MIDIAN

Recensione: The Killing - stagione uno

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Tue, 31 Jan 2012 09:00:00 +0000

2011, USA, 13 puntate, 45 minuti cad.

Creato da: Veena Sud

Network: AMC

Non è cosa nuova che gli americani fatichino a confrontarsi con il mercato cinematografico estero, risolvendo facilmente la questione di una diversa cultura da comprendere ordinando remake su remake che sviliscono, appiattiscono e in generale distruggono la bontà di prodotti provenienti da Europa e Asia per liofilizzarli verso un pubblico apparentemente incapace di apprezzare qualcosa che non sia hamburger e patatine.

Da qualche anno anche la tv è rimasta vittima di simili operazioni, partorendo orribili serie a stelle e strisce che impoveriscono le raffinate matrici originali (Life on Mars, Being Human), e offrendo soltanto raramente, ma guarda caso in aerea non di genere, qualche prodotto valido (il brillante The Office, che addirittura supera la sua controparte britsh). Era palese che da questo The Killing fosse difficile aspettarsi qualcosa di buono, per certi versi troppo distante la fredda Danimarca, patria dell’originale e campione di pubblico Forbrydelsen, per poter ottenere valide atmosfere e ritmi adeguati, ma invece Veena Sud centra un obiettivo insperato e benvoluto.

La pioggia cade incessante, nella Seattle dove prende vita questa prima stagione, un luogo buio, che fa sentire a disagio nei suoi colori marci e opprimenti, un luogo ideale per rinvenire il cadavere di un’adolescente. L’omicidio di Rosie Larsen, sin dalla frase di lancio della serie, richiama apertamente e volutamente Twin Peaks, e gli omaggi, di certo non plagi data la spiccata somiglianza di alcuni momenti clou, non si fermano qui, ma nonostante l’insistita citazione possa di per sé influenzare negativamente una visione spassionata, o magari limitata al bel pilota, The Killing vive di una vita propria ben distinta e lontanissima dalle atmosfere oniriche e soprannaturali dell’opera di David Lynch.

The Killing è una di quelle storie in cui sembra succedere poco o niente, dove il ritmo è lento, pacato, meticoloso nella costruzione atmosferica/psicologica e del tutto indifferente a momenti action, sparatorie e impossibili colpi di scena (che sono comunque presenti), e ne è d’esempio l’episodio totalmente dedicato al figlio della detective Linden, scollegato dal plot ma fondamentale per la spirale di nervosismo, preoccupazione e ansia di cui è vittima la donna, un personaggio forte, risoluto e burbero, poco incline al sorriso o anche solo a una minima dimostrazione emotiva.

La sua spalla è un poliziotto giovane e arrogante, incapace di tenere la lingua a posto, probabilmente anche un poco losco dati certi spunti suggeriti allo spettatore, ma con Linden forma una coppia strepitosa perché i due, nel loro non andare d’accordo, non inseguono soluzioni ironiche o spiritose per far presa sul pubblico, appaiono bensì reali nelle problematiche di convivenza durante l’indagine, avvicinandosi realisticamente e meravigliosamente un poco alla volta, quando entrambi iniziano a conoscersi e a capire che c’è molto altro sotto le loro croste caratteriali così difficili e inquiete.

L’omicidio di Rosie Larsen si rivela essere un caso piuttosto articolato, molte sono le pedine in gioco e il largo spazio dedicato alla scalata politica di Darren Richmond, una vera e propria trama parallela, intensifica le puntate donando un buon realismo nei dialoghi e soprattutto nelle interazioni tra i personaggi, sfaccettati, ben costruiti, che necessitano di tempo per assimilare l’accaduto e a reagire. È inoltre parecchio interessante la struttura di questa prima stagione, figlia di un’ottima pianificazione (anche se, non avendo visto l’originale, non so quanto sia farina del sacco di Veena Sud) che piazza almeno un paio di svolte, una in particolare, davvero riuscite nel loro rimescolare le carte in gioco e nel dare continuo respiro a una vicenda che acquisisce complessità man mano che progredisce.

Non resta quindi che attendere la seconda stagione, con probabile partenza in primavera, nella speranza che il tormentato quesito “Chi ha ucciso Rosie Larsen?” trovi risposta prima che una temuta annacquatura si dilunghi in stagioni non volute che finirebbero per rovinare tutto.

Fangboy, di Jeff Strand

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Thu, 19 Jan 2012 07:00:00 +0000

Delirium Books, 2011
226 pagine, 16,95 € (kindle 7,17 €)

Novella tipicamente burtoniana, con un’atmosfera da impossibile fiaba del terrore, Fangboy racconta del povero Nathan, nato con dei minacciosi denti da squalo, e delle sue tragicomiche avventure pur di essere accettato dalla società. Ci troviamo in chiari contesti fiabeschi, Jeff Strand non pretende che il lettore identifichi realmente la storia, e difatti esagera di personaggio in personaggio, descrivendo personalità strampalate, comportamenti deliranti e situazioni mediamente assurde.

Ciò che più piace di questo romanzo breve è infatti l’intento comico, che fuoriesce con naturalezza e privo di forzature dalla limitata visione del mondo dello sfortunato Nathan: tra le considerazioni dei suoi genitori, il travaglio patito a scuola, la bizzarra carneficina al circo e soprattutto l’odissea patita sotto il ghiaccio, Fangboy è una lettura parecchio divertente, addirittura brillante in alcuni casi per mezzo dello stile semplice e valido di Strand, che descrive in maniera pulita contesti e personaggi, anche nei momenti più esaltati, senza ricorrere a tortuosi giri di parole o a complesse metafore come, per esempio, amano fare Pratchett o Adams.

L’intreccio è molto movimento, succedono parecchie cose con un ritmo vertiginoso perennemente supportato da un’instancabile carica ironica, che sottolinea con eleganza e rapida precisione, sfruttando l’ingenuità tipica dei bambini, ogni singolo passaggio: Nathan non ha un attimo di respiro e rischia di morire grossomodo a ogni pagina, e anche nelle parti più banali (su tutte il circo di freak, capitolo ovviamente inevitabile data la natura mostruosa del bambino) Strand sa sempre rivoltare la vicenda creando situazioni insolite e spassose (i ladri uccisi per noia, l’incendio), dipinte con dialoghi opportuni, sagaci, che si fermano nel momento giusto prima di dilagare in territori stanchi o ripetitivi.

I personaggi sono funzionali alla storia, si va dalle macchiette esasperate (Beverly e la sua mascolinità, il malvagio direttore dell’orfanotrofio) a profili particolarmente ispirati (Jameson e la sua paura di morire, il dottore che ha in cura Nathan, l’esploratore), che nel complesso alternano efficacemente le disavventure di Fangoby, in un buon equilibrio tra macabro e ironico. Peccato solo per una parte finale dove la comicità prende il sopravvento portandosi via tante buone idee soprannaturali in pagine fin troppo veloci e al servizio di una sbrigativa satira dei cliché orrorifici: lo spunto dell’apocalisse di pseudo-zombi è infatti vincente e insolito, così come lo strambo happy ending, ma viene risolto con troppa facilità (soprattutto nel caso del boss finale), senza quella vivacità irresistibile del resto del romanzo.

Recensione: Attack the Block

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Mon, 16 Jan 2012 07:00:00 +0000

2011, UK/Francia, colore, 88 minuti
Regia: Joe Cornish
Sceneggiatura: Joe Cornish

Doveva esserci un motivo se, nella triade inglese incaricata da Spielberg di sceneggiare il suo Tin-Tin animato, accanto a Edgar Wright e a Steven Moffat trovava posto una new entry, un nome non ancora conosciuto tanto al cinema, dove Wright è sinonimo di invenzioni, quanto in tv, dove Moffat significa Doctor Who, questo giovane autore che pare però saperla lunga sia nei panni di sceneggiatore che di regista.

Attack the Block è dunque l’esordio di Joe Cornish, ed è un esordio favoloso e insperato soprattutto considerando il target semi-adolescenziale a cui è bene o male destinata la pellicola. Un’invasione di alieni-gorilla dalle fauci fosforescenti contrastata da una banda di giovani criminali di periferia, questo è quanto la sinossi ha da offrire e, in soldoni, questo è quanto il film è, ma c’è talmente tanta freschezza nella realizzazione di Attack the Block da renderlo una visione estremamente coinvolgente per i suoi rapidissimi 80 minuti di durata.

Questo perché Cornish caratterizza un pugno di teppistelli con grande energia ironica, rendendoli brillanti, sinceri, irresistibili e ben inquadrabili sin dai primi istanti. E con un parco-personaggi sostanzialmente perfetto, che oltre ai ragazzi vede anche ciccio-Nick Frost nei panni di un simpatico bombolone sniffa-erba, la vicenda che ruota loro attorno pare scriversi da sé con dialoghi veloci e ficcanti, battute a raffica perfettamente integrate nella situazione vagamente drammatica e disperata, e una sequenza di morti che mostrano quanto Attack the Block, prima di tutto, prima della comicità, prima dell’atmosfera stralunata, sia un film di fantascienza serio.

Cornish dirige con ritmo incredibilmente vivace, il film è infatti un continuo, incessante inseguimento, una fucilata senza respiro dove i ragazzetti fuggono dagli originali marziani pelosi cercando qua e là di reagire, il tutto sottolineato da un’adeguata, martellante e fortissima OST di stampo elettronico. Spunto esile, quindi, ma, come dicevo all’inizio, Cornish lo gestisce con enormi abilità, spremendo la pellicola e offrendone al pubblico il succo migliore.

Recensione: Detective Dee e il mistero della fiamma fantasma

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Fri, 13 Jan 2012 07:00:00 +0000

2011, Hong Kong, colore, 122 minuti
Regia: Tsui Hark
Sceneggiatura: Kuo-fu Chen, Jialu Zhang

Kolossal scenografico che pianta le sue radici nella storia cinese più folkloristica che reale, Detective Dee e il mistero della fiamma fantasma lascia piacevolmente stupiti da una notevole visività, fattore su cui chiaramente punta tutto il ritrovato Tsui Hark: impressionanti riprese di una capitale caotica e ricca di dettagli, inquadrature vertiginose nell’immensa statua del Buddha, sbalorditivi schieramenti militari con finezze ovunque si posi lo sguardo, con un rigore millimetro nel vestiario, nelle armature e nelle sempre diverse e fantasiose acconciature dell’imperatrice.

Naturalmente, per quanto Detective Dee sia un insolito miscuglio di generi come solo il cinema di Hong Kong potrebbe produrre (fiabesco, horror, giallo, storico, avventuroso), è sostanzialmente il wuxia la sua matrice di riferimento, ed è difatti sui combattimenti che viene posta meticolosa attenzione registica. Dagli scontri con spesse catene che volano come fruste a magie visive dove gli abiti diventano pastelli sfumati sullo sfondo, dalla classica superforza con cui l’oggettistica perde ogni consistenza reale e diventa semplice arma da lanciare (in particolar modo i tronchi nella sequenza della città sotterranea) alle acrobazie impossibili e disumane, il piacere visivo è continuamente rinnovato da trovate funamboliche che arricchiscono i già splendidi duelli.

È però dal punto di vista narrativo che la pellicola incontra infelici lacune: Detective Dee soffre infatti di vistosi cali dialogici e strutturali, difetti che potevano essere perdonati nella concezione di un semplice film di cappa e spada, ma essendo l’ultima opera di Hark un impasto multigenere era necessario dare maggiore importanza alla sceneggiatura, scritta da quel Kuo-fu Chen che già aveva pasticciato in passato con lo script dell’interessante Double Vision. L’intreccio, pur risolvendosi con deludente facilità, si costruisce rapidamente con strati di curioso mistero (la morte per combustione spontanea di due architetti impegnati nella costruzione della statua del Buddha) e fascino soprannaturale prettamente orientale (il cervo parlante, la città sotterranea popolata da mostri e reietti, gli spilli che mutano le fattezze corporali), agevolato da un ritmo sostenuto che assesta tassello dopo tassello anche con alcuni meccanismi narrativi insoliti e di pregevole bellezza (la prima imboscata a Dee, il ragionamento sull’acqua avvelenata).

Il buon soggetto rimane quindi vittima di una sceneggiatura scadente che penalizza il prodotto finale più che altro nella sua seconda metà, apparendo sbrigativa laddove serviva maggior mordente (il viaggio nella città sotterranea, dove troppe cose vengono date per scontate) e confusa proprio laddove serviva necessaria chiarezza (il passato di Dee, il vero ruolo dell’imperatrice).

Il tutto svanisce infine in una conclusione dove il duello epico, naturalmente di enorme suggestione acrobatica, distrugge ogni altro elemento, assottigliando la pellicola con un veloce spiegone di poco interesse che mette insieme troppe cose con svogliata cura lessicale e ancora meno rilevanza narrativa (l’esercito di centomila soldati). Dispiace quindi che un prodotto di squisite potenzialità (trama affascinante, sontuoso contesto storico) venga minato da un’inaccettabile fiacca narrativa, unica ma enorme remora di questi 122 minuti peraltro sempre avvincenti.

