El Blog de IRIBARREN

No solo de espectáculo vive el cine: un llamado a la rebelión narrativa

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 26 Jul 2023 14:11:00 +0000

Hola a todos, hoy me apetecía reflexionar sobre algo que me fascina, el cine. Esta industria, siempre cambiante y evolucionando, está intentando encontrar un equilibrio entre la tecnología avanzada, los gustos cambiantes de los espectadores y las expectativas de los inversionistas. Pero tengo una pregunta que me ronda la cabeza, ¿se está apagando la magia del cine de nuestra infancia con tanto bombardeo visual?

Déjenme explicarlo con una analogía. Imagina un caramelo super dulce. Añádele más azúcar y se vuelve más goloso. Pero si sigues añadiendo azúcar, a pesar de que a algunos les encantará, a otros les resultará empalagoso. ¿No creen que el cine puede estar pasando por algo similar, saturando tanto sus películas que algunos espectadores lo encuentran indigesto?

Echemos un vistazo a Guardianes de la Galaxia 3. Esta secuela, parte de un universo de películas conocido por sus tramas épicas, decidió centrarse en la historia de un solo personaje: Rocket Raccoon. Resulta que este enfoque ayudó a los espectadores a conectarse de forma más profunda con la historia y los personajes, y a pesar de su simplicidad, ¡resultó ser un éxito!

Otro caso para ilustrar mi punto es Sound of Freedom. Esta película, con un presupuesto de solo 15 millones de dólares y abordando un tema tan importante como la trata de niños, ha recaudado más de 100 millones y aún no se ha estrenado en todo el mundo. Gran parte de su éxito se debe al viejo boca a boca, mostrándonos que una película puede tener un gran impacto sin necesidad de una gigantesca campaña de marketing.

Lo que estos ejemplos nos enseñan es la importancia de mantener un equilibrio en la industria del cine. No se trata solo de empujar los límites de lo grandioso y espectacular, también es vital tejer historias conmovedoras, desarrollar personajes con profundidad y hacer películas que realmente conecten con nosotros a nivel emocional.

Al final del día, las productoras que encuentren este equilibrio tendrán más probabilidades de prosperar a largo plazo. No es cuestión de rechazar la innovación o la evolución, sino de recordar que lo que más valoramos los espectadores en una película son las historias bien contadas y los personajes bien desarrollados. Eso es algo que deberíamos mantener, sin importar cuánto cambie el mundo del cine.

Y, finalmente, recordemos que nosotros, los espectadores, somos quienes realmente decidimos qué merece ser visto. Demandemos más que puro espectáculo. Queremos historias que nos muevan, personajes que nos cautiven y tramas que nos hagan pensar. Nunca subestimemos nuestro poder para influir en la calidad del entretenimiento que consumimos.

Autor:

Nestor Morera

Consultor en transformación digital. Se desempeña en labores de consultoría de confianza para la transformación digital, destacando por la empatía y el enfoque en el cliente, y por proporcionar soluciones innovadoras y efectivas que cambien vidas.

Fuente:

https://www.linkedin.com/pulse/solo-de-espect%25C3%25A1culo-vive-el-cine-un-llamado-la-rebeli%25C3%25B3n-nestor-morera/

La Mirada de HAL es un espacio de opinión sobre cine. Iribarren Films, como una contribución al desarrollo de la cultura cinematográfica, ofrece este medio para el planteamiento y la discusión de ideas con relación al séptimo arte. Sin embargo, las opiniones emitidas en este espacio son responsabilidad únicamente del autor.

CINEMApodcast - El abecé en la escritura de guiones

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 14 Jun 2023 15:35:00 +0000

La rodilla de Tati

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 08 Jun 2023 00:54:00 +0000

¿No sabíais que debo ocuparme

de los asuntos de mi Padre?

Lucas 2,49

El Teatro del Sótano (*), regularmente, recibía grupos de estudiantes en horas de la tarde/noche. Se hacía entonces densa y misteriosa su atmósfera, motivo por el cual le recuerdo entre murmullos inexplicables así como indescifrables algunos pasajes que aun revuelven mis pensamientos. Uno de estos viene raudo a mi memoria, de cuando quise acercarme aun más a la investigación corporal.

Fue así que propuse al grupo una búsqueda como la plantea Eugenio Barba, en secuencias de movimientos de naturaleza repetitiva, buscando un centro, un eje que, físicamente, diera con el torrente de la movilidad corporal, abarcando también lo emocional y lo mental: el muy deseado equilibrio. ¿Grandilocuente?... Al parecer, para Tati, participante del taller de teatro y estudiante de medicina veterinaria, fue más que eso, pues su impecable trabajo disciplinado, estético y sustancioso, removió cierto espectro favorito de lo profano en el teatro, para hacerse visible en momentos inesperados. Muy cierto es que Tati, preocupada en su búsqueda, seleccionó para su ejercicio de rutinas de movimientos, el muy conocido monólogo de la dramaturgia shakesperiana «Ser o no ser… Esa es la pregunta…»

En la clase se plantea, para esto, el estudio corporal con incentivos rítmicos percutientes y el parlamento del personaje Hamlet se va ciñendo a la repetición de movimientos; es entonces cuando cierta anomalía abre surco en Tati, manifestándose con virulencia en las cercanías del estreno. De esta forma, cuerpo aparte, una descomunal inflamación en una de sus rodillas, aparece impidiéndole cualquier ejecución, por dolorosa e incapacitante.

Necesitando armonizar esa rareza, me atrevo a preguntarle: ¿Tienes algún problema con tu padre? ¿Están de acuerdo en casa con tu participación en esta clase? Quedo atónita cuando los hechos me revelan un patrón mental de corte patriarcal en el cual la sombra del padre, al igual que en Hamlet, hace aparición en la alta torre de su cabeza medrando en dolorosa inflamación desde su rodilla derecha, mientras la voz del espectro va susurrando al oído:

«esa bestia adúltera e incestuosa, con la brujería de su ingenio y con dádivas traidoras, -¡ah, perverso el ingenio y los dones que así tienen fuerza para seducir!- ganaron para su vergonzosa lujuria la voluntad de mi Reina, tan virtuosa aparentemente»

Tati escoge el monólogo donde Hamlet, Príncipe de Dinamarca, se debate entre la lealtad que le ha prometido a su padre (víctima de la traición, que le impulsa a la venganza) y un escape de tan cruel sufrimiento. Hamlet quiere vengarse y al mismo tiempo desea librarse de tan agobiante compromiso; y Tati quiere obedecer a su casa y sus dictados, pero su naturaleza histriónica le grita que se libere. Mientras no toma una decisión, la rodilla vela reteniendo ardiente humor que no consigue cauce:

«Ser o no ser, esa es la pregunta. ¿Cuál es más digna acción del ánimo: sufrir los tiros penetrantes de la Fortuna injusta u oponer los brazos a este torrente de calamidades y darles fin con atrevida resistencia?»

Reconocido como un héroe trágico, Hamlet es, según Ramos y Marimón, el personaje de la dramaturgia universal que más ha sido versionado y adaptado para el audiovisual, por encima de Hércules y Jesucristo. Desde los inicios del cine, en las primeras décadas del siglo pasado, hasta hoy, el estudio sobre este personaje hace que se le considere arquetípico en tanto representa la inquietud del ser humano frente a la muerte (esa gran desconocida) y la duda frente a la cordura, de cuya absoluta certeza nadie puede ser testigo, que en la humana condición los actos racionales van salpicados de la falta de juicio a la que nos conduce la emocionalidad y viceversa, la locura más extrema tiene sus destellos de luz razonable y entre una y otra la Verdad, aun extraviada, busca camino en el gran manicomio llamado Mundo.

Denominada originalmente por su autor como La Trágica Historia de Hamlet, Príncipe de Dinamarca nos refiere un género que, según Edward Wright, es la forma más antigua de dramaturgia y por tanto de escena: la Tragedia, de gran envergadura en su construcción, en donde se presenta a un protagonista de reconocida grandeza que lucha frente a obstáculos que le superan en fuerza y en rigor. El conflicto se plantea frente a los Dioses, frente a algún cuestionado linaje o frente al entorno, al ambiente. Retadora en modo superlativo para la realización cinematográfica.

Versiones fílmicas interesantes y exaltadas con nominaciones y premiaciones son: 1) La versión protagonizada y dirigida por Sir Lawrence Olivier (1948 ByN) bastante fiel al texto original y de una belleza indiscutible. Esa lucha de opuestos: verdadero-falso, locura-cordura, vida-muerte, certeza-duda queda enfatizada en el trabajo de luces y sombras cuya realización la preserva como una gran obra de arte, alimentada con códigos muy teatrales y en la cual la actuación del protagonista es relevante en toda la producción. 2) En 1964, Grigori Kozintsev, director de origen ucraniano, realiza adaptación de Hamlet cuando se cumplían los 400 años de su publicación, proporcionándole a la cultura cinematográfica mundial una exquisita y fundamental obra de arte. 3) La versión dirigida y escrita por Franco Zefirelli (1990), con un reparto de actores muy reconocidos y cuya banda sonora estuvo a cargo del también reconocido Ennio Morricone. 4) La realizada por Kenneth Branagh (1996) quien la protagoniza y dirige 5) La versión hecha por Disney (1994): El Rey León, teniendo su base en Hamlet, transforma el género hacia lo dramático aminorando la sustancia trágica en el cambio de lo humano en felino y mezclando elementos argumentales de historias de personajes bíblicos cuyo impacto en las comunidades del continente africano, en términos sociológicos, es motivo de investigación, aun en estos días.

