le blog de martine silber: marsupilamima,

Dopo la Battaglia de Pippo Delbono, au théâtre du Rond-Point

2012-01-25T10:23:00.001+01:00

L'oeuvre de Pippo Delbono qui se construit, spectacle après spectacle, a ses fans presque absolutistes et ses détracteurs tout aussi convaincus. Il énerve, fascine, dégoûte, enthousiasme,mais personne ne s'ennuie jamais. Dopo La Battaglia a fait fuir certains spectateurs, le soir où j'y étais, après à peine quelques minutes. C'est comme ça.

Dopo la Battaglia (Après la bataille) est né d'un opéra qu'il aurait voulu monter après y avoir travaillé plusieurs années et qui ne verra pas le jour, faute de crédits. Dopo la Battaglia est né des guerres qui marquent notre temps. Dopo la Battaglia est né des commémorations des 150 ans de l'Unité italienne. Dopo la Battaglia est né des hommages qu'il voulait rendre à sa mère, à Pina Bausch, à ses autres amis disparus, à Verdi, et à Bobo, cet homme "libre", enfermé pendant des années dans un hôpital psychiatrique et devenu l'un des acteurs magiques de la compagnie.

Dopo la Battaglia est donc un spectacle qui se décompose en tableaux multiples sur un plateau presque nu, gris, une sorte de boîte à trois parois, un lieu d'enfermement, prison, asile, hôpital ou lieu sans nom. Le mur du fond sert d'écran pour les vidéos qui viennent ponctuer le spectacle. La lumière ne semble pénétrer sur scène que chaque fois que s'ouvre une porte presque invisible.

Les moments forts, tragiques laissent aussi place à la drôlerie, à la poésie, quand Pippo Delbono invite quelques spectateurs à danser, quand survient une revue grotesque, quand Nelson Lariccia vêtu en animateur de cabaret danse avec lui-même par le biais d'une vidéo en noir et blanc, quand Bobo en maître de ballet surveille les mouvements d'une danseuse en tutu, quand on assiste à la soirée d'ouverture d'un festival de poésie, quand dansent trois femmes en robes rouges, quand sonne le violon d'Alexander Balanescu, quand danse Pippo Delbono.

Comme souvent, l'auteur, créateur, metteur en scène, prend place d'abord dans la salle avant de débouler les escaliers, micro à la main, faisant jaillir , en français, un texte qui mêle l'ironie à la colère, citant Artaud, Pasolini, Rilke...Pamphlétaire, il est aussi conteur et sait captiver un auditoire, le temps de raconter des histoires, voix rauque, haletante, chemise mouillée ou s'adressant directement au public, tendre, querelleur, ironique, un peu bâteleur aussi.

Et on le regarde et on l'écoute en pensant, comme cet homme est émouvant.

Infos ici

Quelques vidéos en bonus:

El año de Ricardo d'Angelica Liddell au Rond-Point

2012-01-23T11:35:00.000+01:00

Rien de plus agaçant quand on est au Festival d'Avignon que de passer son temps à répondre à tous les amis croisés dans les rues, "non, je ne l'ai pas vue", "non, je suis arrivée trop tard", "non, je n'y étais pas". Mais heureusement, il y a session de rattrapage et pour tous celles et ceux qui n'ont donc pas vu les deux spectacles d'Angelica Liddell qui a bousculé le festival 2010, c'est le moment!

El año de Ricardo (L'année de Richard), créé en 2005, se joue dans la salle Jean Tardieu du Théâtre du Rond Point, oui, la petite salle dont les fauteuils crades grincent au moindre mouvement de spectateur, cela fait musique de fonds. On attend le choc et il est là! Tout de suite! Dès qu'elle déboule, petite comète de rage, de haine, de douleur, corps tordu en pyjama enfantin, visage masqué sous le rouge, le noir, le vert, sourire de Joker, mains crispées, elle vomit les mots, boit la bière au goulot, rote, vitupère, sous le regard de son complice, esclave, assistant, souffre-douleur, Catesby (Gumersindo Puche). Elle, c'est le mal, Richard III, bien sûr, mais pas seulement, elle est toute la haine du monde, de la guerre, le mal absolu, hérité de l'Histoire, le mal passé et à venir. Mais un mal qui se déchire lui-même, un mal qui souffre autant qu'il fait souffrir, le mal-aimé, le mal qui se venge du mal, l'ange déchu, l'innocence fourvoyée, il lui est impossible de transmettre sa souffrance autrement qu'en en provoquant plus encore, que sa douleur privée devienne une douleur générale.

Alors, elle fustige les enfants morts, menace de leur bouffer la cervelle, se moque de leurs larmes et de leurs jouets brisés, eux qui sont à l'origine de tout, ces assassins dans leurs berceaux. Et elle retourne caresser son petit animal domestique, un sanglier empaillé, ce sanglier qui était brodé sur le drapeau de Franco, comme elle le raconte à Catesby en lui lavant les pieds.

Maniaco-dépressive, bourrée d'alcool, de cachets, de lithium, asexuée, la voix passant du féminin au masculin, de l'ironie aux coups de gueule, d'une certaine douceur au hurlement, elle terrifie puisque c'est la seule solution, si on ne l'aime pas, elle doit faire peur. Elle réclame non pas un cheval, mais un parti politique, elle veut un parti pour devenir Napoléon, être un des grands hommes de l'histoire comme Kennedy, Hitler ou Gandhi, même si Hitler en fait est un amuseur, un classique du divertissement...

Haine des enfants et des hommes qui ne croient plus dans le bien et le mal mais seulement à l'économie. Haine des travailleurs, haine des démocrates. Haine des livres aussi. Elle veut faire établir une liste d'écrivains, une liste complète. Elle dit "Vous souvenez vous des Tibétains, des Kurdes, des Libanais, des Péruviens, des Arméniens, des Cambodgiens, vous souvenez vous de tous ces morts, de toutes ces tueries? Non. Vous ne vous souvenez que des Juifs. Et savez vous pourquoi? Parce que ces crétins se sont mis à écrire. Ils ont survécu et ont écrit des centaines de livres de merde." Alors ce Richard furieux mettra tous les écrivains dans un avion et les jettera à la mer. Pourquoi un président démocrate ne pourrait jeter les écrivains à la mer, comme ils l'ont fait en Argentine et au Chili?

Son dégoût du monde, des corps, de l'amour, du plaisir, de la violence, explose à chaque instant, elle glisse, tombe, baisse ou relève un pantalon qui glisse, elle occupe toute la scène, tout l'espace, tout le temps. Il ne lui restera plus au bout de ce chemin de douleur du corps et de l'esprit, qu'à écrire.

Toutes les infos ici. Jusqu'au 29 janvier, puis au Quartz (Brest) les 3 et 4 février.
Photos Francesca Paraguai.
Son autre spectacle d'Avignon 2010 , La Casa de la Fuerza (La maison de la Force) , sera à l'Odéon, du 23 au 28 mars.

Salle d'attente de Lars Noren mes de Krystian Lupa, à la Colline

2012-01-22T12:04:00.001+01:00

Quand on attend un peu trop pour écrire sur un spectacle, cela devient très compliqué car tout a été dit, par exemple ici, ici, ici, ici, ici, ici.....et on a même eu droit aux notes d'Adeline Guillot, l'une des jeunes actrices publiées par Jean-Pierre Thibaudat ici.

