MIDIAN

Recensione: Una notte di pioggia, di Richard Laymon

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Wed, 15 Feb 2012 07:00:00 +0000

Sperling & Kupfer, 1996 (fuori catalogo)

294 pagine

Al giorno d’oggi tutti scrivono di zombie, e basta farsi un giretto su Amazon, sezione narrativa di genere in lingua originale, per mettersi a sbadigliare di fronte a decine e decine di romanzi tutti uguali, che nulla aggiungono a un filone di per sé morto da molto tempo, limitandosi invece a riproporre sempre gli stessi schemi. Difficile allora chiedersi di chi sia la colpa di tanta noia, di tanta pochezza e sterilità, se si tratti di totale mancanza d’idee degli autori o di una più proverbiale inabilità di scrittura mischiata a furbizia in questi periodi di moda.

Perché una volta non era così. Prendiamo questo Una notte di pioggia, che parla di zombie (corridori, in questo caso, e più vicini agli infetti di 28 giorni dopo che ai mangiacervelli romeriani), di sopravvissuti, di caos nelle strade, il tutto con uno spunto narrativo estremamente minimale (una pioggia nera che trasforma in bestie indiavolate chi si bagna) che nell’insieme sembra mostrare la solita storia, la più classica e conosciuta in questo particolare sottogenere, con personaggi-simbolo dei B-movie (il poliziotto buono, la cameriera, il gruppo di teppisti). Eppure, Una notte di pioggia funziona benissimo. Cosa sarà, magia?

Sarà invece che Richard Laymon è un bravo narratore, e anche con un’idea sulla carta poco interessante, soprattutto a leggerla in questo momento, riesce a ottenere trecento pagine estremamente scorrevoli e accattivanti, dosando con perizia il ritmo e bilanciando piacevolmente i punti di vista dei tanti personaggi (anche con una traduzione che non gli rende merito, non sempre fluida e zeppa di ripetizioni). Il suo infatti è uno stile semplice ed efficace, rapido ma attento, che sfrutta i cliché per presentare spunti e situazioni tutto sommato sempre interessanti, capaci ovvero di andare al di là dell’ovvietà, al di là della prevedibilità, in modo da non far mai scivolare l’attenzione sotto le scarpe, mormorando magari un terribile “’sto romanzo non finisce mai”. Di suo, Laymon aggiunge una certa morbosità, tipica dei suoi scritti, che qua e là traspare dato il forte carattere sessuale quando gli uomini-bestia si lasciano andare agli istinti più primordiali, e uno stimolante body-count che si porta dietro anche vittime inaspettate.

Non mancano i difetti, si avverte ogni tanto una leggera confusione con infetti che tornano normali ma poi sembrano di nuovi mostri ma forse non del tutto, probabile però che la traduzione abbia fatto qualche danno. Se vi capita di recuperarlo, quindi, e siete in astinenza di una bella storia zombesca, con un buon retrogusto eighities che si respira a ogni pagina, con Una notte di pioggia andate sul sicuro (tanto si trova tranquillamente il PDF).

Recensione: Sherlock - stagione uno

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Mon, 13 Feb 2012 07:00:00 +0000

2010, UK, 3 episodi, 90 minuti cad.

Creato da: Steven Moffat, Mark Gatiss

Network: BBC

Mentre Doctor Who terminava la sua quinta serie, si riposava e si preparava per una sesta che si sarebbe rivleata incredibile, Steven Moffat, coadiuvato da Mark Gatiss, altro sceneggiatore della serie tv sci-fi per eccellenza, presentava Sherlock, una rielaborazione moderna del famoso detective, da poco approdato in chiaro su Italia 1 mentre in madrepatria si concludeva la seconda stagione.

È un caso che abbia da poco visto il primo Sherlock Holmes di Guy Ritchie, un pallido e noioso riadattamento che nulla ha da offrire se non qualche scazzottata, e devo dire che la versione filmica ne esce con le ossa sbriciolate, dal confronto con il fratello televisivo, per quanto il sempre superbo Robert Downey Jr. sia bravo a fare a pugni. Tutti conoscono l’eccentrica personalità dell’investigatore, serio, posato, sagace e infallibile nelle riflessioni e nei ragionamenti che lo portano a risolvere qualunque caso, elegantemente british nella sua ironica altezzosità che lo isola dal mondo che lo circonda, caratteristiche che solo Moffat sa realmente cogliere per offrirne una versione nuova, intrigante, irresistibile, che coinvolge e convince senza ricorrere a sleali trucchetti (azione, effetti speciali, combattimenti, yawn…) che Ritchie ha invece abbondantemente usato.

Per certi versi si potrebbe dire che lo Sherlock moffattiano, interpretato con raffinata maestria da Benedict Cumberbatch, è un Doctor meno pazzo e più calmo e permaloso, sicuramente fedele agli scritti di Conan Doyle ma con quel pizzico di squisita follia ironica che lo incastra perfettamente nel 2011 in cui vive: l’uso sfrenato degli sms, lo strano rapporto con Internet, l’abuso di cerotti alla nicotina sono solo alcuni dei dettagli che rafforzano una figura immortale che non ha motivo di essere stravolta, come pensa invece Ritchie, per poter funzionare ancora e piacere al pubblico.

Nato dalle ceneri di un episodio pilota bocciato dalla BBC, Sherlock si struttura in tre film di circa novanta minuti ciascuno, tre storie stand alone se non per un minuscolo collegamento utile più che altro a creare il cliffhanger finale della stagione. Moffat sceneggia il primo, che si rivela il migliore per la raffinata costruzione, per i personaggi meravigliosamente caratterizzati e per i dialoghi brillanti, ricchi di un umorismo ingegnoso e inarrestabile: un caso in apparenza molto complesso e inestricabile, riguardante un serial killer che spinge le sue vittime a suicidarsi, che si risolve invece con rocciosa linearità.

Il secondo episodio, scritto da Stephen Thompson, è invece il minore dei tre, non perché brutto ma perché incapace di gareggiare con la perfezione matematica del precedente: una storia affascinante, quindi, che tocca argomenti circensi e mafiosi, con una trama che svela la sua natura molto lentamente mostrando la buona struttura narrativa, ma meno sfolgorante nei dialoghi, per quanto il rapporto tra Sherlock e Watson (il bravo Martin “The Hobbit” Freeman) sia sempre divertente. È forse nei personaggi che mostra la sua vera lacuna, scegliendo infatti di abbandonare le ottime figure create da Moffat per introdurne di nuove ma non altrettanto riuscite. Comunque una visione molto piacevole.

Il terzo e ultimo film, scritto da Gatiss, torna a pareggiare l’alta qualità, inscenando una storia estremamente complicata, molto tortuosa nel suo avanzamento cervellotico e sicuramente compressa nei canonici 90 minuti di durata, ma talmente veloce e trascinante, così ricca di spunti e trovate nella sua costruzione, fatta di molteplici mini-casi risolti da Sherlock in rapidissima successione, da scaraventare verso una conclusione efficace e vincente, con un cliffhanger non nuovo ma giustissimo.

La regia è generalmente pulita, siamo ormai in tempi in cui è difficile trovare un prodotto televisivo che risponda ancora a connotati così arretrati e per certi versi negativi, e in Sherlock c’è spazio anche per alcune soluzioni visive (i testi degli sms o alcune riflessioni di Sherlock che appaiono su schermo), affascinanti anche se non sfruttate a pieno.

Visione imprescindibile per chi segue Doctor Who e crede che Steven Moffat sia il nuovo messia. Per tutti gli alri, be’, Steven Moffat è il nuovo messia, quindi guardatelo.

Recensione: The Haunted World of El Superbeasto

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Fri, 10 Feb 2012 07:00:00 +0000

2009, USA, colore, 77 minuti

Regia: Rob Zombie

Sceneggiatura: Rob Zombie, Tom Papa

Con la mente immersa in troppi progetti, cinematografici e musicali, bene o male mantenuti sempre al di sopra di una certa qualità, era palese che Rob Zombie consumasse energie fino a spegnersi miseramente con quel Halloween 2 che poco, pochissimo mostrava di quell’estro folle, citazionista e morboso visto con La casa de 1000 corpi e La casa del Diavolo. Ma prima di imbarcarsi in The Lords of Salem, che a giudicare dai primi pettegolezzi incuriosisce parecchio, Rob Zombie pare proprio distendersi, rilassarsi e divertirsi con questo The Haunted World of El Superbeasto, film animato tratto dai comics, da lui stesso creati, con protagonista uno stupido, palestrato, erotomane e violentissimo wrestler mascherato, El Superbeasto, appunto.

Siamo dalle parti della demenzialità più splatter, che punta quasi tutto sulla simpatia pulp della storia, riguardante impossibili piani occulti nazisti, mostri deformi, zombi assatanati, vendette demoniache ed evocazioni violentissime, in un gioco exploitation fatto di tette e sangue per cui Zombie si era già fatto apprezzare (il finto trailer Werewolf Women of the SS). La trama è un divertente pretesto per mettere quante più creature mutanti, gore e culi sullo schermo, niente più, ma a un film del genere non si richiede naturalmente chissà quale intreccio narrativo, e infatti i segmenti di cui si compone il plot ben funzionano nell’amalgama horror old style, sopra le righe nel suo citare anche a sproposito le maggiori figure dell’iconografia del terrore.

Tanta volgarità e il puro gusto dell’esagerazione non sempre però si rivelano azzeccati, e se di fronte ad alcune scene si ride e si applaude per il marchingegno sporcaccione messo in piedi (la presentazione di Suzie-X e la lotta nel castello dei nazisti, la telecronaca musicata della marcia degli zombi), si rimane un poco perplessi nell’avere saltuariamente a che fare con battutacce o situazioni piccanti che ricorrono a una banale e stanca inventiva (il motivo della rabbia del Dottor Satana), e in generale si sbuffa per la poca simpatia del protagonista, goffo nella sua prestanza muscolare e quasi mai trascinante nel suo rocambolesco modo di risolvere i problemi.

Non è tuttavia un gran difetto, il parco personaggi è infatti vasto e ben delineato (l’addetto all’ascensore, la stripper Velvet) e bastano questi, oltre alla quantità di sangue versato, ben rappresentato nel disegno deformed tipicamente americano, a risollevare le pellicola nei suoi momenti più fiacchi.

Recensione: Apollo 18

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Tue, 07 Feb 2012 07:00:00 +0000

2011, USA, colore, 86 minuti

Regia: Gonzalo Lopez-Gallego

Sceneggiatura: Brian Miller

Se il mockumentary pare essere diventato l’unico stile cinematografico utile a realizzare pellicole di genere dai costi contenuti, è altrettanto vero che non basta avere una telecamera traballante e quattro attori affannati per fare un buon prodotto. Il risparmio dei mezzi, lo pseudo-realismo della messinscena, la costruzione atmosferica che sparge inquietudine, la ricerca di un orrore fatto di piccoli segnali capaci di essere devastanti, non sono infatti pochi i pregi di questo particolare filone, quest’astuzia filmica che su di me ha un effetto stordente e terrorizzante come poche altre cose, data la mia paralisi totale con cose tipo il finale di The Blair Witch Project o le lentezze asfissianti di Paranormal Activity. Siamo però arrivati a un punto in cui il mockumentary, spremuto il già di per sé poco succo a disposizione e ripetuto all’infinito nello stesso schema, è ormai diventato sinonimo di noia, di esasperazione, di “oddio, un altro mockumentary, basta cazzo!”