Hamlet, como cualquier tragedia, somete al espectador a dos cosas: 1.-Compasión por quien sufre inevitablemente y 2.- Temor a ser alcanzado por una suerte semejante que deriva luego en la purificación o catarsis. El público puede experimentar, luego de ver una tragedia, una purga emocional, dado que en este género el o la protagonista vive la derrota que le conduce con posterioridad a un sitial de iluminación.

Cuando las crónicas recogen que, en los inicios del cine, la crítica consideraba imposible llevar una obra como Hamlet a la pantalla grande, se entiende por la longitud del texto que da para más de 4 horas de montaje. También porque jamás se creyó en la posibilidad de tomar sólo lo que es esencial o que, de una obra compleja, profunda, llena de detalles, de contexto avasallante, pudiérase contar sólo una parte. Vemos así como, en el tema de las adaptaciones, la película vive sobre el cadáver de algún retazo importante del original.

No obstante, es hermosa la tarea de presenciar esta obra de arte, primero escrita, representada y después filmada (en numerosas versiones), para luego cuestionar, analizar, hacer diferenciaciones conceptuales, técnicas, filosóficas entre el texto y la película. Contiene todo el disfrute que proporciona reconocer una historia con tantos matices, cuya carga simbólica es constantemente estudiada y referida en muchas expresiones de la cultura mundial; tan vigente que se le confiere especial lugar dentro de la literatura clásica y del séptimo arte, en donde lo más atrayente de este arquetipo «de la duda» para unos, «de la ambigüedad» para otros, es su cualidad de espejo, cuyo reflejo le demostró a Tati que jugando a representar ningún actor sale indemne, porque al interpretar un rol, quien actúa apuesta a decidir sin dudas, un salto al vacío que se ejecuta siempre como un acto de fe. En el caso de esta principiante, la resolución no fue diferente a la planteada en la obra de Shakespeare.

Respecto al trabajo escénico referido al comienzo, a pesar de insistir en dos ocasiones, nunca se estrenó. Prevaleció el patrón familiar por el cual Tati sacrificó su gran talento histriónico y al igual que en la tragedia que nos ha ocupado, muere como Hamlet, sin reino, en el arrojo de preservar «el honor de su linaje», a la sombra de su padre.

(*) Teatro de bolsillo que servía de aula para los talleres de ARTES ESCÉNICAS en la Dirección de Cultura de la UNIVERSIDAD CENTROCCIDENTAL LISANDRO ALVARADO ubicada en Barquisimeto, Estado Lara- Venezuela.

Autora:

Francia Ortiz

franciazuleima@gmail.com

Docente en Artes Escénicas. Actriz. Directora de Teatro. Especialista en Estudios Psico-físicos. Escritora, con acercamiento al guión de cine. Actualmente cursa estudios de Cinematografía en la Universidad Experimental de las Artes (UNEARTE) de Venezuela.

Bibliografía Consultada

GREENE, Liz. Astrología y Destino. Ediciones Obelisco. Colección Urania.- Barcelona España SHAKESPEARE, William. Hamlet.- Editorial Planeta. Barcelona España. Traducción de José María Valverde

SHAKESPEARE, William. Obras Inmortales.- EDAF. Madrid España Traducción de Leandro Moratín RAMOS Jesús y MARIMÓN Juan. Diccionario del Guión Audiovisual.-Editorial OCEANO. Barcelona España

WRIGHT, Edward. Para comprender el Teatro actual.-Fondo de Cultura Económica. México. Traducción de Marco Glanz.

Habla McGuffin es un espacio de opinión sobre cine. Iribarren Films, como una contribución al desarrollo de la cultura cinematográfica, ofrece este medio para el planteamiento y la discusión de ideas con relación al séptimo arte. Sin embargo, las opiniones emitidas en este espacio son responsabilidad únicamente del autor.

Néstor Almendros

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 05 May 2023 21:28:00 +0000

Fuente/Imagen:

Koyaanisqatsi

https://youtu.be/NcOHLAQQTL0

Fotograma/Obra original modificada

De espectador a protagonista: ¿cómo la IA y los NFTs podrían revolucionar nuestra experiencia en el cine?

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 11 Apr 2023 18:15:00 +0000

Hace unos días, fui a ver John Wick 4 (10/10) y me surgió una idea: ¿y si pudiéramos vernos a nosotros mismos y a nuestros amigos como personajes de las películas que estamos viendo? ¡Qué divertido sería eso! Como amante del cine y apasionado de la tecnología, se me ocurrieron dos propuestas innovadoras para transformar la experiencia cinematográfica: gafas personalizadas y NFTs.

Propuesta 1: Gafas personalizadas para verte como el personaje que elijas

Imagina que, al llegar al cine, ya tienes un escaneo facial y corporal almacenado en su base de datos. Por medio de una aplicación, no solo eliges tu asiento, sino también el personaje que deseas interpretar en la película. Tus amigos también podrían hacer lo mismo y, a través de unas gafas especiales, verías la película con cada uno de ustedes como los personajes que eligieron. Aunque todos los demás espectadores verían la versión original de la película, cada uno tendría una experiencia personalizada e inmersiva.

Propuesta 2: NFTs como recompensa y reconocimiento para cinéfilos

Al comprar un boleto de cine, se te otorgaría un NFTs único vinculado a la película que vas a ver. Este NFTs tendría un valor asociado que aumentaría cada vez que vuelvas a ver la misma película. Por ejemplo, podría pasar de 10 puntos a 20 puntos en la segunda visita. Los NFTs serían coleccionables, intercambiables y vendibles, y podrían convertirse en una forma de mostrar tu amor por el cine y disfrutar de una experiencia más personalizada. Además, estos NFTs podrían estar vinculados a juegos digitales y plataformas de entretenimiento en línea, lo que agregaría una dimensión adicional de interacción y compromiso para los fanáticos del cine.

Estas dos propuestas podrían transformar la forma en que experimentamos el cine, haciéndolo más personalizado, divertido e interactivo. Al adoptar tecnologías innovadoras como gafas personalizadas y NFTs, la industria cinematográfica podría atraer a más espectadores y adaptarse a las cambiantes demandas del público en la era digital.

PD: Ya me tengo que ir al estreno mundial de Mario Bros. Mientras tanto, no dudes en unirte a la conversación cada martes para explorar más "qué pasaría si" en el mundo de los negocios y la tecnología. Juntos, podemos imaginar futuros emocionantes y generar conversaciones enriquecedoras.

Autor:

Nestor Morera

Fuente:

https://www.linkedin.com/pulse/de-espectador-protagonista-c%C3%B3mo-la-ia-y-los-nfts-en-el-morera-amaya/

Moonwalker

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 03 Feb 2023 15:37:00 +0000

Moonwalker. Productora: Ultimate Productions; distribuidora: Warner Bros.; directores: Jerry Kramer, Will Winton, Jim Blashfield, Colin Chilvers; productores: Frank DiLeo, Michael Jackson, Dennis Jones, Jerry Kramer, Will Winton; guion: Michael Jackson, David Newman; música: Michael Jackson, Bruce Broughton; intérpretes: Michael Jackson, Sean Lennon, Joe Pecsi y otros. País: Estados Unidos. Año: 1988. Género: musical. Duración: 92 min.

Moonwalker es el resultado de la imaginación sin límites de Michael Jackson, una película que está conformada por una colección de segmentos llenos de efectos especiales, acción y mucha música. Soy tan fan de Michael Jackson como cualquiera que tenga sus discos pero este filme es realmente atrapante, el contenido visual y auditivo que nos muestra la película es alto y no se trata solo de un sueño dentro de la cabeza de Michael sino el trabajo de varias manos, con segmentos que se pueden separar pero esta vez se ensamblan para mostrarnos la vida de un artista que marcó una época y tras varios años de su muerte sigue dando de qué hablar.

La película también es un reflejo del ego de un artista que la suerte lo hizo ser diferente, con una infancia perdida y recuperada, problemas de salud, dinero y amor que no le quitaron mérito a Michael para ser un ícono de la música y más.

La película como explicamos tiene varios segmentos o cortos dirigidos por diferentes cineastas pero todos basados en una historia concebida por Michael. En esta obra, Michael funge como productor, coreógrafo, músico y por supuesto protagonista, sin embargo, el trabajo de dirigir que es complejo, Michael lo deja en manos de cineastas profesionales; cosa que no hizo Prince en su poco exitosa Graffiti Bridge donde escribe y dirige un filme sin tener experiencia como cineasta.

Michael mezcla en Moonwalker una antología de diversos videos, algunos ya vistos y otros realizados para la película que luego obviamente se convirtieron en videoclips, entre ellos, segmentos de sus presentaciones con sus hermanos hasta Thriller y Billy Jean (se recuerda que para el momento del filme Michael había estrenado su tercer álbum ya como cantante solista definitivo y realizó algunas grabaciones, entre ellas, la canción que forma parte del soundtrack de la película Ben).