C'est donc l'un des plus forts spectacles à voir d'ici le 4 février. On y retrouve les thèmes toujours présents dans l'oeuvre du dramaturge suédois, les marginaux, la violence, le sexe, la douleur de vivre. Les jeunes comédiens qui incarnent ces personnages qui ne sont pas sans espoir car le mot leur est inconnu, qui ne sont pas sans futur puisqu'ils n'en ont même pas l'idée, sont terribles de vérité même s'ils ne sont pas toujours assez costauds pour affronter la part d'improvisation que leur a laissé le metteur en scène polonais,Krystian Lupa .

Drogués donc, psychotiques donc, laissés pour solde de tout compte donc, désœuvrés donc, ils hantent les toilettes des bars de zone et surtout un no-man's land, parking ou souterrain d'un immeuble désaffecté. Entre eux, s'est créé une sorte de communauté, avec ses règles, ses rythmes, ses traditions. Il passe parfois une sorte de brise d'amour mortelle, d'amitié, de solidarité tout aussi éphémères et voués à l'échec ou à la mort que leur vie quotidienne, cet enfer qu'il ne voient pas. Et pourtant, il se dégage de cet univers sinistre, une sorte de beauté comme en témoignent les graffitis des murs.

Malheureusement il y a un entracte, logique certes pour trois heures de spectacle, mais qui coupe brutalement la participation du spectateur, déjà forcément tenu à distance par un univers qui n'est pas le sien, et la plongée dans la foule "normale" qui se rue au bar , aux toilettes ou sort prendre l'air ou fumer, rend le retour difficile. On prend alors conscience des longueurs, des répétitions, des hésitations. Et c'est forcément dommage même si on en sort, conscient d'avoir vu quelque chose de terrible et de beau.

Photos: Elisabeth Carechio.

Toutes les infos ici

Stop ou Tout est bruit pour qui a peur de Hubert Colas au Théâtre de Gennevilliers

2012-01-21T17:33:00.003+01:00

A l'inverse des dix petits nègres d'Agatha Christie, ils sont d'abord, trois puis, cinq, puis six et puis sept, apparaissant sur scène au fur et à mesure. Le septième et dernier d'abord découvert en vidéo et en noir et blanc, est un des éléments de nos peurs, l'étranger, jeune, bonnet enfoncé sur le front, accent qui parfois rend la parole difficilement compréhensible, accent inquiétant, bien sûr.
Ce n'est qu'un des niveaux des différentes peurs que nous pouvons éprouver, le bruit du titre, bien sûr, ce bruit qui résonne dans notre imaginaire, peur du bizarre, peur de ce qui échappe, la peur de l'autre, mais surtout la peur de perdre, peur de perdre son amour, son boulot, sa vie.

Le décor, dans différents tons de gris, blocs de mousse qui montent, tournent, penchent, disparaissent, suggérant ce que l'on voudra, des murs, des façades, des rues, un piège, un labyrinthe , et la vidéo, magnifique, en particulier à la fin, mêlant le noir, le blanc, les lignes abstraites et rectilignes,et encore la lumière servent de lieu de "jeu" aux comédiens (trois femmes: Claire Delaporte, Edith Mérieau, Isabelle Mouchard, quatre hommes: Thomas Gonzalez, Mathieu Montanier, Mathieu Poulain, Agustin Vazquez Corbalan).

Au début, ils courent, comme pour échapper à quelque chose, un peu trop longtemps, peut-être. On ne voit pas tout de suite les visages, les jambes surtout sont éclairées.

Et les premiers dialogues sont étranges, on y parle de jupe, d'une jupe qui rappelle une nappe, une nappe qui rappelle une robe, "une robe de deuil pour un repas de Noël", rouge de vin ou de sang.

Et puis, on se laisse prendre par ces évocations successives, sans chercher à comprendre puisqu'il n'y a pas d’histoire, pas de fil conducteur, juste des impressions, des émotions. Ce n'est pas toujours parfait, mais on en retire une impression de beauté, vraiment, la plus forte sans doute des émotions.

STOP ou Tout est bruit pour qui a peur par theatre2gennevilliers

Toutes les infos ici.

Photos: Hervé Bellamy

Cancrelat de sam holcroft, mes Jean-Pierre Vincent, à Théâtre Ouvert

2012-01-18T16:52:00.003+01:00

J'avais raté la mise en espace de Jean-Pierre Vincent au festival d'Avignon 2011, lors des célébrations des 40 ans (40 ans!) de Théâtre Ouvert, cet été, pas question donc de rater la création!

Et si vous le pouvez, ne la ratez pas non plus. D'abord, parce qu'on découvre le texte d'une jeune auteur dramatique de 28 ans, Sam Holcroft. En anglais, ici, lors de la création à Edimbourg

La pièce se situe dans une salle de classe où cinq élèves sont en retenue sous la surveillance de leur professeur de biologie, Beth, qui est convaincue que l'éducation leur donnera la liberté. D'une patience à toute épreuve, elle résiste à leurs colères, leur violence, leur insolence, leurs difficultés et continue son cours coûte que coûte. Si un garçon surtout et une des filles lui donnent vraiment du fil à retordre, sa tâche est plus aisée avec les autres. Mais, il y a une guerre, "une guerre juste, "une bonne guerre", et un par un, ces élèves encore adolescents, ces élèves qui découvrent l'amour, la vie, le sexe, vont être happés par cette guerre et ses conséquences.
Fini de ricaner quand on parle d'ovulation, de faire des grimaces, de lfirter, de se disputer, de vouloir s’asseoir à côté de telle ou tel. Ils vont grandir, mûrir, malgré eux, et seuls survivront ceux qui comme elle le leur a enseigné, seront comme les cancrelats, les plus aptes à s'adapter.

Jean-Pierre Vincent a gardé l'idée de la mise en espace. Au choc du texte correspond une économie de moyens mais pas imposée, voulue. Les acteurs qui ne jouent pas sont assis au fond de la scène. Le décor est minimal, des chaises et des tables de classe. Une actrice dit les didascalies. Chaque élève bien qu'en uniforme apparaît comme détouré, il a sa personnalité, ses fringues, sa manière de se tenir, sa manière de parler et chaque détail est profondément juste.

Quant aux très jeunes acteurs, ils sont incroyablement convaincants. Dès la première scène, leurs attitudes les définissent si parfaitement qu'il n'y a pas besoin d'être prof pour les reconnaître. Bien sûr, il y a des faiblesses parfois, mais ils sont si proches de leurs personnages qu'on n'en tient pas compte. Et si parfaitement dirigés qu'il y a même des moments stupéfiants comme un faux combat entre deux des filles revêtues des uniformes sanglants de soldats morts au combat qui jouent au second degré une scène de bataille sortie d'un film de guerre de série B.

Extrait de la mise en espace à Avignon

Et la présentation des 40 ans de théâtre ouvert, au même festival d'Avignon

Toutes les infos sur le texte ici et sur le spectacle, ici
Photo: Christophe Raynaud de Lage

La légende de Bornéo par le collectif L'Avantage du doute, au théâtre de la Bastille

2012-01-15T11:04:00.001+01:00

Après Tout ce qui nous reste de la Révolution, c'est Simon , le collectif L'Avantage du doute revient au théâtre de la Bastille avec La légende de Bornéo légende qui dit que les orangs-outans savent parler mais qu'ils ne le disent pas pour ne pas avoir à travailler.

