Mural Cultural

O Led Zeppelin e seus shows: 10/10/1969 Paris, France, L'Olympia

2025-01-29T16:16:00.003-03:00

Set-list: Good Times Bad Times/Communication Breakdown, I Can't Quit You Baby, Heartbreaker, Dazed and Confused, White Summer/Black Mountain Side, You Shook Me, How Many More Times.

"Led Zeppelin II" foi o segundo álbum da banda, lançado em 20/out/69 nos EUA e em 31/out/69 no Reino Unido pela Atlantic Records. As sessões de gravação do álbum ocorreram em vários locais no Reino Unido e na América do Norte de jan-ago/69. A produção do álbum foi creditada ao guitarrista/compositor da banda Jimmy Page e também foi o primeiro álbum do Led Zeppelin no qual Eddie Kramer atuou como engenheiro de som. O álbum exibiu o estilo musical da banda em evolução: de material derivado do Blues para um som baseado em riffs de guitarra. Já foi descrito como o álbum mais pesado da banda. Seis das nove canções eram autorais e apenas três eram reinterpretações de canções de Blues (Willie Dixon e Howlin' Wolf). Foi um enorme sucesso comercial, o primeiro álbum da banda a alcançar o primeiro lugar nas paradas no Reino Unido e nos EUA. Desde seu lançamento, vários escritores e críticos musicais citaram "Led Zeppelin II" como um dos maiores e mais influentes álbuns de todos os tempos. E a noite destacada hoje nesta coluna é exatamente muito próxima do lançamento deste segundo álbum, apenas 10 dias antes. O Led fez apenas este show em 10/out em Paris, espécie de "esquenta" (houve também um show em Londres dois dias depois) antes de embarcar em sua quarta turnê pela América do Norte (5 shows, entre out-dez/69). Este show no L'Olympia foi transmitido por uma rádio francesa e começou com uma breve apresentação/anúncio da banda antes de Bonzo realizar a contagem para a entrada triunfal com "Good Times Bad Times"/"Communication Breakdown", que abrem o show de maneira incendiária. Plant está numa noite com voz excepcional, recriando fielmente cada nota alta. Ele balança o microfone violentamente durante a introdução de "I Can't Quit You Baby". O locutor da rádio francesa faz uma participação intrusiva durante o excelente solo de Page. Bonzo então comenta "eles nem sabem o que é!" enquanto Plant apresenta a primeira vez de "Heartbreaker" para o público. O desempenho é muito semelhante ao da versão do "Led Zeppelin II". Há um estranho efeito de eco adicionado ao solo de guitarra a cappella de Page (pelas minhas pesquisas, não está claro se este efeito foi adicionado ao vivo pelo engenheiro de som ou posteriormente pela estação de rádio). O mesmo efeito de eco é usado esporadicamente em "Dazed and Confused", deixando-nos com a sensação de um 'exército de Bonzos'. O DJ francês retorna no início de um solo de arco especialmente misterioso. Page é apresentado como "The Wanking Dog" por Bonzo e Plant antes de "White Summer"/"Black Mountain Side". O DJ mais uma vez se intromete durante uma passagem tranquila. Plant improvisa novas letras durante "You Shook Me". Jones e Bonzo funcionam como uma máquina bem lubrificada. A gravação termina com uma excelente versão de "How Many More Times". Page sola descontroladamente durante uma parte estendida, incluindo alguns licks de "Over Under Sideways Down". Plant manda alguém na multidão calar a boca durante a parte "got you in the sights...", pouco antes de outra interrupção do DJ. Plant menciona uma garota que esteve com Aynsley Dunbar durante sua introdução ao medley, arrancando risadas da multidão. O medley inclui "Boogie Chillen" (de John Lee Hooker), agora com letras de Plant. A atmosfera no palco é de diversão. O final é devastadoramente pesado com Plant grunhindo sedutoramente, enquanto a banda explode ao seu redor. A gravação é uma excelente transmissão de rádio e de qualidade perfeita. Uma noite com a banda em modo "quebra tudo". Definitivamente imperdível. Ouça no volume máximo!

Canal Som de Peso: 5 Artistas Brasileiros Contemporâneos + Neil Young - Harvest | ALBUM REVIEW (vídeos 21 + 22)

2025-01-29T15:22:00.000-03:00

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Canal Rock Raro: Wishbone Ash - discografia selecionada (vídeo 116)

2025-01-29T15:13:00.010-03:00

Wishbone Ash - discografia selecionada - fase clássica

Grandes álbuns do Prog-Rock: Arcadium - "Breathe Awhile" (1969)

2025-01-26T08:20:00.004-03:00

O Arcadium já teve seu único álbum destacado pelo brother Marcão em sua sensacional e sempre aguardada coluna "Tesouros Perdidos" (leia aqui), mas senti tratar-se de um disco merecedor também de destaque aqui, onde colocamos luz sobre pérolas do Rock Progressivo. Na realidade, trata-se de uma obscura banda psicodélica liderada pelo compositor/vocalista cipriota Michalakis Stelios Sergides (que adotou o nome artístico Miguel Sergides), imigrante estabelecido em Londres, e completada por músicos ingleses: Graham Best no baixo, Allan Ellwood (órgão), John Albert Parker (bateria) e Robert Ellwood (guitarra solo). O nome "Arcadium" era uma referência a uma província da Grécia antiga, localizada na península do Peloponeso, lar do Deus mitológico Pan (da natureza, dos pastores, amante da música). Liderada pelo enigmático Sergides, que não era apenas o compositor/vocalista da banda, mas também um mestre da guitarra de 12 cordas, o Arcadium buscou capturar o espírito de uma geração lutando com as complexidades da existência por meio de melodias belas e harmonias intrincadas. A música que criaram ficou caracterizada por camadas de órgãos pesados, riffs de guitarra distorcidos e vocais angustiados (pense em The Doors, Iron Butterfly, Vanilla Fudge...), mas também havia uma abordagem específica lastreada na cena musical underground inglesa do final dos anos 60. A banda agregou diversas influências, as origens socioeconômicas de cada membro, as mudanças culturais daquela era (liberdade de expressão, experimentações, coragem artística), criando assim uma rica tapeçaria que explorava sons além do mainstream. No núcleo, a psicodelia, porém adornada de maneira cativante com uma colagem de complexidades. Música melancólica, entretanto vívida. A trajetória da banda começou no circuito de pequenos clubes da capita inglesa, onde foram aprimorando sua arte.

Em poucos meses, as performances chamaram atenção da gravadora iniciante Middle Earth (clube localizado em Covent Garden, Londres, que funcionou entre 1967-69, voltado para a música psicodélica, que por breves meses em 69 aventurou-se como selo - distribuição Pye Records - tendo lançado apenas 5 singles e 5 álbuns), levando a um contrato de gravação. Para permitir que polissem seu repertório e ajustassem as canções, o clube alugou uma mansão em Cambridge, onde a banda poderia ensaiar. Depois de uma semana, ela se mudou para o Pye Studios na Chandos Street, na capital inglesa. Em out/69, surgiu o single "Sing My Song"/"Riding Alone" (segundo do selo, após a estreia dos escoceses "Writing On The Wall"), produzido pelo cofundador do selo Dave Howson e pelo pioneiro da Folk Music inglesa Austin John Marshall. O álbum "Breathe Awhile" surgiu em nov/69 contendo sete faixas (todas composições de Sergides): quatro delas com cerca de 4 minutos, uma épica com 7 minutos e cada lado do LP consumido por uma faixa central, "I'm On My Way" (11:52) e "Birth, Life and Death" (10:45). Howson e Marshall coproduziram o álbum com o engenheiro Andrew Hendriksen.

O artista Michael McInnerney, autor do gatefold do álbum "Tommy", do The Who, fez a capa "Breathe Awhile" contendo foliões renascentistas nus num corredor de concreto com recortes de silhuetas. A contracapa mostrava três fileiras de fotos dos rostos dos membros: com máscaras de gás (em cima), cobertas com bandagens (no meio) e sorrindo respirando livremente (em baixo). Em meio aos desafios dos processos de produção (cheios de imperfeições típicos de selos emergentes, daí a baixa qualidade sonora das prensagens originais), o Arcadium até que conseguiu enfrentar os obstáculos e registrar um som que era exclusivamente da banda. Psych Rock pesado e depressivo, com órgão sombrio/sinistro, alto e soando como das catedrais, harmonias vocais agridoces e meio fantasmagóricas, melodias em tons menores, atmosferas apocalípticas, guitarras ardentes e encharcadas de ácido, tudo traduzindo o clima do final dos anos 60. As faixas refletiam a visão de mundo do compositor/vocalista Sergides, enigmática, que projetava pesadelo, descontentamento e luta. Sobre as fortes raízes psicodélicas, um Proto-Prog com números longos, feito por uma banda que certamente tinha talento, demonstrando que estava à beira de realizações bem maiores. Hoje é considerada uma verdadeira jóia do Acid Rock com toda sua visão deprê e sincera daqueles tempos no finalzinho dos anos 60. Temas improvisados, voz carregando carga emocional, órgão e guitarra tecendo teias de harmonias psicodélicas, como mantras, névoas surrealistas, tudo lentamente ganhando poder. Paisagens sonoras, espaços sonhadores/niilistas, jams psych, sentimento surreal, bateria hipnótica, transformando canções em experiências. Temos aqui o ponto em que o Rock Psicodélico foi se transformando no que originalmente viria a ser o Rock Progressivo, um momento perdido e obscuro, uma confluência da lisergia, do Rock pauleira (Hard Rock blueseiro) e das habilidades instrumentais Prog. Intensidade maravilhosamente alucinada, sensação nebulosa e esfumaçada, num som refinado, sombrio e de queima lenta. O Arcadium se desfez após a conclusão de "Breathe Awhile" devido a diferenças musicais entre Sergides e Robert Ellwood.

Sergides montou o "Anaconda", um grupo de Acid Folk de três homens e duas mulheres que gravou um single, "Sympathy for the Madman" (em 2019, foi lançado um álbum contendo tudo que foi gravado). Sergides, mais tarde, se mudou para a Austrália e adotou o nome Michael Savanna Silver. Durante a segunda metade de 1977, ele gravou um álbum de Jazz-Funk (!) com uma banda de 13 integrantes que incluía o baixista Paul Wheeler. O álbum foi "Pure Silver" (78). Os irmãos Ellwood formaram o combo Glam Rock "Sisters" com um terceiro parente, Geoffrey Ellwood e lançaram três singles (entre 1973–75). Robert Ellwood esteve brevemente envolvido com o "Kingdom Come", de Arthur Brown, e sua participação ficou registrada no álbum "Jam" (de 1970).

Mural de notícias... (25-01-2025)

2025-01-25T06:17:00.002-03:00

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Se você já sonhou em morar em uma mansão na Escócia que já pertenceu ao Genesis, temos uma excelente notícia: há uma no mercado agora mesmo, e está custando uma ninharia leia aqui

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Mural de notícias... (25-01-2025)

2025-01-25T05:58:00.000-03:00

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Grandes canções: Black Sabbath - "Children Of The Grave" (1971)

2025-01-23T16:34:00.003-03:00

"Children of the Grave" é a canção que fecha o lado 1 do álbum "Master Of Reality" (de ago/71), o terceiro do Black Sabbath. O tema é o mesmo antiguerras trazido em "War Pigs" ou "Electric Funeral". O álbum foi gravado no Island Studios, em Londres, entre fev-abr/71. Produzido por Rodger Bain (o mesmo produtor dos dois álbuns anteriores), também contou com Tom Allom cuidando da engenharia de som. Seria a última vez desta colaboração entre Bain e o Sabbath, já que Tony Iommi assumiria a produção nos álbuns seguintes. O baterista Bill Ward explicou: "Anteriormente, não tínhamos a mínima ideia do que fazer no estúdio e dependíamos muito de Rodger. Mas desta vez estávamos muito mais juntos, entendíamos o que estava envolvido e tínhamos mais opiniões sobre como as coisas deveriam ser feitas". Em "Children Of The Grave" (e também em "Lord Of This World" e "Into The Void"), Iommi reduziu a afinação de sua guitarra num esforço para reduzir a tensão das cordas tornando-a menos dolorosa de tocar. Isto contribuiu para a produção de um "som maior e mais pesado". Geezer Butler também reduziu a afinação de seu baixo para combinar com Iommi e isso ajudou no som final também. O resultado foi um mergulho numa escuridão ainda maior, um som seco e com uma força bruta que alarmou jornalistas na época, que criticaram a banda por fazer um som violento e propositalmente irracional, assustador e desagradável. Bill Ward contou: "No primeiro álbum, tivemos dois dias para fazer tudo, e não muito mais tempo em Paranoid'. Mas agora poderíamos levar nosso tempo e tentar coisas diferentes. Todos nós abraçamos a oportunidade: Tony jogou partes de violão clássico, o baixo de Geezer foi virtualmente dobrado em potência, eu fui para bumbos maiores, também experimentando overdubs. E Ozzy foi muito melhor. Mas esta foi a primeira vez em que não tínhamos shows marcados e pudemos apenas nos concentrar em fazer do álbum um marco". "Children Of The Grave" é amplamente considerada uma das maiores canções da banda.

