El Dado del Arte

Reflexiones gráficas en la pared: David de la Mano en @RevistaUnBreak

2013-05-13T08:45:00.000+02:00

Ya podéis descargaros el segundo número de la revista interactiva para tablets UnBreak.

El mes pasado en la sección que coordino "Utopías del Arte" entrevisté a Cayetano Ferrández, este mes el turno es para David de la Mano, que se niega a definirse únicamente como "muralista" ya que combina la pintura mural con la realización de obra gráfica, la escultura, la ilustración, la fotografía, incluso el vídeo.

Si queréis conocer a este artista multidisciplinar, ¡haced un break!

Un festival, 26 fotógrafos, 238 fotografías

2013-05-12T10:32:00.000+02:00

Desde el 11 de noviembre, cada domingo hemos podido disfrutar de las obras de 26 fotógrafos presentes en el primer Full Contact del Festival Internacional de Fotografía SCAN (Tarragona).

Para hacer un buen final de esta sección, he querido hacer estadística y recopilar lo que ha dado de sí durante estas 26 semanas, y la mejor manera de plasmar todo ello ha sido a través de esta infografía:

Si queréis volver a disfrutar de las obras de estos fotógrafos, os dejo también con el listado de publicaciones:

11.11.2012 1. Cynthia Nudel

18.11.2012 2. Noelia Pérez

25.11.2012 3. Rafael Arocha

02.12.2012 4. Manolo Espaliú

09.12.2012 5. Enrique Muda

16.12.2012 6. Bego Antón

23.12.2012 7. Daniel Mayrit

30.12.2012 8. Joan Pujol-Creus

06.01.2013 9. Lua Ocaña

13.02.2013 10. Juan Margolles

20.01.2013 11. Brenda Moreno

27.01.2013 12. Monia Marceta

03.02.2013 13. Juanan Requena

10.02.2013 14. David Simon Martret

17.02.2013 15. Stephanie Roland

24.02.2013 16. Laia Moretó

03.03.2013 17. Víctor Vilamajó

10.03.2013 18. Gerad Boyer

17.03.2013 19. Maira Soares

24.03.2013 20. Daniel S. Álvarez

31.03.2013 21. Ana Galán

07.04.2013 22. Marcel Pedragosa

14.04.2013 23. Rafa Raigón

21.04.2013 24. Jesús Madriñán

28.04.2013 25. Antonio Guerra

05.05.2013 26. Adrià Goula

Y por último quiero agradecer a todos los fotógrafos su predisposición y participación. Para mi ha sido un placer poder difundir tanto a través del blog como de Facebook y Twitter cada domingo su trabajo. Por ello, GRACIAS a todos y cada uno, os deseo muchísima suerte en vuestras carreras profesionales, y esto no es un Adiós, es un Hasta pronto, seguimos en contacto por email y las redes sociales :-)

El content curator en la cultura

2013-05-10T18:40:00.000+02:00

¿Cuál es el rol del content curator en la cultura? Los amigos de Ártica - Centro Cultural 2.0 lo resumen muy bien en este post al indicar que "el content curator es una persona muy capacitada para seleccionar y recomendar contenidos en ese océano interminable de información".

Un perfil complejo y cada vez más necesario en el siglo XXI, que si bien puede ser una competencia también puede desarrollarse como profesión.

Si quieres formarte, ahora ofrecen la oportunidad a través del curso: “El Content Curator en la cultura: aprovechando la información de la red para dar vida a proyectos culturales”.

El curso comienza el miércoles 15 de mayo y la inscripción se encuentra abierta.

Adrià Goula

2013-05-05T10:17:00.000+02:00

MURMURS

Es un intento de superar el sistema perspectivo de la fotografía. Trabajar con la cámara como colector de información, como si se tratara de una hoja superpuesta al muro encima de la cual frotamos con el lápiz para hacer aparecer la textura, la forma y los colores (en este caso) de lo hay debajo. Intentar ver de forma casi táctil, como dejando resbalar la vista sobre el muro. Unas imágenes, por tanto, que intentan no "re-presentar", sino "presentar", es decir, no mostrar la foto como una ventana a otra realidad, sino como un nuevo objeto independiente y autosuficiente, como un elemento nuevo que la mirada no lo atraviesa sino que se queda pegada a él. Fotografiar no como un cazador (que apunta y dispara a algo que se mueve) ni como un pescador (como decía Cartier-Breson, que esperaba en un sitio pacientemente a que "picaran") sinó como un recolector, que va llenando su cámara de los objetos que encuentra por el camino, con la sensación tal vez, de que sino los recogiera se echarían a perder. Entender el muro como receptáculo de información: igual que un vinilo contiene en sus surcos la infomación para poder oir una música tocada en otro momento, los muros contienen también grabados en sus trazas la historia que les ha ido conformando. No tenemos el descodificador para poder reproducir lo que pasó, pero lo que sí que podemos ver es que aquella información está efectivamente contenida ahí. Fotografiar para acumular esta información, como para asegurarnos de no perderla. Fijarnos en cada una con sus particularidades, de sus detalles, de sus imperfecciones... Guardarlo para ver si con el tiempo nos murmura algo.

Texto: Adrià Goula
Más información sobre Adrià Goula
Sección: 26 Domingos de Fotografía SCAN

Antonio Guerra

2013-04-28T10:13:00.000+02:00

Sorry for the party

Proyecto realizado en Londres donde trato de observar la ciudad a través de sus personajes, sus contradicciones y mis vivencias en la búsqueda de un significado y una comprensión personal. Esa realidad que se mostraba ante mí, se iba mezclando con mis sensaciones y sentimientos dando lugar a dos dimensiones: la ingenuidad de lo nuevo que, irónicamente, me pone en estrecho contacto con las cosas vistas; y la dimensión conceptual, con sus signos culturales, económicos y políticos que descifro de una manera totalmente subjetiva.

Texto: Antonio Guerra
Más información sobre Antonio Guerra
Sección: 26 Domingos de Fotografía SCAN

Día Mundial de la Fotografía Estenopeica: El Photológico

2013-04-25T08:40:00.000+02:00

En Barcelona, una semana después del D-IVE, el primer festival español de fotografía móvil se celebra "El Photológico", concretamente los días 27 y 28.

El Photológico es un festival orientado a la práctica de la fotografía analógica que se desarrollará en el marco del Pinhole Photography Day (Día Mundial de la Fotografía Estenopeica) en el espacio de coworking UIKÚ de El Prat de Llobregat (Barcelona).

El Día Mundial de la Fotografía Estenopeica es un evento internacional creado para promover y celebrar el arte de la fotografía estenopeica. El objetivo es promover -en medio de los píxeles, los .jpg's y los png's- este tipo de fotografía que se realiza con la única ayuda de una caja hermética y la entrada de un luz por un pequeño agujero situado en uno de sus lados. Uno de los aspectos más destacados de este tipo de fotografía es "el personal" ya que el proceso comienza construyendo tu propia cámara estenopeica, escogiendo la profundidad de campo, la perspectiva, el tiempo de exposición, etc. El resultado es creativo a la par que mágico.