Voilà, le thème est lancé, le travail, pour ce nouveau spectacle né d'entretiens, de documents, transformés par une écriture collective en petites scènes qui défilent l'une après l'autre, certaines nettement mieux réussies que d'autres. Chacun des cinq comédiens apparaît sous son vrai prénom, comme pour signer un engagement éditorial, l'appropriation du malaise, de la folie, engendrés par le travail avec pour antidote la poésie, manifestée par Feuilles d'Herbe de Walt Whitman.

Cette fois, Simon (Simon Bakhouche), est en retraite et fait des petits boulots pour le collectif, cabotinant pour rester sur scène, bredouillant un peu, vendant de petits gâteaux préparés par sa femme, il faut bien vivre...C'est léger et amusant tout en laissant la place et la parole à ceux qui ne sont plus dans ce monde du travail évoqués par les autres comédiens. L'un des moments les plus aboutis est un échange entre Nadir (Nadir Legrand, vu il y a peu, dans ce même théâtre pour Bullet Park, avec un autre collectif, les Possédés) et Mélanie (Mélanie Bestel), un couple qui fait des listes pour parler, échanger, s'interroger sur les conséquences inattendues et ravageuses des réunions du jeudi. Claire (Claire Dumas) pète les plombs en employée de Pôle Emploi, débordée, surchargée faute d'embauches, Judith (Judith Davis) soigne ses névroses Walt Whitman à la main ou affronte sa famille parce qu'elle préfère le théâtre à une vie plus rangée....

Pas parfait, donc, mais délicieusement sympathique.

A noter qu'une rencontre aura lieu après la représentation, le jeudi 19 janvier.

Reprise au Théâtre de la Commune à Aubervilliers) du 30 mai au 8 juin où l'on pourra voir aussi Tout ce qui nous reste de la Révolution, c'est Simon, du 9 au 16 mai.

Odette, apportez moi mes morts de Gilles Pastor, vu aux Subsistances à Lyon

2012-01-15T09:50:00.001+01:00

Quatre femmes, quatre soeurs, la mère et les tantes de Gilles Pastor, sont les protagonistes d'Odette apportez moi mes morts, filmées dans leur village de La Giettaz, un petit village savoyard, perdu, sans station de ski, tranquille et un peu triste.

Ces entretiens sont projetés sur quatre écrans avec en contre point sur scène, l'excellent comédien, Jean-Philippe Salerio.

Filmées chez elles, dans la montagne, au village, par le vidéaste Vincent Boujon, elles parlent peu. D'elles-mêmes, de leurs maris tous morts à peu près en même temps, de cette absence qu'elles ont surmonté, parce qu'il le faut bien, mais qui reste en filigrane. Rassemblées devant un tableau ( de francis Bacon) qu'on ne voit pas, elles commentent ce qu'elles voient : "un homme", l'une a la main appuyée doucement sur l'épaule de l'autre.

Le comédien, qui passe de costumes en costumes, tenue de grand apparat d'un curé baroque, bleu de chauffe, mariée en robe blanche. Il dit ce qu'elles ne disent pas, ce qu'elles ne pourraient pas dire. Tantôt loufoque, tantôt pierrot lunaire, tantôt grave,

On est à la fois dans l'intime de Gilles Pastor, dans la mémoire familiale, et dans une sorte de rêve, de brouillard qui donne des contours fantomatiques à ce que le spectateur lui gardera en mémoire.

Interview Compagnie KastorÂgile "Odette, apportez-moi mes morts !" / Du 10 au 14 janvier 12 aux Subsistances from Les Subsistances on Vimeo.

Au théâtre Garonne à Toulouse du 18 au 20 janvier, infos ici

Mannekijn à L' Echangeur de Bagnolet

2012-01-09T17:06:00.001+01:00

Trois personnages, une mère (Catherine Jabot), sa fille (Nathalie Pivain) et l'homme de celle-ci, un footballeur espagnol en retraite (Frédéric Gustaed), pas un ménage à trois, non, même si la mère est curieuse d'en savoir plus sur la sexualité du couple et si le couple ne semble lié que par cela et encore, à la hussarde!

Les deux femmes semblent mal se connaître comme si la fille partie depuis belle lurette avait joué l'enfant prodigue en revenant à la maison avec l'intrus dans ses bagages.

Le texte de Frédéric Vossier, Mannejkin (éd. Quartett) exclut toute banalité, tout conformisme, toute règle établie même s'il érige le chignon, porté bien haut sur la tête en "perfection".
Ce chignon est l'apanage de la mère, robe jaune dont la fermeture éclair n'est pas totalement remontée dans le dos, oubli ou négligence? ou tentative de quelque chose? Premier détail perturbant de mise en scène.

Car le jeu des comédiens, le texte, la mise en scène, tendent vers ce point là, là où ça dérange, là où ça perturbe, où ça se déglingue, où ça grince, où ça se balance, où ça trouble, où ça dégringole.

La violence est sous-jacente sous les non-dits, les trop dits, les hésitations, les mimiques, les gestes en l'air, les haussements d'épaule, les sourires énigmatiques, les esquisses, entre les deux femmes. Le footballeur lui bafouille ou beugle, rit à gorge déployée, étreint violemment ou reste avachi.

Le plus pantin, le plus marionnette (une de possibles définitions du mannejkin du titre) , cela devrait donc être lui, l'homme sans paroles, sans mots, sans expression, mais non: les joutes des deux femmes, c'est autour de lui, l'élément perturbateur, c'est lui. Le mutisme de la fille, sa désinvolture, c'est lui. Les questions sans fin de la mère, c'est lui. L'incarnation du mâle en caleçon, bedaine pendouillante, "mangeur de viandes en sauce et de jambon", tout en force mortelle, rentrée et prête à jaillir sous un rire tonitruant d'ogre ou une étreinte amoureuse qui ressemble à un assassinat.

Et la fille? Elle traîne, elle glisse, parle à peine, se change mollement quittant sa nuisette pour une mini jupe, laissant l'homme la traiter comme une poupée gonflable, une Barbie, un objet identifié femelle, étirant un immense sourire de chat lorsqu'il joue avec ses cheveux, se laissant embrasser goulûment, protégeant son repos, ses silences, partageant ses jeux de baignoire.
La marionnette, toute lisse, c'est elle?

Ou la mère? La plus présente, la plus rituelle. La plus à côté, la plus ignorée. Elle n'a pas sa place et s'égosille, se démène, sautille, se déplace, en vain. Pas de réponses en vue.

Et le spectateur? Il s'en sort plutôt bien. Troublé, mais bien. Les silences, la lenteur, imposés par le metteur en scène Sébastien Derrey, ne dégagent pas d'ennui , impossible dans ces circonstances d'autant que la loufoquerie, la cocasserie sont tout aussi à fleur de peau que la brutalité. On rit, on sourit. Ce qui en ressort, c'est surtout l'attente de quelque chose qui exploserait, qui mettrait fin et qui ne vient pas. L'absence pourtant totale d'émotion suggère une sorte de peur infantile qui fait souhaiter le pire : qu'il l'étrangle, qu'il les étrangle et qu'il reparte dans son bois, ce loup garou, ce Barbe Bleue, cet ogre à grosse voix ! Mais non. Pas de dénouement. Le noir qui descend. Pas de frustration pour autant, puisque simplement, les situations sont vouées à se répéter, avec ou sans public, sur scène ou dans l'imaginaire.

Photos: Elise Garraud.

