MIDIAN

Leonardo Da Vinci ha inventato il gel: Da Vinci’s Demons – stagione uno (2013)

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Tue, 11 Jun 2013 06:00:00 +0000

USA, 8 episodi, 60 min cad.

Creato da: David S. Goyer

Network: Starz

Solo una rete come Starz poteva avere il coraggio di proporre una simile stramberia, ma come l’indimenticabile Spartacus insegna è proprio da ciò che sembra un’enorme, vergognosa vaccata il network, non si sa come, riesce a garantire una qualità orizzontale che non solo spazza via le varie assurdità che si possono notare già dopo i primi cinque minuti del primo episodio (Da Vinci indossa un giubbotto di pelle! Ha i capelli con il gel!!), ma trae addirittura forza dall’esasperata e roboante componente tamarra che, per esempio, non annulla ma sostiene i dialoghi, non bidimensionalizza ma irrobustisce i personaggi, creando un quadro esagerato e assolutamente e volutamente inverosimile, di un’incredibile vacuità storica che potrebbe fare impallidire chiunque (Da Vinci va a trovare Dracula in Transilvania per una chiacchierata filosofica!!!) ma di, well, my friends, big fun!

Ma se la doppietta iniziale può dare la bislacca idea di una serie ironica e strafottente, con un Da Vinci giovine a metà strada tra la follia del Doctor e la fisicità di un Tony Stark (e interpretato felicemente sopra le righe da un bravo Tom Riley), l’elemento sarcastico viene presto lasciato in secondo piano per mettere in piedi un’avventura al cento percento, un qualcosa che può ricordare i misteri tra il reale e il fantastico di Indiana Jones e i macchinosi rompicapo di un Dan Brown. È quindi una storia squisitamente pop, anche molto semplice e con indovinelli non tropo complessi, che di fatto non porta a niente dato il cliffhanger esplosivo che più che altro riconduce a ciò che si sapeva furbescamente già all’inizio, ma è tutto molto divertente, e se si ha la pazienza di accettare che il protagonista sia proprio quel Da Vinci la storia va giù liscia come una birra ghiacciata.

Perché non importano, davvero non importano le troiate di cui è disseminata ogni puntata (le invenzioni ultratecnologiche di Da Vinci tipo ROBOT VOLANTI, ricostruzione scenografica in una CG uribile, la strana concezione geografica dove le distanze, come succedeva in Spartacus, hanno valore relativo), ogni tassello trova il suo perché e il suo valore in una struttura meravigliosamente esaltata e avvincente, a cura di quel David Goyer che, tra cinema e tv, ho sempre trovato inutile e dannoso: personaggi scolpiti con notevole carisma, relazioni efficaci che ben delineano amici, nemici e traditori, dialoghi freschi quel tocco di magico e sovrannaturale per alimentare il mistero e qualche cazzotto per rinvigorire il ritmo.

Serie molto easy, passatempo ideale, il trash made in Starz è sempre una garanzia.

Lesson of the Evil (2012)

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Fri, 07 Jun 2013 07:28:00 +0000

Giappone, colore, 129 minuti

Regia: Takashi Miike

Sceneggiatura: Takashi Miike

Nonostante una carriera ricchissima e impressionante di regie, Takashi Miike ha curato la sceneggiatura soltanto di due pellicole, un fantasy che strizzava l’occhio al pubblico più giovane (The Great Yokai War) e uno strambissimo western (Sakuyaki Western Django), tra le prime opere che gli aprivano la strada a una produzione sempre più differente e variegata di stili che in poco tempo l’avrebbe portare a sperimentare tra assurdità per bambini (Ninja Kids), drammoni storici (Death of a Samurai) e perfino commedie musicali (For Love’s Sake). Ed è quindi insolito ma assai benvoluto, oltre che finemente simbolico, che il tanto agognato e chiacchierato ritorno a quelle materie più horror e splatter che ne avevano scolpito la figura, porti la sua firma anche in sede di sceneggiatura, ispirandosi all'omonimo romanzo di Yusuke Kishi.

Ed è un Miike al 100% quello che troviamo, di certo non un back to roots come forse speravano alcuni, cosa che di per sé non avrebbe molto senso, ma un autore totale che mette insieme ogni sfaccettatura di passato e presente, che mescola sì la calcolata ultraviolenza e un accento soprannaturale, ma lo fa con una perizia tecnica maestosa e con una narrazione potentissima, d’acciaio, implacabile, che frulla le componenti più giocose e grottesche, quasi pulp, per agganciarle a una seriosità dura e cruenta che macina decine di personaggi caratterizzandoli prima e maciullandoli poi con un divertito sadismo cinematografico che rende semplicemente la pellicola un enorme, interminabile slasher.

Ma ciò che più colpisce non è tanto l’esagerazione sanguinolenta e la cinica cattiveria, siamo comunque in territori a tratti stravaganti, o meglio dire miikiani, che stemperano bene l’orrore, bensì la granitica capacità di mostrare tutto senza mai spiegare niente, cosa che appare anche un po’ incredibile considerando non solo la complessità strutturale del film ma soprattutto l’alto numero di personaggi che vengono continuamente introdotti, aumentando senza sosta le piccole sottotrame che uniscono gli uni con l’altri, dai diversivi usati dagli studenti per copiare durante gli esami agli amori che sbocciano, dall’abilità sportiva con l’arco all’organizzazione della festa in cui si svolgerà tutta la seconda parte, dalle indagini dei prof per svelare passati criminali a questi passati criminali che emergono con uno stile visionario e malignamente bizzarro che ribalta e reinventa stile e ritmo della pellicola senza sosta (il fantasma che vede il prof Hasumi, il fucile parlante, per non parlare dei corvi e dei collegamenti alla mitologia scandinava). Miike dirige chirurgicamente, mette in sequenza frammenti di vicende che solo con il passare del tempo acquisiscono significato, andandosi a incastrare in puzzle organizzati con gusto sopraffino e studiata malignità – la narrazione stessa del film è un susseguirsi di spezzoni che richiedono attenzione e concentrazione, i flashback si alternano al presente e lo stesso presente subisce variazioni ritmiche senza che, giustamente, la spettatore venga mai avvisato, ne nasce una progressione coinvolgente e inarrestabile, aiutata probabilmente anche dai lunghi silenzi e dai disturbanti interventi musicali con la ripetizione, in diversi, stranianti arrangiamenti, dello stesso brano.

Ne esce quindi qualcosa di pazzo ma millimetrico, una follia tipicamente miikiana creata però con basi solidissime: raccontare di un professore killer e mentalmente instabile che sbrocca e ammazza chiunque gli capiti a tiro non è semplice esercizio di stile o strumento per accontentare i fan con litri di sangue, teste spappolate e corpi dilaniati, ma è grande visione di un microuniverso scolastico, di ragazzi ben delineati nelle loro normali quotidianità che affrontano l’orrore con umana dignità, tanto nel coraggio quanto negli errori e nelle stupidità, senza per forza ammorbare drammaticamente ma sfruttando la vicenda per del notevole, intelligente, esaltante intrattenimento.

One Road to Asa Bay: Vikings (2013) - stagione uno

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Thu, 30 May 2013 06:00:00 +0000

2013, Irlanda/Canada, 9 episodi, 45 min cad.
Creato da: Michael Hirst
Network: History Channel

La più grande serie metal della storia della televisione si è da poco conclusa a colpi di blood, sword, fire & steel, ma non c'è stato neanche il momento di piangere gli amati brothers-of-metal romani che su History Channel è partita Vikings, e subito a scapocciare con gli Ensiferum e gli Amon Amarth a fare da simbolico sottofondo sonoro invocando Odino e tutto il pantheon nordico.

Assieme a Banshee è stata la sorpresa della mid season, una serie che tratta la storia con una certa serietà pur senza rinunciare al buon spettacolo, un po' perché Michael Hirst è stato il boss dei Tudors, e quindi sa bene quale materiale trattare autenticamente e quale sfruttare per una serialità romanzata, un po' perché lo scenario nordico, tra foreste, fiumi, fuochi, battaglie e paganesimo incorpora già di suo un fascino di grande impatto visivo. E quindi Vikings piazza in quattro e quattr'otto uno straccio di trama su un vichingo più furbo degli altri, tale Ragnar Lodbrock, che pare tra l'altro essere realmente esistito, che mira a fare razzie in occidente e a farsi così nemico lo jarl del villaggio, interessato invece soltanto ai territori ben conosciuti dell'est, mostrando piuttosto velocemente la pasta di cui è fatta, ovvero azione, atmosfera e soprattutto personaggi, sui quali bene o male si regge l'intero intreccio.

Si tratta infatti di un incontro-scontro tra grandi personalità, caratterizzazioni tutte abbastanza particolari perché mai realmente schierate o precise, bensì ambigue, ombrose, opportuniste, a partire dal protagonista che, tra tutti, con il suo sguardo perennemente sognante e quella mezza smorfia impossibile da decifrare, incuriosisce con un carisma stratosferico pur senza che lo spettatore sia realmente mai in grado di avvicinarglisi e comprendere cosa gli passi per la testa. E lo stesso si può dire dell'amico Rollo, continuamente in bilico tra l'appoggiare Ragnar o il pugnalarlo alle spalle, o del nemico Haraldson, personaggio indubbiamente negativo nel suo egoismo ma comunque persona che si pone degli interrogativi, che nella sua pienezza di sé teme l'avversario e cerca conforto, ma in generale ogni personaggio di Vikings, anche le figure minori che appaiono giusto in qualche episodio, si mostra misterioso ora nell'aggrapparsi alle usanze culturali ora sfoggiando un comportamento imprevedibile. Forse solo la bellissima Lagherta brilla di uno spirito forte, roccioso e indomabile, un personaggio femminile finalmente di grande spessore nel suo mostrarsi energicamente ma senza sminuire la femminilità che ovviamente la contraddistingue.

Hirst scrive tutti gli episodi, e mantenere il controllo completo della serie gli permette di costruire una storia solida, potente e asciutta, abbastanza veloce e ritmata e con un crescendo ben calibrato, senza quindi perdere tempo in sfaccettature o particolari sottotrame (comunque presenti) che appesantiscano la narrazione - ma se nei primi episodi si nota questa forza narrativa nell'andamento deciso e preciso delle trame, con pochi punti mirati da raggiungere (l'esplorazione a occidente, la presa del potere, l'affermazione sui compagni), negli ultimi tre la serie si fa più enigmatica e fumosa, pare quasi sfaldarsi nello stesso modo in cui Ragnar perde il controllo di se stesso, e tra lunghe allucinazioni, introduzione di nuovi personaggi e pieghe molto amare si resta piuttosto spaesati dallo sviluppo inatteso che porta al torbido cliffhanger, di per sé comunque cosa positiva perché mostra una serie che si reinventa e fa crollare speranze nella stessa, aspra maniera in cui i personaggi si schiantano contro il cambiamento.

