le blog de martine silber: marsupilamima,

Des Arbres à abattre au théâtre de la colline, un spectacle de Claude Duparfait et Célie Pauthe

2012-05-29T18:12:00.001+02:00

De l'intelligence, une intelligence exaspérée, pour un des spectacles les plus épatants de cette fin de saison. Intelligence du texte, bien sûr, celui du roman de Thomas Bernhard, adapté par Claude Duparfait et Célie Pauthe. Intelligence de la mise en scène et de l'adaptation (difficile de séparer les deux). Intelligence aussi d'une équipe exceptionnelle de comédiens. Il importe de signaler immédiatement qu'on rit beaucoup et souvent.

Pendant la moitié de la pièce (environ une heure),seul en scène, le narrateur (Claude Duparfait), écrivain quinquagénaire, revenu de de tout y compris de lui-même soliloque assis, recroquevillé, bougeant à peine, dans "un fauteuil à oreilles ", juste éclairé.

Il a accepté d'assister à "un dîner artistique" donné par d'anciens amis de jeunesse, le couple Auersberger. Il s'en veut. Il est prodigieusement irrité de renouer avec des gens pour qui il éprouve un immense dégoût condescendant. Ce dégoût qu'il porte non seulement à ses anciens amis perdus de vue depuis des années, mais aussi à la ville de Vienne où il est revenu vivre, là encore presque malgré lui.

Ce monologue sans temps mort est fascinant. Il met en place les différents personnages, l'auteur, les Auersberger, lui musicien et compositeur dans la lignée de Webern, elle chanteuse préférant Purcell, la romancière Jeannie Billroth, sorte de Virginia Woolf autrichienne, l'invité d'honneur, un comédien du Burg Théater qui nage dans l'autosatisfaction et une absente, la Joana, artiste méconnue, dont on vient d'apprendre le suicide, par pendaison.

Le ton désespéré, agacé, mais aussi tragi-comique, permet de faire vivre avant même leur entrée en scène ces "bobos" passés depuis les années 1960 de vagues espoirs de réussite à une satisfaction grotesque à l'aube de leur cinquantaine vaguement ratée. L'auteur les assassine l'un après l'autre de remarques mordantes, de considérations cyniques, de constatations presque épouvantées devant tant de médiocrité.

Puis la scène s'illumine, le piano resté dans l'ombre vient au centre, les invités s'installent, les verres s'emplissent, une pâtisserie viennoise est servie, le dîner mondain et artistique commence.

Le narrateur tantôt si volubile se tait, il observe, participe à peine à la conversation, quitte un peu son fauteuil à oreilles, son refuge. A son tour aussi de se faire critiquer par les "amis" des années de jeunesse, mais il ne réagit pas.

Le vieux comédien (Fred Ulysse) pérore, pathétique et ridicule, se fait prendre à partie par la romancière (Annie Mercier), Auersberger (François Loriquet) de plus en plus alcoolisé, se met au piano, son épouse (Hélène Schwaller) chantonne, ils confirment tous par leurs attitudes et leurs discours ce que la première partie avait laissé entrevoir. On est bien loin du Bloomsbury...

Et vient s'intercaler au milieu de ces bavardages cruels, blessants, stupides, hypocrites, mesquins, inutiles, absurdes, prétentieux, banals, comme un morceau de rêve, un instant de beauté, cette beauté que seule la Joana savait entrevoir, sur la musique du Boléro de Ravel qu'elle aimait tant (la stupidité décrite par l'auteur rejoint alors quelques spectatrices et spectateurs qui pensant sans doute que de la musique plus de la vidéo, égale publicité , se mettent à discuter à haute voix. NDLR).

Une belle réussite donc, un exploit même, qui laisse une saveur un peu spéciale, celle d'avoir vu et entendu de l'intelligence comme un des beaux-arts.

Photos: Elisabeth Carecchio

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Peer Gynt, mes Eric Ruf, au Grand Palais

2012-05-23T10:28:00.000+02:00

Une fois n'est pas coutume, commençons en images:

Les coulisses de Peer Gynt d’Ibsen par la... par Rmn-Grand_Palais

Peer Gynt est donc donné par la Comédie-Française, non pas au Théâtre Ephémère installé dans les jardins du Palais-Royal, juste derrière les colonnes de Buren mais dans le Salon d'Honneur rénové du Grand Palais et on aperçoit en s'y rendant par quelques interstices entre les panneaux, l'installation de "Monumenta" du même Buren...

Pas de musique de Grieg , mais celle de Vincent Leterme, aux claviers sur scène: on est au théâtre, pas à l'Opéra. Et quel théâtre! Pour occuper les 1200m² du Salon d'honneur, le metteur en scène Eric Ruf a choisi la bifrontalité, comme l'avait fait Ariane Mnouchkine au Théâtre du Soleil de La Cartoucherie de Vincennes pour Les Ephémères. (Que de coïncidences...). Les spectateurs sont donc assis de chaque côté d'un long "chemin" au milieu duquel des rails permettent de pousser un chariot multi-usages au fur et à mesure de la représentation, chemin qui se termine par une butée où les comédiens disparaissent, dérobés aux regards. Mais, et c'est pratiquement la seule déception du spectacle, au lieu de faciliter le regard du spectateur qu'il soit placé au début, à la fin ou au milieu du parcours, l'impression est plutôt celle d'une image figée, plutôt centrale quand il y a peu de monde et d'un espace exigu quand de nombreux comédiens sont sur scène.

Mais pour le reste, on ne peut que dire merci à Eric Ruf.

Merci d'avoir fait revenir Catherine Samie (Åse) rayonnante, impériale, mère universelle de toutes les bontés et de tous les pardons.

Merci d'avoir confié le rôle titre à Hervé Pierre, même si la tradition est de confier le rôle à un jeune comédien qui vieillira artificiellement tout au long du spectacle (Eric Ruf l'a joué lui-même à 25 ans ).

Ce Peer Gynt là est à peine déguisé, quelques cheveux en plus au début, une barbe grisonnante à la fin, et un formidable acteur tout du long, lourd de corps et léger d'esprit.

Le jeune lourdaud campagnard, paresseux, jouisseur, inconséquent, va au cours de sa vie courir le monde, en quête de lui-même, d'un bonheur, d'un sens ou simplement de vie et de survie, devenir rusé et riche marchand d'esclaves, absurde et ridicule roi des fous, avant de rentrer mourir au bercail, vieillard pathétique et désespéré. Hervé Pierre court, se démène, se débat avec une agilité remarquable, emporté par la course du temps, de tout ce qui lui échappe, profitant des hasards, réchappant de justesse aux pires périls, enchaîné tel Ulysse au mat du bateau emporté par un océan en furie, fuyant la folie des trolls de la montagne, sans jamais voir assez longtemps l'amour simple de Solveig, fidèle et tendre.

Merci aussi pour les costumes de Christian Lacroix d'une beauté insensée. Merci aux musiciens. Merci aussi à toute la troupe, à toutes celles et ceux qui interprètent plusieurs rôles, par fois méconnaissables, jeunes et moins jeunes.

Photos: Brigitte Enguérand

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Tout ce qui nous reste de la Révolution, c'est Simon, et La légende de Bornéo au Théâtre de la Commune, Aubervilliers

2012-05-15T17:51:00.001+02:00

C'est comme un cadeau! Le Théâtre de la Commune reprend les deux derniers spectacles du collectif L'Avantage du doute, Tout ce qui nous reste de la révolution, c'est Simon et La Légende de Bornéo.

Le même esprit iconoclaste et joyeux préside aux deux spectacles, on s'amuse beaucoup mais il y a toutefois de façon sous-jacente à cet humour parfois un peu potache, de vraies questions. Une sous strate qui va au-delà de la bonne humeur, de l'inventivité, de la fraîcheur.

A chaque fois, trois jeunes femmes à la dent dure, plus ou moins nettes, plus ou moins zen, plus ou moins déchaînées, plus ou moins pathétiques, plus ou moins revanchardes, plus ou moins jalouses, plus ou moins énervées, plus ou moins tendres, plus ou moins frappadingues, plus ou moins braves, plus ou moins fortes, plus ou moins revendicatrices, plus ou moins comiques, etc etc et au centre ou plutôt ailleurs, une figure paternelle, bienveillante, un peu ramollie, Simon. Et un homme plus jeune pour La légende de Bornéo vient faire une sorte de contre point ou de catalyseur, c'est selon (voir ici, vu au Théâtre de la Bastille, le 15 janvier).

Les deux spectacles sont nés de réflexions, d'entretiens, de témoignages et du travail enthousiaste du collectif. Un enthousiasme communicatif . D'ailleurs, on en redemande...

Photo: Mathild Chamoux

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Quatrevingt-treize de Victor Hugo à la Maison de la Poésie.