Toutes les infos ici

Un soir, une ville de Daniel Keene, mes Didier Bezace, à la Commune d'Aubervilliers

2012-01-06T12:40:00.001+01:00

Trois pièces courtes de l'Australien Daniel Keene, trois lambeaux de vie, composent ce spectacle. Le premier soir, Fleuve, c'est la soirée de merde d'un petit bonhomme qui aime son papa, qui ne l'a pas vu depuis longtemps, qui ne comprend pas trop son désespoir et ses accès de rage provoqués par l'alcool, mais qui l'aime sans conditions. Comme son père l'aime sans le dire, sans savoir l'exprimer. Didier Bezace a confié le rôle à un enfant plus jeune que celui prévu par l'auteur et il a eu raison, la simplicité et la justesse du texte en sont amplifiés.

Patrick Catalifo est un père taiseux, voix morne, sourire en dedans, faisant brutalement exploser son incapacité à vivre, à donner à son fils, si tendre, si grave, si raisonnable, les preuves d'amour banales du cadeau de Noël espéré, de ne jamais être à la hauteur de tant d'espoir et de foi, renouvelant par défaut l'abandon originel, minuscule et minable, sans pour autant altérer la confiance absolue du gamin.

Un verre de crépuscule fait se rencontrer deux hommes qui vont partager une nuit d'amour, payée par l'un (Daniel Delabesse) , le plus âgé, le plus "riche", subie par l'autre (Thierry Levallet), le jeune mec désabusé, mais plus loyal et honnête qu'on aurait pu le croire. La rencontre aiguise chez le plus âgé le sentiment de solitude infinie qui l'accompagne jour après jour dans sa petite vie bien réglée et sans intérêt.

A la faveur de l'aube qui monte, il lâche prise, baisse les épaules et sombre presque en douceur pour mettre fin à cette vacuité. Un geste infime, mais lourd d'espoir mettra pour un temps, pour longtemps? , un point virgule sur ce chemin.

Le troisième couple, celui de Quelque part au milieu de la nuit, est composé de deux femmes (Sylvie Debrun et Geneviève Mnich), la fille qui va conduire chez elle, à la campagne, sa mère, qui perd la boule.

La patience infinie de l'une affronte les inquiétudes de l'autre, coupées d' éclairs de lucidité et de souvenirs sauvegardés. Là encore, on est au plus près d'une réalité partagée avec les spectateurs, mais comme dans les autres textes et comme souvent chez Daniel Keene, on garde une légère insatisfaction, peut-être l'absence de ce grain de folie, de surprise, si présents par exemple chez l'écrivain Raymond Carver, maître absolu de la nouvelle brève.

C'est compensé par le jeu des comédiennes et des comédiens, tous à fleur de peau, tous sur la ligne du rasoir, tous borderline, tous faisant surgir l'émotion. Et par la mise en scène lente et nette de Didier Bezace, dans un décor gris qui fait jouer des lumières glauques, celles des villes dans les coins obstinément sombres. Le rideau noir s'ouvre et se ferme, glisse d'une scène à une autre, au souffle de la vie, malgré tout.

Photos Brigitte Enguerand

Toutes les infos ici

Le musée des arts forains (Pavillons de Bercy)

2011-12-13T19:37:00.002+01:00

Exceptionnellement parlons musée! Il ne s'agit donc pas d'un spectacle mais de spectacles, anciens et présents et parfois même à venir dans un lieu fascinant. Tout est né de la folie d'un homme, comme savent être fous les passionnés, les collectionneurs, les utopistes, les artistes ....mais comme je déteste copier parce que c'est inutile et fatigant, je renvoie le lecteur sur le site de ce Musée des Arts forains où on peut d'ailleurs passer pas mal de temps et qui est très amusant et instructif à consulter. Pour l'historique, par exemple, c'est ici....

Il s'agit d'un musée privé qui n'est par conséquent pas toujours ouvert mais qui se visite sur réservation tout au long de l'année sauf pour les vacances de Noël (il faut cliquer sur ce lien, puis sur gazette...bref, c'est du 26 décembre au 2 janvier) où on peut y aller sans réservation. Et à côté de la partie musée proprement dite où on peut voir fonctionner pas mal d'attractions, d'animations, voire grimper sur les manèges (en attendant son tour), on a aussi accès à plusieurs spectacles où les moyens technologiques sont mis à contribution pour faire basculer les spectateurs dans différents univers très impressionnants. Voir par exemple, Venise surgir du fonds de l'eau comme une ville engloutie remontant à la surface, est un vrai miracle momentané.

Autant dire que ce n'est absolument pas réservé aux enfants (même si beaucoup de choses leur plairont) et que l'on peut parfaitement y aller entre adultes rêveurs....

Kids de Fabrice Melquiot au Théâtre à Chatillon

2011-12-13T18:07:00.001+01:00

Des gamins orphelins à Sarajevo en février 1996, à la fin de la guerre. Ils ont survécu, ils survivent. Voilà, en gros, ce dont parle la pièce Kids de Fabrice Melquiot. Une de ces sociétés enfantines ou adolescentes comme on en a déjà vu ou lu (le plus connu étant sans doute Sa Majesté des mouches (Lord of the flies), de William Golding), mais à la sauce Melquiot, à une époque encore présente dans les mémoires. Ils voient arriver avec la fin de la guerre, des officiels et surtout des journalistes et décident d'organiser un spectacle, une parade, pour attirer l'attention sur eux et obtenir de l'argent pour s'en sortir.

Ces orphelins qui n'ont même plus d'orphelinat se réunissent, discutent, jouent, s'amusent, parlent d'amour, de mort, d'espoir, un peu du passé heureux et presque oublié, refusent de faire la différence entre catholiques et musulmans, serbes ou croates.

La scénographie est à l'image de la désolation qui les entoure, une craie pour figurer des murs, de petites chaises, une mini piste de skate, des fringues de bric et de broc, un pistolet, et le public tout autour, tout près.Mais la pièce repose avant tout sur l'énergie et l'enthousiasme des jeunes comédiens mis en scène, on a presque envie de dire "entraînés" par Gilles Bouillon tant on l'imagine dans un rôle de coach d'une équipe bouillonnante de jeunesse. Une bonne partie de ces très jeunes comédiens du J.T.R.C. (Jeune théâtre en région centre) ont déjà derrière eux une participation aux représentations du Cyrano de Bergerac de la saison passée (qui sera en tournée en 2012), mais cette fois l'occasion leur est donnée de prendre un texte à bras le corps pour le faire vivre. La scène est à eux et à eux tout seuls. Laissons les faire, ils font ça très bien!

Photos François Berthon.

Infos ici

Jusqu'au 17 décembre. Tél : 01 55 48 06 90. Durée 1h30. De 8€ à 22 €.

Onzième de François Tanguy au Théâtre de Gennevilliers, dans le cadre du Festival d'Automne, à Paris

2011-12-08T10:30:00.000+01:00

On ne peut pas raconter un spectacle de François Tanguy et de son Théâtre du Radeau. On peut essayer, dire que la musique y joue une place immense (en ajoutant que Onzième, le titre du spectacle, fait référence au onzième des seize quatuors de Beethoven, sous-titré serioso), dire qu'il y a tout un système d'une précison infinie de panneaux coulissants, manipulés par les comédiens, dire encore que certains de ses comédiens sont fantastiques ou parler de peinture, de littérature, d'art, de culture, Bon, mais quand on a dit ça?

Quant on a dit ça, on se remet dans l'ambiance et on part pour une rêverie qui ne porte pas à l'écriture du billet. Parce que rêver ne s'écrit pas, ou alors peut-être faudrait-il être poète...Un spectacle de François Tanguy et Onzième est particulièrement réussi , c'est du rêve, c'est une vision d'un monde qui peut virer au cauchemar insidieusement, sans que l'on en prenne conscience tout de suite, avec le recul peut-être mais on sera déjà passé à autre chose. C'est que tout défile vite, et encore une contradiction, avec lenteur.

