fue desde el comienzo pensada como un todo y esto se debe a la intencionalidad de la búsqueda de la Obra de Arte en contraposición con el concepto menor de Entretenimiento. La obra de arte es imperecedera y no importa el individuo que la busca sino el camino que buscó, es la acción, es el cómo y no el quién. Es esta acción la que inspira a las generaciones siguientes y aquí está la respuesta a la pregunta ¿Por qué crees que suele decirse que Míster América influenció fuertemente a la cultura platense? Me gustaría pensar que es esta acción de mantenerse oculto buscando la verdadera obra de arte, aquella que nos une a lo divino, la que inspira al resto. Pues cuando uno descubre en una obra símbolos universales, se encuentra a sí mismo”.

Y si se habla de bandas que avanzan por el universo paralelo que Míster América construyó, ni Martín E. Graziano ni Gustavo Astarita dudan en mencionar a la que consideran la gran promesa: normA. Así, mientras Martín asegura que se trata de “una propuesta absolutamente acabada, tanto musical como visual y discursivamente, con su propio sistema de valoraciones y un espíritu crítico inquebrantable tan caro a la ciudad masónica que Astarita llamó su Principado”, Gustavo sostiene que la agrupación de Chivas Argüello, Gualberto de Orta, Pablo Coscarelli y Richard Baldoni tiene “una lírica comprometida con la búsqueda de la Obra de Arte, aquella que atraviesa el tiempo”.

Y quizás con los años, quién sabe, sea normA la nueva banda de culto de la ciudad. Por ahora, Míster América demuestra que ése es un lugar al que sólo se ingresa despojándose de uno mismo en pos de algo superior, eligiendo, como señala Astarita, “un camino libre de ideas de fama y trascendencia personal, ajeno al rumbo de la mayoría de los grupos y en el que lo importante sea crear un propio mundo, lleno de símbolos a descubrir en el tiempo, sólo para La Plata, un paraíso propio, un paraíso para nadie…”.

Más sobre Míster América: www.misteramerica.com.ar

De Garage – Agosto de 2011
(siempre es mejor la versión en papel)

La sexta bomba está lista...

noreply@blogger.com (Caro Sánchez Iturbe) — Sat, 17 Sep 2011 21:11:00 -0300

BOMBA TEXTO

Número 6

15.30hs

historietas: Leo Bolzicco

crónica fotográfica: Andrés Sabat

instalaciones y proyecciones: La Vecindad el Electro

musicalización: Kris (la vecindad del electro)

crónica en vivo: Rodrigo García Morete (Diagonales)

+ feria de discos y revistas independientes

+ Pasatiempos

+ cervezas artesanales de Hermanos & Brothers

18hs

en vivo!: El Perrodiablo

Dom 18/9 – 15.30hs

Planta Baja Estación Provincial – 17 y 71

ENTRADA LIBRE Y GRATUITA! NO SE SUSPENDE POR LLUVIA!

Bomba Texto es el suplemento cultural en 3D que se armó para, el tercer domingo de cada mes, inmiscuirse en el circuito cultural de Meridiano Vº, desplegándose en la planta baja de CC Estación Provincial e invitando a la gente a recorrer cada una de las secciones del suplemento, formando parte de ellas y reescribiendo sus páginas.En cada presentación, Bomba Texto cuenta con numerosas secciones en las que se pueden ver trabajos de historietistas; una crónica fotográfica realizada por un artista para cada evento; un espacio de proyecciones e instalaciones, conformado por VJ’s y DJ’s seleccionados por La Vecindad del Electro; una zona de pasatiempos; un periodista realizando en vivo una crónica del evento; el recital de una banda; una batea de discos de bandas locales, donde también pueden encontrarse las producciones reunidas por Lachacha Discos Ambulantes, encargada de armar un catálogo de discos de autor; y una mesa de publicaciones independientes.

Entrada libre y gratuita! No se suspende nunca!

Organizan:
Beat64 / Cronopunk

Colaboran:
La Vecindad del Electro / Hermanos & Brothers / Tres al cubo / Chikito Móvil

Auspicia:
Feria en la esquina

http://www.facebook.com/bombatexto

Santiago Asef y la travesía de hacer un documental a caballo

noreply@blogger.com (Caro Sánchez Iturbe) — Sat, 17 Sep 2011 02:40:00 -0300

El cineasta platense trabaja desde hace más de tres años en su primer largometraje, aquel que intentará retratar el trayecto que ocho jinetes emprendieron desde Jujuy hasta la Ciudad de Buenos Aires con el único deseo de homenajear a la patria por los festejos del Bicentenario. Según el realizador, la primera serie de proyecciones se realizará en diciembre, en Las Flores y Ayacucho; luego el film recorrerá todo el país.

Por Carolina Sánchez Iturbe

Foto de The Dark Flack (www.thedarkflack.com)

La Plata, septiembre 16 (Agencia NAN-2011).- Ocho jinetes emprendieron una travesía a caballo por el país, esperando llegar a Buenos Aires durante los festejos del Bicentenario de la Revolución de Mayo. Santiago Asef, un joven cineasta platense, los acompañó, filmando sus pasos y soñando con un largometraje que no sólo mostrará el viaje entre San Salvador de Jujuy y la Ciudad de Buenos Aires, si no que, además, pudiese ahondar en los detalles de esos ocho andantes que emprendieron semejante viaje con la única intención de homenajear a la patria y, claro está, a través de sus miradas retratar las cotidianidades de los pueblos visitados. Un año después de la travesía de 64 días, el documental es casi una realidad: tiene nombre y apellido (Bicentenario, un viaje a caballo por Argentina) y cuenta con un work in progress que fue presentado en la Feria del Libro de la Rural. “Terminar una película es algo colosal, costoso y sacrificado; un camino empinado. Empezar a darle forma es, por momentos, estar en las tinieblas y bastante solo. Cuando me surgió la idea de hacer Bicentenario…, no contaba con la experiencia para ganar algún concurso o subsidio, y tampoco con una economía personal como para apostar y sustentarlo. Tenía sólo una idea que creía buena. Y en eso nunca dejé de creer”, resalta Santiago dispuesto a reflexionar con Agencia NAN sobre los motivos que hicieron que su película lleve a esta altura más de un año de postproducción.