Otra parte de Moonwalker es un corto llamado Smooth Criminal, una fantasía de acción plagada de efectos especiales donde Michael interpreta obviamente a un cantante que está pasando un día libre con sus pequeños amigos (incluido Sean Lennon hijo del mítico John Lennon) que accidentalmente terminan descubriendo la guarida de Mr Big quien al descubrirlos manda a sus tropas de asalto a atacar a Michael. Nuestro protagonista inexplicablemente se salva del atentado después que al menos una docena de soldados armados con ametralladoras especiales (parecidas a las que se vieron en Aliens, el regreso) dejan como colador una calle completa. Finalmente, Michael escapa y luego lo que parece una estrella fugaz hace que Michael se trasforme en un carro espacial y bueno… la aventura incluye un viaje en el tiempo donde Michael aparece en una especie de taberna de los años 30 donde cantará el tema que le da nombre al segmento.

El despliegue de efectos especiales y música es impresionante y todavía no envejece, además, las coreografías son espectaculares. Hay un segmento a manera de videoclip llamado Speed Demon, que hace un poco de referencia al acoso que sufre Michael por los fans. Otro segmento es Leave Me Alone donde Michael va por una especie de caverna montado en un proyectil sin alas mientras que se van mostrando publicaciones sobre su vida personal como el hecho de que duerme en una cámara hiperbárica, que compró los huesos del hombre elefante, que tiene un altar donde venera a Elizabeth Taylor (aquí se puede ver a la actriz en segmentos de sus películas más famosas), pero, el más conmovedor segmento es precisamente el principio de la película con el tema Man in the Mirror donde habla de la paz mundial. También vemos segmentos donde aparece la Madre Teresa, Nelson Mandela, John Lennon y claro, siempre intercalados con escenas de sus conciertos y fans cayendo desmayadas.

El filme no tiene pies ni cabeza, es un derroche de efectos especiales, un autorregalo que se da Michael Jackson a su inflado ego, sin embargo, para mí cumple con divertirme una y otra vez; por si no se recuerda bien, una de las misiones del cine.

No sé si atreverme a indicar las similitudes o alusiones de este filme a lo hecho por el legendario grupo musical The Beatles, algunas muy obvias, otras que hay que ver mejor; lógico que después de los cuatro de Liverpool, Michael Jackson es otro fenómeno mediático muy similar. Sin embargo, voy a mencionar que entre las imágenes presentadas está la de John Lennon, miembro clave de los Beatles, y muy relacionado con el movimiento por la paz mundial. Por otro lado, el segmento Speed Demon nos recuerda a la película Hard Days Night la cual habla precisamente del acoso de los fans que se hace imposible de evitar. También está el hecho de que Sean Lennon protagoniza Smooth Criminal como uno de los amigos de Michael y para rematar Michael termina cantando Come Together, tema clásico de los Beatles perteneciente a su último álbum grabado Abbey Road (aunque se lanzó de penúltimo antes de Let it be, que es más bien un soundtrack de la película del mismo nombre). Como todos sabemos Michael Jackson compró el catálogo musical de los Beatles pero curiosamente solo tomó Come Together para su uso musical personal, después tuvo que revender el catálogo por problemas financieros.

El último segmento donde van apareciendo los créditos finales (donde por supuesto el nombre de Michael aparece no menos de diez veces) vemos un grupo de hombres afroamericanos cantando lo que parece un blues de antaño, Michael recuerda así sus raíces negras dándole el final a su filme o como muchos llamaron un videoclip de larga duración.

Autor:

LUIS STEELHEART

Cine Fantasía

https://youtu.be/WkM0nfEAnvc

El cine de mi colección es escrito por Luis Steelheart. Iribarren Films publica este espacio como una contribución al desarrollo de la cultura cinematográfica, sin embargo, las opiniones emitidas en él son responsabilidad únicamente del autor.

Aún por celebrar

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 22 Jan 2023 13:14:00 +0000

«Nunca tanta gente ha visto tanto cine como ahora. Pero nunca tan poca gente fue al cine».

Manuel Martínez Carril

Al día del cine venezolano, Iribarren Films me ha pedido, en plena celebración, que escriba un artículo sobre nuestro cine y, puede ser que, de inmediato, el aspecto histórico nos envuelva inevitablemente, puesto que en las fechas especiales la memoria acude a argumentar los porqués de la celebración. Pero la celebración misma corre por cuenta de cada uno con sus correspondientes significados. Al menos yo tengo una imagen del disfrute del cine compartido en cineclub, en cinemateca. Tengo la secuencia de un Pancho Pérez repartiendo volantes en el boulevard universitario convocando a los estudiantes a la función del cine en la UCLA, luego una voz desde un megáfono invitando para la película en el Auditorio Ambrosio Oropeza de la Universidad Centroccidental Lisandro Alvarado y finalmente el disfrute de tantas obras maestras, cuya comprensión, en algunos casos, pasaba por el tamiz de un buen foro al final.

Bien vale recordar la derivación que tuvo esto en días posteriores, en la misma década de los años noventa, con el florecimiento de un movimiento de clubes en cada núcleo universitario y en diferentes programas académicos de la citada universidad cuyo resplandor, aunque menguado hoy, se desplaza meritoriamente hacia otros proyectos de extensión universitaria de la mano del mismo Pancho Pérez con gran impacto en comunidades educativas y vecinales. Este recuerdo respecto al cineclubismo me obliga a nombrar al Cineclub Aquiles Nazoa cuyo origen, también universitario, data de 1984 y hasta hoy, he visto a Libia Rodríguez, su fundadora, en un trabajo sostenido por mantener esta forma de difusión de obras cinematográficas que es también una fuente formativa. Tengo la imagen de Guillermo Chávez y su extraordinario apasionamiento que de manera arrolladora va conquistando adeptos para hacer realizaciones casi de la nada y que resulta al fin y al cabo una gran escuela en donde otros tantos somos asimilados o militantes. Cargo entre mis apreciaciones montones de festivales de cortometrajes impulsados desde diferentes iniciativas por Iribarren Films y por el Centro Integral de Estudios de Comunicación Audiovisual CIECA con Isabel Cristina Caroto al frente; este último con el reconocido Festival de Cine de Barquisimeto (hoy por hoy en receso). Observo entonces, a lo largo del tiempo, un sostenido empeño por darse una oportunidad para el encuentro y que es herencia de una época degustadora del cine de otras latitudes a través de las embajadas de un sinfín de países y las comunidades buscaban, en el evento de aproximarse a estas producciones, su manera de reconocer a otros pueblos: ciclo de cine indio; ciclo de cine árabe; ciclo de cine francés; ciclo de cine alemán; ciclo de cine argentino; ciclo de cine cubano y así, muchas horas de vuelo. Y a esta parte de la cosa fílmica va mi homenaje.

Del cine, más allá de su génesis en nuestro país, quiero referir su desarrollo. En su evolución fue llevado de la mano de instituciones importantes para los usuarios, cinéfilos, como han sido las salas de la Cinemateca y los cineclubes; creo que sin esta forma de difusión mucho menos se habría logrado frente a una industria extranjera avasallante, junto a la ausencia de leyes y apoyo por parte de organismos gubernamentales que fue el pan nuestro de cada día en el pasado siglo XX. No obstante, es el cine un arte que por excelencia identifica este tramo de la historia en el cual se levantó toda una cultura con grandes obras cinematográficas, salas diseñadas y acondicionadas especialmente para su degustación, supo entonces institucionalizar a su paso otra forma de mercado muy «sui generis». Y es que, en cuanto a consumo, realizando un parangón del arte cinematográfico con otras expresiones artísticas, al decir de Manuel Martínez Carril, crítico de cine y periodista uruguayo, ciertamente las películas son ejemplares o copias de una obra original, exactamente igual que los libros contienen literatura y son reproducciones de lo que alguien escribió; igual con la música respecto a discos que constituyen copias de la ejecución de una partitura. Pero existió desde siempre una diferencia: un libro, un disco van hacia el usuario directamente; el lector, la melómana, disfrutarán teniendo en su poder una copia de este bien, llámese libro o disco.

Pero, ¿cómo podría resolverlo en aquellos años cincuenta o sesenta aquel que, aficionado a las películas, no disponía de esta opción? En la primera mitad del siglo XX y más, para disfrutar de una película el cinéfilo corriente tendría dos alternativas en sala: el cine comercial, con su menú de copias de películas fundamentalmente hollywoodenses o mexicanas, o ir a una sala de la Cinemateca o al cineclub en donde sí podría tener acceso a la proyección de cine de arte por algún tiempo, porque, en esto también era grande la diferencia, las copias al cabo de un tiempo deberían ser devueltas a quienes ostentaban el derecho de difusión y que luego, como copias, podrían ser destruidas.