On y entend beaucoup de musique (plus d'une trentaine d'extraits, Schubert, Nono, Berio, Verdi, Purcell, Bach...) et il faut déjà rendre grâce, les morceaux ne sont jamais coupés au couperet, à la machine à découper les mesures, à la table de montage, comme cela arrive si souvent.

On y entend du texte, des "paroles" (Virgile, Dostoïevski, Kafka, Shakespeare, Artaud, Strindberg...) , on entend même Mussolini, mais cette vitesse, cette virtuosité ne laissent jamais le temps de s'attarder, on passe d'ici à là, à coups de tableaux, de scènes, d'histoires qui se superposent parfois.

Il ne faut pas chercher à suivre le fil, à comprendre (l'esprit cartésien, ce n'est pas toujours une bonne idée au théâtre), mais se laisser aller à ce que l'on entend et à ce que l'on voit, se laisser embarquer, absorber, dérouter même si à certains moments, cela marche moins bien, on se sent moins accroché puisque cela repart.

Il faut suivre les ombres, les feuillages qui tremblent au gré du vent, suivre les comédiennes et les comédiens qui semblent prêts à tomber d'une planche, d'un siège, comme on suit les acrobates au cirque, les suivre encore quand ils sont deux ou huit, quand ils dansent, quand ils miment, quand ils parlent juste avant de passer à autre chose.

Photos : Didier Grappe

Toutes les infos ici

Banquet Shakespeare au Théâtre de la Commune, à Aubervilliers

2011-12-07T16:35:00.001+01:00

Il pleut, il vente, il fait nuit à 5 heures de l'après-midi, de quoi se calfeutrer et rester chez soi, au chaud, au calme, à l'abri.

Et puis, voilà, on part pour Aubervilliers, on entre dans la petite salle, bien sombre, on s'assoit sur les gradins, en rond, autour d'un curieux petit théâtre de forme octogonale, ouvert, et là, une femme se penche sur ce qui semble être une piste lunaire, un cratère d'une autre planète ou d'un autre temps.

La comédienne, Odile Sankara, va nous conduire pendant une heure au coeur des mystères, de la cruauté, de la folie des rois shakespeariens. De la voix et du geste, elle fait apparaître de bizarres petites créatures parlantes ou silencieuses qui exercent sur les spectateurs une étrange fascination. On en oublie parfois le temps de quelques secondes d'écouter le texte pour se perdre dans cet univers déconcertant où les personnages passent littéralement à la trappe. Ce texte est tiré de l'oeuvre de Jan Kott, l'auteur de Shakespeare, notre contemporain (éd. payot)

La voix de la maîtresse du lieu participe au mystère de ces cercles de l'Enfer, elle rugit ou murmure, module les sons des mots comme un chant funèbre vibrant. Elle montre son désenchantement et sa compassion, sa colère, elle prend ses distances, elle s'approche et s'éloigne. Mais l'humour n'est jamais totalement loin, le rire naît de la surprise et de l'étonnement.

Il faudra bien rentrer chez soi, ensuite, un peu désolé d'avoir quitté cet autre monde.

Photos Brigitte Enguérand.

Toutes les infos ici

Théâtre: Urgent, crier, caubère/benedetto à la Maison de la Poésie

2011-12-05T09:51:00.001+01:00

Du noir pour les vêtements de Philippe Caubère, en clair, le visage et les mains. Rien d'autre. Plateau nu De la vidéo d'archives pour décor: Avignon, Vilar, Benedetto..Juste, brièvement, un nuage rouge du genre qui fait tousser le premier rang (mais pas le comédien). Et le guitariste, Jérémy Campagne.

De ce dispositif, sobre, simple, jaillit l'émotion. Celle de retrouver, redécouvrir, l'acteur. L'acteur Caubère, bien sûr, l'acteur Jean Vilar, l'acteur André Bénedetto. Des "acteurs méditerranéens", accent à l'appui, ironie au bout du souffle. Mais pas seulement, non. Parce que Caubère à travers la parole de Benedetto , c'est de l'histoire du théâtre, de la vie, du questionnement et de la réflexion, du texte. Sourires et inquiétudes, bonheur des mots et de la poésie, du bonheur, de la révolte, de la solitude aussi, peut-être de la souffrance.

Le choix des textes et des images (merci, l'ina) est le fruit d'une admiration, d'une amitié généreusement partagées. Et on le ressent à chaque instant.

Lire le dossier de presse ici.

Toutes les infos ici

Bullet Park au théâtre de la Bastille

2011-11-29T16:23:00.001+01:00

J'ai beaucoup lu John Cheever , l'auteur de Bullet Park (Les lumières de Bullet Park, trad. de Dominique Mainard. Ed Le Serpent à plumes) pendant les années 1970. On continue à le traduire en français (par exemple, ce recueil de nouvelles, L'homme de ses rêves, éd. Joëlle Losfeld), il y a peu.
Beaucoup de titres sont disponibles en format poche et si cette adaptation peut aider à le faire découvrir et redécouvrir, tant mieux!
Si vous cliquez sur les liens ci-dessus, vous saurez donc qu'on l'a surnommé le Tchekhov des Banlieues, ces banlieues américaines qui n'ont pas grand-chose à voir avec les nôtres.

Le spectacle présenté au Théâtre de la Bastille dans le cadre du Festival d'Automne par le collectif Les Possédés, est un vrai bonheur. On y trouve donc deux familles, les Nailles (Nails = clous), Elliot, sa femme Nelly et leur fils adolescent,Tony et le couple Hammer (hammer = marteau), Paul et Marietta.

Paul Hammer est un "bastard", un enfant illégitime mais aussi en anglais un sale type....et la représentation commence par un court monologue où il raconte son enfance, ses origines, avant que l'on découvre sa mère, assez foldingue, qui a quitté les Etats-Unis qu'elle déteste au point d'avoir pour projet si jamais elle y retourne de choisir "un homme jeune, de préférence un publicitaire, marié, avec deux ou trois enfants, un parfait exemple d'une existence dénuée de toute valeur et de toute émotion véritables" pour le crucifier sur la porte d'une église.

Puis, on passe chez les Nailles, une famille apparemment sans histoires, des parents très amoureux l'un de l'autre, un gamin qui regarde certes un peu trop la télévision et que sa mère défend bec et ongles, quelques orages conjugaux, un peu trop de clopes et d'alcool, mais en fin de compte, de braves gens comme tout le monde.
Le couple Hammer est plus complexe, on ne sait pas trop comment ils gagnent leur vie, Paul a traduit Eugenio Montale, Marietta parle italien et semble dépensière...Les deux familles se rencontrent, un soir, pour l'apéro, on boit, on fume, on bavarde....

Et bien sûr, patatras!!! L'humour et l'ironie de Cheever combinés à l'intelligence des comédiens conduisent peu à peu à l'explosion et au drame qui couve, Nelly s'ennuie, Eliot déteste son boulot (il travaille pour une société de "bains de bouche") et Tony sombre dans la déprime. L'amour qu'ils se portent suffira-t-il à les sauver? Vous le saurez en allant voir le spectacle...Quant aux Hammer... le plus noir est à venir, le plus surprenant aussi. C'est encore plus fort dans le livre, alors lisez le après...