Children Of The Grave / Crianças da Sepultura

Revolution in their minds / Revolução em suas mentes

The children start to march / As crianças começam a marchar

Against the world in which they have to live in / Contra o mundo que têm de viver

Oh the hate that's in their hearts / E todo ódio que está em seus corações

They're tired of being pushed around / Elas estão cansadas de serem empurradas

And told just what to do / E apenas ouvir e obedecer

They'll fight the world until they've won / Elas enfrentarão o mundo até que vençam

And love comes flowing through / E o amor venha a fluir

Yeah!

Children of tomorrow live in / As crianças do amanhã vivem

The tears that fall today / Nas lágrimas que caem hoje

Will the sunrise of tomorrow / O Sol se erguerá amanhã

Bring them peace in any way? / Trazendo a paz de alguma forma?

Must the world live / O mundo tem que viver

In the shadow of atomic fear? / Na sombra do medo atômico?

Can they win the fight for peace / Elas conseguirão ganhar a batalha pela paz

Or will they disappear? Yeah / Ou irão desaparecer? Yeah

So you children of the world / Então crianças do mundo

Listen to what I say / Ouçam o que eu digo

If you want a better place to live in / Se vocês querem um lugar melhor para viverem

Spread the Words today / Espalhem as palavras hoje

Show the world that love / Mostrem ao mundo que o amor

Is still alive you must be brave / Ainda está vivo e vocês devem ser fortes

Or you children of today / Ou vocês crianças do hoje

Are children of the grave. Yeah! / Serão crianças da sepultura

Ronnie Wood relembrando encontros memoráveis que teve

2025-01-22T16:14:00.004-03:00

O guitarrista dos Rolling Stones, Ronnie Wood, tem uma agenda de contatos mais gorda e mais manuseada do que a maioria. Ao longo dos anos, ele festejou com os grandes e bons do Rock'n'Roll e além – e ele até consegue se lembrar de algumas coisas. Em 2010, ele deu uma volta pela estrada da memória para relembrar alguns dos encontros mais memoráveis que teve ao longo das décadas.

Jimi Hendrix

Nós dividíamos uma casa em Holland Park – a casa de Pat (PP) Arnold – e ele me deu um basset hound chamado 'Snoopy' que costumava cagar em todo lugar. Pat disse: "Ou o cachorro vai ou vocês dois vão". Então Jimi disse: "Por que eu não ir e você ficar com meu cachorro? Eu tenho que seguir em frente de qualquer maneira". Ele era bem quieto como colega de apartamento: Quaalude (um sedativo e hipnótico) o tempo todo. E fumava. Muito tranquilo. Ele apenas se sentava e tocava violão destro ou canhoto – essa ambidestria me surpreendeu. Se eu tento tocar com a mão esquerda, é como dar um violão a uma criança. Costumávamos pegar o violão e trocar licks de Blues, às vezes para ele se aquecer antes de um show. Ele sempre dizia: "Não gosto da minha voz". E eu dizia: "Não se preocupe, sua guitarra resolve isso". Ele era um homem muito gentil. Lembro-me dele saindo do Ronnie Scott's na noite em que morreu. Ele estava com o braço em volta de uma garota e eu gritei para ele: "Ei, Jimi, diga boa noite!" Eu cai em lágrimas quando descobri no dia seguinte. Difícil acreditar.

Ronnie Lane

Ele era um cara adorável, até que pegou a rota cigana e se mudou para uma fazenda remota no País de Gales com a namorada do seu melhor amigo. Costumava ser sempre Ronnie e Sue Lane, sempre juntos com sua cadela Molly. Então, um dia, ele apareceu e disse: "Estou deixando Sue. E também estou deixando o grupo". E eu disse: "O quê? Bela piada!" Nós sempre costumávamos dizer que estávamos saindo, durante as discussões do grupo, isso dissipava qualquer vibração ruim na sala e todos nós riríamos. Mas ele disse: "Não, eu realmente estou deixando o grupo". Essa foi a última vez que o vi, e então sua saúde piorou. A EM (Esclerose Múltipla) piorou progressivamente. Fizemos o nosso melhor por ele, Rod e eu investigamos o tratamento com veneno de cobra, tanques de pressão, mas depois de um tempo havia muito pouco que podíamos fazer.

Rod Stewart

A última vez que vi Rod, ele foi tão adorável comigo. Ele proporcionou a mim e à minha namorada uma noite maravilhosa. Jantamos com sua família em sua Celtic House, em Hollywood. É muito Hollywood, com efígies no jardim, colunas, fontes jorrando água. É uma mansão realmente exagerada, como você pode imaginar. Rod gosta de mostrar sua riqueza, com sua coleção de pinturas do tipo pré-rafaelita. Ele sempre me diz: "Essa está boa? Comprei a pintura certa?" E eu digo: "Rod, compre o que quiser, você sabe do que gosta".

Jeff Beck

Ele costumava ser incrivelmente tímido quando estávamos no The Jeff Beck Group, assim como Rod. Se houvesse outro guitarrista como B.B. King ou Albert King no projeto, ele dizia: "Não, não posso continuar", e ele desaparecia, porque achava que não era bom o suficiente. Rod dizia: "Vou cantar atrás dos amplificadores, sou muito tímido", e eu dizia: "Por que vocês não saem e se divertem?" Foi assim que se desenvolveram, inclusive com o The Faces - nos livramos de todos os medos. Tudo era um risco, alguns riscos surgiam e outros não, e o público percebia essa frouxidão e irregularidade. Você não pode fazer nada com uma bosta - a menos que espere que ela fique dura.

Keith Richards

Ele não fica feliz a menos que esteja trabalhando com os Stones, não é Charlie (Watts, baterista dos Stones) realmente... nem Mick e nem eu. Mas é uma questão de direcionar todas essas energias para a mesma coisa ao mesmo tempo. A próxima coisa será uma reunião do grupo, provavelmente antes do Natal, e decidiremos se vamos gravar, ou fazer ao vivo, ou ambos. Ver como todos estão indo. Quando levei Keith para casa pela primeira vez, ele estava chapado e desmaiou no sofá da sala de estar do meu pai. Então, meu pai desceu às sete da manhã, abriu as cortinas e Keith disse: (grita) "Vai se foder!" E meu pai rebateu direto com "Ninguém xinga na minha casa!" e o mandou sair. Keith teve um respeito tremendo pelo meu pai depois disso.

Bob Dylan

Trabalhar com Bob pode ser difícil para a maioria das pessoas, mas não para mim, porque sei que ele não sabe o que vem a seguir, então é fácil se encaixar em seus meandros. Você tem que segui-lo nestas várias voltas e contornos. É assim que ele pensa - acaba indo em linha reta, mas toma vários desvios ao longo do caminho. Muitas vezes, uma música que ele está pensando de uma maneira sairá de uma maneira totalmente diferente, o que é evidente quando você o vê ao vivo. Você estará dizendo: "Isso foi Blowing In The Wind ou All Along The Watchtower ?"

Axl Rose e Slash

O Guns N' Roses e os Stones fizeram alguns shows juntos na turnê 'Bridges To Babylon' e foi quando eu os conheci. Eles eram caras muito legais, mas todos sabiam que estavam chapados demais para continuar naquele ritmo. O Axl costumava me chamar de lado nas festas e ele ia até a sacada e dizia: "Por favor, me ajude com meus problemas de relacionamento". Então, eu disse a ele: "Primeiro de tudo, você precisa ter um pouco de coerência". Era engraçado dar conselhos a ele porque na época eu também estava com problemas. O Slash sempre foi uma constante. Eu não notei nenhuma diferença entre quando ele estava chapado e quando ele estava normal. Ele está muito mais limpo hoje em dia, mas ele sempre foi um cavalheiro, estivesse ele usando ou não.

John Belushi

Ele sempre tentava sair com minha ex-esposa, Jo. Ele costumava pedi-la em casamento quando eu estava dormindo. Eu dizia: "John, eu posso ouvir você, seu gordo idiota. Se você não fosse tão gordo e feio, você poderia ter uma chance". Como todos os comediantes, ele era realmente patético e tinha baixa tolerância a álcool e drogas. Dan Aykroyd costumava sempre colocá-lo sob meus cuidados quando vinha para Hollywood. Ele costumava deixá-lo na minha casa e dizer: "Eu sei que ele está seguro agora, posso ir embora e deixá-lo". Então, ele ia embora e fazia suas coisas. A única vez que ele não fez isso foi quando morreu. John se hospedou no Chateau Marmont. Ele queria muito ser um astro do Rock.

Keith Moon

Moony costumava vir e tocar conosco quando estávamos no The Birds (banda inglesa de R'n'B - nada a ver com a norte-americana). Eu sempre dizia a ele: "Keith, você só deve tomar um Valium, não o frasco jumbo inteiro". Ele costumava fazer isso com estimulantes e calmantes, tomar tudo. Ele me deu meu primeiro Mandrax quando eles foram lançados pela primeira vez - quando eram realmente poderosos. Ele disse: "Tome dois desses". Estávamos no Speakeasy. Eu estava com meu Jaguar XK150 do lado de fora e estava com minha primeira esposa, Chrissie, e meu empresário, Billy Gaff. Já tínhamos tomado alguns uísques, então, embora ele tenha me dado dois, eu só tomei um. Ele fez efeito antes de eu chegar ao pé da escada, então, quando cheguei ao meu carro, eu já estava bem longe. Acabei dirigindo direto sobre Marble Arch e Hyde Park sem dar a volta. Acabei em um estábulo com espaço suficiente para entrar o carro e ninguém conseguiu sair. Tivemos que sair pelo teto. Depois disso, não me lembro de mais nada. Eu fiquei mal. Não sei como cheguei em casa, então não foi uma ótima recomendação de Moony. Ele costumava me enganar, mas minha mãe costumava pensar que ele era um cavalheiro. Ele costumava vestir um smoking e uma gravata e servir conhaque para ela, e ela dizia: "Que cavalheiro educado é esse Keith Moon".

Pete Townshend

Conheci Pete, que ainda é meu vizinho, nos velhos tempos do Ealing Club, quando o The Who colocou 'I Can't Explain' nas paradas pela primeira vez. Eu estava no The Birds e eles diziam: "Somos o número um!" E nós dizíamos: "Vão se foder, voltem para Acton!" (bairro de Londres). Estávamos com muita inveja. O High Numbers era brilhante, e o Who inicial, especialmente no Marquee, era incrível. Eles ainda são ótimos hoje em dia, mas não havia nada tão elétrico quanto a formação original.

Eric Clapton

Ele sempre desconfiou muito de mim, mas me acolheu. Ele ficava muito feliz que eu estivesse limpo e sereno, mas duvidava que eu conseguisse manter isso. Eu costumava ir toda semana ao Crawdaddy em Richmond para ver Eric com os Yardbirds. A primeira vez que fui convidado para subir no palco foi quando (o vocalista dos Yardbirds) Keith Relf ficou doente. Eles disseram: "Tem algum tocador de gaita na plateia?" e todos os meus amigos me empurraram para cima. Então, eu fiz 'I'm A Man' e todas as suas coisas delirantes, e eles disseram: "Traga aquele índio vermelho de volta... Cleópatra", porque meu cabelo sempre foi assim. "Traga-o de volta ao palco". Essa foi minha iniciação à fama. Eu toquei com os Yardbirds. Eu sempre fui o mais novo naquela época, o novato. Mas é ótimo, eu ainda sou o mais novo.

Ronnie O'Sullivan (jogador profissional de sinuca)

Uma pessoa muito doce, muito misteriosa... e seu pior inimigo — um pouco como todos aqueles jogadores de sinuca. Um minuto você os vê o tempo todo, então você não consegue encontrá-los por amor ou dinheiro. Ronnie é assim, no momento. Ele tem a luta constante com o álcool e as drogas — como todos nós parecemos ter — todos nós, músicos, jogadores de sinuca, artistas, escritores... Qualquer um dos lances criativos. Ronnie me internou na recuperação algumas vezes e ele disse: "Fique no meu quarto, é o quarto bom. Eu saí e ganhei o campeonato mundial depois que estive aqui". Ele tem sido muito útil na minha recuperação.

Mick Jagger

Mick tem me apoiado tanto, não sei dizer. Realmente me surpreendeu, porque pensei que ele já teria desistido de mim agora, mas ele está ficando mais forte com seu compromisso de apoio. Ele está dizendo: "Muito bem, Ronnie... Preciso de pelo menos um guitarrista e meio em quem eu possa confiar". E agora ele tem dois guitarristas de sangue puro, então ele está muito feliz. O que ele quer é me ver mostrando força para não cair do vagão e possivelmente bagunçar, porque ele precisa de mim como um apoio realmente concreto, como Charlie, enquando ele faz seu show. E ele me tem. Estou pronto a qualquer momento.