E così mi guardo questo Apollo 18, nuovo nuovo, pare fatto molto bene, si basa su uno spunto fascinoso e ha tutte le carte in regola per farmi cambiare più volte le mutande, ma in realtà rappresenta il contrario di tutta la bontà espressa dal mockumentary in questi anni. Attentissimo alla resa visiva di un rullino degli anni Sessanta, con graffi, tagli e adeguata fotografia che testimoniano il tempo trascorso, Apollo 18 si sottomette totalmente a questa patinatura che, di fatto, toglie qualsiasi altra cosa all’opera di Gonzalo Lopez-Gallego: quindi nessun crescendo d’ansia, nessuna scalata verso un orrore innominabile e scioccante, nessuna atmosfera che generi ansia, nervosismo o anche solo un minimo di tensione in questi ottanta minuti scarsi, ma una semplice esposizione, fredda e indifferente, di fatti che, tra le altre cose, in più di un’occasione annegano nel ridicolo più glaciale.

Qualche anima pia dovrebbe far vedere a mr Lopez-Gallego Fascisti su Marte, ma giusto per completezza, perché se chi già conosce lo show/film di Corrado Guzzanti non può evitarsi parecchie risate di fronte agli eventi soprannaturali di Apollo 18, bisogna dire che la gestione della flora lunare è piuttosto imbarazzante, a partire dalla clamorosa zoomata nei primi minuti che comunica e precisa allo spettatore, invece di tenere il mistero saggiamente sullo sfondo in modo da incrementare stranezza e realismo, qualcosa tipo “ehi, eccolo qui, l’orrore, guardalo per bene, mi raccomando!”

Il resto è una semplice riproposizione del tema del parassita alieno che gradualmente rapisce corpo e mente dell’organismo ospitante, senza che però vi sia mai un momento di adeguata profondità utile a dare sostanza a quanto raccontato. Tutto viene narrato con esasperata, e inutile, velocità, dalla piatta presentazione degli astronauti alle loro disinteressate questioni di convivenza, annoiando ripetutamente per la completa mancanza del clima necessario ad artigliare lo spettatore, e la visione diventa pertanto svogliata addirittura dopo i primi minuti, quando si inizia a intuire lo spento meccanismo narrativo che trascina mortalmente il film.

Per fortuna che ci sono i Mimimmi a portare gioia e felicità nel lato oscuro della Luna.

Recensione: I guerrieri del ghiaccio, di George R.R. Martin

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Fri, 03 Feb 2012 07:00:00 +0000

Mondadori, 2011

486 pagine, 19,00 Euro

È difficile giudicare quello che a conti fatti è soltanto un pezzo di libro, la parte iniziale che, naturalmente, è sempre la più lenta e la meno avvincente, in particolar modo nel caso di Martin, che ha bisogno di pagine e pagine per smuovere le sue decine di personaggi in situazioni divenute colossali. La stratificazione delle Cronache del ghiaccio e del fuoco ha raggiunto infatti livelli vastissimi, e il solo A Dance of Dragons serve a coprire le sorti parallele dei personaggi non menzionati nel precedente A Feast for Crows: I guerrieri del ghiaccio quindi segue essenzialmente le vicende iniziali di Tyrion, Jon Snow e Daenerys, per 400 pagine sì affascinanti ma che, come da tradizione, se la prendono molto comoda.

Certo, ci troviamo di fronte a scenari mastodontici, soprattutto nei capitoli con Tyrion, dove Martin si sofferma a descrivere abitudini e folklore locale di luoghi di cui finora non aveva ancora trattato, porzioni che sicuramente potevano essere accorciate in favore di un maggior ritmo, di una compattezza più decisa, ma che in realtà piacciono proprio per il loro lento incedere, così come la nave che trasporta il Folletto, in territori magici e antichi, custodi di un segreto che pare finalmente posizionare i primi tasselli utili a collegare i tanti interrogativi nati in questi anni.

Non è molto diverso il discorso sui capitoli riguardanti Jon e Daenerys, i primi incentrati sugli ostacoli nati dalla difficile convivenza tra il ragazzo, ora al comando della Barriera, e il burbero Stannis, mentre i secondi dedicati alle sofferte decisioni che la ragazza Targaryen deve prendere per compattare il suo popolo. Non è che accada poi molto, in queste porzioni di storia, Martin le sfrutta per costruire le fondamenta di quanto si verificherà in seguito (l’impossibile difesa della Barriera da una parte e i nuovi nemici di Daenerys dall’altra), ma l’avanzamento pachidermico della trama sembra accomodarsi su questioni forse non così importanti e un poco forzate (su tutte, l’ennesima rinuncia di Daenerys alla conquista del Regno). Ci si “accontenta”, allora, di travagliate parentesi sull’inattuabile conquista del Regno a opera di Stannis, che richiede invano la collaborazione dei popoli del Nord, e di raffinate riflessioni sul ruolo della giovane regina dei draghi, sicuramente uno dei personaggi migliori della saga, che matura di capitolo in capitolo mostrando forza e intelligenza.

Non c’è dubbio che sia sempre un gran bel leggere, Martin scrive divinamente con una particolare attenzione per il crescendo dei capitoli, strutturati con invidiabile maestria, ma una maggior sostanza avrebbe probabilmente assetato di più chi agognava il nuovo libro della saga, arrivato dopo troppi anni dall’uscita del precedente volume. Non è comunque possibile farsi un giudizio vero e proprio su questa crudeltà editoriale, per cui mi fermo qui e attendo l’uscita del PDF scrauso del nuovo spezzone.

Recensione: The Killing - stagione uno

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Tue, 31 Jan 2012 09:00:00 +0000

2011, USA, 13 puntate, 45 minuti cad.

Creato da: Veena Sud

Network: AMC

Non è cosa nuova che gli americani fatichino a confrontarsi con il mercato cinematografico estero, risolvendo facilmente la questione di una diversa cultura da comprendere ordinando remake su remake che sviliscono, appiattiscono e in generale distruggono la bontà di prodotti provenienti da Europa e Asia per liofilizzarli verso un pubblico apparentemente incapace di apprezzare qualcosa che non sia hamburger e patatine.

Da qualche anno anche la tv è rimasta vittima di simili operazioni, partorendo orribili serie a stelle e strisce che impoveriscono le raffinate matrici originali (Life on Mars, Being Human), e offrendo soltanto raramente, ma guarda caso in aerea non di genere, qualche prodotto valido (il brillante The Office, che addirittura supera la sua controparte britsh). Era palese che da questo The Killing fosse difficile aspettarsi qualcosa di buono, per certi versi troppo distante la fredda Danimarca, patria dell’originale e campione di pubblico Forbrydelsen, per poter ottenere valide atmosfere e ritmi adeguati, ma invece Veena Sud centra un obiettivo insperato e benvoluto.

La pioggia cade incessante, nella Seattle dove prende vita questa prima stagione, un luogo buio, che fa sentire a disagio nei suoi colori marci e opprimenti, un luogo ideale per rinvenire il cadavere di un’adolescente. L’omicidio di Rosie Larsen, sin dalla frase di lancio della serie, richiama apertamente e volutamente Twin Peaks, e gli omaggi, di certo non plagi data la spiccata somiglianza di alcuni momenti clou, non si fermano qui, ma nonostante l’insistita citazione possa di per sé influenzare negativamente una visione spassionata, o magari limitata al bel pilota, The Killing vive di una vita propria ben distinta e lontanissima dalle atmosfere oniriche e soprannaturali dell’opera di David Lynch.

The Killing è una di quelle storie in cui sembra succedere poco o niente, dove il ritmo è lento, pacato, meticoloso nella costruzione atmosferica/psicologica e del tutto indifferente a momenti action, sparatorie e impossibili colpi di scena (che sono comunque presenti), e ne è d’esempio l’episodio totalmente dedicato al figlio della detective Linden, scollegato dal plot ma fondamentale per la spirale di nervosismo, preoccupazione e ansia di cui è vittima la donna, un personaggio forte, risoluto e burbero, poco incline al sorriso o anche solo a una minima dimostrazione emotiva.

La sua spalla è un poliziotto giovane e arrogante, incapace di tenere la lingua a posto, probabilmente anche un poco losco dati certi spunti suggeriti allo spettatore, ma con Linden forma una coppia strepitosa perché i due, nel loro non andare d’accordo, non inseguono soluzioni ironiche o spiritose per far presa sul pubblico, appaiono bensì reali nelle problematiche di convivenza durante l’indagine, avvicinandosi realisticamente e meravigliosamente un poco alla volta, quando entrambi iniziano a conoscersi e a capire che c’è molto altro sotto le loro croste caratteriali così difficili e inquiete.

L’omicidio di Rosie Larsen si rivela essere un caso piuttosto articolato, molte sono le pedine in gioco e il largo spazio dedicato alla scalata politica di Darren Richmond, una vera e propria trama parallela, intensifica le puntate donando un buon realismo nei dialoghi e soprattutto nelle interazioni tra i personaggi, sfaccettati, ben costruiti, che necessitano di tempo per assimilare l’accaduto e a reagire. È inoltre parecchio interessante la struttura di questa prima stagione, figlia di un’ottima pianificazione (anche se, non avendo visto l’originale, non so quanto sia farina del sacco di Veena Sud) che piazza almeno un paio di svolte, una in particolare, davvero riuscite nel loro rimescolare le carte in gioco e nel dare continuo respiro a una vicenda che acquisisce complessità man mano che progredisce.

Non resta quindi che attendere la seconda stagione, con probabile partenza in primavera, nella speranza che il tormentato quesito “Chi ha ucciso Rosie Larsen?” trovi risposta prima che una temuta annacquatura si dilunghi in stagioni non volute che finirebbero per rovinare tutto.

Fangboy, di Jeff Strand

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Thu, 19 Jan 2012 07:00:00 +0000

Delirium Books, 2011
226 pagine, 16,95 € (kindle 7,17 €)

Novella tipicamente burtoniana, con un’atmosfera da impossibile fiaba del terrore, Fangboy racconta del povero Nathan, nato con dei minacciosi denti da squalo, e delle sue tragicomiche avventure pur di essere accettato dalla società. Ci troviamo in chiari contesti fiabeschi, Jeff Strand non pretende che il lettore identifichi realmente la storia, e difatti esagera di personaggio in personaggio, descrivendo personalità strampalate, comportamenti deliranti e situazioni mediamente assurde.

Ciò che più piace di questo romanzo breve è infatti l’intento comico, che fuoriesce con naturalezza e privo di forzature dalla limitata visione del mondo dello sfortunato Nathan: tra le considerazioni dei suoi genitori, il travaglio patito a scuola, la bizzarra carneficina al circo e soprattutto l’odissea patita sotto il ghiaccio, Fangboy è una lettura parecchio divertente, addirittura brillante in alcuni casi per mezzo dello stile semplice e valido di Strand, che descrive in maniera pulita contesti e personaggi, anche nei momenti più esaltati, senza ricorrere a tortuosi giri di parole o a complesse metafore come, per esempio, amano fare Pratchett o Adams.