En aquel tiempo, ningún particular, ningún museo, ninguna biblioteca pública podía conservar copias de los filmes y tampoco ninguna reproducción en video o similares ya que de esto trataba el contrato que sostenía la difusión de la obra fílmica. De alguna manera las cinematecas hicieron frente a ese holocausto cultural, desde su creación en Europa a finales de la década de los 30. En Venezuela, la Cinemateca Nacional fue creada como otras en nuestra América por la necesidad de poner orden donde no lo había, es decir, preservar todo filme que había escapado del incendio y del machetazo, o que hubiere caído en el abandono y posiblemente en el deterioro.

Este movimiento de cinematecas, cuyo inicio se dio en la década de los 60, impulsó con este propósito, el que los países fueran rescatando y protegiendo sus propias producciones fílmicas y no como podría haberse creído en la primera mitad del siglo XX, que esta preservación iba a ocurrir por manos de particulares. El espíritu con el que fueron creadas las cinematecas entonces, puede hablarnos ciertamente de la memoria, pero también del conocimiento de este llamado séptimo arte y de su apreciación estética o técnica.

La cinemateca, como institución cumple un rol patrimonial y educativo, no obstante la diversificación de las tecnologías, que comenzó con la «democratización» del video o su imposición y determinó en la década del 90, frente a la distribución de mucho producto mediocre, la difusión en espacios alternativos del cine de calidad. Hoy podemos disfrutar en mucho de lo producido en el pasado y lo que se viene produciendo en diferentes formatos, gracias a las páginas especializadas que circulan por innumerables portales de internet, solamente armándonos de buen criterio.

En Barquisimeto, la red de cineclubes, con un maestro como Juan Arcadio Rodríguez al frente, hizo profilaxis desde décadas anteriores y se pudo soportar esa avalancha audiovisual, estableciendo una inequívoca atmósfera muy propicia para la participación de la comunidad y la obligatoria manifestación de pareceres, opiniones e impulsos para el trabajo creativo, es decir, la parte formativa como espectadores en cuanto a ser críticos o permisivos frente a la enajenante industria del video que, muy empoderada, pudo colar altas dosis de lo superficial o banal en tantas de sus producciones.

A la fecha, la realización cinematográfica va encaminada cada vez más hacia el uso de tecnología electrónica, en donde existen programas para la edición de imágenes y sonido que son accesibles al común de la gente, cuando la digitalización es en sí misma una forma de preservación y los cineastas acuerdan renunciar a la proyección en salas de cine para hacer circular su material por las redes, nos siguen atacando las mismas dudas e incertidumbres porque el descubrimiento de la condición humana y su trascendencia no es competencia de ningún recurso industrial, ni artesanal, sino más bien de lo que nos sea revelado como grupo, como seres en constante interacción y evolución.

En ese contexto el cine venezolano, va empujando hacia adelante, ya provisto de algunas regulaciones, de cierta institucionalización y respaldo con políticas (unas más acertadas que otras), reclama que tanto sus realizadores como su público hagamos el ejercicio constante que es recordar sus orígenes y en nuestro estado Lara considero dos íconos fundamentales:

1) La imagen de Amábilis Cordero: cineasta, fotógrafo, pintor, poeta, músico, guionista y pionero del cine, es un ejemplo a seguir.

2) La herencia recibida por Juan Luis Rodríguez Camacho que es incuantificable en su valor intelectual y cultural con un proyecto como el Cineclub Charles Chaplin gestado décadas atrás y ante el cual la comunidad tiene una deuda, por no haber sabido defender ese espacio; también tendrían mucho que explicar desde la «prestigiosa» institución donde funcionó hasta 2018 cuando dijeran sin escrúpulos: Bye, bye Jhohny!… Je ne sais pas, Charlot!… sin ningún argumento original o que valga la pena de ser narrado y sin la más mínima consideración de lo que puede considerarse como un patrimonio de la ciudad y del estado Lara. Hasta hoy se le ha exigido a ese colegio de profesionales la devolución de los equipos, sin ningún éxito.

Es momento entonces, en que se nos convoca a recuperar espacios perdidos para alumbrar esa forma muy humana que es la de recrear tiempo-espacio donde encontrarnos para compartir una buena película, por ejemplo, que además nos remueva el alma y nos incite a la palabra, nos inspire a romper con las formas, nos lleve por caminos de ser por nosotros mismos.

Es tiempo de insistir, ahora con más fuerza, habiéndose establecido en Barquisimeto la Licenciatura en Artes Audiovisuales, mención cinematografía, dentro de la Universidad Nacional Experimental de las Artes, en cuyas filas estaría el germen de una visión y propuesta alternativas para el cine venezolano desde donde se abra el debate para la inclusión de normativas que apunten a la verdadera democratización de los recursos del estado y se apunte a la inversión para el fortalecimiento de la cultura cinematográfica nacional que propenda al desarrollo de circuitos alternativos. También se puedan crear con su correspondiente regulación, fondos regionales que participen en la asignación de equipos y recursos de diferente índole que incluya el apoyo a la producción, la realización y la difusión.

Otro aspecto pendiente: la definición de la figura del «difusor cinematográfico» y la definición de «espacio o sala alternativa» ya que si estas no aparecen en la ley y en el reglamento de cine nacional, seguirá siendo muy cuesta arriba el camino para quien quiera realizar cine independiente de exhibidoras extranjeras o del Estado venezolano, pues al no existir jurisprudencia al respecto no hay forma de que los interesados se muevan frente a la administración pública o privada con acierto hacia la elaboración de políticas que beneficien y dignifiquen su quehacer, mucho menos el que se establezca alguna plataforma que apuntale el desarrollo de la cultura cinematográfica en nuestro estado.

Ese vacío legal que toca también a las exhibidoras privadas, por cuanto se les asigna, casi sin ninguna regulación, la tarea de exhibir lo producido en el país, multándolas con muy poca cosa si no lo hacen. Pero a las compañías les resulta mejor negocio pagar la multa al estado venezolano y recibir los cuantiosísimos ingresos que pagan las trasnacionales del cine mundial con tal de disponer en forma exclusiva de las salas… y todo arreglado.

En el 2015 se lo hicieron al documentalista Carlos Azpúrua quien denuncio ante la prensa «que no estaban colocados los afiches, que la película no estaba programada en las carteleras electrónicas y que se informaba que las funciones estaban agotadas para no vender entradas».

En 2013, el cineasta Luis Alberto Lamata denunció irregularidades en la proyección de Bolívar, el hombre de las dificultades llegando en algunos casos a la suspensión de las funciones. Pero esto se queda, lamentablemente, en la denuncia, y ¿saben por qué? Entre otras cosas, es porque no hay espacios alternativos para nuestro cine, el vacío legal trunca los caminos para generar nuestras propias exhibidoras, es decir, la difusión de lo hecho en Venezuela, mientras imposibilita también las sanciones ejemplares que merecerían quienes están llamados por ley a difundir nuestro cine y no lo hacen.

Entonces el día del cine venezolano está aún por celebrarse; en la creación de una nueva ley de cine que integre estos puntos y otros tantos, que otorguen justicia al oficio cinematográfico y en ese empuje vayamos participando sin distingos en la realización de un proyecto de pasión que nos abarque como una sola fuerza en construcción constante, que sea como el devenir de la semilla que, siendo portadora de energías encontradas, en su lucha, tiene como resultado una nueva planta, cuya heroica fertilidad trasciende su propia hazaña para ir al mejor de los festivales: la vida.

Autora:

Francia Ortiz González

Docente en artes escénicas jubilada de la UCLA.

El cine venezolano en tiempos de crisis

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 22 Jan 2023 12:53:00 +0000

La falta de recursos estatales y problemáticas como la seguridad y la escasez han afectado a la industria cinematográfica de Venezuela. Productores multiplican esfuerzos para seguir rodando en el país pese a las dificultades.

Fuente/Autor:
FRANCE 24 Español
https://www.youtube.com/watch?time_continue=105&v=4Z8bcrzeY1c

Los modos de representación de Burch comentados por Pelayo Sánchez

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 01 May 2022 19:00:00 +0000

Noël Burch es un crítico y teórico de cine estadounidense, famoso por todo su trabajo teórico y su contribución de términos comúnmente utilizados por académicos cinematográficos como: modos de representación y por sus teorías compiladas en libros cómo Theory of Film Practice y La lucarne de L’Infini.

En el presente video Pelayo Sánchez, comunicador audiovisual, comenta los modos representación establecidos por Burch buscando un acercamiento al estudio y la comprensión de dichos modelos a través de la comparativa de tres ejemplos concretos: Asalto y robo de un tren (Edwin S. Porter, 1903), Perdición (Billy Wilder, 1944) y El silencio de un hombre (Jean Pierre Melville, 1967).