Recensione: Sons of Anarchy - stagione quattro

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Tue, 10 Jan 2012 07:00:00 +0000

2011, USA, 14 puntate, 42 minuti cad.
Creato da: Kurt Sutter
Network: FX

Con la terza stagione la creatura di Kurt Sutter non aveva dato il meglio di sé, sicuramente troppo esagerata nelle proporzioni della lotta armata e un poco squinternata nelle inutili trame parallele, ma ci eravamo lasciati con uno di quei finali che ti fanno stringere le dita e alzare il pugno al cielo, un guizzo di rivincita e giustizia che chiudeva un lungo capitolo sbarazzandosi finalmente di un villain in gonnella che va di diritto tra i più stronzi e imbattibili antagonisti di sempre. Il ritorno motorizzato di Clay e Jax è però di quelli da ricordare: non solo una grande stagione, ma probabilmente la miglior tornata di episodi di sempre di Sons of Anarchy, la più compatta, la più forte e credibile.

Sebbene il prologo si accomodi un poco, troncando quelle aspettative di originalità, di diversità strutturale che l’epilogo della terza stagione faceva presagire, non c’è motivo di rimanere allarmati, perché la trama questa volta si sposta direttamente all’interno del club di centauri, mettendo in scena un tutti contro tutti che si sbarazza presto di certe lagne sentimentali, che qua e là enfatizzavano eccessivamente la drammaticità della situazione (pensiamo anche solo ai problemi coniugali di Chibs, dei quali qui per fortuna non si fa mai più menzione), e che sferra calci e pugni dritti in faccia.

Il club si mette in affari con un cartello per fare da corriere, e già il fattore droga spezza in due il gruppo, ma a distruggerlo progressivamente ci saranno certe vecchie lettere che inchioderebbero Clay, il quale, per difendersi, inizia a gettare fango su chiunque diventando una belva incontrollabile, un mostro che nessuno sembra essere in grado di fermare. La vicenda generale in sé è piuttosto lineare, ma è stratificata su trame e sottotrame che la dilatano per gradi, portando una benvoluta complessità strutturale e psicologica negli intrecci tra i vari personaggi. Essendo infatti il plot incentrato sul club e non sul club vs qualcun altro, ognuno dei suoi appartenenti è protagonista di una propria traccia che si incastra, generalmente in maniera molto drammatica, con gli episodi altrui, dando vita a una spirale di paranoia, violenza e pazzia che rischia di sgretolare non solo le fondamenta del club, ma i rapporti stessi tra i vari motociclisti.

Ne esce quindi un quadro molto nero, simile per certi versi a quanto accadeva nella stagione due, dove non c’era alcun modo, per i SAMCRO, di contrastare la malvagità di Zobelle. Solo che qui il nemico è frammentato e distribuito in ognuno dei componenti del club, con una porzione naturalmente più grande che spetta a Clay, un Ron Perlman mai così cattivo, spigoloso e folle. Per poter funzionare credibilmente, tale intreccio necessitava di personaggi solidi e ben inquadrati, e dato che il suo meglio Sons of Anarchy l’ha sempre dato proprio nella caratura carismatica di ogni singola figura, anche stavolta ci troviamo con protagonisti perfetti e calati in ruoli che sembrano scriversi da soli, con recitazioni molto sentite da parte di un cast sempre più a suo agio e sempre più credibile nel vestirsi di pelle e borchie e atteggiarsi da duri romanticoni. Il tormento interiore di Jax, le difficoltà di Juice, i ricordi che affliggono Opie, tutto gira squisitamente bene, con un bilanciamento ottimale di sentimenti e impulsività.

È una sorta di cambio di rotta, questa stagione, che conservando i preziosi punti forti della serie imbastisce una nuova strada da percorrere ed evita così il rischio di un possibile riciclo di idee e situazioni (come accaduto per esempio con il sempre più pessimo Dexter). Si cambiano le carte in tavola e si spiana la via per una quinta stagione che promette faville: difficile infatti aspettarsi di meno dopo un finale da brividi, intenso ed emozionante e capace, nei suoi pochi minuti di durata, di riassumere lo spirito caldo e vissuto di tutto Sons of Anarchy.

Recensione di Sons of Anarchy - stagione uno
Recensione di Sons of Anarchy - stagione due
Recensione di Sons of Anarchy - stagione tre

Recensione: Casa di foglie, di Mark Z.Danielewski

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Wed, 04 Jan 2012 07:00:00 +0000

Lo definiscono libro-labirinto, e non credo possa esserci definizione più azzeccata per il chiacchierato esordio di Mark Z. Danielewski, un mammuth di oltre ottocento pagine indiscutibilmente amato e odiato allo stesso tempo da chiunque si sia avventurato per i corridoi sbilenchi della casa protagonista. È naturale rimanere perplessi a fine lettura, sfido chiunque a uscirne pienamente soddisfatto, ma sia che si appoggino i detrattori che i sostenitori, Casa di foglie rimane un romanzo di indubbio fascino del terrore, più per l’atmosfera evocata che per le trovate visive che probabilmente lo hanno portato al successo.

Casa di foglie contiene sostanzialmente due storie: la prima è quella del saggio di una sorta di vecchio critico cinematografico, tale Zampanò, che offre una profonda analisi dell’immaginario film The Navidson Record, mentre la seconda è quella di Johnny Truant, che impazzisce rapidamente dopo aver letto e assemblato proprio gli scritti di Zampanò, ritrovati dopo il misterioso decesso dell’anziano e diventati una mortale ossessione. Si intuisce quindi un intreccio, tra le due vicende, ma è bene chiarire sin da subito che il legame è troppo sottile per dare piena giustificazione ai deliri di Truant, rendendo di fatto estremamente soporifere e irritanti le sue pachidermiche digressioni sul sesso e sulle donne conquistate. Truant parla, parla, parla, ma in fin dei conti parla del vuoto, del nulla, produce migliaia di parole su fatti insignificanti, che non solo hanno rilevanza trascurabile con il saggio su The Navidson Record, ma sono soprattutto di indigesta lettura per totale inutilità e ripetitività degli argomenti trattati.

Ma delle vicende di Truant non mi interessa nulla, come nulla devono in fondo interessare a chi rimanga incuriosito da questo particolare caso letterario.

Il vero cuore del romanzo è infatti l’analisi di Zampanò, un’attentissima critica a un mockumentary che, dati i dieci anni impiegati da Danielewski per scrivere il libro, si rivela precursore del mio amatissimo The Blair Witch Project e della recente moda documentaristica che sta disgraziatamente distruggendo l’ingegnosa bontà di una simile invenzione registica. The Navidson Record racconta della famiglia Navidson, famoso fotografo lui ed ex modella lei, che tentano di ricostruire un rapporto sulla via dello sgretolamento acquistando una casa che, come nella più classica storia del terrore, poggerà invece una pietra tombale sulle loro psicologie. Nell’abitazione sembrano infatti esistere legge fisiche estranee alla nostra realtà, dapprima la casa appare più grande all’interno che all’esterno, poi spunta una porta in soggiorno e, quando Navidson la apre, si immerge in un corridoio di tenebre che si ingrandisce e ramifica man mano che lo si esplora.

E da quel momento The Navidson Record fa una paura fottuta.

Un bravo scrittore di genere può essere capace di incutere timore, con i suoi scritti, può creare un’inquietudine palpabile, può immergere in un’aria sinistra e diffidente, ma credo sia raro che un autore possa realmente terrorizzare il lettore, il mezzo è ben diverso da quello cinematografico e serve un’abilità fuori dal comune per costruire un’atmosfera credibile, realistica, così potente e vivida da poterla vedere e lasciarsi vincere e spaventare come di fronte alla più paurosa delle pellicole horror. E Danielwski, utilizzando tra l’altro un metodo – l’analisi critica, appunto – che apparentemente sembra disastroso per generare quel clima necessario alla riuscita della storia, riesce nella più difficile delle imprese, concependo uno sviluppo talmente perturbante che, a leggere l’esplorazione del labirinto misterioso di notte, più di una volta mi sono ritrovato a chiudere il libro, con gli occhi fuori dalle orbite, annichilito dalle immagini evocate da descrizioni – e sensazioni – fin troppo efficaci.

Anzi, l’espediente della critica cinematografica permette a Danielweski di spaziare citando autori immaginari e non (nella parte finale ci sono brevi interviste a Stephen King e Stanley Kubrik), che rafforzano la storia, rendendola vera e ancora più paurosa nella sua descrizione dell’ignoto più puro e inconcepibile, con teorie su teorie innescate dalla visione della pellicola, il tutto in uno stile esemplare, ricchissimo e colto, che garantisce una lettura di certo non facile ma estremamente appagante, anche, e forse soprattutto, nei momenti in cui l’orrore travalica le pagine, modificandone la struttura e la disposizione del testo. A seconda che le pareti si allarghino o restringono, a seconda che Navidson e compari si trovino in piedi o a testa in giù nell’assurdo labirinto di buio all’interno della casa, le parole si ordinano nella forma più congeniale a dare piena espressione della vicenda, costringendo quindi il lettore a capovolgere il libro o a leggerlo allo specchio mentre il protagonista viene progressivamente distrutto dall’orrore sprigionato dall’abitazione.

Di ottocento e passa pagina, togliendone almeno un terzo dedicato alla fuffa delirante di Truant e un altro terzo composto da pagine che contengono anche solo una semplice frase, Casa di foglie si compone probabilmente di non più di trecento cartelle, ma l’orrore, in queste trecento pagine, è talmente denso e disturbante da dilatarle proprio come accade al testo.

Chiare le intenzioni sensazionalistiche di Danielewski, che vuole stupire puntando su un’eccentrica sofisticatezza (e certe indicazioni metanarrative lo dimostrano ampiamente), ma l’incompiutezza della vicenda di Truant è tassello veramente penoso e stupido di un racconto di paura strabiliante, nonché una delle letture più soddisfacenti che difficilmente scorderò. Se riuscite a recuperare da qualche parte il romanzo, ormai fuori catalogo, il consiglio, anche se un po’ azzardato, è di lasciare perdere tutto ciò che non sia strettamente legato alla sezione intitolata The Navidson Record: il rischio di rovinare una vera e propria esperienza è troppo grande, e sta a voi decidere se ne valga o meno la pena.

Mondadori, 2005
816 pagine, 22 euro

Happy new year, people!

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Sat, 31 Dec 2011 07:00:00 +0000

Classificone: i migliori dischi del 2011

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Fri, 30 Dec 2011 07:00:00 +0000

Mi sono sempre ripromesso di parlare un po’ più di musica, su Midian, ma poi mi diverto di più a scrivere di libri e di film, e così i post sui dischi restano sempre a brandelli, smozzicati nei meandri delle bozze di Blogger. La classifica metallozza però è un appuntamento fisso, non potrei perdonarmi se non la stilassi.

5. Blood Stain Child – Elisium
Un miscuglio velocissimo e danzereccio di death melodico, elettronica e soprattutto dance, con il classico dualismo orco/voce angelica sfruttato però con raffinata dolcezza e malinconica orecchiabilità. Delizioso.

4. Dream Theater – A Dramatic Turn of Events
Dal lontanissimo Scenes from a Memory i Dream Theater hanno sperimentato in lungo e in largo con risultati abbastanza deludenti e, quando sono tornati all’ovile del puro prog metal che loro stessi hanno inventato, se ne sono usciti con dischi stanchi e scopiazzati. Non che quest’ultimo lavoro inventi qualcosa, ma tra i soliti tecnicismi impossibili e gli assoli infiniti le canzoni tengono bene con riff diretti, melodie azzeccate e refrain memorabili. Inaspettato.

3. Amon Amarth – Surtur Rising
Tra i tanti gruppi estremi capaci di costruirsi un’onorata carriera attraverso un sound personale e subito riconoscibile, gli Amon Amarth sembravano la classica band che, una volta indovinato il disco vincente, l’avrebbe riprodotto in serie fino allo sfinimento, e invece, già dopo il precedente e bellissimo Twilight of the Thunder God, se ne escono con questo Surtur Rising che introduce novità e “sperimentazioni” (sempre limitate comunque dal loro quadrato incedere) che lo rendono, tra una doppia cassa (!) e un intervento tastieristico, un album fresco e pieno di sorprese, da ascoltare e riascoltare.

2. Machine Head – Unto the Locust
Che i Machine Head, dopo la lunga parentesi nu-metal, sapessero scrivere enormi trash song l’avevano già dimostrato con l’immenso The Blackening, ma che potessero riconfermarsi a un simile livello qualitativo era cosa difficile da prevedere. Veloci, potentissimi, melodici, intricati e allo stesso tempo immediati, i Machine Head, tra lo stanco revival teutonico e lo speed slayerano d’oltreoceano, sono probabilmente la vera e unica trash metal band moderna.

1. Moonsorrow – Varjoina Kuljemme Kuolleiden Maassa
Maestosi e inarrivabili, i Moonsorrow abbandonano i minutaggi esasperati delle precedenti release per accorciare i loro brani, che viaggiano comunque sempre tra i dodici e i sedici minuti, e perfezionare un sound che rende magniloquente il black metal attraverso atmosfere che richiamano, come tradizione, le lande nordiche. Tra sfuriate in blast beat e riff solenni, tra screaming strozzati e tastiere folkeggianti, semplicemente immenso.

Classificone: le migliori serie tv del 2011

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Wed, 28 Dec 2011 07:00:00 +0000

Se la classifica dei film si salta a piè pari – poco horror targato 2011 visto quest’anno, poca qualità e in generale poca voglia di mettere in fila giusto quattro titoli decenti –, non può mancare la best-five delle serie tv, perché la cara, cara televisione nel 2011 ha sfornato parecchie prelibatezze e io ne ho pappate fino a scoppiarne.