R.I.P.: Ex-Whitesnake, John Sykes morre aos 65 anos

2025-01-21T16:40:00.002-03:00

Morreu aos 65 anos o guitarrista John Sykes. Ex-integrante do Whitesnake, Thin Lizzy, Tygers of Pan Tang, Blue Murder e mais, ele não resistiu a uma batalha contra um câncer. A informação foi compartilhada em sua página no Instagram. O texto diz: "É com grande tristeza que compartilhamos que John Sykes faleceu após uma dura batalha contra o câncer. Ele será lembrado por muitos como um homem com talento musical excepcional, mas para aqueles que não o conheciam pessoalmente, ele era um homem atencioso, gentil e carismático cuja presença iluminava o ambiente. Ele certamente marchou no ritmo de sua própria batida. Em seus últimos dias, ele falou de seu amor sincero e gratidão por seus fãs que permaneceram com ele durante todos esses anos. Embora o impacto de sua perda seja profundo e o clima sombrio, esperamos que a luz de sua memória extinga a sombra de sua ausência".

Nascido em Reading, Inglaterra, John Sykes despontou na cena tocando com o Tygers Of Pan Tang, banda referencial da NWOBHM. Gravou os álbuns "Spellbound" (1981) e "Crazy Nights" (1982), além de ter participado de duas faixas em "The Cage" (1983). A seguir, foi recrutado pelo Thin Lizzy, gravando o disco "Thunder and Lightning" (1983) e realizando a turnê de despedida da banda. Participou de algumas reuniões na virada do século com ex-membros, no formato de tributo oficial a Phil Lynott.

Em seguida, foi contratado por David Coverdale e se juntou ao Whitesnake. A parceria rendeu o momento de maior sucesso comercial na história da banda e muitas desavenças, fazendo com que a mágoa mútua perdurasse até os dias atuais. Montou então o Blue Murder, com o baixista Tony Franklin e o baterista Carmine Appice. Ele também lançou alguns álbuns solo: "Out Of My Tree" (95), "Loveland" (97), "Nuclear Cowboy" (2000) e "Bad Boy Live! (2004). Nas décadas recentes, manteve-se com poucas atividades profissionais. Chegou a ser anunciado no embrião do que se tornaria o The Winery Dogs, mas não ficou no grupo.

Por anos, John Sykes anunciou estar trabalhando em um novo álbum. O material tinha até título: “Sy-Ops”. Duas de suas faixas, “Dawning of a Brand New Day” e “Out Alive”, chegaram a ser disponibilizadas em 2021. A ideia era lançar o disco na íntegra no mesmo ano, o que não aconteceu. À época, Sykes declarou que as novas músicas estavam gravadas desde 2015. O guitarrista passou por diversos problemas pessoais, incluindo a morte de seu empresário, que impediram o lançamento do material. Participaram do material os baixistas Tony Franklin (Blue Murder, The Firm) e Chris Chaney (Jane’s Addiction), o baterista Josh Freese (Weezer, A Perfect Circle, Guns N’ Roses) na bateria e o tecladista Jamie Muhoberac (Fleetwood Mac), entre outros músicos.

Antes do single "Dawning of a Brand New Day" (de 2021), tivemos notícias do músico apenas em 2018, quando ele regravou "Still Got the Blues" para um tributo a Gary Moore, que também foi guitarrista do Thin Lizzy e morreu em 2011, aos 58 anos. O álbum que contém a gravação é intitulado "Moore Blues for Gary – A Tribute to Gary Moore". Em 2009, antes de ser cotado para o The Winery Dogs, John Sykes fez um teste para entrar no Guns N’ Roses. Na época, a banda buscava alguém para a vaga de Robin Finck, que saiu no ano anterior. A informação foi revelada em 2021 pelo também guitarrista Richard Fortus, em entrevista ao canal Tone Talk, com transcrição do site Blabbermouth. Fortus integra o Guns N’ Roses desde 2002 e seguiu na formação mesmo com as voltas de Slash e Duff McKagan, em 2016. Richard comentou: "Nós fizemos testes com várias pessoas e John Sykes foi incrível. Lembro de Tommy Stinson (baixista do Guns N’ Roses na época) aparecendo, daí fomos ao lugar de ensaios e vimos John ali. Tommy chegou ao tour manager e disse: ‘cara, mande ele para casa, Axl (Rose, vocalista) não vai aceitar, por que você está fazendo isso?’. O tour manager respondeu: ‘É o John Sykes, cara… ele aprendeu as músicas, o mínimo que você pode fazer é ouvi-lo’. Tommy concordou. Em dois minutos tocando, Tommy olha para mim tipo: ‘meu Deus’. Foi incrível. Incrível. Ele plugou a guitarra direto no amplificador e detonou. O timbre dele era incrível. Ficamos de queixo caído". Se soou tão incrível, por que Sykes não conseguiu a vaga para se juntar ao Guns N’ Roses? Fortus respondeu: "A reputação de John o precede. Porém, pessoalmente, eu me dei muito bem com ele e mantive contato. Na verdade, eu segui conversando com ele muito regularmente até que eu entrei para o Thin Lizzy (em 2011) e ele parou de me ligar (risos). Ainda assim, eu o achei ótimo".

R.I.P.: Garth Hudson, último sobrevivente da The Band, morre aos 87 anos

2025-01-21T15:58:00.001-03:00

Garth Hudson, Robbie Robertson, Levon Helm, Richard Manuel e Rick Danko

Morreu aos 87 anos o organista Garth Hudson, último sobrevivente da The Band. A causa não foi divulgada, mas de acordo com comunicado (via Toronto Star), o artista canadense "faleceu pacificamente enquanto dormia" na manhã desta terça-feira (21) em um asilo em Woodstock/NY, nos EUA. Hudson morava na casa de repouso há alguns anos. Sua esposa, Maud, com quem foi casado por mais de quatro décadas, faleceu em 2022. No mesmo ano, antes da perda, um fã mobilizou uma campanha online para que outras pessoas enviassem cartas para Garth, que sentia-se "solitário e desvalorizado". Em 2013, após 7 anos sem pagar aluguel, ele havia sido despejado de sua casa em Kingston/NY. Seus pertences foram vendidos em uma liquidação de garagem, incluindo itens de sua carreira musical. Já em abr/2023, chegou a realizar uma aparição surpresa em um sarau também em Kingston, após iniciativa da cantora Sarah Perrotta. Em uma cadeira de rodas, Hudson apareceu para tocar uma versão de "Sophisticated Lady", composição de Duke Ellington.

Garth Hudson é considerado influência por nomes como Elton John e Billy Joel. Em artigo da revista Keyboard, foi descrito como "o mais brilhante organista da história do Rock". Além de teclados e piano, consagrou-se no acordeon e em vários tipos de saxofone. Era citado como o principal arquiteto da sonoridade da The Band. Inicialmente um grupo de apoio chamado The Hawks, batizado quando acompanhavam o músico Ronnie Hawkins entre 1958 e 1963, o projeto teve a oportunidade de ser a banda de Bob Dylan em sua infame turnê elétrica, na qual passou parte de 1965 e 1966 revolucionando como Folk e Rock eram apresentados ao vivo. Hudson precisou ser convencido a se juntar à formação. Impôs uma condição: poder dizer aos pais estar trabalhando como professor de música dos outros membros. A mencionada turnê mundial de Bob Dylan teve um fim abrupto em 29/jul/1966, após o cantor sofrer um acidente de moto e entrar em reclusão com a mulher e os filhos na cidade de Woodstock/NY. Na época, a banda morava no Chelsea Hotel, em NYC, ainda sob salário. Ninguém sabia o que fazer. Quando fev/67 chegou, os integrantes foram chamados para Woodstock por Dylan, que queria trabalhar em material novo. Começou a nascer ali, curiosamente, o primeiro disco da The Band, "Music from Big Pink" (lançado em jul/68). Como The Band, revolucionaram a música americana à sua maneira. Logo em seu álbum de estreia, marco zero do Roots Rock, apontaram para um caminho estilístico que foi seguido na época por Beatles, Rolling Stones, Eric Clapton e Crosby, Stills & Nash, além de definir os rumos da década seguinte em termos artísticos. A The Band existiu até 1977, um ano após do famoso show de despedida "The Last Waltz". Reuniu-se entre 1983 e 1999. Neste ínterim, Hudson trabalhou como músico de estúdio, colaborando com Van Morrison, Leonard Cohen, entre outros. Já em 1990, participou do show "The Wall" em Berlim de Roger Waters, junto dos colegas Levon Helm e Rick Danko — cujos álbuns solo também contaram com sua participação, além de Robbie Robertson, penúltimo a nos deixar, em 2023.

Paralelamente, lançou apenas dois discos solo de estúdio: "Music for Our Lady Queen of the Angels" (1980) e "The Sea to the North" (2001). Também fez o ao vivo "Live at the Wolf" (2005) com a esposa, Maud. Em 2010, fez a curadoria de "A Canadian Celebration of the Band", tributo a seu grupo com conterrâneos como Neil Young, Bruce Cockburn, Mary Margaret O’Hara, Cowboy Junkies e Blue Rodeo.

O Led Zeppelin e seus shows: 8/31/1969, Dallas, TX

2025-01-20T15:42:00.000-03:00

Set-list: Train Kept a Rollin', I Can't Quit You Baby, Dazed and Confused, You Shook Me, How Many More Times, Communication Breakdown.

Esta é a apresentação do Led no Texas International Pop Festival. "I Can't Quit You Baby" é elegantemente pesado, Page toca com incrível finesse. Os preenchimentos de Bonzo soam como uma metralhadora, seu pé direito é especialmente rápido. Som limpo e equilibrado. Plant menciona alguns problemas que teriam acontecido na última vez que a banda esteve no Texas e acrescenta dizendo que estavam felizes por estarem de volta. O equipamento de Page capta uma frequência de walkie-talkie durante o solo de arco em "Dazed and Confused", criando uma estranha quebra na atmosfera. O solo de guitarra é impecável e inspirado. Bonzo toca um ritmo funky incluindo um cowbell no meio do solo estendido. O retorno ao riff descendente principal é devastador. Bonzo enlouquece em "You Shook Me". Page tem alguns problemas de equipamento no início de "How Many More Times", final do show numa versão bem extensa. Bonzo urra no cowbell durante a apresentação da banda. Plant faz referências a Suzie Q enquanto Page sugere "Train Kept a Rollin'" durante uma jam estendida antes da parte "Bolero". Page e Jones tocam o riff "Whole Lotta Love" durante a seção "Rosie". O medley apresenta um ótimo boogie "Eyesight to the Blind". Bonzo toca um mini solo selvagem durante o final épico. O set termina com uma energética versão para "Communication Breakdown". Uma excelente performance. A gravação é excelente feita direta na mesa de som com toda a atmosfera do palco. Imperdível e um dos bootlegs do Led favoritos (e super indicados). Existe um vídeo, disponível no DVD Early Visions, que inclui trechos de "Dazed and Confused", "You Shook Me" e "How Many More Times". O filme é escuro e um pouco borrado, mas ainda assim é um interessante documento visual inicial da banda, num verdadeiro ambiente ao vivo e numa noite incendiária. Ouça no volume máximo!

Canal Som de Peso: 7 Discos Para Começar a Curtir Blues! + Guns N' Roses - Appetite For Destruction | ALBUM REVIEW (vídeos 19 + 20)

2025-01-20T15:12:00.000-03:00

Quer começar a curtir blues e não sabe por onde começar? Confira essa lista com algumas sugestões.

Saiba tudo sobre o disco de estreia do Guns N' Roses, o Appetite For Destruction!

Canal Rock Raro: Rock Argentino parte 2 - clássicos em homenagem ao titulo da Argentina (vídeo 115)

2025-01-20T15:06:00.001-03:00

Grandes álbuns do Prog: Affinity - "Affinity" (1970)

2025-01-19T06:46:00.004-03:00

A origem do Affinity foi por volta de 1965 no departamento de ciências da Universidade de Sussex em Brighton, Inglaterra. Três estudantes de ciências Lynton Naiff (teclados), Grant Serpell (bateria) e Nick Nicholas (contrabaixo) montaram o US Jazz Trio e passaram a tocar em eventos da Universidade e shows locais. Quando Serpell se formou um ano depois, ele foi substituído por Mo Foster, que antes tocava baixo na banda da escola, mas agora havia se adaptado a tocar bateria. Após a universidade, Naiff e Serpell, junto com membros de outras bandas reunidas de outras bandas universitárias, formaram o grupo pop Ice. Embora o Ice tenha tido sucesso comercial moderado, ele durou apenas cerca de um ano antes de se separar. As audições continuaram para um cantor. Eles decidiram por unanimidade por uma professora de inglês que já haviam conhecido anteriormente, Linda Hoyle.