L’intreccio è molto movimento, succedono parecchie cose con un ritmo vertiginoso perennemente supportato da un’instancabile carica ironica, che sottolinea con eleganza e rapida precisione, sfruttando l’ingenuità tipica dei bambini, ogni singolo passaggio: Nathan non ha un attimo di respiro e rischia di morire grossomodo a ogni pagina, e anche nelle parti più banali (su tutte il circo di freak, capitolo ovviamente inevitabile data la natura mostruosa del bambino) Strand sa sempre rivoltare la vicenda creando situazioni insolite e spassose (i ladri uccisi per noia, l’incendio), dipinte con dialoghi opportuni, sagaci, che si fermano nel momento giusto prima di dilagare in territori stanchi o ripetitivi.

I personaggi sono funzionali alla storia, si va dalle macchiette esasperate (Beverly e la sua mascolinità, il malvagio direttore dell’orfanotrofio) a profili particolarmente ispirati (Jameson e la sua paura di morire, il dottore che ha in cura Nathan, l’esploratore), che nel complesso alternano efficacemente le disavventure di Fangoby, in un buon equilibrio tra macabro e ironico. Peccato solo per una parte finale dove la comicità prende il sopravvento portandosi via tante buone idee soprannaturali in pagine fin troppo veloci e al servizio di una sbrigativa satira dei cliché orrorifici: lo spunto dell’apocalisse di pseudo-zombi è infatti vincente e insolito, così come lo strambo happy ending, ma viene risolto con troppa facilità (soprattutto nel caso del boss finale), senza quella vivacità irresistibile del resto del romanzo.

Recensione: Attack the Block

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Mon, 16 Jan 2012 07:00:00 +0000

2011, UK/Francia, colore, 88 minuti
Regia: Joe Cornish
Sceneggiatura: Joe Cornish

Doveva esserci un motivo se, nella triade inglese incaricata da Spielberg di sceneggiare il suo Tin-Tin animato, accanto a Edgar Wright e a Steven Moffat trovava posto una new entry, un nome non ancora conosciuto tanto al cinema, dove Wright è sinonimo di invenzioni, quanto in tv, dove Moffat significa Doctor Who, questo giovane autore che pare però saperla lunga sia nei panni di sceneggiatore che di regista.

Attack the Block è dunque l’esordio di Joe Cornish, ed è un esordio favoloso e insperato soprattutto considerando il target semi-adolescenziale a cui è bene o male destinata la pellicola. Un’invasione di alieni-gorilla dalle fauci fosforescenti contrastata da una banda di giovani criminali di periferia, questo è quanto la sinossi ha da offrire e, in soldoni, questo è quanto il film è, ma c’è talmente tanta freschezza nella realizzazione di Attack the Block da renderlo una visione estremamente coinvolgente per i suoi rapidissimi 80 minuti di durata.

Questo perché Cornish caratterizza un pugno di teppistelli con grande energia ironica, rendendoli brillanti, sinceri, irresistibili e ben inquadrabili sin dai primi istanti. E con un parco-personaggi sostanzialmente perfetto, che oltre ai ragazzi vede anche ciccio-Nick Frost nei panni di un simpatico bombolone sniffa-erba, la vicenda che ruota loro attorno pare scriversi da sé con dialoghi veloci e ficcanti, battute a raffica perfettamente integrate nella situazione vagamente drammatica e disperata, e una sequenza di morti che mostrano quanto Attack the Block, prima di tutto, prima della comicità, prima dell’atmosfera stralunata, sia un film di fantascienza serio.

Cornish dirige con ritmo incredibilmente vivace, il film è infatti un continuo, incessante inseguimento, una fucilata senza respiro dove i ragazzetti fuggono dagli originali marziani pelosi cercando qua e là di reagire, il tutto sottolineato da un’adeguata, martellante e fortissima OST di stampo elettronico. Spunto esile, quindi, ma, come dicevo all’inizio, Cornish lo gestisce con enormi abilità, spremendo la pellicola e offrendone al pubblico il succo migliore.

Recensione: Detective Dee e il mistero della fiamma fantasma

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Fri, 13 Jan 2012 07:00:00 +0000

2011, Hong Kong, colore, 122 minuti
Regia: Tsui Hark
Sceneggiatura: Kuo-fu Chen, Jialu Zhang

Kolossal scenografico che pianta le sue radici nella storia cinese più folkloristica che reale, Detective Dee e il mistero della fiamma fantasma lascia piacevolmente stupiti da una notevole visività, fattore su cui chiaramente punta tutto il ritrovato Tsui Hark: impressionanti riprese di una capitale caotica e ricca di dettagli, inquadrature vertiginose nell’immensa statua del Buddha, sbalorditivi schieramenti militari con finezze ovunque si posi lo sguardo, con un rigore millimetro nel vestiario, nelle armature e nelle sempre diverse e fantasiose acconciature dell’imperatrice.

Naturalmente, per quanto Detective Dee sia un insolito miscuglio di generi come solo il cinema di Hong Kong potrebbe produrre (fiabesco, horror, giallo, storico, avventuroso), è sostanzialmente il wuxia la sua matrice di riferimento, ed è difatti sui combattimenti che viene posta meticolosa attenzione registica. Dagli scontri con spesse catene che volano come fruste a magie visive dove gli abiti diventano pastelli sfumati sullo sfondo, dalla classica superforza con cui l’oggettistica perde ogni consistenza reale e diventa semplice arma da lanciare (in particolar modo i tronchi nella sequenza della città sotterranea) alle acrobazie impossibili e disumane, il piacere visivo è continuamente rinnovato da trovate funamboliche che arricchiscono i già splendidi duelli.

È però dal punto di vista narrativo che la pellicola incontra infelici lacune: Detective Dee soffre infatti di vistosi cali dialogici e strutturali, difetti che potevano essere perdonati nella concezione di un semplice film di cappa e spada, ma essendo l’ultima opera di Hark un impasto multigenere era necessario dare maggiore importanza alla sceneggiatura, scritta da quel Kuo-fu Chen che già aveva pasticciato in passato con lo script dell’interessante Double Vision. L’intreccio, pur risolvendosi con deludente facilità, si costruisce rapidamente con strati di curioso mistero (la morte per combustione spontanea di due architetti impegnati nella costruzione della statua del Buddha) e fascino soprannaturale prettamente orientale (il cervo parlante, la città sotterranea popolata da mostri e reietti, gli spilli che mutano le fattezze corporali), agevolato da un ritmo sostenuto che assesta tassello dopo tassello anche con alcuni meccanismi narrativi insoliti e di pregevole bellezza (la prima imboscata a Dee, il ragionamento sull’acqua avvelenata).

Il buon soggetto rimane quindi vittima di una sceneggiatura scadente che penalizza il prodotto finale più che altro nella sua seconda metà, apparendo sbrigativa laddove serviva maggior mordente (il viaggio nella città sotterranea, dove troppe cose vengono date per scontate) e confusa proprio laddove serviva necessaria chiarezza (il passato di Dee, il vero ruolo dell’imperatrice).

Il tutto svanisce infine in una conclusione dove il duello epico, naturalmente di enorme suggestione acrobatica, distrugge ogni altro elemento, assottigliando la pellicola con un veloce spiegone di poco interesse che mette insieme troppe cose con svogliata cura lessicale e ancora meno rilevanza narrativa (l’esercito di centomila soldati). Dispiace quindi che un prodotto di squisite potenzialità (trama affascinante, sontuoso contesto storico) venga minato da un’inaccettabile fiacca narrativa, unica ma enorme remora di questi 122 minuti peraltro sempre avvincenti.

Recensione: Sons of Anarchy - stagione quattro

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Tue, 10 Jan 2012 07:00:00 +0000

2011, USA, 14 puntate, 42 minuti cad.
Creato da: Kurt Sutter
Network: FX

Con la terza stagione la creatura di Kurt Sutter non aveva dato il meglio di sé, sicuramente troppo esagerata nelle proporzioni della lotta armata e un poco squinternata nelle inutili trame parallele, ma ci eravamo lasciati con uno di quei finali che ti fanno stringere le dita e alzare il pugno al cielo, un guizzo di rivincita e giustizia che chiudeva un lungo capitolo sbarazzandosi finalmente di un villain in gonnella che va di diritto tra i più stronzi e imbattibili antagonisti di sempre. Il ritorno motorizzato di Clay e Jax è però di quelli da ricordare: non solo una grande stagione, ma probabilmente la miglior tornata di episodi di sempre di Sons of Anarchy, la più compatta, la più forte e credibile.

Sebbene il prologo si accomodi un poco, troncando quelle aspettative di originalità, di diversità strutturale che l’epilogo della terza stagione faceva presagire, non c’è motivo di rimanere allarmati, perché la trama questa volta si sposta direttamente all’interno del club di centauri, mettendo in scena un tutti contro tutti che si sbarazza presto di certe lagne sentimentali, che qua e là enfatizzavano eccessivamente la drammaticità della situazione (pensiamo anche solo ai problemi coniugali di Chibs, dei quali qui per fortuna non si fa mai più menzione), e che sferra calci e pugni dritti in faccia.

Il club si mette in affari con un cartello per fare da corriere, e già il fattore droga spezza in due il gruppo, ma a distruggerlo progressivamente ci saranno certe vecchie lettere che inchioderebbero Clay, il quale, per difendersi, inizia a gettare fango su chiunque diventando una belva incontrollabile, un mostro che nessuno sembra essere in grado di fermare. La vicenda generale in sé è piuttosto lineare, ma è stratificata su trame e sottotrame che la dilatano per gradi, portando una benvoluta complessità strutturale e psicologica negli intrecci tra i vari personaggi. Essendo infatti il plot incentrato sul club e non sul club vs qualcun altro, ognuno dei suoi appartenenti è protagonista di una propria traccia che si incastra, generalmente in maniera molto drammatica, con gli episodi altrui, dando vita a una spirale di paranoia, violenza e pazzia che rischia di sgretolare non solo le fondamenta del club, ma i rapporti stessi tra i vari motociclisti.

Ne esce quindi un quadro molto nero, simile per certi versi a quanto accadeva nella stagione due, dove non c’era alcun modo, per i SAMCRO, di contrastare la malvagità di Zobelle. Solo che qui il nemico è frammentato e distribuito in ognuno dei componenti del club, con una porzione naturalmente più grande che spetta a Clay, un Ron Perlman mai così cattivo, spigoloso e folle. Per poter funzionare credibilmente, tale intreccio necessitava di personaggi solidi e ben inquadrati, e dato che il suo meglio Sons of Anarchy l’ha sempre dato proprio nella caratura carismatica di ogni singola figura, anche stavolta ci troviamo con protagonisti perfetti e calati in ruoli che sembrano scriversi da soli, con recitazioni molto sentite da parte di un cast sempre più a suo agio e sempre più credibile nel vestirsi di pelle e borchie e atteggiarsi da duri romanticoni. Il tormento interiore di Jax, le difficoltà di Juice, i ricordi che affliggono Opie, tutto gira squisitamente bene, con un bilanciamento ottimale di sentimenti e impulsività.