Por ello, si quieres participar en este evento único, puedes inscribirte en alguno de los talleres, hay tanto para público adulto como infantil, escribiendo a conseguidora[at]gmail[dot]com

Sábado 27 de Abril:

-TA-CHAN!! Taller de fotografía estenopeica para niños. Impartido por Bego Anton y Mariluz Vidal.

-Estenopeica a motor. Taller usando una furgoneta como cámara. Impartido por Guilhem Senges.

-Detrás de la cámara + Photolatente. Primera sesión. Imparte Oscar Molina.

Domingo 28 de Abril:

-Detrás de la cámara + Photolatente. Segunda sesión. Imparte Oscar Molina.

-Mundos de cortapegas. Taller de collage para niños. Imparte Gabri Guerrero. (Precio popular: paga lo que quieras desde 1€)

-Presentación del libro "Vermouth" de Publications for pleasure.

-Nuevos usos de la fotografía. Coloquio y presentación de Little Pony, joyas elaboradas con obra fotográfica de Susana Martínez.

Toda la información actualizada de este evento la tienes en su Facebook: El Photológico.

¡Última hora! Sábado 27. 11.42 a.m. El Photológico se ha pospuesto por causas meteorológicas.

>> Puedes seguir votando por este blog en la II edición del concurso de blogs, haciendo clic aquí.

Jesús Madriñán

2013-04-21T10:23:00.000+02:00

"Sed fugit interea fugit irreparabile tempus,

singula dum capti circumvectamur amore"

Virgilio

La finca

Lo peor de los finales no suelen ser ellos mismos, sino su anticipación. La conciencia de que el tiempo se desliza imperturbable como agua entre los dedos. Entonces surge la instantánea, el discreto click que por un extraño sortilegio materializa recuerdos para que podamos acariciarlos cuando se hayan desvanecido de la memoria de quienes los compartieron con nosotros. Entonces aparecen las ventanas a través de las que acceder a momentos que nos pertenecieron y a los que pertenecimos, tal vez mejores; quizás simplemente endulzados por las mentiras de nuestra memoria.

La finca es el canto del cisne de una etapa, un homenaje y un exorcismo. Un paraje mítico y entrañable, inquietante y nostálgico, al que regresar para reencontrarse con las versiones pasadas de uno mismo y de sus seres queridos. Imágenes contradictoriamente inmóviles para inmortalizar lo pasajero, cuya belleza reside en la intuición de los instantes felices que las inspiraron. Una despedida emocionada y agradecida en donde, a pesar de todo, la esperanza late dentro de frágiles cascarones moteados.

Texto: Monserrat Pis Marcos
Más información sobre Jesús Madriñán
Sección: 26 Domingos de Fotografía SCAN

Sandro Bedini en @MOB_BCN

2013-04-16T08:30:00.000+02:00

Sandro Bedini es uno de esos pintores que a pesar de las corrientes de moda ha decidido ir a contracorriente.

Apuesta por una pintura con elementos geométricos, una pintura minimalista sin elementos secundarios, únicamente los esenciales para el discurso que quiere ofrecer, más bien para el diálogo que quiere establecer con la forma geométrica.

El resultado son pinturas y murales donde juega con la geometría aludiendo a la razón y al control, y al gesto a través de un elemento abstracto que fluye y se escapa de su control. Simple pero efectivo. Sandro consigue establecer un diálogo entre el orden y el caos, lo hierático y el movimiento, el control y el descontrol.

"Pinto instantáneas de lo que en mi mente son imágenes en movimiento. Capturas de pantalla del diálogo entre gesto y geometría, entre control y espontaneidad.

Progresivamente, las imágenes se han ido depurando, perdiendo todo lo que era secundario, dejando al descubierto una estructura básica, una relación sintética entre elementos.

Cada vez más, el espacio y la profundidad se expresan solo con una pequeña sombra que los define, una perspectiva esencial. Haiku pintado, minimalismo orgánico. La búsqueda de la belleza lejos del sentimentalismo.

La obra se vincula también a los estilos musicales desprovistos de ornamento, ya que la música electrónica acompaña siempre el proceso creativo, guía el gesto y determina, a partir de una energía específica, diferente en cada instante".

¡No os perdáis hoy la inaguración de su exposición a las 19:30h en MOB!

Exposición abierta hasta el 30 de Abril.

Recordad que podéis votar a "El Dado del Arte" en la II edición del concurso de blogs aquí :-)

Rafa Raigón

2013-04-14T10:18:00.000+02:00

"Los terribles dos"

A los adultos nos encanta categorizarlo todo, poner títulos. Si esta clasificación se hace en función de nuestras emociones, desde nuestro punto de vista, mucho mejor.

"Los terribles dos" es uno de esos títulos que se refiere al periodo comprendido entre, más o menos, los dos y tres años de edad. También se conoce como "La primera adolescencia".

Una etapa marcada por unas características que nada tienen que ver con las propias de los primeros dos años de vida: independencia y autonomía, necesidad afectiva, oposición, autoafirmación, imaginación...

En esta etapa crucial para el desarrollo de la personalidad adulta los padres y madres sabemos muy bien cómo nos sentimos: perdemos la paciencia y el control de la situación, nos desesperamos. Pero, ¿cómo se sienten ellos?

Con este proyecto intento reflexionar, acercarme a lo que hay detrás del típico cliché sobre esta etapa: los berrinches, las pataletas. Intento descubrir en mi hija eso tan importante que está ocurriendo y que marcará una parte fundamental de su vida adulta.

Me gustaría poder entrar en su cabeza y sentir lo que ella siente, lo que imagina, ver con sus ojos.

Por desgracia, o por suerte, solo tengo una cámara de fotos para acercarme a su realidad.

Texto: Rafa Raigón

Más información sobre Rafa Raigón
Sección: 26 Domingos de Fotografía SCAN

¡Utopías del Arte en la @RevistaUnBreak!

2013-04-12T08:46:00.000+02:00

Ya está disponible en la Apple Store la Revista UnBreak [descargar app], una revista donde "El Dado del Arte" se encarga de la sección de arte contemporáneo, llamada "Utopías del Arte".

En este primer número hemos entrevistado a Cayetano Ferrández, aquí podéis ver algunas capturas de la revista, pero lo mejor es que os bajéis la app y podáis disfrutar de la entrevista y de sus fotos en iPad.

UnBreak es una revista interactiva, mensual y gratuita para iPad. Se caracteriza por su tono simpático, informal, urbano, interesante, divertido, desenfadado y geek. UnBreak cubre temas de interés general que abarcan: Moda, Deportes, Videojuegos, TV, Series, Entrevistas, Humor, Música, Sexo, Gadgets, Fotografia, Vintage, Historia, Cocina, Reportajes, Cine, Apps, Arte Contemporáneo, Youtube, Cómic, Social Media, Apple, Educación...