5. Sons of Anarchy – stagione quattro
Dopo una terza stagione inevitabilmente minore rispetto a una seconda quasi-capolavoro, con la quarta tornata Sons of Anarchy ritorna alla grande in un tutti contro tutti, con certi echi di The Shield che mi hanno fatto venire dei giganteschi lacrimoni. Non è neanche la storia a colpire, piuttosto semplice e lineare per quanto ben studiata, ma l’incredibile lavoro sui personaggi, carismatici e profondi, tormentati e tamarri.

4. Games of Thrones – stagione uno
Attesa fino a rischio svenimento, la serie tv non delude chi ha divinizzato la saga cartacea e, anzi, a tratti strabilia per la ricchezza dialogica e l’accuratezza nella tridimensionalizzazione dei moltissimi personaggi. Peccato giusto per un’eccessiva compressione, che potrebbe allontanare chi non conosce luoghi e nomi delle opere di Martin, e per un’esagerata componente erotica, spesso fastidiosamente gratuita.

3. Doctor Who – stagione sei
Steven Moffat, al suo meglio, scrive sei episodi di pura meraviglia narrativa, regalando probabilmente un Doctor nella sua miglior incarnazione possibile, così matto, trascinatore, profondo e incomprensibile. Il resto poteva venire meglio, con una manciata di ottimi one-shot e altrettanti di trascurabile banalità, ma, voglio dire, Steven Moffat e Matt Smith. E, be’, certo, Karen Gillian.

2. Breaking Bad – stagione quattro
Probabilmente il miglior prodotto televisivo degli ultimi anni ritorna con tredici episodi che, ancora una volta, lasciano a bocca aperta per uno sviluppo sempre più imprevedibile della storia, con un lavoro maestoso e impressionante sui personaggi, agevolato da un cast titanico, diretto con un taglio estremamente personale e autoriale. Forse la stagione più cattiva di Breaking Bad, forse addirittura la più bella.

1. Spartacus – Gods of the Arena
Miniserie di sei episodi realizzata per ingannare il tempo mentre Andy Whitfield combatteva vanamente il cancro, Gods of the Arena non è soltanto il prequel di Blood and Sands, ma è il pulp della serie madre portato all’eccesso. Ancora più violenza, ancora più sesso, ancora più spettacolarizzazione per questa ricostruzione storica volutamente esagerata, fumettosa, palestrata e priva di qualsiasi credibilità, con personaggi carismatici al primo sguardo, costruiti sapientemente attraverso dialoghi lunghi e attentissimi a fare da collante tra splatterate, passere e pettorali oliati.

Classificone: i migliori romanzi letti quest'anno

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Mon, 26 Dec 2011 07:00:00 +0000

Complice l’e-reader, che mi ha permesso di smarrirmi piacevolmente soprattutto tra gli e-book stranieri, esplorando e provando cose il cui acquisto cartaceo penso avrei sempre rimandato, di letture quest’anno ce ne sono state parecchie, e in generale discrete, anche se non credo di essermi mai strappato i capelli se non con il dittico Hyperion/La caduta di Hyperion di Dan Simmons. Il classificone finale è quindi imprescindibile, ma stavolta facciamo qualcosa di meno fiscale dato che, avendo spaziato in lungo e in largo, non mi sono particolarmente fermato su un 2011 comunque non molto attraente: via quindi ai dieci migliori libri di genere letti quest’anno dal signor Midian.

10. Anime morte, di John Connolly
Delizioso nel suo equilibrio tra horror e noir, con un’ironia particolarmente pungente e dissacrante, l’ennesima avventura di Charlie Parker è stavolta più ancorata alla realtà rispetto alle altre, ma è come in ogni occasione trascinante, imprevedibile, tortuosa, con personaggi fantastici e coloriti.

9. Missione in Alaska, di Mykle Hansen
Il primo romanzo Bizarro pubblicato in Italia, nonostante un titolo e una copertina un poco fuorvianti, e probabilmente il romanzo Bizarro meno Bizarro tra le decine di titoli strampalati e impossibili, ma senza ombra di dubbio un libro irresistibile, che si regge su un’idea clamorosa sfruttata per un delirio incontrollato che tocca meravigliosamente tutte le pieghe e le piaghe della società.

8. Chasing the Moon, di A. Lee Martinez
Un buffo ma intelligente fantahorror di un autore che ama tutto quello che io desidero trovare in narrativa: i mostri e l’ironia. Qui di mostri ce ne sono a bizzeffe, lo humor è sempre puntuale e divertentissimo, e la storia di questa setta di creature che vuole invocare la fine del mondo, così attenta nella costruzione dei personaggi e dei loro intrecci, è molto, molto meno banale di quanto potrebbe sembrare curiosando nella sinossi.

7. Casa di foglie, di Mark A. Danielewski
Amato e odiato, non troverete una vera e propria posizione di parte per questo romanzo molto chiacchierato: da una parte un inconcludente delirio onirico e alcolizzato, dall’altra un saggio su un mockumentary fittizio che mi ha terrorizzato come solo Lovecraft sapeva fare. Una sola cosa però da aggiungere: se lo trovate da qualche parte, provatelo, per forza.

6. Warrior Wolf Women of the Wasteland, di Carlton Mellick III
Lupe mannare guerrigliere, orgasmi che trasformano in mostri, mutanti zeppi di arti aggiuntivi, un colossale lupo ermafrodita che si accoppia tutto il giorno, una città-stato chiamata McDonaldland e un tutore dell’ordine che risponde al nome di Hamburglar. No, dico, siete ancora lì?

5. Perdido Street Station, di China Mieville
Appena ristampato da Fanucci con un prezzo invitante ma con, sul retro, la sinossi del sequel (!!!), è un’epopea proto-fantasy di gustosissima lettura, 800 pagine che quasi non te ne accorgi tra creature impossibili e scenari meravigliosamente weird, descritti fino alla salivazione pura da uno stile ricco di dettagli.

4. Il circo dei vampiri, di Richard Laymon
“Romanzo di formazione che sfrutta l’horror per raccontare in realtà un’altra storia” è una descrizione sentita milioni di volte ma che stavolta non vale soltanto a livello simbolico, perché Laymon preferisce raccontare le vicende dei tre amici protagonisti per tre quarti dell’opera, lasciando il circo del titolo a un memorabile scontro finale, morbosamente sanguinario. Menzione speciale, tra l'altro, per la copertina più brutta ever.

3. Lo stato dell’unione, di Tullio Avoledo
Opera terribilmente reale, un fantathriller cospirazionista che racconta dell’ascesa di una sorta di gruppo neo-nazista nel Nord-Est. Tra irresistibile ironia e spiazzanti squarci sociali, con una punta di soprannaturale e il solito, meraviglioso alternarsi di personaggi ispiratissimi, probabilmente il miglior romanzo di Avoledo.

2. Le radici del male, di Maurice Dantec
A metà strada tra sci-fi e thriller, il romanzo è un’incredibile caccia al serial killer, un’odissea investigativa tra sperimentalismi tecnologici e omicidi violentissimi, raccontati con la consueta, fascinosa complessità strutturale e stilistica tipica di Dantec.

1. Hyperion/La caduta di Hyperion, di Dan Simmons
Difficile dire realmente qualcosa su questo capolavoro, un’impressionante space-opera che abbraccia cyberpunk e horror, thriller e poesia, quasi mille pagine complessive da leggere di seguito perché, per quanto ne dica Simmons, il legame tra i romanzi è troppo forte per potersi accontentare del finale ovviamente irrisolto di Hyperion. Un monumento.

Recensione: Martin

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Fri, 23 Dec 2011 07:00:00 +0000

Riscoperto solo pochi anni fa grazie al cut originale proposto per la prima volta in dvd, comprensivo di titolo originale, Martin arriva in Italia sul finire degli anni Settanta con un montaggio, a cura di Dario Argento, del tutto inventato che lo spoglia della brutale violenza, schizoide e improvvisa, scialacqua banalmente l’intreccio, gli appiccica le musiche dei Goblin e gli cambia il titolo con quel ridicolo Wampyr che credo tutti abbiano visto, nei disgustosi dvd Quinto Piano, nei cestoni di qualsiasi videoteca.

Comprensibile, per certi versi, la diffidenza con cui Argento rimonta Martin per offrirlo al bonario pubblico italiano senza tramortirlo troppo – basti pensare al taglio della lunga sequenza d’apertura, una tremenda scena di stupro e omicidio all’interno di un treno, particolarmente cruenta e realistica, pensando soprattutto a quegli anni in cui gli standard di sicurezza erano ben diversi rispetto agli odierni. Il realismo di Martin è infatti spietato, obliquo, feroce, senza speranza, e l’addentrarsi nella mente sbagliata del giovane protagonista, che si crede un vampiro e beve il sangue delle sue vittime come fosse una droga, è un progressivo malessere che viene accentuato, di riflesso, dal ruolo sbagliato di chi interagisce con Martin, dalla donna insoddisfatta sessualmente allo zio deciso a salvarlo dalla maledizione vampirica.

Martin infatti sfrutta il vampirismo per parlare dell’ipocrisia della gente, e adopera la malattia mentale per mostrare, quando questo gioco simbolico aveva davvero un senso, quanto non sia il mostro il vero male della società, bensì l’uomo, chi gli sta accanto, chi lo alimenta rendendolo tale. Fortissima critica sociale, dunque, d’altronde ci trovavamo nel periodo d’oro di Romero, e la sua abilità narrativa gli permetteva di creare una sceneggiatura articolata, attenta, molto ispirata nel delineare le molte ombre che gravitano attorno a Martin, e che lui stesso in qualche modo evoca, portando l’orrore nel quotidiano. Tuttavia la pellicola, pur soffrendo inevitabilmente l’età soprattutto da un punto di vista visivo (montaggio e fotografia, che “rallentano” un ritmo già di per sé dilatato in una quiete molto sinistra), risulta attuale ancora oggi per l’intelligenza nella costruzione psicologica dei personaggi, negativi e magari deviati ma credibili tanto nell’estremismo esteriore (lo zio) quanto nella sofferenza interiore.

Intenso e angoscioso, Romero lo considera il suo miglior film, in barba agli zombi che lui stesso ha creato.

USA, 1978, colore, 95 minuti
Regia: George A. Romero
Sceneggiatura: George A. Romero

[Simone & Crescizz]

Recensione: The Show Must Go On

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Wed, 21 Dec 2011 07:00:00 +0000

Basterebbe già il titolo per farsi un’idea della pochezza concettuale della prima pellicola di genere partorita in Croazia da trent’anni a questa parte, perché è quanto di peggio si possa usare per presentare un film nato vecchio e di interesse relativamente prossimo allo zero. Ed è un peccato, dato che Marasovic non è di certo l’ultimo degli idioti, e se narrativamente ha ancora molto, molto da imparare, da un punto di vista registico sa dipingere quadri interessanti con campi lunghi, piano sequenza articolati e un uso non lineare della progressione temporale, oltre a una scelta estetica assai particolare, vero punto di forza dell’opera nel suo strampalato vintage futuristico, con abiti assurdi e impossibili accostamenti di colore.

The Show Must Go On è un film molto brutto, perché non solo è sprovvisto di un’idea forte che lo sorregga dall’inizio alla fine, ma arranca catastroficamente nello sviluppo di un soggetto che, per quanto banale, poteva essere comunque dignitosamente portato a compimento. Marasovic sceglie invece di strafare, cerca di gestire troppi personaggi e troppe vicende (da una parte i partecipanti al reality pseudo Grande Fratello, dall’altra l’ideatore del programma e la rivalità con l’ex-moglie) e sbaglia più o meno ogni cosa, sorvolando sui punti fondamentali e accanendosi su elementi di secondo piano.

Il rapporto tra Filip ed Helena è infatti spesso ridicolo perché assolutamente inverosimile: un giorno si odiano e un altro si amano, prima si allontanano e poi si cercano senza che vi sia un’appropriata costruzione sentimentale che sorregga le loro azioni in un rapidissimo e insensato scorrere del tempo, scelta narrativa che distrugge ogni buona intuizione atmosferica impedendo di capire realmente cosa stia succedendo e perché. Lo stesso lavoro psicologico sui due appare allucinante e di una superficialità incredibile: lui sopravvive chissà come allo scoppio di un missile a un metro di distanza ma non prova alcun dolore nella perdita dei colleghi e degli amici che gli stavano intorno, lei imbastisce programmi tv pur di schiacciare l’ex marito ma poi se ne infischia perché gli vuole bene.

E' partito! Ha già distanziato un carrarmato!
Ha un passo implacabile, due polmoni inesauribili, e la camionetta è dietro!
Sta per tagliare il traguardo, può farcela, può farcela!

Concentrandosi sull’inutile vita sentimentale dei due, Marasovic lascia perdere tutto quello che accade nel reality, usandone i protagonisti più che altro per dare una cornice a quella che nelle sue intenzioni vorrebbe essere una sofferta storia d’amore, ma che invece si dimostra tutt’altro proprio per la scellerata importanza data ad alcuni partecipanti e ad alcuni loro gesti che, alla fine, sembrano servire a fare solo stupido minutaggio (tra l’altro assai contenuto nei suoi scarsi 80 minuti).

Tragiche, infine, le sequenze conclusive, con Filip che prima si fa rubare la macchina nonostante in giro non ci sia più nessuno, e che poi piange (come nelle peggiori fiction italiane) di fronte all’inevitabile orrore di una misteriosa guerra nucleare MONDIALE che pare scoppiare da un giorno all’altro e della quale a nessuno sembra importare granché. Inevitabile lo squarcio apocalittico che chiude la pellicola, gestito con imbarazzante banalità come se si trattasse del più sconvolgente dei colpi di scena.