A Fantastic Fear of Everything (2012)

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Mon, 27 May 2013 06:00:00 +0000

UK, colore, 101 minuti

Regia: Crispian Mills, Chris Hopewell

Sceneggiatura: Crispian Mills

A un certo punto della vita il music business deve diventare una gran noia, mi vien da pensare, se così tanti musicisti tentano altre strade per realizzarsi – evidentemente comporre, registrare, andare in tour e boh cose più o meno personali tipo droghe, troie e quant’altro non è abbastanza per tenere impegnati mani e cervello, e c’è quindi chi, come Crispian Mills, il leader dei Kula Shaker, che se ne esce con questo A Fantastic Fear of Everything, un prodotto molto buono, una black comedy abbastanza scoppiata e delirante non priva di parentesi stranianti e spunti assai particolari, che scrive da sé e dirige in compagnia di Chris Hopewell, esperto regista di videoclip.

Commedia, sì, ma siamo dalle parti di un umorismo sottile e rarefatto che non funge da solo protagonista – a guidare la vicenda è infatti l’assurda fobia di Jack, scrittore di thriller, che ha paura di ogni cosa e reagisce di conseguenza, rintanandosi in camera, vivendo di espedienti quotidiani in una realtà del tutto inventata colma di fasulle visioni ombrose, impossibili presenze diaboliche ed esagerati rumori inquietanti. Se quindi da un lato si ride per la buona riuscita comica e intelligente delle angosce di Jack (che Simon Pegg interpreta con il solito, impareggiabile carisma), capaci di autoalimentarsi l’una con l’altra in un irresistibile gioco a catena (il non voler rispondere al telefono e insultarlo ogni volta che suona, il non essere in grado di accendere il forno e temerne le reazioni, il modo in cui si ritrova a usare la colla), dall’altra si rimane piacevolmente stupiti per una messa in scena sapientemente calcolata e piena d’inventiva, che gioca ed esalta a sua volta i timori di Jack con una regia che muove sinistramente la camera, posizionandosi in inquadrature bizzarre, partorendo immagini alienanti e dispensando dettagli curiosi e strampalati sui quali spesso si regge la potenza comica (il cameriere folle, per esempio), oltre a distrarsi con tecniche diverse (basti pensare alla lunga sequenza in stop motion) che continuano a reinventare la narrazione.

Ma se esiste un elemento per cui bisogna davvero vedere l’esordio di Crispian Mills è sicuramente la parte della lavanderia, perché non solo momento più alto dell’intero film bensì enorme, colossale crescendo d’inventiva ironica, una lunga epopea di incomprensioni, malintesi, giochi di sguardi e comportamenti stralunati che sfociano in una delle immagini più divertenti, dài spariamola grossa, che abbia mai visto, pura comicità nera che non smette un secondo di fornire elementi a un quadro sempre più complesso e completo.

La piega thrilleristica finale serve a dare compimento a una storia altrimenti davvero troppo fuori di testa per poter reggersi in piedi linearmente fino a un qualche tipo di conclusione, e nonostante cali leggermente il tiro adeguandosi non ai cliché ma comunque a una maggior pacatezza (e hai voglia, dopo un’ora di invenzioni non-stop lo posso anche capire), il film resta sempre notevole nello scalciare qua e là e togliersi di dosso qualsiasi tentativo di happy ending. Una vera e propria sorpresa.

The Impossible Moffat: Doctor Who – stagione sette, seconda parte (2013)

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Tue, 21 May 2013 06:00:00 +0000

2013, UK, 9 puntate, 45 min. cad.

Creato da: Steven Moffat

Network: BBC

Nonostante tutte le premesse e le acquoline dovute, rispettivamente, all’avvicinarsi del cinquantennale, a una trama orizzontale che profumava di drammone epico e soprattutto a una nuova companion, l’unica cosa che realmente mi interessava per la reprise di questa settimana stagione era una cazzo di maggior qualità e soprattutto continuità tra gli episodi, perché sì, si fa presto a dire che quelli che portano la firma di Moffat sono bellissimi, e infatti sono molto belli pure qui (The Snowmen e The Bells of Saint John, un po’ meno il comunque discreto season finale The Name of the Doctor), ma la loro assoluta superiorità è oltre, talmente oltre che le altre puntate, se non facessero comunque già di loro schifo, appaiono come stupidaggini per bimbetti, target al quale, complice anche i due odiosissimi bambini introdotti da Neil Gaiman, pare in fondo essersi direzionata, magari non intenzionalmente, buona parte della serie.

Via l’estrema complessità, via la schizoide tortuosità, via le stramberie funamboliche che avevano arricchito così tanto la stagione precedente, ciò che resta adesso, soprattutto a livello emozionale, è davvero poca cosa, e la sbavante impazienza settimanale è stata disgraziatamente sostituita da una misera, pallidissima e demoralizzante speranza che la prossima puntata non faccia cagare come la precedente.

E questo perché non mi va di chiacchierare sulla trama principale, che è interessante e avvincente nello stesso modo comunque in cui è esageratamente spezzata e priva di qualunque pathos per reggere quell’epica drammaticità e quel dolore galattico provato dal Dottore, sono troppi i filler che non dicono nulla, toppe inutili, noiose e prive di un’atmosfera adeguata, eccessivamente spensierate e bonarie – non che questo sia per forza un male, se il team di sceneggiatori avesse mostrato un maggior coraggio e una strampalata follia, come si faceva in passato, tutto sarebbe stato assai benvoluto, l’episodicità in fondo è sempre stata caratteristica di Doctor Who e non avrebbe di certo senso farne a meno, ma così come sono gli one shot distruggono di fatto una continuity necessaria a dare forza e mordente al mistero legato al nome dell’ultimo Time Lord. Episodi inguardabili come Rings of Akhaten, Cold War e Nightmare in Silver pesano smisuratamente sulle spalle di una stagione che già nella prima parte aveva arrancato parecchio (A Town Called Mercy, Dinosaurs on a Spaceship) e che ora non possiede alcuna puntata memorabile, avventure che sembrano poco più di un manierismo un poco ironico, un poco sci-fi, un poco horror (Hide, Journey to the Center of the TARDIS, The Crimson Horror) ma basta, storielle semplici e tutto sommato godibili ma che, a dircela tutta, hanno l’unico pregio di non essere orribili, e a questo si è costretti ad aggrapparsi.

E a poco è servito anche l’ingresso di Jeanne-Luise Coleman, che è brava e spiritata e misteriosa quanto basta negli episodi scritti da Moffat, e sai che novità, ma che tipo resta immobile ed è inutilmente innocua in tutti gli altri – chiaro quindi che il suo personaggio non riesca mai realmente a ingranare, soprattutto quando diventa necessario quel legame con lo spettatore, quella maledetta affinità per stuzzicare lacrime e dolori quando bisogna sostenere la verità svelata nell’ultima puntata, un legame che in passato ha permesso di fare season finale, se vi ricordate, in cui Tennant e Billie Piper PIANGONO per mezz’ora su quaranta minuti ed era una puntata epocale e indimenticabile, un legame quindi che non si può, non si può instaurare se le avventure di cui è co-protagonista fanno cagare e la mettono miseramente in secondo piano. E dispiace, dispiace tantissimo che non ci siano più i Pond, sarà forse un fattore nostalgia, sarà una semplice virgola di fastidio per la nuova arrivata, ma quell’accoppiata era semplice e funzionale, era simpatica e buffa, niente più ma un trampolino perfetto, completo, per la comicità di un Matt Smith che qui rimane sempre e comunque bravo, ma privo di dialoghi, battute e comportamenti adeguatamente fuori di testa non è che possa fare molto.

Okay, dài, c’è il bel cliffhanger che prosciuga saliva e palpitazione rimandando al novembre prossimo per il mega episodio del cinquantennale, ma poi?

They have done the impossibile: Spartacus – War of the Damned (2013)

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Thu, 18 Apr 2013 08:11:00 +0000

USA, 10 episodi, 55 min. cad.

Creato da: Steven S. DeKnight

Network: Starz

Impossibile parlare di Spartacus senza usare parole esagerate e muscolose, ma se la serie tra le più eccessive mai viste in tv deve molto della sua sostanza al sudore, ai bicipiti e ai glutei maschili e femminili, che a Roma, si sa, a quei tempi non si facevano poi molte differenze, mi ritrovo costretto a fregarmene tranquillamente dell’abbondanza sfacciatamente gratuita sbandierata in apparenza come sudario sotto il quale far sparire leggerezze, superficialità, mancanze tecniche e storiche, perché, cazzo, Spartacus è tra le cose più belle mai viste, ed è per certi versi capolavoro televisivo e non tanto per le sculacciate zozzone o per le secchiate di viscere e sangue, ma proprio per l’epicità, per la tragedia, per la drammatica e altisonante regalità dei personaggi, perché per quanto possa sembrare assurdo e fuori luogo per una storia che punta moltissimo sull’impatto visivo di uomini nudi et muscolosi vs uomini in gonnella et sandali, sono proprio i personaggi, sia maschili chee incredibilmente femminili, il suo fulcro, il suo nocciolo, personaggi con un carisma stratosferico che Steven S. DeKnight, marpione che ha imparato a conoscere cosa vuole il pubblico con anni di sceneggiature per Buffy e Angel, modella attraverso dialoghi maestosi e roboanti, duelli verbali che sì, sembrano uscire da un disco dei Manowar, ma incantano e tengono incollato accrescendo il tifo che, tipo dopo la prima puntata, viene naturale fare.

Strana scelta, quella operata da Starz, nel voler chiudere una serie veramente così nuova nel panorama televisivo dopo solo tre stagioni, più una mini a farne da prequel, la penna di DeKnight e il suo team di sceneggiatori aveva cartucce d’inchiostro a sufficienza per far sanguinare ancora copiosamente le vie di Roma per parecchio altro tempo – d’altronde, concentrandosi sui caratteri, viene miracolosamente fin troppo facile mettere un carisma contro un altro e farli scontrare di puntata in puntata con un bordello di tette e teste mozzate a fare da contorno –, tuttavia Spartacus si ferma alla terza tornata, e War of the Damned è sicuramente la stagione migliore, dieci episodi che raccolgono il meglio del meglio e lo frullano per una sinfonia tra il tragico e il solenne che, in più di un’occasione, diventa tipo la cosa più epica di ogni tempo, perché se i villain di turno sono sempre apparsi come figure tormentate, subdole, arriviste o talmente arroganti da non accorgersi della loro debolezza (Glabro, Solonio e ovviamente l’indimenticabile Batiato, forse il solo, vero protagonista della prima stagione e delle mini Gods of the Arena), per il gran finale il lavoro psicologico nella definizione di Crasso e Cesare è meticoloso, ne escono uomini di ferro, potentissimi, boriosi e sfrontati sia quando mossi dal senso dell’onore sia dalla più selvaggia giovinezza.