Aparte de "El Dado del Arte", algunos colaboradores de la revista son Víctor Amela, Axel Torres, Cálico Electrónico, Loulogio, Dani Lagi, Quim Domènech, Gina Tost, Quim Morales, Especialistas Secundarios, Enric Company, Bernat Barrachina, Álvaro Benito, Amo & Navas, Roser Amills, Jesús María Montes-Fernández, David Ochoa (BytePodcast), JPelirrojo, ifilosofía, Chema Alonso, Yo fui a E.G.B, El Cocinero Fiel, Miguel Noguera, Tigretón y Bollicao, Toni de la Torre, Dolors Reig, Francesc Grau, Albert Boira, Javier Sanz, Dani Pérez, etc.

Si tenéis iPad, ¡hacer un break en vuestro día! y si podéis, dejar vuestra opinión en forma de comentario tras navegar por la revista :-)

¿Cómo retransmitir una exposición de arte en Twitter?

2013-04-11T08:22:00.000+02:00

¿Cómo retransmitir una exposición de arte en Twitter? Hace casi dos años que me planteé cómo podía acercar una exposición de arte a través de Twitter y concretamente "cómo retransmitirla". Tras retransmitir a través de Twitter exposiciones en CaixaForum Barcelona, Arts Santa Mónica o Fundació Mirò, previamente calendarizadas para que pudieran seguirse, en esta ocasión propuse a una serie de tuiteros de Barcelona la realización de una retransmisión conjunta de la nueva exposición de la galería "El Quatre" en Barcelona, aprovechando que celebraban su nueva ubicación en la capital catalana y además la celebración de sus 27 años de apertura (más info aquí).

Así nació la propuesta #homepage en @ElQuatre que se celebró el pasado jueves y cuyo resultado fue más que exitoso por varias razones:

Gran compromiso de la galería, habilitando incluso un "Twitter Space" para los tuiteros invitados.
Gran participación y proactividad de los tuiteros invitados.
Implicación de los artistas, respondiendo amablemente a todas las preguntas.

Y como explican desde el blog de El Quatre la retransmisión permitió llegar directamente a un público interesado en arte y cultura y además hizo posible que la inauguración se siguiera minuto a minuto a través de la red en cualquier parte del mundo.

Si no pudiste seguirlo a través de Twitter, aquí tienes el Storify que recopila los mensajes emitidos durante la inauguración:

¡Gracias nuevamente a El Quatre y a todos los tuiteros por aceptar la propuesta! Habéis conseguido activar al sector galerístico :-)

Marcel Pedragosa

2013-04-07T10:17:00.000+02:00

Parisii

This series has the intention to recreate a new and distinct visual interpretation of the western city across a type of photography that breaks with the stereotyped look, which is always present in the history of Paris metropolis. At the same time, Parisii distances from the pre-established photography model, the product of a continued repetition of the classic imagery attached to this city. All the images presented together with this letter of intent have been taken within the perimeter of the city of Paris. The main propose of this selection is not to show Paris “as we know it.” These images could come from any western metropolis. This project seeks to portray the daily activity of new values and conducts that impregnate the current urban culture in the contemporary society from a documentary optic. Solitude, individualism and ambiguity are some of the abstracts depicted in the overarching narrative inside these visions.

Texto: Marcel Pedragosa

Más información sobre Marcel Pedragosa
Sección: 26 Domingos de Fotografía SCAN

Hoy se inaugura #homepage en la galería @ElQuatre

2013-04-04T08:39:00.000+02:00

Después de llevar 27 años en un lugar, pocas galerías son capaces de cerrar una etapa y abrir una nueva en otro espacio, con el mismo nombre y los mismos artistas.

Pero este ha sido el caso de la galería El Quatre, que abrió el 4 de Abril de 1986 en Granollers y hoy, 4 de Abril de 2013 abre sus puertas en Barcelona. Y abre precisamente con toda una declaración de intenciones por parte de los galeristas: apostar por el arte joven. Javier de la Rosa y Julia Marqués son los artistas escogidos para conformar "Home page" la página de inicio de una nueva etapa en El Quatre.

"Home page" recoge las obras de dos artistas que se enmarcan dentro de la corriente del realismo y la figuración -Javier de la Rosa (Madrid, 1984) y Julia Marqués (Sevilla, 1979)- pero mientras Javier persigue "la orientalización", Julia juega con los estampados de las telas para trabajar encima.

Esta tarde es la inauguración, pero si no puedes asistir... ¡no te preocupes! Más de 15 tuiteros estaremos retransmitiendo lo que ocurra a través de Twitter con el hashtag #homepage

Más información:

Galería El Quatre

c/ Rosselló, 193 (<M> Diagonal, FGC parada Provença)

Inauguración de #homepage el 4 de Abril a las 19h.

La exposición permanecerá abierta hasta el 1 de Mayo.

Ana Galán

2013-03-31T10:24:00.000+02:00

Viv(r)e la Vie!

Viv(r)e la Vie! es una serie fotográfica "en proceso", que nos muestra fotografías de parejas de perfil sobre un fondo de paisaje en perspectiva y constituye un homenaje a las personas que deciden no volverse invisibles.

El concepto relata los dos principios contrarios, masculino y femenino, que se funden en un abrazo como símbolo de conjunción, de unidad y pertenencia, la unión de dos planetas que se encuentran en la misma línea de gravitación. Sus paisajes de coníferas representan el poder de la fuerza vital, de la inmortalidad.

Viv(r)e la Vie! es una tipología fotográfica de parejas que se reúnen para bailar. Comencé la serie en Guadalajara, España, con la idea de realizar nuevas series de 10 parejas en diferentes ciudades del mundo.

Parejas de una cierta edad, personas poco visibles, pero que no han dejado de vivir plenamente y cuya estrecha relación se retrata en los bailes de su localidad.

Las fotografías dan visibilidad a personas que, desde hace cierto tiempo, carecen de ella. Esta serie, al mismo documenta la diversidad cultural entre distintas ciudades y países. El objetivo de este proyecto sería formar un extenso inventario visual transcultural, casi como pequeñas historias de vida antropológica y social de una personas que alcanzan una edad madura, pero activa.

La segunda serie de Viv(r)e la Vie! la he desarrollado en la ciudad americana de Filadelfia, en junio de 2011, gracias a una residencia concedida por Philadelphia Arts Hotel, la tercera en Finlandia en junio de 2012 gracias a una residencia concedida por Arteles Creative Center y la cuarta serie realizada el pasado mes de noviembre de 2012 fue posible gracias a una residencia concedida por el Balay Kalamragan AIR program. La quinta serie la realizaré en mayo de 2013 en Islandia gracias a una residencia concedida por Nes Artist Residency.