2012-05-11T18:28:00.001+02:00

Quatrevingt-treize donc selon l'orthographe hugolienne et non quatre-vingt- treize comme le suggère mon correcteur orthographique. Après La Mort de Danton à la MC 93, voici une nouvelle occasion de réviser son cours de Révolution Française. Ecrit à Guernesey entre 1872 et 1873, c'est le dernier roman de Victor Hugo. Roman écrit dit-on pour célébrer les valeurs de la République après la fin de la Commune de Paris.

1793, donc. Louis XVI décapité, la révolte se déchaîne dans plusieurs régions française, et particulièrement en Vendée (voir aussi Balzac et Les Chouans, ceux du Nord de la Loire, alors que les Vendéens viennent du sud de la région) alors que les monarchies européennes se liguent contre la France. Guerre civile sur un flan, guerre aux frontières sur l'autre. La Contre-Révolution est en marche.

C'est de cette quasi guerre civile que parle le roman d'Hugo. Cinq comédiens (trois hommes, deux femmes) vêtus de noir jouent tous les rôles avec pour décor les toiles étonnantes du peintre Jean-Michel Hannecart, qui illustrent chaque moment fort du texte.

Un texte qui reste celui du roman et de ces phrases que l'on reconnaît autant au son et au rythme qu'aux mots. Un élément de plus concourt à cette sobriété, ce sont les comédiens qui du du fond de la scène assurent les bruitages, les oiseaux, l'orage, le bruit des armes...

Deux mondes donc s'affrontent: celui des fidèles au roi et celui de cette cette nouvelle armée révolutionnaire. Hugo qui a été royaliste avant d'être républicain ne prend pas parti. La mise en scène de Godefroy Segal nous fait passer (tambour battant) par tous les moments forts du texte, les rires et les larmes, la raison d'Etat, l'amour des enfants qui perd les uns et émeut les autres, la peur, l'héroïsme, les utopies, les rêves, les déchirures intimes et bien sûr la fameuse rencontre entre Danton, Marat et Robespierre.

Et cela fonctionne parfaitement bien, on en ressort tout à la fois fourbu et ragaillardi

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Tout un monde de et avec Hélène Ventoura au Lucernaire

2012-05-05T11:08:00.002+02:00

A quoi reconnaît-on un (une?) clown? A priori à son maquillage, à son costume, à ses grimaces et éventuellement à sa façon de parler, non? Hélène Ventoura a choisi de minimiser ces présupposés.

Maquillage a minima: deux tâches rouges sur les joues, bouche un peu exagérée.

Costume genre vieille fille: moche jupe turquoise, mini chapeau pointu assorti, et une chemise un peu trop collante et boutonnée jusqu'au menton,entre le beige et le gris.

Grimaces? Non. Pas son genre non plus.

Quant à la voix, elle en a plusieurs: surexcitée de petite fille, tranquille de narratrice, grossie exagérément, toussotteuse, étranglée, rieuse. Elle en change tout le temps.

Pour ce nouveau spectacle, elle a choisi de raconter à sa manière l'histoire de Cendrillon mais elle annonce la couleur:
"je vais vous dire la vérité parce que je veux que l'on me croie, je vais aussi dire quelques mensonges, je vais aussi dire n'importe quoi...Parce que je veux que l'on me croie".

A partir de là, les portes du délire sont ouvertes, parce que la vérité de base, c'est que Cendrillon veut trouver un homme avec qui partager sa vie, avec l'aide de sa marraine la Fée.

Les mensonges et les n'importe quoi vont alors se succéder au fil des rencontres les plus dingues, d'autant que Cendrillon va jusqu'au bout de ses expériences humaines et sexuelles (ce n'est pas du tout un conte pour enfants). Et sa voracité et sa curiosité d'exploratrice sont à la hauteur de cette ambition toute naturelle.

Bien sûr, les embûches se multiplient et elle risque sa vie à tout instant.

Mais surtout celle des autres, on meurt beaucoup autour d'elle (ce qui n'est pas sans rappeler son précédent spectacle (Le Dernier Numéro). Et on meurt dans des conditions inattendues, atroces, bizarres, épouvantables, ridicules, grotesques, effarantes, et extrêmement divertissantes.

Car c'est un conte plein de bruit et de fureur mais raconté par un clown, un clown qui s'enchante de tout, des plaisirs et même des choses les plus effrayantes, un clown qui se débarrasse de ce qui ne lui plaît pas en esquivant d'un petit saut de coté, en sautillant,en virevoltant, en perdant le fil de son histoire pour mieux la récupérer.

Il y a quelques longueurs mais ce clown là a un talent déconcertant et on reitent beaucoup de choses après en avoir ri comme il se doit.

Photos: Sylvain Granjon

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Précision utile, le spectacle se joue au Paradis du Lucernaire, attention, ça grimpe ferme, même si on y est récompensé.

Les travaux et les jours de Michel Vinaver mes valérie Grall au Lucernaire

2012-04-30T18:38:00.001+02:00

Qui n'a pas eu son moulin à café électrique, ce petit appareil qui "libérait les femmes" et que presque tout le monde a remisé aujourd'hui au fond d'un placard ou d'une poubelle?

Michel Vinaver a situé sa pièce au service après-vente d'une petite entreprise spécialisée dans la vente de ces petits engins; on y trouve trois employées: la plus âgée, Anne, celle qui a la confiance des chefs et l'oreille des copines, Nicole, celle qui aimerait bien bouger les choses en créant une section syndicale et Yvette, la nouvelle arrivée en contrat renouvelable.

Il y a aussi le chef de bureau, Monsieur Jaudouard et l'employé modèle, Guillermo, le mari de Nicole, mais les hommes, ici, ne sont que les faire valoir de ces trois femmes, d'ailleurs situées littéralement au centre de la pièce.

Entre deux appels téléphoniques, on commente, on échange les argots internes, les riens qui font la petite vie de l'entreprise. Et la vie privée. Au-delà de leur travail, chacune a ses peines et ses envies: la fille d'Anne acccumule les fugues, Nicole voit d'un mauvais oeil la liaison qui s'établit entre Guillermo et Yvette. Yvette a un petit frère à charge depuis la mort de sa mère.

La concurrence fait rage, on est en pleine période de concentrations et la PME va être rachetée par l'un de ses concurrents avec les conséquence prévisibles (reclassement, licenciements...) et chacun et chacune va tenter de trouver sa solution de survie.

Valérie Grall a traité la pièce presque en comédie musicale, ça tourne et ça virevolte, les couleurs des costumes claquent, la musique est toujours présente, ambiance années 1980 assurée. Si cela traîne parfois un peu en longueur, c'est sans doute parce que le texte est un peu trop prévisible, même ou justement parce que Michel Vinaver restitue à la perfection le langage des entreprises, les commérages, les inquiétudes, les revendications. Mais c'est joué avec tant d’entrain que l'on se laisse faire, les comédiennes en particulier sont épatantes.

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Photos Philippe Cibille

Et juste en passant, le SAV a eu la chance d'échapper à ça

Top Girls de Caryll Churchill, mise en scène d'Aurélie Van Den Daele au théâtre de La Girandole, à Montreuil

2012-04-23T00:49:00.003+02:00

La Compagnie Bricole s'est emparé d'une pièce de l'auteur dramatique britannique Caryll Churchill, Top Girls, créée en 1982, et donc l'action se situe à cette époque, au début des années Thatcher. Top Girls est le nom d'une agence de placements pour femmes qui en veulent, the best, les meilleures. La pièce a été souvent jouée en Angleterre et aux Etats-Unis depuis sa création et ferait partie pour certains critiques des 100 meileures pièces du 20e siècle.
C'est en tout cas, une sacrée découverte.

La pièce démarre par la célébration dans un restaurant de la nomination de Marlène, jolie trentaniare, au poste de directrice générale de l'agence. Lorsque les spectateurs entrent dans la salle, les actrices sont en place, figées, immobiles, dans des poses qui rappellent La Cène.

Ces invitées sont la papesse Jeanne qui dès l'âge de 12 ans s'est fait passer pour un garçon et qui sera donc dit-on pape entre 854 et 856, Isabella Bird (1831-1904), voyageuse anglaise de l'époque victorienne, Dame Nijo, courtisane au XIIIe siècle de l'Empereur du Japon puis nonne boudhiste, Dull Gret (dont le nom vient du Tableau de Bruegel, Dulle Griet, voir ici), paysanne du XVIe siècle, la douce Griselda, sortie des Contes de Canterbury de Chaucer (XIVe siècle). Que des femmes, donc, venues d'époques différentes, de classes sociales différentes, de cultures différentes pour accompagner, Marlène, dans son triomphe.

Cette scène est perturbante, difficile de comprendre ce saut dans l'espace et dans le temps. Certains y voient la solitude de Marlène, obligée de convier des mortes, d'autres, un raccourci historique de l'histoire des femmes à travers le monde et il y a aussi ceux et celles qui comme moi se contentent d'accepter ce prologue et de comprendre non le pourquoi mais ce qui s'y joue et ce qui s'y dit. Ce qui n'est pas facile puisque le texte précise qu'elles parlent souvent en même temps, leurs phrases se chevauchent, elles ne s'écoutent pas vraiment. Mais l'histoire de chacune se détache, et peu à peu, dans cette atmosphère de dîner de filles, perce la mélancolie, l'injustice, les drames.