Fuente:

Harto Brillante

https://youtu.be/fFI3v4X-Mmc

Un referente de la difusión cinematográfica en Lara

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 17 Feb 2022 02:59:00 +0000

Fuente/Autor:

Vasil Chimochenco

https://www.facebook.com/

Posibilidades de realización y de difusión en el cine venezolano

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 27 Jan 2022 18:44:00 +0000

Con motivo del 125 aniversario del cine nacional se realizó un conversatorio en los espacios del Club del Telefonista de la ciudad de Barquisimeto. En esta actividad participaron en buen medida estudiantes de cinematografía de la Universidad Nacional Experimental de las Artes UNEARTE junto con invitados especiales como Wilfredo Aguilar, realizador, guionista y docente universitario así como Daniela Montero, coordinadora del Centro Cultural LEA. Durante el conversatorio se trató la realidad del cine venezolano y las posibilidades de realización y de difusión en la actualidad. Muchas fueron las inquietudes manifestadas por los estudiantes ante el panorama desfavorable para el desarrollo de la cinematografía que se presenta en el país. En el caso de los estudiantes de UNEARTE, la falta de una sede propia y la carencia de equipos ha sido un elemento que dificulta el desarrollo del proceso académico requerido en la especialidad de cine. Sin embargo, surgieron propuestas alternativas a esta situación desventajosa como la conformación de grupos de producción independientes con la finalidad de complementar el aprendizaje y de igual manera, se planteó la necesidad de crear espacios alternativos para la difusión con la finalidad de estudiar el cine como arte a través de la discusión y el análisis de nuestras propias producciones.

Este encuentro se realizó con el apoyo de UNEARTE, la Dirección de Cultura de la UCLA, el Centro Cultural LEA y el Centro de Cultura Cinematográfica Iribarren Films.

Una publicación de Iribarren Films

Texto:

Guillermo Chávez

Foto:

Francisco Pérez

Érase una vez unos muchachos bañándose en la laguna de Maracaibo

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 24 Jan 2022 17:35:00 +0000

Cada 28 de enero, año tras año, celebramos en Venezuela un aniversario más de nuestra cinematografía. Por muchos es conocido que ese día del año 1897 se presentaron públicamente las primeras imágenes en movimiento de contenido venezolano. Solo los títulos permiten aseverar que el material fue registrado en territorio nacional: Un célebre especialista sacando muelas en el Gran Hotel Europa y Muchachos bañándose en la laguna de Maracaibo.

Ha pasado más de un siglo y el origen de nuestra cinematografía sigue siendo un tanto incierto. Tradicionalmente se le atribuye a Manuel Trujillo Durán la autoría de las primeras imágenes en movimientos venezolanas; sin embargo, no hay hasta ahora prueba fehaciente de este hecho como lo señala el escritor y poeta zuliano Alexis Fernández, autor de La Casa de la Bahía. Memorias de Manuel Trujillo Durán, en entrevista para la televisión regional (1) y como también lo afirma el investigador Jaime Sandoval en el documental producido para Vive TV Crónicas del Cine Venezolano de Belen Orsini. En ese sentido, es necesario señalar dos hechos importantes: 1) el Vitascopio, utilizado por Trujillo Durán inicialmente, era un aparato de proyección por lo que no pudo haberse registrado imágenes en movimiento con este equipo como lo señala investigadora Ambretta Marrosu en el libro Panorama Histórico del Cine en Venezuela 1896 - 1993 (2), siendo más probable su registro con un cinematógrafo de la Casa Lumière; y 2) Trujillo Durán no se encontraba para la fecha en Maracaibo porque había partido el 8 de enero de 1897 hacia el estado Tachira como lo refiere Lenyn Jaimes en su TEG El Teatro Garbiras como sede de la exhibición cinematográfica en San Cristóbal, Estado Táchira (1904-1920) (3) para luego seguir hacia Bucaramanga, Colombia, donde se presentó en el Teatro Peralta el 21 de agosto de 1897 como lo señala Angie Rico Agudelo en el libro Las travesías del cine y los espectáculos públicos (4) y reseñado por el periódico El Norte (Bucaramanga), el 27 de agosto de 1897(5).

Ahora bien, todo lo que antecede es una pequeña recopilación de información de distintos autores que presentan los hechos y aclaran dudas con relación al nacimiento de nuestra cinematografía. Sin embargo, es importante señalar que lo expuesto no le resta méritos a Manuel Trujillo Durán como pionero del cine nacional. Aunque no fue un realizador, su trabajo como exhibidor itinerante lo convierte en el primer difusor cinematográfico de Venezuela.

Es la difusión lo que le da sentido a la actividad cinematográfica. La posibilidad de que muchos espectadores puedan disfrutar de una obra audiovisual frente a una pantalla es lo que le otorgó la paternidad del cine mundial a los hermanos Lumière; y no a Edison ni a Louis Le Prince. Por lo tanto, podemos afirmar con certeza que Manuel Trujillo Durán es el padre del cine en Venezuela.

Autor:

Guillermo Chávez

Enlaces a fuentes bibliográficas

(1) Historia Viva. La Casa de la Bahía. Entrevista a Alexis Fernández. Coquivacoa Televisión. Min. 25:35

(2) Panorama Histórico del Cine en Venezuela 1896 – 1993. Ambretta Marrosu y otros. Pag. 14

(3) TEG El Teatro Garbiras como sede de la exhibición cinematográfica en San Cristóbal, Estado Táchira (1904-1920). Lenyn Jaimes. Pag. 20

(4) Las travesías del cine y los espectáculos públicos. Angie Rico. Pag. 32

(5) Imagen del periódico El Norte. Crónicas del Cine en Colombia. Fundación Patrimonio Fílmico Colombiano. Pag. 8

Imagen/Fuente:

Wikimedia Commons

https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Newspaper_clipping_announcing_the_showing_of_films_in_Maracaibo,_January_1897.png

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Fuera de foco es escrito por Guillermo Chávez. Iribarren Films publica este espacio como una contribución al desarrollo de la cultura cinematográfica, sin embargo, las opiniones emitidas en él son responsabilidad únicamente del autor.

GENTE DE CINE. Habla Luis Rodríguez

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 30 Dec 2021 15:22:00 +0000

Luis Rodríguez, cineasta venezolano, comenta sobre su forma de abordar el trabajo con los actores.

Fuente/Autor:

HGRpro

https://youtu.be/DAu_p7K8a5Y

JUAN ARCADIO. Un homenaje

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 28 Dec 2021 12:47:00 +0000

Mi amigo Juan Luis Rodríguez -luchador incansable por el cineclubismo, un legado de su padre Juan Arcadio- me pide que escriba en su propio muro (facebook) algunas palabras de mí con relación a este último. Por supuesto que acepto su solicitud, pero la extiendo además hacia mi muro, como una manera de difundir aun más la noble e importante labor de estos gladiadores, palabra que uso a pesar de mi resistencia a hacer épicas.

A Juan Arcadio Rodríguez lo conocí mucho antes de verlo personalmente. A mediados de los años 70 los cinéfilos del país peleábamos por dos cosas importantes: la ley de cine y la subsistencia de los circuitos alternativos, pomposo nombre que le dábamos a los cineclubes. En el Pedagógico de Caracas, yo presidía uno de esos cineclubes y lo llamábamos, precisamente, Cine Club Charles Chaplin. No era fácil la vida para los cineclubes, tenían muchos frentes de ataques, entre ellos las propias distribuidoras comerciales y los partidos políticos dominantes.

La actividad la coordinaba la FEVEC (Federación Venezolana de Centros de Cultura Cinematográfica y afines), cuyas reuniones se realizaban en el Parque «Arístides Rojas» de la Av. Andrés Bello. Nuestro cineclub, el Chaplin, enfrentaba una alianza MAS-AD que intentaba hacerlo desaparecer por el expediente de la ilegalidad, y era tema recurrente de las sesiones. Pero en la frecuencia competía con otro cineclub del interior, coincidencialmente homónimo, dirigido en Barquisimeto por alguien a quien nos acostumbramos a mencionar por sus dos nombres sin incluir el apellido: Juan Arcadio.

Apenas terminada mi carrera de profesor de matemática, me toca laborar precisamente en Barquisimeto. Venía pensando más en matemática que en cine pero, sin embargo, una de las primeras cosas que hice fue asistir a las funciones del Chaplin para conocer personalmente a Juan Arcadio. Me sorprendió su adustez, lo que me intimidó un poco y me impidió intentar una amistad algo más cercana. No obstante, participé -más como espectador, que como actor- en muchos de sus interesantes cineforos, bien manejados por él mismo o por cualquiera de los excelentes cineforistas con los que contaba. También recuerdo que muchas veces le dí la cola... éramos vecinos de la carrera 17 y aprovechaba esos momentos para conversar sobre la película o sobre el cineclubismo en general.

Hay una anécdota de él que no puedo dejar de contar. En una ocasión presentaba la película Mississipi en llamas en el Colegio de Abogados. Asistí a la misma con mis dos hijos, que tendrían nueve y ocho, respectivamente, y su primito de siete. Una señora algo encopetada exclamó medio indignada: «¿Esos niños van a ver esa película?». Antes de que yo pudiera contestar algo, Juan Arcadio le dijo severamente: «Esos niños andan con su papá». Esa respuesta contestó para mí algo que me preguntaba desde hace algún tiempo: ¿Cuál es verdadera naturaleza de la censura? Juan Arcadio me hizo comprender que no es otra que el miedo: el miedo a no saber contestar, el miedo a tener que explicar, el miedo a carecer de respuestas. No sabe Juan Arcadio cuánto le he agradecido ese momento toda la vida.