Texto: Ana Galán

Más información sobre Ana Galán
Sección: 26 Domingos de Fotografía SCAN

II edición del curso "Gestión Cultural 3.0" de @articaonline

2013-03-27T08:39:00.000+01:00

El próximo miércoles día 3 comienza la II edición del curso "Gestión Cultural 3.0" impulsado desde el centro cultural Ártica 2.0 y en el que participo como docente junto con Dolors Reig, Mariana Fossatti y José Barcia.

El temario del curso es el siguiente:

1. Evolución de la web (2.0, 3.0, 4.0) y tendencias a tener en cuenta desde el sector cultural: Del cambio social a la evolución técnica: web semántica, web móvil, realidad aumentada, Internet de las cosas, datos abiertos. Conceptos que están cambiando nuestra relación con los objetos culturales. Ejemplos de uso de estas nuevas tecnologías en proyectos culturales de distintas disciplinas.

2. Creación de redes y comunidades culturales en Internet: Definiendo un ecosistema cultural para nuestro proyecto. Construcción de audiencias y búsqueda de colaboradores para contenidos y actividades culturales.

3. El content curator y la personalización y contexto del contenido cultural: roles, tareas y herramientas del content curator en cultura.

4. El community manager y la dinamización de comunidades culturales: del consumidor al prosumidor, del espectador a la interactividad. Cómo lograr la participación, colaboración e interacción con la audiencia para generar ambientes culturales sostenibles e inteligentes. Cómo medir y evaluar nuestros resultados.

5. Proyecto final. Diseñando una comunidad cultural. En este módulo los docentes orientarán a los participantes en la elaboración de un proyecto de comunidad o red cultural en Internet.

Si estás interesad@ en conocer la evolución de la web, cómo crear redes y comunidades o profundizar en los roles de content curator y community manager, ¡este es tu curso!

Más información aquí.

Daniel S. Álvarez

2013-03-24T10:17:00.000+01:00

Okuhe

"Okuhe" [奥へ] es una exploración sobre el espacio íntimo, del proceso fotográfico como vehículo narrativo y de las limitaciones de la imagen en tanto que memoria y representación de nuestra realidad. Una pequeña historia sobre como conocí a mi mujer y descubrí la fotografía.

"Okuhe" es un juego de palabras en japonés que significa "para mi mujer" y "hacia adentro".

Texto: Daniel S. Álvarez

Más información sobre Daniel S. Álvarez
Sección: 26 Domingos de Fotografía SCAN

Nuevas perspectivas para el sector galerístico: el modelo @Gunter_Gallery

2013-03-21T08:45:00.000+01:00

Si hablamos de galerías, tod@s tenemos en mente cómo son, pero en 2013 ciertos modelos de galería pueden parecer obsoletos y necesitan una remodelación y adaptación al contexto actual.

Esta nueva perspectiva la tiene muy clara el equipo de Gunter Gallery, de hecho el lema de su galería es "El arte nunca ha estado tan cerca de ti" y lo llevan al extremo sacándolo literalmente a la calle ante el asombro de los transeúntes.

Gunter Gallery es la primera galería on line dedicada a la obra gráfica de artistas españoles tan relevantes como BoaMistura, Aitor Saraiba, BToy o Sr X. Desde el 15 de febrero y hasta el próximo 5 de abril, el espacio "Función Lenguaje" (Madrid) acoge la muestra #somosgunter donde por primera vez se pueden contemplar en vivo muchas de las obras que forman parte de la galería on line.

Personalmente las obras que más me han gustado de las propuestas por Gunter Gallery son:

Destacar de esta propuesta de Gunter Gallery la aproximación que realizan del trabajo de estos jóvenes creadores -ilustradores, grafiteros o artistas plásticos- a todo el mundo, permitiendo además adquirir las obras de ediciones limitadas a un precio muy competitivo.

Además el propio equipo ofrece 5 razones por las que comprar en Gunter Gallery:

1. Los artistas. Una gran selección de nombres del arte emergente y underground español juntos por primera vez en una galería.

2. Los precios. Obras originales y exclusivas, numeradas y firmadas.

3. La cercanía de Internet. La sede de Gunter Gallery es la red, donde no existen barreras físicas y permite tanto comprar como mostrar la obra a todo el mundo.

4. Arte contra la crisis. Literalmente Gunter Gallery afirma "El arte da la felicidad. Lo decimos de manera absoluta".

5. Por el equipo: Amalio, Marta y Mario. Gunter Gallery lo forman tres jóvenes emprendedores con ganas de acercar el arte a la gente y ayudar en la promoción de estos jóvenes artistas.

Si estás en Madrid, no dejes pasar esta oportunidad de visitar hasta el 5 abril la exposición #somosgunter.

PD. ¡Gracias Mario por invitarme a asistir a la inauguración!

Maíra Soares

2013-03-17T10:13:00.000+01:00

Encontros e Despedidas

Encontros e Despedidas es el relato personal del viaje que Maíra Soares hizo a Brasil en 2011 para reencontrarse con su madre en sus últimos días de vida. Es el título de una de las canciones que su madre cantó en el hospital, poco antes de perder su voz.

Este Seu Olhar (Esta mirada tuya) es un ensayo creado a partir de las fotografías que el padre de la autora tomó de su madre durante su luna de miel. Maíra encontró estas imágenes tras la muerte de su madre, 35 años después de que fueran tomadas, y sintió que estaba mirando a otra persona.

El objetivo de este trabajo es revelar el mundo de su madre y sus sentimientos durante este periodo de su vida e introducirse al mismo tiempo en los recuerdos de su padre.

En 2012, Maíra se autopublicó su primer libro, Este Seu Olhar. La publicación tiene 500 ejemplares y ha sido coeditada junto a los estudios Siete de un golpe y underbau.

Texto: Maíra Soares
Más información sobre Maíra Soares
Sección: 26 Domingos de Fotografía SCAN

Mi experiencia @arcobloggers

2013-03-12T08:45:00.000+01:00

Han pasado ya varias semanas desde que el encuentro físico de ARCO Bloggers (de ahora en adelante Ab) tuvo lugar en el marco de la conocida feria de arte contemporáneo de Madrid. Hasta ahora, por motivos personales y profesionales no he podido sentarme, analizar lo acontecido y escribirlo.

He querido centrar el post en mi experiencia en primera persona como Ab, pero podéis ampliar la visión con la experiencia de otros bloggers como Camila y el Arte, Nicola Mariani o Underdogs, entre otros.

En primer lugar, mencionar que Ab no fueron únicamente dos días de debate en el Foro de Expertos en Arte Contemporáneo de ARCO, sino que Ab ha sido una plataforma editorial donde diversos bloggers y otros bloggers invitados a lo largo de casi 4 meses hemos ido configurando una visión sobre la situación actual del arte, desde múltiples perspectivas y enfoques.