Sin embargo, 18 meses no son nada para Asef. Es que tanto para él como para los gauchos, esta travesía y su consecuente documental llevan ya varios años a cuestas: “Todo empezó hace bastante tiempo. Los jinetes ya venían organizando esta travesía desde 2007 y habían hecho una parecida en 2005, uniendo Buenos Aires y San Miguel de Tucumán. En un viaje que hice a Las Flores, uno de ellos, Jorge Guerendiain, me comentó esto que venían planeando; unir a caballo los Cabildos testigos de los acontecimientos de 1810 como homenaje para el Bicentenario. Era abril de 2008 y yo hasta ese momento no sabía nada de las cabalgatas ni de La Marcha de los Cabildos --nombre puesto por los jinetes a esta travesía--, pero al escucharlo en seguida se me dibujó una película en la cabeza. Tardé cuatro segundos en decidir que había algo ahí y entonces le dije al gaucho: ‘Jorge, yo voy a hacer una película con eso’”.

Como si se hubiese tratado de un momento premonitorio, o del desarrollo de la virtud de un visionario, aquella decisión a largo plazo que Santiago tomó en el otoño de 2008, pronto comenzó a cobrar forma, entusiasmándolo aún más y permitiéndole acariciar de cerca lo que sería su primer largometraje. Entonces, llegaron las certezas. “Supe que era la oportunidad para mostrar un abanico de paisajes, acontecimientos y personas dando reflejo de nuestra identidad argentina. Además de poder brindar un testimonio de época, por ser la vigilia de una fecha histórica. Un documental sobre gente común brindando un homenaje a toda la patria”, asegura convencido y dispuesto a describir como lentamente fue acercándose a los ocho jinetes que pronto se convertirían en compañeros de ruta, para luego gestar progresivamente la película “de ambos lados, hasta casi fusionarse en el mismo proyecto”.

Cuando ya los caballos habían iniciado la marcha, Santiago pudo ver que su premonición había estado en lo cierto. Mientras un sinfín de paisajes se desarrollaban a su alrededor, logró entender qué era lo verdaderamente atractivo de la travesía, esos pequeños detalles que la hacían única: “Los que me atrajeron son esos momentos donde se ve al grupo de jinetes haciendo, viviendo, sufriendo y disfrutando del viaje; las discusiones, las chicanas, las charlas con otros gauchos. Esas escenas que finalmente serán de drama o comedia, son el corazón de la película y se articulan con la otra mirada que contiene el documental, que es más periodística si se quiere. A eso se le suman los desplazamientos a caballo por lugares inhóspitos que son mostrados en tono de aventura, andando cuesta arriba y cuesta abajo en las sierras de Guachipas, cruzando ríos caudalosos, como el San Antonio, o atravesando grandes extensiones planas y monótonas como el salitral del suroeste de Santiago del Estero”.

El diario de viaje sobre ocho paisanos que se propusieron rendir homenaje a los revolucionarios de 1810 es una buena idea y, además, para Asef, se presenta como una gran vivencia: “Nuestros gauchos-jinetes despertaban un sentimiento muy fuerte e impensado en la gente. La gente del norte del país siente estos actos con verdadera devoción y los entiende en su fase más terrenal y emocionante. Por momentos, en el andar minucioso, pude sentirme orgulloso de ser parte de una comunidad tan grande y diversa. Además, responder a un Viva la Patria gritado por un gaucho norteño en medio de un desierto son cosas que no vivo todos los días”.

Durante ese recorrido de 64 días, Asef también se enfrentó a sus propios límites como cineasta, permitiéndose construir lo que ahora es entendido como una práctica no sólo enriquecedora por el material registrado sino también por la capacidad formativa que encierra. De ese modo, durante el “matrimonio de doce personas” (conformado por ocho jinetes, un chofer de camioneta y tres trabajadores abocados al documental) que mantuvo durante más de dos meses, las enseñanzas fueron muchas. “Filmábamos todos los días y a cualquier hora y los jinetes siempre estaban dispuestos, aunque teníamos que mantener un equilibrio para no cansarlos a ellos y para no cansarnos nosotros. No es sencillo estar concentrados tanto tiempo, pero a su vez suceden cosas y hay que estar preparados. Para nosotros, como realizadores, era como vivir dentro de una película las 24 horas. Tuve que manejar mis ansiedades y comprender y coordinar los ánimos del resto”, señala para luego destacar los lazos que además le dejó la travesía: “Disfrutamos mucho el viaje y tengo certeza de que nos marcó para siempre. Un viaje como este, te une”.

Frente a un trayecto tan rico como el que recorrió Asef junto a sus gauchos, no es posible imaginar un final de recorrido mejor que el de los festejos del Bicentenario que, con una multitud reunida en las calles, lograron erizar la piel de más de uno. “Aunque una de las tesis que manejaba para realizar este trabajo se basaba en la improvisación y en no programar demasiado, apostando por la espontaneidad, la fantasía de la película estaba bastante pautada por el recorrido y mucho más por el punto de arribo; teníamos que llegar al Cabildo de Buenos Aires el 24 de mayo a las 23:45, prestos a esperar el primer segundo del Bicentenario. Mi preguión de especulaciones decía que, al contrario de llenarlos de emoción, a los gauchos protagonistas les tenía que hacer ver en sus rostros lo importante de todo el viaje realizado y de la responsabilidad de transmitir los mensajes aprendidos. Había soñado con ese momento por dos años y sucedió tal cual”, describe para luego añadir entre risas que el único agregado que encontraron sus suposiciones fue que esa noche había 2 millones de personas en la calle.

Actualmente, los ocho jinetes junto a Santiago y el equipo de realizadores esperan a que Bicentenario… sea terminada. Luego, vendrá el estreno y el redoble de apuestas. “Haremos una serie de presentaciones en diciembre. Las primeras proyecciones serán con seguridad en las ciudades de donde son los jinetes protagonistas, Las Flores y Ayacucho. Estas funciones serán muy divertidas porque creemos que todos irán a ver la película de sus vecinos. En ese orden de prioridades, también estamos planificando un viaje que recorra nuevamente los pueblos y ciudades por donde pasó la marcha a caballo para compartir el documental con toda la gente que conoció y participó de la propuesta. Y a partir de ahí, veremos. En nuestra página web colgamos una encuesta y una ficha de inscripción para todos aquellos que se sientan identificados y quieran verla. Pondremos todo nuestro empeño en que se proyecte en todo el país. Felizmente, ya hemos recibido muchas invitaciones de localidades del interior”, sostiene Asef entusiasmado, todo para pronto y entre risas resumir con una única frase el espíritu que ese estreno, como el documental y su rodaje, encierra: “¡Viva la Patria!”.