Autor:

Douglas Jiménez

Matemático, profesor universitario y experto en calentar butacas de salas cinematográficas; actividad algo disminuida en beneficio de los medios magnéticos. El cine como afición algo viciosa.

Fuente:
https://www.facebook.com/permalink.php?story_fbid=10216731283730269&id=1107195325

La Mirada de HAL es un espacio de opinión sobre cine. Iribarren Films, como una contribución al desarrollo de la cultura cinematográfica, ofrece este medio para el planteamiento y la discusión de ideas con relación al séptimo arte. Sin embargo, las opiniones emitidas en este espacio son responsabilidad únicamente del autor.

METAMORFOS, TERIANTROPOS Y SHAPESHIFTERS: ENFERMEDADES, EXPERIMENTOS, ENCANTAMIENTOS Y MALDICIONES CINEMATOGRÁFICAS

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 20 Nov 2021 02:03:00 +0000

Cortesía de El Cinescopio

DR. VIJAY ALEZALS

La vida es mística, solo que

estamos acostumbrados a ella.

El propio catolicismo es una

religión tan mística que incluso

las tribus más primitivas pueden

convertirse a ella… Los estigmas,

la vida tras la muerte, el día

del juicio, el cielo y el infierno,

todo es tan increíble y a la vez

tan corriente…

Dialogo extraído de Wolf

Dirigida por Mike Nichols

Cuando me propuse escribir este pequeño compendio nunca imaginé lo ampliamente desarrollado que está el tema de los shapeshifters (cambia formas) en la red. Basta la más sencilla búsqueda en google para tener acceso a multitud de leyendas, mitologías, folklorismos y literatura -cuentos de hadas, fábulas, ciencia ficción, horror, terror, romance-. Historias que nos hablan de personas que se transforman en animales o de animales que se transforman en personas: tiburones en varias islas del Pacífico Sur; tigres en la India; osos en el Norte de Europa; zorros en Japón; leopardos y leones en África, jaguares en Sudamérica y pare usted de contar. Una relación que parece estar determinada por el animal más importante del hábitat donde fueron fundados los primeros pueblos y posteriormente las ciudades de donde provienen cada una de las historias.

Es un hecho que desde tiempos inmemoriales los shapeshifter han estado en el imaginario de nuestra raza, podemos encontrar referencias a ellos en algunas de las formas de expresión más antiguas de la humanidad, desde los dibujos hallados en diferentes cavernas, a las representaciones de Dioses o Deidades como Ra- Horus (cabeza de halcón/águila y cuerpo de hombre), Sobek (cabeza de cocodrilo y cuerpo de hombre), Anubis (cabeza de chacal y cuerpo de hombre), etc. en la cultura egipcia.

También en la mitología griega, donde es frecuente observar a personajes como Zeus cambiar su forma física voluntariamente, con propósitos que van desde lo puramente sexual –usurpando la identidad de algún mortal para reproducirse con su mujer- hasta la resolución de alguna vendetta –en el caso de utilizar sus poderes divinos para hacer cambiar la forma a algún enemigo-. Otros seres mitológicos mitad humanos, mitad animal que vienen a mi mente mientras tipeo estas palabras podrían ser los centauros, las sirenas, el minotauro, etc.

Interesantes historias que eventualmente, permearon al universo cinematográfico.

En 1920 John S. Robertson dirige el Dr. Jekyll y Mr. Hide basado en el libro de Robert Louis Stevenson, y con guión de Clara Beranger, la historia de un hombre, el Dr. Jekyll, que se obsesiona con encontrar una manera de separar el bien del mal en la personalidad del ser humano; algo que consigue a través de una poción que prueba consigo mismo, y que lo llevara a experimentar una metamorfosis de cuerpo y personalidad que le convierte en Mr. Hide. Un personaje ruin, libre de conciencia y de moral, capaz de seguir sus más oscuros impulsos. Un lado oscuro que poco a poco se terminará apoderando de él por completo.

Un concepto argumental que posee en si mismo la línea temática que definirá transversalmente a todas las películas de este subgénero: la dicotomía entre el bien y el mal AKA la racionalidad VS. la irracionalidad; en un mismo sujeto.

En 1935 hace su aparición cinematográfica, en un largometraje, el licántropo. Sin duda el shapeshifter del que más se han filmado películas en lo que va de historia de cine. La película en cuestión recibe el nombre de The Wherewolf of London y está dirigida por Stuart Walter, con guión de John Colton. Narra la historia del Dr. Glendon, un botánico, que en la búsqueda de la Mariphasa lupina lumina -una extraña planta que sólo habita en las montañas tibetanas y que toma su energía de la luz de la luna- es atacado salvajemente por un hombre lobo.

Esta película, cuenta con varios aspectos que la hacen interesante dentro del universo del hombre lobo. En primer lugar se establece por primera vez que la luna llena es la que impulsa la transformación del hombre a licántropo, una enfermedad para que la Mariphasa lupina lumina es un antídoto efectivo –algo curioso y que no se repetirá en ninguna otra película de hombre lobo-. También, mediante un libro que lee el Dr. Glendon en algún momento de la trama, se nos permite saber que la transformación se sucederá entre las 9 y las 10 en la noche de luna llena.

En esta versión resulta llamativo apreciar que aún no está delineado el espíritu de irracionalidad animal tan característico al licántropo en la mayoría de las películas posteriores, a diferencia de esto, el hombre lobo se mueve metódicamente entre las sombras de la noche, una característica que le hace muy cercano al Mr. Hyde ideado por Stevenson y recreado en la película de Robertson, -y luego en 1931 en la versión de Rouben Mamoulian-. Otra curiosidad de este licántropo es que tiene poderes telequinéticos –o una especie de sexto sentido- que le permite ver otros espacios, conectándose con las personas con las que tiene un lazo afectivo.

En 1941 se estrena The Wolf Man una de las películas más famosas del subgénero de hombres lobos. La película fue escrita por Curt Siodmak, dirigida por George Waggner y protagonizada por Long Chaney Jr. –el hijo de uno de los mejores, más polifacéticos, arriesgados e interesantes actores de los 20 y los 30- quien se encarga de personificar al atormentado Larry Talbot.

Todos los acontecimientos se suceden en medio de tétricos decorados, llenos de sombras y marcados contrastes entre la luz y la oscuridad, cubiertos por una profusa y constante neblina. En ese contexto escuchamos a varios personajes recitar lo siguiente:

Incluso un hombre de corazón puro

que diga sus oraciones en la noche

puede convertirse en hombre lobo

cuando el acónito florezca y la

luna de otoño brille.

En esta película, Maleva, una vieja gitana, la madre de Bela Lugosi –quien interpreta al licántropo que le da la mordida infecciosa a Larry Talbot-, establece por primera vez que el hombre lobo es vulnerable a la plata.

MALEVA

Un hombre lobo solo puede ser

asesinado con una bala de plata,

con un cuchillo de plata o con

una bastón con una manillera de

plata.

Y también establece que el pentagrama es un símbolo protector efectivo en contra de la maldición del hombre lobo.

Un año más tarde en 1942 se estrena The Undying monster dirigida por John Brahm y escrita por Lillie Hayward y Michael Jacoby. Aquí el hombre lobo y la luna no tienen nada que ver el uno con la otra, la transformación está más bien ligada a las noches heladas de una época específica del año.

En esta película se relaciona por primera vez a la licantropía con una enfermedad hereditaria, que en este caso afecta sólo a los hombres de la familia Hammond, como consecuencia de que uno de sus ancestros le vendiera el alma al diablo. Por primera vez también se nos da una interesante visión de lo que se siente psicológica y físicamente al estar transformado en un hombre lobo:

SR. OLIVER HAMMOND

…De pronto sentí que algo nos

acosaba por todas partes Kate

gritó y tiró el farol, luego

me atacó y fue como una

explosión de una caldera,

pero no era caliente era, era…

Le dan un sorbo de agua

Simplemente horrible, Kate volvió

a gritar, y yo estaba luchando en

una oscuridad que se volvió roja,

hasta que una llamarada la partió

y la hizo desaparecer, eso debe

ser cuando me golpeé la cabeza…

A pesar de que en efecto hay un hombre lobo en la cinta, el argumento se centra más bien en la investigación de una agresión que termina en asesinato. Algo a resaltar sobre este hecho es que aquí la víctima del hombre lobo muere de una concusión cerebral y no de un desmembramiento o de mordidas de un ataque animal, a diferencia de todas las víctimas habituales de un licántropo en la historia del cine.

En 1942 se estrena The Cat People una película dirigida por uno de los directores de género más interesantes de aquellos años: Jacques Tourneur, con guión de Dewitt Bodeen. La primera particularidad de esta película es que gira en torno a un personaje femenino -una diferencia radical con el resto de las películas de monstruos de la época- la enigmática y atormentada Irena Dubrovna, interpretada por Simone Simon, la descendiente de una villa serbia en la cual los habitantes dieron la espalda a Dios para dedicarse a hacer brujería y adorar al demonio.