Mi participación en la plataforma de Ab hasta ahora ha sido de 14 posts -podéis consultarlos aquí- y cabe destacar que en ningún momento la organización nos marcó la temática de los mismos, aunque sí nos aconsejaron a los primeros bloggers invitados, publicar al menos uno a la semana en la plataforma de Ab, cosa que si eres blogger no te debía costar demasiado :-) Ha habido bloggers que han sabido aprovechar al máximo la difusión e incluso han publicado 2-3 posts a la semana y otros que no.

Las expectativas con las que yo iba a Ab no eran altas, creo que este tipo de eventos hay que tomárselos siempre con humildad, y manteniendo los pies en la tierra, por mucho que sea ARCO, en cierta manera, te han invitado porque han considerado que eres un blogger profesional y puedes aportar un punto de vista novedoso en el foro, no porque seas un blog-star. Y quizás este punto ha jugado una mala pasada a algunos participantes.

Fotografía, vía @EstiPerez

Sin embargo, a pesar de que mis expectativas no iban más allá de poder participar en la mesa -y por ende contar con los beneficios vinculantes (pase a la feria, alojamiento, viaje, remuneración)- mi experiencia en Ab ha sido muy positiva por varios motivos.

1. He podido desvirtualizar a personas referentes del sector, y sobre todo conocer a otras que me han sorprendido gratamente y a las que merece la pena seguir de cerca.

2. Me han dado la oportunidad de dar a conocer "El Dado del Arte" ante un público “físico”, y formar parte del "paraguas de difusión de ARCO".

3. Gracias a haber participado en la mesa de debate, tanto la prensa, como la radio y la TV (pendiente de emisión) se han hecho eco del blog, considerando interesante la perspectiva poliédrica sobre la actualidad artística que se muestra.

Por lo tanto... ¡han superado con creces las expectativas iniciales!

Revista HSM

ABCD de ARCO

El encuentro físico de Ab se realizó los pasados 15 y 16 de febrero, a pesar de que me tocaba participar el viernes, asistí aún con más ganas el sábado para escuchar a Juan Martín Prada, Anna de Golferichs y Nicola Mariani, personas con las que aprendes y disfrutas, porque complementan tus puntos de vista y lo hacen de manera cercana y profesional. Aparte este segundo día también participaban Jason Daponte y Evan Roth que aunque son más artistas que bloggeros, presentaron magistralmente sus respectivos trabajos.

Angry Birds All Levels (Evan Roth)

En el ecuador de esta segunda sesión María Sánchez comenzó un debate con Roberta Bosco sobre si el formato de Ab estaba siendo el adecuado, principalmente en cuánto a participación. La discusión se demoró tanto que apenas quedaba tiempo para los tres ponentes finales: Valentina Tanni, Anna de Golferichs y Nicola Mariani. Yo fuí a escucharles a ellos, quería saber más de sus blogs y qué mejor manera que el propio blogger para exponerlo. No era el momento de ponerse a discutir, ese día los protagonistas eran ellos, llevaban meses trabajando en la plataforma y años trabajando en sus blogs. Esas discusiones se plantean en el tiempo de debate, no en el de las intervenciones.

Segundo día en Ab

En el viaje de vuelta a Barcelona, pude reflexionar sobre cuáles habían sido los errores cometidos en ese encuentro físico de Ab:

-Tiempo para el debate. Siempre, en cualquier debate, conferencia, etc. siempre falta tiempo para el debate. Por más que se contemple previamente el tiempo para debate, siempre falta. Pero para un debate de calidad, no hablo de convertir Ab en un Sálvame, como bien exponen desde el blog de Camila y el Arte.

-Streaming. Es cierto que se anunció que habría streaming y que hubo momentos que funciono, pero no siempre. Pero esto pasa en muchísimos eventos en los que se anuncia que habrá streaming, cuando no falla la voz, falla la imagen, estamos en 2013, pero la tecnología aún hoy nos puede jugar una mala pasada, a tod@s. Sin embargo, cabe destacar el esfuerzo por implementar streaming en un contexto como ARCO donde jamás ha habido un streaming, quizás ha sido una prueba de fuego para conseguir sacar ARCO y sus acciones fuera de los pabellones de IFEMA, así que cabe aplaudir la audacia del equipo organizador en este caso.

-Recursos Humanos. Personalmente creo que a Roberta le faltó una persona de soporte que pudiera estar más pendiente de las redes sociales, de lo que se estaba comentando en ese momento, de poder retransmitirlo y recopilar las preguntas que se emitiesen para exponerlas en el tiempo de debate a los ponentes, aunque al final el debate "en red" no fue tampoco el que se esperaba, por ello lo pongo en tercer lugar.

Ahora bien, era una primera edición, es la edición para probar las cosas y ver lo que ha funcionado y lo que no, lo que se puede mejorar y lo que se espera de un debate así. Pero por encima de todo ello se ha de valorar el llevarlo a cabo, es la primera vez que se realizaba un evento de tales características, por lo que los que fuimos invitados debemos sentirnos agradecidos por la oportunidad que ARCO nos brindó. Desde mi punto de vista, sólo recuerdo una oportunidad similar, la emprendida en 2009 desde el portal Arte10 con la sesión de Redes de Arte.

Por ello, considero bastante ridículo seguir semanas después del evento criticando que no se pudo disfrutar de un streaming, ¿por qué el ser humano tiene esa insaciable necesidad de PEDIR y PEDIR? Ante las adversidades, se ha de aprender y analizar el contexto. Es muy fácil criticar, pero convendría al menos por un segundo, ponerse en la piel del organizador y dirigir el evento, mientras presenta a los ponentes, tuiteaba, preparaba preguntas, establecía diálogo con los participantes en la mesa y estaba al tanto del público. Si alguien es capaz de hacerlo mejor, que se ponga ahora mismo, porque yo creo que todos somos humanos, y que incluso en ARCO pueden pasar estas cosas.

Aún la semana pasada he visto que Ab ha seguido generando controversia, incluso la madre de una de las ponentes invitadas, ha llegado a emitir tuits mezclando mayúsculas, y las palabras "gitanos" y "profesional". Sí, ya imagino vuestro rostro de WTF? pero creo que si nuestros padres (o al menos los míos) nos han inculcado valores como el respeto, la solidaridad, la educación, etc. por edad, hemos de enseñarles netiqueta, es decir, el comportamiento que se ha de seguir en Internet para poder establecer un diálogo con otros usuarios, por favor... inculcarlo a vuestros predecesores si aún no lo habéis hecho. En primer lugar, no se puede escribir un tuit entero en mayúsculas, ya que es sinónimo de estar gritando, y no se debe gritar ni en persona ni por Internet a otro usuario, ya que indica que una de las partes no está dispuesta a dialogar y por tanto no va a poder efectuarse la comunicación entre esas dos personas. En segundo lugar no se puede llamar “gitanos” a otros usuarios, Twitter no es un patio de vecinos y ni aunque lo fuera. Y en último lugar no se puede mezclar en ese tuit la palabra “profesional” porque cae por su propio peso.