Seule, Marlène, ne se départit pas de son sourire triomphal, elle veille au bien être des convives, ordonne le repas, les vins, avec aplomb, à peine aimable avec la serveuse mais c'est la seule aussi à essayer de communiquer, de partager avec ses invitées. Dès le début, elle a annoncé la couleur, elle a quitté les siens, sa ville natale obscure et un destin tout aussi obscur. Elle déteste le prolétariat, la pauvreté, tout ce qu'elle a connu dans sa propre famille, c'est une wonderwoman, une de ces femmes actives des années 1980, une battante de droite sûre d'elle et heureuse de l'être.

Dès le deuxième acte, les dames du temps jadis disparaissent pour laisser place à Marlène, ses collègues de travail, sa soeur, Joyce, qui est elle restée dans le village natal, avec sa fille Angie et la copine d'Angie, une petite fille nommée Kit. On va encore sauter dans l'ordre chronologique mais aussi de lieu, passant des bureaux de Top Girls à la maison de Joyce.

Peu à peu, ce n'est pas seulement une histoire familiale qui se développe , c'est aussi un miroir de la société. Les questions plantées par l'auteur sont multiples et restent sans réponse, mais elles sont là: la place des femmes, le carriérisme, le temps dévolu à la vie personnelle et à la vie professionnelle, etc. Questions qui restent sans réponse aussi trente ans après la création de Top Girls.

Il y a beaucoup de moments forts comme les entretiens menées dans les bureaux avec des postulantes à un nouveau job, à un changement de carrière. On a la gâchette facile à Top Girl pour ramener les prétentions des candidates à la réalité. Ou l'épouse d'un employé évincé par Marielle, cet âge est sans pitié.Mais il y a aussi les deux gamines, Angie qui déteste sa mère, admire sa tante, mais n'a envie de rien au fond, n'est bonne à rien, au fond. Et Kit, plus jeune mais plus vive, plus battante peut-être déjà, à son tour. Et il y a Joyce, avec son couple qui prend l'eau, sa fille qui se braque, sa mère dont elle s'occupe, un peu.

Et la fin est une vraie fin. Une fin émouvante et surprenante qui ne met fin à rien.

La scénographie est impeccable, créant ombres et lumières, jeux de miroir, de dissimulation, de surprises. Les costumes baroques du début laissent place aux tenues des femmes d'affaires, des adolescentes, de la mère de famille accablée.

Il ne vous reste donc plus qu'à y aller et c'est juste en face du métro...mais faîtes vite (jusqu'au 28 avril)

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Les Ateliers du Conservatoire, en attendant les journées de juin

2012-04-20T17:12:00.003+02:00

Les Ateliers auxquels se livrent les élèves du Conservatoire National Supérieur d'Art Dramatique (CNSAD) tiennent de la gageure: donner un spectacle faisant intervenir toute une classe et donnant à chaque élève la possibilité de s'exprimer de façons différentes, ce n'est pas de la tarte.

Par exemple, ici, les corbeaux volent sur le dos pour la classe de deuxième année d' histoire transversale du théâtre de Christophe Maltot, qui mêlait des textes de Didier-Georges Gabily, de Paul Claudel, de Corneille, de Garcia Lorca, de Koltès, de Marivaux, de Fassbinder et de Pasolini.

L'ensemble est forcément un peu décousu, même avec un fil conducteur représenté par une jeune femme , (Pauline Belle, celle qui indiscutablement tire le mieux son épingle du jeu, sans jeux de mots ou avec), un peu naïve qui découvre le théâtre, ses illusions, ses forces... mais on les regarde avec un oeil sympathique. Ils ont encore à apprendre, c'est logique, ils sont un peu tendus, c'est normal, ils en font trop, bien sûr.

Mais les Journées de Juin approchent (voir sur le site) et on y retournera .....

Notre Commune, vu à La Cartoucherie de Vincennes

2012-04-20T16:30:00.000+02:00

Vu trop tard pour en parler à temps Notre commune, histoire méconnue racontée sur un char, hébergé par le théâtre du Soleil , à La Cartoucherie.

Mais il suffit d'attendre un peu parce que cela va recommencer (dates en fin de billet)....

Je me suis aperçue que je ne connaissais pas si mal, ce qui est assez auto-satisfaisant, cette histoire que va raconter sur un ton de bâteleur, un comédien (Mathieu Coblentz) , un oublié, un communard, un gueux, un gars qui faisait partie de cette canaille qui fait si bien les révolutions, un fantôme qui depuis 140 ans, veut se faire entendre.

Son comparse (Vincent Lefèvre) muet, fait vivre le récit du haut de son char dénommé Louise et d'un tracteur appelé Michel. Il agrémente le récit de performances étonnantes comme les marionnettes à cul représentant Napoléon III ou Thiers, d'objets improbables tirés d'un pied d'éléphant de carton pâte, de feux de bengale, d'oriflammes rouge sang.

La mise en scène de Caroline Panzera ne laisse pas une minute de pause au spectateur....La leçon d’histoire passe bien et si l'attention s'égare un peu parfois sous les arbres ( on craint un peu la pluie en plein air), elle est rappelée à l'ordre par la voix de cet ancien typo, forte, juste, jamais geignarde, bien au contraire: ce fantôme là a gardé ses convictions et les souvenirs de la liberté.

Mais il faut aussi saluer ceux que l'on ne voit pas, créateurs du char, des costumes, des décors, des marionnettes.

Plus d'infos sur le site de la compagnie Les Lorialets et ici

Et donc, retour à la Cartoucherie (en espérant qu'il fera soleil...) du 15 juin au 1er juillet les vendredis, samedis et dimanches.
> aux Virevoltés, à Vire, le 14 juillet
> à Chalon dans la rue OFF du 22 au 25 juillet 2012
> à Carros le 22 septembre
> et d'autres dates encore à suivre.>

Le 6e jour au théâtre de la cité internationale avec Catherine Germain, mes François Cervantès et Catherine Germain

2012-04-13T17:46:00.001+02:00

C'est par le biais d'Arletti, figure de clown imaginée depuis 1984 (Le clown Arletti,vingt ans de ravissement, éd. Magellan/ed. Maisons) que Catherine Germain, en collaboration comme toujours avec François Cervantès, nous entraîne vers La Genèse et la création du monde.

Pendant une bonne vingtaine de minutes, pas un mot, mais un travail admirable sur le corps du personnage, ce clown mal fagoté, maladroit, trop petit pour accéder à la table de conférence, qui range et dérange sans cesse les objets installés à grand peine, la carafe d'eau, le verre, le téléphone (et son fil), un vieux cartable, différentes chemises cartonnées...

En perpétuel déséquilibre, sur les pieds, sur une chaise, elle est sur le fil du souffle, frôle la chute, se rattrape, pousse de petits glapissements, glousse, grommelle, sourit. Mais ne dit rien. On est dans le temps du vide, avant le verbe, avant la lumière, Lux fiat...

Elle nous plonge entre le rire et l'angoisse, la perpétuelle inquiétude du clown dans le monde où tout lui échappe, glisse, menace de s'effondrer, suspend le temps aux catastrophes minuscules. Quand elle se sert un verre d'eau, elle l'emplit à ras bord sans en perdre une goutte et la fierté l'envahit. Momentanément.

Puis elle prend la parole. Avec une assurance toute nouvelle, elle égrène le texte en l'agrémentant de commentaires admiratifs envers Dieu, qu'elle appelle "ce gars là", elle raconte comme si elle avait assisté de près à la création, toujours en mouvement, sous son imperméable trop grand, son pantalon trop large, ses croquenauds d'orpheline, le visage aigu derrière le maquillage, le masque.

La voix flûtée se heurte au mot "constata" , butte, gratte, plonge dans les graves, toujours accompagnée par le corps en mouvements secs qui s'adoucissent, se font fluides, et le discours reprend. Elle s'extasie soudain volubile, prend le public à partie, s’enthousiasme pour ces merveilles qui se succèdent...jusqu'à la question existentielle qui la laissera sans voix.

Bien sûr, on rit beaucoup mais on en garde surtout une impression poétique, légère et grave, et beaucoup d'admiration.

Toutes les infos ici

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Cent ans dans les champs à l'Echangeur de Bagnolet, mes Hélène Mathon

2012-04-11T15:10:00.000+02:00

Raconter en 1h40 cent ans de paysannerie française, c'est la gageure que s'est posée Hélène Mathon et la compagnie de la langue écarlate. Mais pas question pour autant d'aller vite, bien au contraire, le spectacle prend son temps. Un peu trop parfois.