En esta cinta el detonante de las transformaciones son las pasiones mundanas, el deseo sexual, los celos. Lo que le niega al personaje femenino toda posibilidad de demostrar su emocionalidad y su sexualidad, ya que todo tipo de pasión la lleva a ponerse en contacto con su lado animal –por supuesto un lado monstruoso-. A pesar de la temática, es una película alejada de efectismos de cualquier tipo, ya que sólo se nos sugiere la existencia de esta mujer pantera, a través de sombras y del uso del sonido. Esto hasta casi el final de la cinta cuando finalmente llegamos a ver una transformación de Irena en pantera.

En 1959 se estrena The Wasp Woman dirigida por Roger Corman, con guión de Leo Gordon. La historia de Janice Starling, la dueña y fundadora una compañía de cosméticos, que no acepta su envejecimiento –y con el la posibilidad de caer en la quiebra y perder su empresa- y que decide probar en si misma una formula experimental hecha de un derivado de las encimas de la jalea real de una abeja reina, en la búsqueda de su rejuvenecimiento.

MR. ARTHUR COOPER

Si yo fuera usted me mantendría

alejado de las avispas Ms. Starling,

socialmente la reina avispa está

al mismo nivel que la viuda negra.

Las dos son carnívoras, paralizan

a sus víctimas y se toman el tiempo para devorarlas en vida…

Poco a poco el compuesto químico hace que Janice Starling luzca unos 20 años más joven, pero los efectos secundarios de las encimas la llevarán a convertirse en una violenta mujer avispa.

En 1966 la Hammer Films estrena The Reptile dirigida por John Gilling y escrita por Anthony Hinds. La historia gira alrededor de Harry George Spalding, que tras la misteriosa muerte de su hermano se convierte en el heredero de una casa en Clagmoor Heath, una villa inglesa, en la que ocurren un grupo de muertes inexplicables.

Aquí el shapeshifter es Anna Franklyn –interpretado por la atractiva y enigmática Jacqueline Pearce-, la hija de un investigador de religiones primitivas, que descubre en Borneo la pista de una sociedad secreta llamada la gente serpiente. Una secta de las que muy pocos conocen, pero con la cual el Dr. Franklyn se obsesiona hasta develar todos sus secretos. Al verse expuestos, y como venganza, la gente serpiente secuestra a su hija Anna y la transforman en uno de ellos. Una mujer que cada noche se transforma en reptil y que ataca a todos aquellos que estén cerca de ella, asesinándolos con un veneno mortal que sale de dos prominentes colmillos.

Un personaje particularmente interesante y que resalta dentro del casting y en la trama, es el representante de la gente serpiente, interpretado sobriamente por el actor Marne Maitland. Un hombre misterioso y despiadado que se encarga constantemente de atormentar al Dr. Franklin y a Anna.

Un hecho curioso de esta película son las estrechas relaciones que guarda con The Plague of the Zombies -otra cinta de la Hammer-, ya que ambas son dirigidas por el mismo director John Gilling, tienen a la actriz Jacqueline Pearce interpretando un rol principal en cada una de las dos películas, e incluso comparten algunos de los mismos tétricos sets de filmación.

Algunas décadas más adelante en 1981 John Landis escribe y filma posiblemente la mejor película filmada en el marco de este subgénero: An American werewolf in london. La historia de dos jóvenes norteamericanos que son atacados en Inglaterra por un hombre lobo.

Lo primero que rescataría de esta cinta es que logra captar verdaderamente el espíritu «pop» de la década en la que fue realizada, hablo del tipo de diálogos, de la manera en la que los personajes se relacionan incluso con las situaciones más extremas, siempre con mucho desenfado y con grandes dosis de sentido del humor.

En una de las primeras escenas, en el hospital, el fantasma de Jack -quien resultara asesinado por el hombre lobo-, completamente destrozado por el ataque, se le aparece a David y le cuenta -con una pasmosa naturalidad y con un delirante y muy macabro sentido del humor-, acerca de su entierro, de cómo la chica de la que estaba enamorado en vida busco consuelo en los brazos de otro hombre, para luego, con las misma naturalidad contarle lo que ocurrió verdaderamente aquella noche y de sus consecuencias.

JACK

…fuimos atacados por un

licántropo, un hombre lobo,

yo fui asesinado, mi muerte

no fue natural y ahora camino

la tierra en el limbo hasta

que se termine la maldición

del hombre lobo.

DAVID

Cállate.

JACK Su descendencia debe acabar.

El último hombre lobo debe ser

destruido, y eres tú David.

DAVID

¿Qué?

JACK

Por favor créeme vas a matar gente.

DAVID

¡Enfermera!, ¡enfermera!

JACK

Escúchame, lo sobrenatural,

el poder de la oscuridad, todo es verdad.

Creo que una de las cosas que me resulta más interesante del guión es escuchar a los personajes de la película citar en varias ocasiones, al universo creado en la película de The Wolf Man dirigida por George Waggner, lo que sin duda funciona para afianzar la verosimilitud de los acontecimientos que se suceden dentro del film.

No se puede hablar de esta película sin mencionar la secuencia de transformación de David Kessler en hombre lobo, ya que es posiblemente la mejor transformación a licántropo filmada en la historia del cine, hecha por el equipo de maquillaje y efectos especiales Rick Baker -lo que en efecto les valió un Oscar en la categoría de Efectos Especiales en 1982-, una secuencia sin duda memorable y digna de ser apreciada aun hoy, a unas cuantas décadas después de haber sido realizada.

Creo que otro de los logros del film, y que le proporciona una aplastante naturalidad, es la de sacar al hombre lobo de los estudios a los que había estado ligado habitualmente. En esta película vemos al licántropo atacar a sus víctimas en escenarios reales de los suburbios londinenses, en los muelles, en el metro –una secuencia antológica por cierto-, en un cine y en el mismísimo centro de Piccadilly Circus. Tampoco se puede hablar de esta película sin mencionar la irreverente banda sonora en la cual resaltan las diferentes versiones de “Blue moon” la famosa canción escrita en 1934 por Richard Roger y Lorenz Hart.

Sin dudas una película altamente recomendable para todos aquellos amantes de este subgénero.

No puedo terminar en este pequeño compendio sin mencionar La Belle et la Bete (1946) impecablemente dirigida por Jean Cocteau, la archiconocida historia de amor entre una mujer y una bestia, que es en realidad un hombre encantado. The Fly (1958) de Kurt Newman, la historia de un científico que al realizar un experimento se fusiona genéticamente con una mosca (una película que será versionada con muy buenos resultados en la década de los 80 por el director canadiense David Cronemberg). The alligator people (1959) Dirigida por Roy Del Ruth. La historia de una mujer sin pasado y de un hombre que al recibir un tratamiento científico experimental con hormonas de reptil es convertido en un híbrido mitad hombre y mitad lagarto. The curse of the werewolf (1961) dirigida por Terence Fisher, donde por primera vez se ve la manifestación de la licantropía en un niño. La furia del hombre lobo (1971) dirigida por José María Zabalza. Una película que muchos consideran de culto por estar protagonizada por el polifacético Paul Naschy. La lupa mannara (1976) dirigida por Rino Di Silvestre, la historia –abiertamente de sexploitation (explotación sexual)- de una mujer que tiene pesadillas recurrentes en la que se convierte en una mujer lobo despiadada y asesina. The howling (1981) dirigida por Joe Dante, la historia de una mujer que descubre una sociedad secreta de licántropos capaces de transformarse en hombres –y mujeres- lobos a voluntad. The company of wolves (1984) dirigida por Neil Jordan, la historia de una chica que sueña que es la caperucita roja, pero enfrentada a una manada de hombres lobos. Ladyhawke (1985) dirigida por Richard Donner. La historia de dos amantes condenados a ser Águila de día y lobo de noche, sin nunca poder estar juntos en forma humana. The seventh stream (2001) dirigida por John Gray, la historia de amor de una Selkie –una foca que se convierte en mujer- y un pescador. Hulk (2003) dirigida por Ang Lee, la historia de Bruce Banner un hombre que luego de ser afectado por radiación se transforma en un hombre verde, súper poderoso y lleno de ira. The wolfman dirigida por Joe Johnston, posiblemente la mejor versión en la que se narra la historia de la familia Talbot.

Bueno y hasta aquí alcanzan mis conocimientos sobre el tema, seguramente habrán muchos más títulos de este subgénero que aún me falta por descubrir, conocer y estudiar. Lo que es cierto, y que puedo afirmar como espectador cinematográfico, antes de terminar estas palabras, es que siempre será interesante observar argumentos en los que se muestre el encuentro –o más bien el desencuentro- de la racionalidad humana; esa que establece, predetermina y delimita nuestro comportamiento a través de reglas sociales, morales y teológicas; con el lado más oscuro, primitivo, irracional y salvaje de nuestra olvidada naturaleza animal.

Autor:

Sergio Marcano

Licenciado en Artes, Mención Cinematografía, de la Universidad Central de Venezuela UCV y egresado de la cátedra de edición de la Escuela Internacional de Cine y Televisión EICTV de San Antonio de los Baños, Cuba. Su experiencia en cine y televisión abarca la escritura de guión, dirección y edición de documentales y ficción.