Pero más allá de este fallo de manual de netiqueta, que esperemos no vuelva a ocurrir, hemos de ser conscientes que esas actitudes no mejoran nada, ni los blogs de arte, ni la cultura, ni nada, lo único que hace es degradar aún más el sistema.

Hoy día, la única manera para poder valorar el trabajo de una persona es demostrándolo. La “profesionalidad” o “el ser profesional” es algo que se trabaja y que se ha de saber mantener, no es un ticket-regalo, es una afirmación del sector a un trabajo bien hecho, a una persona que respeta tanto su trabajo como el de las otras personas. Un trabajo que se realiza sin insultar, desde la creencia y la realidad de que aporta valor al resto de la sociedad, por una persona sin egos, que demuestra cada día con su trabajo constante y riguroso.

Con ese tipo de comentarios supongo que el equipo organizador formado por Roberta Bosco y Stefano Caldana deben estar deseando cerrar Ab. Y quizás poniendo muy en duda una segunda edición. Y me sabe mal, sobre todo por el sector, porque no son numerosos este tipo de encuentros y en segundo lugar, porque personalmente me gustaría poder escuchar en una segunda edición a bloggers tan punteras ahora mismo como Laura Cano o Marta Lorenzo. Dos historiadoras del arte que están demostrando profesionalidad a pesar de contar con blogs muy jóvenes, y sobre todo dejando claro que son jóvenes sobradamente preparadas y con las ideas muy claras.

Por último quiero también mencionar los post que a última hora he podido leer con las opiniones de otros asistentes al foro:

-Interesante planteamiento desde Camila y el Arte, aludiendo a la intervención de Juan Martín Prada, en relación a cómo se estudiará en un futuro la asignatura de “Fuentes para la Historia del Arte”, serán los blogs fuentes para la historia? Yo creo que afortunadamente hay ya docentes sensibles a esta nueva corriente de información, o al menos 3 profesores de diferentes universidades y centros me han indicando que se basan en muchos posts de mi blog en sus clases, esto es positivo, pero también aumenta la responsabilidad que afrontas desde tu blog hacia el mundo exterior. Otro aspecto clave que citan en este blog es el de la credibilidad, “La credibilidad se construye poco a poco y trabajando, pero las redes sociales construyen la credibilidad por numero de Followers y Me gustas. Un nuevo follower no es sinónimo a que se lean el contenido de tu blog”, es decir, un post puede generar debate 3 meses después de haberse publicado, no debemos obsesionarnos tanto con el tiempo, como bien indicó Juan Martín Prada, al fin y al cabo, el día a día nos hace postergar la lectura de mucha información, eso no significa que sea mejor o peor.

- También Nicola Mariani en su blog, publicó un post pidiendo principalmente el feedback tras su pequeña intervención, la verdad es que se merece un aplauso enorme porque tuvo que cerrar el ordenador e improvisar, aún recuerdo que en sus últimas palabras dijo que él había ido para hablar de su blog, y ya que no había podido, podíamos visitarlo en nicolamariani.es

- Desde el blog Zapatos Rosas se presentan opiniones de dos personas que asistieron como público e intervinieron en el debate del segundo día, una persona que asistió el primer día como público y una persona que no asistió. En base a preguntas y respuestas seleccionadas conforma un post que quizás, aprovechando el formato de entrevista, se podría haber complementado con entrevistas a guests bloggers, para dar una visión más amplia de Ab.

Hasta aquí la “experiencia @arcobloggers” en próximos posts, como historiadora del arte, me centraré en mostrar una selección de las obras que más interesantes me parecieron de esta última edición de ARCO.

Gerard Boyer

2013-03-10T10:19:00.000+01:00

1993

1993, el año que llegué a Tarragona, la antigua Universidad Laboral de Tarragona, actualmente Complex Educatiu de Tarragona, fue el lugar donde pasé ese primer año fuera de casa.

Ahora, después de casi 20 años me propuse volver atrás.

El trabajo aún en proceso refleja la necesidad de comprender mejor el territorio que nos rodea y al cual hemos pertenecido, aunque a veces pueda parecer lo contrario, el trabajo es el resultado de realizar diferentes aproximaciones sobre un lugar concreto, que podría no ser cercano a nosotros, sintiendo una necesidad de observar lo que nos ha rodeado en tiempo pasado.

Una necesidad que se expresa principalmente a través de la observación del espacio y sus elementos, y el enfoque de las relaciones tácitas o intangibles que nos separan o unen a nosotros con él.

Hay un deseo de mover la mirada hacia nuevas formas de observar la naturalidad característica de la vida actual, formado por una mezcla de azar, el artificio, los sueños y recuerdos que todavía perduran y que comportan una visión de los escenarios posibles alterados por los recuerdos y por la subjetividad de cada momento.

Texto: Gerard Boyer
Más información sobre Gerard Boyer
Sección: 26 Domingos de Fotografía SCAN

Víctor Vilamajó

2013-03-03T10:22:00.000+01:00

Taxonomía de objetos indisciplinados

¿Es posible para el fotógrafo, conocer la naturaleza última de la realidad que observa y captura en una imagen?

Partiendo de la premisa que cualquier objeto del mundo queda alterado por la presencia de un sujeto que lo mire, en principio, la respuesta sería que no. No obstante, formalicemos el pacto de ficción y supongamos que disponemos de un dispositivo que permite el retrato de unos objetos ajenos a toda mirada, por ejemplo, de una cámara estenopeica, que opera con exposiciones muy largas. ¿Qué resultados obtendríamos? ¿Serían la verdadera muestra de los objetos en su esencia?

Para comprobarlo, os proponemos que os dejéis llevar por las imágenes que veréis a continuación. Todas ellas, resultado de este hipotético experimento, pretenden ser la evidencia sensible de una serie de ejemplares, expresándose como elementos radicalmente libres.

Si sois de carácter escéptico y la razón no os falla, tildaréis las fotografías de inverosímiles. Si vuestras creencias se fundamentan únicamente en percepciones sensibles, las daréis por buenas. Si creéis en fenómenos trascendentes, tenderéis a atribuirlas a un milagro. Si nos os convence lo que veis, pero os apetece jugar, os autoengañaréis para no perder la ilusión. Si creéis en el talante azaroso de la naturaleza, posiblemente las toméis como la excepción que confirma la regla… Pero en el espíritu independiente del objeto fotográfico, siempre constituirán una brecha abierta a todos aquellos mundos que luchan por ser imaginados: un homenaje a todos aquellos artefactos que, por inexistentes e imposibles, asociamos a fuerzas esotéricas y mágicas, o bien, al terreno de los sueños.

Texto: Víctor Vilamajó
Más información sobre Víctor Vilamajó
Sección: 26 Domingos de Fotografía SCAN

El telescopio precoz del artista

2013-02-26T08:26:00.000+01:00

Hoy comparto el interesante post que @Hesperion publicó en su blog Cabrablog este domingo titulado: El telescopio precoz del artista donde plantea la revalorización de los artistas en la actualidad.