Photos: Pierre Grosbois

Toutes les infos ici.

L'Apprentie sage-femme au Lucernaire

2011-11-26T08:58:00.001+01:00

En sortant chamboulé de la représentation de L'Apprentie sage-femme au Lucernaire, on se demande un peu qui en est l'auteur, Karen Cushman. Réponse brève sur le site de l'Ecole des Loisirs, ici. Car le livre a été publié par cet éditeur jeunesse, traduit par Raphaël Fetjö.
Mais c'est l'adaptation de Philippe Crubézy qu'il faut saluer, la transposition à la première personne d'un roman écrit à la troisième et l'utilisation d'une langue forte, âpre, rugueuse, celle d'une jeune fille qui ne sait rien.
Et bien sûr, le magnifique travail d'une comédienne d'exception Nathalie Bécue (les plus vieux se souviendront qu'elle a été une autre gamine outragée, l'Agnès de l'Ecole des Femmes, à la Comédie-Française il y a...quelques années).
Avec une énergie farouche, une femme, le soir, à la chandelle, raconte son enfance d'orpheline, dans l'Angleterre du Moyen-Age. Enfant des rues et des bois, tenaillée par la peur, la faim, le froid.
L'enfant qu'un jour, Jeanne la pointue, sage-femme de profession, va retirer du fumier où elle s'était enroulée pour dormir au chaud. Lui voilà un surnom tout trouvé, "cafard de fumier". Ce n'est pas une tendre, la sage-femme, elle va lui mener la vie dure à la gamine, mais au moins, elle la nourrit et lui donne un abri. Au village, c'est pareil, on la tourmente, on se moque d'elle, les gamins surtout.
L'enfant fragile et costaude, ignorante, crasseuse, ne connaît qu'une chose, la survie. C'est ce qui l'anime, vivre. Et portée par cette force là, elle découvre et elle apprend, un geste de bonté ici, la lecture, là, et ce métier que Jeanne ne veut surtout pas lui enseigner, amener au monde et à la lumière, les créatures de Dieu.
Un peu comme dans le magnifique roman de Sapphire, Push (éditions de l'Olivier), la langue qu'elle utilise s'enrichit au fur et à mesure de ses connaissances, de ses expériences et de cette découverte essentielle, son identité et le nom qu'elle va se trouver, Alice.

Toutes les infos ici

La Confession du Pasteur Burg à la Manufacture des Abbesses

2011-11-24T09:29:00.001+01:00

L'histoire , tirée du roman éponyme de Jacques Chessex, paru en 1967 chez Christian Bourgois, fit scandale. Un jeune pasteur, puritain, imprécateur, exalté, prédicateur comme on ne pensait en voir qu'aux Etats-Unis, pour se venger de ses ouailles qui ne l'aiment pas et préféraient l'ancien pasteur, plus tranquille, va séduire la fille d'un riche commerçant, Geneviève, une jeune fille douce et pure dont il finit par tomber amoureux ce qui les conduira tout les deux à la mort.
Le spectacle tourne depuis 2006 , en Suisse, à Avignon et ailleurs. A lire les critiques précédentes (ou là), on constate que le vocabulaire des uns et des autres fait appel au feu du bûcher, le pasteur Burg brûle, s'enflamme, s'immole, se consume, attise les flammes de l'Enfer, est incandescent....Difficile d'y échapper.
Fou de Dieu aussi revient plusieurs fois, logique dans le contexte actuel du renouveau de fanatisme religieux, catholique, certes, qui s'exprime aux portes, voire dans les salles de théâtre (Roméo Castellucci, Rodrigo Garcia, à qui le tour?).
L'interprétation de Frédéric Landenberg , comédien que l'on découvre, en France, est prodigieuse jusqu'à l'exagération parfois, provoquant un évident malaise , mais aussi formidablement humain, portant sa souffrance non comme une croix, mais comme une raison de vivre et de mourir.
C'est évidemment un des spectacles à voir en ce moment.

Photos Xavier Voirol
Toutes les infos ici.
Dossier de presse ici

Ian Karski au théâtre de la Cité Internationale

2011-11-19T14:18:00.001+01:00

photo: Frédéric Nauzyciel. CDN d'Orléans

Je republie mon billet publié lors du festival d'Avignon à l'occasion de la reprise de la pièce au théâtre de la Cité internationale, dans le cadre du festival New Settings , "un programme de la fondation d'entreprise Hermès", faut ce qu'y faut! Attention, trois jours seulement (dernier spectacle dimanche 20 novembre), mais par ce beau temps, aller à la cité, c'est un vrai plaisir....

Avec Jan Karski, mon nom est une fiction mis en scène par Arthur Nauzyciel, on voit un peu reprendre la polémique qui avait eu lieu à la sortie du livre de Yannick Haenel ce qui est assez logique puisqu'en adaptant le roman, le metteur en scène n'a rien changé (juste cette mention "mon nom est une fiction"). Force est de constater une fois encore que bien peu de spectateurs ont lu le livre. Comme si il n'y avait qu'à l'école que théâtre et littérature étaient les deux faces d'une même pièce et que les théâtreux ne lisent pas ou peu. Donc on entend dire que l'œuvre sur scène ne respecte pas plus la réalité historique que le roman, qu'elle donne une interprétation fausse des faits, pose une question qui n'a pas lieu d'être ( la shoah ne serait pas un crime contre l'humanité mais de l'humanité, voir ici) etc.
Sur scène, Arthur Nauzyciel respecte le fonds mais aussi la forme. Trois parties, l'entretien de Karski filmé dans Shoah par Claude Lanzman interprété par le metteur en scène qui s'implique en redevenant comédien, la biographie lue par Marthe Keller en voix off alors que défilent sur un écran des images qui font mal aux yeux obligeant le spectateur à regarder ailleurs, puis la fiction interprétée magistralement par Laurent Poitrenaux. Le corps étriqué, bras coincés, souvent immobile, démarche lente, ne faisant face aux spectateurs qu'à la fin avant d'aller s'asseoir pour laisser la place à la danseuse Alexandra Gilbert. Il évolue dans un décor désuet vide, triste, inspiré par les couloirs de l'opéra de Varsovie. De temps en temps, on entend des applaudissements étouffés venant de la salle invisible au-delà du décor.... Et si, les deux premières parties peuvent sembler bien longues surtout si l'on connaît déjà l'histoire terrible du ghetto, lorsque le comédien arrive, l'ennui s'envole et le théâtre parce que c'est du théâtre dissipe la polémique historique et laisse entrer l'émotion.

Infos ici

La promesse de l'aube au Théâtre de la Commune, à Aubervilliers

2011-11-18T17:13:00.001+01:00

Comment peut-on adapter pour la scène cette Promesse de l'aube de Romain Gary, près de 500 pages selon les éditions (Gallimard, Folio ou Folio classiques)? Autrement dit, choisir, raccourcir, éliminer pour tenir en 1h45.Il semble que l'adaptateur qui est aussi le comédien, le metteur en scène et le producteur de la pièce, Bruno Abraham-Kremer qui voit en Romain Gary, "un frère d'armes", ait choisi de sélectionner ce qui lui ressemble, pas dans les personnages ni dans l'histoire ou les histoires qui sont racontées mais plutôt dans l'émotion .

Le choix du monologue, d'un décor qui ne change pas (des boîtes empilées et des enceintes), du costume qui change à peine (une veste en cuir d'aviateur ou une autre en tissu), de la musique qui figure l'un des personnages essentiels, la mère, fonctionne mais semble toutefois difficile à suivre pour les élèves (par ailleurs, fort attentifs) qui viennent assister au spectacle et qui ont un peu de mal à s'y retrouver.