Web: http://www.bicentenariopelicula.com/

Agencia NAN (www.agencianan.com.ar)

Y se vino la tercera!

noreply@blogger.com (Caro Sánchez Iturbe) — Wed, 14 Sep 2011 02:25:00 -0300

tres con algo

[poesía + música + performance... y algo de cine]

tercera edición

Facundo Arroyo [poesía]

Gran Cuervo [música]

La Quinta Pata [performance]

+ "Hit", de Claudia Abend y Adriana Loeff [cine]

jueves 15 de septiembre | 21 hs (PUNTUAL)

Pura Vida - diag. 78 entre 8 y 61

Tres con algo es el ciclo que se propone vincular la poesía con la música, la performance y el cine y que se realizará todos los jueves de septiembre a las 21 horas en el primer turno de Pura Vida, el bar ubicado en diagonal 78 entre 8 y 61. Así, en cada edición, un escritor recitará sus poemas mientras una banda lo acompaña con música preparada especialmente para la ocasión y un grupo de performers interviene con danza o teatro el bar, modificándolo. Pura improvisación. Además, para recibir al público e invitarlo a acomodarse y observar, al inicio de cada una de las noches se proyectará un documental sobre música.

Tres disciplinas. Tres grupos de artistas. Tres cosas pasando al mismo tiempo en un único lugar. Y un algo más con la proyección de una película documental por noche!

Facundo Arroyo es licenciado en comunicación social. Se desempeña como editor del diario de rock, De Garage. Está próximo a publicar su primer libro de crónicas periodísticas, “Bardo”, realizado junto a Nacho Babino.

http://lacovachadelostiteres.blogspot.com

Gran Cuervo es una banda de música experimental y stoner psicodélico que se caracteriza por la improvisación en vivo, lo que genera que cada presentación sea diferente e irrepetible. Otra particularidad de la banda es la utilización de paisajes sonoros. Forman parte de Gran Cuervo Frank Boston (guitarra), Farookh Bulsara (guitarra), Chelosky (bajo), The Poly (batería) y Manuel Platino (theremín). Han editado los discos “Invocando Dioses”, “Polisessions Vol. 3”, “The Black Fire”, “Polisessions Vol. 2” y “Polisessions Vol. 1”.

http://www.grancuervo.com.ar

“Hit”, de Claudia Abend y Adriana Loeff: Hit cuenta la historia de canciones uruguayas por una travesía que abarca 50 años. Este documental recorre hitos de la música y de la vida del país, revelando cómo esas canciones se convirtieron en símbolos y sobrevivieron el paso del tiempo. Entre quienes brindan su testimonio y sus vivencias están Jaime Roos, Ruben Rada, Mauricio Ubal, Hugo Fattoruso, Horacio Buscaglia, Emiliano Brancciari y Sebastián Teysera.

http://www.youtube.com/watch?v=HGWSDEWW-GI&feature=player_embedded

Una semana fotográfica!

noreply@blogger.com (Caro Sánchez Iturbe) — Fri, 9 Sep 2011 02:30:00 -0300

F11 semana de la fotografía

Una semana · Diez artistas · Cinco charlas · Dos empresas de fotografía · Tres workshops · Cuatro escuelas · Siete muestras · Un ciclo de cine

desde el viernes 9 hasta el sábado 17 de septiembre de 2011 en Rectorado UNLP, Facultad de Odontología UNLP, Facultad de Bellas Artes UNLP, Facultad de Periodismo y Comunicación Social UNLP, Centro Cultural Estación Provincial, MUGAFO, Estudio 3 al cubo, Escuela Superior de Formación Fotográfica, Escuela Yuyo Pereyra y Centro de Fotografía Contemporánea

F11 es la primera semana de la fotografía que se llevará a cabo en la ciudad de La Plata. Durante la misma, fotógrafos, artistas visuales y plásticos, estudiantes, diseñadores gráficos y cineastas podrán establecer un punto en común que posibilitará el encuentro artístico e intelectual, a partir del intercambio de experiencias y de técnicas de trabajo implementadas por cada uno de los participes.

Desde el 9 y hasta el 17 de septiembre de 2011, en F11 se realizarán charlas con artistas invitados, muestras fotográficas, workshops y un ciclo de cine, utilizando para ello numerosos espacios influyentes en relación con la gestión cultural y la actividad académica de la ciudad, entrecruzándolos y generando diálogos también entre ellos.

Ésta será la primera vez que se realizará un evento destinado a la fotografía, buscando establecer un nuevo modo de reunión y discusión artística entre los fotógrafos de la región y que tenderá a lograr su continuidad en el tiempo, para así garantizar la apertura de nuevos temas de análisis y una mirada más amplia acerca del lenguaje visual en sus próximas ediciones.

F11 es realizado con el apoyo del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires.

Actividades | Programación

VIERNES 9

20.00 HS
Inauguración Simultánea de Muestras Fotográficas

MUGAFO | 19 e/ 50 y 51
Alfredo SRUR

CC Estación Provincial | 17 esq 71 – Planta baja
Sebastián LOSADA | Rodolfo LÓPEZ, Gabriel MORALES y Ariel DEVOTO

3 al Cubo Estudio | 1 n° 1528 (e/ 63 y 64)
Miguel MEUNIER

Escuela Yuyo Pereyra | 44 n° 673 (e/ 8 y 9)
Grupo SUENA + charla gratuita sobre fotografía estenopeica a cargo de Yuyo PEREYRA

Escuela Superior de Formación Fotográfica | Calle 56 n° 532 (e/ 5 y 6)
Muestra de Alumnos

Centro de Fotografía Contemporánea | diagonal 77 nº 447
30 años de Fotogalería OMEGA

SÁBADO 10

20.00 HS
Ciclo de Cine
CC Estación Provincial – Sala A | 17 esq. 71 – Planta Baja
“BANG BANG CLUB”, de Steven Silver

LUNES 12

18.00 HS
Apertura F11
Charla: Fotografía y Música
Rectorado de la UNLP – Salón Dardo Rocha | 7 entre 47 y 48
Lula BAUER – Edgardo KEVORKIAN – Nora LEZANO

MARTES 13

16.00 HS
Charla/Presentación
Fac de Odontología – Ed Nuevo – Audit Mª de las Mercedes Medina | 50 y 115
NIKON Argentina

18.00 HS
Charla: Fotografía, Denuncia y Memoria
Fac de Odontología – Ed Nuevo – Audit Mª de las Mercedes Medina | 50 y 115
Xavier KRISCAUTZKY – Sergio Ruso KOWALEWSKI