Fuente:

elcinescopio.blogspot.com

Año 2010

Licencia Creative Commons

(CC-BY-NC-ND 3.0 ES)

Una Teoría sobre la Música para Cine por Dan Golding

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 06 Nov 2021 21:24:00 +0000

¿Debería ser siempre original la música para cine? Esta interrogante ha estado presente desde el inicio del sonido en el cine y Dan Golding nos da su perspectiva sobre este asunto.

Dan Golding es profesor titular y vicepresidente del Departamento de Medios y Comunicaciones de la Universidad Tecnológica de Swinburne, Australia. Como investigador y docente, se ha interesado en la intersección de la tecnología y los medios, incluida la historia, el cine, los videojuegos y la música digital.

Fuente/Autor:

José Luis Díaz

https://youtu.be/CwxUxFiu1Lg

Video original de Dan Golding

https://youtu.be/UcXsH88XlKM

Wikipedia

https://en.wikipedia.org/wiki/Dan_Golding

Licencia Creative Commons (CC BY –SA 3.0)

Entrevista a Roger Koza

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 20 Sep 2021 13:02:00 +0000

Edgar Rocca, cineasta venezolano y mienbro del Círculo de Críticos Cinematográficos de Caracas entrevista a Roger Koza; pensador, programador y crítico cinmatográfico argentino.

Fuente/Autor:
Círculo de Críticos Cinemtográficos de Caracas
https://youtu.be/LjuU3IBmbmQ

Richard Linklater

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 18 Sep 2021 22:28:00 +0000

Fuente/Imagen:
Wikimedia Commons
Autor:
LBJ Fundation
Licencia:
(CC BY 2.0)

Una mirada veloz de David Bordwell explicado por Pelayo Sánchez

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 03 Aug 2021 22:07:00 +0000

David Bordwell es uno de los teóricos del cine más influyentes en la actualidad. Ha sido un gran estudioso de la obra de cineastas tan importantes como Dreyer, Ozu y Eisenstein. Bordwell es autor de 18 títulos entre los que destacan: El significado del filme, El arte cinematográfico (junto con Kristin Thompson) y El cine clásico de Hollywood (junto con Kristin Thompson y Janet Staiger).

También destaca entre las publicaciones de Bordwell un ensayo titulado Una mirada veloz donde analiza el estilo visual del cine hollywoodense. Este documento de sumo interés para los amantes del cine es explicado y comentado por Pelayo Sánchez, comunicador audiovisual y productor de contenidos a través del canal Harto Brillante de YouTube.

Fuente/Autor:

Harto Brillante

https://youtu.be/mPLmvl59MFQ

¿Qué tienen en común Woody Allen y Clint Eastwood?

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 24 Jun 2021 02:47:00 +0000

Alguien con algún conocimiento de cine simplemente dirá que son actores, otros dirán que también son cineastas ganadores del Oscar, pero lo interesante es que Allen e Eastwood comparten muchas similitudes aunque sean actores y realizadores con estilos muy distintos. Tanto Allen como Eastwood son hombres orquesta, ambos están presentes tanto delante como detrás de las cámaras responsabilizándose de todo para procurar el éxito de sus filmes. En el caso de Eastwood, el produce, dirige y hasta compone parte de la banda sonora. Por el lado de Allen, se le ve más como guionista y director. Además, ambos tienen una larga y prolífica carrera que abarca varias décadas. Pero lo más fascinante en ellos es que teniendo el peso del tiempo sobre sus hombros (ambos pasan los 80 años de edad) lo mejor de su carrera tal vez esté entre sus más recientes trabajos.

Caso Eastwood. Prefiero hablar de mi paso personal por la cinematografía de Eastwood, entre 1970 y 2008, ya que para hablar de toda ella es preferible consultar Wikipedia. Recuerdo haber visto Magnum 44 cuando estaba como en 5to grado de primaria, la vi sin saber que pertenecía a la saga de Harry el sucio. Y recuerdo también verla porque participaban David Soul y Robert Urich protagonistas de las series de los 70, Starsky y Hutch y S.W.A.T. Luego, vendría Firefox un filme sobre un avión supersónico, el cual había que robarle a los rusos y me entusiasmé mucho porque era chamo y me gustaban los thrillers con el agregado de la alta tecnología. Después llegarían otras aventuras de Harry el sucio o de un policía similar. Eastwood se especializó, por no decir se estancó, en películas de policías a tal punto que para En la cuerda floja tuvo que mudarse la trama a New Orleans para que no se confundiese con San Francisco de Harry el sucio, aun así, Eastwood puso punto final a la saga del inspector Callahan con Sala de espera al infierno. Después de allí vendría The Rookie, un filme híbrido entre Harry el sucio y Duro de Matar donde comparte roles con dos villanos de lujo, los latinos Raúl Juliá y Sônia Braga.

En 1992 llegaría el filme Los Imperdonables, este aclamado western multipremiado y bien criticado, una visión más real y cruda del viejo oeste, haciendo homenaje a los spaghetti western que Eastwood protagonizó al principio de su carrera. Por supuesto, que de esos filmes mi favorito es El bueno, el malo y el feo. Después de Los imperdonables tendría que pensar en Río Místico, un poderoso drama acerca de los pecados del pasado y las repercusiones en el presente, aquí Eastwood solo dirige. También destacamos Gran Torino, donde Eastwood decide volver a protagonizar actuando como un viejo cascarrabias involucrado en un caso de racismo. Igualmente está The Changeling, un caso de identidades cambiadas y errores de la ley y la justicia. No sabemos si todavía Eastwood presentará una última obra magna pero sería imperdonable perderse lo que nos tenga guardado en el futuro.

Caso Allen. Me gusta mucho la cinematografía de Allen porque es muy extensa, para un coleccionista como yo tener de donde elegir es magnífico, más de 45 películas, una por año e incluso dos, nos dicen mucho de esa vertiente creativa de ese traumado hijo de New York. En este caso, quiero hablar de su filmografía entre 1969 y 2013. No recuerdo si vi primero Comedia sexual de una noche de verano primero que Zelig, pero sí sé que me quede prendado de la historia de Leonard Zelig, un hombre camaleón. Este falso documental me parece más genial cada vez que lo veo y nunca pasa mucho tiempo sin que lo vea y le consiga más virtudes. Claro, según los archivos tendríamos que empezar la filmografía de Allen con Toma el dinero y corre, una muy divertida comedia acerca de un ladrón que nunca dejara de serlo. Mucho después vendría Días de radio, una muy divertida y nostágica comedia de aquellos días. También están las fantasías de La rosa púrpura del cairo, Alice, Mighty Aphordite, y el musical Todos dicen que te amo que me gustaron mucho. Años después vendría Match Point, un muy interesante drama donde esa metáfora del tenis lo dice todo, magnífica y hecha ya en el otoño de su vida.

Son tantas películas incluso pedazos de películas como el fragmento de Historias de New York donde comparte cartel con Coppolla y Scorcese en tres historias separadas. Entre sus obras recientes esta la magnífica Midnight in París pero con Blue Jasmine, protagonizada por la maravillosa Cate Blanchett, la cosa se pone mejor.

Sin duda, ambos artistas son como el vino mejoran con tiempo.

Autor:
LUIS STEELHEART

Licenciado en Administración de Empresas. Ha participado en diferentes actividades de cine-foro principalmente en el Cine Club Charles Chaplin y en la Biblioteca Pública Pio Tamayo, además de realizar colaboraciones en diferentes actividades de cine en los lugares antes mencionados y otras instituciones como la Universidad Simón Rodríguez, el CIECA, la UPEL y el Liceo Lisandro Alvarado. Steelheart es un cinéfilo y coleccionista de artículos relacionados con el cine.

La Mirada de HAL es un espacio de opinión sobre cine. Iribarren Films, como una contribución al desarrollo de la cultura cinematográfica, ofrece este medio para el planteamiento y la discusión de ideas con relación al séptimo arte. Sin embargo, las opiniones emitidas en este espacio son responsabilidad únicamente del autor.

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La Dirección de Cultura de la UCLA siempre en apoyo de las manifestaciones artísticas que se generan en el estado Lara brindó su colaboración para la producción del cortometraje Antes de Morir. Con la participación de docentes, estudiantes y trabajadores de la universidad y teniendo como escenarios los espacios de esa casa de estudios se produjo esta obra que fue estrenada en el marco del Festival de las Artes de la UCLA 2018.
Fuente:

HGRpro
https://www.youtube.com/watch?v=gJuAYNMNhKg

Carlos Reygadas

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 20 May 2021 14:02:00 +0000

Fuente/Imagen:
Wikimedia Commons
Autor:
Yasu
Licencia:
(CC BY-SA 3.0)

Quentin Tarantino

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 05 May 2021 18:00:00 +0000

Fuente/Imagen:
Wikimedia Commons
Autor:
Georges Biard
Licencia:
(CC BY-SA 3.0)

CINEMApodcast - El conflicto de primer nivel

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 24 Mar 2021 21:22:00 +0000

Isabel Coixet: «tu deber es hacer la mejor película que puedas y sientas»

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 26 Feb 2021 13:37:00 +0000

Reflexiones de Isabel Coixet tras recibir el Premio Nacional de Cinematográfia en el marco del Festival de Cine de San Sebastián 2020. Coixet dirigió su discurso a los nuevos realizadores y en particular a las directoras noveles.

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