È una sorta di cambio di rotta, questa stagione, che conservando i preziosi punti forti della serie imbastisce una nuova strada da percorrere ed evita così il rischio di un possibile riciclo di idee e situazioni (come accaduto per esempio con il sempre più pessimo Dexter). Si cambiano le carte in tavola e si spiana la via per una quinta stagione che promette faville: difficile infatti aspettarsi di meno dopo un finale da brividi, intenso ed emozionante e capace, nei suoi pochi minuti di durata, di riassumere lo spirito caldo e vissuto di tutto Sons of Anarchy.

Recensione di Sons of Anarchy - stagione uno
Recensione di Sons of Anarchy - stagione due
Recensione di Sons of Anarchy - stagione tre

Recensione: Casa di foglie, di Mark Z.Danielewski

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Wed, 04 Jan 2012 07:00:00 +0000

Lo definiscono libro-labirinto, e non credo possa esserci definizione più azzeccata per il chiacchierato esordio di Mark Z. Danielewski, un mammuth di oltre ottocento pagine indiscutibilmente amato e odiato allo stesso tempo da chiunque si sia avventurato per i corridoi sbilenchi della casa protagonista. È naturale rimanere perplessi a fine lettura, sfido chiunque a uscirne pienamente soddisfatto, ma sia che si appoggino i detrattori che i sostenitori, Casa di foglie rimane un romanzo di indubbio fascino del terrore, più per l’atmosfera evocata che per le trovate visive che probabilmente lo hanno portato al successo.

Casa di foglie contiene sostanzialmente due storie: la prima è quella del saggio di una sorta di vecchio critico cinematografico, tale Zampanò, che offre una profonda analisi dell’immaginario film The Navidson Record, mentre la seconda è quella di Johnny Truant, che impazzisce rapidamente dopo aver letto e assemblato proprio gli scritti di Zampanò, ritrovati dopo il misterioso decesso dell’anziano e diventati una mortale ossessione. Si intuisce quindi un intreccio, tra le due vicende, ma è bene chiarire sin da subito che il legame è troppo sottile per dare piena giustificazione ai deliri di Truant, rendendo di fatto estremamente soporifere e irritanti le sue pachidermiche digressioni sul sesso e sulle donne conquistate. Truant parla, parla, parla, ma in fin dei conti parla del vuoto, del nulla, produce migliaia di parole su fatti insignificanti, che non solo hanno rilevanza trascurabile con il saggio su The Navidson Record, ma sono soprattutto di indigesta lettura per totale inutilità e ripetitività degli argomenti trattati.

Ma delle vicende di Truant non mi interessa nulla, come nulla devono in fondo interessare a chi rimanga incuriosito da questo particolare caso letterario.

Il vero cuore del romanzo è infatti l’analisi di Zampanò, un’attentissima critica a un mockumentary che, dati i dieci anni impiegati da Danielewski per scrivere il libro, si rivela precursore del mio amatissimo The Blair Witch Project e della recente moda documentaristica che sta disgraziatamente distruggendo l’ingegnosa bontà di una simile invenzione registica. The Navidson Record racconta della famiglia Navidson, famoso fotografo lui ed ex modella lei, che tentano di ricostruire un rapporto sulla via dello sgretolamento acquistando una casa che, come nella più classica storia del terrore, poggerà invece una pietra tombale sulle loro psicologie. Nell’abitazione sembrano infatti esistere legge fisiche estranee alla nostra realtà, dapprima la casa appare più grande all’interno che all’esterno, poi spunta una porta in soggiorno e, quando Navidson la apre, si immerge in un corridoio di tenebre che si ingrandisce e ramifica man mano che lo si esplora.

E da quel momento The Navidson Record fa una paura fottuta.

Un bravo scrittore di genere può essere capace di incutere timore, con i suoi scritti, può creare un’inquietudine palpabile, può immergere in un’aria sinistra e diffidente, ma credo sia raro che un autore possa realmente terrorizzare il lettore, il mezzo è ben diverso da quello cinematografico e serve un’abilità fuori dal comune per costruire un’atmosfera credibile, realistica, così potente e vivida da poterla vedere e lasciarsi vincere e spaventare come di fronte alla più paurosa delle pellicole horror. E Danielwski, utilizzando tra l’altro un metodo – l’analisi critica, appunto – che apparentemente sembra disastroso per generare quel clima necessario alla riuscita della storia, riesce nella più difficile delle imprese, concependo uno sviluppo talmente perturbante che, a leggere l’esplorazione del labirinto misterioso di notte, più di una volta mi sono ritrovato a chiudere il libro, con gli occhi fuori dalle orbite, annichilito dalle immagini evocate da descrizioni – e sensazioni – fin troppo efficaci.

Anzi, l’espediente della critica cinematografica permette a Danielweski di spaziare citando autori immaginari e non (nella parte finale ci sono brevi interviste a Stephen King e Stanley Kubrik), che rafforzano la storia, rendendola vera e ancora più paurosa nella sua descrizione dell’ignoto più puro e inconcepibile, con teorie su teorie innescate dalla visione della pellicola, il tutto in uno stile esemplare, ricchissimo e colto, che garantisce una lettura di certo non facile ma estremamente appagante, anche, e forse soprattutto, nei momenti in cui l’orrore travalica le pagine, modificandone la struttura e la disposizione del testo. A seconda che le pareti si allarghino o restringono, a seconda che Navidson e compari si trovino in piedi o a testa in giù nell’assurdo labirinto di buio all’interno della casa, le parole si ordinano nella forma più congeniale a dare piena espressione della vicenda, costringendo quindi il lettore a capovolgere il libro o a leggerlo allo specchio mentre il protagonista viene progressivamente distrutto dall’orrore sprigionato dall’abitazione.

Di ottocento e passa pagina, togliendone almeno un terzo dedicato alla fuffa delirante di Truant e un altro terzo composto da pagine che contengono anche solo una semplice frase, Casa di foglie si compone probabilmente di non più di trecento cartelle, ma l’orrore, in queste trecento pagine, è talmente denso e disturbante da dilatarle proprio come accade al testo.

Chiare le intenzioni sensazionalistiche di Danielewski, che vuole stupire puntando su un’eccentrica sofisticatezza (e certe indicazioni metanarrative lo dimostrano ampiamente), ma l’incompiutezza della vicenda di Truant è tassello veramente penoso e stupido di un racconto di paura strabiliante, nonché una delle letture più soddisfacenti che difficilmente scorderò. Se riuscite a recuperare da qualche parte il romanzo, ormai fuori catalogo, il consiglio, anche se un po’ azzardato, è di lasciare perdere tutto ciò che non sia strettamente legato alla sezione intitolata The Navidson Record: il rischio di rovinare una vera e propria esperienza è troppo grande, e sta a voi decidere se ne valga o meno la pena.

Mondadori, 2005
816 pagine, 22 euro

Happy new year, people!

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Sat, 31 Dec 2011 07:00:00 +0000

Classificone: i migliori dischi del 2011

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Fri, 30 Dec 2011 07:00:00 +0000

Mi sono sempre ripromesso di parlare un po’ più di musica, su Midian, ma poi mi diverto di più a scrivere di libri e di film, e così i post sui dischi restano sempre a brandelli, smozzicati nei meandri delle bozze di Blogger. La classifica metallozza però è un appuntamento fisso, non potrei perdonarmi se non la stilassi.

5. Blood Stain Child – Elisium
Un miscuglio velocissimo e danzereccio di death melodico, elettronica e soprattutto dance, con il classico dualismo orco/voce angelica sfruttato però con raffinata dolcezza e malinconica orecchiabilità. Delizioso.

4. Dream Theater – A Dramatic Turn of Events
Dal lontanissimo Scenes from a Memory i Dream Theater hanno sperimentato in lungo e in largo con risultati abbastanza deludenti e, quando sono tornati all’ovile del puro prog metal che loro stessi hanno inventato, se ne sono usciti con dischi stanchi e scopiazzati. Non che quest’ultimo lavoro inventi qualcosa, ma tra i soliti tecnicismi impossibili e gli assoli infiniti le canzoni tengono bene con riff diretti, melodie azzeccate e refrain memorabili. Inaspettato.

3. Amon Amarth – Surtur Rising
Tra i tanti gruppi estremi capaci di costruirsi un’onorata carriera attraverso un sound personale e subito riconoscibile, gli Amon Amarth sembravano la classica band che, una volta indovinato il disco vincente, l’avrebbe riprodotto in serie fino allo sfinimento, e invece, già dopo il precedente e bellissimo Twilight of the Thunder God, se ne escono con questo Surtur Rising che introduce novità e “sperimentazioni” (sempre limitate comunque dal loro quadrato incedere) che lo rendono, tra una doppia cassa (!) e un intervento tastieristico, un album fresco e pieno di sorprese, da ascoltare e riascoltare.

2. Machine Head – Unto the Locust
Che i Machine Head, dopo la lunga parentesi nu-metal, sapessero scrivere enormi trash song l’avevano già dimostrato con l’immenso The Blackening, ma che potessero riconfermarsi a un simile livello qualitativo era cosa difficile da prevedere. Veloci, potentissimi, melodici, intricati e allo stesso tempo immediati, i Machine Head, tra lo stanco revival teutonico e lo speed slayerano d’oltreoceano, sono probabilmente la vera e unica trash metal band moderna.

1. Moonsorrow – Varjoina Kuljemme Kuolleiden Maassa
Maestosi e inarrivabili, i Moonsorrow abbandonano i minutaggi esasperati delle precedenti release per accorciare i loro brani, che viaggiano comunque sempre tra i dodici e i sedici minuti, e perfezionare un sound che rende magniloquente il black metal attraverso atmosfere che richiamano, come tradizione, le lande nordiche. Tra sfuriate in blast beat e riff solenni, tra screaming strozzati e tastiere folkeggianti, semplicemente immenso.

Classificone: le migliori serie tv del 2011

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Wed, 28 Dec 2011 07:00:00 +0000

Se la classifica dei film si salta a piè pari – poco horror targato 2011 visto quest’anno, poca qualità e in generale poca voglia di mettere in fila giusto quattro titoli decenti –, non può mancare la best-five delle serie tv, perché la cara, cara televisione nel 2011 ha sfornato parecchie prelibatezze e io ne ho pappate fino a scoppiarne.

5. Sons of Anarchy – stagione quattro
Dopo una terza stagione inevitabilmente minore rispetto a una seconda quasi-capolavoro, con la quarta tornata Sons of Anarchy ritorna alla grande in un tutti contro tutti, con certi echi di The Shield che mi hanno fatto venire dei giganteschi lacrimoni. Non è neanche la storia a colpire, piuttosto semplice e lineare per quanto ben studiata, ma l’incredibile lavoro sui personaggi, carismatici e profondi, tormentati e tamarri.