MIÉRCOLES 14

20.00 HS
Ciclo de Cine
CC Estación Provincial – Sala A | 17 esq. 71 – Planta Baja
“LA CIUDAD DE LOS FOTÓGRAFOS”, de Sebastián Moreno

22.30 HS
Ciclo de Cine
CC Estación Provincial – Sala A | 17 esq. 71 – Planta Baja
“LA VIDA LOCA”, de Christian Poveda

JUEVES 15

15.30 HS
Charla/Presentación
Fac de Odontología – Ed Nuevo – Audit Mª de las Mercedes Medina | 50 y 115
Impresión Fine Art Prints – CANSON + EPSON
Alberto Izaguirre – DISIGRA

18.00 HS
Charla: Fotografía y Procesos Digitales
Fac de Odontología – Ed Nuevo – Audit Mª de las Mercedes Medina | 50 y 115
Mariano MOLINARI

VIERNES 16

17.30 HS
Charla: Fotoperiodismo: Fotografía y Testimonio
Facultad de Periodismo y Com Social – Aula Anfiteatrada | Diag 113 y 63
Gonzalo MAINOLDI – Fernando MASSOBRIO – Santiago HAFFORD

20.00 HS
Charla y Workshop: Fotografía y Moda
Sede Central FBA/UNLP – Salón Auditorio | 7 esq. 60
Bauty TORRES – Producción fotográfica con modelo en vivo

SÁBADO 17

20.00 HS
Ciclo de Cine
CC Estación Provincial – Sala A | 17 esq. 71 – Planta Baja
“HENRI CARTIER-BRESSON: BIOGRAFÍA DE UNA MIRADA”, de Heinz Butler

Más en www.semana-f11.com.ar

ORGANIZAN
Estudio 3 al cubo [ www.tresalcuboestudio.com.ar ]
Cronopunk [ http://www.cronopunk.com ]
Beat64 Studio [ http://www.beat64.com ]
Secretaría de Cultura Facultad de Bellas Artes UNLP [ www.fba.unlp.edu.ar ]

AUSPICIA
Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires [ www.ic.gba.gov.ar ]

El número 2 de Tres con algo

noreply@blogger.com (Caro Sánchez Iturbe) — Thu, 8 Sep 2011 00:20:00 -0300

tres con algo

[poesía + música + performance... y algo de cine]

segunda edición

Julia González | Jorge Zanzio [recitado por Román Laco] [poesía]

Vanprasth [música]

Mercedes Falkenberg [performance]

+ "Luca", de Rodrigo Espina [cine]

jueves 8 de septiembre | 21 hs (PUNTUAL)

Pura Vida - diag. 78 entre 8 y 61

Tres disciplinas. Tres grupos de artistas. Tres cosas pasando al mismo tiempo en un único lugar. Y un algo más con la proyección de una película documental por noche!

Julia González es periodista y poeta. Estudió letras en la UBA, TEA. En 2010, publicó “Full of love”, su primer libro de poemas, con la colaboración de Sebastián Bruzzese y Sebastián Goyeneche. También editó el fanzine “Dos o tres palabras”, y ha colaborado en distintas plaquetas de poesía y fanzines. Fundó en 2005 junto con Cecilia Martínez Ruppel, la web de contracultura “El Silencio”. Actualmente trabaja en el Suplemento No de Página/12 y es editora de la revista “The Gallery”.

http://segundoce.blogspot.com

Jorge Zanzio se desempeña como videasta, dramaturgo y poeta. En vídeo ha realizado cortometrajes desde 1995, y éstos han sido exhibidos en muestras nacionales e internacionales. También realizó dos largometrajes: “La trayectoria del silencio” (2008 / ficción) y “Contra viento y olvido” (2010 / documental). Como dramaturgo, estrenó cinco obras: “Con tu propio miedo”, “La rebelión de las flores”, “La porfía del toro”, “La contradicción de las lágrimas” (co-autor) y “El lado dulce de la bestia”. En poesía, ha publicado en revistas literarias y antologías y ha obtenido numerosos premios nacionales e internacionales. En 2010, además, publicó por la Editorial Dunken su primer libro de poesía: “Desde el origen”.

http://www.pisandopliegos.com

Vanprasth es la banda oriunda de Las Flores que busca “una conciencia colectiva que está en todos” y hace música progresiva, alternativa, new wave y experimental. Está formada por Alejandro Menant (batería, percusión y coros), Juan Polito (guitarras, bajo, teclados, efx y coros) y Nahuel Patronelli (teclados y voz). Editaron el disco “Vanprasth”.

http://www.myspace.com/vanprasth

Mercedes Falkenberg es docente, bailarina, coreógrafa y directora. Realizó el Profesorado y la Tecnicatura en Danza Contemporánea (Escuela de Danzas Clásicas de La Plata) y el Profesorado de Arte en Danzas (I.U.N.A.) Se ha perfeccionado en técnica contemporánea, técnica Forsythe, improvisación, vídeo-danza y mimo y pantomima. Es profesora en la Escuela de Danzas Clásicas y en la Escuela de Danzas Tradicionales de La Plata. Participó como bailarina y coreógrafa en diversos eventos en las ciudades de La Plata, Morón, Brandsen, Sarandi, Caballito y Berazategui. Integró los grupos de mimo Muñecas al rhum y Mimosapiens. Como directora escénica, estrenó las obras “La Rebelión de las Flores” (co-autora y co-directora), “Perplejidades” y “La contradicción de las Lágrimas”. Como coreógrafa y co-directora, realizó los videodanza: “Et Al”, “Desunt Cetera”, “In Limine” y “La Trayectoria del Silencio”.

http://www.pisandopliegos.com

“Luca”, de Rodrigo Espina [documental sobre Luca Prodan] es la historia de Luca Prodan, un joven italiano educado en los mejores colegios de Gran Bretaña, poseído por el frenesí del punk rock londinense de finales de los años ‘70 que realiza un desesperado “salto al vacío”, huyendo hacia el “fin del mundo”, a la Argentina de la dictadura militar previa a la guerra de Malvinas para formar allí Sumo, la banda de rock que transformó a tres generaciones y que aun hoy, a veinte años de su muerte, sigue siendo un punto de referencia ineludible en la música sudamericana.

http://www.youtube.com/watch?v=CYA3d9d5TNA

Organizan:
Cronopunk [www.cronopunk.com]
Caracol Rojo [www.caracolrojo.com.ar]
Primer Párrafo Editorial [www.primerparrafo.com.ar]
Beat64 Studio [www.beat64.com]

Waterboy y las combinaciones de explosivos

noreply@blogger.com (Caro Sánchez Iturbe) — Sat, 3 Sep 2011 14:56:00 -0300

Por Carolina Sánchez Iturbe
Foto: Nicolás Subo
Diseño de la nota en la revista: GADE

Vodka, Sprite y Marlboro parece ser la fórmula. Como si esos tres ingredientes unidos fuesen capaces de abrir caminos creativos, Los Waterboy juran que ése es el trayecto que eligen recorrer cada vez que se sientan a componer canciones para la banda. Pero no todo parece ser producto de la magia en el cuarteto que, empuñando sus instrumentos musicales, rinde pleitesías a la cultura urbana.