Il ne faut pas non plus s'y tromper, l'histoire de l'agriculture est forcément survolée, ce n'est pas un cours d'histoire. On avance par petites touches, petits tableaux même puisque l'on voit l'Angelus pendant quelques instants, une belle image. Sur le plateau , la terre est évoquée par des bandes qui sentent bon les champs, les comédiens plantent, jouent avec des jouets à la manière de marionnettes filmées en gros plan en vidéo, trimbalent des cageots, cultivent dos cassé.

Sont ainsi évoquées sur scène et sur écran, les grandes mutations: le remembrement, les cultures intensives, les crises, les colères, le surendettement, la fuite en avant... les discours politiques se succèdent tandis que la situation des "petits" empire, que les écarts se creusent.

Les quatre comédiens portent les gestes et la parole. Si certains ne sont pas toujours justes, surtout au début, la dernière partie compense hautement ces faiblesses en se fondant sur des témoignages clairs et émouvants.

Les vidéos proviennent des représentations données aux Subsistances à Lyon, les 29 mars et 1er avril. Voir ici

Plus d'infos ici et ici

Infos sur le spectacle ici

Der Menschenfeind à L'Odéon Berthier mes Ivo van Hove

2012-03-31T10:59:00.000+02:00

Le metteur en scène flamand Ivo van Hove catapulte les personnages du Misanthrope de Molière chez des trentenaires friqués et c'est éblouissant.

Un loft épuré, zen, géométrique, blanc et gris et au mur un écran vidéo type home cinéma ou écran plat, sert de décor pour ces jeunes gens équipés de smartphones et de tablettes numériques, tous chic décontracté et pieds nus. Le texte, en allemand (Hans Weigel) surtitré, reste très proche des alexandrins (pour ce qu'on peut en juger) mais il est métissé par le temps et la langue contemporaine, remplaçant par exemple la vieille chanson Si le roi m'avait donné sa grand' ville par Honesty de Billy Joël. On est ici et maintenant.

Cette sobriété de façade va voler en éclats parce qu' Alceste (Lars Eindiger) bouillonne de rage, presque sociopathe plus que misanthrope, dépressif, contenant difficilement une violence borderline prête à exploser à la moindre contradiction.

Lars Eindiger , le comédien le plus impressionnant de la nouvelle génération du théâtre allemand (on l'a vu dans Hamlet mis en scène par Thomas Ostermayer, à Avignon, en 2008 et on va le revoir dans Mass fûr Mass (Mesure pour Mesure), toujours à L'Odéon, mais dans la salle historique, à partir du 4 avril) fait preuve une fois encore d'un talent incroyable, prêt à tout, même à s'enfoncer un chapelet de saucisses dans l'anus, de se tartiner de Nutella, de tout faire valser en se jetant sur la table du buffet comme dans cette vieille pub où la femme de ménage disait "je ne vais quand même pas faire ça tous les jours". Trash, oui, bien sûr. Mais jamais gratuitement.

Face à lui, la partenaire qu'il lui fallait, Judith Rosnair, Célimène, plus profonde que capricieuse, qui flirte à tout va, mais éprouve pour lui une attirance forte quoique moins obsessionnelle que celle qu'il éprouve lui et contre laquelle il s'acharne à se révolter en vain.

La vidéo, presque du cinéma, toujours présente et intégrée dans le décor, permet des gros plans sur les visages, de suivre les comédiens sous d'autres angles, voire de les poursuivre quand ils ne sont pas sur scène, un magnifique travail de l'image mêlée à la performance scénique.

Il ne reste qu’aujourd’hui et demain, mais ne ratez pas ça, s'il reste encore des places, c'est drôle, excitant, intelligent, étonnant etc etc.

Tutes les infos ici

L'Eden Cinéma d'après Marguerite Duras, mise en scène Jeanne Champagne

2012-03-30T10:18:00.002+02:00

Jeanne Champagne et son actrice complice Tania Torrens nous ont déjà fait partager avec La Maison et Ecrire (ainsi que La Musica que je n'ai pas vu), de très belles mises en scène de Marguerite Duras, pas question donc de manquer L'Eden Cinéma, cette courte pièce, adaptée par Duras elle-même du Barrage contre le Pacifique.

Cette fois, Tania Torrens est cantonnée dans un rôle presque muet, celui de la Mère, vieillie, usée, et pourtant, c'est elle qui est au centre de la pièce. pas seulement parce qu'elle apporte une présence forte, mais parce que c'est véritablement ce personnage qui est le centre de cette histoire, rapportée par Suzanne, sa fille et son complice, le frère, Joseph.
Ses deux enfants sauvages qui se moquent, ne rêvent que de partir et de l'abandonner à ses chimères, à ses erreurs, mais ne sont pas totalement sans tendresse.

La mère participe peu donc, mais elle trône au coeur des choses, en longue robe rouge, serrant son gros sac noir.
Elle donne l'impression de regarder en spectatrice ce récit de sa vie, de ses luttes, de ses espoirs brisés, de l'injustice qui lui a été faite et qu'elle essaye encore de venger en tenant de vendre le gros diamant que Monsieur Jo (qui n'est pas encore L'Amant) a offert à Suzanne.

C'est une pièce qui s'écoute autant qu'elle se regarde, il se s'y passe presque rien mais on y raconte beaucoup, avec ce style, cette langue, ce rythme des mots qui peuvent faire rire, choquer, glisser dans un autre univers. Le décor flotte au vent en fond de scène sous le grand panneau lumineux de cet Eden Cinéma où La Mère faisait l'ouvreuse avant de placer toutes ses économies dans cette terre où rien ne pousse, battue par l'océan. Des passages sur pilotis au premier plan évoquent ce paysage désolé.

Mais les enfants sont plein de vie, eux, ils jouent, chantent, dansent, se cachent, et puis ils grandissent et sont moins gais. Agathe Molière (que l'on peut encore voir jusqu'au 1er avril dans La Ménagerie de Verre, à La Commune d'Aibervilliers), l'accordéon sur la poitrine est craquante.

La pièce que j'ai vue au théâtre 71 de Malakoff tourne et sera au Nouvel Olympia, à Tours, les 3 et 4 avril.
Infos ici et ici

Platonov, mais....au Théâtre de L'Aquarium, à la Cartoucherie

2012-03-28T18:14:00.000+02:00

Tchekhov toujours, cette fois au Théâtre de L'Aquarium, à La Cartoucherie. Platonov, donc, mais...donc. Le titre le laisse supposer, c'est Platonov, certes, mais avec un surprenant travail de coupes, de vivacité, d'énergie et surtout de musique. On l'a déjà dit, on voit de plus en plus souvent des musiciens sur scène ce qui change des bandes sons souvent coupées ou shuntées de façon plus ou moins réussie . Ici encore (comme par exemple Paroles Gelées de Rabelais, au TGP de Saint-Denis), les comédiens sont aussi musiciens.

La musique de Christophe Rodomisto, plutôt rock, n'est pas plaquée sur le texte et la mise en scène, elle est parfaitement intégrée, elle est le spectacle au même titre que la pièce et c'est jubilatoire. La traduction (éd. Solitaires Intempestifs), encore et toujours d'André Markowicz et Françoise Morvan, a donné un coup de jeune au texte, la troupe de Théâtre à cru et Alexis Armengol pour l'adpatation et la mise en scène se chargent du reste.

Voilà donc une bande d'amis, réunis pour une soirée, histoire de bavarder, voire de cancaner, de tromper l'ennui, , de manger, de danser, de boire aussi bien sûr. Décor années 1950 ou 1960, costumes du même acabit '(mais assez moches). On attend Platonov, toujours en retard, esprit brillant, animateur presque malgré lui. Platonov( Alexandre Le Nours) le misanthrope, le séducteur, le moqueur, qui n'a vraiment de tendresse que pour sa femme, la douce Sonia ((Camille Trophème, pianiste, chanteuse, qui interprète aussi la pauvre Grékova). Tout pourrait bien se passer, mais les gens heureux n'ont pas d'histoire et entre rires et larmes, ivresse feinte ou réelle, propos joyeux ou cruels, tendresse, désir, provocation, désespoir, le drame finira par arriver.

Il y a des moments absolument magiques comme l'arrivée de Sofia (Edith Mérieau) baignée d'une lumière solaire. Sofia, l'épouse de Sergueï (Stéphane Gasc), l'ami, le gentil, Sofia qui a été il y a quelque temps l'amie de Platonov. L'humour fend l'air comme un éclair, un feu d'artifices, l'énergie qui traverse la pièce est suscitée par l'envie que "ça change", envie de partir, de recommencer, envie d'une "vie nouvelle", envie d'autre chose que leur pauvre quotidien. Sauf pour Sonia, si contente de son mari et de son petit enfant.

Toutes les infos ici.

Photo: Marie Pétry

Oncle Vania d'Anton Tchekhov au Théâtre des Amandiers, à Nanterre et au Théâtre-Studio d'Alfortville

2012-03-28T10:29:00.002+02:00

On peut donc aller voir deux fois Oncle Vania, en ce moment, autour de Paris, les deux dans la même traduction d' André Markowicz et de Françoise Morvan (éd. Actes sud, "Babel"), l'un , aux Amandiers, est mis en scène par Alain Françon, l'autre au Théâtre-Studio par Christian Benedetti.