4. Games of Thrones – stagione uno
Attesa fino a rischio svenimento, la serie tv non delude chi ha divinizzato la saga cartacea e, anzi, a tratti strabilia per la ricchezza dialogica e l’accuratezza nella tridimensionalizzazione dei moltissimi personaggi. Peccato giusto per un’eccessiva compressione, che potrebbe allontanare chi non conosce luoghi e nomi delle opere di Martin, e per un’esagerata componente erotica, spesso fastidiosamente gratuita.

3. Doctor Who – stagione sei
Steven Moffat, al suo meglio, scrive sei episodi di pura meraviglia narrativa, regalando probabilmente un Doctor nella sua miglior incarnazione possibile, così matto, trascinatore, profondo e incomprensibile. Il resto poteva venire meglio, con una manciata di ottimi one-shot e altrettanti di trascurabile banalità, ma, voglio dire, Steven Moffat e Matt Smith. E, be’, certo, Karen Gillian.

2. Breaking Bad – stagione quattro
Probabilmente il miglior prodotto televisivo degli ultimi anni ritorna con tredici episodi che, ancora una volta, lasciano a bocca aperta per uno sviluppo sempre più imprevedibile della storia, con un lavoro maestoso e impressionante sui personaggi, agevolato da un cast titanico, diretto con un taglio estremamente personale e autoriale. Forse la stagione più cattiva di Breaking Bad, forse addirittura la più bella.

1. Spartacus – Gods of the Arena
Miniserie di sei episodi realizzata per ingannare il tempo mentre Andy Whitfield combatteva vanamente il cancro, Gods of the Arena non è soltanto il prequel di Blood and Sands, ma è il pulp della serie madre portato all’eccesso. Ancora più violenza, ancora più sesso, ancora più spettacolarizzazione per questa ricostruzione storica volutamente esagerata, fumettosa, palestrata e priva di qualsiasi credibilità, con personaggi carismatici al primo sguardo, costruiti sapientemente attraverso dialoghi lunghi e attentissimi a fare da collante tra splatterate, passere e pettorali oliati.

Classificone: i migliori romanzi letti quest'anno

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Mon, 26 Dec 2011 07:00:00 +0000

Complice l’e-reader, che mi ha permesso di smarrirmi piacevolmente soprattutto tra gli e-book stranieri, esplorando e provando cose il cui acquisto cartaceo penso avrei sempre rimandato, di letture quest’anno ce ne sono state parecchie, e in generale discrete, anche se non credo di essermi mai strappato i capelli se non con il dittico Hyperion/La caduta di Hyperion di Dan Simmons. Il classificone finale è quindi imprescindibile, ma stavolta facciamo qualcosa di meno fiscale dato che, avendo spaziato in lungo e in largo, non mi sono particolarmente fermato su un 2011 comunque non molto attraente: via quindi ai dieci migliori libri di genere letti quest’anno dal signor Midian.

10. Anime morte, di John Connolly
Delizioso nel suo equilibrio tra horror e noir, con un’ironia particolarmente pungente e dissacrante, l’ennesima avventura di Charlie Parker è stavolta più ancorata alla realtà rispetto alle altre, ma è come in ogni occasione trascinante, imprevedibile, tortuosa, con personaggi fantastici e coloriti.

9. Missione in Alaska, di Mykle Hansen
Il primo romanzo Bizarro pubblicato in Italia, nonostante un titolo e una copertina un poco fuorvianti, e probabilmente il romanzo Bizarro meno Bizarro tra le decine di titoli strampalati e impossibili, ma senza ombra di dubbio un libro irresistibile, che si regge su un’idea clamorosa sfruttata per un delirio incontrollato che tocca meravigliosamente tutte le pieghe e le piaghe della società.

8. Chasing the Moon, di A. Lee Martinez
Un buffo ma intelligente fantahorror di un autore che ama tutto quello che io desidero trovare in narrativa: i mostri e l’ironia. Qui di mostri ce ne sono a bizzeffe, lo humor è sempre puntuale e divertentissimo, e la storia di questa setta di creature che vuole invocare la fine del mondo, così attenta nella costruzione dei personaggi e dei loro intrecci, è molto, molto meno banale di quanto potrebbe sembrare curiosando nella sinossi.

7. Casa di foglie, di Mark A. Danielewski
Amato e odiato, non troverete una vera e propria posizione di parte per questo romanzo molto chiacchierato: da una parte un inconcludente delirio onirico e alcolizzato, dall’altra un saggio su un mockumentary fittizio che mi ha terrorizzato come solo Lovecraft sapeva fare. Una sola cosa però da aggiungere: se lo trovate da qualche parte, provatelo, per forza.

6. Warrior Wolf Women of the Wasteland, di Carlton Mellick III
Lupe mannare guerrigliere, orgasmi che trasformano in mostri, mutanti zeppi di arti aggiuntivi, un colossale lupo ermafrodita che si accoppia tutto il giorno, una città-stato chiamata McDonaldland e un tutore dell’ordine che risponde al nome di Hamburglar. No, dico, siete ancora lì?

5. Perdido Street Station, di China Mieville
Appena ristampato da Fanucci con un prezzo invitante ma con, sul retro, la sinossi del sequel (!!!), è un’epopea proto-fantasy di gustosissima lettura, 800 pagine che quasi non te ne accorgi tra creature impossibili e scenari meravigliosamente weird, descritti fino alla salivazione pura da uno stile ricco di dettagli.

4. Il circo dei vampiri, di Richard Laymon
“Romanzo di formazione che sfrutta l’horror per raccontare in realtà un’altra storia” è una descrizione sentita milioni di volte ma che stavolta non vale soltanto a livello simbolico, perché Laymon preferisce raccontare le vicende dei tre amici protagonisti per tre quarti dell’opera, lasciando il circo del titolo a un memorabile scontro finale, morbosamente sanguinario. Menzione speciale, tra l'altro, per la copertina più brutta ever.

3. Lo stato dell’unione, di Tullio Avoledo
Opera terribilmente reale, un fantathriller cospirazionista che racconta dell’ascesa di una sorta di gruppo neo-nazista nel Nord-Est. Tra irresistibile ironia e spiazzanti squarci sociali, con una punta di soprannaturale e il solito, meraviglioso alternarsi di personaggi ispiratissimi, probabilmente il miglior romanzo di Avoledo.

2. Le radici del male, di Maurice Dantec
A metà strada tra sci-fi e thriller, il romanzo è un’incredibile caccia al serial killer, un’odissea investigativa tra sperimentalismi tecnologici e omicidi violentissimi, raccontati con la consueta, fascinosa complessità strutturale e stilistica tipica di Dantec.

1. Hyperion/La caduta di Hyperion, di Dan Simmons
Difficile dire realmente qualcosa su questo capolavoro, un’impressionante space-opera che abbraccia cyberpunk e horror, thriller e poesia, quasi mille pagine complessive da leggere di seguito perché, per quanto ne dica Simmons, il legame tra i romanzi è troppo forte per potersi accontentare del finale ovviamente irrisolto di Hyperion. Un monumento.

Recensione: Martin

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Fri, 23 Dec 2011 07:00:00 +0000

Riscoperto solo pochi anni fa grazie al cut originale proposto per la prima volta in dvd, comprensivo di titolo originale, Martin arriva in Italia sul finire degli anni Settanta con un montaggio, a cura di Dario Argento, del tutto inventato che lo spoglia della brutale violenza, schizoide e improvvisa, scialacqua banalmente l’intreccio, gli appiccica le musiche dei Goblin e gli cambia il titolo con quel ridicolo Wampyr che credo tutti abbiano visto, nei disgustosi dvd Quinto Piano, nei cestoni di qualsiasi videoteca.

Comprensibile, per certi versi, la diffidenza con cui Argento rimonta Martin per offrirlo al bonario pubblico italiano senza tramortirlo troppo – basti pensare al taglio della lunga sequenza d’apertura, una tremenda scena di stupro e omicidio all’interno di un treno, particolarmente cruenta e realistica, pensando soprattutto a quegli anni in cui gli standard di sicurezza erano ben diversi rispetto agli odierni. Il realismo di Martin è infatti spietato, obliquo, feroce, senza speranza, e l’addentrarsi nella mente sbagliata del giovane protagonista, che si crede un vampiro e beve il sangue delle sue vittime come fosse una droga, è un progressivo malessere che viene accentuato, di riflesso, dal ruolo sbagliato di chi interagisce con Martin, dalla donna insoddisfatta sessualmente allo zio deciso a salvarlo dalla maledizione vampirica.

Martin infatti sfrutta il vampirismo per parlare dell’ipocrisia della gente, e adopera la malattia mentale per mostrare, quando questo gioco simbolico aveva davvero un senso, quanto non sia il mostro il vero male della società, bensì l’uomo, chi gli sta accanto, chi lo alimenta rendendolo tale. Fortissima critica sociale, dunque, d’altronde ci trovavamo nel periodo d’oro di Romero, e la sua abilità narrativa gli permetteva di creare una sceneggiatura articolata, attenta, molto ispirata nel delineare le molte ombre che gravitano attorno a Martin, e che lui stesso in qualche modo evoca, portando l’orrore nel quotidiano. Tuttavia la pellicola, pur soffrendo inevitabilmente l’età soprattutto da un punto di vista visivo (montaggio e fotografia, che “rallentano” un ritmo già di per sé dilatato in una quiete molto sinistra), risulta attuale ancora oggi per l’intelligenza nella costruzione psicologica dei personaggi, negativi e magari deviati ma credibili tanto nell’estremismo esteriore (lo zio) quanto nella sofferenza interiore.

Intenso e angoscioso, Romero lo considera il suo miglior film, in barba agli zombi che lui stesso ha creato.

USA, 1978, colore, 95 minuti
Regia: George A. Romero
Sceneggiatura: George A. Romero

[Simone & Crescizz]

Recensione: The Show Must Go On

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Wed, 21 Dec 2011 07:00:00 +0000

Basterebbe già il titolo per farsi un’idea della pochezza concettuale della prima pellicola di genere partorita in Croazia da trent’anni a questa parte, perché è quanto di peggio si possa usare per presentare un film nato vecchio e di interesse relativamente prossimo allo zero. Ed è un peccato, dato che Marasovic non è di certo l’ultimo degli idioti, e se narrativamente ha ancora molto, molto da imparare, da un punto di vista registico sa dipingere quadri interessanti con campi lunghi, piano sequenza articolati e un uso non lineare della progressione temporale, oltre a una scelta estetica assai particolare, vero punto di forza dell’opera nel suo strampalato vintage futuristico, con abiti assurdi e impossibili accostamenti di colore.

The Show Must Go On è un film molto brutto, perché non solo è sprovvisto di un’idea forte che lo sorregga dall’inizio alla fine, ma arranca catastroficamente nello sviluppo di un soggetto che, per quanto banale, poteva essere comunque dignitosamente portato a compimento. Marasovic sceglie invece di strafare, cerca di gestire troppi personaggi e troppe vicende (da una parte i partecipanti al reality pseudo Grande Fratello, dall’altra l’ideatore del programma e la rivalità con l’ex-moglie) e sbaglia più o meno ogni cosa, sorvolando sui punti fondamentali e accanendosi su elementi di secondo piano.