E con personaggi di questo calibro DeKnight non ha di certo paura nell’indugiare sui precisi dialoghi, già in passato lunghissimi e imponenti, ora pressappoco infiniti, che sempre, pur girando attorno a tematiche tipo honour and glory, fight for blood e rise the sword, rendono le discussioni, le diatribe, gli scontri verbali accesi e complessi, profondi e intriganti – al di là delle classiche, eroiche orazioni per incitare i rispettivi eserciti alla lotta, la stima reciproca provata tra Crasso e Spartaco raggiunge vette di notevole lirismo, così come l’amicizia/odio tra Spartaco e Crisso, o l’ipocrisia di Tiberio e il suo gioco sleale verso Cesare e il padre. E di fronte a tante attenzione dialogica non importano, davvero non importano le tante sbadataggini, i dettagli poco accorti, le imperfezioni sentimentali, le lacune geografiche e quant’altro (se nella seconda stagione Spartaco e compari scalavano il Vesuvio in venti minuti adesso costruiscono dal nulla e in zero secondi un’immensa arena, per non parlare della velocità con cui percorrono in lungo e in largo la penisola, a piedi e con chilometri di coda di schiavi liberati).

Il resto, be’, il resto è Spartacus, l’orgia gratuita, esagerata, spesso davvero sproporzionata di sesso e sangue fa parte dell’opera, e sarebbe ingiusto criticarne anche il più piccolo aspetto, ma se a livello di nudi maschili e femminili ci troviamo sicuramente a un gradino inferiore rispetto al passato, anche la violenza pare essere stata ridimensionata rispetto a certe vette allucinanti toccate nella stagione due (quelle dita che entrano nell’addome modello Ken il guerriero e torcono un pezzo d’intestino per torturare quel povero disgraziato mi perseguiteranno per sempre) per la creazione di un’atmosfera ancora più personale e disturbante – momenti straordinari come la battaglie a scorrimento orizzontale e soprattutto la devastante decimazione dei codardi romani lasciano estasiati e mortificati allo stesso tempo da un impatto visivo che raramente, prima d’ora, tanto in tv quanto al cinema, aveva giocato con tanta inventiva con violenza primigenia e geyser di sangue, atmosfere plumbee e ossa che fuoriescono spezzate, sempre mantenendo costante il tono aulico e solenne dell’opera.

L’esaltazione è strumento necessario per godersi appieno quella che in fondo è soltanto una tamarrata galattica, ma così densa di pathos, pur nella sua volgarità, da diventare tassello importante nell’evoluzione televisiva. Da rivedere, coi lacrimoni, i pugni alzati e gli occhi fuori dalle orbite, incitando Crisso e Gannico a gonfiare i pettorali e a dare mazzate viulentissime sulle crape romane.

For the King! Crociata spaziale, di Poul Anderson (1960)

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Fri, 12 Apr 2013 06:00:00 +0000

Ci sono libri che hanno carattere, e non è tanto una questione di spessore, di robustezza, di capacità stilistica, ma più che altro una capacità di trasmettere buone vibrazioni, di creare una fortissima alchimia tra narratore e lettore che frantuma e va ben oltre i difetti, le mancanze, le ingenuità. Non serve di sicuro presentare PoulAnderson, una carriera sterminata di hard sci-fi con decine e decine di titoli può parlare da sola, e mi è comunque difficile indagare più a fondo conoscendo molto poco l’autore, di cui ho letto giusto qualcosa e che ho piacevolmente reincontrato in questi giorni, con la simpatica lettura di Crociata spaziale, romanzo targato 1960, una storia scritta sinceramente molto male e traboccante di imperfezioni di ogni tipo, ma che possiede quel quid che mi ha fatto sorvolare su tutto ciò che non andava per la magia, e in fondo per la semplicità, di quest’irresistibile vicenda che prende vita nel 1300.

L’Inghilterra è pronta a invadere la Francia, fervono i preparativi per la grande battaglia, ogni villaggio è pronto a mandare uomini valorosi per schiacciare il nemico, quando un’astronave atterra in un paesotto governato dal barone Sir Roger de Tourneville: gli alieni sono brutti, tecnologici, bellicosi e pronti al massacro, ma sorprendentemente gli inglesi, questo scalcagnato baraccone di soldati armati di spade e archi, ha la meglio, uccide gli invasori, si prende l’astronave e parte alla conquista della galassia. Lo spunto è molto simpatico, e soprattutto nella prima parte, quella squisitamente più spassosa, Anderson dipinge bene la scena, le immagini dell’intero paese, uomini, donne e bambini, che salgono a bordo della navicella, ne imparano tragicomicamente i comandi, cercano di convincersi che non è opera dello dimonio, sono molto vive nel loro essere buffe, trainate dall’arroganza militare, dall’estro nobiliare, dal carisma di Sir Roger, a cui nessuno riesce a dire di no.

La storia rimane comunque su binari discreti, nella seconda metà si fa più seriosa, l’opera di conquista di Sir Roger è motivata da questioni giuste e oneste, viene meno il rocambolesco divertimento, sostituito da una certa tensione drammatica nei molti scontri spaziali e nelle vicende sentimentali che si intrecciano alle battaglie, ma tutto ruota bene, almeno a livello di concetto, verso un finale asciutto e legittimo. Dispiace quindi che sia proprio lo stile a rovinare, per certi versi, ogni cosa: Anderson racconta, racconta e racconta senza mai mostrare nulla, a tratti addirittura riassume gli avvenimenti, e quindi si rimane abbastanza perplessi di fronte a una scrittura superficiale, veloce, senza alcun mordente, che inizia facendo il verso a quell’elaborata narrazione medievale ricca di aggettivi e di giri di parole, ma abbandonata dopo poco anche in maniera un poco sleale – nel giro di una cinquantina di pagina si arriva a parlare di energia, di missili, di astronavi, e si perde quella simpatica paura che il buon prete narratore metteva in ogni descrizione di oggetti sconosciuti.

Eppure, come scrivevo all’inizio, vuoi i personaggi teneramente simpatici dopo tre righe, vuoi gli avvenimenti semplici e incastrati con una meccanica perfetta, Crociata spaziale è lettura spesso trascinante, che si divora in poche ore.

Good evening: Hitchcock (2012)

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Tue, 09 Apr 2013 07:46:00 +0000

USA, colore, 98 minuti

Regia: Sasha Gervasi

Sceneggiatura: John J. McLauglin

A giudicare dal suo curriculum, Sascha Gervasi sembra un tizio strano e imprevedibile, uno di cui dev’essere impossibile indovinare il passo successivo tanto nel cinema quanto, boh, in qualsiasi altro campo: roadies degli Anvil fino all’86, fonda i Future Primitives e vi suona la batteria per poi lasciare la band poco prima che diventi famosa everywhere come Bush, scrive la sceneggiatura del bel The Terminal di Spielberg, dirige il commovente documentario sul comeback discografico degli Anvil e ora lo ritroviamo con questo Hitchcock, che, per quanto il titolo possa farlo erroneamente pensare, non è un biopic sul Maestro, ma una sua precisa immagine durante la realizzazione del capolavoro Psyco, momento travagliato e difficile che vede un confronto tra il grande regista e un’alleanza di studios, pubblico, attrici e moglie.

In una pellicola molto sensibile e di gran gusto, Gervasi inquadra un Anthony Hopkins divertito trasformista ottantenne nei panni di un uomo fermamente deciso, conscio della propria grandezza così come della forza che trova nella moglie, continuamente tentato dal fascino femminile, che trasforma in un’ossessione, in una soffocante dipendenza, capacissimo di fare di testa sua senza inflessioni esterne e di andare avanti contro tutti ma orgogliosamente debole e borioso di fronte a certe difficoltà e agli errori sventolatigli di fronte. Ne nasce un film elegante e attento tanto alla figura del grande regista quanto a quella bellissima e colorita della moglie e collega Alma Reville, donna forte e decisa, che ha sempre vissuto nell'ombra del successo del marito nonostante il talento, e con la quale proprio in questo periodo lui vive un ambiguo allontanamento affettivo/produttivo. Ben scritto e soprattutto dialogato dal John McLaughling che ha sì sceneggiato il fiacco Cigno nero ma anche molti episodi dell’immenso Carnivàle, Hitchcock è diretto da un Gervasi che si sofferma con classe sul rapporto tra moglie e marito, dipinto meravigliosamente da riflessioni e lunghe conversazioni/discussioni che mettono in mostra difetti e debolezze dell’essere umano, e che documenta con arguta ironia i lunghi e tormentati passaggi che affliggono la nascita di Psyco.

Sicuramente un po’ veloce nella parte squisitamente tecnica, ai retroscena sulla creazione del Capolavoro, esplorati con il giusto equilibrio tra mostrato e raccontato, Gervasi preferisce, anche giustamente, la controparte umana, e i significativi scambi tra Hitchcock e le sue muse, o la libertà presasi dalla Reville, sono momenti pregiati, preparati con sapore realistico e raffinato, costruendo di fatto l’ossatura principale di una pellicola in fondo umile e coi piedi per terra ma distinta come poche.

Non toccatemi il sangue

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Fri, 05 Apr 2013 05:32:00 +0000

Ne parlo in ritardo, mi appunto mille cose di cui scrivere e poi finisco sempre per rimandarle, lasciarle in sospeso o, peggio ancora, dimenticarmene del tutto, ma tra le tante è da un po’ che volevo preparare due righe su questa piccola pubblicazione. Non toccatemi il sangue è un’antologia di sei racconti, si parla di un noir umoristico e amaro, di quell’ironia macabra e nerissima capace tanto di divertire quanto di tagliare a fondo senza mai sminuire un aspetto per l’altro, il tutto in un'ambientazione napoletana che dà un tocco di colore estremamente personale.