Pessimo, pessimo esempio di critica sociale ma, prima di tutto, pessimo, pessimo film di fantascienza.

2010, Croazia, colore, 80 minuti
Regia: Nevio Marasovic
Sceneggiatura: Nevio Marasovic

[Simone & Crescizz]

Recensione: The Gerber Syndrome

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Mon, 19 Dec 2011 07:00:00 +0000

The Gerber Syndrome sfrutta la scia del genere zombesco e del mockumentary, ma se in apparenza sembra la solita solfa virale, genere che ultimamente ha prodotto enormi cagate (il remake de La città verrà distrutta all’alba) e giusto qualche titolo da annotare (Carriers), l’esordio di Maxì Dejoie riesce a prendere bene le distanze da entrambi, sfornando un prodotto particolarmente interessante, soprattutto pensando alla sua italianissima natura, con un budget di appena 20.000 euro. Non abbiamo a che fare coi soliti zombi, ma con una malattia degenerativa, e non siamo in ambito di materiale found footage, ma di un vero e proprio documentario, con tanto di montaggio, che per una volta non punta sulle scene di paura e di crescente inquietudine.

La storia è un insieme di interviste che cercano di spiegare cosa sia questo morbo di Gerber, come si possa contrarre, se sia davvero così pericoloso come sembra o se, in realtà, sia qualcosa di controllabile. Maxì Dejoje focalizza la trama su due personaggi di 23 anni: un ragazzo che svolge il lavoro di vigilante, addetto anche al recupero di persone malate, e una ragazza che contrae la malattia. Da una parte accompagneremo quindi il primo in un giro di ronda notturna che ci porterà a stretto contatto con la pericolosità di un lavoro del genere, dall’altra vivremo il calvario di una qualsiasi famiglia che assiste la figlia mentre il morbo avanza implacabile, senza possibilità di cura.

The Gerber Syndrome ha il pregio di risultare terribilmente reale, raccontando la delicata fase di passaggio di questa ipotetica nuova malattia, dal suo manifestarsi al suo diffondersi, mentre lo spettatore assiste allo stadio confuso che sta a cavallo delle due. Il film fornisce risposte parziali a interrogativi circa la gravità del morbo e il modo in cui la popolazione possa reagire al suo progressivo dilagarsi, e proprio nella sua dolorosa incertezza risiede l’efficacia della tecnica documentaristica, che solleva continuamente questioni come strumento non solo d’informazione ma anche, e soprattutto, di protesta e ribellione.

Ci si accorge dell’importanza del problema poco per volta, e comprendiamo il pericolo reale solo nel momento in cui scopriremo che si stanno apportando radicali modifiche ad alcune norme sociali che controllano il nostro vivere quotidiano: un numero verde creato appositamente per la malattia, uno spot pubblicitario che pare minimizzare il tutto, la nascita di un nuovo lavoro come quello dei vigilante (che non sanno ancora come integrarsi con polizia e pronto soccorso), il fiorire di improvvisati centri medici di “accumulo corpi”, oppure le ordinanze che vietano alle discoteche, e in generale ai luoghi dove si raccolgono molte persone, di stare aperte.

La recitazione è ispirata e credibile da parte di tutto il cast (bravo Sax Nicosia nei panni del dottore tormentato, così come i genitori afflitti della povera ragazza ammalata), ma bisogna spendere una parola per Luigi Piluso, attore non professionista e alla sua prima esperienza davanti alla telecamera, che offre la prestazione migliore proprio per la sua naturalezza coatta, fattore che dona al suo personaggio un realismo, perfetto per il taglio documentaristico, raramente visto in prodotti del genere. E non sono poche le scene che mostrano una credibilità spaventosa, in particolar modo nei comportamenti umani (il fidanzato di Melissa, il collega di Luigi e i suoi discorsi destrorsi).

La pellicola tiene bene, ed è talmente efficace che si possono perdonare alcuni cali registici e narrativi di cui ogni tanto soffre (il modo in cui Melissa contrae il morbo, la sequenza dell’operazione al cranio di un malato, i taciuti effetti collaterali del farmaco sperimentale, e in generale la presenza di una troupe televisiva nella stanza dell’ammalata, concessione tuttavia necessaria e a sua modo provocatoria di una certa televisione). Unica nota davvero stonata è però una scena che purtroppo irrompe nel nostro inconscio ricordandoci che stiamo vedendo un film, non un documentario. Grosso errore infatti filmare i tre tamarri in stile “peggiori bar di Caracas”, macchiette fuori posto e ridicole, compreso il video che caricano assurdamente su youtube: basterebbe un cut di pochi minuti per togliere la scena e la pellicola ne guadagnerebbe parecchio.

Un piccolo gioiellino, una vera e propria sorpresa, finalmente un prodotto underground realizzato con pochissimi mezzi che abbia da dire qualcosa e, soprattutto, riesca a farlo.

2011, Italia, colore, 85 minuti
Regia: Maxì Dejoie
Sceneggiatura: Maxì Dejoie

[Simone & Crescizz]

Recensione: Extraterrestrial

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Fri, 16 Dec 2011 07:00:00 +0000

A Nacho Vigalondo erano bastati cinque attori e una macchina per cagliare il latte per ridefinire il concetto di viaggio nel tempo con Timecrimes, e a distanza di un paio d’anni ritorna con una formula simile per rinfrescare la rappresentazione di un’invasione aliena. Cinque attori (più uno spicchio di astronave immobile sopra la città) è infatti tutto quello di cui ha bisogno per imbastire Extraterrestrial, quella che essenzialmente è una commedia degli equivoci che pesca a piene mani dall’immaginario-tipo fantascientifico.

Lui si sveglia a casa di lei, ma lei ha un altro lui, un po’ pazzo e megalomane, oltre a un vicino impiccione e segretamente innamorato, e i quattro si ritrovano a convivere forzatamente ipotizzando le intenzioni degli invasori. Uno spunto classico e semplicissimo, ma vincente perché poggia prima di tutto su un’ottima sceneggiatura, che lascia largo spazio a dialoghi esilaranti nel tipico schema dell’ambiguità amorosa, dei dubbi non detti e delle evidenze di cui nessuno pare però accorgersi. Dialoghi che però a nulla sarebbe serviti senza un adeguato lavoro sui personaggi, e infatti la cura nella delineazione delle quattro personalità in gioco, in particolare sul folle Carlos, permette una costruzione comica, zeppa di idee e una straordinaria progressione citazionista nonostante gli strambi indizi iniziali.

A farla da padrone è principalmente una rivisitazione dell’ultracorpo, scusante alla quale devono ricorrere i due amanti per giustificare alcune stranezze piccanti, dando il via a una spirale inarrestabile di equivoci fantascientifici che esplode in una manciata di scene di vertiginosa comicità (la cena, il telegiornale, l’esilio di Raul). La trama sussulta ed è spesso movimentata nonostante l’esiguità del soggetto, sparge i suoi semi e li raccoglie in uno sviluppo eccellente e imprevedibile, non cadendo mai nel tranello dell’ironia a tutti i costi, della forzatura umoristica per giustificare le varie esasperazioni comportamentali, ma concedendosi ad alcune riflessioni seriose, comunque sempre presentate con un punto di vista sarcastico, che tengono saldo l’intreccio fino all’insolita conclusione.

Che di sci-fi vera e propria tecnicamente non ci sia nulla, è un fattore irrilevante, perché la bontà dell’intreccio e lo sfruttamento di certi cliché spazzano presto via qualsiasi dubbio a suon di risate, mostrando quanto la qualità della sceneggiatura, quando non ci sono soldi, sia cardine necessario per fare un buon film.

2011, Spagna, colore, 90 minuti
Regia: Nacho Vigalondo
Sceneggiatura: Nacho Vigalondo

[Simone & Crescizz]

Recensione: Troll Hunter

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Wed, 14 Dec 2011 07:00:00 +0000

È interessante notare come negli ultimi tempi un certo cinema nordico stia guadagnando sempre più credibilità e consenso di pubblico e critica. Basti pensare a titoli quali Lasciami Entrare dello svedese Tomas Alfredson, oppure al connubio finno-norvegese diretto da Jalmari Helander che va sotto il nome di Rare Exports: A Christmas Tale, o anche al simpatico lungometraggio finlandese Dark Floors di Pete Riski con protagonisti-antagonisti i Lordi, membri della nota metal band nei panni di se stessi.

Analizzando questi lavori, soprattutto i primi due, balza subito all’occhio come elementi tipici del folklore di quelle terre vengano utilizzati e reinventati per realizzare un cinema di genere che racconti realtà allo stesso tempo simili ma enormemente differenti dalla stanca e ripetitiva produzione USA. Non sembrano esserci solo le idee, nella Scandinavia cinematografica, ma anche modi e sostanza per rielaborare, offrendo prodotti freschi e originali anche laddove gli spunti sono i più comuni.

Su, mettersi in posa, eccheccazzo!

Ecco perché, da spettatori sempre più assuefatti a un certo cinema americano (a cui queste pellicole devono molto) riusciamo a fruire una pellicola come Troll Hunter senza restarne delusi. Grosse novità, infatti, non ve ne sono, siamo alle prese con l’ennesimo documentario con inquadrature traballanti e visioni a infrarossi per i boschi. Ma proprio il fatto che la pellicola si presenti senza pretese la rende godibile per quello che è: un valido intrattenimento stilisticamente curato e autoironico, con la giusta dose di action.

La storia è quella di tre studenti universitari che cercano di strappare un’intervista ad Hans, un misterioso bracconiere. L’uomo, un Reinhold Messner cazzuto, all’apparenza si muove sulle piste di caccia battute dagli orsi, ma non si comporta come gli altri cacciatori: piazza strane trappole utilizzando copertoni d’auto, sfoggia bizzarri fucili e va in giro con una jeep coperta da profondi tagli. I ragazzi, seguendolo di nascosto per i boschi, capiranno di aver a che fare con una specie di Man In Black per troll che lavora per il governo norvegese. Hans prenderà in simpatia gli studenti e li condurrà attraverso paesaggi mozzafiato (boschi, grotte e lande innevate), alla ricerca di troll da poter mockumentare affinché tutto il mondo sappia la verità sulla loro esistenza.

André Øvredal svolge un lavoro pulito ed efficace con un budget limitato e attori non professionisti. Non ha timore di mostrare i troll e non gli interessa giocare sul vedo-non vedo attraverso fronde o inquadrature sgranate. No, i troll esistono davvero e lui ce lo dice sbattendoceli in faccia senza mezzi termini, con giganti a tre teste che annusano rumorosamente e urlano come maiali sgozzati, bestiacce pelose e puzzolenti e colossi alti chilometri. Per Ovredal è importante che noi, come gli studenti, arriviamo a crederlo. Quindi veniamo tirati dentro questo simpatico gioco condito da situazioni divertenti come, ad esempio, il modulo che Hans deve compilare ogni volta che cattura un troll, o la necessità di fare dei prelievi di sangue con siringoni lunghi un metro. Questo tipo di espediente maschera con classe qualche buco nella sceneggiatura, limitato in fondo a una sospensione all’incredulità che non sempre è rispettata, soprattutto nella parte conclusiva. Ovredal porta lo spettatore esattamente dove interessa a lui e fa in mondo che non pensi ad altro, con tanta azione, mostri differenti e ben delineati, e soprattutto parecchia ironia, che dona al suo prodotto un apprezzatissimo non prendersi sul serio, vera e propria chiave che rende la pellicola così riuscita.

Gli effetti non sono eccezionali, ma non stonano con l’insieme, mentre l’audio è formidabile e azzeccato, con i versi dei troll che distruggono le casse stereo, in particolar modo nella parte conclusiva con il mega trollone.

Puro intrattenimento orrorifico, insomma, che si riserva una nota di sagace sarcasmo politico nell’epilogo, chiusura perfetta di un prodotto che, nel suo specifico genere, appare addirittura sorprendente.

2010, Norvegia, colore, 103 minuti
Regia: André Øvredal
Sceneggiatura: André Øvredal

[Crescizz & Simone]

Recensione: L'arrivo di Wang

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Mon, 12 Dec 2011 07:00:00 +0000

Che i Manetti Bros siano in qualche modo i fautori del cinema indipendente lo si capisce dai soggetti che scelgono per le loro opere, evitando tentazioni major e gustose opportunità monetarie. Pochi finanziamenti, già, ma tanta passione per il cinema di genere, in particolare l’horror e la fantascienza, e un buon bagaglio tecnico, necessario quando i mezzi sono così esigui. Butta male nella nostra penisola assediata da telenovele e commedie sboccate, si sa, ma al duo questo non interessa, ecco quindi che portano in sala un film solido e convincente (e che al Trieste Science+Fiction 2011 si accaparrerà il Premio Nocturno e il premio della giuria per il Miglior Lungometraggio Fantascientifico).

La storia è tanto semplice quanto interessante, con una manciata di personaggi e una valida idea a sostenere la pellicola. Gaia, un’interprete di lingua cinese, viene contattata dai servizi segreti per un urgentissimo lavoro di traduzione da effettuare in un luogo del quale non le è dato conoscere l’ubicazione. La ragazza accetta e, bendata, viene portata in un bunker buio, dentro il quale conoscerà l’arrogante agente Curti e il misterioso Wang.