Il rapporto tra Filip ed Helena è infatti spesso ridicolo perché assolutamente inverosimile: un giorno si odiano e un altro si amano, prima si allontanano e poi si cercano senza che vi sia un’appropriata costruzione sentimentale che sorregga le loro azioni in un rapidissimo e insensato scorrere del tempo, scelta narrativa che distrugge ogni buona intuizione atmosferica impedendo di capire realmente cosa stia succedendo e perché. Lo stesso lavoro psicologico sui due appare allucinante e di una superficialità incredibile: lui sopravvive chissà come allo scoppio di un missile a un metro di distanza ma non prova alcun dolore nella perdita dei colleghi e degli amici che gli stavano intorno, lei imbastisce programmi tv pur di schiacciare l’ex marito ma poi se ne infischia perché gli vuole bene.

E' partito! Ha già distanziato un carrarmato!
Ha un passo implacabile, due polmoni inesauribili, e la camionetta è dietro!
Sta per tagliare il traguardo, può farcela, può farcela!

Concentrandosi sull’inutile vita sentimentale dei due, Marasovic lascia perdere tutto quello che accade nel reality, usandone i protagonisti più che altro per dare una cornice a quella che nelle sue intenzioni vorrebbe essere una sofferta storia d’amore, ma che invece si dimostra tutt’altro proprio per la scellerata importanza data ad alcuni partecipanti e ad alcuni loro gesti che, alla fine, sembrano servire a fare solo stupido minutaggio (tra l’altro assai contenuto nei suoi scarsi 80 minuti).

Tragiche, infine, le sequenze conclusive, con Filip che prima si fa rubare la macchina nonostante in giro non ci sia più nessuno, e che poi piange (come nelle peggiori fiction italiane) di fronte all’inevitabile orrore di una misteriosa guerra nucleare MONDIALE che pare scoppiare da un giorno all’altro e della quale a nessuno sembra importare granché. Inevitabile lo squarcio apocalittico che chiude la pellicola, gestito con imbarazzante banalità come se si trattasse del più sconvolgente dei colpi di scena.

Pessimo, pessimo esempio di critica sociale ma, prima di tutto, pessimo, pessimo film di fantascienza.

2010, Croazia, colore, 80 minuti
Regia: Nevio Marasovic
Sceneggiatura: Nevio Marasovic

[Simone & Crescizz]

Recensione: The Gerber Syndrome

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Mon, 19 Dec 2011 07:00:00 +0000

The Gerber Syndrome sfrutta la scia del genere zombesco e del mockumentary, ma se in apparenza sembra la solita solfa virale, genere che ultimamente ha prodotto enormi cagate (il remake de La città verrà distrutta all’alba) e giusto qualche titolo da annotare (Carriers), l’esordio di Maxì Dejoie riesce a prendere bene le distanze da entrambi, sfornando un prodotto particolarmente interessante, soprattutto pensando alla sua italianissima natura, con un budget di appena 20.000 euro. Non abbiamo a che fare coi soliti zombi, ma con una malattia degenerativa, e non siamo in ambito di materiale found footage, ma di un vero e proprio documentario, con tanto di montaggio, che per una volta non punta sulle scene di paura e di crescente inquietudine.

La storia è un insieme di interviste che cercano di spiegare cosa sia questo morbo di Gerber, come si possa contrarre, se sia davvero così pericoloso come sembra o se, in realtà, sia qualcosa di controllabile. Maxì Dejoje focalizza la trama su due personaggi di 23 anni: un ragazzo che svolge il lavoro di vigilante, addetto anche al recupero di persone malate, e una ragazza che contrae la malattia. Da una parte accompagneremo quindi il primo in un giro di ronda notturna che ci porterà a stretto contatto con la pericolosità di un lavoro del genere, dall’altra vivremo il calvario di una qualsiasi famiglia che assiste la figlia mentre il morbo avanza implacabile, senza possibilità di cura.

The Gerber Syndrome ha il pregio di risultare terribilmente reale, raccontando la delicata fase di passaggio di questa ipotetica nuova malattia, dal suo manifestarsi al suo diffondersi, mentre lo spettatore assiste allo stadio confuso che sta a cavallo delle due. Il film fornisce risposte parziali a interrogativi circa la gravità del morbo e il modo in cui la popolazione possa reagire al suo progressivo dilagarsi, e proprio nella sua dolorosa incertezza risiede l’efficacia della tecnica documentaristica, che solleva continuamente questioni come strumento non solo d’informazione ma anche, e soprattutto, di protesta e ribellione.

Ci si accorge dell’importanza del problema poco per volta, e comprendiamo il pericolo reale solo nel momento in cui scopriremo che si stanno apportando radicali modifiche ad alcune norme sociali che controllano il nostro vivere quotidiano: un numero verde creato appositamente per la malattia, uno spot pubblicitario che pare minimizzare il tutto, la nascita di un nuovo lavoro come quello dei vigilante (che non sanno ancora come integrarsi con polizia e pronto soccorso), il fiorire di improvvisati centri medici di “accumulo corpi”, oppure le ordinanze che vietano alle discoteche, e in generale ai luoghi dove si raccolgono molte persone, di stare aperte.

La recitazione è ispirata e credibile da parte di tutto il cast (bravo Sax Nicosia nei panni del dottore tormentato, così come i genitori afflitti della povera ragazza ammalata), ma bisogna spendere una parola per Luigi Piluso, attore non professionista e alla sua prima esperienza davanti alla telecamera, che offre la prestazione migliore proprio per la sua naturalezza coatta, fattore che dona al suo personaggio un realismo, perfetto per il taglio documentaristico, raramente visto in prodotti del genere. E non sono poche le scene che mostrano una credibilità spaventosa, in particolar modo nei comportamenti umani (il fidanzato di Melissa, il collega di Luigi e i suoi discorsi destrorsi).

La pellicola tiene bene, ed è talmente efficace che si possono perdonare alcuni cali registici e narrativi di cui ogni tanto soffre (il modo in cui Melissa contrae il morbo, la sequenza dell’operazione al cranio di un malato, i taciuti effetti collaterali del farmaco sperimentale, e in generale la presenza di una troupe televisiva nella stanza dell’ammalata, concessione tuttavia necessaria e a sua modo provocatoria di una certa televisione). Unica nota davvero stonata è però una scena che purtroppo irrompe nel nostro inconscio ricordandoci che stiamo vedendo un film, non un documentario. Grosso errore infatti filmare i tre tamarri in stile “peggiori bar di Caracas”, macchiette fuori posto e ridicole, compreso il video che caricano assurdamente su youtube: basterebbe un cut di pochi minuti per togliere la scena e la pellicola ne guadagnerebbe parecchio.

Un piccolo gioiellino, una vera e propria sorpresa, finalmente un prodotto underground realizzato con pochissimi mezzi che abbia da dire qualcosa e, soprattutto, riesca a farlo.

2011, Italia, colore, 85 minuti
Regia: Maxì Dejoie
Sceneggiatura: Maxì Dejoie

[Simone & Crescizz]

Recensione: Extraterrestrial

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Fri, 16 Dec 2011 07:00:00 +0000

A Nacho Vigalondo erano bastati cinque attori e una macchina per cagliare il latte per ridefinire il concetto di viaggio nel tempo con Timecrimes, e a distanza di un paio d’anni ritorna con una formula simile per rinfrescare la rappresentazione di un’invasione aliena. Cinque attori (più uno spicchio di astronave immobile sopra la città) è infatti tutto quello di cui ha bisogno per imbastire Extraterrestrial, quella che essenzialmente è una commedia degli equivoci che pesca a piene mani dall’immaginario-tipo fantascientifico.

Lui si sveglia a casa di lei, ma lei ha un altro lui, un po’ pazzo e megalomane, oltre a un vicino impiccione e segretamente innamorato, e i quattro si ritrovano a convivere forzatamente ipotizzando le intenzioni degli invasori. Uno spunto classico e semplicissimo, ma vincente perché poggia prima di tutto su un’ottima sceneggiatura, che lascia largo spazio a dialoghi esilaranti nel tipico schema dell’ambiguità amorosa, dei dubbi non detti e delle evidenze di cui nessuno pare però accorgersi. Dialoghi che però a nulla sarebbe serviti senza un adeguato lavoro sui personaggi, e infatti la cura nella delineazione delle quattro personalità in gioco, in particolare sul folle Carlos, permette una costruzione comica, zeppa di idee e una straordinaria progressione citazionista nonostante gli strambi indizi iniziali.

A farla da padrone è principalmente una rivisitazione dell’ultracorpo, scusante alla quale devono ricorrere i due amanti per giustificare alcune stranezze piccanti, dando il via a una spirale inarrestabile di equivoci fantascientifici che esplode in una manciata di scene di vertiginosa comicità (la cena, il telegiornale, l’esilio di Raul). La trama sussulta ed è spesso movimentata nonostante l’esiguità del soggetto, sparge i suoi semi e li raccoglie in uno sviluppo eccellente e imprevedibile, non cadendo mai nel tranello dell’ironia a tutti i costi, della forzatura umoristica per giustificare le varie esasperazioni comportamentali, ma concedendosi ad alcune riflessioni seriose, comunque sempre presentate con un punto di vista sarcastico, che tengono saldo l’intreccio fino all’insolita conclusione.

Che di sci-fi vera e propria tecnicamente non ci sia nulla, è un fattore irrilevante, perché la bontà dell’intreccio e lo sfruttamento di certi cliché spazzano presto via qualsiasi dubbio a suon di risate, mostrando quanto la qualità della sceneggiatura, quando non ci sono soldi, sia cardine necessario per fare un buon film.

2011, Spagna, colore, 90 minuti
Regia: Nacho Vigalondo
Sceneggiatura: Nacho Vigalondo

[Simone & Crescizz]

Recensione: Troll Hunter

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Wed, 14 Dec 2011 07:00:00 +0000

È interessante notare come negli ultimi tempi un certo cinema nordico stia guadagnando sempre più credibilità e consenso di pubblico e critica. Basti pensare a titoli quali Lasciami Entrare dello svedese Tomas Alfredson, oppure al connubio finno-norvegese diretto da Jalmari Helander che va sotto il nome di Rare Exports: A Christmas Tale, o anche al simpatico lungometraggio finlandese Dark Floors di Pete Riski con protagonisti-antagonisti i Lordi, membri della nota metal band nei panni di se stessi.

Analizzando questi lavori, soprattutto i primi due, balza subito all’occhio come elementi tipici del folklore di quelle terre vengano utilizzati e reinventati per realizzare un cinema di genere che racconti realtà allo stesso tempo simili ma enormemente differenti dalla stanca e ripetitiva produzione USA. Non sembrano esserci solo le idee, nella Scandinavia cinematografica, ma anche modi e sostanza per rielaborare, offrendo prodotti freschi e originali anche laddove gli spunti sono i più comuni.

Su, mettersi in posa, eccheccazzo!