Ammetto colpevolmente di non aver mai letto Diana Lama prima, ha pubblicazioni per Piemme, Sperling & Kupfer e vari premi vinti, e sicuramente rimedierò in futuro perché aver lavorato con lei nell’editing di queste stilettate elegantissime e di gran femminilità è stata un’opportunità di felice arricchimento. La sua semplicità nel narrare di piccoli delitti e di innocenti cattiverie crea storie che, in fondo, guardano alla normale quotidianità con un occhio irriverente, quello del bambino che cova odio verso l'amante spendaccione della madre, quello della donna che non sopporta più la domestica, quello dell'onesto lavoratore messo in soggezione dal datore di lavoro. Racconti brevi, ben costruiti, colloquialmente scritti con quell'accento napoletano che pare quasi di sentire, semplicemente noir graziosi e di classe.

L'ebook è prodotto da Mezzotints, ha una copertina bellissima dei Diramazioni, costa 1.99 euri e lo trovate su tutti gli store digitali.

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Impossible Movie Project: The Boys (2013)

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Mon, 01 Apr 2013 06:00:00 +0000

USA, colore, 139 minuti

Regia: Adam McKay

Sceneggiatura: Seth Rogen, Adam McKay

Il pericolo di trasporre un’opera di Garth Ennis affidandola a due comici è abbastanza palese, il timore che ne esca una semplice commedia hollywoodiana priva non solo dell’umorismo caustico del fumettista irlandese ma anche di tutto ciò che incorpora il suo stile, e si parla ovviamente di scorrettezze umoristiche, ultraviolenza gratuita e un senso elefantiaco del grottesco che difficilmente pare essere adatto al cinema, è piuttosto alto. Fortuna vuole che sia Seth Rogen a prendersi carico di una sceneggiatura meravigliosamente straripante di cattiverie e volgarità – e se non serve dire quanto adori l’attore/sceneggiatore e il suo umorismo così sensibile ai genitali maschili e ai liquidi corporei, è bene sottolineare quanto il suo sproloquiare, quanto il suo dilungarsi trivialmente sul nulla, quanto il suo mettere in fila articolate bassezze e complicate offese di ogni tipo sia pura perfezione per una delle storie più brutalmente taglienti mai scritte da Garth Ennis.

Di tutte le storie supereroistiche, seriose, paradossali o semplicemente ridicolizzanti, The Boys è probabilmente l’unico prodotto che mi abbia in qualche modo svegliato dal sonno generale – che gli uomini in calzamaglia vengano presi per il verso giusto o per il culo, da queste parti si fa gran fatica ad accettare prodotti in fondo incolori o di dubbio gusto umoristico, su tutti quel Kick-Ass che non aveva reale capacità di tenere in piedi l’importante colonna parodistica a causa di un impedimento narrativo che distruggeva ogni buon proposito. Ma i Boys di Ennis non solo fanno il verso caricaturale alle note figure superoistiche, com’è da sempre tradizione dell’autore lo ingigantiscono, lo esasperano ai massimi livelli concessi dal cattivo gusto e dalla violenza – Ennis non ha di certo paura nel rendere l’emblematico stallone di ferro, eroe illustre e ammirato da chiunque, uno spaccone stupratore e misogino senza per forza alterarne il carisma di facciata come sarebbe invece facile fare, non ha alcun timore nel rendere i supereroi bastardi criminali talmente superbi e ossessionati dal loro potere da non aver alcune tipo di limite, e basterebbe soltanto il prologo per rendersi conto della traboccante spietatezza comica che impregna il fumetto.

Prologo che brilla forse anche maggiormente in pellicola e che da solo varrebbe la visione, in questi dieci minuti troviamo un po’ tutto il cinema di Seth Rogen nei suoi botta e risposta senza fine che impattano in una conclusione incredibile nel tragico arrivo di A-Train, che investe e fa letteralmente esplodere la fidanzata di Hughie, il buon protagonista della storia, un perfetto, impacciato, impaurito e sconclusionato Simon Pegg – attore tanto nel film quanto nel fumetto grazie al prestito del suo simpatico faccione ai disegni di Darick Robertson. Ad affiancarlo un granitico Ron Perlman nei panni del mastodontico e inflessibile Butcher, a capo di questi ragazzi, uno squadrone speciale della CIA incaricato di osservare, controllare, intervenire e all’occorrenza uccidere i supereroi ogni qualvolta si fanno, come dire, prendere la mano. È questo lo spunto di partenza per una trama che segue grossolanamente le linee guide del fumetto per poi naturalmente staccarsene e offrire una propria conclusione – ma se le basi paiono semplici, come lineare è in fondo l’intreccio, a colpire e a dare spessore sono la moltitudine di personaggi e la complessa intelaiatura di relazioni, si parla di decine di supereroi cattivissimi e deliranti tutti splendidamente e follemente caratterizzati e tenuti a bada dalla penna di Rogen, aiutato nei dialoghi straripanti dallo stesso McKay.

E non c’è da temere nemmeno sull’impatto visivo, Adam McKay non lesina in quanto a uso emoglobinico e a tour di volgarità sproporzionate, ne impone infatti un eccesso grottesco e fantasioso che trasforma lo splatter in un’arma grafica efficacissima e adatta allo stile corrosivo della storia, dove braccia strappate, pugni che forano casse toraciche, ossa che bucano i muscoli, teste brutalmente mozzate e quant’altro innaffiano abbondantemente lo schermo, così come masturbazioni acrobatiche, fellatio impossibili e disgustosi amplessi canini sono giusto gli antipasti più innocui delle terremotanti scomodità inscenate.

Film eccessivo e umorismo non per tutti i palati, siamo dalle parti di certo pulp smisurato, divertito e grezzissimo, e non bastano di certo i nomi nei credits o la solita carrellata di facce conosciute del palcoscenico comico yankee (da Will Ferrell allo squadrone capitanato da Judd Apatow ci sono tutti, Seth Rogen) per farne un prodotto realmente mainstream per il quale potrebbe essere scambiato.

Sarebbe bello esistesse. E la golosità è tutta dovuta a mr. Giobblin e al suo Impossible Movie Project. Maledetto.

Mazzate televisive: Banshee – stagione uno (2013)

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Wed, 27 Mar 2013 07:11:00 +0000

USA, 10 episodi, 55 min. cad

Creato da: David Shickler e Jonathan Tropper

Network: HBO

Succede che Alan Ball decide finalmente di lasciare quel mortorio agonizzante di True Blood, evviva! L’ha gestito raggiungendo sorprendenti livelli visivi/concettuali per tre anni buoni, poi noia e sbadigli hanno preso il sopravvento sostituendo tutta la bontà di una serie tv apparentemente avanti anni luce con la semplice ripetizione di schemi e provocazioni già ampiamente collaudati – poi devo anche dire che i muscoli di Joe Manganiello (il nome è tutto un dire) mi mettevano un po’ impressione, un po’ come le tette di Anna Paquin, e così io ho mollato questo troiame di fusti e gnocche ancora prima del signor Ball. A ogni modo, lo ritroviamo qualche mese dopo come produttore esecutivo di questo Banshee, che non mostra nulla di curioso in quanto ha un titolo che non c’entra nulla con la trama ed è creato da due totali sconosciuti alla loro prima esperienza in assoluto, ma di mezzo c’è la HBO e quindi diventa istantaneamente must.

E a ragione. Per darne una presentazione molto più terra terra, Banshee sembra portare in tv lo spirito genuino del Joe Lansdale dei tempi d’oro, quello ironico, violento e filosoficamente fracassone, dove i buoni sono brave persone con l’inclinazione del fare a botte per menare i cattivi, solitamente esagerati pezzi di merda razzisti e misogini. Ed è impossibile pensare ad altro in questi 10 episodi che sembrano scritti dal texano in persona: un protagonista irresistibile come Lucas Hood, interpretato da Anthony Starr e dal suo sguardo sghembo, un ladro appena uscito di galera che si ritrova fortuitamente a essere sceriffo di una cittadina governata dietro le quinte da un imprenditore senza scrupoli e da un capo indiano e il suo mega casinò, è personaggio meraviglioso per la schiettezza con cui boxa contro chiunque infranga le leggi del buon senso. Combattimenti lunghissimi e sfiancanti sono infatti l’articolo migliore che offre la serie, risse spettacolari e dolorose, crude ed estremamente sanguinose, che rappresentano l’unico modus operandi conosciuto da Hood: pugili corrotti, centauri criminali,stupidi ladruncoli, gangster europei, chi sta dalla parte sbagliata riceve un sacco di mazzate in un’estremizzazione efficacissima di un classico good vs evil che porta a non aspettare altro, in ogni singolo episodio, che il momento delle sacrosante legnate.

E non è di certo di colpa di una trama orizzontale sbilenca, un poco sbilanciata e in qualche punto priva di una reale meta, dove molti personaggi non trovano giusta espressione (vedi soprattutto il sindaco belloccio, o il ruolo degli indiani fin troppo secondario nella prima metà) e svariate parentesi appaiono sfocate e interrogative (i colpi criminali che Hood, ladro guidato dall’onore, vorrebbe mettere a segno) – i personaggi di Banshee sono talmente ben scolpiti e carismatici, sia nel loro seguire o meno la retta via, da trainare con le loro personalità, le loro battute e i loro cazzotti ogni episodio in una baraonda di ironia sagace e grezzume tamarro, esagerata ultraviolenza ed esplicito erotismo. Mancheranno di sicuro quelle sfaccettature e quell'attenzione fisicamente psicologica del Lansdale migliore, ma tutta gira e rulla con un utilizzo di elementi talmente elementari che tutto il resto diventa accessorio, e non servirebbe nemmeno l’interessante e a tratti personale regia, che non esita a lanciarsi in lunghi, e anche spettacolari, piano sequenza, per ruggire coi pugni al vento sperando che qualche brutto stronzo rubi una caramella al proverbiale bimbetto per far intervenire lo sceriffo Hood e i suoi calci a rotazione.

Wu-Tang Clan meets Hong Kong: The Man with the Iron Fists (2012)

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Fri, 22 Mar 2013 07:00:00 +0000

USA, colore, 110 minuti

Regia: RZA

Sceneggiatura: RZA, Eli Roth

Nonostante il successo raggiunto più o meno in qualunque cosa abbia messo mano, il sogno proibito di RZA, il leader de facto del Wu-Tang Clan oltre ad avere una buona carriera solista, essere produttore rinomato nel nigga-universe, autore delle colonne sonore degli ultimi film di Tarantino e simpatico attore, è quello di dirigere un film, ma non un film qualsiasi, bensì un film di arti marziali nel puro Hong Kong style, quel wuxia mischiato a certo fantasy folkloristico, cosa che insomma, hai in mente di fare se sei cinese e hai, come dire, la cultura cinese nel sangue, ma lui è grande estimatore del genere e quindi scrive, riscrive e revisiona per anni una sceneggiatura assieme a Eli Roth, si costringe ad accantonare l’ambiziosa idea di realizzare una pellicola di oltre quattro ore per poi dividerla in due parti che deve essergli venuta in mente guarda caso mentre musicava Kill Bill, riesce a racimolare un 20 milioni di budget e parte per Shangai dove praticamente fa ogni cosa: dirige, rappa, tarantina un po’ e recita.