Les dossiers de présentation sont passionnants, donc voir ici (Amandiers) et ici (Théâtre-Studio)

Pas question de les comparer, mais quelques pistes de réflexion s'imposent d'elles-mêmes. Dans les deux versions, par exemple, le personnage, le plus fort, le plus intéressant, le plus séduisant est Mikhaïl Lvovitch Astrov, le médecin. Peut-être parce que le personnage nous semble plus proche de nous, plus contemporain que les autres. C'est sans doute autant un effet de la traduction que des deux mises en scène: désabusé, dégoûté de son métier, des autres et de lui-même...et écologiste, on avait un peu pris l'habitude de voir en lui un personnage plus intériorisé, monologuant pour lui-même, là, il est plus costaud, plus conséquent, plus actif, surtout chez Benedetti (qui interprète lui-même le rôle). Bien sûr, Ivan Petrovitch Voïnitskaia (Oncle Vania) est lui aussi désabusé, dégoûté , fatigué d'avoir trop travaillé , ils se ressemblent, mais on comprend pourquoi alors qu'ils sont amoureux de la même femme, elle se laisse attirer par Astrov, il y a plus de vie en lui. D'autant plus à Nanterre parce que Vania y apparaît presque dostoïevskien (?), un peu lâche, un peu bouffon, sans élégance, ce qui peut dérouter.

C'est un peu la même chose pour Sonia, la voilà fille d'action, "battante", forte, volontaire, extrêmement présente et qui lorsqu'elle est obligée d'accepter son destin, le fait en empoignant son courage des deux mains. Il y a eu d'autres Sonia, plus petites souris, plus attendries par Vania. Cette fois, les deux le secouent avec impatience, voire même avec rage. Et elle bouillonne de colère quand certains ou plutôt certaines avouent s'ennuyer alors qu'il y a tant à faire.

Oncle Vania - Scènes de vie à la campagne -... par Nanterre-Amandiers

On n'ose conseiller de voir les deux ce qui serait pourtant le plus raisonnable. J'ai été un (tout petit) peu déçue par la mise en scène d’Alain Françon dont La Cerisaie donnée à La Colline reste pour moi incomparable. Les lumières sont splendides, les décors simples et beaux, les costumes parfaits, et si certains acteurs sont un peu en-dessous des autres, tout est si maîtrisé que cela passe presque inaperçu.
Mais il s'en dégage une certaine froideur. C'est beau, c'est triste, mais détaché.

Alain Françon parle d'Oncle Vania par epikepoc

A Alfortville, changement total! D'abord le plateau est bien plus petit et par conséquent si les moyens sont moindres, la proximité avec les spectateurs est plus grande, d'autant que la salle reste éclairée presque tout le temps. Et on est pris à la gorge dès les premières minutes, les premières secondes, Christian Benedetti ayant imposé à ses acteurs un débit effréné qui laisse pantois. Cette rapidité du texte précipite forcément vers l'abîme, le désespoir. En contre-point, les comédiens restent parfois silencieux entre deux phrases quelques longues secondes, immobiles, figés. Cette rapidité communique au spectateur une tension, une intensité, une vibration immenses. La pièce dure une heure et demie (deux heures à Nanterre) et conduit au pas de charge à l'explosion suivie de ce retour à l'ordre quotidien (on pourra enfin manger à des horaires convenables), à l'ennui, au travail, au manque d'amour . Il ne s'est rien passé et c'est infiniment poignant.

Toutes les infos dans les dossiers (voir ci-dessus)

La meilleure part des Hommes, adaptation et mes de Pauline Bureau, à La Tempête

2012-03-19T18:39:00.001+01:00

J'avais été très impressionnée par le Roberto Zucco de Bernard Koltès, mis en scène par Pauline Bureau, dans ce même théâtre, en mai 2010, un peu déçue ensuite par Modèles, mais j'étais très curieuse de revoir son travail et j'en suis de nouveau sortie bien contente d'être venue!

La Meilleure Part des Hommes , le roman de Tristan Garcia paru en 2008 (Prix de Flore) a fait beaucoup parler, en mal comme en bien. L'intelligence de l’adaptation de Pauline Bureau, c'est de couper court à tout ce qui faisait la faiblesse du roman. Quatre personnages sont au centre de cette histoire d'amour, d'amitié, de trahisons, de haine, qui débute dans les années 1980 pour s'achever dans les années 2000. En gros, de l'élection de François Mitterrand à celle de Nicolas Sarkozy, même si ce n'est pas vraiment important, sauf en ce qui concerne le parcours de l'extrême gauche à la droite conservatrice de l'intellectuel du groupe, Jean-Michel Leibowitz (Zbigniew Horoks) le professeur, l'intello, le plus âgé, l'amant de sa jeune étudiante, Valentine, Val, (Marie Nicolle) qui deviendra journaliste à Libération. Elle est si fine, si juste, si émouvante qu'on souhaiterait la voir plus, l'entendre plus, mais dans ce monde d'hommes elle fait juste petite figure, écrasée entre son amant plus âgé (qui ne quittera jamais sa femme, on s'en doute bien) et ses amis fâchés. C'est même elle qui se prendra le premier coup.

Amante de l'un, amie (pas copine, amie) des deux autres, Dominique Rossi dit Doumé (Régis Laroche), le militant, fondateur de "Stand-Up" (on peut y reconnaître en partie Didier Lestrade et Act-Up), et William Miller (Thibaut Corrion), Willie, le gamin pique-assiettes, débarqué d'Amiens dont Doumlé fait son amant.

C'est lui, Willie, qui sera le mauvais génie de l'histoire, gloire littéraire fulgurante (on peut si on veut absolument chercher les "clefs" y voir Guillaume Dustan) , provocateur, roi du clubbing et de la nuit parisienne. Puis, après la rupture, la haine, les attaques, la vengeance....et le Sida.

Pauline Bureau comme Tristan Garcia étaient des bébés au cours de ces années qui à partir de 1981-1982 ont vu déferler l'épidémie de Sida, ces foutues années où les jeunes homos mais pas seulement eux (on s'en rendra compte plus tard) meurent dans une ambiance atroce, les imprécateurs s'en donnent à coeur joie pour fustiger l'homosexualité, les braves gens (y compris certain personnel soignant) ont peur de la contagion, les parents des malades s'en prennent à leurs compagnons pourtant si souvent d'une fidélité farouche, les politiques tournent la tête de l'autre côté, les bien-pensants aussi, seuls quelques médecins se transforment en héros ordinaires.

Il ne s'agit donc pas de reconstituer une période historique, de faire du théâtre documentaire, mais de prendre un peu de recul pour transformer le livre en objet théâtral, suivre un fil chronologique qui n'est pas celui de l'Histoire, mais celui de leurs histoires, celles de jeunes gens joyeux, libres, baisant à tout va, avec ou sans tendresse, heureux!
Et qui peu à peu vont se trouver devoir affronter cette mort annoncée, la leur ou celle de leurs proches, sans parfois trop réaliser ce qui leur est tombé sur la tête, jouant leur vie à la roulette russe ou assistant sans rien pouvoir dire, sans rien pouvoir faire ou se battant, encore et toujours pour sensibiliser les pouvoirs publics à cette maladie de damnés qui n’intéresse encore personne....

Autour des quatre personnages centraux gravitent interprétés par les quatre autres comédiens (Yann Burlot, Nicolas Chupin, Anthony Roullier, Adrien de Van) une floppée d'amis, d' amants, de militants de Stand-Up, un employé inénarrable de l'ANPE , un journaliste branché (qui pourrait être Thierry Ardisson), un éditeur, un médecin spécialiste de la maladie depuis la première heure, grave et sincère....

Et l'on assiste à la montée en puissance de la folie destructrice de Willie, de plus en plus isolé, qui va tout balayer , l'amour, l'amitié, la joie de vivre, la joie d'être ensemble lorsque plus rien ne compte pour lui que la haine qu'il voue à Doumé.

Il en mourra, seul, abandonné de tous sauf de Valentine, qui lui en veut pourtant, mais ne sait pas dire non à la souffrance.

Les épisodes courts se succèdent rapidement, passant d'un côté à l'autre du plateau, en bas, en haut, les lumières créant les espaces, accompagnés de la musique "live" de Vincent Hulot.

On rit beaucoup, surtout au début, mais il y a aussi des moments d'une grande émotion, de mélancolie, d'agacement, de violence, de choc.

Pauline Bureau mène son monde et son récit avec maîtrise, tout est tenu, rigoureux, presque minuté, et la machine avance sans un moment d'ennui.