“Con Felipe nos cocemos desde la infancia y crecimos juntos curtiendo el grafiti, el skate y tocando en bandas hardcore”, describe Oli, el cantante de la agrupación nacida entre rampas y manchas de aerosol impregnadas en los muros de la ciudad, para luego describir que el proyecto que encabeza se completa con la batería electrónica que Maru ejecuta y con el bajo del que Gabriel, la última incorporación de Waterboy, se hace cargo.

Con una historia vinculada desde sus inicios al mundo del arte urbano, los Waterboy no dudan en señalar que semejante atracción por la composición plástica surge de la certeza de que lo visual puede funcionar “como un medio de expresión complementario con la música y viceversa”. De igual manera, sostienen que esas influencias son las que los motivan a hacer música. Todo para luego concluir decididos: “Somos nosotros mismos, las artes y nuestras vivencias. Es un ciclo de retroalimentación”.

Convencidos del mundo creativo que eligieron desde muy chicos, los Waterboy siguen el camino que años atrás, entre campeonatos de deportes extremos y no por ello menos urbanos, Nekro desde Fun People y Boom Boom Kid supo conquistar, aunque con nuevas variantes, claro. “Somos una banda de post hardcore con tintes de noise experimental”, dicen y pronto destacan los rasgos distintivos de la banda: “Las presentaciones en vivo y nuestra formación poco convencional que incluye una batería sintetizada y la combinación de estilos”.

Waterboy como tal y con su fórmula para la composición musical, nació en 2008. A partir de entonces, sólo un poco más de un año fue necesario para que lanzaran Fishing with dynamite (que en castellano quiere decir algo así como “pescando con dinamita”), su primer disco, ése que ahora colgaron en MediaFire para que quien quiera pueda descargarlo libremente. “Fishing with dynamite trata sobre lo fácil que es realmente hacer las cosas, aunque sea con trampa”, sostienen dispuestos a explicar que los motivos por los cuales decidieron bautizar así a su primera producción discográfica son directos, como las siete canciones que ella contiene: “Usamos términos en inglés porque suenan bien fonéticamente, se nos hizo inevitable. Además, crecimos escuchando música y viendo películas en ese idioma”.

Con un nuevo LP que graban de a ratos en el estudio que les pertenece y que les permite “experimentar cómodamente”, y con dos recitales en puerta (en agosto, la banda se presentará en la bienal Arte Joven y en la fiesta In Party We Trust), los músicos de Waterboy no temen develar la mezcla de Vodka, Sprite y Marlboro de la que alimentan su creatividad. Es que en el fondo saben que el cóctel explosivo está en otro lugar: “Somos un grupo de amigos muy unidos que comparten cosas mucho más allá de la música”.

MySpace: www.myspace.com/thewaterlov

Franceville agenda pocket – Nº 57, agosto de 2011
(siempre es mejor la versión en papel)

y los jueves también...

noreply@blogger.com (Caro Sánchez Iturbe) — Thu, 1 Sep 2011 01:40:00 -0300

tres con algo

[poesía + música + performance... y algo de cine]

primera edición

Luis Aranosky [poesía]

Cuco [música]

Lemon Pie Cristal [performance]

+ "La cocina", de Willy Villalobos [cine]

jueves 1º de septiembre | 21 hs (PUNTUAL)

Pura Vida - diag. 78 entre 8 y 61

Tres disciplinas. Tres grupos de artistas. Tres cosas pasando al mismo tiempo en un único lugar. Y un algo más con la proyección de una película documental por noche!

Luis Aranosky es actor, músico, escritor y guionista. Es uno de los precursores del teatro callejero y del nuevo teatro de los ochenta, habiendo integrado el elenco del Parakultural. Su banda de rock, “Los Triciclosclos”, marcó una tendencia en lo musical y en el show cómico-teatral.

http://www.myspace.com/triciclosclos

Cuco es la banda de “música de contrainformación”. Sus presentaciones se caracterizan por el carácter performático. La banda está integrada por Simon Pradso (bajo), Leito Lavozdelmudo (guitarra y voz), Ojo-en-Blanco (batería) y Manuel (efectos y theremín).

http://www.milicamusica.blogspot.com

Lemon Pie Cristal es el grupo de teatro que realiza microescenas de cierto humor expansivo y sorpresivo, donde las relaciones mutan, se rompen, se aglutinan, se pierden y se redefinen en cada una de las escenas. Los roles cambian. Todo surge de un proceso de creación colectiva.

“La cocina", de Willy Villalobos es un documental sobre Gustavo Pena Casanova El Príncipe, el músico uruguayo cuyas canciones eran brillosas, melancólicas y dueñas de una extraña originalidad.

http://www.youtube.com/watch?v=-VKp2E5SBbA

Organizan:
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Levantando polvo, los desfachatados

noreply@blogger.com (Caro Sánchez Iturbe) — Wed, 24 Aug 2011 13:50:00 -0300

Con la ayuda de internet, la presencia de un montón de amigos y la influencia irreversible de una familia de “chiflados”, la chica de 25 años se alimentó de un universo de fotografías, películas y músicas dispuestas a modificarla. Con ustedes, Emilia Bianchi, la muchacha de la nueva generación rock, ésa que enfrenta los días a puro desparpajo.

Por Carolina Sánchez Iturbe
Foto de The Dark Flack (www.thedarkflack.com)

Parada contra una pared blanca desde la que, hasta hace un rato, la mirada de un Jim Morrison retratado solía penetrar, Emilia Bianchi juega. Se divierte como pocos, se ríe de sí misma y juega. Vestida con una camisa cuadrillé al mejor estilo grunge noventero, imita los gestos del Ben Stiller que tiempo atrás Terry Richardson fotografió para una nota de Rolling Stone. Y entre risas, demuestra una vez más de qué está hecha la nueva generación del rock. Desparpajo, puro desparpajo.