Ora, per poter trattare certo materiale, si parla in fondo di un rapper negro con le braccia steampunk e un tizio sadomaso che si chiama X-Blade che nel XIX secolo prendono a mazzate cinesi volanti e uomini d'oro, e uscirne con un prodotto valido, non è che si debba per forza chiamarsi Tarantino, ma sicuramente aiuta – tuttavia RZA, per quanto cerchi di alzare il tiro ogni tanto, non supera mai il livello del puro omaggio reverenziale e riesce così a tirare fuori un film tutto sommato dignitoso e, nonostante l’estrema serietà che lo pervade, parecchio divertente. Il metodo in fondo è semplice: trama rosicchiata e banale di vendette amorose, senso dell’onore, rivalsa spirituale e poco più, ma più che buona gestione dei mezzi con personaggi dotati del giusto carisma, duelli ben coreografati, soprannaturalità weird molto gustose, ultraviolenza giocattolosa e gran crescendo epico.

Il mix quindi funziona nonostante la quasi paradossale atmosfera assai composta e severa, perché se l’ironia che talvolta esce è soltanto a livello di piccoli scambi di battute tra personaggi, RZA si prende decisamente sul serio anche filmando un obeso Russell Crowe che squarta giganti con la sua assurda arma. Va quindi detto che l’unico forse a non rullare al 100% è proprio RZA, troppo cupo e depresso nel battere il ferro per forgiare armi nemiche e poco eroe quando indossa i guantoni metallici e spappola crani – un conto infatti è se fai il produttore negro pieno di soldi e pieno di figa, cioè te stesso, in Californication, ben altro è se fai un reietto che combatte per amore contro i cattivi più malvagi ever. In compenso si destreggia decorosamente dietro la macchina da presa, con un buon taglio nelle scene e un occhio deciso, sicuro e anche un poco personale nella prima metà, e con un maggior virtuosismo, non sempre adeguato ma comunque interessante, nella seconda, con split-screen e a go-go e belle scelte cromatiche.

Esce in Italia a maggio, preparate i pugni di ferro che conservate nel cassetto e allenatevi nel freestyle, yo!

Bruce Willis Day: Il mondo dei replicanti (2009)

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Tue, 19 Mar 2013 07:00:00 +0000

USA, colore, 88 minuti

Regia: Jonathan Mostow

Sceneggiatura: Michael Ferris, John D. Brancato

Può sembrare scelta poco opportuna, in fondo per festeggiare il compleanno di uno dei più carismatici eroi di film action potevo pescare qualcosa di assai più rappresentativo di una filmografia piuttosto consistente, ma se nel dovuto respect al più duro di Hollywood si può anche sconsigliare un passo falso tra gli ultimi (tanti) compiuti, lo faccio soprattutto nell’inchino ossequioso verso un passato folgorante che purtroppo tale sembra rimanere, perché nonostante la capacità di reinventarsi tra commedie, camei citazionismi e divertiti e film di gran spessore (Il sesto senso, Moonrise Kingdom), è probabilmente dal lontano 2000, per quanto ogni tanto spunti fuori l’ennesimo, ahimè superfluo Die Hard, che a mr. Willis manca veramente quell’opera in cui, da fottuto protagonista, possa fare il culo ai cattivi come solo lui sa fare.

Prendiamo questo stanco Surrogates, già inutile a partire dall’italianizzazione del titolo, che sfrutta l’idea originale della graphic novel omonima per uno scenario sofisticato e inusuale, dove l’intera umanità preferisce trascorrere la vita nei panni di cloni/surrogati giovani e belli che la vivono al posto loro, tuttavia gestito solo come la piattezza yankee sa fare, ovvero spogliandolo di ogni profondità non per forza filosofica ma anche solo di un minimo di lavoro psico/sociologico che sia in grado di creare quella tridimensionalità necessaria a rendere credibile e vivo lo spunto di partenza. Michael Ferris e John D. Brancato, da sempre scialacquati sceneggiatori privi di alcuna grazia narrativa (gli ultimi due Terminator, Paura primordiale, diobono persino Catwoman) imbastiscono una qualunquissima storia di sciatti omicidi presto risolti con altrettanta superficialità investigativa, evitando di dare personalità ai personaggi, evitando di scendere nei dettagli, evitando di dare mordente a quella che è in fondo una pellicola estremamente breve (poco più di 80 minuti), e che nemmeno il (poco) mestiere di Mostow sa riequilibrare, limitandosi a un compitino semplice semplice, rapido e poco impegnativo come lo dimostrano anche le varie sequenze di inseguimento, spicce e di nessuna sostanza.

In questa pozzanghera di idee, Bruce Willis si distingue più che altro perché porta due diverse acconciature, un’elegante riga in parte che lo fa stranamente assomigliare a Benedict Cumbebatch biondo e una pelata sporca e sudicia su di un pizzetto sfatto e grigio, unici elementi bene o male interessanti del film – per il resto infatti piagnucola con la moglie che non gliela dà più e fa troppo poco a pugni per essere veramente un duro anche se si ritrova a essere l’unico essere umano che vive e combatte contro l’intera umanità di surrogati (e parlo letteralmente). Del macho di una volta, di quella sua forza schietta e genuina, di quella sua ironia acida e disfattista, rimane oggi poco...

Il mondo dei replicanti non è per forza un film brutto, è semplicemente un’opera talmente media da essere inutile, e dispiace dire che la carriera di Bruce Willis, un tempo John McClane, Joe Hallenbeck, Butch Coolidge, James Cole e Korben Dallas, sia da tempo incanalata nello stesso tunnel della mediocrità dal quale si spera riesca a uscire il prima possibile, per vederlo lottare di nuovo, e da solo, contro interi eserciti criminali armato soltanto della sua canotta sporca.

E gli altri che festeggiano mr. Bruce? Eccoli:

Il Bollalmanacco del Cinema

Il Cinema Spiccio

In Central Perk

La Fabbrica dei Sogni

Le Maratone di un Bradipo Cinefilo

Life Functions Terminated

Journey to the West: Conquering the Demons (2013)

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Fri, 15 Mar 2013 07:00:00 +0000

HK, colore, 110 minuti

Regia: Stephen Chow, Chi-Kin Kwok

Sceneggiatura: Stephen Chow, Chi Keung Fung, Xi Huo, Ivy Kong, Chi-Kin Kwok, Shig-Cheung Lee, Zhengyu Lu, Yun Wang

Non c’era dubbio che il ritorno di Stephen Chow potesse fare tanto baccano, Journey to the West: Conquering the Demons sbanca i botteghini e si porta a casa critiche sfavillanti mostrandosi pellicola ricca di sfumature tanto nel suo essere prequel del dittico insuperabile di A Chinese Odissey, e quindi omaggiando simbolicamente e strutturalmente il capolavoro assoluto di Jeff Lau che vedeva proprio Stephen Chow come protagonista, tanto nel portare un gran bagaglio di freschezza comica e visiva nel trasportare in immagini uno dei più gradi classici della letteratura cinese.

Nel seguire quindi le tragicomiche peripezie dell’aspirante monaco buddista Xuanzang, volenteroso ma fin troppo onesto cacciatore di demoni, si rimbalza felicemente tra mitologia e arti marziali, folklore ed epicità drammatica, ironia caciarona e tanta azione, con quell’approccio slaptstick e surreale che da sempre si riconosce nel cinema di Chow, che qui dirige in coppia con il bravo Chi-Kin Kwok e scrive la stravagante sceneggiatura con altre 14 mani (!). Pesci giganti, cinghiali mostruosi, scimmie vendicative e Buddha giganteschi rappresentano il bestiario contro cui si ritrova a combattere il tenace e sfortunato Xuanzang, in una girandola sempre vispa e colorita di botte, combattimenti, trappole, inseguimenti e simpatica violenza, il tutto costruito con una struttura semi-episodica, dove alla ricerca e alla sconfitta di un demone ne segue un’altra dotata di vicenda propria, per quanto alla fine la trama complessiva trovi adeguato collegamento in virtù del mega-boss finale.

Piace moltissimo la bizzarra storia d’amore che si viene a creare tra Xuanzang e la collega Bai Gu Jing, si esce dai soliti schemi sentimentali con una lei tenacissima e scoppiettante nello scovare idee su idee pur di conquistare il timido e refrattario monaco – ne nascono momenti di ispiratissima commedia (il rapimento nel bosco e tutto quello che ne consegue) anche senza per forza ricorrere alle strampalate esagerazioni narrative o ai collaudati tecnicismi visivi tipici di Chow. La pellicola, infatti, forse proprio per la co-regia con Kwok che crea un ibrido vincente ed equilibrato, scorre ritmata e veloce, sicura e decisa in una sequenza di ottime scene magistralmente pensate e dirette (il divertentissimo scontro con il demone-pesce) e raggiunge il culmine con la superlativa, planetaria e potentissima ending battle, dove la pazzia di Chow, nonostante una CG che appare vecchiotta e finta, fuoriesce nella sua, letterale, grandezza.

L’educazione giusta: Educazione siberiana (2013)

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Tue, 12 Mar 2013 07:00:00 +0000

Italia, colore, 110 minuti

Regia: Gabriele Salvatores

Sceneggiatura: Stefano Rulli, Sandro Petraglia, Gabriele Salvatores

Senza voler per forza scomodare i grandi colossi del cinema dai quali il nuovo film di Salvatores trae chiaramente spirito e forza, durante la visione di Educazione siberiana più volte ho pensato ai lavori di Takashi Miike: sia su un piano concettuale, con la crescita di due bambini in un luogo dove il crimine è paradossalmente giusto e onesto, sia su uno puramente tecnico e visivo, con un’alternanza di piani temporali, una regia serrata e impreziosita da un montaggio veloce e obliquo, anche se solo a tratti si può sentire quella poesia criminale e violenta tipica del grande regista nipponico (vista, che so, in un Dead or Alive 2, che è forse il suo capolavoro). Salvatores gioca con le regole sequenziali con grande abilità, il passato e il presente, l’infanzia e la maturità, l’amore e l’odio si intrecciano e si contrappongono anche con un’insolita saggezza simbolica, come sagge e preziosamente calibrate sono le sentite parole di nonno Kuzya mentre trasmette ai due nipoti il codice che civilizza la vita in Transnistria, quasi una voce narrante che racconta e sottolinea, senza mai intromettersi o anche solo sfiorare certo patetico moralismo, l’intera pellicola.