Photos: Julien Piffaut

Toutes les infos ici:

Lettres de la Guerre d'Antonio Lobo Antunes de et par Aurélia Petit et Lazare Boghossian, Au Théâtre de la Cité Internationale

2012-03-19T14:37:00.002+01:00

C'est à la demande de Patrick Sommier, le directeur de la MC93 de Bobigny, qu' Aurélia Petit et son compagnon, Lazare Boghossian, ont monté l'année dernière cette adaptation très personnelle des Lettres de la Guerre, compilation des lettres envoyées par l'écrivain portugais Antonio Lobo Antunes (Christian Bourgois, alors médecin militaire en Angola, à sa jeune femme, enceinte, Maria José.

La reprise au TCI bénéficie d'un espace un peu plus intime qui convient mieux au ton adopté par le couple. La jeune femme est assise et tient le livre, c'est presqu' une lecture à haute voix pour soi, une voix tournée vers l'intérieur, calme, posée, sans aucun effet.

Elle égrène des dates, des en-tête de lettres, "mon amour...mon beau trésor..mon précieux trésor....mon unique et beau trésor..mon bijou chéri... mon amour chéri...mon bel et doux et tendre amour adoré.. .", quelques paragraphes qui parlent de la guerre ou de l'écriture, mais en priorité ces mots d'amour avec ce qu'il peut y avoir parfois d'agacement, de jalousie, dans une relation perturbée par l'éloignement, l'ennui, la fatigue, la souffrance, le danger, les atrocités qui se succèdent, jour après jour, au fil d'un temps qui passe lentement.

La charge érotique est palpable, mais c'est surtout la tendresse qui passe comme les sourires qu'échangent Aurélia Petit et Lazare Boghossian, leur complicité et cette torpeur déchirée par l'éloignement.

Parfois, elle va jusqu'au piano, posé de biais, tout de travers, tout de guingois, et joue allongée. Parfois, il ouvre les fenêtres sur les sons et les lumières de la ville. Au début du spectacle, une revue de presse de l'actualité internationale de l'année 1971.

A la fin, quelques extraits d'un entretien vidéo qu'ils ont réalisé avec Lobo Antunes. Les lettres ont été rassemblées par ses filles et publiées après la mort de Maria José, en 1999.

Toutes les infos ici

Photos: Henri Perrot

Paroles Gelées de Rabelais, mes Jean Bellorini, au TGP de Saint-Denis

2012-03-16T11:05:00.001+01:00

J'avais eu la veine de découvrir leur précédent spectacle (ou du moins, la moitié) Tempête sous un crâne à La Cartoucherie (voir ici) où ils étaient accueillis par Ariane Mnouchkine, et j'avais été épatée par les multiples talents de cette jeune troupe, je n'avais donc qu'une envie les revoir et c'est chose faite. (Le spectacle est en tournée et sera au 104 à Paris du 15 mai au 20 mai).

Et quel bonheur!

Cette fois, ils ne se sont plus inspiré de Victor Hugo et des Misérables , mais de Alcofribas Nasier, pardon de François Rabelais et principalement du Quart-Livre (d'où ils ont tiré le titre de leur spectacle Paroles Gelées) avec le même plaisir jubilatoire et contagieux.

D'abord, c'est un vrai travail de troupe, les musiciens sont comédiens et chanteurs, les chanteurs sont comédiens, les comédiens sont musiciens, slammeurs ou classiques (avec mention spéciale pour Gosha Kowalinska, la chanteuse lyrique), mais aussi danseurs, acrobates, comiques à l'ancienne, clowns modernes, et tout cela pour nous entraîner dans le voyage de Panurge et de Pantagruel à la recherche de l'Oracle de la Dive Bouteille avec moultes aventures au programme et visites étonnantes aux habitants monstureus de contées lointaines et isolées. Cette variété des approches donne au spectacle un rythme époustouflant.

Ensuite, la mise en scène de Jean Bellorini est aussi vive que ses treize comédiens. Pas une seconde de répit, des gags au moment où on s'y attend le moins, des inventions sans esbroufe avec par exemple ballons ou ventilateurs, des changements à vue, dans une scénographie pataugeoire et un beau travail de lumière.

Et le choix des textes, la façon de les dire (psalmodies, monologues débités à toute blinde, chansons...) dans un vrai respect sans contraintes, une langue moderne et compréhensible avec explications intégrées et anachronismes mesurés, tout est au rendez-vous pour une soirée mémorable.

On passe du silence recueilli au rire gargantuesque, on s'ébaubit, on s'esclaffe, on s'émerveille, on écoute, on retient sa respiration, on ouvre de grands yeux, et surtout on se régale.

Photos: Anne Nordmann

Toutes les infos ( avec rencontres,dates de tournée etc) ici

La Mort de Danton de Georg Büchner mes Georges Lavaudant, à l MC93 de Bobigny

2012-03-15T13:11:00.000+01:00

Il y a dix ans, Georges Lavaudant, alors directeur de L' Odéon, mettait en scène La Mort de Danton, juste avant les travaux qui allaient transformer son théâtre. C'est ce même spectacle qu'il reprend dix ans plus tard avec pratiquement la même distribution. Il s'en explique ici et ci-dessous:

Interview Georges Lavaudant - présentation de... par MC93Bobigny

Alors, oui ce sont des fantômes mais des fantômes si forts, si présents que l'on va les écouter avec une attention, une concentration telles qu'on en sort fourbu. Bien sûr, on connaît un peu, l'histoire de La Révolution Française, ses excès sanguinaires et tragiques, son amour du discours et de la réflexion politiques, et même s'il a fallu du temps, encore du temps, beaucoup de temps et d'autres révolutions, d'autre sang, d'autres larmes, on en retient encore son aspect fondateur.

Bien sûr, Danton va mourir. Il le sait. Dès les premiers mots qu'il prononce alors que pourtant, il compte fleurette, il mêle l'amour à la mort. Il en a peur, bien sûr, mais en même temps, il l'attend. Il envoie promener ses amis qui le supplient de faire attention, voire de partir, mais il reste. Pourquoi? Parce qu'il se sent coupable des massacres de septembre, parce qu'il est las, parce qu'il en a trop vu, trop fait, trop pensé. Parce qu'il doute, parce qu'il ne croit plus, ni en lui-même, ni en Dieu, ni à l'Histoire. Ce n'est pas seulement la mort de Danton mais Danton et la mort.

Mais il vit encore. Avec force, avec une immense énergie du corps et de l'âme, avec la puissance de son corps et de ses mots. Le voilà donc, ironique et jouisseur, qui sait encore faire rire, qui sait encore philosopher au milieu des fantômes, face à ses détracteurs et surtout face à celui qui a encore des certitudes, Robespierre. Patrick Pineau lui donne sa voix, sa chair, son humanité avec une formidable intensité. Il n'est pas le seul, chaque comédienne, chaque comédien apporte sa part de profondeur, ses angoisses, sa folie.

Les scènes se succèdent mêlées de sorte d'intermèdes amusants et musicaux, c'est long (trois heures) mais cela va vite, on avance à grands pas vers l'oeil du cyclone. Le dernier acte donne à voir autre chose, la mélancolie qui empreint chacun des discoureurs, la poésie comme un dernier regard sur ce monde auxquels ils n'appartiennent déjà plus, une dernière adresse, un adieu et tous partent rejoindre l'armée des Ombres.

Et l'on s'étonne encore du génie de Büchner, ce tout jeune homme allemand, qui 50 ans plus tard se documente de façon si étonnante sur cette Révolution française, sur ces hommes, et qui en tire par l'écriture, une vision qui nous touche, nous, vieux routiers que nous sommes d'une République fatiguée.

Photos: Victor Tonnelli/ArtComArt

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La Ménagerie de Verre de Tennessee Williams, mes Jacques Nichet au Théâtre de La Commune, à Aubervilliers

2012-03-14T11:42:00.002+01:00

Comme il serait un peu absurde de me paraphraser, je reprends en partie le contenu du billet publié en novembre 2009, lors de la création, à La Commune de cette Ménagerie de Verre qui avait connu un beau succès. On saluait Tennessee Williams, longtemps réservé aux théâtres dits de boulevard, dontplusieurs spectacles étaient à l'affiche, loin du star system , des paillettes et de la com ....

« Je parie que vous ne savez pas que La Ménagerie de verre a été conçue à l’origine comme un scénario. J’allais l’appeler : " Le Call-boy " ou " Des gens pas si beaux que ça " ou quelque chose de ce genre. M.G.M. a refusé ma version, et je l’ai adaptée pour le théâtre, en y incorporant des idées que j’avais apprises dans un stage d’écriture de scénarios. Je crois que la pièce était très influencée par le fait d’avoir été d’abord écrite pour l’écran, ce qui est drôle parce que c’est une des pièces qui m’a valu le plus de célébrité ». (Tennessee Williams,Confessions d’un rossignol).