L'arrivo di Wang procede secondo i noti meccanismi del thriller puro, con un interrogatorio feroce e urlato che struttura da solo l’intera vicenda: ritmo serrato, pochi indizi per costruirsi diverse ipotesi, dialoghi accattivanti e protagonisti che, tolta qualche leggerezza (su tutto Gaia che accetta di farsi bendare senza troppi problemi, ma anche il muscoloso agente di guardia, catastroficamente stupido), risultano credibili nel ruolo. La storia scorre senza intoppi, i Manetti Bros costruiscono un climax che cattura lo spettatore e lo conduce ansiosamente all’epilogo, in una spirale sempre più ricca di convincenti effetti speciali. A Maurizio Memoli (già collaboratore di Avatar) va il merito di questo lavoro, svolto peraltro in nome dell’amicizia e della stima nei confronti del duo romano, il tutto nella migliore tradizione – gratuita – del cinema indipendente.

I Manetti Bros svolgono un ottimo lavoro nella gestione delle inquadrature e, dietro la macchina da presa, fanno sfoggio di una sicurezza costruita con la gavetta e il sudore, senza lasciarsi tentare da sperimentalismi o cercare snobistiche virtuosità, ma svolgendo bene il compito e portando a casa un buon risultato.

Bravo Fantastichini nella psicosi crescente del suo sbirro cattivo, un po’ meno Francesca Cuttica che pare troppo attenta al copione per costruire un personaggio realmente verosimile in una situazione tanto drammatica.

Un’ultima considerazione critica per la prevedibilità del finale, in questa situazione che mette in scena un set chiuso e pochi personaggi. Forse i Manetti Bros avrebbero dovuto essere più ambigui e meno sbilanciati nella psicologia dei personaggi, lasciandosi ispirare, per esempio, dal riuscito episodio di Lost nel quale i protagonisti catturano e interrogano il doppio/triplogiochista Benjamin Linus. Ne avrebbe giovato l’atmosfera trasversale dell’intero progetto, la cui obliquità si può soltanto annusare in alcuni spezzoni.

Ma, alla fine, che bella soddisfazione avere un prodotto Made in Italy di questo tipo, che, senza mezzi termini, si toglie lo sfizio di metterlo in culo a gente come Steven Spielberg e James Cameron.

2011, Italia, colore, 80 minuti
Regia: Manetti Bros
Sceneggiatura: Manetti Bros

[Crescizz & Simone]

Recensione: Gantz: Perfect Answer

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Fri, 09 Dec 2011 07:00:00 +0000

Diciamolo subito e senza mezzi termini: di “perfect”, questo secondo Gantz, non ha proprio un cazzo.

Dopo l’ottimo film precedente, non solo rispettoso del manga ma valido di per sé, con un’esaltante e maestosa messa in scena, la seconda parte del dittico cinematografico tratto dall’omonimo manga è estremamente confusa e soporifera. Ed è strano, perché a scrivere la sceneggiatura abbiamo il mangaka in persona, proprio lui, il grande Hiroya Oku. I motivi per cui Oku scelga di intraprendere un percorso che si distacca quasi in toto dalla sua creatura cartacea sono chiari, e piace questa idea di un progetto filmico che in qualche modo, date le stesse basi del fumetto, narri una storia alternativa comprensiva di un finale che, ai lettori dell’opera originale, chissà quando verrà fornito. In realtà, diciamo noi fan maligni, dato che nemmeno lui sa ancora come finirà esattamente il suo fumetto, ha imbastito uno spin-off cercando di dargli senso compiuto ed evitando spoiler.

Operazione riuscita maluccio.

Gantz: Perfect Answer prosegue con le avventure di Kei Kurono, guerriero da tempo imprecisato alla mercé di Gantz, che combatte alieni dalle fattezze più strampalate. Nel frattempo, un investigatore privato cerca di far luce sulla misteriosa devastazione, dal giorno alla notte, di alcune aree di Tokyo, e alcuni possessori di piccole sfere nere pare siano disposti a tutto pur di entrare nella strana stanza in cui dimora Gantz.

Se il primo film si bilanciava bene tra scene della vita quotidiana dei protagonisti e le battute di caccia aliene, questo secondo episodio non riesce a gestire le due parti, dando troppo spazio a entrambe in un interminabile polpettone sentimentalcatastrofico. Ci troveremo davanti ad una lentezza sfiancante quando Kei avrà a che fare con la sua fidanzata e saremo in balia di lunghissime scene d’azione appena i nostri eroi affronteranno i combattimenti per ordine di Gantz. L’alone di mistero che permeava il precedente capitolo viene spazzato via, da una parte a causa delle assurde pistolettate che in confronto John Woo è un dilettante (il comunque impressionante scontro in metropolitana, trenta minuti di sparatorie, duelli di spada e arti marziali prive di leggi fisiche), dall’altra dalle troppe informazioni vaganti che sembrano dover coprire buchi di sceneggiatura, che lo stesso Oku si trascina dietro dal suo manga e che di certo non può risolvere in un contesto ancora più ostico come quello cinematografico (piccole sfere nere, doppioni cattivi, liquidi misteriosi, fusione di un piano temporale vita-morte poco chiaro).

Ne nasce una noiosissima epopea senza fine con dialoghi spesso infantili e personaggi che si muovono senza alcun senso, scegliendo ora una direzione per poi tornare sui loro passi senza un motivo appropriato, ora un comportamento che subito dopo non rispetteranno per ragioni note solo a loro, il tutto su uno scenario apocalittico che pare apparso dal nulla. Anche la regia di Sato è molto meno ispirata, e sa alla tragica sceneggiatura di Oku poteva rispondere con combattimenti esaltanti, il suo miracoloso tocco dinamico, dopo una buona prima metà, si spegne progressivamente limitandosi a filmare banali, estenuanti scontri eroe vs cattivo totalmente privi di appeal visivo (niente più mostri, niente più strane creature aliene, niente più statue che prendono vita) e di un’accattivante coreografia, legati come sono a un insopportabile sentimentalismo tipicamente orientale. Tremenda infine la parte conclusiva, con gente che si mitraglia a due metri di distanza senza che nessuno venga mai colpito e personaggi moribondi che si rialzano SEMPRE.

Si salvano gli attori, decisamente calati nel ruolo, e gli effetti speciali, riusciti a livello tecnico ma utilizzati in maniera spropositata con disastrosi effetti catastrofistici.

Restiamo in attesa di conoscere come e se finirà l’opera originale, e se l’ultima scena del film coinciderà con l’ultima tavola del maestro Oku (un realtà un twist assai prevedibile e soprattutto spiegato male) ma per saperlo dovremo attendere anni e anni, vista la cadenza annuale con la quale viene pubblicato il manga.

Recensione: Gantz

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Wed, 07 Dec 2011 07:00:00 +0000

Ispirato all’omonimo manga di Hiroya Oku, da noi giunto al 29 volume e in corso di pubblicazione verso un finale che probabilmente non vedremo mai, Gantz copre dignitosamente una prima parte del fumetto. Difficile giudicare la pellicola in quanto tale, il capolavoro di Oku, non è un mistero, sappiamo essere pieno zeppo di incongruenze, contraddizioni che sono presenti pari pari nel film di Sato pur non danneggiando la fluidità e la riuscita generali.

La vicenda inizia con l’incontro casuale in metropolitana tra due studenti universitari che non si vedevano dalle scuole medie, Kei e Kato. Insieme aiutano un ubriacone che giace svenuto sui binari lo salvano portandolo sulla banchina ma finiscono travolti dalla metropolitana. Istantaneamente si ritrovano in una stanza spoglia, che ospita una misteriosa sfera nera conosciuta come Gantz. Insieme a loro ci sono altre persone, qualcuno sembra saperne di più sull’assurdità della situazione, qualcuno è spaesato tanto quanto i due. Non passa molto tempo che la sfera nera ordina ai presenti di equipaggiarsi con strane tute e armi sofisticate per dare la caccia a un misterioso personaggio. Queste le basi per una storia che dopo 29 eccitanti volumi deve dare ancora molte risposte, risposte che non ci dà questo Gantz ma che troveremo, per singolare scelta cinematografica, nel successivo film gemello, Perfect Answer.

Lo voglio per Natale!

La sceneggiatura resta fedele al manga, sia per impostazione che per svolgimento. Da notare il meticoloso lavoro di Watanabe nello snellire una trama densa di personaggi e situazioni, senza però creare omissis importanti o profonde voragini nel racconto. A un primo confronto, le tavole di Oku riescono ad essere ancora più dinamiche del comunque buon lavoro di macchina di Sato, e questo è un elemento che si nota lungo tutta la pellicola. Addirittura, in alcune scene (in particolar modo durante la magnifica lotta al museo delle statue), si riscontrano inquadrature che pescano direttamente dal manga.

Non dimentichiamo che il fumetto (ma questa è cosa classica nel parallelo video-carta) dà più ampio respiro a pensieri e dialoghi sulla vita, la morte, il coraggio, la capacità di ognuno di aiutare il prossimo in contrapposizione all’egoismo interiore, ma anche se più improntata sull’action pura, con un’inarrestabile successione di eventi, battaglie e catastrofismi assortiti, la trasposizione, incredibile a dirsi, non sembra risentire minimamente del passaggio da cellulosa a celluloide. Anzi, funziona meravigliosamente per un impatto visivo originale, che chiaramente risente del tocco assai personale di Oku nella creazione dei segmenti, ma che incanta e stupisce con fragorose sequenze di combattimento tra il weird, la fantascienza e l’horror (statue giganti, robot scattosi, alieni deformi), ricche di un approccio ironico e che ben sfruttano costumi darkeggianti ed effetti speciali mai invadenti.

Sato filma con occhio occidentale, lasciandosi influenzare maggiormente dal cinema supereroistico americano (la scena in cui Kei prova la tuta, saltando da un palazzo all’altro, ricorda Spiderman che lancia le prime ragnatele nel lavoro di Raimi), lasciando da parte la lentezza classica che caratterizza un certo cinema orientale. Oku, che conferma di essersi ispirato ai film di Hollywood per il manga, gli rende comunque facile il lavoro, perché disegna fedelmente interi quartieri di Tokyo che il regista nipponico sceglierà proprio come location. Rimane però un certo rammarico perché, se lo splatter, tipico del fumetto, è ampiamente presente, soddisfacendo così anche i palati più truculenti nonostante una minor esagerazione sanguinaria, a mancare del tutto è l’aspetto erotico, assai massiccio nell’opera originale.

E pure lei! Cioè, ehm, la tuta, ovvio!

Azzeccato infine il cast, con attori dalla fisionomia che ricalca i personaggi del manga (su tutti la bella Yuriko Yoshitaka), con in particolare un bravissimo Kazunari Ninomiya che riesce a trasmettere le emozioni più disparate (dall’ingenuo timore iniziale alla pura strafottenza) con una mezza smorfia sorridente che non abbandonerà mai per l’intera pellicola.

Prima del vero e proprio sequel, Sato dirige un film per la tv, Another Gantz, che rilegge questa stessa pellicola raccontandola dal punto di vista del detective che apparirà in Perfect Answer.

2010, Giappone, colore, 130 minuti
Regia: Shinsuke Sato
Sceneggiatura: Yusuke Watanabe

[Crescizz & Simone]

Recensione: Nuclear Family

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Mon, 05 Dec 2011 07:00:00 +0000

Progetto assurdo ma portato avanti con una storica ostinatezza, Nuclear Family nasce insensatamente nei boschi dietro casa di Kyle Rankin, dove il regista filma mezz’ora di pellicola lasciando totale libertà d’improvvisazione al cast. Ottenuti i (pochi) fondi per realizzare un lungometraggio che non si sa bene cosa sia (pilota di una serie tv ma chi vuoi che lo compri, allora pilota di una serie web, o magari forse solo film sperimentale che però ehm, sa troppo di sperimentale), Rankin se ne esce con un pasticcio bene o male inguardabile, nonostante alcune capacità che aveva dimostrato un paio d’anni fa con la divertente e ispirata horror comedy Infestation.

Scelta sciagurata quella di non scrivere una sceneggiatura, ma di limitarsi a un soggetto, e spingere gli attori all’improvvisazione, perché se da una parte troviamo un immenso Ray Wise che fa faville gigioneggiando su tutti e dipingendo un villain fuori dagli schemi, dall’altra i buchi diventano lacune e la storia, dopo un inizio straordinariamente banale, peggiora di minuto in minuto con una serie di vaccate senza senso una dietro l’altra. Non avendo idea di dove far parare il film, ma con un plot striminzito che vede la solita famigliola americana cercare di sopravvivere in un bosco abitato dai berserker, cattivissimi farabutti che si sono proclamati padroni della zona, a nulla serve mantenere il mistero sul consueto olocausto nucleare e sulle derive biologiche verso cui si trascina la pellicola. In Nuclear Family c’è tutto quello che potete immaginare con uno spunto simile: marito e moglie che stavano per divorziare ma che tornano insieme, incontri di lotta tra i berserker (perché la lotta è ovviamente l’unico sport del futuro), dottori che hanno la cura e via così, di cazzata in cazzata.