Aunque los años hayan pasado y los viejos preceptos rockers se hayan aggiornado a los nuevos días, algunas cosas se mantienen inertes al paso del tiempo: despreocupación e irreverencia se entremezclan hoy con millones de bytes de música hecha información. Y Emilia los tiene todos.

Nacida y criada en La Plata por una familia nómade (como suele suceder en la ciudad de los estudiantes), Emilia es la chica de las influencias. “En mi casa están completamente chiflados. Son re particulares. Es gente que se vino a los 18 años en una época re complicada porque, por ejemplo, mi vieja llegó en el ’76. Se bancaron las toscas. Se curtieron en todo eso y consiguieron un cable a tierra, que por ahí era ver películas y leer libros”, asegura con orgullo. Así, mientras sus padres le transmitían la actitud apasionada hacia el cine y la fotografía, un tío le enseñó lo bueno de los sonidos cuando le regaló Otras canciones, el disco de covers de Attaque 77, llevándola “sin querer queriendo” a fanatizarse con la versión de “Canción del adiós” e indagar sobre El otro yo. El trayecto hacia el mundo fluorescente alterno del 2000, “que no es lo mismo que el alterno de hoy”, entonces se presentó directo y sin paradas intermedias.

“En el palo alterno de aquella época, las chicas tocaban el bajo. Yo con corte carré, pollera arriba de los pantalones, remera de alguna banda y colores a pleno, tenía que tocar el bajo, era lo único que me faltaba. Agradecé que no me tatué nada de El otro yo”, dice mientras ríe fuerte, con ese sonido tan de ella, tan Emilia. Y entonces, recuerda los días en los que era parte de la banda de Diego Billordo, a quien le reconoce también buena parte de los conocimientos musicales adquiridos. Sin embargo, el bajo no logró atraparla. Y ahí apareció el mandato familiar, ése que la llevaría directo a una vida de secuencias de imágenes.

“Como mis viejos laburaban, me dejaban en lo de mi abuela. En su casa, ella había puesto cable. Cuando yo tenía 8 años, tener cable era lo más. Me acuerdo que era estar todo el tiempo viendo The Box y MTV. A los separadores de MTV no me los voy a olvidar nunca en la vida, los tengo acá”, explica señalando su frente para pronto completar: “Y ésa es otra de las relaciones que tengo con la música, porque no sólo me atrae la música sino que también me atrae el videoclip y la imagen. Me di cuenta que preferí dedicarme a la música a través de la imagen. Me interesa mucho más hacerlo así, me siento cómoda y me puedo desenvolver en eso. Para esto sirvo”.

La nueva generación rocker creció junto a un mundo virtual en el que internet fue el responsable de facilitar la ramificación hacia sonidos nuevos. Así, Emilia avanzó en el conocimiento de los artistas de su tiempo y de épocas pasadas. Pero la gran red no sólo le sirvió para eso, sino que también fue útil para que ella forjara su primer grupo de amigos rockeros con los que, con una autopista de distancia, solía recorrer la Capital Federal de los fines de semana y reforzar su devoción Babasónica que había nacido varios años antes cuando, a fines de los ’90 y siendo aún una nena, casi de casualidad había asistido a la presentación de Miami. “Ya alguna vez después, conocí gente en La Plata y empecé a salir acá. Esa fue la época de Basquiat, cuando iba a ver a Nerd Kids, que eran amigos míos; los días de La Galería de 5 y 39 donde veía a Eterna Inocencia; o cuando se hacían los Outlet en el Malvinas”, rememora.

También por esos días se afianzó el vínculo que hasta hoy Emilia mantiene con el cine y al que pudo asociar directamente con el rock cuando vio “24 hour party people”: “En ese momento, relacioné directamente lo que fue Manchester con lo que es La Plata. Para mí, Manchester y La Plata tienen mucho que ver. Comparten el estilo de bandas y de ambiente, en el que te hacés conocido pero hasta ahí”.

Pronto llegó la facultad de cine, el FreakShow, el amor por Michel Gondry, la admiración por las bandas sonoras de Wes Anderson y el descubrimiento de Chris Cunningham. Y, entonces, un nuevo grupo de amigos con quienes compartir otra pasión: The Beatles. “Siempre me gustó la música, es algo que de chiquita ya me llamaba mucho la atención. Les preguntaba a mis viejos por los Beatles sin haberlos escuchado directamente, es que me asombraba que haya habido una banda tan importante para la música. En casa, el primer CD que se compró fue Abbey Road, que es mi disco favorito de los Beatles. A partir de ahí, fue leer, aprender y apasionarme más y más. Me encantan las historias que tuvieron entre ellos, la historia entre George Harrison y Eric Clapton, sus delirios místicos, el chiste hacia Ringo, que es el tonto de la banda. Me encantan”.

Ahora Emilia espera sentada en la punta de la mesa del living las próximas aventuras. Tres recitales de artistas internacionales (Primal Scream, Kyuss y Gorilla Biscuits) que completarán la saga de este año, en el que ya LCD Soundsystem, Flaming Lips y Jon Spencer lograron obnubilarla. “Voy a terminar con los ojitos cruzados y adrenalina en todo el cuerpo”, sostiene marcando con los dedos índices el trayecto que seguirán sus ojos en diciembre. Y entonces se ríe, se prepara para jugar a ser Ben Stiller en Rolling Stone y, con el desparpajo del que sólo el rock sabe, vuelve a lanzar su risotada de Emilia para, entrecortada por la carcajada, decir: “Yo solita me mando al muere”.

Más sobre Emilia Bianchi: http://suboescalerasarriba.blogspot.com

De Garage – Agosto de 2011
(siempre es mejor la versión en papel)

Una bomba que está por explotar...

noreply@blogger.com (Caro Sánchez Iturbe) — Sat, 20 Aug 2011 14:37:00 -0300

BOMBA TEXTO

Número 5

15.30hs

historietas: Lali Varveri

crónica fotográfica: Alberto Direnzo muestra Madres de Plaza de Mayo

instalaciones y proyecciones: La Vecindad el Electro

musicalización: Lumiere Electronique (la vecindad del electro)

crónica en vivo: Flor Frances (Wasabi)

+ feria de discos y revistas independientes

+ Pasatiempos

+ cervezas artesanales de Hermanos & Brothers

18hs

en vivo!: Shaman

Dom 21/8 - 15.30hs

Planta Baja Estación Provincial - 17 y 71

ENTRADA LIBRE Y GRATUITA! NO SE SUSPENDE POR LLUVIA!