Ce qui est encore plus drôle peut-être, c’est la volonté des producteurs d’adapter au cinéma ce grand succès théâtral : le film d’Irving Rapper a été méchamment désavoué par Tennessee Williams qui a trouvé son oeuvre totalement défigurée. " racontait le metteur en scène Jacques Nichet dans le dossier de presse)

La pièce consiste en une succession de flashbacks racontés par le narrateur, Tom (Tennessee Williams s'appelait Thomas Lanier Williams), jeune écrivaillon en devenir mais encore employé dans une fabrique de chaussures et subvenant aux besoins de sa mère, Amanda, ancienne "beauté du sud" (Southern Belle) et de sa sœur infirme, Laura. Il l'annonce d'entrée de jeu: « Oui, je vais vous surprendre. J’ai plus d’un tour dans mon sac. Mais je suis l’inverse d’un prestidigitateur de music-hall. Lui nous présente une illusion qui a l’apparence de la vérité, moi je vous présente la vérité sous le masque de l’illusion. »

Pendant la dépression qui a suivi la crise de 1927 , sous le regard du père _ absent mais en photo sur la cheminée _ Amanda rêve pour ses enfants d'un bel avenir et s'inquiète surtout pour Laura, boiteuse, timide, douce, repliée sur elle-même, incapable d'aller vers les autres et de communiquer (la sœur de Tennessee Williams, Rose était schizophrène), vivant enfermée dans son monde, ces petits animaux de verre filé qui lui tiennent lieu d'univers. Tom, lui, étouffe et rêve de s'enfuir, de plaquer là toute cette souffrance, toute cette misère, cette ménagerie familiale, cette cage de verre.

Par petites touches, petites scènes, petites émotions, semblables aux souvenirs qui surgissent dans la mémoire de Tom, la pièce progresse vers la scène centrale, celle de la débâcle, de la rage et de la honte, quand poussé par sa mère, Tom invite un copain, Jim, pour un dîner familial, histoire de le présenter à Laura. Jim est un brave garçon, un fiancé idéal mais le happy end, n'aura pas lieu pour ces vies foutues d'avance, cela ne se passe pas comme ça dans la vraie vie qui n'est ni un roman ni du cinéma.
La cruauté est proportionnelle au rire du public, touché, ému, mais tout aussi impitoyable que la dure réalité., celle d'une crise familiale, d'une imméne déception, dans le contexte d'une autre crise, plus vaste, cette " Dépression" qui frappait alors l'Amérique. La mise en scène feutrée comme cet appartement trop petit, vive comme Amanda, élégante comme son narrateur, tendre comme Laura est l'écrin parfait pour les personnages.

Jacques Nichet a repris sa mise en scène, un peu moins accrochée à l'aspect cinématographique de la pièce, les comédiens ont un peu aiguisé leur jeu. Agathe Molière (Laura) proche du rire ou des larmes est particulièrement bouleversante de nervosité, d'espoir, d'envie de vivre enfin, lorsqu'elle reste seule à seule avec Jim. On attend chaque apparition de Luce Mouchel (la mère) courageuse, pathétique, et infiniment drôle. Stéphane Facco (Jim) a tout le naturel du bon garçon, gentil, attentionné, bouleversé et gêné lorsqu'il se rend compte qu'il est au centre d'un quiproquo absurde. Et Dan Artus (Tom), qui remplace Michaêl Abiteboul, narrateur détaché, se livre à une danse torromachique superbe (au loin, c'est aussi le moment de la Guerre d'Espagne) comme pour exorciser une vague et déjà lointaine culpabilité.

On rit , on sourit, mais la mélancolie, la tendresse, la poésie sont encore plus palpables. La cruauté aussi.

Photos: Copyright Brigitte Enguérand.

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Les Papotins ou la tache de Mariotte, à La Tempête

2012-03-12T10:46:00.000+01:00

Peut-être les connaissez vous? On en a parlé de temps en temps dans la presse de cette association qui regroupe principalement de jeunes adultes de l'hôpital de jour d'Anthony qui toutes les semaines se rencontrent et invitent de temps en temps des personnalités de la culture, de la politique pour des rencontres dont leur journal Le Papotin donne les compte-rendus.

En voici quelques aperçus dans la presse , Libé, Psychologies, et en vidéos:

Les Rencontres du PAPOTIN by James L. Frachon from James L. Frachon on Vimeo.

et à Thionville, avec interview du maire: http://thionville.tv/videos/display/121

Le comédien Eric Petitjean en a tiré un spectacle qui est en tournée et se joue actuellement au Théâtre de La Tempête. Une gageure, bien sûr, puisque les écueils étaient nombreux. Pas de voyeurisme, pas non plus de facilité. On est au théâtre et ce sont des comédiens qui interprètent les rôles des intervenants avec drôlerie, tendresse, et un calme olympien. Pas de caricature de mouvements ou de gestes, juste un léger glissement des attitudes, un décalage de la marche, de la façon de s'asseoir, de dire bonjour.

La mise en scène joue avec les lumières, les couleurs, l'alternance du rire, de la mélancolie, de la poésie. Il y a dans le choix des textes une volonté de répétition pour mettre en lumière la demande forte du "tu" au lieu du vous, de ces "bonjour" qui créent le lien, de la confiance qui s'établit entre les uns et les autres, l'obsession des chatouilles ou des coffres de voiture.

Il ne s'agit pas de donner à voir des malades mais de donner la parole à ceux qui savent la prendre, l'utiliser, qui sont curieux des autres, attentifs aux autres, bien qu'atteints dit-on de difficultés de communication. Des gens qui veulent exister comme personnes, comme individus et qui utilisent justement la parole avec une poésie émouvante, un culot infini, une envie de savoir immense. Pas besoin donc de s'intéresser aux autistes, à la maladie mentale pour entrer dans ce spectacle, c'est du théâtre avec sa part d'illusion et de rêve, son humour, sa fantaisie.

Photos: Antonia Bozzi

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Elena Ceausescu au Théâtre de la Girandole, à Montreuil

2012-03-10T10:17:00.003+01:00

Le théâtre de la Girandole à Montreuil est un lieu un peu secret bien qu'ouvert à tous, la salle est toute petite, le plateau aussi, on y offre un thé à la menthe aux spectateurs et les soirs de Première, tous ceux qui le désirent vont dîner ensemble dans un restaurant du quartier avec la troupe et les tenanciers du lieu, Félicie Fabre et Luciano Travaglino. On y va en toute confiance assister à des spectacles comme on en voit nulle part ailleurs, fantaisistes, cocasses, mélancoliques, tendres et drôles et on repart toujours content. (Voir par exemple sur ce blog ici ou ici).

Depuis le 8 mars, on y donne Elena Ceausescu, Carnets Secrets d'après le livre de Patrick Rambaud , grand spécialiste du pastiche et de la parodie politiques. Pas de tendresse, cette fois, pas de mélancolie non plus, mais le portrait atroce et violemment drôle d'une femme de dictateur comme il doit encore en exister de par le monde, bien entendu.

Ce monologue délirant est porté par Félicie Fabre,sous la conduite du metteur en scène Charles Lee. Elle est presque toujours de dos au public mais on n'en perd pas une miette car comme la sorcière de Blanche-Neige, elle parle au miroir de sa coiffeuse et c'est son reflet que nous voyons.

Elle se regarde, se maquille, se prépare, embrasse la photo de son Nicolae, s'exaspère, ironise, accumule les formules , mélange de bêtise absolue et d'extravagance.

Elle se régale d'atrocités, se réjouit de succès innommables, décrit avec délice les fastes du régime, la décoration luxueuse de ses appartements où elle espionne ses invités célèbres, étale avec le même bonheur son mauvais goût, ses chimères, les tortures, les mises à mort d'opposants ou de malheureux.

Sa folie ne l'épargne pas, elle est au centre de toutes ses attentions, compose des poèmes, se pose en chimiste brillante, chante sa gloire et ses louanges, depuis qu'elle a troqué ses sabot pour une réussite internationale, incapable de se voir en objet de risée ou de moqueries, elle est le centre de son monde.

Le spectateur, subjugué, est partagé entre l'horreur et le rire, tout est vrai, faux, inventé.

Photos: Bruno Forêt

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Se Trouver de Luigi Pirandello, mes de Stanislas Nordey, à La Colline

2012-03-09T17:10:00.001+01:00

Voilà du Stanislas Nordey 100% pur jus. Certains acteurs et même actrices vont jusqu'à adopter les tics de Nordey, attitudes fébriles, jeux de bras à peine pliés au coude, main refermée , pouce et index joints. Assez curieux, tous ces Nordey sur scène, en même temps.

Autrement dit, pour ceux qui connaissent le comédien et metteur en scène, les uns vont adorer, les autres détester. Et pour ceux qui ne connaissent pas, aller voir le spectacle est un excellent moyen de se faire une opinion.
En une phrase, c'est beau, parfois ennuyeux, et Emmanuelle Béart est épatante, Vincent Dissez aussi. Ce qui ne veut pas dire que le reste de la troupe n'est pas à la hauteur, mais tout simplement, on les oublie un peu. Ils s'effacent.