Serpell, Jopp, Hoyle, Naiff e Foster

A formação ficou então Linda Hoyle (vocais), Mike Jopp (violão e guitarras), Mo Foster (baixo), Grant Serpell (bateria e percussão) e Lynton Naiff (teclados). Após obter um empréstimo, que foi garantido pelo pai de Jopp, eles compraram o equipamento necessário para começar a banda: amplificadores Impact, um órgão Hammond M102, um baixo Gibson EBO, alguns microfones e uma van Ford Transit cinza. Eles então passaram o verão de 1968 ensaiando, compondo e, em geral, relaxando num bangalô alugado nos arredores de Brighton. A primeira coisa que precisaram fazer foi inventar um nome para a banda e eventualmente se fixaram em "Affinity", cuja ideia veio do nome do LP "Affinity" de Oscar Peterson, de 1961.

O Affinity fez seu primeiro show em Londres no Revolution Club no bairro Mayfair, West End, em 5/out/68. Um dos shows que fizeram na época foi transmitido pela BBC Radio Jazz Club. Ronnie Scott (saxofonista e proprietário de um dos mais famosos clubes da capital) ouviu uma gravação do show e posteriormente concordou em gerenciá-los. Ele também deu-lhes reservas regulares em seu clube de Jazz mundialmente famoso. Deste ponto em diante, a banda conseguiu muito trabalho ao vivo na cena de clubes de Londres e no circuito universitário. Também fizeram turnês pela Europa e Escandinávia e alguns festivais. Havia a onda do Jazz-Rock em pleno vigor e Linda Hoyle era uma vocalista poderosa (soando como um cruzamento entre Carol King e Julie Driscoll). A música era uma mistura eclética de Blues-Rock com influências de Jazz, Pop e Folk, bem como alguns rudimentos da psicodelia do início dos anos 70 e o órgão Hammond onipresente, com um resultado geral soando muito progressivo para sua época.

A banda apareceu na TV, incluindo o programa da BBC "Disco 2" (sucessor do "Colour Me Pop", no ar entre jan/70 e jul/71 - o Affinity apareceu em jun/70), que foi o precursor do The Old Grey Whistle Test (no ar entre 71-88). Eles gravaram o tema para uma série de comerciais da Shredded Wheat ("There are 2 men in my life...", uma marca de cereais matinais) e finalmente lançaram um álbum homônimo pelo selo Vertigo em 1970. A banda recebeu muitas resenhas elogiosas, incluindo algumas destacando o talento individual (por exemplo, o The Sunday Times destacou que Naiff era um virtuoso, estilo Soul, e que todo o grupo era provavelmente a melhor coisa nova ouvida na área do Jazz Pop naquele ano). Eles foram vistos como grande promessa, mas Hoyle anunciou que estava cansada e que queria sair da banda e do mundo da música. Seu último show com o Affinity deveria ter sido em Cardiff em fev/71, mas a apresentação foi cancelada (então, a última acabou sendo dias antes no teatro Winter Gardens, em Bournemouth). Entre fev-jun daquele ano, os membros restantes (junto com um novo tecladista Dave Watts) ainda continuaram a tocar numa mini turnê com Geno Washington & The Ram Jam Band, mas logo depois foi anunciada uma reformulação mantendo Jopp, Foster e Serpell, mas agregando Vivienne McAuliffe (vocais) e Dave Watts (no lugar de Naiff, que migrou para o Toe Fat). Uma turnê pela Holanda foi anunciada para jul/71 e também o trabalho num novo álbum, mas semanas depois Jopp, Foster e Serpell foram contratados por Mike d'Abo (ex-vocais do Manfred Mann, 1966-69) como banda de apoio em sua turnê pelos EUA (ao lado do saxofonista/flautista Jack Lancaster). Foi o fim do Affinity. Restou o único álbum por eles lançado, a estreia autointitulada, de excelente som, musicalidade e produção, de fato uma conquista soberba para a época. Sim, é verdade que o trabalho esbanja potencial. Os vocais de Linda Hoyle são um destaque (traços de Bessie Smith, Grace Slick e Sandy Denny). Há performances no órgão Hammond comandado por Lynton Naiff que realmente são excepcionais. Há toda uma variedade de gêneros e um foco nas individualidades, arranjos de cordas e metais e alguns covers ("Coconut Grove", do Lovin' Spoonful; "All Along The Watchtower", de Bob Dylan; "I Wonder If I'll Care As Much", dos Everly Brothers). Era o início dos anos 70 e havia toda aquela combinação de musicalidade e aventura. A música é pura arte, fundindo elementos de British Folk e British Blues para criar um Proto-Prog jazzificado e com rudimentos da Psicodelia. O resultado é encantador, acessível e gostoso de ouvir.

Que fim levaram os membros do Affinity? Linda Hoyle fez um álbum solo com ajuda de Karl Jenkins (do Soft Machine), "Pieces Of Me", com participação de vários músicos do Nucleus. Este álbum saiu em nov/71 e tornou-se um dos mais raros da Vertigo. Ela depois migrou para o Canadá em 72 onde continuou a cantar (principalmente Jazz). Nos anos 80, ela se envolveu com o pessoal do People Show, a companhia de teatro experimental mais antiga de Londres. Também trabalhou com o canadense Oliver Whitehead. Ela se formou em Psicologia e conquistou um mestrado em Ética Biomédica, em Ontário. Ela trabalhou como terapeuta. Ela participou de uma reunião do Affinity em 2006 (numa festa privada e sem Lynton Naiff) e da celebração de 50º aniversário da Universidade de Sussex em 2011 ("The Baskervilles Reuinon"). Ela está hoje com 78 anos. Mike Jopp tocou para Michael (Mike) d'Abo (com quem gravou dois álbuns), parou de tocar profissionalmente em 73 e passou muitos anos como consultor de áudio para a Sony e Fairlight, antes de formar sua própria empresa, a Hyperactive Broadcast, envolvida em televisão aberta. Lynton Naiff participou de uma longa lista de álbuns e turnês de outros artistas por anos, trabalhando também como arranjador orquestral. Mo Foster se tornou um músico de estúdio e gravou/excursionou com vários artistas. Ele também lançou três álbuns solo. Grant Serpell tocou com Geno Washington e foi um membro fundador do grupo Pop "Sailor" (que se desfez 'temporariamente' por 11 anos, período em que ele se tornou professor de Química até a volta do "Sailor" em 1989). Ele conciliou as duas carreiras por oito anos até parar de lecionar em 1997.

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Que fim levou? Leon Lyons

2025-01-16T14:21:00.002-03:00

Chuck Churchill e Ric Lee (atrás); Alvin Lee e Leon Lyons à frente

Leo David William Lyons (nascido em 30/nov/1943) ficou para sempre conhecido como baixista do Ten Years After. Ele nasceu em Mansfield, Nottinghamshire, e se tornou um músico profissional aos 16 anos. Em 1962, junto com o companheiro de banda Alvin Lee, sua banda The Jaybirds se apresentou no The Star Club em Hamburgo, Alemanha. Lyons também foi contratado para tocar na banda da casa do clube, junto com Tony Sheridan. Simultaneamente, ele se apresentou no Top Ten Club com o guitarrista inglês Albert Lee (nada a ver com Alvin).

Em 1963, The Jaybirds retornou à Inglaterra, garantindo seu primeiro contrato de gravação com o lendário produtor musical Joe Meek. De 1963 a 66, Lyons tocou e foi empresário do The Jaybirds. Simultaneamente, Lyons trabalhou como músico de estúdio, excursionou com artistas Pop da época, apareceu em uma peça no West End de Londres e tocou numa residência em uma exclusiva boate de Londres com o guitarrista de jazz britânico Denny Wright.

Leo Lyons, Alvin Lee e Pete Evans em 1962.

Em 1967, The Jaybirds mudou seu nome para Ten Years After. A banda estabeleceu residência no famoso Marquee Club de Londres e lançou seu álbum de estreia pela Deram Records (em out/67). A banda trabalhou muito e construiu uma grande base de seguidores na Europa. Depois que o fundador do Fillmore West, Bill Graham, ouviu uma cópia do primeiro álbum da banda, ele imediatamente enviou uma carta oferecendo-se para reservar um espaço para o Ten Years After numa turnê pelos EUA. Como parte do Ten Years After, em 69 Lyons foi um dos primeiros artistas de Rock no Newport Jazz Festival.

Lyons, Chuck Churchill e Ric Lee; Alvin sentado

Em ago/69, a performance da banda de "I'm Going Home" foi capturada em filme no The Woodstock Music and Arts Festival, expondo seu amálgama de Jazz, Blues e Rock para um público maior por meio do filme do show. De 1969 a 75, o grupo fez turnês consistentemente. Lyons estima que a banda se apresentou para mais de 75 mil novos fãs, a cada semana. Em 75, Lyons trabalhou na produção de discos na Chrysalis Records como gerente de estúdio para o Wessex Studios em Londres. Com base nessas experiências, Lyons construiu dois estúdios comerciais. Como produtor, Lyons trabalhou com uma ampla variedade de músicos, incluindo UFO, Waysted, Motörhead, Richard e Linda Thompson e muitos outros.

Durante a década de 90, Lyons lançou dois álbuns com sua banda, "Kick". Lyons também trabalhou como redator da editora Hayes Street Music, de Nashville, mudando-se para Nashville em 98. Em 2003, o Ten Years After se reformou com o guitarrista/vocalista Joe Gooch e Lyons excursionou com o grupo pela próxima década. Em 2010, com Gooch ele formou o "Hundred Seventy Split". No final de 2013, Lyons e Gooch se demitiram do Ten Years After.

Lyons continuou lançando álbuns como parte do Hundred Seventy Split. O grupo está em turnê ativamente e eles tocam músicas do Ten Years After junto com material original. Lyons é casado e tem dois filhos adultos. Em 2019, Lyons reside em Cardiff, País de Gales.

A vida extraordinária de Bill Wyman, o baixista dos Rolling Stones

2025-01-15T14:37:00.005-03:00

O ex-Rolling Stone Bill Wyman nasceu em 1936, um ano turbulento de três reis, que viu a suposta raça superior de Adolf Hitler significativamente derrotada por Jesse Owens nas Olimpíadas de Berlim. Não sendo um homem amplamente conhecido por seu espírito esportivo, o amuado Führer da Alemanha desencadeou uma Guerra Mundial que viu Wyman, de quatro anos de idade (ainda conhecido por seu nome de nascimento, William George Perks), evacuado de uma modesta casa de família de três andares e três andares em Penge, sudeste de Londres, para o enclave relativamente arborizado de Mansfield Woodhouse, 15 milhas ao norte de Nottingham. Mudar-se para o interior teve um efeito profundo no jovem Bill. Mas depois de faltar à escola para vivenciar mais disso, ele foi mandado de volta para Londres, de uma mãe grávida (relutantemente desatenta graças aos dois irmãos mais novos de Bill) para uma avó verdadeiramente inspiradora, Florence Jeffery, que influenciou profundamente o homem que ele se tornou. Forçado a abandonar a escola mais cedo por um pai autoritário e sem imaginação, que lhe arranjou um emprego como escriturário de uma casa de apostas, Bill foi então convocado para o Serviço Nacional na Força Aérea Real e, enquanto servia na Alemanha, descobriu o skiffle e, por meio de uma caixa de chá e um cabo de vassoura, o baixo. Ao retornar à vida civil, Bill se casou em 59, formou os Cliftons em 61 e, enquanto estava apenas se aquecendo para a paternidade, juntou-se à banda de Blues de Brian Jones, os Rolling Stones, em 1962.

Bill Wyman é o primeiro à esquerda e Brian Jones o último à direita.

Os Stones, como ficaram conhecidos, criaram um rebuliço com seus cabelos longos, comportamento iconoclasta, propensão a urinar em pátios de garagem e seu estilo de Rhythm and Blues sem barreiras. Na verdade, eles conquistaram o mundo conhecido. Você pode até ter ouvido falar deles. Wyman passou 31 anos com a banda, o que envolveu 19 álbuns de estúdio, 42 singles e EPs de sucesso no Reino Unido (incluindo 11 nº. 1), outro casamento (um pouco mais famoso e controverso), dois divórcios e uma autobiografia best-seller e de arrepiar. Por 31 anos ele ficou parado, imóvel e com cara de pedra, atrás de Keith, perplexo, observando, esperando o momento certo. Ele frequentou os clubes com Brian Jones durante o auge da banda e, embora não fosse um bebedor excessivo, nem um usuário de drogas pesadas, encontrou consolo no papel de astro do rock libertino, enquanto os licenciosos e oscilantes anos 60 se transformavam nos permissivos e sem censura anos 70. Ao deixar oficialmente a banda em 1993, o autodidata Wyman se casou novamente, formou o Rhythm Kings (um combo centrado em shows com uma formação giratória de músicos de primeira linha) e começou a realizar todas as ambições que ele havia deixado de lado. Desde então, ele escreveu 14 livros, incluindo o "Rolling With The Stones", que vendeu milhões de cópias (há pelo menos mais dois a caminho), desfrutou de três décadas como dono de restaurante no West End, foi um temível jogador de críquete beneficente, um prolífico caçador de tesouros e historiador com detector de metais, um fotógrafo muito conhecido, sem mencionar um incansável compositor e intérprete.