En cada presentación, Bomba Texto cuenta con numerosas secciones en las que se pueden ver trabajos de historietistas; una crónica fotográfica realizada por un artista para cada evento; un espacio de proyecciones e instalaciones, conformado por VJ's y DJ's seleccionados por La Vecindad del Electro; una zona de pasatiempos; un periodista realizando en vivo una crónica del evento; el recital de una banda; una batea de discos de bandas locales, donde también pueden encontrarse las producciones reunidas por Lachacha Discos Ambulantes, encargada de armar un catálogo de discos de autor; y una mesa de publicaciones independientes.

Entrada libre y gratuita! No se suspende nunca!

Organizan:
Beat64 / Cronopunk

Colaboran:
La Vecindad del Electro / Hermanos & Brothers / Tres al cubo / Chikito Móvil

Auspicia:
Feria en la esquina

http://www.facebook.com/bombatexto

El rock es mi deporte

noreply@blogger.com (Caro Sánchez Iturbe) — Sat, 30 Jul 2011 20:42:00 -0300

Desde 1989 hasta 1995 funcionó en la ciudad de La Plata un bar que supo ser chancha de paddle y rockería al mismo tiempo. Mientras los vestuarios de los deportistas funcionaban de camarines para los músicos, decenas de pelilargos fanáticos de Axl Rose copaban el lugar, en donde tocaron bandas como Míster América y Barracuda. Arenas Pub demostró que el rock en vivo no sólo puede quedar en manos de bolicheros.

Por Ana Clara Bormida y Carolina Sánchez Iturbe

Pocas veces el rock logró unirse con el deporte. Como si se trataran de dos polos opuestos del mundo, nadie hubiese podido imaginar que en una cancha de paddle podría erigirse uno de los templos del rock que, aún hoy, 16 años después, es recordado entre anécdotas y expresiones de cariño por los músicos que por ahí pasaron. Sin embargo, todo es posible en una ciudad donde los sonidos y el público bien dispuesto abundan.

Sobre calle 7, entre 42 y 43, donde hoy existe una casa de computación, se erigió Arenas Pub, el bar en el que, sobre el frente y apoltronados en escenarios improvisados “casi todos los músicos platenses del momento” tocaron, mientras la cancha de paddle del local, aún en funcionamiento, se transformaba de camarín para las bandas. “Con el tiempo, nos dedicamos más a las fiestas del rock que al paddle. Iba gente a jugar, pero el fuerte del lugar eran los recitales de rock”, recuerda Claudio Soldi, uno de los dueños del mítico lugar y actual bajista de Viejos, Sucios y Feos.

“Tocar en Arenas era como tocar en tu lugar, en el living de tu casa”, describe Andrés Dupetit, quien cantó sobre el escenario de Arenas con su banda, Pantera Negra, en numerosas oportunidades. “Ahora la queja de todas las bandas es que tenés que pagar para tocar, y éste era un lugar donde podías ganar un peso. Imaginate que nosotros sacamos un demo gracias a Arenas”, sostiene dispuesto a remarcar las virtudes del lugar: “Era un lugar muy lindo, te sentías cómodo. Los dueños no se fijaban demasiado en si la banda llevaba mucha gente o no. Por eso, tocaron todos ahí”.

Por las facilidades que otorgaba un lugar comandado por un músico que entendía de arreglos justos, bandas tan disímiles como Guasones, Peligrosos Gorriones, Míster América, Los Hermanos Macana, Pantera Negra, Barracuda, Viejos, Sucios y Feos y Elefante Violeta se apropiaron de ese lugar que, entre el ’89 y el ’95, supo dejar un legado en el rock local.

En una construcción de paredes blancas que contaba con una barra de madera tallada, algo más de cien personas se encontraban los fines de semana para escuchar música. Con unos inicios experimentales, en los que el rock en vivo se desarrollaba solamente los sábados por la madrugada, el éxito de Arenas y su escenario que mudó de ubicación varias veces fue tanto que, hacia el final, las bandas llegaron a coparlo sin descanso de miércoles a domingo. De ese modo, acostumbraba acercarse hasta el local de calle 7 “un público habitué que, tocara quien tocara, iba; más allá de los seguidores de cada uno de los músicos”, según recuerda Soldi, quien inauguró el boliche junto a Héctor Cuevas. Por su parte, el cantante de Pantera Negra sostiene que el bar no sólo era pintoresco por su estructura, sino también por quienes lo frecuentaban: “Iban personajes de pelo largo, era una época muy Axel Rose. Todos querían ser Axel Rose”.

“Ahora este tipo de lugares son más empresariales, piensan más en la ganancia. Arenas fue un tanto romántico porque le daba mucha comodidad a las bandas, tenían mucha onda. Al ser uno de los dueños músico, es lógico que haya sido así”, asegura Andrés, quien luego afirma sin vueltas que para el rock local resulta “malísimo que haya cerrado”.

La burocracia suele ser un problema y pocas veces los proyectos logran sobrevivirla. Así, el último día de 1995, EDELAP decidió quitarle el medidor de electricidad a Arenas, dejándolo sin servicios durante todo el verano. Es que la empresa de energía juraba que los dueños del local le adeudaban una factura del ’85 y, luego de iniciarles acciones legales, tomó la determinación de cortar de raíz. Con una feria judicial y un juicio encima, la sociedad entró en quiebra y el mítico boliche de 7 entre 42 y 43 cerró. Sin embargo, las hazañas saben de revanchas y la de esta rockería, según Claudio, aún está pendiente: “Siempre está la idea de abrir un bar. El deseo se reaviva cuando me encuentro con algún músico. En cualquier momento, aparecerá un nuevo Arenas en la ciudad”.

De Garage – Julio de 2011

(siempre es mejor la versión en papel)

Mil veces demente

noreply@blogger.com (Caro Sánchez Iturbe) — Thu, 21 Jul 2011 22:20:00 -0300

Desde su blog, él dona dinero a la banda que produzca el mejor disco independiente del año. Y aunque todo pueda parecer el resultado de un loco atacado por la filantropía, a él eso poco le importa, mientras jura que para disfrutar hay que escuchar y que para escuchar, es necesario investigar. Con ustedes, Mr. E, el regalón del under.

Por Carolina Sánchez Iturbe
Ilustración de MAP (http://martinprenassi.blogspot.com)

Escondido tras la pantalla de una computadora, año tras año un demente regala dinero. De a mil pesos por vez, él elige entre un pilón de discos editados de manera independiente al mejor del período y, sin más, hace su donación a la producción under. Y mientras hay quienes se pelan las cabezas intentando armar sus quintas en torno a las bandas de rock, Mr. E, el demente, asegura que lo suyo no es tan raro, que se trata sólo de una cuestión de perspectivas.