Ecco perché, da spettatori sempre più assuefatti a un certo cinema americano (a cui queste pellicole devono molto) riusciamo a fruire una pellicola come Troll Hunter senza restarne delusi. Grosse novità, infatti, non ve ne sono, siamo alle prese con l’ennesimo documentario con inquadrature traballanti e visioni a infrarossi per i boschi. Ma proprio il fatto che la pellicola si presenti senza pretese la rende godibile per quello che è: un valido intrattenimento stilisticamente curato e autoironico, con la giusta dose di action.

La storia è quella di tre studenti universitari che cercano di strappare un’intervista ad Hans, un misterioso bracconiere. L’uomo, un Reinhold Messner cazzuto, all’apparenza si muove sulle piste di caccia battute dagli orsi, ma non si comporta come gli altri cacciatori: piazza strane trappole utilizzando copertoni d’auto, sfoggia bizzarri fucili e va in giro con una jeep coperta da profondi tagli. I ragazzi, seguendolo di nascosto per i boschi, capiranno di aver a che fare con una specie di Man In Black per troll che lavora per il governo norvegese. Hans prenderà in simpatia gli studenti e li condurrà attraverso paesaggi mozzafiato (boschi, grotte e lande innevate), alla ricerca di troll da poter mockumentare affinché tutto il mondo sappia la verità sulla loro esistenza.

André Øvredal svolge un lavoro pulito ed efficace con un budget limitato e attori non professionisti. Non ha timore di mostrare i troll e non gli interessa giocare sul vedo-non vedo attraverso fronde o inquadrature sgranate. No, i troll esistono davvero e lui ce lo dice sbattendoceli in faccia senza mezzi termini, con giganti a tre teste che annusano rumorosamente e urlano come maiali sgozzati, bestiacce pelose e puzzolenti e colossi alti chilometri. Per Ovredal è importante che noi, come gli studenti, arriviamo a crederlo. Quindi veniamo tirati dentro questo simpatico gioco condito da situazioni divertenti come, ad esempio, il modulo che Hans deve compilare ogni volta che cattura un troll, o la necessità di fare dei prelievi di sangue con siringoni lunghi un metro. Questo tipo di espediente maschera con classe qualche buco nella sceneggiatura, limitato in fondo a una sospensione all’incredulità che non sempre è rispettata, soprattutto nella parte conclusiva. Ovredal porta lo spettatore esattamente dove interessa a lui e fa in mondo che non pensi ad altro, con tanta azione, mostri differenti e ben delineati, e soprattutto parecchia ironia, che dona al suo prodotto un apprezzatissimo non prendersi sul serio, vera e propria chiave che rende la pellicola così riuscita.

Gli effetti non sono eccezionali, ma non stonano con l’insieme, mentre l’audio è formidabile e azzeccato, con i versi dei troll che distruggono le casse stereo, in particolar modo nella parte conclusiva con il mega trollone.

Puro intrattenimento orrorifico, insomma, che si riserva una nota di sagace sarcasmo politico nell’epilogo, chiusura perfetta di un prodotto che, nel suo specifico genere, appare addirittura sorprendente.

2010, Norvegia, colore, 103 minuti
Regia: André Øvredal
Sceneggiatura: André Øvredal

[Crescizz & Simone]

Recensione: L'arrivo di Wang

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Mon, 12 Dec 2011 07:00:00 +0000

Che i Manetti Bros siano in qualche modo i fautori del cinema indipendente lo si capisce dai soggetti che scelgono per le loro opere, evitando tentazioni major e gustose opportunità monetarie. Pochi finanziamenti, già, ma tanta passione per il cinema di genere, in particolare l’horror e la fantascienza, e un buon bagaglio tecnico, necessario quando i mezzi sono così esigui. Butta male nella nostra penisola assediata da telenovele e commedie sboccate, si sa, ma al duo questo non interessa, ecco quindi che portano in sala un film solido e convincente (e che al Trieste Science+Fiction 2011 si accaparrerà il Premio Nocturno e il premio della giuria per il Miglior Lungometraggio Fantascientifico).

La storia è tanto semplice quanto interessante, con una manciata di personaggi e una valida idea a sostenere la pellicola. Gaia, un’interprete di lingua cinese, viene contattata dai servizi segreti per un urgentissimo lavoro di traduzione da effettuare in un luogo del quale non le è dato conoscere l’ubicazione. La ragazza accetta e, bendata, viene portata in un bunker buio, dentro il quale conoscerà l’arrogante agente Curti e il misterioso Wang.

L'arrivo di Wang procede secondo i noti meccanismi del thriller puro, con un interrogatorio feroce e urlato che struttura da solo l’intera vicenda: ritmo serrato, pochi indizi per costruirsi diverse ipotesi, dialoghi accattivanti e protagonisti che, tolta qualche leggerezza (su tutto Gaia che accetta di farsi bendare senza troppi problemi, ma anche il muscoloso agente di guardia, catastroficamente stupido), risultano credibili nel ruolo. La storia scorre senza intoppi, i Manetti Bros costruiscono un climax che cattura lo spettatore e lo conduce ansiosamente all’epilogo, in una spirale sempre più ricca di convincenti effetti speciali. A Maurizio Memoli (già collaboratore di Avatar) va il merito di questo lavoro, svolto peraltro in nome dell’amicizia e della stima nei confronti del duo romano, il tutto nella migliore tradizione – gratuita – del cinema indipendente.

I Manetti Bros svolgono un ottimo lavoro nella gestione delle inquadrature e, dietro la macchina da presa, fanno sfoggio di una sicurezza costruita con la gavetta e il sudore, senza lasciarsi tentare da sperimentalismi o cercare snobistiche virtuosità, ma svolgendo bene il compito e portando a casa un buon risultato.

Bravo Fantastichini nella psicosi crescente del suo sbirro cattivo, un po’ meno Francesca Cuttica che pare troppo attenta al copione per costruire un personaggio realmente verosimile in una situazione tanto drammatica.

Un’ultima considerazione critica per la prevedibilità del finale, in questa situazione che mette in scena un set chiuso e pochi personaggi. Forse i Manetti Bros avrebbero dovuto essere più ambigui e meno sbilanciati nella psicologia dei personaggi, lasciandosi ispirare, per esempio, dal riuscito episodio di Lost nel quale i protagonisti catturano e interrogano il doppio/triplogiochista Benjamin Linus. Ne avrebbe giovato l’atmosfera trasversale dell’intero progetto, la cui obliquità si può soltanto annusare in alcuni spezzoni.

Ma, alla fine, che bella soddisfazione avere un prodotto Made in Italy di questo tipo, che, senza mezzi termini, si toglie lo sfizio di metterlo in culo a gente come Steven Spielberg e James Cameron.

2011, Italia, colore, 80 minuti
Regia: Manetti Bros
Sceneggiatura: Manetti Bros

[Crescizz & Simone]

Recensione: Gantz: Perfect Answer

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Fri, 09 Dec 2011 07:00:00 +0000

Diciamolo subito e senza mezzi termini: di “perfect”, questo secondo Gantz, non ha proprio un cazzo.

Dopo l’ottimo film precedente, non solo rispettoso del manga ma valido di per sé, con un’esaltante e maestosa messa in scena, la seconda parte del dittico cinematografico tratto dall’omonimo manga è estremamente confusa e soporifera. Ed è strano, perché a scrivere la sceneggiatura abbiamo il mangaka in persona, proprio lui, il grande Hiroya Oku. I motivi per cui Oku scelga di intraprendere un percorso che si distacca quasi in toto dalla sua creatura cartacea sono chiari, e piace questa idea di un progetto filmico che in qualche modo, date le stesse basi del fumetto, narri una storia alternativa comprensiva di un finale che, ai lettori dell’opera originale, chissà quando verrà fornito. In realtà, diciamo noi fan maligni, dato che nemmeno lui sa ancora come finirà esattamente il suo fumetto, ha imbastito uno spin-off cercando di dargli senso compiuto ed evitando spoiler.

Operazione riuscita maluccio.

Gantz: Perfect Answer prosegue con le avventure di Kei Kurono, guerriero da tempo imprecisato alla mercé di Gantz, che combatte alieni dalle fattezze più strampalate. Nel frattempo, un investigatore privato cerca di far luce sulla misteriosa devastazione, dal giorno alla notte, di alcune aree di Tokyo, e alcuni possessori di piccole sfere nere pare siano disposti a tutto pur di entrare nella strana stanza in cui dimora Gantz.

Se il primo film si bilanciava bene tra scene della vita quotidiana dei protagonisti e le battute di caccia aliene, questo secondo episodio non riesce a gestire le due parti, dando troppo spazio a entrambe in un interminabile polpettone sentimentalcatastrofico. Ci troveremo davanti ad una lentezza sfiancante quando Kei avrà a che fare con la sua fidanzata e saremo in balia di lunghissime scene d’azione appena i nostri eroi affronteranno i combattimenti per ordine di Gantz. L’alone di mistero che permeava il precedente capitolo viene spazzato via, da una parte a causa delle assurde pistolettate che in confronto John Woo è un dilettante (il comunque impressionante scontro in metropolitana, trenta minuti di sparatorie, duelli di spada e arti marziali prive di leggi fisiche), dall’altra dalle troppe informazioni vaganti che sembrano dover coprire buchi di sceneggiatura, che lo stesso Oku si trascina dietro dal suo manga e che di certo non può risolvere in un contesto ancora più ostico come quello cinematografico (piccole sfere nere, doppioni cattivi, liquidi misteriosi, fusione di un piano temporale vita-morte poco chiaro).

Ne nasce una noiosissima epopea senza fine con dialoghi spesso infantili e personaggi che si muovono senza alcun senso, scegliendo ora una direzione per poi tornare sui loro passi senza un motivo appropriato, ora un comportamento che subito dopo non rispetteranno per ragioni note solo a loro, il tutto su uno scenario apocalittico che pare apparso dal nulla. Anche la regia di Sato è molto meno ispirata, e sa alla tragica sceneggiatura di Oku poteva rispondere con combattimenti esaltanti, il suo miracoloso tocco dinamico, dopo una buona prima metà, si spegne progressivamente limitandosi a filmare banali, estenuanti scontri eroe vs cattivo totalmente privi di appeal visivo (niente più mostri, niente più strane creature aliene, niente più statue che prendono vita) e di un’accattivante coreografia, legati come sono a un insopportabile sentimentalismo tipicamente orientale. Tremenda infine la parte conclusiva, con gente che si mitraglia a due metri di distanza senza che nessuno venga mai colpito e personaggi moribondi che si rialzano SEMPRE.

Si salvano gli attori, decisamente calati nel ruolo, e gli effetti speciali, riusciti a livello tecnico ma utilizzati in maniera spropositata con disastrosi effetti catastrofistici.

Restiamo in attesa di conoscere come e se finirà l’opera originale, e se l’ultima scena del film coinciderà con l’ultima tavola del maestro Oku (un realtà un twist assai prevedibile e soprattutto spiegato male) ma per saperlo dovremo attendere anni e anni, vista la cadenza annuale con la quale viene pubblicato il manga.