E la crescita di Kolima e Gagarin, in una prima metà del film essenzialmente bellissima, scava con quel giusto tocco mainstream nelle usanze e nel folklore criminale (l’importanza significativa dei tatuaggi su tutto) in splendide sequenze di irrequieta gioventù: furti, botte, quella piccola delinquenza quando i bambini cercano di fare i grandi e come tali si sentono – Salvatores si muove strutturalmente con passione, sincerità, competenza e fantasia mostrando, senza troppo raccontare, le basi adolescenziali che formeranno poi una seconda parte sicuramente d’effetto e legittima, ma forse più stanca, veloce e didascalica nel voler raggiungere una conclusione che pur essendo facile prevedere tipo nei primi tre minuti non perde comunque mai il suo valore. Anzi, il buon lavoro di sceneggiatura di Rulli e Petraglia (dal libro di Nicolai Lilin come in passato per le ottime cose sulla riduzione di Romanzo criminale), più bravi nel delineare i personaggi che a farli dialogare, crea un non-villain come Gagarin che riamane splendidamente coerente e profondo fino alla fine, un personaggio tormentato e in continua lotta con se stesso capace di staccarsi dalla classica figura di miglior-amico-del-protagonista-che-però-poi che da solo, nelle sue riflessioni, nei suoi atteggiamenti e nella sua filosofica spacconaggine vale la visione del film.

È quindi un peccato che Salvatores non abbia voluto sacrificare certa attitudine pop per qualcosa di maggiormente personale, magari allungando anche il minutaggio in favore di una seconda parte più potente e meno di mestiere, che, come accade nella prima, non si ponesse limite o temesse momenti di (relativa) poca importanza narrativa ma di grande efficacia immersiva (il tour al ritorno di Gagarin, per esempio, oppure i tanti momenti in compagnia di Xenya): l’esile giustificazione dietro alcune scelte del giovane o la superficialità in momenti che invece formano Kolima non tolgono tuttavia la più che buona sensazione complessiva finale, quella di una pellicola di ampio respiro internazionale che non sfigura affatto, pur con le enormi e dovute differenze, di fronte ai grandi capitoli criminali che hanno segnato il cinema.

Stitches (2012) e l'invidia di uccidere tutti quei teen

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Wed, 06 Mar 2013 07:00:00 +0000

Irlanda, colore, 86 minuti

Regia: Conor McMahon

Sceneggiatura: Conor McMahon, David O'Brien

Un film come Dead Meat pareva essere un buon punto di partenza per assestarsi nel cinema di genere, si parla in fondo di un prodotto estremamente economico, una horror comedy con zombie uscita prima che il fenomeno scoppiasse paralizzando un sottogenere potenzialmente brillante, un filmetto insomma divertente, innocuo, quasi tenero, che aveva anche avuto la sua discreta distribuzione, mostrandosi come una sorta di Bad Taste irlandese, senza tuttavia concedere al buon Conor McMahon un minimo di solidità economica/realizzativa per proseguire la sua carriera. A distanza di otto anni, dopo un secondo film e una serie tv sconosciuti e che nessuno sembra aver visto, lo ritroviamo infatti a scrivere e dirigere uno splatterone di serie b fatto con pochi, pochi mezzi ma in compenso con una vagonata di passione.

E dire che lo spunto è sinceramente dei peggiori – mai sopportate infatti le storie di clown, se si esclude giocoforza quell’IT che ha segnato generazioni e generazioni di fanciulli, di conseguenza gran poco interesse nell’avvicinarsi a un film che parla di un pagliaccio morto per sbaglio che torna nel mondo dei vivi per vendicarsi dei suoi involontari killer. Siamo dalle parti, boh, del becero più scrauso e terribile, e invece, miracolo, McMahon sa cosa e come scrivere per tenere in piedi una storiella demente che sulla carta nulla potrebbe mai dimostrare. Poche idee, quindi, ma tanto divertimento che viene trasmesso con naturalezza allo spettatore, nella stesura di un copione che si rivela simpaticamente buffo e ben gestito, con una manciata di personaggi odiosamente teen ma inaspettatamente spogliate dei loro cliché più ovvi e infantili per una caratterizzazione bene o male sempre felice. L’amico sfigato, i due fidanzati teppisti e soprattutto il grassone effeminato funzionano con semplicità, fornendo discreti trampolini per ironia, anche nera, spesso davvero azzeccata. Ma la parte da leone spetta naturalmente al pagliaccio Stitches, interpretato da un vero comico clown, l’inglese Ross Noble, alla sua prima esperienza con il cinema horror.

L’estrema ma burlona violenza delle sue azioni rappresenta infatti il vero fulcro della pellicola, il gore gommoso e ridicolo piace perché esasperato e pieno d’inventiva, e tra intestini strappati per farne delle figure animalesche e crani scoperchiati per estrarne il cervello con un cucchiaio da gelato, si ride con simpatico disgusto di fronte alla vendetta di un personaggio reso benissimo, banale nelle intenzioni ma di grande, grande efficacia grazie alla bravura dell’attore che lo impersona, spumeggiante, seriosamente comico, stravagante, capace di dare ironico spessore anche alle esasperazioni più stupide e inutili, che sarebbero state mal digerite con una diversa impostazione a monte.

Sicuramente un film troppo lungo per quello che offre, degli 86 minuti si potevano togliere qualche dialogo e qualche rallentamento iniziale, ma in compenso rimane l’aroma sporco e sulfureo di una sequenza eccellente e molto riuscita come quella del rito clownesco per resuscitare il pagliaccio defunto, una serie di immagini e deformità magari non originali ma, per un film del genere, di notevole effetto.

No more party songs: Mourning Beloveth – Formless (2013)

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Fri, 01 Mar 2013 07:00:00 +0000

Bisogna prepararsi adeguatamente prima di ascoltare i Mourning Beloveth, perché se il doom è genere per il quale si consiglia una proporzionata predisposizione emozionale/mentale, Formless, il nuovo lavoro del combo irlandese è più che mai un immenso macigno strisciante e sulfureo intriso di malinconica drammaticità: doppio disco, cinque canzoni da quindici minuti ciascuna (più un breve e violento episodio di quattro), è facile capire come la proposta musicale del quintetto sia ancora più ostica che in passato nonostante una certa, miracolosa accessibilità sonora nella costruzione e negli arrangiamenti, in fondo da sempre eccelsa qualità della band.

I riffoni lacerati e laceranti posseggono infatti quella sofisticata varietà da strutturare i lunghissimi brani, le melodie sono ispirate e ben pensate nel generare atmosfere ancestrali, tristi canti che non possono non rimandare a un’Irlanda assai più cupa di come è alcolicamente immaginabile di solito. Il growling potentissimo si incastra con soluzioni molto raffinate a clen vocals dal gran gusto teatrale, il ritmo è ovviamente lento ma devastante come l’avanzata di un carro armato, e quindi, per quanto gli 80 minuti di musica siano pressoché eterni, l’ascolto è sempre interessante, vario e ben lontano dal pericolo di monocorde monotonia, anche quando gli irlandesi si avventurano in territori totalmente acustici ma così espressivi e intensi da non sentire il peso della ripetizione e dell’ossessione sonora.

La lunga parte strumentale che spezza Enthics on the Prencipice o le tragiche accelerazioni di Dead Channel sono forse i momenti migliori di un album maestoso e imponente, che pur continuando a ricordare Anathema e My Dying Brinde per certe, inevitabili soluzioni con cui in fondo deve fare i conti l’intero movimento doom-death, risalta per personalità e solennità.

Un colpo e muori, o no? Headshot (2011)

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Wed, 27 Feb 2013 07:30:00 +0000

Thailandia, colore, 105 minuti

Regia: Pan-Ek Ratanaurang

Sceneggiatura: Pan-Ek Ratanaurang

Il silenzio è un fattore fondamentale per il cinema di Pan-Ek Ratanaurang, lo trasforma e lo modella rendendolo elegante protagonista, significativo elemento centrale che impreziosisce, dopo Nymph, anche questo suo ultimo lavoro, un falso action che, per titolo, poster e per certi versi geografia, potrebbe trarre in inganno, ma Headshot è tutto fuorché un film d’azione, troppo raffinato, misterioso e visivamente complesso anche solo per avvicinarsi sbadatamente a una definizione qualunquista sul cinema thailandese, al quale questa sofisticata pellicola sembra quasi non appartenere, non tanto per uno sguardo occidentale alla materia o a tentazioni mainstream, bensì per una personalità e maturità uniche che il regista dimostra da anni di possedere e gestire.

Uno spunto quasi fantascientifico per dare il via alle danze, con un killer che inizia a vedere il mondo letteralmente sottosopra dopo un coma di tre mesi a causa di una pallottola nel cervello, e un gustoso meccanismo non-lineare per raccontare quella che in fin dei conti è una storia semplice, di reciproca rivalsa e vendetta, un riscatto privato verso certo malcontento istituzionale con criminali onesti che combattono criminali cattivi: Pan-Ek Ratanaurang destruttura la progressione della pellicola, alternando più piani temporali quasi sempre senza soluzione di continuità, giustificando la scelta ora da un gioco d’immagini, ora da un passaggio concettuale, ora da una motivazione da esprimere, il tutto chiaramente senza mai scendere in uno spiegone del perché vi sia questa precisa successione di eventi, cosa che svilirebbe la classe con cui è stato costruito Headshot.

La visività è esaltata da un grande utilizzo della mdp, fresco e ispirato nel muoversi in soggettiva (con tanto di gocce di sangue che sporcano l’obiettivo), nell’inchiodarsi a distanza per freddare long-take duri e drammatici, nell’oscillare sinuosamente in piano sequenza di gran fascino – una gran varietà di riprese per dare forma a quel silenzio di cui parlavo all’inizio, sono pochi i dialoghi che scambia il gelido Tul, ma tutti incisivi e perfetti per raccontare tutto ciò che serve, lasciando chiaramente alla potenza registica il grosso del gioco nel delineare atmosfere tese e piovose, glaciali e irraggiungibili, pacate e fatali, semplicemente bellissime.

Scrivi bene o arriva Satana: Sinister (2012)

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Fri, 22 Feb 2013 07:00:00 +0000

USA, colore, 110 minuti
Regia: Scott Derrickson
Sceneggiatura: Scott Derrickson, C. Robert Cargill

Siamo sinceri, un film come Ultimatum alla Terra aveva azzerato la credibilità di un regista che si era fatto notare, sicuramente con una certa sopravvalutazione dei suoi mezzi a disposizione, per un mediocre Esorcismo di Emily Rose, pellicola comunque importante nel rilanciare il filone demoniaco. Passano gli anni e Scott Derrickson pare più intenzionato ad annunciare progetti di sceneggiatura e regia piuttosto che tornare realmente a dirigere (basta un'occhiatina al suo imdb per vedere quanta roba abbia in cantiere), ma riappare sul finire del 2012 con un horror genuino e interessante che sbriciola via in pochi istanti le pretenziosità del suo blockbuster d'esordio (senza contare lo straight-to-video di un inutile, qualsiasi Hellraiser) e le pecorine servite per il remake del classico sci-fi.

Siamo dalle parti di certo mockumentary, Sinister abbonda di filmati ritrovati, found footage sbilenchi e cattivi, sprazzi di violenza indigesta e inquietante, ombre assassine che lasciano a disagio, e il trucco funziona, perché nei momenti in cui il film abbandona la sua anima di tiepido horroraccio qualsiasi, con basi narrative ampiamente sfruttate come uno scrittore del terrore in preda a incubi sempre maggiori, litigi familiari e inevitabili traslochi, entriamo in un campo realmente sulfureo e maligno, con un villain che rimanda spero involontariamente al black metal norvegese piuttosto riuscito nonostante, chiaro, le solite trovate yankee di un certo stampo giovanile, su tutto il finale, che, oh, pare non siano capaci di fare senza. A dire il vero non sono poche, poi, le sequenze dove l'orrore pare essere creato meccanicamente, con il solo intento di fare spavento, e lo si può intuire dalla malattia del figlioletto e dalla tranquillità con cui i genitori la gestiscono, ma la potenza, appunto, sinistra che scaturisce dall'atmosfera sbagliata e impossibile e l'intervento mitologico/occulto, per una volta ben giostrato, rendono assai credibile la progressiva perdita di lucidità di Ellison e il susseguirsi di orrori.

Ma Sinister è anche altro, perché se lo spunto, come detto, è tra i più tradizionali, e poca importanza sembra essere data alla struttura psicologica di personaggi e reazioni al soprannaturale, la sceneggiatura mostra parentesi estremamente interessanti e di insperata credibilità, su tutto la lunga discussione tra marito e moglie a metà pellicola, con un botta e risposta giustissimo e calibrato come raramente, assai raramente si può sentire in certo cinema di genere. Sono sprazzi che fortificano la pellicola ponendola in una strana linea che collega horror tradizionale e horror moderno, con l'uso di cliché che non irritano ma, anzi, danno valore aggiunto all'opera di Derrickson, un horror onesto e riuscito a cui vien quasi difficile da credere.

C'è posto per tutti: The ABC’s of Death (2012)

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Tue, 19 Feb 2013 15:00:00 +0000

Ho sempre creduto che un autore abbia bisogno di idee – sono queste che esprimono le sue intenzioni, aspirazioni, capacità e cognizioni, e soprattutto durante i faticosi primi passi devono essere sempre e solo le idee a trainare e a mostrare realmente le qualità di chi, come in questo caso, si mette dietro la macchina da presa.

Come accadeva con il pessimo V/H/S, The ABC’s of Death raccoglie gli, ehm, migliori registi indipendenti del circuito horror internazionale, pernacchiando gli italiani, affida una lettera dell’alfabeto a ciascuno di loro e li sfida a creare un corto senza alcun paletto, senza alcuna restrizione, senza alcun limite, salvo il tema centrale della morte che fa da collant nell’antologia. Ma se la totale carta bianca permette di spaziare in lungo e in largo tra i generi rimbalzando tra grottesco, pulp, post-apocalittico, commedia nera & much more, a mancare clamorosamente è la materia prima, un minimo indispensabile di lavoro cerebrale per offrire qualcosa di anche solo accettabile. In 26 corti, salvo una manciata, ma giusto una manciata, di episodi interessanti, la qualità complessiva non riesce mai ad alzarsi oltre il livello di un’indecenza irritante e fastidiosa, e non si parla chiaramente della crudeltà inscenata, delle immagini mediamente forti e dello spropositato uso emoglobinico, è proprio una questione di idee, che a questi registi indipendenti più o meno conosciuti, fanculo la creatività, sembrano non interessare, troppo concentrati e così arroganti nello sperimentare, nell’ironizzare o nel delirare neanche disponessero di curriculum lunghissimi e carriere sfavillanti che li autorizzano a prendersi simili libertà.

Non starò a parlare di quanto, quanto in basso sia la media qualitativa di un prodotto complessivamente improponibile, siamo davvero dalle parti dell’immondizia più becera e lurida, rubo giusto un po’ di spazio per alimentare, ancora, quanto sia lacunoso il lavoro degli autori che quantomeno tentano di fare qualcosa, perché se la claymation splatter di Lee Hardcastle fa sanguinosamente ridere i suoi modellini sono proprio impresentabili, perché se i gatti nazisti di Thomas Cappelen Malling mostrano simpatiche armi da guerra la storia che li vede affrontarsi non ha sinceramente alcun senso, perché se la cacca vendicativa di Anders Morgenthaler è caruccia lo spunto che la motiva è piatto e incolore, perché il POV del vampiro di Ben Wheatley è un mockumentary inverso pur sempre di un vampiro spento si parla, perché il pappagallo rivelatore di Banjong Psanthanakun è divertente ma in fondo è soltanto una barzelletta…

Non si cerca l’originalità, l’innovazione è in fondo pretenziosa e spesso dannosa – basta vedere a che risultati porta con il contributo giapponese di Noburo Iguchi e Yoshishiro Nishimura, episodi francamente inguardabili per l’assurda e letteralmente scoreggiona esagerazione del primo e per l’inconsistente e inconcludente delirio culinario-sessuale del secondo. Si chiede soltanto un po’ di sostanza, una sorta di umile sudore nel costruire, sempre e prima di tutto, qualcosa di significativo – mentre, che so, la superbia comica di Adam Wingard o Jon Schneep porta solo la voglia di prenderli a schiaffoni.

Restano allora due momenti dignitosi e tre, qui bisogno dirlo, eccellenti: simpaticissimo Yudai Yamaguchi, che dei pazzi della Sushi Typhoon è sempre stato il più ragionato e coerente, con il suo harakiri deformizzante, e clamorosamente onesto Kaare Andrews, che aveva regalato quell’aborto di Altitude, con i suoi robottoni killer e gli splatter esp, mentre paragrafo a parte meritano i tre migliori.

M is for Miscarriage di Ti West è un calcio sui denti terrificanti, un minuto ferocissimo e doloroso che lascia un enorme disagio addosso; X is for XXL di Xavier Gens è un delirio ultrasanguinoso e crudele come pochi, una continua sofferenza, mentale e fisica, che si trasforma in una serie di immagini disgustose e di difficile sopportazione; e L is for Libido di Timo Tjahjanto, sicuramente l’episodio più bello, un torture porn che prende le peggio depravazioni umane e le mette in una sequenza tanto disturbante quanto raffinata perché capace di mostrare poco e suggerire tantissimo, uccidendo e mortificando chi guarda secondo dopo secondo.

Ma è poco, poco, davvero troppo poco per un progetto che avrebbe dovuto mettere in mostra tanti talenti ma che in realtà conferma soltanto il tiepido stato del cinema di genere.

Helloween - Straight Out of Hell (2013)

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Fri, 15 Feb 2013 11:00:00 +0000

Ho sempre provato grande affetto per gli Helloween, sarà l’averli visto dal vivo tante volte, sarà la voce inconfondibile e carismatica di Andi Deris, sarà l’innesto dell’incredibile batterista Daniel Loeble, tante cose insomma che equilibrano la stronzaggine di Michael Weikath e dei suoi tiri tirannici – credo però che il leader maximo abbia visto giusto allontanando a suo tempo Roland Grapow e Uli Kush, gli album seguiti allo split, tolto il tiepido Rabbit don’t come easy, hanno mostrato una band costantemente in crescita, capace di sbriciolare la facile etichetta happy con un power metal sempre più robusto e roccioso, genere che attualmente esiste giusto per loro.

Straight Out of Hell dunque conferma la qualità degli ottimi Keeper 3, Gambling with the Devil e 7 Sinners, con brani brevi ed energici sostenuti da un lato dallo screaming di un Deris che strizza al massimo la sua ugola e dall’altro dal tentacolare drumming di un Loeble che dà realmente una marcia in più alla band tedesca. Tredici canzoni mediamente veloci, refrain che ben si innestano tra la vecchia e la nuova scuola senza mai risultare troppo gai, riff sicuri e massicci, melodie come sempre perfette e memorizzabili dopo il primo ascolto. Nabatea, World of War, From the Stars e la title-track sono esempi eccellenti di come dovrebbe suonare il power, da troppi anni divenuto genere limitatissimo e ridicolo quando basterebbero poche, semplici intuizioni per tirare fuori brani decisi e orecchiabili – che nel metal, diciamocela tutta, non è certo cattiva cosa. E se gli Edguy si sono spostati verso l’hard rock, i Blind Guardian sono ingarbugliati in cose complicatissime e ultrasinfoniche e i Gamma Ray fanno sostanzialmente cagare, gli Helloween continuano a rimanere fedeli al genere che in fondo hanno creato rinnovandolo e rinfrescandolo di disco in disco.

Non solo troll: Thale (2012)

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Wed, 13 Feb 2013 07:00:00 +0000

Norvegia, colore, 76 minuti

Regia: Aleksander Nordaas

Sceneggiatura: Aleksander Nordaas

Già, non solo troll e foreste innevate dalla Norvegia, la ricchezza del suo particolare folklore è infatti ispirazione per questo strano horror, pellicola essenziale eppure a suo modo ambiziosa, limitata ma custode di un fascino crudo e morboso che ne lascia in qualche modo impresso il ricordo.

Si parla di una creatura della foresta, la cosiddetta huldra, una splendida fanciulla dotata di coda di dragonballiana memoria, catturata da una sorta di mad doctor e dimenticata in un vecchio laboratorio – spunto quindi semplice semplice ma non banale, ed è sufficiente osservare l’eleganza di Nordaas nello schivare le grazie di Silje Reinamo, che recita nuda per tutto il film senza mai mostrare nulla, per rendersene conto. Ma è chiaro che il film parte da presupposti che si staccano dai soliti connotati cari al genere, in fondo si inizia con un’ironia esageratamente macabra che dipinge i due protagonisti, di mestiere pulitori di scene del crimine, mentre vomitano e si deridono sarcasticamente su un abbondante letto di sangue – impossibile pertanto non aspettarsi il meglio dopo un prologo tanto stravagante.

Ambientato quasi interamente in uno stanzino polveroso, tre attori intenti a scambiare pochi dialoghi e lunghi sguardi tra il perplesso e lo scioccato, Thale mostra potenzialità sicuramente notevoli per un regista/sceneggiatore così giovane, si notano sforzi e un certo talento nell’ingabbiare una trama esile in una struttura complessa e matura, ma forse troppo compiaciuta di sé nei lunghi, lunghi silenzi, che a tratti insinuano il sospetto di essere soltanto facile metodo per allungare il girato e raggiungere un minutaggio quantomeno decente. Ma se nella prima parte di questi 76 minuti si trovano momenti ispirati sia sul piano psicologico (bellissimi e significativi i dialoghi nel loro essere comunque così spartani) che su quello prettamente cinematografico grazie a un buon meccanismo di mistero e di astuta, nebbiosa narrazione (molto interessante scoprire cosa sia realmente la creatura femminile), Nordaas si lascia poi prendere eccessivamente la mano, sbrodolando ingenuamente tra ricatti scientifici, natura vendicativa e pessima, pessima CG per mostrare, con nessuna grazia, proprio ciò che non andava assolutamente mostrato.

Ma va bene così, si apprezza il poco che si ha, restano infatti discrete impressioni e, più che altro, il nome del giovane filmaker norvegese sul taccuino – con un po’ di esperienza sulle spalle potrebbe riservare gradite sorprese in futuro.

Del killer alieno, nazista e baciato da Dio: American Horror Story: Asylum (2012)

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Fri, 08 Feb 2013 07:00:00 +0000

USA, colore, 13 episodi, 45 min cad.

Creato da: Ryan Murphy, Brad Falchuk

Network: FX

La precedente storia americana dell’orrore si era presto arenata su lidi troppo ambiziosi per poter essere gestiti su un mezzo, la televisione, ancora poco pratica con il terrore seriale. L’interesse verso la seconda stagione della stramba creatura di Murphy e Falchuk era quindi bassissimo, ma è sempre bello quando i pregiudizi vengono sbalzati via da un’ondata di invenzioni e creatività che di colpo distrugge tutti gli errori della season one (assurdità improponibili ed esagerazioni deliranti prive di qualsiasi sostanza) per offrire un prodotto innovativo, accattivante, fuori di testa, impareggiabile. Evidentemente, i papà di Nip/Tuck e Glee leggono Midian, perché laddove sbagliavano in precedenza, ingolfando la serie di scivoloni narrativi e poca dimestichezza con una sceneggiatura che doveva essere di ferro per sostenere una simile mole di vaneggiamenti citazionisti, ora riescono a trarre il meglio senza in fondo spostarsi di una virgola concettuale da quanto hanno sempre voluto proporre.

Con un cast parzialmente, e fortunatamente, rinnovato, e con una storia che riparte coraggiosamente da zero con nuovi scenari, nuovi personaggi e nuove storie, Murphy e Falchuk non rinunciano infatti alle morbose dissonanze, ingigantendo caratteristiche e personalità in modo da trasformare dettagli in elementi di primo piano, e allora via a suore alcolizzate che ci provano con il monsignore, abduction aliene, serial killer che decapitano povere signore, nazisti ancora in vita, aberranti esperimenti chirurgici, reincarnazioni impossibili e improbabili, possessioni demoniache, informi creature allevate e cresciute nei boschi, freak di ogni tipo, e ancora molto, molto altro, in un’indigestione di cliché talmente esasperati e urlati che funzionano paradossalmente a meraviglia.

Le svariate storie che strutturano la trama portante di AHS: Asylum sono infatti ben condotte attraverso una sceneggiatura che ne calcola i ritmi, le pause e le ripartenze, sbaglia raramente (certa superficialità negli ultimi episodi) e dà il giusto spazio a ogni esagerazione in modo tale da renderla coinvolgente e accattivante, senza farne mai pesare la palese gonfiatura, e vengono esaltate da una regia stratosferica che segna indubbiamente un nuovo traguardo televisivo: la ricerca di una continua inquietudine, di una distorsione visiva che disturbi e metta a disagio, trova riscontro in inquadrature stranissime, sbilenchi movimenti di camera, campi e controcampi rapidissimi e allucinati, il tutto soffocato da atmosfere plumbee e minacciose che a tratti spariscono per falsi sprazzi di felicità o terremotanti citazioni (su tutto il bellissimo momento musical che richiama Glee).

Certo, rimangono molte leggerezze nascoste dallo spirito dell’opera e, be’, dal titolo, su tutto un’impronta chiaramente yankee in una gestione femminile che faccio fatica a digerire del tutto, e tra suore strafighe e malate di mente bellissime e pulitissime in un merdaio di manicomio non mi ci trovo molto a mio agio, ma d’altro canto bisogna riconoscere l’ottima inquadratura dei tre personaggi chiave, Sister Jude, Kit Walker e Lana Winters, che giocano bene con tutti i topoi possibili rigirandoli e sfondandoli a piacimento. Il resto è tutto da vedere, nella speranza di una terza serie che continui sugli stessi, importanti binari.

Galactica again: Blood & Chrome (2012)

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Tue, 05 Feb 2013 08:46:00 +0000

USA, colore, 10 episodi, 12 min. cad.

Creato: Micahel Taylor, David Eick

Network: Syfy

Se si cerca di staccarsi da strade già percorse per andare incontro, anche coraggiosamente, a futuri incerti, faccio un po’ fatica a comprendere grezzi retrofront come lo può essere questo Blood and Chrome, pilota di una nuova serie tv basata sul franchise di Battlestar Galactica che non ha trovato, fortunatamente, sbocco televisivo.

Non ho visto Caprica, in fondo non ho una grande stima per la serie madre per una serie di enormi, enormi occasioni mancate (narrazione, universo, mitologia, interpretazioni, carisma) in favore di uno sviluppo orizzontale assai nebuloso e in più parti privo di senso alcuno, ma ho apprezzato, almeno concettualmente, l'idea di cambiare registro per uno spin off che prendeva il meglio di BSG per offrire un'opera, di fatto, totalmente nuova e diversa. Devo però anche dire che mi incuriosiva vedere cosa potesse apportare un prequel come Blood and Chrome, pur nel suo stato embrionale e privo del suo creatore Ronald D. Moore, a un universo iniziale che aveva già detto tutto quello che doveva dire. E infatti queste due ore scarse, suddivise in dieci webisodes, riescono a soddisfare giusto sotto un piano visivo agendo su quel bisogno di effettistica televisiva e quella voglia di sense of wonder che la serie madre, comunque, aveva già saziato a sufficienza: quindi ottime battaglie stellari, girate con quell’originale gusto documentaristico fatto di rapide zoomate e calma silenziosa, bellissima scelta cromatica e splendido design dei vascelli, certo, cose però già viste e di fatto inutili in questo spin off.

Difficile infatti parlare di una trama che pare un filler qualsiasi di BSG, per personaggi, svolgimento, colpi di scena e conclusione siamo dalle parti della povertà più assoluta, con un giovane William Adama che fa l’insulso galletto dello spazio senza possedere un briciolo della personalità che gli garantiva, nella versione adulta, il mastodontico Edward James Olson. Nessuna sorpresa nella gestione del pallido parco personaggi, l’intreccio va presto a parare verso tematiche note e poco interessanti, e a nulla serve il puerile tentativo di twist finale, ampiamente prevedibile più o meno nel primo episodio. Per me nient’altro da dire, felice che Sy-fy abbia preferito, e si spera mantenga questa scelta (economica o meno poco importa), chiudere il progetto sul nascere.

E la bara? Django Unchained (2012)

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Fri, 01 Feb 2013 07:00:00 +0000

USA, colore, 165 minuti

Regia: Quentin Tarantino

Sceneggiatura: Quentin Tarantino

Parlare di film così grossi e già abbondantemente chiacchierati in tutto il Web è cosa forse trascurabile in un angolino come il mio, ma non potevo sottrarmi a spendere due parole, non di più, sull’ennesima prova eccezionale di Tarantino, ormai figura unica e impareggiabile nel mescolare certi improbabili paradossi per un cinema weirdissimo e fuori da ogni schema (giusto Miike ha un approccio vastissimo e incontrollabile come il suo), capace di combinare il western con l’hip hop, l’ultraviolenza con la comicità da commedia disimpegnata (con tanto di Jonah Hill a fare da comparsata), il dramma storico con il pulp, dilagando e diluendo la storia con personaggi stratosferici che passano minuti e minuti a parlare con una classe, una potenza e una tensione che, in tutta sincerità, non si vedono da nessun’altra parte. Sequenze totali come il prologo, la spiegazione del mestiere di Schultz, l’arrivo nella magione di Candie e la cena che ne consegue (che di fatte consiste in un buon terzo del film), ma anche a suo modo bizzarrie da applausi come la lunghissima scena degli adepti del Ku Klux Klan che si lamentano dei cappucci, entrano di diritto nella storia del cinema per l’assoluta maestria nel dipingere personaggi esagerati, carismatici ogni oltre misura e rigore storico, ma perfettamente calati in un contesto straordinariamente adeguato e credibile, al quale nulla si può criticare, neanche assistendo a corpi che balzano via con un colpo di pistola manco gli fosse scoppiata una bomba nelle vicinanze.

E quindi Tarantino, attraverso un meccanismo estremamente sofisticato e maneggiato meravigliosamente, tra zoomate sessantiane, stravaganti flashback, lentezze splendidamente mastodontiche e soprattutto favolosi, favolosi dialoghi, riesce a far accumulare, accumulare e accumulare un’ansia che esplode così come esplodono i corpi in un’improvvisa impennata vorticosamente splatter, impossibile ma perfetta perché non poteva esserci altro frammento dopo quanto mostrato in precedenza, dopo il mash-up di generi, di costumi e di registri, dopo l’elegante, personalissima sequenza di stramberie e sciccherie che solo una penna come quella di Tarantino, qui esaltato dalle prove stellari di Jamie Foxx, Leonardo DiCaprio, Christoph Waltz e Samuel L. Jackson, potrebbe dotare di profondo senso acuto. È cinema caratteristico, strafottente e sopra le righe, un cinema sicuramente che può piacere e non piacere nel suo omaggiare e citare forse anche più per divertimento che per reale interesse cinematografico, da queste parti però si adora come poche altre cose perché capace di strabiliare, di reinventarsi, di essere fresco e nuovo in ogni occasione.