Ya no podemos vivir sin el formato televisivo de moda: el debate. Debates a todas horas, en todos los canales, sobre los temas de actualidad. Periodistas y, últimamente, muchos economistas, son los que emiten opinión, generan polémica, debate, discusión, nos informan. El debate tiene actualmente ese tono dinámico, guerrillero y plural, en el sentido de que, en una misma mesa y de una sola vez, te puedes formar una ligera opinión. Los tertulianos se han convertido en los gurús de nuestra sociedad.

En todo este maremágnum político y social, siempre echo de menos en estas mesas a una gran figura que, personalmente, creo que es un pilar dentro de nuestra sociedad: al artista.

Seguramente ningún artista querría formar parte de esta exposición mediática pero aparte de eso, creo que se les debería llamar. Ellos, como nadie en esta vida, están especialmente entrenados para observar, para mirar, para conectar ideas, para contraformular, para replantearse las situaciones que vivimos.

Ellos, como nadie, vislumbran antes que nadie lo que sucederá o más concretamente, lo que nos sucederá a todos, conjuntamente, como sociedad. Creo, muy sinceramente, que alguien les debería llamar.

El artista ha desarrollado una piel hipersensible a los acontecimientos y una mirada futurista que estamos desaprovechando. Los artistas deberían formar parte del colectivo de gurús de la sociedad. Años de trabajos y multitud de exposiciones a sus espaldas demuestran que no son unos videntes de rituales extraños. Son unos exploradores incansables con la gran responsabilidad de gritar "¡Tierra!" cuando nadie se lo pide. Y siempre que pueden, nos regalan su don, su avanzada, crítica, incisiva y mordaz mirada. A veces, sin embargo, no les hacemos demasiado caso. Quizás pensamos que con una sola opinión y una sola mirada ya tenemos suficiente.

Aparte de su prematura detección y la responsabilidad con la que la ejercen, el motivo definitivo por el que se merecen estar más considerados es por la generosidad con la que nos hacen partícipes de sus hallazgos. Un artista nunca se quedará un conocimiento para sí mismo, siempre lo querrá expresar y compartir con los demás.

Pienso que ahora, más que nunca, los artistas deberían ocupar un lugar privilegiado y ser los gurús de los próximos años. Y, como dice la escultora Cristina Iglesias, los museos deberían estar más llenos que nunca.

Vosotros, qué opináis?

Laia Moretó

2013-02-24T10:20:00.000+01:00

Sabemos que sueña de noche

Estructurado en tres capítulos: Sentido, Distancia y Límite, el proyecto presenta un acto creativo sobre las percepciones de una niña pluridiscapacitada. Un espacio donde se accede desde la realidad y la ficción fotográfica a partir de los testimonios personales del entorno de la protagonista y la mirada dual de la autora.

Texto: Laia Moretó
Más información sobre Laia Moretó y serie completa
Proyecto ganador de la Beca de Creación Fotográfica Torroella de Montgrí, 2011.
Sección: 26 Domingos de Fotografía SCAN

La no-broma de Damien Hirst, l’enfant terrible del mundo del arte

2013-02-21T08:37:00.000+01:00

Trabajemos dentro del mundo del arte o no, lo cierto es que los seres humanos “de a pie” no podemos llegar a comprender en muchas ocasiones como ciertas obras de arte contemporáneo tienen un precio de más de seis ceros. La perplejidad aumenta cuando las obras nos parecen una broma.

¿Cómo es posible que un tiburón muerto dentro de una vitrina de formol llegue a valer 12 millones de dólares?

Vayamos por partes, el precio de una obra en una subasta, no se establece en función de la pintura utilizada, el mármol empleado o el tiempo dedicado. Hay algo más. El valor de la idea. Y por encima de este valor se encuentra situado el valor de la marca. Y de eso Hirst sabe mucho, de hecho es internacionalmente conocido como el artista vivo con la obra mejor pagada.

Aparte del valor de la marca, hemos de tener presente dos factores más. El primero es que el arte “tradicional” está prácticamente agotado, el suministro de estas obras en las subastas de arte cada vez es inferior y por lo tanto, el arte contemporáneo está saciando ese afán poseedor de muchos compradores y coleccionistas. Y el segundo factor es que en cada generación únicamente podemos hablar de una media de diez artistas “grandes” -en el sentido de que los artistas posteriores jamás podrán actuar como si ellos no hubieran existido-, por ello el valor de ese escaso número de artistas aumenta notablemente.

El economista Don Thompson se preguntaba en su libro “El tiburón de los 12 millones de dólares” lo siguiente: “¿Qué combinación de talento, suerte y sobre todo de marketing y marca conduce a un artista a la cumbre?”. Y la clave está precisamente en esa mezcla. En el talento para hacer algo “diferente”, en la “suerte” de ser visto por el coleccionista idóneo en el lugar apropiado y en la capacidad que tiene un artista para “saber venderse”.

A Thousand Years, 1990.

Pero, ¿cómo empezó la fama de Hirst? Damien nació en 1965 en Bristol (Reino Unido), estudió Bellas Artes en Goldsmiths y compaginó la universidad con su trabajo en un depósito de cadáveres, experiencia clave para el desarrollo de su obra. Desde principios de los 90 se ha posicionado como un nombre clave al hablar del nuevo arte británico, y por supuesto, el más exitoso de la generación “Young British Artists” más conocidos como YBAs. Con poco más de 30 años ya era multimillonario tras vender algunos de sus Medicine Cabinets o algunas piezas de su serie Natural History. En realidad, el momento clave para el despegue de su carrera fue en 1990, cuando Saatchi visitó “Gambler”, una exposición organizada por el propio Hirst con obras propias y de sus compañeros. Saatchi quedó boquiabierto ante la obra A thousand years, la compró y decidió financiar la “gran obra” de Hirst, The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living (La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo). En esta obra Hirst lleva a su máxima expresión su deseo de describir sentimientos a través de una cosa, que no sólo representaba la naturaleza de la existencia humana, sino que encarna la vida misma. Si nos alejamos de la primera fugaz idea de que la obra parece una broma y nos paramos a pensar, nos damos cuenta que un tiburón es algo terrorífico, mucho más grande que nosotros y parece vivo cuando está muerto y muerto cuando está vivo.

The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living, 1991.

Meses antes de mostrarla al público, esta obra fue objeto de numerosos rumores y una vez expuesta en la galería de Saatchi, toda la crítica tuvo claro que se convertiría en una de las imágenes icónicas de finales del XX. Pero aparte de obra icónica también se ha convertido en obra polémica. Por un lado, recibiendo críticas de grupos defensores de los animales, y por otro, porque el tiburón original fue sustituido al poco tiempo por otro debido a que estaba mostrando símbolos de descomposición ya que las técnicas de conservación no habían sido suficientes. Aún así, Saatchi logró silenciar esa polémica sobre el concepto de “obra original” tras vender a Steve Cohen un nuevo tiburón con diez veces más cantidad de formol que el primero.