Recensione: Gantz

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Wed, 07 Dec 2011 07:00:00 +0000

Ispirato all’omonimo manga di Hiroya Oku, da noi giunto al 29 volume e in corso di pubblicazione verso un finale che probabilmente non vedremo mai, Gantz copre dignitosamente una prima parte del fumetto. Difficile giudicare la pellicola in quanto tale, il capolavoro di Oku, non è un mistero, sappiamo essere pieno zeppo di incongruenze, contraddizioni che sono presenti pari pari nel film di Sato pur non danneggiando la fluidità e la riuscita generali.

La vicenda inizia con l’incontro casuale in metropolitana tra due studenti universitari che non si vedevano dalle scuole medie, Kei e Kato. Insieme aiutano un ubriacone che giace svenuto sui binari lo salvano portandolo sulla banchina ma finiscono travolti dalla metropolitana. Istantaneamente si ritrovano in una stanza spoglia, che ospita una misteriosa sfera nera conosciuta come Gantz. Insieme a loro ci sono altre persone, qualcuno sembra saperne di più sull’assurdità della situazione, qualcuno è spaesato tanto quanto i due. Non passa molto tempo che la sfera nera ordina ai presenti di equipaggiarsi con strane tute e armi sofisticate per dare la caccia a un misterioso personaggio. Queste le basi per una storia che dopo 29 eccitanti volumi deve dare ancora molte risposte, risposte che non ci dà questo Gantz ma che troveremo, per singolare scelta cinematografica, nel successivo film gemello, Perfect Answer.

Lo voglio per Natale!

La sceneggiatura resta fedele al manga, sia per impostazione che per svolgimento. Da notare il meticoloso lavoro di Watanabe nello snellire una trama densa di personaggi e situazioni, senza però creare omissis importanti o profonde voragini nel racconto. A un primo confronto, le tavole di Oku riescono ad essere ancora più dinamiche del comunque buon lavoro di macchina di Sato, e questo è un elemento che si nota lungo tutta la pellicola. Addirittura, in alcune scene (in particolar modo durante la magnifica lotta al museo delle statue), si riscontrano inquadrature che pescano direttamente dal manga.

Non dimentichiamo che il fumetto (ma questa è cosa classica nel parallelo video-carta) dà più ampio respiro a pensieri e dialoghi sulla vita, la morte, il coraggio, la capacità di ognuno di aiutare il prossimo in contrapposizione all’egoismo interiore, ma anche se più improntata sull’action pura, con un’inarrestabile successione di eventi, battaglie e catastrofismi assortiti, la trasposizione, incredibile a dirsi, non sembra risentire minimamente del passaggio da cellulosa a celluloide. Anzi, funziona meravigliosamente per un impatto visivo originale, che chiaramente risente del tocco assai personale di Oku nella creazione dei segmenti, ma che incanta e stupisce con fragorose sequenze di combattimento tra il weird, la fantascienza e l’horror (statue giganti, robot scattosi, alieni deformi), ricche di un approccio ironico e che ben sfruttano costumi darkeggianti ed effetti speciali mai invadenti.

Sato filma con occhio occidentale, lasciandosi influenzare maggiormente dal cinema supereroistico americano (la scena in cui Kei prova la tuta, saltando da un palazzo all’altro, ricorda Spiderman che lancia le prime ragnatele nel lavoro di Raimi), lasciando da parte la lentezza classica che caratterizza un certo cinema orientale. Oku, che conferma di essersi ispirato ai film di Hollywood per il manga, gli rende comunque facile il lavoro, perché disegna fedelmente interi quartieri di Tokyo che il regista nipponico sceglierà proprio come location. Rimane però un certo rammarico perché, se lo splatter, tipico del fumetto, è ampiamente presente, soddisfacendo così anche i palati più truculenti nonostante una minor esagerazione sanguinaria, a mancare del tutto è l’aspetto erotico, assai massiccio nell’opera originale.

E pure lei! Cioè, ehm, la tuta, ovvio!

Azzeccato infine il cast, con attori dalla fisionomia che ricalca i personaggi del manga (su tutti la bella Yuriko Yoshitaka), con in particolare un bravissimo Kazunari Ninomiya che riesce a trasmettere le emozioni più disparate (dall’ingenuo timore iniziale alla pura strafottenza) con una mezza smorfia sorridente che non abbandonerà mai per l’intera pellicola.

Prima del vero e proprio sequel, Sato dirige un film per la tv, Another Gantz, che rilegge questa stessa pellicola raccontandola dal punto di vista del detective che apparirà in Perfect Answer.

2010, Giappone, colore, 130 minuti
Regia: Shinsuke Sato
Sceneggiatura: Yusuke Watanabe

[Crescizz & Simone]

Recensione: Nuclear Family

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Mon, 05 Dec 2011 07:00:00 +0000

Progetto assurdo ma portato avanti con una storica ostinatezza, Nuclear Family nasce insensatamente nei boschi dietro casa di Kyle Rankin, dove il regista filma mezz’ora di pellicola lasciando totale libertà d’improvvisazione al cast. Ottenuti i (pochi) fondi per realizzare un lungometraggio che non si sa bene cosa sia (pilota di una serie tv ma chi vuoi che lo compri, allora pilota di una serie web, o magari forse solo film sperimentale che però ehm, sa troppo di sperimentale), Rankin se ne esce con un pasticcio bene o male inguardabile, nonostante alcune capacità che aveva dimostrato un paio d’anni fa con la divertente e ispirata horror comedy Infestation.

Scelta sciagurata quella di non scrivere una sceneggiatura, ma di limitarsi a un soggetto, e spingere gli attori all’improvvisazione, perché se da una parte troviamo un immenso Ray Wise che fa faville gigioneggiando su tutti e dipingendo un villain fuori dagli schemi, dall’altra i buchi diventano lacune e la storia, dopo un inizio straordinariamente banale, peggiora di minuto in minuto con una serie di vaccate senza senso una dietro l’altra. Non avendo idea di dove far parare il film, ma con un plot striminzito che vede la solita famigliola americana cercare di sopravvivere in un bosco abitato dai berserker, cattivissimi farabutti che si sono proclamati padroni della zona, a nulla serve mantenere il mistero sul consueto olocausto nucleare e sulle derive biologiche verso cui si trascina la pellicola. In Nuclear Family c’è tutto quello che potete immaginare con uno spunto simile: marito e moglie che stavano per divorziare ma che tornano insieme, incontri di lotta tra i berserker (perché la lotta è ovviamente l’unico sport del futuro), dottori che hanno la cura e via così, di cazzata in cazzata.

Come se non bastasse lo squallore delle situazioni e la pochezza psicologica dei vari protagonisti, Rankin costruisce il tutto con una struttura lostiana (sequenze al presente nel bosco/isola alternate con flashback prima dello scoppio della bomba/caduta dell’aereo), con tanto di accompagnamento musicale pressoché identico e di fade in a fade out spiccicati al lavoro di Lindelof e Cuse, ma per evitare che il paragone confonda qualcuno, come successo quando l’abbiamo fatto presente a Rankin stesso (che si è esaltato tutto contento e imbarazzato per quello che credeva fosse un complimento), il risultato è molto, molto lontano dal replicarne qualsiasi buon effetto. Il resto è una carrellata di noiose pietanze e baratri narrativi, con personaggi che agiscono senza particolari motivazioni, quando non sono allucinanti, e con colpi di scena che non vengono spiegati. Il tutto condito con sequenze idiote (l’esercito dei buoni che praticamente non combatte, lasciando fare tutto al papà protagonista e alla sua giovane amichetta lanciatrice di coltelli che ne trova a disposizione manciate e manciate, manco fossimo nella famigerata Foresta dei pugnali volanti di Zhāng Yìmóu) .

Brutto, brutto esempio di film indipendente, che parte malissimo con il più esemplare dei difetti cinematografici, ovvero la mancanza di uno script valido e capace di sostenere una storia, anche semplice e già vista, ma che abbia un senso nel suo sviluppo tra inizio, svolgimento e conclusione. Visto in anteprima universale allo S+F, ancora prima degli attori stessi, per adesso il film non ha nemmeno una locandina.

Moriturato.

2011, USA, colore, 85 minuti
Regia: Kyle Rankin
Sceneggiatura: Kyle Rankin

[Simone & Crescizz]

Recensione: Stake Land

noreply@blogger.com (Simone Corà) — Thu, 01 Dec 2011 07:00:00 +0000

Forse non è una sorpresa che Stake Land si sia accaparrato il premio del pubblico al Trieste Science+Fiction 2011, non tanto perché pellicola qualitativa che ha raccolto giustamente il favore degli spettatori, ma perché tanto mediocre, per quanto di gradevole visione, che inevitabilmente finisce per “piacere a tutti”, a dispetto di qualche titolo che invece divida e classifichi i gusti di chi guarda. Solito futuro apocalittico, solito scenario alla Mad Max, soliti personaggi impavidi, soliti mostri e soliti schemi narrativi. Ci troviamo di fronte a un film già visto mille volte, da Vampires a 30 giorni di buio, che dispiace criticare per la comunque oggettiva bontà generale del prodotto sotto ogni punto di vista, ma che in fondo annoia chi dal cinema di genere cerca qualcosa di più del solito tran tran catastrofico.

Mickle e Damici avevano ben iniziato la loro carriera con Mulberry Street, progetto acerbo ma assai interessante per costruzione e crescendo, e una certa innegabile abilità è comunque applicata anche a questo Stake Land. L’atmosfera drammatica e opprimente, il lento e triste srotolarsi della vicenda, le tematiche religiose come scontri di mondi analizzate dal punto di vista di una suora, tra i buoni, e di un santone pazzo, tra i cattivi: è chiaro che gli autori hanno qualcosa da dire, un qualcosa che non rientra nelle trite banalità del B-movie. Ma è in fondo a questo che si riconduce, in ultima analisi, Stake Land, perché già dai primi minuti è facile immaginarsi l’evolversi della situazione e la crescita del rapporto tra Mister e il giovane Martin, vanificando, appiattendo certi spunti discreti.

Gli ammazzavampiri di Stake Land, cazzutissimi motherfucker, lo si vede dagli sguardi

Il bestiario non è granché, un ibrido vampiro-zombie del quali gli stessi registi non sanno bene che pensare, e che risulta comunque uguale a tutte le altre creature di recente ideazione, così come non è granché lo scenario di lotta per la sopravvivenza. Piacciono gli effetti splatter e una certa cattiveria di fondo, soprattutto nella parte conclusiva, ma a Stake Land manca il fegato di dire qualcosa di più, di staccarsi dal marasma di film identici a se stessi (al solo S+F gareggiavano in concorso ben due opere simili, oltre a questo Stake Land, vale a dire Monsters e Nuclear Family). Un gran peccato pensando alla regia sciolta e agile di Mickle (meravigliosa, tra l’altro, la lunga sequenza dei mostri scagliati dal cielo) e ai dialoghi discreti di Damici, anche attore principale. Le poche intuizioni (il già citato equilibrio religioso tra la suora e il santone) non è infatti sufficiente a rendere fresco un intreccio che aveva bisogno di soluzioni, contesti e personaggi differenti per poter realmente catturare lo spettatore.

Dopo visto, si dimentica subito.

2010, USA, colore, 98 minuti
Regia: Jim Mickle
Sceneggiatura: Jim Mickle, Nick Damici