Les gens savants et ceux qui ont lu le dossier de presse expliquent que l'origine de la pièce vient de la relation entre la comédienne Marta Alba et Pirandello:

La vie de Marta Abba est indissociable de celle du grand dramaturge

et metteur en scène de théâtre sicilien, Luigi Pirandello dans la fin

de vie duquel elle tint une grande place. De sa rencontre avec lui en

1923, jusqu’à la mort du “maître” en 1936, elle recevra 560 lettres

à propos desquelles les historiens discutent encore de savoir s’il y

eut ou non une grande histoire d’amour entre eux. On discute

également de savoir si la grandeur de la star fut induite par le

génie du “Maître” où si, à l’inverse, Pirandello fut illuminé par la Muse

enchanteresse, lorsqu’il écrivit des textes pour elle.

Au début de la pièce, place à l'esthétique: costumes en teintes douces, décors soignés, raffinés, composition précise et parfaite des déplacements des comédiens: face au public à l'antique, alignés comme des pions sur un échiquier, profils dirigés dans la même direction. Tous prêts pour une succession de plans plus photographiques que cinématographiques. On s'engourdit un peu. Du moins, moi.

Ce début permet de situer de façon assez classique et simple les personnages du drame qui va suivre. Quelques amis friqués attendent l'arrivée de Donata Genzy ( Emmanuelle Béart) , une comédienne célèbre, amie de la maîtresse de maison, qui vient chercher un refuge pour se reposer. On la dirait aujourd'hui en plein "burn out". Les invités attendent son arrivée avec impatience passant en revue tous les ragots qu'elle a pu susciter avant de pouvoir la rencontrer à leur tour.

Seule, une jeune fille, fantasque adolescente, Nina, s'inquiète. Elle sent, elle sait qu'il ne faut pas que Donata rencontre, Ely Nielsen (Vincent Dissez), l'artiste peintre, rebelle, exalté, qui ne rêve que de partir en mer.

Et commencent à se poser les questions de fonds qui vont traverser la pièce, qui est la femme, qui est la comédienne, comment la même personne peut être les deux, qu'est-ce qui prime, qu'est-ce que le jeu, qu'est-ce que la création??? On s'engourdit un peu plus.

Mais la rencontre et l'histoire d'amour qui va s'établir entre Donata et Ely est en rupture avec tout ce qui a précédé, décor et costumes simplissimes, jeu plus rapide, plus naturel des comédiens. On se réveille et on restera éveillé jusqu'à la fin.
Bien sûr, Donata ne peut pas se libérer de ses contraintes, de ses engagements, de ses contrats....ni de son métier. Et la fin portée par Emmanuelle Béart transfigurée est magnifique.

Photos Elisabeth Carecchio

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Meine Kältekammer de Joël Pommerat par le Puppentheater Halle

2012-03-07T15:24:00.000+01:00

Quand on a déjà vu Ma Chambre froide de Joël Pommerat, à L'Odéon Berthier, et découvert les marrionnettes du Puppentheater Halle avec les Budenbrooks (lors de la biennale de la Marionnette à Paris, au Théâtre de la Cité internationale) , on ne résiste pas à l'envie d'aller voir Meine Kältekammer au Théâtre Paris-Villette puisque le spectacle conjugue les deux.

Ces deux chambres froides sont issues d'un vrai travail de collaboration entre la compagnie Louis Brouillard de Joël Pommerat et la troupe du Puppenthater Halle. Cette coopération a été conduite pendant trois années avant d'aboutir à la création non pas d'un mais de ces deux spectacles.

Il est un peu difficile au départ d'oublier l'éblouissement de la mise en scène, du travail des lumières, de la disposition scénique du spectacle de Pommerat. Ici, la mise en scène est forcément sommaire, les lumières rudimentaires et hélas les sous-titres bourrés de fautes d'orthographe, voire de français.

Mais peu à peu, le miracle se produit, on redécouvre la pièce, le texte et cette nouvelle interprétation prend toute sa place avec un sentiment d'étrangeté qui va en augmentant jusqu'à devenir même parfois dérangeant.

Le travail du Puppentheater Halle repose sur une troupe de manipulateurs qui sont aussi d'excellents comédiens ce qui permet une collusion, des interférences, des échanges entre marionnette et marionnettiste étonnants. Et cela est d'autant plus fort ici que les marionnettes, toujours "huperréalistes" ont été conçuesen outre cette fois, à l'effigie de chacune et chacun de ceux qui les manipulent, coiffure et costume compris, le personnage apparaissant ainsi tantôt sous forme de marionnette, tantôt comme comédien. Le fait que chacune des marionnettes mesure 90 cm, soit la taille d'un petit enfant , accentue encore le décalage, l'illusion, le bizarre. Il y a quelque chose d'à la fois impressionnant et d'émouvant. La marionnette semble plus vulnérable, plus touchante que le comédien, mais l'interaction des deux est absolument bouleversant.

Le personnage principal, Estelle (Marie Bretschneider), est la seule à évoluer tout le temps sous sa forme humaine, un peu comme Alice prenant le thé chez le chapelier fou.. C'est elle, la plus étrange, la plus mystérieuse, dans ce petit monde d'employés et d'ouvriers sans histoires, elle dont la personnalité tranche, pose question, elle qui a disparu et dont on parle encore avec plus ou moins de rancoeur. Qui est-elle, qui était-elle? Qu'a-t'elle fait? Est-elle un monstre ou une sainte, ange ou démon?

Pas si simple. Pas simple du tout. C'est qu'il y a beaucoup d'histoires dans cette histoire, beaucoup de questions, quelques réponses peut-être. Et du rêve, de l'imagination, de la folie, de la violence sourde et muette, de la manipulation des êtres, de la lutte des classes, du bien et du mal, des millions de francs et des factures, de l'utopie et du ménage.

Photos: Angela Baumgart.

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La mise en scène de Joël de Pommerat est en tournée, voir ici et celle-ci aussi, voir ici

Et pour mémoire, les Buddenbrooks

Dom Juan de Molière, mes René Loyon à L'Atalante

2012-03-06T17:25:00.005+01:00

Le vrai suspense quand on va revoir "un classique", c'est d'en découvrir une nouvelle vision. On attend les répliques les plus fameuses comme les enfants devant le kiosque de Guignol pour voir ce qu'en fera l'acteur, les scènes les plus connues pour apprécier ce que le metteur en scène y a vu.

Et le Dom Juan mis en scène par René Loyon (repris actuellement à L'Atalante) est un vrai bonheur. Il parle de théâtre de chambre, ce qui se conçoit vu l'étroitesse du plateau, son plafond bas, son manque de profondeur. Mais aussi parce que de ces contraintes se dégage une intimité entre comédiens et spectateurs, si proches les uns des autres. Toute la mise en scène repose en grande partie non plus sur des dialogues mais des conversations.

Ce ton est donné d'entrée lorsque Sganarelle et Guzman (l'envoyé de doña Elvire) devisent tranquillement en bons amis, du tabac. Dans cette ambiance, tranquille, décontractée, Sganarelle finit par se lâcher et confie à Guzman tout ce qu'il pense de son maître, "le plus grand scélérat que la terre ait jamais porté, un enragé, un chien, un diable, un scélérat, un Turc, un hérétique qui ne croit ni Ciel, ni Enfer, ni loup-garou". Pas sur le ton de l'imprécation mais bien sur celui de la confidence.

Ce que l'on ressent alors et ce que l'on ressentira tout au long du drame qui se prépare, c'est la souffrance de Sganarelle. Il souffre d'être au service d'un tel homme et n'y peut rien. Il souffre et il a peur car il sait que leurs destins sont liés, qu'ils vont à la catastrophe et qu'il n'y peut rien.

Mais Dom Juan, l'athée, la tête brûlée, l'Epicurien, le jouisseur, souffre aussi et terriblement. La vraie victime, c'est lui. Pas cette mijaurée d'Elvire, ni les bêtasses petites paysannes.

Car, si son comportement est bien entendu odieux, macho, fils indigne _ mais vis-à-vis du pauvre Monsieur Dimanche, il n'est pas pire que tous les godelureaux, Clitandre, Léandre et autres fils impécunieux et dépensiers _ sur le fonds et nous en sommes conscients, c'est lui qui a raison. Lui qui se débat et se rebelle contre l’hypocrisie, les conventions, le poids de la Cour et surtout de l'Eglise. En avance sur son temps. Dans une solitude infinie. Né trop tôt dans un siècle trop vieux.

Alors, c'est cette douleur, cette solitude, cette révolte, qui le poussent perpétuellement à aller plus loin. Il bouillonne de rage rentrée plus que de désirs inassouvis et c'est ce qui le conduira à aller jusqu'au bout, jusqu'à la provocation ultime, une forme de suicide.

René Loyon a trouvé les comédiens à la hauteur de son projet, ils sont fabuleux, en particulier Clément Bresson (dom Juan) et Yedwart Ingey (Sganarelle) mais les autres qui se partagent tous les autres rôles sont aussi épatants ( Claire Barrabes, Jacques Brücher, Adrien Popineau, Claire Puygrenier).

Photos: Laurencine Lot

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