Il faut dire que le comédien, qui parle au nom de Romain Gary, le fait vivre (selon l'ordre chronologique, contrairement au roman) enfant, jeune homme, pilote de la RAF, et en plusieurs lieux, Wilno, Varsovie, Nice, Paris, l'Angleterre et joue aussi, changeant d'accent ou d'attitude d'autres personnages qu'il incarne pour quelques instants. Et puis, cette mère, courageuse, fantasque, aimante, qui voit en son fils dès l'enfance un futur "Ambassadeur de France", même dans la misère, même dans l'exil.

Autant le dire tout de suite, c'est un peu long (mais comment couper plus?) et sur le même registre, un peu monotone, celui du récit. Mais il en reste un charme, une mélancolie et un humour qui frôle avec toutes ces histoires juives qui ne font pas forcément rire parce qu'on en rit au bord des larmes.

Photos Pascal Gély
Toutes les infos ici
Autres dates, ici
Dossier pédagogique ici

Théâtre: Ivanov , première version mise en scène de Jacques Osinski

2011-11-18T15:06:00.001+01:00

L'événement était trop court pour en rendre compte ici "dans les temps". Pourtant, cet Ivanov première version, mis en scène par Jacques Osinski, créé en octobre à la MC2 de Grenoble, puis joué à la Scène Nationale de Saint Quentin en Yvelines et plus récemment au Théâtre de L'Ouest Parisien (TOP) de Boulogne sur Seine, où je l'ai vu, mérite d'être repris ailleurs....

D'abord parce que la traduction d'André Markowicz et de Françoise Morvan -éd. Actes sud, Babel) est en soi, justement, un événement. On a beaucoup écrit sur Markowicz, on aime ou on n'aime pas. Je suis de ceux qui trouvent qu'il accomplit au fil du temps un travail épatant. Au théâtre, en particulier, tout sonne juste de manière impeccable.

La mise en scène de Jacques Osinski met l'accent sur l'ennui de ces gens ordinaires qui ne font rien, ne travaillent pas, croulent sous les dettes, n'aiment pas vraiment , pas sincèrement. Ivanov n'est même pas un personnage désespéré, pas assez romantique pour cela. Il se sait coupable, seul, voit trop bien la nullité de sa vie et de celle de son entourage. Les comédiens marquent parfois cette lenteur à la fin d'une réplique en s'immobilisant pendant plusieurs secondes, saisis, momifiés, hors du temps. Alors, les scènes s'écoulent avec lenteur et cela peut être un peu...ennuyeux. C'est le risque. Et il n'est pas toujours justifié.

Heureusement, la scénographie, les lumières, le jeu des comédiens trompent cet ennui si tchékhovien sans oublier quelques notes d'humour qui surgissent sur ce fond de tragédie banale. Un peu plus d'énergie et de rythme feraient le reste pour remettre à l'honneeur l'une des pièces de Tchekhov les moins jouées, première version ou pas.

Photos : Pierre Grosbois.

Je disparais au Théâtre de la Colline

2011-11-17T11:12:00.001+01:00

L'auteur norvégien Arne Lygre aborde avec délicatesse le thème de la catastrophe et de l'empathie. "Moi", celle qui parle (magnifique Annie Mercier), aime sa maison, son mari, sa vie tranquille. Pourtant, pour des raisons qui ne sont jamais précisées mais qui pèsent lourd, de plus en plus lourd, elle sait qu'elle doit partir et tout quitter.
Elle attend "Mon amie" pour qu'elles partent ensemble. Mais l'amie ne veut pas partir sans sa fille et elle, sans son mari.

Elles ont l'une pour l'autre une énorme affection et trompent le temps et la peur en imaginant d'autres situations, d'autres vies et en rient beaucoup. Elles inventent, se prennent au jeu, comme des enfants. Mais l'exil va les bousculer, les projeter, elles et leurs valises dans une autre vie, inimaginable, violente, tragique.

La mise en scène de Stéphane Braunschweig dans un décor tout en noir et blanc de boîtes mises en perspective laisse la place à la poésie et à l'humour qui finiront par s'effacer devant la détresse des personnages.

Toutes les infos ici
Dates de tournée ici

Reprise au théâtre de la Bastille des Fragments d'un discours amoureux (Roland Barthes/Arnaud Churin)

2011-11-15T07:56:00.001+01:00

Je republie ici le post du 15 mai 2010....Si vous aviez raté le spectacle, c'est le moment d'y aller!

Essayez donc de lire à haute voix, en y mettant le ton, les Fragments d'un discours amoureux (et si vous n'avez pas le livre à portée de main, vous pouvez piocher là.) Pas simple, non? Un peu pontifiant? Un peu monotone? Un peu compliqué?

Pourtant, les voilà au théâtre et me souffle-ton, ce n'est pas la première fois. Et le théâtre est plein, on y trouve même des gens sur scène (certains sont des figurants, certes) et sur les marches,. Le bouche-à-oreille a fait son office et on le comprend le bouche-à-oreille, le spectacle est divertissant, fin, intelligent, on y entend un texte, qui dit mieux? (Y en a d'autres, bien sûr...)
La grande réussite du spectacle d'Arnaud Churin, le metteur en scène, n'est pas forcément la mise en scène. Certes, elle rythme le temps, occupe l'espace, donne à voir, concentre le regard. Mais ce qui vraiment est formidable, c'est le texte et la façon dont les comédiens, Arnaud Churin lui-même et Scali Delpeyrat, le font vivre. Ce sont eux ces amoureux qui parlent et qui disent, eux qui nous font partager l'attente de l'être aimé, les étonnements, les éclairs de jalousie et de colère, les interrogations, ce sont les amoureux qui jouent.
La danseuse, Luciana Botelho, belle et parfaite figure, tient ces amoureux,tire les ficelles, les fait tourner en rond, les ridiculise un peu même parfois, les cajole aussi, fait sonner les cloches, résonner les pas, armée de riens, clochettes, bouts de ficelle, muette ou presque mais d'une présence magique.
Quant aux spectateurs laissés en pleine lumière, ils s'amusent, se laissent piéger avec bonheur à des "c'est comme moi "intérieurs, des non-dits qui veulent tout dire, échangent même des regards ou des sourires.

petite (s) présentation (s) vidéo:

Voir aussi sur théâtre contemporain.net, ici. Dossier de presse de la création à Chalon sur Saône, ici . Celui du Théâtre de la Bastille,là.

Outrage au Public au théâtre de la Bastille

2011-11-11T07:50:00.001+01:00

Outrage au Public de Peter Handke avait choqué lors de sa parution en 1966 et il était probablement fait pour ça. Depuis, on a tellement déconstruit et reconstruit qu'il n'a plus du tout la même portée et c'est l'intelligence de la compagnie de Koe de le rendre à la fois ironique et astucieux.
Après tout, mettre le public au centre, "le sujet, c'est vous", même si cela n'est pas, n'est plus nouveau, change le regard, amène une certaine complicité, une certaine participation.
L'agressivité du titre n'a plus d'importance, mais il reste un rapport de force entre comédiens et spectateurs qui fluctue de part et d'autre de la scène, puisque ni les comédiens, ni les spectateurs ne peuvent oublier qu'au fond, même si on s'évertue à leur dire que "nous ne voulons pas jouer un drame", qu'il n'y a pas de scène, pas de portes, pas de rampe, pas d'entrées et de sorties, etc, ce qui est dit est quand même est mot pour mot, un texte, un texte appris et joué. On en ressort tout ragaillardi!
Toutes les infos ici

Photos: Koen Broos.