Já está no seu sétimo álbum solo, "Drive My Car". Com apenas 88 anos, Bill Wyman poderia ter passado os últimos 31 anos circunavegando o globo, enfiado numa série interminável de gaiolas douradas de cinco estrelas, mas às vezes, para alguns, a vida de um Rolling Stone simplesmente não é o suficiente. Ele recentemente deu esta entrevista:

Você definiria a sua como uma infância feliz?

Era, na verdade, porque embora houvesse um perigo tremendo o dia todo, todos os dias, dormindo em abrigos antiaéreos na maioria das noites, indo para a escola com máscaras de gás, todos tinham o mesmo problema. Era normal quando você era criança. Os pais entendiam mais, então tinham mais medo do que você, mas havia um espírito comunitário tão maravilhoso que não existe mais. Todos ajudavam uns aos outros com roupas, comida, amor, atenção. Essa era a coisa boa sobre isso, a proximidade das unidades familiares e a maneira como todos compartilhavam. Era incrível e realmente ajudava, porque algumas manhãs minha mãe e meu pai não nos tiravam da cama porque não havia comida. Então eles roubavam um pouco dos vizinhos, um pedaço de pão com algo horrível... Às vezes tínhamos geleia. Mas era uma luta constante. Foi uma infância boa, porque você tinha amigos por toda parte. Você tinha momentos bons, entre os horrores.

Sua avó foi uma presença importante durante seus anos de formação. Qual foi a lição de vida mais importante e duradoura que ela lhe ensinou?

Tudo: colecionar; fazer álbuns de recortes; escrever um diário – ela me fez começar a fazer isso quando eu tinha cinco anos; aprender sobre literatura – ela lia poemas e clássicos como "A Ilha do Tesouro" e "Robinson Crusoé". Ela era extraordinária. Me ensinou matemática, tudo. E ela me deu amor e atenção, o que minha mãe não conseguiu fazer - ela tinha outros dois filhos e estava grávida em Nottingham (durante a gravidez de sua mãe, Bill, de cinco anos, voltou para Londres para morar com sua avó materna), então ela não pôde... E meu pai estava no exército, então não recebíamos abraços ou que nossos pais nos amavam. Mas minha avó me abraçou, disse que me amava e lia histórias para mim antes de dormir, então ela foi uma dádiva de Deus. Ela me deu aulas de piano, me levou para o Royal College Of Music, onde passei nos meus dois primeiros exames de piano. Foi por meio dela que eu realmente entrei na música. Ela me colocou no coral da igreja local, que começou tudo. Ela fez tudo. Tudo o que eu faço agora, vem dela.

Seu Serviço Nacional na Força Aérea Real não deve ter sido uma experiência totalmente negativa, já que você se alistou por um ano extra.

Eu só fiz isso porque você só tinha que servir mais dez meses e ganhava o dobro de dinheiro e licença, e era mais aceito pelos poderosos: sargentos, cabos, esse pessoal. Eles mandavam em você se você fosse um garoto novato fazendo o Serviço Nacional, mas se você fosse considerado um Regular, você tinha permissão para se vestir de forma mais casual, deixar seu cabelo crescer mais, colocar seu boné em um formato diferente, todas essas pequenas coisas, e você era mais respeitado. Então, fazer o tempo extra era ok.

E foi nesse ponto, enquanto cumpria seu terceiro ano de Serviço Nacional, na Alemanha, que você formou sua primeira banda de skiffle.

Amigos na sala ao lado trouxeram músicas de Lonnie Donegan de Londres depois que eles estavam de licença - as coisas que ele fazia quando estava com Chris Barber - então decidimos formar uma banda de skiffle. Peguei uma caixa de chá velha e vazia, um cabo de vassoura, um pouco de corda de sisal e fiz um baixo de caixa de chá. O sisal é tão áspero que cortou minhas mãos e as fez sangrar, então comprei uma guitarra. Formei a banda com um cara chamado Casey Jones, que era de Liverpool e foi o líder do Casey Jones And The Engineers. Anos depois, Eric Clapton me disse que tocou com ele por um curto período também. De qualquer forma, foi muito breve, porque foi apenas nos últimos meses que fiquei no acampamento antes de sair para retornar à vida civil.

Por que o baixo? Você categoriza seu papel como "não atrapalhar, não ser notado". O fato de você ter escolhido esse papel diz muito sobre você como pessoa?

Talvez, porque eu sempre fui tímido, um pouco introvertido. Quando eu estava nos Stones, eu ficava fora do caminho, basicamente. Eu não queria ficar na frente, pulando como o resto deles, não era o meu jeito. Eu sou muito tímido para fazer isso, muito autoconsciente. Então eu ficava de lado nas sombras, observando o que estava acontecendo entre a banda e o público, assistindo ao show enquanto eu tocava, basicamente. E por que o baixo? Simplesmente porque quando eu estava formando minha banda no sul de Londres, três anos antes de entrar para os Stones, havia três guitarristas, e eu disse: "Alguém tem que tocar baixo". O guitarrista principal disse: "Eu não vou". A guitarra base disse: "Eu não vou". Então eu disse: "Acho que vou ter que fazer isso". Eu não tinha um baixo, então tive que fazer um. E, sem que eu soubesse na época, construí o primeiro baixo sem trastes. Inventei, pelo que me disseram, cerca de cinco anos antes de eles saírem.

Seu relacionamento com um pai ditatorial e seu serviço na Força Aérea Real o levaram a apreciar as liberdades e a permissividade dos anos 60 mais do que o resto dos Stones?

Bem, eu era mais adulto, eu era mais velho, eu tinha andado por aí, e eles olhavam para mim como uma espécie de... tio [risos]. Não realmente, mas uma pessoa mais velha que tinha aprendido um pouco mais do que eles, isso sempre foi respeitado. Então, quando estávamos em nosso primeiro voo, de Londres para Glasgow ou onde quer que fosse, eles ficavam apavorados, e eu tinha que acalmá-los. Apenas dizer: 'Está tudo bem, sem problemas. Estamos todos fazendo isso juntos'. E eles estavam todos bem depois disso. Mas houve momentos em que eu tive que sugerir outras maneiras de olhar para as coisas que eles não tinham experimentado antes. Eu também era o cara que contava todas as piadas.

Quando você estava nos Stones, você colecionava memorabilia desde o começo – clipes de filmes, fotos, tudo. É quase como se você precisasse de provas concretas para provar que aquilo estava realmente acontecendo, que tudo parecia bom demais para ser verdade.

Provavelmente foi isso, porque tudo começou comigo colecionando algumas coisas, pensando que ficaríamos por aqui por talvez um ou dois anos, talvez na televisão uma vez, teríamos dois ou três discos, e eu queria deixar algumas coisas para meu filho, que tinha oito meses quando entrei para os Stones, então ele sabia que seu pai já tinha tocado em uma banda e fez alguns shows [risos].

Falando sobre seu relacionamento com seu filho, seu pai incutiu expectativas muito baixas em você. Ele não te forçou a deixar a escola cedo?

Antes dos meus exames de nível médio, sim.

Quando você se tornou pai, você estava determinado a ser diferente?

Ah sim, eu era totalmente diferente. Mas ele era um de dez e a infância dele foi dickensiana. Todos eles viviam com meio ovo de pombo cada um pela manhã. E o pai dele era um tirano que os batia com seu cinto. Então, enquanto meu pai era durão, ele não era nem de longe tão durão quanto o pai dele foi. Acho que ele pensava que estava sendo muito legal. Embora nós não achássemos. Nós três meninos dormíamos em uma cama, e se estivéssemos brincando ou rindo, meu pai gritava escada acima: 'Vão para a cama ou eu estarei lá em cima'. Então nós o ouvíamos subindo as escadas, e nos escondíamos debaixo da cama, então ele costumava pegar a vassoura e nos puxar para fora... Eu não diria que ele era um tirano, mas ele era muito, muito firme. Suas mãos eram como pedras, porque ele era um pedreiro, então quando ele batia em você você realmente sentia. Era como ser atingido por uma tábua.

No auge da mania dos Stones, houve momentos em que você temeu pela sua vida?

Em algumas ocasiões. Uma vez, perto de Los Angeles, saímos do estádio tendo tocado para cinco mil crianças, o motorista da limusine escolheu a saída errada e não conseguimos sair. Logo o carro estava coberto de crianças, elas subiram no porta-malas, no teto, estavam batendo nas janelas e tivemos que deitar no chão com os pés segurando o teto para cima. Não conseguíamos respirar porque estávamos simplesmente engolfados. Isso foi bem assustador. Então os policiais chegaram, começaram a balançar seus bastões e abriram caminho até o helicóptero. Keith tinha um cachecol que costumava usar e em uma ocasião algumas das garotas seguraram uma ponta dele e algumas a outra, então elas começaram a puxar e não soltaram. Quase o estrangularam. Então você tem aqueles momentos: todas as suas roupas rasgadas e grandes pedaços de cabelo arrancados. Mas não foi assustador, aterrorizante ou realmente perigoso, você só tem que rir disso no final.

Durante os anos 60, a vida de um Rolling Stone em turnê podia ficar monótona, porque todos vocês buscavam rotas de fuga: bebida, drogas, sexo. De fora parecia que você podia ter tudo o que quisesse, exceto satisfação real.

Era bem deprimente, porque você nunca via lugar nenhum. Você voava para uma cidade, você era direto para limusines no aeroporto e então direto para o estacionamento subterrâneo do hotel. Você então tinha que esperar enquanto eles tiravam todas as garotas dos corredores - e dos quartos às vezes - antes de você poder subir para o seu quarto, e então você ficava preso no seu quarto até que você fosse fazer o show. Você fazia o seu show, voltava direto para o seu quarto de hotel, onde você ficava até acordar de manhã e saía para o aeroporto para ir para a próxima cidade. Sempre havia garotas em todos os lugares, nos elevadores, em todos os andares, tentando descobrir em quais quartos você estava. Às vezes, elas escalavam os malditos canos de esgoto e escadas de incêndio para chegar aos seus quartos. Mas era tudo meio divertido, principalmente para Brian [Jones]. Ele achava hilário. Você pode vê-lo rindo em todas as fotos.

Os Rolling Stones foram originalmente a banda de Brian, mas seu papel foi gradualmente corroído até que ele pareceu perder o controle de toda a sua vida.

(O empresário dos Stones entre 63-67) Andrew Oldham decidiu fazer com que Mick e Keith começassem a escrever músicas porque ele percebeu que Mick, sendo o vocalista, provavelmente seria o mais famoso depois. Brian originalmente recebia muito mais cartas de fãs do que o resto de nós. Todas as garotas iam atrás de Brian. Mas ele foi deixado de lado. Então Andrew impediu eu, Brian e Charlie de fazer entrevistas, o que também elevou o perfil de Mick e Keith. Obviamente, foi benéfico para Mick e Keith assumirem a música, mas Brian, com quem eu dividia um quarto na época, sempre ficava um pouco triste, chateado por não estarmos fazendo o tipo de música que ele realmente gostava, porque começamos fazendo Blues de verdade e ele era um purista do Blues. Ele meio que perdeu a banda e às vezes não sentia que fazia parte dela. O que era muito triste. Mick e Keith dividiam um quarto, Andrew Oldham e Charlie, e eu e Brian. Era assim que sempre fazíamos. Então éramos eu e Brian que saíamos para clubes, tocávamos com músicos locais, pegávamos garotas e nos divertíamos mais do que os outros, que costumavam ficar no hotel, basicamente. Mick e Keith costumavam escrever, eles saíam ocasionalmente, mas eu e Brian estávamos sempre fora de casa.

Sua camaradagem com Brian teve algum efeito em seu relacionamento com Mick e Keith?

Não. Eu não era apenas amigo de Brian, eu era muito, muito próximo de Charlie, porque éramos a seção rítmica e nos dávamos muito bem. Nós dois éramos parecidos - casamos cedo, tivemos filho, íamos para casa depois dos shows em Londres para nos reunir com a família enquanto os outros estavam festejando à vontade com todas as outras celebridades. Eu tinha uma afinidade muito próxima com Charlie. Entrei para a banda no dia 8/dez/62, porque Tony Chapman, o baterista da minha banda no sul de Londres, que estava tocando com eles por alguns meses, me apresentou, então eles o demitiram e trouxeram Charlie a partir do dia 9/jan/63. Mas na estrada eu estava com Brian principalmente. Não havia maldade, eles apenas se cansaram do uso de drogas dele. Nenhum de nós usou drogas. Bem, Keith... Eles usaram um pouco, mas não houve nada pesado por anos. Eu nunca usei, nem Charlie, nós sempre fomos completamente limpos. Tínhamos responsabilidades, então nos comportávamos.