Come se non bastasse lo squallore delle situazioni e la pochezza psicologica dei vari protagonisti, Rankin costruisce il tutto con una struttura lostiana (sequenze al presente nel bosco/isola alternate con flashback prima dello scoppio della bomba/caduta dell’aereo), con tanto di accompagnamento musicale pressoché identico e di fade in a fade out spiccicati al lavoro di Lindelof e Cuse, ma per evitare che il paragone confonda qualcuno, come successo quando l’abbiamo fatto presente a Rankin stesso (che si è esaltato tutto contento e imbarazzato per quello che credeva fosse un complimento), il risultato è molto, molto lontano dal replicarne qualsiasi buon effetto. Il resto è una carrellata di noiose pietanze e baratri narrativi, con personaggi che agiscono senza particolari motivazioni, quando non sono allucinanti, e con colpi di scena che non vengono spiegati. Il tutto condito con sequenze idiote (l’esercito dei buoni che praticamente non combatte, lasciando fare tutto al papà protagonista e alla sua giovane amichetta lanciatrice di coltelli che ne trova a disposizione manciate e manciate, manco fossimo nella famigerata Foresta dei pugnali volanti di Zhāng Yìmóu) .

Brutto, brutto esempio di film indipendente, che parte malissimo con il più esemplare dei difetti cinematografici, ovvero la mancanza di uno script valido e capace di sostenere una storia, anche semplice e già vista, ma che abbia un senso nel suo sviluppo tra inizio, svolgimento e conclusione. Visto in anteprima universale allo S+F, ancora prima degli attori stessi, per adesso il film non ha nemmeno una locandina.

Moriturato.

2011, USA, colore, 85 minuti
Regia: Kyle Rankin
Sceneggiatura: Kyle Rankin

[Simone & Crescizz]

Recensione: Stake Land

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Thu, 01 Dec 2011 07:00:00 +0000

Forse non è una sorpresa che Stake Land si sia accaparrato il premio del pubblico al Trieste Science+Fiction 2011, non tanto perché pellicola qualitativa che ha raccolto giustamente il favore degli spettatori, ma perché tanto mediocre, per quanto di gradevole visione, che inevitabilmente finisce per “piacere a tutti”, a dispetto di qualche titolo che invece divida e classifichi i gusti di chi guarda. Solito futuro apocalittico, solito scenario alla Mad Max, soliti personaggi impavidi, soliti mostri e soliti schemi narrativi. Ci troviamo di fronte a un film già visto mille volte, da Vampires a 30 giorni di buio, che dispiace criticare per la comunque oggettiva bontà generale del prodotto sotto ogni punto di vista, ma che in fondo annoia chi dal cinema di genere cerca qualcosa di più del solito tran tran catastrofico.

Mickle e Damici avevano ben iniziato la loro carriera con Mulberry Street, progetto acerbo ma assai interessante per costruzione e crescendo, e una certa innegabile abilità è comunque applicata anche a questo Stake Land. L’atmosfera drammatica e opprimente, il lento e triste srotolarsi della vicenda, le tematiche religiose come scontri di mondi analizzate dal punto di vista di una suora, tra i buoni, e di un santone pazzo, tra i cattivi: è chiaro che gli autori hanno qualcosa da dire, un qualcosa che non rientra nelle trite banalità del B-movie. Ma è in fondo a questo che si riconduce, in ultima analisi, Stake Land, perché già dai primi minuti è facile immaginarsi l’evolversi della situazione e la crescita del rapporto tra Mister e il giovane Martin, vanificando, appiattendo certi spunti discreti.

Gli ammazzavampiri di Stake Land, cazzutissimi motherfucker, lo si vede dagli sguardi

Il bestiario non è granché, un ibrido vampiro-zombie del quali gli stessi registi non sanno bene che pensare, e che risulta comunque uguale a tutte le altre creature di recente ideazione, così come non è granché lo scenario di lotta per la sopravvivenza. Piacciono gli effetti splatter e una certa cattiveria di fondo, soprattutto nella parte conclusiva, ma a Stake Land manca il fegato di dire qualcosa di più, di staccarsi dal marasma di film identici a se stessi (al solo S+F gareggiavano in concorso ben due opere simili, oltre a questo Stake Land, vale a dire Monsters e Nuclear Family). Un gran peccato pensando alla regia sciolta e agile di Mickle (meravigliosa, tra l’altro, la lunga sequenza dei mostri scagliati dal cielo) e ai dialoghi discreti di Damici, anche attore principale. Le poche intuizioni (il già citato equilibrio religioso tra la suora e il santone) non è infatti sufficiente a rendere fresco un intreccio che aveva bisogno di soluzioni, contesti e personaggi differenti per poter realmente catturare lo spettatore.

Dopo visto, si dimentica subito.

2010, USA, colore, 98 minuti
Regia: Jim Mickle
Sceneggiatura: Jim Mickle, Nick Damici

Centomila

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Wed, 30 Nov 2011 07:00:00 +0000

In quasi quattro anni di vita non credo siano tantissime, ma è un piccolo traguardo, raggiunto più o meno lunedì a mezzogiorno, che mi fa comunque sbrilluccicare gli occhi, soprattutto considerando il buon andamento di quest’anno, in particolare dopo la pausa estiva. Dalle venti visite giornaliere dei primi lontanissimi tempi alle duecento odierne non c’è sicuramente stata una grande evoluzione (e il fratellino Anime Asteroid in metà tempo online ha già staccato il povero Midian di svariate migliaia di accessi), ma pensare che ci sono mediamente centocinquanta lettori quotidiani, o almeno così mi segnala il feedburner, mi fa uno strano effetto, io che sono timidello e che mi vergogno a far leggere agli altri quello che scrivo. Bella lì, ci si ritroverà tra qualche tempo, lo spero in barba alla modestia, a brindare alle cinquecentomila. Ma niente spumante che non mi piace mica tanto.

Recensione: Morituris

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Mon, 28 Nov 2011 07:00:00 +0000

HIC SUNT TROIONES

L’evento Nocturniano del Science Plus Fiction 2011 inizia alle 00:30 e la sala è piena. Kim Newman, in prima fila, sorride. Non sappiamo bene cosa aspettarci, ma la trama che il catalogo del Festival propone stuzzica parecchio.

Roma, nel 73 A.C., Spartaco guida la ribellione di duecento gladiatori che si oppongono alle condizioni disumane di vita a cui Roma li costringe. Durante la rivolta resistono ai soldati romani a lungo. Pochi contro un intero esercito. Alcuni di loro impazziscono e si danno alle razzie, agli stupri e alle violenze. Spartaco punisce la loro follia e li fa giustiziare. Ma su quelle terre, quando il sangue torna a scorrere, loro ritornano…

Di questo storyboard fighissimo non si vedrà nulla, se non le ultime due parole, ma a illustrare ancora meglio la pellicola ci pensa lo sceneggiatore Gianluigi Perrone, presente in sala in compagnia di Valentina D’Andrea, una delle attrici. Prende il microfono e dopo due parole si capisce che non si capisce. Ovvero si intuisce che mr Perrone è po’ alticcio, dimentico di dover presentare un film davanti a più di duecento persone. Non riesce a formulare una qualche parola sensata e Valentina, accanto a lui, inizia a guardarlo in maniera perplessa.

La sala è imbarazzata, invece a noi ’sto tizio piace. È un personaggio. È ganzo. Chissà quale delirio storico-allucinatorio ha messo in piedi! Finalmente arriva una frase di senso compiuto: «Questo è un film che noi abbiamo fatto per noi», un concetto che Perrone ripete dieci volte di fila, indomito anche quando arriva la prima derisione del pubblico grazie a qualcuno che urla: «Scusa, per chi è che l’avete girato?»

Bene. Scusate la lunga premessa, ma è importante per dire a tutti voi che quella che leggerete “è una recensione che noi abbiamo scritto per noi”.

Spoiler a pioggia, quindi aprite l’ombrello o mettetevi un impermeabile.

L’epilogo mette in scena una famigliola di cinque persone (mamma, papà, fratellino, sorellina e zio) che si reca a fare un picnic in mezzo ai boschi, nei pressi di antichi ruderi romani, il tutto raccontato lentissimamente con una vecchia cinepresa che rimanda allo spettatore immagini color seppia degli anni ’70. Il più piccolo gioca a pallone, tira un calcio e lo smarrisce – dettaglio fondamentale, occhio a non dimenticarvene, ci servirà più avanti. Lo zio, invece, preferisce molestare la sorellina. E di colpo moriturano tutti per mano di qualcuno che a noi non viene mostrato. Già, moriturano tutti tranne quello che sta reggendo la cinepresa e che indugia sui corpi morti. Non si sa chi sia, “ma a me mi piace”.

Roma, giorni nostri, un uomo in vestaglia sorseggia una bibita in terrazzo e parla al telefono. Un Perrone particolarmente ispirato firma un monologo di cinque minuti sul senso del male e l’ipocrisia di quelli a cui non piace la violenza. Jaques (Francesco Malcom, un passato illustre nel porno) si esprime come un libro di testo, pare leggere da un gobbo e sottolinea continuamente allo spettatore che lui sta recitando una caricatura del riccastro.

A me mi piace il male

Poi inizia il viaggio all’avventura “diretto da noi per noi”. I protagonisti sono di nuovo cinque: due straniere che ci pare si chiamino Troie (uno dei pochi riferimenti storici del film), un metallaro che ascolta Britney Spears, un guidatore espressivo come un pangasio e un buro de Roma che per essere caratterizzato meglio indossa una felpa con scritto ODIO TUTTI. La storia inizia in medias res, in macchina, quindi non sappiamo nulla dei personaggi, anche se presto si intuisce che le ragazze sono state rimorchiate in discoteca. Però poi guardi il cielo e intuisci anche che è pomeriggio.
Discoteca pomeridiana a trent’anni?
Sono in giro dalla notte prima?
Si sono conosciuti un finesettimana fa?
«E quante domande, goditi il film e non rompere le balle!»
«Hai ragione, scusa».
«Dai, che poi arriva la parte che a me mi piace!»
Senza porci troppe questioni tentiamo di goderci la vicenda in attesa dei colpi di scena. Nella vettura i cinque amici parlano di quanto è bravo Al Bano e intanto sniffano coca e trasgressivissimo diluente. Si parla di ricordi che non “sovvengono”, di marocchini pestati a sangue e di utili consigli su come evitare alle Troie straniere spiacevoli figure di merda confondendo la parola “genitali” con “genitori”. Le due ricambiano elencando una serie di luoghi comuni sui ragazzi italiani in discoteca, che non fanno prevedere nessun colpo di scena del film, eh, davvero nessuno. E la fiera dell’inutilità è on the road.

Meno male che arriva il primo twist. Qualcosa sbatte sul vetro dell’auto! Il solito cervo sfigato dei film horror! Il solito negro sfigato dei film horror! No, in realtà i ragazzi scoprono che si tratta di un pesantissimo Tango e che, una volta calciato via in un momento di stizza, rovina addirittura la carrozzeria della loro BMW. Per fortuna che non era un SuperTele, altrimenti gli avrebbe sbriciolato i vetri e divelto il cofano.
Stiamo ancora pagando multe accumulate da ragazzetti giocando nei parcheggi.
Il pallone appartiene al bambino del prologo, proiettato ai giorni nostri perché calciato con una potenza di 1.21 gigawatt ha raggiunto la nota velocità di 88 miglia orarie.

Grande Giove!

Il Buro spera ci sia un bambino da picchiare (perché lui odia anche loro, a ricordarlo c’è la maglia). Il metallaro, credibile come un vecchio pelato che fa un headbanging, gioca a calcio e cerca di fare il simpatico dicendo che ha marcato prima Maradona e poi Pelè. L’uomo pangasio, invece, chiacchiera con una delle Troie di come sia meglio disegnare una luna su un foglio di carta. Dopo tanta simpatia e tenerezza, i nostri eroi tornano in macchina e si scopre che sono diretti a un rave. Parcheggiano IN MEZZO a un campo e si inoltrano in un bosco. Intanto si è fatto buio, ma Picchio è talmente impegnato a voler arrivare alla parte che “a me mi piace” che non gioca minimamente con il calare delle tenebre, non crea tensione alcuna e si limita a mettere in scena i dialoghi sempre più retard dei protagonisti.

Le Troie si accorgono che il rave non c’è, i ragazzi si giustificano dicendo che si saranno sbagliati e che ora chiamano un loro amico. Dopo l’imbarazzante trafila di giustificazioni accampate per non aver preso i cellulari, una Troia offre il suo e i ragazzi possono chiamare il loro idolo incontrastato: il filosofo pensatore in accappatoio che adesso è in vasca da bagno a farsi fare una manicure da una donn…ops! da un’altra Troia. Nonostante lo smarrimento i nostri eroi accendono un fuoco, tirano fuori le birre e preparano altre strisce di cocaina, mentre l’uomo pangasio si allontana con una delle Troie e inizia a sbaciucchiarsela contro un muro.

Nel frattempo, un Predator dalla vista rossa scruta con fastidio i nostri amici. Benvenuti negli anni ’80.

A questo punto, improvvisamente, forse a un cenno della mano di Picchio, i nostri amici compiono una strana metamorfosi che dovrebbe gettare lo spettatore nel panico e invece ottiene l’effetto opposto. Una pagliacciata che è un mix dei cardini sui quali il film si regge: “odio tutti” e “a me mi piace”. L’uomo pangasio svalvola e ordina alla Troia che devesucchiargliilcazzotroia (applauso in sala), poi via libera a una gran ricchezza dialogica.

Succhiami il cazzo
Succhiami il cazzo
Succhiami il cazzo
Succhiami il cazzo
Succhiami il cazzo
Ingoiami il cazzo

Zoomate sul faccione psicopatico assortite.
Vicino al fuoco si respira lo stesso clima Kumbaya My Lord.