Des spectacles venus d'ailleurs et même du temps qui passe, N°83 à L'Odéon et Risotto à la MC 93

2011-11-09T11:49:00.002+01:00

Ce n'est pas tous les jours qu'on a l'occasion de rencontrer une troupe estonienne et de voir un spectacle intitulé Kuidas seletada pilte surnud jänesele (autrement dit Comment expliquer des tableaux à un lièvre mort), l'Odéon n'oublie pas qu'il est "théâtre de l'Europe", donc si vous avez un peu de curiosité, il reste encore ce soir et demain....

Une bonne partie du spectacle consistant à expliquer le titre, à le détourner (fou-rires garantis), à le retourner en tous sens, à l'observer, à s'en distancer, il serait dommage d'en donner les clefs ici (mais elles sont là, au cas où...).C'est surtout l'occasion pour la troupe du théâtre n°99 (que de chiffres!) d'accumuler des petits tableaux, des exercices de style, de la critique sociale et politique, des gags, des absurdités, des non sens, une ministre de la culture qui pourrait aussi être ministre des sports, des lièvres à l'oeil désemparé et même des caisses et tout le décor, malheureusement entrecoupés de temps morts. Si bien que l'on passe d'une certaine allégresse contagieuse à un tout aussi certain ennui. Dommage parce qu'avec quelques coupes, le spectacle aurait été plus fort et réjouissant. Mais, ne boudons pas le plaisir...

Toutes les infos ici.

Pour d'autres spectacles du festival Estonie Tonique voir ici

Autre visite européenne à la MC 93 de Bobigny qui mérite bien son nom de "Théâtre de tous les ailleurs", avec Risotto. Un acte "d'auto-rétract-action" qui tourne depuis...1978! Ambiance d'époque garantie. Deux types sur scène. Muets. L'un ,Fabrizzio Beggiato, debout, prépare un risotto, l'autre,Amedeo assis, l'air ennuyé, désabusé, construit de petits échafaudages avec des cure-dents. Derrière eux défilent sur un écran des images, leurs images, celles de leur amitié qui remonte à une classe de seconde, dans les années 1950. L'odeur du risotto en train de cuire se répand dans la salle. En voix off, et en français "avec accent italien", les deux protagonistes évoquent cette amitié indéfectible mais qui ne correspond pas totalement à leurs rapports sur scène genre vieux couple au bord de la crise conjugale. Parmi les souvenirs (lycée, amours, mariages, divorces, enfants etc...) évoqués , ceux des dîners préparés au fil du temps par Fabrizzio. Rien d'autre. Ce voyage italien de deux comédiens qui n'en sont pas (l'un, Fabrizzio, est professeur de philologie romane à Rome, l'autre, Amedeo, est architecte de formation, auteur dramatique et scénographe de cinéma) renvoie aux spectacles de dérision et de questionnement qui ont tenu le coup depuis la fin des années 1960 jusqu'aux années 1980. Il nous laisserait peut-être un peu ( et volontairement) sur notre faim si on n'était pas convié en fin de spectacle à partager le risotto de Fabrizzio. Un risotto dont la recette change tous les soirs...

Toutes les infos (et la recette) sur le dossier d'accompagnement ici et ici

Risotto - Présentation de saison 2011 par MC93Bobigny

Cendrillon de Joël Pommerat à l'Odéon Berthier

2011-11-07T19:00:00.000+01:00

Voilà, on l'attendait et c'est sans aucun doute, l'un des plus beaux spectacles de la rentrée. Une fois encore, après Le Petit Chaperon Rouge et Pinocchio, Joël Pommerat crée un spectacle pour adultes où l'on peut si l'on veut amener des enfants. Ou une histoire pour enfants qui pourront s'ils le veulent bien amener leurs parents.

Une fois encore, on est surpris par cette perception de l'enfance qui doit lutter, affronter, prendre des risques en s'égratignant forcément au passage mais qui tout aussi forcément s'en sortira. Autant dire qu'il ne s'agit pas ici de conte de fées (même si certains sont bien cruels) et surtout pas de waltdisniaiserie. Pas de charmante tête blonde, pas de gentille marraine, pas de beau prince charmant, pas de mariage et de beaucoup d'enfants.

Nous sommes venus écouter une histoire, ça oui. Une nouvelle histoire pour apprendre à grandir. Une histoire qui vient de loin car même la voix de la conteuse au léger accent étranger se perd dans la nuit des temps, mimée par les mains qui dansent d'un narrateur muet.

Une fois encore, dans le travail que mène Pommerat et avant même de parler des comédiens, rien ne tiendrait ou presque (même si le texte est très beau) sans les jeux de lumière et par conséquent d'ombre et de noir, sans la scénographie, sans le son, sans les costumes. On est plongé d'emblée dans l'irréel, cet irréel qui vient de l'autre côté du miroir, du pays imaginaire, du songe. Un irréel qui peut faire peur donc faire rire, par contraste.

L’histoire de la très jeune fille, Sandra, Cendrier, Cendrillon, trouve son point de départ dans la mort de sa maman mais surtout de ses dernières paroles murmurées d'une voix si faible que la petite fille les a plus devinées qu'entendues. Elle va s'y accrocher si fort, si complètement, qu'elles vont rythmer chaque heure de sa vie.

La très jeune fille et son papa vont quitter leur maison pour aller vivre avec la "future femme " du papa et ses deux filles, dans une maison tout en verre, moderne, design... La nuit, le jardin vu de la maison de verre, s'illumine de petites lumières, vers luisants, feux follets, étoiles. Le jour, les oiseaux s'y cognent.

Sandra bien que très malheureuse ne se laisse pas marcher sur les pieds. Elle n'est peut-être pas très bien élevée par un papa, paumé, affolé entre l'autorité de sa "future femme" et l'attitude bizarre de sa fille et qui n'arrive pas à arrêter de fumer. Elle répond, rétorque, se braque, résiste avant de tomber dans une sorte de masochisme ménager. C'est qu'elle a fort à faire avec " la future femme",plus hystérique, et folledingue que vraiment méchante.

Pas terribles de toutes façons, les parents chez Pommerat, entre la mère suroccupée du Petit Chaperon Rouge et le pauvre Gepetto, Sandra, Cendrier, Cendrillon ne peut pas compter non plus sur son papa. Quant à la fée, franchement! Irrésistiblement drôle, certes, mais question pouvoirs magiques...

D'une certaine façon, c'est sa rencontre avec le jeune Prince, tout aussi malheureux qu'elle qui amènera Sandra a reprendre le contrôle de sa vie, car lui est victime d'un mensonge comme elle est victime d'une erreur

Pommerat joue en permanence avec les références du conte, il y a donc du verre, il y a une marâtre et de vilaines soeurs, il y a une fée, il y aura une chaussure et un grand bal, mais il les transforme à sa manière, en clins d'oeil. Rien n'est à sa place habituelle dans cette histoire donc de vie et de mort et de résilience, bourrée d'humour et d'inventions, servie par des comédiens épatants.

Photos Cissi Olsson

Toutes les infos ici et dossier de presse ici (avec les dates et lieux de tournée des autres spectacles). Dossier pédagogique ici

Cendrillon sera aussi en tournée, dates ici, mais il y en aura d'autres!