“Cuántos tipos dan su tiempo para ayudar a otros, dando afecto, cariño… Lo sorprendente de la movida de Mr. E es que la solidaridad se da en un ámbito donde la colaboración no es habitual. En otros ámbitos, sí lo es; entonces, ésta es una cuestión solidaria mínima frente a lo que hace un montón de otra gente. Yo lo hago con afecto y con amor porque me da placer. Pero sí, para el contexto del rock es una novedad”, señala el hombre que, desde Mar del Plata, se las ingenia para lograr acceder a la música que las bandas editan solitas con su alma: “Cuando viajo a Buenos Aires y a La Plata, aprovecho para comprar discos porque acá no hay ni fútbol ni rock”.

Al parecer, el demente no es sólo ese hombre de voz grave que encabeza la movida de Mr. E. Por lo que él cuenta, se trata de cuatro chiflados que, juntos, se divierten escuchando música y regalando dinero: “Esto es nada más un juego que compartimos con mis hijos adolescentes y con mi mujer”, asegura para luego describir que el suyo es “un proyecto familiar” que se sustenta en la complicidad que los sonidos permiten establecer y que, finalmente, resulta en situaciones expansivas en las que, por ejemplo, el hijo de 17 años termina “bajándoles línea a los amigos, a quienes les lleva discos de bandas independientes”.

Lo cierto es que la de Mr. E es una idea que traslada al rock lo que el Sr. S hace, “aunque con muchos más recursos”, por el teatro independiente de Buenos Aires. “Cuando encontré esta idea del Sr. S, que elige a una compañía y le monta una obra durante el año siguiente, me pareció que era una buena forma de canalizar el agradecimiento que yo siento con los músicos. Estoy agradecido por todo lo que los músicos independientes hacen y ésta es mi manera de manifestarlo”, asegura con voz firme el ideólogo de todo este delirio rock desde una Mar del Plata en la que, seguramente, también está anocheciendo. Todo para luego destacar el respeto que le provocan por los artistas que liberan solitarias batallas para lograr las producciones discográficas.

Ese hombre que año tras año regala mil pesos a un grupo de rockeros, asegura que lo que hace es poco, que lo que realmente quiere es fundar el sello Mr. E Records, desde el cual editar el disco completo de las bandas y “no sólo aportar mil pesos, que no son nada”. Por más demente que sea, el rockero quiere ser parte. Quiere disfrutar con el cuerpo de las guitarras distorsionadas y, sin importar con qué medios, compartir con sus pares esa situación de placer. Así, Mr. E consiguió su propia fórmula, basada en escuchar, agradecer y ayudar: “Ésta es una forma de buscar un espacio que no tengo como oyente, de tomar un protagonismo que, en algún sentido, me permita entrar en el rock independiente por una ventana”.

La llegada de Mr. E a lo que hoy es música independiente es parte de un recorrido que se inició décadas atrás, cuando él era aún un niño y escuchaba por primera vez a los Beatles, que supo hacerse de la inocencia de toda una generación. Y así como hoy Mr. E investiga sobre las bandas que en los grandes medios serían catalogadas como “revelación”, por aquellos días también debía bucear si lo que quería era escuchar. “No había ni siquiera revistas; si te comprabas una revista importada, te hablaba de discos que iban a llegar al país un año más tarde. Tenías que ser un verdadero cultor porque si no era aburridísimo, te tenías que mover como loco para averiguar qué estaba pasando en el rock”, recuerda para luego describir entre risas una anécdota a la que categoriza como paradigmática de la época: “Me gustaba mucho el AC/DC de Bon Scott, el primer cantante. Cuando salió Back in Black, lo compramos importado con unos amigos e inmediatamente fuimos a la casa de uno de ellos a escucharlo. Nos sentamos, lo pusimos y nos dimos cuenta que la voz era de otro tipo. No entendíamos nada. Tardamos meses en saber que Scott había muerto”.

Años más tarde, los días de estudiante en La Plata, juntaron un cúmulo de nuevas experiencias, aunque, por aquellos días, el rock platense era apenas “una movida muy pequeñita, opacada por lo que por entonces era rock independiente en Buenos Aires, que era como la segunda línea de las compañías discográficas de la que, por ejemplo, formaba parte Don Cornelio y la Zona”. Sin embargo, aunque la escena local haya sido apenas incipiente, Mr. E recuerda muy bien las presentaciones de Topografía Difusa: “El Cabe Mallo era un tipo que tenía unas bolas bárbaras. En ese momento, la Argentina recién empezaba a retomar el hilo de la libertad, acababa de volver la democracia, y no era fácil salir como lo hacía el Cabe. Los que éramos jóvenes, no teníamos la cultura de ser libres. Queríamos ser libres pero nos daba mucha vergüenza. Al Cabe, no”.

medallas colgadas que valen mucho”, dice con amabilidad el hombre cuyo nombre y apellido es un misterio, y continúa: “Vi a Sumo varias veces, vi a The Police, a V8. Por aquel entonces, V8 no era un mito, era una banda que estaba en el candelero, era como ver a cualquier banda independiente hoy. Éramos parte de un mito que no sabíamos que iba a ser. Así, también, a Soda Stereo la vi en una disco marplatense junto a otros cien tipos. Ni de cerca íbamos a pensar que iban a llegar adonde llegaron”. Aunque la lista de shows en vivo sea sumamente interesante, Mr. E jura que la mejor experiencia llegó recientemente, cuando en octubre pasado los Pixies pisaron el Luna Park: “Fui al recital con mi hijo. Cuando salieron al escenario, yo estaba ahí con él y sentí que se cerraba un círculo entre mi fanatismo por la música y mi hijo que me acompaña en este gusto. Entonces, empecé a llorar como loco. Fue genial”.

Como rockero de buena ley, a Mr. E la música le ocupa la mayor cantidad posible de horas de su día, adueñándose de la sonorización de la cotidianidad. “Sin embargo, siempre siento que me estoy quedando afuera de un montón de cosas porque ahora hay mucho. Un escritor dijo: Por cada libro que leo, me angustia pensar que es otro libro que no leo”, cita para luego reírse y asegurar que lo suyo es pura satisfacción. Entonces sí, por fin, reconoce ser un demente al que poco le importa serlo.

Más sobre Mr. E: http://premiomre.blogspot.com

De Garage – Julio de 2011
(siempre es mejor la versión en papel)