«Mo te se ’nculamo, troia!» strilla il Buro. E poi:
Troia
Troia
Troia
Troia
Troia
Troia
E giù botte.

Un uso sconsiderato della violenza che perde significato e sfocia sin da subito nel ridicolo. Nessun climax, nessun dolore, nessun senso di vera umiliazione. Impossibile calarsi nelle vesti di un qualsivoglia personaggio ed essere empatico con lui.

Intanto il Predator, basito come l’intera sala, osserva la scena (lui l’avrebbe girata meglio).

Le Troie vengono menate e insultate con poca fantasia. L’uomo pangasio ottiene un pompino pessimo e ne avrebbe ottenuto uno migliore semplicemente lasciando andare avanti le cose… però vuoi mettere la soddisfazione di mollare due cazzotti e quattro calci in pancia mentre si urla: «Troia, succhiami il cazzo!»?

Succhiami il cazzo, Troia!

Le donne sono oggetti punchinball, come già mise in scena Gabriele Albanesi ne Il bosco fuori, e chi le mena è una macchietta da racconto Ammanitiano (vedi Fango, per dirne uno). Il pubblico è subito assuefatto ai cazzotti come in un film di Bud Spencer e Terence Hill, quindi le sberle non hanno alcun peso. In compenso abbiamo una sodomizzazione con forbice…
Ma perché?
Perché a me mi piace.
Giusto, sorry.
… ma sempre stando attenti alla regola di Hollywood che vieta la visione della lama dentro l’ano.
Perché non la vediamo? È questo l’estremo? È questo il disturbante?

La Troia non urla e non grida, resta paralizzata, forse a causa del fastidioso suono che esce dalle casse, decisamente più irritante di una forbice su per il culo.

Godiamoci allora una parentesi del filosofo riccone che, a sua volta, ha legato la sua Troia e, dopo essersi infilato una maschera antigas, cosparge di acido il petto della poveretta. Poi, preso un tubo e infilatolo tra le gambe della Troia, preleva un topolino da una gabbia e lo cala nel condotto. Picchio resta anche qui fedele alla regola degli studios che vieta la visione del roditore a contatto con la vagina della vittima, scena descritta magistralmente, come chiunque sa, da Brett Eston Ellis nel lontano ’91, in American Psycho. Se il film, come dichiarato, si rivolge a un pubblico di nicchia abituato a certe pellicole, il regista deve aspettarsi che queste situazioni estreme siano già conosciute. Già Gianluca Morozzi cita questa scena nella buona graphic Il vangelo del coyote, mentre Trey Parker e Matt Stone fanno ben di peggio con South Park, mostrando le meraviglie dell’intestino grazie a un paio di incursioni anali topesche.

Nella fase post-stupro-extreme-coitale i nostri amici appaiono abbruttiti, una scena su tutte lascia il segno nei nostri cuori: il metallaro in mutande in posa da uomo lupo mentre sputacchia birra sul fuoco (forse per tenerlo vivo?). A questo punto una delle Troie scaglia una pietra e becca uno stupratore in testa (applauso femminile in sala), poi scappa mentre gli aguzzini si gettano all’inseguimento. Nessuno si chiede come mai ci siano torce accese in giro per i ruderi, ma tutti corrono per i boschi, (chi senza mutande e chi grida “Troia!”) fino a quando il Predator si rivela per quello che è: un Jason Voorhees che, smarrita la maschera da hockey, si presenta con la maschera da gladiatore romano. Ah, i nostalgici anni ’80!

Il gladiatore strattona la Troia fuggitiva e con un paletto di legno la inchioda, A MANI NUDE, a una parete di roccia (WTF? A me mi piace!)

Ed ecco arrivare i suoi amici gladiatori che insieme crocifiggono il Buro infilandogli una lancia nel costato e moriturandolo. Da una fuga si passa all’altra. Anche la seconda attri… ehm, Troia sfugge ai rapitori mentre quelli la braccano continuando a chiamarla per nome: Troia! Ma ormai è tardi per tutti loro. Una temibile nebbia anni ’80 si è abbondantemente diffusa tra le rovine e i gladiatori si aggirano come monolitici babbei ritardati che sfoggiano le loro armi e che restano immobili come mummie karloffiane quando vengono disarmati. Continuano gli inseguimenti finché il piede del metallaro non resta infilzato in qualcosa di strano. Lui dà la colpa ai pescatori (applauso e risa in sala), ma noi abbiamo riconosciuto il misterioso manufatto: è Quelo!

Ma torniamo alla Troia impalata, che si libera, dà due sberle a un gladiatore alto quattro metri e grosso cinque e lo fa cadere a terra, ma quello, colpo di scena, si rialza! Lei corre a perdifiato, invece il mostro cammina e… incredibile, è sempre molto, molto vicino a lei. Panico e suspance! Poi moritura anche l’uomo pangasio, ma subisce una fatality in stile Mortal Kombat.

Kim Newman, in prima fila, deve aver pensato: «Aw, fucking italians, they bring me back to the eighties! And without subtitles!»

Il metallaro, unico superstite, non sapendo che fare chiama il suo idolo filosofo e gli dice che “ci sono dei samurai che stanno facendo casino”. In sala è un trionfo di risate. Tra quelli che sono rimasti. Si prosegue con altre moriturate, di cui una con martellone buzzurro e cervella che volano su una tavola con scritte in latino fondamentali per la comprensione del complesso intreccio ma MAI tradotta, e infine c’è un gran bell’epilogo, un sottile e provocatorio simbolismo ricco di mille significati.

Il filosofo del male, probabilmente credendo alla storia dei samurai, si sta recando in loco (sai, se ho a che fare con gente che si strafà di cocaina e mi chiama nel cuore della notte dicendomi che pescatori e samurai stanno facendo casino, non posso che mettermi in macchina e correre da lui SUBITO, che razza di amico sarei se dubitassi?).
Ma sulla strada troverà…
A) un Tango insanguinato con scritto “hic sunt troiones”;
B) Kim Newman che vaga senza meta tutto solo;
C) i nostri cinque amici moriturati e crocifissi .

Verrebbe da alzarsi in piedi e gridare al capolavoro, ma nelle vicinanze Perrone, a colloquio con uno spettatore, è tutto esaltato e sta gridando “è più violento di Martyrs”, e non ce la facciamo più.

Piccolo aneddoto finale. Uscendo dalla sala incontriamo un Kim Newman abbastanza meravigliato.
«Brutto film, Kim», gli facciamo.
«Già, penso sia il peggior film che io abbia visto a questo festival» dice lui, sempre sorridendo.
«Una pellicola italiana… ci dispiace».
«La cosa peggiore», confessa infine lui, «è che sto aspettando lo sceneggiatore che deve darmi un passaggio in albergo».

[Crescizz & Simone]

Science+Fiction 2011 (3 di 3)

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Fri, 25 Nov 2011 07:00:00 +0000

Il terrore di perderci anche il Romero domenicale ci proietta al multisala con tre caffè nello stomaco e sei ore di anticipo sull’incontro pomeridiano con il papà degli zombie. Arriviamo al Cinecity alle 9:30 quando il centro commerciale deve ancora aprire e già ci sono decine di zombi in attesa fuori.

Guardando attraverso il vetro si intravede Kim Newman che, chiuso dentro dalla sera prima, vaga tranquillo per i corridoi: ormai il Science + Fiction è casa sua. Come si aprono le porte ci riversiamo in coda alla cassa, pronti a papparci i biglietti e a spararci nel cervello l’esperienza Gantz, dittico giapponese di oltre quattro ore e mezza tratto da un manga di culto, dal quale solo una persona con le capacità cerebrali di Johnny Mnemonic ne uscirebbe illesa. [Crescizz]

Noi abbiamo tirato avanti rifornendoci di generi alimentari e bevande vitaminiche pur di arrivare in fondo. Bellissimo il primo film, fedele al fumetto nel suo divertente e curioso congegno action sci-fi, mentre il secondo, che veniva proiettato in anteprima universale, è stata un’esperienza di fantozziana sofferenza. Non solo la pellicola è scandalosa, a partire dal formato video e dall’audio danneggiato, ma il film è un morso nelle palle per la noia innescata da una trama priva di senso e annacquata come una bibita alla spina.

Tra le due giapponesate solo dieci minuti di pausa, neanche il tempo di mangiare un panino, perché siamo in ritardo e non c’è tempo da perdere. Toppa organizzativa: se il film è programmato per le 11 non aprite le casse alle 10.30 che, ovviamente, fanno slittare la proiezione di mezz’ora and make Simone and Marco dull boys.

Alle 16.00 abbiamo due occhi enormi e un cimitero di capillari, si captano storie di gente addormentata, suicidata e moriturata, ma cambio di sala veloce e siamo pronti per Romero, finalmente, ecchecazzo! Chiediamo informazioni a Capitan America circa la possibilità concreta di farci una foto con George, ma lui distrugge i nostri sogni dicendo che Romero farà una capatina veloce e poi scapperà via perché “è un vecchietto ed è stanchissimo”. Ce la mettiamo via, quantomeno in sala siamo in posizione centrale e l’altissimo George non è che a pochi metri da noi mentre parla dei sui film meno conosciuti dal pubblico italiano, Martin, Kinghtriders e Night of the Witch, e distrugge giustamente l’insipido remake di The Crazies. Le domande sono appropriate e interessanti (per una volta non si discute di fottuti zombie e fottute critiche sociali), così come le risposte di Romero, lunghe e approfondite, soprattutto quando tocca la corda dei film extra-americani, totalmente ignorati dai cinema USA. E proprio mentre ci piange il cuore perché l’intervista giunge al termine, ci informano che, alla faccia di Capitan America, Romero sarà felice di farsi fotografare con tutti. Io gli arrivo alle ginocchia ma mi consola sapere che Crescizz è più basso di me, un click veloce con Romero e i suoi giganteschi occhiali da nerd, e già che ci siamo scatta la foto anche con i Manetti Bros. [Simone]

!!!

Romero esce con un’ovazione, mentre sullo schermo parte Martin nella versione sgranatissima della pericola originale appartenente alla collezione privata di Joe Dante, già ospite del Festival in passato. Il film è invecchiato male ed è di difficile digestione per il pubblico odierno, molti in sala se ne vanno e credo sia un peccato, perché in quella vecchia pellicola del ’76 è custodito un fascino di sincera denuncia con immagini fortissime per l’epoca e piuttosto sgradevoli anche oggi.

Il nostro Festival finisce qui, mentre la fila per la serata di premiazioni e per la proiezione del remake/prequel de La cosa, che a quanto pare fa cagarissimo, si avvicina a quella della sera prima. Miglior film a Monsters, l’unica pellicola di rilevanza che non siamo riusciti a beccare, mentre L’arrivo di Wang vince sia il premio Nocturno che il premio come miglior lungometraggio fantascientifico e, un po’ a sorpresa, Stake Land si pappa il premio del pubblico quando Troll Hunter sembrava il favorito.

Quello che resta è un’esperienza interessante che ci ha permesso di spaziare in lungo e in largo tra le pellicole di varie nazionalità (basti pensare alle numerose pellicole russa, che proprio non ci era possibile vedere), offrendo anche spazio per i prodotti nostrani che, moriturate a parte, hanno mostrato sostanza e valore. Dispiace per alcuni ritardi sulla programmazione, per la sovrapposizione di alcuni spettacoli, la mancanza di “pause” tra le proiezioni pomeridiane e serali, insomma dispiace non aver potuto visionare ogni singola pellicola e non aver avuto a disposizione un’intera settimana di Festival (o due!) per sfruttare le tante occasioni di meeting che gli organizzatori hanno messo a disposizione.

E dispiace ancora di più non aver avuto tempo di conoscere meglio le molte figure che vi hanno preso parte, e non ci riferiamo solo alle guest star, ma ai molti amici che volontariamente o meno hanno incrociato il nostro cammino, scambiando opinioni e rendendo meno noiose le code e le attese. Auguriamo a tutti loro di poterci incontrare nuovamente all’edizione 2012 del Science plus Fiction di Trieste. Nel frattempo continueremo a parlare delle pellicole del Festival che recensiremo su MINKIAN nei prossimi giorni, mentre io mi gongolo con il cineram vinto. [Crescizz]

Science+Fiction 2011 (2 di 3)

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Wed, 23 Nov 2011 07:00:00 +0000

La giornata inizia con una ricca tavola rotonda alla quale partecipano Giuseppe Lippi, Tullio Avoledo, Maico Morellini (vincitore Premio Urania 2010 con Il re nero) e Fabio Pagan (giornalista scientifico). Si comincia parlando del romanzo di Morellini, il quale confessa, chissà se volutamente o meno, di aver voluto innestare una componente noir su un libro di fantascienza per spingere le vendite del libro, ma anche, rettifica poi, per la sua passione per il giallo. Scatta naturale la domanda di Pagan, che un po’ tutti si chiedono da una manciata d’anni, sul perché il Premio Urania ultimamente venga sempre aggiudicato dal filone del thriller fantascientifico. Lippi conferma tra le righe di avere le mani legate, spiega che in ogni caso vengono premiate le idee originali e aggiunge che anche a lui piacerebbe una maggiore varietà di temi trattati, spererebbe infatti di coinvolgere anche lettori non di nicchia e aver la possibilità di curare Urania con una maggiore libertà. Vedremo cosa ci riserva il futuro.