Qual foi a melhor performance de Bill Wyman em uma gravação dos Rolling Stones?

Tenho orgulho de muita coisa, porque fiz coisas no baixo que um baixista normalmente não faria. Em vez de tocar um simples doze compassos, eu me inclinava para longe, encontrava outras notas, fazia pequenas corridas nas cordas superiores e deslizava. Os baixistas nunca faziam slides até eu começar. Quer dizer, eles faziam em contrabaixos, mas eu fiz isso desde o começo porque eu tinha um baixo sem trastes, então era muito suave. Eu sempre peguei cordas planas e tinha guitarras onde eu podia fazer esses slides, em coisas como 'I'm A King Bee'. Fui ajudado por um grande amigo que era baixista do 'Booker T & The MG's', (Donald) Duck Dunn. Aprendi muito com ele: tocar de forma simples, ali mesmo com a bateria no groove. Tempo perfeito, mas muito simples, deixar espaço, deixar ar, porque é muito importante fazer isso. Não encher tudo, é o que muitas pessoas fazem. Você tem baixistas que soam como guitarristas solo.

Você menciona de passagem no documentário de Oliver Murray de 2019, The Quiet One, que Altamont quase levou à morte dos Stones.

Foi tão perigoso naquele dia. Eu nem gosto de falar sobre isso, para falar a verdade. Foi como um pesadelo muito ruim que não queria ir embora. Eu e Mick Taylor estávamos bem na frente de onde o cara foi esfaqueado, os outros estavam do outro lado, mas nós estávamos do lado do palco onde aconteceu, então foi bem horrível. Ele simplesmente correu e os caras que o perseguiam o esfaquearam três vezes com uma faca grande. Então, quando tivemos que sair, só havia um helicóptero sobrando, e o piloto do helicóptero subiu no palco enquanto tocávamos e disse: 'Se vocês não terminarem agora, eu vou embora, já chega'. E nós fomos os últimos. Então tivemos que parar, terminar a música, sair correndo do palco, e então com a segurança, e alguns funcionários e equipe, todos nós subimos neste helicóptero que continha oito pessoas, vinte de nós, todos subindo uns em cima dos outros, e tentamos decolar. Quando ele levantou, ele foi para o lado até que ele finalmente conseguiu alguma altura.

Deixar a Inglaterra para se tornar exilado fiscal foi um chamado para acordar? Porque você deve ter vivido uma existência cada vez mais rarefeita, em suas próprias mansões de campo, com uma licença para fazer praticamente qualquer coisa, e então, bang, você está vivendo "fora da lei", como Keith disse, na França.

Bem, nós vivíamos, como você diz, em grandes mansões no campo, mas não tínhamos dinheiro nenhum. (O empresário dos Stones '68-'70, Allen) Klein tinha todo o dinheiro, e quando você queria alguma coisa, você implorava para ele te enviar algum dinheiro. Você está no vermelho com seu banco, então você não estava festejando o tempo todo, você estava se preocupando em como pagar suas contas. Foi um pesadelo. E então (o primeiro-ministro Harold) Wilson entrou e colocou os impostos em 93%, foi absurdo. Então nós saímos. Tivemos que sair porque devíamos tanto dinheiro à Receita Federal que, com 93% de imposto, nunca poderíamos ganhar o suficiente para pagar de volta. Então tivemos que sair, e então fomos acusados de sermos multimilionários, saindo porque não queríamos pagar nossas contas, mas não queríamos. Quando Brian morreu, ele tinha mais de 30 mil libras em dívida. Quando comprei aquela mansão em Suffolk, eu tinha mil libras no banco, tive que juntar uma hipoteca e esperar que eu pudesse continuar a ganhar dinheiro suficiente para mantê-la. Era tão ruim assim. Mick e Keith eram mais ricos porque tinham royalties de composição e publicação, mas eu, Brian, Charlie e, eventualmente, Ronnie tínhamos apenas cerca de um décimo do que eles estavam recebendo.

Apesar de seu alto perfil, você nunca perdeu sua conexão emocional, carinho e entusiasmo de fã pelo Blues.

Fui apresentado ao Blues por Brian, quando entrei para a banda, pouco antes de Charlie chegar, e eles estavam apenas tocando Blues. Então eu aprendi sobre isso dessa forma. Como nunca era tocado no rádio, você não podia comprar os discos em lojas, você tinha que importá-los. Mesmo quando eu era louco por Chuck Berry em 1958, quando eu tinha acabado de sair do exército, eu tive que escrever para uma loja de discos em Chicago para comprar discos de Chuck Berry. E então Little Richard lançou 'Tutti Frutti' e 'Long Tall Sally' em 1955 na América, que não saiu na Inglaterra até 56. Naquela época, havia enormes lacunas entre o que estava acontecendo lá e o que estava acontecendo aqui. Então, eu não sabia nada sobre Blues até que Brian me ensinou sobre Jimmy Reed, Elmore James, Muddy Waters, Little Walter, todos os grandes de Chicago. E então eu tive o privilégio de tocar com Muddy, Buddy Guy, Junior Wells, Pinetop Perkins, Howlin' Wolf , John Lee Hooker...

Apesar do crédito de Jagger/Richards, você ou Charlie frequentemente mudavam toda a direção de uma música com uma linha de baixo ou padrão de ritmo habilmente aplicado, e isso era uma parte intrínseca do processo criativo da banda? Afinal, a chave para transformar uma música reggae chamada 'Never Stop' em uma música Rock chamada 'Start Me Up' está toda no baixo e na bateria, certo?

E 'Satisfaction'. Eu sou o único cara que vai para o acorde quatro. Todos os outros, incluindo Keith, ainda estão na nota raiz. E isso começou como uma balada Country sangrenta, até que nos dedicamos a ela. Então, quando estávamos votando no que seria o single do álbum, éramos sete que votaram - todos os Stones, Andrew Oldham e Dave Hassinger, o engenheiro dos estúdios RCA. Cinco votaram em '(I Can't Get No) Satisfaction', e dois votaram contra. E os dois contra foram Mick e Keith.

Como seus colegas Stones reagiram ao seu sucesso em 1981 com o single de sucesso '(Si Si) Je Suis Un Rock Star'?

Keith achou ótimo, Mick achou meio bobo, mas os outros gostaram. Ainda é o maior sucesso solo de um Stone original. Mas eu não escrevi para mim. Eu já tinha feito três álbuns meus e queria começar a escrever músicas para outras pessoas, então escrevi para Ian Dury. Quando toquei para Billy Lawrie e Lawrence Ronson, que dirigiam uma editora, Billy disse: 'Foda-se Ian Dury, isso é um sucesso. Você tem que fazer isso'. Então eles me convenceram.

À medida que os anos 80 avançavam, a briga entre Mick e Keith, que manteve os Stones fora da estrada por sete anos, deu a vocês o gostinho de uma vida totalmente independente fora da banda?

Bem, eu e Charlie achamos que estava acabando. Nós achamos que a banda estava fechando, e o (gerente financeiro dos Stones de 1970 a 2007) Prince Rupert (Loewenstein) também. Todos os envolvidos estavam preocupados, porque nós simplesmente não tocávamos, e só lançávamos coisas reempacotadas. Eu pensei que era melhor continuar com outras coisas, então comecei a escrever 'Stone Alone'. Então eu abri o Sticky Fingers, meu restaurante. O que também foi uma briga. Eu ia chamá-lo de Stones, mas me disseram: 'Você não pode fazer isso a menos que sejamos donos e lhe demos dez por cento para administrá-lo'. Os próprios Stones não disseram isso, foi a gerência. Então eu mudei o nome para Sticky Fingers e foi um grande sucesso por 33 anos. Mas tivemos que terminar quando a Covid começou e eu tive câncer de próstata, do qual, após 15 meses de tratamento, felizmente fui curado.

Você está feliz por ter deixado os Stones quando o fez?

Bem, eu deveria ter feito isso muito antes... Nos anos 80. Eu fiquei para 3 turnês (três etapas da turnê Steel Wheels/Urban Jungle), depois de 7 anos de nada, e eu terminei com um cheque especial de £200.000, porque não estávamos ganhando nada. Mick e Keith eram totalmente ricos, então eles não estavam incomodados, mas eu, Charlie e Ronnie estávamos nos virando. Ronnie começou a fazer arte para sustentar sua família. De qualquer forma, só comecei a tocar com eles de novo na esperança de que fossem apenas alguns anos, porque eu tinha todas essas outras coisas que queria fazer. Eu queria fazer arqueologia, escrever livros, fazer fotografia, queria jogar críquete beneficente, queria fazer todas essas outras coisas. E 30 anos depois, ainda quero fazê-las, para dizer a verdade. Então eu fiquei tão feliz em sair no final. O que eles absolutamente não gostaram, e se recusaram a aceitar. Eles disseram: 'Você não saiu'. Quando eles estavam fazendo o plano para o ano que vem, eu disse: 'Bem, não tem sentido eu discutir isso, porque eu estou saindo'. E eles disseram: 'Você não está saindo'. Eu disse: 'Eu estou saindo, eu saí'. E eles não acreditaram em mim. Dois anos se passaram, e eles estavam montando a banda novamente para fazer um novo disco em 94. Eles disseram: 'Você ainda está na banda?' Eu disse: 'Eu saí há dois anos'. Mick e Charlie tentaram me convencer a desistir, Deus os abençoe, mas eu não queria. Eu simplesmente larguei tudo. Limpei o ar. Desisti de uma carreira, de um casamento terrível... Casei de novo e formei o Rhythm Kings com Georgie Fame e Gary Brooker, só por diversão.

Quando você deixou os Stones, você achava que eles continuariam com a banda por tanto tempo?

Quando Charlie saiu, pensei que eles iriam fechar. Realmente pensei. Eles poderiam substituir o baixo, mas não pensei que pudessem substituir Charlie, e seu carisma, e que cara legal ele era, mas eles continuaram, o que me surpreendeu. Eu não diria que me decepcionou, mas me surpreendeu. Acho que teria sido um bom momento para eles... Mas não acho que eles tenham mais nada para fazer, senão eles fariam, não é? Tenho seis coisas diferentes que estou fazendo o tempo todo, e estou tão feliz fazendo-as, mas não acho que elas... Bem, Ronnie tem arte, como uma segunda coisa... E Mick tentou fazer filmes e coisas assim, mas não teve muito sucesso, e ele fez coisas solo que realmente não funcionaram tão bem quanto deveriam. E então eles apenas... São apenas os Stones o tempo todo.

Perder Charlie deve ter sido um golpe duro.

Nós sempre fomos próximos. Depois que eu deixei a banda, até ele morrer, nós nos víamos toda semana. Ele vinha até a casa. 'Posso tomar uma xícara de chá, Bill?' E nós passávamos uma ou duas horas conversando. Então, quando os Stones tinham aquela faixa com Charlie ('Live By The Sword', do álbum 'Hackney Diamonds'), Mick e o produtor Andrew Watt ligaram para me pedir para tocar nela, e eu fiquei bem feliz em fazer isso, na verdade. Só uma. Eu não estava louco pela canção, e eu não estava louco pelo jeito que eles fizeram. Estava cheio de guitarras, e não tinha ar. Nenhum espaço, nenhuma lacuna. Provavelmente há oito guitarras ali, em vez de duas. Poderia ter sido feito de forma muito mais simples. Mas é assim que eles fazem, abençoados sejam. Foi difícil para mim colocar um baixo porque não havia muito espaço. De qualquer forma, depois que terminei minha parte, e fiquei feliz com ela, eu disse: 'Você tem alguma outra canção que eu possa fazer enquanto estou aqui?' E eles disseram: 'Sim, tem outra'. Então eles montaram, e eu toquei baixo nela, e eles disseram: 'Vamos guardar isso para o próximo álbum'. Então eu posso estar no próximo álbum também. Elton (John) veio depois de mim para colocar seu piano nela, então nós conversamos, mas você não consegue realmente ouvir seu piano. Apenas pequenas notas estranhas aqui e ali, porque a faixa é muito movimentada. Mas foi legal fazer isso porque éramos eu e Charlie novamente. Essa é a única razão pela qual eu fiz isso. Porque quando me pediram para tocar no O2 em 2012, eles nem me deram um teste de som. Eu disse: 'Preciso fazer um teste de som porque estou tocando com o equipamento de baixo (de Darryl Jones) e não sei como soa. E estou tocando duas faixas. E você só me disse quais duas faixas ontem'. Eles estavam mais interessados em fazer o som certo para uma das novas garotas que estava no palco (Mary J Blige foi convidada em 'Gimme Shelter' na primeira das duas noites em que Wyman tocou), e eu tive que improvisar, basicamente. No final, deu muito certo, então fiquei muito feliz.

E todos na plateia ficaram muito felizes em ver você.

Eu sei. Mas eles só me deixaram fazer duas músicas ('It's Only Rock 'N' Roll (But I Like It)' e 'Honky Tonk Women'). Eu pensei que eles me deixariam fazer quatro ou cinco, na verdade. Então eles queriam que eu voasse para NYC para tocar lá em dois shows, e eu disse: 'Quantas músicas vocês querem que eu toque?' E eles disseram: 'Duas'. Eu disse: 'Não, obrigado. Não vou voar para NYC por cinco dias para tocar duas músicas'. Então eu não fui.

Qual foi o catalisador para gravar seu novo álbum 'Drive My Car'? Ele tem seu próprio som, um ritmo discreto e uma sensação de Blues, e é seu primeiro em nove anos.

Originalmente eu queria chamá-lo de 'Rough Cut Diamond', porque tem uma canção nele que diz: 'Eu sou apenas um diamante bruto, e todo mundo diz que diamantes são os melhores amigos de uma garota'. Mas então eu descobri que os Stones iriam chamar o deles de 'Hackney Diamonds', então eu pensei que as pessoas iriam pensar que eu tinha copiado. Então eu liguei para Mick, e ele disse: 'Nós não podemos mudar isso, você está por sua conta, companheiro'. Então eu mudei para 'Drive My Car', que funcionou perfeitamente na verdade. De qualquer forma, nos meus álbuns anteriores eu usei instrumentos de sopro, piano, backing vocals, percussão, todo tipo de coisa, e pensei que dessa vez eu faria de forma simples – baixo, bateria, guitarra e é isso. Como JJ Cale, Randy Newman, esse tipo de gente, uma sensação simples e descontraída.

No contexto do álbum, 'Thunder In The Mountain', de Dylan, 'Light Rain', de Taj Mahal, e 'Ain't Hurtin' Nobody', de John Prine , parecem vir da mesma fonte.

Bem, todos elas foram feitas no mesmo estilo, com os mesmos músicos, então flui. Não sobe e desce como todos os meus outros álbuns. Eu costumava fazer um rápido, um lento, um pouco de Jazz, um pouco de Blues, um pouco de Country, era uma mistura completa, e nunca teve um fluxo. Mas este último tinha essa sensação do começo ao fim.

Você aparentemente se conectou com Taj Mahal quando ele descobriu que você era membro da Royal Horticultural Society. O jardim sempre ofereceu um lugar de santuário, mesmo durante a loucura dos anos sessenta e setenta?

Sim. Fui ao Chelsea Flower Show uma vez, mas foi um pouco como uma multidão de futebol. Sempre amei plantas. Todas as minhas fotografias são de borboletas, natureza, flores, e quando estou no campo, apenas caminhando em um campo ou descendo um pequeno beco através de uma pequena floresta, é onde está minha religião. Não posso ir a uma igreja e cantar hinos centenários, isso não funciona para mim. Meu espírito está na natureza. Sempre esteve.

Você acha que esse amor pelo campo nos remete à sua evacuação?

Nottingham, sim, indo para a escola através da floresta e das pequenas estradas rurais. Absolutamente. Gedding Hall, minha mansão em Suffolk, fica bem no meio de campos e terras agrícolas. Eu a tenho há 56 anos e nada mudou. É maravilhoso voltar lá. Ela remonta a 1480, algumas de suas partes são anteriores a Henrique VIII.

Você tem uma mentalidade muito histórica e é um detectorista de metais afiado. Como tudo isso começou?

Quando comprei a mansão, alguns trabalhadores encontraram um lindo jarro de água do século XVI enquanto separavam os canos, e imaginei que provavelmente havia outras coisas lá embaixo. Então comprei um detector de metais e comecei a fazer arqueologia no meu jardim. Encontrei coisas incríveis: moedas de prata de Ricardo I... uma ponta de flecha de folha de 5.000 a.C. Então encontrei um sítio romano em nossa vila. Perguntei a um fazendeiro se eu poderia ir em seu campo, comecei a detectar e encontrei moedas romanas. Foi quando realmente me interessei por arqueologia e escrevi 'Treasure Islands', de Bill Wyman.

Qual foi a coisa mais impressionante que você já encontrou enquanto estava detectando metais?

Um meio-nobre de ouro da época de Ricardo III – o pagamento de um ano para um homem de armas. Eu encontrei três moedas de ouro agora e cerca de sessenta de prata, mas aquele meio-nobre era extraordinário. Estava apenas jogado neste campo há cerca de duas polegadas – moeda de ouro.

Como um historiador apaixonado, você já pensou em fazer um teste de DNA?

Eu fiz isso. Toda vez que eu dizia: 'Eu sou inglês', minhas meninas (desde seu terceiro casamento, com Suzanne Accosta em 93, Wyman foi pai de três filhas) diziam: 'Não, pai, você provavelmente teve ancestrais na Espanha ou na França'. E eu dizia: 'Não, eu não sou latino, eu sou inglês'. E elas diziam: 'Ok, vamos fazer seu DNA'. Então elas pagaram por isso, e quando recebemos os resultados elas ficaram chocadas. Eu sou 98% inglês e 2% do norte da Alemanha, Deus sabe de onde isso veio. Mas mostra 32% de Midlands, 29% do sul da Inglaterra, ao redor de Kent, e 30 e tantos % de East Anglia. E Suffolk é onde eu tenho a mansão.

Algum arrependimento sobre sua vida?

Arrependimentos? Eu deveria ter deixado (os Stones) antes. Eu deveria ter saído nos anos 80, quando estava caindo aos pedaços. Mas é claro que foi uma sorte eu ter esperado, porque tivemos aqueles maravilhosos 15 meses em 89/90 fazendo a turnê pela América, Europa e a primeira turnê pelo Japão. Fizemos 120 shows em 15 meses para mais de sete milhões de pessoas. Foram 31 anos gloriosos, porque eu viajei, conheci e toquei com pessoas maravilhosas, tive recepções fantásticas, fiz ótimos discos. E eu não mudaria isso, mas todo o resto desde então tem sido tão bom, se não melhor para mim.

Traduzido e adaptado de https://www.loudersound.com/features/bill-wyman-drive-my-car-interview

Grandes canções: Black Sabbath - "War Pigs"

2025-01-14T16:14:00.000-03:00

"War Pigs" é a faixa de abertura do segundo álbum do Black Sabbath, "Paranoid" (de set/70). Seu título original era "Walpurgis", espécie de Natal para os satanistas. O baixista/letrista Geezer Butler contou: "Para mim, a guerra sempre foi o grande Satã. Então, não era sobre política, ou governo, ou qualquer outra coisa. Era sobre o próprio mal. Eu estava dizendo 'generais reunidos nas massas, como bruxas em missas negras' para fazer uma analogia. Mas quando trouxemos para a gravadora, eles acharam que "Walpurgis" soava muito satânico. E foi então que a transformamos em "War Pigs". Não mudamos a letra, porque ela já estava pronta". Nessa época, o alistamento militar havia acabado no Reino Unido, mas como a Guerra do Vietnã ainda estava em andamento, muitos jovens temiam ser convocados para nela lutar. "Foi isso que começou toda essa coisa de rebelião sobre não ir para a guerra por ninguém. Eu estava com medo de ser convocado". "War Pigs" se originou numa jam session. A banda era obrigada a tocar vários sets todas as noites e tinha pouco material em seu repertório. Daí, eles faziam longas jams para preencher o tempo e "War Pigs" surgiu numa delas. A adição da sirene de ataque aéreo e a aceleração do final da canção foram feitas pelo produtor Rodger Bain e pelo engenheiro Tom Allom. A banda não teve nenhuma participação nessas decisões, embora tenha ficado satisfeita com o resultado. O final instrumental é intitulado "Luke's Wall" e assim foi indicado em certos lançamentos.

War Pigs / Porcos de Guerra

Generals gathered in their masses / Generais reuniram seus exércitos

Just like witches at black masses / Assim como as bruxas durante as missas negras

Evil minds that plot destruction / Mentes malignas que tramam destruição

Sorcerers of death's construction / Feiticeiros que edificam a morte

In the fields, the bodies burning / No campo, os corpos queimam

As the war machine keeps turning / Enquanto a máquina de guerra continua funcionando

Death and hatred to mankind / Morte e ódio à humanidade

Poisoning their brainwashed minds / Envenenando as mentes daqueles que sofreram lavagem cerebral

Oh, Lord, yeah! / Ah, Senhor, sim!

Politicians hide themselves away / Políticos se escondem

They only started the war / Eles só iniciaram a guerra

Why should they go out to fight? / Por que eles deveriam lutar?

They leave that all to the poor, yeah! / Eles deixam esse papel para os pobres, sim!

Time will tell on their power minds / O tempo dirá a suas mentes poderosas

Making war just for fun / Fazendo guerra só por diversão

Treating people just like pawns in chess / Tratando as pessoas como peões em um jogo de xadrez

Wait till their judgment day comes, yeah! / Espere até o dia do julgamento deles chegar, sim!

Now, in darkness, world stops turning / Agora, na escuridão, o mundo para de girar

Ashes where their bodies burning / Cinzas onde os corpos deles queimam

No more war pigs have the power / Sem mais porcos de guerra com poder

Hand of God has struck the hour / A mão de Deus marcou a hora

Day of Judgment, God is calling / Dia do Julgamento, Deus está chamando

On their knees, the war pigs crawling / De joelhos, os porcos de guerra rastejam

Begging mercies for their sins / Implorando misericórdia por seus pecados

Satan, laughing, spreads his wings / Satanás, rindo, abre as suas asas

Oh, Lord, yeah! / Ah, Senhor, sim!

O Led Zeppelin e seus shows: 4/27/1969, San Francisco, CA

2025-01-13T14:15:00.001-03:00

Set-list: Train Kept a Rollin', I Can't Quit You Baby, As Long as I Have You, You Shook Me, How Many More Times, Communication Breakdown, Killing Floor, Babe I'm Gonna Leave You, White Summer / Black Mountain Side, Sitting and Thinking, Pat's Delight, Dazed and Confused.

Esta é a segunda North American Tour do Led (18/abr-31/mai/69). A esta altura, a popularidade de Led era tanta que o grupo havia se tornado atração principal dividindo alguns de seus shows com artistas consagrados. Eles agora estavam recebendo quatro vezes mais dinheiro do que haviam recebido em sua primeira turnê pela América, apenas alguns meses antes. Além disso, o Led foi um dos primeiros grupos a dar, em algumas noites, show sozinho, sem banda de abertura. Apenas em Columbia, Maryland, em 25/mai, o empresário Peter Grant concordou que o Led abrisse para o The Who. Foi a única vez que ambas bandas se apresentaram na mesma noite juntas. Durante esta turnê, a banda tirou um tempo para gravar faixas em vários estúdios de gravação para seu próximo álbum, "Led Zeppelin II" (lançado em out/69). Muitas das faixas foram posteriormente mixadas por Eddie Kramer no A&R Studios, em NYC. Foi durante este período que o guitarrista Jimmy Page deixou de usar sua Telecaster e passou a usar a Gibson Les Paul, incorporando também o uso de amplificadores Marshall. A gravação começa com Plant mencionando que esta é a última noite da banda em São Francisco. O começo de "Train Kept a Rollin'" é recebido com gritos de "yeah! yeah!" de um membro animado da plateia. Plant improvisa novas letras sobre San Francisco durante "I Can't Quit You Baby". Quando a canção termina, há uma pausa enquanto Bonzo conserta seu tarol, durante a qual alguém na multidão pede "You Shook Me". O que se segue é um "As Long as I Have You" de proporções épicas. A primeira versão desta canção que ouvi e ainda minha favorita, ela definitivamente se tornou uma grande peça central do show ao vivo do Led nesta fase. Um momento perfeito para mostrar as habilidades de improvisação de cada membro da banda. A voz de Plant é um pouco áspera nas bordas durante "You Shook Me", mas seu solo de gaita é Blueseiro e dinâmico. "How Many More Times" é uma das minhas performances favoritas. A atmosfera é solta e se presta a uma improvisação excelente e muito interessante. Há um groove funky incrível imediatamente após o solo de arco de violino. A parte "got you in the sights..." inclui uma jam heavy excelente, completada com algumas letras estranhas de Plant (aparentemente tentando evitar cantar o "gun!" no final). A primeira parte termina com um bis de meio de show com "Communication Breakdown", conforme solicitado por alguém na multidão. A segunda parte começa com um "Killing Floor" solto e funky, incluindo novas letras de Plant, cuja voz parece ficar mais áspera com o passar do tempo. Uma versão para "Babe I'm Gonna Leave You" um tanto contida é seguida por "White Summer/Black Mountain Side". "Sitting and Thinking" é tocada como uma improvisação de Blues solta. Alguém na multidão grita por "Pat's Delight" antes de Plant apresentar Bonzo ao público. Há um solo de bateria e o show termina com uma versão de "Dazed and Confused" bastante cadenciada. Esta é uma daquelas noites especiais e eletrizantes, definitivamente um "must hear". Nenhuma coleção de bootlegs do Led está completa sem este show. A gravação tem qualidade excelente (soundboard). Duca total. Ouça no volume máximo!

Canal Som de Peso: #TAG Do Vinil 2017 + O Terno - Melhor Do Que Parece | ALBUM REVIEW (vídeos 17 + 18)

2025-01-13T13:34:00.000-03:00

Nesse vídeo faço uma tag para responder 20 perguntas sobre a minha coleção!

Estas são as perguntas pra quem quiser responder:

1 - Quantos discos de vinil você possui?

2 - Que tipo de Toca-Discos você tem?

3 - Quantos anos você tinha quando começou a colecionar discos?

4 - Qual o disco mais antigo que você possui?

5 - Qual o primeiro disco que você teve?

6 - Qual o primeiro disco que você comprou com o próprio dinheiro?

7 - Qual o seu vinil colorido preferido?

8 - Qual disco foi uma pechincha?

9 - Qual seu disco mais valioso?

10 - Um disco de uma artista

11 - Um disco da sua banda favorita

12 - Uma compra por impulso

13 - Um presente

14 - Disco mais tocado

15 - Uma raridade

16 - Um disco para dias chuvosos

17 - Um disco que te faz sentir bem

18 - Um disco nostálgico

19 - Um disco exclusivo do Record Store Day.

20 - Uma compra recente

O 3º disco do 'O Terno' é um dos mais legais de 2016.

Canal Rock Raro: Top 15 Bruce Springsteen - The Boss (vídeo 114)

2025-01-13T13:25:00.000-03:00

Grandes álbuns do Prog-Rock: Acqua Fragile - "Mass-Media Stars" (1974)

2025-01-12T07:22:00.000-03:00

O brother Marcão já fez um excelente texto sobre esta banda em sua sempre aguardada coluna "Tesouros Perdidos" (leia aqui), mas avaliei que ela também seria merecedora de um destaque nesta dedicada ao Rock Progressivo (considerando ainda sua excelente volta no século 21). Originada na cidade de Parma, Itália, em 1966, inicialmente sob o nome de "Gli Immortali", tinha na formação Bernardo Lanzetti (vocais, que havia acabado de voltar à Itália após morar nos EUA), Gino Campanini (guitarra) e Pier Emilio Canavera (bateria), aos quais mais tarde se juntaram Maurizio Mori (teclados) e Franz Dondi (baixo).

Dondi vinha de outro grupo menor, "I Moschettieri" (na praia da Beat Music), que em 1967 gravou um single "Quando Il Tempo Dell'Amore/Un'Anima Perduta" e tocou abrindo num show na Itália para os Rolling Stones. Eles começaram a se apresentar ao vivo e, no início de 1971, foram notados pelos integrantes da PFM - Premiata Forneria Marconi, então já conseguindo grande projeção na cena musical italiana (mesmo antes das primeiras gravações). O empresário da PFM Franco Mamone decidiu gerenciar também a nova banda e orientou-lhes no sentido da mudança de nome para "Acqua Fragile". Com um empresariamento profissional, o grupo tornou-se capaz de tocar com importantes expoentes estrangeiros (abrindo turnês italianas) como Soft Machine, Alexis Korner & Snape, Tempest, Curved Air, Audience, Uriah Heep, e acima de todos, com o Gentle Giant.

O álbum de estreia homônimo foi lançado em 73 com clara inspiração no Rock Progressivo britânico (especialmente Genesis e Gentle Giant) e cantado em inglês, o que era bastante anômalo na cena fonográfica italiana da época. Prog Folk Rock leve, romântico, agradável, lançado pela Numero Uno, mesmo selo (independente) pelo qual a PFM gravava. Os vocais de Bernardo Lanzetti lembravam os de Peter Gabriel (e também os de Roger Chapman, do Family), muito Folk Rock (pense CSNY), com a banda ainda procurando seu próprio caminho no Prog (e por isso a sensação de muitos clichês). Lampejos de excelência, destaque para as faixas "Morning Comes", "Comic Strips", "Education Story" e "Three Hands Man". As letras em inglês acabavam tirando algo do charme do som italiano e de sua melodiosidade ímpar. Muitas influências (às vezes colocadas à frente, em detrimento da criatividade/originalidade), mas num todo que dava até para esquecer tratar-se de uma banda italiana. O álbum foi distribuído apenas na Itália e não obteve o sucesso desejado (a opção de vocais em inglês provavelmente não ajudou a conquistar popularidade na Itália e o álbum não foi lançado no mercado externo como planejado). No ano seguinte, surgiu "Mass-Media Stars", considerado superior à estreia e um mergulho na direção mais Prog (embora haja opiniões respeitáveis que preferem o primeiro). Havia agora um papel maior dos teclados de Maurizio Mori (tocando órgão, piano, sintetizadores, Mellotron etc.) adicionando profundidade sinfônica. Suntuosas harmonias vocais (novamente, pense CSNY), performances evoluídas (tanto nas texturas Folk, quanto nas interações instrumentais virtuosísticas), adição de influência da própria PFM (isto ficava nítido na faixa de abertura, "Cosmic Mind Affair"), momentos de magia num álbum cativante e melódico, além de melhor produção. Novamente, vocais de Lanzetti em inglês e a presença forte das influências. A Acqua Fragile acabou sendo um 'produto' lançado para exportação, algo que nunca se concretizou. Curiosamente seus álbuns passaram despercebidos dentro de seu próprio país. "Mass-Media Stars" saiu pelo selo Ricordi e teve lançamento nos EUA. Foi numa época em que PFM já estava escrevendo álbuns em inglês mirando o mercado externo. A Acqua Fragile seguiu esta ideia, mas soou como uma PFM pobre, com pouca personalidade, embora musicalmente fosse uma banda muito boa capaz de ótimos momentos.

No outono de 74, o tecladista Maurizio Mori deixou o grupo e foi substituído por Joe Vescovi (do The Trip). Há um álbum ao vivo ("Live In Emilia - Spring 75", de qualidade ruim, nível bootleg), lançado em 94, que dá uma ideia do som desta fase, mas ainda em 74 Bernardo Lanzetti também saiu para se juntar à PFM (com quem gravaria "Chocolate Kings", de 75, "Jet Lag", de 77, e "Passapartù", de 78). Ele seria substituído num curto período por Roby Facini, mas o Acqua Fragile logo depois acabaria. Durante décadas, os membros originais da Acqua Fragile trilharam caminhos separados: Lanzetti, depois da PFM, empreendeu carreira solo de moderado sucesso (afastando-se do Prog), colaborou com o Mangala Vallis (grupo de Reggio Emilia liderado por Gigi Cavalli Cocchi) e participou do Lycanthrope; o baixista Franz Dondi e o baterista Pier Emilio Canavera tocaram por um tempo no Rocky's Filj (outra banda de Prog/Fusion italiano) e depois no Shout! (banda tributo aos Beatles). Em 2004, Dondi resolveu criar o "Acqua Fragile Project", com outros membros (ele era o único da formação original) e com o objetivo de tocar as velhas canções dos dois álbuns. Isto funcionou por dois anos. Em 2013, Lanzetti lançou um álbum ao vivo, "Vox40" (CD e DVD), celebrando seus quarenta anos de carreira no qual ele tocou parte do velho repertório da Acqua Fragile e recebe no palco seus velhos parças Canavera e Dondi. Isto foi a fagulha para que o trio decidisse ressuscitar a Acqua Fragile surgindo o álbum "A New Chant", em 2017. Foi um retorno inesperado de uma banda pouco celebrada (muito mais associada à participação de seu vocalista na PFM), adorada por alguns, rejeitada por outros (muito pelos vocais em inglês e pela música não ter as características mais puras teatrais e eruditas de alguns expoentes do Prog italiano), mas que produziu sim dois álbuns bastante bons (talvez não especiais o suficiente para competir com os nomes realmente importantes da época). "A New Chant" surpreendeu ao trazer de volta o som setentista do grupo (inclusive com os vocais em inglês). Foi uma volta gloriosa. Com ajuda de diversos colaboradores, o trio ofereceu um álbum confiante, rico no instrumental, que foi considerado o mais luxuoso/sofisticado da banda. Orquestrações, sabor mediterrâneo, musicalidade chique e o vocalista Bernardo Lanzetti soando muito mais sutil, cheio de personalidade colorida e profundamente carismático (ele nunca soou melhor como cantor). Performances soberbas, faixas aventureiras e energéticas repletas de luxuosos floreios, provando que esses retornos podem, às vezes, render música ainda vital e emocionante. "A New Chant" pode ser sim considerado o melhor álbum da banda. Incrível. Eles retornaram também aos shows (incluindo Rosella Volta nos vocais e Michelangelo Ferilli nas guitarras, já integrantes do anterior Acqua Fragile Project).

Em 2023, surgiu outro álbum, "Moving Fragments", agora com Claudio Tuma nas guitarras e Stefano Pantaleoni nos teclados. Passados seis anos do retorno que atordoou todos com o excelente "A New Chant", o trio lançou outro trabalho. Novamente, impressiona o poder da banda, mas acima de tudo os vocais de Lanzetti. Ele não perdeu nada do alcance e, em muitos aspectos, canta melhor do que nunca (isto aos 75 anos de idade). Foi outro álbum muito bom, cheio de profundezas a serem descobertas. Não tão bom quanto "A New Chant", mas no nível dos dois primeiros.

Mural de notícias... (11-01-2025)

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Mick Jagger ajudou Sonny e Cher a serem descobertos

2025-01-09T16:18:00.002-03:00

Se não fosse por um simples conselho de Mick Jagger, o mundo talvez nunca tivesse ouvido falar de Cher. E quem iria querer viver em um mundo sem Cher? Falando recentemente com Howard Stern, uma lenda do rádio dos EUA, Cher relembrou como o vocalista dos Rolling Stones aconselhou ela e seu parceiro Sonny Bono a se mudarem para a Inglaterra para serem descobertos - "Tínhamos acabado de fazer 'I Got You Babe', mas ninguém tinha ouvido", ela revelou - "e fomos mandados embora de um hotel Hilton por um recepcionista esnobe que mentiu na nossa cara sobre nenhum quarto ter sido reservado em nosso nome".

Cher retomou esta história em sua autobiografia "Cher: The Memoir, Part One". "No que me diz respeito, ninguém na Inglaterra sabia o que Sonny e Cher eram", ela escreve, "mas quando chegamos às portas giratórias do Hilton, escoltados pessoalmente pelo gerente, havia dois repórteres do lado de fora". "Sonny, Cher, o Hilton acabou de expulsar vocês?", perguntaram. "Foi por causa da sua aparência?". "Exausta demais para falar, deixei Sonny cuidar de tudo. Quando os jornalistas conseguiram o que queriam, ele chamou um táxi para nos levar para outro hotel onde a cama era ruim, não havia TV e água escorria do chuveiro. Dormimos por 12 horas seguidas e, quando tomamos banho e nos vestimos, éramos famosos". "I Got You Babe" foi lançada em jul/1965 e alcançou o primeiro lugar na parada de singles do Reino Unido e o primeiro lugar na parada Billboard Hot 100 dos EUA no mês seguinte.

Em uma bela reviravolta do destino, dada a orientação de carreira de Mick Jagger para a dupla, os Rolling Stones acabariam imitando 'I Got You Babe' em uma edição de set/65 do popular programa musical da televisão britânica "Ready Steady Go". "O que sinto falta no Ready Steady Go! é a mímica", disse Jagger em sua introdução à performance. "Não temos competições de mímica há muito tempo, mas aqui temos um novo grupo de Leighton Buzzard que fará o melhor por vocês". Veja:

O diretor do programa então cortou para a apresentadora Cathy McGowan e o guitarrista/líder dos Rolling Stones Brian Jones, que começam a mímica da música. No primeiro refrão, a câmera focou noutro guitarrista da banda, Keith Richards, que pode ser visto fingindo tocar tuba, sem boquilha, com as bochechas inchadas para dentro e para fora. Em pouco tempo, um Charlie Watts com aparência envergonhada entrou carregando um girassol gigante, que Jones enfia rudemente na tuba de Richards. E como se tudo isso não fosse caótico o suficiente, os telespectadores viram o empresário da banda Andrew Loog Oldham professando seu amor por Mick Jagger. Kkkkkkk. Anos 60: uma época diferente e inegavelmente fabulosa.