Sin duda la fama de Hirst tiene mucho que agradecer tanto a Larry Gagosian, el marchante estadounidense como a Jay Jopling, el propietario de la galería White Cube en Londres, pero sobre todo responde a sus dotes de marketing y a la habilidad para poner títulos a sus obras. Si bien pudo poner “Tiburón” al tiburón en formol, decidió poner a la obra un título que respondiera a su motivación artística y que obligara al espectador a crear un significado y a intentar relacionar lo que ve con el título, una vez resuelto el enigma y haber reflexionado, el espectador podrá pasar a la siguiente obra.

Y aunque en la obra de Hirst, en un primer momento, podemos ver grandes diferencias formales, la realidad demuestra que todas sus obras giran en torno a una temática común: la fragilidad de la existencia, la muerte y la idea de la vida como paradoja de la muerte. Esta temática la representa fundamentalmente en cinco series en las que podríamos resumir su producción: spin paintings -pinturas giratorias de forma circular-, spot paintings -lienzos con hileras de círculos de colores-, butterfly paintings -collage caleidoscópico con miles de alas desmembradas-, medicine cabinets -vitrinas con material médico, desde instrumentos hasta medicamentos y piezas de modelos anatómicos- y natural history -vitrinas de diferentes tamaños donde aparecen animales, en ocasiones diseccionados, cubiertos por formol-.

Beautiful, childish, expressive, tasteless, not art, over simplistic, throw away, kids’ stuff, lacking in integrity, rotating, nothing but visual candy, celebrating, sensational, inarguably beautiful painting (for over the sofa), 1996.

Amylamine, 1993.

Doorways to the Kingdom of Heaven, 2007.

Doorways to the Kingdom of Heaven, 2007. (detalle)

Las spot paintings ocupan uno de los primeros puestos en el ranking de críticas hacia Damien Hirst. En primer lugar porque son realizadas por sus ayudantes bajo sus indicaciones cromáticas y en segundo lugar por la simplicidad aparente de las piezas: filas de círculos de colores. Las obras están compuestas de círculos multicolores del mismo tamaño, alineados sobre fondo blanco y con el mismo espacio libre entre cada círculo. Pero Hirst no está bromeando, y lo demuestra en los títulos de estas series de puntos de color, títulos que responden a nombres de preparados farmacéuticos. Trasladando este concepto al ámbito artístico nos encontramos con la necesaria interacción entre diferentes elementos para conseguir un poderoso resultado. Precisamente es en estas spot paintings donde Hirst defiende “el acercamiento científico a la pintura” que en ellas tiene lugar, no sólo por la precisión, sino también por la descomposición de los preparados farmacéuticos en colores.

Sus Medicine cabinets también ocupan un destacado lugar en su producción, surgieron tras visitar una farmacia con su madre y percibir el contraste entre su absoluta fe en la medicina moderna y su escepticismo hacia los beneficios del arte. El sello familiar se refleja además en la primera obra de esta tipología, donde incorporó las prescripciones médicas que su abuela le había dado antes de morir. Esta idea la lleva al summun en Pharmacy, un espacio inmersivo lleno de vitrinas de medicinas donde consigue que el visitante directamente esté dentro de la obra. Dentro de esta tipología encontramos también las vitrinas poco profundas con colillas, y las vitrinas con réplicas de pastillas de colores minuciosamente colocadas como si fueran dulces en un armario de joyas caras. De nuevo, Hirst nos devuelve al ámbito de la medicina y nos hace reflexionar sobre la atadura contemporánea que supone hoy en día para muchas personas las prescripciones médicas.

Lullaby, the Seasons, 2002. (detalle)

Trinity - Pharmacology, Physiology, Pathology, 2000.

Pharmacy, 1992.

Natural History, es la categoría de obras donde la fascinación con la presencia física de la muerte se hace más presente. Observamos como animales muertos aparecen suspendidos “en la muerte”, en una atmósfera de color azulada y cómo las obras nos hacen reflexionar respecto a la muerte, separada de la cosa muerta. Es una reflexión poco apetecible y desconcertante, no queremos realizarla dado que en cierta manera estamos “poniendo cara” a la muerte, la tenemos delante, en una vitrina y eso nos angustia.

Mother and Child Divided, exhibition copy 2007. (original 1993)

Aparte de estas categorías merece especial atención la pieza For the Love of God, una calavera humana con más de 8.000 diamantes incrustados que alcanzó los 74 millones de euros en subasta. Una pieza que ni siquiera Hirst realizó, ya que fue una joyería londinense quien modeló los huesos, incrustando sobre ellos los diamantes.

For the Love of God, 2007.

Todas estas obras, son realizadas por los múltiples colaboradores de Hirst, que a modo de obreros, participan en la elaboración de las obras en alguno de los tres talleres de los que dispone. Hablamos por tanto de personas que materializan las “ideas” de Hirst, quien se limita a dar indicaciones, y a otorgarle a la obra la “marca Hirst” para que su precio sea considerable. Sin embargo, en vez de criticar esta manera de trabajar de Hirst, en base a otros, conviene pensar que hoy día, sin la ayuda de un equipo de personas es imposible la realización de muchas obras, no sólo por las dimensiones sino también por los materiales o la complejidad técnica de la obra. Hemos de ser capaces de mirar más allá del puro objeto y reflexionar sobre la idea planteada en la obra. Es el momento de juzgar qué es más importante en estas obras: ¿la idea que transmiten o el material del que están hechas? Dejemos atrás el inmaculado valor de la autoría y persigamos el intelecto.

Recientemente, en 2012, la Tate Modern (Londres) ha dedicado una retrospectiva a sus 24 años de trayectoria, una exposición clave para comprender los trabajos de Hirst, en vivo, sin láminas, frente a frente con su tiburón, caminando entre vacas diseccionadas y observando la minuciosidad de sus círculos de color. (Link Youtube)

Stephanie Roland

2013-02-17T10:39:00.000+01:00

I use new communication medias and modern technologies (photography, videos, photo retouching,special papers, computer programming, social networks, sensors) in order to find new perspectives for themes such as death, memory, childhood and authority. Les Enfants-modèles is a project about childhood where different temporalities cross each other: History, life span, childhood length, memory length and time of exposure.

These children seem to be timeless. What period are they from? When were these photos taken? Why do they seem so calm? Are they punished? Are they treated like adults too early? Or perhaps they are dead? Certain things may transform themselves, depending on the lighting and point of view we see them with. They take on another meaning and bring you to the other side of the picture.

Texto: Stephanie Roland
Más información sobre Stephanie Roland
Ganadora del Premio Full Contact TPS (SCAN-Tarragona)
Sección: 26 Domingos de Fotografía SCAN