Si apre un interessante dibattito sull’editoria fantascientifica dagli anni ’60 fino a oggi. Da come i voli nello spazio e la Nasa siano stati fonte di ispirazione per l’immaginario collettivo e di come anche gli accademici, un tempo, fossero più dediti a letture di tipo fantascientifico. A questo si aggancia Tullio Avoledo, canzonando meravigliosamente Giacobbo, portando la sua esperienza di scrittore di genere fantastico e raccontando un po’ del suo rapporto con Einaudi, che storce il naso a ogni accenno fantascientifico presente nei suoi lavori. (Non preoccuparti Tullio, a noi piaci così).

Si passa quindi alla presentazione del volume Era una gioia appiccare il fuoco di Ray Bradbury curato da un Lippi che esprime tutta la sua passione per la materia. Il volume sa un po’ di raschiature del barile, ma per gli appassionati raccoglie comunque una serie di racconti inediti, tra i quali due prequel di Fahrenheit 451, Il pompiere e Molto dopo mezzanotte. Commenta lo stesso Lippi che spiega il mostruoso lavoro di traduzione che si è dovuto sobbarcare e qualche aneddoto sulla difficoltà che hanno avuto in America a far saltar fuori questi scritti. Chiude un aneddoto sulla canzone Fuck me, Ray Bradbury di Rachel Bloom, il cui testo dev’essere apparso talmente poco serio, ai capoccia della Mondatori, che non c’è stato verso di inserirlo come simpatico omaggio.

Torniamo al Cinecity e becchiamo quasi per sbaglio Valentino Sergi, così tutti insieme contribuiamo alla fauna locale, più o meno quella di un negozio di fumetti, ma con un pizzico di odore di ascelle in più. Ci mettiamo in coda per i biglietti e osserviamo basiti un Kim Newman che va girovagando da solo per il centro commerciale, come fosse l’ultimo degli stronzi. Non se lo fila nessuno, ma lui sorride sempre. Ci procuriamo i biglietti per Nuclear Family (Kyle Rankin) e L’arrivo di Wang (Manetti Bros). Per gli spettacoli dalle 19 in poi bisogna tornare a fare la fila e già bestemmiamo perché i film, ovviamente, accumuleranno ritardo e guadagnare tempo per la premiazione di Romero sarà impossibile.

We and the Manetti Bros

Alle 15 ci annoiamo con Nuclear Family, un pilot per una web series dove Rankin, in sala, spiega che ha improvvisato tutto, dal copione alla sceneggiatura, lasciando all’oscuro persino il cast sull’evolversi della situazione. Aggiunge di aver filmato a braccio nel giardino di casa sua e di aver voluto sperimentare parecchio, ma fa lo gnorri quando gli chiediamo quanto abbia copiato da Lost. Date queste premesse le cose erano due: o un capolavoro assoluto, o un pastiche di situazioni destrutturate. Di certo la risposta non è la prima. L’unico a trovarsi a suo agio nel marasma di situazioni sarà un immenso Ray Wise.

Alle 17:30 ci attende la prima vera produzione italiana, L’arrivo di Wang. Già, perché il merito di questo festival è di spaziare da una nazione all’altra permettendoci di respirare cinema di vari paesi. I Manetti Bros, due romanacci simpaticissimi che ci faranno i complimenti sul nostro vestiario Star Wars (una T-shirt Simone e mutande per me – non chiedete come abbiano fatto a vederle, vi prego!) esaltando il nostro lato nerd, sanno bene come usare la macchina da presa e, partendo da un’idea semplice, creano una suspance quasi sempre credibile ed efficace. Ci troviamo a fare i conti con science fiction dura e pura e ci girano un po’ le balle quando, verso la fine del film, un incacchiatissimo Corà deve alzarsi e andare a mettersi in fila per prendere i biglietti di Romero. A me girano un po’ meno.

Ore 19:00. Simone è già in coda da mezz’ora e non sa cosa ne è stato di Wang. La fila di zombie per vedere il loro padre putativo è incredibile, tanto che il centro commerciale deve aprire le porte perché non ci stanno tutti. Do il cambio al mio socio e inizio a barcollare lentamente verso le casse con la bava alla bocca e le mani avanti a penzoloni. I posti disponibili in sala si assottigliano sempre di più. Kim Newman vaga meditabondo attorno alle casse. Arrivo al traguardo alle 20:20 quando Romero è già stato rimesso in frigo e Argento riportato al museo e ci dobbiamo accontentare dei biglietti in terza fila per il dittico italiano composto da The Gerber Syndrome (Maxì Dejoie) e Morituris (Raffaele Picchio).

Innegabile un po’ di polemica, perché non era possibile non preventivare una simile risposta di pubblico a un sabato sera con Romero: aprire le casse un po’ prima (di certo non alle 19 quando lo spettacolo inizia alle 20!) e offrire un altro paio di proiezioni sul programma avrebbe permesso a tutti di beccarsi almeno un cazzo di film. Dietro di noi, infatti, la fila non accenna a diminuire e probabilmente continua in Slovenia. E noi rischiamo di impazzire.

Alle 22:00 affrontiamo il primo, un mockumentary del quale non eravamo pienamente convinti, probabilmente a causa di un Romero mancato e dell’etichetta Made in Italy appiccicata sopra. Con un budget di 20.000 euro il regista racconta però credibilmente l’evolversi di una nuova malattia che trasforma in simil-zombie rincoglioniti. E così, dopo The Gerber Syndrome e il film dei Manetti Bros, forse un po’ di speranza per un certo cinema italiano c’è ancora. Sicuramente non ancora competitivo, ma che comunque ci sta provando e ha ancora qualcosa da dire.

Ci crediamo fino alle ore 00:30, quando arriva il momento del film Evento Speciale Nocturno, che nelle edizioni passate del Festival aveva portato sullo schermo, grazie a Manlio Gomarasca, un prodotto interessante come Frontièr(s) e il capolavoro di Pascal Laugier, Martyrs. Quest’anno tocca invece a una pellicola nostrana, diretta da Raffaele Picchio per la sceneggiatura di Gianluigi Perrone, presente in sala e già conosciuto in casa Nocturno per le sue recensioni. Dopo due film italiani godibili (incredibile!), nonostante la stanchezza e la rabbia che non se ne va, incrociamo le dita per quello che è stato definito come un film crudo e cupo, violento e oltraggioso, un puro film nocturniano, qualsiasi cosa voglia dire.

Alle due di notte, a spettacolo finito, moriturati dalla capolavorosità del film di Picchio, le bestemmie si sprecano, ma a risollevarci il morale ci sarà Kim Newman che, presente in sala, sorride sornione sotto i baffoni. Per un approfondimento di Morituris ci si ritrova tra qualche giorno con il dossier apposito. [Crescizz]

Science+Fiction 2011 (1 di 3)

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Mon, 21 Nov 2011 07:00:00 +0000

Dopo un’edizione 2010 avara di titoli interessanti e priva di personaggi di spicco, con il 2011 il Trieste Science+Fiction si risolleva, nonostante i tagli dal lato economico che hanno penalizzato il Festival rischiando di distruggere quanto di buono fatto in passato, e come il più implacabile dei morti viventi torna per mordere con un nome su tutti, George A. Romero, che quasi da solo ha attirato, si vocifera, 15.000 persone.

Concorso: indovina a chi appartengono queste strane cose marroni

Il nostro festival inizia venerdì 11.11.11, secondo giorno di eventi e proiezioni, con una presentazione mattiniera, rigorosamente (e azzardatamente) alle ore 11 per propiziare le divinità cosmiche, di due saggi cinematografici. Comincia Leonardo Gandini con un volume sul cinema americano, mezz’ora snob e a senso unico con simbolismi e cripticismi tipici della casa editrice, la Carocci, che stuzzicano il sonno come i librazzi sulla Didattica pappati all’università, poi per fortuna arriva Kim Newnam, trench da investigatore privato, abbigliamento da lord ottocentesco e buffo sorriso perenne, che si rivelerà vero e proprio eroe del festival.

Difficile capire il motivo di una presentazione italiana di un mastodontico tomo di un miliardo di pagine, in lingua originale, che ripercorre la storia dell’horror dal ’68 a oggi, questo Nightmare Movies, appena 25 euro con lo sconto, nuova versione, più completa e abbondantemente aggiornata, dell’opera uscita per la prima volta negli anni Novanta a cura di un editore, come racconta il simpatico Newman, fallito una settimana dopo la pubblicazione. Molti aneddoti (come l’immagine porno-splatter di Cannibal Ferox scoperta per caso dall’editore) ed estrema disponibilità, Kim Newman si dimostra persona innamorata del proprio mestiere e del cinema, ne parla con una passione viscerale impossibile da non ammirare, peccato per i risicati venti minuti a disposizione.

Ladies and gentlemen, mr Kim Newman in tutto il suo british style

Saltiamo l’incontro con Gipi perché siamo incazzati che la presentazione di mr Newman sia finita sul più bello per via dei ritardi accumulati precedentemente, proviamo a incastrarci con le proiezioni pomeridiane, salvo poi cercare di incastrarci anche con il masterclass di Romero, di cui ci avvisa in extremis Matteo Poropat, ma infine ci tocca perdere per alcune carenze nello sdoppiamento di persona su cui si dovrà lavorare in futuro. Discutibile l’orario per l’incontro più succoso con il papà degli zombie, le 17 nel centro della città non sono di certo il momento più ideale, soprattutto quando in serata lo stesso evento avrebbe avuto protagonista Gipi, che diventa involontariamente nostro acerrimo nemico, e invertire gli spettacoli avrebbe sicuramente reso tutti più sorridenti e meno inclini alla violenza. Si mormora tuttavia che il masterclass non sia andato molto bene, gestita da mirabolanti esperti cinematografici che in realtà rendono perplesso Romero con domande inadeguate e riflessioni errate sui suoi film.

Molto favorevole è comunque il prezzo dell’abbonamento, 20 euro (15 per gli studenti), a conti fatti davvero un’occasione data la possibilità di stordirsi tranquillamente con una quindicina di film (e qualche Red Bull per non morire nel frattempo). Quasi tutti i film sono già stati visti e ampiamente discussi in rete, uno, L’ultimo terrestre, è già stato addirittura proiettato al cinema, ma la qualità generale e il non averne visto manco uno ci sono d’aiuto nella scelta di spararceli tutti dritti nel cervello.

Si parte con un ritardo di 45 minuti, che fa di tutto per sballare l’intero programma del giorno e quasi ci riesce. Di fronte a oltre duecento persone che campeggiano puzzolenti in ogni angolo del Cinecity, è clamorosa la spiegazione dell’organizzazione, nelle vesti di questo personaggio, ribattezzato Capitan America per una simpatica t-shirt indossata il giorno dopo: nessun problema video, nessuna magagna elettronica, nessuna pellicola dimenticata a casa, se Troll Hunter non inizia è perché c’è un troll gigante in giro per il cinema. Grande umorismo al quale sopravviviamo eroicamente perché Troll Hunter vale l’attesa: mockumentary fresco e divertente, con un ottimo taglio autoironico in contesto horror di notevole fascino folkloristico, a parer di Crescizz miglior film del festival.

Tocca poi a The Show Must Go On, pellicola che mostra, a partire dal titolo, perché la Croazia non faccia film di fantascienza da trent’anni: una manciata di concorrenti di una sorta del Grande Fratello continuano a essere ignari protagonisti dello show nonostante all’esterno infuri una guerra nucleare. Ridicolo e inverosimile, mal recitato e superficialmente scritto, ma con un’eccentrica scelta di fotografia e costumi, resterà impressa la scena in cui il protagonista sopravvive allo scoppio di un MISSILE a dieci centimetri da lui. Speriamo che la Croazia torni nel silenzio fantascientifico degli ultimi trent’anni e non ci sia il sequel con L’isola dei famosi. Il regista doveva essere in sala, ma Capitan America dice ridendo che “era qui ma lo abbiamo perso, peccato perché c’era anche la traduttrice”. Noi, una mezza idea di dove siano e cosa stiano facendo, ce la siamo fatta.

Quelli di Stake Land, più duri e splatter che mai

Alle 20.00 si riparte, raggiunti da un altissimo Matteo Poropat, con Stake Land, solita solfa post apocalittica con mostri mezzo vampiri mezzo zombie mezzo messicani, tutto già ampiamente visto e prevedibile, ma nel complesso comunque un film gradevole per il suo impatto sanguinario e certe tematiche sollevate. In sala, regista e sceneggiatore/attore principale sono simpatici e molto soddisfatti del risultato ottenuto: lo si vede dai sorrisi, dalla disponibilità, dalla timidezza di Nick Domici (che nel film interpretava un duro motherfucker) e dalla loquacità di Jim Mickle, che sgambetta tutto agitato. Piove una polemica dal pubblico, tipicamente italiana, sulla questione religiosa, alla quale Mickle e Domici fanno i signori rispondendo con l’equivalente di un “certo, hai ragione tu”.

Si conclude la serata alle 22.15 con Extraterrestrial, che si rivelerà a parer mio miglior pellicola del festival: esilarante commedia sugli equivoci, di sci-fi c’è poco ma la rielaborazione di certi topoi è strepitosa. Il mostruoso ritardo iniziale è stato in parte ammortizzato, quindi siamo fortunati a cenare rapidi all’una di notte, si soffre poi la bora triestina e via a nanna, il secondo giorno è già incombente. [Simone]

L'obiettivo sarà fare una foto con quest'uomo: